Aprende a pintar una naturaleza muerta realista con lápices de acuarela | Erika Lancaster | Skillshare
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Aprende a pintar una naturaleza muerta realista con lápices de acuarela

teacher avatar Erika Lancaster, Watercolor + Sketching + Artist Mindset

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Lecciones en esta clase

    • 1.

      Introducción

      4:41

    • 2.

      Tu proyecto

      4:05

    • 3.

      Materiales

      6:11

    • 4.

      Información que debes conocer para tener éxito

      11:01

    • 5.

      Elección de colores

      16:33

    • 6.

      Primera aplicación de color

      35:30

    • 7.

      Activación del primer color

      12:57

    • 8.

      Segunda aplicación de color

      27:04

    • 9.

      Activación de segundo color

      9:49

    • 10.

      Tercera aplicación de color

      20:55

    • 11.

      Pintar una pared de fondo

      10:43

    • 12.

      Detalles finales

      4:10

    • 13.

      Gracias

      0:52

  • --
  • Nivel principiante
  • Nivel intermedio
  • Nivel avanzado
  • Todos los niveles

Generado por la comunidad

El nivel se determina según la opinión de la mayoría de los estudiantes que han dejado reseñas en esta clase. La recomendación del profesor o de la profesora se muestra hasta que se recopilen al menos 5 reseñas de estudiantes.

96

Estudiantes

3

Proyectos

Acerca de esta clase

Ya sea que recién estés comenzando con lápices de acuarela o que hayas estado usando este medio durante algún tiempo, pero estés luchando por desarrollar niveles más altos de realismo, ¡este curso es para ti!

Al final, habrás completado una pintura de naturaleza muerta con lápices de acuarela y habrás aprendido habilidades esenciales para llevar contigo para tener un mayor éxito con cualquier pieza de lápiz de acuarela que puedas elegir para trabajar en el futuro. 

✱ Esta clase es para todos los niveles. 

✱ lo que aprenderás:

  • Cómo elegir los colores adecuados que te ayudarán a desarrollar niveles más altos de realismo
  • Información que debes conocer sobre el valor/tono que debes conocer para arte realista
  • Cómo planificar áreas destacadas y mantenerlas protegidas durante el proceso de pintura
  • Por qué el blanco no es necesario cuando se usan lápices de acuarela (o pintura de acuarela)
  • Cómo crear colores de sombra "alternativos" para el interés y la integración
  • Cómo poner capas de lápices de acuarela mientras evitas el exceso de trabajo y aplanar tu arte
  • Consejos imprescindibles sobre control del agua
  • Cómo crear degradados con lápices de acuarela
  • Cómo combinar lápices de acuarela y pintura tradicional de acuarela en una misma pieza

✱ Suministros que necesitarás:

  • Papel de calzado
  • Lápices de dibujo *Grados sugeridos: HB, 2B
  • Borrador de grafito suave
  • Borrador amasado *Opcional*
  • Papel en acuarela *Tipo/peso sugeridos: prensado en caliente o en frío, 140 libras.
  • Conjunto de lápices en acuarela
  • Set de pintura en acuarela
  • Pinceles en acuarela *Tipos/tamaños sugeridos: redondas 10, 14 y planas 3/4"
  • Contenedor con agua limpia
  • Toalla absorbente o toallas de papel de cocina
  • Trozos de papel de acuarela
  • Cinta enmascaradora o cinta de artista

✱ Este curso incluye elementos descargables que podrás encontrar en la pestaña de Proyectos y recursos.

Estos archivos incluyen:

  • Tu lista de suministros
  • La foto de referencia
  • Un dibujo de esquema (puedes trazar la foto o este dibujo de esquema para preparar tu boceto preliminar a lápiz en tu papel de acuarela)
  • Una foto de mi pintura final que puedes usar como referencia

✱ Recursos adicionales:

Echa un vistazo a mi video de Acuarela 101 en YouTube

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Teacher Profile Image

Erika Lancaster

Watercolor + Sketching + Artist Mindset

Profesor(a)

"This is probably the best class I have taken on Skillshare. Well paced, organized, practical applications, engaging, and informative. Thanks Erika, very well done."

"Erika is a very good teacher, the course is for beginners but I think it has some gems for more experienced artists. Looking forward for her other classes."

"I think Erica gave a thorough explanation that would allow anyone to begin working with watercolours. You can review any of the individual chapters again to reinforce what you heard or to do the practical work. I really enjoyed the class."

"Excellent presentation and very useful information. Would like to see more of this teacher."

"This is a great class on food illustration. It covers color mixing and pr... Ver perfil completo

