Campo de entrenamiento de escuela de arte I: Dibujo de composiciones cautivadoras

1. Avance de la clase: Hola, soy Christine Fleming, ilustradora de Might Cloud Studios, y bienvenidos a la primera sesión de Art School Boot Camp. Asistir a la escuela de arte cuesta fácilmente más de 50.000 dólares solo en colegiaturas. La mayoría de la gente no se lo puede permitir. Esta serie de clases de Skillshare tiene como objetivo apuntar a estudiantes que tengan la pasión por el arte y quieran aprender los conocimientos esenciales que se extraen de la escuela de arte. En esta serie, voy a llevarte a través los conceptos fundamentales que se enseñan en las escuelas de arte y diseño, incluyendo composición, color y gestos. Estudiantes de escuelas de arte practican estas habilidades una y otra vez hasta que las han comprometido tan duro con sus cerebros que se han convertido en hábito y pensamiento subconsciente. En ese punto, estos conceptos vienen tan naturalmente, que ni siquiera tienen que pensar en ellos. Pero antes de que puedas hacer eso, tienes que empezar por el principio. La primera sesión de 30 minutos de Boot Camp se centra en la composición. La composición es la disposición de elementos en una obra de arte. composición es posiblemente el aspecto más vital de lo que hace que una obra de arte sea fuerte o débil, por lo que vamos a pasar por todos los conceptos básicos que enseñan en la escuela de arte. En primer lugar, presentaré los elementos básicos de diseño. Entonces, repasaré los principios básicos de diseño. Después de eso, te mostraré las seis técnicas diferentes a considerar a la hora de construir una composición. cinematografía es una gran manera de estudiar composición. Entonces después de explicar cada técnica, proporcionaré ejemplos de películas de cómo se puede aplicar cada técnica a una composición. Tu tarea para esta clase es elegir una técnica de composición de los videos, y volver a dibujar una obra de arte que ya has creado con el enfoque en mejorar su composición. Se puede elegir cualquier tipo de obra, incluyendo una pintura, un dibujo, o incluso un proyecto de otra clase de Skillshare. Para el final de esta clase, tendrás unaobra de arte revisada y más fuerte, obra de arte revisada y más fuerte, y estarás bien en camino de comprometer los fundamentos de la escuela de arte a la memoria. Este Boot Camp es genial para todos los artistas, ya sea que te guste hacer libros, ilustraciones, pinturas, o simplemente te gusta dibujar. Entonces agarra tu boina roja y vamos a la escuela de arte. 2. ¿Qué es la composición?: ¿ Qué es la composición? Para hacer la obvia primera pregunta, ¿qué es la composición y por qué es tan importante? La composición es la disposición de los elementos en una obra de arte. Su propósito es enfatizar los elementos más importantes, guiando el ojo del espectador a través de la pieza, permitiéndoles comprender el mensaje de la obra, al tiempo que crea una armonía estéticamente agradable. Suena sencillo. Bueno, es una vez que practicas. ¿ Por qué deberíamos pensar en la composición? La composición es sobre el movimiento de los ojos, pensando y guiando al espectador sobre dónde mirar primero y dónde mirar después. Se quiere captar la atención del espectador, aferrarse a ella y decirles dónde buscar. Puedes aprender lo que hace una buena composición y aplicar estas lecciones a tu trabajo desde el principio, o simplemente puedes pasear por cada dibujo que hagas, esperando tropezar con un diseño interesante. Confía en mí, si pones en el esfuerzo y el inicio de tu carrera y el inicio de cada dibujo, realmente vale la pena a la larga y te ayudará a mejorar tus dibujos inmensamente. 3. Actividad del proyecto: El encargo del proyecto para esta clase es redibujar una obra de arte que ya has creado con un enfoque en mejorar su composición. Puedes elegir cualquier tipo de obra de arte de una pintura, una ilustración, o incluso un proyecto de otra clase de Skillshare. En primer lugar, necesitarás ver los videos de la clase para conocer los conceptos básicos y la composición y las técnicas específicas. Después elegirás una técnica de composición de los videos y redibujarás tu pieza de arte usando esa técnica. Esta asignación te ayudará a aprender lo que hace una composición fuerte y te da la oportunidad de practicar técnicas específicas para que puedas mejorar tus habilidades de diseño de composición para todas las futuras ilustraciones. Puedes subir tu nueva obra de arte a la Galería de Proyectos, haciendo clic en el botón “Inicia tu Proyecto” de la página del proyecto de la clase. También puedes revisar el trabajo de tus compañeros estudiantes y ver cómo abordaron la composición. Veo cada proyecto que está publicado en todas mis clases y siempre me emociona ver tu trabajo. El mejor modo de aprender es haciendo, así que tómate un crack en revisar la obra de arte. Ahora empecemos. 