Transcripciones
1. Introducción: ¿Cómo se pueden desarrollar niveles
más altos de realismo usando lápices de
acuarela? ¿Cuáles son las piezas clave de
información imprescindible sobre cómo aplicar capas de pigmento de lápiz
acuarela? Y cómo activar pigmento de lápiz
acuarela
con agua y un pincel que te ayudará a fluir
por el proceso
con mayor éxito y llegar
a mejores resultados ¿Cómo se puede evitar sobretrabajar una pieza de
lápiz de acuarela para llegar a
una pintura final que tenga un resplandor
y tenga dimensión a ella Y cómo puedes traer pintura acuarela
tradicional para simplificar el
proceso de pintura por ti mismo y llegar a mejores resultados
bien equilibrados. Mi nombre es Erica y soy una artista de medios
tradicionales trabaja con una variedad de medios de
dibujo y pintura Y me encanta
desafiarme a mí mismo con diferentes
tipos de temas, que van desde bodegones hasta paisajes, animales y más. Mi día a día
gira en torno a la venta arte localmente, asesorar a
los estudiantes Y constantemente estoy
creando recursos
útiles y llenos de valor dirigidos a artistas
principiantes e
intermedios, buscando subir de nivel
sus habilidades y encontrar
su voz que
comparto a través de mi sitio web,
mi canal de Youtube,
y por supuesto, a través de mi sitio de membresía. Tengo más de 15 años de experiencia trabajando en campos
creativos y artísticos. Obtuve mi licenciatura
en Diseño Gráfico, Pasé a trabajar como diseñadora gráfica en una agencia de publicidad
por algún tiempo, y luego pasé a
convertirme en directora de arte en un ambiente escolar en que trabajé
durante siete años. Durante esos
dos últimos años de trabajo en mi último trabajo
regular a tiempo completo, comencé a construir mi propio negocio de
arte por un lado. Empecé a vender obras de arte
decorativas a nivel local. Empecé a participar
en eventos de arte locales. También estaba empezando
a ser mentor de estudiantes de todas las edades en
mi propio estudio en casa. Una vez que mi pequeño negocio
creció hasta cierto punto, pude dejar mi
último trabajo a tiempo completo y dedicarme plenamente a
seguir creciendo y desarrollándolo. Fue entonces cuando empecé a
llevar lo que hacía localmente al espacio
en línea para llegar a más personas. Hoy en día, soy la
más feliz que he estado nunca. Me gano la vida
haciendo lo que amo, que sigue creciendo
y desarrollándose como artista. Mientras animo a
otros a continuar sus viajes y
ayudarlos a desarrollar sus
habilidades y su voz. Los lápices de acuarela son
un medio muy divertido y versátil, son esencialmente un medio para
dibujar y pintar todo envuelto en uno solo. Lo que por supuesto a su vez, también significa que puede resultar especialmente confuso
para los principiantes que se
inician con el
lápiz de acuarela entender
las técnicas y cómo
utilizarlas mejor para obtener inician con el
lápiz de acuarela entender los mejores resultados. En este curso, estoy compartiendo
mi proceso completo de pintura para una composición de naturaleza muerta que pinté con lápices de
acuarela. Y en el camino,
estoy compartiendo todas mis técnicas favoritas
que me ayudan a llegar a niveles
más altos de realismo a la vez que incorporo mucho de
mí mismo a la pieza. Estoy compartiendo todas mis técnicas
favoritas y mi método sencillo para llegar a niveles
más altos de realismo con
una cantidad limitada de colores. Comparto todo lo
que siempre me aseguro de hacer cuando estoy activando pigmentos de lápiz de
acuarela
y haciendo mis capas que siempre me ayudan a llegar a resultados
brillantes y vibrantes Antes de saltar
al proceso de pintura, también comparto cómo elijo mis colores para
poder desarrollar la variedad de valores y también tonalidades que van a llevar
a mayores niveles de realismo y cómo pienso en la armonía del color Estos consejos vas a
poder llevar contigo a cualquier pieza de lápiz de acuarela que elijas trabajar
en el futuro. En la
pestaña de proyectos y recursos aquí en Skill Share, vas a poder encontrar mi boceto de esquema descargable, que puedes
transferir a tu hoja de papel de
acuarela
usando papel de calco o cualquiera que sea tu
método de transferencia que elijas Que por cierto, sí
tengo una clase completa sobre cómo usar papel de calco
para hacer tu transferencia en mi acuarela uno oh un
curso que he compartido aquí sobre compartir habilidades que recomendaría encarecidamente que
revises. También vas
a poder encontrar la foto de referencia que uso y también por supuesto
tu lista de suministros.
2. Tu proyecto: Hola y bienvenidos a esta clase donde
voy a estar explicando sobre el proyecto en el
que vamos a estar trabajando juntos
en este curso. Al final de este curso, habrás completado
una pintura realista de
bodegones utilizando lápices de
acuarela. Y sí, esto es una pintura, no un dibujo porque
vamos a estar activando ese pigmento con
agua y un pincel. Se puede ver esta
pieza como una pintura. Ahora, como mencioné
en el video de introducción, estaré trayendo pintura
tradicional de acuarela para
pintar la pared de fondo. No obstante, si quieres dejar tu fondo completamente
blanco sin ningún color en él, eso depende totalmente de ti. O si quieres traer
cualquier otro medio de pintura, como tinta o gouache o algo así para
pintar tu fondo. Eso también está perfectamente bien. He organizado el proceso de
pintura en este curso en ocho fases
distintas. Cada fase va a
tener una clase propia, y vas a
estar pasando por estas ocho fases para
completar tu pieza. A lo largo de estas fases,
estaré explicando en profundidad cómo planificar y
proteger tus reflejos, cómo aplicar capas y
activar tu color. Y estaré brindando
toneladas de propinas que te
ayudarán con el control
del agua. Cómo mantenerse alejado de
sobretrabajar tu pieza. Cómo combinar efectos pictóricos
y sketchier para obtener resultados más interesantes y
equilibrados, y mucho, mucho más. Si recién estás iniciando
con lápices de acuarela, te
recomendaría usar la misma
foto de referencia que voy a usar y usar los colores
más cercanos que
tengas disponibles a los
que voy a usar. Pero si ya tienes algo experiencia con este medio, no dudes en usar tu
propia foto y pasar por este mismo
proceso de ocho fases conmigo usando tu propia imagen de
referencia. Al igual que con todas mis otras clases y tutoriales que comparto, es mi objetivo
brindarte una base sólida de conocimientos y técnicas y herramientas y métodos que
puedas llevar
contigo y aplicar a cualquier tipo de obra de arte en la
que elijas trabajar. Entonces, si tienes más experiencia, quiero
animarte a que introduzcas más de ti mismo en la pieza. Realmente usa tus conocimientos
del medio y tus
habilidades de pensamiento crítico para aplicar estas ocho fases a tu
manera para pintar cualquier tema que
sea que hayas elegido. Una vez que hayas terminado
con tu pieza, por favor toma una foto de
ella y colócala en la
pestaña de proyectos y recursos aquí en Skillshare. Este es un lugar especial
donde vas a poder publicar fácilmente tu trabajo así
como dar me gusta y comentar
sobre otros proyectos de estudiantes. Es muy fácil de hacer y me
encantaría ver tu
trabajo allá y brindarte
comentarios así
como responder cualquier pregunta
que puedas tener
para que publique tu trabajo
o que tengas que hacer es hacer clic en la pestaña Proyectos
y Recursos justo debajo de un video de clase. Haga clic en el botón verde Crear
proyecto a la derecha. Sube una imagen de portada que puede ser una foto de
tu pieza terminada, pero también puede ser una
foto que tomaste de tus suministros o
durante todo el proceso. Dale un título a tu proyecto y luego agrega una descripción
del proyecto. Me encantaría saber
sobre tu proceso, con
qué sientes que te
ha costado, qué salió bien, ¿cuáles
son tus conclusiones clave? Cualquier duda que
puedas tener, etcétera. Y luego puedes
agregar otra imagen en la descripción del proyecto
si lo deseas, haciendo clic en el icono de la imagen justo debajo del subtítulo de agregar
más contenido. Y entonces todo lo que
tienes que hacer es presionar el botón verde Publicar en
la parte superior y ya estás listo. Y por último, si
quieres compartir tu trabajo en
Instagram, por favor hazlo. Me encanta dar
gritos a los
estudiantes y compartir su
trabajo sobre mis historias. Solo asegúrate de etiquetarme
para que realmente pueda
ver tu trabajo y animarte y también
etiquetar la cuenta de Skillshare. Y eso es todo para esta clase corta sobre
el proyecto del curso. En la siguiente clase, estaré explicando sobre los
diferentes suministros que recomendaría tener a
mano a medida que
avanzas en este curso. Nos vemos ahí.
3. Materiales: Para comenzar, voy a estar usando una hoja de acuarela
cortada lista de ocho por diez pulgadas de Strathmore. Esto es prensa fría. Tiene 140 libras de
grosor o de peso, y es 100% algodón. papel de prensa en frío de Strathmore tiene una cantidad muy pequeña
de textura. Y debido a que tiene una cantidad tan
pequeña de textura, disfruto mucho
usarla cuando fui a estar trabajando en una pieza de
lápiz de acuarela. Y esto se debe a que la
punta del lápiz no se salta demasiado sobre esa
textura del papel. Si estás usando
papel de acuarela que es más texturizado, la punta de tus lápices de
acuarela puede saltarse
demasiado esa textura y dejar demasiada
textura visual atrás porque tu aplicación de pigmento no
es tan uniforme o uniforme. Voy a estar usando un total de
nueve lápices de acuarela diferentes de mi favor dorado aqua sap
de Faber, Castilla. Y estos colores
son amarillo cadmio, que me van a
escuchar referirme como amarillo ya que voy avanzando
con mi proceso de pintura. Amarillo cromo oscuro, al que
me voy a referir como mi naranja amarillo, naranja cromo
oscuro, que me voy
a referir como mi rojo, naranja, rojo
escarlata, al que me
voy a referir como mi rojo más oscuro, azul violeta, que
a veces voy a llamar solo púrpura, gris
cálido por lo que solo
voy a llamar gris, verde mayo, que solo voy
a ser llamando verde, ocre
quemado, que a veces voy a estar llamando marrón
más claro. Y Van **** marrón, que a veces voy a
estar llamando marrón oscuro, como con la mayoría de mis
tutoriales y clases completas, vas a
verme swatch out estos colores en un
pedazo de papel que
tengo a mano para que veas
cómo se ven estos colores en papel. Y puedes elegir cualquier
color que tengas que más parecido a lo que
voy a estar usando. No tienes que usar estos colores exactos que
voy a usar. Siempre y cuando uses
algo que sea similar, tu pieza va
a salir genial. Estaré explicando
todo sobre cómo
seleccioné mis colores y las pruebas que hice antes de
seguir adelante para tener un proceso de pintura más suave
y mejores resultados generales. Bien, Y como
mencioné antes, también
voy a estar pintando
la pared de fondo con pintura tradicional de acuarela. Entonces para esto, voy a estar usando una combinación de
azul ftalo y tinte neutro. Pero como vas a
ver más adelante, cuando pinto esa
sección de la pieza, realmente
puedes usar el color azul
oscuro que prefieras. Se puede usar índigo. Se puede utilizar una combinación
de ultramarino, azul y neutro tienden
a hacerlo más oscuro. Cualquiera que sea el azul o
combinación de colores que permitan un
azul más oscuro será perfecto. Voy a estar usando
tres pinceles diferentes lo largo de este proceso. Uno de ellos para la activación del pigmento lápiz
acuarela, que es mi talla
dos, pincel redondo. Y los otros dos
que voy a estar usando cuando realmente pinto con pintura
tradicional de acuarela. Y esos dos pinceles
son de tamaño cuatro, redondos y un cepillo plano
de tres cuartos de pulgada. Usé un papel de calco como
método de transferencia para obtener mi boceto de contorno en mi
hoja de papel de acuarela. Rastreé la foto de
referencia, que vas a
poder encontrar junto con tus otros
archivos descargables en la pestaña de proyectos y recursos
aquí en Skillshare, puedes usar el método de
transferencia que prefieras. Tengo una
clase completa en la que te
llevo paso
a paso a través de cómo usar papel de calco para obtener tu boceto de desembolsos en tu
hoja de papel de acuarela en mi
curso de acuarela 101 que
vas a poder encontrar aquí en Skillshare si te interesa. Usé cinta adhesiva regular de tres cuartos
de pulgada para pegar mi papel de acuarela
sobre mi tapete de corte negro, que es lo que estoy
usando actualmente como
tablero de respaldo cuando estoy pintando con acuarela o lápices de
acuarela en cualquier momento, pero estoy usando cinta adhesiva
o cinta de grado artista
o lo que sea que sea. Siempre me aseguro de
pasar los trozos de cinta sobre mi ropa
antes de usarla en mi papel de acuarela para suavizar ese adhesivo y
hacer que sea mucho menos probable que dañe mi papel
al final cuando retire esa cinta para el proceso de
transferencia usando papel de
calco y
también para
terminar y refinar mi boceto
en mi papel de acuarela. Yo por supuesto,
usé algunos suministros diferentes que puedes ver en
pantalla ahora mismo. Tengo un par de diferentes grados de lápiz de
dibujo a mano. Uno de ellos es HB y
el otro es un Tooby. Utilizo mi software para
ser de grado lápiz en mi papel de calco cuando estoy
haciendo mi proceso de transferencia. Y a la hora de dibujar
en mi hoja de acuarela, uso
mi lápiz HB para que pueda mantener las cosas bonitas, limpias
y ligeras. También tengo un par de gomas
diferentes a la mano. Tengo una goma de borrar de grafito suave y tengo una goma de borrar amasada. Esos también se utilizaron para
la transferencia y para el refinamiento de
mi boceto de contorno antes de comenzar
con el trabajo de color. Bien, pasando a partir de ahí, tengo un par de toallas
absorbentes Scott azules a la mano. Este es un tipo de toalla
que realmente disfruto usando cada vez que estoy pintando
con acuarela, lápiz o pintura tradicional
para mantenerme al tanto del control del
agua y hacer cualquier levantamiento que pueda necesitar
hacer a lo largo de este proceso de
pintura. Tengo mi contenedor con agua
limpia a mano, y también tengo un par de trozos de papel de
desecho
para probar los colores antes de
usarlos en mi pieza. Y eso es todo para esta
clase de suministros. Me emociona pasar
al siguiente donde voy a estar hablando de qué
valor o tono es, por qué es tan importante entender sobre
estos
consejos esenciales, fundamentales y imprescindibles fundamentales y imprescindibles que
te van a ayudar a desarrollar la habilidad para distinguir entre diferentes áreas de
valor
para que sucedan con éxito en tus dibujos y pinturas. Nos vemos ahí.