Level: Beginner

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Transcripciones

1. Introducción: ¿Cómo se pueden desarrollar niveles más altos de realismo usando lápices de acuarela? ¿Cuáles son las piezas clave de información imprescindible sobre cómo aplicar capas de pigmento de lápiz acuarela? Y cómo activar pigmento de lápiz acuarela con agua y un pincel que te ayudará a fluir por el proceso con mayor éxito y llegar a mejores resultados ¿Cómo se puede evitar sobretrabajar una pieza de lápiz de acuarela para llegar a una pintura final que tenga un resplandor y tenga dimensión a ella Y cómo puedes traer pintura acuarela tradicional para simplificar el proceso de pintura por ti mismo y llegar a mejores resultados bien equilibrados. Mi nombre es Erica y soy una artista de medios tradicionales trabaja con una variedad de medios de dibujo y pintura Y me encanta desafiarme a mí mismo con diferentes tipos de temas, que van desde bodegones hasta paisajes, animales y más. Mi día a día gira en torno a la venta arte localmente, asesorar a los estudiantes Y constantemente estoy creando recursos útiles y llenos de valor dirigidos a artistas principiantes e intermedios, buscando subir de nivel sus habilidades y encontrar su voz que comparto a través de mi sitio web, mi canal de Youtube, y por supuesto, a través de mi sitio de membresía. Tengo más de 15 años de experiencia trabajando en campos creativos y artísticos. Obtuve mi licenciatura en Diseño Gráfico, Pasé a trabajar como diseñadora gráfica en una agencia de publicidad por algún tiempo, y luego pasé a convertirme en directora de arte en un ambiente escolar en que trabajé durante siete años. Durante esos dos últimos años de trabajo en mi último trabajo regular a tiempo completo, comencé a construir mi propio negocio de arte por un lado. Empecé a vender obras de arte decorativas a nivel local. Empecé a participar en eventos de arte locales. También estaba empezando a ser mentor de estudiantes de todas las edades en mi propio estudio en casa. Una vez que mi pequeño negocio creció hasta cierto punto, pude dejar mi último trabajo a tiempo completo y dedicarme plenamente a seguir creciendo y desarrollándolo. Fue entonces cuando empecé a llevar lo que hacía localmente al espacio en línea para llegar a más personas. Hoy en día, soy la más feliz que he estado nunca. Me gano la vida haciendo lo que amo, que sigue creciendo y desarrollándose como artista. Mientras animo a otros a continuar sus viajes y ayudarlos a desarrollar sus habilidades y su voz. Los lápices de acuarela son un medio muy divertido y versátil, son esencialmente un medio para dibujar y pintar todo envuelto en uno solo. Lo que por supuesto a su vez, también significa que puede resultar especialmente confuso para los principiantes que se inician con el lápiz de acuarela entender las técnicas y cómo utilizarlas mejor para obtener inician con el lápiz de acuarela entender los mejores resultados. En este curso, estoy compartiendo mi proceso completo de pintura para una composición de naturaleza muerta que pinté con lápices de acuarela. Y en el camino, estoy compartiendo todas mis técnicas favoritas que me ayudan a llegar a niveles más altos de realismo a la vez que incorporo mucho de mí mismo a la pieza. Estoy compartiendo todas mis técnicas favoritas y mi método sencillo para llegar a niveles más altos de realismo con una cantidad limitada de colores. Comparto todo lo que siempre me aseguro de hacer cuando estoy activando pigmentos de lápiz de acuarela y haciendo mis capas que siempre me ayudan a llegar a resultados brillantes y vibrantes Antes de saltar al proceso de pintura, también comparto cómo elijo mis colores para poder desarrollar la variedad de valores y también tonalidades que van a llevar a mayores niveles de realismo y cómo pienso en la armonía del color Estos consejos vas a poder llevar contigo a cualquier pieza de lápiz de acuarela que elijas trabajar en el futuro. En la pestaña de proyectos y recursos aquí en Skill Share, vas a poder encontrar mi boceto de esquema descargable, que puedes transferir a tu hoja de papel de acuarela usando papel de calco o cualquiera que sea tu método de transferencia que elijas Que por cierto, sí tengo una clase completa sobre cómo usar papel de calco para hacer tu transferencia en mi acuarela uno oh un curso que he compartido aquí sobre compartir habilidades que recomendaría encarecidamente que revises. También vas a poder encontrar la foto de referencia que uso y también por supuesto tu lista de suministros. 2. Tu proyecto: Hola y bienvenidos a esta clase donde voy a estar explicando sobre el proyecto en el que vamos a estar trabajando juntos en este curso. Al final de este curso, habrás completado una pintura realista de bodegones utilizando lápices de acuarela. Y sí, esto es una pintura, no un dibujo porque vamos a estar activando ese pigmento con agua y un pincel. Se puede ver esta pieza como una pintura. Ahora, como mencioné en el video de introducción, estaré trayendo pintura tradicional de acuarela para pintar la pared de fondo. No obstante, si quieres dejar tu fondo completamente blanco sin ningún color en él, eso depende totalmente de ti. O si quieres traer cualquier otro medio de pintura, como tinta o gouache o algo así para pintar tu fondo. Eso también está perfectamente bien. He organizado el proceso de pintura en este curso en ocho fases distintas. Cada fase va a tener una clase propia, y vas a estar pasando por estas ocho fases para completar tu pieza. A lo largo de estas fases, estaré explicando en profundidad cómo planificar y proteger tus reflejos, cómo aplicar capas y activar tu color. Y estaré brindando toneladas de propinas que te ayudarán con el control del agua. Cómo mantenerse alejado de sobretrabajar tu pieza. Cómo combinar efectos pictóricos y sketchier para obtener resultados más interesantes y equilibrados, y mucho, mucho más. Si recién estás iniciando con lápices de acuarela, te recomendaría usar la misma foto de referencia que voy a usar y usar los colores más cercanos que tengas disponibles a los que voy a usar. Pero si ya tienes algo experiencia con este medio, no dudes en usar tu propia foto y pasar por este mismo proceso de ocho fases conmigo usando tu propia imagen de referencia. Al igual que con todas mis otras clases y tutoriales que comparto, es mi objetivo brindarte una base sólida de conocimientos y técnicas y herramientas y métodos que puedas llevar contigo y aplicar a cualquier tipo de obra de arte en la que elijas trabajar. Entonces, si tienes más experiencia, quiero animarte a que introduzcas más de ti mismo en la pieza. Realmente usa tus conocimientos del medio y tus habilidades de pensamiento crítico para aplicar estas ocho fases a tu manera para pintar cualquier tema que sea que hayas elegido. Una vez que hayas terminado con tu pieza, por favor toma una foto de ella y colócala en la pestaña de proyectos y recursos aquí en Skillshare. Este es un lugar especial donde vas a poder publicar fácilmente tu trabajo así como dar me gusta y comentar sobre otros proyectos de estudiantes. Es muy fácil de hacer y me encantaría ver tu trabajo allá y brindarte comentarios así como responder cualquier pregunta que puedas tener para que publique tu trabajo o que tengas que hacer es hacer clic en la pestaña Proyectos y Recursos justo debajo de un video de clase. Haga clic en el botón verde Crear proyecto a la derecha. Sube una imagen de portada que puede ser una foto de tu pieza terminada, pero también puede ser una foto que tomaste de tus suministros o durante todo el proceso. Dale un título a tu proyecto y luego agrega una descripción del proyecto. Me encantaría saber sobre tu proceso, con qué sientes que te ha costado, qué salió bien, ¿cuáles son tus conclusiones clave? Cualquier duda que puedas tener, etcétera. Y luego puedes agregar otra imagen en la descripción del proyecto si lo deseas, haciendo clic en el icono de la imagen justo debajo del subtítulo de agregar más contenido. Y entonces todo lo que tienes que hacer es presionar el botón verde Publicar en la parte superior y ya estás listo. Y por último, si quieres compartir tu trabajo en Instagram, por favor hazlo. Me encanta dar gritos a los estudiantes y compartir su trabajo sobre mis historias. Solo asegúrate de etiquetarme para que realmente pueda ver tu trabajo y animarte y también etiquetar la cuenta de Skillshare. Y eso es todo para esta clase corta sobre el proyecto del curso. En la siguiente clase, estaré explicando sobre los diferentes suministros que recomendaría tener a mano a medida que avanzas en este curso. Nos vemos ahí. 3. Materiales: Para comenzar, voy a estar usando una hoja de acuarela cortada lista de ocho por diez pulgadas de Strathmore. Esto es prensa fría. Tiene 140 libras de grosor o de peso, y es 100% algodón. papel de prensa en frío de Strathmore tiene una cantidad muy pequeña de textura. Y debido a que tiene una cantidad tan pequeña de textura, disfruto mucho usarla cuando fui a estar trabajando en una pieza de lápiz de acuarela. Y esto se debe a que la punta del lápiz no se salta demasiado sobre esa textura del papel. Si estás usando papel de acuarela que es más texturizado, la punta de tus lápices de acuarela puede saltarse demasiado esa textura y dejar demasiada textura visual atrás porque tu aplicación de pigmento no es tan uniforme o uniforme. Voy a estar usando un total de nueve lápices de acuarela diferentes de mi favor dorado aqua sap de Faber, Castilla. Y estos colores son amarillo cadmio, que me van a escuchar referirme como amarillo ya que voy avanzando con mi proceso de pintura. Amarillo cromo oscuro, al que me voy a referir como mi naranja amarillo, naranja cromo oscuro, que me voy a referir como mi rojo, naranja, rojo escarlata, al que me voy a referir como mi rojo más oscuro, azul violeta, que a veces voy a llamar solo púrpura, gris cálido por lo que solo voy a llamar gris, verde mayo, que solo voy a ser llamando verde, ocre quemado, que a veces voy a estar llamando marrón más claro. Y Van **** marrón, que a veces voy a estar llamando marrón oscuro, como con la mayoría de mis tutoriales y clases completas, vas a verme swatch out estos colores en un pedazo de papel que tengo a mano para que veas cómo se ven estos colores en papel. Y puedes elegir cualquier color que tengas que más parecido a lo que voy a estar usando. No tienes que usar estos colores exactos que voy a usar. Siempre y cuando uses algo que sea similar, tu pieza va a salir genial. Estaré explicando todo sobre cómo seleccioné mis colores y las pruebas que hice antes de seguir adelante para tener un proceso de pintura más suave y mejores resultados generales. Bien, Y como mencioné antes, también voy a estar pintando la pared de fondo con pintura tradicional de acuarela. Entonces para esto, voy a estar usando una combinación de azul ftalo y tinte neutro. Pero como vas a ver más adelante, cuando pinto esa sección de la pieza, realmente puedes usar el color azul oscuro que prefieras. Se puede usar índigo. Se puede utilizar una combinación de ultramarino, azul y neutro tienden a hacerlo más oscuro. Cualquiera que sea el azul o combinación de colores que permitan un azul más oscuro será perfecto. Voy a estar usando tres pinceles diferentes lo largo de este proceso. Uno de ellos para la activación del pigmento lápiz acuarela, que es mi talla dos, pincel redondo. Y los otros dos que voy a estar usando cuando realmente pinto con pintura tradicional de acuarela. Y esos dos pinceles son de tamaño cuatro, redondos y un cepillo plano de tres cuartos de pulgada. Usé un papel de calco como método de transferencia para obtener mi boceto de contorno en mi hoja de papel de acuarela. Rastreé la foto de referencia, que vas a poder encontrar junto con tus otros archivos descargables en la pestaña de proyectos y recursos aquí en Skillshare, puedes usar el método de transferencia que prefieras. Tengo una clase completa en la que te llevo paso a paso a través de cómo usar papel de calco para obtener tu boceto de desembolsos en tu hoja de papel de acuarela en mi curso de acuarela 101 que vas a poder encontrar aquí en Skillshare si te interesa. Usé cinta adhesiva regular de tres cuartos de pulgada para pegar mi papel de acuarela sobre mi tapete de corte negro, que es lo que estoy usando actualmente como tablero de respaldo cuando estoy pintando con acuarela o lápices de acuarela en cualquier momento, pero estoy usando cinta adhesiva o cinta de grado artista o lo que sea que sea. Siempre me aseguro de pasar los trozos de cinta