Aprende sobre el cine independiente haciendo un cortometraje | Olaf De Fleur | Skillshare
Menú
Buscar

Velocidad de reproducción


  • 0.5x
  • 1x (Normal)
  • 1.25x
  • 1.5x
  • 2x

Aprende sobre el cine independiente haciendo un cortometraje

teacher avatar Olaf De Fleur, Filmmaker & Creative Coach

Ve esta clase y miles más

Obtenga acceso ilimitado a todas las clases
Clases enseñadas por líderes de la industria y profesionales activos
Los temas incluyen ilustración, diseño, fotografía y más

Ve esta clase y miles más

Obtenga acceso ilimitado a todas las clases
Clases enseñadas por líderes de la industria y profesionales activos
Los temas incluyen ilustración, diseño, fotografía y más

Lecciones en esta clase

    • 1.

      Introducción de la clase: Aprender sobre el cine independiente

      1:35

    • 2.

      Proyecto de clase

      3:38

    • 3.

      Tu idea

      2:05

    • 4.

      Herramienta de ideas: cuento de hadas

      0:31

    • 5.

      Desgloce y los 3 actos

      1:46

    • 6.

      Tema: la herramienta más importante

      2:31

    • 7.

      Crea un póster para tu película

      2:12

    • 8.

      Género: identificar tu género

      1:09

    • 9.

      Resumen

      4:13

    • 10.

      Herramienta de resumen: cambio

      1:19

    • 11.

      Herramienta de resumen: storyboard

      0:48

    • 12.

      Extra: uso de palabras clave

      2:16

    • 13.

      Guion

      2:10

    • 14.

      Formato de guion

      4:07

    • 15.

      Extra: formato de guion II

      4:05

    • 16.

      Guion: expresión física

      1:09

    • 17.

      Guion: demostración de escritura

      2:10

    • 18.

      Bono :: Historia de exposición

      3:17

    • 19.

      Bonus :: Diálogo de exposición

      3:25

    • 20.

      Bonus :: Desarrollo de personajes

      6:55

    • 21.

      Crea una propuesta de película para financieros

      3:00

    • 22.

      Producción

      2:12

    • 23.

      Cinematografía: estilo visual

      2:02

    • 24.

      Cinematografía: herramienta de ángulo

      2:21

    • 25.

      Cinematografía :: crea una lista de tomas

      2:48

    • 26.

      Grabación de sonido

      2:35

    • 27.

      Extra: consejos de cámara de bajo presupuesto

      3:58

    • 28.

      Tres Actos de un momento de película

      4:57

    • 29.

      Bonus :: Metáforas Introducción general

      4:13

    • 30.

      Usa metáforas para expresar tu historia :: Bono

      4:48

    • 31.

      Ejemplo de diálogo de metáfora

      3:27

    • 32.

      Metáforas en cinematografía

      3:50

    • 33.

      Dirección

      7:21

    • 34.

      Dirección de cine: preparación

      1:49

    • 35.

      Herramientas de dirección: resguardo y bloqueo

      3:26

    • 36.

      Bonus :: Enfoque de dirección

      2:06

    • 37.

      Bonus :: Consejos para dirigir actores

      2:24

    • 38.

      Edición

      1:47

    • 39.

      Proceso de edición y primeras impresiones

      1:45

    • 40.

      Edición: corte final profesional

      12:06

    • 41.

      Edición: Sprint de edición en tiempo real

      16:30

    • 42.

      Edición: Davinci Resolve

      9:58

    • 43.

      Color

      3:44

    • 44.

      Bono :: Ejemplo de edición: "Carreras"

      13:45

    • 45.

      Bono :: Ejemplo de coloración: "Carreras"

      7:17

    • 46.

      Bono :: Ejemplo de edición: mini-historia

      11:25

    • 47.

      Exporta tu película

      1:24

    • 48.

      Exportación: exportar tu película y hacer copias de seguridad

      1:09

    • 49.

      Repaso de la lección

      1:30

    • 50.

      Agradecimiento y despedida

      1:49

  • --
  • Nivel principiante
  • Nivel intermedio
  • Nivel avanzado
  • Todos los niveles

Generado por la comunidad

El nivel se determina según la opinión de la mayoría de los estudiantes que han dejado reseñas en esta clase. La recomendación del profesor o de la profesora se muestra hasta que se recopilen al menos 5 reseñas de estudiantes.

10.663

Estudiantes

23

Proyectos

Acerca de esta clase

Me llamo Olaf, soy un realizador aficionado al cine independiente con más de dos décadas de experiencia. A través de mi carrera de cine, he dirigido a actores como la nominada de la Academia Florence Pugh (Black Widow, Little Women), James Cosmo (Braveheart), Johnathan Price (Brasil), Michael Imperioli (Sopranos), por nombrar algunos.

> Nota: SI TERMINAS esta clase, eres elegible para mi Seminario de Cine gratuito a través de Zoom todos los sábados, visita mi sitio web en mi perfil para obtener más información.

En esta clase, compartiré todas las herramientas que aprendí a usar tras haber completado doce largometrajes.  En esta guía paso a paso sobre el cine independiente, aprenderás a completar un cortometraje de manera independiente a través de pasos prácticos manejables.

[NO DEJES DE VER MI OTRA CLASE SOBRE LA REALIZACIÓN DE PELÍCULAS INDEPENDIENTES]

> Esta clase está dirigida a cualquier persona que esté comenzando o haya realizado un par de proyectos de películas; en cualquier caso, esta clase profundizará tu comprensión del cine creativo. > El proyecto de la clase será un cortometraje documental de 1 a 3 minutos de duración.

Cada autor de cine es único, por eso compartiré contigo lo básico que he aprendido para que desarrolles un flujo de trabajo óptimo para ti. Todo lo que necesitas para esta clase es una cámara, algo para escribir y una computadora para editar tu película. Aquí tienes algunas de las cosas que aprenderás en esta clase:

  • Experimentar de forma práctica el ciclo de producción completo de un proyecto de cine
  • Lo básico sobre la realización de películas
  • Desarrollo de tu estilo personal como narrador visual
  • Recibirás consejos que te pueden salvar de problemas innecesarios
  • Completarás una película con un micropresupuesto

Todo comienza con tu idea y allí es donde empezaremos. Nos sumergiremos en herramientas como Tema y género para extraerlo. Exploraremos cómo Contorno antes de empezar a escribir tu guión. Hablaremos sobre la producción, la cinematografía, y la dirección antes de tocar la fase de postproducción.

En este curso no solo derribaremos el mito sobre el proceso de producción de cina, sino que también iluminaresmo tus fortalezas creativas para ayudarte a identificar tus áreas a mejorar como productor de cine independiente.

Esta clase incluye un certificado. Cuando hayas completado tu película, puedes enviármela para que la revise y te envíe la confirmación de finalización.

[NO DEJES DE VER MI OTRA CLASE SOBRE LA REALIZACIÓN DE PELÍCULAS INDEPENDIENTES]

---

Testimonios

- "La experiencia y compasión de Olaf es un recurso único para quienes tengan la mente abierta y estén preparados" Giancarlo Esposito, actor de Breaking Bad

- "El asesoramiento de Olaf me ayudó a entender que estaba preparada para escribir mi primera película. Lo que durante muchos años pareció desalentador, se hizo posible gracias a su experiencia y espíritu guerrero".  Suilma Rodriguez, actriz

- "La capacidad de Olaf de ver más allá de la superficie es como un conjuro. Estoy eternamente agradecida por su orientación pragmática y expansiva".  Jesse Megan Eids, directora general de Wild Love Apothecary

- "Fui mentor de Olaf y me alegro de él esté difundiendo su sabiduría" Dr.  Jeff Spencer, The Cornerman Coach

Conoce a tu profesor(a)

Teacher Profile Image

Olaf De Fleur

Filmmaker & Creative Coach

Top Teacher

My name is Olaf de Fleur. I've made twelve feature films in my two-decades career as an indie filmmaker. I've worked with actors like Academy Nominee's Florence Pugh (Black Widow, Little Women) and Johnathan Price (Brazil), along with James Cosmo (Braveheart), Michael Imperioli (Sopranos), Giancarlo Esposito (Breaking Bad, Mandalorian).

I focus on teaching the building blocks, the fundamentals of visual storytelling. My passion is protecting and nurturing your competence by sharing my experience. For more FILM & WRITING resources, you can visit my website: www.defleurinc.com

I hail from a tiny town on the west coast of Iceland. Where I was taught manners by sheep and f... Ver perfil completo

Level: All Levels

Valoración de la clase

¿Se cumplieron las expectativas?
    ¡Superadas!
  • 0%
  • 0%
  • Un poco
  • 0%
  • No realmente
  • 0%

¿Por qué unirse a Skillshare?

Mira las galardonadas Skillshare Originals

Cada clase tiene lecciones cortas y proyectos prácticos

Tu membresía apoya a los profesores de Skillshare

Aprende desde cualquier lugar

Ve clases sobre la marcha con la aplicación de Skillshare. Progresa en línea o descarga las clases para verlas en el avión, el metro o donde sea que aprendas mejor.