4. Debe saber información para el éxito: Bien, entonces lo primero es lo primero, quiero hablar
del significado del valor. ¿Qué significa valor
cuando se trata de arte? Y la razón por la que quiero
hablar de esto es
porque me vas a escuchar decir esta palabra y otra vez a lo largo
del proceso de pintura. Y es muy importante que si quieres desarrollar niveles de realismo medio a superior
en cualquier tipo de
obra de arte en la que
quieras estar trabajando ahora y
en el futuro, necesites saber
qué significa valor. Necesitas poder
desarrollar una amplia gama de valores y tus dibujos o
pinturas, ves valor. Uno es el número uno en realismo. Es aún
más importante que la corrección del color. Y lo que quiero decir con
esto es si realmente eres capaz de
observar y señalar, resaltar áreas
y áreas de tono medio
y áreas oscuras más oscuras en una foto de referencia o lo que sea que sea que
estés dibujando o pintando a partir de la observación directa que tienes frente
a ti en la vida real. Para que puedas
recrear efectivamente esas
diferentes áreas de valor, esas luces, esos tonos medios, esos oscuros más oscuros
en tu obra de arte. Eso es más
importante que usar exactamente el mismo tono o
color que estás observando. Porque es a través de
ese desarrollo de esa amplia gama de valores, luces, tonos medios y oscuros, que somos capaces de desarrollar
una sensación creíble de profundidad y luz y sombra
en la página o lienzo. Entonces el valor es más importante que la corrección del
color que obtener
el tono exactamente correcto. El color y el valor son cosas
diferentes. El valor es parte de la teoría del color, pero el valor también
conocido como tono, se refiere a la escala de ligereza
a oscuridad, si se quiere, de
cualquier color único. Mientras que el color o matiz se
refiere solo al color en sí. Entonces un color o matiz es
rojo, naranja, morado, rojo, morado, turquesa, azul
ultramarino, verde viridio. Entonces esencialmente color o
matiz es el color en sí, el nombre del color. Los términos color y matiz significan
exactamente lo mismo. Pero valor o tono
se refiere a la escala de luces a oscuros de cada
color en esa obra de arte, en esa foto, una
gama de valores o una escala
de valores para cada uno de los colores involucrados, vas a ver versiones muy
ligeras del color. Vas a ver versiones de
tono medio del color. Vas a ver
versiones oscuras del color. En otras palabras, vas
a ver diferentes valores, multitud de
colores diferentes para desarrollar un sentido creíble de profundidad y dimensión y dibujos
o pinturas, es esencial desarrollar
una gama completa de valores. Desde las luces más ligeras hasta una amplia gama de
tonos medios y los oscuros más oscuros. Pero a menudo veo con los estudiantes
principiantes es que o bien mantienen dentro de un rango de valor muy
ligero por los diferentes
colores involucrados, porque tal vez
tienen un poco de
miedo de oscurecer demasiado. Y otras veces, otros
principiantes entran demasiado oscuros,
demasiado rápidos, y se
olvidan de los valores más claros. Y si no tenemos
esa amplia gama de valores entonces la obra de arte
va a quedar plana. Va a carecer de dimensión. Eso va a faltar. Necesitamos crear ese contraste, ese equilibrio entre
luces y oscuros para que un dibujo o una
pintura se vea realista. Sin embargo, simultáneamente a esto, es importante capturar
esas sutilezas. En realismo. No hay contornos, por ejemplo y necesitamos poder ver dónde los valores transitan
gradualmente entre
sí cuando hemos perdido
bordes y cuando tenemos pasos marcados donde
un valor muy oscuro se convierte inmediatamente en un valor de
luz o viceversa. Y a través del desarrollo de
nuestras habilidades motoras finas, vamos a poder hacer que esas sutilezas sucedan en
nuestros dibujos o pinturas. Pero primero, necesitamos
poder observarlos para que sucedan
en lugares apropiados. Y así es muy
importante que al principio cuando
empezábamos a
aprender sobre
el comportamiento de la luz, usemos
fotos de referencia que usamos, cosas que tenemos frente a nosotros
en la vida
real que
aprendamos a observar
porque la
situación de vida
real que
aprendamos a observar la luz necesita ser
consistente a lo largo de toda
la pieza, lo largo de todos los
elementos involucrados. Si la
situación de luz a lo largo nuestro dibujo o pintura no
es consistente, es
decir, los reflejos
y algunos elementos están a la derecha y en otros elementos
están a la izquierda, o algunas sombras proyectadas
debajo de algunos elementos están a la derecha versus
otros las tienen a la izquierda. Y los tonos medios no tienen sentido, que suele ser lo que sucede
cuando estamos dibujando o pintando puramente desde la imaginación porque estamos inventando las cosas, esa inconsistencia
va a
quitar del nivel de
realismo de la pieza. Después de desarrollar conocimientos
y habilidades
fundacionales sobre los fundamentos. Y has practicado con fotos de
referencia y cosas que
tienes frente a ti. Entonces vas a poder dibujar o
pintar con
mucho más éxito algo de la imaginación
si ese es tu objetivo, porque no es
toda escuela de artistas dibujar o pintar
desde la imaginación. Pero vas a
poder hacerlo si quieres con más éxito. La razón por la que vemos diferentes
valores a lo largo objetos o sujetos
es por la luz. Si la luz no existiera, no podríamos
ver el color y
no podríamos ver valores diferentes. La luz incide en estas estructuras
voluminosas tridimensionales que tenemos frente a nosotros desde una determinada ubicación y
diferentes planos de ese objeto o sujeto se
iluminan en
diferentes grados, dependiendo de si
esos planos están orientados hacia la luz, alejados de la luz o en
algún lugar intermedio. Siempre que
vayas a empezar con un nuevo dibujo o pintura, tómate
siempre un momento para observar esa foto de referencia
o lo que
sea que tengas frente a ti en
la vida real. Y pregúntate, ¿dónde está la fuente de luz en
relación con este objeto o sujeto? ¿Dónde están
las áreas de mayor valor? ¿Dónde están los tonos medios, dónde están los oscuros más oscuros? Mientras que el área de
sombra proyectada donde nuestras estructuras o elementos
se superponen entre
sí y bloquean esa
luz para
que no golpee esa sección del objeto detrás de ellos están debajo de ellos. Observe esta foto que
vamos a utilizar como referencia para nuestra
pintura en este curso. ¿De dónde dirías que la fuente de luz está golpeando
estos objetos? En este caso, puedo decir
que la fuente de luz está en algún lugar arriba y a la
derecha de estos objetos. Y puedes decir esto,
sobre todo cuando
observas el cuadro amarillo, observa cómo están las zonas más
ligeras a
la derecha y las
zonas más oscuras están a la izquierda. Se puede ver el resaltado
más brillante, sobre todo en esa sección
esférica. En la parte inferior de la imagen, se
puede ver cómo
está el resaltado
más brillante en la parte superior derecha, los planos que están
conformando esta estructura que están mirando lejos de
la luz son más oscuros. Y luego notar dónde
están las sombras proyectadas, donde hay sombras creadas por la tela sobre la mesa. ¿Dónde están las sombras creadas
por la imagen misma? Estas sombras están en la parte inferior izquierda opuesta
a la fuente de luz. Ahora por supuesto, cuando
tienes múltiples fuentes de luz iluminando el objeto desde una variedad de ubicaciones
diferentes, entonces eso hace que capturar valores un poco más difícil. Entonces, si recién estás
comenzando, siempre
recomendaría elegir
fotos de referencia están
configurando arreglos de naturaleza muerta usando solo una sola fuente de luz. Entonces, para resumir esto, como artistas, cada vez que vamos por niveles medios
a superiores de realismo, ya sea que nos guste dibujar
o pintar paisajes, dibujar o pintar animales, dibujar o pintar
retratos son naturaleza muerta o realmente cualquier
tema que te guste. Sea cual sea el medio de dibujo
o pintura es
lo que te gusta. Es fundamental
comenzar a ampliar nuestro conocimiento del comportamiento de la luz, lo cual es fundamental. Y sé que el comportamiento de la
luz puede ser un tema bastante grande, pero te aseguro que incluso
llevar tus conocimientos un poquito a la vez
te ayudará a llevar tu obra de arte
al siguiente nivel. Y por último, quiero brindar
un tres consejos imprescindibles para el éxito que me han ayudado mucho a
mí y a mis alumnos. Y estos
te ayudarán no sólo a medida que vas avanzando con este
proyecto en este curso, sino también en futuras piezas en las que podrías
decidir trabajar. El primer consejo es asegurarte de
que siempre estás usando fotos de referencia de
calidad que muestren un buen equilibrio
entre luces y oscuridad. fotos sobreexpuestas o subexpuestas que son demasiado claras o
demasiado oscuras en todo momento van a hacer que el proceso sea
mucho más difícil y
probablemente no conducirán a los mejores resultados en ese
dibujo o pintura. asegura de que
puedas ver luces, una amplia gama de tonos medios, oscuros más oscuros en esa foto de
referencia o lo que sea que tengas frente a ti en la vida real,
si no eres capaz de ver las luces más ligeras, si no eres
capaz de ver los tonos medios, si no eres capaz de
ver los oscuros más oscuros, ¿cómo vas a
poder hacerlos realidad en tu
dibujo o pintura, además de discernir
entre áreas de luz, medio tono y oscuridad, también observan cuando los valores
transitan
gradualmente entre sí y donde
hay pasos bruscos entre ellos. En realismo, siempre hay una combinación de los dos e
intenta que estas sutilezas sucedan en tus
dibujos o pinturas. Y finalmente, cuando
recién estás
comenzando a discernir entre
diferentes áreas de valor, es increíblemente útil
practicar usando blanco y
negro o fotos desaturadas
o fotos en escala de grises, que todas significan lo mismo. Debido a que todas estas escalas de valores
diferentes para esta multitud de colores se van a
comprimir en una misma escala, una escala de blanco a negro, o de negro a blanco con diferentes valores
de gris entre los grises más claros y
los grises más oscuros. Y una vez que hayas desarrollado
tu habilidad para identificar diferentes áreas de valor
y hacer que
sucedan con éxito en tus
dibujos o pinturas, va a ser mucho más fácil te
va a ser mucho más fácil pasar a las fotos a
todo color. Eso lo va a hacer para
esta clase sobre el valor. Y no puedo esperar para pasar a la siguiente clase donde
estaré explicando cómo elijo un color diferente
que voy a estar
aportando al
proceso de pintura para prepararme para el éxito
para poder desarrollar de
manera efectiva
diferentes valores y
Hughes necesitaba a lo largo la pieza para poder lograr ese nivel de realismo
que estoy buscando. Nos vemos ahí.
5. Elección de colores: Siempre que esté eligiendo los colores que
voy a usar para una nueva pieza de lápiz de acuarela o una
acuarela tradicional. Siempre me aseguro de
pensar en tres cosas. Lo primero es, siempre
me aseguro de que estoy limitando la cantidad de colores
que estoy aportando. No soy willy nilly trayendo colores aleatorios
durante todo el proceso. Lo número dos en lo
que siempre
pienso es que tengo que
prepararme para
el éxito para
poder crear áreas de
mayor valor, áreas tono
medio y áreas
oscuras más oscuras. Y para hacer esto, necesito pensar qué dos o tres colores
voy a estar fusionando o superponiendo para crear mis áreas de tono medio y
mis áreas oscuras más oscuras, necesitas saber
cómo vas a estar desarrollando los valores más claros, una amplia gama de tonos medios
y las zonas oscuras más oscuras. Especialmente cuando vas por un mayor nivel de realismo. Porque el valor es el número uno, para crear dimensión
y profundidad en una pieza, una ilusión creíble
de luz y sombra. Entonces necesitas
prepararte para el éxito y elegir colores que te van
a permitir hacer eso. Y lo tercero en lo que
siempre pienso es,
¿cómo puedo repetir colores a lo largo de mi pieza? Esto es importante
porque va a
ayudar a que la pieza luzca
más armoniosa. Al final, repites colores, y puedes hacerlo de
varias maneras diferentes. Puedes elegir usar el mismo color en
diferentes áreas de tu pieza. Puedes crear algún tipo de pintura base para
toda la pieza usando un
solo color para que
ese color pueda en algunas secciones a
lo largo de tu pieza, brillar y ser visible a través de esas capas de color que
coloques encima de ella. Y otra idea es que puedes
usar exactamente el mismo color para profundizar y
oscurecer las zonas oscuras más oscuras a lo
largo de tu pieza, que es algo que
voy a estar haciendo hoy. Bien, entonces para esta pieza, voy a estar usando
este
set de lápices acuarelas
aguamarina fiebre del oro de Faber, Castilla. Y lo que hice fue, mientras observaba esa foto de
referencia, comencé a probar colores de mi set de lápices de
acuarela usando los Malone y superponiéndolos,
estratificándolos juntos. Repuesto algunos de ellos porque no
pensé que el color era el correcto y no
me gustó cómo se estaban
mezclando. Y estos son los colores con los
que terminé. Voy a
probar estos colores en
esta hoja extra de papel
que tengo aquí mismo,
para que veas esta hoja extra de papel
que tengo aquí mismo, cómo se ven en papel y puedas elegir los colores
que
tengas disponibles son los más similares a estos. Te voy a decir
exactamente cuáles
voy a usar para la foto. Que era lo que voy a
usar para la tela, cuales voy a usar
para la flor, la mesa. Y también voy a estar
explicando lo que voy a estar haciendo para el arte mural de
fondo. Entonces, primero y ante todo, déjame explicarte qué vamos
a hacer para la foto. Estos son los tres colores
que he seleccionado. Se puede ver como tengo un amarillo, tengo un naranja y
tengo un naranja rojo. Estos tres no sólo son tonalidades o colores
diferentes, sino que también son un valor
diferente. Se puede ver como este es
el color de valor más ligero. Este es el tipo de color de valor
medio, y este es el color de valor
más oscuro. Entonces sé que al preparar
estos tres colores, no sólo voy a conseguir los tonos que quiero a
lo largo de la imagen, sino que también voy a
poder desarrollar una amplia gama de
valores y más adelante, porque estamos trabajando desde valores
más claros hacia valores
más oscuros. Si al final del proceso
quiero empujar las zonas oscuras más oscuras, puedo traer otro de
mis colores que voy a estar usando para las áreas de mayor valor en otras secciones de mi pieza, aquí es donde entra esa
idea de reutilizar ese mismo color a lo largo de
mi pieza. Entonces este es el color más claro
que voy a usar. Y recuerda que los lápices de
acuarela son un medio de dibujo y pintura
todo envuelto en uno,
lugar, pigmento sobre papel a través de
un medio de dibujo, ¿verdad? Esto es un lápiz. Entonces estamos aplicando ese pigmento,
ese color sobre el papel
con una punta puntiaguda y puntiaguda. Y luego después que el pigmento haya sido
aplicado sobre papel, podemos traer agua y un pincel y crear
esos efectos pictóricos. Entonces, la presión que estás ejerciendo sobre tu
lápiz va a ser una gran variable
que también puedes usar para desarrollar
áreas de valor
más claras o más oscuras a lo largo de tu pieza. Así que realmente practica ejerciendo más presión o menos presión. Recuerda que al
igual que cuando estamos trabajando con la pintura
acuarela tradicional, estamos incorporando
la blancura, el brillo del
papel bajo el pigmento como
parte de la pieza, especialmente en las áreas de mayor valor y
áreas resaltadas. La blancura y
el brillo
del papel están en su lugar
para nuestros reflejos, por
lo que
no necesitamos traer un lápiz de acuarela blanco. En otras palabras, cuanto
más ligero es
el valor, más delgada es la aplicación
de color o pigmento, y cuanto más papel queremos
brillar a través de ese pigmento, y cuanto más oscuro es
el valor, más presión ejercemos
y más pigmento
superponemos para
cubrir más de ese papel. Si entramos y
aplicamos pigmento
por toda la pieza
de una manera muy pesada. Esto probablemente conducirá a
pesadez y nos aplana. Y al final, nuestra pieza
carecerá de ese sentido de dimensión y brillo que
estamos tratando de crear. Entonces, en esas áreas de mayor
valor, realmente
quieres mantener más de ese papel brillando. Y para hacer eso, necesitas ejercer
menos presión a
casi ninguna presión con tus lápices de acuarela para que
puedas
tener más de ese papel blanco brillando a través, destapado, creando ese valor
más ligero para ti. Entonces tenemos la naranja. Y luego finalmente el rojo anaranjado. Puedo volver a mi color medio si quiero trabajar un poco más en
las transiciones. Ahí vas. Pude crear un
degradado a partir del color más claro, color
medio y el color más oscuro. Estos colores se ven muy bonitos cuando se superponen y van a ir muy
bien para la foto. Y aquí aplico la misma
idea que voy a estar usando a lo largo de
todo este proceso de pintura. Y lo que quiero decir
es que primero me metí en el color más claro y lo
apliqué a un área más grande. Y luego entré
con mi color medio
y aplico ese color medio, que en este caso es el
naranja a las zonas de tono medio, y mantuve el color más claro libre de este segundo color en áreas de valor
más claro. Y luego apliqué
el naranja rojo, que es mi
color más oscuro en un área más pequeña, solo en la zona
de aquí que
quería empujar
los valores más oscuros en más. Y ejercí
cada vez menos presión mientras salía de
esta zona de valor más oscura, así
como de
esta zona de medio tono hacia los valores más claros, ejercí menos presión ya estaba llenando
esa zona
para que la presión misma
me ayudara con la transición
que quería crear. Entonces estos son los colores principales que voy a estar
usando en la imagen. Y luego cuando se
trata de la tela, voy a estar repitiendo
el rojo, el naranja. Voy a estar trayendo
un nuevo color, que es un rojo más oscuro. Y voy a
traer un morado. Me encanta el morado para las áreas
profundas y oscuras. Y este es el color que probablemente
voy
a estar repitiendo mucho en mis áreas de valor más oscuras a lo largo de
toda la pieza, incluso en mi foto, si al final del proceso
siento que quiero crear más contraste y realmente profundizar y
oscurecer esas áreas de valor más oscuras. Incluso puedo entrar y
hacer un poquito de superposición solo en
las áreas
oscuras más oscuras la imagen aquí. Pero cuando se trata de la tela, estos son los tres colores principales
que voy a estar usando. Este naranja rojo, que
ya había usado para la foto, va a ser mi
color más claro. Entonces tengo mi color medio, que es un nuevo rojo más oscuro. Y este va a ser
mi color de valor más oscuro, que es mi morado. Entonces este es el mismo color que ya
habías visto antes. Entonces tengo mi
rojo más oscuro ejerciendo menos presión a
medida que salgo de esta zona más oscura de tono medio
y dejando una sección de solo el naranja
brillando sin
el segundo color. Y luego finalmente voy trayendo
el morado más oscuro. Y estoy encubriendo
aún menos y ejerciendo menos presión a medida que
salgo y me meto en los tonos medios. Y recuerda que en cualquier área o forma a lo largo de mi tela
que quiero crear un valor muy, muy ligero o donde
quiera hacer la transición a las zonas de resaltado más
ligeras y no
tener ningún pigmento ahí en absoluto. Voy a asegurarme de
usar este color con una cantidad
muy, muy pequeña de presión para cubrir menos papel. Bien, entonces esos
son los colores que voy a usar
en la tela. Y luego para esta sección aquí
mismo para la mesa, voy a estar trayendo
dos marrones diferentes, un marrón más claro y
otro marrón más oscuro. Voy a mantener la
mesa muy sencilla. Así es como se ve este
marrón más claro. E incluso puedo crear un marrón
más claro usando el mismo marrón pero con la
menor cantidad de presión. Y luego donde quiera oscurecer ciertas
áreas de la mesa, voy a estar
superponiendo este
marrón más oscuro encima
del marrón más claro, ejerciendo menos presión a medida
que me dirijo hacia áreas de valor
más claro. Y finalmente, tenemos la
flor, que es blanca. Y cuando estamos usando lápices de
acuarela, es
lo mismo que cuando estamos usando pintura
acuarela tradicional. Estamos incorporando
la blancura
del papel como parte de la pieza. Tenemos que asegurarnos de que estamos protegiendo mucho de ese papel, que no lo estamos encubriendo porque es ese libro blanco el
que nos va a ayudar a que ese sujeto o ese
objeto se vea blanco. Bueno, estamos pintando objetos
blancos como una taza de café de cerámica blanca o incluso animales con pelaje blanco. Es la blancura del papel que
nos va a ayudar a que ese objeto o ese sujeto se vea blanco si lo
cubrimos completamente, ya no va a
quedar blanco. Sin embargo, sí necesitamos desarrollar diferentes valores
en esos pétalos, en este caso, o
en esa firma o en esa área blanca cerámica. Porque si no
desarrollamos ningún valor en absoluto, va a quedar bastante plano. Entonces es un equilibrio entre desarrollar valores en ese objeto o sujeto
blanco, pero tener mucho cuidado de no encubrir demasiado de
ese libro blanco. De lo contrario ya no va
a parecer blanco. Entonces para la flor, lo que voy a estar haciendo es que voy a estar usando este gris. Este va a ser
el valor más ligero con el
que entro en
esos pétalos. Y luego voy a volver a
usar mi morado. El mismo morado que he estado repitiendo es el color
que voy a usar en zonas donde
los pétalos se
superponen y crean sombras
locales unos sobre otros. Voy a estar simplemente superponiendo este púrpura sobre ese gris en ciertas áreas de sombra para desarrollar esos valores más profundos y
oscuros. Y en el centro de la flor, voy a estar trayendo de vuelta el amarillo que estaba usando para la jarra como mi color más claro y las áreas de mayor valor. Entonces voy a estar trayendo
la pantalla porque veo un poquito de verde en esa zona central
y la flor. Y voy a estar
superponiéndola en zonas de tono medio y también en pequeñas secciones aquí y allá para desarrollar un
poco de textura. Entonces finalmente, si tengo
ganas de empujar las zonas más
oscuras, oscuras un poco más
en esa sección central, voy a estar trayendo de vuelta mi morado y agregándolo
encima del verde. Este morado funcionará muy bien para desarrollar esas áreas de sombra
más profundas y oscuras. A lo largo de la pieza. Incluso podría entrar en ciertas
secciones de la mesa y superponer este morado
sobre ese marrón oscuro. Entonces voy a estar repitiendo
este color en muchas áreas. Y esto va a
llevar a una pieza de
aspecto mucho más armónico e integrado. Al final, tengo un total
de nueve colores aquí mismo. Y esto es realmente todo lo que
necesito para toda mi pieza. Incluso dejé a un lado mi
lápiz de acuarela. No necesito ningún otro color. Voy a apegarme a
estos en todo momento. Lo último que
quiero explicar
antes de saltar al proceso
de pintura es lo que
voy a estar haciendo por
la pared de atrás. Entonces en esa foto de referencia, esa pared de fondo es
completamente plana negra para esto, quiero estar trayendo
mi licencia artística. Supongo que podría
haberlo pintado completamente de negro, pero he decidido traer
mi licencia artística un poco más de color
y también interesa a la pieza y también armonía, claro, porque
voy a estar usando un poco de esquema de
color de tríada aquí. Y lo que quiero decir con esto es
que ya voy a tener un montón de rojo y
amarillo en mi pieza. Entonces lo que he decidido hacer es traer un poco de azul para mi fondo para
crear un tipo de tríada. Un esquema de color triádico es cuando haces uso
de tres colores en tu rueda de colores que crean un triángulo equilátero en
cualquier parte de la rueda de colores. Y eso va a llevar a
una hermosa armonía de color. El
esquema de color triádico es uno de estos diversos esquemas de color que han sido utilizados por los artistas lo largo de la historia para
agregar intereses a través
del uso del color y también
la armonía en su pieza. Si quieres
aprender más sobre teoría
del color y
cómo los artistas han estado creando esta
hermosa sensación de armonía usando esquemas de color. Asegúrate de revisar mi
clase de rueda de color primaria dividida aquí en Skillshare. Abarca toda la
información imprescindible sobre la
teoría del color que debes conocer como principiante al
comenzar a pintar temperatura del
grito, ejercicios
muy útiles. Y proporciono muchos ejemplos
de pinturas creadas por
artistas en el pasado en las que todo esto se demuestra
realmente en una composición visual final
para que veas cómo se
aplica
todo este conocimiento en el sentido práctico, estaré oscureciendo el azul aunque
estaré oscureciendo el azul
que uso bastante. Voy a estar usando un color
índigo que
creo mezclando tinte
neutro y compañero azul, para que la pared de fondo
sea bastante oscura. Me gustó mucho el
hecho de que está muy oscuro en esa foto de
referencia porque crea mucho contraste con
esos elementos de punto focal más ligeros. Así que quiero
asegurarme de que ahí use un
fondo azul muy oscuro, pero vamos a estar
pintando que con solo pintura
acuarela tradicional o cualquier medio de pintura que
haga decidir traer porque es simplemente más práctico de
esa manera a través del uso pintura acuarela
tradicional en esta forma grande
y mi fondo, voy a poder no
solo pintarlo mucho más rápido de lo que los lápices de
acuarela me
permitirían hacer. Pero también voy a
poder crear un bonito
efecto de suavizado borroso y una sutil variedad de valores incluso en todo
el fondo,
sin crear
demasiada textura, sin crear
demasiada textura, Es muy difícil rellenar grandes áreas con
lápices de acuarela porque de nuevo, estamos aplicando
pigmento en el papel a través de una herramienta de dibujo
que es puntiagudos. No es como cuando
entras con un pincel y más agua donde puedes cubrir
muy fácilmente área grande con un lavado agradable,
relativamente parejo, bastante rápido. Todos terminamos con esta
clase en la elección de colores. Ojalá ya hayas
podido elegir el tuyo. En la siguiente clase, en realidad
vamos a empezar con el proceso de
pintura. Esta va a ser
la fase número uno, donde vamos a estar
aplicando nuestra primera capa de color a lo largo de
las diferentes áreas y elementos de esta pieza. Nos vemos en la siguiente.