sobre mi ropa antes de usarla en mi papel de acuarela para suavizar ese adhesivo y hacer que sea mucho menos probable que dañe mi papel al final cuando retire esa cinta para el proceso de transferencia usando papel de calco y también para terminar y refinar mi boceto en mi papel de acuarela. Yo por supuesto, usé algunos suministros diferentes que puedes ver en pantalla ahora mismo. Tengo un par de diferentes grados de lápiz de dibujo a mano. Uno de ellos es HB y el otro es un Tooby. Utilizo mi software para ser de grado lápiz en mi papel de calco cuando estoy haciendo mi proceso de transferencia. Y a la hora de dibujar en mi hoja de acuarela, uso mi lápiz HB para que pueda mantener las cosas bonitas, limpias y ligeras. También tengo un par de gomas diferentes a la mano. Tengo una goma de borrar de grafito suave y tengo una goma de borrar amasada. Esos también se utilizaron para la transferencia y para el refinamiento de mi boceto de contorno antes de comenzar con el trabajo de color. Bien, pasando a partir de ahí, tengo un par de toallas absorbentes Scott azules a la mano. Este es un tipo de toalla que realmente disfruto usando cada vez que estoy pintando con acuarela, lápiz o pintura tradicional para mantenerme al tanto del control del agua y hacer cualquier levantamiento que pueda necesitar hacer a lo largo de este proceso de pintura. Tengo mi contenedor con agua limpia a mano, y también tengo un par de trozos de papel de desecho para probar los colores antes de usarlos en mi pieza. Y eso es todo para esta clase de suministros. Me emociona pasar al siguiente donde voy a estar hablando de qué valor o tono es, por qué es tan importante entender sobre estos consejos esenciales, fundamentales y imprescindibles fundamentales y imprescindibles que te van a ayudar a desarrollar la habilidad para distinguir entre diferentes áreas de valor para que sucedan con éxito en tus dibujos y pinturas. Nos vemos ahí. 4. Debe saber información para el éxito: Bien, entonces lo primero es lo primero, quiero hablar del significado del valor. ¿Qué significa valor cuando se trata de arte? Y la razón por la que quiero hablar de esto es porque me vas a escuchar decir esta palabra y otra vez a lo largo del proceso de pintura. Y es muy importante que si quieres desarrollar niveles de realismo medio a superior en cualquier tipo de obra de arte en la que quieras estar trabajando ahora y en el futuro, necesites saber qué significa valor. Necesitas poder desarrollar una amplia gama de valores y tus dibujos o pinturas, ves valor. Uno es el número uno en realismo. Es aún más importante que la corrección del color. Y lo que quiero decir con esto es si realmente eres capaz de observar y señalar, resaltar áreas y áreas de tono medio y áreas oscuras más oscuras en una foto de referencia o lo que sea que sea que estés dibujando o pintando a partir de la observación directa que tienes frente a ti en la vida real. Para que puedas recrear efectivamente esas diferentes áreas de valor, esas luces, esos tonos medios, esos oscuros más oscuros en tu obra de arte. Eso es más importante que usar exactamente el mismo tono o color que estás observando. Porque es a través de ese desarrollo de esa amplia gama de valores, luces, tonos medios y oscuros, que somos capaces de desarrollar una sensación creíble de profundidad y luz y sombra en la página o lienzo. Entonces el valor es más importante que la corrección del color que obtener el tono exactamente correcto. El color y el valor son cosas diferentes. El valor es parte de la teoría del color, pero el valor también conocido como tono, se refiere a la escala de ligereza a oscuridad, si se quiere, de cualquier color único. Mientras que el color o matiz se refiere solo al color en sí. Entonces un color o matiz es rojo, naranja, morado, rojo, morado, turquesa, azul ultramarino, verde viridio. Entonces esencialmente color o matiz es el color en sí, el nombre del color. Los términos color y matiz significan exactamente lo mismo. Pero valor o tono se refiere a la escala de luces a oscuros de cada color en esa obra de arte, en esa foto, una gama de valores o una escala de valores para cada uno de los colores involucrados, vas a ver versiones muy ligeras del color. Vas a ver versiones de tono medio del color. Vas a ver versiones oscuras del color. En otras palabras, vas a ver diferentes valores, multitud de colores diferentes para desarrollar un sentido creíble de profundidad y dimensión y dibujos o pinturas, es esencial desarrollar una gama completa de valores. Desde las luces más ligeras hasta una amplia gama de tonos medios y los oscuros más oscuros. Pero a menudo veo con los estudiantes principiantes es que o bien mantienen dentro de un rango de valor muy ligero por los diferentes colores involucrados, porque tal vez tienen un poco de miedo de oscurecer demasiado. Y otras veces, otros principiantes entran demasiado oscuros, demasiado rápidos, y se olvidan de los valores más claros. Y si no tenemos esa amplia gama de valores entonces la obra de arte va a quedar plana. Va a carecer de dimensión. Eso va a faltar. Necesitamos crear ese contraste, ese equilibrio entre luces y oscuros para que un dibujo o una pintura se vea realista. Sin embargo, simultáneamente a esto, es importante capturar esas sutilezas. En realismo. No hay contornos, por ejemplo y necesitamos poder ver dónde los valores transitan gradualmente entre sí cuando hemos perdido bordes y cuando tenemos pasos marcados donde un valor muy oscuro se convierte inmediatamente en un valor de luz o viceversa. Y a través del desarrollo de nuestras habilidades motoras finas, vamos a poder hacer que esas sutilezas sucedan en nuestros dibujos o pinturas. Pero primero, necesitamos poder observarlos para que sucedan en lugares apropiados. Y así es muy importante que al principio cuando empezábamos a aprender sobre el comportamiento de la luz, usemos fotos de referencia que usamos, cosas que tenemos frente a nosotros en la vida real que aprendamos a observar porque la situación de vida real que aprendamos a observar la luz necesita ser consistente a lo largo de toda la pieza, lo largo de todos los elementos involucrados. Si la situación de luz a lo largo nuestro dibujo o pintura no es consistente, es decir, los reflejos y algunos elementos están a la derecha y en otros elementos están a la izquierda, o algunas sombras proyectadas debajo de algunos elementos están a la derecha versus otros las tienen a la izquierda. Y los tonos medios no tienen sentido, que suele ser lo que sucede cuando estamos dibujando o pintando puramente desde la imaginación porque estamos inventando las cosas, esa inconsistencia va a quitar del nivel de realismo de la pieza. Después de desarrollar conocimientos y habilidades fundacionales sobre los fundamentos. Y has practicado con fotos de referencia y cosas que tienes frente a ti. Entonces vas a poder dibujar o pintar con mucho más éxito algo de la imaginación si ese es tu objetivo, porque no es toda escuela de artistas dibujar o pintar desde la imaginación. Pero vas a poder hacerlo si quieres con más éxito. La razón por la que vemos diferentes valores a lo largo objetos o sujetos es por la luz. Si la luz no existiera, no podríamos ver el color y no podríamos ver valores diferentes. La luz incide en estas estructuras voluminosas tridimensionales que tenemos frente a nosotros desde una determinada ubicación y diferentes planos de ese objeto o sujeto se iluminan en diferentes grados, dependiendo de si esos planos están orientados hacia la luz, alejados de la luz o en algún lugar intermedio. Siempre que vayas a empezar con un nuevo dibujo o pintura, tómate siempre un momento para observar esa foto de referencia o lo que sea que tengas frente a ti en la vida real. Y pregúntate, ¿dónde está la fuente de luz en relación con este objeto o sujeto? ¿Dónde están las áreas de mayor valor? ¿Dónde están los tonos medios, dónde están los oscuros más oscuros? Mientras que el área de sombra proyectada donde nuestras estructuras o elementos se superponen entre sí y bloquean esa luz para que no golpee esa sección del objeto detrás de ellos están debajo de ellos. Observe esta foto que vamos a utilizar como referencia para nuestra pintura en este curso. ¿De dónde dirías que la fuente de luz está golpeando estos objetos? En este caso, puedo decir que la fuente de luz está en algún lugar arriba y a la derecha de estos objetos. Y puedes decir esto, sobre todo cuando observas el cuadro amarillo, observa cómo están las zonas más ligeras a la derecha y las zonas más oscuras están a la izquierda. Se puede ver el resaltado más brillante, sobre todo en esa sección esférica. En la parte inferior de la imagen, se puede ver cómo está el resaltado más brillante en la parte superior derecha, los planos que están conformando esta estructura que están mirando lejos de la luz son más oscuros. Y luego notar dónde están las sombras proyectadas, donde hay sombras creadas por la tela sobre la mesa. ¿Dónde están las sombras creadas por la imagen misma? Estas sombras están en la parte inferior izquierda opuesta a la fuente de luz. Ahora por supuesto, cuando tienes múltiples fuentes de luz iluminando el objeto desde una variedad de ubicaciones diferentes, entonces eso hace que capturar valores un poco más difícil. Entonces, si recién estás comenzando, siempre recomendaría elegir fotos de referencia están configurando arreglos de naturaleza muerta usando solo una sola fuente de luz. Entonces, para resumir esto, como artistas, cada vez que vamos por niveles medios a superiores de realismo, ya sea que nos guste dibujar o pintar paisajes, dibujar o pintar animales, dibujar o pintar retratos son naturaleza muerta o realmente cualquier tema que te guste. Sea cual sea el medio de dibujo o pintura es lo que te gusta. Es fundamental comenzar a ampliar nuestro conocimiento del comportamiento de la luz, lo cual es fundamental. Y sé que el comportamiento de la luz puede ser un tema bastante grande, pero te aseguro que incluso llevar tus conocimientos un poquito a la vez te ayudará a llevar tu obra de arte al siguiente nivel. Y por último, quiero brindar un tres consejos imprescindibles para el éxito que me han ayudado mucho a mí y a mis alumnos. Y estos te ayudarán no sólo a medida que vas avanzando con este proyecto en este curso, sino también en futuras piezas en las que podrías decidir trabajar. El primer consejo es asegurarte de que siempre estás usando fotos de referencia de calidad que muestren un buen equilibrio entre luces y oscuridad. fotos sobreexpuestas o subexpuestas que son demasiado claras o demasiado oscuras en todo momento van a hacer que el proceso sea mucho más difícil y probablemente no conducirán a los mejores resultados en ese dibujo o pintura. asegura de que puedas ver luces, una amplia gama de tonos medios, oscuros más oscuros en esa foto de referencia o lo que sea que tengas frente a ti en la vida real, si no eres capaz de ver las luces más ligeras, si no eres capaz de ver los tonos medios, si no eres capaz de ver los oscuros más oscuros, ¿cómo vas a poder hacerlos realidad en tu dibujo o pintura, además de discernir entre áreas de luz, medio tono y oscuridad, también observan cuando los valores transitan gradualmente entre sí y donde hay pasos bruscos entre ellos. En realismo, siempre hay una combinación de los dos e intenta que estas sutilezas sucedan en tus dibujos o pinturas. Y finalmente, cuando recién estás comenzando a discernir entre diferentes áreas de valor, es increíblemente útil practicar usando blanco y negro o fotos desaturadas o fotos en escala de grises, que todas significan lo mismo. Debido a que todas estas escalas de valores diferentes para esta multitud de colores se van a comprimir en una misma escala, una escala de blanco a negro, o de negro a blanco con diferentes valores de gris entre los grises más claros y los grises más oscuros. Y una vez que hayas desarrollado tu habilidad para identificar diferentes áreas de valor y hacer que sucedan con éxito en tus dibujos o pinturas, va a ser mucho más fácil te va a ser mucho más fácil pasar a las fotos a todo color. Eso lo va a hacer para esta clase sobre el valor. Y no puedo esperar para pasar a la siguiente clase donde estaré explicando cómo elijo un color diferente que voy a estar aportando al proceso de pintura para prepararme para el éxito para poder desarrollar de manera efectiva diferentes valores y Hughes necesitaba a lo largo la pieza para poder lograr ese nivel de realismo que estoy buscando. Nos vemos ahí. 5. Elección de colores: Siempre que