Transcripciones

1. Tráiler de remasterización de película con clase MR4kv24k: Las películas son como sueños, esperando hacerse realidad. Hola, mi nombre es Olaf Anderson. Soy un cineasta con más de dos décadas de experiencia. He realizado largometrajes y documentales que he escrito, dirigido y producido En esta clase, compartiré contigo mis consejos, trucos y secretos. Cuantas más películas hago, más experiencia recojo. No tengo nada que ver con toda esta experiencia y quiero regalártela cuando se te ocurra una idea para una película que sea una forma de mensaje. El cine es una manera de decodificar ese mensaje. En esta clase aprenderás a escribir, producir, dirigir y terminar un cortometraje. Estaremos lado a lado mientras te guio de lección en lección a través los pasos que me han permitido completar más 12 largometrajes que te voy a enseñar, o más bien vas a estar enseñándote a ti mismo a aprender a hacer cine haciendo tu película de forma independiente Independientemente de si eres principiante o si recién empezaste a hacer tus propias películas. Esta clase profundizará tu habilidad como narrador visual Empezar en este curso va a ser muy fácil porque sólo vamos a empezar con tu idea. Todo lo que necesitas para esta clase es una cámara o incluso un teléfono, algo para escribir y una computadora para editar tu material. Empezaremos con tu idea. Pasamos al delineamiento y a la escritura de guiones, dirección, cinematografía, producción, edición y coloración Estoy muy emocionada de compartir toda mi experiencia contigo y no puedo esperar a ver qué tipo de películas quieres hacer verte en la primera lección. 2. Proyecto de clase: Gracias por unirse a esta clase. Vamos a enumerar los recursos, repasar algunas de las restricciones y discutir lo que necesitas específicamente para comenzar a hacer tu propia película independiente. Entonces estaré sosteniendo tu mano en cada paso esta clase hasta que finalmente lo deje ir, Lo siento. En esta clase, estarás haciendo tu propio cortometraje. La duración máxima que recomiendo es hacer una película desde tal vez 1 minuto hasta 3 minutos. Lo más importante aquí es hacerlo factible, que seas capaz de lograr algo Que eres capaz de terminar algo de A a B, mantenerlo breve, mantenerlo contenido y mantenerlo enfocado. Queremos que puedas terminar esta idea de círculo de producción, escritura de guiones, producción y todo de forma independiente. Porque la intención aquí es que cuando termines con las partituras y hayas terminado un cortometraje, que en el futuro puedas, puedas pararte sobre tus propios pies. Estamos pensando en el largo plazo. El futuro, el maratón, el sí. Cada película, grande o pequeña, se realiza con el mismo proceso. Vamos a estar imitando y aprendiendo ese proceso haciendo exactamente eso, creando tu propia película de forma independiente Estaremos pasando por una especie de proceso de ADN de cualquier proyecto que asumas en el futuro. No importa si eres principiante o has trabajado en algunos proyectos cinematográficos en el pasado. Este curso profundizará tu comprensión y conocimiento del proceso para prepararte para futuros emprendimientos, vamos a ser específicos sobre lo que necesitas para esta clase . Necesitas una cámara. Podría ser tu teléfono o cualquier cosa que puedas tener en tus manos. Necesitas un micrófono. Puede ser parte de la cámara, o de nuevo, cualquier cosa que puedas tener en tus manos, esa es la frase clave del cine independiente Algo con lo que escribir o sobre. Entonces necesitas una computadora y software de edición para editar tu película. Hablemos un poco sobre el marco de restricción para este curso. Estamos hablando de cortometraje de uno a 3 minutos. Mantenlo lo más simple posible porque el punto principal es terminar el curso. Así podrás hacer que el de uno a 3 minutos sea tan grande o pequeño como prefieras. Los requisitos mínimos con los que puedes salirte con la tuya para este curso es que tengas un iphone y grabes un documental sobre algo que te interese. Entonces vas a editarlo y terminarlo. La versión dos sería que tuvieras un iphone o una cámara que pides prestada a un amigo. Haces una versión un poco más elaborada de tu película, tal vez un par de actores y así sucesivamente y así sucesivamente. Entonces tal vez la versión tres, tendrías una cámara grande que pudieras llegar a algún lado y que quieras filmar algo. Lo que podrías considerar como una gran producción, más importante es que no te quedes atascado en la barda de abrumar Es decir, no te conviertas en algo que no sea manejable Entonces, a medida que avanzas por la clase, siéntete libre de compartir tu progreso a medida que avanzas. Cuanto más compartimos nuestro progreso, más e inspiramos a los demás. Al igual que nosotros, nosotros , nos gustaría inspirarnos. Entonces comencemos. Empecemos con un paso muy sencillo que es pensar en la idea, la película que quieres hacer en esta clase. Y vamos a estar hablando de eso en la siguiente lección. Nos vemos ahí. 3. Tu idea: Bienvenido a su primera asignación. Tu primera asignación es bastante fácil. Dudé un poco allí. Simplemente es pensar en una idea para esta clase y anotar todo lo que sepas al respecto. Es importante aquí sacarlo un poco. No soy un gran fan para empezar esta clase con algo tan abstracto e irracional como idea, pero claro que esa es nuestra base. Cuando hayas hecho eso, en los próximos capítulos, vamos a utilizar todas las herramientas emocionantes para tratar de cosechar esta idea en estructura. ideas. Utiliza una herramienta de tu preferencia: un bolígrafo, una almohadilla, computadora, cajón, o simplemente cierra los ojos y usa tu imaginación. Antes de hacer eso, hablemos del concepto de lo que es una idea. Una idea es un poco como un arco iris. El proceso de hacer una película se basa en las matemáticas, gravedad, las leyes de la naturaleza en la Tierra. Podemos medir. Incluso podemos medir un arco iris. Surge un arco iris en ciertas condiciones meteorológicas. Podemos analizar y calcular por qué aparece la luz como lo hace. Podemos explicar científicamente un arco iris. A pesar de que un arco iris está hecho de números, todavía tiene la capacidad de levantar el corazón. Cinematografía y todas las técnicas de paraguas de hacer cine, escribir, editar, etcétera, son estas herramientas meteorológicas para que los analices. No tenemos que ser tímidos hacia nuestras ideas. Ellos son los tímidos. Nosotros somos los padres y tenemos que aprender a saludar y conocerlos. ¿ Qué están tratando de decir? Siempre tienen un mensaje, y ese es el tesoro. Deténgase aquí un segundo y anote todo lo que sepa sobre su idea. 4. Herramienta de ideas: cuento de hadas: Una gran manera de pensar en tu historia o probarla, desarrollarla, es pensarla como un cuento de hadas. Empieza por usar la frase, “Érase una vez ”, y mira a dónde te lleva. He usado esta herramienta millones de veces. Si no puedes explicar tu historia como lo harías a un niño, entonces realmente tienes que echarle un segundo vistazo. 5. Desgloce y los 3 actos: En este capítulo, vamos a descomponer un poco el proceso cinematográfico y sobre términos simplistas y hablar de una estructura de tres actos. Descompongamos un poco el proceso de cine. Algo se lleva a cabo en un lugar específico, alguien está ahí para grabarlo, esa grabación entra en software de edición donde se filma por disparo, forma una escena y la colección de escenas se percibe como una película. Esto podría parecer obvio y tal vez incluso un poco ingenuo pero realmente necesitamos descomponer todas las secciones del proceso cinematográfico para entenderlo. Todos sabemos que todo está hecho de un principio, medio y fin. El tiempo está hecho de un principio, medio y fin. Los humanos básicamente piensan en tiempos de uno dos tres principio, medio y fin. Ya has pensado en tu idea, puede que te anoten un poco. La siguiente fase es descifrar un comienzo claro, un medio claro, y un final claro. Todo lo que hacemos tiene tres actos, por ejemplo si vas a la tienda, tienes que salir de la casa, vas a la tienda, dices hola al empleado, sales de la tienda, principio, medio y fin. Todo tiene tres actos y ahora es el momento de que coloques tu idea dentro de esa estructura. 6. Tema: la herramienta más importante: En este capítulo, estaremos hablando de tema, que probablemente es la herramienta más subvalorada y también la herramienta más complicada que utilizamos en nuestra fabricación cinematográfica. El tema es un esfuerzo a menos que consiste en explorarlo, investigarlo, y tratar de entenderlo y por eso, tema se convierte en una herramienta fantástica. El tema siempre viene en forma de pregunta, ¿por qué sucede esto? ¿ Por qué sucede eso? Se vincula a tus creencias en la vida, a tus valores en la vida. Si encuentras un tema muy personal o una pregunta personal, entonces también estás asegurando que la película que estás haciendo, tiene significado que no es sólo otra secuencia cinematográfica por ahí en el mundo sino que significa algo para ti. Tema se relaciona con propósito y significado, por qué estamos aquí. Así que asegúrate de que el tema que descubres sea importante para ti. Un tema es el trasfondo de una historia, es la pregunta o preguntas en el fondo que lo seguirán a lo largo. A veces pienso en un tema como si fuera una canción o un deseo de tu corazón. Un ejemplo de un tema es, ¿cuáles son las consecuencias del aislamiento? ¿ Cuáles son tus consecuencias personales de estar aislado? Entonces eso puede empezar a verter en otros departamentos de tu película, como la cinematografía. Empiezan a disparar en cualquiera de los ángulos. El vestuario, lo que representa el aislamiento, y así sucesivamente y demás. tema es realmente como la fuente de todo lo que te sigue dando ideas, recursos, y te ayuda a averiguar cómo ejecutar tu película. Estás tratando de decodificarte. ¿ Cuál es tu mensaje? ¿ Cuál es tu argumento para que sea valioso para ti? Si no piensas en tu tema o lo contemplas bastante, entonces fácilmente puedes quedarte atascado en lo que yo llamo un modo lo que sucede. Esto sucede, luego sucede esto. El tema te ayudará a darte cuenta ¿por qué suceden las cosas en tu historia? ¿ Cuál es el trasfondo de la acción en tu historia? Uno de los mayores beneficios de pensar en tu tema es que no siempre lo entiendes completamente. Con eso, nunca dejo de cuestionarlo ni de pensar en ello, lo que realmente podría ser, eso contribuirá en gran medida al desarrollo de tu historia. 7. Crea un póster para tu película: En esta lección, voy a compartir contigo una de mis herramientas favoritas. La herramienta de póster puede ayudarte a encontrar tu idea o incluso a entender mejor tu idea en un nivel más profundo. Al usar la herramienta de póster, es importante usar tus manos. Esto invita a tu cuerpo a participar en la creación tu película ya que tu mente ya está ocupada tratando de averiguarla. Crear con la herramienta de póster es fácil, solo dibujas un póster. Empezaremos con esta herramienta que funciona en múltiples niveles. Por ahora, es importante que lo descubras tú mismo. Aquí está la pregunta. ¿Cómo podría ser el póster para tu idea? En cuanto te pregunte, tal vez ya te imagines tu cartel. Pero también se podría decir, no sé cómo se ve mi póster. O no sé dibujar, pero solo superarlo y sacarlo. Tu tarea en esta lección es hacer un bosquejo básico de tu póster. Si aún estás atascado, usa solo estas cuatro formas simples, una línea, un cuadrado, un círculo o un triángulo. Pronto tu póster empezará a darte ideas. Podrías descubrir qué género quieres hacer. Podrías descubrir que el personaje principal nos da la espalda. En el cartel, es posible que veas árboles, calles. No importa lo que dibujes, será una imagen de tu película comunicándose contigo. Tómate un momento y empieza a dibujar. No tiene que ser elegante. Sólo algunas líneas servirán. Si aún no estás seguro, aquí tienes las buenas noticias. Tus manos saben cuál debe ser el cartel. En términos simples, tu tarea es crear una versión básica de tu póster. Y si aún estás atascado, usa esas cuatro formas simples. Una línea, un cuadrado, un círculo o un triángulo. Después de haber dibujado el cartel, míralo con ojos frescos y nota el simbolismo en tu dibujo Mírala como si fuera una pintura clásica. No te subestimes. Examina qué es lo grande en tu póster, qué es lo pequeño, y así sucesivamente. Así que diviértete dibujando tu póster. 8. Género: identificar tu género: En este capítulo, aprenderás sobre el valor del género. El género es lo que ayuda al público a identificar tu historia, y ayuda a que salten a ella más rápidamente. Ejemplo de un género son el drama, thriller, el horror, el romance, incluso el documental es el género. La historia de redes sociales es un género. Una respuesta común contra el género es, ¿por qué tengo que escoger un género? Mi respuesta es, no tienes que hacerlo. Pero siempre terminarás eventualmente en uno o dos géneros, te guste o no. Es mejor decidirlo de antemano. El género también es una herramienta que puede ayudarte con la forma en que cuentas tu historia. Imagínese a una persona caminando desde su casa hacia su auto. ¿ Cómo hacen eso si es una comedia? ¿ Ves los colores brillantes? ¿ Ves que hay monturas? ¿ Qué pasa si la cambias en película de terror? De repente hay lluvia. 9. Resumen: En este capítulo, hablaremos de tu esquema y de algunos de los retos que vienen con escribir un esquema, y además lanzaremos varias herramientas que puedes usar al trabajar a través de él. Hablemos del esquema. Definitivamente no es mi cosa favorita en el mundo, sin embargo, sé cuánto me va a costar si me salto esa fase o si trato de apurarme a través de ella. Es decir, si trato de apenas empezar a escribir la idea de inmediato, sé que me voy a quedar sin vapor bastante rápido. Esto viene de la experiencia. Apenas el mismo pensamiento o pensar en hacer una lista en las inmediaciones de tu idea, puede encontrarse un poco como un insulto a esa idea. ¿ Cómo te atreves a definirme? Una de las alegrías de hacer una película, trabajando con tu idea, es que nos encanta estar sorprendidos, sobre todo de nuestras propias ideas. Debido a esto, muchas veces tememos hacer un esquema o enumerar, destellando nuestra idea porque tenemos miedo de desmitificarla. No obstante, esto es contradictorio por las obras. Cuanto más detallado encuentres tu película, más profundo será el nivel de tu sorpresa. A veces pienso en un contorno como si estuviera construyendo un túnel en lo profundo de lo desconocido. Hacer una forma de una lista en un esquema es una forma de anotar todo lo que sabes de la idea, y cuando haces eso, se mueve fuera del camino para que lleguen nuevos puntos. Cuando escribes listas y estás pensando en el contorno, haciendo el esquema, es una forma de alivio para la idea en la que estás trabajando. Hay varias formas de tener en cuenta antes de hacer tu esquema. Lo más importante a tener en cuenta a la hora de hacerlo es decidir el nivel de profundidad en detalle antes de comenzar. Puede ser útil comenzar con un esquema que sólo tiene encabezados de capítulo. Después puedes pasar a los puntos de viñeta y luego a los párrafos. Esta es una gran manera de dejar el enfoque detallado para más adelante. Es de gran importancia y no uso esa palabra a la ligera. Es de gran importancia que solo uses un método a la vez porque un error común es intentar hacer o usar dos métodos al mismo tiempo. Cuando haces eso, aniquilas tu acercamiento. A pesar de que hay cierto valor en estar confundido, recomiendo probar esto. esto se le suele llamar el método del copo de nieve, donde construyes desde un titular hasta un punto de bala hasta un párrafo. Te lo copo de nieve. Ten en cuenta qué método estás usando antes de usarlo. A pesar de que estamos hablando del esquema en este capítulo, hay ciertas formas extra en las que puedes seguir detallando tu contorno. Elementos como sinopsis, tratamiento, incluso línea de registro. El esquema es más en nuestro caso, en el caso del cine Indie, el esbozo es más de herramienta de trabajo. Si estás haciendo una solicitud para algún fondo de cine o buscando apoyo, entonces sería una buena idea hacer sinopsis y tratamiento de línea de registro y hacer un pequeño documento sobre todo tu cosa. No obstante, justo ahora, solo nos estamos quedando con una forma áspera de tu contorno hasta que estés feliz y hasta que sientas que estás listo para iniciar el guión. Pararé aquí mismo y haré tu esquema. Sé que es mucho pedir porque el contorno nunca va a ser perfecto. Pero de nuevo, eso es hacer cine. Siempre estamos lidiando con la imperfección. Viene con la descripción del trabajo. Deténgase aquí y haga su esquema antes de continuar. 10. Herramienta de resumen: cambio: Los cambios son obviamente lo que hace historia. Algo está en cierta situación al principio y luego cambia. Los cambios tienen una forma de transformación en ella. Siempre que revises tu guión, piénsalo en términos de más y menos. Es un poco como la electricidad tienes menos, tienes un plus. Por ejemplo, si tenemos un personaje que tiene miedo perder el cariño de un ser querido, eso será un menos. Pero para entender ese menos, tendríamos que haber visto el plus. Tendríamos que ver al personaje principal donde él o ella está recibiendo amabilidad de un ser querido para estar en riesgo de perderlo. Cambios, y cuanto más claridad tengas en tus cambios introduce una forma de estacas. Cuanto más claros sean los menos y los más, la configuración y la retribución, mayores serán las apuestas. 11. Herramienta de resumen: storyboard: Si alguna vez te sientes varado con tu idea, hay algunos métodos para aflojarte un poco. Uno de los métodos es hacer una forma de storyboard para tu idea. Es decir, puedes hacer algunos garabatos que solo tú entiendes, lo cual está bien. También puedes tomar cosas y simplemente colocarlas en el piso y literalmente entrar en tu historia. Incluso puedes ir a algunas otras ubicaciones a las que quieras formatear o ubicaciones que sean similares a esa. Toma fotos y dibuja en las fotos o personajes. 12. Extra: uso de palabras clave: En esta sección, voy a compartir una herramienta que uso que puede ayudarte a proteger el flujo de la creatividad. Por ejemplo, cuando estás escribiendo tan a menudo no pensamos en orden lineal. Siempre estamos pensando en el principio, en el medio, y en el final. Todo al mismo tiempo. Con esta herramienta, realmente puede ayudarte a proteger el flujo de la imaginación y la creatividad. Aquí la clave es el uso de hashtags o palabras clave. A veces cuando escribo, uso muchas palabras clave. Digamos que estoy trabajando en una idea y no quiero ir lineal, es decir, no quiero ir, esto pasa, pasa esto, luego pasa esto, luego pasa esto. Depende del estado de ánimo de mi día. A veces uso palabras clave. A veces solo pienso en la idea. Si estoy pensando en mi personaje en casa, entonces solo diré hashtag a casa y luego escribo todo lo que se me viene a la mente ahí. Entonces podría pensar si la persona está, digamos, saliendo al mar, tienen un bote. Hipotéticamente, no estoy seguro de qué idea es esta, pero digamos que tienen un barco y luego diré #boat, #sea, luego seguiré y continuaré y continuaré. Al igual que #car, #husband o #wife o lo que sea pero cada párrafo que escribo, lo hashtag. Cuando termine con la sesión, solo puedo mirar los hashtags y luego reordenar después lo que estaba escribiendo. De esa manera. Puedo trabajar con el pensamiento muy a menudo digital de la mente. Porque la mente muy a menudo no piensa en lineal. A pesar de que cuando contamos una historia, queremos que sea lineal. Cuando contamos una historia, quieres entrar en ella. Si eso entonces este tipo de ecuación pero la mente es muy digital. Simplemente salta bastante. Hashtags pueden tipo de relación a ti mismo. Lo sentimos, los hashtags pueden tipo de relación con esta no-linealidad de tu mente. Entonces pruébalo. 