Cine profesional: secretos de veteranos de Hollywood

1. AVANCE: Isaac, y estoy encantado de darle la bienvenida al curso profesional de cine y producción cinematográfica Con más de una década de experiencia cinematográfica, he tenido el privilegio de dirigir producción y enseñar el arte del cine Y ahora te estoy trayendo esta pericia directamente. Ya sea que estés encarnando a cineasta, a un aspirante a productor o a alguien que simplemente pasa por películas, este curso está diseñado para llevarte del sueño a la distribución Cubriremos todo el proceso cinematográfico comenzando con el desarrollo donde nacen las ideas y pasando por la preproducción, producción y posproducción finalmente, nos sumergimos en el lado de los negocios con lecciones sobre la venta tu película y el trabajo con distribuidores para sacar tu película al mundo A lo largo del curso, haremos referencia a leyendas de la industria como la productora Aly Sachs, directora Tamara Davis y el director de fotografía David Edwards, así como exploraremos la visión del editor, Eddie Amininton, el diseñador de sonido Mark Margini Al final de este curso, comprenderás cómo darle vida a tu guión, navegar por la industria cinematográfica y maximizar el potencial de tu película para llegar a audiencias de todo el mundo. Lo que necesitas es una pasión por la narración de historias. Acceso básico a herramientas como una cámara o teléfono inteligente, y una disposición para aprender. Juntos, descubriremos el secreto del cine profesional Así que consigamos estrella y hagamos realidad tus sueños cinematográficos 2. Desarrollo, parte1: Tom Ant dijo una vez, nadie sabe realmente cómo se hace una película, aunque muchas cosas hacen desde el parpadeo de una idea hasta la imagen falsa en pantalla Todo el proceso es nada menos que un milagro. Este curso cubrirá todos los aspectos de la realización cinematográfica desde el guión hasta la pantalla En esta lección, comenzaremos con la primera etapa de desarrollo, donde nos sumergiremos en cómo los cineastas consiguen que sus historias sean proyectadas y financiadas Ayudar a iluminar el proceso de desarrollo, nos referimos al productor Al Sach, un productor cinematográfico conocido por películas como el Proyecto Florida y la comedia de Jennifer Lawrence No nuestros sentimientos como una visión profunda de lo que se necesita para navegar por las primeras etapas de la producción cinematográfica. Por lo que Sax también ha producido recientemente proyecto. Termina con nosotros protagonizada por Let Livia, y basada en el popular libro de Colin Hoover. Vamos a sumergirnos y comencemos. El proceso de desarrollo en el cine se refiere a la insección de una película de idear una idea, convertirla en guión y El proceso de desarrollo ha evolucionado a través historia de los cines, la historia del desarrollo cinematográfico. Durante el apogeo del sistema de estudio en las décadas de 1930 y 1940, las películas se produjeron de manera de línea de montaje Con todos los creativos bajo el empleo del estudio. Por lo que los ejecutivos asignaron directores, escritores y actores a diversos proyectos, dejando poco espacio para la elección individual. Era un ambiente altamente controlado donde el rodaje a menudo se realizaba en espacios de estudio. Los cineastas poco tenían voz en los proyectos en los que trabajaban. Después del colapso del sistema de estudio, surgió un nuevo enfoque de las unidades de paquetes. Este módulo le dio más poder a los productores que ensamblaron elemento clave para un ellos, conocido como paquete. Un paquete podría incluir un guión, propiedad intelectual, una estrella importante y un director. Con este sistema, los creativos ganaron más libertad, pero se volvió más desafiante asegurar financiamiento para proyectos Por lo que el sistema de unidades de paquetes cambió el enfoque del control de estudio a la capacidad de los productores para reunir la combinación correcta de talento y recursos. Por lo que el productor Steve Golin explica el delicado equilibrio de armar un paquete, señalando que si tienes una buena pieza de material y consigues al cineasta adecuado, atraerás a un buen elenco Según Golin, los buenos directores atraen a actores talentosos, pero la calidad de los materiales es lo que en última instancia atrae a los mejores cineastas de neumáticos Hoy en día, el sistema de unidades de empaque sigue siendo el método de producción dominante en la industria cinematográfica estadounidense. Dando a productores y creativos más flexibilidad al tiempo que agrega complejidad al proceso de realización cinematográfica El proceso de empaque, echemos un vistazo más de cerca al proceso de empaque. Según el productor Alex Sachs, el objetivo principal a la hora de empaquetar un proyecto es asegurar el financiamiento Sachs enfatiza la importancia de ensamblar el paquete antes presentarlo al mercado, ya que proporciona más apalancamiento y aumenta el valor general del proyecto Entonces realmente necesitas esos archivos adjuntos de valor para que los financieros independientes se interesen en escribirte un cheque por ti SAC explica. Esto quiere decir que no importa cómo se elabore el paquete, debe demostrar claramente por qué vale la pena invertir para potenciales financieros. Un paquete puede comenzar desde varios puntos dependiendo del elemento involucrado. Script de especificaciones. Una forma en que un paquete de película puede comenzar es con un guión específico que es guión completamente escrito creado por un escritor forma independiente sin ninguna garantía de ser producido Sin apego como directores o actores y sin pago. Los scripts de especificaciones son riesgosos para los escritores, pero pueden aprender la mano de los productores a través de agentes, gerentes u otra conexión con la industria. Un guión de especificaciones podría llamar la atención de un productor. Adicionalmente, los guiones pueden llamar la atención si les va bien en festivales de cine, siendo seleccionados para becas o apareciendo en la lista negra, una conocida lista de guiones muy buscados Al empaquetar un proyecto, el objetivo principal del productor es asegurarlo del productor, Alex explica que prefiere empaquetar una película antes de llevarla al mercado Como esto le da más apalancamiento y aumenta el valor general del proyecto, realmente necesitas esos archivos adjuntos de valor para los financieros independientes se interesen en escribirte un cheque para tu punto Saks Esto quiere decir que a la hora de armar el paquete, es fundamental mostrar dónde sería una buena inversión para las finanzas. Un Spscript suele ser el punto de partida de un paquete. Ya sea por medio de un agente en un festival o de la Lista Negra, estos guiones pueden actuar como activos valiosos en la construcción de un proyecto cinematográfico Un ejemplo notable es el luchador, escrito por Boss Tier, guionista Robert El guión se abrió paso en la Lista Negra donde llamó la atención de Tzire Fotografías de la compañía Darren Esto llevó a que se produjera la película. Pero este tipo de éxito de guión espacial es relativamente raro en la industria. La mayoría de las veces, los guiones de especificaciones sirven como una forma para que productores y ejecutivos busquen nuevos talentos en lugar de como proyectos destinados a ser pero. Si bien el proceso de empaque para SpaceScript es muy publicitado, no es la ruta más común para obtener Entonces, en cambio, este guión ayuda a los productores a identificar escritores prometedores que pueden ser adecuados para otros proyectos, expandiendo todo su talento para futuro así que si un productor ve un guión de especificaciones que quiere hacer, posible que no lo compren directamente, sino que obtengan una opción para la Esto significa que el productor asegura la capacidad de comprar el guión dentro de unos años sin comprometerse a una compra completa de inmediato Entonces, si el proyecto no avanza, los guiones nos devuelven al escritor o al productor pueden renovar la opción. Las opciones son significativamente más baratas que comprar el guión directamente Permitir a los productores evitar un gran compromiso financiero hasta que tengan la certeza de que se realizará el proyecto. Este sistema de opciones brinda la flexibilidad al tiempo que mantiene el proyecto en desarrollo. Propiedad intelectual. Otro paso inicial para empaquetar una película es adquirir propiedad intelectual, IP, que se refiere a una obra creativa como un libro, artículo 0R incluso un personaje que puede ser legalmente protegido con derechos de autor Un productor obtendrá el derecho a una pieza existente de IV y luego ensamblará el equipo creativo necesario para adaptarla a una película. Este método de empaque ha sido popular durante mucho tiempo en Hollywood porque ofrece una inversión de menor riesgo. Ya que el material ya ha demostrado su atractivo, sea a través de la venta de libros, seguimientos divertidos o significación cultural A los usuarios a menudo les resulta más fácil asegurar jurados en Ivy. productor Al Sachs explica que si bien el proceso puede desarrollarse de muchas maneras diferentes, siempre comienza por identificar el material, contactar al titular del derecho o su representante, y negociar un trato Agrega que la implicación del creador original puede variar significativamente. Por lo que los autores están más interesados en comprender la visión creativa y garantizar que la película se complemente mientras que otros simplemente están felices de tomar la silla y hacerse a un lado. La flexibilidad en que nuestros creadores se involucren con el proceso depende sus intereses personales en la adaptación. IP para películas puede venir de casi cualquier lugar, como lo ilustra Greta Gawigs Barbie. Los derechos cinematográficos de la famosa puerta habían sido licenciados por Martel a diversos productores y compañías a lo largo de los años antes de que Warner Bros finalmente diera vida al proyecto Darick describió el reto de encontrar una historia para un personaje que anteriormente arte no Ella arte para crear una narrativa para Barbie, donde trabaja el ser ardiente Elaborando una visión única para transformar el popular juguete en un futuro nf Garwik explicó el proceso como un gran signo de interrogación. ¿Cómo adaptas una muñeca sin historia inherente? Este reto ilumina la complejidad y creatividad necesarias a la hora de trabajar con IP, especialmente cuando se trata traducir algo abstracto, como un juguete en un medio narrativo como ellos. A pesar de los obstáculos, los proyectos basados en IP continúan dominando la industria debido a su atractivo preexistente y potencial financiero Existen algunas consideraciones a tener en cuenta a la hora de adquirir derechos de propiedad intelectual, derechos exclusivos o no exclusivos. Un productor debe decidir si obtiene exclusivos o no exclusivos sobre derechos exclusivos, que impiden que otra persona adeude o utilice más el costo material para asegurar. Adicionalmente, el productor debe determinar cuánto tiempo quiere adeudar el derecho. Por qué asegurar el derecho a perpetuidad o para siempre es ideal. A menudo es más rentable obtener una opción, permitiendo que el productor posea el derecho temporalmente mientras mantiene los costos de desarrollo más bajos hasta que el proyecto avance. propiedad de los derechos sobre una propiedad se conoce como la cadena de titularidad, y los productores lo revisan cuidadosamente antes de negociar por una propiedad. Garantizar una cadena de títulos clara es fundamental porque establece quién es el dueño de los derechos y garantiza que un productor pueda desarrollar legalmente el proyecto. El paquete se vuelve más atractivo cuando un productor asegura accesorios prometedores, como un attor de alto perfil o un director de renombre que encaja perfectamente con Este apego puede impulsar significativamente el atractivo de los proyectos, facilitando la obtención de financiamiento y atraer el interés de estudios o inversionistas Alessax compartió un ejemplo de este proceso con nuestra película Americana Detalló que la película se convirtió en un paquete robusto debido a la calidad del apego, que jugó un papel clave en la obtención de financiamiento. Si añadimos sólo Sidney y Paul apegados, no creo que hubiera sido tan innegable Señaló, enfatizando lo crucial que puede ser el apego fuerte. Un paquete completo con el talento adecuado puede elevar un proyecto y hacerlo irresistible para las finanzas. A menudo estamos más dispuestos a respaldar una película cuando están involucrados nombres de alto perfil. De igual manera, Martin Scorses destacó cómo el actor Robert Deniro fue instrumental para conseguir que el conductor gravante M Scorses explicó que el proyecto tenía un presupuesto muy bajo, pero la reciente victoria académica de Deniro para el Padrino pero dos combinados con su papel en la calle Scorses Min, ayudaron a empaquetar a los dos En otro ejemplo, la productora Gail Berman enfatizó nombre de Albus Lama era crucial para vender a Elvis, afirmando que su habilidad única para contar grandes historias icónicas estadounidenses lo convirtió en el director perfecto para la película Estos ejemplos subrayan el poder estelar y visión de dirección puede ser el eje de un paquete Prueba de concepto. A veces un cineasta creará una prueba de concepto para vender aún más su idea a los inversionistas Esto puede ser una manera efectiva de demostrar el potencial del proyecto antes de que tenga financiamiento completo. Por ejemplo, pueden haceel financiamiento seguro para Woodlash haciendo primero una versión corta de la película, que obtuvo suficiente interés para financiar De igual manera, la toma de James Camera se ve desde Alberta utilizando innovadora tecnología de captura de movimiento para mostrar a los financieros cómo se gastaría bien su dinero Estos ejemplos ilustran cómo una prueba visual de conceptos puede ayudar a productores y directores a dar vida a sus visiones al dar a los inversionistas algo tangible para vivir. En algunos casos, si un paquete aún no incluye un guión terminado, un productor podría asegurar el dinero inicial para pagarle a un guionista Por ejemplo, George Lucas presentó un tratamiento de 15 páginas del Graffiti americano a United Artists, que proporcionó 10 mil dólares para contratar a un guionista Sin embargo, asegurar el financiamiento para un guión no siempre garantiza la producción Incluso después de que United Artists pagara por el guión, pasaron produciendo American Graffiti después de leer el guión terminado Esto demuestra que asegurar dinero para escribir es solo el primer orden en un largo proceso de desarrollo. Una vez que un guión está en desarrollo, entran en juego las reglas del gremio de escritores Según el gremio, un escritor puede presentar un borrador, una revisión y una póliza antes de que requieran un pago adicional. Esto hace que sea crucial para los productores proporcionar retroalimentación perspicaz y efectiva al principio del los mejores productores sean aquellos que puedan dar notas que ayuden a dar forma al guión sin sofocar la creatividad del escritor, asegurando que tanto el productor como el guionista estén alineados en su visión para el Por ejemplo, los productores suelen dar notas cuando un director aún no ha sido una prueba o cuando el guionista también es el director Puede haber un aspecto de la historia que tenga que ser más claro visualmente en la página o ciertos elementos pueden requerir ajustes para adaptarse a la visión de los directores o productores En definitiva, cada escritor y proyecto es diferente. Algunos escritores prefieren trabajar o deletrear libres de presiones externas como el marketing o la interferencia del estudio. Mientras que otros disfrutan colaborando con productores y considerando factores comerciales tempranos en el proceso de desarrollo. enfoque de un productor varía según el estilo del escritor y las necesidades del proyecto, pero el objetivo sigue siendo el mismo para crear un guión que sirva a la historia al tiempo que se alinee con la visión de quienes dan vida al proyecto Este equilibrio de libertad creativa y orientación estratégica es clave para hacer avanzar el proyecto de una manera que satisfaga a todas las partes involucradas Lectura de mesa, los productores también pueden organizar una lectura de mesa donde los actores interpretan una lectura en vivo del guión, permitiendo a los cineastas escuchar el diálogo y ver en voz alta Theise ayuda a identificarse como ese ajuste. La lectura de mesa también puede generar entusiasmo por un proyecto. Por ejemplo, Martin Scoses y Robert Denaro una lectura de mesa del irlandés en Tribeca, que el productor W Winkler recordó que tocaba como busters de volcadas, que el productor W Winkler recordó que generando un zumbido a una lectura de mesa del irlandés en Tribeca, que el productor W Winkler recordó que tocaba como busters de volcadas, generando un zumbido significativo en torno a la película. Además de la lectura de mesa, un productor suele colaborar con el escritor para crear un registro Sentencia única que captura el tono general y la trama de la cuota. Una línea de troncos bien elaborada es una herramienta clave para vender el proyecto a posibles inversores o estudios. Junto a la línea de registro, el productor puede desarrollar una propuesta que incluya una breve descripción de la tarifa, comparaciones con otras películas exitosas y un resumen de los aspectos financieros. Esta propuesta como pintar una imagen clara del potencial del proyecto. Una propuesta fuerte a menudo incorpora estudios de mercado para delinear la audiencia potencial para el productor veterano Todd, Lark aconseja a los productores jóvenes diferenciarse por material de hv que es La falta enfatiza la importancia de viabilidad comercial en el cerdo, incentivando a los nuevos productores a enfocarse en proyectos que atraigan el mercado AV, lo que les puede ayudar a destacar en la industria competitiva. 3. Desarrollo, parte 2: Pitch. Un productor también creará un pitch, que es similar a una propuesta, pero más enfocado en generar entusiasmo para el proyecto y normalmente se entrega verbalmente A veces un escritor trae una idea que inmediatamente se siente lista para lanzar a estudio o finanzas, requiriendo poco desarrollo En estos casos, como suelen decir los productores, es menos pesado y es un placer leer un guión que ya brilla con potencial El objetivo del lanzamiento es transmitir el atractivo único del proyecto y entusiasmar a los tomadores de decisiones clave sobre el avance. Los cineastas pueden mejorar su tono al incluir el arte conceptual, especialmente al desarrollar un mundo de fantasía o una historia visualmente rica Estas imágenes pueden ayudar a los inversores y estudios a comprender mejor la visión de los cineastas Una vez que un paquete fuerte está en su lugar y el tono genera el nivel adecuado de interés, un estudio o compañía de producción puede acordar seguir adelante con el proyecto. Esto se conoce como iluminación verde. Turnaround. Incluso después de obtener luz verde, no se garantiza la finalización de un proyecto. Una película se puede poner en Turnaround donde un estudio de producción caliente y trata de vender el proyecto a otro estudio Esto suele suceder debido a cambios en el liderazgo del estudio u otras circunstancias imprevistas Un ejemplo famoso es Steven Spiebog ET. Inicialmente, Columbia Pictures alteró su desarrollo, dudando que el proyecto tuviera audiencia Luego, Badge tuvo que persuadir a Universal para que le comprara el guión a Colombia por 1.000.000 dólares, decisión que luego resultaría ser un error colosal para Colombia ya se convirtió en Cuando un proyecto no logra obtener luz verde, puede terminar en un infierno de desarrollo donde se estanca durante años en diversas Esto puede ocurrir por varias razones. Un estudio puede poseer el derecho pero se niega a vender o los archivos adjuntos clave como actores o directores pueden caer. Sin embargo, pasar años en desarrollo no siempre significa el fin por una tarifa. Proyectos como Dallas Buyers Club y Mad Marx Fury Road experimentaron largos procesos de desarrollo, pero finalmente llegaron a la pantalla grande después de superar múltiples pedidos Entonces, una vez que un guión se acerca a su forma final, el productor crea una estimación presupuestaria aproximada, generalmente desglosada en costos de producción, postproducción y distribución. Esta estimación presupuestal es esencial para pasar a la fase de financiamiento. Hay dos métodos primarios para financiar el financiamiento de estudios cinematográficos y el financiamiento independiente. Cada método tiene sus propios procesos y desafíos, pero la estimación inicial del presupuesto establece el escenario para asegurar el fondo necesario para dar vida a los proyectos. Financiamiento de estudio. Por lo general, los estudios tienen rutas más establecidas hacia financiamiento ya que su proyecto tiende a generar mayores ingresos y atraer mayores inversionistas. Por lo tanto, con redes de distribución establecidas, acceso a los mejores talentos y un historial de éxito de taquilla, estudios pueden asegurar más fácilmente grandes presupuestos y socios. Esta estabilidad financiera les permite asumir proyectos de alto riesgo y alta recompensa, a menudo con campañas de marketing sustanciales y alcance global. Además, los estudios a menudo tienen relación con acuerdos de comercio de productos financieros y oportunidades de comercialización, aumenta aún más su capacidad para financiar la producción a gran escala Venta. Un tipo de financiamiento para un estudio es la preventa, donde una película es licenciada a un distribuidor en un territorio específico incluso antes de que se complete. Por ejemplo, una compañía de distribución japonesa podría prepararse para el derecho a distribuir la película en Japón. Este modelo brinda apoyo financiero temprano a los cineastas, lo que les permite cubrir los costos de producción antes de que se estrene la película Históricamente, las preventas han involucrado principalmente derechos teatrales, pero en el mercado actual, las productoras también pueden prevender derechos a Otorgándoles la capacidad transmitir la película en diversas regiones. El éxito de las preventas a menudo depende del apego de la película, como actores o directores bien conocidos. Cuando los grandes nombres están involucrados, distribuidores están más dispuestos a invertir temprano, haciendo que las preventas sean más lucrativas A veces, asegurar acuerdos con solo dos o tres