esté eligiendo los colores que voy a usar para una nueva pieza de lápiz de acuarela o una acuarela tradicional. Siempre me aseguro de pensar en tres cosas. Lo primero es, siempre me aseguro de que estoy limitando la cantidad de colores que estoy aportando. No soy willy nilly trayendo colores aleatorios durante todo el proceso. Lo número dos en lo que siempre pienso es que tengo que prepararme para el éxito para poder crear áreas de mayor valor, áreas tono medio y áreas oscuras más oscuras. Y para hacer esto, necesito pensar qué dos o tres colores voy a estar fusionando o superponiendo para crear mis áreas de tono medio y mis áreas oscuras más oscuras, necesitas saber cómo vas a estar desarrollando los valores más claros, una amplia gama de tonos medios y las zonas oscuras más oscuras. Especialmente cuando vas por un mayor nivel de realismo. Porque el valor es el número uno, para crear dimensión y profundidad en una pieza, una ilusión creíble de luz y sombra. Entonces necesitas prepararte para el éxito y elegir colores que te van a permitir hacer eso. Y lo tercero en lo que siempre pienso es, ¿cómo puedo repetir colores a lo largo de mi pieza? Esto es importante porque va a ayudar a que la pieza luzca más armoniosa. Al final, repites colores, y puedes hacerlo de varias maneras diferentes. Puedes elegir usar el mismo color en diferentes áreas de tu pieza. Puedes crear algún tipo de pintura base para toda la pieza usando un solo color para que ese color pueda en algunas secciones a lo largo de tu pieza, brillar y ser visible a través de esas capas de color que coloques encima de ella. Y otra idea es que puedes usar exactamente el mismo color para profundizar y oscurecer las zonas oscuras más oscuras a lo largo de tu pieza, que es algo que voy a estar haciendo hoy. Bien, entonces para esta pieza, voy a estar usando este set de lápices acuarelas aguamarina fiebre del oro de Faber, Castilla. Y lo que hice fue, mientras observaba esa foto de referencia, comencé a probar colores de mi set de lápices de acuarela usando los Malone y superponiéndolos, estratificándolos juntos. Repuesto algunos de ellos porque no pensé que el color era el correcto y no me gustó cómo se estaban mezclando. Y estos son los colores con los que terminé. Voy a probar estos colores en esta hoja extra de papel que tengo aquí mismo, para que veas esta hoja extra de papel que tengo aquí mismo, cómo se ven en papel y puedas elegir los colores que tengas disponibles son los más similares a estos. Te voy a decir exactamente cuáles voy a usar para la foto. Que era lo que voy a usar para la tela, cuales voy a usar para la flor, la mesa. Y también voy a estar explicando lo que voy a estar haciendo para el arte mural de fondo. Entonces, primero y ante todo, déjame explicarte qué vamos a hacer para la foto. Estos son los tres colores que he seleccionado. Se puede ver como tengo un amarillo, tengo un naranja y tengo un naranja rojo. Estos tres no sólo son tonalidades o colores diferentes, sino que también son un valor diferente. Se puede ver como este es el color de valor más ligero. Este es el tipo de color de valor medio, y este es el color de valor más oscuro. Entonces sé que al preparar estos tres colores, no sólo voy a conseguir los tonos que quiero a lo largo de la imagen, sino que también voy a poder desarrollar una amplia gama de valores y más adelante, porque estamos trabajando desde valores más claros hacia valores más oscuros. Si al final del proceso quiero empujar las zonas oscuras más oscuras, puedo traer otro de mis colores que voy a estar usando para las áreas de mayor valor en otras secciones de mi pieza, aquí es donde entra esa idea de reutilizar ese mismo color a lo largo de mi pieza. Entonces este es el color más claro que voy a usar. Y recuerda que los lápices de acuarela son un medio de dibujo y pintura todo envuelto en uno, lugar, pigmento sobre papel a través de un medio de dibujo, ¿verdad? Esto es un lápiz. Entonces estamos aplicando ese pigmento, ese color sobre el papel con una punta puntiaguda y puntiaguda. Y luego después que el pigmento haya sido aplicado sobre papel, podemos traer agua y un pincel y crear esos efectos pictóricos. Entonces, la presión que estás ejerciendo sobre tu lápiz va a ser una gran variable que también puedes usar para desarrollar áreas de valor más claras o más oscuras a lo largo de tu pieza. Así que realmente practica ejerciendo más presión o menos presión. Recuerda que al igual que cuando estamos trabajando con la pintura acuarela tradicional, estamos incorporando la blancura, el brillo del papel bajo el pigmento como parte de la pieza, especialmente en las áreas de mayor valor y áreas resaltadas. La blancura y el brillo del papel están en su lugar para nuestros reflejos, por lo que no necesitamos traer un lápiz de acuarela blanco. En otras palabras, cuanto más ligero es el valor, más delgada es la aplicación de color o pigmento, y cuanto más papel queremos brillar a través de ese pigmento, y cuanto más oscuro es el valor, más presión ejercemos y más pigmento superponemos para cubrir más de ese papel. Si entramos y aplicamos pigmento por toda la pieza de una manera muy pesada. Esto probablemente conducirá a pesadez y nos aplana. Y al final, nuestra pieza carecerá de ese sentido de dimensión y brillo que estamos tratando de crear. Entonces, en esas áreas de mayor valor, realmente quieres mantener más de ese papel brillando. Y para hacer eso, necesitas ejercer menos presión a casi ninguna presión con tus lápices de acuarela para que puedas tener más de ese papel blanco brillando a través, destapado, creando ese valor más ligero para ti. Entonces tenemos la naranja. Y luego finalmente el rojo anaranjado. Puedo volver a mi color medio si quiero trabajar un poco más en las transiciones. Ahí vas. Pude crear un degradado a partir del color más claro, color medio y el color más oscuro. Estos colores se ven muy bonitos cuando se superponen y van a ir muy bien para la foto. Y aquí aplico la misma idea que voy a estar usando a lo largo de todo este proceso de pintura. Y lo que quiero decir es que primero me metí en el color más claro y lo apliqué a un área más grande. Y luego entré con mi color medio y aplico ese color medio, que en este caso es el naranja a las zonas de tono medio, y mantuve el color más claro libre de este segundo color en áreas de valor más claro. Y luego apliqué el naranja rojo, que es mi color más oscuro en un área más pequeña, solo en la zona de aquí que quería empujar los valores más oscuros en más. Y ejercí cada vez menos presión mientras salía de esta zona de valor más oscura, así como de esta zona de medio tono hacia los valores más claros, ejercí menos presión ya estaba llenando esa zona para que la presión misma me ayudara con la transición que quería crear. Entonces estos son los colores principales que voy a estar usando en la imagen. Y luego cuando se trata de la tela, voy a estar repitiendo el rojo, el naranja. Voy a estar trayendo un nuevo color, que es un rojo más oscuro. Y voy a traer un morado. Me encanta el morado para las áreas profundas y oscuras. Y este es el color que probablemente voy a estar repitiendo mucho en mis áreas de valor más oscuras a lo largo de toda la pieza, incluso en mi foto, si al final del proceso siento que quiero crear más contraste y realmente profundizar y oscurecer esas áreas de valor más oscuras. Incluso puedo entrar y hacer un poquito de superposición solo en las áreas oscuras más oscuras la imagen aquí. Pero cuando se trata de la tela, estos son los tres colores principales que voy a estar usando. Este naranja rojo, que ya había usado para la foto, va a ser mi color más claro. Entonces tengo mi color medio, que es un nuevo rojo más oscuro. Y este va a ser mi color de valor más oscuro, que es mi morado. Entonces este es el mismo color que ya habías visto antes. Entonces tengo mi rojo más oscuro ejerciendo menos presión a medida que salgo de esta zona más oscura de tono medio y dejando una sección de solo el naranja brillando sin el segundo color. Y luego finalmente voy trayendo el morado más oscuro. Y estoy encubriendo aún menos y ejerciendo menos presión a medida que salgo y me meto en los tonos medios. Y recuerda que en cualquier área o forma a lo largo de mi tela que quiero crear un valor muy, muy ligero o donde quiera hacer la transición a las zonas de resaltado más ligeras y no tener ningún pigmento ahí en absoluto. Voy a asegurarme de usar este color con una cantidad muy, muy pequeña de presión para cubrir menos papel. Bien, entonces esos son los colores que voy a usar en la tela. Y luego para esta sección aquí mismo para la mesa, voy a estar trayendo dos marrones diferentes, un marrón más claro y otro marrón más oscuro. Voy a mantener la mesa muy sencilla. Así es como se ve este marrón más claro. E incluso puedo crear un marrón más claro usando el mismo marrón pero con la menor cantidad de presión. Y luego donde quiera oscurecer ciertas áreas de la mesa, voy a estar superponiendo este marrón más oscuro encima del marrón más claro, ejerciendo menos presión a medida que me dirijo hacia áreas de valor más claro. Y finalmente, tenemos la flor, que es blanca. Y cuando estamos usando lápices de acuarela, es lo mismo que cuando estamos usando pintura acuarela tradicional. Estamos incorporando la blancura del papel como parte de la pieza. Tenemos que asegurarnos de que estamos protegiendo mucho de ese papel, que no lo estamos encubriendo porque es ese libro blanco el que nos va a ayudar a que ese sujeto o ese objeto se vea blanco. Bueno, estamos pintando objetos blancos como una taza de café de cerámica blanca o incluso animales con pelaje blanco. Es la blancura del papel que nos va a ayudar a que ese objeto o ese sujeto se vea blanco si lo cubrimos completamente, ya no va a quedar blanco. Sin embargo, sí necesitamos desarrollar diferentes valores en esos pétalos, en este caso, o en esa firma o en esa área blanca cerámica. Porque si no desarrollamos ningún valor en absoluto, va a quedar bastante plano. Entonces es un equilibrio entre desarrollar valores en ese objeto o sujeto blanco, pero tener mucho cuidado de no encubrir demasiado de ese libro blanco. De lo contrario ya no va a parecer blanco. Entonces para la flor, lo que voy a estar haciendo es que voy a estar usando este gris. Este va a ser el valor más ligero con el que entro en esos pétalos. Y luego voy a volver a usar mi morado. El mismo morado que he estado repitiendo es el color que voy a usar en zonas donde los pétalos se superponen y crean sombras locales unos sobre otros. Voy a estar simplemente superponiendo este púrpura sobre ese gris en ciertas áreas de sombra para desarrollar esos valores más profundos y oscuros. Y en el centro de la flor, voy a estar trayendo de vuelta el amarillo que estaba usando para la jarra como mi color más claro y las áreas de mayor valor. Entonces voy a estar trayendo la pantalla porque veo un poquito de verde en esa zona central y la flor. Y voy a estar superponiéndola en zonas de tono medio y también en pequeñas secciones aquí y allá para desarrollar un poco de textura. Entonces finalmente, si tengo ganas de empujar las zonas más oscuras, oscuras un poco más en esa sección central, voy a estar trayendo de vuelta mi morado y agregándolo encima del verde. Este morado funcionará muy bien para desarrollar esas áreas de sombra más profundas y oscuras. A lo largo de la pieza. Incluso podría entrar en ciertas secciones de la mesa y superponer este morado sobre ese marrón oscuro. Entonces voy a estar repitiendo este color en muchas áreas. Y esto va a llevar a una pieza de aspecto mucho más armónico e integrado. Al final, tengo un total de nueve colores aquí mismo. Y esto es realmente todo lo que necesito para toda mi pieza. Incluso dejé a un lado mi lápiz de acuarela. No necesito ningún otro color. Voy a apegarme a estos en todo momento. Lo último que quiero explicar antes de saltar al proceso de pintura es lo que voy a estar haciendo por la pared de atrás. Entonces en esa foto de referencia, esa pared de fondo es completamente plana negra para esto, quiero estar trayendo mi licencia artística. Supongo que podría haberlo pintado completamente de negro, pero he decidido traer mi licencia artística un poco más de color y también interesa a la pieza y también armonía, claro, porque voy a estar usando un poco de esquema de color de tríada aquí. Y lo que quiero decir con esto es que ya voy a tener un montón de rojo y amarillo en mi pieza. Entonces lo que he decidido hacer es traer un poco de azul para