Cinematografía a distancia: planificar, producir, editar y entregar atractivas películas a distancia

1. Introducción - qué esperar: Bienvenido a la Lección 1 de cine a distancia. Mi nombre es Thor Schroeder. Soy cuentacuentos ubicado en el Noroeste del Pacífico. Personalmente he estado contando historias la mayor parte de mi vida, pero en los últimos siete años he estado contando principalmente con el cine. Recientemente, empecé a incursionar en torno a la idea de contar historias de forma remota, específicamente hacer películas de forma remota. A partir de hace poco, en realidad hice una serie documental de cuatro partes llamada A Gray Area of Remote Work, que es una serie sobre trabajo remoto filmado de forma totalmente remota. Después de hacerlo, decidí que me gustaría compartir mis aprendizajes con un público más amplio y compartir con todos ustedes. Este curso te enseñará cómo crear una película remota desde el concepto hasta la finalización. Es importante aprender estas habilidades ahora ya que el mundo se está volviendo más remoto rápido. El clave para contar una buena historia remota no lo ve como una limitación, sino más bien como una restricción creativa. Espero que este curso te capacite para aplicar este medio de nuevas formas. Específicamente, pensando en crear películas, podcast, tal vez incluso videos para marcas y empresas también. [ MÚSICA] Este curso es para todos, no importa tu nivel de habilidad. Te estaremos enseñando el proceso de principio a fin a la hora de editar, filmar, incluso planear el proyecto real en sí. Todo lo que necesitarás para este curso es una computadora y alguna solución de edición de video. Eso podría ser algo así como Adobe Premiere Pro, iMovie, Final Cut Pro, incluso DaVinci Resolve. Muchas de estas opciones son gratuitas o tienen pruebas gratuitas. Durante este curso, estaremos pasando un proyecto de clase. En esta clase de proyectos, producirás tu propia película remota de principio a fin. Esto podría ser cualquier cosa que quieras, en cualquier estilo, sobre cualquier tema. Si no tienes la capacidad de rodar la película o llegar a un tema, también te proporcionaré algunas tomas de muestra también con las que trabajar. En la siguiente lección, entraremos más en profundidad sobre el proyecto de clase. 2. Proyecto de clase - hacer tu propia película remota: Bienvenido a la Lección 2 de cine a distancia. En la última lección, repasamos de qué trata esta clase. En esta lección, vamos a repasar cuál será su proyecto de clase. Como hablé brevemente en nuestra lección anterior, todo este curso se tratará de crear una película remota, por lo que solo es correcto que el proyecto de clase sea justo eso, creando tu propia película remota. Con el mundo cada vez más remoto, ya sea directamente a través del trabajo a distancia o simplemente distribuido en general, es una gran habilidad saber contar una historia de forma remota. Tu tema puede ser cualquier cosa que te guste. Podría ser simple o complejo. Si no estás seguro de por dónde empezar o realmente tienes un tema de frente, estaremos creando un documental o película al estilo de entrevista. Si está fuera de tu capacidad para filmar este proyecto tú mismo, también te proporcionarán imágenes de mi parte que podrás usar para construir tu propia historia. El tema del metraje que te estaré brindando es una entrevista directamente conmigo sobre el tema de mi serie documental remota llamada The Gray Area of Remote Work. Si eliges usar mi metraje, estarás creando un documental o entrevista basado en la idea del trabajo a distancia, y estarás creando esto de forma totalmente remota. Te estaré guiando por todos los aspectos de la producción, a la hora de planear, preproducción, producción, postproducción, e incluso exportar y compartir la película. En cualquier momento, si necesitas retroalimentación o tienes preguntas sobre el proyecto, siempre puedes ponerte en contacto conmigo en la galería de proyectos. Te proporcionaré un espacio de trabajo con todos los materiales para esta clase. Todos los materiales podrán ser duplicados así como editables. En la siguiente lección, vamos a repasar qué es el cine remoto y por qué es más relevante que nunca. 3. ¿Qué es la cinematografía remota y por qué ahora?: Bienvenido a la lección 3 de cine a distancia. En la última lección, repasamos tu proyecto de clase con todo detalle. En esta lección, vamos a estar repasando qué es el cine remoto y por qué es importante ahora. El cine a distancia es simplemente usar el cine para contar una historia mientras estás lejos de tus participantes de talento o del resto de tu equipo. Se pueden producir muchas cosas a distancia, no sólo el cine tradicional. Casos de uso común, reproducción de podcasts, videos promocionales, y videos para redes sociales. Producir una película de forma remota no es una limitación de la artesanía, sino más bien una nueva expresión de la misma. La gente trabaja de forma remota y vive distribuida ahora más que nunca. Esto se debe parcialmente a eventos recientes, pero también es porque la tecnología nos está permitiendo vivir distribuidos, y mantenernos conectados digitalmente. El reto de hacer una película tradicional es que se necesita tener todo en un solo lugar. Tu equipo de producción de talento y otros componentes físicos necesitan estar todos juntos. Esto limita a su capacidad y a su presupuesto potencial. El cine a distancia es un nuevo medio que puede cerrar brechas tanto geográficamente como financieramente para los cineastas. Esto puede permitir una reserva de creadores y talentos más diversa , todo al tiempo que reduce nuestro impacto en el medio ambiente debido a menos viajes y desperdicios. Al crear películas de forma remota, tu grupo de talentos se abre dramáticamente y tu presupuesto puede ser mucho más pequeño, pero necesitas saber cómo trabajar con estas limitaciones creativas. Para tener una mejor comprensión de cómo es realmente una película remota, estaré incluyendo enlaces a mi serie documental remota. Siéntase libre de ver uno o los cuatro episodios para obtener una mejor comprensión visual. En la siguiente lección, aprenderás a planear tu narrativa. 4. Planificar tu narración: Bienvenido a la Lección 4 de fabricación remota de películas. En la última lección aprendiste qué es hacer cine a distancia y por qué es más relevante ahora que nunca. En esta lección, estaremos planeando tu narrativa para tu película. Habría notado que he vinculado un espacio de trabajo de noción a cada lección de esta clase. Aquí es donde encontrarás todos los recursos para la clase. Para esta lección, me referiré al esquema de la historia que se puede encontrar en la sección de materiales del espacio de trabajo de noción. El primer paso para planear tu narrativa es declarar una idea. Sólo debe haber una línea sobre tu historia. A continuación, se te ocurrirá un resumen de tu película. Debe haber algunas líneas que entren en la historia más amplia y amplia. En tercer lugar, definirás quién es el público objetivo para tu película. Por último, desglosarás cada escena. posible que lo necesites repartido en múltiples escenas dependiendo de la duración de tu película. Cada desglose debe ser lo más detallado posible, pasando por encima de su narrativa real, cámara de iluminación, etc. Todas estas indicaciones se pueden encontrar en el contorno de la historia, en los materiales, y en la noción de espacio de trabajo. También he incluido algunos de mis propios ejemplos relacionados con estas indicaciones. Esta porción podría tardar un tiempo en destilar tu idea. Tómate tu tiempo, no te apresures y sé lo más conciso posible. Cuanto más planeación tengas en esta etapa hará que el resto de tu producción sea mucho más suave. En la siguiente lección, trabajaremos en la planeación de la producción. 5. Producción - planificación: Bienvenido a la lección 5 de cine a distancia. En la última lección planeaste tu narrativa usando un esquema. En esta lección estaremos repasando toda la planeación para su producción. Ahora que tu esquema y narrativa está completa, puedes empezar a seleccionar talento además de decidir sobre cualquier filmación que se necesite. Aprovecha tus conexiones aquí si es posible. Dado que este proceso puede llevar un poco tiempo, he incluido un par de recursos en los materiales de su clase, como un rastreador de contexto así como un planificador de proyectos. Combinar los dos de estos hace que sea mucho más fácil realizar un seguimiento de todas las partes móviles de su proyecto. Al hablar con tu talento, proponles que proporcionen la mayor cantidad de metraje posible. Esto podría significar que se filmen para la entrevista real o cualquier cosa similar a eso, así como cualquier tipo de B-roll posible de ellos haciendo lo que sea necesario para tu película. Considera también colaborar con otros cineastas que podrían estar dispuestos a proporcionarte algunas de sus propias imágenes personales para tu película. Esto podría significar que van a tu talento y en realidad filmarlos, o simplemente proporcionarte material existente que ya tienen. Una vez que hayas encerrado en tu talento, asegúrate de brindarles una visión de cómo va a ser tu película. Si hay preguntas relacionadas con tu película como preguntas de estilo documental, intenta proporcionarles la mayor parte de eso con anticipación para que el proceso sea más suave. Una vez que todo esto esté completo podrás empezar a buscar tomas suplementarias para ayudar a tu película. Quizás puedas rentar un espacio que se ajuste a la escena de tu narrativa. Personalmente, hice esto en Portland, Oregon. Usé un servicio llamado espacio puro, que es esencialmente Airbnb para espacios, y pude utilizar ese espacio en poco tiempo y sacar un montón de metraje de él. Si estás en un presupuesto estricto He incluido una plantilla de presupuesto en los materiales de la clase, te ayudarán a seguir la pista y mantenerte dentro del presupuesto. Si no tienes la capacidad de pagar a tu talento por A-roll o B-roll, considera proposicionarlos para la promoción cruzada en cosas como las redes sociales cambio de sus imágenes. Si eso aún está fuera de presupuesto, considera usar imágenes de stock. Yo personalmente uso Storyblocks. Hay otros servicios por ahí como Adobe Stock, así como algunas otras opciones gratuitas y de pago. Tuve un gran éxito con esto en mi serie documental. Pude sacar un metraje diferente que fue capaz sumar a mi narrativa sin sumarme realmente a mi presupuesto. Me permitió dar vida a mi visión. La membresía de un mes es más barata que alquilar un espacio. Al adquirir metraje de talento u otros cineastas, definitivamente recomiendo enviarles un formulario de liberación para que ese metraje se les libere legalmente. También he incluido una plantilla para esto en los materiales del curso. Por último, antes de pasar a la siguiente lección, asegúrese de consultar la guía de producción y los materiales de clase. Aquí es donde encontrarás todas las indicaciones para las preguntas que estaré brindando a tu talento. La siguiente lección estará en proceso de producción. 