Arte abstracto: pintura de música con acuarelas

1. Introducción: Hola a todos y bienvenidos a mi clase. Mi nombre es Julia y artistas de acuarela de Manchester, Inglaterra. Esta clase, te mostraré mi forma personal de crear pinturas abstractas. Voy a compartir mi visión y pasos técnicos para lograr una sensación suelta y fluida de tu abstracto. Ya que mi tendencia natural en pintura es muy estructurada, árbol, planta y también requiere bastante alto nivel de concentración. A veces se siente como que necesito aflojarme un poco y tomarme un descanso de una rutina de pintura regular. Desde hace muchos años he estado admirando secretamente a aquellos artistas que son capaces de abrir sus mentes de una manera que nos permita ver el mundo que les rodea no como un objeto directo, sino también como el metáforas o sugerencias intangibles de formas y formas. Ni siquiera estaba tocando la superficie del arte abstracto porque sentí falta de imaginación y no pudieron captar ese flujo de pintura intuitiva mano libre. Por suerte, para mí, Una vez asistí la clase local donde nuestra maestra ofreció un experimento, eligió pocas composiciones musicales aleatorias y le pide al grupo que pinte o dibuje lo que sentimos. En el momento en que escuché imágenes de FirstNode apenas empezaron a aparecer en mi mano. Vi colores de la música que vendí, los escribí, formas de humor. Todo estaba tan claro que era imposible fallar a esta clase. Ese día, me di cuenta de que todas las formas de BAD están destinadas a estar juntas y se ayudan mutuamente a brillar aún más. Si eres como yo hace varios años soñando con pintar obras de arte abstractas, pero simplemente no sabes por dónde empezar. Por favor, quédate conmigo y aprenderás a convertir cualquier música en hermosa pintura. 2. Materiales y suministros: Antes de saltar directamente a la parte divertida, tomemos un minuto y hablemos de materiales y suministros. Obstruir no sugiere ninguna limitación en los medios utilizados. Por eso me estaré centrando en mis elecciones personales. Pero por favor no te limites a mis favoritos y ajusta tus materiales de trabajo de acuerdo a tu propio sentimiento. El primer y más importante suministro de arte es el papel de acuarela. Mientras estamos trabajando en pieza abstracta, normalmente iría por un papel 100% algodón y al menos 300 libras de espesor. Y dentro de más delgado que eso, simplemente no permitiría jugar alrededor y múltiples capas de pintura. Hablando de acuarelas, mi favorita absoluta es ésta de White Nights. Este conjunto básico, o cualquier otro similar de diferentes marcas es más que suficiente para cualquier tipo de pintura. Pero por supuesto, tener a alguien escribió en tu colección de pintura será útil para ciertas mezclas de colores. Al igual que por ejemplo, este conjunto de 24 piezas y aliyah funciona encantador para pinturas más suaves y más pastel. Como alternativa a los juegos de bolígrafos, siempre puedes ir por tubos también. Son realmente geniales para premezclados, elige por obras de arte más grandes cuando uso de pintura es realmente alto. Es puramente una cuestión de gusto, pero definitivamente prefiero sartenes sobre tubos por alguna razón. Por último, si digamos que no son artistas profesionales, siempre se puede elegir algo menos caro que las grandes marcas, como por ejemplo, esta pequeña cutie primar pastel sueña. Otra adición útil a mi kit de herramientas es tinta blanca podría ser literalmente cualquier marca. Pasando a cepillos, no hay orientación en absoluto. Solo toma los que tienes y disfruta del proceso. Cuando hago mis golpes ascendentes, siempre voy por pincel bastante grande, redondeado y puntiagudo primero, como esta ardilla siberiana de talla 18. O dependiendo del tamaño de tu obra de arte, podría ser un poco más pequeño, como este Raphael número dos, que inicialmente venía con este pequeño set Sennelier. Moverse hacia detalles más finos que normalmente van para pincel mediano estándar en talla seis u ocho dependiendo de la marca. Y si es necesario, puedo recoger pincel aún más pequeño, menos puntiagudo y más plano como todos los anteriores. Y por supuesto, hay un par de necesidades que vale la pena mencionar, como, por ejemplo, cualquier paleta de mezcla. En mi caso, es placa de cerámica regular. La toalla de papel. Para detalles adicionales, a menudo uso algunos revestimientos negros para algunos toques finales en mis obras de arte abstractas. Otra mano es el suministro es la cinta washi, preferiblemente lo más ancha posible. En lugar de arrancar el final, prefiero usar tijeras, pero depende de ti. Por supuesto. El spray de agua definitivamente no es imprescindible, pero puede ser útil a veces. Hablando de frascos de agua, recomiendo los con enlazados para que puedas dejar agua durante la noche o más tiempo. último pero no menos importante, necesitaremos algunos pinceles de línea fina también necesitaremos algunos pinceles de línea finapara alguna complicación de Whiting. 