4. Elementos de diseño: Elementos de diseño. Para empezar, repasemos los elementos del diseño. Son siete los elementos principales que conforman el vocabulario visual de un artista. Estas son las herramientas que todos, desde un niño de cinco años hasta Leonardo da Vinci utilizan para comunicarse visualmente. Aquí están, los siete elementos del diseño. Línea, forma, color, textura, tono, forma, y espacio. Pasemos rápidamente por cada uno para asegurarnos de que todos estamos en la misma página. En primer lugar es la línea. Las líneas pueden ser horizontales, verticales y diagonales. Pueden ser rectos, curvos, rotos, gruesos y delgados. Forma. Una forma es un área cerrada de espacio separada de otras áreas. Las formas son bidimensionales, por lo que tienen ancho y largo, pero no profundidad. Estos son algunos ejemplos de formas. Color. El color incluye tonalidades con todos sus valores e intensidades. Los colores son una forma de ver longitudes de onda de luz. Habrá toda una clase de botín en color, así que no te preocupes si este elemento de diseño te resulta un poco confuso. Textura. La textura se ocupa de la sensación táctil y la superficie física. textura en el arte puede ser real, como en la rugosidad del papel de acuarela o el grosor de la pintura al óleo, pero la textura también puede ser implícita como en cómo se usa el sombreado a lápiz para mostrar el rockiness de una montaña o cómo se puede usar la pintura para mostrar el esponjosidad de una nube. Tono. El tono es el rango de sombra desde el blanco hasta el negro. A veces el tono también se llama valor. Forma. La forma es un área cerrada del espacio que es tridimensional, por lo que a diferencia de las formas, las formas tienen anchura, longitud y profundidad. Estos son algunos ejemplos de formas. Espacio. El espacio es el área alrededor y entre elementos en una obra de arte. esto a veces también se le llama espacio negativo o espacio en blanco, así que sí, la falta de un elemento es su propio elemento y es súper importante para hacer composiciones fuertes. Ahora que hemos cubierto las herramientas para crear obras de arte, ¿cómo usamos estas herramientas para hacer arte? Ahí es donde entran los principios de diseño. 5. Principios de diseño: Principios de diseño. Como artistas, utilizamos los elementos del diseño para crear composiciones, ya sean composiciones fuertes o débiles. Entonces, ¿cómo utilizamos estas herramientas para crear composiciones fuertes? Al seguir los principios del diseño. Estas son reglas que se han desarrollado a lo largo de siglos de hacer arte y ayudan a explicar por qué las composiciones funcionan y no funcionan. Una vez que conozcas estos principios como el dorso de tu mano, no tendrás que pensar en ellos como estás dibujando. El conocimiento estará profundo en tu cerebro y saldrán como hábitos subconscientes, pero por ahora, tendrás que practicar. Por favor, ten en cuenta que las reglas y principios están ahí por una razón porque se ha demostrado que funcionan pero las reglas siempre se pueden romper, y a veces romper la regla es la mejor regla. Te sentirás más cómodo probando las reglas una vez que realmente las entiendas. De acuerdo, así que aquí están los seis principios de diseño. Unidad, equilibrio, énfasis, movimiento, ritmo, y proporción. Vamos a pasar por cada uno. Unidad, unidad es cuando todas las partes de una composición trabajan juntas en armonía, la composición se siente completa y nada parece fuera de lugar. Dentro de cada uno de estos principios hay ideas más específicas. Dentro de Unidad, tenemos la idea de proximidad, que es la distancia entre elementos. Similaridad, que es un sentido de repetición y repetibilidad, y continuación, un sentido de extensión. Nuestro siguiente principio es el equilibrio. El equilibrio es la distribución de los elementos. equilibrio le da a la composición una sensación de estabilidad. Dentro del equilibrio, tenemos la simetría, que son cuando los elementos están dispuestos por igual en ambos lados de un eje. También asimetría, que es cuando los elementos no están dispuestos por igual en ambos lados del eje, sino que aún están dispuestos. Entonces también tenemos simetría radial donde los elementos están dispuestos por igual alrededor de un círculo. énfasis, el énfasis está dando mayor importancia a ciertos elementos a través del uso del contraste. Cualquier elemento se puede contrastar, tamaño, color, textura, etc. Dentro del énfasis tenemos resaltado, rompiendo una regla visual ya establecida para traer énfasis, color, rompiendo color continuación para traer énfasis, y tamaño, contrastando tamaño para traer