6. Primera aplicación de color: Bien, amigo mío
y bienvenido a la fase uno de este proceso de
pintura. Todo nuestro trabajo de preparación
está fuera del camino. Nos hemos tomado tiempo para observar
esa foto de referencia, para notar dónde
está la fuente de luz en relación con estos objetos, hemos notado grandes áreas
resaltadas , áreas
más oscuras, y
también hemos preseleccionado los
colores específicos que vamos a traer para
desarrollar esa amplia gama de valores y tonalidades que
necesitamos para mayores
niveles de realismo. Recuerda que lo clave aquí a lo largo de todo este
proceso para seguir recordando es
que las áreas de mayor valor van a tener una
cantidad muy pequeña de pigmento sobre ellas. Entonces va
a haber poca ninguna aplicación de color
y una estratificación más clara, si se quiere, de color
en áreas de valor más claro, las áreas de valor más oscuras
van a tener la aplicación más pesada
de color sobre ellas, más capas sobre ellas
para tapar más de
ese papel blanco. Y luego las áreas de tono medio van a estar
en algún lugar intermedio. Van a tener una
aplicación media de color en ellos. Va a haber cierta cantidad de papel brillando en tonos medios
más claros
y una menor cantidad de papel brillando
en medios tonos más oscuros. Se trata de seguir
observando la foto de referencia, observar el valor presente en esa zona en la que
estás pintando. Aplicando color en. Y asegúrate de que tu
aplicación de color vaya mano con el valor que intentas desarrollar. Recuerda que la presión
que estás ejerciendo sobre tu papel con tu lápiz también debe ir de la mano
con el valor que estás tratando de desarrollar en ningún
momento de este proceso. Y mi presión tan fuerte
que empiezo a bruñir. El bruñido es una
técnica de dibujo en la que
presionas tanto con
tu herramienta de dibujo que comienzas a crear
pequeñas hendiduras o aplana cualquier diente
presente en ese papel. Realmente no uso la técnica de
bruñido en absoluto, pero asegúrate de que
si estás
tratando de desarrollar un valor ligero, estés aplicando
poca o ninguna presión. Y puedes
permitirte ejercer
cada vez más presión a medida que te vas adentrando en valores
más oscuros. Si estás aplicando
más presión, estás tapando más papel lo que te lleva a un valor más oscuro. Si estás aplicando
menos presión, estás tapando menos papel y estás creando
un valor más ligero. Y por último,
asegúrate de elegir el color adecuado para el valor que
intentas crear. Si estás creando
un valor más claro, elige un
color más claro que hayas elegido para el área que tienes a mano. Si estás trabajando en un tono medio, asegúrate de estar
preparándote con tu color medio. Y si estás trabajando
en un área de valor más oscura, puedes agarrar el
color más oscuro que hayas elegido. Entonces con todo lo dicho, sigamos adelante y empecemos con el objeto más grande aquí, que es la imagen, los colores que he
elegido para este objeto. Nuestro amarillo, rojo,
naranja y rojo. Este es mi amarillo cadmio, mi amarillo cromo oscuro y
mi naranja cromo oscuro. Partimos de las luces y nos
dirigimos
hacia los oscuros. Entonces, qué voy a hacer primero
con este color más claro, no ejerciendo mucha
presión en absoluto. Recuerda que siempre va
a ser más fácil entrar y oscurecerse que
entrar y aligerar. Será agradable y gentil. Y su aplicación inicial
de color, especialmente, estoy tratando de mantener esta
primera capa agradable y suave y lo más uniforme y
uniforme posible. ¿Puedo aplicar este amarillo toda la imagen
con una cantidad
de presión muy pequeña y sobre todo en las zonas de
mayor valor,
los aspectos más destacados aquí? Y a lo mejor aquí voy a estar haciendo un poco de levantamiento
con mi goma de borrar. Pero las áreas más claras
resaltan casi no
quiero ninguna aplicación
de color en absoluto. Si no has aplicado demasiado color y no
has empezado a bruñir. Que bruñido es solo un
término para cuando entras y presionas con fuerza con un lápiz o
un lápiz de color o simplemente una herramienta de dibujo
a través del bruñido, comienzas a dañar el
diente del papel. Pero lo que es genial es si no
has empezado a pulir y no has aplicado demasiado
pigmento en tu papel. Y no has activado
ese color con agua, puedes entrar y
hacer un poco de levantamiento del exceso de pigmento
en áreas resaltadas. Si
en realidad no estabas
intentando colocar esa cantidad
de color, ¿estás ahí Te voy a enseñar cómo
hacerlo en sólo un rato. Vas a notar
que cambié la dirección o el ángulo
de mis trazos de lápiz. Esto está totalmente bien de hacer siempre y cuando mantengas la
presión que estás ejerciendo, incluso en el camino, no
deberías quedarte con
Stark buscando líneas o marcas. También considera que
vamos a traer agua
y un pincel, y vamos a estar haciendo
muchas capas. Entonces una pequeña cantidad
de parches o textura realmente
no importa mucho, siempre y cuando sea solo
una pequeña cantidad, probablemente no va
a ser visible al final. Voy a seguir rellenando todo
el cuadro excepto por las formas más brillantes de los
reflejos. Y aquí es donde realmente
quiero
dejar un poco de papel
brillando sin ningún
pigmento en él en absoluto. Justo aquí en esta zona. Así que voy a saltarme esa área y colocaré alrededor de ella. Incluso puedes ejercer
menos presión a medida que te diriges hacia
ese resalto brillante. Voy a tomar
mi goma de borrar suave aquí, voy a asegurarme de que la
limpie antes de usarla. Al igual que frotarlo en
mi tapete de corte aquí, solo para que no
enturbie el color de Mike. Y una vez que esté agradable y limpio, puedo seguir adelante y
quitar suavemente algún exceso de pigmento
que he puesto. Esto sería el
equivalente a levantar. Si estás creando una
acuarela
con pintura tradicional, puedes ver con qué facilidad
pude eliminar la mayor parte de ese pigmento porque
realmente no he ejercido mucha presión. No he hecho
demasiadas capas y no
he activado ese
pigmento con agua. Si lo hubiera hecho, no
sería capaz de hacer esto. Entonces, si hay algún área de resaltado donde quieras mantener esas áreas de tu papel protegidas con poco
o ningún pigmento en ellas. Yo recomendaría hacer
cualquier borrado o levantamiento que puedas necesitar hacer antes de traer
el siguiente color. Voy a seguir adelante y hacer un
poco de levantamiento aquí. Y tal vez aquí. Bien, así que ya terminé con esa capa inicial de
mi color más claro. Voy a seguir adelante y
cambiar a mi segundo color. Yo consideraría este
mi naranja amarillo. Se llama
amarillo cromo oscuro en este conjunto
favorito de Castilla. Pero sea cual sea tu color
medio,
ahí es donde
vas a entrar ahora mismo. Con este color medio, lo que haces es observar
tu foto de referencia y notar dónde están los
tonos medios y los oscuros más oscuros. Y ahí es donde vamos a
entrar y colocar este color. Comience con su superposición. La presión que estoy ejerciendo ahora mismo es exactamente la misma, pero
antes estaba ejerciendo con mi amarillo. Pero esta vez voy a ejercer menos presión ya
que estoy saliendo de las zonas de tono medio o las zonas oscuras más oscuras para
que el amarillo naranja pueda transitar suavemente
hacia el amarillo más claro. Aquí mismo, estoy ejerciendo una cantidad muy pequeña de
presión para crear esa transición entre mi naranja amarillo a
mis áreas amarillas. Sin embargo,
notarás que aquí hay un borde afilado
creado por esta forma de sombra. Y no tengo que preocuparme tanto por crear una transición
suave donde, donde tengo esos
bordes afilados mayormente estoy
pensando en crear transiciones
suaves donde
realmente pueda ver en esa foto de referencia que esa transición es más suave
y más borrosa. Entonces ahí es donde
me aseguro de modificar también la cantidad
de presión que estoy ejerciendo para
que pueda crear una transición más suave Para seguir trabajando en
la segunda estratificación con mi color medio a
lo largo de esta imagen, mirando
constantemente la foto de
referencia y notando dónde
están las áreas más oscuras de tono medio y las zonas oscuras más oscuras, porque eso es donde estoy
aplicando este color medio. Realmente no estoy buscando aplicar este color medio en el valor
más ligero de las áreas. Tengo muchas ganas de mantener
esas áreas de menor valor con solo mi amarillo. Y luego voy a hacer algún trabajo en los planos internos
de esta sección de mango, superponiendo algo de mi
color medio sobre ese amarillo en algunas secciones en las
que estoy buscando
crear medios tonos más oscuros. Bien, pasando a esta
parte superior de la imagen y continuando observando un
cambio de valor en esa foto de referencia. Puedes ver cómo estoy
haciendo esto bastante rápido, aunque estoy usando una foto de
referencia y me estoy asegurando de tomar esa información
visual. En cuanto a dónde están las
diferentes formas de valor, dónde se ubican las luces, dónde se ubican los tonos medios, y dónde se ubican
los oscuros más oscuros. No estoy
obsesionado con meterme en cada cosa exactamente
como la veo ahí. Sé que diferentes formas de
valor pueden ser ligeramente diferentes
de lo que estoy viendo en esa foto de referencia tiene
siempre y cuando sean aproximadamente las mismas en términos de
forma, tamaño y ubicación. Puedo hacer esto relativamente,
más o menos, son rápidamente. Y todavía voy a llegar a
un nivel de realismo que me guste. No tengo que ser súper,
súper obsesivo por conseguir cada cosita la misma manera aparezca en
la foto de referencia. E incluso puedo traer mi licencia artística
para cambiar las cosas, que es lo que estoy haciendo
cuando se trata de color. Estoy usando el morado para crear áreas de sombra
más profundas, aunque no
necesariamente veo púrpura en la foto de referencia, noté que el
plano lateral del mango y también el labio superior de la imagen son ambos bastante claros en valor
en esa foto de referencia. Entonces me voy dejando ese
primer amarillo simplemente brillando completamente
en esas formas muy estrechas. Aquí hay una forma de
sombra muy oscura donde podemos
ver dentro de la imagen. Estos planos internos de la imagen están orientados
lejos de la luz. Realmente recuerda
la estructura tridimensional de lo que es
en
lo que estás sombreando y por supuesto, la ubicación de la fuente de luz en relación con estas estructuras. Estoy repasando
ciertas áreas aquí, sobre todo donde veo
medios tonos más oscuros con mi amarillo, naranja por color medio. Si te resulta
difícil ejercer más o menos presión
cuando estás dibujando, haz ejercicios en un cuaderno de bocetos. Sólo practica este tipo
de cosas aquí mismo. Colorear en toda una forma, ejerciendo cada vez menos
presión a medida que avanza, o más y más
presión a medida que avanza. Haz ese tipo de taladro
en un cuaderno de bocetos hasta que puedas controlar tu
herramienta de dibujo de manera más efectiva. Y también asegúrate de que
estás aflojando tu mano, tu muñeca o brazo. Si alguna vez te empiezan a doler la mano y la
muñeca
mientras dibujas, eso no debería estar pasando. Continúa recordándote a
ti mismo durante todo el proceso para mantener tu
mano y tu brazo relajados. Creo que estoy bien por ahora. Esos dos primeros colores son
los únicos que voy a usar para esta primera
fase del proceso. Me gustaría activar mi color una vez que se hayan colocado esos dos primeros colores o el primer color si solo
estoy usando dos en un área. Así que vamos a trabajar en
nuestro primer color o los dos
primeros colores en las
diferentes áreas de aquí abajo. Y una vez que haya aplicado
esos dos primeros colores, lo largo de
todas estas
secciones que
voy a estar pintando
con lápiz de acuarela, vamos a estar
pasando a la siguiente fase en la que vamos a
estar activando nuestro color. Entonces pasemos a la tela. El primer color en tela
va a ser mi naranja rojo, que es naranja cromo oscuro. Mi segundo color
va a ser este rojo, que es el rojo escarlata. Y el tercer color que
voy a traer más tarde es mi morado, que es azul violeta. Entonces primero estamos empezando con el
color más claro del manojo, que es el rojo, el naranja. Entonces solo me estoy tomando
un segundo rápido para observar esa foto de referencia. Y de manera general, notando dónde están las áreas de mayor
valor,
dónde están las áreas de tono medio
y dónde
están las áreas oscuras más oscuras en toda la tela. Así que solo voy a entrar y
voy a empezar a aplicar muy suavemente mi primer color en
toda la tela. Presión muy mínima aquí. Y estoy constantemente observando la foto de referencia para que no aplique accidentalmente
demasiado pigmento en las zonas de mayor valor. Pero si lo hago, puedo entrar con mi goma de borrar y hacer algunos
levantamientos en un poco. Estoy haciendo todo lo posible para mantener
la presión uniforme ya que estoy creando esta capa
inicial de rojo. Quiero que esta primera aplicación de pigmento sea lo más
parejo posible. Haciendo mi camino cuidadosamente
alrededor de los pétalos blancos aquí. Puedo aplicar mi
color más claro mucho más libremente de lo que aplico mi
color medio y mi color más oscuro. Cuanto más oscuro me pongo con mis colores, más consciente tengo
que ser que solo estoy aplicando esos colores más oscuros
donde realmente los necesito. no mencionar, porque en realidad no
hemos empezado a hacer demasiadas capas pesadas o a activar el
color con agua, siempre
podemos traer
una goma de borrar y eliminar el exceso de color de esas zonas
más ligeras si es necesario. Pero en el momento en que empezamos a hacer demasiadas capas o empezamos a traer nuestros colores más oscuros. Y comenzamos a activar
nuestro pigmento con agua. Tratar de aligerar áreas
va a ser más difícil de hacer. Bien, estoy llenando toda
esta sección inferior de la tela roja con
este primer color. Y luego voy a pasar a
trabajar en todos los
pliegues de tela a la izquierda de la
imagen y la flor. Veo muchos valores de luz en estos complejos pliegues de tela a
la izquierda de la imagen. Sólo voy
a tratar de que sucedan lo mejor
de mis habilidades
notando dónde
están esos valores rojos
más claros en la foto. Y tratando de evitar unas pequeñas
áreas aquí y allá que se asemejan a las formas de valores
más claros que
veo en la foto. Se puede ver como no estoy ejerciendo mucha
presión en absoluto. Así que manteniéndola muy ligera
en esta primera capa. Recuerda usar
cambios en la presión para ayudarte a empezar crear diferentes valores
incluso en este punto. Ahora que tengo mi aplicación
inicial de color con mi naranja rojo, voy a seguir adelante y usar mi
borrador en cualquier área en la que sienta que me pueden aplicar demasiado pigmento
para hacer algo de lifting. Así que aquí por ejemplo creo que tal vez pueda hacer con
quitar un poco de esto. Realmente quiero
asegurarme de que estoy incorporando ese papel como
parte de la pieza porque esto
me va a ayudar a crear esa sensación de brillo y dimensión que es tan particular al medio translúcido como la acuarela y la tinta, los lápices de
acuarela. Entonces solo recogiendo algo de
exceso de pigmento aquí. Y aquí hay un pliegue de tela. Sé que los pliegues de la tela pueden ser desafiantes porque están pasando
