Clase magistral de la videografía para teléfonos inteligentes: aprovecha al máximo la cámara de tu teléfono inteligente

1. Introducción: Como puede que sepa o no, ahora mismo, en su bolsillo, detiene a una de las herramientas más poderosas que puede utilizar en el siglo XXI. Obviamente me refiero a tu teléfono, pero más específicamente, me refiero a tus teléfonos, cámaras. Ya ves si combinas el hecho de que la herramienta más poderosa del mundo ahora mismo descansa en tu bolsillo con un conocimiento extremo en el campo de la videografía y la edición de video, esta es una combinación asesina inmediato te hace muy valioso, útil y potencialmente rentable en la sociedad actual. Esta es exactamente la razón por la que creé este curso de cuatro horas de duración en el que pasamos por todos los aspectos que necesitas entender y comprender para estar muy cómodos y producir videos con tu teléfono. Este de aquí es el curso completo de videografía de teléfonos inteligentes para principiantes. Nuevamente, en esto para nuestro curso, vamos a estar analizando todos los conocimientos que necesitas digerir para volver a sentirte muy cómodo al utilizar esta herramienta muy poderosa que tienes en tus bolsillos. Vamos a comenzar este curso analizando todos los diferentes equipos en los que puedes o no querer invertir para este hobby, vamos a pasar a analizar qué velocidad de fotogramas y resolución es la partes internas de su cámara en movimiento. Vamos a retroceder de las partes internas de tu cámara y hablar sobre diferentes movimientos que puedes usar mientras tomas video. Siete formas diferentes y nuevas de estabilizar tus clips de las que estoy seguro de que nunca has oído hablar. Y luego nos estamos alejando aún más de las partes internas de la cámara y discutiendo algunos principios más amplios de la videografía que son muy importantes para que usted establezca las bases para estas vacaciones. Entonces, al discutir los principios de composición, los principios de la iluminación, para nuevamente, sentar grandes bases para tu viaje en videografía. Después de eso, estamos discutiendo los diferentes parámetros que necesitas entender bien, disparar en interiores, la correcta colocación de luces y micrófonos, y obviamente los diferentes parámetros de disparo al aire libre. Por último, vamos a pasar al segundo segmento de este curso en el que estamos discutiendo sobre la edición, cómo editar un rol, cómo editar B-roll. Algunos consejos y trucos que he aprendido a través mis cinco años de experiencia en este campo cinematográfico. Y finalmente, estamos discutiendo sobre diseño de sonido y la importancia de agregar sonido para elevar el valor de producción de sus ediciones. Entonces otra vez, estoy muy feliz de tenerte aquí. Tienes mucha suerte de haber encontrado este curso. Únete a mí en esta búsqueda para entender cómo esas poderosas herramientas de horas funcionan esas poderosas herramientas de horas y domina la videografía de teléfonos inteligentes. 2. El proyecto de clase: Así que muchas gracias por hacer clic en este video y de hecho comenzar esta búsqueda conmigo para convertirme en expertos en videografía de teléfonos inteligentes. De nuevo, este va a ser un curso muy emocionante. Vamos a estar analizando muchos aspectos diferentes de nuevo, esta afición increíble. Pero ahora para esta lección aquí mismo, nos vamos a centrar en el proyecto de clase que estás llamado a completar al final de este curso. Así que de nuevo, vas a estar digiriendo una gran cantidad de información en este curso que he respaldado firmemente para seas fácil de comprender y entender. Y el proyecto de clase va a ser de nuevo, basado en toda la información que vas a aprender a través de todas esas lecciones. Entonces, obviamente, el proyecto de clase es para que agarres tu teléfono, grabes un video con todos los diferentes principios que vamos a estar discutiendo y edites este video nuevamente, con los principios de edición que van a estar analizando en las lecciones posteriores de este curso. En mi opinión, este sería el proyecto de clase perfecto. Por eso se lo asigné a ustedes chicos. Y realmente te animo a participar en este proyecto de clase y realmente entregar el proyecto de clase debido a que la mejor manera de aprender en este campo aquí mismo es a través de prueba y error. Así que traje, edita, dispara, edita, dispara, edita. Esta es la mejor manera de aprender el campo de la videografía. También tenga en cuenta que estaré personalmente viendo y revisando cada uno de sus proyectos de clase. Entonces esta también es una gran manera conectar conmigo si quieres, podemos tener una pequeña discusión en la sección de discusión de este curso. Así que por favor, anímelo nuevamente a enviar su proyecto de clase y participar con esta clase y aprovecharla al máximo lo suficiente con la introducción, vamos a sumergirnos en la videografía de teléfonos inteligentes con el primera lección en la que de nuevo, vamos a estar discutiendo sobre todas las diferentes piezas y todas las diferentes categorías de año que existen. Y puede o no necesitar comenzar de nuevo con este curso aquí mismo. Así que de nuevo, estoy muy emocionada de que te unas a mi curso. Nos vemos en la primera lección. 3. El equipo: Bienvenidos a todos a la primera lección de este curso en la que, como puedes ver en esta diapositiva de aquí mismo, vamos a analizar todo el equipo que vas a necesitar para elevar tu juego de videografía para teléfonos inteligentes. Ahora ten en cuenta que todo el equipo va a estar analizando en esta lección aquí mismo va a ser opcional. Todo se puede reemplazar con tu smartphone. Esta lección aquí mismo. La función de esta lección aquí mismo es abrir los ojos en el mundo de todo el equipo que puedas invertir en este juego de videografía para mostrarte realmente todas las diferentes opciones que tienes. Entonces en esta conferencia aquí, nos vamos a centrar en cuatro subcategorías diferentes, si se quiere, de rendimiento que puede invertir en la primera categoría va a ser equipo que se puede aplicar directamente a su cámara, e.g lentes externas. La segunda categoría es la ligera. Así que luces suaves, luces de anillo, luces de fondo, cosas así. Entonces vamos a movernos a la marcha que puedes estar usando si disparas al aire libre, por ejemplo , estabilizadores, juegos de azar y cosas que mejorarán tu temblor de video, si quieres. Y finalmente, vamos a pasar a la marcha que vas a necesitar para completar con éxito la postproducción editando tus videos. Esto podría ser de nuevo un MacBook BC de edición de softwares. Entonces vamos a analizar todo eso en esta lección aquí mismo. Así que ahora vamos a sumergirnos en la primera categoría de equipo, que va a ser la cámara. Ahora, obviamente la cámara va a ser tu smartphone. Hay muchos teléfonos inteligentes diferentes para elegir. Como sabes, puedes tener un iPhone y los teléfonos Android podrían ser Samsung, Huawei uno más. Allí, hay una gran variedad de fuentes diferentes para elegir. Estas son algunas especificaciones que sería genial para ti tener en tu smartphone. Por lo que hacemos la calificación para que tu smartphone pueda adaptarse al video full HD a diez ADP o más. Estos hoy en día smartphones, sé que se emiten más de cuatro K. Algunos smartphones también demandaron a los cinco K. Así que esto no debería ser un problema. También es una explosión enorme. Si realmente, si tu teléfono en realidad tiene un objetivo blanco o un teleobjetivo, los teléfonos hoy en día vuelven a venir con dos o más lentes, y la mayoría de ellos son blancos o teleobjetivo. Entonces esto es una maravilla si tu teléfono en realidad tiene un teleobjetivo más amplio. Además de eso, es muy importante que tu teléfono tenga algún tipo de almacenamiento interno. Esto suele aplicarse a los teléfonos Android más que a los iPhones, porque los iPhones obviamente no tienen la ventaja de almacenamiento externo o interno. Por lo tanto, los teléfonos Android suelen venir con capacidades de almacenamiento interno. Para que puedas comprar una tarjeta SD, prácticamente enchufarla en tu teléfono, y ahora tienes más almacenamiento. Y en esta videografía, conferencia, lección y juego que estamos jugando, pronto te darás cuenta de que el almacenamiento es una de las cosas más importantes para adquirir en una etapa muy temprana. Por lo que el almacenamiento es muy importante. Al tener tu formulario, vamos a hablar sobre almacenamiento externo y almacenamiento en la nube en esta lección. Y por último, necesitas algún tipo de estabilización de edificios en tu teléfono. Los iphones tienen edificios civilización, la mayoría de los teléfonos Android modernos, sé que tienen estabilización de video de construcción. Esto nos ayudará masivamente a mejorar nuestra videografía. Entonces estas fueron las características clave del teléfono inteligente. Pasemos a las características externas y equipos externos en los que podemos invertir en nuestros teléfonos. Estas son algunas lentes externas que se pueden aplicar a tu teléfono iPhone o Android, internas a tu smartphone, hay dos tipos de lentes, ¿verdad? Esto te será muy útil si invertirías en ellos. Ahí están esos lentes que vienen con una funda. Entonces obtienes tu smartphone, tienes un estuche alrededor de él. En este caso, básicamente puedes atornillarlo aterriza. En este caso, todas esas lentes, hay una enorme variedad de lentes que podemos usar con esta funda, lentes gran angular, lentes de gama media, teleobjetivos, lentes que aplican alguna distorsión a tus videoclips y dale esta vibra vintage. Entonces esto sería genial si invertieras en uno de esos lentes. Y también tenemos esos lentes clip más baratos que acabas de sujetar en la cámara de tu teléfono. Estos son obviamente mucho más baratos. Estas podrían ser lentes ojo de pez, lentes ultra anchas. Son un poco menos confiables debido a que este clip podría distorsionar aún más tus eventos. Pero de nuevo, si vas con este look vintage distorsionado, una lente de clip sería genial. Otra categoría de equipo de smartphone se aplica directamente a tu smartphone en el que puedes invertir son, por supuesto, alguna gran fuente de energía. Cuando se trata de bancos de energía, te aconsejo encarecidamente que compres departamento a esta compañía llamada Anki, también conocida como ira. Estos son muy fríos los productos y otra vez, cuando se trata de la potencia que llega a tu teléfono, no quieres arruinar tus teléfonos construyendo batería. Así que por favor invierta en algunos productos de calidad cuando se trata de energía. Ahora bien, obviamente está la segunda la segunda fuente de alimentación, como ya comentamos antes, es la toma de corriente. Y lo único es que debes saber ahora mismo es que necesitas invertir en algún cable que más de 1.5 m de largo. No queremos que nos limitemos obviamente al tomacorriente de pared, Así que solo recuerda invertir en un cable largo si lo haces. Al seguir adelante, otra inversión esencial y excelente que puedes hacer en pieza de engranaje cuando se trata de tu smartphone, es la inversión en almacenamiento. Nuevamente, en videografía, vamos a necesitar tanto almacenamiento como podamos. Los archivos hoy en día son 4k5k. Hay archivos enormes y necesitamos un lugar seguro para almacenarlos. Cuando se trata de almacenamiento para edificios de teléfonos inteligentes, tienes dos opciones. Si tienes un teléfono Android con la capacidad de un almacenamiento externo a través de una tarjeta microSD, te aconsejo encarecidamente que inviertas en una tarjeta SD de gran gigabyte SanDisk. Esto es 128 gb o más. Hoy en día el resto los guardias de 1 tb, 2 tb. Así que agarra uno de estos. Estos generalmente solo se aplican a 100 libras porque. Iphones prácticamente puedes tener una tarjeta SD en ellos. Y te dan la ventaja de agregar almacenamiento adicional a tu teléfono. Ahora, si tienes un iPhone, quieres invertir en Cloud Storage. Sé que iCloud proporciona un plan de almacenamiento. Y creo que con $1 al mes, obtienes algo así como 200 gb de Cloud Storage gratis. Ahora yo, yo mismo, no soy un gran fan del almacenamiento en la nube. Tú el hecho de que no he encontrado la mejor manera de importar y exportar archivos desde el espacio de almacenamiento. Y de veras, disfruto mucho la vieja forma clásica de simplemente tener un guardia, sacar el guardia, encarnarlo en tu PC y hacer la magia, la magia de editar de esta manera. Pero como se va a hacer. Entonces este era más o menos el equipo cuando se trata de la cámara misma. Ahora, vamos a pasar a la siguiente categoría de piezas de equipo que te ayudarán con juego de videografía de tu smartphone, y estas son ligeras. Ahora presta mucha atención a esta parte de esta lección. El hecho de que en siguiente lección en la que vamos a discutir sobre cómo iluminar una escena que se buscará con tu iPhone. Obviamente, o necesitarás invertir en una de esas luces o encontrar la manera de configurar un escenario de iluminación tú mismo. Entonces ahora te voy a presentar los tres tipos de luces que quieres tener en tu juego de videografía de smartphone. El primer tipo son las luces softbox, las luces de anillo o las luces de fondo. Ahora bien, cuando se trata de luces de softbox y luces de anillo, si yo fuera tú, invertiría en una de esas dos. Las luces de fondo tampoco son esenciales, pero mejorarán ampliamente tu video con cualquier cámara que estés filmando. Entonces, movamos y analicemos las luces de softbox. responsabilidad rápido aquí. No hay una iluminación perfecta para todas las ocasiones. En todas las luces que vamos a discutir aquí. Hay algunos marrones y hay algunas desventajas. Los pros de la diapositiva softbox es el hecho de que son relativamente baratos. Puedes comprar ambas noches por unos 40€ en Amazon. Así que ese caro, de nuevo, 20 dólares por cada una de las cuchillas está bien. Proporcionan una iluminación fuerte y realmente pueden iluminar tu habitación. Por ejemplo, tener un aspecto suave como aquí. Y una vez me sentí como ahí y se puede ver que les gusta mucho toda la habitación arriba y son muy versátiles. Hizo el hecho de que puedes detenerlos en todo tipo de lugares y ponerte muy creativo con esas noches. Obviamente, hay algunas desventajas. Son enormes. Toman una gran cantidad de espacio y son bastante difíciles de almacenar, aunque pueden acumularse, así que puedes almacenarlos en algún lugar. Toman una enorme cantidad de espacio, incluso cuando los almacenas. El último rincón de esta diapositiva, que en realidad también lo tengo en la lista de navegación, es para algunas personas, el deslizamiento puede ser demasiado fuerte. Me hizo hacer corazones, como lo llamamos en la videografía. Así que ten eso en mente si voy a hacer aunque, definitivamente invertiría en una softbox como. Ahora. Al seguir adelante, la segunda categoría de luces en la que puedes invertir es una luz anular en general, como regla general, recuerda que la luz anular está hecha para más videógrafos principiantes, entonces el jabón parece que estas son la luz que esperarás para un TikTok o uso, o un YouTuber para usar. pros de las luces de anillo es el hecho que están hechas para teléfonos específicamente. Entonces hay una correa o tu teléfono para ponerlo en medio de la luz del anillo. Y son muy fáciles de usar y muy fáciles de almacenar. Honestamente, no son tan grandes, como puedes ver. Se pueden montar la bombilla seca. Entonces esto es bastante versátil. Pero de nuevo, los contras, creo que en este caso son más que los vagos producen una mala calidad de luz. No tienen este difusor que ves en esas luces de caja. La iluminación que utilizan. El hecho de que no haya difusión entre el sujeto y la fuente de luz es bastante difícil. Yo diría que es aún más duro que las diapositivas de caja. Y se pueden ver los sujetos de las luces de anillo por lo general se puede ver la luz del anillo en sus ojos, lo cual no es lo ideal. Y además no son tan estelares. Son geniales para filmar un lugar en un video tipo entrevista como este. Realmente no puedes ser muy creativo con las luces de anillo. Entonces estas eran luces de caja y luz de anillo. Pasando a la tercera categoría, podemos hablar de luces de fondo. Ahora hay una enorme, enorme, enorme variedad de luces de fondo para elegir. Obviamente las luces estériles no son esenciales, pero son muy, muy recomendables. Práctico todo lo que hacen las luces de fondo es que son la nueva capa de profundidad en tu video. Una luz de fondo, como puedes ver aquí, podría ser esta escala en la nube con diferentes LEDs. Podría ser la luz del atardecer o simplemente una simple tira de LED, como puedes ver en el fondo aquí mismo. Tengo tiras LED y las vuelvo a usar para agregar una capa de profundidad en mi videografía. Entonces estas eran más o menos la luz. Ahora que hemos terminado con las dos categorías más importantes de equipo, obviamente el equipo que aplica a tu cámara y la luz en la que puedes invertir para producir los resultados óptimos en tu video es tiempo de hablar de equipo que te ayude con tus acciones, pensamientos. Obviamente, no vamos a quedarnos dentro de la habitación para este curso. Vamos a salir a filmar al aire libre y ellos arriesgan equipos que puedan acompañar a tu cámara en esos casos. Entonces cuando se trata de la acción V, Estos son los tres accesorios más importantes en los que invertir. Obviamente, vamos a necesitar una funda duradera para nuestro teléfono. Estas son piezas de equipo muy frágiles, cámaras muy frágiles, y quieren invertir en un gran estuche duradero. Así que vamos a analizar todos los casos que podrían aplicarse a tu cámara. Además, puedes invertir en algún cardán. Ahora los Gimbels son más o menos sofisticados. Trípodes, mantienen estable tu cámara y son Gimbels hechos directamente para teléfonos. Dji hace grandes demostraciones. Por último, podrías invertir en un trípode o en una vaina de gorila. Entonces comencemos analizando casos productivos. Ahora, como dije antes, vas a necesitar una funda protectora. Esto podría ser un estuche impermeable, igual que el maletín de vida que hizo, que está hecho para iPhones. Podría ser una funda que asegura tu teléfono y en realidad puedes meter dedo en la funda para que no se resbale o algo así. Y por último, hay casos, como analizamos antes en la diapositiva del smartphone que se pueden atornillar algunas lentes para volver a producir, esas imágenes y tomas más interesantes. Entonces estos son los tres casos diferentes en los que deberías considerar invertir. Si fuera yo, invertiría en un maletín en vivo. Estos son impermeables por lo que podríamos obtener algunas imágenes bajo el agua si te pones creativo con él maletín en vivo. Y en general, tu teléfono estará intacto en prácticamente cualquier escenario de rodaje. Ahora, un cardán definitivamente no es una pieza de engranaje esencial obviamente con cuando se dispara con un teléfono inteligente, pero es muy recomendable. Al igual que el, igual que las luces. Vamos a tener algunos pros y algunos contras. Las ventajas del cardán es que solo produce extremadamente suave, impecable. Confía en mí, cuando digo eso, no verás ningún batido cuando se trata de la comida que sale de esto, esas jugadas que son piezas de equipo realmente increíbles. Además de eso, otro profesional es que en realidad aumentan a veces la duración de la batería de tu teléfono al hecho de que actúan como biobancos. Entonces esto es una gran ventaja porque si inviertes en un cardán, prácticamente no tienes que invertir en un bar man. Obviamente, hay algunas desventajas. El teléfono está expuesto, ¿verdad? Entonces está expuesto a los elementos. No tienes funda cuando tienes tu teléfono a un cardán. Entonces deberías considerarlo. Además de eso, son difíciles de sortear tiempo interno de Gimbels con casos productivos. Por lo que debes llevar un, otro estuche contigo para el Gimbal. Entonces esto es un ajetreo. Realmente es solo una cosa más a tener en cuenta cuando estás en el campo disparando. Entonces deben tener sus mentes, el cardán, dónde, dónde almacenarlo, dónde ponerlo, cómo sacarlo para equilibrarlo. Entonces es, es una molestia, pero vale la pena cuando se trata de los videos que salen de los Gimbels. A continuación, hay trípodes. Ahora, se triplica. Son muy baratos, ¿de acuerdo? Se trata de un enorme bro del trípode. Puedes comprarlos por 1020 dólares para Amazon, son muy fáciles de usar. Solo tienes que enchufar tu teléfono ahí, tu teléfono descansa fácilmente. No es tan difícil. No necesitas el trípode de muy calidad para disparar para tu teléfono. Si tuvieras como una cámara de 5,000 dólares, yo te invertiría, te aconsejo que inviertas en un trípode muy caro porque no quieres que tu cámara obviamente se caiga. Pero para esos casos, un símbolo conductores de 10 dólares para un teléfono es perfecto. En este laboratorio, la mayoría de esas tribales han costado $10, vienen con más accesorios de Amazon. Para que puedas tener este mando a distancia para iniciar o detener mi video. Entonces esto también es un plus. Ahora cuando se trata de los contras, obviamente trípodes son muy difíciles de empacar. Estos son grandes, relativamente grandes. No quieres llevar un enorme luchado contigo en todas partes. Además de eso, debido a su bajo precio, por supuesto, y su baja calidad, no son duraderos. Estás limitado cuando se trata de los movimientos y diferentes sales se van a reutilizar con un tribal más o menos. La cámara es estable en un solo servicio con un trípode. Trípodes. Resumimos que están hechos para principiantes. En su mayoría. Esto aquí mismo, en mi opinión, se define línea dorada de todos los estabilizadores de cámara. Esta es una tabla de gorila. Ahora una cápsula gorila es un trípode, un estabilizador, un niño vlogueo. Son relativamente baratos, fáciles de almacenar, muy, muy estilo. Y cómo un pequeño tamaño, lo que significa que puedes guardarlos en tu bolsa de cámara. En mi opinión, cada uno de ustedes debería invertir en un buen gorila audaz. Esta es una pieza de año muy versátil y tiene mi sello de aprobación cuando se trata videografía en general, ya sea smartphone o cámara o DSLR o sin espejo, debes invertir en un gorila. Pero en mi opinión, es uno de los que más valor aporta un accesorio en el que puedes invertir. Por último, hablemos de todo el equipo, el software y el hardware que vas a necesitar para editar con éxito videos que vienen a editar con éxito videos que través de aunque eres teléfonos inteligentes increíbles. Entonces ahora a la hora de editar, necesitamos algunos accesorios de postproducción. Este sería un sistema operativo y software de edición y almacenamiento externo, que es diferente al almacenamiento externo de tu teléfono Android. Esto va a ser almacenamiento externo para su sistema operativo. Entonces, vamos a darle un paso a la vez. Empecemos con el sistema operativo. Ahora. El sistema operativo, obviamente podría ser un MacBook, ¿verdad? Este es el sistema de mi elección. Es atemporal. Compras un libro Mac quiere y lo mantienes 45678 años depende de cuánto tengas cuidado con él. Son muy, muy duraderos y fáciles de usar. Un MacBook es una inversión en la que vale la pena invertir. Durará mucho tiempo y te hará la vida más fácil y mejor. Obviamente, si no quieres invertir en una MacBook, puedes invertir en APC. PC y los portátiles tienen mayor potencia informática que los MacBooks. Dales que tienen el lujo de que puedes actualizarlos para tener aún más potencia de CPU y más potencia informática. Pero son un poco más complejos. Hay que lidiar con los virus. softwares son un poco más complejos de navegar, y además no son móviles. Los puedes llevar contigo en un viaje o algo así. Así que tenlo en cuenta a la hora de elegir su sistema operativo. Obviamente, un teléfono es un sistema operativo y es un sistema operativo libre. Como te dije al inicio de esta lección, probablemente no necesites invertir en ninguna de esas buenas piezas para seguir las lecciones que vendrán. Solo te estoy sugiriendo las mejores opciones de relación calidad-precio aquí. Un teléfono es obviamente un sistema operativo gratuito para editar tus videos. ¿Bien? Dicho esto, no vas a tener tanta libertad creativa a la hora de editar desde tu teléfono. Obviamente, es por eso que la mayoría de los editores editan a través de a, B, C o una MacBook. Tenemos más libertad creativa mientras hacemos esto. Los teléfonos están asociados con una disminución de la potencia informática, pero sigue siendo una opción si no quieres invertir en otro sistema operativo, definitivamente puedes editar videos gratis desde tu teléfono. Ahora, cuando se trata del software de edición, vamos a tener tres rondas. Si eres usuario de PC, quieres invertir en Premier Pro. Premier Pro es el mejor software de edición para usuarios de PC. No es tan fácil de dominar, pero es fácil comenzar a editar. Como principiante, eres Premier Pro. Así que al 100% sugiere que cada uno tenga una PC para invertir y empezar a aprender a editar en Premiere Pro. Si eres usuario de Macbook como yo, te sugiero que inviertas en la compra de Final Cut Pro. Tengo un curso en mi canal aquí mismo sobre cómo editar videos de Final Cut Pro. Como principiante, es, creo en mi opinión, el software de edición perfecto tanto para principiantes, intermedios, y también expertos, videógrafos. Así que tenlo en mente. Si vuelves a tener una Mac, invierte en Final Cut Pro. Y si tienes un iPhone, sé que iMovie es un software de edición gratuito que viene con tu iPhone de forma gratuita. Entonces tienes esta opción para editar en iMovie cuando se trata de usuarios de Android, puedes descargar la enorme variedad de free-running que sufre de Google Play Store y generalmente en línea. Entonces voy a hacer esto si lo fuera, si fuera usuario de Android. Ahora, avanzando, como decíamos, independientemente del sistema operativo que vayas a usar, es bueno que inviertas en almacenamiento externo. El almacenamiento externo es absolutamente esencial si vas con una PC o una Mac, no quieres estar almacenando tus videos en tu almacenamiento MacBook o tu almacenamiento de PC. Esto hará que tu BC sea más lento y tendrás el riesgo de perder el metraje si pierdes tu BC. En general, estas son dos opciones que puedes invertir en un disco Stan almacenamiento externo o un Lacey nos harapó ese almacenamiento externo, igual que yo he hecho, tengo una Lacey que es esta naranja dispositivos de almacenamiento que puedes ver ahí. Y es bueno que inviertas en almacenamiento, en dispositivo de almacenamiento externo que cuenta más de 500 mb de almacenamiento para darte 2 tb, creo que sería la cantidad óptima de espacio espacio de almacenamiento que tiene cuando trata de almacenamiento externo. Ahora, obviamente, si estás usando tu smartphone como dispositivo informático y de edición, tienes las dos opciones de almacenamiento que discutimos al principio de esta lección. Ya sea tener una tarjeta microSD o almacenamiento en la nube si eres usuario de iPhone. Así que esta era prácticamente todas las piezas de equipo en las que podrías invertir si quieres elevar tu juego de videografía con tu smartphone. Como dije al inicio de esta lección, no deberías invertir en cada una de las piezas que te sugerí. De hecho, ni siquiera tienes que invertir en ninguna de esas piezas. Pero dicho eso, muchas de esas piezas del año que analizamos en esta lección podrían hacer que tu videografía mucho más fácil, por ejemplo, una gran vaina de luz y gorila y una buena edición software. Así que de verdad, de verdad lo animo. Ahora ya terminamos con el engranaje. Es hora de enfocarse en la propia cámara y establecer una gran base analizando qué es la velocidad de fotogramas y la resolución. Entonces esto es lo que vamos a estar discutiendo en la siguiente lección. 4. Tasas de marco: Así que hola a todos y bienvenidos a esta segunda lección de este curso. En esta lección aquí mismo, como dijimos al final de la primera lección, nos vamos a centrar en las velocidades de fotogramas y la resolución. Vamos a discutir todo lo que es cuando se trata de velocidades de fotogramas, ¿verdad? Todas las diferentes velocidades de fotogramas, 60 fotogramas por ciento en 24 cuadros por segundo, 30 cuadros por segundo, hasta 120, 240 cuadros por segundo. Y luego vamos a analizar qué es una resolución. 7-10 ABB, 2.7 k para k son las diferencias entre ellos, los pros y los contras. Entonces, sin más preámbulos, lanzemos esta presentación y profundicemos en las velocidades de fotogramas y la resolución. Entonces obviamente vamos a comenzar analizando la velocidad de fotogramas. Las sales van. Ahora, primero discutamos qué es una velocidad de fotogramas. Ten en cuenta que como puedes ver en esta imagen de aquí mismo, un video es prácticamente varias fotos reproducidas a alta velocidad. Esa alta velocidad de las fotos que se reproducen para hacer un video van desde 24 fotogramas por segundo, que es prácticamente el mínimo desnudo de una velocidad de fotogramas. Bien, cualquier cosa menos de 24 fotogramas por segundo, como podemos ver en la siguiente diapositiva, veremos grados y glitchy hasta más de 20,000 cuadros por segundo. 