mi fondo para crear un tipo de tríada. Un esquema de color triádico es cuando haces uso de tres colores en tu rueda de colores que crean un triángulo equilátero en cualquier parte de la rueda de colores. Y eso va a llevar a una hermosa armonía de color. El esquema de color triádico es uno de estos diversos esquemas de color que han sido utilizados por los artistas lo largo de la historia para agregar intereses a través del uso del color y también la armonía en su pieza. Si quieres aprender más sobre teoría del color y cómo los artistas han estado creando esta hermosa sensación de armonía usando esquemas de color. Asegúrate de revisar mi clase de rueda de color primaria dividida aquí en Skillshare. Abarca toda la información imprescindible sobre la teoría del color que debes conocer como principiante al comenzar a pintar temperatura del grito, ejercicios muy útiles. Y proporciono muchos ejemplos de pinturas creadas por artistas en el pasado en las que todo esto se demuestra realmente en una composición visual final para que veas cómo se aplica todo este conocimiento en el sentido práctico, estaré oscureciendo el azul aunque estaré oscureciendo el azul que uso bastante. Voy a estar usando un color índigo que creo mezclando tinte neutro y compañero azul, para que la pared de fondo sea bastante oscura. Me gustó mucho el hecho de que está muy oscuro en esa foto de referencia porque crea mucho contraste con esos elementos de punto focal más ligeros. Así que quiero asegurarme de que ahí use un fondo azul muy oscuro, pero vamos a estar pintando que con solo pintura acuarela tradicional o cualquier medio de pintura que haga decidir traer porque es simplemente más práctico de esa manera a través del uso pintura acuarela tradicional en esta forma grande y mi fondo, voy a poder no solo pintarlo mucho más rápido de lo que los lápices de acuarela me permitirían hacer. Pero también voy a poder crear un bonito efecto de suavizado borroso y una sutil variedad de valores incluso en todo el fondo, sin crear demasiada textura, sin crear demasiada textura, Es muy difícil rellenar grandes áreas con lápices de acuarela porque de nuevo, estamos aplicando pigmento en el papel a través de una herramienta de dibujo que es puntiagudos. No es como cuando entras con un pincel y más agua donde puedes cubrir muy fácilmente área grande con un lavado agradable, relativamente parejo, bastante rápido. Todos terminamos con esta clase en la elección de colores. Ojalá ya hayas podido elegir el tuyo. En la siguiente clase, en realidad vamos a empezar con el proceso de pintura. Esta va a ser la fase número uno, donde vamos a estar aplicando nuestra primera capa de color a lo largo de las diferentes áreas y elementos de esta pieza. Nos vemos en la siguiente. 6. Primera aplicación de color: Bien, amigo mío y bienvenido a la fase uno de este proceso de pintura. Todo nuestro trabajo de preparación está fuera del camino. Nos hemos tomado tiempo para observar esa foto de referencia, para notar dónde está la fuente de luz en relación con estos objetos, hemos notado grandes áreas resaltadas , áreas más oscuras, y también hemos preseleccionado los colores específicos que vamos a traer para desarrollar esa amplia gama de valores y tonalidades que necesitamos para mayores niveles de realismo. Recuerda que lo clave aquí a lo largo de todo este proceso para seguir recordando es que las áreas de mayor valor van a tener una cantidad muy pequeña de pigmento sobre ellas. Entonces va a haber poca ninguna aplicación de color y una estratificación más clara, si se quiere, de color en áreas de valor más claro, las áreas de valor más oscuras van a tener la aplicación más pesada de color sobre ellas, más capas sobre ellas para tapar más de ese papel blanco. Y luego las áreas de tono medio van a estar en algún lugar intermedio. Van a tener una aplicación media de color en ellos. Va a haber cierta cantidad de papel brillando en tonos medios más claros y una menor cantidad de papel brillando en medios tonos más oscuros. Se trata de seguir observando la foto de referencia, observar el valor presente en esa zona en la que estás pintando. Aplicando color en. Y asegúrate de que tu aplicación de color vaya mano con el valor que intentas desarrollar. Recuerda que la presión que estás ejerciendo sobre tu papel con tu lápiz también debe ir de la mano con el valor que estás tratando de desarrollar en ningún momento de este proceso. Y mi presión tan fuerte que empiezo a bruñir. El bruñido es una técnica de dibujo en la que presionas tanto con tu herramienta de dibujo que comienzas a crear pequeñas hendiduras o aplana cualquier diente presente en ese papel. Realmente no uso la técnica de bruñido en absoluto, pero asegúrate de que si estás tratando de desarrollar un valor ligero, estés aplicando poca o ninguna presión. Y puedes permitirte ejercer cada vez más presión a medida que te vas adentrando en valores más oscuros. Si estás aplicando más presión, estás tapando más papel lo que te lleva a un valor más oscuro. Si estás aplicando menos presión, estás tapando menos papel y estás creando un valor más ligero. Y por último, asegúrate de elegir el color adecuado para el valor que intentas crear. Si estás creando un valor más claro, elige un color más claro que hayas elegido para el área que tienes a mano. Si estás trabajando en un tono medio, asegúrate de estar preparándote con tu color medio. Y si estás trabajando en un área de valor más oscura, puedes agarrar el color más oscuro que hayas elegido. Entonces con todo lo dicho, sigamos adelante y empecemos con el objeto más grande aquí, que es la imagen, los colores que he elegido para este objeto. Nuestro amarillo, rojo, naranja y rojo. Este es mi amarillo cadmio, mi amarillo cromo oscuro y mi naranja cromo oscuro. Partimos de las luces y nos dirigimos hacia los oscuros. Entonces, qué voy a hacer primero con este color más claro, no ejerciendo mucha presión en absoluto. Recuerda que siempre va a ser más fácil entrar y oscurecerse que entrar y aligerar. Será agradable y gentil. Y su aplicación inicial de color, especialmente, estoy tratando de mantener esta primera capa agradable y suave y lo más uniforme y uniforme posible. ¿Puedo aplicar este amarillo toda la imagen con una cantidad de presión muy pequeña y sobre todo en las zonas de mayor valor, los aspectos más destacados aquí? Y a lo mejor aquí voy a estar haciendo un poco de levantamiento con mi goma de borrar. Pero las áreas más claras resaltan casi no quiero ninguna aplicación de color en absoluto. Si no has aplicado demasiado color y no has empezado a bruñir. Que bruñido es solo un término para cuando entras y presionas con fuerza con un lápiz o un lápiz de color o simplemente una herramienta de dibujo a través del bruñido, comienzas a dañar el diente del papel. Pero lo que es genial es si no has empezado a pulir y no has aplicado demasiado pigmento en tu papel. Y no has activado ese color con agua, puedes entrar y hacer un poco de levantamiento del exceso de pigmento en áreas resaltadas. Si en realidad no estabas intentando colocar esa cantidad de color, ¿estás ahí Te voy a enseñar cómo hacerlo en sólo un rato. Vas a notar que cambié la dirección o el ángulo de mis trazos de lápiz. Esto está totalmente bien de hacer siempre y cuando mantengas la presión que estás ejerciendo, incluso en el camino, no deberías quedarte con Stark buscando líneas o marcas. También considera que vamos a traer agua y un pincel, y vamos a estar haciendo muchas capas. Entonces una pequeña cantidad de parches o textura realmente no importa mucho, siempre y cuando sea solo una pequeña cantidad, probablemente no va a ser visible al final. Voy a seguir rellenando todo el cuadro excepto por las formas más brillantes de los reflejos. Y aquí es donde realmente quiero dejar un poco de papel brillando sin ningún pigmento en él en absoluto. Justo aquí en esta zona. Así que voy a saltarme esa área y colocaré alrededor de ella. Incluso puedes ejercer menos presión a medida que te diriges hacia ese resalto brillante. Voy a tomar mi goma de borrar suave aquí, voy a asegurarme de que la limpie antes de usarla. Al igual que frotarlo en mi tapete de corte aquí, solo para que no enturbie el color de Mike. Y una vez que esté agradable y limpio, puedo seguir adelante y quitar suavemente algún exceso de pigmento que he puesto. Esto sería el equivalente a levantar. Si estás creando una acuarela con pintura tradicional, puedes ver con qué facilidad pude eliminar la mayor parte de ese pigmento porque realmente no he ejercido mucha presión. No he hecho demasiadas capas y no he activado ese pigmento con agua. Si lo hubiera hecho, no sería capaz de hacer esto. Entonces, si hay algún área de resaltado donde quieras mantener esas áreas de tu papel protegidas con poco o ningún pigmento en ellas. Yo recomendaría hacer cualquier borrado o levantamiento que puedas necesitar hacer antes de traer el siguiente color. Voy a seguir adelante y hacer un poco de levantamiento aquí. Y tal vez aquí. Bien, así que ya terminé con esa capa inicial de mi color más claro. Voy a seguir adelante y cambiar a mi segundo color. Yo consideraría este mi naranja amarillo. Se llama amarillo cromo oscuro en este conjunto favorito de Castilla. Pero sea cual sea tu color medio, ahí es donde vas a entrar ahora mismo. Con este color medio, lo que haces es observar tu foto de referencia y notar dónde están los tonos medios y los oscuros más oscuros. Y ahí es donde vamos a entrar y colocar este color. Comience con su superposición. La presión que estoy ejerciendo ahora mismo es exactamente la misma, pero antes estaba ejerciendo con mi amarillo. Pero esta vez voy a ejercer menos presión ya que estoy saliendo de las zonas de tono medio o las zonas oscuras más oscuras para que el amarillo naranja pueda transitar suavemente hacia el amarillo más claro. Aquí mismo, estoy ejerciendo una cantidad muy pequeña de presión para crear esa transición entre mi naranja amarillo a mis áreas amarillas. Sin embargo, notarás que aquí hay un borde afilado creado por esta forma de sombra. Y no tengo que preocuparme tanto por crear una transición suave donde, donde tengo esos bordes afilados mayormente estoy pensando en crear transiciones suaves donde realmente pueda ver en esa foto de referencia que esa transición es más suave y más borrosa. Entonces ahí es donde me aseguro de modificar también la cantidad de presión que estoy ejerciendo para que pueda crear una transición más suave Para seguir trabajando en la segunda estratificación con mi color medio a lo largo de esta imagen, mirando constantemente la foto de referencia y notando dónde están las áreas más oscuras de tono medio y las zonas oscuras más oscuras, porque eso es donde estoy aplicando este color medio. Realmente no estoy buscando aplicar este color medio en el valor más ligero de las áreas. Tengo muchas ganas de mantener esas áreas de menor valor con solo mi amarillo. Y luego voy a hacer algún trabajo en los planos internos de esta sección de mango, superponiendo algo de mi color medio sobre ese amarillo en algunas secciones en las que estoy buscando crear medios tonos más oscuros. Bien, pasando a esta parte superior de la imagen y continuando observando un cambio de valor en esa foto de referencia. Puedes ver cómo estoy haciendo esto bastante rápido, aunque estoy usando una foto de referencia y me estoy asegurando de tomar esa información visual. En cuanto a dónde están las diferentes formas de valor, dónde se ubican las luces, dónde se ubican los tonos medios, y dónde se ubican los oscuros más oscuros. No estoy obsesionado con meterme en cada cosa exactamente como la veo ahí. Sé que diferentes formas de valor pueden ser ligeramente diferentes de lo que estoy viendo en esa foto de referencia tiene siempre y cuando sean aproximadamente las mismas en términos de forma, tamaño y ubicación. Puedo hacer esto relativamente, más o menos, son rápidamente. Y todavía voy a llegar a un nivel de realismo que me guste. No tengo que ser súper, súper obsesivo por conseguir cada cosita la misma manera aparezca en la foto de referencia. E incluso puedo traer mi licencia artística para cambiar las cosas, que es lo que estoy haciendo cuando se trata de color. Estoy usando el morado para crear áreas de sombra más profundas, aunque no necesariamente veo púrpura en la foto de referencia, noté que el plano lateral del mango y también el labio superior de la imagen son ambos bastante claros en valor en esa foto de referencia. Entonces me voy dejando ese primer amarillo simplemente