6. Producción - producción de producción: Bienvenido a la Lección 6 de cine a distancia. En la última lección, planeamos la producción. En esta lección, estaremos sometiendo a producción misma. La producción podría ser muy diferente dependiendo de la película que intentes crear. El rodaje se puede hacer tanto en persona como en forma remota. Como se mencionó en lecciones anteriores, incluso podrías estar contratando un cineasta local a tu talento también. No obstante decides producir tu película está perfectamente bien, pero mantenerse conciso con el tema de esta clase estará pasando por una producción 100 por ciento a distancia. He proporcionado un nuevo recurso llamado la guía de producción que se encuentra en los materiales de su clase. Esto consiste en propinas y listas de comprobación para la producción. Estaremos usando esto como referencia para esta lección. Ahora por esta porción, las cosas se vuelven un poco diferentes. En realidad vamos a estar mostrándote detrás de las escenas de cómo se crea esto y cómo también puedes crear tu propio set cinematográfico. Lo que estás viendo aquí es el set que creé para el metraje de muestra que te proporcioné. Por todos los medios, no tienes que ir a este extremo. Simplemente pasaba que tenía el equipo para mostrarte todas las diferentes opciones y posibilidades. En mi situación aquí, tengo un par de opciones diferentes configuradas como ejemplos para ustedes. Estoy grabando en una DSLR derecho, también estoy grabando en una DSLR conectada a una grabación de computadora a través de una herramienta llamada Zencastr. Nos meteremos en eso en un momento. El punto que trato de mostrar aquí es que hay múltiples formas de grabar una entrevista remota, dependiendo de las herramientas que tenga tu talento a sus recursos y a su alcance. Como una solución muy simple, mi izquierda aquí estoy grabando en una DSLR, sí, pero estoy grabando directamente en una herramienta llamada Zencastr. Zencastr es una plataforma en línea que en realidad graba tu metraje localmente en tu computadora primero y luego después grabarlo en tu computadora y luego lo envió a una nube. Ese es un paso muy importante, y la razón por la que esto es tan importante es porque no tienes que preocuparte por cosas como buffering, cortes de Internet, etc. Esto es similar a grabar directamente en una tarjeta de memoria de una cámara, pero proporciona menos fricción para el talento. Adicionalmente, pueden conectar cualquier cámara que quieran a su computadora. Esto puede ser una DSLR, como tengo aquí, que es una Sony a6300. También puedes grabar directamente en la webcam de la laptop y webcam externa como una Logitech o algo así o incluso usar tu teléfono dependiendo una herramienta que te gustaría usar aquí también. Utilizo uno llamado Elgato EpocCam, gran solución. Hay opciones gratuitas y de pago. Ahora directo por delante de mí, sí tengo una configuración de DSLR. Esta es la cámara Sony más cara, pero eso no importa. Esto puede ser un punto y disparar, y esto puede ser un teléfono. Esto podría ser cualquier cosa que elijas. Por separado, también estoy grabando en una fuente de audio separada. El motivo por el que eso es porque está grabando en mi micrófono lavalier, que está más cerca de mí. Entonces cuando me muevo o así sucesivamente, siempre es captar el mismo audio. Ahora hay otras opciones para esto. Puedes grabar directamente en la cámara, puedes grabar directamente en tu computadora. De preferencia, puedes grabar directamente en los auriculares también si eso les resulta más fácil. Tengo AirPods aquí, te mostraré la diferencia en un momento. Entonces si realmente tienes la opción, también puedes grabar directamente en un micrófono de escopeta. El metraje que se incluye con la clase se graba directamente en un micrófono de escopeta. Ahora como ejemplo aquí, este es el audio que está grabando directamente desde mi MacBook Pro. Está un poco más lejos de ti, pero tus micrófonos hacen un trabajo bastante bueno. Hay mucho ruido de habitación, que no hay aquí. Definitivamente lo escucharías, y si hay mucho eco, que hay, deberías escuchar eso también. Ahora donde esto sí cambia, pasemos ahora a los auriculares. Ahora debes ver que hay una diferencia de audio notable a la hora de usar auriculares. El audio va a estar más cerca, debe ser claro, debe estar un poco más lleno, y debe haber menos ruido de fondo y problemas de audio externos. Esta es una gran opción si el talento no tiene ningún micrófono externo, solo un micrófono boom, un micrófono lavalier, etc. Utilizando auriculares inalámbricos como estos AirPods o incluso los auriculares con cable son una gran opción. Algo que siempre hay que tener en cuenta es si están usando unos auriculares con cable para asegurarse de que no se frote demasiado en la ropa o en el pelo o algo así que pueda causar alguna interferencia que es muy duro o casi imposible de sacar en post-edición. Ahora aparte del video, hay muchas otras cosas que entran en configurar una buena configuración para tu grabación de video. Algo clave es utilizar algo llamado luz clave. Ahora, la luz clave puede ser un montón de cosas diferentes. Pero específicamente, recomendaría que sea una fuente de luz constante y constante. Cuanto más cerca puedas llegar a una temperatura de luz diurna, mejor, pero no específica aquí. También se puede cambiar la temperatura de la luz después en la edición. Siempre y cuando sea un color estándar estable, eso es genial. Usar algo como la luz del día se ve bien, pero cambia a lo largo de tu conversación, largo de tu entrevista o cualquier escena que puedas estar intentando producir. Esto puede cambiar regularmente. Usar algo que se quede encendido y se dirija hacia el talento siempre es lo mejor. En este caso aquí de una cámara directamente delante de mí y fuera a un lado, esta es la luz más cercana y más fuerte para mí. Esta se considera mi luz clave o mi luz primaria, y el beneficio de esto es que esta va a ser la fuente de luz más fuerte para mí y siempre viene del mismo lugar. No tienes que preocuparte por que se mueva. Adicionalmente, tener una luz que esté más lejos a un brillo menor, que es mi luz secundaria. Esto ofrece un poco más de relleno en mi cara, pero tiene la luz primaria viniendo de mi lado izquierdo aquí derecho para ti. Por último, una luz que en realidad no tengo encendida en este momento es una retroiluminación. En este caso, específicamente, estoy usando una pequeña luz Aputure. Lo que esto hace es que esto ofrece un poco de luz adicional al fondo que en realidad me separará del fondo. Si ven aquí ahora, me alejo un poco más del fondo. Te puedo mostrar un antes y un después. Es sutil, pero hace una buena diferencia, especialmente en post cuando decides colorear o hacer cualquier corrección de color a tu video. El beneficio de esto es que te va a dar un poco más de separación del fondo y hacer que solo parezca un poco más profesional. Si por alguna razón, si puedes tener tu fuente de retroiluminación ser una temperatura de color diferente tu fuente primaria, eso te hará destacar un poco más. En este caso, la pequeña luz detrás de mí, tengo un gel azul encendido, que es diferente a la luz más cálida que está saliendo de estas luces aquí por lo que podré sobresalir del fondo sólo eso mucho más. Una vez que hayas confirmado tu cámara primaria o potencialmente una cámara secundaria, tus fuentes de iluminación y audio con tu talento, asegúrate de hacerles saber para reponer cualquier cosa según sea necesario. Si eso significa mover una silla, mover cosas de fondo, limpiar cosas, etc, esta es tu película, tu historia, y asegúrate de dirigirlas tanto como sea posible. hecho de que no estés físicamente ahí no significa que no debas dirigirlos y cómo se ve el set. El siguiente es dirigir al talento para saber cómo la cadencia de esa entrevista ve la cadencia de esa entrevista o de esa historia. Si es un estilo documental como este donde estoy hablando directamente con la cámara y potencialmente me hacen preguntas porque importante para ellos saber si van a estar hablando al mismo tiempo que el entrevistado y el entrevistador al mismo tiempo. ¿ Eso significa que ambas partes hablan al mismo tiempo porque el entrevistador va a estar también en video o esto va a ser sólo el entrevistado, talento, o participante hablando? Al hacerlo, podrán saber cuándo deben comenzar y dejar hablar para que tu proceso de edición sea mucho más fácil en post. Antes de que realmente golpees récord tu lado o de su lado, asegúrate de que entiendan todas las variables en juego aquí. Asegúrate de que entiendan cómo están grabando su metraje si eso está directamente en su computadora, en una herramienta como Zencastr, en su cámara, en su smartphone. Hay algunas variables a las que dar cuenta. Específicamente cuando se trata de una DSLR, asegúrate de que no haya tiempo de grabación, y si hay tiempo de grabación, pon un temporizador en tu extremo para asegurarte de que lo cuentas. Si esa cámara tiene un tiempo de grabación de 30 minutos como este lo hace aquí, pon un temporizador de 25 minutos en tu extremo solo para alertarles cuando el temporizador se acerca para que toquen stop y reinicien. Adicionalmente, si están usando un teléfono inteligente como su fuente principal de cámara, eso es genial. Se ve bien, pero ahí también hay algunas limitaciones. Si estás usando un iPhone como ejemplo, si recibes una llamada mientras grabas un video, tu video real dejará grabar y eso podría ser un problema en tu extremo. Asegúrate de que tu talento tenga su teléfono específicamente en modo avión, pero si no, al menos no moleste. Por alguna razón, si parece que están recibiendo una llamada o algo así durante tu video, asegúrate de que vuelvas a comprobar con ellos que aún están grabando. Adicionalmente, solo pregúntales a lo largo de la película como grabación para asegurarse de que todo siga funcionando como se esperaba. Cuando se trata de la parte de entrevista real del documental, asegúrate de que ambas partes entiendan el proceso. En tu parte, asegúrate de tener listas todas tus preguntas y avisos. Ten tantas como puedas solo para que puedas tener algunas cosas para romper la conversación y relajarte según sea necesario si tu talento se está abrumando o sus palabras están empezando a agitar, y asegúrate de que el talento sepa de antemano lo que se espera de ellos. Si eso significa proporcionarles preguntas o simplemente una narrativa general, o bien funciona siempre y cuando funcione para su historia. Una vez que la entrevista en sí haya terminado, asegúrate de tener una manera de obtener el metraje y el audio directamente a ti. Esto podría significar ir directamente a través de Welder o a través de Zencastr o cualquier herramienta que estés usando y asegúrate de que el video esté detenido y termine de subirse en su extremo. Adicionalmente, si están grabando en su DSLR, en su grabadora de audio, su iPhone o smartphone, asegúrate de que tengan una manera de llegar eso a ti. Si eso significa que tienes que entregarles una carpeta de Google Drive o una carpeta de Dropbox para que se la entreguen, está bien. Algunas de estas imágenes podrían ser muy grandes y podrían no tener el almacenamiento para contabilizarlo. Tan solo asegúrate de contabilizarlo de tu parte y que tengas ese metraje en tu poder lo antes posible. Antes de que realmente te bajes de la llamada con ellos, asegúrate de que tu lista de tomas esté completa. Tienes todas las preguntas que querías contestadas completas, tienes cualquier toma alrededor su espacio o así sucesivamente completada también. Este es el momento perfecto para volver a filmar cualquier cosa si es necesario. No sería ideal hacerlo en un momento separado porque la situación de su entorno podría cambiar. Es posible que no tengan el mismo espacio disponible para ellos, o la misma ropa disponible para ellos, etc. Ahora la producción está completa, y la siguiente lección estará pasando por encima de la preparación de activos para su edición. 7. Posproducción en postproducción - preparación de recursos: Bienvenido a la lección 7 de cine a distancia. En la última lección, repasamos toda la producción. En esta lección, estaremos preparando sus activos como material de archivo, audio e imágenes. En la noción de espacio de trabajo proporcionada, notarás que tengo una carpeta de Google Drive que tiene todos los activos para este proyecto, así como la estructura de carpetas recomendada. Descarga esta carpeta en su totalidad para obtener todos los activos así como todas las carpetas. Una vez que tengas descargada esta carpeta en tu computadora, solo nota cómo está estructurada. En primer lugar, está etiquetado Activos de proyecto de clase. Siéntase libre de cambiar el nombre de esta carpeta como se llame a su proyecto. Dentro de la carpeta raíz, notarás que hay una sección de activos. Aquí es donde vas a tener algunas cosas clave para el curso. Específicamente, hay algunos activos que te estoy brindando así como un lote de exportación al que entraremos en una lección posterior. En audio, tengo algo de música de muestra para ti. Todo esto es gratuito de ncs.io e incluyendo todos los archivos de crédito musical también. En la sección de exportación, este es un ejemplo de una pieza de una película que grabé para ti basado en el ejemplo de la última lección. En la sección de pies, esto es todo metraje proporcionado de mí a ti,por todo metraje proporcionado de mí a ti, si acaso no puedes conseguir tu propio metraje para tu propia película. El apartado de imagen es la sección de marcador para poner cualquier imagen que tenga relacionada con el proyecto. la sección de proyecto es donde realmente pondrás tu archivo de proyecto, si ese es un archivo de proyecto Premiere o un archivo de proyecto Final Cut o cualquier otra cosa similar. Entonces, dentro de esto, también hay una sección para proxies, que estaremos repasando momentáneamente. Algo a tener en cuenta en la parte inferior de mi pantalla, te darás cuenta cada vez que presione un comando de teclado, verás que aparece a lo que estoy navegando. Deberías poder ver mis flechas en pantalla ahora mismo. Preste atención a esto durante todo el curso. Si necesitas conocer algún atajo de teclado que estoy haciendo, lo verás ahí abajo. Lo primero es