tantas cosas, pero trata de observar las curvas de la tela
que están subiendo hacia la luz y las
curvas que están mirando lejos de la luz o están retrocediendo
lejos de la luz. Por lo general, es que las curvas
están más cerca de la luz. Van a estar captando la
mayor parte de esa luz. Y por eso, ahí
va a haber un valor más ligero. Otra cosa que
puedes hacer si
encuentras abrumadores los pliegues de tela es acercar un área específica
en esa foto de referencia. En lugar de ver toda
la foto, haz zoom en secciones específicas y trabaja en una sección a la vez. Pero sí quiero
recordarte que no hay necesidad de ser demasiado obsesivo por conseguir que todo sea exactamente igual. Parece que tengo un poquito de color ahí en
mis pétalos blancos. Así que voy a entrar
y simplemente borrar eso lo mejor que puedan
antes de seguir adelante. Pasemos a nuestro siguiente
color en la tela, que va a
ser el rojo escarlata. Con esta,
voy a hacer zoom en secciones
específicas de la
tela en la foto de referencia. Y solo voy a estar
aplicando este color medio en más oscuras de tono medio
y las zonas oscuras más oscuras, dejando el
color más claro anterior brillando completamente destapado en secciones de valores
más claros. Voy a empezar por
la parte inferior y voy a hacer mi camino hasta esta
forma de sombra que estoy creando aquí
mismo es en realidad
la sombra proyectada en la mesa creada
por la tela. Si notas en la
esquina inferior izquierda de la imagen, hay una pequeña sección de
esa mesa de madera que queda
descubierta por esa tela. Y se ve roja porque
esa tela roja está impactando en el
color de la forma de la sombra. Entonces es por eso que quería
entrar con algo de rojo inicialmente. Recuerda ejercer menos presión a medida que te diriges hacia valores
más ligeros para crear transiciones
suaves
donde sea necesario. Cuando se trata de tela, vas a ver
una combinación de transiciones
suaves y
bordes duros entre tus valores. Así que trata de precisar
eso aquí mismo. Por ejemplo, I. Ver un borde más afilado. Observe los bordes creados entre las
diferentes formas de valor, donde un valor se
convierte en otro valor. A veces esos cambios
van a ser suaves y graduales. Y otras veces el cambio
va a llegar como un paso brusco. En realismo, siempre hay
una combinación de esos dos. Así que solo trata de notar esos cambios en la foto de
referencia e intenta que eso
suceda lo mejor que puedas en
tu obra de arte. Como estoy trabajando en todo esto, realmente
estoy tratando de mantenerme
alejado de la búsqueda. en bloque de aspecto muy duro
o
formas pesadas sólidas de cualquier tipo. También estoy tratando de
alejarme del aspecto de las líneas, cualquier cosa que
cree la ilusión de una línea cuando
veas tu pieza desde distancia va a
quitarle el sentido del
realismo en tu pieza. En lugar de ver
las cosas como líneas, véalas como formas alargadas que tienen irregularidad a
lo largo de ellas. Esto es importante
porque
no hay contornos ni líneas en el realismo. Siempre que hay una línea presente en una pieza más
realista, siempre
hay una variación del peso de
la línea lo largo de esa línea. Ciertas secciones de esa
línea son más gruesas y más oscuras, y otras secciones son
más delgadas y claras. Nunca vas a
encontrar líneas que tengan un peso consistente desde un extremo
hasta el otro extremo. Es lo contrario de dibujos animados
y páginas de libros para colorear donde todo lo
que ves tiene un contorno a su alrededor que
es grueso, audaz y negro, y consistente en grosor alrededor de todo. En realismo tenemos
aristas, no contornos, aristas donde un valor
se convierte en otro valor. A veces esos bordes se pierden y a veces
se afilan definidos. Estoy haciendo mi camino hacia
la izquierda aquí y trabajando en esas formas de sombra creadas
en la tela por la flor. Veo una forma de sombra aquí
con un borde inferior afilado. Entonces voy a tratar de
que suceda en mi dibujo. El borde inferior es
agudo y definido, mientras que el borde superior es un
poco más suave y gradual, los tonos medios se convierten
gradualmente en valores
más claros en la
parte superior de la curva allí. Entonces por aquí, a medida que
esta forma se abre paso hacia el
borde derecho del plano de la imagen, sus bordes a lo largo de la parte inferior y superior se vuelven más
graduales y más suaves. Bien, entonces aquí
tenemos un poco de forma de sombra justo
debajo de la jarra. Y solo
sigo observando esa foto de referencia
y poniéndome en esas formas de sombra
donde me parezca conveniente. Asegurándome de que estoy manteniendo
las cosas sutiles y de que me estoy abriendo camino incrementalmente
hacia valores más oscuros. No aplicar
mucha presión en absoluto. Siempre que intento
crear un tono medio más claro, quizás un poquito más de
presión cuando estoy trabajando en un tono medio más oscuro o un área muy oscura que veo
en esa foto de referencia. Y permitiendo mucho de esa primera capa que creé
con mi color más claro. Sólo estoy dejando eso
brillando en las zonas de mayor valor. Si quieres oscurecer
aún más una sección con
este color medio, puedes crear una segunda
capa usando el mismo color. Continúa comparando
tu dibujo con esa foto de referencia
y pregúntate, ¿esta zona es más oscura o más clara que esta
otra zona de aquí? Y si notas
que tienes que
entrar y oscurecer y área entonces quizás puedas entrar y crear una segunda capa,
el segundo color. Para que puedas permitirte hacer más superposición de pigmento
en esas zonas más oscuras. E incluso se puede
presionar hacia abajo a un pequeñito, minúsculo pero más en
esas zonas más oscuras, hay cierto nivel de flojedad con el que voy
entrando, aunque estoy usando
una foto de referencia para pistas e información
sobre valores a desarrollar, ojalá para este punto, como ya estoy creando una gama de valores en esta tela roja, se
puede ver como mi
valor da forma puede ser ligeramente diferente a
las de la foto de referencia. Es decir, pueden ser un poco
más pequeños o ligeramente más grandes o ligeramente un poco más a la izquierda
o a la derecha. Y sigo desarrollando ese rango de
valores que necesito. Y estoy empezando a crear ese sentido de
tridimensionalidad. Justo aquí. Necesito un
poco de tono medio. Entonces entro y hago
un poco de suave superposición con
el segundo color rojo. Y me di cuenta de esa forma de aspecto muy
marcado, casi como una racha aquí abajo creada por esta
forma en la parte inferior. Voy a ablandar
el borde inferior. Estaba realmente
saltando hacia mí y estoy tratando de
mantener todo sutil. Así que de nuevo, si ves tu
pieza y notas alguna forma o líneas
pesadas de aspecto descarado, quiero animarte a que
trabajes en ellas antes de seguir
adelante. También noto justo
encima de esta forma que
creé algo que me parece un poco demasiado
como una línea. Entonces voy a hacer algunas secciones de esta línea entre comillas
un
poco más gruesas y crear más
irregularidad a lo largo de ella para que se vea más como una
forma y menos como una línea. Con eso, ya terminé con esa primera capa de color
en toda la tela roja. No voy a estar
trayendo el tercer rojo, igual que lo que hice
con la foto. Yo solo uso los dos primeros colores
en esta estratificación inicial. Así que ahora es el momento de traer mi goma de borrar de grafito suave
y voy a estar haciendo cualquier levantamiento y
ablandamiento de color que pueda necesitar hacer
antes de seguir adelante. Y realmente en cuanto
a mi levantamiento, todo lo que hago es quitar
un poco de ese color rojo de esa
esquina inferior izquierda de esta pieza, o hay un poquito de esa mesa de madera marrón mostrando. Más tarde, voy a traer un
poco de marrón a
esta zona para que esto se vea
como mesa y no tela. Entonces siento que
acabo de ir un poco por la borda con mi
rojo en esta sección. Y si mantuviera todo
ese rojo ahí, entonces
realmente no habría
mucha diferencia entre la
tela y la mesa. Es hora de pasar
a la mesa. Entonces voy a
sacar mis dos marrones que estoy usando para la mesa. Mi marrón más claro es
ocre quemado y mi
marrón más oscuro es marrón Van ****. Así que a la inversa empezar con el color más claro de los dos. Y voy a entrar en
toda esta sección de mesa. Ahora bien, los diferentes valores que
veo a lo largo de esta zona de mesa no
son tanto creados
por la propia luz, sino que por la textura de la madera
naturalmente tendría secciones más claras y secciones más oscuras. No obstante, cuando se trata esta madera en particular en
esta tabla de la foto, diría en general,
es bastante ligera. Entonces cuando traigo
mi marrón más oscuro, no
quiero ir
por la borda con él. No veo ninguna forma de resaltado súper
brillante lo largo de esta sección de maderas. Entonces no voy a dejar ninguna zona de mi papel
en la alacena. Solo estoy aplicando una capa ligera
relativamente delgada con mi marrón más claro. Aquí hay una pequeña y
diminuta forma marrón. Y entonces voy a estar aplicando
una capa marrón claro en esta esquina inferior donde mesa
ICE en esa foto de
referencia, justo sobre el rojo
que ya había aplicado. Ahora que tengo esa primera capa marrón
claro en, voy a cambiar a mi
marrón más oscuro y voy a
crear algunas formas sutiles, irregulares de color marrón más oscuro. Esto me va a ayudar a
describir mejor esa
textura visual en que notaría cómo
voy entrando con mi
marrón oscuro muy a la ligera. No estoy aplicando
mucha presión en absoluto. Como estoy aplicando
este marrón más oscuro, quiero tener mucho cuidado
de no
crear accidentalmente líneas y marcas de
aspecto muy duras. Si creo líneas,
marcas o formas de aspecto muy
marcado ,
esto va a ser muy distrayente
para el espectador. Esta es una zona secundaria o
elementos en esta composición. Y si entro y creo demasiado contraste
o le doy a esta área demasiado peso visual creando demasiados
detalles aquí, puedo hacer que la mesa compita demasiado con
los objetos reales, que son el punto focal. Añadiendo un poco de este marrón más oscuro en
esta esquina inferior izquierda. No va a preocuparse por
la diminuta forma hay detrás de la imagen. Y es momento de pasar
a lo siguiente. Por último, voy a ponerme
a trabajar en la flor. Para la flor, voy a estar
usando un gris para los pétalos, verde para esa sección central, y luego púrpura para las secciones de sombras
oscuras. Entonces estoy empezando con mi gris para mis pétalos y realmente
estoy haciendo zoom en la flor para que pueda
enfocarme en la
flor ahora mismo. Voy a comenzar con
estos pétalos superiores. Y sólo voy a
estar aplicando un gris claro
muy, muy sutil, con apenas presión alguna en
esas secciones de sombras
que veo en los pétalos. Particularmente donde veo pedales creando sombras
unos sobre otros debido a la superposición. No realmente preocuparse por las líneas visuales donde la
textura y los pétalos todavía. Puedo preocuparme por eso más tarde. Por ahora, realmente solo me estoy
enfocando en las curvas en los pétalos y la
tridimensionalidad de los pétalos y las sombras
que están creando. Eso es lo más
importante en estos momentos. Entendiendo la
estructura de los pétalos, cómo están bloqueando la
luz para que no se golpee entre
sí por
superposiciones y todo. Y quiero
asegurarme de no entrar
completamente
y cubrir todo el gris ancho
del pétalo porque
como mencioné antes, va a hacer que se vea gris. Y quiero que estos pétalos
se vean blancos al final. Entonces es importante dejar
brillando
mucho ese papel blanco porque este es un objeto blanco que
estamos pintando. Pero incluso con objetos blancos, es importante desarrollar un
rango de valores dentro de ellos, porque si
los dejamos completamente blancos, van a verse muy
planos y no muy realistas. Si sientes que
no eres capaz de obtener suficiente información
sobre los cambios de valor en
los pétalos blancos en la
foto, recuerda la
estructura tridimensional de la flor y sus charcos. ¿Qué secciones están más
alejadas de la luz? Qué secciones están más cercanas
a la luz donde nuestras curvas suceden a
lo largo de esos charcos, donde nuestras sombras
suceden a lo largo de ellos. Bien, así que esa es mi aplicación inicial de
luz del gris. Si quieres entrar y hacer
una segunda aplicación ligera del gris para oscurecer tonos
medios antes de entrar
con tu morado, te
recomendaría entrar y hacer otra
aplicación de gris, pero esta vez enfocarte en las formas de sombra más oscuras
entre pétalos, solo empujando esos un poquito más antes de
entrar con el morado. El morado es de un color bastante oscuro. Y nuevamente, estamos
pintando un objeto blanco. Entonces, al crear una segunda
capa con tu gris, te estás permitiendo
más control. Estás creando un
paso entre
tus valores de gris claro y tus valores más oscuros
que vienen
a continuación con tu morado. Bien, así que ya es suficiente. Tengo abundante papel blanco brillando en
los pétalos blancos. Ahora voy a entrar con
un poco de mi púrpura. Y sólo voy
a estar aplicando esto en las zonas de
sombra más oscuras que vea. Nuevamente, sobre todo
entre los pétalos. Recuerda que cuanto más oscuro
te pongas con tus colores, menos color quieres un lugar. Quieres dejar un montón de esos colores más claros que
has colocado brillando a través y solo hacer esta estratificación con tu segundo color donde realmente
necesites oscurecerse. No te pongas súper oscuro demasiado rápido, no apliques demasiada presión. Puede crear valores más oscuros más adelante con las capas posteriores. Bien, así que ya es suficiente
por ahora. Ahora voy a
empezar a trabajar en esa sección central de
la flor donde voy a estar volviendo a
mi amarillo que
estaba usando inicialmente
para la foto. Este es mi
amarillo cadmio y luego
voy a pasar
a aplicar un poco de verde. Y esto se llama
mayo verde sobre ese amarillo en
secciones de tono medio con el amarillo. Y voy a usar movimientos
circulares para la parte central de la flor para que pueda comenzar a describir esa textura
un poco más. Es importante recordar
que
las herramientas de dibujo se pueden usar de
muchas maneras diferentes. Y ciertamente puedes modificar el tipo de trazo
que estás usando para comunicar color, valor y
textura simultáneamente. Este es mi verde ahora que
voy a entrar y usando una especialidad a lo largo de los bordes exteriores
donde quiero
crear un poco
más de un valor más oscuro. pequeños círculos diminutos me
van a ayudar a
crear más esa textura. Y más adelante con las capas
posteriores, vamos a estar creando
más de esa textura. Se puede ver como hice la sección más
central de esta zona más ligera y
oscurecí los bordes exteriores. Esto me ayuda a crear un aspecto curvo y
elevado en ese centro. Muy bien, así que ahora
tengo mi capa inicial de color a lo largo
de todos
estos elementos, claro, excluyendo
el fondo que vamos a estar abordando
al final de este proceso, ya
he empezado a desarrollar
una amplia gama de valores, desde
luces muy ligeras hasta tonos medios, hasta medios tonos aún más oscuros
y algunas secciones. Entonces ahora vamos a
pasar a la fase número dos, donde vamos
a estar activando esta estratificación de
color con agua.