20,000 cuadros por segundo es una velocidad de fotogramas que suelen utilizar las cámaras de cámara lenta a partir de ahora. Todo se reduce a la anatomía del ojo humano. Como decíamos, el ojo humano ve el mundo a 24 fotogramas por segundo y cualquier cosa por debajo de 24 cuadros por segundo, nos veremos con fallas, GRE, digamos, rezagados. Por lo que la cantidad mínima desnuda, mínima desnuda de votantes para que una cámara filme oso segundo, para construir un video es de 24. Dicho esto, hay muchas, muchas velocidades de fotogramas entre las que elegir. Tenemos 24 cuadros por segundo, que es la velocidad normal de la mayoría de las cámaras. La mayoría de las cámaras también disparan a 30.60 fotogramas por segundo. Y algunas cámaras que son capaces y capaces de disparar a velocidades de cámara lenta adaptan a 120 o incluso 240 fotogramas por segundo. Ahora bien, ¿cuál es el año mágico? Si grabamos un video a 60 fotogramas por segundo, verás que si haces el cálculo, podemos tener dos veces un video de 24 fotogramas por segundo reproducido durante esos 60 fotogramas por segundo. Esto quiere decir que si bajamos el ritmo del video en un 50 por ciento. Entonces, si ralentizamos el video dos veces, se reproducirá a 30 fotogramas por segundo. Entonces esto significa que si grabamos un video a 60 fotogramas por segundo, realidad podemos aplicar un efecto de cámara lenta. Podemos ralentizarlo dos veces, respectivamente. Tenemos un video de lo que se vendió en 120 cuadros por segundo. Podemos ralentizarlo cinco veces. Y si tienes un video filmado a 240 fotogramas por segundo, podemos ralentizarlo hasta diez veces. Entonces así más o menos como se aplica el efecto de cámara lenta en la videografía moderna. Todo se basa en las velocidades de fotogramas en las que tus videos buscaron darte un ejemplo. En esta imagen de aquí mismo, se puede ver esta gota de agua cayendo, que es sal, a velocidades de cámara muy, muy lentas. Así que frecuencias de cuadro muy, muy altas. Esto probablemente se filma desde más de 240 cuadros por segundo. Es por ello que pudimos ralentizarlo, obviamente más de diez veces en postproducción. Entonces este es un gran ejemplo de un video de alta velocidad de fotogramas se ralentizó a 24 fotogramas por segundo. Por lo que se ralentizará más de diez veces. La mayoría de las cámaras graban en cualquier lugar 24-120 fotogramas por segundo. Esta es la velocidad de fotogramas de tu iPhone o teléfono Android. En general, si tienes un smartphone, normalmente puedes disparar hasta 120 fotogramas por segundo. Una DSLR, también, en DSLR, se aplican los mismos principios. Vas a conseguir en cualquier lugar 24-120 cuadros por segundo. Y si tienes una cámara profesional específica para cámara lenta , puedes hacerlo en cualquier lugar de 24 a otra vez, 20,000 fotogramas por segundo. Se trata de cámaras específicas que se hacen en la construcción, filman videos a cámara muy, muy lenta. Pero ten en cuenta que hasta los últimos años, mayoría de las cámaras no podían disparar más de 60 fotogramas por segundo. Entonces, el hecho de que tengas la capacidad de ver a 120 cuadros por segundo desde tu smartphone y ralentizar esto cinco veces. Esto es muy, muy importante y muy útil y lo vamos a utilizar en este vaso aquí mismo. Ahora, pregunta, ¿por qué no debería estar disparando siempre a la velocidad de fotogramas más alta disponible? Te preguntarías, bien, mi smartphone dispara a 120 fotogramas por segundo. ¿Por qué? ¿Por qué estamos teniendo esta conferencia? ¿Por qué debería conocer todas las diferentes velocidades de fotogramas para ser un camarógrafo completo ¿Por qué no debería filmar siempre a 120 fotogramas por segundo? Bueno, aquí hay una trampa. Las velocidades de fotogramas obviamente tienen pros y contras. Obviamente, los videos son cortos, pero las altas velocidades de fotogramas pueden ralentizarse aún más la producción de impulsos. Es por ello que vemos que altas velocidades de fotogramas para aplicar el efecto de cámara lenta en posproducción además de que los videos ahí para que las altas velocidades de fotogramas tengan, en general, como regla general, una imagen más nítida. Por lo que esto aumenta también la claridad de la imagen. Ahora bien, estas son las partes devastadoras. Hay algunas desventajas cuando se trata de altas velocidades de fotogramas. Primero vamos, es que altas velocidades de fotogramas, general, eip, la batería de tu cámara, muy, muy rápido. Y así claro, esto es muy mantecoso que consume. disparo y las altas velocidades de fotogramas suelen ocupar un enorme espacio y computación, toma prestada tu cámara en tu smartphone. Así que ten en cuenta que las altas velocidades de fotogramas agotarán tu batería. Además de eso, las altas velocidades de fotogramas producen enormes archivos de video , archivos de video muy, muy grandes, lo que obviamente incrementará las necesidades de tu almacenamiento de tu teléfono y tu cámara. Entonces esto significa que si ves que las altas velocidades de fotogramas estén preparados para tener que lidiar con archivos enormes. Y esto va a ser dolor en el ***, también en la postproducción de tus videoclips. Por lo tanto, debe ser apuntado cuando se dispara a altas velocidades de fotogramas. No tienes que grabar todos tus videos a la velocidad de fotogramas más alta posible. Pero vamos a discutir sobre la línea dorada perfecta de velocidades de fotogramas. En mi opinión, la velocidad de fotogramas perfecta para filmar nuestros 60 fotogramas por segundo mientras disparas a 60 fotogramas por segundo, estás dando la oportunidad ralentizada por dos veces tu video. Por lo que podemos aplicar dos veces cámara lenta en nuestro video, 50 por ciento cámara lenta. Y esta es la línea fina perfecta en mi opinión, entre el consumo de batería y almacenamiento además de, nuevamente, esta oportunidad para que apliquemos el efecto slow motion. Entonces, si yo fuera tú con mi smartphone, dispararía constantemente a 60 fotogramas por segundo. Esto era todo lo que había que pensar sobre las velocidades de fotogramas. Obviamente, no profundizamos en la velocidad de fotogramas, pero ustedes ahora, ahora hemos cubierto lo básico y podemos movernos La segunda parte de esta conferencia, que es la resolución. Vamos. Ahora en general, la resolución como regla general es la cantidad de píxeles que construyen tu imagen. resoluciones más bajas obviamente incluirán, incluirán menos cantidad de píxeles en la imagen, y esto conducirá a una imagen más borrosa. Contratar muchas razones, obviamente tendrá más píxeles en la imagen. Y repita eso. Se puede ver después de esos números, 240, 360, 487, 2010 ADP, esos son píxeles. Cuando nos referimos a un video HD, estamos hablando de un video que es de resolución de la Marina. Y arriba, por encima del NAD tenemos 2.7 k por k Pero ahora mismo vamos a discutir sobre las otras resoluciones. Ahora bien, ¿qué cámaras disparan, qué tipo de resoluciones? Literalmente cualquier cosa que nada menos de diez ADP era bastante antigua en los tiempos de la videografía, esas cámaras muy viejas que te conviene a las 07:20 ser. Pero el mínimo de resolución hoy en día es el NADP. Y NADP, verías la mayoría de las cámaras DSLR disparando al NADP, el misil de bajo alcance. Nuestras cámaras también teléfonos, obviamente se adaptan a full HD, luego ADP. Entonces obtenemos 2.7 k, que es mi preferencia de resolución. Obviamente la mayoría de los teléfonos, de nuevo son capaces de disparar. Cuando siete K go los profesionales son capaces de disparar para ganar siete gays, obviamente algunas cámaras de gama alta. Entonces también tenemos la muy conocida por resolución Kate, que la mayoría de los teléfonos, la mayoría de las cámaras, mayoría de los profesionales de oro hoy en día también disparan a cuatro K. Obviamente tenemos resoluciones superiores a 4k5k6 K. Algunos teléfonos también disparan en un gig en este momento. Ahora bien, esta es una muy buena pregunta. ¿Por qué no debería estar siempre disparando a la más alta resolución en mi teléfono? Compré mi teléfono porque tiene la capacidad de filmar para el video K. ¿Por qué no debería estar siempre disparando a cuatro K? La respuesta es, al igual que en las velocidades de fotogramas es el hecho de que tenemos tanto pros como contras en resolución, igual que cualquier cosa en la vida, mayor resolución vendrá con algo de navegación. Obviamente tenemos, vamos a tener mayor calidad de video. También vamos a tener mayor nitidez y claridad. Los videos se verán geniales. Pero el problema es de nuevo, que esto consume una enorme cantidad de batería. Y nuevamente, esto aumenta enormemente la cantidad de almacenamiento que vas a necesitar para tus videos. Estos nuevamente, los archivos de alta resolución van a ser archivos muy, muy grandes cuando se trata de almacenamiento. Entonces eso es más o menos me lleva a mi siguiente punto, que es la solución sugerida. Ahora bien, mi resolución, la mejor resolución en mi opinión de todas las que analizamos en esta lección es 2.72, 0.7 k. Nuevamente, trae gran video, lo llamó en los videos, y es no consume tanta batería así como espacio de almacenamiento. Podríamos decir que 2.70 es la línea fina entre la calidad del video y el consumo de batería y almacenamiento. Entonces 2.7 k es mi resolución sugerida para ti. Entonces, si combinamos la velocidad de fotogramas sugerida y la resolución sugerida, tenemos el llamado combo killer, que es de 2.7 k a 60 fotogramas por segundo. Esto es lo que te sugeriría que te adaptes con tu smartphone a diario. Yo sugeriría que se adapte al video de 2.7 k a 60 fotogramas por segundo. Esto significa que tenemos una resolución decente con de nuevo, una mayor cantidad de píxeles. Entonces tenemos esa calidad y claridad de imagen además de nitidez y seis diferentes por segundo, lo que significa que podemos ralentizar el video hasta dos veces en postproducción. Esto también se conoce como 70, 60, y es una combinación muy, muy común en videografía. Entonces esto es todo cuando se trata de velocidades de fotogramas y resolución. Solo para recapitular esta conferencia aquí mismo, comenzamos analizando qué son las velocidades de fotogramas, los diferentes tipos de velocidades de fotogramas, los pros y los contras mientras usamos altas velocidades de fotogramas en tus videos. Y luego nos movemos Do resolución. Analizamos los diferentes tipos de resolución , desde 722 full HD para k, 2.7 k y todo eso. Y luego analizamos los pros y los contras de volver a disparar en altas resoluciones. Luego concluimos en la combinación asesina de velocidad de fotogramas y resolución, que es 2.7 k nuevamente, a 60 fotogramas por segundo. Ahora que hemos terminado con la anatomía básica y función de la cámara de video de tu smartphone, es momento de pasar a los diferentes tipos de trajes de video que podemos lograr de nuevo, con esos increíbles smartphones. Entonces, en la siguiente lección, discutiremos sobre movimientos de cámara que harán que tus videos sean más interesantes. 5. Movimientos de cámara: Bienvenidos a todos a la tercera lección de este curso en el que vamos a estar hablando de siete movimientos básicos de cámara que puedes realizar con tu smartphone o cualquier cámara. Para ser honestos, eso elevará tu juego de videografía. Ahora, como observo antes comenzar con este electrón aquí mismo, quiero asegurarme de que entiendas que los mismos movimientos de cámara de los que vamos a estar hablando en esta lección de aquí mismo pueden estar realmente implicado en la posproducción. Y te voy a enseñar a aplicar los mismos movimientos en la posproducción en futuras lecciones. Dicho esto, abramos la primera diapositiva y vamos a sumergirnos en esta tercera lección del curso. Entonces, señores, este va a ser el bosquejo básico de esta lección aquí mismo. Vamos a empezar por presentarte esos siete movimientos básicos de cámara y de lo que vamos a hablar en esta lección aquí mismo. Entonces vamos a movernos a esas siete sales diferentes y analizaremos todas y cada una de ellas así como voy a darte algunos ejemplos para todas y cada una de esas sales que estamos va a analizar. Entonces algunos consejos a la hora de aplicar realmente esos movimientos de cámara a tu videografía. Y luego, por supuesto, vamos a tener un pequeño resumen porque es mucha información empaquetada en esta lección aquí mismo. Entonces comencemos con la introducción. Ahora bien, ¿cuáles son nuestros movimientos de cámara y por qué utilizamos los movimientos de cámara en nuestra videografía y nuestro cine? Los movimientos de cámara son básicamente si estás haciendo una técnica que nos ayude con la mejora de nuestra historia, prácticamente el ojo humano está hecho para ver realmente el movimiento. Así que el movimiento te intriga. Los movimientos del ojo humano, diferentes movimientos de cámara y una amplia variedad de movimientos de cámara realmente ayudan a que la historia se vuelva más inmersiva y ayuden con el compromiso de la audiencia. Y en general, en este negocio, participación de la audiencia es muy, muy importante. Es por eso que agregué este regalo aquí mismo, porque volver a moverse en esas diapositivas hace que el público se interese más en tus videos. Ahora en las siguientes diapositivas, vamos a desglosar los tipos básicos de movimiento de cámara en el cine que se pueden lograr con un teléfono inteligente. Entonces, la próxima vez que estés filmando, entenderás las implicaciones de lo que estás haciendo. Comprenderás la mecánica detrás de esos movimientos. Tenga en cuenta, como dije en la introducción de esta lección, pero la mayoría de los movimientos que vamos a estar discutiendo en esta lección aquí mismo, podrían hacerse en posproducción. Te voy a enseñar a realizar la mayor parte del movimiento de días que puedes analizar en la edición de posproducción. Así que no te estreses en tener que clavar cada uno de los movimientos de los que vamos a hablar en esta lección de aquí mismo. En la introducción, pasemos a las propias sales. Ahora, como decíamos, estas son siete sales, siete movimientos de cámara diferentes que vamos a estar analizando en este curso aquí mismo. Vamos a estar hablando del movimiento de pan, ese movimiento acercando y alejando, el movimiento del pedestal, los disparos de rastreo, los tiros de la plataforma rodante, y las siguientes sales. Ahora bien, esto puede sonar un poco abrumador o estos sonidos principales como mucha información y cosas para discutir. Pero confía en mí, hay muy simples, muy básicos. Y si tomas algunas notas básicas, vas a estar bien con esta lección. Entonces comencemos con el gráfico de tratos. Aquí está esta cámara y vamos a estar enfocando en esta cámara para ayudarme a explicar qué es cada tipo de sal. Entonces básicamente, en la toma de inclinación, la cámara es de ubicación fija, no se mueve y simplemente gira sobre un plano vertical, como se puede ver, con inclinación hacia arriba hasta abajo. Por lo que podría usar la ilusión del movimiento de la cámara sin tener que mover realmente la cámara desde su ubicación, la cámara se mantiene estable. Eso es lo que quiero que recuerdes cuando se trata del campo. Entonces, por ejemplo, esto aquí mismo, como pueden ver, es un construido hacia arriba. Eso es todo De nuevo, la cámara se inclina hacia arriba para revelar esto. Además de eso, quiero que sepan que parecía que había movimiento en el Sur y había movimiento. Hubo un cambio en la sal, pero las cámaras se quedaron completamente quietas Suficiente con el tiro de inclinación. Pasemos al grado secundario de sales, que son los disparos ahora durante la sierra de cinta, al igual que la cámara está completamente estacionaria, no se mueve, se queda en una ubicación completa. Pero la diferencia es que en el modo Build nos inclinamos hacia arriba y hacia abajo. Y durante el modo ban con inclinación de izquierda a derecha, por lo que la cámara gira en un eje horizontal. El gráfico de barras es uno de los movimientos de cámara más comunes verías en las grandes películas. Y es más o menos un revelador vendido dentro del cual solemos revelar una escena más grande. Si jugamos el mismo video desde el mismo movimiento, puedes ver el tiro de inclinación aquí combinado con, como puedes ver ahora, un movimiento de pan de derecha a izquierda. Entonces así es como por ejemplo podemos combinar la inclinación con el movimiento de la cacerola. Al seguir adelante, ahora vamos a hablar del movimiento de zoom. Ahora tenga en cuenta que este movimiento aquí mismo se refiere al zoom digital o analógico de la lente. Entonces este es un Zoom incorporado en el que de nuevo, nosotros la cámara se queda quieta. Obviamente los marcos. Los fotogramas se acercan al sujeto, pero la cámara permanece completamente quieta, igual que en el Zoom o el movimiento de la banda. Ahora bien, hay pocas cosas que quiero señalar cuando se trata de movimiento, especialmente los movimientos de Zoom con artificial o analítico mientras se hace zoom en la lente. Porque vamos a discutir sobre los movimientos de Dolly. En el futuro de esta lección, que en realidad no hacemos zoom con la lente, simplemente prohibiría hacia el tema con nuestra cámara. Ahora bien, lo primero que quiero señalar en este tipo de fuentes aquí mismo es que cuando acercamos el zoom digital o analógico con la lente, tenemos mayor riesgo de temblar Zoom. A esto lo que llamamos Zoom shake. Si aumentamos el rango focal, como lo llamamos en el cine, en el que filmamos un tema, hemos aumentado el temblor. Así que prácticamente no tienes las manos temblorosas o quieres tener tu cámara en un GameOver actuando. Esos son, además de eso, quiero que sepas que zoom digital disminuye la calidad de tu video. Toma esto, por ejemplo, imagina que tienes un tenedor, un video frente a ti. Si empezamos a acercar, tenemos menos píxeles en la imagen que se produce. Por lo que la calidad de la imagen empieza a disminuir. Después de algún punto, si acercamos demasiado detalle, vamos a tener una imagen muy distorsionada, que prácticamente no es utilizable. Así que tenlo en cuenta a la hora de acercar digitalmente, que es más o menos lo que vamos a hacer en la lección de edición de posproducción. Existe un mayor riesgo de una calidad de imagen muy mala en la obesidad a eso, tenga en cuenta que cuando estás haciendo zoom, especialmente con una lente analógica, la diferencia en el rango focal que estás usando. Por lo que las diferentes lentes estaban usando los diferentes rangos focales ya que la reanudación puede distorsionar al sujeto. Por lo que la distorsión del sujeto por acercar y alejar es muy, muy común y hay que tener cuidado con ello. Ahora no voy a mostrarles un ejemplo de currículums. Otra cosa nosotros, todos aquí saben lo que los Zooms o es sólido. Pasar al siguiente disparo, que es el disparo de rastreo. Ahora bien, lo importante a tener en cuenta a la hora de viajar hacia el sur es que la cámara se mueve a la misma velocidad que el sujeto. Entonces tenemos un repentino que el sujeto está en medio del fotograma y la cámara también sigue solo al sujeto. Entonces nuevamente, esto nos da un sujeto en medio del encuadre y el entorno en constante cambio, igual que la mayoría de las sales que hemos analizado hasta este punto, el seguimiento es aplicado para revelar un escenario mientras se vuelve a tener, el sujeto central en el centro de nuestro marco. Como nota, recuerde nuevamente que en la toma de seguimiento la cámara se mueve en el eje horizontal y no en el eje vertical. Obviamente. Esta es la sal de rastreo de apertura del espectro, por supuesto, la película de James Bond. Y se puede ver que en el inicio de la sal, el sujeto es esta persona de aquí mismo en el traje blanco. Pero luego rastreamos para que se mueva, claro para tener a James Bond en el centro del encuadre. Entonces esto de aquí mismo es un ejemplo perfecto de un disparo de rastreo. Tenemos el tema, como se puede ver en el centro del encuadre, el entorno cambia constantemente. Si movemos el video, van a ver que se trata de una sola toma. Otra vez. Esto es de nuevo combinar en esta parte para la sal con un poco de zoom-in, zoom-out. Y nuevamente, rastreamos este objeto y los días del sujeto a la mitad del encuadre. Entonces este es el principio básico del disparo de rastreo. Pasando a la siguiente diapositiva vamos a discutir sobre el disparo de la plataforma rodante. Terminamos con que la cámara se mantenga estable. Ahora, analicemos algunas sales en las que realmente se mueve la cámara. El dolly shots va a ser el primer tipo de categoría de tener. Y en los dólares de la cámara se mueve hacia o lejos de su objeto, los dólares que es más o menos acercar o alejar, pero usando la cámara, no usando zoom digital. Cuando hicieron esas boca ni usaban como si estuvieran haciendo zoom con una lente. Ahora, ¿cuál es la función de los dólares? Entonces, ¿por qué hacer con el zoom con esos otros y no con la lente? Lo primero es aplicar realmente el enfoque al tema. Quieren que la atención del espectador esté en el tema. Así que solo acercamos la cámara. Este objeto, hay por supuesto, acumula tensión en una escena y obviamente aumenta el drama de la escena. Hay una razón más para usar una toma de dolly en lugar de simplemente hacer zoom con una lente. Y si recuerdas, esto se debe a que cuando nos acercamos con la tierra, podríamos tener distorsión en el tema. Entonces el dolly salt, no tenemos la torsión. Y esta es una gran manera de simplemente recorrer esto aquí, por ejemplo, podemos verlo ejemplo perfecto de $1 vendido. La cámara apenas se mueve hacia el sujeto es muy básica y muy sencilla. Una cosa que quiero agregar aquí es que debido a que tenemos cámara el movimiento de la cámara no es estable, igual que las sales de banda o las sales de campo. Quizás quieras de nuevo, invertir en un accesorio en una pieza de engranaje que estabilice tus alimentos. Aquí es donde necesitamos comida. Es estabilización. No quieres estar cogiendo de la mano tu cámara y moviéndote hacia el sujeto. Esto va a, por supuesto, cómo introducir un poco de batido en los videos. Entonces es posible que desee invertir en algún cardán y algún estabilizador de algún tipo si su teléfono inteligente no tiene, por supuesto, inmunización de edificios, ya que somos menos que el primer curso. Al seguir adelante, vamos a discutir sobre lo siguiente. Por lo que ahora la siguiente configuración es similar a la toma de seguimiento, pero nuevamente, el sujeto permanece en medio del fotograma. La única diferencia aquí es que la cámara no tiene que permanecer fija en una posición singular según el sujeto. Por lo que la cámara puede dar la vuelta a este objeto. Podríamos introducir cierta libertad creativa en las siguientes sales. Y esto es lo que diferencia, nuevamente, una sal que cae de un disparo de rastreo. Nuevamente, muy, muy importante usar un cardán y no realmente sostener la cámara de la mano mientras se realizan esas tomas. Debido a que no queremos introducir algo de batido en nuestros videos en obviamente, puedes combinar una sal que cae mientras te acercas. Y si realmente sujetaste tu cámara de mano mientras te movías alrededor del sujeto mientras te acercas. Porque como decíamos, acercar, acercar, introducir más sake a nuestros videos, esta combinación. Tendremos que usar una gran cantidad de temblores en nuestros videos. Entonces realmente te sugiero que inviertas en un juego o si quieres estar realizando esos tiros. Esto de aquí mismo es un ejemplo perfecto de una siguiente toma. Nuevamente, me quedé con la cámara fija y tenemos los sujetos en medio del encuadre. Pero el director y el calificador de cámara tienen gran libertad para moverse a donde quiera durante el disparo. A continuación, vamos a hablar del pedestal, también conocido como el movimiento boom up y boom down. Como se puede ver, las cámaras se volvieron a fijar las cosas durante esas sales en una posición singular, pero se mueve en el eje vertical por lo que la cámara se mueve hacia arriba y hacia abajo. Toma de pedestal, el movimiento en realidad el disparo de pedestal es bastante similar al disparo de inclinación, pero durante el boom, arriba y abajo o mejor fachada, siempre que quieras llamarlo, el ángulo de la cámara permanece el mismo y solo la cámara se mueve hacia arriba y hacia abajo en el eje vertical. Esto obviamente nos ayuda a revelar nuevos temas en la toma o nos ayuda a enfocarnos si el director quiere que el espectador se centre en una parte específica de la escena que de otra manera no veríamos. Déjenme dar un ejemplo en esta película de aquí mismo, mientras esos dos señores están discutiendo en la mesa, el director quiere que nos enfoquemos en una parte diferente del video, digamos. Por lo que usamos el disparo de pedestal para mover hacia abajo las piernas y por debajo de las piernas de los sujetos. Nuevamente, esto es muy creativo obviamente, para mostrar a esta mujer escondida en el piso trasero. Entonces, obviamente, puedes ponerte muy creativo con un pedestal de sal. Y esto fue sólo un ejemplo de cómo usarlo. Ahora, te voy a presentar algunos consejos que necesitas saber de nuevo, para realizar con éxito los movimientos de cámara que discutimos en esta lección sin tener ningún problema. Y nuevamente, la implicación del movimiento. En primer lugar, no se quiere subestimar el poder y la elegancia y la belleza de las tomas de acero, solo tener gobernador en el trípode y simplemente grabar un ambiente. Estas son sales muy, muy poderosas y no te quiero solo porque te presentaron a todos esos movimientos de cámara, simplemente olvidarte por completo de las canciones de acero. No subestimes las sales de acero. Lo segundo que quiero señalar es que se necesita tener una variedad diferente de movimientos. No abuses de un movimiento solo porque te guste o seas bueno en él, intenta invertir tiempo para dominar todos los movimientos se discutirá en esta sección aquí mismo, y usa un variedad de ellos. Lo siguiente que te he dado es que es mejor lograr esos movimientos en cámara y técnicas de maestría para volver a proporcionar esos movimientos, luego confiar en post- producción nuevamente para entregar esos movimientos. Quiero que piensen en la edición de posproducción como último recurso para corregir algunos errores muy básicos y superficiales que hicimos en el proceso de rodaje. Así que no vuelvas a confiar en la posproducción para entregar esos movimientos. Intenta dominarlos mientras tomas con tu cámara. El consejo final que, y hablamos de esto durante esta conferencia, es invertir con un cardán si realmente quieres aplicar el 100% de los movimientos de los que hemos hablado en esta lección. Invierte el dinero con cardán. Si lo usas correctamente, lo hará, te devolverá el dinero, y es muy, muy útil tener uno. Entonces, para recapitular, estos son los seis movimientos que quiero que recuerdes. Obviamente estamos hablando de uno más, pero estos son los seis movimientos básicos, nuevamente, para realizar con tu cámara y no te estreses por estas enormes cámaras. Puedes ver en esta diapositiva aquí mismo, obviamente puedes realizarlas con tu smartphone. Estamos hablando del movimiento dolly en el que se mueve la cámara. Y la forma en que ese sujeto. Hablamos del movimiento tilde en el que cambia el ángulo de la cámara. Estamos hablando del pedestal o del boom arriba y abajo, en el que la cámara se mueve en el eje vertical. sacamos del movimiento de la sartén y bien, el movimiento del rock and roll, puedes olvidarte de ello. Es un poco más avanzado. Entonces esto era más o menos cuando se trata de movimientos de cámara que puedes realizar con tu smartphone. Espero que esta lección de aquí te ayude a elevar tu juego de videografía y tal vez entiendas que los movimientos de cámara y la videografía en general no son tan complicados como parece. En la siguiente lección vamos a discutir sobre la composición, cómo aplicar algunos principios básicos de composición para elevar tu videografía. 6. Principios de composición: Entonces ahora es el momento de hablar de composición. La composición, así como la iluminación son dos de los factores más importantes para que puedas entregar un video exitoso, incluso con un smartphone. Entonces, en esta lección de aquí mismo, estamos discutiendo todos los diferentes aspectos que necesitas saber a la hora de la composición en videografía. Es ahora para la introducción, vamos a lanzar nuestra presentación y comencemos con esta lección. Entonces esto de aquí mismo es el esquema de la cuarta lección de este curso, la lección de composición. Vamos a empezar por mí presentándote qué es la composición y algunos principios básicos de composición. Entonces vamos a pasar a analizar todas las reglas son las reglas básicas de composición. Y finalmente, vamos a terminar esta lección con algunos consejos que he recopilado a través mi experiencia personal y por supuesto el campo de la videografía y un resumen porque hay mucha información repleta en esta lección aquí mismo. Basta de platicar. Pasemos con la introducción a esta hermosa lección. Ahora bien, lo que es la composición en muy básicas y sencillas palabras muy básicas y sencillas composición es cómo elegimos presentar y enmarcar nuestro tema en nuestro video. La composición es muy, muy importante porque con este factor, guiamos la historia a nuestros espectadores. Podemos crear ciertas atmósferas, por supuesto sería la composición correcta y la composición apropiada. Y obviamente, al utilizar algunas reglas básicas de composición que existen en la videografía, podemos aumentar el compromiso de nuestra audiencia con nuestros videos. Y no importa si eres un cineasta muy conocido o simplemente un YouTuber principiante, tener una mayor participación de la audiencia en tu contenido y en tus videos es muy, muy importante y es más o menos el objetivo de videografía en eso obviamente, usamos la composición para transmitir diferentes sentimientos en nuestras tomas. Ahora, como dijimos de nuevo, la composición está arreglando los elementos en nuestro marco de una manera que sea agradable a la vista del espectador y también fácil de entender para el espectador. Obviamente ejemplo de composición corporal es si está pasando demasiado, en una sal y la sal es muy por ejemplo corta, algo así como el tuyo no llega a procesar lo que está sucediendo. Y nuevamente, una buena comprensión de la composición conducirá a un contenido muy llamativo para tu audiencia. Y esto es lo que vamos a trabajar en esta lección aquí mismo. Ahora bien, hay dos formas, por supuesto, de componer una toma. Entonces, la primera forma de cambiar la composición es cambiando lo que se ve en tu imagen. Y la segunda forma en que la composición de género es cambiando la distancia focal en la que te conviene el semen. Acercar o alejar muy brevemente. No te vuelvas a estresar, vamos a analizar ambos términos de composición. Ahora. Vamos a movernos ahora. Por ahora en las diferentes reglas de composición. Estas son las reglas de composición y podemos analizar en esta lección aquí mismo. Pueden parecer demasiado, pero créeme, son muy directos y fáciles de comprender. Así que agarra un bolígrafo, toma un bloc y repasemos conmigo estas reglas de composición. Vamos a hablar con la regla de los tercios, las líneas iniciales, el espacio libre, la simetría, la profundidad, y luego los diferentes disparos que podemos transmitir por nuestra distancia focal estableciendo disparos, sales de rango medio, y planos de primer plano. Entonces, comenzando, vamos a analizar en primer lugar la regla de los tercios. La regla de los tercios es una regla en la videografía y no debemos romper reglas. Ahora bien, la regla de los tercios, la teoría de la regla de los tercios lo afirma. Afirma que cada especie puede subdividirse en tres secciones diferentes. Cada sal se puede subdividir en tres secciones verticales y tres horizontales. Ahora la regla de los tercios establece que si colocamos nuestro sujeto en la línea con subdividimos el marco en tres secciones diferentes. Esto será más agradable a la vista en esta imagen, por ejemplo, se puede ver que el fotógrafo no colocó al sujeto en medio del encuadre, como lo harían la mayoría de los principiantes. Entonces, colocó al sujeto en la línea izquierda, que nuevamente subdivide verticalmente el marco en tres áreas distintas. Entonces este es un excelente ejemplo de la regla de los tercios, y esto es más atractivo a la vista. Otro ejemplo de una regla de tercios es esta imagen de aquí mismo. Nuevamente, el fotógrafo colocó al sujeto en la tercera línea que divide el marco en tres categorías distintas de la derecha. Otra regla general al enfocarse en la regla de los tercios es colocar los ojos del sujeto en la intersección superior. Entonces, en la subdivisión superior del marco, un tercio del camino hacia abajo del marco. Entonces nuevamente, queremos que los ojos del sujeto estén en esta zona de aquí mismo o en esta zona de aquí mismo. No queremos que los ojos, por ejemplo , estén aquí abajo o aquí abajo. Obviamente, la regla de los tercios no siempre y sólo se aplica si tienes un tema en el marco. La regla de los tercios, por supuesto, se aplica también en las sales de paisaje. Entonces sales de vida silvestre, sales naturales, cualquier cosa filmada con una lente gran angular, por ejemplo, en esta imagen de aquí mismo, se puede ver que el fotógrafo, basado en la regla de los tercios, subdividió el enmarcar en primer plano, medio suelo, y el horizonte. El tercio inferior, horizontal, es el primer plano. El traste horizontal medio. Tercero es el suelo medio, y el tercio horizontal superior es el horizonte. Esto es lo que hace que esta imagen sea tan agradable. Además de eso, los tres y la sombra del árbol, como se puede ver. Está en esta línea aquí mismo, que de nuevo subdivide el marco en tres categorías diferentes. Por lo que encendió este tema, que es el tema de un marco obviamente en esta línea, lo que hace que toda la imagen sea más atractiva. Si no estuvieras acostumbrado a la regla de los tercios, verías que estas imágenes son solo una imagen normal, que es simplemente llamativa, pero hay ciencia detrás de esto. Lo mismo se ha hecho en esta imagen por este fotógrafo. Nuevamente, subdividió la imagen en tres partes. Tenemos el primer plano, el suelo medio y el nivel del cielo, digamos. Y nuevamente, toca el tema, que es el primer objeto en realidad, que es el árbol en esta línea aquí mismo. Y el segundo sujeto, que es el sol, puede ver que está muy cerca de este ángulo de aquí mismo, que de nuevo es muy llamativo. Estas dos fotografías son ejemplo de división de ejes verticales de los tercios. Entonces los temas clave del marco, que nuevamente es la diferencia entre la tierra y el mar en esta imagen. Y nuevamente, esta roca de aquí mismo se coloca en un tercio vertical como regla general, cuando se trata de la regla de los tercios, recuerda que debes colocar al sujeto en las líneas con subdivisión el marco de nuevo. Tercero, visita la clave que necesito que recuerdes para la regla de los tercios. Ahora pasemos a la segunda regla de composición, que es la regla de las líneas principales. Las líneas principales vuelven a ser algo que si alguien no te lo presenta, no le pondrías atención. Pero las líneas principales son más o menos líneas dentro de una imagen que llevan el ojo hacia el sujeto, por ejemplo, en esta imagen de aquí mismo, he dibujado las flechas que conducen el ojo a través del perro. Pero ni siquiera yo dibujé estas flechas. Se puede ver que el fotógrafo utiliza todas las líneas del puente, nuevamente para llamar la atención sobre el tema del marco. La regla de la línea principal es una regla muy, muy común. Y si mantienes el ojo abierto, verás que las líneas principales están por todas partes en video. Obviamente como nosotros, como vimos de la imagen anterior, que, en la que la fotografía utilizó esos puentes como líneas de guía. Casi todo podría ser una línea de liderazgo. Una de las líneas principales más comunes en videografía y fotografía podría ser calles, edificios y diferentes texturas. Así que agarra, por ejemplo, en esta imagen de aquí mismo, fotógrafo volvió a usar esos edificios para llevar el ojo del espectador a esta señora de aquí mismo. En sumar esto a eso, las líneas principales, especialmente en la videografía, pueden aplicarse igual que la regla de los tercios en una enorme variedad de videos diferentes, videos de paisajes, videos retratados, videos de vida silvestre, videos urbanos así como fotografías de todos esos aspectos aquí mismo, podrían ser compuestos con la regla de líneas principales. Otra cosa que quiero señalar aquí es que no lo haces, no debes simplemente seguir una regla de composición. Se pueden combinar 234 o siete reglas de composición en una misma imagen o en el mismo video. Obviamente, puedes usar la regla de tercios con la regla de líneas principales en un video, por ejemplo, otro ejemplo de líneas iniciales, y estas son fotografías porque no quería aburrirte mostrando tus videos, videos 30 segundos, y es una de esas reglas. Entonces este ejemplo nuevamente, de esas dos líneas principales, enfocando nuevamente a la gente en el espectador en este niño de aquí mismo. A continuación, este es otro ejemplo de líneas iniciales. Se puede ver que el, este fotógrafo utilizó el horizonte como línea principal para de nuevo, poner la atención del espectador en el almacenamiento. Y también este camino es también una línea lineal que de nuevo, enfoca la atención del espectador hacia la iglesia. Entonces nuevamente, quiero que te concentres en la colocación de la iglesia en V3. Este tema fue cuidadosamente no colocado en el medio del encuadre, nuevamente, porque el fotógrafo siguió la