13. Guion: En este capítulo, vamos a empezar a prepararnos para tu guión. Vamos a desglosarlo en varios procesos y analizarlo un poco antes de empezar. Escribir un guión es como cualquier otra cosa. Se trata de tres o cuatro, dependiendo de cómo funcione, procesos que eventualmente se combinan. Entonces, vamos a descomponer todo. Estos procesos son, se empieza por escribir el titular como ya lo has hecho. Después de eso, puedes ir a titular y agregar algunos puntos de bala, después de hacer los puntos de bala puedes hacer aún más puntos de bala a través de los puntos de bala. A partir de ahí se puede empezar a analizar la estructura de la escena, decidir en qué orden ocurre, cómo comienza, la mitad de la misma, el final de la misma. Entonces hay que formularlo en formato de guión. El escenario en una película tiene una estructura reflexiva de la versión terminada. Es decir, una escena tiene tres actos, un principio, medio, y fin. Puedes elegir si llegas en medio, al principio, o al final. Incluso puedes decidir mostrar el principio y el medio y salir antes de que termine la escena. Permitiendo al público sacar sus propias conclusiones sobre lo sucedido. Quiero recalcar nuevamente lo importante que es decidir el inicio de tu escena, el medio de tu escena y el final de tu escena, independientemente de donde realmente comiences. A pesar de que esto pueda parecer muy obvio y fácil, precisamente por eso es tentador ignorarlo. Por lo general, sólo queremos saltar y escribir. Pero ignorar este ejercicio ya que estoy seguro que lo descubrirás, es un poco como llegar a un plan de juego, cuando ya se inició el juego. 14. Formato de guion: En cuanto al formato de guión, cada vez que escribo una escena por primera vez, la escribo limpiamente, no atiendo errores ortográficos ni siquiera pienso en formato. Yo sólo escribo a través de ella. Cuando he hecho eso, entonces paso al modo guion. Cuando estás en modo guion, eres un poco ingeniero porque tienes una estructura, interiores, personajes exteriores con mayúsculas y demás y demás. Estás usando la mentalidad que estás usando cuando escribes el guión es más como un arquitecto. Cuando escribes la materia prima de tu idea, necesita estar lejos del arquitecto. Cuando escribes una escena, comienzas por decirle al público o al lector si está dentro o fuera, interior/exterior. Después de eso, nombra la ubicación, casa y luego la hora del día. Después de eso, realmente depende de ti cómo continúas. Un ejemplo sería, decimos, donde estamos, damos una descripción de algo dentro de la casa, por ejemplo y luego empezamos a enfocarnos en una persona. Es sólo un ejemplo. Un método que uso a menudo cuando escribo un guión, es que pienso en términos de acercar o alejar. Cuando inicio una escena, pudimos ver luz viniendo de una cocina y luego acercando. Vemos quién estaba en la cocina y qué están haciendo y podemos hacer reversa. Puedo empezar en la cocina, alguien está haciendo café, y luego vuelvo a ver cómo están afectando al medio ambiente. Ahora te voy a mostrar un par de clips de una serie web en ello, con unos amigos. Vas a ver la escena como se reproduce y luego vas a ver cómo fue escrita al mismo tiempo. El sujeto es confirmado y marcado, preciso intencionalmente. Debe estar listo para la recepción, código de unidad 1322. Gracias Kentuc E1571, borrar y confirmar. Aquí, ¿necesitas baterías? No hombre, estoy bien. ¿ Puedo ver eso? Marcus y Moisés. Sí, en Brooklyn en la calle Pacific. Es una situación LBB, así que date prisa. Gracias por darme esta importante tarea. Detente con el sarcasmo vamos a ir. ¿ A dónde? Quiero que te detengas un poco aquí y hagas un intento de escribir una versión de una escena de una elección desde tu guión, y empezar por escribirla en modo flujo y luego practicar llevar esa, sólo una escena al guión formato. Usar interior/exterior, caracteres mayúsculas y demás y así sucesivamente. Diviértete. 15. Extra: formato de guion II: En esta sección, voy a ofrecer más información, más detalles sobre el formato de guión y cómo funciona, solo para que lo tengas en tu caja de herramientas. Este es un curso acelerado en formato de guión y lo vamos a hacer bastante rápido. Vamos a empezar con un encabezado de escena, cuándo y dónde se lleva a cabo la escena, después vamos a entrar en personajes, cómo los presentamos; qué es mayúscula, cómo decimos su edad, cómo es el diálogo formateada y estructurada. También vamos a hablar de los pequeños corchetes de fantasía que podemos usar en todo el guión y paréntesis y descripciones, fuera de pantalla, diálogo y voz en off. Vamos a envolverlo con el uso de transiciones. Primero lo primero, empecemos con el encabezado de escena. En entonces encabezado de escena, le decimos al público si la escena está dentro o fuera, INT o EXT. Entonces decimos el nombre del lugar; ¿dónde se lleva a cabo la escena? Entonces le decimos al público qué hora del día es. Cuando presentamos a un personaje, decimos su nombre. Por lo general, depende de ti. Es un poco de tema de estilo. Es agradable poner su nombre en todos los gorros al principio y luego su edad entre paréntesis después. Como probablemente sabrán, y veremos en cualquier software de guion, es que los personajes se centran automáticamente en el medio con el diálogo. También es bueno tener en cuenta cada línea que escribes. Puede ser muy útil pensarlo como un solo disparo. Aquí mismo podemos ver cómo un disparo es una línea o párrafo. Esta es la sección de acción del guión, donde describimos lo que está sucediendo en la escena. Algunas de las pequeñas cosas alrededor de hacer un guión están en estos armónicos corchetes repartidos alrededor del guión. Hablemos de algunos de ellos. Justo después del nombre del personaje, antes de que hablen, podemos poner en lo que se llama el paréntesis, que es un poco como un último pensamiento o explicación. Podemos poner en tono de voz y cosas así. Sólo tenemos que usarlo con moderación. El siguiente en estas sección de soporte de fantasía es el 0.S. después del nombre de un personaje, que está fuera de pantalla. Cuando algo está fuera de pantalla, está sucediendo en la escena. Por ejemplo, alguien anda caminando y alguien más, “Oye, ven aquí”. Eso está fuera de pantalla porque está en la escena, pero no están en el marco. Fuera de pantalla también se puede usar ya que, por ejemplo, hay una escena que tuvo lugar hace mucho tiempo. También podemos estar escuchando esa escena. Esto no se debe confundir con la voz en off o V.O. Eso es algo que ponemos en donde el personaje está hablando con el público, como, “siempre recordaré, bla, bla, bla, bla”. Tenga en cuenta no confundir a estos dos. Fuera de pantalla es una cosa y la voz sobre es otra. Entrémonos en transiciones. Es muy práctico de poner en Cut To. Estás en una escena, escribes la escena y luego escribes Cut To y luego estás en la siguiente escena. Esto también es un poco de estilo. Puedes elegir si usarás esto o no. 16. Guion: expresión física: Como ya sabrás, o probablemente sospecharás, expresión física es la moneda más grande que tienes. En cuanto a guion, cuando quieras transmitir información sobre tus personajes. Una novela puede revelar la mayoría de los pensamientos internos de un personaje. Si bien en un guión, seguirías ocultándolo para que el público sacara sus propias conclusiones. Por ejemplo, en una novela un personaje diría que se sienten tristes. En un guión lo pondremos, lo adivinaste, expresión física. El público quiere ser parte de las metamorfosis de ver tu película, de descaparla contigo, porque todos sabemos cómo se siente cuando lo damos todo a través de la exposición. Recuerda la expresión física, retratando las cosas visualmente en términos de cómo se paran las personas, cómo caminan, el tono y la voz, etcétera. Ese es uno de los mayores activos que tienes. 17. Guion: demostración de escritura: Para mostrarte un poco más alto trabajando para que practiques ese formato de script. He pensado en una película y una escena en la película y la escena por la que estamos a punto de pasar es sobre una niña pequeña que tiene un monstruo debajo de su cama y sus padres no le creen. Entonces pasémoslo despacio. Por lo que antes de escribir la escena, voy a escribir algunos puntos de bala. En primer lugar pensaría en el tema. ¿ Qué es un monstruo debajo de una cama? Es miedo y qué es miedo, es algo que tenemos miedo de enfrentar? Entonces viniendo del tema, tal vez haya un espejo en la habitación y la niña se está mirando en el espejo, y hay en el fondo, vemos la cama, y vemos algo de oscuridad y tal vez viniendo del escena, porque estamos hablando de miedo y no enfrentarlo. Ella puede tener los ojos cerrados, abiertos, cerrados, algo así, y tal vez cuando cierra los ojos, su miedo puede magnificarse. Entonces cuando inicio la escena, empiezo con la ubicación, la hora del día o de la noche, en este caso, el personaje principal y su edad, y a partir de este punto, sólo voy a ir ignoro errores ortográficos y tipo de volar con él. Entonces cuando escribo la escena, como que a propósito, y esto tomó años de práctica, realmente tienes que enfocarte para ignorar los errores ortográficos. Es uno grande, es una especie de pensar en la ortografía realmente te puede sacar de ella. Entonces solo tienes que ir con él y después de que lo hayas hecho, recomiendo esperar en el aquí también, revisitarlo y luego pulirlo. 18. Bono :: Historia de exposición: En esta lección, vamos a hablar del nivel de exposición ¿Cuánto quieres que sepa tu público sobre tu película? Y ¿cuánto necesitas esconderte para mantenerlos curiosos a lo largo de ver tu película? Siempre es un poco complicado. Entonces, vamos a sumergirnos en la lección. En esta lección voy a reflexionar sobre el equilibrio de la exposición cuando estés escribiendo tu guión Al escribir un guión, siempre nos preguntamos cuánta información necesita saber el público para que se sienta intrigado ¿Cuánta exposición explicando la trama necesita el público para sentir curiosidad por esa película y obtener la historia? para sentir curiosidad por esa película y obtener la historia No queremos tener demasiada información ni muy poca. Sí, esto es tan confuso como suena. Sideote para encontrar el equilibrio de cuánta exposición o información necesita el público La mejor manera, en mi experiencia, es escuchar tu instinto Y B, pídele a alguien que lea el guión para ver lo que consigue y que no consiga ni siquiera después de que complete mi película Para asegurarme de alcanzar el equilibrio perfecto de información y exposición, pruebo varias veces la pantalla de mi película a un público pequeño y escucho sus comentarios La pregunta a tu gusto personal es, ¿cuánto te gustaría esconder? Y ¿cuánto te gustaría que supiera el público? Si quieres, también puedes decidir hacer tu película para que nadie la obtenga. Eso está bien. Siempre y cuando estés explorando algo que te interese, cuánto te explicamos depende también de la estructura financiera de tu película. Si tienes financieros, entonces tal vez tengas que tragarte algo de orgullo artístico Continuemos y volvamos a la pregunta central. ¿Cuánta información necesita el público para entender o interesarse por la historia? Esta pregunta debería perseguirte durante todo el proceso de escritura porque te desafía y al final te entrena para que aprendas a explicarte mí me gusta que las cosas sean muy claras en mi primera ronda de escritura. En la segunda vuelta, utilizo la metáfora del lado oscuro de la luna porque en la segunda vuelta empiezo a ocultar la claridad selectiva Esto no es tan robótico como suena porque a menudo escribo algo que no entiendo al principio y luego voy al revés y le agrego claridad como de costumbre, no hay nada correcto o incorrecto aquí. Pero el objetivo de estas palabras es ayudarte a tomar más conciencia de jugar con el equilibrio de la exposición La metáfora del lado oscuro de la luna. Jugar con este equilibrio es una herramienta maravillosa. Queremos suficiente claridad, repartidos con oscuridad. El objetivo es invitar al público a inclinarse hacia adelante para tratar de asomarse detrás de la luna, curiosos por ver si pueden ver lo que hay dentro de la oscuridad 19. Bono :: Diálogo de exposición: En esta lección, vamos a hablar lo mismo de lo que hablamos en la última lección, que es el nivel de exposición ¿Cuánto necesita saber el público para que pueda obtener el núcleo de la historia? ¿Cuánto puedes esconder? ¿O cuánto necesitas para esconderte del diálogo y de los personajes? En la misma misión, el público quiere echar un vistazo alrededor de los personajes y ver qué hay dentro de ellos. No queremos regalar todo y queremos ocultar algo. En esta lección, vamos a discutir el equilibrio de exposición cuando estés escribiendo diálogo en tu guión El objetivo principal al escribir el diálogo es hacerlo sentir natural y auténtico. Si encuentras que el diálogo parece forzado o incómodo en la página, un consejo útil es representarlo. Un actor hábil a menudo puede dar vida incluso al diálogo rígido, haciéndolo sonar mucho más natural de lo que parece por escrito. La pregunta clave que debes hacerte mientras escribes el diálogo es, ¿está claro? La claridad no significa necesariamente divulgación o exposición completa En la vida real, las personas a menudo no declaran explícitamente sus pensamientos o sentimientos. En cambio, los ocultan. Por lo tanto, tal vez quieras preguntar, es evidente que los personajes están ocultando lo que realmente están pensando? ¿Y sus intenciones son claras? Como escritor, un método que utilizo es escribir el diálogo con exposición casi tonta y obvia, explicando la escena completamente en diálogo Yo luego después, empiezo a ocultar la exposición. Al hacer esto, me dejo claro cuáles son las intenciones de los personajes para poder ocultarlos. Esto es casi como pintar una pared. En lugar de hacerlo perfecto la primera vez que hago esta estratificación para la primera ronda, y luego agrego la segunda capa para ocultar la primera A través de esto, el público comienza a jugar al gato y al ratón con los personajes. ¿Qué hay en la capa detrás de la conversación? Ejemplo, diálogo. Digamos que un personaje es sospechoso de cometer un delito, un policía los está interrogando. Ejemplo, una capa uno con mala exposición. Oficial, ¿dónde estaba el décimo sospechoso? Estaba en casa de mi hermana. Ella puede confirmarlo, pero me está mintiendo y cubriéndome. Esta fue mi primera ronda de exposición obvia. Ahora, en la segunda vuelta, empiezo a ocultarlo. Ejemplo B, capa dos. Sin exposición, el personaje esconde lo que está pensando ¿Dónde estabas en la décima sp? Hace frío aquí dentro. ¿Me das algo de beber? En este segundo ejemplo, evito responder a la pregunta, pero el sospechoso insinúa que sienten frío, diciéndonos que son sensibles al calor. Preguntan si pueden conseguir algo de beber. Tratando de hacer una pregunta contra una pregunta, insinuando que o en realidad tienen sed o están siendo tácticos y tratando de distraer al oficial 20. Bonus :: Desarrollo de personajes: En esta lección, voy a saltar a alguna plática sobre el desarrollo del personaje. Cuando estamos escribiendo una historia y no estamos seguros de qué hacer a continuación o cómo profundizar en la historia, es agradable destacar algunos de los elementos de la historia Una de las cosas más obvias que a veces nos olvidamos de mirar es en realidad el, o los propios personajes. Sí, por ejemplo, si he escrito una historia y estoy atascada con ella, miro muchas cosas como el tema, el póster. ¿Qué es una metáfora? La, la, la. Pero también salto al personaje. Me pongo en sus zapatos. En este ejemplo o en esta lección, un poco más tarde, voy a fingir ser mi abuelo desarrollando un personaje cinematográfico. Cuando escribimos una historia y sentimos que no es del todo completa, un buen enfoque para enriquecer la historia es examinar sus elementos. Esto podría implicar reflexionar sobre el tema, el mensaje, y así sucesivamente Pero otro método es enfocarse en el desarrollo del personaje. Entender a tus personajes puede elevar tu película ya que te permite ver la película desde su punto de vista. A menudo pasamos por alto que vemos películas principalmente para los personajes, no solo para la trama ¿Cuál fue la última película destacada que viste? Quizás una pregunta más reveladora sería, ¿quién fue el último personaje memorable que encontraste en una película? Si estás trabajando en un personaje cinematográfico, aquí tienes algunas técnicas para ahondar en su personalidad Ponte en la piel de tu personaje simplemente imaginando que eres ellos. Antes de hacer esto, te recomiendo realizar tantas investigaciones como puedas. ¿Qué eventos mayores y menores de la vida conoces de ellos? En el siguiente ejemplo, me he puesto en zapatos de mi abuelo e imaginé cómo podrían haber sido los momentos de su vida durante un día aleatorio de invierno allá por la década de los 50 Después de que te hayas puesto en los zapatos de tu personaje, escribe lo que has observado. Tenga en cuenta que hay una gran diferencia entre pensar en este ejercicio y simplemente escribir lo que se le viene a la mente. No confundas pensar y visualizar. Entonces para este ejercicio, decidí imaginar un día en la vida de mi abuelo. Venía de una comunidad agrícola en la costa oeste de Islandia donde crecí. Y yo quería estudiar su carácter y también simplemente recordarme de donde vengo. Entonces le pedí a mi madre una idea de su vida, su padre. Y ella me habló de un día, un día de invierno en la década de 1950 Y su descripción me ayudó a re, imaginarlo. En aras de obtener una perspectiva carácter de mi abuelo, me imaginé descendiendo lentamente hacia la masía donde vivían mi abuelo y mi abuela. En un clima frío allá por el día en Islandia. Me instalé en un día, imaginé que viajaría hacia su casa o una masía. Y cuando estaba dentro de la casa, sentí oler olor que me recordaba a mi infancia. Cuando estaba en todas estas casas de campo, había indicios de olor a suciedad vieja de cuero y también un toque de azufre de sus calentadores ardientes Entonces poniéndome en los pasos del personaje de mi abuelo, inhalé descenso y miré por la ventana y por fuera de la ventana, porque mi abuelo era sacerdote, vi una iglesia Yo diría a unos 100 metros de la casa. Me puse en los zapatos de mi abuelo, y me imagino ser él. Me vestí con ropa abrigada de lana y salí de la casa y entré en el crepúsculo de la tarde. Sentí mis dedos fríos debajo de los guantes, donde me quité la nieve bloqueando el camino que conduciría hasta la entrada de la iglesia. Después de despejar el camino, tenía hambre. Entré de regreso a la casa a buscar algo de comer. Escuché un viejo reloj en la casa y los sonidos de otras personas hablando dentro de las habitaciones. Me comí los restos de una cabeza de oveja. Era bastante común en el pasado, y bebí café negro de tono con una sobrecarga de cantidad de azúcar Mientras volvía y bebí café negro de tono con una sobrecarga de cantidad de a mirar por la ventana, esta vez no hacia la iglesia, sino hacia la masía para el boom ganadero Volví afuera y escucho el sonido de la dura nieve rompiendo bajo mis pies. Entonces veo día dado esta noche, vi mi viejo auto Jeep enterrado en la nieve. Pensé que tendría que arrancarlo más tarde y calentarlo. Pero dudo que en realidad pudiera ir a cualquier parte porque había mucha nieve por todas partes en mi camino a la casa de campo. Entrecerré los ojos Durante la dura transición crepuscular, me hizo pensar en personas que se habían aventurado a reclamar Ahora, solo estoy en la mentalidad de mi abuelo. Cuando estaba en la masía trabajando con el ganado y preparando comida, escuché a las ovejas y las vacas y las escuché masticar y respirar al mismo tiempo. Entonces noté que un perro leal me había estado siguiendo todo el tiempo, sus ojos ofrecían un abrazo cada vez que me sentía sola. Pensé que me dolería la espalda con la constante tensión de llevar el estiércol y los alimentos del bar a la casa principal. También tendría que preparar un caballo tal vez, e instalarme en la iglesia si alguien la comunidad moriría o quisiera casarse. Entonces después de imaginar este día, sé más de mi abuelo porque me puse en sus zapatos Y a título personal, aprecio la resiliencia de mi abuelo y también aprendí lo mucho que admiro lo que hizo por la comunidad, la comunidad donde crecí. Entonces este fue un pequeño estudio del personaje, colocándote en la piel del personaje. Y solo quería visitar a mi abuelo. Y te animo a que hagas tu propio estudio en tus propios términos para tu película. 