7. Activación de primer color: Bien, entonces tengo mi
contenedor con agua limpia. Tengo mi toalla absorbente para que pueda ver
encima del control de agua. Y también tengo mi
talla diez cepillo redondo. Eso es todo lo que voy a usar para el proceso de activación. Entonces voy a girar mi pincel en mi
recipiente de agua. Voy a quitar el
exceso de agua porque realmente solo queremos
entrar con una pequeña cantidad. Y voy a empezar
con la foto. Y cuando se trata de
activar tu color, quieres asegurarte de
que estás comenzando en las áreas
de mayor valor
y que estás avanzando hacia
tus áreas más oscuras y prestando
atención a cómo estás empujando y tirando ese
pigmento alrededor de tu papel. Vas a notar que a medida que estoy activando este color, constantemente elimino ese
pigmento de
las cerdas de mi pincel girando
mi pincel en mi recipiente de agua. Porque a medida que sigo activando ese pigmento y empujando y
jalando ese color alrededor, cada vez más pigmento
está empezando a recogerse en las cerdas de mi
pincel. Esto significa que
accidentalmente puedes cubrir tus áreas resaltadas donde
intentas dejar ese papel blanco
brillando sin pintar. Y también puedes empezar a
obtener demasiado de ese segundo color más oscuro
que has usado
hasta ahora para aclarar las áreas de valor. Así que realmente tienes que mantenerte
consciente de cómo estás empujando y tirando ese
pigmento alrededor de tu papel. Así que continúa repasando
ese color suavemente y continúa
enjuagando
las cerdas de tu pincel en el
camino según sea necesario. Realmente no deberías
tener que presionar demasiado con tus cerdas de pincel
ni nada por el estilo. Mantén tus trazos
agradables y suaves. Esta es la
parte emocionante de pintar con lápices de
acuarela es activar
ese color con agua. A menudo el color
va a verse mucho más brillante y vibrante después de
que se haya activado. Otras veces va a ser
un poco más oscuro o más claro. Depende del
color que hayas elegido, pero siempre hay
este elemento sorpresa para los lápices de acuarela. Otra cosa es, no
te preocupes demasiado por las
pequeñas texturas que vas dejando mientras
activas este color. Lo más importante
es que prestes
atención a las secciones de gran
valor. Que
las áreas de valor lumínico permanezcan ligeras, que no te estés comiendo esas secciones de
valores más ligeros y prestando atención
a sigas prestando atención
a esos valores que intentas desarrollar. Pero pequeñas texturas que
suceden en el camino
, ***** manchado y cosas
menores como esas. Realmente no importa
porque todavía vamos a estar haciendo más capas
y más activación. Y claro, debido a que
has aplicado ese pigmento sobre papel
con una herramienta de dibujo, con una herramienta puntiaguda afilada, seguramente
te quedarás con un poco de boceto, un poco de boceto,
si quieres, ese
tipo de textura. No tienes que tratar de
suavizar todo. Así que no te preocupes demasiado por las
pequeñas texturas
y salpicaduras en nosotros. Es muy menor. Probablemente no vas a
poder verlo al final, después de todas las capas
que vamos a estar haciendo, es muy probable que
si intentas entrar y deshacerte de cada pequeña
textura que creas, vas a
empezar a trabajar demasiado y a dañar tu papel. El papel es un sustrato relativamente
frágil y cuando está húmedo, es aún más frágil. Entonces no queremos comenzar a
fregar demasiado las áreas. Y también muchas veces
tenemos
que permitir que ese papel se seque para que
pueda recuperar completamente su fuerza. Si queremos entrar y cometer ciertos pequeños errores
menos notorios. Cada vez que entro en
mi recipiente con agua,
me aseguro de quitar ese exceso de imagen
de la tira de las cerdas de mi pincel raspando
suavemente las Priscilla de mi pincel a lo largo de la parte superior de mi contenedor. Y a veces
también froto la punta de mi pincel sobre mi toalla
absorbente. Quiero evitar entrar con una tonelada de agua
en mis
cerdas de pincel porque eso
también puede crear una ness salpicada. terminé de
activar el color en la parte frontal
de la imagen. Y ahora me voy a
las llanuras interiores. Y en esta zona, los valores más claros
están a la izquierda. Entonces esto significa que primero
empiezo por
la izquierda y me
dirijo hacia la derecha, que tiene los valores más oscuros. Esto es, nuevamente,
para mantener esas secciones de
valores de luz protegidas y no
comerlas con mi color más oscuro. Entonces después de terminar con
esos planos interiores, voy a entrar y activar
ese color en el mango. Empiezo por arriba y
hago mi camino hacia abajo. Después de hacer eso, llegó el momento de
pasar a activar
la flor. Quiero trabajar primero en la
flor porque este es un objeto blanco
y los otros colores, y voy a
estar activando el rojo y el marrón
son bastante oscuros, al
menos en comparación con
este objeto muy ligero. Entonces a la hora activar el color
en esos pétalos blancos, me aseguro de entrar con un cepillo
limpio y solo
ligeramente húmedo. Y me tomo mi tiempo
trabajando en un pétalo a la vez o dos
pétalos a la vez. Realmente prestando atención a cómo estoy empujando y
jalando ese color y
asegurándome de que estoy dejando un montón de ese
papel blanco brillando a través. Al hacer esto,
estoy trayendo a la mente la estructura
tridimensional de estos pétalos y cómo se superponen y crean
pequeñas sombras entre sí. Si quieres cambiar a un pincel
más pequeño para tener más control en estas formas
relativamente pequeñas. Puedes seguir adelante y hacer eso. Es aún más difícil mantenerse
al tanto del control del agua en formas más pequeñas. Estoy haciendo todo lo posible para pasar de las áreas de color
más claras a las
áreas de color más oscuras. Entonces primero voy a entrar en esas zonas que tienen
el gris claro en ellas. Y me dirijo
hacia el morado, asegurándome de que estoy
manteniendo secciones de
papel blanco sin pintar o
sin color en el metal. Siempre que
me encuentro entrando con demasiada agua en las cerdas de mi
pincel, inmediatamente
detengo
lo que estoy haciendo y me quito ese
color y agua para las cerdas de
mi pincel y uso las cerdas de mi pincel como una pequeña esponja absorbente para
recoger ese exceso de agua. También puedo entrar con mi toalla absorbente
para hacer algunos dabbing. Por último, es momento de activar ese color en la
sección central de la flor, quito ese gris
y morado para las cerdas de
mi pincel
y entro con un pincel limpio y ligeramente
húmedo y uso pequeños movimientos circulares para activar el pigmento
en esta zona. Y esto es para comenzar a comunicar la textura aquí. Ahora es el momento de activar
ese color en la tela. A medida que estoy activando mi
color y la tela, estoy constantemente observando esa foto de
referencia para
recordarme las principales áreas
destacadas más brillantes. Y se puede ver cómo
estoy tratando de trabajar en
torno a algunas de esas
principales áreas destacadas. No estoy activando el
color en esas secciones con mi pincel y estoy evitando
repasarlas en absoluto. Si necesito activar
el color en esas zonas o hacerlas un poco
más oscuras de lo que son actualmente. Eso lo puedo hacer después, pero ahora mismo me estoy
enfocando en activar
el grueso general de la tela
roja. Y solo estoy tratando de
mantenerme alejado de las secciones de valores más ligeros. Al enfocarme en lo general, puedo trabajar de manera más rápida. Entonces trabajo primero en lo general. Y entonces si las áreas más pequeñas
requieren más atención, puedo trabajar en esas
después más despacio. Las principales cosas que
tienes que asegurarte de hacer cuando estés activando
tu lápiz de acuarela, pigmento son
asegurarte de estar al
tanto del control del agua y
seguir prestando
atención a cómo
estás tanto del control del agua y seguir prestando
atención a cómo
estás moviendo ese pigmento
alrededor de tu papel. Tener valor en mente. Si haces esas dos cosas y sigues enfocándote en el
camino, podrás mejorar
tus habilidades con bastante rapidez. Bien, estoy pasando a hacer mi activación de color en esta
esquina inferior izquierda de la pieza, donde está esa
porción visible de la mesa. Se puede ver como a medida que hice mi
activación en esa zona, el rojo y el marrón empiezan a
fundirse y fusionarse. Y luego sigo
con mi tela roja, asegurándome de que
enjuagé
completamente todo ese marrón para
mis cerdas de pincel. Esto es importante
porque si todavía tengo algún pigmento marrón en las cerdas de
mi pincel, esto puede desaturar o silenciar mis rojos brillantes que
quiero en mi tela. A medida que estoy activando estas formas de valores
diferentes, sigo viendo estas formas como formas abstractas,
irregulares. Y estoy usando mi pincel de diferentes
maneras, a veces presionando las cerdas de mi pincel un poco
más
hacia abajo y a veces simplemente entrando con la punta
de mi pincel,
a veces cambiando el ángulo en a veces cambiando el ángulo que estoy usando mi pincel,
cambiando la forma en que estás usando tu pincel
así te va a ayudar a crear abstractos
irregulares formas, que van a llevar
a un mayor realismo. Entonces en este punto estoy a
mitad de camino hecho con esta activación de mi
primera estratificación de pigmento. Y se puede ver textura
a lo largo de todas estas áreas. Textura en forma de líneas
o bocetos creados por esa
herramienta de dibujo que hemos utilizado para colocar el
pigmento sobre el ancho del papel, pero también un poco de
género salpicado que se ha creado ya que he estado activando el pigmento con
agua y un pincel. Pero ojalá también hayas
notado cómo me he ido moviendo. No me he estado enfocando en ninguna área en particular ni
tratando de perfeccionar demasiado las cosas. Estoy trabajando en lo
general y estoy ignorando estas pequeñas texturas sutiles
porque sé que al final no
van a ser visibles. Sé que si entrara, comenzaría de nuevo trabajando
mi trabajo y tal vez incluso aplanando secciones y destruyendo
por completo todo
el trabajo que he estado haciendo para desarrollar los diferentes
valores en estas áreas. Bien, así que trabajando en esta
gran sección marrón en esta porción visible de
la mesa a la derecha. Y todo lo que
he estado haciendo
hasta ahora para activar mi color y las demás áreas de esta
pieza todavía se aplica aquí. No obstante, en próximas
fases de este proceso, no
quiero estar haciendo
demasiadas capas en esta área. Quiero dejar esta
zona con mínimo detalle porque es una
sección secundaria en esta pieza. Y no quiero que esta sección
compita demasiado con los otros elementos que son
el punto focal de la pieza. Así que sí entro y trato muy
gentilmente de deshacerme de las líneas y las
formas y marcas de aspecto descarado aquí. Trabajando en
este diminuto triángulo aquí
mismo con solo la
punta de mi pincel. Y luego sigo activando
este marrón del otro
lado de la mesa, continuando
activando este color y muy suavemente deshaciéndome de cualquier
forma o líneas o
marcas de aspecto descarado que puedan distraer un poco demasiado para el espectador, sobre todo porque como
dije, no voy a estar aplicando a muchas capas encima de esto. Bien, entonces voy a dejar la mesa al bate
porque no quiero
empezar a dañar mi papel
ni a sobretrabajar nada. Se puede ver cómo esto definitivamente se ve
mucho más pictórico. Pero también tengo bastante
textura, pequeñas áreas manchadas
y cosas así. Eso no me preocupa porque voy a estar haciendo todavía dos capas más
de color. Así que mucha de esa textura
va a desaparecer a medida que avanzamos. Voy a permitir que todo
se seque completamente. Y luego vamos a entrar con
la capa número dos.
8. Segunda aplicación de color: Asegúrate de que todo
esté completamente seco antes de pasar a esta
siguiente parte del proceso. Porque si tu papel está mojado, es más frágil. Y si empiezas a entrar
con una herramienta puntiaguda para
empezar a aplicar más color de
inmediato cuando esté húmeda. Puedes correr el riesgo de dañar y
rayar tu papel. Incluso puedes usar un secador de pelo para acelerar el
proceso de secado si lo deseas. En esta siguiente fase
del proceso, vamos a estar
trabajando en empujar medios tonos
más oscuros y las áreas
oscuras más oscuras. Así que principalmente
vamos a estar usando nuestro segundo color o
el color medio. El tercer color, que es el color
más oscuro que hemos elegido cuando se trata de
la flor y la mesa, las cosas se van a hacer
un poco diferente porque solo usamos
dos colores en esos. Te explicaré cómo acercarnos a
esos cuando lleguemos a ellos. Entonces, en otras palabras, nuestro objetivo con esta parte
del proceso es que estamos expandiendo ese rango de valores
hacia los oscuros más oscuros. Estamos agregando valores más oscuros. Queremos asegurarnos de
que estamos manteniendo las áreas más claras protegidas y descubiertas por
esta nueva capa de color que vamos a estar
haciendo donde solo capas sobre el color y aplicando más color en secciones que
necesitan oscurecerse. Sigamos adelante y
empecemos con la imagen. Aquí están los tres colores que
estoy usando en la imagen. El amarillo, el naranja amarillo y el naranja rojo. En este punto, mis áreas de valor
más ligeras ya se
han desarrollado con ese
color más claro porque estoy trabajando en los tonos medios
y los oscuros más oscuros, puedo quitar ese
color más claro y solo voy a estar trabajando con mi
color medio y mi color más oscuro. Estoy observando esa foto de
referencia y estoy notando dónde están esas áreas
más oscuras. Y sigo adelante y
empiezo a partir de
mi color medio, que es mi
amarillo cromo oscuro o mi naranja amarillo. Empecé a hacer
más capas sobre áreas
más oscuras de tono medio
y áreas oscuras más oscuras, evitando las áreas más claras
que veo en esa foto. Siéntase libre de hacer zoom en áreas de su foto de referencia a medida que
avanza con este proceso y asegúrese de continuar cambiando y cambiando la
presión que está ejerciendo sobre su lápiz a medida que hacia
un área de valor más oscura, empuja hacia abajo un
poquito más la cabeza. Si te estás
alejando de las áreas de valor más oscuras, ejerces menos presión. En esta parte del proceso. Ahora que nos estamos metiendo en áreas
más oscuras y de tono medio, me
estoy permitiendo
presionar un poquito más hacia abajo, pero realmente no estoy bruñendo. Realmente estoy tratando de
mantenerme alejado de rayar o dañar
mi papel de alguna manera. Porque una vez que el papel ha
sido rayado o bruñido, el pigmento simplemente no
se aplica sobre él de la misma manera, sigo observando esa foto de referencia
y notando dónde están ocurriendo transiciones
graduales entre
valores. Y donde veo pasos
definidos definidos
entre diferentes valores. Aquí en la parte inferior de
la imagen, e.g. I. Vea una transición gradual más suave, un gradiente, si se quiere. Entonces me aseguro de que
poco a poco
ejerzo cada vez menos presión a medida
que me dirijo hacia secciones de valor
más ligero. Para que ese cambio
de presión me
ayude a crear esa transición
gradual. Aquí mismo tengo un borde de forma de
sombra bastante notable casi en medio de esta
estructura más cilíndrica en esta imagen. Y voy a intentar crear un borde de forma de
sombra de aspecto más definido porque eso es lo que estoy viendo
en la foto de referencia. A medida que sigo abriéndome camino incrementalmente hacia valores
más oscuros, sigo prestando
atención a esos bordes, ya sean
perdidos, borrosos, bordes
más suaves con transiciones
graduales entre mis diferentes valores, o si I C bordes definidos
y definidos. Aquí mismo, definitivamente veo un valor más oscuro a lo largo del borde
superior de la imagen. Hago un poco más de capas, haciendo mi camino hacia abajo. Y luego trabajo en
los planos internos de esta
estructura cilíndrica superior en esta imagen,
estratificando el segundo color sobre alrededor de la mitad de toda
esta forma. Porque en esa foto veo medios tonos
más oscuros y valores
oscuros más oscuros en toda esta zona. Entonces me pongo a trabajar en el mango acodando en este segundo color
en áreas más oscuras que veo. Y sé que las manijas pueden ser desafiantes porque
casi siempre va a haber este giro
donde cambian los aviones. Pero realmente ayuda
a recordar la
estructura tridimensional de lo que sea en lo que
esté sombreando, observar los
cambios de plano en ese mango y recordar dónde
está la
ubicación de la fuente de luz y cómo la luz está
golpeando esos planos. Entender qué planos
están mirando hacia la luz y qué planos están
mirando lejos de la luz. Observe cómo estoy dejando mucho de este plano lateral del mango así
como el labio superior. Esta sección superior, libre
de la segunda capa. Y esto es porque veo un valor muy ligero en estas
áreas en la foto de referencia. Entonces estoy haciendo todo lo posible para no aplicar más pigmento
en estas áreas. Quiero mantenerlos
agradables y ligeros. Y si más tarde, me di cuenta de que he hecho estas formas de valor ligero demasiado grandes o se ven
demasiado duras. Ciertamente puedo entrar en ciertas secciones y
oscurecerlas un
poco ya sea con mi
primer color más claro o mi segundo color. Bien, casi he terminado con mi segundo
color medio en esta fase, solo trabajando en transiciones áreas de valor
más claro
y resalta un poco más
antes de
encenderme a mi naranja rojo. Eso es suficiente de mi color
medio por ahora, voy a encenderme
a mi rojo, naranja. Y sólo voy
a estar aplicando este color más oscuro en las zonas
más oscuras que veo
en esa foto de referencia. No voy a estar haciendo
ninguna superposición con este tercer color más oscuro
sobre ningún otro lugar. Entonces, en otras palabras, cuando entras con ese
primer color más claro, repasas todo
excepto las secciones de
resaltado más brillantes. Después con tu segundo color, pasas por zonas de tono medio