regla de los tercios. Pasando a la tercera regla de composición, esta es la regla del espacio libre. Nuevamente, la regla del espacio libre, como se puede ver en la imagen de aquí mismo, se refiere a cuando estamos sentados un sujeto en el que de nuevo, se está diciendo en un video tipo entrevista, por ejemplo este video aquí mismo que estoy disparando sigue la regla del espacio libre. Y esta regla establece que debe haber una distancia específica entre la cabeza y la parte superior del marco, así como la cabeza y los lados del marco. Si la distancia entre la parte superior de la cabeza y el marco es demasiado, esto conducirá a un resultado incómodo. Si la distancia del espacio para la cabeza es muy pequeña, esto conducirá a un racimo para obtener resultados de ladrillos. Entonces esta más o menos la regla del espacio libre. Como se puede ver. Este es un ejemplo perfecto de una imagen con demasiado espacio para la cabeza. Esto definitivamente es necesario, no lo hicimos, no necesitábamos tanto espacio libre en este retrato de aquí mismo. Y de esta manera da un resultado un poco incómodo. En contraste, se puede ver la foto tiene una buena cantidad de espacio libre, pero la foto B, que es más o menos la foto a, pero recortada. No tenemos espacio para la cabeza, así que esto hace que la imagen sea claustrofóbica. No queremos esa regla muy simple, muy fácil de implicar. A continuación, vamos a hablar simetría en nuestra composición. Ahora, la simetría, obviamente, muchos, muchos, muchos cineastas y fotógrafos se adhieren a la regla de la simetría. Todos conocemos las cejas de la simetría. Obviamente apela a la vista. Es muy satisfactorio. La mayoría de las imágenes que ves en series y películas muy exitosas son seguidas por la regla de la simetría. Pero también hay algunas desventajas. No quiero enfocarme tanto en los pros de simetría porque como decíamos, todos sabemos. Pero quiero señalar algunas de las desventajas. Ahora bien, si quieres que tu video se vea sin fisuras, que se vea casero, no quieres aplicar esa regla múltiple de simetría porque la simetría hace que los videos y las fotografías se vean escenificadas. Por ejemplo, si ves esta imagen aquí mismo, esta no se ve perfecta. No se ve hecho en casa. Parece fechas. Parece que hay un director y está filmando esta imagen. Y por eso se ve tan perfecto y tan atractivo a la vista porque es una etapa. Además de eso, si cada toma de tu video sigue la regla de la simetría, puede volverse bastante repetitivo y algunos directores realmente usan esta repetición de simetría en su beneficio. Por ejemplo, el director de The Grand Budapest Hotel gradúa en esta serie, cada toma es simétrica y esto entrega una vibra específica al video. No, no es una mala vibra, no una buena vibra, pero esta es definitivamente una manera de entregar una vibra. También tenga en cuenta, como podemos ver en esas dos imágenes aquí mismo, que la simetría entrega un resultado dinámico y emocionante en nuestros videos y nuestras fotografías. Y por supuesto, la simetría se puede combinar con los principios y reglas anteriores que discutimos de composición, por ejemplo, líneas principales y por supuesto la regla de los tercios. Pero la mayor diferencia entre simetría y líneas principales y regla de tercios es que en simetría, el sujeto es folk, generalmente en medio del encuadre. Esto es lo que hace que las composiciones simétricas sean tan interesantes y tan atractivas a la vista. La mayoría de los sujetos en composiciones simétricas colocadas en el centro del marco, por ejemplo, esta pirámide aquí mismo en París. Ahora de nuevo, este lago de aquí mismo, no seguimos tanto la regla de los tercios cuando se trata de la simetría y composición. Avanzando, vamos a discutir sobre la profundidad. Ahora bien, es muy importante que entiendas cuál es la profundidad y cómo lograrla en tus videos y tus fotografías, profundidad se puede encontrar en cada composición y se puede crear, más bien creado que luego se encuentra en cada composición. Y se crea resaltando la diferencia entre primer plano, término medio, fondo, y nuestro tema. Estos son para imágenes que tienen profundidad. El primer plano se resalta por lo borroso, como se puede ver, las hojas y la hierba. El medio suelo es resaltado por el sujeto, que está fuertemente enfocado, y el fondo es nuevamente resaltado por las plantas borrosas que se encuentran debajo, detrás del sujeto. Lo mismo se aplica en esta imagen aquí mismo, en primer plano, se pueden ver esas hojas de medio suelo, el tema de las rocas de fondo que vemos en las montañas. Nuevamente aquí el primer plano es borroso. Persona aquí mismo, medio suelo, esta señora allá, y fondo, este espacio gris. Entonces nuevamente, la profundidad se logra resaltando la diferencia entre esos aspectos. Dos formas de destacar eso. La primera forma es seleccionar una lente que tenga una apertura muy baja. Esto es más fácil, claro, cuando estás filmando con una DSLR, pero esto se puede hacer en la mayoría de los smartphones. Se selecciona la lente en la que tiene una apertura muy baja, lo que significa básicamente que se puede tener un fondo muy borroso, que es lo que este fotógrafo ha hecho aquí. Este fotógrafo, como puedes ver, ha seleccionado la lente con una apertura muy baja, lo que significa que puede enfocar en un aspecto muy estrecho, por ejemplo, como puedes ver, esta pieza de ajedrez está enfocada, pero los otros están agregando enfoque. A pesar de que están ubicados tan cerca uno del otro, estamos hablando de algunos centímetros aquí. Pero la segunda forma de lograr profundidad, que es la forma en la que quiero que te concentres. Porque obviamente en este curso estamos filmando con smartphones, no cámaras cinematográficas, con prestamistas con aborígenes muy bajos para colocar estratégicamente a tus sujetos una manera en la que puedas transmitir profundidad. ejemplo, colocas un tema, como vimos en esta imagen de aquí mismo, muy cerca de la cámara. Esto creará la sensación de profundidad. Colocamos el siguiente tema en el término medio y lo mantenemos enfocado al igual que esta señora de aquí. Y luego tenemos algunos temas y algunos aspectos en el fondo, igual que las montañas de aquí mismo. Para que podamos transmitir de nuevo, esta sensación de profundidad a nuestros espectadores sin tener unas lentes muy caras. Entonces, al final del día, ¿qué logramos con profundidad? Logramos drama, bien, gente sentirá drama cuando los vendamos. Profundidad en nuestras imágenes y videos, enfatizamos el tema que suele estar enfocado. Y nuevamente, profundidad. Y esta imagen borrosa es muy placentera de ver, muy satisfactoria a la vista. Entonces esto es lo que podemos ganar adhiriéndonos y aplicando a la regla de profundidad suficiente con los diferentes tipos de composición que se pueden lograr cambiando los aspectos frente a una cámara. Ahora, pasemos a los diferentes tipos de sal y vamos a lograr a través de nuevo, cambiando la composición de nuestra cámara. Los primeros tipos de sales están estableciendo inyecciones. Entonces vamos a pasar a las sales de rango medio son los tiros medios. Y por último, vamos a analizar primeros planos. Entonces pasemos a lo que es un tiro de establecimiento. Una toma establecida introduce, como decimos aquí, nuevas escenas y le dice al espectador dónde y cuándo ocurre la acción. Además de eso, pueden establecer un punto de vista para ayudar y desarrollar nuestro carácter. Este es un gran establecimiento Salt de la película Skyfall. Esta sal, por supuesto, viene antes que todas las demás sales dentro de la casa o antes de que un personaje se mueva fuera del vehículo, vaya dentro de la casa, y solo nos da información sobre la escena. Nos da información que van a pasar cosas dentro de la casa. Nos da información sobre dónde estamos, dónde estamos en esas montañas funky de Escocia, por ejemplo, y este es el verdadero poder de establecer sales y otras tomas de establecimiento aquí desde Harry Potter, es una toma introductoria a la escena y solemos usar tomas de establecimiento cuando empezamos y cuando terminamos una escena. Por lo que queremos iniciar nuestra escena con una sal amplia estableciendo para que los espectadores sepan dónde va a suceder la escena. Y después de que ocurra la escena, podemos terminar la secuencia nuevamente con una toma establecida para recordar a los espectadores dónde ocurrió toda la escena. Apenas para que conste, las sales de establecimiento suelen venderse en gran angular y no hay mucho movimiento en la cámara, se estabiliza en un trípode. Avanzando, hablemos de tiros de rango medio. Para lograr sales mesencéfalo, no tenemos que ser muy anchas y nuestras cámaras, necesitamos acercarnos digital o analíticamente, o simplemente podemos acercarnos con nuestra cámara. La mayoría de las sales de rango medio, al igual que esta imagen de aquí mismo de los cien juegos, se venden en cualquier lugar 24-40 mm. Si estás usando una lente, si estás usando tu teléfono, solo si no vas en modo teleobjetivo o modo gran angular, tu teléfono por lo general seguirá siendo de 24 mm. Entonces la mayoría de las tomas con tu teléfono, de los videos que tomas con tu teléfono a veces, una ampliación van a ser tomas de rango medio en general, recuerda que las tomas medianas son la gran variedad, gran mayoría de sales durante una secuencia. Mañana en tomas de primer plano. Realmente no uso tanto el asalto al brillo porque no soy cineasta exactamente. Pero estos son más dramáticos. Aumentan el movimiento y el desorden dramático en nuestra escena. Y la mayoría de las veces estar tan cerca de una cámara a un sujeto puede ser un poco incómodo para los espectadores, pero muchos cineastas realmente utilizan el hecho de que esto se vuelve incómodo para los espectadores para volver a transmitir una emoción a esos. Obviamente las sales de primer plano son un favorito creativo para nuevamente, cineastas y camarógrafos que se especializaron en el estado de ánimo. Si quieres ser un condón mayor, no quieres estar muy cerca de la cámara porque de nuevo, esto será incómodo para los espectadores. Nuevamente, dos formas de lograr tomas de primer plano. El primero, solo tienes que acercarte al sujeto manteniendo una visión de gran angular. Y el segundo es simplemente quedarse donde estás un alejamiento del tema y simplemente acercarte. ¿Cómo sé que esta toma de los ingresos es con la cámara muy cerca de la cabeza de esta persona? En primer lugar se puede ver la distorsión produce la lente gran angular en la cabeza de esta colchoneta así como se puede ver que el fondo no es borroso en contraste en esta imagen de aquí mismo, Puedo volver a ver la distorsión que produce el teleobjetivo en los ojos del Espíritu. Y también podemos ver un fondo muy, muy borroso. Lo mismo se aplica a esta imagen aquí mismo. Al seguir adelante, analicemos algunos consejos a la hora de la composición. Sé que hay mucha información en esta lección. Así que sigamos adelante y solo aclaremos las cosas. Algunas cosas que tengo que darte desde experiencia personal es ante todo, no te estreses con todas las reglas y principios de composición que discutimos en esta lección. La mayoría de las veces esto te vendrá naturalmente, pero quiero que solo te presenten a todas las diferentes reglas. Entonces lo tienes en la parte posterior de tu cerebro. Entonces, antes que nada, lo primero que tienen que tener para darte es tener una amplia variedad de reglas y aspectos de composición diferentes en tu videografía. Este es el consejo número uno que quiero que obtengas de esta lección. Usa una variedad en tu videografía. El segundo es dos. No hay que tener miedo de romper algunas de las reglas. Las reglas están hechas para que se rompan. Y la videografía es un espacio muy creativo. Entonces no quiero que solo te adhieras a las reglas y tengas miedo de experimentar. No tengas miedo de romper reglas. El tercero es inspirarse en el trabajo de los demás. Obviamente, no hay que reinventar la rueda. La rueda ya fue inventada. Simplemente mira contenido de otros creadores, dependiendo del campo, al que quieras ir. Mira películas, contenido de otros creadores y simplemente inspírate y saca pequeños aspectos de ellos. Esto te ayudará mucho, mucho en este campo. Por supuesto, los tubos de plástico es para experimentar tú mismo, agarrar tu cámara, salir por ahí, probar diferentes principios y reglas de composición por ti mismo. Ve qué se adhiere a tu estilo de videografía y qué no se adhiere a él y diviértete. Entonces hagamos un pequeño resumen de esta lección porque había mucha información en ella. Comenzamos analizando qué es la composición. Después pasamos a analizar todas las reglas de composición, regla de tercios líneas principales. Tendrán espacio libre, la regla de simetría, la regla de la profundidad. Y luego las tres sales diferentes que pueden ya sea tu composición y tomas de establecimiento, tomas medianas, y las tomas de primer plano. Antes de terminar esta lección, sigamos adelante y veamos y analicemos las reglas y principios de composición que se han aplicado a esta sal aquí mismo. Se puede ver que esta es una toma de primer plano sin mucho espacio para la cabeza otra vez, porque el creador quería que esta fuera porque el creador quería que esta fuera una sal muy dramática. No sigue la regla de los tercios, sino que sigue la regla de profundidad y líneas principales. Tenemos profundidad porque de nuevo, el fondo es muy borroso, así que tenemos una diferencia entre el sujeto y el fondo. Y ¿puedes detectar la regla de las líneas principales, las luces principales? Esta es la línea de liderazgo aquí mismo. Es el horizonte, que vuelve a enfocar al espectador directamente a los ojos de sangre fría del sujeto. Así concluye con esto la lección sobre composición. En esta lección de aquí mismo, hablamos de una amplia variedad de nuevos términos y nuevas definiciones que quiero que conozcas. Hay mucha información para que puedas digerir después de esta lección aquí mismo. Y ahora que hemos terminado con la composición, es momento de pasar a la siguiente lección en la que vamos a discutir sobre diferentes tipos de transiciones entre dos clips. Entonces nos vemos en la siguiente lección. 7. Transiciones en cámara: Bienvenidos a la quinta y muy importante lección de este curso en que vamos a hablar de transiciones. Ahora las transiciones es mayormente, y voy a mencionar en esta lección aquí mismo , una cosa de posproducción. Obviamente, las transiciones se refieren al proceso de edición de posproducción en que intentamos hacer la transición de un clip a otro de diferentes formas creativas. Entonces vamos a hablar de transiciones en la lección de posproducción de este curso. Pero en este curso de aquí mismo, nos vamos a centrar en diferentes transiciones que puedes lograr con técnicas de disparo de mano y movimientos de adecuación que aplicarás a tu proceso de disparo. Entonces, en esta lección, vamos a enfocar diferentes transiciones que puedes lograr a través del proceso de disparo. La preproducción, la postproducción, más sobre las transiciones seguirán en la lección de posproducción. Así que basta con la introducción, lanzemos nuestras diapositivas y abordemos las transiciones. Entonces este va a ser el esquema de la conferencia para la lección de hoy, va a ser el esquema para las transiciones. Vamos a empezar por mí presentando lo que es una transición y los diferentes tipos de transiciones. Entonces vamos a seguir analizando los diferentes tipos, nuevamente, las transiciones gamma que se pueden lograr. Y vamos a cerrar esta lección con algunos consejos y se recuperan. Porque de nuevo, hay mucha información empaquetada en esta lección. Vamos. ¿Qué hace la transición? Empecemos por lo básico. Una transición es una técnica para conectar un disparo a otro. Si no aplicamos nada, cualquier transición entre dos de nuestros tiros, el play head en postproducción, que vamos a analizar si esto, nuevamente en la lección de postproducción, simplemente saltaremos del primer disparo al segundo disparo. Ahora bien, esta técnica que utilizamos para conectar una célula a otra, que por supuesto es la transición. Nuevamente, se puede aplicar, no se puede aplicar en la posproducción, que vamos a los aliados en lecciones futuras o durante la producción de manera creativa. Esto es algo de lo que la mayoría de los creativos y la mayoría de los cineastas no hablan, pero es muy importante aprender a aplicar transiciones de un clip a otro durante la producción. Entonces patito, en esta lección, el objetivo de una transición es integrar a la perfección diferentes sales para que la narrativa central avance manera creíble y no distraiga al espectador. Esto es muy importante, y quiero que lo anotes. No queremos que nuestros espectadores se distraigan de nuestras transiciones. Queremos que nuestras transiciones se mezclen con la historia para que sean fluidas y fluidas. No queremos que nuestra tradición distraiga o moleste, o no queremos mostrar nuestros sellos cinematográficos a través de nuestras transiciones. Cuanto más sutil y más suave y fluida sea la transición, mejor. Entonces, en esta lección, nos centraremos en la creatividad en las transiciones de cámara que podamos producir durante el rodaje. Ahora, pasemos a los diferentes tipos de transición. Ahora bien, estos son los cinco tipos diferentes que vamos a analizar en esta lección, vamos a comenzar con la misma transición de color, las transiciones de sacudidas. Este tipo, este chico transición diría variedad de su misma transición de columna. Pero voy a analizarlo porque es muy interesante. La transición completa del marco y V gamma en la transición gamma. Empecemos con la misma transición de color. En esta lección aquí mismo me vas a ver usando esta gráfica aquí mismo. Esta gráfica describe el primer clip y el segundo clip y entre ellos, el punto de transición. Ahora, durante la misma transición de color, esta es una transición muy fluida por cierto, que podemos lograr. Terminamos el primer clip en un color específico, e iniciamos el segundo clip en este mismo color. Esto significa que cuando la cabeza lectora se mueve del primer clip al segundo, va a verse muy fluida para el espectador. Por ejemplo, un ejemplo de la misma transición de color podría ser como colocar la cámara en una superficie muerta para que el color sea negro. Y luego comenzar el siguiente clip con nuevamente el negro siendo el primer color del fotograma que se mostrará. mismas resistencias llamadas son sin fisuras, interesantes, y se pueden combinar en gran medida con el audio. Vamos a hablar de esto en la lección de edición de posproducción. Ahora te voy a dar un ejemplo de una misma transición de color en una de mis ediciones que he producido, quería, quiero que te enfoques en este clip de aquí mismo, en el que la cámara va a mezcla en el color azul del cielo. Entonces voy a hacer la transición al siguiente clip en el que nuevamente empiezo con el color azul del cielo. Así que sácalo. Así que también podrías haber captado el pequeño efecto de sonido que agregó ahí de nuevo, para vender mejor la transición, Pasemos al siguiente tipo de transiciones sin las transiciones de sacudidas, como el nombre sugiere y como sugiere la gráfica que he calificado, comenzamos el primer clip y al final del primer clip introducimos shake a nuestro metraje. Y en el inicio del segundo clip, volvemos a sacudir la cámara. Este batido de cámara en el que nos ayuda a pasar de un clip a otro. Se ve dinámico. En primer lugar, es muy intuitivo y no necesitas un cardán porque claro, sin, con un cardán podemos sacudir la cámara y para usar shake a la longitud del arco, podríamos decir que la forma transición es como una misma transición de color porque cuando agitamos la cámara, creamos desenfoque de movimiento. Y este desenfoque de movimiento se puede combinar con, por supuesto, estos desenfoque de movimiento que se calificarán en este segundo clip. Entonces esta es la transición de forma. Permítanme dar un ejemplo de un sector y esto es ahora un ejemplo de una transición, podría ser este B-roll que creé para mi curso anterior, que estaba en la creación de B-roll. Entonces este proyecto de ley que creé tiene muchas transiciones de sacudidas durante el mismo. Así que vamos a seguir adelante y verlo. Nuevamente, todo el punto de la transición de forma es muy sutil y no perceptible para los espectadores. Pero cuando ves una transición suave de un clip a otro y realmente no te das cuenta cómo sucedió eso. No fue tan duro, pero fue muy suave. lo general, era una transición de sacudidas. Pasando al tercer tipo de transiciones, esta es la transición cielo azul cielo. Obviamente, los primeros autobuses clip, terminamos el primer clip con el cielo y comenzamos la secundaria comenzó con una sal del cielo. Esta es una misma transición de color básicamente, pero realmente quería darte el ejemplo del cielo porque puede estar realmente implicado en muchos, muchos casos y es muy útil para conocer este tipo de transición. Básicamente, mientras usas la transición de cielo a Skype, puedes moverte de una escena a otra y de una ubicación a otra. Y los espectadores se sentirán intrigados porque de nuevo, esto simplemente se ve muy cool, como te vi en mi primer anuncio. Entonces ahora hablemos un poco más cuando se trata de las mismas transiciones de color. El mismo color podría ser muchas, muchas cosas. En primer lugar, obviamente podría ser el cielo y el suelo. Si nosotros, nuevamente, el final del primer guante en el inicio del segundo clip tenemos el mismo color de cielo o el mismo color de tierra. Pero las personas que llaman más comunes para ser aplicadas en las mismas transiciones de color. Entonces nuevamente, los colores más comunes para terminar el primer clip e iniciar el segundo clip son los de reflejos y sombras. Entonces el color blanco y el color negro. El color blanco otra vez, se puede encontrar por ejemplo en reflejos de una escena o en el sol. Y el color negro se podía encontrar en palas de una escena o prácticamente en cualquier lugar. Sólo tienes que pegar la lente. Y obviamente no tenemos luz entrando, así que esto se vuelve negro. Es muy importante cuando se trata las mismas transiciones de color, no seguir las reglas y simplemente ser creativo. Puedes encontrar los mismos colores prácticamente en cada marco que puedas crear. Por lo que es muy importante simplemente ser creativos aquí. Ahora pasemos al segundo tipo de transiciones, que son dependientes del sujeto. Esto quiere decir que para lograr esas transiciones, necesitamos tener un sujeto. En las transiciones anteriores, no necesitábamos tener un tema. Podríamos transiciones, podríamos, por ejemplo solo con mirar al cielo. Ahora, vamos a necesitar un tema. Y la primera transición de esta categoría es la transición de retención de fotogramas. Durante la transición de retención de fotogramas, la cámara permanece quieta, el sujeto se mueve fuera del fotograma, luego se revela la nueva escena y el sujeto simplemente vuelve a entrar en el fotograma. Entonces tenemos el tema, que es el recordatorio constante para el espectador de lo que está sucediendo. Y la escena apenas transita de esa manera. Lo único aquí para lograr la transición de retención de fotogramas es mantener tu cámara estable y obviamente asegurarte de tener una línea de horizonte constante. Esto es muy importante. No quieres meterte con cambiar los horizontes. Esto arruinará el efecto. Entonces dos cosas. Mantén tu cámara estable. asegura de que el sujeto tenga el mismo movimiento durante los dos fotogramas y mantenga la línea del horizonte estable al mismo nivel de su fotograma. Cuando vamos en un tipo de transición de tres segundos que es sujeto dependiente es la venida, sale transición, así como en el tipo de transición anterior de este objeto movido fuera del marco. En este caso, moveremos el marco acercándose y alejando al sujeto. Así que combinaremos esto con cariño en y repartir. Durante la transición de llegada o camello, movemos la cámara hacia un sujeto o una persona. Entonces revelamos una nueva escena, y luego alejamos la cámara de la persona. Así que más o menos con Darlene, la cámara, hacia nuestro tema. Después pasamos a la siguiente escena en la que acabamos de sacar la cámara alejándonos del sujeto. Y esto por supuesto, crea, si no nos inclinamos y Dolly fuera de la misma manera, una transición muy interesante. Entonces estos fueron más o menos los tipos de transición en los que quiero enfocarme. Ahora. Vamos a mover algunos consejos. En primer lugar, quiero que mantengas tus transiciones consistentes. Cada error común de los aficionados se utiliza para tratar de usar transiciones diferentes y más creativas para cada escena. Esto se vuelve muy destructivo para el público. Y simplemente parece que eres público. Y simplemente se ve muy aficionado y algo que haría yo principiante. Entonces, aunque estés muy impresionado y hayas dominado qué tipo de transiciones, por favor no lo repliques en cada uno de los clips. Además de eso, quiero que recuerden que la mayoría de las transiciones solo deben ser rudas y las tripas básicas entre escenas no vuelven a usar una transición muy extra e increíble, en todos y cada uno de los glifos que la transición a Esto se volverá muy agotadora para el público. La transición debería, las transiciones deben ocurrir una o dos veces cada minuto. Y nuevamente, no debes restar de la historia mientras usas esas transiciones. Se quiere dar a la historia fluyendo lo más suavemente posible. El último consejo que tengo que darte es que muchas veces puedes utilizar esas transiciones para mejorar realmente la historia. No solo distraer al espectador y simplemente mostrarle lo geniales que son tus habilidades cinematográficas. Así que puedes usar transiciones para mejorar tu historia y ayudarte a brindar una sensación especial o una vibra y tono especiales que quieras entregar en esta escena. Así que trata de usar las transiciones a tu favor. Por último, se centró en la masterización en transiciones de cámara antes de entrar. Dominar las transiciones de postproducción. Nuevamente, todo, cualquier cosa que se pueda lograr en preproducción es mejor que hacerlo en posproducción. Intenta también dominar la misma transición de color porque es muy creativa y podrías hacer cosas muy geniales con si la dominas. Por favor, no sigas todas las reglas. Nuevamente, las reglas están hechas para romperse, sobre todo en este gran campo de la videografía, y no tengas miedo de ser creativo. Así que vamos con un recapitulativo. En esta lección, te presenté cinco nuevos conceptos de transición. Decíamos, de qué transición se hablaba fácilmente que la mayoría de las transiciones se aplican en la posproducción, pero en esta lección, nos enfocamos en preproducción en transiciones de cámara. Estos se subdividieron en dos categorías, dependientes de sujetos e independientes de sujetos. Sujeto independiente en transiciones de cámara o las segundas visiones, las transiciones de color. Y este tipo, este tipo hace la transición. Mientras que el sujeto depende de las transiciones donde vienen a venir y el marco mantiene la transición. Entonces esto concluye nuestra lección sobre las transiciones. Nuevamente, en esta lección nos centramos en las transiciones que puedes aplicar y crear. Simplemente lanza disparos con diferentes técnicas con tu cámara. Y nuevamente, vamos a abordar el resto de las transiciones en la lección de post producción. Entonces creo que terminamos con las transiciones. Ahora es el momento de enfocarnos en la siguiente lección en la que vamos a analizar diferentes formas estabilizar tu metraje. Vamos a profundizar en la estabilización. Entonces nos vemos ahí. 8. Estabilización de tus clip: Bienvenidos a todos a la sexta lección de este curso en la que vamos a estar analizando todo lo que necesitamos saber a la hora de estabilización de videos durante esta conferencia aquí mismo, vamos a comenzar analizando cuándo estabilizar el video y ver la realización realmente es. Y luego te voy a presentar ocho nuevas formas que quizás conozcas o no sobre cómo estabilizar con éxito tu metraje. Si le pones atención a esta lección aquí mismo, al final de la misma, no hay un solo disparo en el que no sabrías cómo estabilizarte y la mitad tenga los resultados más suaves. Entonces estoy muy entusiasmado con esta lección. Vamos a sumergirnos directamente en él. Entonces, dejar que señores le den la bienvenida a la sexta lección de los puntajes en que vamos a estar hablando de la estabilización. Iniciaremos esta conferencia analizando el objetivo de esta lección. Entonces vamos a pasar a analizar los diferentes tipos de estabilización. Y vamos a terminar esta conferencia la manera típica de este curso con algunos tips y Eric arriba porque de nuevo, va a haber mucha información en esta lección. Así que vamos. Ahora el objetivo de esta lección, porque de nuevo, esta va a ser una gran conferencia, es ante todo, voy a presentarte una nueva forma de estabilizar tus videos. Como dije en la introducción de este video, al final de esta lección, se sentirá cómodo al saber cómo y cuándo estabilizar todas y cada una de las sales que entrarían en tu mano. Además de eso, vamos a entender algunos principios básicos de estabilización. Y cuando en realidad la estabilización no se aplica a una historia. Entonces, cuando debes evitar esa realización, cuándo debes aplicar estabilizadores, porque obviamente no queremos que todas y cada una de nuestras sales se estabilicen en nuestras historias. Entonces también podemos estar analizando esto. Y finalmente otra vez, vamos a, finalmente, te voy a presentar y hacerte entender cuándo debes y cuándo no debes estabilizar un disparo. Entonces, ¿qué es la estabilización? En términos muy simples, las inestabilidades es la eliminación de la sacudida de un video. Esta remoción de sake. Por lo que la aplicación de la civilización se puede hacer ya sea durante la producción o en la posproducción, tal como dijimos en la conferencia de transición. Y si recuerdas cuando se trata de transiciones, era mejor aplicar algunas transiciones, reproducción Cuando la posproducción, exactamente lo mismo aplica en la civilización, es mejor con éxito estabilizar el clip antes de pasar a la posproducción lugar de estabilizarlo en la posproducción. Entonces esta de aquí es la pregunta del millón de dólares. ¿Debo estabilizarme o no debo estabilizarme? Y esta es la respuesta del millón de dólares. ¿Cuándo debemos aplicar? Es la realización. Deberíamos aconsejar la realización a la hora de establecer tomas. Cuando queremos que la información sea transferida de lo que se retrata en la sal a nuestros televidentes. Cuando hablamos de hablar de sal, por ejemplo en el que queremos que nuestros espectadores se centren en el tema y no en nuestras técnicas de filmación. Nuevamente, en secuencias que tienen esta vibra cinematográfica, prácticamente podemos aplicar estabilización en cualquier ocasión, en cualquier clip único, excepto sales de acción. Sales con mayor drama y cortos con mayor tensión. Imagina asalto con mayor tensión o drama inglés o inacciones en. No tienes un metraje suave. Quieres que tu metraje tenga forma. Se quiere transmitir este drama y acción a los espectadores. Esto es cuando no aplicamos estabilización. Por ejemplo, este es un plano de establecimiento cinematográfico. Obviamente vamos a estabilizar la sal. puede ver que es hermosa mujer caminando en este campo. Queremos que este tipo sea estable. Esto no es una sal de acción. En contraste, esto de aquí mismo es una acción. Entonces es una acción, una especie de escena de guerra es obviamente una sal de acción y no se debe estabilizar. Queremos transmitir la tensión y el drama y el caos de la guerra a través de otra vez, metraje tembloroso. Entonces hay una ocasión en la que no estabilizamos el metraje. Ahora pasemos a los tipos v3 de estabilización. Esta es una diapositiva muy importante. La estabilización se categoriza en tres categorías, todas las cuales tienen subcategorías. El primer tipo de estabilización es la estabilización, construir tu cámara o tu lente. Esto se subdivide aún más, en desestabilización, construyendo la cámara. Diferentes técnicas que podrías aplicar en tu rodaje. Pueden producir imágenes más estables. Cambios en las velocidades de fotogramas y la distancia focal, lo que ayudará a que tus videos se vuelvan más estables. El segundo tipo de estabilización es la civilización externa a la cámara, que se puede lograr a través encías alegres, driblados y cardúmenes. Ahora bien, el tercer tipo de estabilización es la estabilización post producción, que depende del programa que estés usando de nuevo, para ambas producciones. Entonces esto es más o menos lo que vamos a estar abordando en los negocios. Y aquí mismo, comencemos con en cámaras la legalización y la primera subcategoría, que es la renta construida o la civilización. Ahora, construyendo cámaras, civilización. Es más o menos cuando tu cámara o tu lente tiene un mecanismo de estabilización del edificio, por lo que tu metraje se estabiliza a medida que disparas. Esto es muy importante y como pueden ver, esta es la lente por ejemplo por canon que tiene la estabilización de un edificio. Siempre que puedas encontrar esto, deberías considerar al menos invertir. La mayoría de los teléfonos hoy en día tienen un sistema de estabilización