territorios clave, como un distribuidor francés o inglés puede ser suficiente para financiar toda la producción. Una vez terminada la película, cualquier distribución adicional en territorio adicional se convierte en beneficio extra. Este método es una parte crítica de la estrategia financiera de un cineasta, especialmente para películas independientes, financiamiento GAP Un estudio también puede utilizar el financiamiento GAAP, que implica sacar préstamos basados en los derechos vendidos de una película en lugar de depender de las preventas, el estudio toma prestado dinero anticipando ingresos futuros de las eventuales ventas a distribuidores una vez que se complete la película Esto permite al estudio asegurar financiamiento sin comprometerse con acuerdos de distribución temprana. Pickup negativo. Otra forma de financiamiento de estudio se llama una recolección negativa, donde un productor vende su película a un estudio otorgar el derecho de distribución del estudio. Con beneficio dividido entre el productor y el estudio. En este arreglo, el productor o productora es responsable financiar la película por adelantado mientras el estudio acepta comprar el proyecto terminado Esto permite al productor conservar el control creativo, pero con la seguridad de una distribución respaldada por un estudio, sin embargo, un inconveniente importante de este método es que si la película supera el presupuesto durante la producción, el productor es el único responsable de cubrir el costo adicional. Esta presión puede ser inmensa, como se vio durante la producción de Superman, donde los sobrecostos presupuestarios llevaron a una tensión significativa entre el productor Pierre Spangler y La tensión financiera adicional puede complicar las relaciones y potencialmente impactar la calidad del financiamiento de la pizarra del producto final El financiamiento de pizarra es otra forma de financiamiento de estudio donde las firmas de capital privado o fondos de cobertura invierten en un grupo de pizarras o películas en lugar de una sola producción, estas estrategias extienden el riesgo financiero ya que el éxito de una o más películas en las pizarras aumenta la probabilidad de recuperar la Al diversificarse a través de múltiples proyectos, los inversionistas tienen más posibilidades de obtener rendimientos, incluso si alguna película bajo notable ejemplo de este enfoque fue el acuerdo de 2005 entre Warner Brothers y Legendary Esta asociación asegura 500 millones de dólares en capital privado para financiar una lista de 25 películas, entre ellas éxitos de taquilla como Batman Bigins y El éxito de estas películas demostró que OSLGFinancing puede ser un modelo de inversión lucrativo tanto para estudios como para tanto para estudios como C producción O La producción es el reverso del financiamiento de pizarra. Web Multiple Studio colabora para financiar una sola película y dividir sus derechos de distribución Esto permite a Studio compartir tanto el riesgo financiero como los potenciales Un ejemplo notable es Wells Times at Midnight, que fue producido por productoras españolas, por productoras españolas, películas internacionales y la productora suiza ApeanFLMS, además de que luchó por asegurar fondos para su Colocación de productos. Otra fuente de financiamiento para un estudio ellos proviene de la colocación de productos. Donde la marca paga para que sus productos aparezcan de manera destacada en una película Un ejemplo famoso es Enkin que según se informa pagó cerca de 45 millones de dólares por su aparición en Sky four Este tipo de patrocinio es cada vez más frecuente. Nuestros estudios enfrentan el desafío de perder valor de mercado asociarse con películas para aprovechar la visibilidad y el poder estelar de las celebridades, y como resultado, se espera que la colocación de productos crezca aún más en el futuro Además de la marca, estudios a veces se asocian con entidades gubernamentales para ssvals financieros y logísticos Una de esas asociaciones es el Complejo de Entretenimiento militar, donde el Departamento de Defensa de Estados Unidos colabora con estudios en ciertas películas de acción Esta colaboración a menudo implica brindar asistencia para la producción, como el acceso a equipos militares o ubicaciones. A cambio, las películas retratan el positivo militar que puede ayudar a impulsar la percepción pública Un ejemplo notable es Top Gun, que recibió un apoyo significativo de la Armada de Estados Unidos. A cambio de esta asistencia, la película representó a la Marina bajo una luz heroica, ayudando a rehabilitar su imagen después de la guerra de Vietnam Esta relación simbiótica beneficia tanto a los militares como a los cineastas, permitiendo secuencias de acción de alta calidad al tiempo que promueven el interés En el financiamiento. El financiamiento cinematográfico independiente a menudo carece de acceso a vías de financiamiento a gran escala disponibles para estudios, cineastas y productores líderes para buscar dinero de fuentes menos convencionales El proceso puede sentirse más rudo ya que confían en la creatividad y la persistencia para reunir los recursos necesarios El objetivo final en el financiamiento independiente es asegurar un financiador de capital Alguien que proporcione una inversión directa en efectivo. Esta se considera la forma más fácil y directa de financiamiento ind, ya que simplifica el proceso al evitar estructuras de financiamiento más complicadas Sin embargo, encontrar tal inversionista puede ser un desafío, especialmente para proyectos más pequeños o más riesgosos. Multitud Muchos cineastas al principio de su carrera recurren al crowdfund confiando en conexiones personales para recaudar dinero para su proyecto Plataformas como Kickstarter se han vuelto populares entre películas como el Barber Doc utilizando sus fondos adicionales seguros para el efecto visual El crowdfunding ayuda a los cineastas a construir una comunidad en torno a su trabajo al tiempo que reúne el respaldo de financiamiento esencial Otros cineastas como Coen Brothers tomaron un enfoque diferente al crear un tráiler promocional para atraer a inversionistas privados que tanto film blot siguieron alguna estrategia Rahimi de Evil Dead, donde en lugar de llamar en frío a posibles inversionistas, los invitaron a ver una Esta estática les ayudó a ganar interés y financiamiento de una manera más personal y atractiva. Otorgar. Las subvenciones son una valiosa fuente de financiamiento para los cineastas, brindando apoyo financiero sin necesidad de pago El fondo suele ser ofrecido por organismos gubernamentales u organizaciones sin fines de lucro, lo que permite a los cineastas emergentes enfocarse en su proyecto creativo sin la carga de la deuda financiera La primera película de Spike, ella tiene su A recibió su financiamiento inicial a través de varias subvenciones con sede en Nueva York, proporcionando lo cruciales que pueden ser las subvenciones para lanzar la carrera de un cineasta Una vez que un cineasta ha completado un guión o una versión corta de su proyecto, también puede explorar oportunidades en el Festival de Cine para obtener financiamiento adicional Los festivales ofrecen no solo una plataforma para exhibir el trabajo, sino también la oportunidad de asegurar el financiamiento a través de la creación de redes presentando un proyecto terminado o aclamado por presentando un proyecto terminado o aclamado en un festival de cine Los cineastas pueden aprovechar la atención de posibles inversores Wes Anderson, por ejemplo, logró asegurar fondos para su primera película futura A Rocket después de que la versión corta se proyectara en Sundance Fue aquí donde James Brooks reconoció el potencial en proyecto de Anderson y se ofreció a producir el futuro largometraje, ilustrando cómo los festivales de cine pueden ser un paso crucial para asegurar un respaldo importante. Otro lugar destacado para financiamiento cinematográfico es el mercado cinematográfico estadounidense donde los cineastas pueden presentar su proyecto y establecer contactos financieros en eventos como este, los realizadores pueden anunciar un paquete completo, incluyendo un director de guion y elenco para atraer interés El proceso es muy parecido a vender en un mercado donde se hacen tratos que eventualmente conducen a la producción de la película unos meses después. Este entorno de mercado permite a los cineastas generar entusiasmo e inversión en su proyecto, impulsándolos más cerca Los cineastas independientes pueden encontrar financiamiento adicional a través de firmas de capital privado Empresas de inversión que gestionaban inversiones de grandes cantidades de dinero, estas firmas se apostarán a que esta firma apostará su dinero con la esperanza de un gran pago. En la parte de atrás, las fims pequeñas son de alto riesgo. Las películas pequeñas son inversiones de alto riesgo. Sin embargo, generalmente firmas de capital privado, solo financiamos compañías de producción independientes con un historial probado. Empresa de bonos. Los cineastas independientes pueden buscar financiamiento adicional a través de la financiación de bonos Bridge El financiamiento puente es otro recurso financiero clave disponible para los cineastas Este préstamo a corto plazo es proporcionado por un prestamista para asegurar un apego con el pagaré de un inversionista que sirve como garantía El préstamo permite al productor asegurar elementos importantes como un director o actor de alto perfil para el proyecto. Sin embargo, el financiamiento puente es costoso porque generalmente se usa en situaciones urgentes y los prestamistas cobran una prima por el rápido acceso al formulario Como explica Alex, el financiamiento puente se convirtió en una necesidad ya los cineastas independientes buscaron formas de estructurar su financiamiento fuera del sistema de estudio tradicional, permitiéndoles avanzar con sus proyectos a pesar de las limitaciones financieras, el autofinanciamiento autofinanciamiento es una opción para los cineastas, aunque conlleva un riesgo significativo Como dicen, es muy probable que no recuperen su inversión, e incluso las películas independientes pueden ser costosas de producir Sin embargo, hay notables historias de éxito como Kevin Smith Clark, que se financia con múltiples tarjetas de crédito. Cineastas tan bien establecidos como Y también autofinanciaron su proyecto Desde la visita, MKight Mortgage busca financiar cada una de sus películas, demostrando el riesgo personal que toman los cineastas para ver a través de su visión En algunos casos, los cineastas o actores pueden reducir los costos de producción forjando sus salarios iniciales cambio de back-end point, lo que significa que solo tendrán dinero fuerte si la película tiene éxito esta práctica conocida como compensación diferida es una forma para los creadores de personajes hagan su proyecto sin necesidad de compensación económica Esto puede ser particularmente eth cuando se trata de reducir el presupuesto inicial de una película, permitiendo una mayor flexibilidad en el financiamiento. La manera efectiva de mantener bajos los costos de producción es utilizando incentivos fiscales. Muchos países y estados de Estados Unidos ofrecen exenciones fiscales para atraer producciones cinematográficas, reduciendo los gastos para los cineastas Lugares como Vancouver y Georgia son opciones populares debido a sus incentivos generales, lo que las convierte en opciones rentables para filmar películas. Tanto las producciones independientes como las respaldadas por el estudio suelen aprovechar estos incentivos para ahorrar dinero y estirar su presupuesto. Hacer una película demanda creatividad, y esto se extiende al proceso de adquisición de financiamiento. Los productores más exitosos son aquellos que continuamente encuentran formas innovadoras de asegurar las finanzas necesarias para dar vida a sus proyectos. Aprovechan una variedad de recursos, desde subvenciones y capital privado hasta incentivos fiscales y compensación diferida, navegando constantemente por la complejidad de la industria El proceso de desarrollo suele ser una de las etapas más desafiantes en la realización cinematográfica Puede estar plagado de rechazo, retrasos y frustración, incluso para cineastas experimentados, asegurar la financiación y alinear al equipo adecuado puede parecer que tanto la asistencia creatividad son clave para superar este Con una visión clara, un paquete convincente e ingenio financiero, sin embargo, cualquier cosa es historia bien elaborada combinada con soluciones estratégicas de financiamiento puede convertir una idea en una película completamente realizada, demostrando que el poder de la creatividad se extiende más allá de la cámara hasta la base misma de hacer la película. 4. Preproducción, parte 1: ¿Cuándo comienza la preproducción? preproducción es la fase crítica de planeación en el cine, involucrando el proceso de planeación y ejecución de todas las tareas que deben realizarse antes de que comience la producción Esta fecha generalmente comienza una vez que se finaliza el guión e implica un esfuerzo de colaboración entre el personal clave, incluido el director, director de fotografía, productor, primer asistente de dirección, gerentes de producción, coordinadores de producción y Si bien cada proyecto varía en función de su proyecto y escala, ciertas listas de verificación universales pueden ayudar a agilizar este proceso verificación de preproducción está disponible en el activo de costos para su referencia, sirviendo como un recurso guardable mientras planifica su propia producción. Bien, seguir adelante. Entonces, una vez que superas la etapa de desarrollo y te sientas a la luz verde, es hora de enfocarte en sentar una base sólida para la preproducción antes sumergirte en aspectos más emocionantes como la degustación y el conteo de ubicaciones. Piense en cada producción como un negocio. Muchos están formalmente incorporados y registrados ante el estado. El primer paso significativo en su lista de preproducción es establecer una entidad comercial Para mí, la entidad legal como una sociedad de responsabilidad limitada, LLC es común, ya que protege los propietarios de la responsabilidad personal y simplifica los impuestos Aunque las LLC son la opción más popular para las compañías cinematográficas, otros tipos de entidades como empresas únicas o también se pueden usar otros tipos de entidades como empresas únicas o corporaciones dependiendo de la estructura de la producción Es necesario determinar si la película se producirá bajo una productora existente como JJ Abrams Bad Robot, o si va a crear una entidad corporativa separada, Open LLC Establecer esta estructura de negocios es esencial ya que regirá toda contratación y firma de contratos. Con una entidad comercial en su lugar, puede abrir un fondo de producción de depósitos en cuenta bancaria para retener asesoría legal para su supervisión y armar su equipo de producción. preproducción comienza inmediatamente después de la etapa de desarrollo, tras la finalización del guión. Una vez que el guión esté, puede iniciar el proceso de preproducción un diagrama que ilustra un flujo de trabajo básico de preproducción Se proporciona un diagrama que ilustra un flujo de trabajo básico de preproducción para guiarlo, señalando que si bien cada proyecto puede diferir, esta secuencia de operaciones se puede aplicar en varios formatos, incluyendo cortometrajes, música, video, comerciales y largometrajes Durante esta fase, varios miembros de la tripulación realizan numerosas tareas con el primer director asistente desempeñando un papel fundamental en la coordinación del flujo de trabajo y asegurando que todo funcione sin problemas Por lo que la preproducción, la preproducción es la fase crucial de planeación que se da antes de que comience el rodaje principal de la película Bien, comience una vez que se haya finalizado el guión y el proyecto esté proyectando dentro de Italia, decir, se ha asegurado el financiamiento. Durante esta etapa, el productor y el director comienzan a trabajar juntos, pero pronto el equipo se expande para incluir a una variedad de especialistas que supervisan diferentes aspectos de la preparación Degustación y ubicaciones contando para escenografía y presupuestación preproducción consiste esencialmente en recopilar toda la información necesaria y distribuirla al departamento correspondiente Con el objetivo de asegurar que todo esté meticulosamente planeado y contabilizado antes de que la cámara comience a rodar Por lo que según la directora asistente de Dona Spark, la duración y complejidad de la preproducción varían dependiendo de la naturaleza de la película Para éxitos de taquilla de gran presupuesto como late runner 2049 o Black Panour Candle, forever, se puede requerir preproducción para acrobacias de efectos especiales y diseño de escenografía acrobacias de efectos especiales Bien, sin embargo, para producciones más simples como una comedia romántica o drama, la fase de preproducción puede tardar apenas unas ocho semanas. El tiempo dedicado a la preparación durante esta fase es crítico para evitar retrasos o complicaciones imprevistas una vez que comienza el tiroteo Por lo que el objetivo clave de la preproducción es asegurar que para cuando llegue el día del rodaje, todo haya sido meticulosamente planeado y visualizado como packs de una El proceso es como ensayar para el día real del rodaje, lo que permite prever y resolver problemas y desafíos potenciales Cada decisión tomada durante la preproducción, ya sea relacionada con la programación de ubicaciones o configuraciones técnicas, impulsa el proyecto hacia una fase de producción fluida y eficiente Entonces, para cuando las cámaras ruedan, el día esencialmente se ha vivido previamente en el proceso de planeación. Bien. Así que presupuestar y programar Por lo que no importa el tamaño del proyecto cinematográfico, hay pasos esenciales en preproducción que siguen siendo consistentes. Los cuatro de los cuales son presupuestación y programación. Entonces, por qué los productores suelen tener una idea general del presupuesto de una película antes de que se ilumine con luz verde en la preproducción es cuando se sumergen en los detalles ¿Bien? Esto implica analizar el guión y pronosticar dónde y cuánto dinero se necesitará para cada aspecto de la producción Por lo que durante esta fase, un productor, a menudo establecemos una oficina de producción para manejar el lado administrativo por lo que el subdirector Eddie, una figura clave en el proceso de preproducción es el subdirector, Ed que funciona como la unidad central de procesamiento del proyecto. Como describe el subdirector Donald Sparks, Ed constantemente toma procesos y redistribuye la información en todo el departamento para mantener la película en buen camino Entonces el papel del ED va más allá de la gestión justa. Se encargan de establecer la planeación y gestión de las actividades diarias del equipo de filmación. Entonces esto requiere un enfoque dinámico y flexible ya que el ED debe hacer planes, planes respaldo y ajustes para garantizar que todo funcione sin problemas ¿verdad? Por lo que su supervisión asegura que cada departamento entienda su línea de tiempo y sus necesidades de mano de obra en función del horario de rodaje y otros detalles de preproducción, desglose del guión Una de las tareas más importantes de Ed es realizar un desglose del guión, un análisis detallado que saca cada elemento del guión desde personajes y accesorios hasta ubicaciones, un desglose especial, este desglose implica dividir cada página del guión en ocho, permitiendo una comprensión más precisa de cuánto tardará cada escena en filmar y cuánto costará Esta información es crucial para crear un presupuesto integral y un cronograma de tiro, en el que cada departamento confía para planificar sus recursos y actividades. Entonces, el horario de rodaje que produce Eddy sirve como plano para toda la producción, dictando así el flujo del proyecto desde la preproducción Entonces programando la producción. El asistente de dirección, Eddy también es integral para programar la producción, un proceso que requiere equilibrar una variedad de factores para asegurar un rodaje suave. programación de una película implica tomar en cuenta el número de páginas a filmar cada día, que varía según el presupuesto y alcance del proyecto. Para una producción de gran presupuesto, el objetivo podría ser rodar solo una página por día. Permite configuraciones complejas y un mayor número de ventas, ¿de acuerdo? Entonces, en películas independientes más pequeñas, es posible que el equipo deba pasar tantas cinco páginas en un solo día para mantenerse dentro del presupuesto y el tiempo. Por lo que la complejidad de la programación aumenta con el tamaño del proyecto. Por lo que un departamento pequeño y personas están involucradas requiriendo una cuidadosa coordinación. Por lo que un aspecto esencial de la programación es dar cuenta de la disponibilidad del elenco y el equipo. Además, en escenario ideal, el AD bloquearía los horarios de todos los involucrados para toda la generación del rodaje, asegurando la disponibilidad. Sin embargo, en realidad, esto rara vez es posible, especialmente en producciones más pequeñas o aquellas con actores de alto perfil que pueden tener compromisos contradictorios AD debe trabajar en estrecha colaboración con cada departamento, ya sea vestuario, efectos especiales o equipos de cámara para determinar qué se necesita para cada escena y cómo acomodar la disponibilidad del personal clave Esto a menudo implica ajustar el horario para priorizar escenas que requieren ubicaciones específicas de actores o preparación Además, ciertas escenas pueden exigir significativamente más tiempo de preparación que otras, para agregar otra capa de complejidad al proceso de programación. Por lo tanto, la secuenciación de acciones, efectos especiales o escenas que involucran diseños de escenarios elaborados pueden requerir tiempo extra para configurar y ejecutar. Por lo tanto, el AD necesita anticipar estos desafíos asegurando que el cronograma permita el tiempo de preparación necesario sin retrasar el equilibrio general de estas variables es crucial para mantener el flujo de la canaleta, evitar demoras costosas y garantizar que cada departamento pueda entregar lo que se necesita a tiempo y dentro del presupuesto Además, el horario de los actores juega un papel importante en la forma en que se organiza una producción. Una vez completado el proceso de