21. Crea una propuesta de película para financieros: En esta lección, quiero darte un recorrido rápido sobre cómo hacer una propuesta de película o documento informativo para tu película. Si estás haciendo un cortometraje, documental o lo que sea, si quieres conseguir algún financiamiento para ello, entonces es bueno crear este documento. Tenga en cuenta que esto es solo un rápido recorrido por los conceptos básicos que necesita para crear un documento de información para que, con suerte, pueda obtener financiamiento. Pero al final de esta lección, voy a poner en información cómo puedes recibir un ejemplo de 34 páginas que he hecho específicamente para ti. Simplemente me encanta compartir recursos. En esta lección, cubriré cómo presentar tu película a los inversionistas creando un documento informativo sobre tu proyecto Este documento se puede mostrar a potenciales financieros, simpatizantes y fondos cinematográficos Al final de este video, encontrarás información sobre cómo descargar un ejemplo de 34 páginas de un documento de información cinematográfica que puedes usar para hacer una propuesta cinematográfica para tu proyecto. Elaborando este documento, el objetivo es transmitir rápidamente su concepto cinematográfico al lector Piense en ello como una invitación al universo de su película. Profundicemos en una guía rápida sobre cómo crear un documento informativo para tu película. Este documento va por muchos nombres. A veces se le llama propuesta cinematográfica, película, dossier o documento de estado de ánimo Crear este documento no solo te permite presentar tu película de manera eficiente, sino que también te ayuda a profundizar en tu historia y entenderla mejor Estos son los seis pasos cruciales que necesitarás incluir para crear un documento informativo para tu película Una línea de registro, una sola oración, resumen de la trama de tu película. Dos, sinopsis, un resumen conciso de la historia, los personajes y los temas de tu película . Tres, tratamiento. Un relato más detallado de tu película que incluye el crecimiento del personaje, giros de la trama y escenas clave Cuatro, declaración del autor, tu visión de la película y tu ángulo único como cineasta Cinco, declaración visual, una descripción de la estética de su película incluyendo iluminación, cinematografía y diseño de producción Seis, resumen de audiencia y marketing del público objetivo y la estrategia promocional de tu película y la estrategia promocional Una vez que tengas estos seis elementos en tu documento informativo, ya estás listo También te animo a que agregues tu destello personal. Incluye imágenes que capten el estado de ánimo y la esencia de la película. Para poner en marcha su proceso y darle información más detallada Encontrarás un enlace a un ejemplo en PDF de un documento informativo o una propuesta cinematográfica en los recursos de la clase 22. Producción: Has completado tu guión, ahora es el momento de descomponerlo y prepararte para la producción. Una gran analogía que escuché de producción, es un poco como acampar. Quieres poder prever todo lo que pueda surgir y asegurarte de que tengas a todos a bordo y todos los artículos necesarios para una familia feliz o acampar solo. En lenguaje infantil, la producción se trata esencialmente de una cosa, hacer listas y hacer llamadas relacionadas con esas listas. Porque estamos haciendo un pequeño proyecto en esta clase, no voy a enumerar hojas de trabajo detalladas ni algo así, porque lo estamos manteniendo simple. Sólo nos estamos centrando en hacer este pequeño proyecto, un proyecto manejable de a a b y terminarlo. En esta etapa, te recomiendo que hagas tus listas a la inversa. Mira tu guión y trabaja hacia atrás desde eso. Si está en la página, entonces necesitas organizarlo y organizarlo. Si hay una ubicación específica, un actor específico, no hay fórmula mágica ni llamada mágica ni lista mágica que puedas hacer, tu guión nomina a tu lista de hacer, y las llamadas de los mismos. ¿ Cuántos actores necesitas? ¿ Cuántas ubicaciones? ¿ Cuántos artículos, vestuario, y demás? ¿ Cuál es su equipo técnico? Cuando te preparas para tu película, una parte de la capacitación en este curso es llamar de primera mano a gente aleatoria y negociar. Cuando hagas una película, esto se convertirá en una habilidad vital para poder comunicarte con claridad a tu equipo y negociar con tu entorno. Toma un descanso aquí, siempre tengo un descanso, paro aquí mismo, y mira el guión, todas y cada una de las escenas, y haz una lista detallada, una lista de acciones de lo que necesitas hacer. Te voy a perdonar el suspenso, hazlo. 23. Cinematografía: estilo visual: En esta sesión, repasaremos algunos de los estilos visuales que puedes usar para tu película y discutiremos varias formas de cómo vas a encontrar el adecuado para ti y tu película. Es importante hacer que tus instalaciones de cámaras sean coherentes a lo largo de todo. Esto ayudará al público a entrar en la historia y empezarán a confiar en ti. Es decir, comenzarán a confiar en el estilo narrativo. Tiene que haber una consistencia en cómo cuentas tu historia. Si rompes esa consistencia, tiene que haber un emocional fuerte y reducir la razón de eso. El objetivo aquí es mantener la cámara detrás de la historia. Analogía útil podría haber, todos sabemos cuando la música se pone demasiado fuerte en una escena, Se siente un poco así. Se quiere mantener la música lo suficientemente baja y se quiere mantener esta cinematografía consistente para que se quede atrás y apoye la historia. Quiero que pienses en un estilo para tu película un estilo visual. Escoge un estilo y quédate con él. Por ejemplo, aquí hay un clip de mi película ciudad estado. Observe la consistencia en el estilo de mano diseñado por los cinematografos. Mis asesores me dicen que hay una convención cultural en la ciudad. Parece su efecto en los negocios a lo grande. Yo me estoy ocupando de eso. Estos señores están mostrando un particular interés en su negocio. Todo ello. A pesar de sus divertidos actos no había duda de que estaban bromeando. No tengo el hábito de comprar bienes que sean personales vendidos-por fecha. [ inaudible]. En este momento, me gustaría que apuntes qué tipo de estilo visual te gustaría tener para tu película. ¿ Puedes pensar si encaja a tu tema? Podrás pensar en una película similar que te gustaría en el mismo género y solo investigarla un poco. 24. Cinematografía: herramienta de ángulo: En este capítulo, hablaremos de cómo configuras tus tomas y te daremos algunas opciones de las mismas. Podrías estar filmando esta película tú mismo, o tienes un aliado de confianza que está en la cámara para ti. No importa si estás usando tu teléfono o si usas una videocámara. Cuando se trata de configuraciones de cámaras, nos vamos a centrar en los fotogramas que son eficientes a la hora de editarlos. Eso significa que siempre vas a estar disparando en ángulo. Esto es lo básico de la realización cinematográfica. Por ejemplo, si disparas directamente hacia un actor, tu próximo set será de 90 grados en la misma acción. Solo tienes que mantener tus esquinas comprobadas. Esta técnica te ayudará inmensamente a la hora de editar el material y te permite controlar el tiempo de la escena. Si quieres acortar esta longitud de unidad en la escena, porque cuando disparas en ángulo, significa que puedes acortar las pausas o obtienes pases alargar en una escena, ya sea diálogo o acción. Siempre quiero empezar con un descargo de responsabilidad. Lo que sea que esté diciendo es la forma en que pienso. Por ejemplo, en cuanto a cinematografía, si quieres hacer tu filmación un tiro o incluso un solo disparo. Fantástico. Lo que enfatizo cuando me acerco a un proyecto cinematográfico es practicidad. Practicidad significa control en el tiempo. Controlar el tiempo en edición es realmente importante porque puedes controlar el tiempo del producto, de la película, del arte que estás haciendo. El mejor modo de controlar el tiempo es disparando en ángulo. Mi gente habló con tu tío, Yovan. Al parecer, hay que confiar en ti. He configurado transporte seguro para el envío. Soy consciente de los riesgos. Bueno, la conciencia no es exactamente lo mismo que darse cuenta de una situación. Mi empleador te está enfrentando una cantidad sustancial de producto. Podríamos tener una relación amistosa con tu tío, pero eso no significa que no vas a encontrar tu cabeza en una zanja si tú, [inaudible] las tonterías habituales, decimos estas cosas. 25. Cinematografía :: haciendo una lista de tomas: En esta sección, voy a hablar la importancia de hacer una lista de tomas. Esto es algo que nosotros, ahora estoy proyectando. Es algo que la gente suele posponer bastante. Pero en cuanto tengas el primer borrador de tu película en formato de guión, entonces siempre te recomiendo comenzar a hacer el núcleo de la lista de tomas Empezamos simples, solo enumeramos rápidamente las tomas que queremos , las escenas que tenemos. Cuanto antes lo hagamos, más tiempo va a estar procesando en nuestras mentes. Casi como plantar un mar en una metáfora de jardín, entonces el tiempo va a crecer Sí, sí. En esta lección, voy a discutir la importancia de crear una lista de tomas para tu película. Y por qué es crucial empezar a pensar en las configuraciones de tus películas lo antes posible Al hacer una película, una lista de tomas sirve como una hoja de ruta útil para las tomas que necesitarás en cada escena Es beneficioso hacer varias iteraciones de tu lista de tomas, comenzando simple y agregando detalles con cada ronda La clave es crear una lista de tomas lo antes posible en el proceso o tan pronto como hayas completado el primer borrador del guión. Después de terminar la versión inicial de la lista de tomas, deja pasar algún tiempo. Nuevas ideas te llegarán en los días siguientes. Piensa en hacer una lista de tomas tempranas, como plantar una semilla. Deja que el tiempo y la creatividad funcionen para ti y pronto sabrás qué tomas prefieres para la primera ronda. brevemente cada escena y enumere la cámara que le gustaría que sea su toma en un trípode, una toma ancha de mano o un primer plano y así sucesivamente. Ejemplo de lista de tomas para una descripción de la escena, un hombre estaciona su auto, una mujer afuera de una tienda. Lista de disparos, tiro ancho desde el interior del auto mientras el hombre conduce hacia el estacionamiento. Trípode disparado desde el exterior del auto, haciendo paneo cuando el auto entra al estacionamiento Toma de mano y de cerca de un pie entrando en un charco junto al auto para disparar afuera la tienda con la mujer en primer plano sobre Vemos al hombre saliendo del auto, de cerca de la cara de la mujer mientras mira al hombre. Coloca el trípode bajo y inclina la cámara hacia su cara. Recuerden, la clave es ser claros y concisos en esta primera vuelta. Para rondas posteriores, ampliarás esta lista aún más. 26. Grabación de sonido: En esta lección, vamos a hablar de lo importante que es tener una buena calidad de audio y discutir técnicas para grabar un buen sonido cuando estás haciendo tu película. ¿Alguna vez has visto una película que tenía un gran audio pero malas imágenes, y sin embargo no te molestó? Ahora, revertirla. ¿Alguna vez has visto una película que tenía grandes imágenes pero mala calidad de audio Si tenemos mal audio, entonces estamos sacados del sueño Quiero que te imagines un mundo donde coloques la grabación de audio más alta que la cinematografía La importancia de grabar un buen audio es mucho más importante de lo que imaginas. Hay un par de formas en las que puedes tener un micrófono de radio aquí, pero ese sonido no es confiable. Vas a tener todo tipo de rasguños y cosas así, así que vas a tener que hacer algún sonido de postproducción en él o doblaje Eso está bien, y en realidad puede funcionar bastante bien. No obstante, en la mayoría de mis películas, cuando no tengo demasiado presupuesto, entonces trato de grabar el sonido capaz posible en el set de filmación. Lo que hago es que tengo un micrófono. Esto es un micrófono aquí mismo, igual que este pequeño de aquí. En fin, por lo general lo tomo y pongo el micro justo aquí justo encima de los actores y luego enmarco la cámara así. Sí, todo lo que quiero hacer es conseguir un sonido fantástico y utilizable en esa grabación. Eso es una cosa. Lo segundo es el tono de la habitación. Si tienes un diálogo fantástico grabado muy cerca, también necesitamos un buen tono de habitación. Si escuchas el tono de la habitación en esta habitación, solo voy a estar callada asombrosamente Entonces, por un momento, el audio solo está en capas. Sí. Tienes buenos tonos de habitación. Y luego puedes pedir prestado de todo tipo de bibliotecas de sonido, tonos de habitación adicionales o efectos de sonido adicionales, tal vez Hacer estacionamiento afuera, ¿ escuchamos ladridos de perros? Bueno, eso son efectos especiales. Yo solo la agregué ahí dentro. Sí. Gran grabación de audio. 27. Extra: consejos de cámara de bajo presupuesto: Otro pequeño consejo que puedes usar, siempre estoy consciente de cuando estoy compartiendo mis consejos o herramientas, que cada uno tiene su propio sistema. Cuando estoy compartiendo esto, esto es algo para que lo pruebes, tal vez funciona y tal vez no. Hace falta decirlo pero siempre es agradable decirlo. En todas mis películas, siempre he usado, me atrevo a decir, una cámara de rango medio que no es la calidad superior, no la calidad inferior, sino el medio. Un par de consejos sobre eso serían si haces zoom mucho, si tienes una lente de zoom, si haces zoom mucho, entonces obtendrás un fondo que está un poco fuera de foco, que puede imitar una lente muy cara. Por ejemplo, en muchas de mis películas, pongo a los personajes en un solo lugar, y luego me muevo bastante atrás. No voy a hablar de metros ni de millas. Voy a decir, me muevo hacia atrás alrededor de cinco o seis longitudes de autos. Acerco completamente, usando una lente de zoom, luego obtengo un fondo muy rico. Entonces tengo a los personajes enfocados, y el fondo está un poco fuera de foco, lo que imita una lente muy cara. En ubicación y fondos, cada vez que estoy filmando algo que es de bajo presupuesto, trato de encontrar ubicaciones que estén texturizadas pero que tengan un cierto patrón. De esa manera puedo elevar el diseño de producción, por así decirlo. Se siente como vivido y con algún color o textura. Otra cosa que es bueno tener en cuenta es usar el clima. Por ejemplo, si estoy disparando, de nuevo, bajo presupuesto, o pongamos una frase mejor en ello. Si estoy filmando algo como cineasta indie, entonces trato de tener en cuenta en cualquier momento puedo usar elementos naturales. Podría ser una escena para la que no he encontrado un lugar determinado, entonces podría mover esa escena para que se lleve a cabo en la naturaleza, para conseguir un poco de elevación en los alrededores, lo que puede traducir una película de bajo presupuesto traduciendo como algo presupuesto superior. Otra cosa que uso bastante es la lluvia. Si está lloviendo, entonces suelo saltar y disparar. Si tengo personajes, entonces voy a colocar a los personajes en su refugio para que pueda tener la lluvia en primer plano y la lluvia en el fondo. Esto te dará, de nuevo, el equivalente de tener una máquina de lluvia de Hollywood. Esto depende, por supuesto, de dónde vives. Vivo en Islandia, así que uso bastante nieve. 28. Tres actos de un momento de película: En esta lección, voy a compartir con ustedes los tres actos de un momento cinematográfico. Todo son tres actos. ¿Recuerdas lo que hagamos? Estoy aquí, me pongo de pie, salgo por la puerta. Tres actos. Yo camino por las escaleras. Si tuviera escaleras, a lo mejor son escaleras. En fin, abro la puerta, voy abajo, abro la puerta abajo ¿Dónde vivo? Todo son tres. La razón por la que es importante pensar en tres y pensar los ritmos de un momento cinematográfico es que nuestro sistema digestivo como público, está constituido por estos tres actos. Y se vincula con cuando alguien nos contó la historia cuando éramos niños, érase una vez, 123 Beethoven Si mostramos algo en una película, siempre tiene que ser en tres actos para que el público lo reciba. No podemos simplemente mostrar como un pop de aspecto personal y luego ir a otra escena. Tiene que ser una persona que busque a una persona de pie, reaccionando, o que siga de pie un 333. ¿He dicho 43? Sí, así que disfruta. En esta lección, vamos a hacer zoom y entender de qué está hecho un momento cinematográfico. ¿Qué es un momento en una película? Un ritmo cinematográfico. Es un momento que necesitamos transportar al público y asegurarnos de que el público entienda ese momento. Para que el público reciba un momento cinematográfico, necesitamos tomarnos un momento y diseccionarlo en tres partes Un momento cinematográfico es como cualquier momento que notes en torno a la vida humana. Una de las herramientas clave que he usado es pensar en un, cada momento en una película en tres partes. Al igual que cualquier película es de tres actos, cualquier historia para el asunto en realidad es de tres actos. Lo mismo ocurre con un momento cinematográfico. Un ejemplo rápido de la vida cotidiana de un momento cinematográfico podría ser, si quieres un sorbo de agua de un amigo, ves que tu amigo tiene agua, Entonces preguntas o suplica si puedes tomar un sorbo Y entonces ojalá tu amigo te entregue el agua. Y aunque el amigo no te entregue el agua, entonces aún así, ese es el tercer acto tres pasos tres actos tres para gobernarlos a todos. Veamos otro ejemplo. Digamos que estamos escribiendo un guión donde alguien está rastrillando hojas Entonces, ¿cómo transmitimos este momento? ¿Cómo hacemos un momento de película de alguien rastrillando hojas Entonces necesitamos diseccionarlo en tres partes. El orden de estos tres disparos depende de usted, por ejemplo. El primer disparo podría ser un plano de alguien rastrillando hojas, como el primer plano del rastrillado real El segundo disparo podría ser que revelemos quién está rastrillando las hojas En el tercer momento, pudimos ver dónde están las hojas Ken, que probablemente no sea el inglés adecuado, pero lo digo de todos modos. Este fue un ejemplo de momento cinematográfico. Cuando escribas tu guión, piensa en lo que quieres decir, hazlo lo más claro posible para ti. Y luego dividir lo que quieras decir en tres partes. 