de lentes de construcción Entonces esto es muy, muy útil. Nuevamente, los edificios, los glaciares se pueden ver en lentes, cuerpos de cámaras y teléfonos inteligentes. Y más o menos cuanto más de edificios nebulizadores y tienes mejor porque obviamente no podemos apagarlo. Ahora, avanzando cuando se trata de regularización de ingresos, el segundo complementario es tener metraje estable mientras se filma. Como señalo aquí, no hace falta que tengas miedo de que la inclinación de la mano sostenga tu cámara y la capture, ponla de esta manera porque mucha gente teme que los fluidos vayan a estar temblorosos. No deberías tenerle miedo a eso. Debes invertir algo de tiempo y energía para aprender algunas técnicas que te ayuden con tiroteos más suaves. Entonces, obviamente, una forma de estabilizar tu metraje es invertir tiempo y energía y aprender algunas técnicas relajantes. Voy a presentarte algunas técnicas ahora mismo. La primera técnica es utilizar, como puedes ver a este hombre de aquí mismo, la correa de la cámara como otro punto de contacto. Entonces tienes un poco fuera de una imagen menos temblorosa de esta manera. La segunda forma es un poco divertida, pero créeme, funciona. Es solo aguantar la respiración mientras estás tomando la sal. La mayoría de las sales no van a ser más de 5 s. Estará filmando este curso. Entonces, si aguantas la respiración, esto va a ser muy, muy útil. La tercera forma es simplemente doblar las rodillas y la espalda tanto como puedas para que estés más cerca del suelo, estés más conectado a tierra, y tengas manos más estables para volver a filmar, tu video. Entonces estas son tres técnicas muy básicas que puedes aplicar la próxima vez que estés filmando metraje portátil. Y nuevamente, si combinas esas técnicas con alguna estabilización de edificios en tu lente o en tu cámara, esto te ayudará a lograr resultados de manera, mucho mejores. La tercera forma de estabilizar tus clips sin un cardán o sin, por ejemplo, civilización de postproducción es más bien alejar el zoom. Alejar, producir sales más amplias tienen menos sake como resultado. Y obviamente, cuanto más de esos aspectos que estemos analizando los combinados entre sí, mejor será el resultado a la hora de llegar a la civilización. Entonces, como regla general, recuerda que al alejar el zoom las sales más amplias están más estabilizadas que las sales de teleobjetivo. Este es un ejemplo de teleobjetivo. Entonces aquí mismo se puede ver la compresión en el fondo que produce de nuevo, este teleobjetivo. Y estos serán más susceptibles al batido de mano. Como puede ver, la mayoría de los fotógrafos teleobjetivo tienen giros de bombilla seca disparando. Un ejemplo aquí, esto es una telefoto cámara y teleobjetivo. Y esta fotografía aquí obviamente posee un conductor porque simplemente no se pueden usar soportes portátiles y producir fluido suave. En la otra imagen se puede ver a una persona con una lente gran angular y normalmente nunca se ven trípodes en lentes gran angular. Solo porque, nuevamente, las lentes gran angular y rangos de visión del ángulo del viento disminuyen cualquier sacudida menor. Cuando se trata de aspectos que puedes cambiar en tu cámara mientras tomas que te ayudarán a estabilizar tu metraje. Solo por ejemplo, como alejar el zoom y tener una imagen más amplia. Otra es usar cámara lenta en tus clips. ralentización de los clips elimina las cámaras pequeñas x, y esto es muy importante para que notes más, la mayor parte de la escena ralentizada que ves en películas y videos, vas a ver que van a ser extremadamente suave como regla general, recuerda que cuanto más desaceleres un video, más estable será. Entonces, sentarse a 240 fotogramas por segundo y ralentizar esto diez veces sería mejor que, por ejemplo disparar a 120 fotogramas por segundo de largo esto cinco veces, o sodio a 60 cuadros por segundo. Y desacelerando esto a su debido tiempo. En general, cuanto más lento sea el video, más estabilizado estará. Sin embargo, lo más importante para recordar aquí es que nunca debes comprometer la narración y el flujo de la historia mientras ralentizas, por ejemplo clips para estabilización, se aplica cámara lenta donde ayuda a una historia y otra vez, no distraiga al espectador. No deberías ralentizar cada uno de los clips. Simplemente disminuyó la liberalización, mientras que por supuesto daña tu historia. Esto, definitivamente no queremos null hecho con estabilización de cámara interna y técnicas que puedas usar, nuevamente para ralentizar Eclipse, es momento de pasar a la esterilización externa. Como decíamos, hay tres formas estabilizar nuestros clips externamente, la cámara, la primera es invirtiendo en un cardán. El segundo es invirtiendo en un trípode, y el tercero es invirtiendo en un deslizamiento hacia abajo. Ahora, obviamente, se van a hacer estas inversiones y vamos a estar analizando el costo de todas y cada una de esas inversiones ahora mismo. Entonces voy a empezar con los Gimbels, igual que cada pieza de año que dijimos en la primera lección, hay algunos pros y algunos contras en cada año. Cuando se trata de cardán, los pros son que estas máquinas producen una estabilización impecable. Si tienes una cámara y un cardán, 100% de las veces tendrás un resultado impecable. Es el mejor resultado y son extremadamente confiables. Por supuesto, son difíciles de llevar, son caros. Y lleva algún tiempo configurar tu cámara en el Gimbal. Entonces, si tienes prisa y no quieres tener que configurar tu quimio. Y esto te llevará 10 min e.g y podrás perder la sal que quieras lograr. Así que tenlo en cuenta a la hora de considerar invertir en un cardán. Pero recuerda siempre que el cardán producirá el mejor resultado y la estabilización más impecable. Pasando, tenemos que llegar a las tribales. Ahora, como dijimos en la primera lección, tribelets tienen algunos pros y contras. El pros de los trípodes es que son muy baratos y muy confiables. Y los contras es que no son tan versátiles y prácticamente estabilizan tus sales en un solo tipo de civilización, solo sostiene tu smartphone o tu cámara en una posición singular. Esto es lo que debes saber cuando se trata de trípodes. Obviamente son muy, muy baratos. Se puede comprar ¿verdad? Pero de Amazon por como diez dólares. Entonces, en mi opinión, todo cineasta y cada camarógrafo debería al menos en un trípode. Ahora las gomas deslizantes son más o menos la fusión entre un cardán y un trípode. Es lo mejor de ambos mundos en mi opinión. Me alegro viene. Yo también muy barato. Son un poco más caros que los trípodes, pero mucho, mucho más baratos que las gomas deslizantes, y no requieren batería. Equilibra su cámara en la parte superior de la cámara de deslizamiento de bucle, y esto produce solo un resultado más estable. Obviamente porque toman factores de ambos mundos. Van a ser difíciles de llevar como los Gimbels, y van a ser difíciles de equilibrar. Bueno, en realidad no van a ser tan difíciles de llevar porque los OGM son muy, muy pesados. Pero van a ser difíciles de equilibrar porque el equilibrio es el factor clave cuando se trata de deslizarse viene si dominas el equilibrio que las encías contentas podrían ser la mejor solución para ti. Entonces ahora pasemos a la categoría final de civilización, que como pueden ver aquí, es civilización de posproducción. Ahora, la despolarización de ambas producciones se logra a través un software de inteligencia artificial que está construyendo su programa de software de estabilización de postproducción. Ahora en por postproducción Programa de civilización Final Cut Pro. Este software se llama Warp Stabilizer. Antes de seguir adelante y analizar qué es el Estabilizador de Urdimbre y cómo se aplica la estabilización de posproducción a tus videos. Sólo quiero señalar que tanto la estabilización de producción es un último recurso a la hora de estabilizar su metraje. No quiero que cuentes con la existencia de la civilización de postproducción y seas como, bien, está bien. Mis videos temblorosos. No presté atención en cómo ordené o qué equipo usé. Así que voy a aplicar recién publicado en civilización y voy a, va a estar bien. No quiero que pienses de esa manera. La civilización de posproducción es un último recurso de resultado. Si has hecho todo lo posible para estabilizar tu clip y sigue siendo tembloroso. Aquí es cuando podemos utilizar la estabilización de postproducción como de nuevo, un último recurso para disminuir los huevos de cámaras menores. Ahora, el estabilizador de urdimbre y la civilización de posproducción en general siempre ha existido desde los primeros días de Final Cut Pro. Pero en el pasado, era completamente inútil usar tu estabilizador de urdimbre aplicado a uno de tus clips. Y los resultados fueron horribles. Dicho esto, hoy en día, lo cierto es que el estabilizador de urdimbre ha mejorado mucho. Realmente puede disminuir los batidos menores de tus videos. Realmente funciona. Pero escúchame otra vez. Este es un último recurso cuando se trata de estabilización, y es genial para los seis menores. Si tu video no es corto a la perfección, tiene grandes sakes. Simplemente no se puede guardar de ninguna inteligencia artificial de ningún software de edición de postproducción. Entonces quiero que recuerden este punto que hicimos cuando se trata de estabilización de posproducción. Nuevamente, la tercera categoría de estabilización de esta lección. Ahora pasemos a algunos consejos porque, porque de nuevo, había mucha información en esta lección, quiero mostrarte el combo de estabilización definitivo para que lo uses. Para preguntarme si aplicas todos estos aspectos a tu video, tus videos serán extremadamente suaves. No vas a tener ningún problema con la estabilización. Entonces, obviamente, la estabilización combinada definitiva implica las mejores características de cada categoría de estabilización. Y pasando al primer adiós, el gris quiere que te adaptes a gran angular con tu cámara. Porque nuevamente, como decíamos, el video gran angular en general, como regla general, está más estabilizado que el video zoom y teleobjetivo. Además de eso, no lo estoy mencionando reescribir aquí mismo, pero quiero que apliquen algunas técnicas básicas. Si estás disparando de mano, el Dr. habló de agacharte las rodillas, bajarte al suelo. Y si combinas esto con la civilización de postproducción, que probablemente no va a ser necesaria porque de nuevo, el metraje va a ser perfecto y mantecoso suave de cualquier manera. Pero también combinamos esto con la estabilización de postproducción. Los resultados serían increíbles. Confía en mí, no tendrás ningún problema con las temblores y tus videos en absoluto. Ahora, hemos analizado el combo definitivo. Movamos y analicemos el peor combo que puedas producir. Este de aquí mismo es el peor gumbo absolutamente si estamos disparando con zoom. Así que no se amplió porque de nuevo, como decíamos, acercar produce un poco más de dolor a las cámaras y en realidad hace que el temblor de la mano sea más vibrante. Si volviéramos a disparar a velocidad normal y no ralentizar nuestros clips. Esto es un problema. Disparo de mano. Obviamente podemos aplicar las técnicas de las que hablamos, pero en general, no es tan opcional producir estable y estabilizado con él. Y si además de eso, no aplicamos ninguna civilización de posproducción. Esta es una receta para el desastre. Pero la verdad sea dicha, aunque aplicemos estabilización de postproducción, como dijimos, en esos aspectos aquí mismo, probablemente no podamos guardar esos clips. Estos no van a quedar bien. Entonces hagamos un pequeño recapitulación de esta lección. Espero que te haya ayudado con toda esta información. Entonces, al inicio de esta lección, platicamos sobre el objetivo de la estabilización, que es dos sacudidas menores disminuidas de nuestros videos sin intervenir con nuestras historias, una historia de maravilla para ser continua, no queremos arruinar la historia de nuestros videos. Y es por ello que en muchos, muchos clips en ocasiones, necesitamos aplicar estabilización en la liberalización de cámaras, estabilización usando engranajes y civilización de postproducción. Y todas estas categorías se subdividen en subcategorías. Cuando se trata de la primera categoría en estabilización de cámara, algunos aspectos que podemos aplicar para ayudarnos con esta realización de nuestros clips es por supuesto, construido en estimulación artificial en nuestras lentes o nuestros cuerpos de cámara, podemos realizar otras técnicas calmantes para ayudarnos a eliminar nuevamente menos x de nuestros videos. Alejar también disminuye los seis menores, así como la aplicación de cámara lenta cuando se trata de engranaje. Hablamos de Gimbels, hablamos de trípodes y encías contentas, que es, creo que la línea perfecta entre huesos apostados y secos si no quieres ir tan caro con Gimbels o que baratos con trípodes, gomas contentas, ¿son la solución perfecta? Luego platicamos sobre la estabilización de postproducción, cómo la aplicación de la inteligencia artificial nos ayudará en este aspecto de la videografía y cómo la estabilización de postproducción es prácticamente una último recurso y no deberíamos simplemente vestido en él. Y sui generis y tembloroso. Entonces esta fue la lección V6 de este curso sobre estabilización. Espero que no te haya estresado con toda esta información, pero quería bucear un poco más profundo cuando se trata de civilización, porque de nuevo, Smooth Woods es muy, muy importante en narración de cuentos. Nuevamente, para recapitular esta lección, comenzamos analizando qué es la estabilización y qué disparos deberían o no estabilizarse. Y luego seguí adelante y te presenté esas ocho nuevas formas de estabilizar tu metraje. Ahora que hemos terminado con la estabilización, que está más enfocada al aire libre, es el momento de volver al interior y de hecho analizar el correcto posicionamiento de la luz. Entonces en la próxima conferencia, vamos a estar hablando de iluminación. Muchas gracias. Nos vemos entonces. 9. Principios de iluminación: Entonces ahora hemos completado la lección sobre civilización. Es momento de pasar a la séptima lección de las partituras en las que estamos discutiendo la iluminación, comprensión y el dominio de las diferentes luces que están disponibles para comprar y cómo configurarlas, de supuesto, iluminar diferentes escenas es de clave importancia en la videografía. Como, como verán que voy a mencionar en la introducción de este curso, iluminación y la comprensión. La comprensión adecuada de la iluminación es mejor que invertir realmente en equipos y cámaras muy caros. Así que presta atención en esta lección va a ser muy, bastante importante platicar. Lanzemos esta presentación y abordemos el relámpago. Entonces este va a ser el esquema de la conferencia de la séptima lección central de este curso. Vamos a comenzar el objetivo de la lección porque de nuevo, va a haber mucha información empaquetada en este video. Entonces vamos a seguir adelante y analizando los diferentes tipos de luces que están disponibles para que las compres. Por supuesto, vamos a dar un seguimiento por cómo configurar todo y cómo crear un ambiente de estudio e iluminación adecuados. Y claro entonces va a haber un recapitulación porque de nuevo, vamos a hablar de muchas cosas en esta lección sin más preámbulos. Vamos a sumergirnos en el objetivo de esta lección. Entonces, hay tres metas diferentes que he hecho para que entiendas esta lección. El primero es que necesito entender los principios básicos de iluminación, algunos principios de iluminación muy básicos que te ayudarán en tu curso de videografía. Lo segundo es que quiero que sepas cómo encender al menos dos iluminaciones distintas. Nos vamos a centrar en la configuración de tres puntos cuando salga a la luz, nuevamente en la categoría de configuración de este curso. Pero por ahora cuando se trata de esta lección, al final de la misma, quiero que sepas cómo encender al menos dos cadenas ligeras. Por último, quiero que sepas cómo montar y vivir una escena creativa de ti mismo. Así que deja de seguir las reglas en un momento y empieza a ponerte genial. Este es un punto muy grande que estamos enfocando en este curso aquí mismo, para comenzar a ser creativos con la videografía. Ahora, quiero que presten mucha atención a este mensaje aquí mismo. Una buena comprensión de la luz es mucho mejor que tener una cámara muy cara. Si lo harías, si tienes una cámara muy cara, si no entiendes cómo funcionan las luces, no obtendrás el mejor resultado de ella. Entonces, antes que nada, invertir tiempo y energía en entender cómo funciona la iluminación y luego invertir dinero para comprar una buena cámara. Esta es la mejor combinación, en mi opinión. Ahora, una buena iluminación juega un papel muy importante en la entrega de los mejores y óptimos resultados para nuestros espectadores. Obviamente, una buena iluminación entrega el estado de ánimo y el tono correctos que queremos para cada escena. Esto podría ser un tono dramático o un tono romántico. Esto se puede lograr mediante saltos. Obviamente una buena iluminación es independiente del presupuesto. Obviamente hay una fuente de luz libre por ahí, que es el Sol. Y vamos a discutir cómo utilizar el sol y sacarle el máximo partido. Una buena iluminación también mejora las imágenes. Bien, tenemos una luz suave que rebota correctamente ante nuestros sujetos. Y claro, esto es muy satisfactorio para los televidentes. Y la buena iluminación no es cosa de abril. buena iluminación no está disponible solo para las cejas. Entonces este es un juego limpio. Entonces este es el esquema que quiero que sigas cuando se trata de iluminación. Presta atención a cómo usar y utilizar las luces, luego invierte en el año correcto, que vas a averiguar qué el equipo de Greg es para ti al final de esta lección y luego obviamente usa luz natural siempre que esté disponible. Vamos a discutir nuevamente sobre la utilización de la luz natural en esta lección. Este fue el objetivo de una lección y una introducción general. Ahora, vamos a movernos y profundicemos iluminación con los diferentes tipos de luces. Ahora bien, el primer tipo de luz del que vamos a discutir es la luz dura y de otro lado aquí, luz dura es como sin filtro, es brillante, deslumbrante y puede proyectar sombras profundas, pero puede ser útil en la creación de imágenes y videos de alto contraste. Puedes ver aquí este es un ejemplo de una imagen que se buscó con una iluminación intensa. Y creo que como vamos a ver en esta imagen aquí mismo, porque la fuente de luz era el sol. Así que la luz más o menos dura es la luz que no se está difundiendo al entrar. Crea sombras ásperas. Es artístico. Y obviamente muchos creativos, como las vibraciones artísticas de la luz dura, tiene sentido absoluto que en un escenario de entrevista o en una escena romántica, no vamos a utilizar el punto culminante porque esto es muy artístico, creativo, y no entrega lo suave como resultado, es por eso que etiqueté que la luz dura no suele ser recomendada para nuestro uso. Dicho esto, obviamente hay un campo mayor que vas a hacer cuando más o menos quieras. Como dijimos antes, hay luz dura ampliamente disponible y esta es la luz solar de medio día. El sol no es difuso. La luz que sale del sol no se difunde, y solo está disponible el público para uso general de forma gratuita. El único problema con la luz solar de medio día es que de nuevo, crea sombras ásperas. Destaca los sensores de la cámara, necesitas una gran cámara para que puedas adaptarte al mediodía sin disminuir por completo las sombras y los reflejos de tu imagen. Y es por ello que suele evitarse en la videografía. La mayoría de las escenas y fotografías en esa madre o no cierto mediodía suelen venderse durante la puesta del sol para tener el look más completo. Ahora discutimos lo que es la luz dura. Es momento de moverse y discutir qué es la luz suave. Entonces nuevamente, la luz dura es una luz difusa que viene directamente de una fuente en la montaña. Sólo una bombilla atornillada en el techo de tu habitación. No se difunde. Ahora bien, si tomamos luz dura y agregamos un difusor, esto nos dará una luz suave. Entonces este galón se enciende ahora mismo, ¿qué luz suave es? luz suave nuevamente es luz con un filtro que es luz difusa. Este filtro también se llama geografía de difusión. La difusión difunde la luz, la iguala y crea un efecto suave y suave. Para que puedas ver el mismo retrato de este hombre usando luz dura y luz suave. Observe las sombras y los reflejos en los herrajes que son muy duros y muy contrastes, mientras que en la luz suave, las sombras son menos contrastes y nuevamente los reflejos son menos blanco. Esta es una técnica más, aún más extendida de la luz y en general es lo que vamos a preferir en la videografía. Una cosa más que quiero que noten en esta imagen es esta sombra que crea en el fondo a partir de esta persona en el fondo de la luz dura, podemos ver diferencias entre sombras aquí mismo y resalta aquí mismo. Mientras que cuando nos gustó la misma escena con luz suave, se puede ver que el fondo está igualado y esto es lo que nos consigue la difusión. Extiende la luz a una imagen más pareja. Así que prácticamente Soft Light es un favorito creativo. Esto e.g es una escena del fin de semana, sal con iluminación suave. Es la luz más utilizada, la más atractiva y prácticamente la más atractiva y prácticamente la más fácil de producir. Se puede producir suave como la magia puede difundirse, resaltar con muy, muy barato. Ahora, ¿cómo producimos luz suave? Entonces nuevamente, necesitamos una fuente de luz. La fuente de luz no suele ser difundida. Entonces esta va a ser una fuente de luz dura. Una fuente de luz dura, como decíamos, será el sol, podría ser una bombilla, podría ser prácticamente cualquier cosa. Ahora bien, si agregamos difusión a esta fuente de luz dura, vamos a tener luz suave y hay muchas maneras de desactivar la luz dura. El primero es usar un papel de difusión. Los papeles de difusión son obviamente relacionados con la realización cinematográfica en la videografía, puedes comprarlos en Amazon. Son muy, muy baratos. Dicho esto, otra forma es usar un reflector. reflectores son de nuevo, engranaje hecho para difundir equipo profesional más ligero, pero puedes encontrar flexores muy en Amazon prácticamente puedes comprar una fuente y un reflector en Amazon tienen una luz de estudio adecuada para al menos, creo 30€. Pero también hay principios de difusión caseros que puedes aplicar, por ejemplo, sábanas actúan como difusiones si colocas un mal asiento frente a una fuente de luz, esto difundirá tu luz. Además de eso, sé que las cortinas de ducha funcionan perfectamente así como cartulina blanca para hacer rebotar la luz en otro lugar. Porque obviamente los guardias blancos no es exactamente un difusor. Si agregas un vigilante blanco mira frente a tu fuente. Probablemente no querrá transmitir luz en absoluto. Entonces estas son algunas formas de desactivar la luz nuevamente y usar luz suave. Ahora cuando se trata de un difusor natural de luz suave y difícil de tener luz suave natural. Entonces, ¿cómo difundimos más o menos la luz solar más alta? Una difusión muy natural es la difusión hecha a partir de las nubes. Las nubes producen una iluminación muy uniforme y se puede ver a muchos cineastas y fotógrafos eligiendo rodar cuando está nublado afuera. Por lo que la intensa luz solar, además de un día nublado, producirá la mejor calidad de foco. Esta combinación es incluso mejor que los estudios de iluminación. Pero hay un problema enorme, que vamos a analizar ahora mismo. Otro estado aquí mismo, la luz natural es mejor que la luz de estudio. Esto es un hecho que todo el mundo sabe que el único problema es que la luz natural no es constante, fluctúa, mientras que las luces de estudio, debido a que tenemos un ambiente controlado dentro del studio es continuo y podemos confiar al 100% en la tecnología que utilizamos. Durante la luz natural. Podríamos tener nubes que se mueven y cubren el sol o el sol está completamente expuesto y tiene una luz solar intensa. Y luego tenemos que volver a cambiar la configuración de la cámara y todo nuestro equipo cuando se trata de luz natural. Mientras que en el alumno-dirigido nuevamente, hay un ambiente controlado. Así que no tenemos que preocuparnos por todo eso. Ahora, mientras se usa luz natural, hay muchas fuentes. La luz clave, de nuevo, va a ser el sol. Y esto podría ser una ventana o sol directo si estás sentado afuera. Y podemos desactivarlo con todos los principios de difusión que antes analizamos. Ahora pasemos a las luces de estudio. En mis tiempos, tenías muchas opciones a qué luces de estudio elegir. Pero puedo poner mi mano en la llama, como decimos, y sugerirle que las luces led son solo la mejor fuente de luces de estudio para usar. Ellos no lo producen. Son duraderos, son energéticamente eficientes, livianos y, lo más importante, funcionan con baterías. Quieres cambiar el posicionamiento de las luces dependiendo de lo que quieras disparar. El no, señalaría podría sonar gracioso, pero créeme, en mis tiempos, los estudios solían sobrecalentarse de la luz. Así que invierta en una luz LED adecuada, no será una mala inversión. Estos fueron los diferentes tipos de luces. Ahora pasemos a la parte más importante de esta lección, que es cómo configurarlos. Así que vamos. Esta es una configuración de estudio de tres puntos que vamos a estar enfocando en esta parte de la conferencia. Tienes la luz de fondo, la fillita y la luz clave. Estas son nuevamente, las tres luces que produjeron la configuración de estudio de tres puntos. Entonces, sigamos adelante y analicemos cada una de esas diapositivas. Vamos a empezar con la luz clave. La luz clave es esta diapositiva de aquí mismo , que de nuevo, como se puede ver, se afirma en un ángulo de 45 grados con respecto al sujeto y quema más brillante. Es la fuente primaria y más fuerte de luz. Por eso se llama la luz clave. Y nuevamente, se coloca en un ángulo de 45 grados con respecto al sujeto. Entonces la luz de Mikey, por ejemplo, está ahí mismo en un ángulo de 45 grados desde una cara, que por supuesto es el centro del marco. Recuerda que la luz clave crea una ligera sombra del rostro. Entonces estas sombras que puedes ver en esta parte de mi cara son necesarias y es producida por esta luz clave de ahí mismo. Si tienes el presupuesto de todas esas tres luces para comprar una luz de calidad, esta debería ser la luz clave. Deberías invertir en una buena luz clave. Continuando, tenemos la luz de relleno. Ahora bien, la luz de relleno es una luz, como se puede ver, que arde en 50 a 75 por ciento fuera de la intensidad de la luz. Entonces es menor intensidad y está ahí para llenar la sombra que es creada por la luz de relleno. Produce menos contraste porque de nuevo, siente esta sombra hacia arriba y se coloca exactamente en el ángulo opuesto de la luz clave. Y por supuesto en media intensidad, mi luz de relleno es esta luz de aquí como pueden ver. Y si lo apago, puede ver que tenemos una sombra más áspera en mi cara, así que la enciendo y esta es mi luz de relleno. Obviamente, no es obligatorio que se sienta como. Pero nuevamente, cuanto más, cuantos más criterios cumplas desde los tres puntos hasta este sumar, mejor va a ser tu iluminación. Entonces esta era la luz de relleno. Avanzando. Tenemos la luz de fondo la cual se coloca detrás del sujeto y fuera de las sales así que no la vemos normalmente en el corto. Y es una luz dura, resalta la silueta de un sujeto. Por lo que esto nos ayuda de nuevo resaltar la silueta del sujeto. Entonces es más, nuevamente, dinámico y bueno a la vista del espectador. Sobre todo, lo que dije dinámico e ir al ojo del espectador se aplica al hecho de que creamos profundidad de esta manera. Y como discutimos en la lección de composición, profundidad es el hecho de que resaltamos el primer plano desde el suelo medio y el fondo. Entonces esta es una gran manera de resaltar el fondo. Destacamos el fondo usando la luz de fondo y esto vuelve a crear la sensación de profundidad. Cuando se trata de mi luz de fondo, es esta diapositiva de aquí mismo. Se puede ver en el marco, pero lo tengo ahí por razones artísticas que Así que la vibra más industrial de mi estudio, pero podría simplemente levantarlo un poco para que no pudieras ver, esta es mi luz de fondo. Ahora que hemos discutido la configuración de tres puntos es hora de hablar un poco más sobre el proceso de configuración. El primer punto que tengo que hacer es que necesitas tomarte un tiempo para experimentar con tu configuración de iluminación y encontrar el equilibrio adecuado entre la luz y las sombras. Esto es lo que estamos tratando de lograr en esta lección. Y en general, jugamos con la luz. Tratamos de encontrar lo correcto ya que es suave, equilibrado entre luces y sombras. Nos gustó la parte que queremos y sombreamos las partes que no queremos de nuevo, para crear una imagen dramática e interesante para nuestros espectadores. Ahora, anote también las diapositivas. Entonces esa es una regla general. Posicionarse ligeramente por encima de su sujeto. La justicia tiene, justo, como lo he hecho con mi luz clave. Así que no coloques la luz debajo de tu sujeto. No quieres que tu tema se ilumine desde abajo. Y obviamente, recuerda probar diferentes configuraciones. Intenté cambiar la orientación de tus luces cada vez y luego comparar las diferentes configuraciones y los resultados que deseas. Nuevamente, no hay un resultado perfecto. Los resultados son completamente objetivos y el mejor resultado es ese resultado que más te guste. Entonces no hay nada bueno, no hay mal, no hay reglas, y no tengas miedo de romper de nuevo, ninguno de los principios que hemos discutido en esta lección. Ahora, la luz puede ir de nuevo desde muy barata, prácticamente gratis, por supuesto, ya que la luz del sol es completamente gratuita hasta muy, muy cara. Entonces, en esta parte del curso, solo quería destacar tres presupuestos diferentes para tres entornos de iluminación diferentes que puedas construir. Entonces vamos a empezar con iluminación de pequeño presupuesto. Entonces pasaremos a la iluminación de presupuesto de gama media y vamos a terminar esta conferencia con una iluminación de presupuesto considerable si tienes el presupuesto para invertir. Entonces comencemos con el presupuesto más pequeño disponible. Por supuesto, después de que tengamos el sándwich es completamente gratis. El menor presupuesto de iluminación es de nuevo, tener una fuente de luz de una luz agrupada o una obra como esta va a ser nuestra luz dura. Estos son muy baratos. Puedes comprarlos en una ferretería de Amazon. Nuevamente, este trabajo led enciende, nuevamente, nuestro plomo. Entonces, si tuviera que elegir entre una luz de grupo y una vida laboral, iría con una luz de trabajo. Y luego otra vez como difusión porque obviamente no necesitamos autos duros ligeros, necesitamos difundirla. Voy a usar una manta, una cortina de ducha, o simplemente un papel simple para entregar una luz más difusa. Este es el presupuesto mínimo, y creo que todo el mundo se lo puede permitir. Avanzando. Tenemos el estudio de iluminación de presupuesto de gama media, y este es el que tengo. Se trata de una conocida luz de estudio todo en uno. Si compras estos a Amazon y ellos confían en mí, no son tan caros como se ven en esas imágenes. Todo en unos te gusta suele tener tres fuentes de iluminación con difusor, cuales están diseñadas profesionalmente para montarse en tus luces para que no tengas que estresarte por esto. También vienen con trípodes y abrazaderas para ocultar tus cables y otra vez, estabilizar las luces en todas las posiciones que quieras. Y un todo-en-uno. ¿Te gusta lo más importante?, te da todo lo que necesitas para tener esta configuración de tres puntos para hacer discutida en esta lección, que es prácticamente lo mejor que puedes hacer cuando se trata sales en las que hablas con una cámara o entrevista tipo videos, la configuración de tres puntos va a ser tu mejor opción. Al seguir adelante, obviamente, tenemos este presupuesto considerable y no hay techo a la hora del baño, puedes invertir en esta afición. Este es un pasatiempo muy caro. La mejor opción y puedes tener R, luces de estudio. Las luces de estudio tienen una salida más fuerte. Tienen mejor difusión. Por lo general, tienen control inalámbrico y se pueden considerar a su preferencia. Este es el mayor activo que luces de estudio en el que hay que invertir obviamente más dinero para adquirir, la mitad se pueden considerar abajo y se puede cambiar la dureza de la fuente de luz. Entonces esto es prácticamente lo mejor que puedes tener cuando se trata de iluminación. Basta con la configuración, los tipos de luces y el objetivo de la lección, hagamos un pequeño recapitulación porque había mucha información empaquetada en esta lección. Es muy importante que entiendas qué es la iluminación, cómo usar las luces y cómo configurar las luces. Si entiendes esto, es mucho más importante que solo invertir en la iluminación más cara y no saber cómo usarla. Ahora bien, como resumen en esta lección, hablamos de Luz Dura, que es luz que no se difunde. Hablamos de luz suave, simplemente bastante difusa, luz dura, luz dura, los diferentes tipos de luz dura y los diferentes servicios de difusión en áreas que puedes usar, otra vez, de gratis a muy, muy caro. Y luego hablamos de la luz natural, que es más o menos el sol, cómo es difundida naturalmente por las nubes. Por qué los cineastas prefieren esto desde las luces de estudio y todas esas cosas. Al seguir adelante, hablamos sobre la configuración de las luces, la configuración de tres puntos con la luz clave, la luz de relleno y la luz de fondo. Entonces esta fue la séptima lección de este curso en la que analizamos todo lo que hay a la hora de la iluminación, hubo mucha información en este curso y quiero rebobinar y premiar a los partes que no te sientes muy cómodo reproduciendo por ti mismo. Si hay un mensaje clave que quiero que tome al 100% de esta lección aquí mismo está el hecho de que necesitas entender cómo funcionan las luces. La iluminación adecuada puede superar. Nuevamente, grandes inversiones en equipo si sabes usar la luz es mucho mejor que invertir en cámaras muy caras para hacer el trabajo. Ahora que hemos terminado con la estabilización de la iluminación y todos los demás factores que te ayudarán a grabar videos. Es momento de analizar filmar videos en interiores. Entonces esto es lo que estamos abordando en la octava lección de este curso. 