organizar tu metraje. Tu metraje debe ser roto por participante y luego la fuente de la cámara. En mi circunstancia, es la cámara de entrevista primaria y luego cualquier B-roll relacionado con eso. Lo tengo organizado por mi nombre y luego B-roll una entrevista. Viene una entrevista con un par de piezas diferentes en mi circunstancia. Como te mostré antes, estaba grabando directamente en una cámara, estaba grabando en una computadora, y también estaba grabando en una fuente de audio. Aquí verás mi cámara primaria que es la A7R2, mi grabadora primaria, que es la H4n de Zoom, y luego mi otra fuente que fue Zencastr. Estas son todas mis diferentes fuentes por las que pasaremos más tarde. Adicionalmente, aquí hay una sección B-roll que proviene de dos cámaras separadas. Aquí conseguí algunas imágenes adicionales así como algunas filmaciones alrededor de la casa. Ahora, dependiendo del editor de video con el que estés trabajando y del hardware real con el que estés trabajando, depende del tipo de metraje que queramos utilizar. En algunas circunstancias, podríamos querer utilizar un término llamado proxies. Cuáles son los proxies, son solo un archivo de referencia en un tamaño más pequeño que puedes editar con eso lo hará más fácil tanto en tu computadora como en tu editor del que estás trabajando dentro. Generalmente, puede configurar una regla de proxy global si está acostumbrado a eso. En este caso, no vamos a hacer eso porque no queremos que se establezca el proxy en este punto sino porque necesitamos dar cuenta de un tema específico. En este punto, vamos a meternos en nuestro editor de video y empezar a inspeccionar algunas de estas imágenes. Como se mencionó anteriormente en esta clase, estaremos usando Adobe Premiere Pro para toda la edición. Puedes usar lo que quieras, pero si quieres seguir adelante, puedes hacer lo mismo. Para iniciar un nuevo proyecto todo lo que tienes que hacer es lanzar Premiere, golpear New Project, titular tu proyecto y colocar tu proyecto donde quieras ponerlo. En este caso, específicamente, esta es la carpeta de activos del proyecto de clase la que te proporcioné. Te recomiendo que pongas esto en la sección de proyectos. Una vez que elijas la sección, todo lo demás puede permanecer igual, nada más ha sido modificado. De nuevo, puedes establecer una configuración global de proxy aquí, pero vamos a omitir eso por ahora. Ya tengo un proyecto a mi vista preparado para este curso ya que sí hice una pequeña película para ti también. Lo que estaremos haciendo primero es revisar este metraje. La forma más fácil de hacer esto es importar tus imágenes a Premiere. Se podría hacer de algunas maneras diferentes, pero recomiendo entrar en la etapa de montaje, que es este botón aquí arriba en la parte superior y luego importar. Puedes hacer eso yendo a Archivo, luego Importar. También puedes simplemente golpear Command I si estás usando un Mac. Todo lo que tienes que hacer entonces es ir a los activos de tu proyecto de clase y recoger tu metraje. Te recomiendo importar toda la carpeta de material de archivo. Esto te proporcionará toda la estructura de carpetas que necesitas dentro de Premiere, que no tengas que preocuparte por organizarla de nuevo. Una vez importada, notarás que tienes una carpeta de material de archivo. Dentro del metraje lo tienes organizado por la persona así como cualquier B-roll adicional. En este caso, tenemos a la persona que te proporcioné y B-roll así como el metraje de la entrevista. Antes de empezar a cortar u organizar cualquiera de este metraje o crear cualquier proxies, tenemos que dar cuenta de algo llamado VFR o velocidad de cuadro variable. Lo que esto significa es que no hay una fotogramas estática en tu metraje. Tradicionalmente, una cámara dispara en un marco estático que es de 24, 30, o 60 fotogramas por segundo. Cuando estás grabando a través de una herramienta como Quick Time, Zencastr, o incluso Welder, todas las herramientas que he recomendado para esto hasta ahora, porque en realidad se está grabando a través de tu pantalla, que cambia de manera variable a medida que lo estás usando. Podría no estar sentado a una velocidad de fotogramas estándar todo el tiempo. Eso significa que la velocidad de fotogramas podría ser tan baja como 20 fotogramas por segundo, hasta 60 fotogramas por segundo, cualquier punto en el tiempo a lo largo de la grabación. A medida que el movimiento se ralentiza y se acelera, el video real podría cambiar también. Para dar cuenta de esto, en realidad tenemos que cambiarlo a una velocidad de fotogramas estándar no variable. El modo en que podemos determinar si este metraje es así es simplemente yendo a su propio metraje. En este caso, vamos a entrar a la carpeta Zencastr porque vas a ver un ejemplo de esto. Para ampliar esta ventana aquí, solo voy a presionar mi tecla Tilde, entra a pantalla completa y luego voy a ampliar esta sección aquí. Ahora ya tengo un archivo aquí para ti llamado VFR fijo, pero quiero mostrarte el problema primero. Si hacemos clic en el archivo original, que es entrevista minuciosa grabación 1, y simplemente hacemos clic derecho este archivo y luego vemos las propiedades de este archivo. Deberíamos conseguir esta ventana. En esta ventana, la última línea de esta ventana debe indicar la velocidad de fotogramas variable detectada. Cuando hay una velocidad de fotogramas variable esto significa que se va a conformar automáticamente a una velocidad de fotogramas estática en tu línea de tiempo normal. Cuando configuras una línea de tiempo o una secuencia en Premiere Pro, vas a decir cuál es esa velocidad de fotogramas, 24, 30, 60, etc. Si tu metraje es una velocidad de fotogramas variable, vas a empezar a ver algunos problemas, artefactos, y ralentizar cosas así. Tenemos que convertir primero ese metraje en una velocidad de fotogramas estática primero. La forma más fácil de hacer esto es en realidad hacerlo fuera de Premiere Pro. Si vuelves a hacer clic con el botón derecho en tu metraje y bajas para revelar en finder o tu Explorador de Windows, te lo mostrará exactamente en la carpeta de la que procedía. En este punto del tiempo ahora necesitamos llevar esto a otra herramienta para cambiar realmente este metraje a una velocidad de fotogramas estándar. El modo en que vamos a hacer esto es introduciéndolo en Adobe Media Encoder, que viene con Adobe Premiere Pro y toda la suite de edición de video de Adobe. A tener en cuenta, antes de que hagamos esto, si no estás usando Adobe Premiere Pro lo más probable es que no te encuentres con este problema. Personalmente he usado Final Cut Pro y DaVinci Resolve, y ninguna de esas herramientas nunca tiene este problema que parece ser exclusivo de la forma en que Premiere Pro maneja las velocidades de fotogramas. Ahora, todo lo que tenemos que hacer es lanzar Adobe Media Encoder. Yo sólo voy a lanzar Media Encoder. Sólo voy a arrastrar este metraje a Media Encoder, que es simplemente arrastrarlo y soltarlo. Voy a mover esto hacia un lado y se mueve hacia un lado y sólo tomaré este metraje y lo arrastraré y lo soltaré en Media Encoder. También puedes ir y encontrarlo en tu estructura de carpetas, pero ya la tenemos abierta. Entonces esa es la forma más fácil de hacerlo. Ahora, lo que estamos haciendo es cambiarlo a una velocidad de fotogramas estándar, y la forma más fácil de hacerlo es elegir cualquier códec con el que quieras trabajar. En esta circunstancia para este curso, puedes hacer lo que quieras pero te recomiendo trabajar en H.265 solo porque este códec es un poco más fácil en máquinas modernas para trabajar y quizá no incluso tienen que cortar un proxy para esto, una versión más pequeña de esto para trabajar. Por lo que para seleccionar el códec que quieres todo lo que tienes que hacer es dar click aquí en esta sección destacada de la izquierda. En el formato desplegable, vamos a escoger HEVC que es H.265. Vamos a decir igualar tasa de bits alta. Aquí no hay nada que cambiar. Queremos tanto la exportación como el video y el audio explotado. No vamos a modificar nada más aquí. Una vez que le pegamos a “Ok”, estamos bien. Ahora bien, sí tenemos que decir que queremos poner esto. Es por defecto lo va a poner en la misma carpeta que la fuente original. Eso está bien en este caso. Por lo que no tenemos que cambiar esto de ninguna manera. Por alguna razón, si has cambiado esto en el pasado, yo modificaría esto y cambiaría a donde esto necesita ir. Ahora, todo lo que tienes que hacer es presionar el botón de reproducción y esperar hasta que esto se transcodifique. Ahora, dependiendo de lo rápido que sea tu máquina, esto podría tardar unos minutos y podría tardar más. Tan solo sé paciente con este paso ya que puede variar de persona a persona. Ahora, una vez que hayas terminado, deberías tener un nuevo archivo. Yo específicamente nombré mina subrayado VFR fijo, solo para que lo tengamos y tengamos algo hacer referencia y saber cuál es diferente. También se puede decir porque el final real del tipo de archivo es diferente. El original es un archivo MOV. Esta nueva versión es un archivo MRExxP4. Ahora, con este metraje específicamente, no es que se muestre dramáticamente cuál es el tema aquí. Sí quiero mostrarles un ejemplo de cómo puede verse esto en realidad en un escenario peor de los casos. Por lo que al rodar mis películas específicamente, me encontré con esto a través de la pizarra. Entrevisté a unas 20 personas diferentes con diferentes tipos de dispositivos, cámaras, computadoras, teléfonos, etc. Todos pasaron de manera diferente dependiendo de cómo lo grabaron en su extremo. Dentro de la sección de materiales adicionales dentro de la noción, aquí hay un área que dice cómo editar y imágenes de velocidad de fotogramas variable en Premiere Pro. Puedes seguir esto en cualquier momento que quieras. Pero aquí tengo un buen ejemplo. Este es uno de los participantes en mi serie documental, y su metraje original fue el metraje de velocidad de fotogramas variable VFR. En ciertas partes del video, realidad se veía así que es muy engorroso ni siquiera utilizable. El exacto mismo tiempo codificar ubicación una vez que se ha cambiado a una estática de 30 fotogramas por segundo se ve mucho mejor. Ahora, una cosa a tener en cuenta más adelante cuando nos metemos en el audio y otras cosas. Debido a que estás convirtiendo tu metraje de una variable a una velocidad de fotogramas estática solo lo estás haciendo técnicamente a la parte de video de tu metraje. La parte de audio de tu metraje en realidad técnicamente tiene un sistema de código de tiempo diferente con el que funciona. No sigue esa misma velocidad de fotogramas o velocidad de audio en este caso. En algún momento, posible que tengas un poco de lo que se llama deriva de audio significa que el audio y el video podrían no alinearse en ciertos puntos. Ahora bien, esto es un dolor un poco molesto en el proceso de culata, pero tendrás que cortar y moverte alrededor de ese audio hasta que se alinee según sea necesario. Ahora que estamos de vuelta en Premiere Pro hemos convertido esa versión de una velocidad de fotogramas variable a una velocidad de fotogramas estándar solo para confirmar que todo está funcionando. Yo recomendaría importar ese clip nuevo. Simplemente haz clic en esa misma carpeta, pulsa Comando I o Control I en la PC, navega a esa misma carpeta donde estabas, así que Footage, Thor, Entrevista, y luego Zencastr, e importa esa nueva clip que era el archivo MP4. De nuevo, ya tengo eso dentro de aquí, así que lo que simplemente haré es volver a expandirme con la tilde, y vamos a hacer clic derecho en el clip fijo VFR ahora. Ahora vamos a ver que las cosas cambian. Ahora solo dice códec de video HEVC 4:2:0. Perfecto. Ya no hay más tasa de fotogramas variable, así que no tenemos que preocuparnos de que esto sea un problema. El único dispositivo fuera del metraje que he proporcionado que van a ver que esto suceda es el metraje de Zencastr. El metraje del A7R llegó directamente desde mi cámara a 24 fotogramas por segundo, así que no vas a tener este tema con este metraje. En tu experiencia personal, si tienes alguna de estas presentaciones en cualquiera de tus metrajes, asegúrate de repetir este proceso para cada clip con este problema. Si es posible, por lotes todo esto funciona juntos solo para que no tengas que seguir viniendo y viniendo a él cada vez que encuentres el problema. Ahora el siguiente paso es crear proxies. Ahora, quieres crear proxies siempre que tengas metraje que sea un poco demasiado duro para que tu máquina lo maneje. Ahora, Adobe Premiere Pro sí tiene algunas características integradas para ayudarte a manejar secuencias de archivo más pesadas de forma