y oscurece estas zonas oscuras. Y luego con tu
tercer color más oscuro, solo
pasas por las zonas
oscuras más oscuras. Entonces, cuanto más oscuro
obtienes con tu color, más pequeña es la forma en la que
estás coloreando porque
solo estás agregando ese color
más oscuro en secciones que necesitan
oscurecerse aún más, eso necesita ser empujado más. Es así como estamos aumentando
ese rango de valores
empujando las áreas oscuras más oscuras y agregando esos valores
oscuros más oscuros. Pero queremos tener mucho cuidado no oscurecer esas secciones, tonos
medios, sobre todo
los tonos medios más claros y las luces más ligeras. Porque si entramos y superponemos este color más oscuro en
tonos medios y áreas claras, vamos a deshacernos de
esos valores más claros. Vamos a estar
restando de esa amplia gama de valores
que estamos tratando de crear. Y vamos a estar aplanando
la pieza en lugar de aumentar el realismo de la pieza en este
punto del proceso. Ahora que estamos empezando a
aplicar este color más oscuro, es entonces cuando empieza a suceder ese sentido
creíble de estructura de luz y
sombra. Porque en este punto ya
tenemos un
rango de valores bastante decente. Y sólo vamos a ir
incrementando ese rango de valores o tonos aún
más a medida que avancemos. Pero para poder hacer
esto de manera efectiva, tenemos que seguir
prestando mucha atención a esa
foto de referencia y seguir comparando nuestra pintura
con esa referencia. Continuar
preguntándonos, ¿esta zona es más clara o más oscura que
esta zona de aquí? Y hacer que esas formas de valor
sucedan en nuestra obra de arte. Estoy trabajando en los planos
internos de la imagen aquí hay
mirando lejos de la luz, realmente empujando
las secciones más cercanas
al borde derecho de esta forma
superior cara, esos valores más oscuros en
la foto de referencia. Estoy
bajando de ahí,
asegurándome de que estoy aplicando un poco más de presión o
un poco menos de presión, dependiendo de lo oscuro que sea el
valor en esa zona. Si después de aplicar algo
de tu color más
oscuro en áreas de valor más oscuras que
ves en esa foto de referencia, sientes que necesitas volver a
encender tu color medio
para poder trabajar en las transiciones. O oscurecer ligeramente ciertas
áreas que parecen demasiado ligeras, puedes
sentirte absolutamente libre de
cambiar de un lado a otro
entre estos dos colores. Sólo se asegura de que el color que tienes en la
mano que estás seleccionando vaya mano con el valor que
estás tratando de crear. Algunas veces cuando entramos con nuestro color más oscuro y comenzamos a desarrollar las secciones de
valor más oscuras. Esas áreas que
pensábamos que antes se veían bastante oscuras o al menos
como un tono medio, ya
no se ven tan oscuras. Esto se debe a que
si percibimos que
un área
es clara u oscura o algún lugar intermedio realmente va a depender de los valores
alrededor de esa área. Entonces podríamos encontrar la necesidad de usar ese color medio para
oscurecer ligeramente ciertas áreas, y también para que
ciertas transiciones entre valores parezcan un
poco más graduales, un poco más suaves. Si las cosas se ven un
poco demasiado duras, claro,
si ves
un
cambio de si ves aspecto bastante marcado entre diferentes valores en
esa foto de referencia, entonces no hay necesidad de
suavizar eso. Ahora voy a pasar a
la derecha de tela
para la tela roja, los tres colores que
había escogido inicialmente. Son el mismo rojo anaranjado
que estaba usando por aquí, y luego un
rojo más oscuro más profundo y mi morado. Entonces ya no voy a usar este porque
ya he
creado mis valores más ligeros. Voy a centrarme en
el rojo y el morado. Entonces este rojo es mi rojo escarlata
y este es mi violeta azul. Así lo mismo que hice
con la imagen y conduje a enfocarme en áreas de tono medio más oscuras y
áreas oscuras más oscuras. Y voy a comenzar con
mi color más claro de los dos, que es el rojo. Voy a empezar por el lugar
más seguro para empezar. Y esto es con las formas de sombra
oscura detrás de la imagen opuesta
a la fuente de luz. Estoy empezando ahí mismo con mi color medio y realmente observando esa foto de referencia, notando esas formas abstractas de
sombra ahí dentro, tratando de conseguir algo
parecido a lo que veo. Similar en forma,
similar en tamaño, y similar en ubicación, pero en realidad no
preocuparse demasiado por conseguir
exactamente lo mismo. Sé que siempre y cuando sean similares a lo que estoy
observando en esa foto. Y tengo en mente la estructura creada
por estos pliegues de tela, así
como la ubicación de la fuente de luz en
este ambiente, voy a terminar con
algo que se ve creíble. Ahora, sé que cuando se
trata de pliegues de tela, las cosas pueden ser un poco
abrumadoras y confusas. Sin duda es
fácil perder tu lugar. Así que de nuevo, quiero
animarte a trabajar sección por
sección y acercar esa foto de
referencia según sea necesario. Entiende realmente las curvas
creadas por los pliegues de la tela. Entender las secciones
de esas telas que están más cerca de la fuente de luz
y cuáles están más alejadas, qué pliegues de tela están cubriendo otras
secciones de tela e impidiendo que esa luz golpee esas secciones
de tela debajo de ellas. Todo eso te va a ayudar enormemente cuando estés
tomando decisiones qué áreas demasiado oscuras y más
y solo mantengas paciencia
durante todo este proceso. Aquí vamos por
niveles más altos de realismo. Y cuanto mayor sea el realismo
que buscas, más pacientes
tendrás que tener porque cuanto más tiempo va a tomar, y más observación
requiere. Si en algún
momento a lo largo este proceso comienzas
a sentirte un
poco cansado o incapaz de concentrarte
o algo por el estilo, te
recomendaría tomar un descanso en lugar de
intentar avanzar. Porque en el momento en que dejas mirar esa foto de referencia, y dejas de
cambiar de manera consciente entre tus
colores a medida que
avanzas, dejas de prestar atención al valor y a todas estas cosas. Empiezas a cometer errores
mayores que van a ser más
difíciles de corregir. Ya no pongo tu rojo en la porción visible de mesa aquí
abajo en la esquina
inferior izquierda, solo lo dejo como está. Estoy haciendo mi camino hacia arriba y continuando oscureciendo
secciones de tela que siento que necesito
empujar un poco más y haciendo mi mejor esfuerzo para dejar las
secciones de valor más ligero cubiertas por la segunda capa de color que estoy
haciendo ahora mismo. Sé que si encubro
esas secciones de valores más claros, voy a deshacerme de esos valores más claros
y voy a empezar a aplanar todo y hacer que todo
parezca demasiado pesado. Se puede ver el bosquejo o la textura del lápiz que dejó atrás mi lápiz de acuarela mientras
estoy rellenando estas áreas. Esa es la textura de lápiz a la que
me refería antes. En realidad es bastante agradable que este medio nos permita
crear este combo, este equilibrio entre bosquejar tus texturas y más
efectos pictóricos que podremos
crear más adelante. Después de aplicar este pigmento sobre papel con agua
sobre un pincel. terminé con
ese color medio en
toda mi tela. Se puede ver como dejé muchas de esas áreas de menor valor con solo esa primera estratificación de color que hice en
la fase número uno. Entonces llegó el momento de
encenderme a mi color más oscuro que
estoy usando en la tela, que es mi morado. Y una vez más, empiezo con la
zona más segura para comenzar, que está justo
detrás de la imagen, hay formas de
sombra muy oscuras en esta zona donde esa tela no está recibiendo
mucha luz en absoluto. Así que igual que lo que
hice con la jarra, ahora solo
estoy colocando este color más oscuro en secciones
que necesitan ser empujadas aún más dentro de esas formas de tono medio más
oscuras que ya he creado
con mi color medio. Así que estoy siendo aún más consciente ya que estoy colocando este color
más oscuro y
asegurándome de que solo lo estoy
superponiendo sobre ese rojo en secciones que
necesitan ser empujadas más. Así que de nuevo,
vas a notar que estas formas que
estoy creando con este color más oscuro son incluso más pequeñas que las que estaba creando con
mi rojo medio. Y las formas,
claro que creé con mi rojo medio eran
mucho más pequeñas que
las formas que
estaba creando con
mi rojo más ligero. Cuando se trata de piezas de lápiz de
acuarela, realmente
me ha gustado
traer lo que me gusta referirme como un color de sombra
alternativo. Este es un color que en
realidad no veo en esa foto de
referencia. Muchas veces para mí,
es un morado, como en este caso, o un color azul e índigo, que es un azul muy oscuro, es algo que también disfruto
mucho traer. Al traer un color de sombra
alternativo. No solo puedes integrar más
la pieza
usando el mismo color en diferentes secciones o
áreas de tu pintura. Pero también puedes hacer que tu
pieza sea más impactante. Puedes agregar personalidad
e intereses, y simplemente realmente da vida a
la pieza. Y qué
color de sombra alternativo decido traer, realmente depende de qué tipo de tema sea el
que esté pintando, ya sea una
escena de la naturaleza y un objeto orgánico, materiales
hechos por el hombre y objeto
mecánico, un animal, qué estilo
es al que voy y también el esquema de color general
que estoy tratando de crear. Recuerda siempre que el color es un elemento del arte que juega un papel muy importante detrás de hacer que una composición visual luzca
armoniosa y cohesiva. Entonces, al elegir una cantidad limitada de colores y pensar en
cómo vas a repetir un color a lo largo la pieza puede ser en secciones de
sombra, o simplemente como un color
base diferentes
áreas de tu pieza que va a ayudar a que tu
obra de arte
se vea mucho más armoniosa y
bien integrada. Y al mismo tiempo que artistas,
ya que estamos planeando y preparando nuestro esquema de color para
la pieza que tenemos a mano. Esta es solo una gran
oportunidad para traer nuestra licencia artística con el
fin de incorporar más de
nosotros mismos a la composición, fin de hacerla nuestra. Y realmente comunicar
ese estado de ánimo, mensaje ,
idea o historia
que queremos comunicar. Al igual que como lo hice
con mi foto. Una vez que he añadido en
algunas de mis secciones moradas, en mis sombras más oscuras, vuelvo a mi color medio. Y esta es una orden para trabajar en las transiciones un
poco más. Porque ahora que he
agregado mi color más oscuro, algunos cambios de valor son solo un poco
para empezar a buscar. En otros casos, si
encuentro necesito
oscurecer ligeramente las secciones de valores más claros un poco más. Lo hago con este color medio ejerciendo apenas ninguna
presión en absoluto. Solo me estoy
asegurando de no estar
encubriendo esas secciones de
valor más ligero. Entonces entro con un toque
muy ligero con este color medio, trabajando principalmente en transiciones. Y realmente ejerciendo
cada vez menos presión medida que me dirijo hacia esas secciones de valores
más claros, donde solo quiero dejar esa capa inicial de color
brillando a través descubierta. Se puede ver como
hay muchas secciones que no
tapé con ninguno de estos dos colores que
acabo de usar ahora mismo. Toda esta área
aquí, por ejemplo mucha de esta área por aquí,
un par de secciones por
aquí e incluso aquí abajo, todavía se ve ese
efecto pictórico porque no volví a repasar esas áreas
con la segunda capa. Es solo esa capa inicial
que hice en la fase uno, brillando al descubierto por
esta nueva colocación de color. Y eso es exactamente
lo que quiero hacer. No quiero seguir
colocando color en zonas donde no lo necesito o no
necesito profundizar y oscurecer. Voy a seguir adelante y trabajar en la flor y luego en la mesa. Entonces con la flor, volveré a traer
el gris. Esto es diferente con los pétalos de flores porque se
trata de un objeto blanco. El enfoque con objetos
blancos o sujetos es definitivamente
un poco diferente de otras
cosas que
podrías estar desarrollando tus valores. Y así cuando se trata
de la flor, yo estaba usando el gris y
el morado para los pétalos, y el amarillo y el verde
para la sección de perspicacia ahí. Entonces lo primero
que hago es usar mi gris que ya estaba
usando en mis pétalos. Lo que estoy haciendo es que estoy describiendo las líneas
en esos pétalos, la textura que veo en
esos pétalos apenas un
poco de una manera muy sutil y
suelta con este gris, puedes verme usando trazos
ahusados hacia afuera comenzando en la
parte más interna de ese pétalo más cercano al centro
y haciendo mi salida. Solo estoy agregando algunos trazos extra para describir un poco
de esa textura de pedal. No estoy tratando de
tapar la totalidad de ese pétalo porque no
quiero que esta flor se vea gris. Esto es solo un indicio sutilmente
de esa textura de charco. Las líneas que puedo ver en esos pétalos en
la foto de referencia. Después de haber agregado en
algunas de esas líneas. Adelante, oscurece
ciertas sombras, secciones entre
pétalos superpuestos con mi gris antes de encenderme a mi color más oscuro que
estoy usando en mis pétalos, que es el morado. Después de haber empujado
algunas secciones de sombras un poco más con mi gris, me enciendo a mi morado y solo hago
un poco
de empujar las áreas más oscuras entre pétalos
superpuestos con
este color más oscuro. Estoy saltando por toda
esta sección de pétalos y realmente viendo
todo como un todo. Esto es muy importante cuando estás pintando objetos blancos. Realmente quieres
asegurarte de que estás volviendo a ver todo como un todo, cómo se ve todo desde un poco
más lejos porque es muy fácil ir borda y seguir agregando
y agregando y agregando color. Y de repente el objeto ya no
se ve blanco. Así que toma descansos y mira todo desde una distancia
más lejana. Y realmente pregúntate si más color
o marcas o líneas son realmente necesarias para comunicar
ya sea la textura o los efectos de luz y sombra que estás queriendo
comunicar. No quiero
exagerar y empezar
a hacer que esos pedales
no se vean blancos. Entonces voy a encenderme
a los dos colores que
estaba usando en la
sección central de la flor. Y para esta área, me enciendo a usar
pequeños movimientos circulares o trazos para comunicar tanto la textura como el
valor simultáneamente. Y después de colocar ese amarillo, ahora
me estoy
encendiendo a mi verde, presionando hacia abajo una pared un
poco más dura, creo esos círculos dentro de esta área y estoy tratando de
enfocarme más en la parte exterior. Esto ayudará a que la
sección más central se vea elevada o curvada. Se puede ver como dejé pequeñas secciones de
papel brillando a través. Y eso me va a ayudar solo a crear visualmente
esa textura. Ahora bien, si sientes que
has colocado
demasiado púrpura o gris
en tus pétalos blancos. Recuerda que
siempre tienes tu goma de borrar solo te
aseguras de que sea agradable y limpia si
vas a entrar con ella. Y si necesitas
hacer algún levantamiento, ciertamente
puedes
entrar y levantar algo de ese color antes de
hacer tu activación. Porque una vez que hayas
activado ese color, no vas a
poder quitarlo. Voy a estar
agregando un poco de púrpura sobre este verde. Voy a usar pequeños trazos
circulares diminutos porque sí quiero
asegurarme de que estoy cambiando a un trazo o
tipo de aplicación que me
va a ayudar a crear esa textura en la
parte central de la flor. Y en su mayoría estoy agregando
en este morado en las secciones exteriores de este círculo en
medio de la flor. Esto
me va a ayudar a elevar más
esa sección central más arriba un poco más oscureciendo
los bordes exteriores. Justo aquí. Sólo voy a tomar un
segundo rápido para oscurecer aún más pequeñas secciones fuera del centro de
la flor, fuera de esa sección
verde amarilla en las partes más internas
de los pétalos blancos, justo al lado de la
sección central de la flor. Y por último, es
momento de trabajar en la segunda capa de la tabla. Para la mesa, en realidad solo hemos seleccionado dos colores diferentes. A diferencia de otras áreas donde estamos usando tres colores
diferentes, solo
tenemos un marrón más claro, que en mi caso
es mi ocre quemado, y un marrón más oscuro, que en mi caso es
mi Van **** marrón. Entonces lo primero que hago
es usar mi marrón más oscuro, mi Van **** marrón, entrar y oscurecer ciertas
secciones un poco más. Ahora bien, si recuerdas, en la primera fase, estaba mencionando que es muy importante que no creamos líneas o formas
muy marcadas en la mesa que puedan
distraer demasiado al espectador. No queremos llamar
demasiado
la atención del espectador a las secciones de la mesa. Entonces me aseguro de
entrar muy a la ligera. Me estoy asegurando de no ejercer
mucha presión en absoluto. Solo busco oscurecer ciertas secciones más pequeñas de esas formas marrones más oscuras que ya
había empezado a desarrollar. Un poquito más, liberando esa presión
mientras me dirijo hacia áreas marrones
más claras para crear
agradables transiciones suaves. Aquí mismo estoy oscureciendo algunas
secciones de sombras más profundas justo debajo la tela roja en esta porción
visible de la mesa en la esquina inferior
izquierda de la pieza. Una vez que he aplicado un
poco más de mi marrón más oscuro, vuelvo a cambiar a
mi marrón más claro, mi ocre quemado, para
trabajar en suavizar las transiciones entre
mis marrones más oscuros y mis marrones más claros. Al igual que con todas las
demás áreas en las que he venido desarrollando más valores en
esta fase del proceso. Quiero asegurarme de que
estoy dejando bastantes secciones donde esa estratificación
inicial de color que hemos activado
con agua queda sola y brillando
completamente descubierta con esta nueva estratificación de color. Y eso es todo. Eso es todo lo que voy a hacer para la segunda aplicación del color. Ahora es el momento de
pasar a hacer nuestra segunda activación del color usando agua
y un pincel.