casting, el asistente de dirección AD también debe trabajar alrededor de la disponibilidad de cada uno por ejemplo, si un actor solo está disponible por dos semanas mientras otro actor que interactúa con ellos está disponible durante ocho semanas, el AD debe encontrar la manera de superponer sus horarios durante ese tiempo. Esto crea un rompecabezas complejo ya que el AD tiene que garantizar que las escenas que requieren que ambos actores sean filmadas dentro del período de tiempo compartido, este tipo de desafíos se agregan constantemente a la mezcla, y es responsabilidad del Ed administrar estos detalles, ajustando el horario a medida ingresa nueva información departamento de casting y pedidos Bien, para mantener todo organizado, un servicio de urgencias también puede usar un informe diario. Qué gráfico, qué días se necesitará cada actor en el set. Este informe es fundamental para garantizar que los actores estén programados de manera efectiva y que no se pierda tiempo Además, el AD suele evitar programar escenas físicamente o emocionalmente exigentes espalda con espalda para evitar sobreejercer a los actores Al trazar cuidadosamente cuándo se necesitan actores y equilibrar la demanda de cada escena, el AD asegura que la producción se desarrolle sin problemas y que los actores puedan actuar de la mejor manera cuando sea necesario. Por lo que los inquilinos de equipos son otros factores clave que el subdirector ED debe considerar al programar un rodaje de película Si se requiere un equipo costoso como una plataforma especializada o una plataforma especializada o una configuración de cámara para varias escenas, el EDI puede agrupar esas escenas para minimizar el período del inquilino y reducir los costos Por lo que al hacerlo, la producción evita gastos innecesarios y asegura que el equipo esté disponible precisamente al momento de programar equipos, dependencia es de manera efectiva es crucial, especialmente en producciones más grandes donde los costos pueden escalar rápidamente Por lo que adicionalmente, factores externos como el clima pueden complicar la planificación se ven durante el fiming del renacido donde la tripulación tuvo que ajustar repetidamente su horario debido al clima impredecible por lo que la hora del día es otra consideración importante a la hora de día es otra consideración importante programar una sesión día y la noche a menudo necesitan programarse por separado para permitir que la tripulación tenga el tiempo adecuado para ajustarse entre configuraciones. Las sesiones nocturnas suelen ser limitadas porque requieren una tasa de pago más alta para la tripulación bajo las reglas del sindicato, lo que las hace más costosas. Para evitar estos gastos extras, mayoría de la producción programa escenas nocturnas parentamente a menos que la historia exija lo contrario Estos desafíos logísticos contribuyen a que las películas rara vez se rodan en el orden, la historia se desarrolla En cambio, Ed planea estratégicamente en base preocupaciones prácticas como la disponibilidad de los actores, necesidad de equipo, el clima y los requisitos de hora del día, asegurando que la sesión se mantenga dentro del presupuesto y según lo programado Por lo general, una filmación opera en un horario de seis días, seguido de un día libre con cada jornada laboral que dura alrededor de 11 horas No obstante, los subdirectores suelen tratar de construir un tiempo extra cada día y reservar unos días adicionales al final del rodaje en caso de que las cosas tarden más de lo esperado. Este periodo de búfer es esencial para acomodar retrasos o rehoot El cronograma de producción es una entidad dinámica en constante evolución ante circunstancias imprevistas Por lo que los cambios climáticos, retrasos inesperados o enfermedades entre el elenco o el equipo pueden alterar el horario, requiriendo que el Ed ajuste continuamente el plan desde el inicio de cada día hasta el final. lo tanto, administrar el cronograma de producción implica hacer malabares con muchas partes móviles, razón por la cual a menudo se basan en herramientas como la placa de tira de estreptocócicos es una tabla codificada por colores que organizan la información para cada C, ayudando al Edit a realizar un seguimiento de lo que se necesita filmar y cuándo en el pasado, esto se hacía manualmente, pero hoy en día la mayor parte se maneja electrónicamente Eso es parte del barco a lo digital también. Así que dis como Dona Sparks prefieren el método tradicional de colocar el strip board en formato físico semana a semana. Donde pueden visualizar todo el rodaje de un vistazo. Tener una junta física también fomenta la colaboración durante la reunión. Permite a diversos departamentos reunirse alrededor, examinar el horario y hacer preguntas. Por lo tanto, este y un enfoque ofrece la oportunidad a los miembros del equipo tener discusiones sobre escenas específicas, solucionar problemas en tiempo real y asegurarse de que todos estén en la misma página con respecto a la línea de tiempo de producción Para muchas ediciones, este método ayuda a fomentar una mejor comunicación y mantiene el complejo proceso de programación hombre por lo que el director asistente, Ed, trabaja en estrecha colaboración tanto con el productor de línea como con el gerente de producción de la unidad, UPL para garantizar que la producción se mantenga en buen camino El productor de línea obtendrá su título al desglosar el presupuesto línea por línea, es responsable de supervisar las finanzas de la película es su trabajo junto con la UPM para administrar el presupuesto y garantizar que cada día de rodaje esté dentro del plazo previsto Por lo que al final de cada día, el productor de línea debe reportar al estudio informándoles si la producción está a tiempo o se está quedando atrás. Entonces, para que este proceso funcione sin problemas, el AD necesita mantener una fuerte relación con el productor de línea y la UBM poniendo fin su confianza tomando decisiones que sirvan los mejores intereses del proyecto a los mejores intereses del proyecto y compartiendo información precisa y actualizada Entonces, mientras que el productor de línea se enfoca en controlar los costos y a menudo negocia compromisos con el director, la UPM es responsable del aspecto logístico de la Por lo tanto, la UPM garantiza que todos los elementos, ya sean equipos, accesorios o piezas de fraguado, se obtengan, transporten y gestionen Esto incluye el manejo de detalles financieros así como preocupaciones prácticas como cómo y cuándo se obtendrán recursos específicos. conjunto, el productor de la línea AD, la UPM forman un equipo vital que equilibra las ambsiones creativas con las realidades prácticas y financieras de la así como explica el productor de línea Leo Macons, el gerente de producción de la unidad UPM está estrechamente involucrado en las operaciones diarias en tierra de la tripulación Por lo que manejan los detalles minuciosos como coordinar con la casa de la cámara, agarres y riggers para asegurar que todo el equipo y materiales necesarios estén listos en el sitio El rol de UPN es altamente logístico ya que son ellos quienes físicamente hacen llamadas y confirman que todo está en su lugar, permitiendo que los paracaídas funcionen sin Esto y la implicación con la tripulación asegura que la producción se mantenga en el cronograma y que cualquier posible eCAP se aborde con prontitud 13 durante la preproducción también implica una cantidad significativa de papeleo, particularmente cuando se trata de asegurar un seguro para el rodaje Los productores aseguran que la producción esté cubierta en caso de accidente o retrasos inesperados. Un ejemplo notable de la importancia de los seguros en la producción cinematográfica es cuando Tom Cruise se rompió el tobillo en el set de Mission Impossible Flo. La lesión provocó un costoso retraso en la producción, con los gastos adicionales que alcanzaron alrededor de los 70 millones de dólares Afortunadamente, el disparo estaba asegurado, y la compañía aseguradora cubrió estos costos adicionales, demostrando el papel crítico que juega el seguro en la protección del presupuesto de una película. caso de requerir una gran cantidad de equipo costoso, que normalmente está asegurado para proteger el estudio de costos significativos si algo está dañado. Por lo que al trabajar con actores sindicales, los productores deben llenar SAG Exhibit G tiempo para asegurar que los actores reciban el pago adecuado Y SAG Exhibe B formulario que registra As y contribuciones al plan HEAT Adicionalmente, el productor firma un acuerdo de talento con Actores que describe cómo se puede usar la semejanza de un actor y cómo serán compensados Por lo que los acuerdos de ubicación también se elaboran sirviendo como documentos legales entre la compañía productora y los propietarios para permitir FEM en propiedades específicas. Por lo tanto, refiérase al activo de costo en este curso para obtener la plantilla para algunos de estos documentos de los que estamos hablando. 5. Preproducción, parte2: Ensamblar el equipo. Entonces, ¿mientras productores, subdirectores y gerentes de producción manejan la logística financiera de la película? Otro aspecto crucial de la producción es armar el equipo adecuado. Así que al igual que una película de atraco donde veteranos experimentados se reúnen para un último trabajo, una buena producción establece para contratar a las mejores personas para cada uno Por lo general, los productores y el director necesitan el proceso de contratación, comenzando por el jefe de cada departamento, incluyendo posiciones clave como el diseño de producción. Director de fotografía y mezclador de arena. Este jefe de departamento son profesionales altamente calificados que aportan una valiosa experiencia y conocimientos a la mesa, que el director puede aprovechar para ayudar a planificar la producción de manera efectiva. proceso de RN suele estar influenciado por la visión que el productor y el director tienen para la película, así como por cualquier relación preexistente que puedan tener con ciertos profesionales. Por ejemplo, Steven piebot colabora frecuentemente con el mismo jefe de departamento en múltiples películas, como el director de fotografía, como el director de fotografía, Joel kamski y Una vez que el jefe de departamento está a bordo, son responsables de construir sus equipos, seleccionar a los miembros de la tripulación adecuados para garantizar que cada departamento funcione sin problemas y contribuya a los temas en general. Por lo que el diseñador de producción Jason Kazvade explica que una vez que se establece un plan de juego de uso, más miembros de la tripulación comienzan a ser contratados y traídos al Contratar gente para que oiga, como traer a un coordinador de construcción antes de decidir si conjunto se construirá o no, no tendría sentido. Esto marca el inicio de la reproducción, donde el equipo solidifica sus planes antes Entonces, una vez que esos planes están en marcha, se contrata a los jefes de departamento y empiezan a armar sus equipos en consecuencia. Por lo que este jefe de departamento se convierte en el principal punto de contacto para el productor de línea así como el subdirector comunicando las necesidades de sus respectivos departamentos. Durante la reunión con el director de fotografía, producción o diseñador de vestuario, y el director asistente a menudo juega un papel de apoyo escuchando y tomando notas para asegurarse de que entienden el objetivo creativo. Por lo que si surge alguna duda, el AD asegura que se dirijan a los departamentos correspondientes. Ayudar al equipo a obtener las respuestas que necesitan para lograr los resultados deseados. Entonces, por supuesto, el proceso de RN no se limita solo a las reglas detrás de la cámara. El molde también necesita ser ensamblado. A menudo, a los actores principales se les toca el proyecto durante el periodo de desarrollo, pero la mayoría de las películas requirieron muchos más actores para completar el elenco. Entonces aquí es donde interviene el director de casting. Un director de casting comienza leyendo de cerca los guiones para entender a los personajes y sus papeles en la historia. Como explica el director de casting Emmy Hubbert, calculas exactamente cuántas escenas cada personaje, así que ya sabes, sin duda quién es el protagonista, quiénes son los que apoyan e incluso quiénes como una sola línea El proceso puede llegar hasta decidir si un papel podría ser interpretado por un extra, especialmente si el personaje solo entrega una reacción crucial. Este desglose detallado ayuda al director de casting a organizar y priorizar de manera efectiva el proceso de casting Por lo que el director de casting también colabora con el productor para determinar el presupuesto que son para contratar actor Entonces, una vez que se establece el presupuesto, comienzan a organizar audiciones y procesos que requieren que el director de casting sea a la vez exigente y delicado Bien, entonces, por qué es crucial encontrar el ajuste perfecto para cada rol. Los directores de casting también deben navegar por las sensibilidades de los actores, ya que el rechazo es parte común del proceso medida que avanza el proceso de casting, el equipo de producción continúa creciendo, departamento llenará sus filas con miembros adicionales de la tripulación, y el director de casting traerá audiciones, acuerdos unier y contratos asignados durante El director de casting E Lewis destaca que el casting suele ser un proceso privado entre el director de casting y el actor. Proteger la vulnerabilidad de los actores audicionar sobre todo porque la mayoría de ellos enfrentarán rechazo La pre visualización previa a la visualización no es todo logística. También implica una cantidad significativa de creatividad, especialmente durante el proceso de pre visualización. Entonces, una vez que el guión está bloqueado, el director a menudo con la ayuda del director de fotografía, comienza a imaginarse cómo será la película Así que la pre visualización puede tomar muchas formas. Entonces, un enfoque común es el storyboard, donde parte de toda la película rodada bosqueja. Esto a menudo implica contratar a un artista de storyboard. Un ilustrador especializado que ayuda a llevar la visión del director a la página. Por ejemplo, Alfred Hitchcock trabajó con el diseñador Sabas para crear el storyboard para psicópata En algunos casos, especialmente con películas de ciencia ficción o fantasía, director puede encargar el arte conceptual para visualizar los elementos más fantásticos de los estos visuales son esenciales para el departamento de arte ya que el diseñador de producción los utiliza para llevar a la vida la idea del director Entonces George Lucas, por ejemplo, trabajó con el diseñador Ralph Macquarie, crear ilustraciones detalladas para Star Wars, lo que ayudó a dar forma al aspecto del escenario icónico de la película Ya sea que la película implique escenarios de sonido o rodaje en localizaciones, el diseñador de producción, junto con el director de fotografía el diseñador de producción, junto con el director de fotografía es crucial para crear y capturar los elementos visuales de la película durante preproducción, por lo que la pre visualización también puede incluir animación con animación sirve como guión gráfico editado junto con una banda sonora aproximada para ayudar al elenco y el equipo entiende el tempo de la película. Para secuencias más complejas, animaciones digitales detalladas, conocidas utilizar animaciones digitales detalladas, conocidas como pre visualización o previs Estos son especialmente útiles para escenas que dependen en gran medida de CGI o secuencias de acción intrincadas, como los enormes salarios libres en la pantalla matricial Mediante el uso de estas herramientas visuales, el equipo de producción puede planificar tomas complicadas y asegurarse que todos los involucrados sepan qué esperar dónde está el significado. Entonces, un director de fotografía, a menudo creamos una lista corta que es documentos cruciales que describe toda la cobertura que pretenden capturar para una escena determinada Esta lista suele incluir información detallada como el número de escena, el número de disparo, la ubicación, el estilo corto, ángulo de la cámara y el movimiento de la cámara. Adicionalmente, especifica los actores, sus apoyos, y las acciones involucradas en cada toma Al organizar esta información, el director de fotografía garantiza un proceso de filmación simplificado que permite a la tripulación comprender eficientemente el plan visual y ejecutarlo de manera efectiva en el set En tanto, un diseñador de producción se encarga de establecer la paleta visual de la película, lo que implica supervisar la selección de probs, decoración de escenarios y cualquier construcción de escenografía necesaria Jasen Caz valde explica que el enfoque varía según el proyecto, particularmente cuando se trata Por ejemplo, si una película requiere sitio extenso, el equipo de diseño comenzará a trabajar en planos de planta y diseños temprano para garantizar que la construcción pueda comenzar rápidamente ya que este proceso puede llevar mucho tiempo El diseñador de producción también debe considerar el horario de rodaje, que puede dictar cuándo ciertos sets necesitan estar listos para filmar Cada proyecto presenta sus desafíos únicos, pero el objetivo común es cumplir con los plazos y administrar eficazmente el proceso de diseño general. La diseñadora de producción, Sarah Greenwood ejemplifica este papel a través de su trabajo en la masiva Barbie y set Los proyectos tan extensos que contribuyeron a una escasez global de cosas. Implicación, luz, el impacto significativo un diseñador de producción puede tener no sólo en la estética de la película, sino también en las tendencias más amplias de la industria. Por lo que la meticulosa atención a los detalles y la planeación requerida en el diseño del escenario subraya la importancia de colaboración entre varios departamentos para llevar visión de un director a vez que se adhiere a horarios y presupuestos ajustados Entonces, de igual manera, un diseñador de vestuario comienza a crear atuendos basados en un desglose minucioso de guiones. diseñadora de vestuario Sandy Powell explica que nuestro acercamiento a cada proyecto depende completamente su naturaleza y de la visión del director Como nuestro objetivo final es ayudar a dar vida a esa visión. Una vez diseñados los disfraces, el equipo de vestuario suele hacer múltiples copias de cada atuendo para prepararse para contratiempos durante Por ejemplo, durante la producción de Titanic, Debra L Scott para crear 24 copias del vestido de Kate Wislet debido a los daños infligidos por Saltwater esta atención al detalle asegura que la película mantenga continuidad visual, Debra L Scott para crear 24 copias del vestido de Kate Wislet debido a los daños infligidos por Saltwater esta atención al detalle asegura que la película mantenga continuidad visual, incluso cuando surgen desafíos impredecibles. Un aspecto significativo de la visual de una película es su ubicación, cual se determina durante la etapa de preproducción a través de una búsqueda dirigida por un localizador junto con el director, director fotografía y otro explorador de localizaciones de alto nivel con sede en Nueva York Nika describe su papel como uno centrado en la observación donde pasó tiempo mirando la ciudad e la cual se determina durante la etapa de preproducción a través de una búsqueda dirigida por un localizador junto con el director, director de fotografía y otro explorador de localizaciones de alto nivel con sede en Nueva York Nika describe su papel como uno centrado en la observación donde pasó tiempo mirando la ciudad e identificando únicos características que destacan. Asegurar una ubicación en una ciudad Bostle como Nueva York requiere una amplia planificación previa, lo que convierte al equipo de contabilidad de ubicaciones en uno de los primeros departamentos en ser contratados después de la contabilidad Esta participación temprana es crucial ya que encontrar las ubicaciones adecuadas puede impactar significativamente la narrativa estética general de la película. Una vez que se elige una ubicación, un explorador de texto a menudo se realiza un trabajo a través del sitio con toda la ayuda del departamento. Este encuentro está diseñado para brindar una imagen clara de los planes de Femi con el subdirector guiando al equipo a través de la logística del rodaje Durante este trabajo, el ED explica dónde se instalarán diversos elementos, como dónde se colocarán las explica dónde se instalarán diversos elementos, escaleras, disposición de estacionamiento para el equipo y las áreas específicas donde ocurrirán acciones clave El explorador de textos sirve como una oportunidad para que cada departamento destaque los desafíos potenciales que podrían surgir subdirector Donald Sparks elabora sobre la importancia de este proceso, afirmando que se trata los detalles específicos cruciales para un rodaje exitoso. Por ejemplo, el equipo evaluará dónde estacionar el equipo, determinará la mejor ubicación para el generador e identificará dónde se pondrá en marcha el campamento base a menudo a un par de cuadras del principal por lo que esta meticulosa planeación asegura que todos los departamentos tengan la información que necesitan y que cualquier problema logístico se aborde antes comienza la filmación, lo que lleva a un proceso de producción más fluido. Por lo tanto, un director de fotografía suele realizar pruebas de cámara antes de que la filmación comience a experimentar con varios lentes de cámara y existencias de películas para evaluar cómo diferentes elementos traducen Por lo que este proceso les permite evaluar cómo aparecen localizaciones específicas, disfraces o elecciones de maquillaje frente al así que, por ejemplo, Rachel Morrison, la directora de fotografía del mod Bound probó competir con los ajustes de ASA en el significado de A Alexa para probó competir con los ajustes de ASA en el crear un nivel de grano que le daría a un metraje digital una calidad más similar a una película Por lo que durante la preproducción, estas pruebas son cruciales para establecer el estilo visual general del proyecto. Entonces como el director de fotografía considera aspectos como iluminación de bajo perfil y las mejores lentes para capturar el efecto material Entonces, el Subdirector Donald Sparks enfatiza la importancia de las pruebas avanzadas de cámara, particularmente en