predeterminada. Dentro de tu visor de video aquí, hay monitor de programa real. Tienes una opción aquí abajo que dice completo, medio, o cuarto. Lo que esto está haciendo en realidad es que está cambiando el video interpretado dentro de Premiere Pro a una resolución más baja. Ahora, una resolución más baja no significa que cambie nada por completo. Es sólo facilitar el metraje para ti sólo un poquito. Aunque sí tienes la capacidad crear una versión de referencia. Lo que mencioné fue un apoderado de eso y luego cambiar de ida y vuelta a ella. Ahora nuestro B-roll aquí de Cam 1 como ejemplo, verás que tengo esto. Esto lo podemos usar más adelante como efecto de pantalla verde, pero tenemos algunas otras imágenes también. Tenemos algunas imágenes de conducción y material de archivo dentro de espacios aquí para ti también. Si quieres cambiar alguna de estas imágenes a una versión con la que va a ser un poco más fácil trabajar, podemos hacerlo fácilmente. Puedes seleccionar todo el metraje a la vez y hacerlo a una sola toma, y esto es lo que recomiendo hacer. Pero en este caso, sólo voy a hacer uno a la vez. Todo lo que tenemos que hacer es hacer clic derecho en la pieza de metraje. Vamos a bajar a la sección de proxy y crear proxies. Vas a obtener esta ventana emergente y el proxy predeterminado aquí debería estar bien para la mayoría de las máquinas. Te va a dar un archivo H.264 de baja resolución. Esto debe ser perfecto. Yo sí recomiendo poner esto en esa carpeta proxy que te proporcioné. Si vas a navegar aquí y vas a la carpeta de tu proyecto de clase. Acude al proyecto y hay una sección de proxy. Simplemente seleccionaré esta carpeta para que sea el área proxy en la que la pones. El motivo por el que te recomiendo dedicar cierta carpeta que sabes dónde está porque si alguna vez decides cambiar de ordenador o cambiar de disco duro, algunos de esos archivos podrían desvincularse y es mucho más fácil volver a enlazar material de archivo si sabes de dónde se obtuvieron originalmente. Una vez que tengas todos esos proxies trascode que de nuevo puede tomar un tiempo dependiendo de la máquina con la que estés trabajando, vas a querer alternar entre esos proxies para poder cambiar a la resolución más alta y la versión de menor resolución según sea necesario. hay un botón fácil Aquíhay un botón fácilen la parte inferior derecha del monitor de su programa que se llama Toggle Proxies. Si ese botón es azul, estás viendo su versión proxy de ese metraje. Si esa versión es blanca, estás viendo esta versión regular de ese metraje. Siempre se puede usar proxy así como el visor de resolución en tándem entre sí. Puedes ir no-proxy y bajar la resolución, o puedes ir proxy y bajar la resolución para aún más control y más fluidez con tu edición. Ahora, por cualquier motivo, si has tenido algún problema de tu lado con tu caso de uso específico o tecnología específica que estás usando de tu lado, avísame en la discusión de la clase y te ayudaré tú a través de ella lo mejor que pueda. Si estás teniendo algún problema con editores de video adicionales también, como Final Cut Pro y DaVinci Resolve, debería poder caminar por la mayoría de esos problemas contigo. En la siguiente lección, vamos a empezar a editar tu historia. 8. Posproducción en la historia: Bienvenido a la lección 8 de cine a distancia. En la última lección, aprendiste a organizar y preparar tus activos. En esta lección, comenzaremos a construir tu historia. Construir tu historia base es la parte más larga de tu proceso de edición. Es mirar a través de imágenes una y otra vez para encontrar algo que específicamente te guste o tener tendencias comunes. Una cosa a tener en cuenta aquí es asegurarte de que tienes tu esquema a mano para utilizarlo como tu rúbrica con la que trabajar. Esto hará que encontrar esas tendencias y encontrar las cosas específicas con las que quieres trabajar mucho más fácil. Antes de empezar a editar y cortar nuestro, tenemos que hacer un par de cosas dentro de espejo primero. Teníamos que crear primero una nueva carpeta de secuencia, una nueva secuencia, y luego asegurarnos de lanzar ese metraje a nuestra línea de tiempo y equilibrar el audio para que sea un poco más fácil trabajar con él. En primer lugar, vamos a crear una carpeta de secuencia. Ya tengo uno, pero la forma en que lo haces es presionando el botón de carpeta. Ahora tendrás un portabebés, al que llaman impermeable pro que carpetas con las que ahora puedes empezar a trabajar. No necesito esa carpeta porque ya tengo una, pero lo que vamos a hacer es agregar una secuencia a la carpeta de secuencia. Simplemente selecciono la carpeta de secuencia, presiono este icono de papel y presiono secuencia. Ahora simplemente vamos a crear una nueva secuencia. Puedes titular esto como quieras, y puedes seleccionar cualquier perfil o preset aquí. Normalmente uso el preajuste ARRI 108p, 30 fotogramas por segundo. La mayoría de los casos, a veces si todo mi metraje es de 24 fotogramas por segundo, estaré utilizando eso. Este metraje va a variar un poco entre 60 fotogramas por segundo y 24. Simplemente voy a titular esta secuencia de prueba y presionar Enter. Ahora que tenemos la secuencia de prueba, simplemente voy a hacer doble clic en ella para abrirlo. Ahora lo que vamos a hacer es llevar algunas imágenes a nuestra línea de tiempo. Específicamente, aquí vamos a estar trabajando primero con ARRI. El carpeta de entrevistas y yo específicamente quiero trabajar con el metraje A7R2. Voy a agarrar tanto el A0010 C0011 y arrastrarlo a mi línea de tiempo. Sólo voy a mantener los ajustes existentes. No quiero modificar ninguna de las configuraciones que ya creamos. Algo a tener en cuenta, si estás trabajando con la línea de tiempo de 1080p con metraje 4k como VR aquí, sí necesitas escalar ese metraje. Puedes hacerlo de un par de maneras diferentes, pero premier sí lo hace bastante simple. Simplemente selecciona todos los clips que tienes aquí en tu línea de tiempo, haz clic con el botón derecho en él y selecciona escala a tamaño de fotograma. Deberías tenerlo todo alejado ahora para arreglarlo. Algo a notar en mi metraje aquí, es que noto que aquí hay un poco de una línea que está un poco fuera de alineación y me está distrayendo. Lo primero que voy a hacer aquí es acercar aquí. El modo en que vamos a hacer esto es cambiar a nuestro modo de edición en la sección de control de efectos en la parte superior, sólo vamos a acercar un poco. En escala, solo puedes hacer clic aquí y solo puedes presionar hacia arriba en tu teclado si no lo tienes escalado bien. Escalé a 106. Yo voy a hacer lo mismo en el siguiente clip. Haga clic aquí y escriba 106, Enter, y deberían verse exactamente iguales. Ahora lo siguiente a notar es que queremos que este audio se vea y suene bastante decente. Ahora sí te proporcioné una fuente de audio realmente buena. La buena fuente de audio con la que queremos trabajar es la carpeta H4n. Si solo giramos esto hacia abajo y seleccionamos este archivo aquí, STE-001, y arrastramos esto a nuestra línea de tiempo. Deberíamos ver que tiene aproximadamente la misma longitud que el metraje que tenemos aquí. Ahora, todo lo que tenemos que hacer es cortar este audio a la mitad y luego sincronizarlo. Lo que voy a hacer es que voy a acercar un poco. Vamos a hacer esto presionando Command Plus y luego también Option plus para expandir tanto las pistas de video como de audio. Además, voy a acercarme un poco, simplemente no puedo estirar. Lo que vamos a hacer ahora es que vamos a buscar cosas específicas en las formas de onda de audio. Antes de todo mi video, siempre hago un aplauso para iniciarlo. Esto es para ayudarme a organizarlo visualmente, pero también ayudar al software a organizar este metraje para mí. Lo que vamos a hacer es que vamos a hacer rápidamente un corte en el audio. Aquí mismo, presiono C en mi teclado para abrir la herramienta de corte y solo hago un corte rápido aquí en el audio. Eso es todo lo que realmente necesitamos hacer. Todo lo demás se estrena y que hacer por nosotros. Si presiono V en mi teclado, vuelva a mi herramienta de selección, y solo arrastre un poco este metraje. Vamos a seleccionar la primera pista de video y audio. Entonces esta segunda pista de audio, voy a hacer clic derecho en ella y simplemente vamos a golpear Sincronizar. No necesitamos preocuparnos por el clip de inicio de clip bajo código de tiempo vamos a usar mezclas de canal de pista de audio. Simplemente presiona Ok, dale a Premier Pro unos segundos y debería alinear automáticamente este metraje para ti. Si rápidamente solo reproducimos este metraje, todo debería quedar bien aquí. Lo que voy a hacer a continuación es que voy a realmente sólo quitar el audio de la pista de audio 1 solo tirando de eso manejado hacia abajo. También puedes hacerlo desde el menú Efectos simplemente cambiando el nivel de audio a infinito negativo. Previo vamos a hacer lo mismo con este segundo clip aquí, sólo tienes que seleccionarlo todo, hacer clic derecho , pulsar sincronizar, hacerlo por chat mix down, debería alinearse automáticamente. Aquí vamos a hacer lo mismo o simplemente arrastrar hacia abajo este audio hasta cero. Ahora lo siguiente que tenemos que hacer es simplemente conseguir que este audio sea equilibrado como lo queremos. No tenemos que hacer esto demasiado en post después. Simplemente sigue adelante y selecciona una sección que quieras escuchar, selecciona tu pista de audio y cambia al audio. Ahora que estás en tu modo de audio, realidad estás teniendo un bonito panel aquí llamado Essential Sound. Todo lo que tenemos que hacer realmente es definir qué tipo de audio dice y seleccionar algunos presets. Si seleccionamos y decimos que este audio aquí es diálogo, nos va a dar un par de opciones, y voy a utilizar un preset por defecto. Este es un buen punto de partida. Si haces clic en Preset y seleccionas voz masculina equilibrada, vas a ver que pasan muchas cosas diferentes a este metraje. Te vas a dar cuenta de que el audio es mucho más fuerte y mucho más claro. Este es un buen punto de partida y te recomendaría que lo dejes en esto por ahora. Si sí quieres hacer solo un par de pequeños ajustes o podríamos hacer es solo asegurarnos de que el audio no esté alcanzando demasiado. Se ve aquí en los niveles de audio cuando se reproduce de nuevo. Si ves el audio, llegas a leer eso por lo general no es algo bueno. Queremos bajar un poco esto. La forma más fácil de hacer esto es retroceder un poco las dinámicas, generalmente a alrededor de 3.0. Si mantienes tus audios en algún lugar entre el negativo 12 y el negativo 6 es un buen punto de referencia, pero esto podría variar dependiendo del clip real que tengas. Seguiremos adelante y bajaremos esto. Esto es un poco más tal vez a 2.5. Eso se ve bastante bien por ahora. Ahora vamos a hacer exactamente los mismos cambios aquí. Simplemente vamos a seguir adelante y hacer clic en este clip de audio. Vamos a definirlo como diálogo. Vamos a cambiar la voz masculina equilibrada. La mayoría de esos cambios deben ser aproximadamente los mismos. Vamos a cambiar la dinámica nuevo a alrededor de 2.5 también. Elige una parte del clip que tenga una cantidad decente de audio y debería quedar bastante bien y suene bastante bien. Ahora tu clip en sí está listo para empezar a picarlo y encontrar tu historia, encontrar tu narrativa dentro de esto, esta porción puede tardar un rato y si tienes múltiples participantes, esta podría tomar una cantidad considerable de tiempo, horas a potencialmente días. Tómate tu tiempo con esto, vuelve a ver clips si es necesario. No querrás perderte nada bueno y valioso que pudiera no haber sido originalmente parte de tu historia. Podrías derivar una nueva parte de tu historia que no sabías que estaba ahí y realmente tomándote tu tiempo y esta porción es muy esencial. se ve esto después de que tengas todo organizado y listo, puedo entrar en mi otra línea de tiempo y mostrarte. Si escogí mi otra secuencia, que es la secuencia Thor, vas a ver que he escogido un montón de cosas diferentes aquí. No les voy a mostrar todo esto que ven aquí en este momento, pero vamos a seguir adelante y sólo seleccionamos algunas de estas imágenes aquí. Voy a traer esto de vuelta a mi prueba secuencial para que puedas ver cómo se ve todo esto. Ya verás que tengo un montón de clips separados y esta es la base de mi historia aquí. Están pasando muchas otras cosas, pero esto es lo que va a contar la historia. Originalmente sí tenía más selects. Si te alejas un poco y tienes una sección entera, que es básicamente cada buen selecto que me gustó que dije. Hay un par de cosas que quería tomar en cuenta aquí es no tener la historia para ser