10. Guía para rodamientos interiores: Así que enhorabuena por completar este curso hasta este punto, ahora que hemos analizado todos los aspectos técnicos de la videografía con tu smartphone, es momento de avanzar hacia el aspecto de filmación de la videografía. rodaje en general, aunque sea al aire libre o en interiores, tiene algunos aspectos diferentes. El primero es que podemos rodar un rollo o podemos filmar B-roll. Vamos a analizar en esta lección qué un rol y B-roll es un rol y B-roll y cómo maximizar tu eficiencia al disparar en interiores. Entonces lanzemos esta presentación y vamos. Así que bienvenidos de nuevo a todos a la octava lección de este curso en el que vamos a estar analizando el rodaje en interiores. Este va a ser nuestro esquema de conferencia. Vamos a comenzar con la introducción para presentarte lo que es disparar en interiores. Por qué elegimos filmar en interiores, o cuáles son los dos tipos, dos tipos diferentes de actividades. Nuevamente, tenemos un papel y B-roll. Entonces vamos a analizar más a fondo qué es un rol y un B-roll, los diferentes rendimientos que necesitamos para filmar a y B roll y la diferente configuración de este equipo en un ambiente de traje interior. Y obviamente, vamos a terminar este curso con un resumen porque hay mucha información empaquetada en esta lección, igual que en todas las demás lecciones. Entonces comencemos con la introducción y vamos a sumergirnos directamente en esto. Entonces este de aquí mismo es un ambiente típico de tiro en interiores. Se puede ver la luz, se puede ver el fondo, diferentes cables, y el nombre del juego cuando se trata de interiores, disparar es consistencia y control. Al disparar en interiores. Básicamente, elegimos filmar en interiores, utilizamos el hecho de que podemos controlar las luces, podemos controlar el audio, podemos controlar los ajustes de nuestra cámara y todo se mantiene consistente. Es por eso que tenemos resultados consistentes independientes del clima exterior, por ejemplo, y otras condiciones que podrían alterar esto, por ejemplo esta lección aquí mismo en este curso se busca en interiores. Tengo el control del micrófono, el control de la cámara, la luz, y puedo adaptarme a diferentes lecciones en diferentes plazos. Y pueden ver que tengo los mismos resultados consistentes. Entonces es por eso que la mayoría de los videos se venden en aquellos cineastas que les encantaba rodar en interiores. Ahora, básicamente tenemos dos amplias categorías de trajes a la hora de filmar. Contamos con Errol y B-roll. Y si un video es quiral o aquiral depende completamente cómo actúa el sujeto frente a la cámara. Cuando tenemos a una persona hablando con una cámara o, por ejemplo, filmando una entrevista de una persona hablando con la cámara. Esto se llama fila. B-roll es prácticamente todo lo que no es un papel. Entonces, si la persona no está hablando con una cámara, si tienes un traje de producto o un video de rasgos faciales de alguien, esto es B-roll. B-roll se utiliza para distraer a los espectadores de la monotonía de un papel. Entonces usualmente tenemos un papel, el llamado gato, que va a estar analizando en la lección de edición. Y volvemos a colocar buró para detener la monotonía del video para mantener al público más comprometido. Entonces en esta lección, vamos a analizar cómo disparar flecha y cómo disparar B-roll. Entonces comencemos analizando un rol. Un papel, como decíamos, es más o menos dispararte a ti mismo. Y ahora nos vamos a centrar en un rollo. En el ambiente interior relajante. Nos vamos a centrar en las agallas que necesitabas contar y el posicionamiento de este engranaje. Y comenzando con el equipo, obviamente vas a necesitar una cámara. Ahora digamos curso de videografía de teléfonos inteligentes. Obviamente la cámara va a ser tu smartphone, pero hay algunos cambios que quiero que apliques. La mayoría de las cámaras de los teléfonos inteligentes son capaces de aplicar los cambios que te van a presentar ahora mismo. Pero si no puedes, absolutamente van a cargar, claro, que nos ayuden a ajustar la configuración de la cámara. Ahora bien, estos son los tres cambios que queremos poder aplicar a nuestro campamento. Queremos poder cambiar la ISO. No pudimos cambiar la apertura y queremos poder cambiar la velocidad de fotogramas de nuestra cámara. Más específicamente, queremos cambiar la ISO al valor más bajo posible, porque obviamente no queremos introducir más ruido a nuestros videos. Así que simplemente cambiar el número ISO al menor posible suele ser 100. Cuando se trata de la apertura, volveremos a querer tener la apertura más baja posible para tener un fondo borroso y mucha luz golpeando el sensor de una cámara. Así que de nuevo, podemos apoyar este bajo valor ISO que hemos establecido. Y cuando se trata de velocidades de fotogramas, no necesitamos tanto movimiento, este es un video TODO parlante. No podemos ralentizar el video, así que 24 fotogramas por segundo son los mejores. Y como decíamos, en la velocidad de fotogramas, menos de esto obviamente ahorra algo de espacio de almacenamiento de batería. Entonces esta es la cámara y la configuración de la cámara. Y quiero que tengas uno grabando un papel en un ambiente de estudio interior. Al seguir adelante, la segunda pieza de engranaje que necesitarás. Obviamente una vez afinando April es algún tipo de trípode, esto no necesita ser un cardán porque no introducimos movimiento a nuestro traje interior, especialmente en cámara estrecha maravilla en un trípode solo como es ahora mismo. Para que podamos tener este punto de atraque justo aquí. Entonces los trípode, como decíamos, no son caros y no necesitamos OGM. Este es un punto singular de estabilización que estamos buscando. Este es un tipo perfecto de diodo de Joby y simplemente hace el trabajo perfectamente. Al seguir adelante, una opción de luz barata. Y cuando se trata de tiroteos interiores, vamos a meterse con luces. Otra vez. Vamos a tener el control total de la luz para que podamos ser muy creativos con la iluminación. Una opción de luz muy barata, por ejemplo, es una luz anular. Ahora esta luz de anillo también viene con un soporte de trípode incorporado y también sostiene tu teléfono. Y en general, en videografía, cuando ves una pieza de equipo haciendo demasiado, probablemente no sea tan buena. Y las luces de anillo de hecho no son tan buenas. Hay dos corazones. No están tan bien difundidos. No producen esta increíble luz, esta luz difusa, hermosa que estamos buscando. Pero es, son muy fáciles de configurar y muy fáciles de almacenar como un niño de tres en uno. Si no estás buscando ver todo el asunto de la videografía para un ángulo más profesional, en realidad te lo recomendaría. Ahora bien, si quieres mejorar tu juego e invertir en algún otro tipo de iluminación, esto probablemente sea más recomendable. Ahora bien, la cantidad de luz que estás llamado a comprar y usar en un interior demandado depende directamente de tu presupuesto. Esta es la configuración perfecta de tres puntos de disgusto en el episodio de iluminación, por supuesto, el episodio ocho de las partituras, esta lección ocho, esta es la mejor línea. En cambio tenemos la luz clave, la luz de relleno y la luz de fondo. Pero vamos a hablar del posicionamiento de las luces en las próximas diapositivas. Esto de aquí mismo, esta diapositiva, como dijimos de nuevo, en el a plus y por supuesto, a la hora de iluminación, esto produce el resultado óptimo. Se trata de una luz de estudio. Entonces, la iluminación dura es una luz de estudio LED con un difusor por adelantado para producir nuevamente esta luz difusa, esta sería la probabilidad óptima de invertir si planeas disparar en interiores, esto, p. o bien tienen tanto ahí mismo como la luz, la luz clave, esa luz esta parte de mi cara desde este lado. Pasando al posicionamiento de la iluminación cuando te estás disparando a una flecha. Nuevamente, configuración interior, este es el posicionamiento correcto. La mitad, vamos a tener luz de tecla v a pleno brillo, o el ángulo de 45 grados desde el sujeto nuevamente, la fillita a intensidad media nuevamente en la luz directamente opuesta de la cara de un sujeto y una luz de fondo con baja intensidad con difusión, nuevamente para resaltar la silueta de nuestro sujeto a. Entonces este es el posicionamiento de las luces. Hablamos de esto en la lección anterior. No necesitamos analizar esto más a fondo. Ahora, aquí te damos algunos consejos mientras te disparas. En primer lugar, quiero que mantengas tu distancia de la pared. Mantener la distancia y no pegarse a la pared mientras graba un video crea la sensación de profundidad y profundidad. Discutimos mucho la lección de composición de este curso. Quieres tener profundidad en tu imagen, agregando diferentes temas y de hecho, objetos en primer plano, medio suelo y fondo de tu video, volveremos a vender la sensación de profundidad, lo cual es muy agradable a la vista del espectador. Entonces al aumentar la disonancia que tienes desde la pared, puedes vender esta sensación de profundidad. Otra cosa que quiero que apliques es que quiero que tengas, de nuevo, una gran distancia de la tribu y de la cámara que estás filmando. Esto obviamente depende de la lente que estés usando. Pero en general, recuerda que cuanto más lejos estés de tu cámara, más profundidad volverás a crear y más interesante será tu video. Nuevamente, esta va a ser la configuración de iluminación óptima. Tenemos la luz clave, la luz de relleno y la luz de fondo. Y esta es prácticamente la configuración perfecta para interiores mientras se dispara en una condición de arilo. Ahora hablemos de algunos consejos cuando se trata de eficiencia, porque la eficiencia es la prioridad número uno al disparar en interiores, quiero que te asegures de que tu configuración sea fácil de aparejar un irreal, tener una configuración difícil para manipular un no escrito hará que tu vida sentada sea mucho más difícil. Y créeme, no va a ser tan divertido para ti adaptarse si te toma 1 h por ejemplo para configurarlo todo, no te va a servir tanto. No los editarás y no mejorarás en el juego de videografía tanto como quieras. Así que para arreglar tu eficiencia y ser más rápido mientras disparas y manipulas y honras tu configuración. Quiero que midas tu configuración para grabar tiempo. Entonces, desde el momento en que comienzas a configurar todo, desde el diamante, presionas el botón de grabación de tu cámara. Quiero que midan esto y traten de mejorar esto día a día. Además de eso, quiero que hagas que la configuración de tu estudio interior se vea lo más bien posible. No quiero que lo mires y te hablen. Quiero que ocultes tus cables, que se vean bien. Y el escenario óptimo, que es lo que he hecho en mi configuración, es hacerlo permanente si no tienes que montar y Henri la configuración. Cada vez que te convengas, verás que filmarás mucho más videos y mejorarás mucho más rápido en este campo. Entonces, si eres capaz de hacer que tu configuración interior sea permanente, este sería el escenario óptimo. Nuevamente, mientras disparaba flecha. Por supuesto, dispararte en un escenario interior. Ahora, pasemos a abril, pero mientras filmamos una entrevista, entonces, cómo volver a filmar una entrevista, en un estudio interno, el equipo básico permanece igual. Pero dicho eso, puedes agregar algunas piezas de engranaje simples. Para hacerte la vida más fácil. Entonces obviamente necesitamos un comentario más que podamos agregar, un intento más, pero esto nos va a producir otro punto de vista también en la entrevista. Y va a ser muy, muy interesante. Obviamente. También puedes sentarte desde dos cámaras, pero normalmente la mitad de un operador de cámara para revisar y monitorear las dos cámaras es por eso que no tienes dos cámaras y esos núcleos tipo videos. Pero cuando estás filmando una entrevista a otra persona, puedes vigilar ambas cámaras. Por lo que se recomienda una cámara más y viajó para filmar una entrevista. Y esta de aquí mismo es una pieza de engranaje que es muy, muy interesante, sobre todo para entrevistas. Y te animo a invertir en uno, esto es un slider de cámara y no tengas miedo por su aspecto, se ve profesional. No es difícil de operar. Es bastante simple. Ios cosecha cámaras más ligeras, lidares en general son relativamente baratos. Son esas cámaras motorizadas, deslizadores que son muy caras. Los que tienen un modelo en su interior y se mueven automáticamente. Pero como puedes averiguarlo, la función del control deslizante de la cámara es simplemente introducir movimiento a nuestras tomas de entrevista. Entonces, cuando volvemos a introducir el movimiento, basado en, no se basan en la anatomía del ojo. Los espectadores están más comprometidos con nuestros videos. Y claro, esto aumenta el engagement y esto es bueno en videografía. Entonces es por eso que podemos invertir en una sidra de cámara mientras filmamos entrevistas. Esta de aquí es la configuración definitiva a la hora de entrevistar. No pude encontrar una imagen en línea, así que seguí adelante y en realidad la dibujé yo mismo. Aquí en el medio tenemos el tema desde el que estamos tomando la entrevista, nuevamente, a media distancia de la pared porque esto crea la sensación de profundidad. Y en medio de esta distancia la mitad de la luz de fondo, los reflejos, la silueta de un tema en cosas muy básicas de las que hablamos en el set de iluminación, en la lección de iluminación. Tendremos la luz clave. Y sería bueno tener una fillita junto a esta configuración de cámara aquí mismo. Pero si no tienes que sentir que está bien, entonces tenemos nuestra cámara principal y un trípode mirando al sujeto y nuestra cámara secundaria en un deslizador en un ángulo de 45 grados del sujeto donde la fillita debería ir. De nuevo, podrías agregar una fillita justo encima de la cámara con el Snyder. Pero esta de aquí es la configuración definitiva de la entrevista. Si quieres volver a fotografiar a un sujeto perfectamente, una cámara con un control deslizante aquí y una cámara orientada directamente a tu sujeto. Así que esto era prácticamente todo cuando se trata de Errol con este cliente, cómo dispararte a ti mismo, la culpa que necesitas, las diferentes configuraciones que puedes aplicar, y cómo disparar un entrevista. Nuevamente, el engranaje que puedes agregar de la pieza de primer año de la que hablamos y las diferentes configuraciones de esas piezas. Ahora pasemos a discutir B-roll. Interior Bureau suele ser un traje de un producto. La mayoría de los comerciales de productos que ves en la televisión comercial se adaptan a nuestra sal en interiores y en realidad tienen un curso dedicado sobre cómo filmar comerciales en tu recámara, igual que yo lo han hecho en esta configuración aquí mismo. Cuando se trata del engranaje para disparar B-roll en el interior, en un estudio de interiores, el año prácticamente se mantiene igual. Obviamente, necesitamos una cámara, un trípode y algo de luz, pero esta configuración cambia mucho y déjame presentarte el sitio. En primer lugar, lo primero que cambia es la distribución de las líneas. No tenemos una luz clave, una luz de relleno y una luz de fondo. Por lo general, tenemos una luz que enciende nuestro producto desde la izquierda, una luz más ligera productos desde la derecha y una luz de arriba hacia abajo. Eso nuevamente nos da este tono dramático. Si fuera yo y no quisiera invertir en esas tres luces de estudio difusas, lo cual podría ser caro. Yo sólo invertiría en una luz de arriba hacia abajo. He filmado innumerables comerciales, solo descárgalo, y funciona a la perfección. Además de eso, sería bueno invirtieras en una mesa. Obviamente necesitamos una superficie para colocar a nuestros sujetos, lo que vamos a adecuar. Esta mesa es un poco sofisticada. También tiene un difusor incorporado para que la luz pueda rebotar de la mesa al sujeto. Así que esta prácticamente es una configuración de tiro en interiores muy básica. Pasemos a analizar más en las configuraciones de ahí sentado. Y vamos a empezar con una configuración muy barata que puedes aplicar. Esta de aquí es una configuración de B-roll muy barata que puedes aplicar y disparar en interiores. Algunos productos. Como puedes ver, tenemos la mesa que también es un difusor, no es exactamente lo harán, sino que es una superficie en la que descansa este collar. Aquí tenemos la cámara, que es el smartphone de este Bergman. Y solo una luz de arriba hacia abajo muy básica que brilla al producto. La cámara también está conectada a la computadora, así que tenga una visión más grande de lo que está capturando la cámara. Pero esto es lo básico que más o menos puede conseguir. Esta es una configuración muy barata, pero esto no significa que este individuo de aquí no pueda ser creativo, este campo muy creativo. Y nuevamente, no tienes que ponerte muy caro para desbloquear esta creatividad. Esta es una configuración de rango medio. Esta es la configuración que tienen la mayoría de los camarógrafos. Y nuevamente, no tengas miedo del deslizador y de las cámaras. Vas más o menos, claro, replique esto con tu teléfono. Como pueden ver, tenemos este lado ligero aquí y un difusor que desactiva aún más el Live producido por el lado. Al igual que tenemos una mesa en la que descansa el tema. No sé si se puede ver este objeto aquí mismo y otro difusor, y dicen reflectores, último difusor que refleja luz con ángulos interesantes hacia el sujeto. Hay desarrollo, como dijimos antes, la cámara está atada en un deslizador. Entonces este es por supuesto un camarógrafo que no es un traje de fotografía. Por lo que introduce de nuevo movimiento porque comercial de esa manera. Pero nuevamente, como pueden ver, el principio básico sigue siendo el mismo. Necesitas una cámara, viajaba una luz de arriba hacia abajo y una mesa. Esto es lo mínimo, pero vas a tener que filmar B-roll dentro de tu estudio. Esta obviamente es la configuración costosa, pero el principio sigue siendo el mismo. Tenemos nuestra línea superior así aquí. Solo tenemos una fuente de luz para que el difusor esté justo debajo de la fuente de luz. Tenemos la luz lateral, la mesa y la cámara que muestra, como puede ver, más lejos del sujeto con un teleobjetivo. ¿Por qué? Para agregar profundidad a nuestros videos? Esta persona quiere agregar profundidad. Él tiene un espacio, ella tiene el engranaje, y así es como lo logró. Este también es un slider profesional, muy caro, pero nuevo, este es un conjunto muy caro de, solo lo analizo para mostrarte los elementos básicos que son iguales en desde el mismo, muy barato a mediados a la configuración muy, muy cara. Ahora hablemos de la eficiencia mientras dispara en interiores, en interiores buró. Yo, yo mismo he buscado innumerables videos dentro de este volumen aquí mismo. No necesitas tanto espacio para lograr grandes resultados cuando se trata de Bureau en interiores, es muy importante que vuelvas a minimizar tu plataforma, cuanto más te convenga, fácil es es para que usted arregle su configuración. Esto te llevará a más sales, más experimentación, y esto te ayudará a mejorar tanto en el rodaje como en la edición. Otra cosa, esto puede sonar un poco gracioso, pero hay que tener cuidado con el sobrecalentamiento del equipo. A veces si vas con las opciones baratas de luces, estas pueden sobrecalentarse y esto podría ser un problema si estás en un estudio pequeño y un espacio interior pequeño. Como decíamos, las luces LED son prácticamente la mejor opción que puedes tener para un escenario de iluminación interior, para una iluminación de estudio, no tienden a sobrecalentarse y tienen un vida útil prolongada en comparación con otra luz normal. Lo último que tengo que darte para seas más eficiente en los Beatles filmando en interiores estos para ser creativos. Este, de nuevo, es un campo muy creativo. Y en el hecho de que el hecho de que tengas control de la luz, el sonido y la configuración de la cámara te permite ser muy creativo y consistente con tus resultados. Entonces esto más o menos con el B-roll, la flecha hemi introducción de partituras. Sigamos adelante y recapitulemos lo que dijimos en esta lección. Entonces en esos trajes otra vez, son muy populares y el mayor pros de esos trajes es el hecho de que podemos controlar, nuevo, las luces, el audio, y la configuración de la cámara. Es muy bueno para ti poder ajustar la configuración de tu cámara. Hablamos de la ISO, las descargas de velocidad de fotogramas sean las que necesitas tener para obtener los resultados óptimos y óptimos. Y nuevamente, esto produce resultados consistentes mientras que los disparos en interiores en sus trajes se subdividen aún más en abril y barril. Un papel es cuando estamos hablando con la cámara. Y esto se subdivide aún más en la subcategoría de dispararte a ti mismo y filmar una entrevista ya sea en adaptarse a ti mismo o al ver una entrevista, necesitamos algún equipo básico. Esto puede ser una cámara, regateó algunas luces. Y claro que discutimos sobre la configuración de este equipo y algunos consejos para ayudarte. Lo mismo se aplica a B-roll cuando se trata de trajes de interior. Por lo general, B-roll involucra trajes productos y productos que los alimentos tienen prácticamente el mismo equipo con April, pero una configuración completamente diferente con una luz de arriba hacia abajo. Nuevamente, la cámara en un deslizador y una mesa que resalta al chico, el chico aspectos del producto. Pero estamos asumiendo que todos terminamos la subcategoría factura de trajes de interior con algunos consejos y mi experiencia en este campo. Entonces esto es más o menos cuando se trata de disparar en interiores. En esta lección de aquí mismo, había mucha información que te presenté a la, pero lo principal que quiero que tomes de esta lección es que, bueno, cuando rodamos en esos, tenemos el máximo control de nuestras luces, de nuestro sonido, de la configuración de nuestra cámara. Las condiciones son estables por lo que podemos llegar a ser muy creativos. Ahora que terminamos con este capítulo de este curso, es momento de pasar a la segunda categoría de rodaje, que obviamente es disparar al aire libre. Entonces, en la siguiente lección, vamos a discutir lo mismo que discutimos aquí sobre un papel y B-roll, pero obviamente con diferentes parámetros porque nos vamos a referir al traje al aire libre. Entonces nos vemos en la siguiente lección. 11. Guía para rodamientos al aire libre: Viviendo Zimmerman y bienvenidos a la segunda entrega del proceso de rodaje del curso de videografía que estamos analizando en esta lección aquí mismo, vamos a estar analizando el rodaje al aire libre. Ahora sentar a otros es muy similar con disparar en interiores cuando se trata de los aspectos a los que hay que prestar atención. Obviamente tienen la cámara, la fuente de luz, la fuente de sonido y el sujeto. Ahora eso significa que muchos parámetros sí cambian mientras se dispara al aire libre. Y esto es lo que estamos resaltando en esta lección aquí mismo. En general, vamos a dividir esta lección en brotes dependientes de sujetos e independientes de sujetos. Y obviamente vamos a profundizar para analizar qué cambios se producen en esos dos entornos diferentes. Entonces estoy muy emocionada. Lanzemos nuestras diapositivas y vamos a sumergirnos en otros disparos. Alma y señores, bienvenidos a la novena entrega de las partituras, la novena latina de las partituras, en la que vamos a estar hablando de rodar al aire libre. Este va a ser nuestro esquema de conferencia. Vamos a comenzar con la introducción. Entonces vamos a pasar a lo diferente, las dos subcategorías diferentes de rodaje al aire libre. Nuevamente, disparando B-roll. Entonces un sujeto sin realmente hablar con la cámara y luego disparar a un sujeto mientras habla con la cámara, esto así llamado un papel. Por último, vamos a cerrar esta lección aquí mismo en ancho. De nuevo, vamos a tener mucha información con un resumen. Entonces basta platicar, Pasemos a la introducción de esta lección. Por lo que disparar al aire libre es muy similar en realidad con disparar en interiores. Nuevamente, hay algunos parámetros clave en los que estamos muy interesados. Por supuesto, estos son nuestros ajustes de cámara o luz, nuestro audio y nuestros temas. Dicho esto, claro, hay algunos parámetros que el cambio fue ganando otros y por eso tenemos una lección separada sobre otros disparando. En general, hay algunas marcas y algunas desventajas, los pros que más hieren a otros es que obviamente puedes ser más creativo. Hay más luz interesante del sol, más temas para jugar y más cosas para filmar. En general, los conos cambian constantemente la iluminación y las condiciones climáticas. Especialmente las luces van a ser un gran problema mientras se dispara al aire libre. Y esto es lo que aprenderás a navegar en esta lección. Nuevamente, otros trajes, al igual que en sus trajes, se subdividen en categorías, sujeto dependiente e independiente del sujeto. Sujeto dependiente. actividades al aire libre o arilo suelen ser entrevistas o vlogs, que vamos a estar analizando en la siguiente lección. Sujeto trajes independientes para exteriores suelen ser trajes B-roll. Quiero que sepan que en todas las categorías de convertirse en un análisis en esta lección, la clave es adaptarse a las condiciones climáticas y de iluminación en constante cambio. Este es el mayor reto mientras se dispara afuera. Y es por eso que la mayoría de los creativos en realidad siguen adelante y montan un estudio, tal como lo he hecho en mi ambiente interior. Entonces no tenemos condiciones de iluminación que cambian continuamente, pero esto es lo que nos llaman a navegar de nuevo mientras disparamos afuera. Entonces esta fue introducción. Vamos a sumergirnos en las dos categorías de tiro, empezando por B-roll. A la hora de filmar el lado B-roll, esta es una de las áreas más comunes que te encontrarán filmando cuando se trata de videografía. Primero, vamos a comenzar con el equipo que vas a necesitar. Y quiero que recuerden que menos es más mientras se dispara B-roll afuera. Cuanto menos equipo tengas, menos cosas necesitas estresarte y más creativo podrás ser. Dicho esto, vas a necesitar una cámara. Obviamente, este puede ser tu smartphone. Es bueno para ti tener una cámara, pero para almacenar la mayoría de tus engranajes, no tienes equipo solo volando por todas partes. Es bueno para ti estabilizar tu equipo. Y hemos platicado, tuvimos una lección separada sobre estabilización. Ahora eres un experto en estabilización. Y a veces si quieres subirlo a un nivel superior, puedes tener un difusor contigo para volver a difundir, corazones, luz solar de los sándwiches, nuestro mayor enemigo. Ahora comencemos con el engranaje del otro lado, la cámara va a ser tu smartphone y las aplicaciones para smartphones en realidad hacen un gran trabajo al cambiar automáticamente y adaptarse a diferentes iluminaciones condiciones allá arriba. Si recuerdas, en la lección de rodaje en interiores, te aconsejo que descargues un plugin para ayudar a cambiar la tasa de reencuadre ISO y la velocidad sólida de tu cámara. De hecho, a la hora de filmar al aire libre, me gustaría que eliminaras este plugin y dejaras que tu smartphone haga automáticamente todas las adaptaciones y cambios a unas condiciones climáticas diferentes. Este uso se aplica en el 99% de los casos a menos que haya una muy nublada y sabes que las nubes no van a ninguna parte. Y esta es más o menos la excepción en la que vamos a tener condiciones de iluminación estables y constantes mientras disparamos afuera. Pero el 99% de las fundas solo configuran tu cámara y la cámara de tu smartphone en modo automático. Se las arreglará perfectamente. Pasemos a la segunda pieza de engranaje. Necesitas no ser de tipo rol. Y esto va a ser prácticamente una cámara, pero ahora es bolsa de cámara obviamente no es esencial. Se recomienda. Y dentro de la bolsa de tu cámara, debes usar para encontrar un banco de energía para volver a pedir prestado, tu smartphone con tu cámara, un trípode, si quieres tener un tiro estable contra estabilizado afuera más espacio de almacenamiento SSD. Por supuesto, hablamos sobre la duración de la batería y el almacenamiento SD de tu Teléfono, que son los factores que nos limitan para producir videos ilimitados. Y es bueno que también tengas una cámara de respaldo, especialmente si viajas fuera de casa y no tienes acceso a las cámaras con tanta facilidad. Entonces estas son las piezas de equipo recomendadas que debes encontrar dentro de la bolsa de tu cámara. Además de eso, dependiendo del ambiente que tú, que puedas traer con tu comida, agua, o diferentes lentes. Nuevamente, esas lentes de clip que podrían ir a tu teléfono. En general, es bueno tener tu bolsa de cámara para proteger tu equipo y estar más organizado en tus sesiones de rodaje. Al seguir adelante, hablemos de estabilización y estabilización rollo B es muy importante. Como dijimos en la lección de estabilización de este curso, la elección óptima de estabilización es una apuesta. Esto de aquí mismo es un cardán. Hablamos de Gimbels. Esta es la mejor manera de estabilizar tu teléfono. Si sigues adelante y compra ángulo, por favor invierte en una bolsa de cámara para guardar de manera segura el esquema porque en las condiciones exteriores, nunca se sabe cuándo va a llover, cuando hay va a ser introducido en sus mecanismos de cardán. Así que asegúrate de guardarlo de forma segura en la bolsa de tu cámara. Avanzando, si quieres de nuevo, para agregar nodos de datos, podrías invertir y llevar contigo en la bolsa de tu cámara un difusor si eliges disparar durante el mediodía, cuando la luz del sol está en su punto más alto, es bueno para ti. Difunde manualmente la luz que toca directamente a tu sujeto. Así que trayendo difusor contigo, hay algunos difusores que pueden descomponerse y caber en bolsas de cámara. En el 90% de los casos no lo vas a usar de esta manera. Yo digo que no es esencial. Pero en este 10% de los casos que usarás un difusor, verás que te ayudará mucho con tus videos. Este de aquí mismo es el mayor consejo que tengo que darte cuando se trata de trajes de factura exterior. El último año que tengas que elegir, más creativo te volverás. Créeme, no hay nada más frustrante que tener 1 millón de diferentes tipos de gremios por los que pagaste dinero, solo colgando en tu bolsa. No sé entre qué elegir. Entonces, por favor, sé selectivo con tu equipo. No invierta en cada grupo. Es que se ve genial. Todos queremos parecernos a camarógrafos profesionales. Pero confía en mí, incluso con solo tu teléfono, puedes lograr increíbles resultados creativos. No dejes que el equipo sea abrumador. Sé que este curso está muy orientado enfocado, pero solo estoy diseñando todas las opciones para ti. Por favor, no te abrumes con el equipo. Aquí hay algunos otros consejos en los que quiero centrarme porque esos pasos los aprendí de la experiencia y creo que esta es la parte más valiosa de esta lección, nuevamente, enseñarte cosas basadas en mi experiencia. Entonces el primer consejo es disparar clips cortos, hacer una lluvia de ideas diferentes ángulos. No pienses demasiado en las sales. Planifique con anticipación antes del traje y manteniéndolo simple. Entonces sigamos adelante y analicemos rápidamente cada uno de esos consejos que tengo que darte. El primero es mantener tus clips cortos. Rara vez usas más de 10 s de tu video como puedes para averiguarlo en la edición de postproducción, más de 10 s probablemente nunca vas a usar de un video. Así que por favor disminuye la duración de tus videos y aumenta la variedad de diferentes sales y diferentes ángulos que vas a producir. Esto te ayudará a producir el mejor resultado. Y por eso te sugiero que inviertas en un cardán y no en un trípode. El cardán cambia constantemente de posición y constantemente estamos introduciendo nuevos ángulos a nuestros videos, mientras que el trípode permanece quieto. Sólo tienes una sal. Entonces esto, por eso preferiría invertir en un cardán cuando se trata de meditación en lugar de volver a ser tribal, en trajes B-roll afuera. Lo siguiente que tengo que darte es que realmente deberías probar