9. Activación de segundo color: Entonces tengo mi agua conmigo, tengo mi toalla absorbente, y tengo mi cepillo redondo talla
diez. Voy a empezar con mi segunda y última
activación del color. las mismas cosas que
hacíamos antes con Aún se aplican las mismas cosas que
hacíamos antes con
nuestra primera activación
del color. Quieres entrar con solo una pequeña cantidad de agua y
quieres asegurarte de que estás notando lo que
está sucediendo en tu papel mientras empujas y tiras
ese color alrededor. Realmente
enfocándote en respetar y proteger esas
diferentes formas de valor que ya has creado. Esta segunda activación del
color realmente debería tomar una cantidad de tiempo más corta
que la primera activación
del color que hicimos. Porque en
realidad solo estamos pasando nuestro pincel sobre las
secciones en las que
acabamos de aplicar más color
en la fase anterior
que acabamos de hacer. No estamos pasando
nuestro pincel sobre todo con la
primera activación de color que hicimos, había más por activar, pero esta vez hay
menos pigmento para activar. Esas secciones a las
que acabamos de agregar más color en la fase
anterior son más pequeñas. Así que no empieces sin pensar a pasar tu pincel
sobre todo. Simplemente activa ese color
en las áreas en las que
acabas de agregar más color
en la fase anterior. Y si sientes que
necesitas trabajar un
poco más en áreas de
transición,
donde los valores más oscuros se están
convirtiendo en valores más claros, solo asegúrate de entrar con un
pincel limpio y ligeramente húmedo que no tengas ningún pigmento en las cerdas de tu
pincel. Puedes pasar esas cerdas limpias y ligeramente húmedas
de tu pincel a lo largo de ese borde que
buscas suavizar para ayudarte a suavizar las transiciones un poco más si sientes que lo necesitas. Pero si tienes alguna cantidad de pigmento en tus cerdas de
pincel y entras en secciones de valor
más ligero. Se puede correr el riesgo
de oscurecerlos. Estoy haciendo mi mejor esfuerzo para trabajar desde áreas
más claras hacia áreas
más oscuras. Y también estoy realmente
prestando atención a la
cantidad de pigmento que está empezando a
recogerse en mis cerdas de
pincel. Si noto que estoy
empezando a tapar secciones que no
pretendía oscurecer. O estoy empezando a empujar y
sacar demasiado pigmento alrededor. Inmediatamente elimino ese
pigmento para
las cerdas de mi pincel al hacer girar
mi pincel en mi recipiente con agua. Quita ese exceso de agua para
que no entre con demasiada raspando suavemente las cerdas de
mi pincel a lo largo de la
parte superior de mi recipiente. Y también estoy constantemente frotando la punta de
mi pincel en mi toalla absorbente que
tengo ahí a mi izquierda. Se puede ver como me están
quedando con pequeñas cantidades de lío salpicado mientras estoy
haciendo mi activación de color. Pero no voy a entrar y tratar de deshacerme de esa textura, sobre todo porque sé
que todavía vamos a estar aplicando más
color encima de esto. Y también porque corro el
riesgo de sobretrabajar mi papel. Si lo hago aquí mismo, estoy corriendo las cerdas limpias y
ligeramente húmedas de mi pincel a lo largo de los bordes de mi forma de resaltado más brillante, esta forma blanca que
he mantenido protegida en
el camino donde hay papel
limpio
brillando sin pintar. Solo busco suavizar los bordes
de esta forma de
reflejos más brillantes. Y lo hice con un pincel
ligeramente húmedo más limpio y simplemente pasando suavemente las cerdas del pincel
sobre esos bordes. Quizás haciendo un
poco de fregado suave y haciendo un
poco de secado
con mi toalla absorbente. Después de hacer eso,
llegó el momento de ponerse a trabajar en la activación del color
en el mango. Quiero asegurarme de que
incluso en mis viajes de mango, tengo una variedad de
valores desarrollados. Entonces quiero áreas más claras, áreas tono
medio
y áreas más oscuras. En estas formas de mango. Quité todo ese color
de las cerdas de mi pincel y ahora voy a ponerme a
trabajar en la tela. Levantando algunas gotas de agua que me metí en mi
pieza accidentalmente. Y voy a
empezar de nuevo por aquí, hacer mi camino hacia abajo. Y piense en la estructura
tridimensional creada por los pliegues de la tela. En lugar de simplemente ir así. Me estoy acercando a
esto en secciones. Sigo observando
esa foto de referencia para recordarme lo que
está pasando con
estos pliegues de tela
y con paciencia y cuidado continuar
trabajando sección por sección, zoom en diferentes partes de
la foto de referencia a medida que avanzo. No estoy pasando mi pincel sobre esas
secciones más ligeras que no apliqué más color en la
fase anterior de este proceso. Sé que si lo
hago, corro el riesgo de oscurecer esas secciones y
voy a estar quitando esos
valores más ligeros que realmente
necesito si quiero que esto
se vea realista. También recuerda que
si tapas esas secciones de valores más ligeros y te deshaces de los reflejos, tus piezas no van a
tener esa ligereza y ese efecto
resplandeciente que tan
particular de la acuarela, eso sucede cuando
incorporas el brillo del papel
como parte de la pieza. Estoy haciendo todo lo posible para estar al
tanto del control del agua. Estoy abrazando pequeñas
imperfecciones y pequeñas manchas que quedan mientras estoy activando este color. Realmente no buscando deshacerse de esa textura creada
por el lápiz. Y sigo
enfocándome principalmente en el valor porque sé que ese
valor es el número uno. Cuando se trata de desarrollar una sensación creíble de profundidad, vamos a estar
haciendo más capas de color sobre esto para profundizar y oscurecer algunas
secciones aún más en la siguiente fase
de este proceso. Así que la mayor parte de ese chapoteado
Ness va a desaparecer. Una vez que consigues la caída
de activar el color, puedes hacerlo con bastante rapidez. Te metes en un ritmo de activar y luego limpiar
tu pincel y volver a entrar y hacer un poco más activando y limpiando tu pincel y volviendo atrás y solo toma un poco de
práctica y acostumbrarte. Casi terminé con mi
activación de color en la tela. Y estoy tomando
nota de un par de estas largas formas rojas que me
parecen un poco
demasiado a líneas. Y es importante
notar este tipo de cosas o cualquier cosa
que pueda requerir un poco de
fijación o ablandamiento antes de pasar a la
siguiente fase del proceso. Porque de esta manera,
estarás preparado para arreglar eso o hacer que ese error sea menos
notorio en la siguiente fase, que viene arriba
donde vamos a estar aplicando más color en la parte superior. Bien, entonces ya terminé
con la tela. Voy a seguir adelante
y trabajar en la mesa y voy a
dejar la flor por sólo el último
elemento para activar solo porque necesito tener
mucho cuidado con la flor. Así que eliminé todo lo que leía de mis cerdas de pincel
y voy a entrar y simplemente muy rápido y vagamente repasando las secciones donde
acabo de colocar más color. Quiero activar. Y eso es todo por esta parte
superior de la mesa. Voy a hacer un
poco de activación en esa parte de la esquina
inferior izquierda. Y voy a estar todo hecho. Hagamos la flor. Entonces voy a
quitar todo este
marrón para mis cerdas de pincel, asegúrate de que estén
bonitas y limpias. Y voy a
empezar con mis pétalos. Solo estoy buscando activar muy, muy suavemente la puja de color que
ya coloqué. Y no estoy tratando de jalarlo todo
a lo largo de los pétalos porque lo contrario ya no van
a verse blancos. Entonces, fíjate en
lo rápido que estoy haciendo esto, ¿verdad? Y si ya empezaste a
crear ese poco de textura con
trazos lineales en esos pétalos, arrastra
muy suavemente la punta
de tu pincel sobre esa línea que creaste
con tu lápiz de acuarela. Y simplemente revísalo
una vez con un movimiento
movible hacia arriba, hacia afuera
con tu pincel. Y eso va a
ayudar a suavizar esa línea, va a difuminar
con esta flor blanca. Soy aún más cuidadoso
asegurándome de no encubriendo esa blancura
del papel que
todavía tengo bastante. Ese papel blanco está
brillando en todos estos pétalos. Comenzar en las secciones de
valores más claros y
abrirme camino hacia
secciones de valores más oscuros es realmente útil. Y eso es todo por los pétalos. No quiero
hacer otra cosa. Ahora para el centro, voy a comenzar
en el medio con suaves trazos circulares
incluso con mi pincel. Y muy suavemente solo tocar la punta
de mi pincel sobre estas áreas donde
coloqué un
poco más de color y eso debería ayudar a derretir ese
color un poco más. Todavía dejé un
poco de textura ahí. Realmente no estoy
buscando deshacerme de esa textura por ahora. Eso es todo lo que voy a hacer. Eso es todo por esta
segunda activación del color en este proceso, no
vamos a estar
trayendo más agua ni
ningún otro pincel
hasta que llegue el momento pintar en la pared posterior con la
tradicional pintura acuarela. Por ahora, voy
a permitir que esto se
seque completamente una vez más. Y después de que esto esté seco, vamos a pasar a
la siguiente fase de este proceso, donde vamos a estar haciendo
nuestra aplicación final lápiz
de acuarela.
10. Tercera aplicación de color: Bien, así que todo está completamente seco y es momento de
trabajar en nuestra tercera capa
de lápiz de acuarela. En esta fase del proceso, nos estamos enfocando solo en las áreas oscuras más
profundas y oscuras. Entonces vamos a estar usando el color más oscuro que
hayamos elegido para cada área. Y probablemente
vamos a estar trayendo de nuevo
un poquito del color
medio, si tenemos que trabajar
en alguna transición. Entonces empecemos nuevamente
con la imagen, los dos colores que estaba usando en la última fase
del proceso, donde mi amarillo cromo oscuro, mi naranja amarillo, y mi naranja
rojo justo aquí. Ahora bien, si recuerdas, cuando estaba
eligiendo mis colores por primera vez
antes de comenzar
con el proceso de pintura, estaba pensando en traer el morado solo en las zonas
más profundas y oscuras de la imagen. Esto va a ser muy
útil porque
solo puedo ponerme tan oscuro con
este color más oscuro que he elegido también
va a
ayudar a integrar estos
tres elementos juntos maravillosamente
porque aquí estoy usando púrpura y aquí estoy
usando púrpura. No obstante, todavía quiero tener estos dos
a mano por si acaso necesito
trabajar un poco más en las transiciones. Entonces voy a
traer el morado. Realmente solo voy a
estar usando este color ahora si siento que necesito
suavizar las transiciones,
si están buscando
comenzar realmente, si están buscando
comenzar realmente, solo
me estoy enfocando en las áreas oscuras
más oscuras, medios tonos
más
oscuros y las áreas de sombra más oscuras. Tan bueno para entrar
con mi naranja roja. Estoy observando esa
foto de referencia y sólo voy a estar aplicando esta tercera capa
de color en las
secciones de sombras
más profundas y oscuras que veo. Solo estoy buscando empujar las zonas más oscuras en
este punto del proceso. Y dejando todos
los tonos medios más claros
y las luces más ligeras completamente descubiertos por esta
tercera aplicación de color, sigo notando en esa
foto de referencia donde tengo transiciones
nítidas
entre formas de valor y donde tengo transiciones
más suaves y graduales. Como por ejemplo en esta sección
inferior de esta estructura esférica
en la imagen, tengo una
transición gradual más suave donde los valores
más oscuros se
convierten gradualmente en tonos medios más claros. Así que me aseguro de
aplicar cada vez menos
presión a medida que
salgo de áreas de valor
más oscuras y a secciones de valor
más ligero. Incluso en este punto
del proceso donde estamos trabajando en los valores más
profundos y oscuros, todavía no
estoy aplicando demasiada presión hasta el
punto de bruñir mi papel. Puedo permitirme
presionar un poco más fuerte que con mi segunda
aplicación de color, sobre todo en esas secciones muy
profundas donde
realmente estoy buscando tapar
la mayor parte de ese papel, pero aún así quiero tener cuidado. No quiero
empezar a dañar accidentalmente mi papel. Aquí mismo tengo un
filo definido y esa foto de referencia. Pero aquí abajo, los bordes
un poco más suaves. Así que estoy aplicando
mucha menos presión y probablemente voy a
estar trayendo este color amarillo, naranja en solo un poco
para suavizar las transiciones un poco más entre oscuros y tonos medios
más claros. Voy a empezar a oscurecer algunas secciones que hay que oscurecer a lo largo esta
estructura cilíndrica en la imagen, definitivamente
tengo secciones de valores
más oscuros para seguir empujando más, hay una forma de valor
oscuro muy visible que está ocupando casi la mitad de
la estructura cilíndrica. Y tiene un borde definido bastante
afilado que quiero asegurarme de
que suceda en mi pieza. Entonces continué con
mi estratificación de este tercer color en la imagen, continuando comparando
mi pintura con la foto de referencia y notando secciones que
necesitan oscurecerse. Hago un poco
de oscurecimiento a lo largo del borde derecho de la parte
cilíndrica de la jarra. Hago un poco
de oscurecimiento en pequeñas secciones en el mango. Y luego paso a
oscurecer secciones en los planos internos
de la imagen. Voy a estar haciendo un
poco más de superposición de este naranja rojo antes de
encenderme a mi morado, quiero asegurarme de que
ya he desarrollado una bonita gama de tonalidad y valor antes de
traer mi color más oscuro, que va a ser el morado. Si solo me he quedado dentro
del valor de
luz a la gama de tonos medios claros, y traigo mi morado. Ese morado va
a crear mucho contraste sobre esos valores
relativamente más ligeros. Así que pasa el tiempo que
necesites y asegúrate de
que ya has desarrollado un cierto nivel de desorden
3D antes de
encenderte a tu morado. Entonces, finalmente, voy a seguir
adelante y usar mi morado. No voy a presionar
demasiado fuerte en absoluto porque este color es mucho
más oscuro que el color que ya
está ahí. Quiero llevarlo adelante de
manera incremental paso a paso. Entonces voy a volver a empezar por aquí. Y recuerda que más oscuro
te pones con tu color, más pequeña es
la forma. Y cuanto más quieras
ser consciente de ejercer aún menos presión a medida que te diriges hacia
los tonos medios más claros. Puedes ver aquí no
voy a entrar inicialmente con mucha presión
con mi morado. Y puedes ver como no
voy a entrar y encubriendo todo mi rojo. Sólo estoy oscureciendo
ciertas secciones de estas formas oscuras
que ya había empezado a crear con mi rojo. Si después de haber hecho esta
capa inicial más clara con mi morado, quiero entrar y oscurecer
las secciones aún más. Puedo considerar
entrar con otra capa y quizás presionar un poquito más
hacia abajo. Realmente se trata de tomar las cosas gradualmente de
manera incremental, paso
a paso hacia valores
más oscuros más profundos. Aquí hay una forma de
sombra profunda. Y una
forma de sombra profunda por aquí, justo debajo de la imagen. Y voy a
seguir saltando alrededor de todo el cuadro, superponiendo este morado en las secciones de valor
más oscuras que veo en esa foto de referencia. Empezando suavemente, sin
presionar muy fuerte en absoluto, y luego
dejarme
presionar un poco
más fuerte si quiero hacer más capas sobre eso solo en las secciones de
sombras más oscuras más profundas. Ahora que he hecho mucha
superposición de púrpura sobre mi rojo, se
puede ver que
esta combinación de colores se ve bastante bonita. Cuando vas a estar mezclando,
mezclando o superponiendo dos colores
diferentes juntos. Es muy importante
probar esa mezcla de colores
en un trozo de papel de acuarela antes de usar esos dos colores en
tu proceso de pintura. De esta manera puedes evitar Medina o crear colores
que no pretendías crear. Y si vas
a estar activando esos dos colores
juntos, como por ejemplo si vas
a estar colocando el morado sobre el rojo
y vas a estar trayendo agua
y un pincel y activando esos dos y
mezclándolos. Prueba eso también. Porque con lápices de acuarela, como ya he mencionado antes, cuando activas ese color, puede verse bastante diferente
a como se veía antes. En este caso, ya no
vamos a estar trayendo agua y un pincel para
activar estos colores juntos, los
vamos a dejar como están. Pero sí quieres
evitar crear colores
indeseados tanto
como puedas. Y hacer algunos trabajos de planificación y preparación y entrar
con una estrategia,
por supuesto , va a ser
increíblemente útil para evitar
ese tipo de cosas. Incluso de diez a 15 minutos de planear tus colores específicos que vas a traer y asegurarte de que
los swatching y
activarlos en un
trozo de papel de acuarela. Si vas a estar trayendo
agua y un pincel a tu proceso
va un largo camino. Bien, así que ya terminé con
el morado por ahora. Y si ahora que has
aplicado tu color más oscuro, quieres cambiarlos de
nuevo a tu
rojo más oscuro o a tu
color medio
para trabajar en transiciones entre estas nuevas formas de valor más oscuro y los tonos medios que ya
habías desarrollado. Puedes seguir adelante y hacer eso. Aquí estoy usando mi rojo
más oscuro y
repasando bordes y creando transiciones
más suaves. Aplicando cada
vez menos presión a medida
que me dirijo hacia secciones de valor
más ligero. Me pueden ver trabajando
en transiciones
aquí mismo en este
lado ligero del cilindro. Y también aquí mismo en esta sección ligera de
la estructura esférica. Voy a redondear la parte esférica del
cuadro colocando un poco más
la parte esférica del
cuadro colocando un poco de este rojo a lo largo
de los bordes. Agregando rápidamente un poco más de este color en otras secciones. Y luego me
enciendo a mi color medio. Si quieres trabajar en
transiciones entre tus tonos medios claros y
tus áreas de luz más claras, puedes volver a
tu color medio. Entonces para mí es este
amarillo, naranja. Vas a notar cómo trabajo alrededor de la sección de
destacados más brillantes. Y a medida que me dirijo
hacia esa zona más ligera, libero esa
presión por completo, dejando una porción de esa capa
inicial que creé, especialmente esa sección alrededor la forma de resaltado más brillante. Libre de este pigmento extra, no
necesito agregar
más color a esa área. Este es el punto en el
proceso donde si quiero
agregar un poco de
color en estos bordes, el labio aquí arriba
y este borde aquí. Si lo he dejado
en blanco, ciertamente
puedo entrar con mi amarillo, naranja o incluso en secciones con mi naranja rojo para
crear un poco de rango de valores en
estas formas muy estrechas. Bien, ajetreo. terminé con
la foto y es momento de pasar a la tela. Entonces cuando se trata de la tela, estaba usando mi naranja rojo, que es mi naranja cromo oscuro. Estaba usando mi rojo más oscuro, que es rojo escarlata, y estaba usando mi azul púrpura
para las áreas de sombra más oscuras, el rojo más claro
ya
no voy a usar porque me estoy
enfocando en los valores más oscuros. Así que voy a entrar con mi rojo escarlata y
voy a empujar un
poco
más las áreas de sombra más oscuras con
mi azul púrpura. No es mi
intención oscurecer nada excepto las áreas que
realmente necesitan oscurecer. Voy a comenzar con esta zona
sombría de aquí. Y igual que lo que he
estado haciendo cuando he estado trabajando en la tela
y todas las fases pasadas. Me aseguro de trabajar
sección por sección, haciendo zoom en estas áreas en la foto de referencia a
medida que avanzo. Y estoy haciendo todo lo posible para no
colocar más color o hacer más superposición de pigmento en las secciones de valores más claros. Voy a seguir
bajando, oscureciendo formas de sombra
debajo de la flor. Y donde quiera que vea formas de
sombra debido a que la tela se
pliegue sobre sí misma. Voy a repasar toda
esta forma excepto
por el borde inferior. Y esto es porque veo valores
más claros en
ese borde inferior en la foto de referencia. Entonces me voy a quedar
lejos de esa zona. Nunca dejé de mirar esa foto de referencia
mientras me estoy moviendo. Es muy importante
entrenarnos para observar si buscamos niveles
más altos de realismo. Mientras estoy trabajando en esta
capa en la tela, estoy recordando lo que no había notado antes en
la fase anterior sobre cómo algunas de estas formas se parecen un
poco demasiado a las líneas. Y entonces lo que estoy tratando de
hacer es que estoy tratando de suavizar ese efecto de línea agregando un poco más de
color a lo largo de algunos de los bordes de esas líneas, haciendo que ciertas secciones
se vean un poco más gruesas. Otras secciones se ven
un poco más delgadas y la convierten en una forma más abstracta alargada que
en una línea. Si realmente observas de cerca esa foto de
referencia, estas son formas abstractas, no
son líneas. Entonces, si ves algo
así como una línea en tu trabajo, solo piensa en cómo
puedes hacerlo un poco más irregular. Después de oscurecer otras pequeñas
secciones aquí y allá, decido traer mi borrador de grafito
suave. Me aseguré de que fuera
agradable y limpio antes entrar para
hacer un poco de borrar fuera de color
o levantar para suavizar secciones de esas
formas que me parecen un poco demasiado
líneas. Esto definitivamente ayuda a crear más irregularidad a lo largo de
estas largas formas. De esta manera algunas secciones
se ven más claras, otras secciones se ven más oscuras
y se ven mucho menos. Líneas que tienen un peso
consistente de un extremo a otro extremo. Mientras no hayas
activado ese color, vas
a poder levantar algo de él. Por fin estoy listo para
entrar con mi morado. Y una vez más, voy
a empezar detrás del cuadro donde veo formas de sombra
muy oscuras. Y voy a hacer mi
estratificación de púrpura sobre ciertas secciones de
esa forma de color rojo oscuro que ya había creado. Voy a hacer mi
camino hacia abajo desde allí, oscureciendo otras secciones más y realmente asegurándome de
que no estoy sobreusando el color más nítido
y aplanando áreas que son realmente tonos medios y no las áreas oscuras más oscuras. Continúa haciendo zoom en
esa foto de referencia según sea necesario y no te
abrumes. Solo trabaja sección por
sección poco a poco. Observa y pregúntate, ¿esta sección es más oscura o más clara que esta
sección de aquí? Entonces, si has revisado alguna de mis otras
clases o tutoriales de lápiz de acuarela, entonces probablemente ya estés
muy consciente de que me encanta usar lápices de
acuarela a
su máxima capacidad. Entonces por eso me gusta activar
ese color con agua. Y también me gusta incorporar la textura que dejan
atrás como parte de la pieza. Si solo fuera a
por efectos pictóricos, definitivamente
iría por simple pintura de
acuarela tradicional vieja. Y lo que estoy usando lápices de
acuarela, me gusta usarlos a todas
sus capacidades y activar el
color e incorporar cierta cantidad de
efectos pictóricos mientras sigo haciendo uso de la textura que
dejan atrás por interés. Como incorporar
el aspecto incompleto que pueden producir, siendo también un medio de dibujo. Y realmente
equilibrando eso con efecto pictórico. Por lo que también puedes crear
con este medio. Y es por ello que
no vamos a estar activando esta tercera
aplicación de color. Queremos una mezcla de incompletos y efectos
pictóricos. Voy a
callarme mientras sigo oscureciendo secciones
usando mi morado. Bien, así que he terminado con mi morado en toda la tela. Y si quiero volver a mi rojo
para trabajar en transiciones después de haber empujado esas secciones de valores más oscuros, definitivamente
puedo hacer eso. Si encuentras que tienes formas moradas de aspecto
muy marcado o quieres hacer la
transición más suave, más gradual entre
tus diferentes valores. Puedes usar tu rojo
más oscuro para hacer
algún trabajo a lo largo de los bordes
de tus formas moradas. Bien, así que no voy a hacer más capas sobre la mesa. No creo
que sea necesario. Ya hay una buena gama
de valores en esa zona. Y debido a que es una especie de elemento
secundario de apoyo, realmente
no
hay necesidad de agregar más detalle o textura
en esa área. Yo sí quiero oscurecer
esta forma de sombra
aquí mismo en la esquina inferior
izquierda donde esa porción visible de
la mesa está justo debajo la tela para que realmente pueda situar estos objetos
sobre la mesa. Para ello, uso mi marrón más oscuro, que es mi Van **** marrón. Entonces entro y hago
un poco más de
superposición con
este marrón más oscuro, sobre todo en las secciones
más cercanas a la tela. Y luego voy a
encenderme a mi morado. Y con mi morado, estoy haciendo aún más solapamiento, pero ahora solo a lo largo del borde
inferior de la tela. Entonces estoy oscureciendo sólo lo que
sería el área de sombra de oclusión. Bien, genial. Entonces ahora voy a hacer un
poco más de trabajo en la flor. Entonces voy a
traer de vuelta un gris, verde y el morado. Con mi gris. De verdad, sólo me voy a
centrar en crear esas líneas. Y todo lo que estoy haciendo es
hacer un poco de garabatos aquí abajo
y simplemente
tirar rápidamente algunas líneas,
asegurándome de que las líneas no se vean demasiado
rígidas o rectas. Quieres seguir la curva
de esa forma del pétalo. De lo contrario, pueden terminar
pareciendo un poco poco antinaturales. Entonces ya es suficiente. No quiero hacer otra cosa. Si hay algún poco de formas de sombra que quieras
desarrollar en los pétalos, especialmente en la
sección más cercana al centro ahí. Y debajo de los pétalos,
puedes hacer eso. Solo ten
cuidado de no estar exagerando. Ahora por fin, en el medio, aquí es donde quiero entrar. Quizás quieras asegurarte de que tu
lápiz de acuarela esté afilado. Así podrás entrar con pequeños trazos circulares para desarrollar un
poco más de textura. Y luego voy a entrar, firmar un contrato de arrendamiento con mi morado. Y sólo voy a hacer unos pequeños círculos diminutos ahí para desarrollar
algunos valores más oscuros. Y realza
un poco más esa textura. Voy a empujar algunas secciones de
sombras con mi morado aquí justo
debajo de los pétalos de flores. Y ya estoy todo hecho. Si sientes que te excediste un
poco con el morado o quieres
suavizar el morado, entra con tu goma de borrar y
solo haz un poquito de levantamiento. No quiero que ninguna
línea o marca distraiga
demasiado o que Stark se vea en la flor. Y con eso, todos
terminamos con esta fase del proceso. Ahora es el momento de pintar
la pared de fondo. Entonces vamos a estar trayendo
como algún tipo de pintura. En mi caso,
voy a estar trayendo pintura tradicional
de acuarela.