demasiado larga o menospreciada. Yo quería golpear puntos muy específicos. Ahora, para mi documental completo, tenía puntos muy específicos que quería tocar. Pero para este pedacito de ella, este pequeño segmento que hice para ti, tenía pequeños puntos muy específicos que quería tocar para mantener el proyecto lo más pequeño posible para que puedas sacar el máximo provecho del mismo. Una vez que tienes seleccionada la historia base y ya lo tienes todo hecho, lo siguiente que me gustaría hacer es tirar mi capa de audio, específicamente mi música. Aquí es donde me gusta construir mi secuencia de apertura, específicamente para una película de estilo documental, me gusta tener algo [MÚSICA] que sea llamativo, enganchándose desde el inicio. Los primeros 10 segundos deben ser lo más interesantes y lo más interesantes posible. Hago esto utilizando audio, específicamente, tal vez un clip de audio de la propia película, música para establecer un tempo y un ritmo, así como algunos B-roll para hacerlo un poco más agradable. Cuando se trata de música u otras fuentes de audio, Es lo mismo que te recomiendo para cualquier otra cosa, crea una carpeta de audio y pon cualquiera de tus efectos de música o sonido dentro de esa carpeta. En este caso, solo tengo una carpeta de música. Tengo un par de opciones para ti, pero también tengo una seleccionada de otra fuente donde pago la música libre de regalías también. Esta es la canción que he seleccionado, y simplemente la arrastro a mi línea de tiempo. [ MÚSICA] Este es el sentimiento y la emoción que busco en el inicio de esta película. El modo en que esto va a funcionar como capa racional esto en nuestro metraje. Si vuelves a mi otra línea de tiempo, veremos cómo he hecho esto. Lo que he hecho es que en realidad he seleccionado un par de clips, específicamente algunos B-roll que ven aquí que también les he proporcionado para pintar la imagen de lo que en este caso el trabajo remoto es para mí. Tomé un segmento de lo que dije un poco temprano en la película y tiré ese audio aquí y puse en capas mi música. Si seguimos adelante y solo apagamos esta música por completo y miramos a través de esto, se ve bien, tiene la pista de audio. Suena bien, pero no es realmente atractivo. A medida que añades esta música, y le agrega un poco más de tempo y un poco más de sensación. Específicamente para ti, mientras estás editando va a establecer un ambiente para que encuentres una tendencia, encuentres un sentimiento, encuentres una emoción a lo largo de tu historia, que marcará una buena cadencia para el resto de su edición. Esa parte de la edición es definitivamente la más larga. Es encontrar el tempo, encontrar el ritmo, archivar la emoción en tu historia. Esto podría tardar horas o días en manejarlo. Tómate tu tiempo en esta porción, encuentra la música adecuada que te convenga. Encuentra los clips adecuados que cuentan una historia y utiliza tu contorno a lo largo de ella para asegurarte de que te estás pegando a la narrativa que tenías en la cabeza. Tampoco te pegues con demasiada fuerza porque es posible que encuentres nuevas tendencias en el camino. Ahora en este punto, una vez que tengas tu historia base abajo, te recomiendo alejarte. Aléjate por unas horas, unos días, y vuelve a ella con ojos frescos. Específicamente, míralo con ojos críticos. Ve las cosas que no tienen sentido, ve los cortes que simplemente no sienten que caben, ve y escucha el audio que podría no jugar bien con tu historia, y luego haz esos cambios y tú tendrá el punto más crítico. Permita que su historia evolucione y cambie según lo necesario. En la siguiente lección, vamos a trabajar para que tu historia sea más atractiva. 9. Posproducción - edición para hacer tu historia más atractiva: Bienvenido a la Lección 9 de la realización remota de películas. En la última lección aprendiste a hacer tu historia base. En esta lección, aprenderás a hacer que tu historia sea más atractiva. Para que tu historia sea más atractiva, vamos a usar cosas como B-roll, música y transiciones para agregar un poco de textura extra a tu historia. Ambos pueden B-roll así como las transiciones necesitan ser utilizados de manera artística y en los momentos correctos. No exageres con transiciones o efectos llamativos, así como demasiado B-roll que domina tu talento principal. B-roll se usa mejor para hacer tu película o estimulante, mantener la atención de tus espectadores, así como limpiar cualquier corte áspero entre clips. De lo contrario vas a usar B-roll para establecer el estado de ánimo y el ritmo. B-roll es ideal para abrir escenas así como para establecer tu escena. No se debe usar en exceso la transición. Solo debes usarlos cuando sean necesarios. Siempre recomiendo usar solo un corte duro estándar en el momento adecuado, o incluso potencialmente una simple disolución cruzada. Ahora puedes usar algo un poco más elaborado cuando es el momento adecuado para ello. En ocasiones usamos transiciones están transitando de como tarjetas de título a videoclips, además de agregar los efectos especiales a tu película. En los materiales de clase sí te proporcioné B-roll para coser la historia juntos así que siéntete libre de usar eso. Si miras el ejemplo, película final que te proporcionó también, verás que agregué algunos clips de buró adicionales que tengo licenciado a que no te puedo proporcionar. Pero siéntete libre de tomar cualquier pie que quieras y ponerlo en capas para contar mejor la historia. Específicamente con el metraje que tengo aquí, unos cortes duros y transiciones que realmente no pude limpiar de efecto para que se vea bien. Lo que hice en su lugar fue utilizar B-roll. Si vemos aquí, si solo apago estas dos capas aquí, verás que hay un corte duro entre este clip y este clip y no se ve muy bien. En lugar de hacer eso, simplemente agregamos en algún B-roll y transita ese clip para que se vea mucho mejor. Todavía tiene el mismo audio reproduciendo en segundo plano, y aún tiene la misma cadencia sucediendo. Pero tienes algo que ayuda a pintar la imagen de lo que estoy diciendo en pantalla. Ya verás que utilizo mucho B-roll en la secuencia de apertura para establecer dónde me encuentro actualmente, así como cómo me parece el trabajo remoto y qué tipo de me faculta para hacer. Hago eso con estos pocos clips que ven aquí, así como una simple transición de disolución cruzada, un desvanecido del negro al video real en sí. También hay una simple rampa arriba y audio aquí desde básicamente cero decibelios hasta un normal más tranquilo por debajo de mis voces. Me aseguré de equilibrar cuánto me ven en cámara en comparación con cuánto B-roll se ve en cámara solo para asegurarme de que no me estoy quitando al talento primario en este caso y no abrumador con demasiado B-roll. Una vez que tienes algún B-roll arrojado ahí, tienes algunas transiciones potencialmente desde una escena de apertura o una escena de cierre, lo siguiente que debes hacer es asegurarte de que tu música esté funcionando con tu historia. Para mi historia específicamente, no quería que pasara demasiada música detrás de mi diálogo. Yo solo quiero esto al principio y al final, así que eso es exactamente lo que hice. Añadí mi música al inicio de mis clips, y también la agregué al final de mi historia. Específicamente el final de mi historia, tengo desvanecerse a lo largo de un periodo de tiempo mucho más largo para solo establecer el tempo correcto a medida que la historia transita hacia fuera. Al principio, sucede de una manera más corta, más abrupta solo para conseguir el salto de ritmo justo en la historia para captar la atención del espectador. Ahora también puedes optar por mantener la música tocando todo el tiempo si eliges también pero te recomiendo mantenerla a un nivel muy bajo y solo subirla ya que necesitas emocionar algún tipo de emoción a lo largo el camino. Algo a tener en cuenta también es tratar no limitarse a una canción. Si solo necesitas una canción para contar tu historia, porque tu película tiene solo unos minutos de duración, eso funciona, pero siempre puedes agregar música adicional, canciones adicionales con diferentes tempos también, incluso diferentes géneros de música para ayudar a contar la historia a medida que avanzas. Sigue repitiendo el uso de estas tres herramientas para agregar textura adicional a tu historia, utilizando B-roll cuando sea necesario, utilizando transiciones a la transición entre escenas así como diferentes activos, y luego usar música para establecer el estado de ánimo y el tempo junto con tu historia. En la siguiente lección vamos a refinar todos los detalles. 10. Posproducción - los detalles: Bienvenido a la Lección 10 de cine a distancia. En la última lección, aprendiste a hacer que tu historia sea más atractiva. En esta lección, vas a aprender a refinar todos los detalles. Esto lo lograremos corrigiendo el color y potenciando el video, así como limpiando el audio. Si volvemos a Premiere Pro, solo voy a volver a nuestra secuencia de pruebas aquí y te mostraré cómo me gusta calificar mi metraje de color y quiero definir aquí algunas cosas diferentes. Hay corrección de color, que es conseguir que tu color llegue a un lugar equilibrado y neutro. Después está la clasificación de color, que en realidad es agregar un estilo artístico a tu video, que definitivamente es diferente. Para aclarar esto, vamos a mostrarte aquí algunas opciones y ejemplos. Volvimos a nuestro metraje aquí y tengo diferentes opciones de metraje para ti. Originalmente, te proporcioné el metraje A7R, que es el metraje que estás viendo en pantalla, así como el metraje de Zen Castro, que era ese metraje adicional que cambiamos de velocidad de fotogramas variable. Si arrastro este metraje a mi línea de tiempo, verás que se ven muy diferentes. Uno tiene mucho más contraste y está mucho más saturado, lo que significa que hay colores más brillantes así como negros más profundos. Entonces el otro clip de mi A7R es mucho más plano y mucho más neutral. El metraje más plano y neutro que se ve aquí es lo que se llama metraje de registro. Este metraje aquí se graba en un perfil más plano para obtener más capacidad de separar tus luces y sombras a lo largo de tu metraje. Esto te da más control creativo pero requiere más trabajo fuera de ti como editor. Puedes aplicar cosas simples llamadas tablas de búsqueda LUTs a tus metrajes para realizar ajustes rápidos. Pero te recomiendo aprender a hacer esto manualmente solo para que entiendas lo que está sucediendo, que te dará más control y control creativo para contar tu historia de una manera más dinámica. A modo de ejemplo, la forma en que recomiendo colorear rejilla es aplicar primero todas tus correcciones de color al propio clip, y luego aplicar tu estilo artístico a lo que se llama capa de ajuste. De la forma en que vamos a hacer esto es que vamos a pasar al panel de color dentro de Premiere Pro. En el panel de color aquí, vas a tener un montón de cosas, pero específicamente a la derecha, vas a tener todas tus opciones de corrección. A la izquierda, podrías ver tus alcances Lumetri. Si miras en la parte superior aquí, no debería haber una ficha que diga alcances Lumetri. alcances de Lumetri son una gran manera de dar una visión matemática definitiva de cómo se supone que debe verse el color. Específicamente utilizas esto en la fase de corrección, por lo que solo la corrección real del color. El primer proceso cuando se trata de la gradación del color está trayendo contraste. En este momento es extremadamente plano, por lo que vamos a utilizar nuestra sección curva, específicamente la curva blanca aquí. Se supone que esto está afectando la luz y no afectando el color. Lo que vas a hacer es que vas a colocar los tres marcadores en esta línea. Uno en las sombras, uno en los tonos medio, y otro en los reflejos. Todo aquí abajo está oscuro y todo aquí arriba es brillante. Vas a mirar este panel de Alcance aquí a la izquierda. Si arrastramos este punto inferior hacia abajo y vas a ver que los colores se acercan lentamente al cero. Esto es bueno. El cero es negro puro, pero no quiero llegar al 100 por ciento. Lo que vamos a hacer es arrastrar el otro punto, losreflejos hacia arriba y acercarnos arrastrar el otro punto, los al 100, que es blanco puro, pero no todo el camino, sólo el punto donde se ve cómodo y bueno. Ahora lo siguiente que tenemos que hacer es traer saturación. Sé específicamente para esta cámara, quiero traer la saturación a alrededor de 130, 140, justo aquí debería ser un buen punto de partida. El siguiente paso en el que me gusta trabajar es conseguir que el color sea equilibrado. Ahora mismo si miras en este panel de Alcance, verás que hay mucho rojo en este