diferentes ángulos. Cuando digo diferentes ángulos, no me refiero a que necesites cambiar físicamente de una ubicación a otra y alejarte pero tener ángulos diferentes. Luego, simplemente retrocede, aleja el zoom, acerque o simplemente baja la cámara desde el lugar en el que te encuentras. Es muy fácil cambiar la composición de tu marco solo por algunos movimientos muy sutiles, o simplemente haciendo zoom. Alejando tu lente, aumentando la variedad de diferentes ángulos, aumentaremos el engagement de tus espectadores. Y como decíamos, el engagement es la videografía. compromiso de los espectadores en la videografía es uno de los más comunes. Y como decíamos, compromiso de la audiencia en la videografía, cada vez más el compromiso de la audiencia en videografía es uno de nuestros mayores objetivos en esta afición. Lo siguiente que tengo que darte es no pensar demasiado en las sales. Confía en mí, capturan tantas tomas como quieras. Simplemente puede eliminarlos si su confianza en el software de edición de posproducción. Encima de eso, nunca quiero que elimines sales mientras estás afuera en el campo disparando. Manténgalo almacenado en tu teléfono y eliminemos juntos en el tutorial de edición de post producción, no borres tomas mientras estás afuera en los trajes. Créeme, la mayoría de los mejores trajes y los trajes son en realidad completamente aleatorios, así que no los borres, por qué están afuera, guárdalos para eliminarlos en posproducción. Lo último que tengo que darte es que necesitas crear una lista corta. Una lista corta es una lista muy básica de algunas cosas que necesitas capturar afuera en el campo en el que creas de antemano para que, por ejemplo, antes del palo. Esto te ahorrará mucho tiempo. Te ayudará a arreglar tus pensamientos. Y en realidad los cerebros son más ideas a medida que estás anotando tu sal. Entonces verás que vas a empezar a escribir algunos pensamientos a uno. Y esto te ayudará a decidirte a traer un poco más y más sal. Esto aumentará tu creatividad y disminuirá el tiempo que estás en el campo, solo pensando en lo que buscaba capturar notas. Así que por favor también crea un efímero. El escenario óptimo sería para ti tener una lista preseleccionada de lluvia de ideas entrar escena que ganó el palo y asaltos bancarios, bancarios, CD bancarios. Sal de ahí. Así que por favor crea un desinteresado, esto te ayudará a mejorar tu videografía masivamente. Esto, somos todos mis consejos y consejos de equipo cuando se trata de buró, pasemos ahora al tema dependiente de tiro al aire libre. Y estas de nuevo suelen ser entrevistas. Entonces vamos a empezar con el engranaje que va a necesitar. Y luego vamos a analizar consejos para entrevistas. Así que prácticamente el engranaje es el mismo con B-roll. Entonces necesitamos una cámara con un bug de cámara de mochila antes para guardar eso. Ahora, cuando se trata de entrevistas al aire libre, el equipo, prácticamente los engranajes esenciales, permanece igual. Necesitamos una cámara, necesitamos una bolsa para cámara para guardar nuestra gamma y R aquí. Y estamos muy enfocados, como dijimos en la introducción de este curso, a carecer de control, necesitamos mantenernos enfocados y poder controlar el entorno de aterrizaje en constante cambio de la actividad al aire libre. Esto, lo que puedes ver que este chico está haciendo en esta imagen. Es más o menos, se pronuncia sosteniendo el inicio de sesión de usuario difuso, la luz del sol del mediodía. Tenga en cuenta que es muy importante difundir. De nuevo, voy a decir esto 1 millón de veces, pero es muy importante para ti difundir la luz solar que se produce a partir de la luz a medio día. Si no quieres invertir en difusores y tienes que enfocarte tanto en el control de la luz. asegura de que ya sea disparar durante el amanecer o durante la puesta del sol por alguna razón durante el amanecer y durante la puesta del sol con la luz que viene del sol no es dura, es muy en realidad resuelto por su naturaleza . No necesita ser difundido. Y por eso ves la mayoría de los videos cinematográficos y mayoría de las fotografías cinematográficas se vuelven a filmar durante el atardecer o durante el amanecer. Dicho esto, otro parámetro de video que está cambiando constantemente y no tenemos efectos sobre, para controlar Es el sonido del que estamos hablando del faro. Están cambiando constantemente con el clima, cómo las luces son utilizadas naturalmente por las nubes, supuesto, cuanto mayor sea la luz solar del sol. Pero otra categoría de un elemento de salida que no podemos controlar es en realidad el sonido. Y esto por supuesto, interferirá con nuestras entrevistas. Es por ello que también necesitamos enfocarnos en el control del sonido cuando se trata de vender más allá de un rol. Ahora el control de sonido firmado es muy fácil de lograr. Solo necesitas un micrófono que se conecte con tu smartphone. Además de eso, también puedes usar tu teléfono inteligente real si tienes uno secundario como micrófono, solo graba sonido y utilízalo como micrófono para grabarte a ti mismo. Ni por ejemplo, por favor, no grabes con el sonido interno de los formularios que usas como cámara. O la cámara estará alejada del tema y muchos sonidos del otro entorno interferirán con tu video y arruinará tu entrevista. Así que recuerda que necesitamos invertir en alguna cuenta, algún tipo de sándwich todo el equipo a la hora de otras entrevistas. Así como dije en las entrevistas bajo techo, un deslizador y ellos triplicaron nuestras piezas de engranaje sugeridas y recomendadas. Cuando se trata de entrevistas, un deslizador nuevamente, introduce movimientos sutiles a nuestros videos y hace que las entrevistas sean más atractivas. Y tampoco son tan caros, no motorizados. Si su madre crió, pueden llegar a ser caros. Así que ten cuidado con eso. Entonces, para cerrar el capítulo de entrevistas al aire libre o al aire libre, aquí tienes tres consejos que tengo que darte para ayudarte a mejorar rápidamente tu video. En primer lugar, hay que recordar que luz y el sonido son su peor enemigo. Necesitas planificar con anticipación tus trajes. Y en recordar que los principios básicos siguen siendo los mismos. Ahora vamos a analizar esos tres dips. Obviamente, hablamos mucho de esto en esta lección. Es necesario difundir la dura luz del sol del sol que toca al sujeto. Si es durante el mediodía, nuevamente, si es durante el amanecer o el atardecer, está bien no difundirlo. Y tenga en cuenta a la hora de controlar el sonido que a veces algunos efectos de sonido naturales básicos también pueden estar bien, incorporar en nuestras entrevistas, por ejemplo, en este escenario aquí mismo, como pueden ver, el exhibiciones en el bosque, algunos sonidos naturales de aves que podrían ser capturados con nuestro audio, podría estar bien agregar con nuestras entrevistas. Ahora bien, si has tomado una vista en medio de la ciudad de Nueva York con todos los gritos y la nariz es de la carretera y el ruido de la construcción. Esto no es posible. Se necesita un retiro de sonido pesado, pero hay excepciones, ya que siempre hay excepciones en videografía porque no tienen que darte. Y esto también aplicado en el B-roll con una lista corta es planificar con anticipación. Planifica con anticipación qué con la creación de una lista de tomas, esto disminuirá el tiempo que dediques configurando todo y aumentará el tiempo que pases sentado. Esto es en lo que necesito que te concentres. Necesito que disminuyas el tiempo que necesitas para configurar todo y saber a dónde la luz y va sobre difusa. Necesito que hagas una lluvia de ideas sobre esto de antemano. Y esto te dará más tiempo para filmar, más tiempo para editar y más tiempo para mejorar. En esta afición, hay que ser rápido a la hora de configurarlo todo. Por último, y esta es una diapositiva en la que quiero enfocar mucho. Necesito que lo recuerdes. Entrevistas al aire libre, como en entrevistas en interiores, y la mayoría de los diferentes tipos de trajes que analizamos en este curso, algunos principios básicos de la videografía siempre permanecen iguales y yo te estoy dando esta imagen como ejemplo, esta es una imagen de una entrevista que se busca al aire libre. Y a pesar de que este no es un ambiente controlado, se puede ver, quiero segundo, eso significa que no controlamos las luces y el sonido. Esto es, por supuesto, algo fuera. Tenemos luz del sol. Esto es en realidad, este video aplica a muchos principios que hemos discutido en este curso. Entonces por esto queremos analizarlo contigo. En primer lugar, se puede ver que el I de esta persona se ubica en la cruz de la regla de tercios en el tercio superior. El director soviético de esta entrevista optó correctamente por seguir la regla de los tercios colocando al sujeto en el tercio derecho de la imagen. Además de eso, cuando se trata composición, como se puede recordar, también aplicamos a la regla de líneas principales. El director utiliza estos moretones como líneas principales para guiar el ojo de los espectadores a otra vez, V y VI del tema en el que queremos enfocarnos a la hora de vivir, a considerar, tenemos una luz clave, una luz de relleno y una luz de fondo que resalta la silueta del sujeto. ¿Cómo se produce? manera muy sencilla, el director ha colocado aquí mismo un difusor que difunde la luz que viene del sol y vuelve a producir esto, resalta aquí mismo la luz clave. Obviamente, el resto de la cara se llena de la luz natural que rebota en el suelo. Por lo que no necesitamos agregar físicamente algo para tener una luz de relleno al aire libre. Otras condiciones obviamente están iluminadas por sí mismas y tienes la luz de fondo que resalta un poco de un sujeto. Y esto se logra con la luz solar natural que viene y golpea al sujeto desde atrás. lo que este es un gran ejemplo de una entrevista al aire libre que se aplica a la mayoría de los principios de composición e iluminación que discutimos en este curso. Entonces sé que había mucha información en este curso. En esta lección, sigamos adelante y recapitulemos algunas de las cosas más básicas de las que he hablado. Por lo que disparar al aire libre y disparar en interiores tienen muchas similitudes, pero también tienen muchas diferencias. La mayor diferencia que tiene disparar a otros al disparar en interiores es el hecho de que necesitamos controlar fuertemente la luz y el sonido. Estos son dos parámetros que no tenemos control mientras disparamos al aire libre, como dijimos durante otros, se divide en dos subcategorías. Disparar con un sujeto y compartir con otros. tiro de algas con un sujeto es Errol. Disparar con otro sujeto es B-roll. Errol suele ser entrevistas y analizamos diferentes piezas y los diferentes consejos a la hora de entrevistas. Y nuevamente, B-roll suele ser sal afuera. Se busca más comúnmente por fuera que por dentro. Y nuevamente, analizamos diferentes años y diferentes consejos que he aprendido a través de mi experiencia. Quiero que te concentres cuando se trata de disparar B-roll al aire libre. Entonces esto concluye nuestra lección en otros disparos. Y nuevamente, este diagrama de circuito puntúa a la hora de filmar, analizamos en esta lección aquí mismo, sujeto dependiente y sujeto independiente traje al aire libre y qué cuidar en cada uno de esas subcategorías. Ahora terminamos con otro traje. Es hora de enfocarnos en un tipo de suiting completamente diferente , lo cual es de importancia clave en nuestros días, y esto en realidad es vlogueo. Entonces en la siguiente lección vamos a discutir sobre vlogueo. 12. Cómo ver: Hola a todos y bienvenidos a la 10ª lección de este curso. Elegí dedicar toda una lección de este curso sobre vlogueo. Porque el vlogueo hoy en día ha visto un enorme aumento. Es una forma muy interesante de documentar, capturar y compartir tu vida. Entonces en esta lección, estamos discutiendo de todo cuando se trata de vlogueo. Vamos a lanzar esta presentación y vamos a sumergirnos en esta área relativamente nueva de la videografía. Entonces, señoras y señores, nuevamente, bienvenidos a la décima lección de este curso en que vamos a estar discutiendo sobre vlogueo. Este va a ser nuestro esquema típico de la conferencia. Vamos a comenzar con la introducción. Te voy a presentar. Es relativamente otra vez, un nuevo tipo de videografía había documentado la vida a través del vlogging. Entonces vamos a discutir el equipo que necesitas para producir con éxito un vlog. Y algunos consejos que he acumulado a través de mi curso en el espacio del vlogueo. Y claro, vamos a terminar esta lección con un resumen. Así que basta con el esquema, pasemos a la introducción de esta lección. Entonces, ¿qué es? ¿Vlogueo? Vlogging es más o menos una película de un solo hombre sobre un tema de tu vida. Usted sostiene la cámara, captura su historia, captura sus viajes, capturó diferentes eventos. Por supuesto, el tema de un vlog es de tu elección, pero quiero que recuerdes que volver a bloguear es un video de un hombre creció que produzcas en cualquier prácticamente la historia de tu vida. Casey, bonito, Ese es el padre de la tala. Es posible que hayas oído hablar de él. Este es él en esta imagen de aquí mismo. Y este es un vlogueo muy típico celebrado. Vamos a discutir en esta lección. Nuevamente, el tema de un vlog podría ser de tus intereses, podría ser una historia sencilla, podría ser un video de viaje tuyo, o un evento que quisieras capturar. ¿Por qué deberías empezar a vloguear? Y definitivamente deberías empezar a vloguear. El vlogging tiene muchos, muchos activos. En primer lugar, puedes documentar tus historias. Tienes la oportunidad de documentar tu viaje por la vida y ni siquiera tienes que subir tus vlogs en el paisaje, guardarlos de ti mismo. Lo que hago, he registrado cada vez que voy a un árbol, por ejemplo, con mi familia o mis amigos, llevo mi cámara conmigo y ellos han registrado el viaje solo para recordar esos momentos porque video en general es mucho mejor hora de guardar recuerdos que de fotografías. Ahora bien, si vas a ir por el otro camino y empezar a compartir tus vlogs en línea, que por supuesto es mucho más rentable que mantenerlos en tu disco duro. vlogging es una excelente manera de compartir tus ideas y compartir tus pensamientos a través de la vida con un público más amplio. Por lo que es muy fácil volver a producir un vlog por ti mismo. Y el hecho de que puedas subirlo en línea, un alcance, y llegar a un público enorme es muy, muy útil ya que el hecho de que puedas llegar a una audiencia enorme es muy útil para inspirar a otros. Entonces tal vez podamos inspirarnos de tus vlogs. Justo por ejemplo, como me inspiré en los blogs de otras personas. El final, el final, de nuevo, decente para iniciar la tala es el hecho de que tiene una barrera muy baja para los principiantes. Es muy fácil otra vez producir un vlog es solo configurar tu cámara, hablas con la cámara, y la edición es bastante sencilla. Entonces estos son cuatro conceptos básicos sobre por qué deberías comenzar a vloguear tan pronto como termines esta lección. Ahora desacreditemos algunos mitos comunes hora de hacer vlogs. El primer mito es que necesitas equipo costoso para producir un vlog. Este es un mito completo y de nuevo, vamos a sumergirnos más profundamente en los engranajes que vamos a necesitar para producir un vlog en esta lección, básicamente, al igual que en básicamente, al igual que en cada dos años categoría obesos que han analizado en este curso. Y hemos analizado muchas piezas diferentes. Hay opciones caras y opciones baratas. No solo necesitas un año caro para producir vlogs. Esto es un mito. El segundo mito es que debes saber editar bien para producir un vlog. Esto también es un mito. No es necesario tener habilidades de edición excesivas para producir un vlog. Es bastante simple, por ejemplo, videos de vlogs, cuando se trata mi viaje en la videografía fueron el primer tipo de videos que comencé a producir antes de saber cómo filmar, antes de darme cuenta cómo editar. El tercer mito cuando se trata de vlogueo, es que el vlogueo es solo para YouTubers, es solo para personas que comparten sus historias en línea. Esto es de nuevo, un mito, como decíamos, documento en tu vida, incluso mantener esos videos por ti mismo produce grandes recuerdos y es una gran manera, nuevamente, producir videos , mejorar y videografía y recuerda tus viajes y viajes. Entonces estos son tres micrófonos que quería sacar del camino a la hora de bloguear. Ahora, podemos comenzar con el equipo que necesitas para volver a producir, vlogs, videos. Así que vamos, obviamente. Y en cada video, en ocasiones vamos a necesitar una cámara para capturar nuestros videos. Y cuando digo cámara, estoy en una combinación de un sensor, una lente y un micrófono. Esto por supuesto, el curso se dedica a la videografía de teléfonos inteligentes. Entonces la cámara en este caso va a ser tu smartphone. Y créeme, los smartphones son perfectos para el vlogueo. Ellos compensan automáticamente en las condiciones de iluminación y sonido en constante cambio del exterior, que por supuesto es donde vamos a filmar vlogs. La mayoría de los vlogs se venden al aire libre y las cámaras pueden hacer un gran trabajo para compensar en esas condiciones en constante cambio que allí encontramos. Además de eso, recuerda que la batería y el almacenamiento siempre va a ser un problema. Entonces es bueno que tengas una brecha. Nuestro banco así como almacenamiento externo para agregar a tu teléfono. Estas van a ser nuestras dos mayores dificultades hora de la videografía de teléfonos inteligentes. Nuevamente, como decíamos, batería y guárdala. Ahora bien, si ves la configuración de famosos vloggers, costosas configuraciones también tienen micrófonos externos porque obviamente cuando te estás comunicando con una audiencia, tener un micrófono y la buena calidad de audio es de importancia clave. Así que podrías investigar en un micrófono externo si quieres, pero el micrófono interno de tu smartphone, solo haremos el trabajo para el vlogging básico. Entonces esta es la configuración de cámara que necesitas para el vlogging. Ahora pasemos al muy, muy famoso Monte. Se recomienda no solo sostener su teléfono mientras vloguea. Es muy recomendable atarlo en una montura. Ahora cuando se trata de montar en los blogs, tenemos dos opciones muy comunes e interesantes, y he usado bold para poder sugerirte la mejor. El primero es una vaina de gorila. Las vainas de gorila son muy famosas cuando se trata de vlogs, mayoría de los bloggers usan pernos de guerrilla y esto es en realidad lo que yo sugeriría que inviertas en las fuerzas guerrilleras. Puedes ver en esta imagen aquí mismo, tener un soporte para tu teléfono y son fáciles de llevar. Son extremadamente versátiles. Se puede cambiar de un trípode a un gorila de montaña, pero a un árbol para prácticamente producir cualquier sal. También tienen una relación calidad-precio extrema. Estos son relativamente baratos y duran años. Y como decíamos antes, las bolas de gorila son reyes del vlogueo. Es muy raro ver a los vlogueros llevar esos bonos de gorila. Están muy establecidos en este campo, y esta es mi montura personal de elección cuando se trata de vlogueo. Ahora, la segunda opción que tienes es volver a invertir en un cardán y alargar en un cardán. Ahora, he iniciado sesión con un cardán, producen una gran civilización. Y otro producto que tienen es que aumentan drásticamente la batería de tu smartphone porque mientras estás filmando con un cardán, el smartphone es negro, el Gimbal, así que no tienes que estrés por la duración de la batería, solo tienes que estresarte sobre el almacenamiento. Dicho esto, sé que nuevo Deimos son difíciles de llevar y son bastante caros. Y el caso es que no quieres que equipo interfiera con tu experiencia de vlogueo. Quieres que la historia sea el rey y está bien tener un poco de metraje tembloroso en lugar de comprometer tu historia. Es por ello que para la lección de vlogueo de este curso, en realidad te sugiero que vayas con un cardán con esta mesa, con un gorila audaz y no con un cardán. De nuevo, obviamente vas a tener mayores resultados de estimulación con un cardán. Pero en el vlogueo, no nos estamos enfocando en tener videografía superior se empañaban, centrándonos en tener una narración superior. Entonces esta es la razón por la que de nuevo, ir con una vaina de gorila y no con un cardán cuando se trata del monte. Por último, vamos a hablar de edición. edición de registros es bastante simple. No tienes que ser perfeccionista. Estamos editando blogs. Y recuerda que no necesitas softwares locos para lograrlo. Nuevamente, una buena edición de vlogs, software muy básico que podrás encontrar en tu teléfono o de forma gratuita en tu MacBook o PC funcionará bien. Y nuevamente, si quieres invertir en un buen software de edición, vamos a discutir esto en las próximas lecciones. Es justo hacerlo porque tener más opciones a la hora de editar siempre es mejor. Está bien tener más funciones aunque no las uses a la hora de editar vlogs, queremos centrarnos de nuevo en la historia y no tener camarógrafo superior o la caída o las reglas de composición y iluminación y esas cosas. No nos importan tanto esas cosas. Nos importa la historia cuando estamos editando bloques, luego solo adaptamos. Mientras editas bloques, vas a agregar música, vas a agregar efectos de sonido y tomas B-roll. Así que tenlo en mente. Pero de nuevo, no te estreses tanto por editar drogas. Entonces este era el engranaje en los blogs. Ahora, déjame presentarte algunos consejos que tengo que darte. De nuevo basado en mi experiencia con el vlogging, tengo bastante experiencia con el inicio de sesión. Estos son los cuatro tipos que vamos a analizar. El primer consejo es mantener tu símbolo de configuración. Entonces llenar más de lo que piensas es suficiente para no quedar atrapado con rodaje y editar cuando tengas tiempo. Ahora vamos a elaborar cada uno de esos pasos. Lo primero que tengo que darte es de nuevo, que tu configuración de vlogs sea lo simple y básica posible. Esto de aquí mismo es un vlogging overthe top, cetera, pero puedes ver que se ve simple, pero créeme, esto es mucho más de lo que necesitas. Probablemente no seas un buen blog con solo tu teléfono. Este tipo ha dejado caer su teléfono en un trípode y prácticamente tiene un micrófono externo encima de él. Recuerda como regla general, cuando se trata de bloguear, mucho más equipo equivale con más cosas en las que pensar. Y cuando estás pensando en tu año, te estás arrastrando lejos de la historia que está torcida cuando se trata de vlogs, tener una configuración de vlogs muy básica y sencilla te ayudará a concentrarte en tu historia en lugar de tu año. Si insistes en invertir en el año y perfeccionar tus vlogs, estos pueden aprender a usar perfectamente cada año, por favor, sal a experimentos antes de irte de viaje y cuenta con tu engranaje sin siquiera saber si funciona o no. Porque de nuevo, si tienes más equipo, hay más cosas que van mal durante el rodaje, pero si no quieres ir por esa ruta, mantenlo sencillo. Así podrás concentrarte en tu historia y hacer este video. Lo segundo que tengo que darte es filmar constantemente más de lo que crees que necesitas. Esto, la misma cinta aplicada en exterior e interior, debería confiar en mí, mientras la agregas. Clips, verás que necesitarás más y más comida de la que tienes. Ahora porque los vlogs son películas en miniatura, claro, sal casera y hechas por ti mismo. Necesitas sentirte más vendido hablando, sentir más B-roll, volver a sentir cosas más aleatorias para llenar esos agujeros a la hora de editar. Y créeme, van a haber agujeros a la hora de editar. Verás que necesitarás más clips que tengas sal, pero está bien. Aprenderás de la experiencia a cubrir esos agujeros con el paso del tiempo. Pasando al siguiente paso, es para no quedar atrapado. Vamos a filmar ahora sé que este chapuzón en el paso anterior, como que no vayan el uno con el otro muy bien. Pero créeme, puede llegar a ser muy abrumador saber que necesitas hacer vlog a cada momento del día. No dejes que los vlogs guíen tu día. Intenta complementar tu día con encender la cámara y capturar algunos de los mejores momentos. Pero no te olvides de la mayoría de las veces, solo apague la cámara. Disfrute de su tiempo. Vive el momento, y encuentra el equilibrio entre otra vez, filmar contenido y disfrutar de tu día. Especialmente si estás de viaje, no quieres estresarte directamente por tu equipo, estresarte por tus cámaras. Tómate un momento para otra vez, vivir en la vida real. Es genial capturarlo. Es genial compartir, pero necesitas encontrar el equilibrio o simplemente te sentirás abrumado por los blogs. Lo último que tengo que darte es editar blogs cuando tengas tiempo. Por favor, no apresures el proceso de edición porque una vez exportas y eliminas los clips de tu disco duro, este es solo el proyecto que tienes que ver y tener como memoria. Entonces hay que tener cuidado en el proceso de edición porque de nuevo, estos son los recuerdos que se van a establecer desde el vlog o si quieres compartirlo en línea, estos son tus pensamientos los que van para estar fuera en la web. No se apresure a editar. No edites mientras estés de vacaciones. Si tienes inicio de sesión de vacaciones, solo tómate tu tiempo. Importa alimentos en casa desde tu configuración, edítalos desde tu configuración, produce un buen vlog porque de nuevo, esto es lo que descansa en tu disco duro durante años, meses. Así que asegúrate de no apresurarlo. Esta fue más o menos una lección de vlogueo. Vamos a recapitular algunas de las características básicas de esta lección. Hablamos de lo que es la tala. Es un show de un solo hombre. Apagas tu cámara, compartes tus pensamientos con un público o usas son tus pensamientos para ti mismo. Básicamente filmas tu día y creas películas en miniatura. Se puede disparar un rollo, B-roll, hablando sales. Compartes una historia, compartes un documento de viaje, un aspecto de tu vida. Hablamos sobre por qué necesitas iniciar sesión para tener recuerdos personales o para compartir tus pensamientos con el mundo. Y luego analizamos cómo bloquear los diferentes equipos que necesitarás, la cámara, las diferentes opciones de montaje que tienes la cámara a la hora de volver a vloguear, gorila negrita o estabilizador. Y rematamos algunos consejos que he aprendido a través mi experiencia en la subcategoría de vlogs del cine. Entonces esto es más o menos cuando se trata de vlogs. Nuevamente, esta es una técnica relativamente nueva de videografía y realización cinematográfica. Es una nueva forma de documentar tu vida y compartir tus experiencias con el mundo. Y también es una gran manera de empezar a exponerse por ahí. Ahora que hemos terminado con todo el proceso de disparo, filmando en interiores, filmando al aire libre y cómo hacer vlogs, es hora de lanzar nuestro software de edición y enfocarnos en la edición de posproducción. Entonces esto es lo que está sucediendo en las próximas lecciones. 13. Edición - un rollo: Señoras y señores, bienvenidos a la primera lección de edición de este curso. Estoy muy feliz de presentarles algunos principios básicos de edición de la videografía. Recuerda que esos principios de edición no tienen ninguna relación con si estás filmando con tu smartphone o con tu cámara. Todo el mundo en mi opinión, en 2022, necesita saber editar. En la siguiente y segunda entrega de la categoría de edición de este curso, vamos a estar discutiendo cómo editar B-roll para ello, pero por ahora nos vamos a centrar en el error. Así que basta platicar. Vamos a lanzar nuestras diapositivas y vamos a sumergirnos en esta lección de edición muy importante. Entonces, señoras y señores, quiero darles la bienvenida a la undécima lección de las partituras en las que vamos a estar discutiendo cómo editar un rol. Estoy muy feliz de tenerte aquí porque esta va a ser una lección muy, sumamente valiosa para ti. El hecho de que la edición es una de las más importantes contra las habilidades para aprender en nuestros tiempos modernos. Este de aquí va a ser nuestro esquema de conferencia. Voy a comenzar con la introducción sobre qué es la edición y cuáles son nuestros objetivos para agregar B-roll. Entonces vamos a pasar al primer paso de edición de barril y al segundo paso de edición de flecha. Y luego vamos a cerrar esto con un resumen, porque obviamente va a haber mucha información aquí y es muy buena para ti y te va a ayudar a digerir todos los información que vamos a discutir. Pequeño paréntesis aquí. Si te ha gustado esta lección y quieres profundizar en la edición, tengo un curso completo dedicado a cómo editar videos en Final Cut Pro, que es mi programa que uso en mi Mac. Entonces, si estás más interesado en editar, te doy la bienvenida a unirte a un inscrito en este curso para aprender más sobre cómo editar suficiente plática. Pasemos a la introducción y comencemos a analizar cómo editar videos. Ahora bien, lo primero que quiero que sepan es que todo es mucho más fácil que editar Bureau. Esto se debe a que se trata un proceso paso a paso que todos pueden seguir. No importa qué software de edición esté usando o no importa cuántos archivos y diferentes cámaras tenga para componer su flecha. Es un proceso paso a paso y prácticamente no requiere creatividad. Puedes mostrar tus músculos creativos aquí. Es un no, no tanto de un proceso creativo. B-roll es muy creativo y es un poco más difícil de editar que podemos discutir en la siguiente lección. Pero por ahora sepan que la flecha vuelve a ser un proceso paso a paso que no requiere creatividad. Y es una habilidad muy, muy, muy útil para tener en nuestro tiempo moderno. Voy a estar hablando de lo útil es mucho esta habilidad en esta lección. Así que no te preocupes por eso. Ahora, al aprender a editar y al dominar la edición, recuerda que ingresas a un mercado online enorme e insaturado. Te vuelves muy valioso en la sociedad moderna porque todo, toda la información se mueve a través del video y siendo editor, recuerda que es un trabajo que es completamente ubicación independiente. Puedes editar videos desde cualquier parte del mundo que quieras. Es completamente independencia temporal, así que no tienes que estar en tu trabajo a las 08:00 de la mañana y terminar a las 03:00 de la noche. Puedes hacer esto cuando quieras y como quieras. Y además no hay un código de vestimenta obviamente buscando donde vas a estar dramas y hacer muchas figuras al año de la edición. Entonces estos son los factores geniales de la edición. Estos aquí van a ser los resultados de nuestra lección. Estas son las cosas que quiero que sepan al final de esta lección cuando se trata de error de edición, primero voy a discutir sobre cómo importar metraje. Y cuando digo metraje, me refiero tanto al video como al audio. Después discutiremos cómo volver a sincronizar audio y video para componer una flecha básica. Y luego obviamente la parte de edición, que es más o menos cortar y recortar. Vamos a discutir sobre cómo aplicar algunas agallas básicas a nuestra flecha. Por último, vamos a cerrar. Esto no está bien aquí por mí discutiendo algunos principios básicos de gradación de color cuando se trata de exposición, nitidez y saturación que necesitas para realmente clavar tu flecha. Una cosa más antes de empezar, quiero que noten que no necesitas ningún software elegante para lograr lo que vamos a estar discutiendo en esta lección aquí mismo. Esto significa que si quieres invertir en un software Pro de gama alta, igual que lo he hecho invirtiendo en Final Cut Pro. Pero puedes lograr totalmente el mismo resultado cuando se trata de lo que estamos pidiendo en esta lección aquí mismo, desde el software incorporado en tu teléfono, o descargando un software de edición gratuito desde la App Store o Google Play Store. Así que por favor recuerda que no se necesita ningún software elegante. Y dicho eso, podemos pasar a analizar el primer paso de edición de flecha. El primer paso es obviamente importar tus videos e importar tu audio a la línea de tiempo. Qué línea de tiempo es básicamente la interfaz de tu software de edición. Ahora, antes de discutir cómo importar y qué es importar, quiero dedicar algunos minutos a discutir cómo debes nombrar y almacenar tus archivos. Confía en mí, cuando digo eso, si no nombras y no guardas cuidadosamente tus archivos, te vas a perder en una tormenta de diferentes archivos de video y audio durante esos años. En la videografía, esta afición está estrechamente relacionada en la organización y la organización de archivos es una cosa de la que debes estar totalmente consciente. Te voy a dar un pequeño ejemplo aquí mismo de cómo he resuelto mis archivos. Este curso que estoy creando ahora mismo. Y luego te voy a mostrar la huella exacta, la huella perfecta sobre cómo nombrar y almacenar tus archivos. Esto es muy importante y esto está estrechamente relacionado con la edición. Por eso te estoy presentando estos conceptos en esta lección aquí mismo. Esto de aquí mismo es una captura de pantalla de mi libro para Mac sobre cómo ordené mis archivos para este curso aquí mismo, como pueden ver, primero , número, todas mis carpetas. Entonces el número uno, el año número dos, velocidad de fotogramas número tres, subiendo los movimientos que me refería para la composición. Y dentro de esta carpeta, tengo do, de nuevo, numerado diferentes archivos. La primera