3. Preparación y proyecto de clase: Ahora, después de hablar de materiales que podríamos necesitar durante nuestro proceso creativo, es hora de hacer un poco de trabajo de preparación solo para asegurarnos que nada nos distrae de lo más agradable parte de la clase. En primer lugar, necesitamos colocar nuestra hoja de papel elegida sobre la superficie de trabajo y enmascararla alrededor de todo el perímetro. Dependiendo del tamaño de las obras de arte, cinco a diez milímetros en cada lado serán más que suficientes para mantener todo agradable y robusto. cinta adhesiva evitará que se abroche de papel una vez que tu obra esté terminada y completamente seca, podrías notar que han sido realmente gruesas y el papel firme empezará a burbujear y volverse ondulado mientras pinta técnica húmeda sobre mojada. Pero esto es algo absolutamente normal e incluso esperado. cinta adhesiva mantendrá todo en su lugar y permanece intacta durante el periodo de secado de la obra. El papel lo intentará tan plano como lo era antes de cualquier aplicación de pintura. Por último, es hora de pensar en la paleta de colores. Ya que esta clase se trata de ***, inspiración emocional y asociaciones que la música nos trae. No habrá ninguna orientación de mi lado. Lo único que tienes que hacer ahora es empezar a escuchar tus fragmentos musicales o playlist elegidos sin meterte en la planificación real de tu pintura futura, solo intenta abrir tu mente y escucha tu voz interior. Puedo garantizar que habrá algunas asociaciones de color en su mente. No pienses en ninguna forma aún o composición potencial. Solo eres tarea por ahora es visualizar colores que están asociados en tu mente con esta música en particular. Prefiero limitar mi paleta a muy pocos colores, generalmente no más de tres o cuatro, y no usaría nada más. Este enfoque podría no funcionar para ustedes chicos. Y por supuesto que eres libre de usar tantos colores como se sienta adecuado para ti. En mi caso, hice tres pre mezclas de lima, amarillo, burdeos, rojo, y oscuro aunque de color azul. 4. Capa en acuarela: Bienvenidos de vuelta a todos y por fin podemos empezar la parte más emocionante de la clase. Como se puede ver en la preparación de papel antes de la pintura real. En lugar de cubrir todo el trabajo y la superficie con una capa uniforme de agua, prefiero usar un spray de agua. Luego con un cepillo grande y suave que puede contener mucha cantidad de agua. Me gusta agregar intereses adicionales a mi futura obra de arte con trazos aleatorios a mano alzada. Creo que este enfoque con técnica húmeda sobre húmeda da más oportunidades para un flujo inesperado e intrincado de pintura. Una vez se siente como si hubiera suficientes áreas húmedas por todo tu trabajo en el espacio. Es hora de empezar a escuchar más de cerca una lista de reproducción elegida y pasar a la pintura. Mi lista de reproducción elegida era misteriosa, suspensiva, bastante tensa, y algunas partes, lo suficientemente graciosas, más tarde me di cuenta de que era reflejo exacto de mi estado de ánimo alrededor aquellos días en que estaba trabajando en esto proyecto. Uno de mis consejos para ustedes aquí es que deban tratar encontrar música que resuene con su estado mental actual. Creo que ayuda mucho entrar en la zona y crear realmente hermoso. Y lo que es más importante, pieza de arte muy personal. En esta etapa no hay necesidad de apresurarse. Deberías darte tiempo para coger el flujo y borrarte la música. Como mencioné antes, ya que mi lista de reproducción elegida era un poco tensa y misteriosa, decidí que mi color principal sería este azul marino profundo. Por lo general con mis habituales piezas más objetivas, normalmente comenzaría con el tono más claro de la paleta. En este caso, sería de color amarillo. Pero una de las bellezas del arte abstracto es que no hay reglas particulares y puedes hacer lo que te sienta bien. En, Al inicio de la pintura, no tenía ninguna asociación particular en mi mente. Acabo de seguir centrándome en el ritmo y el tono general de la