11. Pintura de pared de fondo: Cuando se trata de la pintura que vas a
usar para tu pared trasera. Realmente, puedes usar el color de
pintura que quieras. Si tienes índigo, puedes usar índigo. Desde que se me acabó el
índigo, voy a estar mezclando azul ftalo y tinte neutro. Voy a empezar a crear
mi mezcla de color azul oscuro. Voy a usar mi pincel redondo talla diez para
crear mi mezcla de colores. Y entonces voy a cambiar
a otro pincel porque esta es una forma
bastante grande en la
que vamos
a estar pintando. Y no quiero usar un
pincel que sea demasiado pequeño. Quieres asegurarte de que siempre
estás eligiendo un tamaño de pincel que sea apropiado para el área que
vas a pintar. De lo contrario, puedes hacer que
el proceso de pintura sea mucho más difícil y frustrante
de lo necesario. Solo estoy tomando un
poco de agua a la vez, llevándola a
mi color azul ftalo, rosa aquí en mi paleta, sacando un
poco de pintura a la vez a esta sección de mi paleta que había limpiado
previamente. Y voy por una mezcla de colores agradable y
jugosa
que es aproximadamente una consistencia
parecida al café a la leche. Así que aproximadamente 50%, 50% de
agua es lo que quieres. Quiero asegurarme de que tengo suficiente también porque de nuevo, esta es una zona bastante grande. Vamos a estar creando un buen lavado
en toda esa zona. Bien, entonces creo que ya es suficiente de mi mezcla de color azul. Voy a estar agregando
un poco de mi tinte neutro para oscurecerlo. Voy a agregar solo un
poquito de mi gris o negro a la vez hasta que
lo consiga tan oscuro como quiera. Puedes usar el azul que quieras o al que tengas acceso. Puede ser azul ultramarino. Puede ser en el trono azul, failover, azul, azul prusiano. Si quieres oscurecerlo más, puedes oscurecerlo
con el gris de Payne, tinte
neutro, el negro neutro, cualquier cosa así
funcionará perfectamente. Busco un azul profundo. Entonces por eso
agregué bastante tinte
neutro a mi azul. Bien, creo
que ya es suficiente. Voy a probar este color en un trozo de papel de
acuarela antes de usarlo para asegurarme de
que está donde quiero que esté. Yo sí quiero que se vea azul, pero también quiero que sea
bastante oscuro para el contraste. Entonces le estoy agregando un
poco más de tinte
neutro para oscurecerlo
un poco más. Bien, ahí vamos. Bien, entonces mis colores
donde quiero que esté, y creo que tengo
una buena cantidad. Voy a añadir un
poco más de agua porque es un poco espesa. Voy a enjuagar todo este color
para las
cerdas de mi pincel porque ya no
voy a usar este pincel. Voy a usar este
pincel de aquí mismo. Este es un cepillo plano
de tres cuartos de pulgada, y voy a estar
haciendo pre boda en toda
esta porción de pared. Estoy sacando un
poco de agua a la vez de mi contenedor y
suavemente pre boda toda
esta sección
de la pieza. Realmente tómate tu tiempo haciendo
este proceso de pre-leer. No puedo enfatizar lo suficiente
lo importante que es esto. Quieres llegar a un bonito brillo uniforme
por toda la pared. Estaré dejando
la forma negativa en el asa para más adelante. Pero sí quiero
poder pintar toda
esta sección de pared a la vez. Esto me ayudará a crear
ese
lavado relativamente parejo que estoy buscando
para la pared. Estoy repasando todo por lo menos seis a
siete veces haciendo este
proceso de prelectura y preparando nuestro papel con una fina capa
uniforme de agua. Vamos a hacer dos cosas. En primer lugar, vamos
a poder ampliar nuestro tiempo de trabajo ya que estamos
pintando en esta porción de pared. Se ve cuando
pintamos sobre papel seco, el papel está súper sediento y comienza a absorber esa
pintura de inmediato. Todo empieza a
secarse muy rápido. Entonces,
al alimentar agua al papel, ya no va
a tener tanta sed. Y esa pintura que
le colocamos
no va a ser absorbida tan
rápidamente. Las cosas se van a
secar mucho más despacio. Entonces esto se expande, esto aumenta nuestro tiempo de trabajo para
que podamos seguir agregando más pintura
si es necesario o trabajar en suavizar pequeñas
texturas que no nos gustan,
etcétera, antes de que todo
empiece a secarse sobre nosotros, especialmente cuando se trabaja
con acuarela, no
deberíamos estar
agregando más pintura o moviendo la pintura
cuando empiece a secarse,
porque esto lo hará solo conducen a fondos
***** salpicados
y efectos no deseados. Entonces esa es una razón por hoy
estamos haciendo la
pre boda. Pero otra razón es porque el agua que aplicamos
en el papel va a estar haciendo la mitad del trabajo
por nosotros en términos de crear esos efectos
difusos suaves, ves que la acuarela se va a expandir cuando se
coloca sobre papel húmedo. Y eso es exactamente
lo que queremos. Queremos bonitos defectos suaves
y nuestros antecedentes. Por supuesto, date cuenta de que el ambiente
en el
que estás trabajando va a tener
un gran impacto en la
rapidez o la lentitud con la que
tu pintura comienza a secarse si estás trabajando
en un ambiente cálido, un ambiente fresco, un
ambiente húmedo , un ambiente seco. Si tienes un ventilador en
un sistema de calefacción, en una unidad de aire acondicionado, en todas esas cosas
van a tener un impacto en cómo
va tu proceso de pintura y tu resultado final. Pero sea cual sea el caso, quieres tomarte tu tiempo
con este proceso de prelectura y asegurarte de que estás
llegando a un bonito brillo uniforme,
un brillo uniforme en toda esta zona de la pared antes de
comenzar a pintar. Si haces esto demasiado rápido, ciertas secciones
van a empezar a dibujar rápido en YouTube. Nada se acrecienta en estos
videos en este curso. Entonces este es en realidad
el tiempo que
me llevó hacer mi pre boda
para esta pieza. Tómate tu tiempo
con este proceso. Simplemente pase
las cerdas de su pincel sobre ese papel suavemente, digamos que tenga un brillo agradable y uniforme en toda esta sección
superior. Y estoy listo para comenzar a agregar mi
color azul oscuro y mi fondo. Voy a encenderme a este
cepillo redondo talla 14, bastante mojado. Quita ese exceso de
agua y voy a tomar una buena cantidad
de esta mezcla de color azul oscuro y
jugosa que he
creado una vez que he cargado mi pincel con
una buena cantidad de ese rico
color azul oscuro que he creado. Voy a seguir adelante
y empezar a dejarla
caer en esta humedad que
he preparado mi papel mojado. Y voy a hacer con
mucho cuidado mi camino alrededor de la imagen. La acuarela sólo
se expandirá en papel que esté húmedo. Entonces, si no me he casado nada dentro de
la forma de la jarra, el color no se expandirá en ella. Así que solo sigue abriéndote camino cuidadosamente alrededor de la imagen. Se puede ver como este
contenido de agua que he preparado, mi ancho de papel
realmente me está ayudando a crear bonitos efectos
difusos suaves. Todo sigue siendo
bastante húmedo y viable, así que puedo tomarme mi tiempo
para seguir agregando más color según sea necesario hasta llegar
al lavado que estoy
buscando en mi fondo, busco una
ligera variedad en valores y translucidez
en mi fondo. Entonces no voy a por un lavado
completamente plano. Sí quiero que ciertas secciones se
vean un poco más claras, otras secciones que se vean
un poco más oscuras. Y ese contenido de agua me
va a ayudar a crear esas transiciones
suaves entre estas áreas más oscuras y
esas áreas más claras. Si hubiera empezado a pintar
sobre papel que estaba seco, estaría corriendo contra reloj porque todo estaría dibujando muy rápido. Dicho esto, no tengo
trabajando súper, súper despacio. Todavía estoy tratando de trabajar rápidamente y estoy tratando de
mantenerlo en movimiento. También estoy evitando realmente
entrar y hacer más de mezclar. Estoy abrazando los efectos orgánicos
irregulares que está creando la acuarela. Si entro y empiezo mezclar y
repasar todo, puedo correr el riesgo de
comenzar a dañar mi papel o realmente
aplanar las cosas. Yo sólo voy a entrar y
hacer suave suavizado. Si encuentro que tengo algunas texturas muy visibles
que podrían distraer demasiado, pero cualquier otra
cosa trato de dejar como es algo que me
viste hacer justo ahí está que sí entré a usar las cerdas de
mi pincel como una pequeña
esponja absorbente para eliminar algo de exceso de agua y pintura que estaba tirando demasiado en una zona. Y aquí mismo
porque el papel
todavía está bastante húmedo y viable, me permito entrar y agregar más pintura
en secciones que estoy buscando para oscurecer el papel que ya estamos
empezando a secar. Yo no estaría haciendo esto. Sé que si tengo
un fondo oscuro porque la imagen
es de un color claro, voy a poder
hacer que la imagen sea realmente pop porque habrá
más contraste creado. Entonces eso es todo para mi pared
de fondo. Voy a limpiar este cepillo
más grande, dejarlo a un lado. Y ahora voy a estar
pintando en el espacio negativo en el mango del cuadro en el
que no he pintado. Entonces para esto, me enciendo
a mi talla diez cepillo redondo. Incluso en esta pequeña área, quiero asegurarme de
que estoy desarrollando algo de variedad de valores. Entonces quiero que algunas pequeñas
secciones se vean más oscuras y otras pequeñas
secciones que se vean más claras. Así que quiero
asegurarme de que inicialmente entro y estoy creando una
capa azul relativamente clara para poder construir esos valores de azul más oscuro
en esa capa azul claro. Así que evita entrar con una
mezcla de color oscuro muy espesa de inmediato, entra en luz inicialmente y
regado y pálido, y luego deja caer un
poco más de color en pequeñas secciones
aquí y allá. Se quiere oscurecer para
que pueda desarrollar ese pequeño rango de valores
incluso en esta sección, lo que estoy dejando caer en
esta segunda capa de azul encima de ese
primer azul más pálido. Me aseguro de hacerlo mientras esa capa inicial aún esté húmeda porque de lo contrario no
voy a conseguir esas suaves transiciones difusas
hacia fuera. Y eso es todo lo que
voy a hacer con la pintura tradicional de
acuarela. Voy a dejar mi pintura a un lado. Vamos a permitir que
esto se seque y
vamos a pasar
a la última fase de este proceso en la
que vamos a estar agregando en nuestros detalles finales.
12. Detalles finales: Muy bien, así que terminé con esa pintura tradicional de
acuarela y se ha secado por completo. Y en esta última
etapa de este proceso, solo
estoy buscando entrar
y realmente empujar las zonas más oscuras y
oscuras para agregar contraste
final. Si necesitas trabajar en alguna textura más o
incluso transiciones, puedes seguir adelante
y hacerlo también. Queremos empujar algunas secciones de valores
más oscuros en la imagen. Entonces vuelvo a mi naranja rojo, que es mi naranja cromo oscuro, y también mi azul púrpura. Voy a simplemente saltar y
empezar a usar mi azul púrpura. Y solo estoy buscando
empujar esas formas de sombra
más profundas y oscuras que
veo en esa foto de referencia. Esta es la capa final
que estamos haciendo. Por lo que queremos enfocarnos sólo en empujar esas zonas
oscuras más oscuras. Así que sigue comparando
tu pintura con esa foto de referencia. Realmente observa esas diferencias y esas cosas en las que
necesitas seguir trabajando. Ejerciendo menos presión a medida que
salgo del valor
más oscuro de las áreas. Sea lo que sea en
lo que estés trabajando. Ya sea que esté trabajando
en profundizar y oscurecer
las secciones de valor más oscuras para obtener más contraste. O ya sea que estés buscando
suavizar algunas transiciones, o estás buscando agregar un
poco más de textura, asegúrate de que estás
cambiando entre tus colores según sea necesario
dependiendo de qué
es lo que estés haciendo y de
que estés cambiando y cambiando la
presión que estás ejerciendo sobre tu lápiz. Porque si no le
prestas atención a la herramienta
que tienes en mano y cuánta
presión estás ejerciendo. Puedes terminar
oscureciendo
demasiado la sección o creando formas o líneas que distraen
demasiado y empezar a buscar. Justo aquí. Estoy oscureciendo esta sección de
sombra justo debajo de la imagen. Y si quiero
trabajar en transiciones, puedo encenderme
al rojo naranja y
trabajar en transiciones. En esta etapa
de vidrio del proceso, es muy importante
seguir tomando pequeños descansos y seguir
regresando para ver toda
la pieza, toda
la composición en su
conjunto. Retírate
de exagerar las cosas, ver todo desde
la distancia y pregúntate si
es realmente necesario más. Recuerda que cuando estamos
trabajando con acuarela, lápices y pintura acuarela, menos suele ser más. Y si nos excedemos, vamos a
terminar con un trozo de aspecto plano, pesado, sobrecargado de trabajo. Y va a faltar
ese resplandor que permiten la acuarela, los
lápices y la acuarela. Y solo voy a hacer un poco más de empuje de las áreas de valor
más oscuras
en la tela. Y voy a
llamar a este hecho. Solo enfocándonos en
las zonas más oscuras. Si en este punto del proceso sientes que
quieres trabajar un
poco más
las texturas dentro
de la flor , Sé mi invitado. Por cierto, incluso en esta
última parte del proceso, todavía no
estoy presionando demasiado
hacia abajo. Sí, estoy empujando
más fuerte que lo que estaba haciendo en el
comienzo mismo del proceso. Pero aun así no
consideraría este bruñido. Todo bien. Creo que ya terminé con
esta pieza de bodegón. Así que solo voy a quitar suavemente
y con cuidado mi cinta de enmascarar para revelar
esos bordes blancos limpios. Y todos terminamos con esta pieza de
bodegón a lápiz acuarela.
13. Gracias: Si llegaste a este
punto, enhorabuena, realmente
espero que hayas disfrutado de
este curso y que hayas
aprendido muchos consejos, herramientas y trucos que
puedas llevar contigo a futuras piezas de lápiz de acuarela en las que podrías
decidir trabajar. No olvides publicar una
foto de tu trabajo en la
pestaña Proyectos y Recursos aquí en Skillshare. No puedo esperar para ver
su trabajo y para proporcionar cualquier comentario
que pueda necesitar. Y también puedes sentirte libre de
hacer cualquier duda
que puedas tener. Asegúrate de seguirme aquí
en Skillshare porque
tengo muchos cursos nuevos vienen por la
tubería para ti. Y por último, no
olvides
revisar todos los
recursos gratuitos que estoy poniendo disposición y compartiendo
cada semana en mi canal de YouTube y
otra vez en mi Instagram. Me encantaría
conectarme contigo. Muchas gracias, tanto por
acompañarme en este curso. Disfruta de tu práctica artística
y habla contigo pronto.