brillando completamente en esas formas muy estrechas. Aquí hay una forma de sombra muy oscura donde podemos ver dentro de la imagen. Estos planos internos de la imagen están orientados lejos de la luz. Realmente recuerda la estructura tridimensional de lo que es en lo que estás sombreando y por supuesto, la ubicación de la fuente de luz en relación con estas estructuras. Estoy repasando ciertas áreas aquí, sobre todo donde veo medios tonos más oscuros con mi amarillo, naranja por color medio. Si te resulta difícil ejercer más o menos presión cuando estás dibujando, haz ejercicios en un cuaderno de bocetos. Sólo practica este tipo de cosas aquí mismo. Colorear en toda una forma, ejerciendo cada vez menos presión a medida que avanza, o más y más presión a medida que avanza. Haz ese tipo de taladro en un cuaderno de bocetos hasta que puedas controlar tu herramienta de dibujo de manera más efectiva. Y también asegúrate de que estás aflojando tu mano, tu muñeca o brazo. Si alguna vez te empiezan a doler la mano y la muñeca mientras dibujas, eso no debería estar pasando. Continúa recordándote a ti mismo durante todo el proceso para mantener tu mano y tu brazo relajados. Creo que estoy bien por ahora. Esos dos primeros colores son los únicos que voy a usar para esta primera fase del proceso. Me gustaría activar mi color una vez que se hayan colocado esos dos primeros colores o el primer color si solo estoy usando dos en un área. Así que vamos a trabajar en nuestro primer color o los dos primeros colores en las diferentes áreas de aquí abajo. Y una vez que haya aplicado esos dos primeros colores, lo largo de todas estas secciones que voy a estar pintando con lápiz de acuarela, vamos a estar pasando a la siguiente fase en la que vamos a estar activando nuestro color. Entonces pasemos a la tela. El primer color en tela va a ser mi naranja rojo, que es naranja cromo oscuro. Mi segundo color va a ser este rojo, que es el rojo escarlata. Y el tercer color que voy a traer más tarde es mi morado, que es azul violeta. Entonces primero estamos empezando con el color más claro del manojo, que es el rojo, el naranja. Entonces solo me estoy tomando un segundo rápido para observar esa foto de referencia. Y de manera general, notando dónde están las áreas de mayor valor, dónde están las áreas de tono medio y dónde están las áreas oscuras más oscuras en toda la tela. Así que solo voy a entrar y voy a empezar a aplicar muy suavemente mi primer color en toda la tela. Presión muy mínima aquí. Y estoy constantemente observando la foto de referencia para que no aplique accidentalmente demasiado pigmento en las zonas de mayor valor. Pero si lo hago, puedo entrar con mi goma de borrar y hacer algunos levantamientos en un poco. Estoy haciendo todo lo posible para mantener la presión uniforme ya que estoy creando esta capa inicial de rojo. Quiero que esta primera aplicación de pigmento sea lo más parejo posible. Haciendo mi camino cuidadosamente alrededor de los pétalos blancos aquí. Puedo aplicar mi color más claro mucho más libremente de lo que aplico mi color medio y mi color más oscuro. Cuanto más oscuro me pongo con mis colores, más consciente tengo que ser que solo estoy aplicando esos colores más oscuros donde realmente los necesito. no mencionar, porque en realidad no hemos empezado a hacer demasiadas capas pesadas o a activar el color con agua, siempre podemos traer una goma de borrar y eliminar el exceso de color de esas zonas más ligeras si es necesario. Pero en el momento en que empezamos a hacer demasiadas capas o empezamos a traer nuestros colores más oscuros. Y comenzamos a activar nuestro pigmento con agua. Tratar de aligerar áreas va a ser más difícil de hacer. Bien, estoy llenando toda esta sección inferior de la tela roja con este primer color. Y luego voy a pasar a trabajar en todos los pliegues de tela a la izquierda de la imagen y la flor. Veo muchos valores de luz en estos complejos pliegues de tela a la izquierda de la imagen. Sólo voy a tratar de que sucedan lo mejor de mis habilidades notando dónde están esos valores rojos más claros en la foto. Y tratando de evitar unas pequeñas áreas aquí y allá que se asemejan a las formas de valores más claros que veo en la foto. Se puede ver como no estoy ejerciendo mucha presión en absoluto. Así que manteniéndola muy ligera en esta primera capa. Recuerda usar cambios en la presión para ayudarte a empezar crear diferentes valores incluso en este punto. Ahora que tengo mi aplicación inicial de color con mi naranja rojo, voy a seguir adelante y usar mi borrador en cualquier área en la que sienta que me pueden aplicar demasiado pigmento para hacer algo de lifting. Así que aquí por ejemplo creo que tal vez pueda hacer con quitar un poco de esto. Realmente quiero asegurarme de que estoy incorporando ese papel como parte de la pieza porque esto me va a ayudar a crear esa sensación de brillo y dimensión que es tan particular al medio translúcido como la acuarela y la tinta, los lápices de acuarela. Entonces solo recogiendo algo de exceso de pigmento aquí. Y aquí hay un pliegue de tela. Sé que los pliegues de la tela pueden ser desafiantes porque están pasando tantas cosas, pero trata de observar las curvas de la tela que están subiendo hacia la luz y las curvas que están mirando lejos de la luz o están retrocediendo lejos de la luz. Por lo general, es que las curvas están más cerca de la luz. Van a estar captando la mayor parte de esa luz. Y por eso, ahí va a haber un valor más ligero. Otra cosa que puedes hacer si encuentras abrumadores los pliegues de tela es acercar un área específica en esa foto de referencia. En lugar de ver toda la foto, haz zoom en secciones específicas y trabaja en una sección a la vez. Pero sí quiero recordarte que no hay necesidad de ser demasiado obsesivo por conseguir que todo sea exactamente igual. Parece que tengo un poquito de color ahí en mis pétalos blancos. Así que voy a entrar y simplemente borrar eso lo mejor que puedan antes de seguir adelante. Pasemos a nuestro siguiente color en la tela, que va a ser el rojo escarlata. Con esta, voy a hacer zoom en secciones específicas de la tela en la foto de referencia. Y solo voy a estar aplicando este color medio en más oscuras de tono medio y las zonas oscuras más oscuras, dejando el color más claro anterior brillando completamente destapado en secciones de valores más claros. Voy a empezar por la parte inferior y voy a hacer mi camino hasta esta forma de sombra que estoy creando aquí mismo es en realidad la sombra proyectada en la mesa creada por la tela. Si notas en la esquina inferior izquierda de la imagen, hay una pequeña sección de esa mesa de madera que queda descubierta por esa tela. Y se ve roja porque esa tela roja está impactando en el color de la forma de la sombra. Entonces es por eso que quería entrar con algo de rojo inicialmente. Recuerda ejercer menos presión a medida que te diriges hacia valores más ligeros para crear transiciones suaves donde sea necesario. Cuando se trata de tela, vas a ver una combinación de transiciones suaves y bordes duros entre tus valores. Así que trata de precisar eso aquí mismo. Por ejemplo, I. Ver un borde más afilado. Observe los bordes creados entre las diferentes formas de valor, donde un valor se convierte en otro valor. A veces esos cambios van a ser suaves y graduales. Y otras veces el cambio va a llegar como un paso brusco. En realismo, siempre hay una combinación de esos dos. Así que solo trata de notar esos cambios en la foto de referencia e intenta que eso suceda lo mejor que puedas en tu obra de arte. Como estoy trabajando en todo esto, realmente estoy tratando de mantenerme alejado de la búsqueda. en bloque de aspecto muy duro o formas pesadas sólidas de cualquier tipo. También estoy tratando de alejarme del aspecto de las líneas, cualquier cosa que cree la ilusión de una línea cuando veas tu pieza desde distancia va a quitarle el sentido del realismo en tu pieza. En lugar de ver las cosas como líneas, véalas como formas alargadas que tienen irregularidad a lo largo de ellas. Esto es importante porque no hay contornos ni líneas en el realismo. Siempre que hay una línea presente en una pieza más realista, siempre hay una variación del peso de la línea lo largo de esa línea. Ciertas secciones de esa línea son más gruesas y más oscuras, y otras secciones son más delgadas y claras. Nunca vas a encontrar líneas que tengan un peso consistente desde un extremo hasta el otro extremo. Es lo contrario de dibujos animados y páginas de libros para colorear donde todo lo que ves tiene un contorno a su alrededor que es grueso, audaz y negro, y consistente en grosor alrededor de todo. En realismo tenemos aristas, no contornos, aristas donde un valor se convierte en otro valor. A veces esos bordes se pierden y a veces se afilan definidos. Estoy haciendo mi camino hacia la izquierda aquí y trabajando en esas formas de sombra creadas en la tela por la flor. Veo una forma de sombra aquí con un borde inferior afilado. Entonces voy a tratar de que suceda en mi dibujo. El borde inferior es agudo y definido, mientras que el borde superior es un poco más suave y gradual, los tonos medios se convierten gradualmente en valores más claros en la parte superior de la curva allí. Entonces por aquí, a medida que esta forma se abre paso hacia el borde derecho del plano de la imagen, sus bordes a lo largo de la parte inferior y superior se vuelven más graduales y más suaves. Bien, entonces aquí tenemos un poco de forma de sombra justo debajo de la jarra. Y solo sigo observando esa foto de referencia y poniéndome en esas formas de sombra donde me parezca conveniente. Asegurándome de que estoy manteniendo las cosas sutiles y de que me estoy abriendo camino incrementalmente hacia valores más oscuros. No aplicar mucha presión en absoluto. Siempre que intento crear un tono medio más claro, quizás un poquito más de presión cuando estoy trabajando en un tono medio más oscuro o un área muy oscura que veo en esa foto de referencia. Y permitiendo mucho de esa primera capa que creé con mi color más claro. Sólo estoy dejando eso brillando en las zonas de mayor valor. Si quieres oscurecer aún más una sección con este color medio, puedes crear una segunda capa usando el mismo color. Continúa comparando tu dibujo con esa foto de referencia y pregúntate, ¿esta zona es más oscura o más clara que esta otra zona de aquí? Y si notas que tienes que entrar y oscurecer y área entonces quizás puedas entrar y crear una segunda capa, el segundo color. Para que puedas permitirte hacer más superposición de pigmento en esas zonas más oscuras. E incluso se puede presionar hacia abajo a un pequeñito, minúsculo pero más en esas zonas más oscuras, hay cierto nivel de flojedad con el que voy entrando, aunque estoy usando una foto de referencia para pistas e información sobre valores a desarrollar, ojalá para este punto, como ya estoy creando una gama de valores en esta tela roja, se puede ver como mi valor da forma puede ser ligeramente diferente a las de la foto de referencia. Es decir, pueden ser un poco más pequeños o ligeramente más grandes o ligeramente un poco más a la izquierda o a la derecha. Y sigo desarrollando ese rango de valores que necesito. Y estoy empezando a crear ese sentido de tridimensionalidad. Justo aquí. Necesito un poco de tono medio. Entonces entro y hago un poco de suave superposición con el segundo color rojo. Y me di cuenta de esa forma de aspecto muy marcado, casi como una racha aquí abajo creada por esta forma en la parte inferior. Voy a ablandar el borde inferior. Estaba realmente saltando hacia mí y estoy tratando de mantener todo sutil. Así que de nuevo, si ves tu pieza y notas alguna forma o líneas pesadas de aspecto descarado, quiero animarte a que trabajes en ellas antes de seguir adelante. También noto justo encima de esta forma que creé algo que me parece un poco demasiado como una línea. Entonces voy a hacer algunas secciones de esta línea entre comillas un poco más gruesas y crear más irregularidad a lo largo de ella para que se vea más como una forma y menos como una línea. Con eso, ya terminé con esa primera capa de color en toda la tela roja. No voy a estar trayendo el tercer rojo, igual que lo que hice con la foto. Yo solo uso los dos primeros colores en esta estratificación inicial. Así que ahora es el momento de traer mi goma de borrar de grafito suave y voy a estar haciendo cualquier levantamiento y ablandamiento de color que pueda necesitar hacer antes de seguir adelante. Y realmente en cuanto a mi