música. Definitivamente me sonó dinámico, dramático pero no Grim. Es por eso que mi composición tiene fuerte vector diagonal. Después de algún tiempo me di cuenta de que la pintura real me recuerda un gran árbol del motor luchando con el viento, incluso tienda puede ser. Y es por eso que quería dejar mucho aire en el papel durante cada etapa del trabajo. En este punto, decidí pasar a acentuar colores. De lo contrario serían muy fáciles de arruinar la pieza final con la oscuridad necesaria. El color amarillo da hermosos contrastes con el azul oscuro y además aporta calidez a la composición. Volviendo de nuevo a la materia meteorológica tormentosa forman estos grados de vendedor de vena amarilla de línea rompiendo a través de la corona del árbol. Como toque final de color, elegí el rojo burdeos profundo. Cuando estaba haciendo mis pre mezclas de pintura, hice sombra mucho más brillante. Pero mientras trabajaba en esta obra de arte. Sentí que un color más profundo dispararía mantequilla. ¿ Qué está pasando ya con este cuadro? Supongo que este pequeño cambio de mente demuestra mi punto sobre las reglas y el arte abstracto. Puedes apegarte a las ideas iniciales o ajustar tu trabajo en proceso tantas veces como desees. cuando terminé con detalles rojos, estaba más que contento con el resultado y no quería introducir unos colores adicionales. Con algunas otras obras de arte. Voy a vivir y terminar de pintar exclusivamente con capas de acuarela. Pero esta vez simplemente no se sintió lo suficiente. Y puedo trabajar en él con tintas en blanco y negro también. Antes de avanzar hacia un trabajo más detallado con contornos negros y reflejos blancos, siempre es buena idea darte un descanso. Deja tu pintura a un lado por unas horas y déjala secar. O si quieres acelerar el proceso, puedes usar secador de pelo para, después de volver a tu obra de arte y mirarla con ojos frescos, verás áreas que necesitan algún trabajo adicional. En mi caso, cuando la capa de acuarela estaba completamente seca, me he dado cuenta de que la pintura azul se desvaneció bastante. Ya no hay suficiente contraste tonal. Entonces sin más preámbulos, volví a pintar. Esta vez estaba trabajando en técnica húmeda sobre seca, lo que me permitió agregar algunos detalles intrincados sin perder ninguna nitidez de líneas donde fuera necesario. Es muy fácil sobretrabajar tu pintura en esta etapa. Soy un consejo personal sería terminar el trabajo más pronto que tarde. Si sientes que ya se ve bien y lo suficientemente completo, solo detente y pasa a medios adicionales o simplemente déjalo como está. Dado que mi inspiración musical era bastante dramática, quería agregar algunos contornos negros y reflejos blancos para un contraste más fuerte. Si esta tradición tan resonante contigo también. Por favor, pase conmigo a la siguiente sección de esta clase. 5. Capa con tinta negra: Avanzando a las etapas de acabado de esta pieza, voy a añadir algunos elementos gráficos a la composición. Mi elección del medio aquí sería ceguera a tinta negra en varios tamaños. Estoy empezando con uno bastante audaz en talla 0.5, y solo aplicaré líneas fluidas con él. Posteriormente, recogeré pluma más delgada también para diferentes tipos de elementos gráficos. En este punto, solo estoy siguiendo las formas de acuarela existentes agregando profundidad extra. Estoy mayormente concentrado en el esbozar las partes más oscuras de la pintura. Y también las líneas negras me están ayudando aquí a acentuar el flujo dinámico de la obra de arte y resaltar una fuerte diagonal de la composición. Cuando terminé con el trabajo de línea, decidí hacerlo un poco más de intrincacia agregando estos diminutos puntos con insights de trazador de líneas súper finas 0.05. Es realmente difícil explicar por qué exactamente. Sentí la necesidad de seguir adelante con tinta negra. Pero de alguna manera la pintura no me vería completa en esta etapa. Quería sumar más intereses sobre las áreas de pintura amarilla y los tonos más claros de azul fusionándose en fondo blanco del papel. Para aquellos de ustedes chicos que me están siguiendo paso a paso con el mismo enfoque exactamente, sugeriría aplicar puntos negros de una manera estratégica. Este truco funciona lo mejor cuando se aplican puntos sobre las áreas blancas o muy claras de la obra de arte con un poco de fusión en elementos más oscuros. Para aquellos que no sienten esta técnica está emparejando tu propia pintura, entonces por favor adelante y siéntete libre usar tu imaginación