proyectos con elementos únicos. Por ejemplo, en Wakanda para siempre, que contó con importantes escenas acuáticas Fuera de la fase de prueba implicó evaluar cómo se desempeñaban los trajes en un ambiente acuático en comparación con la luz seca. Este nivel de preparación asegura que el director de fotografía pueda tomar decisiones informadas sobre cómo lograr lo deseado y sentir de la cosa, abordando desafíos potenciales antes comience el rodaje real Durante la preproducción, los directores frecuentemente se involucran con actores para desarrollar sus personajes y refinar sus actuaciones. Esta colaboración suele implicar conversaciones en profundidad sobre el guión y el personaje. Entonces como señaló David rosberg enfatizando la importancia del diálogo entre director y actor para explorar a fondo el papel Una práctica común en esta fase es la lectura de mesa donde los miembros del elenco se reúnen para leer el guión. Esto no sólo ayuda a la tripulación a entender cómo va a establecer la película, sino que también establece el tono para que la mesa re sirve como una oportunidad para el ajuste de última hora al guión y el casting de deciso Por ejemplo, después de leer la mesa para Min Girls, director Mark Waters y productor Leon Mitchell se dieron cuenta de que el personaje del interés amoroso de Katy no estaba resonando como se pretendía, incitándolos a reformular el esta flexibilidad durante la fase de preproducción permite un producto final coercitivo más pulido, el director Mark Waters y el productor Leon Mitchell se dieron cuenta de que el personaje del interés amoroso de Katy no estaba resonando como se pretendía, incitándolos a reformular el esta flexibilidad durante la fase de preproducción permite un producto final coercitivo más pulido, asegurando que las actuaciones se alineen con la visión del director. Por lo que el paso final de la preproducción consiste en enviar hojas centrales, lo que sirve como herramienta de comunicación crucial para la tarea y el equipo Este documento informa a todos sobre cuándo deben ser de inicio y describe el horario del día, detallando los horarios de llamadas, ubicaciones y tareas específicas. En muchos sentidos, la hoja de convocatorias actúa como la piedra angular del proceso de preproducción, consolidando toda la información recopilada a lo largo de las etapas de planeación en una única referencia integral que asegura que todos estén alineados y preparados el día de rodaje, descargue el documento de producción proporcionado en el activo de la cancha y use el y use como plantilla para guiar su producción. Este recurso te ayudará a organizar eficazmente tu agenda y a garantizar que todos los miembros del elenco y equipo de tu producción estén informados y preparados para cada día de rodaje. Entonces, ¿cuándo termina la preproducción? La reproducción marca una fase crucial en el proceso cinematográfico, exigiendo un esfuerzo considerable y atención al detalle Entonces, cuanto más diligente sea durante esta etapa, mejor equipada estará su producción para funcionar sin problemas Se acepta la resolución de problemas con anticipación. Esperar hasta el inicio no es aceptable. cuando concluya la preproducción, las tareas clave como el lanzamiento de los auxiliares, la obtención de permisos de ubicación, la contratación de miembros de la tripulación y la organización del arrendatario de equipos deben completarse Esta preparación asegura que todo esté en su lugar para cuando las cámaras finalmente estén listas para. A pesar de una planeación minuciosa, es importante reconocer que aún pueden surgir desafíos imprevistos Si bien la preproducción implica mucho trabajo, el esfuerzo puesto ahora minimizará las complicaciones más adelante Por lo tanto, es esencial mantenerse flexible y adaptativo, anticipándose a los posibles cambios y estando listos para pivotar según sea necesario Un enfoque proactivo para la problemas durante la preproducción puede mejorar significativamente la eficiencia general y el éxito de su proyecto. 6. Producción, parte 1: En nuestra última lección, exploramos todos los aspectos de la preproducción. En esta ocasión, examinaremos cómo un plató de filmación profesional opera un plató de filmación profesional y los diversos papeles involucrados. Para iluminar la etapa de producción, haremos referencia a los conocimientos de la directora Tamara Davis, fotografía Jaron Leski y segundo asistente del director Pete Dress, quienes nos guiarán por la etapa de producción y aclararán las contribuciones de cada miembro del equipo al esfuerzo haremos referencia a los conocimientos de la directora Tamara Davis, el director de fotografía Jaron Leski y el segundo asistente del director Pete Dress, quienes nos guiarán por la etapa de producción y aclararán las contribuciones de cada miembro del equipo al esfuerzo cinematográfico. Producción. La producción se refiere a la captura de metraje para un tema y a menudo se conoce como fotografía principal. Como ha ilustrado este curso, hacer una película es un maratón que puede abarcar años y exigir una resistencia extrema a todos los involucrados. Sin embargo, la etapa de producción en sí es típicamente un sprint, caracterizado por largas horas y intensa colaboración entre diversos departamentos. Por lo que este esfuerzo concentrado es crucial para transformar tu idea en una tangible ya que la producción suele mantenerse lo más breve posible. Cuanto más dura, más caro se vuelve. Por lo tanto, las películas independientes pueden tener un horario de rodaje relativamente corto a menudo dura solo un par de semanas. Por ejemplo, Fruitvale Station fue filmado a lo largo de tan solo 20 días En contraste, las producciones Blockbuster suelen extenderse a lo largo de varios meses, como lo demuestra Barbie, que comenzó a rodar en marzo y terminó en julio Además, es común que la producción se superponga tanto con la física de preproducción como con la posproducción. Por ejemplo, las cámaras podrían comenzar a rodar por qué el equipo de producción sigue planeando días de rodaje posteriores o incluso por qué el guión aún se está desarrollando. De hecho, Christopher McQueary estaba trabajando en el guión superior de go Maverick incluso después de que comenzara FIM Los editores a menudo comienzan a cortar imágenes antes de que se filmen todas las escenas , ensamblando cortes aproximados y asegurando una cobertura adecuada para identificar cualquier posible toma que pueda ser necesaria. Por qué no hay dos producciones idénticas. La mayoría sigue una estructura similar y se adhiere a las mejores prácticas. Comenzando con la planeación de brotes meticulares. Aunque la mayor parte de esta planeación, por supuesto, durante la preproducción, la dinámica de un rodaje puede cambiar inesperadamente debido a variables imprevistas que requieren un ajuste logístico continuo del departamento de producción Muchos de los individuos que trabajaban diligentemente durante el rodaje también contribuyeron durante la fase de preproducción, transitando sin problemas entre estas etapas Para más información sobre sus roles en la preproducción, consulte nuestra lección anterior. El productor de línea juega un papel vital en la gestión de la logística diaria de los tubos *** asegurando que todo funcione sin problemas trabajando directamente debajo del productor de línea, el gerente de producción se enfoca en mantener el proyecto dentro del presupuesto y programado y aprender los aspectos prácticos que son cruciales para una producción exitosa Por lo que una posición clave dentro del departamento de producción es la del primer director asistente, First AD, quien es indispensable para orquestar el rodaje sobre todo El director Tama Davis enfatiza la importancia del subdirector, afirmando que un asistente de dirección es como la mitad de mi cuerpo Ellos son mi brazo derecho, mi cuerpo a lo largo de la cosa. El primer AD aborda una multitud de responsabilidades que van más allá de lo el director podría considerar como administrar disponibilidad del actor y coordinar ubicación manejando el elemento logístico, el Primer AD permite que el director y el resto de la tripulación concentren en su tarea creativa, manteniendo el impulso del proyecto y asegurando que el la producción se mantiene en marcha. Apoyando al primer AD está el segundo subdirector, segundo ED. ¿Quiénes ayudan en estas tareas críticas? Es vestido es segunda preparación AdePla con primera ED. No necesariamente consigo tanta preproducción, pero cuando estoy ahí, me siento en reuniones y sé lo que saben. Este conocimiento equipa al segundo ED para que actúe como eje central durante la producción, facilitando la comunicación y coordinación entre los diversos elementos que intervienen en el rodaje cada día Demostrando que todo está preparado y listo, los segundos ED Fs mantienen el funcionamiento sin fisuras del set, contribuyendo en última instancia al éxito de la película Costo. Los costos son un componente crucial de casi todas las películas rodadas. Y dependiendo de la producción, ya sea el segundo asistente de dirección, segundo ED o el primer asistente SED, colaboran con el coordinador de producción para asegurarse de crearlos para cada día de rodaje. Una hoja de llamadas es un documento detallado que describe cuándo y dónde se espera que lleguen el elenco y junto con otra información esencial para el día. Estos incluyen el horario de rodaje, las condiciones climáticas, los detalles del estacionamiento, la ubicación del divisor más cercano e información de contacto para el personal clave. Una nota de vestido de escupir, te da cuál será nuestro mejor caso y línea perfecta en un martes al azar hoja de llamadas generalmente se distribuye la noche anterior al rodaje, lo que permite que todos preparen adecuadamente para el trabajo del día siguiente. La precisión es primordial a la hora de crear coset, ya que cualquier cambio o reenvío del documento puede generar confusión entre el elenco y el equipo Al proporcionar información clara y precisa, la hoja de llamadas ayuda a garantizar una producción fluida y eficiente. Además de la llamada ****, se generan diversos documentos logísticos en filmación filmada. Uno de los informes de producción más importantes . Este reporte registra información esencial sobre lo que ocurría cada día, incluyendo quién estuvo presente en el set, la duración de cada disparo visto, cualquier gasto inesperado incurrido y cualquier retraso ocurrido Esta documentación sirve como registro legal del rodaje, permitiendo a productores y productores ejecutivos monitorear el progreso de la producción y abordar cualquier problema que pueda surgir. Otro documento clave es el reporte de cámara rellenado por la segunda cámara asistente. Segundo AC, este reporte incluye información detallada sobre cada toma de toma, como la escena y el número de disparo. Jerome Blaski, director de fotografía, explica la significación de este reportaje afirmando que un reportaje de cámara tenemos obviamente la escena, el número de toma, pero también voy incluir la lente utilizada en la apertura Entonces sé si algo va con el opt. Incluyendo tantos detalles técnicos como sea posible en la pizarra, el segundo AC ayuda a garantizar que el equipo pueda identificar rápidamente cualquier problema potencial con el metraje y mantener la calidad general de la película. Por lo que el informe de la cámara es invaluable tanto para los directores de fotografía como para los editores ya que proporciona detalles técnicos cruciales a los que se puede hacer referencia si un editor necesita replicar una De igual manera, el mezclador de sonido de producción generó cual incluye información relevante para cada toma desde una perspectiva sonora. logística efectiva durante el tiroteo también implica anticipar los posibles problemas que podrían surgir en el set Por ejemplo, el departamento de producción suele establecer una cubierta, un conjunto de cubiertas, que sirve como lugar de filmación alternativo en caso de que el conjunto primario se vuelva inutilizable Si las inclemencias del tiempo interrumpen los disparos exteriores, una ubicación interior puede servir como respaldo Adicionalmente, los cineastas suelen desarrollar un plan de cobertura detallando cómo una escena será enfoque común es el método de escena maestra, que involucra a FIMI una escena en su totalidad con un plano blanco antes de capturar tomas más apretadas Esta estrategia asegura que independientemente de los desafíos enfrentados durante la producción, el editor tendrá suficiente material para armar una versión coherente y continua de manera que para avanzar en este proceso, se utilicen la lista corta y el storyboard proporcionando una hoja de ruta visual que guía la filmación y ayude a mantener la claridad durante toda la Tan breve lista y storyboard. Tamara Davis enfatiza la importancia de los shortlist y storyboard para capturar la mejor vista del set Ella explica que al posicionarse estratégicamente, puede identificar el disparo de héroe, que se convierte en el tiro maestro para la escena Estas tomas maestras guían nuestra puesta en escena de acción y bloqueo de actores para maximizar el atractivo visual del set. planear cuidadosamente este elemento, el director puede asegurar que la película capture las imágenes más llamativas posibles, sentando una base sólida para el posterior proceso de filmación Para mejorar la eficiencia del set, las producciones suelen optar por filmar primero un lado de la escena antes de revisarlas para el otro lado Esta técnica minimiza la necesidad ajustes frecuentes en la iluminación y los equipos, ahorrando un valioso tiempo durante la producción Adicionalmente, muchas producciones utilizan una segunda unidad, que opera de manera similar a la primera unidad o se enfoca en tomas o ve específicas que no requieren el reparto principal. Por ejemplo, una segunda unidad podría deshacer una secuencia de acción con solo actores de acrobacias o una toma de establecimiento que captura el escenario sin ningún personaje presente Yo en algunos casos, las producciones pueden emplear múltiples unidades de rodaje para mantenerse al día con un riguroso horario de fi. Por ejemplo, la carga de los anillos en hasta siete unidades de tiro a la altura de su producción. Este enfoque permite un proceso de planeación minucioso y meticuloso, asegurando que cada día de rodaje se ejecute de manera eficiente y efectiva Como señala Davis, confiar en una tripulación de unidad forzada completa para inserciones menores, como el primer plano de un libro puede desperdiciar recursos. En cambio, al configurar esta toma en una esquina del set, la producción puede capturar rápidamente detalles esenciales sin interrumpir el flujo de fema antes de que las cámaras comiencen Entonces, una vez que llega el momento de llegar a la ubicación y configuración, una cantidad significativa de trabajo se produce una cantidad significativa de trabajo en el set antes de que la cámara comience a rodar. Por lo general, los miembros de la tripulación llegan muy por delante del elenco para preparar tanto la ubicación como el equipo para la primera escena hoy. El departamento de agarre juega un papel crucial en este proceso. Instalando todo el aparejo necesario. El aparejo abarca cualquier equipo necesario para soportar otro equipo, incluyendo soporte de luz, banderas, plataformas rodantes para cámaras y grúas Liderar este departamento es un agarre clave. Colaboramos estrechamente con el director de fotografía para garantizar que la iluminación sea perfecta para cada uno en Key grip. Key grip Jake Rider enfatiza que los agarres están involucrados en todos los aspectos del trabajo de la cámara. Afirmando que cada vez que la cámara está involucrada, los agarres también están involucrados. E incluso con la iluminación, la verdadera iluminación está en el lado del agarre. Explica que el departamento de agarre forma y controla la luz para lograr el efecto deseado en la cuerda. Por lo que el director de fotografía Jaron Lasky también destaca la creatividad a menudo pasada por alto de los agarres, señalando su capacidad para Señala que las soluciones de aparejo no siempre son sencillas. Los agarres deben considerar cómo mover la cámara de manera efectiva al tiempo que garantizan que la calidad de iluminación y los ángulos se alineen con la característica del director. Por lo tanto, los agarres tienen la tarea de encontrar formas innovadoras de ejecutar configuraciones desafiantes, que a menudo requieren que piensen fuera de la caja Por ejemplo, un agarre podría necesitar colocar una luz de una manera que evite ser visible en otra toma o ajustar su ubicación para mantener la calidad de luz deseada desde una distancia particular. nivel de creatividad y resolución de problemas es vital para el proceso de realización cinematográfica, ya que permite que la producción logre sus objetivos artísticos manteniendo la eficiencia del set Sin el minucioso trabajo del departamento de agarre, la calidad del producto final probablemente se vería afectada Por lo que en el departamento de agarre, el asistente de agarres clave es conocido como el mejor hervor. Una de sus principales responsabilidades es organizar el camión de agarre, asegurando que todo el equipo necesario sea fácilmente accesible para el espectáculo. Importante destacar que debido a las reglas sindicales y protocolos de seguridad, el departamento de agarre no deshace ningún equipo eléctrico. Esta responsabilidad recae en el departamento eléctrico. El jefe de este departamento es el Gaper Quien se encarga de ejecutar el plan de iluminación desarrollado en colaboración con el key grip y el director de fotografía fotografía James Fred destaca la naturaleza colaborativa de la relación entre el director de fotografía y Gaper afirmando que se trata más de colaborar con el gaper lugar de confiar en una asociación de Gap es crucial, ya el director de fotografía suele discutir el tono emocional de una escena y la deseada calidad de luz que debería pasar por una ventana con el gaper A su vez, el gapher es apoyado por técnicos de iluminación que ayudan a configurar la luz para cada toma Por qué tanto el departamento de agarre departamento eléctrico trabajan juntos para garantizar que las luces y las lecturas de la cámara estén correctamente instaladas. Entonces, mientras tanto, departamento de arte está ocupado preparando el set supervisado por el diseñador de producción que maneja los elementos estéticos de la película, incluyendo escenarios, accesorios, vestuario dictora Tamara Davis enfatiza la importancia de esta preparación, señalando que si un conjunto no está listo o si elementos como ventanas o muebles están fuera de lugar, puede afectar significativamente el tiempo de configuración y potencialmente retrasar el rodaje La perfecta colaboración entre estos diversos departamentos es vital para mantener el cronograma de producción y lograr el resultado visual deseado de la película 7. Producción, parte 2: Vestuario y maquillaje. Entonces, para el día de la sesión, gran parte del trabajo de los diseñadores de producción suele estar completo, lo que permite que el tocador realice su visión al organizar decoraciones y accesorios en todo el set Una de las principales responsabilidades de los aparadores del set es mantener la continuidad de un tiro a otro, asegurando que el conjunto se vea consistente en cada día Si bien el equipo llega temprano para instalarse, los actores también tienen importantes preparativos que hacer antes de que comience la película. Primero necesitan tiempo para el peinado y el maquillaje, que es manejado por peluqueros y maquilladores, dependiendo del tamaño de producción Ayudante puede ayudar con estas tareas. Los maquilladores también son responsables aplicar cualquier prótesis necesaria Aunque las aplicaciones especialmente complejas pueden requerir la experiencia de un maquillador de efectos especiales. Adicionalmente, los actores deben ponerse sus disfraces, los cuales son proporcionados por el diseñador de vestuario. directora Tamara Davis enfatiza la importancia del vestuario en la actuación de un actor, afirmando que si el actor se pone un disfraz y no sienten que el disfraz representa al personaje que están interpretando, van a resultar lesionados por ello Ella explica además que el disfraz adecuado puede transformar la mentalidad de un actor Y luego hay otra cosa que se ponen algo, y de repente, es como y el personaje en este atuendo. Esta conexión entre un actor y su disfraz es vital para generar confianza y mejorar el rendimiento. Los preparativos de vestuario y maquillaje suelen realizarse en el campamento base, que es el área designada donde se encuentran los remolques para los autos, la cabeza y el vestuario junto con diversas oficinas de producción. Esta organización asegura que los actores estén completamente preparados y cómodos antes que salgan al set, listos para dar vida a sus personajes. Bloqueo y ensayos. Antes de que comience la filmación, los actores suelen atravesar una escena para bloquear su bloqueo. Permitiendo que el departamento de Arena y cámara ensayara junto a ellos Este proceso de ensayo es crucial para garantizar que todos los elementos de la producción estén sincronizados antes de que la cámara comience a rodar En algunos casos, el bloqueo puede ser realizado por un segundo equipo de estado que imita los movimientos del mar Esta práctica permite a la tripulación configurar y enviar mensajes de texto la cámara de iluminación angus y arena sin requerir que los actores principales estén presentes fotografía Jaron Beleske explica que después de terminar Walsing el primer equipo de actores saldrá dando paso a que entre el segundo equipo, son lo que el director de fotografía usa para encender mientras los actores están de vuelta en son lo que el director de fotografía usa para encender mientras los actores están el tráiler o en sus sillas fundidas o agarrando un humo o merienda o lo que sea el tráiler o en sus sillas fundidas o agarrando un humo o merienda o Señalo, destacando la eficiencia este método aporta al proceso de producción, si es necesario, el equipo de acrobacias también puede necesitar tiempo para los ensayos, particularmente cuando hay acrobacias involucradas Estos ensayos son vitales para garantizar que todas las acciones puedan ser capturadas de manera segura y creíble ante equipo de acrobacias practica el movimiento y el tiempo de cada truco para minimizar el riesgo y garantizar que la actuación final cumpla con la visión del