levantamiento, todo lo que hago es quitar un poco de ese color rojo de esa esquina inferior izquierda de esta pieza, o hay un poquito de esa mesa de madera marrón mostrando. Más tarde, voy a traer un poco de marrón a esta zona para que esto se vea como mesa y no tela. Entonces siento que acabo de ir un poco por la borda con mi rojo en esta sección. Y si mantuviera todo ese rojo ahí, entonces realmente no habría mucha diferencia entre la tela y la mesa. Es hora de pasar a la mesa. Entonces voy a sacar mis dos marrones que estoy usando para la mesa. Mi marrón más claro es ocre quemado y mi marrón más oscuro es marrón Van ****. Así que a la inversa empezar con el color más claro de los dos. Y voy a entrar en toda esta sección de mesa. Ahora bien, los diferentes valores que veo a lo largo de esta zona de mesa no son tanto creados por la propia luz, sino que por la textura de la madera naturalmente tendría secciones más claras y secciones más oscuras. No obstante, cuando se trata esta madera en particular en esta tabla de la foto, diría en general, es bastante ligera. Entonces cuando traigo mi marrón más oscuro, no quiero ir por la borda con él. No veo ninguna forma de resaltado súper brillante lo largo de esta sección de maderas. Entonces no voy a dejar ninguna zona de mi papel en la alacena. Solo estoy aplicando una capa ligera relativamente delgada con mi marrón más claro. Aquí hay una pequeña y diminuta forma marrón. Y entonces voy a estar aplicando una capa marrón claro en esta esquina inferior donde mesa ICE en esa foto de referencia, justo sobre el rojo que ya había aplicado. Ahora que tengo esa primera capa marrón claro en, voy a cambiar a mi marrón más oscuro y voy a crear algunas formas sutiles, irregulares de color marrón más oscuro. Esto me va a ayudar a describir mejor esa textura visual en que notaría cómo voy entrando con mi marrón oscuro muy a la ligera. No estoy aplicando mucha presión en absoluto. Como estoy aplicando este marrón más oscuro, quiero tener mucho cuidado de no crear accidentalmente líneas y marcas de aspecto muy duras. Si creo líneas, marcas o formas de aspecto muy marcado , esto va a ser muy distrayente para el espectador. Esta es una zona secundaria o elementos en esta composición. Y si entro y creo demasiado contraste o le doy a esta área demasiado peso visual creando demasiados detalles aquí, puedo hacer que la mesa compita demasiado con los objetos reales, que son el punto focal. Añadiendo un poco de este marrón más oscuro en esta esquina inferior izquierda. No va a preocuparse por la diminuta forma hay detrás de la imagen. Y es momento de pasar a lo siguiente. Por último, voy a ponerme a trabajar en la flor. Para la flor, voy a estar usando un gris para los pétalos, verde para esa sección central, y luego púrpura para las secciones de sombras oscuras. Entonces estoy empezando con mi gris para mis pétalos y realmente estoy haciendo zoom en la flor para que pueda enfocarme en la flor ahora mismo. Voy a comenzar con estos pétalos superiores. Y sólo voy a estar aplicando un gris claro muy, muy sutil, con apenas presión alguna en esas secciones de sombras que veo en los pétalos. Particularmente donde veo pedales creando sombras unos sobre otros debido a la superposición. No realmente preocuparse por las líneas visuales donde la textura y los pétalos todavía. Puedo preocuparme por eso más tarde. Por ahora, realmente solo me estoy enfocando en las curvas en los pétalos y la tridimensionalidad de los pétalos y las sombras que están creando. Eso es lo más importante en estos momentos. Entendiendo la estructura de los pétalos, cómo están bloqueando la luz para que no se golpee entre sí por superposiciones y todo. Y quiero asegurarme de no entrar completamente y cubrir todo el gris ancho del pétalo porque como mencioné antes, va a hacer que se vea gris. Y quiero que estos pétalos se vean blancos al final. Entonces es importante dejar brillando mucho ese papel blanco porque este es un objeto blanco que estamos pintando. Pero incluso con objetos blancos, es importante desarrollar un rango de valores dentro de ellos, porque si los dejamos completamente blancos, van a verse muy planos y no muy realistas. Si sientes que no eres capaz de obtener suficiente información sobre los cambios de valor en los pétalos blancos en la foto, recuerda la estructura tridimensional de la flor y sus charcos. ¿Qué secciones están más alejadas de la luz? Qué secciones están más cercanas a la luz donde nuestras curvas suceden a lo largo de esos charcos, donde nuestras sombras suceden a lo largo de ellos. Bien, así que esa es mi aplicación inicial de luz del gris. Si quieres entrar y hacer una segunda aplicación ligera del gris para oscurecer tonos medios antes de entrar con tu morado, te recomendaría entrar y hacer otra aplicación de gris, pero esta vez enfocarte en las formas de sombra más oscuras entre pétalos, solo empujando esos un poquito más antes de entrar con el morado. El morado es de un color bastante oscuro. Y nuevamente, estamos pintando un objeto blanco. Entonces, al crear una segunda capa con tu gris, te estás permitiendo más control. Estás creando un paso entre tus valores de gris claro y tus valores más oscuros que vienen a continuación con tu morado. Bien, así que ya es suficiente. Tengo abundante papel blanco brillando en los pétalos blancos. Ahora voy a entrar con un poco de mi púrpura. Y sólo voy a estar aplicando esto en las zonas de sombra más oscuras que vea. Nuevamente, sobre todo entre los pétalos. Recuerda que cuanto más oscuro te pongas con tus colores, menos color quieres un lugar. Quieres dejar un montón de esos colores más claros que has colocado brillando a través y solo hacer esta estratificación con tu segundo color donde realmente necesites oscurecerse. No te pongas súper oscuro demasiado rápido, no apliques demasiada presión. Puede crear valores más oscuros más adelante con las capas posteriores. Bien, así que ya es suficiente por ahora. Ahora voy a empezar a trabajar en esa sección central de la flor donde voy a estar volviendo a mi amarillo que estaba usando inicialmente para la foto. Este es mi amarillo cadmio y luego voy a pasar a aplicar un poco de verde. Y esto se llama mayo verde sobre ese amarillo en secciones de tono medio con el amarillo. Y voy a usar movimientos circulares para la parte central de la flor para que pueda comenzar a describir esa textura un poco más. Es importante recordar que las herramientas de dibujo se pueden usar de muchas maneras diferentes. Y ciertamente puedes modificar el tipo de trazo que estás usando para comunicar color, valor y textura simultáneamente. Este es mi verde ahora que voy a entrar y usando una especialidad a lo largo de los bordes exteriores donde quiero crear un poco más de un valor más oscuro. pequeños círculos diminutos me van a ayudar a crear más esa textura. Y más adelante con las capas posteriores, vamos a estar creando más de esa textura. Se puede ver como hice la sección más central de esta zona más ligera y oscurecí los bordes exteriores. Esto me ayuda a crear un aspecto curvo y elevado en ese centro. Muy bien, así que ahora tengo mi capa inicial de color a lo largo de todos estos elementos, claro, excluyendo el fondo que vamos a estar abordando al final de este proceso, ya he empezado a desarrollar una amplia gama de valores, desde luces muy ligeras hasta tonos medios, hasta medios tonos aún más oscuros y algunas secciones. Entonces ahora vamos a pasar a la fase número dos, donde vamos a estar activando esta estratificación de color con agua. 7. Activación de primer color: Bien, entonces tengo mi contenedor con agua limpia. Tengo mi toalla absorbente para que pueda ver encima del control de agua. Y también tengo mi talla diez cepillo redondo. Eso es todo lo que voy a usar para el proceso de activación. Entonces voy a girar mi pincel en mi recipiente de agua. Voy a quitar el exceso de agua porque realmente solo queremos entrar con una pequeña cantidad. Y voy a empezar con la foto. Y cuando se trata de activar tu color, quieres asegurarte de que estás comenzando en las áreas de mayor valor y que estás avanzando hacia tus áreas más oscuras y prestando atención a cómo estás empujando y tirando ese pigmento alrededor de tu papel. Vas a notar que a medida que estoy activando este color, constantemente elimino ese pigmento de las cerdas de mi pincel girando mi pincel en mi recipiente de agua. Porque a medida que sigo activando ese pigmento y empujando y jalando ese color alrededor, cada vez más pigmento está empezando a recogerse en las cerdas de mi pincel. Esto significa que accidentalmente puedes cubrir tus áreas resaltadas donde intentas dejar ese papel blanco brillando sin pintar. Y también puedes empezar a obtener demasiado de ese segundo color más oscuro que has usado hasta ahora para aclarar las áreas de valor. Así que realmente tienes que mantenerte consciente de cómo estás empujando y tirando ese pigmento alrededor de tu papel. Así que continúa repasando ese color suavemente y continúa enjuagando las cerdas de tu pincel en el camino según sea necesario. Realmente no deberías tener que presionar demasiado con tus cerdas de pincel ni nada por el estilo. Mantén tus trazos agradables y suaves. Esta es la parte emocionante de pintar con lápices de acuarela es activar ese color con agua. A menudo el color va a verse mucho más brillante y vibrante después de que se haya activado. Otras veces va a ser un poco más oscuro o más claro. Depende del color que hayas elegido, pero siempre hay este elemento sorpresa para los lápices de acuarela. Otra cosa es, no te preocupes demasiado por las pequeñas texturas que vas dejando mientras activas este color. Lo más importante es que prestes atención a las secciones de gran valor. Que las áreas de valor lumínico permanezcan ligeras, que no te estés comiendo esas secciones de valores más ligeros y prestando atención a sigas prestando atención a esos valores que intentas desarrollar. Pero pequeñas texturas que suceden en el camino , ***** manchado y cosas menores como esas. Realmente no importa porque todavía vamos a estar haciendo más capas y más activación. Y claro, debido a que has aplicado ese pigmento sobre papel con una herramienta de dibujo, con una herramienta puntiaguda afilada, seguramente te quedarás con un poco de boceto, un poco de boceto, si quieres, ese tipo de textura. No tienes que tratar de suavizar todo. Así que no te preocupes demasiado por las pequeñas texturas y salpicaduras en nosotros. Es muy menor. Probablemente no vas a poder verlo al final, después de todas las capas que vamos a estar haciendo, es muy probable que si intentas entrar y deshacerte de cada pequeña textura que creas, vas a empezar a trabajar demasiado y a dañar tu papel. El papel es un sustrato relativamente frágil y cuando está húmedo, es aún más frágil. Entonces no queremos comenzar a fregar demasiado las áreas. Y también muchas veces tenemos que permitir que ese papel se seque para que pueda recuperar completamente su fuerza. Si queremos entrar y cometer ciertos pequeños errores menos notorios. Cada vez que entro en mi recipiente con agua, me aseguro de quitar ese exceso de imagen de la tira de las cerdas de mi pincel raspando suavemente las Priscilla de mi pincel a lo largo de la parte superior de mi contenedor. Y a veces también froto la punta de mi pincel sobre mi toalla absorbente. Quiero evitar entrar con una tonelada de agua en mis cerdas de pincel porque eso también puede crear una ness salpicada. terminé de activar el color en la parte frontal de la imagen. Y ahora me voy a las llanuras interiores. Y en esta zona, los valores más claros están a la izquierda. Entonces esto significa que primero empiezo por la izquierda y me dirijo hacia la derecha, que tiene los valores más oscuros. Esto es, nuevamente, para mantener esas secciones de valores de luz protegidas y no comerlas con mi color más oscuro. Entonces después de terminar con esos planos interiores, voy a entrar y activar ese color en el mango. Empiezo por arriba y hago mi camino hacia abajo. Después de hacer eso, llegó el momento de pasar a activar la flor. Quiero trabajar primero en la flor porque este es un objeto blanco y los otros colores, y voy a estar activando el rojo y el marrón son bastante oscuros, al menos en comparación con este objeto muy ligero. Entonces a la hora activar el color en esos pétalos blancos, me aseguro de entrar con un cepillo limpio y solo ligeramente húmedo. Y me tomo mi tiempo trabajando en un pétalo a la vez o dos pétalos a la vez. Realmente