con tinta. Como se puede ver, personalmente prefiero aprovechar al máximo mi creatividad al principio cuando las acuarelas plan, entonces seguiría las formas existentes para un efecto más dramático. Pero no estás absolutamente obligado a hacer lo mismo. Puedes ignorar completamente la capa de acuarela y pintar o dibujar sobre todo tipo de formas y líneas. Podría ser círculos en varios tamaños, cuadrados, gotas, flores, o son pétalos separados. Podría ser combinación de líneas rectas, paralelas y literalmente cualquier forma viene a tu mente y se adapte a la composición en tu opinión, no hay bien o mal moverlo, así como estricto orientación con elección de medios y materiales. Si estás más familiarizado con los bolígrafos Mark, lápices, tal vez incluso bolígrafos metálicos, entonces puedes intentar incorporarlos a. 6. Capa con tinta blancas: último, pero no menos importante parte de nuestro viaje creativo es sumar algunos puntos destacados con tinta blanca. Estoy usando aquí soluble en agua Dr. Ph Martin's, una alternativa. Puedes tomar gouache opaco, bolígrafos de gel blancos, pinturas acrílicas, o cualquier otro medio con cobertura completa. El motivo por el que decidí repasar toda la pintura con tinta blanca fue que algunas partes de lavados de acuarela resultaron un poco más oscuras de lo que creía originalmente. También sentían que las capas anteriores de pintura en tinta negra cubrieron demasiado fondo blanco y composición necesita más aire. Para lograr este efecto, he esbozado la mayoría de las líneas negras con tinta blanca y pincel de punta fina. Realmente me gustó el resultado de aplicar primeros trazos y decidí seguir adelante hasta que toda la pintura se cortara con estas hermosas venas blancas. Aquí puedes ver cómo arreglar pequeños errores al trabajar con tinta blanca. He mencionado intencionalmente que esta tinta del Dr. Ph. Martin es soluble en agua, pesar de que dice prueba de sangrado en la etiqueta. No es bueno o algo malo, pero siempre es útil saber cuáles son las cualidades reales de los productos que estás usando. Por ejemplo, anteriormente he usado tinta blanca de la marca Winsor y Newton. Y ese es realmente resistente al agua. Una vez que esté seco, puedes lavarlo. En lugar de una ocasión. Se trata de una absoluta cualidad imprescindible de la tinta y es esencial recoger el producto correcto. Ph Martin's, sin embargo, se puede quitar la mayor parte de la tinta incluso cuando está completamente seca con apenas un poco de tinción que queda en el papel. Es una vez que estaba contento con la cantidad de líneas blancas, quedaba último bit para acabar con esta pieza. Realmente disfruto usando técnicas simples pero las suficientemente expresivas hora de hacer arte abstracto. Combinación de varios pesos, líneas prolongadas y puntos simples. Da hermoso y sofisticado contraste de puntos blancos y fondo más oscuro y viceversa, puntos negros en zonas más claras de la pintura. Decidí sumar también puntos blancos para resaltar el punto focal de la composición. En mi caso, es parte central, un poco balanceada desde los lados izquierdo y derecho. En esta etapa, es súper importante recordar lo fácil que es sobrecargar tu obra de arte. Por lo tanto, una vez más, un fuertemente sugieren detenerse antes de que la vista final se vea más complicada. Por último, aquí estamos. Así es como se ve mi trabajo terminado al final. Tu pieza final sin embargo, será completamente diferente a la que hice. Y debería ser así. Creo que con el arte abstracto, no hay receta definitiva para cada creador. Sólo puedo dar algo de inspiración, punto de partida, y dirección, dónde moverme. Con gusto te he mostrado algunos pasos prácticos y técnicas que uso personalmente. Pero está totalmente en tus propias manos crear absolutamente impresionante pieza de arte única con solo un poco de orientación. 7. Reflexiones finales: Gracias chicos por estar conmigo en esta clase. Realmente espero que hayas aprendido algo nuevo hoy o al menos lo pasaste bien mientras juegas con dolor. Por favor, no seas tímido y presuma tu creación. Nada es más inspirador para mí y para otros estudiantes que la experiencia real de otras personas. Además, no te olvides de la sección de discusión. Tienes alguna pregunta o enfrentas complicaciones mientras trabajas en tu proyecto. Te estoy animando a plantear el tema y haré todo lo posible para ayudarte. Eso es todo de mi parte hoy. Mi estancia en contacto aquí en Skillshare e Instagram, y te veré en mi próxima clase.