director Esta cuidadosa planificación permite transiciones más suaves entre escenas y asegurar que el proceso de filmación se mantenga en el horario previsto. Al trabajar meticulosamente a través de bloqueos y reutilizaciones, el equipo de producción prepara el escenario para su exitoso rodaje donde cada elemento está coordinado y listo para unirse Cámara rodando iniciando la escena. Una vez que el elenco y el equipo hayan completado sus preparativos, finalmente es el momento de comenzar a rodar en una escena. Sin embargo, capturar una toma es mucho más complejo que simplemente presionar un botón rojo en la cámara. La mayoría de Hollywood fijó un anuncio reglas y etiqueta específicas a la hora de grabar una escena Aunque existen variaciones cuando todo está en su lugar y listo para funcionar. El subdirector ED anuncia que la foto está fuera y pide silencio. Bien, fotos de silencio. Después de esto, el ED instruye el sonido Roll out roll, incitando a que comience el mezclador de sonido de producción El mezclador responderá con velocidad del sonido confirmando que se está capturando el audio. A continuación, el AD dirá cámara de fila, lo que indica al operador de la cámara que comience a filmar. El operador responde con velocidad indicando que la cámara está rodando. Después de que la cámara está rodando, la segunda cámara asistente, también conocida como el cargador de chapaleta trae en el clapper raja el disparo leyendo la información de la escena y marcando la t, diciendo algo así como escena en dos Una vez que el cargador de chapaleta termina, el operador de la cámara minutos para hacer un ligero ajuste para asegurar que el encuadre sea perfecto Cuando estén listos, llamarán marco o establecerán señalización de que todo está en su lugar. Si el SN incluye extras, el AD anunciará BGRnd indicando que esos intérpretes pueden comenzar sus acciones Por último, el director dice acción, iniciando oficialmente la escena con un claro mando. Bien, aquí vamos y acción gestionando la acción de Bagrand. A medida que se desarrolla la acción principal, es crucial que el director y Ed manejen la actuación de Bagran de acción terrestre o las actividades de extras en la escena deben complementar a los actores principales sin desviar la atención de la narrativa primaria El AD monitorea el extra para asegurarse de que estén sincronizados con el tono general y el ritmo de la escena. Abastecimiento, guiándolos para potenciar la narración. Esta orquestación ayuda a crear un ambiente vibrante e inmersivo que enriquece la película al tiempo que permite que el enfoque permanezca en las Al hacerlo, el director puede mantener la profundidad emocional y la coherencia visual de la toma. Asegurar que cada elemento contribuya a la atmósfera deseada. La colaboración entre los actores principales del reparto y el equipo de producción es esencial para crear una experiencia cinematográfica fluida y atractiva Al gestionar cuidadosamente estas dinámicas, los cineastas pueden capturar de manera efectiva la magia de la narración en cámara Por lo que cuando la filmación llegue a su fin, el director llamará a policías señalando la finalización de un ti. Después de esto, el director y otros creativos clave suelen revisar las imágenes de un área designada conocida como Video Village Este espacio está equipado con monitores y cómodas sillas para la visualización de las tomas. No obstante, algunos directores prefieren estar justo detrás de la cámara durante el rodaje, lo que les permite mantenerse estrechamente conectados con sus actores. Este compromiso directo puede fomentar un entorno más inmediato y de colaboración, mejorando el rendimiento general y la energía de una escena. El director de fotografía DP podrá optar por operar la cámara ellos mismos. Aunque colaborar con un operador de cámara experto será inmensamente beneficioso Era Biski por ejemplo, señala que suele operar su propia cámara, pero reconoce que su experiencia ha evolucionado tiempo mientras trabajaba en la bruja la primera película de Union que hizo, requirió que tuviera un operador, que lo empujó a adaptarse Menciona que aunque operó fuera de esa película, más tarde se dio cuenta de la ventaja de dirigir la cámara este turno le permitió ver la película de manera integral en lugar distraerse por el aspecto técnico de operar la Para apoyar al operador de la cámara, la primera cámara asistente First AC, también conocida como extractor de enfoque juega un papel crucial para garantizar que cada toma permanezca enfocada Esta responsabilidad es vital ya que mantener enfoque nítido es esencial para un producto final pulido. El primer AC también ayuda sujetando las etiquetas de unión de la cámara, lo que permite al operador conservar energía durante largos días de rodaje. Este trabajo en equipo entre el operador y foco no solo agiliza el proceso de filmación, sino que también contribuye a la calidad general y coherencia de la narrativa visual Trabajo DIT. Al filmar en digita la producción, a menudo contamos con la asistencia del técnico de imágenes digitales, DIT El DIT juega un papel vital en el proceso cinematográfico al colaborar estrechamente con el director de autografía GP para asegurar que los ajustes de la cámara alineen con la estética visual deseada del director de fotografía Esta colaboración es crucial para lograr el aspecto y el campo específicos que el director prevé además de ajustar la configuración de la cámara, el DIT se encarga de supervisar la carga de material de archivo desde la cámara a la estación Este proceso implica transferir los datos grabados de manera segura y eficiente, lo cual es fundamental para mantener la integridad del metraje. Al administrar este aspecto de la producción, el DIT asegura que los datos se conserven adecuadamente y están listos para el trabajo de postproducción, mezclador de sonido. En tanto, el jefe del departamento de Arena, conocido como el mezclador de arena de producción se encarga de capturar todo el inicio de arena necesario. Esta función implica operar la grabadora de sonido y tomar decisiones críticas sobre cómo capturar el sonido de manera efectiva para ella. El mezclador de sonido de producción coordina varios elementos de audio, incluida la configuración y administración de micrófonos avilia que se conectan directamente a los actores para garantizar una grabación de diálogo clara Asistir a la mezcladora solar de producción es el operador de la pluma, cuya responsabilidad principal es la colocación y operación de los micrófonos de pluma Esto implica maniobrar el poste de la pluma Que todo el micrófono para capturar lo mejor posible sin dejar de quedar fuera del marco de la cámara El operador de la pluma debe tener un profundo conocimiento de la dinámica de la escena y el posicionamiento, asegurando que el micrófono esté lo más cerca posible la fuente solar sin entrometerse en las imágenes, el supervisor del guión Durante esta escena, ¿por qué la tripulación se mueve de toma a toma? Los supervisores de guiones juegan un papel crucial en el mantenimiento de la integridad de la producción Mantienen meticulos rastrear qué parte del guión se ha filmado y anotan cualquier cambio realizado Una atención a la continuidad es esencial ya que señalan cualquier desviación entre ts, asegurando que cada detalle se alinee con el flujo de la historia Las notas del supervisor de guion son invaluables y ya que se comparten con el equipo de edición, lo que les permite navegar horas de metraje con una dirección clara. Entre tomas, el director suele enfocarse en comunicarse con los actores, discutir lo que está funcionando bien y lo que puede necesitar ser ajustado. Esta interacción es vital para fomentar la colaboración y la creatividad en el set. Sin embargo, cada director tiene su propio enfoque único de este proceso, influyendo en la forma en que guían a influyendo en la forma en que guían sus actores y dan forma a la actuación general Al mantener líneas de comunicación abiertas, directores pueden asegurar que la visión de la película se realice efectivamente a través las interpretaciones de los actores, el tiempo de la comida Por supuesto, un elenco y un equipo necesitan comer, y la comida suele ser proporcionada por servicios de catering y artesanía en el set. Los descansos adecuados para las comidas son cruciales. Al no permitir al elenco y a la tripulación el tiempo suficiente para comer puede resultar en multas conocidas como penalizaciones por comida. Que el equipo de producción debe compensar. Esta normativa asegura que todos permanezcan energizados y enfocados durante las exigentes horas de filmación Destacando la importancia de una nutrición adecuada mantener la productividad en el set, movimiento completo Generalmente, la tripulación disparará todo lo que necesite en un solo lugar antes de continuar. Incluso si las escenas no se filman en orden cronológico, este enfoque ahorra tanto dinero como tiempo ya que permite al equipo de producción maximizar el uso de la ubicación una vez que la tripulación haya completado todas las tomas necesarias en un sitio en particular, ejecutarán lo que se conoce como completo donde empacan su equipo y trasladan al siguiente lugar de rodaje Esta estrategia es esencial para agilizar el proceso de filmación y mantener la eficiencia general del cronograma de producción Tiro final, remate final. Las dos últimas tomas del día en un set de filmación tienen nombres específicos que reflejan su significación en el calendario de rodaje. Penúltimo disparo, que es el segundo a la última configuración del día se conoce como el Abe Singer Este término proviene de la práctica de pedir la última toma antes de envolver para el día. El remate final. El remate final por otro lado, se llama el martini Este término significa la última toma ahí de la Femi del día, muchas veces celebrada con una sensación de logro y alivio por parte del elenco Estos nombres designados iluminan la combinación de obras de arte de un día en el proceso de realización cinematográfica Retorno después de que se complete el disparo de Martini, la tripulación a colega comienza a descomponer todo, que implica este conjunto mensual, equipo de estacionamiento y asegurar la ubicación quede tal y como fue encontrada El tiempo entre el final de un día de rodaje y el inicio del siguiente se conoce como tiempo de respuesta Debido a las regulaciones sindicales, este cambio generalmente tiene el mandato no menos de diez a 12 horas, lo que permite al elenco y al equipo suficiente tiempo para descansar y prepararse para el trabajo del día siguiente El horario estructurado es crucial para mantener la tierra y la eficiencia de todos los involucrados en la producción. medida que avanza la filmación, es posible que sea necesario ajustar el cronograma de producción si es necesario refilmar. rehoots pueden surgir por diversas razones, como la necesidad de rehacer una escena para mayor claridad o agregar escenas completamente nuevas para abordar problemas de la historia identificados durante el proceso En algunos casos, un nuevo final podría ser temático si las proyecciones de texto producen reacciones desfavorables de las audiencias Sin embargo, las rehoots suelen ser costosas y generalmente evitan a menos que sea absolutamente necesario para mitigar este riesgo, los productores de encuestas y los primeros subdirectores, muere, a menudo planeamos un posible rehoot dejando cierta flexibilidad en el presupuesto y el horario Asegurar que la producción pueda adaptarse según sea necesario sin una excesiva tensión financiera. Entonces, los condones, no importa cuán profundo esté un equipo en la producción, mantener el profesionalismo es crucial para un flujo de trabajo fluido y una atmósfera positiva en el set para garantizar un entorno de rodaje exitoso Hay varias reglas esenciales de tom a seguir. Ante todo, es importante respetar las decisiones del director. Como sus visiones guían toda la producción, los miembros de la tripulación deben evitar interferir con el trabajo y el equipo de otros departamentos, ya que esto puede provocar interrupciones y retrasos innecesarios Adicionalmente, es vital mantener nivel de ruido y ser considerados con el espacio de los actores, permitiéndoles la tranquilidad que necesitan para prepararse para sus actuaciones Se desaconseja correr en el set, ya que puede crear un peligro para la seguridad y distraer del trabajo en curso Al adherirse a estos principios básicos, los miembros de la tripulación pueden contribuir a un ambiente profesional que fomente la colaboración y la creatividad, conduciendo en última instancia a una producción más exitosa, un pensamiento más fino La producción a menudo puede parecer una carrera loca hacia la línea de meta. Lleno de intensa energía e innumerables partes móviles. Sin embargo, con una planificación cuidadosa y una tripulación dedicada, este conjunto no tiene que parecerse a la caótica profundidad del corazón de la oscuridad Un equipo bien coordinado puede navegar por las complejidades de femi asegurando que todo funcione y que la visión creativa cobre vida Eso es todo por ahora. Es hora de que el caballo diga, Corte. 8. Postproducción, parte 1: En nuestra lección anterior, exploramos la fase de producción. Hoy, nos sumergiremos en la postproducción donde todo lo capturado o ambientado se une para dar forma a la película final. Examinaremos los pasos involucrados en el acabado de una película que contribuirán al proceso y cómo se puede refinar la arena en el post. Esta lección hará referencia a notables profesionales, entre ellos el editor Eddie Hamilton, diseñador de Sandy Mag Maginin y el compositor Rennie Bosco para ilustrar este papel esencial posproducción es la etapa en la que el producto final se elabora a partir de las imágenes capturadas. Involucrar la edición de imagen y sonido, así como la creación de efectos visuales. Los trabajos de posproducción a veces pueden comenzar antes de que concluya la fase de producción. Por ejemplo, los editores pueden comenzar a cortar metraje mientras la película aún se está rodando, y los artistas de efectos visuales pueden comenzar a construir elementos digitales de antemano. Este comienzo temprano ayuda a optimizar el flujo de trabajo de postproducción y garantiza que las piezas clave estén listas una vez que termine la filmación. La duración de la postproducción puede variar mucho dependiendo de la partitura de la película. Presupuesto y tamaño del equipo. Producciones a gran escala como Avatar, el camino del agua requirieron años de trabajo de postproducción para lograr su complejo efecto visual. Si bien las películas más pequeñas a veces pueden concluir en unos pocos meses, sin embargo, los presupuestos limitados a menudo significan menos miembros del equipo, lo que en realidad puede extender el proceso. Por ejemplo, la película de Shane Carruth Micro Budget Primer tardó dos años en completarse después del rodaje debido a que Carruth manejaba gran parte Las proyecciones de texto pueden afectar aún más la duración de la postproducción Durante estas proyecciones, se muestran cortes aproximados de una película al público para medir sus reacciones, y los comentarios pueden llevar a ediciones adicionales Titanic, por ejemplo, se sometió a revisiones luego de que los espectadores de pruebas encontraron innecesarias ciertas escenas En última instancia, el supervisor de postproducción es responsable de mantener el proceso dentro del presupuesto y dentro de lo programado, asegurando que el producto final cumpla con la visión del director mientras se mantiene en el camino correcto. Supervisor de puesto. Eddie Amatton, un experimentado editor de cine, enfatiza el papel crucial del supervisor de postproducción que actúa como el comunicador principal a lo largo Esta persona brinda una actualización semanal sobre diversos aspectos como avance a través del corte del director, la línea de tiempo del compositor, la cantidad de ADR grabado, la duración de la mezcla de sonido y el tiempo requerido para las versiones en idiomas extranjeros En última instancia, el supervisor de puestos asegura de que todos los elementos estén alineados para tener una película terminada lista para su fecha de estreno. posproducción implica mucho más que ensamblar granalla a partir de la producción. Es la fase en la que una película realmente toma forma, a menudo dando significados nuevos e inesperados. Esta es la etapa donde grandes cambios pueden remodelar la historia, aportando profundidad y claridad a la narrativa Por lo general, el proceso comienza con la edición de imágenes donde la estructura de la película y el ritmo comienzan a cristalizar, estableciendo las bases para etapas posteriores como el sonido, música y los efectos visuales Edición de imágenes. La edición de imágenes es indispensable para completar una película y este grupo de trabajo crítico para el editor Eddie Amitton, un conocido editor de cine, explica este proceso, diciendo que su trabajo es ver todas las imágenes, leer el guión y trabajar en estrecha colaboración con el director para elaborar la mejor historia que existe dentro del metraje Según Amilton, no se trata de lo que hay en el guión o de lo que el director pretendía capturar Más bien, la historia final surge de las imágenes sin procesar disponibles, moldeadas y refinadas para ofrecer la narrativa más fuerte posible Mantener imágenes seguras y organizadas también es esencial en la posproducción. Muchos editores profesionales confían en una matriz roja y redundante de discos independientes. Esta tecnología emerge múltiples unidades para garantizar redundancia de datos y aumentar rendimiento en entornos de postproducción a gran escala, sistemas de almacenamiento centralizado como red de área de almacenamiento SNS que permiten a varios miembros del equipo acceder a archivos simultáneamente sin sacrificar la velocidad crucial para proyectos complejos con numerosas obras de editor asistente de piezas móviles un papel clave aquí ayudando a ingerir archivos y metadatos como números cortos y de texto y mantener el proyecto organizado, permitiendo un flujo de trabajo fluido para todo el equipo Por lo que Eddie Aminton, un editor de cine, enfatiza el papel indispensable de sus editores asistentes, diciendo que no está exento de ellos. Explica que los editores asistentes realizan numerosas tareas para preparar el metraje, asegurando que todo esté organizado y listo, para que pueda enfocarse en el trabajo central de editar el desde esta etapa, el editor comienza a armar la película, seleccionando cuidadosamente tomas basadas en factores como el rendimiento, la cinematografía, el flujo narrativo y la necesidad Si bien cada editor puede tener un enfoque único, las opciones de software populares incluyen Avid y Adobe Premiere Pro, los cuales permiten la edición no lineal, donde las cuevas digitales se pueden reorganizar sin alterar el metraje original edición digital se ha convertido en el estándar de la industria, incluso para películas, inicialmente cortas sobre película física. Tradicionalmente, los editores cortaban manualmente una copia del negativo cinematográfico, conocido como una obra generalmente un sistema de edición plano Ahora, la mayoría de los cortometrajes sobre celuloide se escanean para crear un intermedio digital, preservando la película física al tiempo que permiten la precisión digital El proceso de edición generalmente comienza con el culto ensamblador donde el editor y el director revisan todas las imágenes, seleccionan el texto preferido y los organizan en un orden general. Este culto inicial sienta las bases para un mayor refinamiento, lo que permite al equipo evaluar la estructura y el flujo de la historia antes de pasar a etapas de edición más detalladas. editor de cine Eddie Amatton explica que, como cualquier primer borrador, un corte inicial de una película suele ser bastante rudo, pero eso es simplemente parte del proceso creativo Solo tienes que conseguir algo en la línea de tiempo. Señala que enfatizando que no importa si es bueno o malo inicialmente. Lo importante es completar la primera versión. A partir de ahí, el verdadero trabajo comienza cuando el editor refina y mejora el cordón, transformándolo en una pieza pulida El editor luego refina el metraje, elaborando un ritmo más intencional, y Dentro de cada escena, dando lugar a lo que se conoce como el corte rudo. Nest es el cordón fino, donde se realizan más ajustes para mejorar el flujo y el impacto emocional de la película, acercándola a la versión final, el cordón fino. Durante el corte fino, las decisiones de edición se vuelven mucho más precisas, a menudo bajando a fotogramas individuales. EJ Aminton describe esta etapa como aquella que involucra semanas y semanas y mes y mes y luego años de repasar la película Destaca la incesante búsqueda de superación, haciendo preguntas como, ¿puede ser ¿Y esto es perfecto? Todos los días, los Editores escudriñan cada momento de la película. Evaluar las entregas de líneas evaluando y explorando múltiples versiones para encontrar el mundo que resuene más emocionalmente para cada escena Este nivel de detalle refleja el compromiso y perfeccionismo que los editores de cine aportan a su trabajo Se vive y se respira. Amitton afirma subrayando cuán profundamente inmersos se vuelven los editores en el proceso de realización cinematográfica mientras se esfuerzan por crear la mejor versión posible de la Registro de imágenes. Una vez que el editor, director y productor están satisfechos con el corte, llegan a una etapa conocida como imagen. Después de lograr este hito, el editor crea una lista de decisión de edición, EDL, que es un documento contiene código de tiempo y números cortos Esta lista facilita la reedición y asegura que la película pueda evaluarse en diferentes plataformas si es necesario. Con un corte de imagen finalizado, es hora de cambiar el enfoque a un trabajo visual adicional. Es importante señalar que el metraje capturado en el set realmente se parece al producto final que verá el público. Para lograr el aspecto pulido de una película terminada, múltiples equipos de postproducción se dedican a refinar y afectar la imagen final. Estos equipos trabajan en diversos aspectos, incluyendo gradación de color, efecto visual y otras mejoras para asegurar que la película cumpla con la visión artística deseada. Antes de que sea lanzado al público refinando y perfeccionando la imagen final, VFX Uno de los equipos más grandes involucrados en refinar y perfeccionar la imagen final es el