metraje. Esto se puede decir porque hay mucho más de tono sepia en ello. Es más marron, rojo y empezarás a ver esto como contrapeso mientras empiezo a traer azul. Lo único que queremos hacer es que quieras que estos estén lo más cerca posible. El punto de referencia que estoy trabajando aquí, es este bache de aquí. Vamos a tratar de que este bache sea el mismo en todos los canales azules, rojos y verdes. Todo lo que tenemos que hacer es sólo sacar el verde una pizca y luego equilibrar el azul y el rojo. Ahora eso se ve bastante bien, pero sí necesitamos algo más de saturación. Voy a subir un poco más la saturación. Simplemente empieza a verse mucho mejor. Son alrededor de 170 saturaciones es lo que he traído y eso se ve bastante bien a partir de ahora mismo. Ajusté el deslizador de tinte verde, que traje el verde y un poco más. Ahora lo único adicionalmente que voy a traer aquí es que voy a bajar a los negros un poco más solo para acercarme un poco más a cero y traer a los blancos un poquito. Pero específicamente, voy a bajar mis reflejos para quitarme cualquiera de ese recorte de mis mejillas y cara. Vas a ver que el clip se ha transferido drásticamente y se ve casi perfectamente equilibrado de color en tu opinión de los ojos. Lo único que sí quiero cambiar un poco es solo un poco del color en mi cara. Voy a hacer eso específicamente volviendo a la sección del bordillo y luego trayendo un poco de matiz y saturación a mi cara. Haré esto con sólo hacer clic en el cuentagotas, pinchando sobre mi piel, y ligeramente, me refiero a subir muy ligeramente el rojo y sesgarlo un poco más hacia el amarillo. Si marca esta casilla encendida y apagada, verá que hay un poco más de color en mi cara, pero nada demasiado dramático. El mejor modo de contar cómo se ven los tonos de piel es sacando tu vectorscopio. Específicamente tu vector alcance YUV. Esta línea que ves aquí es lo que se llama tu línea de carne. Quieres que todos tus colores estén sesgados hacia eso tanto como sea posible. Esto te va a dar los mejores tonos de piel que puedes obtener. Para una corrección de color base, creo que esto se ve genial. No creo que tenga que haber algún cambio adicional aquí si volvemos a mi secuencia original. Si vuelves a la edición y volvemos a la secuencia Thor, ya verás, hay un par de cosas que he hecho aquí. He aplicado estas cosas como capas de ajuste, pero recomiendo al principio, aplicarlas directamente a tu clip. Antes de aplicar cualquier estilo de color. Así era mi clip. Con la corrección de color aplicada, así es como se ve mi clip. Entonces con mi grado de color aplicado, así es como se ven mis clips. Mi grado de color es muy sutil y es muy sencillo. Todo lo que está haciendo es solo traer algunos tonos fríos y específicamente traer un poco de greens al fondo. El modo en que recomiendo hacer esto si volvemos a la secuencia de prueba es traer una capa de ajuste encima de tu metraje. El modo en que lo haces es entrando en tu panel aquí a la izquierda y seleccionando nueva capa de ajuste, lo que sea que genere aquí debería estar perfectamente bien. En este caso, se trata de 1920 por 1080, que coincide con nuestra secuencia. Mantendremos esto tal como está. Generaremos una nueva capa de ajuste aquí en este panel. Todo lo que tienes que hacer es simplemente agarrar esto y arrastrarlo encima de tus imágenes. Yo recomendaría, ampliar esto a la duración completa de su metraje. Ahora todo lo que tienes que hacer es aplicar tus cambios de color a la capa de ajuste. En este caso, aquí voy a seleccionar la capa de ajuste, volver a mi panel de color y luego aplicar los ajustes de color que quiera. Generalmente me gusta aplicar cualquier ajuste estilístico de color a mis ruedas de color. Específicamente, me gusta ajustar la mayoría de estos en mis sombras y mis reflejos, tiendo a no tocar demasiado mis tonos medios. Para este de aquí, específicamente quiero hacerla un poco más fría. Entonces voy a bajar esto a este espectro azul. Adicionalmente quiero hacer que mis puntos destacados sean un poco más fríos. Ahora bien, esto se ve bastante bien. Pero voy a bajar un poco estas sombras para que se oscurezca un poco. Quiero bajar un poco mis aspectos destacados porque hay un poco demasiado. Quiero traer un poco de amarillo a mi piel. Esto se ve bastante bien. Ahora sí quiero bajar la exposición porque se ve un poco demasiado brillante para mí. Probablemente lo haré utilizando mis aspectos más destacados porque es la única área que quiero tocar. Ahora simplemente podemos activar y desactivar el efecto para ver el cambio de lo que he aplicado. Hemos pasado de una mirada más neutralizada, casi cálida a un enfoque un poco más fresco, más oscuro, que es muy similar al grado de color que hice en mi secuencia original. Ahora aprender a colorear puede llevar mucho tiempo, y no es algo que viene fácil para todos. Sí toma un ojo y algo de atención al detalle. Te recomiendo, que sea lo más científico posible, utilizando tus Scopes Lumetri tanto como puedas. Trata de equilibrar todos tus colores y luego aplica un estilo que te guste. Ahora si quieres tomar un atajo, ahí están nuestros montones de montones ahí fuera que puedes aplicar también para llevarte a esos niveles automáticamente. El siguiente paso a hacer es ajustar cualquier efecto de sonido asociado al B-roll. Si ven aquí en esta primera secuencia principal, que es principalmente una secuencia de café, notaré que aquí abajo hay alguna capa de audio. Te verás en nuestra pista de audio 1, audio que no estamos usando, pista de audio 2, que es el audio vocal principal o de diálogo que estamos utilizando. Después una pista de audio 4, este es el audio B-roll aquí abajo, que son nuestros efectos de sonido. El que he hecho aquí es que he traído el audio, pero luego usé algunas transiciones llamadas potencia constante para desvanecerlas en nuestros clips. Conforme estoy hablando, establece la escena que se acerca antes de que te metas en ella. Esto está combinando ambas transiciones de las que estábamos hablando en la lección anterior, además de agregar algunos de estos detalles que estamos agregando ahora. Una forma fácil de agregar potencia constante a tu clip es simplemente haciendo clic derecho en el final del mismo y luego haciendo clic en “Aplicar transiciones por defecto”. Ahora solo para tener en cuenta, aplicando transiciones por defecto, lo aplicaremos a la capa de audio y a la capa de video si está asociada. Por defecto, aquí, si dije aplicar transiciones por defecto, en realidad va a aplicar un cross-dissolve al video. Eso es algo que no quiero. Por lo que te aseguras de eliminar esa resolución cruzada fuera de tu video para que no afecte eso. Te recomiendo si hay B-roll en pantalla, debería haber algunos efectos de sonido que vaya con él. Cualquier cosa que veas físicamente hay generalmente sonido, y ese debería ser también el caso aquí en el video. Ahora personalmente no los he puesto en cada clip aquí, pero esa es generalmente la regla del pulgar. Definitivamente debes hacer eso si tienes la capacidad. El último bit de ajuste de audio con el que trabajar es asegurarte de que tu diálogo, así como tus efectos de sonido y música, estén todos equilibrados. La forma fácil de hacer eso es usar tu mezclador multipista en tu sección de audio. Si abres el panel de audio en Premiere Pro, tendrás la capacidad de usar lo que se denomina mezclador de pistas. En este mezclador de pistas, medida que reproduces a través de cualquiera de tus clips, deberías ver el audio entrando en múltiples canales. A modo de buen ejemplo, vamos al final de este clip aquí y golpeemos Play. Ya verás que el audio está llegando en un canal maestro, así como la música de fondo que viene lentamente para el audio y la música que se está reproduciendo en segundo plano. Quieres asegurarte de que todo esté equilibrado aquí. Específicamente, no quieres tener ningún audio que esté recortando por encima de cero, quieres pegarlo en algún lugar entre el negativo 12 y el negativo 6. Esto le da al espectador la capacidad de aumentar el volumen en su extremo según sea necesario. El mejor modo de hacerlo es tener todas tus imágenes correctamente etiquetadas y luego organizarlas después. Asegúrate de tener todo tu diálogo en una sola pista. En este caso, tengo todo mi diálogo en la pista 2, tengo todos mis efectos de sonido en la pista 4, y tengo toda mi música en la pista 3. medida que estoy tocando a través de este clip como ejemplo aquí, al principio, vas a ver que hay música entrando en la pista 3, hay audio entrando en la pista 2, que es mi voz. Este es el, en general para todo. este momento nada realmente está llegando a cero porque ya he ajustado esto. Como se puede decir, he ajustado mi diálogo primario rastreo negativo 5. Hice esto globalmente en todo el tablero, así que no tuve que hacerle esto a cada clip individual. Si bien juego a través, mientras estás viendo, es ver tus niveles, asegúrate de que nada realmente entre en esa sección roja en cualquier momento del tiempo. Si lo hace, sólo debe ser por un breve segundo. Te recomiendo tomarte tu tiempo aquí y reproducir a través de todo tu video en esta vista y en realidad viendo tus niveles de audio y escuchando con un buen par de auriculares. Simplemente haciendo esa elección de, ¿necesitas bajar o elevar algo según sea necesario? Ahora puedes hacerlo sobre una base clip por clip poniendo fotogramas clave en tu clip. O puedes hacerlo globalmente en este mezclador de pistas de audio y hacerlo globalmente a toda la pista. Si has organizado todo tu audio correctamente, tener tu diálogo en una pista, tener tu música en otra y efectos de sonido en otra. Debe ser un proceso muy sencillo, fácil. Una vez que tienes tu color de video corregido así como el color graduado, tienes tu música y otras capas de audio organizadas y ajustadas según sea necesario. Tu película debe ser mucho más cohesiva y lucir mucho más profesional. Si necesitas algún consejo aquí para tu metraje específico, siéntete libre de clavarme en la galería de clase y te ayudaré tanto como pueda. En la siguiente lección, estaremos agregando gráficos y otros activos a tu película. 11. Posproducción de gratos y recursos: Bienvenido al cine remoto. En la última clase trabajamos en los detalles, como audio y corrección de color. En esta clase añadiremos cualquier gráfico o activo como texto, o secuencias de introducción, o outro. Si creaste una película de estilo documental o entrevista, definitivamente querrás introducir tu talento. Para ello la forma más fácil es agregar algún texto o gráficos en tu pantalla. Puedes hacer eso directamente dentro de un Premiere Pro, o traer ese activo directamente desde una herramienta externa. Para este ejemplo, te mostraré cómo crear esto dentro de Premiere Pro. Como ven aquí en el inicio de la película que creé, hay un spot donde me presenté. Esto aquí se llama tercio inferior, se muestra en la parte inferior izquierda de la pantalla. Esto fue creado en una herramienta externa como Adobe XD, pero puedes hacerlo también directamente en Premiere. El modo en que puedes hacerlo es simplemente haciendo esto todo dentro de tu panel de Gráficos. Lo que haré, es agarrar este clip que tenemos aquí. Traeré esto a nuestra Secuencia de Pruebas y lo dejaré aquí. Una vez que está en la Secuencia de Pruebas, simplemente podemos hacer un título de introducción aquí o un tercio inferior haciendo clic en la sección Gráficos. Cuando la sección Gráfica está abierta aquí hay muchas opciones diferentes, pero una que definitivamente se aplica específicamente a esta película sería un tercio más bajo. Simplemente podemos arrastrar esto, y nos dará una plantilla básica de tercer movimiento inferior. Si acercamos un poco aquí, podrás ver que nos proporciona dos líneas separadas. Podemos modificar esto simplemente haciendo clic en el activo, y nos llevará a esta vista de edición que ves aquí. Incluso tendremos opciones para editar cualquiera de las líneas de texto. En aquí puedes ajustar la fuente, el tamaño de la fuente, el peso de la fuente, la alineación, etc. Específicamente, aquí solo ajustaremos mi nombre, así que seguiré adelante y solo escribiré mi nombre aquí. En esta segunda línea se podría poner algún llamado secundario. Específicamente, he estado poniendo título, y la derecha aquí puedes llamarlos hoy. Además, puede agregar algunas cosas adicionales como una sombra, o un fondo, o un trazo adicional a la fuente. No vamos a cambiar nada de esto por el momento, pero sólo sepan que esto también es posible. Ahora bien, si sí tienes activos que quieres traerlo de una herramienta externa que podrías haber creado en Photoshop, o Canva, o en algún otro