es la presentación de PowerPoint y la segunda es el archivo de video del curso terminado. Entonces nuevamente, el número y el tipo de archivo. Pero esta no es la manera perfecta de numerar el nombre y almacenar tus archivos. De hecho, esta es la manera perfecta numerar el nombre, y almacenar tus archivos. Esta es la huella de nomenclatura de archivos adecuada. Quiero que hagas una captura de pantalla de esto. Quiero que te quedes con esto y sigas esto para el resto de tu portador de videografía. Ahora bien, es palabra que ves aquí mismo, seguida de la flecha, debería ser una carpeta diferente. Entonces primero debes comenzar por crear carpetas generalizadas a más dirigidas. Las carpetas generalizadas a la izquierda de tu pantalla deben comenzar con el año. Entonces ves mayor carpeta, por ejemplo llamada 2020 a 2021, 2020, dependiendo de cuándo tengas sal tu archivo. Luego dentro de esta carpeta, crea una subcarpeta con cada ubicación del traje, por ejemplo, mi estudio, o Italia, o las Montañas Rocosas o el ciclismo de montaña, básicamente crea una subcarpeta con el ubicación de la sopa. Dentro de esa subcarpeta. Nuevamente, cree subcarpetas de cada día del rodaje, por ejemplo 2022, Italia, uno o dos días, día tres. Dentro de esos días, sé que hay muchas subcarpetas, pero esta es la única manera de mantenerse organizado y no perderse, nuevamente, en olas y oleadas de diferentes metraje dentro de la subcarpeta del día, crea subcarpetas con una cámara diferente y has vendido tu metraje, por ejemplo, Canon 5D Mark para smartphone GoPro. Y por último, dentro de las subcarpetas de la cámara, crea diferentes subcarpetas con los diferentes archivos de video que tengas. ejemplo, tienes un archivo de video GoPro, y necesitamos nombrar esos archivos de video de acuerdo con la actividad clave que se muestra ahí dentro, por ejemplo, Entrevista 0.1 o natación, ciclismo de montaña. Estos van a ser de nuevo, nuestro archivo de video. Por lo que debe ser nadando o numero uno, nadando punto mp4 o el punto MOV. Confía en mí, esto de aquí mismo es una, una diapositiva sumamente importante. Y aunque no continúes con esta conferencia, quiero que la pantalla para que esta diapositiva y se aplique a tu vida videográfica, te hará la vida, mucho más fácil. Ahora pasemos a las cosas más simples que es cómo importar todo. Haz tu línea de tiempo. Una vez que hayas resuelto tu metraje aéreo y lo hayas localizado, solo tienes que arrastrarlo y soltarlo en tu línea de tiempo, e importa a tu software de edición si puedes arrastrarlo y soltarlo porque que estás editando desde tu smartphone te hace simplemente presionar el botón de entrada. Esto lo hará directamente en el rollo de tu cámara. Y luego a partir de entonces solo podrás seleccionar los clips que quieras aplicar a tu línea de tiempo. Otra cosa que quiero señalar es que la mayoría de la gente en realidad no almacena audio como video, y esto es un gran error. audio debe almacenarse exactamente como videos, por ejemplo , nuevamente, 2022 subcarpeta Italia subcarpeta día uno subcarpeta de la persona que compre allí y luego dentro de allí o una con el nombre del video y R1 con el nombre del audio. Que quiero que recuerdes eso a menos que estés usando un micrófono externo para grabar el audio o alguna configuración muy elegante. Por lo general, el audio se sincroniza automáticamente con el video así que incluso puedes pasar por alto el siguiente punto que voy a hacer descartar si ahora el audio no está sincronizado con tu video, deberías pagar atención a esto muy básico en principio que vamos a discutir ahora mismo. Nuevamente, si tu video no está sincronizado con tu audio y estás usando un micrófono externo para grabar la voz. Es muy fácil sincronizar audio con video. Es por eso que los cineastas vuelven a tener, esos guardianes o por eso ves a mucha gente aplaudir a uno, filmando, al filmar un video. Esto es porque cuando aplaudes, ves en el video que hay un aplauso. Y luego cuando estás golpeando el valor anterior, cuando estás escuchando el archivo de audio, ves que la persona aplaude, luego simplemente sincroniza esos dos. Coincidir de nuevo, los aspectos visuales y auditivos de un club o esta cosa de aquí mismo, aleteando hacia abajo. Y tienes perfectamente sincronizado audio y video. Esto es básicamente cómo importar y hundir video y audio. Muy, muy fácil. Obviamente, como dije, si estás filmando con un smartphone y un software de edición gratuito, automáticamente sincroniza tu video con tu audio. Entonces es otra cosa menos de preocuparse por esto, qué los teléfonos inteligentes son muy versátiles de esta manera, discurso dedicado a la videografía de teléfonos inteligentes. Este fue más o menos el primer paso. Te dije que editar un rol es un proceso paso a paso. No requiere ninguna creatividad, es simplemente un trabajo muy fácil. Entonces así es como en el paso uno ordenamos los archivos y discutimos cómo importar y sincronizar sonatas de audio y video. Es hora de pasar al segundo paso de edición de flecha. Ahora bien, el parámetro clave y principal de la edición es obviamente aplicar agallas. Y esto es lo que vamos a estar discutiendo en la segunda parte de esta lección. Ahora por supuesto, esta es una parte fundamental de la edición de video. Es muy importante que domines cómo agregar con éxito ingresando mi video. Y obviamente esta es la parte en que quieres invertir la mayor parte de tu tiempo y energía para dominar esta parte de la videografía. Ahora recuerda que al aplicar agallas a una flecha, hay un símbolo y una manera complicada. Y voy a estar presentándote esas dos formas ahora mismo. Creo que deberíamos comenzar por la vía del símbolo. Ahora, básicamente, cuando estás aplicando tarjetas a un arilo, sueñas con las partes donde el sujeto no está hablando. Para que veas tu tiempo y no tengas la representación visual del video y el audio. Esto de aquí mismo es el audio. Y cuando veas el audio aplanándose, al igual que el monitor cardíaco plano cuando una persona muere, entonces simplemente recorta aquí a él allá y simplemente quita las partes en las que el audio es plano, que automáticamente significa que el sujeto no está hablando. Entonces tiramos a la basura este bar, estos se conectan entre sí y esta es una forma muy sencilla de aplicar agallas básicas, tu árabe. Obviamente, tenemos que quitar cuando la persona se hace en esto. Estas, eliminamos, eliminamos palabras repetitivas y eliminamos segmentos que prácticamente no agregan mucho a la historia. El tema apenas está circulando alrededor del mismo concepto. Simplemente podrías eliminarlo editando esto. Por qué agregamos en general cualquier cosa incómoda que acabamos de quitar del mes de abril. Obviamente, hay algunas marcas y algunos contras a la hora de la manera del símbolo, la forma sencilla es fácil y es rápida y es lo que la mayoría de la gente aplica a la hora de editar un rol. Y obviamente hay algunas desventajas. No lo es. El banco que pasa por la complicada ruta va a ser el mejor para tu resultado. Y podría resultar agotador para el espectador si rechazas un clip con la forma del símbolo, si el espectador está disfrutando de un contenido muy grande, podría llegar a ser agotador y suplicar repetitivo para el visor. Aquí es donde la vía avanzada. Y durante la vía avanzada, separamos el audio del video y simplemente desvanecemos el audio del primero con el audio del segundo. Así que prácticamente aplicamos un corte diferente a los sujetos visuales y auditivos de esto. Entonces de la manera avanzada, profundizamos y más o menos lo que hacemos es que sincronizamos el audio con el video. Por lo que pasamos por alto por completo la primera parte de la edición de video que discutimos, que es sincronizar audio y video. desincronizamos por completo. Y aquí es donde simplemente podemos cambiar diferentes ángulos de cámara, por ejemplo podemos cambiar el primario con los ángulos de cámara secundarios y otro bufete de abogados si quieres ir con esta manera y tú tienen dos ángulos de cámara diferentes y vuelven a hacer diferentes, fuentes de audio. Recuerda que por cada 30 s de ángulos de cámara primaria, usualmente agregamos 5 s de cámara secundaria. Esto vuelve a aumentar la variedad visual que brindamos a nuestros espectadores. Y esto aumenta la participación de los espectadores con nuestros videos, lo cual obviamente es muy bueno y lo que estamos prosperando en la afición de la videografía. Ahora, es el momento de hablar mi aspecto favorito del error de edición porque seamos honestos, lo que discutimos hasta este punto es muy mecánico, muy paso a paso. Pero la gradación de color es en realidad parte de la videografía y la edición en la que te puede gustar la creatividad y puedes ser muy creativo con la edición de color. Ahora, la gradación de color es un término más amplio en el que discutimos básicamente aplicar cambios en la tristeza, la exposición y la saturación de sus necesidades. Una de esas tres categorías que se analizaron, nitidez, exposición en esa situación, se puede cambiar, se puede profundizar más en subcategorías para cambiar más sobre estos parámetros. Por ejemplo, la exposición se subdivide en reflejos, sombras. La saturación también se subdivide en, en vitalidad. Así que prácticamente cambiamos todos estos parámetros para mejorar nuestras imágenes en esta imagen aquí mismo puedes ver un ejemplo de un clip que no es color gradado. Entonces así es como sale de la cámara. Esto es lo que obtienes después de aplicar las correcciones básicas de color. Entonces pasemos ahora a analizar cómo llamar grande, y qué no debes hacer. Entonces, antes que nada, aquí hay algunas advertencias. Recuerda que no hay una corrección de color perfecta. Es muy, muy subjetivo con buen color, que no es buen color. Y esto sucede prácticamente debido a que el color de tu video depende directamente del tono que quieras entregar a este video. Tanto para recordar que de nuevo, no hay una corrección de color perfecta. Este es un campo muy subjetivo de edición de video. Te voy a dar un ejemplo aquí mismo. Este cineasta, como puedes ver, ha aplicado un tono cálido en su video. Tiene color calificado este clip para que se vea más cálido de lo habitual. Es por ello que los tonos cálidos producen una imagen más romántica y más relajante. Además de eso, esto no es tan saturado, pero tampoco es insaturado. La saturación es bastante estable. Simplemente aumenta la temperatura del clip y se disminuye el contraste. No queremos que se aplique contraste cuando intentamos entregar un tono romántico y luego relajante de nuestro video. Ahora, comparemos esto con esta gradación de color. Y se puede ver el clip original que estaba todo en la matriz con después del clip, después de las correcciones de color. Eso se puede ver en la matriz. El cineasta, el director utilizó colores más fríos. Esta es una acción y una vibra industrial que querías trasladar a los espectadores. Y lo hizo con el aumento del contraste. Así se puede ver que las sombras son más oscuras y los reflejos son más brillantes. Esto al hecho de que se incrementa el contraste. Y también usó llamado los colores porque no queremos obviamente uno romántico blanco. El ambiente más industrial y axón, que por supuesto se entregó a través de la corrección de color de la matriz. Ahora, obviamente, como dijimos, puedes ser muy creativo con para la gradación y no hay qué hacer y qué no hacer cuando se trata de gradación de color. Pero cuando estamos editando un papel y especialmente cuando estamos editando entrevistas, que es la mayor parte de abril, gradación de color es muy, muy sencilla y estas son algunas principios que quiero que tengas prácticamente en mente y que se apliquen a tu gradación de color cuando se trata de entrevistas. En general, quiero que mantengas exactamente igual el color que viene de tu cámara. Así que no cambies la cosa, no cambies la temperatura. A veces necesitamos aumentar la exposición al BPA. Siempre disminuye la nitidez porque el video, especialmente el que sale de los teléfonos, ha aumentado la nitidez del edificio para verse mejor a los ojos. Pero esto no queremos la especialidad en entrevistas. También disminuimos el contraste porque no queremos un tono muy dramático a la hora nuestras entrevistas y aumentamos nuestra saturación. Entonces estos son cuatro cambios que puedes aplicar ahora mismo. Eres capaz de hacer que se vea mejor cuando se trata de gradación de color, aumento de la exposición, disminución de la nitidez, disminución del contraste, aumento de la saturación. Ahora vamos a discutir sobre algunos errores comunes. Se hacen en gradación de color. El primer y más común error es que las personas aplican, hacen mucho contraste cuando tienes acceso a todos esos diferentes parámetros que cambian a través de la gradación de color, un principiante piensa y cree que ha cambiado cada uno de los parámetros. Y lo primero que hacen es que incrementan contraste para igualar demasiadas causas crecientes, como puedes ver aquí, solo arruina metraje. Hace que la comida se vea mal y esto es mucho mejor, especialmente para un retrato de tiro en la cabeza, que esta fotografía sea demasiado contraste es definitivamente un no. Segundo error muy común es que los editores aficionados aplicaron demasiada nitidez a tu video. Y recuerda que es una regla general. Quiero que solo disminuyas la nitidez de tu video. Nunca quise aumentar la tristeza. Esto simplemente hizo el hecho de que demasiada nitidez hace que tu video se vea todo lo que hace que el video se vea incómodo. Y donde quiera que esté todo algo en tu video es extraño e incómodo. Aleja a los espectadores de la historia. Y como comentamos en este curso, a lo largo de todo, la historia es el rey a la hora de la videografía, y no queremos que nuestros espectadores se distraigan de la historia clave. Entonces quiero que cuides la asertividad durante la producción. ¿Cómo me ocupo de lo repentino durante la producción? Asegúrate de que tus clips estén enfocados. Te aseguras de tener la iluminación correcta y entonces no vas a necesitar aplicar nitidez en la postproducción. Así como dijimos en la lección de desestabilización, necesito que recuerden que la edición de posproducción es un último recurso. Intentamos ahorrar dinero, tratando de mejorar y perfeccionar todos los parámetros antes de entrar en la postproducción. posproducción consiste en aplicar algunos cambios que no se pudieron aplicar durante la producción. Esto obviamente también se aplica a la nitidez. El tercer, y nuevamente, error muy común que cometen las personas cuando metraje de gradación de color es que aplicaron demasiada saturación. Nuevamente, el deslizador de saturación es un deslizador que suele estar disponible solo para los editores. No tiene un control deslizante de saturación de edificios en su teléfono editando una galería de fotos, por ejemplo, así que cuando vea este control deslizante de saturación y simplemente comience a deslizarlo, es muy fácil para usted un poco más ligeramente, no demasiada saturación. Y desde un primer vistazo, podría pensar que se ve bien, pero de nuevo, aleja a los espectadores de la historia. Se ve incómodo y para saber la cantidad correcta de iteración, esto definitivamente necesita algo de prueba y error. Por lo que te animo a rodar y editar y disparar y net ID y disparar y editar hasta que ganes experiencia, porque la experiencia en videografía es lo más importante. Ahora vamos a pasar a la parte final de este paso dos, que es solo una parte adicional sobre cómo mejorar tu edición con solo dos simples clics. Y esos dos simples clics es agregar el efecto buzón a tu flecha. Ahora el buzón, también llamado como barras cinematográficas, son esas dos líneas negras que se encuentran en la parte superior e inferior de tus clips, que solo hacen que tu metraje se vea más atractivo. Esto tiene que ver con la anatomía del ojo, el hecho de que percibimos el mundo en un paisaje y no en un aspecto horizontal. Y esto solo hace que los videos se vean más cinematográficos, más profesionales, más atractivos. Entonces como dijimos, los videos más atractivos están directamente relacionados con una mayor participación de la audiencia. Esto es lo que buscamos en la videografía. Así que por favor agrega barras cinematográficas. Es muy fácil amarlos. Solo Google, buzón, PNG. Descargarás una imagen transparente y luego seguirás adelante y la arrastrarás y soltarás en tu software de edición. Agrega barras cinematográficas. Esto mejorará tu metraje. Ahora vamos a terminar esta lección aquí mismo con algunas cosas que he acumulado nuevo a través de los años en el ensayo y error que he visto y observado a través de la edición. Y esos son los cuatro pasos que tengo que darte. El primero no lo es, trata de perfeccionar a Errol. No edites demasiado, vuelve a visitar después de haber terminado con B-roll. Construcción de la flecha y la red exporta un proyecto el mismo día que lo lanzas. Sólido. Empezar con los dos primeros que tengo que darte es que no deberías intentar perfeccionar una edición, sobre todo si es abril. Quiero que recuerdes que en las primeras etapas de tu área radiográfica, necesitas ir con experiencia. Es necesario poner la cantidad por encima de la calidad. No intentes perfeccionar tu edición Errol. Intenté producir muchas flechas y aprenderás a través de prueba y error. Voy a decir esto durante este curso, y he estado diciendo durante este curso, ensayo y error es la mejor manera de mejorar en cualquier. Así que de nuevo, no trates de perfeccionar sin ayuda, no exageres sobre una edición, solo produce mucho contenido. Lo segundo que tengo que darte es no volver a editar esto en exceso, acceso a herramientas no significa que tengas que usarlas. No significa que tengas que usar todos los efectos, pero este edificio en tu software de edición no significa que tengas que cambiar. Nuevamente, la nitidez, la saturación, los reflejos, las sombras. No necesitas aplicar todos esos cambios solo porque puedes saber que podrías sentir la necesidad de usar cada herramienta que te haya desbloqueado pagando por un software de edición. Pero créeme, mantenerlo simple es tu mejor aliado a la hora de editar, porque de nuevo, no distraes a los espectadores de la historia usa la clave de tu video. La tercera cosa que tuve que darte es a visitar y reeditar flecha después de que hayas terminado con buró, tener a Bureau por encima de tu Errol cambiará directamente el flujo de tu URL y el flujo de tu historia. Por lo tanto, podría acordarse la fecha para volver a visitar realmente un papel después de que hayas terminado con la primera edición de tu barril y quieras discutir sobre cómo construir y más en la siguiente lección. Pero por ahora, solo quiero quedarme, solo quiero que tengas esto en mente. Por último, hay que darte es que no debes exportar un proyecto el mismo día que lo lanzamos. No importa si has hecho el trabajo de edición más básico en este proyecto, solo deslízate en los proyectos. Así que tómate tu tiempo, da un paseo afuera, piensa, reflexiona sobre la forma en que editó este proyecto y simplemente no estreses la exportación. Es muy fácil para ti decir después de un agotador día de edición, bien, solo quiero exportar este clip, subir esto se haga con esto, pero este no es el enfoque correcto. Este no es el enfoque maduro de proteína madura sería dormir en un proyecto. Y como ganarás experiencia en el campo, sabrás que cuando te relajes, un paso atrás de tus computadoras, puedes salir a la calle, dar un paseo. Esto te ayudará a reflexionar nuevamente sobre los errores que cometiste. Esto te ayudará a localizar muchos errores que has cometido, y esto mejorará drásticamente la calidad de tus ediciones. Entonces, por favor, deslice sus proyectos. No empieces a exportar y no exportes el mismo día que lanzaste. Ahora, quiero terminar esta lección con esto de aquí mismo, que en mi opinión es la edición perfecta. Por supuesto, podemos ver solo un símbolo sal de esta edición durante la lección, pero sigamos adelante y analicemos esto. En primer lugar, quiero que reflejen el hecho de que tiene la nitidez, el color, la iluminación y la saturación perfectos . No hablemos de aligerado porque tenemos de nuevo, un curso separado sobre iluminación. Pero se puede ver que la nitidez en los fosfatos de Obama de Gran Bretaña, el color está en la temperatura directa. La saturación está justo en el punto. No es insaturada pero no sobresaturante en el hecho, además de que la iluminación produce este urbano. También quiero señalar algunas reglas de composición que también aplicaron esta imagen. De esta manera es tan satisfactorio para los iones o facturación al espectador. El directorio en este caso ha aplicado la regla de los tercios porque como se puede ver, ojo izquierdo de Obama se encuentra en las líneas principales izquierdas del tercero, obviamente en esta composición. Y además de eso, también tenemos el papel de liderar líneas porque esta imagen de aquí mismo, que tiene la flecha delante de ella, esta flecha de aquí apunta directamente al ojo de Obama, que va a ser el centro de atención en este marco. Entonces este es uno de los marcos de entrevista más perfectos que he visto y quería discutirlo contigo. Ahora pasemos a la recapitulación. Nuevamente, esta fue una lección enorme y yo, creo que enfatizo lo suficiente la importancia de aprender a editar. Acerca de la edición de un rol. Por qué necesitas aprender a editar lo que es abril. Y luego discutimos sobre los que resultados de este curso. Entonces déjame leerlas. Los resultados que quiero que recuerdes después del final de esta lección es que quiero que sepas cómo importar archivos y discutimos cómo nombrar, categorizar e ingresar archivos, tu software de edición, luego cómo sincronizar audio y video. Cómo cortar aproximadamente y aplicar algunas tripas básicas a tu rollo. Y por último, discutimos sobre la aplicación del buzón, cómo esas barras cinematográficas hacen que tu video se vea mejor. Hablamos sobre la gradación del color y algunos consejos para evitar, obviamente, y algunas cosas que hacer. Y por último, algunos consejos que he aprendido a través de mi experiencia basados en ensayo y error. Nuevamente, en este mundo de la edición. 14. Edición - rollo B: Entonces, señoras y señores, bienvenidos a la lección 11 de este curso y a la segunda entrega en la que analizamos el proceso de edición de postproducción de la radiografía de teléfonos inteligentes. Estoy muy emocionada de presentarte a la edición de B-roll en esta undécima lección de este curso. Este de aquí va a ser el esquema de nuestra conferencia. Vamos a comenzar con una introducción. Te voy a presentar el concepto de B-roll y nuestras aspiraciones cuando estemos editando B-roll, ¿cuáles son nuestros objetivos? ¿Queremos entregar? Qué emociones y no estamos tratando de entregar a la audiencia. Entonces vamos a pasar a los aspectos visuales de la edición media. Esto es muy importante y muy creativo en este campo. B-roll, especialmente en postproducción, es donde puedes dar rienda suelta a tu creatividad y flexionar tus músculos creativos que nos estamos moviendo hacia los aspectos auditivos de ganar viriles. Esto también es muy importante. Y después de eso, después de la recapitulación, obviamente vamos a tener otra lección sobre cómo editar efectos de sonido y la importancia de los efectos de sonido en la postproducción. Así que basta con esa introducción, pasemos a analizar qué es B-roll en cómo agregamos B-roll. Obviamente antes de comenzar a analizar cómo editar estar sobre cómo construir la línea de tiempo perfecta y cómo hacer que se vea hermosa. Vamos a empezar con lo básico. Entonces analicemos qué es realmente buró. Bureau es metraje suplementario. Por eso no se le llama rollo y se llama B-roll que complementa la acción principal, que por supuesto es un papel así como lo discutimos, podrían ser los puntos de conversación en una entrevista. Así que prácticamente agrega variedad visual y guía la historia de una manera separada y única. El objetivo de un B-roll atractivo es de nuevo, mantener al público mirando la pantalla sin aburrirse. Es por ello que de nuevo, Bureau quiere recordar complementa un papel. Ahora, cualquier cosa B-roll es mucho mejor que editar un rol. También es mucho más difícil. Bueno, agregando B-roll, puedes ser creativo. Es muy agradable. Pero recuerda que también consume tiempo y energía porque de nuevo, siempre que necesites ser creativo y necesites estresar esos músculos creativos, esto va a ser un consumo de tiempo y energía. Pero saber cómo editar y crear con éxito Bureau es una habilidad muy útil si te interesa cómo disparar y editar buró. Tengo un curso separado sobre eso. Para que puedas volver a profundizar en B-roll viendo este curso. Pero por ahora, solo vamos a cubrir lo básico en esta lección aquí mismo. El gol de un gran barril. Estas son las cosas clave que quiero que tengas en cuenta mientras estamos pasando por esas diapositivas en esta lección. En primer lugar, es necesario clavar un equilibrio de color correcto. Este es el primer objetivo para lograr un gran proyecto de ley. Necesitas que el color esté a punto. Además de ese gran escarabajo también entrega este aspecto cinematográfico. Encima de eso, no quieres que tu video distraiga. No queremos que nuestros espectadores se distraigan de la historia principal, queremos que nuestro B-roll complemente la historia, no distraiga de la historia. Y por último, obviamente, el gran mural es creativo. Puedes llegar a ser muy creativo en este particular campo de la videografía. Ahora para ayudarte a entender mejor B-roll, he subdividido esta lección en dos categorías. Cómo editar los aspectos visuales del mural y cómo editar los aspectos auditivos del proyecto de ley y más específicamente, la música en cada una de esas categorías entre ir a analizar diferentes aspectos. Así que vamos a llenar esto en diferentes subcategorías, por ejemplo, en los aspectos visuales, vamos a hablar sobre las transiciones de hecho, el ritmo de tu B-roll en cámara lenta. Y luego cuando se trata de los aspectos auditivos, cuando hablamos de música, cómo encontrar música, dónde obtener música. Y luego vamos a tener una lección separada sobre los efectos de sonido. Porque creo que los efectos de sonido son muy importantes y únicos. Necesitas entenderlos más en una lección diferente. Entonces esto va a ser de nuevo, el esquema de la lección de hoy. Entonces ahora para la introducción, pasemos a la primera subcategoría de edición media, que van a ser los aspectos visuales. Como dijimos antes, los aspectos visuales son efectos, transiciones , buzón, cámara lenta, y nuevamente, el ritmo de tus ediciones B-roll. Entonces vamos a comenzar analizando cuál es el correcto ritmo de un escarabajo. Ahora, cuando estoy hablando con, cuando me refiero al ritmo y me refiero al correcto sueño de clips. Entonces lo primero antes de aplicar transición, antes de aplicar efectos, cámara lenta o buzón, necesitamos soñar nuestros clips e importarlos. Entonces primero, importamos los clips a nuestra línea de tiempo y luego simplemente los recortamos a sus mejores partes. Por lo general no se habla de escarabajo, así que no tenemos que preocuparnos por el audio. Simplemente soñamos con tener las mejores partes de cada video. Y para cada clip, recuerda que guardamos de uno a 5 s. 5 s probablemente va a ser el máximo que guardarás de cada clip este vino, las lecciones de tiro de este curso que discutimos. Mantén tus clips cortos, obviamente porque en la postproducción no vamos a utilizar más de 5 s de cada clip. Entonces estas son las cosas que quiero que recuerdes a la hora de caminar, necesitas basar tus clips recortándolos y manteniendo uno a 5 s de cada clip, este va a ser el resultado óptimo . Ahora después de recortar el eclipse, es momento de pegarlos. Y cuando me refiero al ritmo, quiero decir que necesitas poner los clips en el orden correcto para facilitar la historia para que no hagas que los espectadores se sientan incómodos. Necesitamos de nuevo, nuestra historia es el rey en este juego de videografía, necesitamos de todo para ayudar a nuestra historia. Entonces, para poder pegar los clips Correctamente para que coincida con la historia, necesitamos unir clips con la misma duración, mismos movimientos, mismos ángulos. Nuevamente, clips que hacen referencia a la misma historia. Entonces, para que los videos sean más satisfactorios, nuevamente, intenta hacer coincidir clips con la misma duración, mismos movimientos y niños que sean sal desde los mismos ángulos de cámara. Después de que hayamos terminado con la primera capa de edición neuronal, que por supuesto es importar y basar Eclipse, tenemos la opción de agregar efectos. Y yo quería hacer un punto de explicación enorme aquí. hecho de que tengamos la opción de agregar efectos, no significa necesariamente que necesitemos agregar efectos. Y prácticamente puedes agregar tantos datos como quieras. Eclipse puede cambiar la velocidad. Podemos distorsionar los glifos con los hechos. Podemos agregar deflexiones, podemos agregar filtros, podemos agregar animaciones. Yo personalmente, nunca uso ninguno de esos efectos. El efecto más útil que he encontrado un IOU son quizás algunos efectos de gradación de color o algunos efectos de corrección de color. En general. Como regla general, recuerda, no abuses de los efectos y no uses de hecho, tanto efecto. Ahora, si quieres invertir tu tiempo y realmente cavar efectos y aprender a usarlos para encontrarlos. Yo te puedo ayudar. dos formas de generar efectos realmente. El primero es crear tus propios efectos. Entonces eligiendo clip y simplemente manipulando el sonido, distorsionándolo por ti mismo o cambiando el color por ti mismo. La otra forma es simplemente descargar y efectuar de nuevo, una fuente en línea. Y hay muchas tiendas en línea que venden efectos de forma gratuita o de pago. Esta es una de las mejores tiendas online para comprar efectos, transiciones y otros plug-ins. Esta justo aquí es la tienda en línea de un gran ángulo Ryan dorado mayor. Voy a tener el enlace para la tienda en la descripción. Y si estás usando Final Cut Pro, que es mi software de edición de preferencia, puedes entrar en este sitio web y realidad comprar algunos efectos. Recuerda que también tienen algunas excelentes opciones gratuitas ahí dentro. Entonces, aunque no quieras gastar ni un solo dólar, aún puedes ingresar a este sitio web, poner tu correo electrónico, y luego simplemente reclamar tus efectos gratuitos. Una cosa que quiero volver a señalar que mencionamos antes, recuerda que afecta a nuestra forma número uno de Lean arruinar la historia. Y cuando digo arruinado la historia, me refiero más o menos a distraer a los espectadores. Si los espectadores se distraen en algún aspecto de tu edición, por ejemplo, se distraen con las transiciones de color o tus efectos, o demasiada cámara lenta. Esta es una gran manera de simplemente arruinar la historia. Y una característica muy común de los principiantes es el hecho de que los principiantes tienden a abusar del efecto. Se han emocionado mucho, pero toda la variabilidad variable diferente que tienen en efecto y solo agregan efectos en todas partes en esto arruina por completo el aspecto visual de su barril. Así que por favor, ten cuidado con el efecto. Sencillo. Nuevamente, la mejor manera de ir con los hechos. No leas la historia y no distraigas al espectador. Esto es muy importante para que lo recuerdes. Ahora es el momento de pasar a las transiciones. Las transiciones son un capítulo muy grande a la hora de agregar B-roll, es muy importante que entiendas la importancia de las transiciones. Y hablamos de transición, tener una lección separada en este curso cuando se trata de transiciones de cámara incorporadas. Entonces las transiciones, podríamos disparar con las manos. Como mencioné en esa lección, es mucho mejor y más óptimo para que guardes todo durante la producción y no lo dejes para ambas producciones. De nuevo la postproducción, es un último resultado. Dicho esto, las transiciones rara vez se aplican durante la producción. La mayoría de las transiciones se aplican durante la posproducción. Recuerda que es muy fácil aplicar una postproducción de transición. Y si se usan correctamente y se utilizan correctamente, no distraen al espectador, por lo que facilitan la historia en lugar de destruirse. Esto es muy importante para las transiciones. Estas son algunas de las transiciones más comunes que puedes aplicar a tu B-roll. No voy a profundizar mucho en esas transiciones porque de nuevo, esta no va a ser una lección de edición de una hora. Estas son solo las cosas superficiales que quiero que solo recuerden que estos son los tipos de transiciones más comunes para volver a aplicar a su buró. Tenemos el desvanecimiento en la transición. Encontramos nuestra transición, el iris, el iris fuera, la basura o la transición. Mi favorito personal, la cruz se disuelve. Un ejemplo de una transición de disolución cruzada es una transición que agrego al final de cada lección de este curso, podemos ver que mi video simplemente se desvanece de este video visual de aquí mismo a solo un negro pantalla. Esto, por ejemplo, una transición de disolución cruzada. Y mi transición favorita que agrego en cada uno de mis videos B-roll. Otra cosa que quiero que recuerden es que esas transiciones