departamento de efectos visuales VFX El efecto visual abarca cualquier imagen creada o manipulada que no fue capturada durante la sesión de acción en vivo Adam Vardes, supervisor de efectos visuales , explica la naturaleza diversa de este trabajo Afirmando. Ya sabes, se extiende por todo el lugar. Tenemos algunos efectos que son invencibles y realmente no sabes que hemos hecho nada así como cosas realmente dramáticas El equipo de Efectos Visuales es guiado por el supervisor de efectos visuales, quien juega un papel crucial en la gestión del proyecto Daniel Kramer, supervisor de efectos visuales en Image World, describe sus responsabilidades Encargado del proyecto respecto a todos los efectos visuales que terminamos haciendo, pero no soy necesariamente la última palabra. Obviamente, el director tiene la máxima autoridad, junto con los directores de arte y otros, pero nuestro trabajo es ejecutar su visión. Este enfoque colaborativo asegura que el efecto visual se alinee sin problemas con la intención del director, mejora la narración general de la película 9. Postproducción, parte 2: CGI, el trabajo de efectos visuales se puede clasificar en tres áreas primarias, CGI, composición y captura de movimiento CGI o imágenes generadas por computadora se refiere a imágenes que son creadas completamente por la tecnología informática permitiendo la creación de escenas complejas e imaginativas que pueden ser difíciles o imposibles de capturar La composición, por otro lado, implica combinar múltiples imágenes en un solo fotograma que incluye técnicas como el trabajo de pantalla azul y verde Así como la integración de efectos especiales grabados por separado, miniaturas y más La captura de movimiento es otro aspecto esencial del efecto visual. Similar a la técnica del rotoscopio. Captura de movimiento, los artistas utilizan imágenes de acción en vivo para informar y crear CGI realistas Este proceso generalmente comienza con la grabación de metraje durante la etapa de producción, que luego se refina y construye en posproducción para producir movimientos e interacciones reales en el efecto visual final Juntas, estas técnicas contribuyen a la calidad inmersiva del cine moderno, permitiendo a los creadores elaborar narrativas visuales impresionantes. Graduación de color. La coloración es un elemento crítico en el proceso de postproducción. Añadiendo profundidad y atmósfera a la salida visual final. Antes de que un colorista comience su trabajo, los datos de las líneas de tiempo de edición pasan por un proceso Estos pasos implican reemplazar metraje proxy de menor calidad utilizado durante la edición el metraje original de mayor calidad para garantizar la mejor imagen posible para la gradación de color. El proceso de conformación puede variar entre proyectos, pero es esencial para preservar la integridad visual de los productos finales La mayoría de los coloristas modernos utilizan Dave scene resolve, un software popular en la industria para lograr una gradación de color precisa y consistente Por lo general, los coloristas colaboran estrechamente tanto con el director el director de fotografía quienes aportan aportes sobre el campo visual que imaginan para fotografía John D Bowman describió el papel del director de fotografía en la gradación de color, explicando que podría haber una mirada específica que pretenden lograr que no sea completamente evidente durante la fase de edición Esta mirada final, que da forma al estado de ánimo general y la continuidad, a menudo se desarrolla y refina en la etapa de coloración para crear una estética coercitiva que da vida a la visión del director Un colorista emprende varias tareas clave para dar vida a la imagen de una película El primer paso es la corrección del color, donde el colorista trabaja para representar con precisión los colores y asegurar la continuidad visual de una toma a la siguiente Esto implica ajustar elementos como balance de blancos, exposición y tonos de piel para mantener la consistencia en toda la película. Una vez que se corrige el metraje, el colorista puede aplicar mucho, buscar tabla, un preset que desplaza el espacio de color de las metraje para lograr un aspecto específico Los lotes suelen ser elaborados colaboración por el colorista y el director de fotografía DP e incluso pueden desarrollarse antes de la posproducción, lo que permite al director de fotografía visualizar el esquema de color deseado durante el Después de aplicar el lote, el colorista pasa a la fase de gradación de color, lo que implica salirse creativamente del metraje para construir el estado de ánimo deseado para La gradación de color permite al equipo tomar decisiones artísticas que realzan la piedra narrativa, evocando emociones particulares, apoyando la atmósfera de la historia Para películas filmadas en película, el proceso de coloración también puede incluir diferentes técnicas de tratamiento de película y barra química, como bypath de lixiviación durante el desarrollo real Esta cuidadosa atención a la manipulación del color es esencial crear una experiencia cinematográfica visual convincente y coercitiva, los gráficos en movimiento Otro aspecto crucial de las imágenes de postproducción son los gráficos en movimiento, que abarcan títulos, créditos y animaciones básicas Normalmente, elaborados en software como After Effect, gráficos en movimiento agregan una capa dinámica a la película, enfatizando temas o información clave visualmente. Este elemento mejora la narración al resaltar títulos importantes o agregar florituras estilísticas que resuenan con la piedra de la película y el El sonido es crucial de una narración cinematográfica, requiriendo tanto cuidado y precisión como elementos visuales En la postproducción, el proceso sonoro es liderado por el editor de sonido supervisor que supervisa la creación de un paisaje sonoro coercitivo e Este rol consiste en orquestar los diversos componentes de la edición y diseño de sonido para alinearse con la visión del director y mantener el proyecto encaminado A través del sonido, los cineastas pueden enfatizar las emociones, mejorar la narración y crear una atmósfera inmersiva que atraiga al público que atraiga al público más profundo en el mundo de la película Mark Margini, reconocido editor de sonido supervisor, explica que el papel tiene sus raíces en comprender e interpretar la estética auditiva de la película Destaca la importancia de una comunicación clara con el cineasta para definir la sensación y el tono deseados del sonido cinematográfico El trabajo mío es interpretar esta estética y guiar a su equipo en consecuencia, seleccionando el sonido y los elementos de audio elaborados que encarnan esta visión Al traducir estas ideas abstractas en elecciones auditivas específicas, el editor de sonido supervisor ayuda a crear un paisaje sonoro que complementa y amplifica el impulso emocional de la película . Edición de sonido. El proceso sonoro de postproducción implica varias etapas clave, cada una de las cuales contribuye al impacto auditivo de una película La fuerza de esto es la edición de sonido, donde las pistas de audio se ensamblan meticulosamente Se limpia y arregla el diálogo y se agregan los efectos de sonido necesarios para dar vida a las escenas. En muchos casos, el audio existente necesita mejora, requiriendo sonidos adicionales para ser creados y grabados. Esta responsabilidad suele recaer en el diseñador de sonido. Cuya experiencia radica en crear sonidos únicos que agregan profundidad y atmósfera. Su trabajo es esencial para hacer que las escenas se sientan reales y atractivas, sentando las bases auditivas para la mezcla sonora final Mark Maginin, un destacado editor de sonido supervisor, señala que los diseñadores de sonido y los editores de arena supervisores a menudo Sin embargo, un enfoque principal de los diseñadores de sonido es crear sonidos que no existen en el mundo real. Estos son los elementos de audio imaginativos y abstractos que no puedes simplemente grabar en el set o fuente de una biblioteca de efectos de sonido estándar La creatividad de los diseñadores sonoros les permite invertir para inventar paisajes sonoros únicos, desde el papel de criaturas míticas hasta la tecnología futurista, todos los cuales enriquecen la narrativa de una película y transportan al todos los cuales enriquecen la narrativa de una película Otra etapa esencial en el sonido de postproducción es ADR o reemplazo automático de diálogo Este proceso implica que los actores vuelvan grabar su diálogo para reemplazar el audio que podría haberse visto comprometido durante la filmación debido a un ruido de fondo excesivo o problemas técnicos. Si bien ADR puede ser crucial, Margin explica que el objetivo suele ser preservar la mayor cantidad de audio original posible Él y su equipo se esfuerzan por limpiar electrónicamente lo que él llama audio de producción de embarcadero Que puede contener sonidos ambientales que se adapten al realismo desde entonces. Este enfoque cuidadoso para preservar el sonido original ayuda a mantener la autenticidad y mantiene las actuaciones a través de la entrega original de los actores. El proceso de ADL, que implica la regrabación del diálogo, es manejado por el editor de ADL Y dado que donde se necesitan voces de fondo adicionales , se puede emplear un grupo loop, un equipo de actores especializados en ruido multitudinario para proporcionar ambiente ambiente, creando la ilusión de grandes reuniones o Dubin también puede ser requerido para la distribución extranjera, lo que permite a los actores grabar diálogos en otros idiomas para hacer que la película sea accesible al público global Para un efecto que no se puede obtener de bibliotecas de sonido, artistas completamente actúan en vivo para crear arena personalizada que realza el realismo de la escena, desde los pasos sobre grava hasta el crujido de la Además del diálogo y el efecto, música juega un papel vital en el panorama sonoro de postproducción. El compositor se encarga escribir y orquestar la partitura cinematográfica, trabajando en estrecha colaboración con el director para alinear la música con el toque emocional de la historia El proceso implica la elaboración de cosas y motivos que refuercen las artes del carácter y el desarrollo de la trama Compartir la partitura resuena con la visión del director. Una partitura bien compuesta puede influir dramáticamente en el impacto de la película, guiando sutilmente las emociones del público y enriqueciendo la experiencia visual compositor Rennie Boccio describe el papel de un compositor como similar a un jefe de departamento Como protagonista en la partitura musical, el compositor coordina con los directores, productores cualquier subcontratista necesario para ejecutar la visión de los VMs para la partitura original Esta responsabilidad integral incluye desde las discusiones iniciales sobre el tono musical hasta la grabación final y mezcla de la partitura. El trabajo del compositor es esencial para llevar la experiencia auditiva de la película a su máximo potencial, complementando lo visual y añadiendo profundidad a la historia Los compositores a menudo también asumen el papel de director, guiando a los músicos a través del proceso de grabación para garantizar que su partitura se realice con precisión Sin embargo, este doble rol no siempre es el caso. Señaló el compositor Rennie Busch, muchos compositores prefieren volver a la cabina de grabación durante las sesiones, lo que les permite escuchar la música en contexto con el resto del elemento de producción Esta perspectiva les permitió actuar como una especie de productor, escuchar la grabación en su totalidad y hacer los ajustes necesarios. En tales casos, se puede contratar a un conductor separado para que se encargue de la dirección musical, liberando al compositor para que se centre en la experiencia auditiva más amplia El supervisor musical juega un papel distinto en la postproducción encargada de seleccionar y asegurar las canciones existentes para la película A menudo están involucrados bocina temprana, lluvia de ideas sobre pistas potenciales y buscando canciones y lanzando ideas de canciones al director para mejorar escenas específicas o mover En algunos casos, si un director ya ha elegido una reproducción de canciones dentro de la edición, el supervisor de música se enfoca en limpiar las tarifas de licencia necesarias y administrar para cada pieza. Este papel crucial asegura que toda la música preexistente esté legalmente asegurada e integrada a la perfección en la película, contribuyendo a su resonancia emocional y temática. Poster, un conocido supervisor musical colabora estrechamente con el director Wes Anderson para crear y despejar el icónico momento en que las canciones se usan intencionalmente para impacto dramático en las películas de Anderson El editor de música sirve como puente entre el director, compositor, supervisor musical y editor, asegurando que todas las partes permanezcan alineadas con el requisito de visión musical y el tiempo dentro de cada uno. Según el compositor Rennie Boucher, los editores musicales son contratados técnicamente a través del equipo de producción y forman parte del gremio editorial Sin embargo, debido a la estrecha colaboración requerida, los compositores a menudo traen sus propios editores de música de confianza al proyecto, valorando la relación establecida y comprensión que mejora su trabajo creativo con todos los elementos sonoros en su lugar, el proyecto pasa a la fase de mezcla donde el mezclador de grabación toma el relevo Este paso es crucial para equilibrar los niveles de audio y preparar la banda sonora para su distribución en varios formatos. El mezclador de grabación trabaja para lograr la combinación perfecta de diálogo, música y efectos, asegurando que cada componente complemente a los demás. La mezcla es especialmente intrincada en las películas. Con ricos paisajes sonoros o numerosas capas de efectos de sonido donde incluso pequeños ajustes pueden marcar una diferencia significativa en la forma en la audiencia experimenta el entorno de audio de la película La mezcla para películas altamente complejas como Don, late runner o Madmax requiere una habilidad extraordinaria y atención al detalle Como describe el editor de sonido supervisor Mark Margini, este proyecto puede involucrar miles de canales de audio individuales A veces hasta 2002 o 3,000 que deben unificarse en una banda sonora cohesiva e inmersiva Este minucioso proceso se lleva a cabo típicamente en herramientas profesionales y software estándar de la industria donde el mezclador ajusta y coloca cada sonido con precisión La mezcla final asegura que el público reciba una experiencia auditiva clara, atractiva y poderosa Mejora la narración visual de la película. El trabajo del mezclador se basa en gran medida en herramientas como IQs, ecualizadores para ajustar frecuencias de sonido específicas, asegurando que el diálogo, el efecto de sonido y música encajen a la perfección sin modelarse Gestión del rango dinámico. El contraste que hay entre el sonido más fuerte y el más silencioso también es esencial Al usar un compositor, el mezclador puede reducir esta diferencia, haciendo que un sonido más silencioso sea más audible mientras que un expansor puede ampliar el rango, enfatizando sutiles matices La etapa de mezcla equilibra la precisión científica con visión artística a medida que el mezclador refina cada capa de sonido para mejorar la narración cinematográfica Una parte fundamental del trabajo del mezclador es garantizar que el audio se traduzca bien en varias plataformas de visualización , desde cines hasta televisores y teléfonos móviles Para lograrlo, el mezclador colabora estrechamente con el director, ajustando escenas para alinearlas con la visión del director al mismo tiempo prepara mezclas que sonarán consistentes en diferentes entornos Esto a menudo implica la creación de múltiples versiones, como mezclas de sonido estéreo y adaptadas a las necesidades específicas de cada formato. Al ofrecer múltiples mezclas optimizadas, el mezclador garantiza que el audio de la película siga siendo impactante independientemente de dónde o cómo lo experimente el público. Final. producción realmente puede hacer o deshacer una película, incluso si los mejores guiones, actuaciones o cortos se basan en la experiencia del equipo de postproducción, la edición correcta, las decisiones de gradación de color o la gota de aguja cuidadosamente elegida pueden transformar una buena escena en un momento inolvidable que resuena con Es un delicado equilibrio donde cada elección importa, y la colaboración entre varios departamentos es esencial para elaborar la visión final de la película Dadas las numerosas piezas móviles involucradas en la posproducción, una cuidadosa planificación y organización son vitales para garantizar que el proyecto se desarrolle sin problemas Cada fase requiere atención al detalle y una comunicación clara entre los miembros del equipo para evitar posibles trampas y mantener la integridad de la visión de la película Al priorizar este aspecto, los cineastas pueden navegar por el panorama de la posproducción de manera efectiva, permitiendo que su flujo de trabajo creativo brille en su forma terminada 10. Vende tu película, parte 1: Bienvenido de nuevo. Este curso desconcibe todo el proceso cinematográfico profesional En nuestra lección anterior, cubrimos la posproducción, y hoy exploraremos cómo el producto terminado llega a una audiencia. Así que profundizaremos en las estrategias que los cineastas pueden usar para maximizar la audiencia y discutir los matices del marketing y Así que dibujando información del experimentado ejecutivo de marketing cinematográfico David Edward y del artista clave independiente Eric Rice. Mark Marketing juega un papel crucial en el éxito comercial de una película. Por lo que con el alto costo de producción, comercialización efectiva es esencial para asegurar que una película pueda recuperar su inversión Entonces sin ella, incluso una película bien elaborada podría tener dificultades para llegar al público, dificultando el logro del éxito financiero. Por lo que el marketing combina una variedad de estrategias dirigidas a crear conciencia e interés, ayudando a asegurar el lugar de una película en la transmisión de entretenimiento competitivo. David, Edward ofrece información sobre el alcance del marketing. Lo describí como una captura de todos los tiempos que puede ser esquivo de definir Una vez dijo un buen amigo mío, nadie sabe lo que es, y por eso lo llaman marketing. Entonces Edward explica señalando la naturaleza amplia de la película. En el contexto del cine, marketing implica concienciar al público de una película, fomentar su interés e idealmente motivarlo a decir que aquí es donde una película se transforma de una obra de arte autónoma en una cultura ampliamente accesible Por lo que una campaña de marketing exitosa es esencial para construir anticipación para garantizar que llegue a la audiencia más amplia posible Por lo que esto implica apuntar a demografías específicas y generar interés, lo que puede ser un esfuerzo costoso Entonces es por eso que la mayoría de los proyectos cinematográficos destinan una parte importante de su presupuesto a la comercialización, conocida como la impresión y la publicidad, P y E. El presupuesto para producciones de estudio más grandes es diferente. Entonces, por ejemplo, el presupuesto de marketing suele representar el 50% del costo de producción de la película. Por lo que en algunos casos, los gastos de publicidad pueden superar el costo de producción en sí. Entonces, un buen ejemplo es la película oral get out, que tenía un presupuesto de producción de alrededor de 4.5 millones de dólares, pero según se informa gastó más de 30 mil millones de dólares solo en marketing Por lo que la inversión dio sus frutos ya que una película recaudó más de 255 millones de dólares en todo el mundo, lo que demuestra el valor de una estrategia de marketing efectiva Entonces, la fase de mercadotecnia suele ser supervisada por un director de marketing de estudios o distribuidor, CMO O presidente de mercadotecnia. ¿De quién es la visión que guía la campaña? Por lo que estos líderes colaboran con un gerente de marketing que debe ser experto en identificar al público objetivo y desarrollar una estrategia a medida para llegar a ellos. Por lo tanto, los gerentes de marketing a menudo trabajan junto a los asistentes de marketing, y también pueden contratar agencias de publicidad para obtener experiencia especializada y recursos adicionales. Esta colaboración asegura una campaña cohesiva que se alinee con el objetivo cinematográfico y llegue efectivamente al público objetivo Entonces estrategias de marketing cinematográfico de manera muy significativa. Así que adaptándose al tipo y presupuesto de película. Por lo que el campo del marketing está en constante evolución, especialmente con el auge de los medios digitales donde marketing viral puede convertir una película en una sensación de la noche a la mañana. Ahora, exploremos los diversos tipos de marketing, desde la impresión tradicional y la televisión difícil hasta las campañas digitales que aprovechan redes sociales y las plataformas en línea, tipos de marketing. El marketing efectivo se basa en una combinación de estrategia en múltiples transmisiones de medios, a menudo categorizadas como pagadas, ganadas y en Medios. Así que cada tipo juega un papel único en la creación de conciencia y anticipación. Medios de pago implica publicidad directa, como tráilers, spots del Super Bowl, cartelera o bancos de autobuses, donde el equipo de marketing invierte en espacios específicos Por lo que Bid Media garantiza un alcance garantizado mediante compra de impresiones o visualizaciones de video, convirtiéndola en una herramienta esencial para que una película esté frente a audiencias objetivo de una manera confiable y medible. Entonces David Edward profundiza sobre el concepto, explicando que los medios pagados implican compra de espacios de arte definidos e impresiones Esto podría ir desde duro a gran escala, como un comercial del Super Bowl hasta inversiones más pequeñas como impulso de las redes sociales que promueve trailers y publicar directamente en el grupo demográfico objetivo. Por lo que los medios pagados aseguran que público vea estos mensajes con frecuencia estableciendo la presencia de una película y generando interés temprano que pueda generar impulso a medida que se acerca la fecha