énfasis. Movimiento, movimiento es como el ojo del espectador viaja a través de una composición. Una composición fuerte guiará el ojo claramente alrededor de la pieza utilizando los principios de diseño. Punto focal, el centro de intereses, pero no necesariamente el centro de tu página. Ritmo, ritmo es la repetición de elementos en armonía. La repetición crea movimiento usando patrones claros o flujos más ambiguos. Patrón, una repetición organizada y predecible. Flow, un movimiento impredecible pero aún armonioso. Proporción, proporción es la relatividad armónica de todos los elementos. Una composición fuerte tendrá proporciones equilibradas y tamaño del elemento, número y cantidad, así como cómo se relacionan todos. Tamaño, tamaño diferente para equilibrar y enfocar. Relaciones, cómo los elementos se relacionan entre sí. En la siguiente unidad, vamos a pasar por seis videos y las técnicas específicas de cómo utilizar estos principios en composiciones. 6. Regla de los tercios: Regla de tercios. Ahora vamos a sumergirnos en las técnicas específicas que puedes usar para crear composiciones fuertes. En primer lugar en la docket es la regla de los tercios. El principio de los tercios es una técnica sobre cómo colocar elementos en tu obra de arte basada en dividir la composición en tercios. Primero divides tu espacio en nueve partes iguales y luego colocas los elementos más importantes de tu pieza en las intersecciones de esas líneas. La idea es que colocar tus puntos focales en estas intersecciones crea tensión y equilibra la composición de manera más dinámica que centrar tu punto focal o simplemente colocarlo al azar. Esta técnica te ahorra colocar tus puntos focales demasiado cerca de cualquiera de los bordes de la obra, y de dividir tu composición por la mitad, lo cual se siente antinatural y un poco raro. Ahora veamos algunos ejemplos de la regla de los tercios desde la cinematografía. Se puede ver que los puntos focales en todas estas tomas se colocaron en las intersecciones de las líneas en la composición. 7. Regla de los impares: Regla de probabilidades. El regla de las probabilidades es otra técnica para crear armonía y movimiento en una composición. Esta teoría es un poco más complicada y teórica que la regla de los tercios. Se basa en la teoría de que a los humanos les gustan las cosas que son parejos, fáciles, reconfortantes y predecibles. Pero conoces otros sentimientos que esas cosas traen, el aburrimiento y la complacencia. Eso no es lo que queremos en nuestra obra de arte. El principio de probabilidades tiene como objetivo perturbar ese confort y previsibilidad. Si tienes un número impar de elementos en tu obra, agrega tensión, interés, y un sentimiento más natural a la composición. No se siente del todo tan artificiado, a pesar de que lo sea. Otra cosa a considerar es que se puede forzar la regla de probabilidades incluso cuando se tiene un número par de sujetos. En este ejemplo de cinematografía, la película Stand By Me tenía cuatro personajes principales, lo que cuatro sujetos en este rodado. Para hacerlo más interesante en esta toma, los dos sujetos medios se han juntado como que cuando realmente lo miras, hay tres puntos focales en esta composición no cuatro. Esto hace que la composición sea un poco más interesante y agregue algo de tensión. 8. Líneas y formas: Líneas y formas. Las líneas son un elemento enorme en cada composición, ya sea que crees dibujos de línea o pinturas al óleo. Revisemos algunas de las formas en que podemos usar las líneas para bombear nuestras composiciones. Las líneas, al igual que el color, se pueden percibir como emocionales y puedes usar las líneas en tu composición para comunicar emociones con tu obra de arte. Aquí hay algunas formas comunes en las que se pueden interpretar las líneas. Las líneas horizontales pueden sentirse tranquilizantes y tranquilas, las líneas verticales se sienten fuertes y poderosas, las diagonales se sienten inestables y tensas, y las líneas curvas se sienten agraciadas y reconfortantes. Otra forma de usar líneas en tu composición es angulando las líneas en tu composición para que todas apunten hacia tu punto focal, esto ayudará a guiar al ojo del espectador exactamente donde quieres que se vean. Además, considera formas invisibles en tu composición. ¿ Tu composición crea formas que llevan la mirada alrededor? Estas formas pueden crear caminos que el ojo seguirá. Los triángulos y los círculos son vías compositivas comunes. Aquí te dejamos algunos ejemplos de líneas líderes de la cinematografía. En esta toma de American Psycho, se puede ver que casi todas las líneas en la composición apuntan directamente hacia el tema principal, esto guía tu ojo hacia dónde quiere que mires. En este disparo de Memories