que mencioné en este momento obviamente están disponibles en cada software de edición, no importa si es Final Cut Pro o un software de edición gratuito descargado desde tu teléfono. Entonces estos están ampliamente disponibles si quieres descargar transiciones que son más especializadas y más sofisticadas, obviamente puedes hacerlo desde una tienda en línea tal como te he recomendado. La tienda en línea Ryan angle es un destino perfecto. Descargar. Cualquier plugins, eso significa efectos, títulos, transiciones, añadir descargados muchas de mis transiciones de esa tienda. Ahora, obviamente las transiciones de plug-in tienden a ser muy sofisticadas y se ven geniales así que no quieres abusar de ellas, pero es muy genial tener una de esas transiciones y son completamente gratuitas. Entonces nuevamente, si eres usuario de Final Cut Pro, te sugiero que vayas a esta web y descargues algunas transiciones gratuitas para usar. Por favor, por favor, ten cuidado en las tradiciones, tal como dijimos, para estar atentos en los efectos. No uses una transición. Cada clip y no utilice mayoría de las transiciones de construcción que se encuentran en su software de edición. La mayoría de las transiciones de construcción que no son plugins, por lo que no descargamos de la web suelen ser basura. No están destinados a ser utilizados o estaban destinados a ser utilizados en años muy anteriores, al igual que el efecto. Por favor, no uses la mayoría de los efectos, por favor no uses la mayoría de las transiciones. Si sientes que una parte de tu historia necesita tener transiciones geniales, adelante y agrégalo. Pero si este no es el caso, por favor úsalos con cuidado y úsalos sin arruinar, de nuevo, la historia que estamos tratando de mantener intacta de los años. Ahora que hemos terminado con las transiciones, es momento de pasar a la siguiente categoría de un aspecto visual, que es la cámara lenta. Ahora volvimos a tener una lección separada en cámara lenta y velocidades de fotogramas sabemos que la cámara lenta sólo se puede agregar en la posproducción. Obviamente no podemos ralentizar la comida, está abajo como demandamos, solo podemos ajustar nuestra velocidad de fotogramas. Entonces, obviamente, como dijimos aquí, cámara lenta depende la velocidad de fotogramas que hayas vendido este video. Esa cámara lenta realmente puede ayudar a la historia y es muy, muy importante en los Beatles, mayoría de las sales de escarabajos en realidad se ralentizan. Por lo que te recomiendo totalmente que uses cámara lenta en tus ediciones de B-roll. Simplemente hace que todo se vea más genial, más cinematográfico. Establece el tono y la vibra correcta para un barril en general, cámara lenta se ve en el núcleo de las ediciones de B-roll. Obviamente, crea videos más atractivos, como comentamos en la lección de estabilización de este curso, disminuye los míos o sacude. Entonces, cuanto más despacio y clip, más tembloroso No será. Nuevamente, aumenta lo dramático de este video y nos proporciona un metraje más fluido. Con todo, es absolutamente recomendable que ralentices tus clips B-roll. Algunas cosas que quiero que recuerdes porque de nuevo, puede llegar a ser realmente confuso con todas las velocidades de fotogramas de diferentes velocidades y cuánto puede ralentizar el video. Recuerda que cuanto mayor sea la velocidad de fotogramas que utilices para grabar un video. Entonces nuevamente, las velocidades de fotogramas podrían ser de 24 fotogramas por segundo, 60 cuadros por segundo, 120 cuadros por segundo o 240 cuadros por segundo. Y claro, más que eso. Entonces, cuanto mayor sea tu velocidad de fotogramas, más podrás ralentizar tu video. También quiero que recuerdes que no necesitas ralentizar demasiado tu video. Esto también podría distraer. Podemos entregar diferentes resultados con video muy lento, sales más dramáticas. Pero nuevamente, esto podría distraer y no queremos que nuestros espectadores se distraigan de la historia. Y en mi opinión, ralentizar un video en un 50%. Entonces, dos veces, ralentizado es la fina línea entre un video distraer o tener las cosas correctas y valiosas que son cámara lenta. Nos diste por ejemplo dramático, agradable y disminuyendo todos los batidos menores. Así que esto era más o menos a cámara lenta. Ahora me gustaría discutir sobre el B-roll perfecto. Entonces digamos que esto de aquí mismo era un video. Por supuesto que esta es una foto de un video. Pero digamos que esto de aquí mismo es un video. Y digamos que este es el B-roll perfecto. El medio perfecto obviamente depende de la historia a la que se refiere el mural. Pero en general, no se debe ralentizar. Debería tener el buzón, que son esas dos líneas cinematográficas nuevamente, que hacen que el video sea más dramático. Y los videos perfectos, solo tienes algunas transiciones y algunos efectos sin interrumpir a los espectadores de la historia. Esto a ese ritmo es clave a la hora de construir, puedes agregar tantas transiciones a cámara lenta, tantas transiciones de buzón y efecto como quieras. Pero si tus videos no están pegados correctamente, los movimientos no coinciden y no facilitan la historia, entonces vamos a tener un problema. Entonces este es el Buró perfecto. Necesitamos que se ralentice a cómo las transiciones del buzón, alguna transición en algunos efectos y un gran ritmo en un apego distal. Para darte algunos consejos que he acumulado a través de los años de redacción buró. El primero es que la experiencia es clave a la hora de escarabajo. Entonces el siguiente consejo que tengo que darte es que necesitas tratar de perfeccionar el rodaje. Entonces el proceso de producción, más que el proceso de postproducción, que es un último recurso. Por último, no exagere. Hablamos mucho sobre no exagerar. Entonces estos donde se encuentran los aspectos visuales de la edición de B-roll. Ahora es el momento de pasar a los aspectos auditivos. Así que vamos. Ahora. El audio es un área de error de edición muy descuidada. Casi sabe que el principiante tiende a meterse con el audio. Lo que ese audio no es importante, pero puedo decirte por experiencia personal que el audio es lo que elevará completamente tu valor de producción y audio. importancia del audio y la cantidad de detalle que el cineasta ha aplicado al audio es lo que separa a los editores principiantes de los intermedios y los experimentados. Por lo que el audio es de importancia clave en buró y en general, se subdivide en música y efectos de sonido que puedes agregar a tus videos. Los efectos de sonido son una categoría muy grande de Oreo. Por eso he dedicado la siguiente lección de este curso en la que vamos a hablar de efectos de sonido. Entonces para esta subcategoría de edición mural, sólo vamos a hablar de música. Así que vamos. El primero viene a la música. Quiero que recuerden que el orden correcto establece el tempo correcto para un video. Ahora que dicho esto, la pista de audio correcta es muy difícil de encontrar. Y quiero que lo recuerdes cuando estés editando música. La música debe complementar tu video. Tus videos en complemento música y música deben complementar, complementar tus aspectos visuales del video. Ahora bien, ¿cómo elegir la canción correcta para una edición? Esta es una pregunta muy grande y una discusión muy grande. Y la primera forma de abordar esta pregunta es preguntarse, ¿necesitas que tu canción esté libre de derechos de autor? Si necesitas que tu canción esté libre de derechos de autor, por supuesto, tienes que ir con una biblioteca sin regalías y probablemente vas a tener que gastar algo de dinero para encontrar la canción perfecta que está libre de derechos de autor. Si no te importa que tu video esté infringiendo los derechos de autor alguien quiere usar cualquier canción de YouTube, y está bien. En general, si no sabes qué son los derechos de autor. Si estás usando un video para un comercial o si lo estás, si te van a pagar por tu edición, prácticamente quieres que se reprodujera una canción de la realeza en tu video. Si vas a quedarte con el editor viral que estás usando para ti mismo así no te importa la realeza y el dinero y esas cosas. Está bien usar cualquier canción, obviamente que te gustaría escanearlas, cargarlas que haces, e ir de ahí. Entonces a la hora de abastecer, así que al descargar música para usar en tus ediciones, hay dos formas de hacerlo, la opción gratuita y la de pago. También puedes encontrar música libre de derechos de autor en YouTube, y podemos descargarla desde el convertidor de YouTube a MP3. Simplemente pega el enlace del video que deseas descargar su descarga de conversión, y solo puedes descargar un clip de YouTube. Entonces esta es una autopista para descargar cualquier música que quieras la pista de música de YouTube. Nuevamente, escribe en su navegador de búsqueda, convertidor de YouTube a MP3. Pegas el enlace del video de YouTube que quieres descargar, luego haces clic en convertir a MP3, y luego tienes la muestra de audio de este video. A continuación, arrastre y suelte esta muestra de audio tu software de edición. Y así, solo tienes una música gratis. Música para usar. Luego viene la forma paga de obtener música y la biblioteca de sonido más común en línea, que pagas una suscripción mensual para tener acceso a millones, millones de canciones que son libre de derechos de autor es sonido epidémico. No estoy afiliado a Epidemic Sound de ninguna manera. Solo lo estoy mencionando porque esto es muy útil y es solo la mejor manera de obtener música sin derechos de autor. Entonces, si tiendes a crear comerciales y a monetizar esta afición del cine y la edición, sonido epidémico sería el perfecto, creo que eligió opción para ti. Ahora, al buscar bandas sonoras, hemos hablado de dónde encontrar. Ahora es el momento de hablar sobre cómo usarlos. Cuando fuentes bandas sonoras para usar en tu edición, necesito que prestes atención al tono y al ritmo. Estos son dos parámetros completamente diferentes de tus bandas sonoras que vas a usar. Y son muy, muy importantes para que sepas cuál es el tono y los productores de ritmo. Entonces la lengua podría ser e.g Lafite, ser un tono edificante, o podría ser una cúpula electrónica. Es más o menos el género de la canción, de la banda sonora que estás usando. Cuando se trata del ritmo, es lo rápido que la canción o la lentitud de los objetivos de la canción. Entonces podría ser, por ejemplo un ritmo rápido, un ritmo más lento o una canción de valle simplemente chill. Entonces podemos tener, por ejemplo un tono edificante que es de ritmo más lento, o un Phyton bajo con una base de ritmo rápido o un tono electrónico con un tono de ritmo frío y el ritmo no tiene que correlacionarse. Pero el caso es que el tono y el ritmo deben coincidir totalmente con los aspectos visuales de tu video. Este es el nombre del juego, haciendo coincidir el tono y el ritmo de tu música con los aspectos visuales de tu video. Y esta es una de las cosas más difíciles hacer en el cine. muchos camarógrafos en mi nivel y superiores les cuesta mucho hacer coincidir el tono y el ritmo del clip con los aspectos visuales del video. Pero hay una manera de sortear esto. La mejor, más rápida y fácil manera combinar el tono de una música, de la música con los aspectos visuales de tu video es primero hacer una lluvia de ideas sobre la pista musical. Entonces no la música antes prácticamente empiezas a filmar el video. Entonces necesitas editar el video a la pista de música que elegiste. Y quiero que lo pienses de esa manera. Una vez que tengas tu metraje y hayas buscado un video, no sabes qué música usan, entonces necesitas averiguar el tono que le da vuelta al hígado con tu video y luego tratar encontrar en millones y millones de canciones y no atraer que coincidan con esta cúpula. Esto es bastante muy difícil de hacer. Por otro lado, has creado por ejemplo una Playlist en tu Spotify. Solo la lista de reproducción de Spotify y conoces la canción que quieres usar para una edición, luego puedes comprometer y cambiar la forma en que grabas durante el proceso de producción para automáticamente coinciden con el tono de la canción. Así que prácticamente puedes tocar tu, tocar la canción en tu cabeza y luego elegir disparar de una manera diferente para que coincida con la canción. Esta, en mi opinión, es la forma más rápida y sencilla de hacer coincidir nuevamente el tono de la música el tono y el valor que quieres entregar con tus aspectos visuales de la edición. Y esto es un chapuzón enorme. Quiero que te metas en la cabeza. Editar el video a la pista de música es muy importante. Aumenta drásticamente. La calidad de su buró es muy satisfactoria hacia obviamente para los espectadores porque es simplemente satisfactorio emparejar la canción con el video. Y obviamente esto aumenta el engagement de los televidentes. Así que por favor edita el video a tu canción. Ahora para cerrar con este segundo grado cero de buró de edición, el audio, esos son cuatro consejos que hay que darte. El primero es que no hay una canción perfecta. Que está bien cortar un video para que coincida con la canción, para volver a encontrar la pista de audio antes de comenzar a filmar, y no mezclar canciones juntas. Entonces, sigamos adelante y analicemos cada uno de esos cuatro pasos. El primer paso que tengo que darte es que no hay una canción perfecta para tu video. lo discutimos anteriormente en esta lección, pero una vez que se busca comida, es muy difícil para ti encontrarla. La canción perfecta se llama fatiga de decisión. Y cuando tienes todos esos millones de diferentes opciones de canciones para decidir que coincidan con tu video, simplemente terminas fatigado. Otra vez difícil decisión, cansancio y no sabes cuál usar. Entonces por favor primero, el primer paso es encontrar la canción. Y el paso dos es filmar un video basado en el tono y la vibra que ofrece esta canción. Como comentamos anteriormente, necesito que también edites el tono de la canción para que coincida de nuevo, el visual que deseas que se entregue con tu video. Esto nos va a dar el mejor resultado. No voy a seguir analizando esto. Hablamos de esto en esta lección. Creo que ya lo sabes. Y el último consejo de audio que tengo para ti es no mezclar canciones. Por favor recuerda que eres camarógrafo principiante. No eres DJ mientras intentas mezclar canciones. El hecho de que tengamos esos programas de edición hace que sea muy fácil e interesante para nosotros comenzar también a mezclar música en lugar de solo mezclar videos. La verdad es que en realidad no eres Jay, eres camarógrafo principiante. Y tratar de conocer canciones mezcladas prácticamente, al inicio, al menos producirá resultados incómodos. Los espectadores pueden saber cuándo se mezclan las canciones y que no es una mezcla original. Y además de eso, ya hay muchos remixes rodados y editados de canciones en YouTube. Entonces no entiendo por qué simplemente no puedes descargar un remix de YouTube y necesitas mezclarlo tú mismo. Entonces esto fue lo último que tuve que darte es no mezclar canciones por ti mismo en tu software de edición. Ahora bien, esto es más o menos de 11. Sigamos adelante y recapitulemos todo lo que hemos aprendido. Esta fue una gran lección. Entonces a la hora de recapitular, hablamos de la importancia del B-roll. Hablamos de eso, hablamos del hecho de que B-roll es complementario al arilo. Hablamos de lo que queremos para poder entregar lo que hacen contra complementar la tienda. No queremos que distraiga. Hablamos de cámara lenta, y luego nuevamente subdividimos en dos categorías, los aspectos visuales y los aspectos auditivos. Los aspectos visuales se subdividieron en cámara lenta, efectos de buzón y transiciones. Analizamos cada una de esas subcategorías y algunos consejos clave que quiero que recuerdes. Y luego subdividimos aún más los otros aspectos en música y efectos de sonido. Obviamente, cuando se trata de música, platicamos sobre dónde obtenerla o definirla, cómo darle ritmo a la música y cuánta música con los aspectos visuales de tu video. Ahora, es el momento de pasar a, es el momento de hablar de efectos de sonido. Entonces en la siguiente lección, que va a ser la lección final del segmento de edición de este curso. Vamos a estar discutiendo sobre efectos de sonido. Entonces estoy muy feliz de tenerte aquí. Pasemos a la siguiente lección. 15. Edición - diseño de sonido: Así que hola a todos y bienvenidos a la 13ª lección de este curso. Estoy muy orgullosa de ti por hacer un seguimiento conmigo en este curso y toda la información que estás llamado a digerir a lo largo de todas esas lecciones. Esta va a ser la lección final cuando se trata aspecto de edición de las partituras en las que vamos a estar discutiendo sobre el diseño de sonido. El diseño de sonido es algo que videógrafos principiantes no les importaría en absoluto. Pero esto es de nuevo, lo que separa a los videógrafos principiantes, intermedios y avanzados. Poner el tiempo y el esfuerzo para diseñar un gran sonido para tus videos realmente marcará la diferencia en este campo. Entonces este de aquí mismo es nuestro esquema de conferencia. Vamos a empezar con la introducción. Te vamos a presentar algunos conceptos clave básicos cuando se trata de diseño de sonido. Por qué es importante volver a diseñar el sonido. Por qué tenemos que prestar atención a este aspecto particular de la edición de video. Entonces vamos a movernos de nuevo y subcategorizar el diseño de sonido en dos categorías diferentes, sonido ambiental o ruido ambiental y efectos de sonido. Entonces vamos a discutir qué es el ruido EMI. De dónde lo usas de dónde sacarlo, todas estas cosas elegantes. Y luego otra vez, los efectos de sonido, que son realmente los métodos clave que quiero entregar con esta lección. Obviamente, vamos a cerrar esta lección con un recapitulación porque va a haber mucha información. Entonces estoy muy emocionada. Empecemos con la introducción de esta lección final de este curso. Entonces, ¿por qué usamos efectos de sonido y cuáles son los motivos clave para que un cineasta use efectos de sonido en sus videos? Así que prácticamente los efectos de sonido ayudan mucho con el compromiso de la audiencia. Y como discutimos en videografía, es muy importante para nosotros mantener al público, al público comprometido. También, además de eso, los efectos de sonido, realmente aumentaron el valor de producción de nuestro traje con una cantidad muy baja de esfuerzos. Entonces esto, el retorno de la inversión cuando estamos invirtiendo tiempo para poner efectos de sonido en nuestros videos es simplemente enorme. Además de eso, los efectos de sonido también involucran emocionalmente a los espectadores. Y realmente queremos que nuestros usuarios tengan emociones mientras ven películas. Y impulsa el ánimo para una edición. Y podemos impulsar el estado de ánimo en la dirección que queramos. Podemos hacerlo más atractivo, más feliz, más triste. Y esto nuevamente, se puede lograr a través de efectos de sonido. Y esto es lo que vamos a estar analizando en esta lección. Pero comencemos con dar un paso atrás. ¿Qué es realmente un efecto de sonido? Y los efectos de sonido podrían ser prácticamente cualquier cosa. Un globo estallando, algunos sonidos de CD, una apertura de puerta, un timbre, un perro ladrando, por ejemplo, casi cualquier cosa que produzca sonido y que también se pueda combinar con el elemento visual de un video es un efecto de sonido. Ahora, ¿dónde encontramos los efectos de sonido? Vas a producir un efecto de sonido o fuentes de efecto de sonido. Y vamos a estar discutiendo de nuevo sobre cómo producir uno y cómo obtener uno. Entonces esto es cuando se trata de efectos de sonido. Ahora, quiero que observen la nota de que el diseño de sonido se subdivide nuevamente en efectos de sonido, que ya hemos hablado brevemente. Lo que hay en los hechos son y ruido blanco. Y ruido blanco en mi opinión, algo que la mayoría de los principiantes no saben lo que es. Es muy importante que entiendas qué es el ruido blanco y cómo utilizar el ruido blanco. Y vamos a estar discutiendo esto de nuevo en esta lección. Así que más o menos esta fue la introducción. Pasemos al ruido ambiental o blanco, que va a ser nuestra primera subcategoría de esta lección. Entonces comencemos analizando lo que, nuevamente, ruido blanco o el ruido ambiental es ahora un ruido medio es un sonido de fondo específico que brinda información sobre la ubicación y nuevamente, establece el tono de cada escena. Esto podría haber sonado un poco difícil de comprender, pero es muy fácil. Es solo el sonido de fondo que encuentras en diferentes ubicaciones de diferentes trajes, por ejemplo, puedes imaginar cuál sería el ruido ambiental de este traje aquí mismo. Sería una calle muy transitada con peatones, tiendas, autos, Hong, todas esas cosas. Este es el sonido de fondo o el ruido ambiental o el ruido blanco, como lo llamamos en el cine. Ahora, dependiendo del video, siempre se puede agregar ruido blanco, ruido ambiental de Oregon. Estos son sinónimos para jugar. En la parte de atrás. Hay diferentes namenodes, por ejemplo en entrevistas, diferentes ruidos ambientales en ediciones de CD, en ediciones de naturaleza, por supuesto, se pueden agregar sonidos de pájaros, sonidos de cascadas, sonidos de tres movidos por el viento. Los restaurantes obviamente tienen un ruido EMI diferente y el centro comercial obviamente. Entonces todas esas ubicaciones diferentes tienen diferente ruido ambiental, diferente sonido ambiental que puedes agregar, que, como discutiremos en las próximas diapositivas de esta lección, vamos a usar como una línea de base para construir nuestros efectos de sonido. Por lo que es muy importante que recuerdes agregar ruido EMI en todas y cada una de las ediciones que agregaste. Ahora volvemos a utilizar ruido ambiental y me refiero al sonido como línea de base, como dijimos antes, y le agregamos efectos de sonido encima. Es por ello que de nuevo, nunca se debe tener ningún sonido mientras se reproduce un video. Entonces esto debería estar justo aquí, la correcta construcción de tu diseño de sonido. La línea de base obviamente debería ser la pista de música. Si estás usando pista de música. Nuevamente, si usas correctamente, amino es a veces nunca puedes fregar música y solo usar ruido EMI y efectos de sonido. Pero la línea de base debería ser la música obviamente. Luego encima de ese ruido ambiental de la ubicación que estás filmando. Y además del ruido EMI como un plus, usamos los efectos de sonido, que vamos a discutir, cómo construimos, cómo ordena y cómo los construimos. Entonces, ¿cómo encontramos el ruido ME? Estas son dos rutas para encontrar cualquier cosa in-source cuando se trata de música de audio, ruido EMI, efectos de sonido, vas a grabarlos o a obtenerlos. Ahora, para grabar el ruido EMI, es un poco importante. No es tan fácil. Solo necesitas, más o menos necesitas grabar los aminosalicilatos mientras disparas en este lugar. O simplemente puede volver a visitar un lugar por ejemplo en el que buscó una película y volver a grabar los ammonoides, por ejemplo , tenía un traje en un puente en un paisaje urbano y no grabó el ruido EMI porque nuevamente, había gente hablando y perturbando el audio. Entonces puedes ir otro día ahí mismo y simplemente grabar el ruido EMI de las pantallas. Entonces esta es una forma de grabar de nuevo el ruido EMI, pero no se recomienda. Si vas con esa sequía y realmente quieres grabarlos en ruido porque podría ser interesante para ti viajar diferentes lugares y recolectar todos los diferentes ruidos. Hay que tener mucho cuidado al ordenar los archivos de audio. Al igual que en un archivo de video, es muy fácil para ti simplemente ahogarte en olas y olas de diferentes archivos de audio. Así que por favor recuerde la fórmula clave de ordenar archivos. Esta es la mejor manera de ordenar tus archivos. Comenzamos con el año, con una carpeta grande del año, luego alguna ubicación de carpeta, día de subcarpeta, subcarpeta, cámara, subcarpeta con archivo que describe lo que se ve u escucha dentro del archivo. Entonces, si estuvieras disparando por ejemplo en calles de la ciudad de Nueva York, dirías 2022. La primera carpeta luego subcarpeta Ciudad de Nueva York día uno, este micrófono, si viste el ruido EMI y luego de qué se trata el ruido EMI. Esta es la manera perfecta de ordenar tus archivos de audio. Obviamente, si no quieres grabarlos y sabes y no quieres pasar por todo este estrés y molestia para hacerlo, puedes generar ruido EMI y esto es mucho más fácil, más recomendable, y suelen tener mejores resultados debido a que de nuevo, Internet es un lugar en línea en el que puedes obtener prácticamente cualquier cosa que quieras. Y esto también se aplica al ruido ambiental. La forma más fácil de obtener, házmelo saber esto es a YouTube. Simplemente escribe lo que quieras. Y luego, ruido EMI, por ejemplo, lugar de pizza, ruido semi o ruido EMI del paisaje urbano o ruido EMI del bosque. Encontrarás esos clips. Después acabamos de colocar el pegar el enlace nuevamente a un YouTube ellos antes o a un conversor MP3. Los descargamos y los arrastramos y soltamos a nuestra línea de tiempo. Esta es la mejor, la forma más fácil y rápida y la forma más recomendada de obtener ruido ambiental, nuevamente, para descargarlos directamente de YouTube. Otro punto que quiero hacer aquí es que no obtendrás derechos de autor por usar MNOs y YouTube. Haz con el hecho de que en tu secuencia, hay muchos factores y aspectos diferentes que vuelven a reproducirse cuando se trata de audio. Entonces probablemente vas a tener la música y luego probablemente vas a tener un ruido ambiental y luego algunos efectos de sonido además de eso. Así que es muy difícil para ahora mismo un algoritmo y un software localizar realmente cuando estás jugando un ruido EMI y te dio un copyright, strike. Ahora recuerda que normalmente no obtienes una marca compartida por usar ruido EBIT. De esta manera podemos robarlo de YouTube. Otra forma, claro, los MNO de origen, si quieres pasar por el camino de la realeza, obviamente puedes si lo estás usando para grandes comerciales y esas cosas, puedes ir con Epidemic Sound, tienen una enorme colección de m it ruidos y es bastante más fácil, también definido en un poco de ruido de su pro tip. También puedes descargar sonidos ambientales gratuitos de Epidemic Sound y solo usarlos en el video. No van a cooperar strike debido al hecho de nuevo, que es muy difícil para un algoritmo saber cuándo estás usando ruido ambiental. Por lo que Epidemic Sound nuevamente es la biblioteca de sonido más grande. Se paga por ello, pero merece la pena totalmente. Esto era todo lo que tenía para enseñarte. Cuando se trata de ruido ambiental. Hubo una introducción básicamente nombrando ruido y sonido ambiental, dónde volver a usarlo, fue a cuándo usarlo, cómo encontrarlo, dónde obtenerlo. Nuevamente, una amplia introducción a lo que es este concepto. Ahora pasemos a lo real, que son los efectos de sonido. Ahora bien, cuándo agregar un efecto de sonido, esto de aquí mismo es una gran pregunta y la respuesta es, cada vez que localizas un aspecto visual que tenga un sonido distinto. Como regla general, realmente no deberías agregar efectos de sonido en cosas que no ves en el video si eso tiene sentido. Si tu video tiene algo que se puede ver y notas que produce cierta canción, entonces claro, sigue adelante y carga y agrega un efecto de sonido. Como decíamos, los efectos de sonido podrían ser cualquier cosa, desde un globo haciendo estallar hasta que un automóvil pase a sonar un timbre hasta que un perro vuelva a ladrar, encendiéndose el motor de un automóvil. Entonces todo podría ser un efecto de sonido siempre y cuando lo puedas ver en tu video, se te permite usarlo. Cuando se trata de obtener efectos de sonido, eso es más o menos lo mismo con el ruido de Amy. Puedes descargarlos directamente a través de YouTube o puedes pagar para descargarlos desde un sitio web. Nuevamente, los efectos de sonido pueden tener derechos de autor y no se obtendrán de un algoritmo para tener una huelga de derechos de autor. Entonces está bien. Cualquiera de esas opciones que obtienes, está bien. No volverás a tener derechos de autor. Las mismas reglas se aplican igual que en el sonido ambiental. Otra forma de obtener efectos de sonido es grabar tus propios efectos de sonido. Ahora sepa que esto es probablemente un poco descabellado para un curso de videografía de teléfonos inteligentes, pero esto es confiar que consume mucho tiempo para grabar sus propios efectos de sonido. Lo he hecho, pero es más o menos tan bueno como se pone. Como pueden ver, este tipo tiene su propio lugar. Se difunde desde el sonido. Así que los difusores de sonido igual que los tengo en la parte de atrás, y luego solo puedes crear sus propios efectos de sonido. Esto es muy genial si obviamente y muy genial. Pero créeme, te va a llevar mucho tiempo y probablemente los resultados que vas a obtener no sean tan buenos como los que puedes descargar de la web. Pero es genial tratar de tener tu teléfono en alguna parte y grabarte produciendo un efecto de sonido solo por diversión. Creo que es muy genial. Ahora pasemos a algunos consejos cuando se trata de efectos de sonido. El primer día que tuve que darte es para, no para hacerlos tan ruidosos. Después para agregar efectos de sonido y transiciones, vamos a discutir lo que pierden en los factores. Y por último, no exagerar con los efectos de sonido. Estos son tres consejos muy importantes que tengo que darte. El primero, que es no hacer que los efectos de sonido sean demasiado fuertes. Como decíamos, cualquier cosa que distraiga al público y a los espectadores de la historia debería ser solo para ser conmovido. Va a ser muy incómodo para el espectador. Muy amateur y principiante buscando agregar efectos de sonido muy fuertes. No quieres distraer a los espectadores de la historia, solo que ni siquiera quieres que se den cuenta de que agregas un efecto de sonido. Inconscientemente sabrán que algo es genial y algo elevado el valor de producción. Pero no quieres que los espectadores digan, oye, ese fue un buen sonido perfecto. Sólo quiero que inconscientemente sepan que fue un efecto de sonido genial, si sabes a lo que me refiero ahora. Segundo consejo que tengo que darte es que agregues efecto de sonido suelto cuando estés usando una transición. Un aspecto genial, un aspecto visual que se puede combinar en gran medida con los tres aspectos, especialmente los efectos de sonido, son las transiciones. Solo el hecho de que cuando se aplican las transiciones, generalmente los clips se desperdician y se califica la transición escolar. Y siempre que uses una transición, también puedes descargar y aplicar un efecto de sonido whoosh a tu video. Esto hará que las transiciones solo cobren vida. Simplemente creará otra capa en esta transición y los hará más atractivos y más geniales. Lo único que quiero señalar, si quieres saber, es que no deberías de nuevo, hacerlos demasiado ruidosos. Es muy fácil para los principiantes simplemente aumentar el volumen del efecto de sonido del aire al usar transiciones. Solo hazlo de nuevo, deja saber a los espectadores que pasan tiempo y crearon este efecto de sonido para esta transición. Entonces, por favor, no hagas eso. Descarga cuyos efectos de sonido de YouTube y agrégalos cada vez que agregues un giro genial, por ejemplo transición a tu editor, esto elevará enormemente el valor de la producción. Ahora lo último que tengo que darte es no exagerar. Y este es un consejo general a lo largo de todas las partituras, en todas las cosas que aprendiste lo largo de todas esas lecciones. Por favor, no exagere. Menos es más. Y realmente los espectadores atenderán, dirán cuando te excedas. Por favor, no haga que los efectos de sonido sean demasiado altos. Manténgalos de bajo perfil. No agregues demasiados efectos de sonido. Y lo mismo se aplica con los aspectos visuales de la edición. No agregues demasiados hechos, no agregues demasiadas transiciones. Manténgalos bajos. Por supuesto, aplicarlos. Usa tus habilidades, muestra tus habilidades, muestra las partes que tienes mientras editas un video, pero por favor no exageres. Ahora pasemos a la recapitulación. Recapitulemos todo lo que hemos aprendido en esta lección aquí mismo que discutimos al principio sobre el diseño de sonido, la importancia del sonido y cómo el sonido separa principiante por intermedio y camarógrafos más avanzados. Cómo el diseño de sonido con un presupuesto muy bajo que algunos movimientos muy simples de arrastrar y soltar puede elevar su valor de producción en otro nivel. Y luego subdividimos aún más el diseño de sonido en, nuevamente, sonido ambiental y efectos de sonido. Discutimos qué es el sonido ambiental, dónde lo fuente , dónde encontrarlo, cuándo usarlo y cómo puedes crear tu propia imagen y sonido. Y lo mismo hicimos con los efectos de sonido. Discutimos dónde agregar un efecto de sonido, cómo encontrar el efecto de sonido, las opciones gratuitas y de pago. Entonces concluimos esta lección con algunos consejos cuando se trata de nuevo a efectos de sonido y Amy y sonido. Así que esto prácticamente concluye la tercera entrega de la parte de edición de este curso, que fue más o menos cómo diseñar sonido y una introducción general al diseño de sonido, que necesitas tener en la parte de atrás de tu cabeza mientras editas video.