de lanzamiento. Entonces los medios. Y los medios involucran contenido creado a través del boca a boca o fuentes de terceros, incluyendo reseñas, reacciones en redes sociales y cobertura de prensa. Entonces, aunque el equipo de marketing puede influir en los medios mediante la elaboración de campañas atractivas y otras cosas, última instancia, depende respuesta de la audiencia y no es completamente controlable Este tipo de medios tiene un valor significativo porque se siente más orgánico para el público y puede generar entusiasmo y confianza genuinas en torno a la película. Como David Edward describió a Media como un fenómeno que muchas veces se vuelve viral entrando en la estela de los comentarios sociales Cuando las personas encuentran valor en un contenido, lo comparten de forma natural. Provocando conversaciones y amplificando el alcance, idealmente, esto lleva a titulares y discusiones que mejoran la visibilidad de la película alimentada por el interés del público en lugar de por el esfuerzo pagado en los medios propios se refiere a vías promocionales controladas directamente por Studio, aprovechando Por ejemplo, Disney podría usar su red ABC para cubrir películas de Marvel que se benefician de la publicidad en casa sin costo adicional Por lo que tal sinergia dentro del conglomerado permite que un estudio llegue a gran audiencia a través de los medios de comunicación, aumentando la exposición con el mínimo gasto Entonces David Edward enfatiza por esa cosa. Valor de los canales de redes sociales controlados por estudio como medios propios. Por ejemplo, un canal de TikTok de estudios puede llegar a millones sin arte pagado Sin embargo, involucre a los fans compartiendo avances exclusivos, entrevistas o contenido promocional. Estudios como Disney con múltiples medios bajo el paraguas pueden utilizar estratégicamente estos recursos para amplificar la presencia de una película. Sus propias plataformas, creando un bucle de visibilidad e interacción con la audiencia. Adicionalmente, los medios propios suelen incluir contenido que se generó en el set como entrevistas y metrajes BTS detrás de escena, los cuales son manejados por el kit de prensa electrónica, productor de kit prensa electrónica EPQ Así que trabajando en estrecha colaboración con el gerente de mercadotecnia, el productor EPK gran material esencial de kit de prensa Por lo tanto, coordinándose directamente con el asistente para colocar cámaras BTS estratégicamente en el set, esta cuidadosa planificación muestra qué lectura de bibliotecarios de contenido para uso de prensa y participación de la audiencia, alimentando la campaña de marketing desde la producción hasta Tráiler. El tráiler elaborado por un editor especializado de tráiler es esencial para generar interés de la audiencia. Entonces capturando el tono de una película. Los personajes son un libro único para hacer que los espectadores estén ansiosos por más. Entonces un tráiler bien designado enciende lo que distingue a la película y se burla de la historia sin darle demasiado. Para películas muy esperadas, Studios puede lanzar un teaser antes del tráiler de comida para generar impulso Los deportes Shutter TV también juegan un papel en la creación de integuw en todas Junto a este activo de video. Una campaña de marketing se basa en imágenes convincentes y coercitivas conocidas colectivamente como Keyhart que ayudan a comunicar la identidad de la película y atraer la atención a través de carteles, vallas publicitarias y plataformas digitales Así que el artista clave de keyhart Eric Re describe el arte clave como la historia de la película destilada en una sola imagen cautivadora destinada a resonar con los espectadores de una manera que los deja pensando Ahora, eso tiene sentido. Esta encapsulación de los ensayos de la película cobra vida a través de carteles, cartelera, anuncios de jefes y activos digitales como banners y publicaciones en redes sociales Por lo que esta pieza sirve como punto de contacto que conecta al público con el humor cinematográfico y el mensaje en una copa. El elemento central de esta estrategia visual, el póster que está diseñado son un diseñador de carteles. Diseñador gráfico, aunque tradicionalmente asociado con carteles físicos de películas en la era digital, el póster ha evolucionado más allá de los medios impresos. Como señala Eric R, ahora se trata de crear una obra de arte que no solo atraiga a los espectadores o los atraiga. Pero incluso podría convertirse en algo que quieran mostrar. Entonces con el streaming, los púrpuras del corazón clave se han desplazado aún más En lugar de simplemente ser una pieza que podría colgarse en una pared pista muebles de pared, el cartel de hoy en día tiene como objetivo cortar los máximos son interminables crecer Por lo que tiene que ser una obra que llame la atención al instante. Vistas transformando el arte estático en una invitación interactiva. Entonces, como un tráiler, un póster de película debería transmitir el tema de las películas y aclarar razones convincentes para que una audiencia lo diga. Como lo expresó Eric Re, el póster debería contar la historia de la película o al menos llamar la atención. A menudo un cartel contará con un actor popular intrigante estreno a veces o el nombre de un cineasta notable Si una película se ha ganado elogios de la crítica o ha ganado el primer galardón, estos logros también pueden ser en el cartel para aumentar el atractivo En el panorama actual, los equipos de marketing efectivos necesitan fuertes habilidades de marketing digital. La mayoría de las películas construyen una presencia significativa en línea antes de su lanzamiento, incluidas cuentas de redes sociales y sitios web dedicados. Por lo que el objetivo es provocar bolas de boca a boca, liberando seductoras detrás de escena, contenido y amplificando los lanzamientos de teaser y Por lo que esta estrategia en línea no solo involucra posibles vistas, sino que también crea una acumulación constante de anticipación previa al estreno de películas 11. Vende tu película, parte2: Marketing en redes sociales. Diferentes plataformas de marketing en redes sociales atienden a diversos tipos de contenido, cada uno desempeñando un papel único en marketing cinematográfico como Instagram, por ejemplo, es ideal para compartir imágenes visualmente llamativas capturadas por la unidad fotografo de imágenes fijas que es contratado para tomar imágenes de alta calidad de escenas en el set Estas fotos dan a los fans un primer vistazo a la estrella estética de la película ayudando a generar emoción. Facebook por otro lado, es más adecuado para publicidad dirigida debido a su sofisticada plataforma publicitaria. Si bien Tik Tok destaca en involucrar a los usuarios a través de las tendencias, convirtiéndola en una herramienta valiosa para crear contenido viral y atraer a audiencias más jóvenes, los equipos de marketing también pueden colaborar con influencers cuyo contenido y audiencia se alinean con el grupo demográfico objetivo de la película para ayudar a promover las películas orgánicas Por lo que los actores con seguimiento sustancial en las redes sociales pueden ser instrumentales en la campaña promocional, así como sus anfitriones pueden llegar a millones de fans. Por lo que este aspecto del marketing suele ser gestionado por los actores para los negocios. Quién coordina no solo publicaciones en redes sociales, sino también apariciones en programas de entrevistas, entrevistas y otros medios de comunicación. Los actores también pueden participar en junket de prensa donde devuelven entrevistas a diversos medios de comunicación en un solo lugar permitiendo a la prensa generar cobertura consistente. La película. carpetas de prensa suelen ser enviadas a periodistas y voces influyentes en la industria para generar burs y unidades publicista suele ensamblar este kit, que incluye comunicados de prensa materiales promocionales y obras como lección en el set para coordinar Adicionalmente, se realizan proyecciones de prensa exclusivamente para críticos para fomentar críticas positivas Proyecciones promocionales avanzadas, las reseñas de SNC también se organizan para construir articipación temprana directamente con los fans, una articipación temprana directamente con los fans, ofreciéndoles la oportunidad de ver la película antes de su oficial por lo que películas con potencial para ganar grandes premios como Globos de Oro u Oscar pueden realizar campañas para su consideración para alentar a los votantes de la industria a seleccionar su alentar a los votantes de la industria Si la película gana un premio, esto a menudo provoca una renovada campaña de marketing que ilumina el reciente galardón, atrayendo aún más al público e impulsando la venta de entradas Este premio puede elevar el estatus de una película, agregar credibilidad y premio puede contribuir significativamente a su éxito comercial. Inicio de publicidad Los estudios suelen utilizar llamativas acrobacias publicitarias para generar toros alrededor de sus películas Por ejemplo, los actores que promueven sonrisa espeluznante drang en cámaras urnan evento importante spot un enfoque que captó la atención generalizada Sin embargo, las acrobacias pueden incluso a veces ser contraproducentes, como cuando se menciona imposible De pronto causó un susto de bomba en Los Ángeles con un truco de marketing que salió mal Las películas más grandes también crean conciencia a través vínculos de productos como juguetes de comida feliz, figuras de acción o videojuegos, que no solo actúan como herramientas promocionales, sino que también generan ingresos adicionales. Desde trucos llamativos hasta mercancía de marca, hay innumerables formas de exagerar una película, pero sin un plan de marketing bien estructurado para unificar este esfuerzo, el impacto puede fracasar, el impacto puede fracasar, haciendo de toda la inversión en esta estática un potencial desperdicio de recursos, planes de Los planes de marketing varían significativamente según el tipo de película, con películas independientes que requieren un enfoque muy diferente al de los lanzamientos de Blockbusters Como explica Eric Rice, la diferencia más sustancial es el presupuesto, que afecta el acceso a los recursos y las oportunidades de promoción. Las películas indie generalmente no tienen el alcance financiero para pagar extensos comerciales de televisión Tablero. Por lo que se apoyan más en las redes sociales, apuntaron al boca a boca e incluso a las reseñas para atraer a una audiencia específica. También suelen contratar agencias de marketing externas como David Edwards, Tanks pictures para adaptar un enfoque rentable único En contraste, los grandes estudios suelen utilizar su departamento de marketing interno para hacer promociones de éxito de taquilla Para estos lanzamientos más grandes, estudios emplean un enfoque de marketing de 30 a 60 grados diseñado para llegar a una audiencia lo más amplia posible. Este tipo de marketing suele ser reservado. O lo que se llama películas de cuatro cuadrantes, es decir, películas destinadas a apelar a todos los grupos de edad y a todos los géneros La estrategia de marketing tiene como objetivo garantizar que todos se sientan bienvenidos y entusiasmados con la película, aumentando su alcance general y sus ingresos potenciales. Re señalar que las películas de cuatro cuadrantes son todas las edades arrendadoras de multitudes hechas para atraer a una amplia No obstante, algunas películas se consideran demasiado cuadrantes, atendiendo a un grupo demográfico más específico Por ejemplo, una película de acción puede atraer principalmente al público masculino o a los espectadores mayores, mientras que estas películas aún pueden atraer a un público más amplio. La mayor parte del presupuesto de marketing se dirige al grupo demográfico primario para maximizar el retorno de la inversión ROI. Al final, el estudio asigna recursos de marketing basados en la segmentación de la audiencia para asegurar que sus estrategias sean efectivas Así que canta o comercializa dólares en grupos específicos para dos películas de caldero o llegando lo más ampliamente posible para los éxitos de taquilla de cuatro cuadrantes Los estudios pueden crear campañas personalizadas que se alineen con cada película esperada a través del público objetivo. Identificar la audiencia potencial de la película es un paso fundamental en la elaboración de un plan de marketing efectivo Así que los especialistas en marketing dividen a la audiencia potencial en tres categorías clave Público objetivo, público secundario y público terciario. El público objetivo o núcleo consiste en aquellos que tienen más probabilidades de ver la película basada en estrellas generosas o en ellas. El público secundario o de oportunidad es el grupo que podría atraer al que podría asistir, más bien, si la película resuena con ellos o recibe el boca a boca positivo Por último, el público terciario representa a los menos interesados. Aunque podrían ganar curiosidad si las películas se vuelven grandes, decidir quién encaja en estas categorías se basa en la investigación demográfica, que identifica datos de edad, género y ubicación Toda esta información influye en su público objetivo avatis Por lo tanto, la investigación psicográfica, que se centra en el estilo de vida personal, los valores, los ingresos y otros rasgos individuales también es crucial Por lo que esta investigación le da al equipo de marketing una idea lo que podría motivar a grupos específicos a ver una película, proporcionando una imagen más clara del posible retorno de taquilla Por lo que también ayuda a decidir cuántos presupuestos destinar a la publicidad. Basado en el tamaño y la naturaleza de la audiencia. Entonces, carpeta, estas ideas pueden indicar si es más probable que los espectadores vayan a los cines para el lanzamiento o esperen la transmisión, impactando el tiempo general de los esfuerzos de marketing Por lo que la calidad de la película también puede dar forma al enfoque de marketing. Si Ellie Pins sugiere que la película puede recibir críticas mixtas, el equipo de marketing también puede optar por limitar o evitar las proyecciones previas al estreno para evitar a boca negativo afecte a la CucireonW a la inversa, si es probable que una película sea bien recibida, si es probable que una película sea bien recibida, marketing pueden aumentar avanzadas la película puede recibir críticas mixtas, el equipo de marketing también puede optar por limitar o evitar las proyecciones previas al estreno para evitar que el boca a boca negativo afecte a la CucireonW a la inversa, si es probable que una película sea bien recibida, los especialistas en marketing pueden aumentar las proyecciones avanzadas e interactuar más fuertemente con los críticos y influencers para crear bolas positivas. Independientemente del presupuesto, un plan de marketing inteligente y adaptable es clave para maximizar el éxito de la película Desde Indy James hasta Blockbuster Giant, una estrategia bien ejecutada puede llevar a rendimientos notables en taquilla, demostrando el poder del marketing efectivo Ahora, examinemos algunas campañas exitosas para ver estos principios en acción. Ejemplo de campañas de marketing exitosas en la industria cinematográfica Las campañas de marketing exitosas a menudo requieren estrategias creativas listas para usar para generar pelotas para Barbie. Utilizaron este enfoque con una gama de pensamientos inventivos. Emitieron una serie de telerrealidad llamada Barbie Dream House Challenge en HGTV, mezclando la promoción de películas con mejoras para el hogar Adicionalmente, el equipo de marketing construyó una casa de ensueño de Barbie de la vida real en Malibú y colocó strike Al igual que Big Billboard, en las principales ciudades del mundo que simplemente mostraron la fecha de estreno de la película, generando curiosidad y anticipación sin arte tradicional Por lo que los estudios también pueden utilizar el marketing para expandir el mundo ficticio de sus películas para Toy Story tres El equipo creó anuncios falsos para el juguete de las películas sumergiendo al público en las películas juegan espíritu lúdico Dark Knight también utilizó una forma de campaña que tiene un juego de realidad alternativo, ARG para atraer a los fanáticos a la bonita atmósfera de Gotham City Por lo que brinda una experiencia interactiva que construye intriga para la película Entonces, estas estrategias inmersivas muestran cómo el marketing puede ir más allá del arte tradicional, creando experiencias memorables que atraen al público y profundizan su conexión con una película Campaña de marketing para Ex Machina ingeniosamente interpretada con la realidad, creando un perfil de Tinder para el personaje de IA Este truco se lanzó en Austin, Texas, justo antes del estreno de la película Shaw out South by Southwest, captando la atención de los usuarios e insinuando los temas de la película en torno inteligencia artificial y la relación humana Ese tipo de tácticas creativas no se limitan a grandes éxitos de taquilla Derecha. Bajo presupuesto o actividad paranormal cinematográfica ha utilizado clips de audiencias aterrorizadas y proyecta sus trailers, creando un par de misterio y miedo genuino que De igual manera, sigo aquí interpretado en Joaquin Phoenix, impulsado por difuminar la línea entre los reality mans dejando al público curioso sobre si su mentor o ablin era real, lo que intensificó el interés del público por el documental de Fox impulsado por difuminar la línea entre los reality mans dejando al público curioso sobre si su mentor o ablin era real, lo que intensificó el interés del público por el documental de Fox. Las películas extranjeras, sin embargo, enfrentan desafíos de marketing únicos, a menudo carecen del beneficio de estrellas familiares para atraer al público. Por ejemplo, Gozila Minus one se convirtió en un gran éxito estadounidense estableciendo récord como la película japonesa más taquillera en la historia de Estados Unidos, estrenada el 3 de noviembre 2023 para celebrar el 70 20 de la GzillaFranchise David Edward y su equipo reconocieron su potencial atractivo para el público estadounidense, trabajando en estrecha colaboración con Soho International Traducieron y adaptaron tráilers y fundas japoneses para el método estadounidense que conservaba la autenticidad de las películas al tiempo que garantizaba la accesibilidad para los espectadores de habla inglesa Para elevar la experiencia, el equipo de marketing creó materiales adicionales, especialmente para los estrenos de cine IMAX, fody MA, fody X y Darby, produciendo pósters y teasers de alta calidad destinados a mejorar la aleación visual de la Esta cuidadosa mezcla de activos localizados y encuestas de marketing internacional ayudó a unir la cultura permitiendo que Gozilla menos uno se convirtiera en un internacional El éxito ejemplifica cómo marketing reflexivo puede amplificar el alcance de una película, incluso sin las caras familiares o el presupuesto ocular que a menudo se confía en el cine estadounidense convencional El marketing digital fue esencial generar impulso para Gozillas menos uno en Estados Unidos para aprovechar una base de fans dedicada El equipo de marketing se asoció con populares medios en línea como IG Hen y Corridor Digital, asegurando que la película lavó al público ya invertido en canales de redes sociales de Jerre Ponte dedicados a la película también jugaron un papel importante Compartiendo frecuentemente clips de la franquicia Gzilla para despertar nostalgia y emoción entre los fanáticos a largo plazo La anticipación creció aún más con un estreno de alto perfil en Estados Unidos en Los Ángeles el 10 de noviembre, donde estuvieron presentes el director Takashi Yamasaki y actor principal UnskeKamiki Esto fue seguido por un evento de fans de acceso anticipado el 29 de noviembre, que mantuvo a los fanáticos ansiosamente comprometidos hasta el lanzamiento oficial Las películas que Estados Unidos estrenó el 1 de diciembre en 1.800 salas marcaron un cambio significativo películas anteriores de Gzilas, llegando a los cines estadounidenses poco después Esta estrecha brecha de liberación fue intencional con el objetivo de mantener el impulso de la película mientras el interés seguía siendo alto. Confiando en el atractivo de la película, el equipo decidió no exigir a los cines que se comprometieran con una duración de carrera específica, confiando en que el fuerte desempeño de taquilla mantendría en las pantallas Su estrategia efectiva. En dos semanas, las películas también se expandieron. Resultando a ello 510 Teatros, un testimonio de su amplio atractivo y sostenida demanda de audiencia Este éxito se vio impulsado aún más por el lanzamiento de GI Minus Color, una interpretación en blanco y negro de la película, que trajo una experiencia fresca y visualmente convincente a los cines, experiencia fresca y visualmente convincente a los cines, generando nueva emoción con thrillers y boosters dedicados Aprovechar aún más la popularidad de la película, el equipo de marketing lanzó para su consideración, la campaña FYC, específicamente con el objetivo reconocidos en la categoría de mejores Efectos Visuales en el Premio Académico Este impulso final de marketing no sólo celebró el logro técnico de la película, sino que también buscó asegurar prestigio y atraer nuevos públicos. Podríamos apreciar el arte de la película. Esta estrategia culminó con una nominación al premio académico a Mejor VFS, que aportó a la película aún más visibilidad visual y completó una exitosa campaña de marketing multicapa para El éxito estadounidense de Gozilla Minus one Lighthouse El marketing multifacético inteligente puede construir un ojo de boca a boca esencial , desde asociaciones digitales estratégicas y redes sociales inmersivas hasta proyecciones tempranas y La campaña de la película mostró la importancia de conectar con el público a través de múltiples plataformas Hacer una película es exhaustiva y por eso es vital que cuando finalmente se complete, llegue a los espectadores que la apreciarán. Por lo tanto, el marketing no debe verse como una ocurrencia de último momento, sino como una parte crítica del viaje de la película El marketing es crucial porque incluso una gran película solo puede ser reconocida como tal por un público si consciente de ello cuando la campaña ha hecho su trabajo, es el momento de cambiar a distribución donde la película finalmente se lleva a su público previsto en los segmentos de melenas del