of a Murder, las líneas de las vías del tren también te están llevando directamente a la acción que ocurre y a los sujetos. Este ejemplo es un poco más complicado, es una toma de Reservoir Dogs y si miras realmente de cerca, casi todas las líneas desde sombras, hasta mesas, brazos, piernas, todos te están apuntando directamente hacia la acción que ocurre en la escena y el principal punto focal. Ahora, veamos un par de ejemplos de formas invisibles. En esta toma de Melancholia, se puede ver que la forma circular de la luna y la forma triangular del TP en que están sentados los sujetos están enmarcando los puntos focales y guiando tu ojo hacia los sujetos. Aquí te dejamos otro ejemplo de formas invisibles de la película True Grit. Aquí se puede ver que los tres sujetos, que son los tres puntos focales, crean una forma triangular invisible que conduce a tu ojo alrededor de la escena. 9. Ritmo y repetición: Ritmo y repetición. Puedes agregar ritmo en tu composición repitiendo elementos, ya sea en un patrón o solo un par de veces. Se pueden repetir formas, colores o elementos específicos. Repetir las mismas formas o líneas generales creará un ritmo que podrás elegir para luego romper para llamar la atención sobre tu punto focal. Estos son algunos ejemplos de ritmo y repetición desde la cinematografía. 10. Recorte y superposición: Cultivo y superposición. Si cada elemento de tu composición encaja bien dentro las paredes de la obra y cada elemento está flotando alrededor, se siente un poco como una pieza de arte plana. Queremos que nuestras composiciones se sientan más reales y más dinámicas, y el recorte y la superposición son grandes maneras de lograrlo. Recortar es como cómo se enmarca tu obra de arte, como mirar a través de un visor. Puedes extender elementos más allá del borde de tus límites de arte fuera de la vista para llevar al espectador dentro y fuera de la pieza y crear una sensación de espacio e interés. Los elementos superpuestos en tu composición crean relaciones y profundidad, y también mueve al espectador alrededor de la pieza. Al superponerse, ten atención a las tangentes, también llamadas besos. No quieres que tus elementos apenas se toquen, lo cual se siente incómodo e incómodo, como si la obra estuviera inconclusa. También puede cambiar la legibilidad de la imagen. O espaciar los elementos o solaparlos, no sólo los toques. Estos son algunos ejemplos de recorte desde la cinematografía. Aquí se puede ver que el planeta ha sido recortado fuera del marco. Todo el planeta no encaja dentro de esta composición única. Recortarlo hace que en realidad parezca más grande que si hubieras incluido a todo el planeta en la composición única. Aquí hay otro ejemplo de Minority Report, donde los dos sujetos han sido recortados de cerca para que los rostros sean lo más importante que se ve. Aquí te presentamos un ejemplo de superposición en el Camino a la Perdición. Podrían haber tenido fácilmente todos estos elementos separados con cada cuerpo tirado en el suelo sin tocar, pero en su lugar optaron por solapar algunos de ellos, lo que añade profundidad a la escena. 11. Perspectiva: Mirador. Nuestra última técnica es sobre puntos de vista. El mirador en el que dibujas tu obra se convierte en el punto de vista para el espectador. Por lo que tiene mucho que ver con cómo el espectador se relaciona e identifica con la obra de arte. Si tu sujeto es visto desde un ángulo bajo, el sujeto aparece fuerte, competente y autoritario. Si se ve desde un ángulo alto, el sujeto aparece diminutivo, inocente y vulnerable. Si tu sujeto es una persona, lo más probable es que el espectador se relacione con la persona que es más visible en la obra de arte. Aquí te dejamos algunos ejemplos de ángulos de cámara alta desde la cinematografía. 12. Conclusión: Muchas gracias por tomar esta clase y espero que aprendas algunas técnicas útiles para dibujar composiciones convincentes. Si quieres practicar más con composiciones, sugiero echar un vistazo a películas que han ganado premios cinematográficos. Estos son una gran inspiración sobre cómo enmarcar acciones y escenas. De verdad espero que decidas completar el proyecto de clase, y me encantaría ver qué se te ocurre. Ya sea que desee subir su obra de arte final o trabajar de proceso, puede hacerlo en la galería de proyectos haciendo clic en el botón de proyecto de año de inicio en la página del proyecto de clase. También puedes revisar el trabajo de tus compañeros estudiantes y ver cómo abordan las composiciones. Miro cada proyecto que se publique en todas mis clases y siempre estoy emocionado de ver tu trabajo. Diviértete dibujando composiciones convincentes y no puedo esperar a ver qué se te ocurre. Nos vemos en el próximo Campo de Boot School de Arte.