123, esto es para un momento cinematográfico. Si miras mi cara, mi cara, voy a tener tres cambios sutiles como lo haría un actor. Voy a empezar aquí Tres. Sí. Es crucial entender que un momento de película no está necesariamente compuesto por tres tomas diferentes o ajustes de cámara. Consiste en tres ritmos de historia distintos. Esto podría ser capturado en un solo disparo enfocado en la cara de un personaje sostenido firme sobre un trípode. La clave es quedarse en el rostro el tiempo suficiente para capturar tres sutiles cambios en la emoción o el pensamiento. Por ejemplo, los ojos del personaje podrían revelar primero la contemplación, luego cambiar para indicar un pensamiento preocupante, y finalmente, resolver con una decisión sobre qué acción tomar 29. Bono :: Metáforas Introducción general: En esta lección, les voy a contar sobre metáforas en general, porque las metáforas han cambiado todo tanto para mi escritura, cuando estoy escribiendo guiones, como también cuando estoy a contar sobre metáforas en general, porque las metáforas han cambiado todo tanto para mi escritura, cuando estoy escribiendo guiones, como también cuando estoy haciendo películas. Permítanme primero hablar de los fundamentos de las metáforas y de cómo una metáfora es un símbolo metáforas y de cómo una metáfora es un símbolo. Para decirlo en realidad. Mucho más simple, una metáfora es solo una imagen ahí mismo. Metaphor es una imagen que representa no sólo tu película, sino que también puede representar algunos de los temas Puede ayudarte a encontrar algunos temas que se encuentran dentro de tu historia. Metáforas va a ser tu nueva palabra favorita, Canta conmigo. En esta sección, voy a compartir contigo una de las técnicas más poderosas que utilizo para extraer ideas, y es usar metáforas Primero, quiero decir que el proceso de sacar una idea de tu mente y entrar en el mundo real es único para ti. Entonces cualquier cosa que diga aquí después es una sugerencia. Entonces, ¿cuál es el proceso que sigo cuando estoy sacando una idea de mi mente y entrando en el mundo real? El proceso, por supuesto, no es lineal porque una idea no nos llega realmente y se transmite de izquierda a derecha, de A a B. Hay un grado aparentemente alto de aleatoriedad Estoy seguro de que todos ustedes han experimentado eso. Es en fase neta donde hago todo lo posible para tratar de no controlar la idea y tratar de dar un paso a un lado. Una de mis cosas favoritas a la hora de intentar sacarme una idea de la mente es trabajar con metáforas Yo uso una metáforas para tratar de ayudarme a entender la idea que quiere salir a la Por ejemplo, hagamos una metáfora sobre el uso de metáforas. Me imagino que mi mente es un río y la idea son peces en él. Usar metáforas es como usar una herramienta de phishing para sacar la idea Otro ejemplo que a veces uso para mí es usar la metáfora de la cueva En esta metáfora, imagino que mi idea reside en una cueva Incluso me imagino que la idea es tímida y vulnerable, y tiene miedo de salir a la luz. Entonces desarrollo aún más esa metáfora. Y si mi idea necesita permanecer en la cueva por cierto tiempo porque no está lista para ser expuesta por el sol afuera. Jugando con esa metáfora, mi trabajo es quedarme fuera de la cueva y solo esperar y estar disponible cuando salga Otro ejemplo que uso es la idea de una idea que me viene, como recolectar gotas de rocío matutino. Esa metáfora me ayuda a ser paciente, pero gota a gota, la idea crecerá lentamente hasta convertirse en un lago Lo que se requiere en toda metáfora es mi presencia. Tengo que esperar junto al río, por la cueva, o por los doblajes matutinos Una forma de hacerlo es quedarse ahí y casi perder el tiempo cerca de la idea. No significa que tenga que pensar en la idea todo el tiempo porque eso podría asustarla. Pero sí trato de estar cerca por si me llama. Entonces este es un ejemplo de mis metáforas. Es muy importante que crees tus propias metáforas. Queremos empezar a entrenarnos un poco. Entonces, ¿qué tipo de metáfora te gustaría crear a la hora de extraer ideas 30. Usa metáforas para expresar tu historia :: Bono: En esta lección, voy a discutir cómo podemos usar metáforas expresar nuestras películas con mayor claridad tanto en la etapa de guión como en la etapa Trabajar con el pensamiento metafórico es un poco como trabajar con el tema de Es misterioso, pero puede ayudarte a aclarar el concepto de tu película para ti mismo. Entonces, ¿qué es una metáfora? lenguaje metafórico es algo que puedes visualizar. Sí, así puedes empezar por escuchar a tus amigos cuando hablan en metáforas Entonces un ejemplo podría ser algo que siempre me derriba. Hoy no tuve ningún viento. Es un peso de proyecto pesado y cosas así. Sí, veamos algunos ejemplos de metáforas. Tomemos una película por ejemplo. Pensemos en Force Gump. Es un niño pequeño en el cuerpo de un hombre adulto. Sí, esa es la metáfora de la película. La metáfora en vigor comp es que los pequeños aún pueden ser pequeños en tamaño internamente y hacer milagros en un contexto más Sí, es inocencia. Ahora la metáfora nos está ayudando a adentrarnos en el tema de película, como la Ver es mejor que el supuesto mundo adulto. Sí, por eso estoy usando las palabras pequeño y grande. Tiene que haber un tamaño a una metáfora, una posición, una postura, o un símbolo, casi como una señal de tráfico Sí, puede sonar muy fascinante y confuso hablar de metáforas, pero cuanto más la conoces, empiezas a darte cuenta de que es otra herramienta en tu caja de otra herramienta en Pensando en metáforas, Por ejemplo, si ves un póster de película que es mitad humano y mitad caballo era caballo, esto por sí mismo es una esto por sí mismo es Sí, una metáfora es limpia, mitad humana, mitad caballo puede significar muchas cosas, pero cuando estás mirando la metáfora, eres tú quien le pone el Un cartel con mitad humano, mitad caballo podría ser una película de terror. Le pones el significado. Podría ser un documental sobre la relación entre caballos y humanos, que se remonta a siglos atrás. Por ejemplo, si quieres que tu público entienda que tu película es un misterio, realmente no funciona. Un personaje lo dice. Queremos que el público produzca la palabra misterio dentro de sí mismos. Nuevamente, sol metafórico y metamorfosis. En una metáfora, el sol pone luz sobre las flores y hay metáfora de metamorfosis Hay una producción desde el público hasta tu asiento en esta metáfora, ¿cuál sería un ejemplo de metáfora donde conseguimos que el público imagine o cree la ¿Qué podría ser eso? Piénsalo. Una muñeca vudú. Vemos una muñeca vudú de fondo en alguna parte No sólo un hombre estirándose. Sí. Eso invoca un simbolismo de que estamos posicionados en una miseria, misterio de miseria A pesar de que estoy diciendo que las palabras no son suficientes, también podemos colocar metáforas en una palabra, por lo tanto, aumentar la comprensión del Pensemos en sólo dos versiones verbales. Uno es sin metáfora, y eso podría ser, no te detengas en el pasado y enfocarte en el presente Pero con una metáfora, se podría decir, mirar en el espejo retrovisor puede hacer que te maten Solo nota la diferencia que tiene en ti cuando la escuchas con una metáfora y sin la metáfora 31. Bono :: Ejemplo de diálogo de metáfora: Más adelante en esta lección, voy a mostrar te voy a mostrar un gran ejemplo de una de mis películas favoritas, Marching Call, donde el personaje principal está hablando de puentes, pero en realidad están hablando de su vida En este ejemplo que estamos a punto de ver, es un gran ejemplo de cómo usar metáforas en metáfora de diálogo cuando estamos hablando de una cosa y en realidad estamos hablando de otra cosa realidad En este ejemplo, el personaje principal está hablando de puentes. Construyendo puentes. Esa persona ha pasado toda su vida construyendo puentes, pero en realidad está hablando del valor de su vida. Veamos el ejemplo roll clip. No hay nadie aquí, en realidad, estoy solo aquí. En esta lección, vamos a ver un ejemplo de una película llamada Margin Call. Cuando veas esta escena, fíjate en particular cuánto podemos aprender sobre el valor de un personaje solo a través del diálogo y el uso de una metáfora, en este caso un puente ¿Qué haces aquí? Oye, entonces Peter terminó el modelo en el que estamos trabajando realmente llamado piedra y acariciado. ¿Crees que tiene razón? Sé que tiene razón. ¿Sabías que una vez construí un puente? Lo siento. Un puente, no, no sabía que era una ingeniería de oficio. Mm hm. Pasó de Dillsbortom, Ohio, a Moundsville, Se extendía 912 pies sobre el río Ohio. 12 mil 100 personas usan esta cosa al día. Y recortó 35 millas de conducción extra cada sentido entre Wheeling y New Martinsville Eso es un combinado de 847,000 millas de manejo al día por 25,410,000 millas al mes y 304,920,000 millas 304,920,000 Ahora, terminé ese proyecto en 1986. Eso fue hace 22 años, lo largo de la vida de ese puente, ese 6,000 708,240,000, millas que no han tenido que ser conducidas a lo que digamos 50 millas Entonces eso es lo que, eso son 134,164,800 horas, Para que un pequeño puente haya salvado a la gente de esas dos comunidades de 1,531 años combinados de sus vidas, no desperdiciados en un carro de estacionamiento 1,531 años es. 32. Bono :: metáforas en cinematografía: En esta lección, vamos a hablar de metáforas Nuevamente, metáforas, metáfora de recordatorio rápido . Una metáfora simple es como si fuera tan fácil como beber agua Metáfora es la imagen. No estoy seguro de por qué estoy haciendo eso. Pensar en metáforas en términos de cinematografía nos ayuda a pensar en la relación entre los ítems ¿Qué es grande? ¿Qué es pequeño? ¿Qué hay en primer plano? ¿Quién está de pie? ¿Quién está sentado? Todas estas dinámicas hablan al público en muchos, muchos niveles. No estoy diciendo que tenemos que pensar demasiado en ello inmensamente y un poco minuciosamente tratar de hacer Pero es bueno tener esto en mente ya que sigo golpeando el micrófono. Vamos a saltar a esta lección. En esta lección, voy a discutir cómo se pueden usar metáforas Y cómo las formas y tamaños dentro tu fotograma de película se comunican a tu audiencia, igual que una señal de tráfico a un conductor. Soy un gran fan de no pensar demasiado las cosas a la hora de filmar mis proyectos Mi método de ir a es confiar en mi instinto durante un rodaje Sin embargo, a medida que he trabajado en más proyectos cinematográficos, he encontrado placer en hacer este instinto de manera más consciente Todavía puedo confiar en mi instinto, pero con mayor precisión y conciencia. Todos reconocemos que un marco de película puede compararse con una pintura Si examinas pinturas clásicas, notarás que cada elemento ha sido cuidadosamente considerado en términos de tamaño, forma y posición para crear una dinámica que trasciende el lienzo y se conecta con los espectadores a lo largo Estas pinturas antiguas son metáforas. Al igual que las películas, los símbolos que emplean son relacionables, igual que las señales de tráfico, a un conductor A la hora de componer marcos cinematográficos, quizá la ley de la composición no sea tan rígida como lo es en las pinturas clásicas Sin embargo, puede ser beneficioso pensar en la relación entre los tamaños, formas y posiciones de los elementos en su marco. No tiene por qué limitar tu expresión artística, sino que te puede proporcionar tiempo, menos herramientas. No estoy sugiriendo que te cargues con la minuciosa tarea de crear guiones gráficos inmaculados para cada fotograma Simplemente digo que es bueno tener esto en mente porque la forma en que redactas un marco puede ayudarte a transmitir tu mensaje artístico. En este ejemplo, verás cómo puedes comenzar a dar forma a tu narrativa visual que se alinee con tu historia y cómo quieres transmitir simplemente bloqueando la escena incluso antes rodar la cámara o revisar el fotograma Imagina que tienes dos personajes teniendo una conversación en una cocina. Imagínalos sentados uno frente al otro tomando café cortésmente Esto transmite un significado. Ahora vamos a alterar el significado de las escenas cambiando el bloqueo. ¿Y si un personaje está sentado en la mesa tomando café mientras el otro se para junto a la ventana de espaldas al uno sentado Con este simple cambio en el bloqueo, hemos transformado el significado de la escena casi Antes incluso de comenzar a filmar, considera cómo cambia el significado de la escena Con este ajuste. El que está de pie es más alto que el que está sentado. El que está de pie le ha dado la espalda al que está sentado. ¿Qué significa eso? Esto también es una ilustración de cuánto puedes comunicarte a través metáforas de composición visual incluso antes de que se desarrolle cualquier diálogo Esto puede ayudar a transmitir tu mensaje de manera más rápida y clara que las palabras solas. 33. Dirección: Ya terminaste tu guión, hiciste una lista de preselección y ahora estás listo. A lo mejor no. No importa. No tienes que serlo, para dirigir tu película. Vamos a repasar algunos consejos de dirección y hacer y no hacer y hacer y encontrar tu propio método. Existe una lógica en decir sobre dirigir porque la forma en que se ejecuta depende mucho de las características y personalidad del individuo que ostenta esa responsabilidad. Por eso, es difícil definir con precisión un enfoque claro para hacer para dirigir. En un extremo si una película no funciona, el director suele ser responsable o se hace responsable. Si trabajamos desde ese fin eso significa que el director es responsable de todo. No suena justo, ¿verdad? Ahora lo siento. Stephen Necesito esto en acta. ¿Cuál es el director? [ inaudible] Aquí no hay mucha charla de pep que hacer. Tu trabajo como director es hacer que el mundo que estás transmitiendo sea lo más real posible. A partir de ahí, puedes adivinar fácilmente dónde debe estar tu foco de actores, sets, vestuario, maquillaje, luz, etcétera. Al igual que en la producción, trabajaremos en reversa. Si queremos que algo aparezca en pantalla de una manera específica, nuestro trabajo es encontrar los métodos efectivos para manifestarlo. Aquí hay un clip corto de una película que dirigí llamada Malevolent. Si puedes controlar tu mente. Puedes controlar tu actitud, y cómo manejas una situación. Entonces puedes empezar a controlar la situación. Repita tu objetivo en tu mente, visualízalo, haz que suceda. Ser proactivo. Encárguese, y recuerda que eres increíble. En cuanto a dirigir, uno de los consejos que te puedo dar es preparar, preparar algunos más y preparar algunos más. Ningún director en la historia del cine ha dicho nunca: “Tengo demasiado tiempo para filmar esta escena”. Yo quiero que apuntes a convertirte en el primero. No lo vas a lograr, pero vas a hacer más fácil tu vida y otros. Dirigir es una de estas cosas que son únicas para cada individuo que lo asume. Hay varias reglas de pulgar que tienes en cuenta cuando diriges, y yo las voy a enumerar aquí para que puedas escoger a mano las que te aplican. Trabajar con actores, escuchar a tu actor, conocerlos. Cuanto más hagas, más podrás crear relación, y antes de que te des cuenta, estarán listos para pararse sobre sus cabezas por ti. Es un recordatorio o herramienta útil, como quieras llamarlo. Cuando se trata de dirigir, no es línea y leer para el actor. Si no estás obteniendo la actuación que quieres, no puedes hacer eso porque actuar es igual que tú haciendo tu nueva película. Se trata de un proceso de descubrimiento. Sí. Si un actor sin embargo, te pide específicamente una línea escrita, puedes hacerlo de lo contrario no. Probablemente me regañaron en mi primera película bastante severamente, y le agradezco a Dios, fue mi primera película. Siempre que dirijo la escena, todas y cada una de las veces es como si estuvieras haciendo algo por primera vez. Justo antes de filmar la escena, lo he pensado bastante en mi cabeza como quiero rodarla, pero mi método a prueba de fallas es siempre, cuál es el one-shot que hará que funcione esta escena. En mi cabeza, me preocupa que si todas las cámaras se rompen, y que si algo pasa y no podemos disparar más de un disparo, entonces siempre pienso, si tuviera que hacer funcionar esta escena en un solo disparo, qué disparo sería eso. Eso es en lo que pienso, y empiezo por filmar ese tiro. Volveré a disparar ese tiro, hasta que esté contento con la actuación. Si sostenía mi tiro a prueba de fallos, que cuando vuelva a editar la película. Si sólo tengo este tiro que un solo trabajo, entonces soy libre de experimentar después de eso. A la hora de dirigir y organizar un rodaje, bloqueo es una gran parte de hacerlo exitoso en términos de tiempo y eficiencia. bloqueo en el lenguaje del bebé es el viaje que hace el elenco alrededor de la escena. Se puede decidir de antemano diferentes actores se supone que empiezan ahí y allá. Si haces eso, eso es lo que llamamos bloqueo. Puedes decidir de antemano qué quieren hacer, pero también puedes simplemente entrar a la ubicación y decidirla en el lugar. Al igual que cuando entras en un lugar, puedes ver cómo está estructurado, y la tercera opción es que el elenco entre a la ubicación y que el actor vea ahora, entonces podrían encontrar su camino de forma natural, a lo largo de la ubicación. Has montado una cámara con un director de fotografía. Ahí hay un actor frente a la cámara. El actor tiene direcciones claras donde puede moverse, conocen sus líneas y es tu trabajo decir acción y observar. Después de hacer eso, ajustas la cámara, la luz, y discutes la actuación con el actor. Una buena manera de abordar la dirección es siempre pensar que si algo no está funcionando, es sólo porque no has comunicado correctamente lo que quieres. No digo esto para que usted como director se sienta en la culpa. Este es un consejo práctico. Digo esto porque cuando la película es un torpe en proceso externo, que es la esencia de la creatividad. Tu trabajo es a los padres que procesan a lo mejor de tu capacidad. A veces solo haces errores u otros hacen errores. Como líder de equipo, es tu trabajo mantener el proceso en buen camino y ponerlo de nuevo ahí, si se cae. 34. Consejos para dirigir películas: En esta lección, quiero compartir con ustedes elementos importantes a tener en cuenta para su papel de director de cine. Cubriré una serie de responsabilidades que caen bajo el importante papel de dirigir una película. Independientemente del tamaño o alcance del proyecto cinematográfico al que dirija, el papel del director de cine sigue siendo el mismo. El director de cine es el pegamento que mantiene unidos a todos los departamentos. Y una broma común sobre la dirección cinematográfica es que un director de cine pasa el 90% de su tiempo escuchando otros departamentos, 9% preocupándose y el 1% dirigiendo la película. Esta broma tiene algo de realidad y teniendo eso en mente, también sugerirá lo importante que es para tu papel de director de cine prepararse realmente tanto como puedas con anticipación. Porque cuando estás filmando inicio se producirá un grado saludable de caos. Esa es la naturaleza del deporte. Por lo tanto, no hace falta decir que cuanto más se prepare, mejor podrá responder. A pesar de que si no usas mucho de tu preparación, porque cualquier cosa otra vez puede pasar en un plató de filmación. Pero prepararte te dará un plan para abandonar y aún más importante, la fase de preparación. A medida que lo atraviesas, te subirá de nivel y aumentará tu enfoque. Una vez que te pongas al set como, cuanto más te prepares, más enfocado te volverás. 