lugar, definitivamente puedes hacerlo. Ya incluí activos con el archivo ya para esta área, así que aquí hay un área que dice la Tarjeta Bio de Thor. Si arrastras esto, también puedes simplemente reemplazar esto por la tarjeta bio que mencioné anteriormente. Ahora, en cualquier momento que traigas un texto dentro o fuera de la pantalla, te recomiendo hacer alguna transición al mismo. Se puede realizar la transición directamente dentro de los elementos proporcionados dentro de Premiere. Ofrecen esto ya, pero en general me gusta aplicar una transición o un efecto directamente al propio clip. Si simplemente destacamos sobre el propio clip, simplemente podemos agregar uno de esos cruzamientos disueltos que hicimos en la lección anterior. Si solo hacemos clic con el botón derecho del ratón en el clip y presionamos “Aplicar transición predeterminada”, automáticamente aplicará esa disolución cruzada para que puedas difuminar el texto y/o difuminar el texto según sea necesario. Si volvemos a nuestra otra secuencia aquí, verás que en realidad tenemos esa disolución cruzada aplicada directamente a esto para que la cartilla de título tanto para introducir ese texto como para outro ese texto. En tanto que estoy hablando aquí, verás que lentamente se desvanece. Soy cuentacuentos y consultor. Mis pronombres son él y él. También puedes repetir esto para cualquier gráfico de introducción y outro también. Si alguna vez quieres crear un gráfico, simplemente puedes seleccionar uno de esos gráficos que te acabo de recomendar sólo navegando por esta sección que ves aquí a la derecha. De nuevo, puedes traer todo lo que quieras. Si necesitas algún fondo para tu título también, puedes poner fácilmente un color mate también. En este panel lateral izquierdo aquí si pulsas el botón Nuevo, una de las opciones es Color Mate. Simplemente configura tu mate al mismo tamaño que tu secuencia y puedes seleccionar tu color, pero para esta opción solo vamos a escoger negro. Nos va a crear un color mate, así que voy a llamar a esto Black Mate. Tendrás un nuevo mate en tu panel lateral, simplemente puedes arrastrar esto. No vas a ver ninguna diferencia ahora mismo, solo va a ser 100 por ciento de color negro y luego simplemente podemos crear un título. Si quieres poner un título para tu video, simplemente puedes arrastrar esto arriba. Viene a través de una plantilla. modificarlo igual que antes, y luego puedes cambiar el título de esto si lo deseas. Nuevamente, sí te proporcioné esto como activo en el menú Activo de la izquierda. Si arrastras esto a tu línea de tiempo, verás que creé una carta de título que coincide con el resto de mi serie documental la cual tiene el título de la serie documental así como el subtítulo; una serie de películas por mí, y también tiene exactamente el mismo color y estilo que el resto de mis tercios inferiores. Sólo por un poco de estilo adicional al presentar a alguien, sí hice este efecto de pantalla verde a partir de una serie documental. Como ven aquí con esta introducción conmigo mismo, verán que mi pantalla está superpuesta a este iPad aquí. Este es un proceso muy sencillo de hacer, y rápidamente te puedo mostrar cómo podemos hacer esto en Premiere Pro. Lo que en realidad haré es simplemente agarrar este clip directamente aquí; lo tengo justo debajo de esta secuencia, y lo llevaré a nuestra secuencia de prueba. Simplemente voy a seguir adelante, y arrastrar, y soltar esto aquí. Este es el clip que vimos en esa pantalla anterior. Ahora, todo lo que tenemos que hacer es poner esto en el iPad. Este es un proceso muy sencillo de hacer. Si entramos en nuestra sección de material de archivo y luego entramos en nuestro b-roll, y si entramos en Cam 1 verás que aquí tenemos un par de opciones diferentes. Seguiremos adelante y agarraremos exactamente el mismo que estábamos usando hace un momento. Voy a agarrar sólo la sección Sólo vídeo, arrástrela a la derecha a mi línea de tiempo. Ahora, todo lo que tenemos que hacer es poner esta pantalla aquí. Lo que vamos a hacer es que vamos a poner esto encima del clip. Vamos a escalar de nuevo esto al tamaño de fotograma, y vamos a seguir adelante y cambiar el color ligeramente para asegurarnos de que lleguemos al color correcto que necesitamos. Por lo que sólo entraremos en Color. Simplemente voy a añadir un poco de contraste, y luego simplemente vamos a ajustar un poco el color aquí para que esté un poco caliente. Trae algunos blues igual que hicimos en la lección anterior de corrección de color, y solo voy a sacar un poco la exposición y la saturación un poco. Esto es perfecto para empezar. Ahora, todo lo que tenemos que hacer es conseguir un efecto para sacar este efecto de pantalla verde, y aquí se llama la tecla ultra. Si cambiamos al panel Efectos y tecleamos ultra, verás uno de estos es ultra key. Arrastre esto hasta el clip. En este menú del lado izquierdo, deberías ver la tecla Ultra como opción ahora. Todo lo que tienes que seleccionar es el cuentagotas y luego probar el verde. Una vez que hagas eso, va a perforar un agujero a través esto y mostrar lo que sea que nuestra capa esté detrás de ella. Ahora mismo la capa detrás es este clip de mí hablando. El siguiente que hay que hacer es conformar nuestro video para que quepa dentro de esta pantalla. Todo lo que tenemos que hacer es solo seleccionar la capa de video, buscar Pin de esquina, arrastrar esto encima de nuestro metraje. En este menú de controles de efectos secundarios seleccionar, “Corner Pin” y alejar un poco. Acercaremos a apenas alrededor del 50 por ciento, probablemente un poco más en realidad. Ahora deberías tener cuatro asas de agarre. Ahora sí agarra más o menos estas asas y las arrastra alrededor del iPad. En algún lugar cercano, pero no tiene que ser en absoluto preciso en este punto. Una vez que los cuatro estén cerca del iPad, adelante y acerque zoom. Vamos a acercar probablemente alrededor del 150 por ciento, y ahora vamos a colocar estos poco con más precisión. Voy a alinear la curva de estos círculos con la curva de la pantalla del iPad. Ahora que está hecho, la perspectiva debe verse muy precisa. Si seguimos adelante y encajamos eso a la pantalla, perspectiva es muy precisa. Si no tenías la corrección de color ya aplicada a tu capa de color simplemente puedes aplicar eso, pero a partir de ahora esto está configurado y esto es bueno para ir. Si reproducimos esto, debería reproducirlo como si estuviera jugando directamente aquí. Una cosa que sí hice es que si vuelves a esa secuencia original, notarás que esto está en verde, y eso se debe a que esta es una secuencia anidada. Me gusta anidar cualquier efecto en una agrupada muchas secuencias. Si hago doble clic en esto, verás aquí que tengo mi corrección de color y eclipse todo bajo una sola secuencia. Esto se puede hacer. Si lo eliges, hace que tu línea de tiempo sea un poco más fácil manejar cuando estás desnatando a través de ella después del efecto. Repite este proceso a lo largo del resto de su película, asegurándose de que las secuencias de introducción y título estén configuradas según sea necesario además de agregar cualquier efecto o destello adicional a medida que avanza, incluida la adición de imágenes potencialmente estáticas o en movimiento. En la siguiente lección, nos concentraremos en hacer accesible su película. 12. Posproducción de producción de producción que hace que tu película sea accesible: Bienvenido a la Lección 12 de fabricación remota de películas. En la última lección, agregamos gráficos y activos a tu película. En esta lección, haremos que tu película sea más accesible. Antes de empezar, primero debemos definir qué es la accesibilidad. Esto se relaciona con hacer que tu película sea accesible a cualquier persona con limitaciones o discapacidades. Esto lo haremos comprobando el contraste de elementos como gráficos y activos, agregando subtítulos a todo el audio hablado, verificando si los niveles de audio son demasiado altos o demasiado bajos, y comprobando si alguno de tus efectos añade tensión cognitiva a tu espectador. En primer lugar, comenzaremos con el contraste. En primer lugar, definamos qué es el contraste. contraste es la diferencia entre oscuro y claro. Para asegurarte de que haya suficiente contraste en tu video, debes asegurarte de que esto se aplique tanto al video en sí para que tu metraje, así como a cualquier activo o gráfico. Bueno, primero empezaremos con el video real en sí. Seguimos adelante y apagamos el grado de color así como la corrección de color. Ya verás que aquí hay poco o ningún contraste. Una de las cosas que hicimos fue agregar contraste, y cuando agregamos contraste a los alcances métricos, debes de ver de inmediato todo acercarte a cero y acercarte a 100. Cuando eso sucede, significa que nos estamos acercando al 100 por ciento blanco y al 100 por ciento oscuro y eso es bueno. Eso significa que las cosas se van a separar y mejor para el espectador. En ocasiones tal vez quieras retroceder parte de ese contraste tanto en el extremo alto como en el bajo del espectro para asegurarte de que aún sea visible y algo no esté demasiado lavado, ya sea siendo demasiado fangoso y negro o demasiado blanco y sobreexpuesto. Cuando se trata de textos y activos, queremos asegurarnos de que haya suficiente contraste entre el texto y el fondo. En la lección anterior, agregamos tercios más bajos así como cartones e intros. Al hacerlo, hicimos eso de dos maneras diferentes. Agregamos que agregando esa tarjeta de título que te proporcioné. También lo hicimos al crear una tarjeta de título directamente dentro de Premiere. Si miras la tarjeta de título que te proporcioné, notarás que hay un fondo negro en ella y hay una razón para esto. Esto es para asegurarse de que el texto se separa del fondo y no choque con ninguno de los antecedentes. Hace que sea mucho más legible y fácil de ver. Si miras los textos que trajimos y creamos directamente dentro de Premiere, notarás que no hay antecedentes para ello. Contra un fondo claro, o específicamente, si una de estas fuentes o un peso más delgado si volvemos a cambiar a esa fuente Poppins, y elegimos un extra ligero, esto podría ser difícil de ver si hay un fondo en movimiento o algo que sucede en segundo plano. Una forma fácil de corregir esto y de asegurarse de que el contraste sea lo más bueno posible, es agregándole una sombra de gota o un fondo. Las sombras de gota son geniales, pero aún pueden entrar en conflicto con el fondo en algunas circunstancias, la mejor ruta más segura para ir es agregar un fondo a tu texto. Eso se puede hacer directamente dentro de Premiere. Seleccionas fondo, cambias la opacidad de ese fondo. Se puede cambiar el color de ese fondo para que al seleccionar el color, por lo que si se quería un negro sólido a alrededor del 80 o 90 por ciento, se puede hacer. Incluso se puede cambiar la expansión de ese fondo e incluso la redondez de ese fondo. Puedes hacer que esto se vea muy claro y muy nítido con un esfuerzo muy mínimo de tu parte para asegurarte de que todos puedan leer ese texto sin importar sus limitaciones visuales. También hay aplica a cualquier secuencia de intro y outro. Asegúrese de que el texto también destaque de fondo. Si por casualidad tienes un color en tu fondo, solo asegúrate de que haya una manera de discernir el texto desde el fondo agregando alguna superposición al fondo o algún desenfoque de fondo para asegurarte que el texto sobresale de fondo. Por alguna razón, si tu texto sigue mezclándose demasiado con tu fondo, intenta aumentar el peso de la fuente. Eso simplemente se puede hacer con sólo seleccionar una fuente de estilo diferente. Como ven aquí en este momento, esto es una luz extra. Si cambias a algo como regular o medio, esto hará que el texto sea mucho más legible. Este siguiente paso es muy específico para Premiere Pro. Premiere Pro ofrece la capacidad de crear archivos de subtítulos directamente dentro de Premiere para asegurarse de que alguien que tenga dificultades auditivas o que pueda ser potencialmente sordo pueda seguir tomando parte en su película. Simplemente pasamos a la opción de “subtítulos” aquí y bajamos a cualquier área que tenga cualquier forma de texto. En realidad podemos crear una transcripción para ese texto. Voy a empezar con esto transcribiendo la pequeña secuencia aquí. La forma en que voy a hacer esto es sólo seleccionar el inicio del clip presionando “arriba” y golpeando “I” e ir al final del clip golpeando “abajo” y luego golpeando “O”. Esto va a establecer puntos de entrada y salida en nuestra secuencia. Ahora vamos a golpear “Transcribir secuencia” porque vamos a recoger transcribir en puntos fuera solamente, entonces si quieres cierta pista