curso, nos sumergiremos en los entresijos de la distribución, explorando cómo obtener una película terminada en las pantallas para que el público la experimente, nos vemos allí. 12. Distribuidor: En nuestra lección anterior, nos fijamos en el marketing. En la lección de hoy, nos fijamos en la etapa final del cine. Haremos referencias a los abogados de entretenimiento, Melissa, Degodig, Theatrical Booker, Susan, Jacobsen programador Jake Izgar Conseguir una película frente a un público implica dos etapas de distribución y exhibición. distribuidor de películas lleva una película a diferentes escenarios de exhibición, ya sea un teatro, servicios de transmisión de TV o DVD. expositor wa posee estas plataformas donde la película se puede mostrar como tal La distribución no sólo se refiere a que una película llegue a los cines Incluye mercado auxiliar donde una película puede ganar dinero durante años después del estreno inicial en theatrica Desde la decisión de Paramount en 1948, estudios no podían poseer los medios de producción, distribución y exhibición para mayoría de los estudios significó vender sus teatros, pero esa distribución ha expirado recientemente Entonces algunos estudios una vez más se involucran en exhibición. Para muchas películas y cineastas, conseguir un distribuidor no es de ninguna manera un hecho. Deben navegar por el desafiante proceso de encontrar distribución. La distribución comienza con la acusación. Aquí es donde una película termina en un distribuidor en otras palabras, el distribuidor obtiene los derechos de una película a partir de su orden de copyright, que suele ser un productor o estudio Estas ofertas describen en qué territorios puede operar el distribuidor y durante cuánto tiempo. Por lo que sin ninguna distribución, no es posible hacer que ninguna de las películas se vuelva a presupuestar. Entonces, es una buena idea tener en mente la distribución antes. Susan Jacobson, no, realmente tienes que tener un plan desde afuera, solo contando una historia que siempre quisiste contar Sí, eso es maravilloso. ¿Significa eso que necesita tocar en los cines, sobre todo desde la pandemia Probablemente no, porque un teatro vacío es un lugar triste. Una película puede asegurar a un distribuidor cuando todavía está en desarrollo o preproducción Esto se conoce como distribución de preventa, una garantía de un distribuidor de que adquirirá una película al finalizar Entonces esto suele suceder para películas que son grandes estrellas o son secuela de Big E. Para más información sobre preventas, consulta nuestra lección anterior sobre desarrollo en este curso Entonces, para Big Studios, la distribución se hace típicamente en casa. Disney, por ejemplo, tiene la distribución Waltz Disney Studios Motion Picture Zab ecobsen explica que si un estudio hace una película, van a distribuir ellos mismos o ya tienen un trato para distribuirla conjuntamente con otro estudio, otra otra En los estudios, por su parte, tendrán que comprar sus películas alrededor a múltiples películas diferentes. Los cineastas independientes tienen algunas opciones diferentes para tratar de obtener festivales de distribución, mercado cinematográfico, agente de ventas y autodistribución Los cineastas, normalmente utilizamos una combinación de estas estrategias La mayoría de los distribuidores solo están presentes en los primeros festivales de prestigio, como los Cinco Grandes, Venecia, Kings, Berlín, Toronto y Sundance Son temas bulliciosos que captan la audiencia o atención crítica serán abordados por las empresas distribuidoras. Mercado cinematográfico. Los mercados Fam son el propósito principal de vender una película a un distribuidor. En ocasiones estos mercados ocurren con un festival más grande, como King's Market DFM Pero hay otros que se destacan por su cuenta, como el mercado cinematográfico estadounidense y en los libros. Muchas películas compradas en el mercado no están terminadas, muchas veces sólo en la etapa de desarrollo. Un mercado cinematográfico puede ser una buena ruta si tu película no puede llegar a los prestigiosos festivales altamente selectivos. representantes de distribución en los mercados se llaman ejecutivos de adquisición, y llamar su atención requiere un tono breve y fuerte junto con materiales atractivos como una escena de tráiler o una colección A menudo, los cineastas en festivales y mercados se asociarán con agentes de ventas que se especializan en vender películas a empresas de distribución Por lo general, representarán películas en mercados y festivales, además de utilizar sus propias conexiones bien establecidas. Los cineastas que no están establecidos suelen tener que esperar hasta que termine su película para conseguir un agente de ventas Es posible llegar a posibles distribuidores utilizando IMDB P. Aunque pocos distribuidores aceptan presentaciones no solicitadas, diferentes distribuidores tienen diferentes áreas Así que especializarte en ciertos públicos o géneros. Por lo tanto, es una buena idea tener en mente a un público objetivo al reunirse con las empresas de distribución. Si un cineasta no necesita un estreno en cines para su película y se contenta con un lanzamiento su película y se contenta directo al streaming, puede dirigirse a puede Los agregadores son empresas a las que nos acercamos a los streamers en nombre de una película, y no requieren distribuidores ni agentes de ventas Sin embargo, normalmente requieren una tarifa inicial o un porcentaje de ventas, autodistribución La opción final es la autodistribución. Con la autodistribución, todas las vías de exhibición siguen abiertas, pero estarán a riesgo económico del cineasta El estreno teatral es posible, por ejemplo, pero costará mucho dinero, ya que el cineasta tendrá que cubrir arte, carteles, certificación, carteles, certificación, El cineasta normalmente necesita un agente de ventas para conseguir un trato con una cadena de televisión Las ofertas pueden resultar en muchas ganancias, pero suelen ser una autodistribución larga que también incluyen publicar trabajos en plataformas como películas de YouTube o demanda de vMeOo Estos servicios permiten a los cineastas vender sus películas directamente a los consumidores a poco o ningún costo Una vez que se adquiere un método de distribución, un cineasta debe entonces decidir sobre la licencia casi toda la distribución independiente requiere algún tipo de Este es un acuerdo entre el creador o derecho propietario de una película y un distribuidor con términos establecidos de compensación y duración para navegar mejor por este proceso utilizando un abogado de entretenimiento es una buena idea. Melissa Degodig explica un papel, diciendo que puede deshacer contrato de producción para películas independientes y puede formar la entidad comercial que suele ser dueña la película y suscribe todos los contratos en nombre del cineasta De manera que registrar marcas marcas comerciales son una gran parte de lo que hace. También registra los derechos de autor una vez que la película está en el c. Y para los guiones, por supuesto, también registra el guión la oficina de derechos de autor y trabaja con mucha gente creativa en todo el país para los principales estudios con su propia casa, licencias de distribución pueden ser más sencillas, ya que la estadía correcta dentro de la empresa matriz Sin embargo, las licencias de distribución pueden tomar muchas formas para cineastas independientes y pequeñas productoras antes de celebrar cualquier tipo de acuerdo de distribución, los productores de una película necesitan asegurarse de que tienen todos los derechos de compensación para el proyecto Dagodig explica ese proceso. Lo que implica el trabajo es revisar el guión y revisar la película para asegurarse de que no haya nada en ella que pueda desencadenar una demanda por infracción de derechos de autor Entonces, ¿qué podría ser eso? Curiosamente, por ejemplo, podría ser como si tuvieras un edificio Mucha gente no se da cuenta de que edificios como el Disney Concert Hall pueden estar sujetos a producción de derechos de autor. Además, hay problemas de marcas que también podrían desencadenar una demanda por infracción. Eso podría ser como si tuvieras la marca de una tienda apareciendo en el fondo, y eso podría ser algo donde tengas que conseguir una licencia para que ese nombre aparezca. Entonces hay muchos problemas de propiedad intelectual que necesitan ser vistos. Larry Wright también significa tener un firme conocimiento de la cadena de títulos para todos los IP involucrados en su proyecto. Lego explica que la cadena de títulos es realmente la forma en que demuestras que eres dueño de todos los derechos que estás representando y garantizando que haces en la película Entonces eso se reduce a contratos con todo el talento, todo lo de arriba de la línea debajo de la línea, gente en tu película, asegurándote de que esos derechos sigan completamente con los contratos que tienes, si hay coproductores o inversionistas involucrados. Es probable que el cineasta tenga que aclarar su plan de distribución con ellos antes de firmar un acuerdo de licencia Entonces dijo Dagodig, hay dos tipos principales de acuerdos de distribución, escucha y reparto de ganancias Cuando un distribuidor entra en un contrato de arrendamiento, pagará un precio fijo por los derechos de una película. Un acuerdo de láser es por circunstancias en las que el distribuidor esté distribuyendo la película Por lo general, sobre una base de tarifa reducida. Y entonces la productora pagará los gastos de distribución como impresión de la película y publicidad. Y lo que es clave en ese tipo de acuerdo de distribución es que quieres asegurarte de limitar lo que se puede contar como gastos. Y si no se limita eso, podría quedar muy poco para el cineasta Acuerdos de reparto de utilidades mir donde un distribuidor obtiene un porcentaje de ganancia de curado por una película. Esto suele estar entre el 10% y el 50%. Dagodig explicó que si bien podría tomar más dinero del cineasta, también puede incentivar a un distribuidor a maximizar la distribución y ganancias de la película con un contrato de participación en las ganancias Eso también va a ser un porcentaje de algo, y todo importa cómo se defina. Entonces realmente no importa cómo lo llames. Los términos y contratos definidos serán en mayúscula Y lo que siempre importa es, ¿cuáles son los detalles de esa definición? Como, ¿qué gastos consigue sacar esta persona antes de que me pague? ¿Y cómo puedo limitar esos gastos? Entonces consigo más dinero. Eso es lo que es crucial. Los acuerdos de licencia también pueden diferir según el tipo de distribución que se ofrezca. Los derechos primarios se refieren a los estrenos teatrales, mientras que los derechos secundarios se refieren a todo lo demás Un acuerdo de licencia puede dar derecho primario a un distribuidor, pero no derechos secundarios o viceversa. Los distribuidores suelen querer todos los derechos, pero a veces puede ser estratégico retener ciertos derechos de distribución Para que puedas negociar por el. Por lo general, los distribuidores también quieren su licencia sea exclusiva, lo que significa que tendrán el derecho exclusivo de distribuir una película en un territorio específico durante un período de tiempo determinado. Un distribuidor pagará más por esto, pero también puede limitar la exposición de tu película. Derecho no exclusivo significa que múltiples distribuidores diferentes pueden liberar en el mismo territorio. Por ejemplo, una película puede tener licencia para múltiples redes de televisión. Este tipo de trato, sin embargo, puede ser más difícil de negociar Un acuerdo de licencia también dictará una duración de término. Un término prestado. Es decir, cuánto tiempo tendrá el distribuidor los derechos sobre la fi. Estos términos suelen ser largos hasta 50 años antes de firmar un acuerdo de licencia. Es importante que hagas tu propia investigación, asegúrate de que el distribuidor esté dispuesto y sea capaz de comercializar tu película. Pero al mismo tiempo, no gastará de más y en los márgenes de ganancia de la película Esto significa mirar el historial de los distribuidores con marcos de oración. Distribuidores internacionales intentarán que una película llegue a los mercados de todo el mundo. Los distribuidores nacionales por su parte tomarán la derecha para una película en su país específico. Luego se negociarán las licencias de segunda ejecución para llegar a una audiencia global con una licencia para quejarse. Es momento de entregar tu película a los expositores. Un Expositor necesita los datos necesarios para mostrar una película. Por lo general, esto viene en forma de paquete de cine digital o desaparece. Archivos de alta resolución que permiten a un expositor mostrar una película en su máxima calidad Incluya archivos de audio, video y metadatos diseñados para la visión. Estos archivos están formateados de acuerdo con el estándar de la sociedad de cine e ingeniero de televisión para una reproducción consistente de teatro a teatro. Por lo general, la creación de un DCP se subcontrata y se subcontrata a una empresa que se especializa en el proceso Si se va a mostrar una película sobre celuloide real, sus ruedas deberán ser entregadas al expositor Las biografías son el verdadero aspecto minorista de la industria cinematográfica. Es decir, manejan mostrar una película al público, y esto puede tomar muchas formas. Jack Iska explica La exhibición puede significar muchas cosas diferentes Al igual que, piensa en esas etiquetas del FBI frente viejas cintas VHS sobre exhibición pública no está permitida a menos que tengas ese derecho Podría ser simplemente alguien sacando un proyector en un bar y poniendo una película que es literalmente exhibición. Estás poniendo algo ahí afuera para que otras personas lo vean. En cuanto a la exhibición teatral, es solo una que obtienes películas y las reproduces en pantalla para Los distribuidores suelen trabajar estrecha colaboración con los reservadores teatrales, negociando cuándo y dónde se proyectará la película Jacobson explica el papel que tiene que determinar cuándo va a suceder, fijar la fecha de apertura y averiguar la estrategia teatral ¿qué tan amplia va ¿Dónde va a jugar? Coordinar Q y oye, negocia los términos y condiciones, envía todos los materiales de marketing a los cines y asegúrate de que los consiguieron, que la película esté debidamente listada en su página web Asegurarse de que el distribuidor esté haciendo lo que dijeron que van a hacer, que están trabajando para promocionar la película su parte y luego hacer las colecciones en el. También decidirán sobre el fraccionamiento, que se refiere a cuánto obtendrá E 30 con la ganancia. Así relación distribuidor, contrato pendiente con porcentajes fijos. Jake Izgar explica que una división se negocia desde el principio a menudo, o en algunos casos para grandes distribuidores, es Chain tiene acuerdos continuos con los suyos y algunas divisiones cambian después una película ha ganado una Escala es cuando si un tema hace X cantidad en su primera semana o segunda semana, entonces ese porcentaje se establece. Y entonces a medida que la película sigue reproduciéndose en pantalla, el porcentaje puede disminuir. Cuando disminuye, quiero decir, hay más favorable para el teatro. Entonces, en términos generales, los porcentajes post run pueden oscilar entre, digamos, en promedio, 50 a 60%, donde ese 50 a 60% volverá al distribuidor en el lado alternativo o en el lado, manera realista se dividirá de 35 a 40% donde eso es 35% 40% es lo que va de regreso al distribuidor eso también podría ser la razón por la que veas tocar ciertas películas en ciertos cines Sé que esto podría asquear en esta ciudad, pero específicamente en esta pantalla en esta ciudad. Entonces los distribuidores tal vez quieran. También se decidirá la ventana de una película. Esta es la cantidad de tiempo que una película está disponible en tecnología de medios específicos. Por ejemplo, Disney Frozen se estrenó en cines en noviembre de 2013 en DVD en marzo de 2014 y fue deportado en ABC en Jake Izgar explicó que, cuánto tiempo está esto en pantalla antes de que esté disponible por otros medios Otros significa ser renter digital, digital down y otros. Y luego también hay más allá de eso, cuándo puede estar disponible esto en el sitio de streaming, que es otra ventana secundaria donde el productor está pagando una cantidad pasiva de una cantidad X de dólares para suscribirse al servicio de streaming. Este servicio de streaming tiene esta cosa que la gente normalmente presiona play en él y tal vez lo vea mientras están lavando la ropa o haciendo alguna otra cosa. De cualquier manera que quieran verlo. Por lo que un día y una fecha de estreno, más raramente, las películas también pueden utilizar un lanzamiento de día y fecha donde se estrena en streaming el mismo día en que se estrena teatralmente De vez en cuando, una película regresará para una segunda ronda para celebrar aniversarios o grandes premios Oppenheimer, por ejemplo, hizo un lanzamiento limitado luego de sus numerosos premios académicos Las ventanas de teatro se han ido reduciendo, especialmente para películas de presupuesto medio y bajo Esto se debe en gran parte a la proliferación de servicios de streaming. Jacobsen explica, sobre todo ahora desde la pandemia. La gente no va tanto al cine. Entonces, para una película ahora hacia un estreno teatral, realmente tiene que ser hasta Hay una película diferente hay algunos tipos diferentes de estrenos teatrales Las películas más grandes suelen tener un estreno amplio, lo que significa que se reproducen en más de 600 salas Si una película se reproduce bajo ese número, se considera un estreno limitado. Las películas pueden comenzar con un lanzamiento más pequeño antes de que se expanda. Esto se conoce como un lanzamiento de plataforma. Lanzamiento de la plataforma. Los lanzamientos de plataformas normalmente se reproducirán en juego solo en Nueva York y Los Ángeles. Esto construye el boca a boca y puede crear especiales para una liberación más amplia. Pero si una película no funciona bien durante el estreno de una plataforma, puede que simplemente continúe como una carrera teatral limitada Los expositores deben ser estratégicos sobre sus proyecciones. Si una película se abre demasiado amplia, es decir, en demasiados cines, entonces el público puede estar difuminado. expositores a menudo presionarán a los distribuidores a medida que deciden una fecha de lanzamiento Por ejemplo, los cines normalmente no querrán múltiples películas muy esperadas estrenen múltiples películas muy esperadas el mismo fin de semana Si un teatro no quiere proyectar una película en su propio di, un distribuidor o cineasta puede para pared, lo que significa que suscribirán un cierto número de pantallas para asegurar que una película sea estrenada. Esto elimina cualquier riesgo financiero para el teatro. Jake Izgar dice: Si solo quieres comprar la pantalla, si eres lo suficientemente intrépido, si eres más caliente, si sabes lo que estás haciendo, entonces como para la guerra por qué no como también meter a la gente hay un entonces como para la guerra por qué no como también meter a la gente montón de películas que han tenido éxito de esa manera o han comenzado de esa manera, película calificada Antes de que una película pueda ser exhibida en muchos foros de Estados Unidos, debe ser calificada por el MPA. La calificación de una película puede afectar la amplitud de alcance que tendrá. La mayoría de los éxitos de taquilla intentarán evitar una calificación R porque limitará las audiencias familiares En cambio, apuntarán a una calificación PG 13, lo que indica que casi todas las audiencias son bienvenidas. Las clasificaciones G y PG suelen indicar que una película está hecha para familias y niños. Calificación NC 17 Mewi puede reducir severamente el número de cines o películas que se muestran como sucedió con las showgirls, una película de gran presupuesto que terminó con un estreno teatral relativamente limitado Hoy en día, la exposición está evolucionando rápidamente debido al cambio en la industria, así como a los patrones de visualización de la audiencia. Pensamiento final. La distribución puede ser el último paso en el proceso cinematográfico, pero sin duda es la lista distribución en la mente desde el principio ayudará a que tu película llegue a la mayor cantidad de personas posible. La distribución requiere mucha planeación, y puedes comenzar ese aprendizaje en la etapa de desarrollo de la película. Eso es todo por este curso clase magistral de cine profesional Ahora, tienes todas las herramientas para llevar tu obra maestra del guión a la pantalla. 13. Proyecto: Para este proyecto, aplicas lo que has aprendido sobre preproducción utilizando el documento de producción proporcionado en el activo del curso. Este documento son herramientas esenciales utilizadas por los profesionales de la industria para organizar y agilizar los pasos del proceso de realización cinematográfica para completar el proyecto Descargue el documento, acceda al documento de producción proporcionado en un activo del curso. Esto incluye plantillas para un desglose de guión, preselección, guión gráfico, horario de producción, una hoja de corte dos, personalizar para su película Utilice este documento para crear materiales de preproducción para su idea de película casera o una escena que le gustaría producir. Asegúrese de incluir un guión detallado , desglose, una lista corta para al menos una escena, un guion gráfico para visualizar el momento clave, un cronograma básico de producción, una hoja de convocatorias terminada para un día de filmación Una vez que hayas completado el documento, toma una captura de pantalla clara de tu trabajo. Puedes incluir una captura de pantalla de toda tu carpeta mostrando todo el documento completado o resaltar el documento individual. Subir a la sección del proyecto. Envía tu captura de pantalla en la sección de proyectos de este curso. ¿Qué hay que tener en cuenta? No necesitas un proyecto completamente pulido. Se trata de aplicar el proceso y adquirir experiencia. Se fomenta la creatividad. Siéntase libre de usar su idea cinematográfica única o adaptar una escena favorita de una historia existente. Si te encuentras con algún desafío, consulta las lecciones para llegar en la sección de discusión para guardianes. Estoy emocionado de ver cómo da vida a su visión usando estas herramientas estándar de la industria. Aplicación cinematográfica