35. Herramientas de dirección: resguardo y bloqueo: Siempre que dirijo una escena, todas y cada una de las veces, es como si estuvieras haciendo algo por primera vez. Justo antes de filmar la escena, lo he pensado bastante en la cabeza como quiero rodarla, pero mi método a prueba de fallos es siempre, ¿cuál es el único disparo que hará que funcione esta escena? En mi cabeza, me preocupa ¿y si todas las cámaras se rompen y qué pasa si algo pasa y no podemos disparar más de un disparo? Entonces siempre pienso en, si tuviera que hacer que esta cosa funcionara en un solo disparo, ¿qué tiro sería ese? Eso es lo que pienso y empiezo por filmar ese disparo y disparo esa toma una y otra vez y otra vez hasta que estoy contento con la actuación, y si tengo mi tiro a prueba de fallos, cuando edito la película siento que, si sólo tengo esta toma entonces el trabajo sencillo, entonces soy libre de experimentar después de eso. A la hora de dirigir y organizar un rodaje, bloqueo es una gran parte de hacerlo exitoso en términos de tiempo y eficiencia. bloqueo en el lenguaje del bebé es el viaje que hace el elenco alrededor de la escena. Se puede decidir de antemano diferentes actores se supone que empiezan ahí y terminan ahí. Si haces eso, eso es lo que llamamos bloqueo. Puedes decidirlo de antemano qué quieren hacer, pero también puedes simplemente entrar a la ubicación y decidirla en el lugar. Al igual que cuando entras en un lugar, puedes ver cómo está estructurado y la tercera opción es que el elenco entre a la ubicación y que actúen fuera de la escena y podrían encontrar su camino de forma natural en toda la ubicación. Has montado una cámara con un director de fotografía. Ahí hay un actor frente a la cámara. El actor tiene direcciones claras donde puede moverse, conocen sus líneas y es tu trabajo decir acción y observar. Después de hacer eso, ajustas la cámara, la luz, y discutes la actuación con el actor. Una buena manera de abordar la dirección es siempre pensar que si algo no está funcionando, es sólo porque no has comunicado correctamente lo que quieres. No digo esto para que usted como director se sienta en la culpa, este es un consejo práctico. Digo esto porque las películas son torpes y proceso externo, que es la esencia de la creatividad, tu trabajo es padres ese proceso a lo mejor de tu capacidad y a veces simplemente haces errores u otros hacen errores. Como líder de equipo, es tu trabajo mantener el proceso en buen camino y ponerlo de nuevo ahí si se cae. 36. Extra:: Dirigir el enfoque: En esta sección, vamos a hablar un poco un lado interesante de dirigir, que está desarrollando tu enfoque y formas de mantener tu enfoque aunque tengas muchas distracciones a tu alrededor en el set de la película. En este ejercicio algo extraño, estoy trabajando con estudiantes de cine en la Escuela de Cine de Islandia. Lo que están haciendo aquí en este momento es que todos están leyendo al mismo tiempo. El motivo por el que tienen el pulgar entre los dientes es ayudarlos a tratar de mantener el modo de enfoque, aunque todos estén hablando al mismo tiempo y teniendo el pulgar en la boca en este ejercicio también la hace desconocida en este ejercicio. Estoy entrenando a futuros directores de esta manera extraña y a muchos otros para mantener el enfoque pesar de que las cosas son desconocidas, extrañas, un poco tontas, y un poco abarrotadas, que aún tener acceso a su voz artística. Porque lo último que queremos tener pasar es que estamos tratando de dirigir una escena y todo va hacia atrás y todos están hablando contigo y las cosas se sienten extrañas, lo hacemos no quiero cavernos y perder contacto con nuestra voz y solo filmar para terminar con. Siempre queremos asegurarnos de que alguna parte de nosotros esté conectada con el artista dentro. Nuevamente, a pesar de que las cosas se vuelven un poco de inicio loco. 37. Bonus :: Consejos para dirigir actores: En este video, voy a compartir contigo varios consejos que pueden ayudarte cuando empieces a dirigir tu película y a trabajar con actores. Hay muchos métodos y libros geniales sobre formas de dirigir actores. Y los métodos son tantos como los directores. Cada uno tiene su propio estilo para desarrollar. Cuando empieces a hacer películas, notarás que la diferencia entre lo que has imaginado frente a la realidad de lo que sale en pantalla tiene una gran diferencia en ello. Encontrar tu método de dirección se trata de trabajar con esa brecha. Puede ser negativo o positivo. A veces el resultado te sorprende en el buen sentido, y a veces simplemente no estás cerca de conseguir la actuación que has imaginado. Sí, se trata de trabajar con esta brecha. Hacer una película, y trabajar con actores es trabajo en equipo. También tenemos que ser flexibles. Puedes obtener lo que quieres de una escena como director sin microgestionar la situación cuando no estás obteniendo la actuación que deseabas La buena noticia es que siempre es tu culpa. Tendrás que aprender a trabajar con ese actor y aprender a expresarte más claramente. Es algo que solo viene con la experiencia. Lo recogemos, aprendemos, tomamos clases, leemos, pero lo más importante, recogemos errores y aprendemos de ellos. Uno de los consejos más importantes que puedo darte sobre la dirección es ayudar a que los actores se relajen. Al estar a gusto, mejora el rendimiento. Se quiere evitar la rigidez, las expresiones faciales exageradas o los movimientos excesivamente teatrales Apunta a una sensación natural. Y el primer paso para lograrlo es relajarte. Esto puede ser un desafío a la hora de hacer una película, pero así como desarrollas tu estilo de dirección, trabaja para encontrar tu propio estado relajado. Muévete despacio y habla con claridad aunque estés estresado. Cuando estás dirigiendo, también estás actuando de alguna manera. Estar relajado y abierto ayuda a que tu equipo se sienta más dispuesto a apoyarte y escucharte. Otro consejo es no actuar nunca una escena o diálogo para que un actor le muestre cómo te gustaría que se interpretara la escena. Eso es un gran no, no, no se les puede decir cómo deben sentirse. Han leído el guión y tienen sus propios pensamientos. Si no estás obteniendo la actuación, entonces es una conversación lenta. Puede haber sutiles sugerencias tonales para el actor, pero sólo si realmente están pidiendo usar una metáfora Si microgestionamos a un actor o actuamos la escena para que ellos les muestren cómo se hace Es como acariciar a un gato hacia atrás. Encuentra una manera de hacer que todos se relajen antes de que la cámara ruede. No te lo tomes tan en serio, pesar de que es muy grave. 38. Edición: A pesar de que todos los procesos en hacer una película son realmente importantes, colocaría la edición como más igualitaria que otros. Porque la edición puede salvar tu película, puede salvar un disparo de desastre, puede salvar tu alma creativa. Porque la edición puede volverse abrumadora fácilmente, quiero que lo pienses como fichas de Lego. Tu material está hecho de chips de Lego y solo vas a construir algo a partir de él. Ahora, quiero que mantengas esa imagen en mente porque de nuevo, se puede conseguir fácilmente abrumadora trabajando en la fase de edición. También voy a caer en el habitual descargo de responsabilidad aquí porque la edición, a diferencia de todos los demás departamentos, está sumamente sometida al gusto. El método que voy a estar compartiendo con ustedes aquí es solo mi método de cómo organizo el material después de una sesión en la fase de edición. Como siempre, te animo a que encuentres tu propia receta hacia cómo te organizas. Aquí te damos un pequeño vistazo a mi proceso de edición. Organizo mi material, miro mi material y busco primeras impresiones fuertes y tú disparaste que me mueve cuando lo miré, así que encierro mi material y creo una papelera para cada escena, luego decido en qué escena Yo quisiera editar primero. Eso puede variar bastante dependiendo del proyecto. Trato de hacer algo que no puedo desear y que estoy emocionado. Cuando encontré una escena con la que quiero empezar, voy. ¿ Qué sensación, tiene esa escena? ¿ Cómo lo construyo? ¿Es una escena lenta? ¿ Es una escena rápida? ¿Qué tiros expresarían mejor ese sentimiento? 39. Proceso de edición y primeras impresiones: Siempre que empiezo a editar una película, siempre uso dos métodos. El primer método es mirar todos los clips, analizar todos los clips, enumerarlos hacia abajo, hacerlo de manera organizada. Pero siempre lo combino con otro método, que es lo que llamo el método de alguna manera. Simplemente entro ahí, encuentro mi escena favorita que deseaba editar. Después lo edito y luego me divierto mucho editando las escenas que tengo que editar para que mi escena favorita funcione. Entonces es agradable combinar estos dos; el método de ingeniería y luego de alguna manera método. Independientemente del método que funcione mejor para ti, siempre recomiendo pasar por la calvoria de trabajar en el material, bloquearlo, marcarlo. El método principal que hago aquí cuando hago el candado es encontrar primeras impresiones. Esa es probablemente la herramienta más grande y más importante que jamás tendrás. Si un shock te mueve cuando lo miras, aunque hayas hecho el guión y lo hayas visto cuando lo filmes, si aún te mueve, cuando lo miras en la pantalla, entonces coloca una estrellita junto a él. medida que trabajes a través del material, estas primeras impresiones se desvanecerán. Por lo que es realmente importante más abajo en la línea en el proceso de edición que los hayas marcado porque van a ser tu luz guía a lo largo de toda la edición. Siempre que utilices un rendimiento de grado [inaudible] o algo simplemente te mueve en un asunto fuerte, márcalo como una primera impresión. 40. Edición: corte final profesional: Yo sólo voy a echar un vistazo a algunas de las técnicas que uso pasando por una escena simple. Hay muchas clases de edición y tutoriales geniales por ahí y solo te voy a mostrar un poco de cómo trabajo. En esta escena, un hombre, amigo mío, su perro tiene una pelota de masaje y su perro se la robó y está tratando de recuperarla. Cuando iniciamos la escena, el perro ya tiene la pelota de masaje, así que decido llegar tarde a la escena. Entonces sólo vamos a ver una escena de batalla entre un hombre y un perro peleando por un balón. Hola y bienvenidos a un breve ejemplo de edición. Ahora mismo, estoy en el corte final 10. Corte final es conocido por su línea de tiempo magnética pero porque, les estoy mostrando un ejemplo general, no voy a usar línea de tiempo magnética. Yo quiero simular cómo harías esto en cualquier software de edición, ya sea Premier, Da Vinci o incluso iMovie. Vamos a ver por aquí. Aquí mismo tengo mi ventana de edición. Esto es lo mucho que voy a ver de cada disparo. Sólo he seleccionado dos tiros. Estos son dos tiros largos y voy a hacer una pequeña escena con ella. En este momento, he seleccionado aquí tres clips con los que quiero empezar. Echemos un vistazo a estos tres clips seguidos y veamos de qué se trata. Ah-ah. Dame la pelota, traerla aquí. Tráeme el balón. Bailey. ¿ Ella se llevó nuestra pelota? Bailey. Tráeme el balón. Bailey. Todos los tres clips tienen el mismo mensaje. Deril está pidiendo su pelota. Voy a llevarme este corte aquí y sólo a jugar con él. Simplemente lo voy a solapar así. Observe que el sonido se va a solapar. ¿Ves qué pasa? Tráelo aquí. Tráeme el balón. Bailey. ¿ Ella se llevó nuestra pelota? Bailey. Vamos a jugar un poco con esto. Ah-ah. Dame el balón. Tráelo aquí. Tráeme el balón. Tráeme el balón. Voy a tomar este sonido aquí y voy a usar el borrador aquí, que podemos seleccionar desde aquí. El atajo es B así que solo voy a ir aquí y empujar B. Voy a cortar el sonido aquí. Voy a quitarme el sonido aquí y este sonido sí. Tráeme el balón. Tráeme el balón. Ve otra vez. Ah-ah. Dame la pelota, tráela aquí. Tráelo aquí. Observe el pequeño punto que aparece aquí, voy a desvanecerlo así. Tráelo aquí. Este me voy a desvanecer un poco así, lo voy a colocar, déjame ver. Bailey. Bailey. Lo vemos decir, este sonido tiene que marcarlo, y empujar N y empujar N. Aquí es donde lo dice. Esto lo necesitamos ver. Tomemos este aquí y veamos qué pasa si lo colocas por aquí. Ah-ah. Dame el balón. Traerlo aquí. Yo solo quiero acortar este corte hasta aquí y ver cómo sucede. Verlo tipo de mirarnos. A lo mejor no quiero eso. Yo me voy a saltar*** adelante aquí. Selecciona eso y mira la brecha y ve qué pasa. Tócala. Ah-ah. Dame el balón. Tráelo aquí. Bailey. ¿Ella se llevó nuestra pelota? Bailey. Está bastante bien. Estoy contento con este corte. Tráelo aquí. Bailey. La inmediatez del sonido que llega directamente al corte ayuda al corte. Tráelo aquí. Bailey. ¿Ella se llevó nuestra pelota? Aquí mismo, tengo mi voz entrando, así que voy a borrar eso. Siempre hago esto solo para suavizar el sonido. Aquí, habíamos puesto la cita. Tráeme el balón. Tráeme el balón. A lo mejor puedes volver a usar eso. Déjame ver. Tócala. Ah- ah. Dame el balón. Tráelo aquí. Bailey. A lo mejor se pone bien por aquí. Veamos qué pasa. Ah-ah. Dame el balón. Tráelo aquí. Bailey. Tráeme el balón. Eso es bastante bueno. Hay un poco de salto de sonido, y siempre me siento incómodo con eso. Voy a suavizar aún más el sonido. Tráeme el balón. Eso es lindo. Tráeme el balón. Tráeme el balón. Ahora, voy a comprobar si estoy contento con estos dos cortes. Ah-ah. Dame el balón. Tráelo aquí. Bailey. Tráeme el balón. Ahora, el clip número 3 fue qué? Tráeme el balón. Bailey. Aquí hay mucha repetición pero vamos a vivir con ello, espero que sí. Seleccionando estos dos. Cuando selecciono estos dos, justo por cierto, hice clic en éste y hice clic en el botón de opción o comando. Yo sostengo eso en y luego los selecciono a ambos. Lo suelto y luego boom. Déjame ver cómo funciona esto. Tráeme el balón. Tráeme el balón. Salto de sonido. Siempre va en mis pequeños nervios de edición cuando escucho saltos de sonido. Tráeme el balón. Está bien. Tráeme el balón. Tráeme el. Aún más. ¿Tenemos algo aquí? El balón. Ah, sigue en esta papilla. No sé cuál era esa palabra, pero veámosla. ¿Y si hacemos eso? Oh, tráeme el balón. Eso fue lindo. Es un pequeño accidente lo que ocurrió ahí mismo. Oh, tráeme el balón. Bailey. Estoy contento con estos tres cortes de aquí. Ahora mismo, estamos en el segundo acto de esta gran batalla. Ya configuramos en la primera sección acto uno, donde establecimos perro. El perro se ha llevado una pelota y el llamado dueño está tratando de recuperarla, y ahí está estancado. En el segundo acto, vamos a traer un compromiso. Va a haber un conflicto. Aquí voy a hacer un punto medio de la escena que es falsa victoria. Saltamos a tiempo y un hombre, Deril mi amigo, ahora está cerca del perro y hace un intento de conseguir el balón. Dame el balón. Intento fallido y justo aquí tenemos. Ven aquí Bailey. Ven aquí. Ven aquí. Bueno papi necesita un masaje. ¿ Puede papá hacerse un masaje? Ponemos eso justo aquí. Tan solo note que sólo voy a sentir tripa. Bueno, papi. Así es como tengo un pequeño corte de salto. Tengo un pequeño corte del perro justo aquí. Yo sólo lo voy a colocar aquí mismo. Ven aquí. Bueno, papi necesita un masaje. Ahora, tengo un poco de suplicación. Aquí, tuvimos la primera sección de nuestra escena. Yo sólo voy a mover éste porque estoy contento con ello, justo aquí y revisar la siguiente sesión. Habrá éste aquí, que ya he editado. Echemos un vistazo a eso. Tráeme el balón. Tráeme el balón. Dame el balón. Voy a conseguir esa pelota. Dame el balón. Aviso en esta sección aquí, intenta de nuevo, conseguir el balón, pero esta vez alrededor hay una escalada. Hay un cambio. Bailey el perro chupa a su dueño, chasqueando. Tenemos escalada. Se trata de la sección 3. Echemos un vistazo a la sección final que ya he editado con el mismo proceso que les he mostrado. Ven aquí. Buena chica. Vamos mamá. ¿No me vas a dar? Ven aquí. Ven aquí. ¿No me vas a dar el balón? ¿ Trataste de chasquearme por una pelota? ¿ Por qué me estás chupando chica? Voy a por el balón. Te conozco bien? Ahora son amigos. Se está burlando de ella para conseguir el balón. Ahora, coloquemos todas estas sesiones juntas. Ya te mostré a detalle cómo edité esta parte. Entonces fui un poco más rápido aquí, luego ya había editado estos aquí. Yo sólo los voy a colocar a todos juntos y ver qué pasa. Ahora mismo, tenemos la escena aquí. De lo que voy a hacer, sólo voy a colocar un sonido atmosférico en el fondo. Yo subo a mi papelera, y lo he preparado aquí mismo. Se va a tirar todo ese clip justo por aquí, boom. El primero está completo. Aquí vamos. Simplemente lo colocaré aquí mismo. Ahora, tenemos sonido atmosférico. Ah-ah. Dame el balón. Tráelo aquí. Vamos a volvernos locos y ponerle algo de música. Ya he hecho eso aquí mismo. Déjame ver. Esa es la música. Yo sólo voy a encontrar unas notas altas sobre la música. Ahora, tenemos una escena, boom. Ah-ah. Dame el balón. Tráelo aquí. Bailey. Tráeme el balón. Bailey. No mastices la pelota. Vamos, tráelo aquí. Dame el balón. Tráeme el balón. Ven aquí Bailey. Ven aquí. Ven aquí. Bueno, papi necesita un masaje. ¿ Le puede hacer a papá un masaje? Tráeme el balón. Tráeme el balón. Dame el balón. Voy a conseguir esa pelota. Dame el balón. Ven aquí. Buena chica. Vamos mamá. ¿No me vas a dar? Ven aquí. Ven aquí. ¿No me vas a dar el balón? ¿ Trataste de chasquearme por una pelota? ¿ Por qué me estás chupando chica? Voy a por el balón. Te conozco bien? 41. Edición: editar Sprint en tiempo real: En esta sesión, te voy a dar una demostración en vivo de un sprint de edición de 15 minutos, lo que significa que solo te pones un temporizador, 15 minutos y luego te vas, y el truco principal es nunca mirar atrás, nunca regreses y revises tu material, solo siempre sigue adelante. Yo sólo voy a arrancar el reloj. Ahora mismo me siento muy incómodo, lo cual probablemente es bueno. Yo sólo voy a revisar el material. Ahora mismo estamos en verano, eso es seguro. Conmigo aquí hoy está mi amigo, Sonny. Hola. Aquí vamos. Yo estoy ahí con mi amigo, lo veo. Déjame sólo, así que lo que estoy tratando hacer aquí es no ponerme ansioso, aunque tenga el temporizador, así que voy a estar tranquilo y voy a respirar, suspirar un poco, calmarme y luego ser calma. Voy a disminuir mi diálogo interior; como lo que pienso del material y solo editar y dejar que mis manos hagan el trabajo y ver qué pasa. Puede ser bastante aterrador. Vámonos. Ahora mismo estamos en verano, eso es seguro. Conmigo aquí hoy está mi amigo. Yo sólo voy a narrar, no ahí, sólo hazlo. Verano, eso es seguro. Conmigo aquí hoy está mi amigo, Sonny. Hola. [ RISAS] Se va a llevar como un mini. Conmigo aquí hoy está mi amigo, Sonny. Hola. [ RISAS] Vamos