transcrita, también puedes hacer eso. Nuestro audio está en la pista de audio 2, así que eso es lo que vamos a seleccionar y vamos a presionar “Transcribir”. Este proceso aquí dependiendo de cuánto tiempo sea tu película, podría tardar unos minutos, podría tardar más. Sólo sé paciente aquí y espera unos momentos. En realidad tendrás todo el texto transcrito y escrito para ti. Después de apenas unos momentos transcribió este clip para nosotros. En este lado izquierdo aquí verás que escribió mi nombre es Laura Schroeder. Obviamente, eso es incorrecto. Estoy ubicado en el Noroeste del Pacífico. Soy cuentacuentos y consultor. Mis pronombres son él y él. La mayor parte de esto es genial. Todo lo que tenemos que hacer es ajustar mi nombre simplemente haciendo doble clic en él, cambiando ese nombre y haciendo clic de distancia. El bonito es que si reproducimos este clip, en realidad resaltará cada palabra individual como se está diciendo. Generar subtítulos no solo es genial para la accesibilidad sino también si alguna vez necesitas volver atrás y específicamente encontrar una cierta parte de tus metrajes, también puedes hacerlo desde aquí. Si simplemente quería buscar Northwest, automáticamente me va a mostrar eso. Se puede recorrer fácilmente cientos de horas de metraje usando esto muy rápidamente. Para crear los subtítulos en sí, esto es muy sencillo. Acabamos de pulsar el botón “Crear subtítulos”. Todo aquí debería estar bien. En realidad no hay nada que cambiar. Pero si sí quieres cambiar cuántas líneas de subtítulos hay, puedes hacerlo. Si también quisieras agregar algún espaciado adicional, puedes cambiar eso. Pero por ahora, sólo vamos a darle a “Crear”. Todo lo que tenemos que hacer es simplemente fusionar esto juntos. Presionaremos el botón “Fusionar” y seguiré adelante y pulsaré el botón “Separado”. Ahora sólo podemos seguir adelante y eliminar esa primera porción de esto y la última porción de aquello. Genial. Eso se hace automáticamente por nosotros y todo debe estar cronometrado a la perfección. Este es un proceso bastante sencillo para mostrarte cómo es una secuencia de subtítulos completa, volvemos a mi secuencia de giro y alejamos. Todo aquí en naranja son todos mis subtítulos. Adicionalmente, puedes darle estilo a tus subtítulos. Si seleccionas el panel gráfico con alguno de tus archivos de subtítulos seleccionado, en realidad puedes seguir adelante y dar estilo cómo se ven tus subtítulos. Si quieres cambiar la fuente en todos tus subtítulos, absolutamente puedes hacerlo. Se puede cambiar el estilo de peso, e incluso si tiene una sombra de gota o algo así. Personalmente aquí mismo como lo hice agregué una sombra de gota a todo esto aquí, solo para que destaque de fondo un poco más. A modo de ejemplo aquí contra la camisa blanca de este tipo, el texto no se está mezclando en absoluto. Al exportar subtítulos, tienes la capacidad de hacer estos subtítulos directamente en la pantalla. O puedes descargarlo como archivo sidecar y subirlo a algo como YouTube o Vimeo. Siguiente pieza de accesibilidad a la que dar cuenta es los niveles de audio. Como comentamos en la parte de audio de esta clase, es asegurarnos de que cuando usas tu Mezclador de pistas es para asegurarte de que tus niveles de audio estén sentados entre seis y 12 decibelios, hace que sea fácil poder subir el audio tanto como sea necesario, así como utilizar otras funciones de audio de accesibilidad que están integradas en televisores, teléfonos y otros dispositivos. Si tu audio es demasiado bajo o demasiado alto, eso podría causar algunos problemas con alguien que está usando algo como audífono. Sólo algo para dar cuenta para tratar de que tu audio se sienta entre el negativo 12 y el negativo seis. Como se mencionó en la clase anterior, usando este mezclador de pistas de audio, todo lo que tienes que hacer es arrastrar hacia arriba y abajo estas asas. En realidad ajustará tu audio a un nivel de pista completo. Aquí esta es la pista de audio 2, y simplemente puedo arrastrar esto hacia arriba o hacia abajo para ajustar todo el audio para esa pista. Como ven aquí, se reduce al negativo cinco para asegurarme de que mi voz no esté recortando demasiado alto. Por último, asegúrate de que tu película sea accesible para personas con limitaciones cognitivas. Es posible que no quieras algo con demasiadas transiciones llamativas que podrían afectarlas ya que están viendo tu película. Algo a tener en cuenta es cambiar esas transiciones si es posible, hacerlas un poco más simples o al menos, poner algún texto en pantalla advirtiendo al espectador antes de que suceda para que sepan mirar distancia o avance rápido o así sucesivamente. En este punto, básicamente estás todo terminado con tu película. Mira de nuevo directamente dentro de Premiere o Final Cut Pro y DaVinci Resolve o lo que sea que estés usando. Observe a través de un par de veces y vea si necesita cambiar algo. Si eso es correcciones de color, correcciones de audio, apretar un poco más tu línea o hacerlo más accesible para tu espectador. Asegúrate de que tu película esté marcada y se vea de la manera que quieres que lo haga antes de exportarla realmente. En este punto en el tiempo si estás teniendo algún problema en el camino, asegúrate de ponerte en contacto conmigo en la galería de proyectos para que pueda ayudarte a lo largo del proceso. En la siguiente lección, vamos a repasar exportando tu película. 13. Posproducción en la producción de producción y exportar tu película: Bienvenido a la Lección 13 de Cinematografía Remota. En la última lección pasamos por encima haciendo que tu película sea accesible. En esta lección, vamos a repasar explotando tu película. Cada editor de video es un poco diferente a la hora de exportar tus metrajes. Específicamente en este caso, vamos a repasar el flujo de trabajo de exportación de Premiere Pro. Ahora lo primero que tenemos que hacer es que nuestros puntos de entrada y salida en nuestra línea de tiempo porque tengo muchos otros clips en mi línea de tiempo. No queremos todo el asunto. Queríamos sólo una cierta porción de ella que elegimos. De lo que vamos a hacer, simplemente podemos fregar nuestra línea de tiempo hasta el punto que queramos. Una vez que nos acercamos al principio, podemos acercar y usar los botones arriba y abajo para simplemente seleccionar la parte que queremos. Presiona I en tu teclado para decir tu punto final. Desplácese hasta el final de su video y presione hacia arriba para llegar al punto que desee. Quiero alinearlo con mi audio final aquí en prensa O. También Premiere agrega un marco adicional de espacio negro. A mí me gusta sacar eso. Ahora que tenemos toda la secuencia que queremos seleccionada, todo lo que tenemos que hacer es seguir adelante y arrancar esto. Simplemente puedes hacer eso yendo a Archivo, bajando a Exportar y luego a Media. O puedes presionar Command M en tu teclado. Una vez que eso esté en cola, tenemos que seleccionar el formato que necesitamos. Si tienes algún presets, puedes usar eso. Seleccione el nombre de salida en la carpeta de salida y luego aplíquele un lote de color. En primer lugar, todo lo que tenemos que hacer es seleccionar la salida que queremos. Para ello, es subirlo realmente a la galería de proyectos, te recomiendo usar H.264 o H.265. Para un formato más pequeño, H.265 funciona muy bien. Ese formato también se conoce como HEVC en lugar de estrena ventana de exportación. Cuando se trata del preset, no tenemos uno específicamente, así que vamos a dejar esto vacío. Cuando se trata del nombre de salida, puedes ponerle título lo que quieras. Por defecto, Premiere va a titularlo sea cual sea esa secuencia. Si quieres cambiar el título así como dónde se encuentra, simplemente haz click en este. Te pondrá en cualquier carpeta para que como ejemplo, esta es la carpeta de exportación. Si quería volver a título esto, sólo puedo volver a título esto para película o lo que sea. Golpea, Ok, golpea Guardar. Una vez que eso termine, simplemente puedo seleccionar si quiero tanto mi audio video y por supuesto en este caso sí quiero tanto video como audio. A continuación tenemos que entrar en la sección Efectos y seleccionar el Lumetri Look. Específicamente Premiere Pro por alguna razón, le gusta desaturar los colores que le aplicas en el proceso de exportación. La forma más fácil de ajustar esto es que Adobe realmente te proporciona mucho para aplicar a tus metrajes cuando estés listo para exportar. Simplemente echa un vistazo al área Lumetri Look/Lut click Aplicado y sube a Seleccionar. Cuando estés en esta área aquí dentro de tu archivo de proyecto, deberías ver un área que diga Premiere Pro Export LUT. Adelante y seleccione este archivo el cual debería terminar en.cube. Hit Open, en realidad se aplicará. Aquí no se dirá nada, pero deberías tener una caja azul alrededor de esta ventana. Ahora antes de que realmente lo exportemos, queremos asegurarnos de que estamos tomando una cuenta para esos subtítulos que aplicamos. Si vas a la sección de subtítulos, tendrás un par de opciones diferentes. En las opciones de exportación, puedes bajar esto y puedes decidir ponerlo como archivo Sidecar o también puedes grabar esto directamente en tu video. Dependiendo a dónde estés subiendo esto, puedes tener un par de casos de uso diferentes para esto. Si estás subiendo a YouTube o Vimeo o algún lugar que admita subir tus propios subtitulados, te recomendaría usar un archivo de Sidecar para que el espectador real los pueda activar o desactivar o aplicarle su propio estilo. Alternativamente, si estás subiendo a una plataforma que no te admite subir tus subtítulos de forma nativa, asegúrate de grabarlos directamente en el video. Este es un gran hackeo cuando subes cosas a Instagram o Twitter. Si el usuario no tiene su sonido encendido, aún puede ver tu texto. En este caso aquí vamos a seguir adelante y crear un archivo Sidecar y vamos a desplazarnos aquí hasta Queue o Export. Esto depende enteramente de ti. A mí me gusta hacer toda mi exportación a través de Adobe Media Encoder, pero también puedes hacerlo directamente a través de Premiere. Voy a seguir adelante y sólo decir Cola. Dale unos segundos. Deberías el lanzamiento de Adobe Media Encoder. Deberías verlo aparecer en tu cola aquí. Ahora si miras aquí, tenemos esa Sequence de Thor igual que la retituló con el código que elegimos y luego la ubicación donde lo estamos poniendo. Ahora en este punto, todo lo que tienes que hacer es presionar el botón de reproducción. Una vez que pulses el botón de reproducción, va a empezar a renderizar tu archivo. Ahora bien, dependiendo de cuánto tiempo sea tu película, esto puede tardar un rato, dependiendo de la velocidad de tu computadora, cuánta memoria tengas etc. Esto puede tardar unos minutos, unos momentos o podría tardar mucho más tiempo, como unas pocas horas. Simplemente sigue adelante y presiona Play, aléjate y luego regresa más tarde. Después de exportar el video, dirígete a tu buscador y sigue adelante y mira la película. Aquí tu video debe reproducirse y muy suavemente sin tener que preocuparte por cualquier tartamudez o cualquier desaceleración debido a efectos o coloración o así sucesivamente. Mira tu película a través de unas cuantas veces para ver si captas algún error, transiciones extraviadas etc. Si tu película es buena y te gusta justo como está, definitivamente adelante y sube esta película al proyecto galería también. Siéntete libre de compartir esto en social también y etiquetarme si quieres. Definitivamente seguiré adelante y lo volveré a compartir también. Cuando planeas estrenar tu película o un tráiler o algo en una fecha posterior, he incluido un calendario editorial también con los materiales de la clase. En la siguiente lección, repasaremos todo lo que hemos logrado durante esta clase. 14. Recapitulación: Bienvenido a la Lección 14 de cine a distancia. En la última lección, aprendiste a exportar tu película. En esta lección, recapitularemos todo lo que has logrado en esta clase. En primer lugar, felicitaciones por completar el cine a distancia. Has completado película remota desde el concepto hasta la finalización, ahora deberías sentirte más cómodo planeando, produciendo y editando tu película. Ahora puedes usar esta nueva habilidad para producir futuras películas, podcast, o videos sociales. Si sí compartes tu película y redes sociales, asegúrate de etiquetarme para que yo pueda compartirla también. Por último, si tienes alguna inquietud, pregunta o retroalimentación para este curso, asegúrate de hacerme ping en la galería de clases. Muchas gracias por crear película remota conmigo. Espero que hayas encontrado valiosa esta clase, y te inspiró a crear.