a hacer una mini película. Ahí está, así que ahora pensando. Vamos a hacer una mini película. Yo sólo voy a rodar un par de tomas con él y vamos a editar y filmar. Yo sólo voy a disparar un par de tomas con él y vamos a editar juntos, así que hacemos lo que llamamos una pequeña entidad en una historia. Seguir de cerca. Sí. Está bien. [ RISAS] Un poco de actitud ahí. Vamos a comprobarlo. Conmigo aquí hoy. No, lo siento, por el tiempo, no voy a volver. Voy a seguir adelante. [ inaudible] o acción. Sólo voy a empezar aquí. Hombre, caminando. Deténgase aquí para ver cuál es el resto, ¿está caminando este hombre? Está bien. Siguiente tiro es porque, voy a velocidad, no voy a pensarlo de más ni analizarlo, sólo un hombre caminando. Es un poco poco poco poco hábil fuera, vale. Déjame ver, inhabilidad directamente aquí y esto es recto aquí. Echa un vistazo. Hagamos eso. Quita este. Quita este. Filmamos dos tomas con él. No, estoy recibiendo un reporte aquí, al parecer. ¿Qué estoy diciendo? Filmamos dos disparos con él, uno siguiéndolo. Yo sólo voy a poner este tiro en unas vacaciones. Este soy yo narrando también. ¿ Qué es eso? Esto no es nada. Iba a decir porque no voy a sobreanalizarlo como un tiro lateral. [ RUIDO] No ser precioso con él. [ EXTRANJERO] ¿Qué le estoy diciendo? [ EXTRANJERO] Sí, mira hacia adelante. [ EXTRANJERO] Ve a tu hija frente a ti porque mi intención aquí es conseguir su pequeña sonrisa de su rostro tanto como pueda, hacerle pensar en su hija. Un poco mejor aquí, pero somos amigos, así que es difícil quitar esa sonrisa. Aquí vamos, un poco de una sonrisita aquí. Entonces cuando edite voy, 1, 2, 3, 4, 5, 6, eso es bueno. A mí me gusta este. Yo lo voy a colocar aquí. No puedo ir al revés. [ RUIDO] Eso fue eso. ¿Qué estoy diciendo aquí? [ EXTRANJERO]. Ahora, iré 20 por ciento más lento. Digo aquí, todos sonríen. [ RISAS] Sólo voy a borrar eso. Aquí hay algunas cosas de atrás. [ RUIDO] Ver, esto funciona, 1, 2, 3, 4, 5, eso es suficiente. Sólo avanzando otra vez muy incómodo, nueve minutos. Acción. [RUIDO] Eso es bonito. Acción. Por supuesto, voy a bajar el sonido en esta cosa de aquí, tal vez caminar, 1, 2, 3, 4, 5. Eso es lindo. A mí me gusta la lluvia aquí. Está bien, avanzando. Aquí vamos. [ RUIDO] 1, 2, 3, 4. Ahí le estaba diciendo que me alcanzara, como caminar tan rápido como estoy caminando. Esto sigue siendo todo de hablar. Voy a esperar un poco con eso. Vamos a mover los que no estamos usando, este lugar de atrás aquí. Si podemos usarlo, pero aquí vamos, no te pongas tan rápido que vamos. También puedes ir aquí en la parte de atrás así. Significa mantener la calma, [RUIDO] Aquí está de pie. Está bien. [ANTECEDENTES] Hay un buen tiro. [ ANTECEDENTES] Aquí arriba, 1, 2, 3, 4, 5. Eso es bueno. Este se está saltando el principio todo el tiempo. Parpadeció, nunca nos gusta parpadear en el inicio de un disparo. Aquí vamos, 5, 6 eso es todo. Poniendo estos a un lado. Este de aquí es el ángulo, al parecer, ahí va, 1, 2, 3, 4. Eso es suficiente. Sigan adelante. Eso es sobre el hombro. Sólo mirando donde todavía estoy. Deberías haber tocado estos clips si estoy haciendo algo muy precioso, pero de nuevo, el punto aquí ahora es ir rápido y lento. [ ANTECEDENTES] 1, 2 , 3, 4, 5. Eso es bueno. Aquí vamos, así. [ ANTECEDENTES] Ese es otro ángulo si quiero. [ ANTECEDENTES] Este es su punto de vista. [ ANTECEDENTES] Tengo buena, y luego [ANTECEDENTES] lo mismo aquí. Eso es todo. Me estoy metiendo en un poco de problemas, no estoy seguro de qué estoy haciendo aquí así que voy a revisar lo que estaba diciendo aquí. [ RUIDO]. Siguiendo a él. Reanudar. Hemos filmado dos tomas con él. Uno que lo sigue, uno al frente. Ahora mismo, voy a hacer un tiro lateral y le voy a pedir que camine. Yo le voy a pedir que camine. Podría estar perdiendo el tiempo aquí. Déjame ver qué [SOLUCIONAR] Aquí afuera al final, nos hemos detenido porque empezamos la película con él. Voy a pedirle que camine 20 por ciento más lento [ANTECEDENTES] para que pueda seguirlo en esto y ahora. Están cortados ahí fuera. ¿Quién era el director de fotografía ahí? Yo lo voy a despedir. Déjame ver. Ahora mismo, bendecidamente no estoy al tanto de lo que estoy haciendo así que lo voy a revisar aquí. Enfriar. Conmigo aquí hoy está mi amigo. ¿ Qué pasa? [ RISAS] Vamos a hacer una mini película. Yo sólo voy a disparar un par de tomas con él y vamos a editar juntos. Yo sólo voy a rodar un par de película. Yo sólo voy a disparar un par de tomas con él y vamos a editar juntos, así que vamos a hacer lo que llamamos una pequeña entidad en una historia. [ RUIDO] Estoy tratando de hacer una historia con esto, y sólo me faltan cuatro minutos. [ RUIDO] ¿Qué puedo hacer aquí? Escucha. [RUIDO] Aquí está mientras entra en el marco allá. Voy a usar esto como marco para caminar. Creo que tengo un poco de tiempo extra aquí. Ahora mismo porque no tengo ningún sonido adecuado en él, sólo voy a maquillarlo. Déjame ver. Cuento. Él. Aún más tiempo. T en una historia él o acción. [ RUIDO]. [ MÚSICA] Érase una vez, detente. Espera este. [ RUIDO] Está aquí atrás, lateral atrás. Atrás, vamos al frente. Tres minutos. Oh, Dios mío. Aquí voy. [ MÚSICA] Tiene un pequeño salto ahí, ¿no? Yo creo que sí. Me quitaré el sonido y usaré mi propia y hermosa banda sonora. [ MÚSICA] Arriba, así que salta ahí. ¿ Sólo vamos a acortar esto a qué? Oh, Dios mío, dos segundos. ¿ Tengo algo más persistente aquí? [ MÚSICA] Eso es bueno. Entonces me voy a ir a un costado porque no estoy pensando demasiado. [ MÚSICA] Entonces puedo volver a la parte de atrás si quiero, escuchar que voy. En realidad, sólo voy a hacer que se detenga ahí mismo y luego abajo con el sonido. [ MÚSICA] Hombre de pie mirando a algún lado. Ah, es una bonita. Ponga éste aquí. [ RUIDO] [MÚSICA] Aquí vamos. Esto es un poco demasiado claro para mí. ¿ Cuál fue lo último que vimos ahí? Podemos ir por encima del hombro. Oh, Dios mío, un minuto y 40 segundos. [ MÚSICA] Aquí vamos. ¿ Tengo un primer plano de su cara? Sí, sí lo hago. Aquí vamos. [ MÚSICA] Algo de fondo. [ MÚSICA] El hombre claramente está mirando algo, y veamos qué está mirando. Ese será éste de aquí. [ MÚSICA] Boom, oh, hicimos una película y tenemos un minuto de sobra así que sólo voy a pasarlo. Conmigo aquí hoy está mi amigo. ¿ Qué pasa? [ RISAS] Vamos a hacer una mini película. Yo sólo voy a disparar un par de tomas con él y vamos a editar juntos. Haremos lo que llamamos una pequeña entidad en una historia. Sí. Ahora, aún tengo que sonar esto, y voy a terminar esto y pulir esto. Aquí vamos. Aunque es un poco demasiado. [ MÚSICA] Esta fue una ronda de edición rápida, y luego arreglaría el sonido y arreglaría el color. Pero es bastante increíble lo que puedes hacer en poco tiempo si disparas las cosas con claridad. Aquí, decidí un camino claro para el personaje, y luego disparé diferentes ángulos. Yo lo hice cortar juntos, así que ahí vamos. Se acabó el tiempo. Conmigo aquí hoy está mi amigo. [ANTECEDENTES] ¿Qué pasa? [ RISAS] Vamos a hacer una mini película. Yo sólo voy a filmar un par de tomas con él y vamos a editar juntos para que hagamos lo que llamamos una pequeña entidad en una historia. Sí. [ ANTECEDENTES] [RUIDO] 42. Edición: Davinci Resolve: Aquí hay un poco de demostración de edición de bonificación que hice en esa resolución con material que se disparan bajo la lluvia aquí en Islandia. Podrás descargar todo el material para esta lección en la página web de la clase. Diviértete. Aquí he abierto diciendo para resolver 16, que podemos conseguir de forma gratuita. Sólo vamos a hacer tres demostraciones rápidas del material muestral que viene con la clase, donde se puede practicar un poco de edición y un poco de pensamiento. Importar nuestro material. Aquí tenemos el material que vas a tener para este curso, abriendo todo el material y tirándolo aquí. Aquí tenemos el material y ahora sólo lo voy a agarrar, todo y ponerlo aquí. Nada de fantasía. Déjame ver, este es el primer disparo. Tócala, cámara lenta. Este es un espejo, un espejo de coche. Yo tengo eso aquí. Observe que aquí no voy a hacer nada elegante. No voy a etiquetar nada. Yo sólo voy a ir muy limpio en ello. Aquí tengo este tiro y estoy pensando que esto es un espejo y tú dices jugar y solo contemos 1, 2, 3, detente. Aquí vamos. Eso está aquí. Sólo voy a seleccionar esta zona aquí. Presiona el botón de borrar, así. A continuación tendremos ¿qué es eso? ¿ Qué en la Tierra es eso? Una lluvia plausible. Mi insumo podría estar aquí. ¿ Quién es la navaja de afeitar aquí? Al igual que así y nada más en este tiro. Eliminar. Esta lluvia también y la corona, esta calma. Se invierte. Entonces vamos a tener que voltearlo. Una vez. Podría tomar, arrastrar esto aquí, como así a partir de aquí, ir 1, 2, 3, esa fue la segunda parte del disparo. No voy a usar eso es un tiro bastante largo aquí. [ inaudible] 1, 2, 3, desaparece. ¿ Cuál es el disparo? Se va a subir. 1, 2, 3. Tan agradable. Otro disparo; 1 ,2 ,3. Es bonito que veamos los limpiaparabrisas ahí. ¿ Algo más en el tiro que yo quiera? A lo mejor el giro aquí hizo música. Aquí no. 1, 2, 3. Eso es lindo. Ahora he editado abajo los tiros aquí. Tenemos el revés de un tiro. Este de aquí. Vamos a revertirlo y luego entramos a Inspector y luego lo volteamos, creo que está aquí. Al igual que así. Hagamos una historia con estos clips aquí. Recuerda, siempre estamos haciendo los tres actos. ¿ Cuál podría ser el acto número 1? Érase una vez, había lluvia. Este es mi primer acto. Érase una vez, había lluvia. Vayamos al acto 2. Eso será, y había un auto bajo la lluvia. Resulta que no sólo hay lluvia, sino que hay un auto bajo la lluvia. El auto toma la decisión de conducir bajo la lluvia. Nos falta un disparo por eso. Déjame ver. ¿ Dónde fue eso? Iremos aquí mismo. Voy a escatimar a través de ella. El auto comienza a moverse. Sombrea los dos actos ahora. Érase una vez, había lluvia. Vayamos al acto 3. Este tiro. Porque no estamos totalmente establecidos el auto, tenemos lluvia, lluvia, auto, auto. Veamos la ciudad desde los ojos del auto aquí mismo. Este código aquí, resultó que había un auto bajo la lluvia y el auto decidió dar un paseo en él. Cuando el auto decidió dar un paseo bajo la lluvia, esto probablemente no es nada que necesitemos por un momento. Cuando el auto decidió dar un paseo bajo la lluvia, se vio las ciudades, vio calles y edificios y más edificios. Hemos hecho un poco de cortometraje. Hemos hecho una película de 24 segundos. Ahora voy a añadir algunos efectos de sonido. Tengo tres efectos de lluvia y luego tengo limpiaparabrisas aquí mismo. Consulta este. Siempre que hago clic en éste, hago doble clic en él, y luego presiono el botón del espacio. Haga clic en este. Aquí vamos. Aquí seleccionamos el lugar y solo empujamos la maquinilla de afeitar aquí o la letra B. Vamos a echar un vistazo a esto. Digamos que estamos contentos con esto y sólo voy a bajar esto cayendo aquí, así. Digamos que estamos contentos con esto. Vamos a revisar este efecto de lluvia para ver qué pasa cuando nos ponemos este auto aquí. Eso es lindo. Guión así. Sólo digamos eso. Cuando cambias suena así, estás creando tiempo. Por ejemplo, si estamos aquí y esta fe, ésta fuera, así. Donde tenemos los limpiaparabrisas justo aquí, haga doble clic, play, botón de espacio. Yo sólo voy a arrastrar este clip justo aquí y vamos a comprobarlo. Es un poco demasiado rápido. Podemos mantenerlo tan rápido si quiere mantener el sonido en tiempo real. También podemos hacer clic con el botón derecho del ratón y entrar en cambio de velocidad de clip. Simplemente sube a 50 por diversión y ve qué pasa. Yo sólo voy a mantenerlo así, pero muy bajo. Aquí, sólo voy a detenerlo aquí mismo en este de aquí. Aquí me gustaría tener un nuevo sonido. Hay un efecto de lluvia no estamos acostumbrados, que es el interior del coche. Comprébalo. Un poco demasiado agresivo, pero no nos importa porque estamos haciendo un cortometraje creativo. Observe cómo el sonido va a ayudar bastante a los cortes. desvanecen en el sonido un poco aquí. Aquí, me gustaría cambiar el tiempo. Saltaremos a tiempo. Lo que voy a hacer es presionar la letra B para editarla. Entonces solo voy a ir al azar a algún lugar de este sonido aquí y hacerlo saltar y hacerlo un poco más bajo también. A ver qué pasa. Aquí me gustaría volver a cambiar el tiempo. Entonces vamos a apretar este, por ejemplo, de nuevo, así. A ver qué pasa. Hicimos un poco de microfilm usando el material. Ahora diviértete haciendo tu propia versión o preferiblemente disparando algún material simple tú mismo y juntándolo. 43. Color: En este apartado, vamos a colorear nuestra escena aquí. Yo sólo quiero marcar. Este es el descargo de responsabilidad habitual. No soy especialista en color. Pero por el bien de este video y de todo Do It Yourself Filmmaking, sólo voy a mostrarles cómo haría, por ejemplo, este. Echemos un vistazo al primer disparo aquí. Tenemos dos tomas en la misma cámara en la escena, “Dame el balón”. Probablemente pueda usar un ajuste similar. Déjame encontrar primero una toma de referencia. Cuál es la toma que me gustaría usar como punto central de toda la corrección de color. Usemos este. Subirás a aquí a esta pequeña cosa de color ingenioso aquí. No voy a hacer nada elegante, sólo voy a repasar algunos de los conceptos básicos. Contamos con Exposición, Saturación y Color. Voy a empezar con la exposición. En esto voy a encender tan alto. Destacados fuertes, los voy a bajar bastante. Consulta derribar los bajados del punto medio y dale un poco de look desvanecido, así. Por favor, comprueba esto fatal así. Ahí vamos situación. Voy a bajar eso y empujar así y subir quizá el azul un poco. Azul en los aspectos más destacados como así. Ese es este tiro de aquí. Se va a llevar este y yo lo copio. “ Copiar”. Entonces yo entraría en este de aquí. Entonces uso el mismo ajuste y pego los atributos y luego puedo seleccionarlo lo que quiero pegar aquí. No quiero meterme con la posición, solo quiero colorear así. Gira a estos dos aquí. Voy a seleccionar todos los tiros excepto estos dos de aquí. Voy a “Pegar” los atributos, otra vez, sólo los de color como así. Sólo voy a comprobarlo ahora. Dame la pelota, traerla aquí. Bailey. Tráeme el balón. Tráeme el balón. Bailey. No mastices la pelota. Vamos, tráelo aquí. Tráeme el balón. Ven aquí Bailey. Ven aquí. Ven aquí. Pero papi necesita masaje. ¿ Puede papá hacerse un masaje? Tráeme el balón. Tráeme el balón. Dame el balón. Voy a conseguir esa pelota. Dame el balón. Ven aquí. Buena chica. Vamos mamá. No me vas a dar el balón. Ven aquí. Ven aquí. ¿Estás tratando de chasquear conmigo por una pelota? ¿ Por qué me estás chupando chica? Voy a coger el balón. 44. Bono :: Ejemplo de edición: "Carreras": En esta lección, te voy a dar o mostrarte más bien cómo agregué en Davinci resolver Este es un pequeño momento familiar. En esta lección específica de edición, voy a pensar bastante en ángulos de 90 grados, lo importante que es disparar frente a mi boca, no es bueno, ¿dónde estuvo? Sí, ángulos de tiro. Si disparas ángulo de velocidad 90 grados, entonces suele ser muy fácil editar de esta cámara a esta cámara de aquí. Incluso puedes tener los ángulos cerca. Esto va a editar bien. Entonces, vamos a hacer esto otra vez. Veamos un ejemplo. Primero, voy a hablar un poco ángulos y voy a saltar a la lección. En esta lección, voy a saltar a Da Vinci Resolve, que es un software de edición gratuito. Voy a mantener esta lección de edición tanto como pueda en tiempo real para su beneficio, así que podría ser un poco larga. Pero ojalá te sea útil ver mi proceso de trabajo. Voy a estar enfocándome en usar ángulos de cámara, enfocarme en 90 grados. Y para mostrarte lo más fácil que es editar cuando filmaste algo con este ángulo de cámara en mente. Bien, entonces es solo un pequeño momento familiar donde la gente está jugando junta en un juego de computadora y hablando y cosas así. Bien, entonces déjame ver aquí. Tengo tomando el primer tiro aquí. A ver, va a usar esto un poco, ¿de acuerdo? Bien. Entonces no estamos pensando en audio aquí específicamente, solo estamos pensando en ángulos. Entonces esta es la pantalla pantalla aquí que, bien, esta es la niña, esta es la pantalla. Y luego voy a encontrar un puesto. Déjame silenciar un poco el sonido. Este también está viendo la pantalla fuera de foco aquí al principio, lo que me gusta, déjame ver cómo editan juntos. También está mirando el video, moviendo un poco la cámara, cortándola aquí. La idea aquí es editar no es pensar completamente en el sonido, podemos hacerlo después. Sí me gusta que el estilo de las cosas esté fuera de foco. Y así así ella está viendo sacar este, colocarlo aquí como revisar papeles, abrir la boca. Siempre me interesa cómo los visuales son mucho más fuertes que lo que se esté diciendo Pensaremos en eso más adelante en este ejercicio. Ella dice algo, la cámara baja. A lo mejor si está diciendo algo, no recuerdo lo que está diciendo. Podemos simplemente ir aquí, solo tomemos el video entonces. El audio se ha ido a derramar en la siguiente edición. Siempre es fascinante cómo podemos unir la realidad de cada escena con solo pensar en el audio, haciendo que el audio sea impecable sin edición Lo que aprendimos aquí es que tenemos un juego de computadora, alguien que dice algo, está mirando. Tiene manos libres, así que no está jugando. Déjame ver si tenemos el joystick por aquí en alguna parte. Jugar. A éste se le está entregando algo dicha posición, detente aquí. Sólo por diversión, sólo voy a hacerlo así. No sé si va a funcionar, pero en realidad se puede ver que el audio está aquí y luego el audio está aquí. Y luego pienso en el audio, solo nos estamos enfocando en hacer un poco de realidad. Estamos haciendo algo de la nada, ¿de acuerdo? Carambola pensando en editar ritmo, boom. decir algo que se le está entregando , toma una posición. Boom. Entonces roles pensando aquí. Ritmo de edición, Teton, Simpatía número nueve. Sinfonía número nueve. No simpatía, ese podría haber sido un mejor título. No voy a entrar en una máquina del tiempo y decirle eso a Peyton, déjame ver aquí mismo Hay una técnica que utilizo a veces. Déjame ver aquí. Mi edición final aquí es esta de aquí. Y aquí solo uso una herramienta de captura de pantalla que se llama pista de pantalla aquí Yo sólo tengo este marco aquí. Entonces recuerdo cuál fue el último fotograma. Bien, aquí, genial. Estoy pensando que si edita, está aquí. A lo mejor esto va a editar. Sí, échale un vistazo. Vamos a acercar este y sólo voy a poner un color elegante lo que he completado aquí. Sí, bien, entonces esta es la última posición aquí. Creo que esto podría dit bastante bien compruébalo. Siempre es bueno para mí editar sin el audio a veces porque te despierta del sueño Esto es lindo. Esta toma aquí que tenemos aquí, esta de aquí, y esta de aquí. Van a agregarlo, ¿de acuerdo? Porque aquí la cámara está casi 90 grados en el perfil y aquí la cámara está casi detrás del personaje. Siempre estoy pensando en la regla del 90%. 90 grados. Si tienes un tiro de 90 grados, va a agregarlo amablemente. Entonces, aquí, pensar en Beethoven, o pensando en cualquier ritmo, para el caso, de nuevo, lo que podrían estar diciendo podría ser bastante agradable, pero ese no es el ejercicio en este momento El ejercicio aquí es sólo pensar en los ángulos. Bien, aquí tenemos un portaobjetos, tal vez lo comprobemos. Quedarse aquí detrás de la cámara. Lo que voy a hacer ahora es cambiar estos disparos. Sólo voy a hacerlos invisibles. Y revisa este, tal vez si es mejor ir 321 queda bien. Y la posición de la mano es la misma, lo que es un bonus. Entonces vamos a darle una paliza así. Veo el resto de la toma. Como puedes imaginar, esto se mucho al gusto personal. Cómo editamos material, vamos a trasladar a estos tipos en unas vacaciones. Los chicos de aquí probablemente solo puedan poner cerca aquí. Entonces, lo que me gustaría hacer, como pueden ver, para trabajar todas las ediciones en la línea de tiempo, me gusta mucho la forma analógica de editar Lo que veo es lo que obtengo. Lo que veo es lo que uso el año pasado que hicimos fue este. Podemos encerrar esta. Ahora solo lo recuerdo, es su perfil. Y podemos ir al auto, podemos saltar a tiempo, mira a la cámara, y podemos simplemente saltar a tiempo. Si es así, por favor vea qué pasa. No voy a usar esta. Boom, así y ahora simplemente saltamos a tiempo. Él está escuchando. Boom. Él mira a la cámara y estamos transmitiendo no verbalmente que se están divirtiendo A ver si tenemos un accidente feliz. No voy a pensar demasiado en la próxima edición, sólo voy a colocarla aquí y ver qué pasa Un poco más de carrera. Bien entonces ya estamos aquí. Voy a saltar hacia atrás más bien, voy a saltar hacia adelante en el tiempo. Ver como que sonreír era cámara y luego de pronto el tiempo ha cambiado. Así que sólo voy a entrar a la zona cuando tenga la boca cerrada aquí mismo. Boom. Así que llévate este de aquí. O éste. Sí. Entonces tiempos pasados diciendo algo, diciendo algo fuera de foco. Podemos usar este enfoque automático aquí como una transición. Eso es lindo aunque tiene una mano en alto. Lo que a veces es agradable es usar gestos con las manos como los que tenemos, digamos que nuestra mano está aquí. Eso podemos usar eso para decir, para decirle la hora a la gente. Es un momento diferente al disparo antes de que veas el salto, movimiento rápido de la mano. Cuando tenemos aquí el movimiento de la mano, nuestros ojos van a ir aquí y nos distraen Y vamos a ver la edición, lo cual es bonito. Estoy jalando un foco es toser y ellos se están divirtiendo. Bien. Sólo voy a parar aquí cuando ambos estén metidos en la escena ahora mismo. Como pueden ver, no estoy mucho volviendo atrás y mirando la edición. Estoy tratando de ir lineal primero. Van a ver el último disparo aquí donde tengo algo de movimiento. Yo uso un slider para simplemente hacer así, investigarlo. Esto es un tiro lateral. Tiro lateral y tiro lateral, muy bonito, así puedo usarlos. El último disparo que usamos fue este que usaba toser. Estamos frente a ellos ahora, vamos a volver con ellos. Voy a ir aquí, boom. A ver qué pasa. Ahora, solo estoy mirando el movimiento de la cámara. La cámara 123 está entrando, siguen hablando, diciendo algo mientras él la sigue mirando. Voy a ir, aquí, allá vamos. Boom. Nuevamente, esta va a ser una edición diferente si estuviera escuchando el sonido. Pero lo que estoy mostrando aquí es cómo puedes compartimentar tu proceso de trabajo, pensando en una cosa a la vez Cuando hacemos eso, nos enfocamos en solo editar ahora. Poco a poco, vamos a aprender a hacerlo, ambas cosas a la vez. Edición y escucha del sonido. Él está vigilando, la está mirando a ella. Ella está ahí. Ella está enfocada. Ella dice algo. Bien, detente ya, veamos. Qué fue ese nist. Ahora está aquí y está vigilando. Esperemos hasta que el disparo sea estable así. Bien, veamos qué pasa. Pm. Bien, entonces ahora creo que tengo mi edición. Sólo voy a enrollarlo. Ahí está el videojuego, ahí está la metáfora universal o simple de boca abierta, que es fascinación, decir, espeleando el joystick, diciendo algo sobre debería 123, hago un bolígrafo diciendo algo Saltamos adelante en el tiempo. Claramente se están divirtiendo por sonreír a la cámara. Y luego usamos el gesto de la mano para saltar de nuevo al tiempo. Claramente se divierten. Ahora están asentados, él habla despacio, ella está escuchando, diciendo algo alegre. Y al final está tranquilo y están juntos. Boom, esa es una historia. 45. Bonus :: Ejemplo de color "Carreras": En esta lección, voy a corregir el video que acabo de editar en la última lección solo para darte un curso rápido en alguna corrección de color, aunque yo mismo no soy un experto en corrección de color. Pero es simplemente agradable envolverlo con un poco de color cuando empiezo a corregir con qué me gustaría empezar para encontrar la toma de referencia correcta, ¿cuál es la toma que representa la escena y cuál es la toma con la iluminación más neutra del rayo? Estoy seguro de que lo dice. Probablemente iría aquí ahora mismo. Sólo voy a probar un par de cosas. Déjame ver. Mm. Siempre queremos empezar diciendo que no somos coloristas profesionales, pero es muy agradable poder conocer tu camino alrededor de este de aquí Déjame ver cómo se siente eso. Ahora voy bastante en solo usar este aquí para medirlo, como el aspecto natural de esta cámara. Esta cámara se llama sigma P. Bien, bonito. Entonces solo voy aquí abajo, mira, y solo juego con el contraste básico. No estoy seguro de lo que es este pivotar. El detalle lo hace más áspero, suave. Mantenga esa saturación Y neutra. ¿Lo quiero arriba? Algo así. Destacados. Me gusta bajar bastante los reflejos y luego puedo jugar con los niveles de luz aquí mismo. Algo así. Sombras. de las cosas que he aprendido aquí en corrección de color es solo por la corrección de color. Un montón de películas. Bueno, eso es un poco demasiado oscuro ahora para mi gusto. Probablemente así, sí. Bien. Temperatura. ¿Hace frío? ¿Cálido en la habitación? ¿Qué pasa con esto? Eso es un poco agradable. Bien. A nosotros nos gusta este y no lo vamos a hacer súper complicado. Solo toma este de aquí que he editado, Clic derecho, basura el alambique Entonces subo aquí a la galería, y aquí está mi alambique justo aquí. Yo sólo voy a aplicar este gran boom. Sí, me pregunto si puedo hacerlo. Todos estos aplican. Genial. Yo básicamente copié pegado todo el asunto. Este es el genial. Voy a configurar todos estos y voy a ir aquí, aplicar el genial. Vamos a decir que esto no es perfecto. Este es un poco demasiado brillante. Déjame simplemente bajar eso, algo así. ¿Ves cómo suena eso? Este de aquí, un poco demasiado brillante. Oh, déjame agarrar esto todavía aquí. Agarra quieto y aplícalo a este de aquí. Yo aplico. Genial, no cambié mucho ahora, ¿verdad? No ver mucha diferencia. No, no tiene mucha diferencia. Déjame jugar con este de aquí. No, este de aquí, bonito. Y éste es el mismo que éste. ¿Bien? Para este de aquí, voy a usar, oh, uso el equivocado, voy a usar este de aquí. Aplicar. Genial. Entonces va a bajar. Bien. ¿Qué pasa si lo uso aquí? Oh, es un poco demasiado oscuro, yo diría, bien, bien, agradable, agradable. Esto es un poco demasiado brillante, tal vez. Mmmmmm. Consulta la fase. Un poco neutral. Sí, perfecto. Y este de aquí es un poco así. Un poco demasiado brillante, similar a esta. Vamos a agarrar este acero aquí y aplicarlo. No, he visto la diferencia. Oh sí, hay una diferencia así. Muy bien, así que ahora tengo color corregido. Todas estas cosas de aquí, voy a comprobarlo, bla, bla, bla, bla, bla Comprobando el color. Sí. Sí, eso se ve bien. Este es un poco correcto? Voy a parar aquí, ve aquí. Este es brillante, brillante al principio aquí. Brillante, oscuro. Esto es bueno. Aplica este. Boom. Volviendo aquí. Voy a comprobarlo. Y, M, sí. Sí. Entonces este fue solo un ejemplo rápido de cómo a veces solo edito videos familiares con bastante rapidez. Cómo los llamo corregirlos, cómo mi experiencia de pensar en editar ritmo y todo, cómo se vuelve muy natural para mí y ojalá tú el, cuanto más practiques. Ahí vas. Gracias. 46. Bono :: Ejemplo de edición: mini-historia: Entonces sí, aquí estoy otra vez. Vamos a saltar de nuevo a la resolución Davinci y voy a editar. ¿Cómo lo dices? Como un momento cotidiano. Así que solo trajo la cámara conmigo. Conocí a mis hermanos y los filmé usando algunos ángulos sobre, disparando nueve grados sobre hombro, sobre hombro. Y un maestro. Y entonces voy a tratar de hacer esto aquí, por ejemplo, en el tiro maestro que tuve de dos de ellos, bomba, bomba. Entonces también te muestro cómo podemos saltar los tacos de línea, nuevo, para un hecho, saltar la línea porque normalmente cuando estás filmando así y no te debería gustar eso, eso es seguro, entonces realmente no puedes saltar la línea y mostrar cámaras aquí de todos modos. Espero que el ejemplo sea más, espero que el ejemplo sea más claro de lo que soy ahora mismo. En esta lección, voy a editar un video rápido que filmé con mis hermanos y te daré un ejemplo de cómo me acerco y edito con material cotidiano supuestamente normal, como almorzar con mis hermanos. ¿Cómo puedo ponerle algo de jazz y crear una pequeña historia? Entonces lo que vamos a hacer ahora es simplemente hacer alguna edición limpia que solo vamos a editar una escena como de costumbre. Vamos a pensar en ángulos y ponerle algo de estilo. Sí, la razón por la que estoy siendo un poco vago ahora sobre mis intenciones dentro de escena es que rara vez conozco mi intención antes de editar una escena Vamos a ver qué pasa porque normalmente mis manos descubren cómo editar una escena. Va a silenciar el audio solo para que algunos lo limpien, hazlo así. Alguien está hablando desde este ángulo. Y aquí hay un pequeño turno aquí y déjame mover la cámara por aquí. En este video, a lo mejor quiero usar esto. Aquí está el movimiento aquí mismo. Sólo voy a poner un color aquí en el. El movimiento puede ser naranja. Esto es sencillo. Por encima del hombro, esto es movimiento. Etiquetemos eso como movimiento. Ir al hermoso color naranja. Más aún debería, esto se acabó. Todavía debería, esto sigue siendo, esto es de cerca. Experimentemos con de cerca. Vamos a darle de cerca otro color. Vamos Marina, no hay suficiente diferenciación, Púrpura. cerca. Este de aquí es maestro. O dos disparos. Esto es de cerca, eso es morado. Esto es por encima del hombro. Ahora esta toma aquí comparada con esta toma de aquí. Mira, estoy cruzando la línea de los ojos. Saltando sobre la línea del ojo. Por lo general lo haríamos desde este ángulo aquí a este ángulo. Esto edita bastante bien. Sí, pero no podemos saltar de aquí a este de aquí porque cruzar la línea del ojo, está bien cruzarlo a veces si hay un punto para ello. Pero generalmente eso perturba al público y despierta al público del sueño. Éste está aquí. Aquí estamos en esta línea de ojos, disparando y cruzando. Y esto es un falso disparo de movimiento. El movimiento es por supuesto naranja. Y este de aquí también es movimiento. Bien, sigamos adelante. Alguien dice aquí, algo desde un lado. Esto es desde un lado. A lo mejor mi primer paso aquí es pensar por dónde quiero empezar. Sí, la idea aquí es poner algo de energía dinámica en escena. Por supuesto, podemos editarlo muy directamente para comenzar aquí con un maestro y luego ir, Chris, cruzar aquí. Empezamos con este disparo, luego vamos aquí, cruzando la línea aquí. Tampoco podemos cruzar la línea del ojo comenzando aquí con esta de aquí. Entonces también, y luego boom. Estoy pensando siempre cuando edito una escena, como puedo simplemente volver a ponerle algo de energía, rara vez conozco la respuesta a menos que mis manos tengan su tiempo con la escena. Sólo voy a consultar con, lo sé, este es un primer plano útil. ¿Bien? Voy a ponerle algo de jazz . Toma esta de aquí. Empieza aquí, bien. 12345, boom. Adiós a otro primer plano aquí. Siempre me gusta poner mi línea de tiempo así. No me gusta la sensación de que estoy jugando con Lego 12345, boom Entonces solo lo estoy contando para contar, Comprobar el ritmo, comprobando este tiro. Y no cuento porque solo estoy revisando el material frotando, hablando Todavía una hora más arriba en el cierre. Así empieza mi escena. Por alguna razón, 32132. 01:00 P.M Bien, como la música clásica. ¿A dónde quiero ir desde aquí? Entonces estoy buscando algo que no sea demasiado tradicional. Bien, quiero revelar los personajes aquí. Tenemos algunas manos, igual que el movimiento de esta mano aquí. Solo pruébalo aquí. Iré a iniciarlo. Enróllalo, boom, boom, boom, boom, boom, boom, boom, boom, bonito. Hay una conversación en curso ahora él está hablando. A ver, vamos a hacer que escuche. Este está escuchando, ¿de acuerdo? Éste está hablando. Sólo estamos pensando, lenguaje puro, metafórico, Ahora, la persona A habla, persona B, escucha. Este está empezando a hablar. Sólo voy a parar eso. A ver si es lo suficientemente largo. Probablemente no vea. Esto es sí, escuchar, escuchar, escuchar. Cuando empieza a hablar. Quiero usar este de aquí. De esta manera hemos creado una introducción dinámica a la escena, ¿de acuerdo? Vamos a usar un poco de movimiento aquí cuando cambiemos al hablador, ¿de acuerdo? A lo mejor pueda verse así más rápido. Boom, eso es lindo. Boom, Boom, Dodd volcadura bomp Ahora está hablando, jalando, enfocándose, hablando, hablando, hablando, hablando. Entonces ahora podría ser el momento de ir a una toma más amplia, especie de revelar dónde estamos. Entonces como podemos ver, empezamos muy cerca por encima del hombro, cerca, cerca de una persona, cerca. De esta manera el público empieza a imaginarse cómo podría quedar el lugar, así podemos poner un poco al público a trabajar , hacerlos curiosos. Bien, aquí estamos cruzando la línea. Entonces también hay una pregunta de ¿cómo cruzamos la línea? Entonces él está hablando, así es como puedo cruzar la línea. Yo sólo puedo ir simétrica. Es decir, estoy aquí y voy a saltar al otro lado. Bien. Éste está hablando. Entonces podemos pasar a éste. Él está escuchando y éste sigue hablando, hermoso. Así que hemos cruzado la línea así. Así que vamos a comprobarlo. Lo que tenemos, los dedos telefónicos, persona a, la persona B está escuchando, persona mueve las manos y empieza persona, persona en. Saltamos por encima de la línea donde una persona B está escuchando y la persona A está hablando. Hemos cruzado la línea y lo podemos hacer saltando a 180 grados. Entonces me pregunto ¿qué podría ser el siguiente? Podría ir aquí. Verás, podría hacer eso. Regresa. Verás, éste está de lado sobre su hombro así, y ahora podemos pasar por encima de su hombro. No, no. Sólo voy a mirar quién está hablando. Recuerden, no estamos escuchando el diálogo, solo simbolismo universal. Está hablando. ¿Qué es hablar? Hablar. Se mueve. Aquí, está hablando. Bien, déjame ver. Escuchando, detente. Antes de que empiece a hablar, vamos a volver a saltar a este de aquí. Sí. Y luego se pone de pie, boom, boom. Algunas cosas animadas. Sí, eso es lindo. Boom. Y ahora hay una vida en ello. Tenemos movimiento orgánico de la cámara. Está hablando, hablando, hablando. Así que estamos casi como que perdemos el tiro aquí, boom, boom, boom. Ahí vamos. Corta aquí a este de aquí, rodando, oreja, boom, bonito. A ver que va, bien. Bien, aquí atrás. Se siente como una buena y parando a mitad de acción. Algún movimiento, y luego simplemente van a salir. Entonces este fue el ejercicio de solo editar sin sonido, solo pensar en ángulos y practicar haciendo un pequeño momento documental. 47. Exporta tu película: Repasemos cómo exportas tu película. Nosotros exportamos debería ser como exportar, debería ir desde la computadora de todos modos, cuando estamos exportando nuestra película, depende del software que estés usando. Por supuesto, tienes un premier. Tienes Devin Resolve, tienes Archivo. Estos son los principales softwares de edición. Y es una manera bastante sencilla. No sonamos bien, todo es sencillo cuando lo sabes. Derecha. Pero yo diría independientemente del software de edición que estés usando, aprendiendo a exportarlo en forma de video de Youtube, no estoy tratando de evitar eso, necesitas aprender esto, pero yo solo diría, sí, es una forma de video de Youtube Porque cada software es diferente, pero tienen todas estas funciones de exportación. ¿Realmente enseñé esto o le pedí a Youtube que lo enseñara por mí? 48. Exportación: exportar tu película y hacer copias de seguridad: En este capítulo, vamos a discutir la exportación de su película y algunas estrategias de respaldo. Entonces ahora, ojalá, hayas editado tu película, le has puesto algo de color, y ahora la vas a exportar. Vuelven a tener algunos videos técnicos geniales, sobre cómo lo exporta específicamente, y cada software de edición tiene una función de exportación. Lo que yo diría es, cuando lo exporte haga algunas copias de seguridad. Es decir, exporta tu película como quieres que sea con sonido y color que quieras. Pero también exportar varias otras versiones que es, una versión sin color, solo el sonido, solo el diálogo si tienes diálogo, solo la música hasta que todo por separado. De esta forma, en caso de que pierdas alguna de tu materia prima, siempre puedes usar estos pequeños chips para restablecer la película o editarla si quieres arreglarla. 49. Repaso de la lección: Enhorabuena por completar este curso. Apuesto a que has aprendido mucho sobre el proceso creativo, tus fortalezas, tus debilidades. Lo que estoy haciendo es simplemente darte una forma de mi estrategia o de mis métodos si quieres hacer películas. Lo que vas a estar haciendo es cruzar fertilizando tu propia versión del proceso creativo de hacer una película. Ese es todo el punto. Hacer no es algo rancio, es una forma de arte que está destinada a desarrollarse con cada individuo. Lo que hemos estado haciendo básicamente es pasar por lo más neutral posible algunos de los fundamentos para que aprendas a crear tu propio sistema para tu próximo proyecto. Lo que hemos hecho, sólo una recapitulación rápida. Hemos comenzado con una idea, algo abstracto, hemos utilizado un tema, género, delineando la posibilidad de storyboarding. A partir de ahí entramos en modo guionista. Aprendimos sobre la escritura y el flujo, llevándolo al formato de un guión real. A partir de ahí, pasamos a la cinematografía y producción a la dirección. Después de eso, pasamos a editar, colorear, y luego exportamos tu película, y ahora estás aquí. 50. Agradecimiento y despedida: Yo solo quiero decir lo importante que es para mí y lo agradecido que estoy de que hayas tomado este curso. Tiene gran valor para mí porque entre más películas hago, más entiendo el valor de compartir mi experiencia y lo importante que es para mí compartirla y no sería capaz de hacerlo a menos que hubiera algún interés esperanamente por ella. Yo digo que es desde el fondo de mi corazón. Gracias. Cuando hayas completado tu película, compártela aquí en la categoría de producto para que pueda comprobarla y otros puedan comprobarla. Recuerda, estamos haciendo películas para que los demás lo vean. También si tienes alguna pregunta sobre el núcleo de producción de cine compartible publícalos aquí y haré todo lo posible para responderles lo más rápido posible. Te agradecería mucho que dejaras una reseña para esta clase, ojalá positiva. Te animo a salir por ahí y crear tu propio sistema de cine. Crea tus propias historias. Ser vulnerable, arriesgarse, ser tonto, ser ridículo pero después de esa estructura, ojalá no lo arruinara. Muchísimas gracias. ¿ Qué te inspiró a convertirte en director? Cuando tenía 20 años, rompí con una chica, descubriste todas las cosas de ti mismo. Te haces preguntas serias y encontré esta respuesta para expresarme a través de películas.