prestando atención a cómo estoy empujando y jalando ese color y asegurándome de que estoy dejando un montón de ese papel blanco brillando a través. Al hacer esto, estoy trayendo a la mente la estructura tridimensional de estos pétalos y cómo se superponen y crean pequeñas sombras entre sí. Si quieres cambiar a un pincel más pequeño para tener más control en estas formas relativamente pequeñas. Puedes seguir adelante y hacer eso. Es aún más difícil mantenerse al tanto del control del agua en formas más pequeñas. Estoy haciendo todo lo posible para pasar de las áreas de color más claras a las áreas de color más oscuras. Entonces primero voy a entrar en esas zonas que tienen el gris claro en ellas. Y me dirijo hacia el morado, asegurándome de que estoy manteniendo secciones de papel blanco sin pintar o sin color en el metal. Siempre que me encuentro entrando con demasiada agua en las cerdas de mi pincel, inmediatamente detengo lo que estoy haciendo y me quito ese color y agua para las cerdas de mi pincel y uso las cerdas de mi pincel como una pequeña esponja absorbente para recoger ese exceso de agua. También puedo entrar con mi toalla absorbente para hacer algunos dabbing. Por último, es momento de activar ese color en la sección central de la flor, quito ese gris y morado para las cerdas de mi pincel y entro con un pincel limpio y ligeramente húmedo y uso pequeños movimientos circulares para activar el pigmento en esta zona. Y esto es para comenzar a comunicar la textura aquí. Ahora es el momento de activar ese color en la tela. A medida que estoy activando mi color y la tela, estoy constantemente observando esa foto de referencia para recordarme las principales áreas destacadas más brillantes. Y se puede ver cómo estoy tratando de trabajar en torno a algunas de esas principales áreas destacadas. No estoy activando el color en esas secciones con mi pincel y estoy evitando repasarlas en absoluto. Si necesito activar el color en esas zonas o hacerlas un poco más oscuras de lo que son actualmente. Eso lo puedo hacer después, pero ahora mismo me estoy enfocando en activar el grueso general de la tela roja. Y solo estoy tratando de mantenerme alejado de las secciones de valores más ligeros. Al enfocarme en lo general, puedo trabajar de manera más rápida. Entonces trabajo primero en lo general. Y entonces si las áreas más pequeñas requieren más atención, puedo trabajar en esas después más despacio. Las principales cosas que tienes que asegurarte de hacer cuando estés activando tu lápiz de acuarela, pigmento son asegurarte de estar al tanto del control del agua y seguir prestando atención a cómo estás tanto del control del agua y seguir prestando atención a cómo estás moviendo ese pigmento alrededor de tu papel. Tener valor en mente. Si haces esas dos cosas y sigues enfocándote en el camino, podrás mejorar tus habilidades con bastante rapidez. Bien, estoy pasando a hacer mi activación de color en esta esquina inferior izquierda de la pieza, donde está esa porción visible de la mesa. Se puede ver como a medida que hice mi activación en esa zona, el rojo y el marrón empiezan a fundirse y fusionarse. Y luego sigo con mi tela roja, asegurándome de que enjuagé completamente todo ese marrón para mis cerdas de pincel. Esto es importante porque si todavía tengo algún pigmento marrón en las cerdas de mi pincel, esto puede desaturar o silenciar mis rojos brillantes que quiero en mi tela. A medida que estoy activando estas formas de valores diferentes, sigo viendo estas formas como formas abstractas, irregulares. Y estoy usando mi pincel de diferentes maneras, a veces presionando las cerdas de mi pincel un poco más hacia abajo y a veces simplemente entrando con la punta de mi pincel, a veces cambiando el ángulo en a veces cambiando el ángulo que estoy usando mi pincel, cambiando la forma en que estás usando tu pincel así te va a ayudar a crear abstractos irregulares formas, que van a llevar a un mayor realismo. Entonces en este punto estoy a mitad de camino hecho con esta activación de mi primera estratificación de pigmento. Y se puede ver textura a lo largo de todas estas áreas. Textura en forma de líneas o bocetos creados por esa herramienta de dibujo que hemos utilizado para colocar el pigmento sobre el ancho del papel, pero también un poco de género salpicado que se ha creado ya que he estado activando el pigmento con agua y un pincel. Pero ojalá también hayas notado cómo me he ido moviendo. No me he estado enfocando en ninguna área en particular ni tratando de perfeccionar demasiado las cosas. Estoy trabajando en lo general y estoy ignorando estas pequeñas texturas sutiles porque sé que al final no van a ser visibles. Sé que si entrara, comenzaría de nuevo trabajando mi trabajo y tal vez incluso aplanando secciones y destruyendo por completo todo el trabajo que he estado haciendo para desarrollar los diferentes valores en estas áreas. Bien, así que trabajando en esta gran sección marrón en esta porción visible de la mesa a la derecha. Y todo lo que he estado haciendo hasta ahora para activar mi color y las demás áreas de esta pieza todavía se aplica aquí. No obstante, en próximas fases de este proceso, no quiero estar haciendo demasiadas capas en esta área. Quiero dejar esta zona con mínimo detalle porque es una sección secundaria en esta pieza. Y no quiero que esta sección compita demasiado con los otros elementos que son el punto focal de la pieza. Así que sí entro y trato muy gentilmente de deshacerme de las líneas y las formas y marcas de aspecto descarado aquí. Trabajando en este diminuto triángulo aquí mismo con solo la punta de mi pincel. Y luego sigo activando este marrón del otro lado de la mesa, continuando activando este color y muy suavemente deshaciéndome de cualquier forma o líneas o marcas de aspecto descarado que puedan distraer un poco demasiado para el espectador, sobre todo porque como dije, no voy a estar aplicando a muchas capas encima de esto. Bien, entonces voy a dejar la mesa al bate porque no quiero empezar a dañar mi papel ni a sobretrabajar nada. Se puede ver cómo esto definitivamente se ve mucho más pictórico. Pero también tengo bastante textura, pequeñas áreas manchadas y cosas así. Eso no me preocupa porque voy a estar haciendo todavía dos capas más de color. Así que mucha de esa textura va a desaparecer a medida que avanzamos. Voy a permitir que todo se seque completamente. Y luego vamos a entrar con la capa número dos. 8. Segunda aplicación de color: Asegúrate de que todo esté completamente seco antes de pasar a esta siguiente parte del proceso. Porque si tu papel está mojado, es más frágil. Y si empiezas a entrar con una herramienta puntiaguda para empezar a aplicar más color de inmediato cuando esté húmeda. Puedes correr el riesgo de dañar y rayar tu papel. Incluso puedes usar un secador de pelo para acelerar el proceso de secado si lo deseas. En esta siguiente fase del proceso, vamos a estar trabajando en empujar medios tonos más oscuros y las áreas oscuras más oscuras. Así que principalmente vamos a estar usando nuestro segundo color o el color medio. El tercer color, que es el color más oscuro que hemos elegido cuando se trata de la flor y la mesa, las cosas se van a hacer un poco diferente porque solo usamos dos colores en esos. Te explicaré cómo acercarnos a esos cuando lleguemos a ellos. Entonces, en otras palabras, nuestro objetivo con esta parte del proceso es que estamos expandiendo ese rango de valores hacia los oscuros más oscuros. Estamos agregando valores más oscuros. Queremos asegurarnos de que estamos manteniendo las áreas más claras protegidas y descubiertas por esta nueva capa de color que vamos a estar haciendo donde solo capas sobre el color y aplicando más color en secciones que necesitan oscurecerse. Sigamos adelante y empecemos con la imagen. Aquí están los tres colores que estoy usando en la imagen. El amarillo, el naranja amarillo y el naranja rojo. En este punto, mis áreas de valor más ligeras ya se han desarrollado con ese color más claro porque estoy trabajando en los tonos medios y los oscuros más oscuros, puedo quitar ese color más claro y solo voy a estar trabajando con mi color medio y mi color más oscuro. Estoy observando esa foto de referencia y estoy notando dónde están esas áreas más oscuras. Y sigo adelante y empiezo a partir de mi color medio, que es mi amarillo cromo oscuro o mi naranja amarillo. Empecé a hacer más capas sobre áreas más oscuras de tono medio y áreas oscuras más oscuras, evitando las áreas más claras que veo en esa foto. Siéntase libre de hacer zoom en áreas de su foto de referencia a medida que avanza con este proceso y asegúrese de continuar cambiando y cambiando la presión que está ejerciendo sobre su lápiz a medida que hacia un área de valor más oscura, empuja hacia abajo un poquito más la cabeza. Si te estás alejando de las áreas de valor más oscuras, ejerces menos presión. En esta parte del proceso. Ahora que nos estamos metiendo en áreas más oscuras y de tono medio, me estoy permitiendo presionar un poquito más hacia abajo, pero realmente no estoy bruñendo. Realmente estoy tratando de mantenerme alejado de rayar o dañar mi papel de alguna manera. Porque una vez que el papel ha sido rayado o bruñido, el pigmento simplemente no se aplica sobre él de la misma manera, sigo observando esa foto de referencia y notando dónde están ocurriendo transiciones graduales entre valores. Y donde veo pasos definidos definidos entre diferentes valores. Aquí en la parte inferior de la imagen, e.g. I. Vea una transición gradual más suave, un gradiente, si se quiere. Entonces me aseguro de que poco a poco ejerzo cada vez menos presión a medida que me dirijo hacia secciones de valor más ligero. Para que ese cambio de presión me ayude a crear esa transición gradual. Aquí mismo tengo un borde de forma de sombra bastante notable casi en medio de esta estructura más cilíndrica en esta imagen. Y voy a intentar crear un borde de forma de sombra de aspecto más definido porque eso es lo que estoy viendo en la foto de referencia. A medida que sigo abriéndome camino incrementalmente hacia valores más oscuros, sigo prestando atención a esos bordes, ya sean perdidos, borrosos, bordes más suaves con transiciones graduales entre mis diferentes valores, o si I C bordes definidos y definidos. Aquí mismo, definitivamente veo un valor más oscuro a lo largo del borde superior de la imagen. Hago un poco más de capas, haciendo mi camino hacia abajo. Y luego trabajo en los planos internos de esta estructura cilíndrica superior en esta imagen, estratificando el segundo color sobre alrededor de la mitad de toda esta forma. Porque en esa foto veo medios tonos más oscuros y valores oscuros más oscuros en toda esta zona. Entonces me pongo a trabajar en el mango acodando en este segundo color en áreas más oscuras que veo. Y sé que las manijas pueden ser desafiantes porque casi siempre va a haber este giro donde cambian los aviones. Pero realmente ayuda a recordar la estructura tridimensional de lo que sea en lo que esté sombreando, observar los cambios de plano en ese mango y recordar dónde está la ubicación de la fuente de luz y cómo la luz está golpeando esos planos. Entender qué planos están mirando hacia la luz y qué planos están mirando lejos de la luz. Observe cómo estoy dejando mucho de este plano lateral del mango así como el labio superior. Esta sección superior, libre de la segunda capa. Y esto es porque veo un valor muy ligero en estas áreas en la foto de referencia. Entonces estoy haciendo todo lo posible para no aplicar más pigmento en estas áreas. Quiero mantenerlos agradables y ligeros. Y si más tarde, me di cuenta de que he hecho estas formas de valor ligero demasiado grandes o se ven demasiado duras. Ciertamente puedo entrar en ciertas secciones y oscurecerlas un poco ya sea con mi primer color más claro o mi segundo color. Bien, casi he terminado con mi segundo color medio en esta fase, solo trabajando en transiciones áreas de valor más claro y resalta un poco más antes de encenderme a mi naranja rojo. Eso es suficiente de mi color medio por ahora, voy a encenderme a mi rojo, naranja. Y sólo voy a estar aplicando este color más oscuro en las zonas más oscuras que veo en esa foto de referencia. No voy a estar haciendo ninguna superposición con este tercer color más oscuro sobre ningún otro lugar. Entonces, en otras palabras, cuando entras con ese primer color más claro, repasas todo excepto las secciones de resaltado más brillantes. Después con tu segundo color, pasas por zonas de tono medio y oscurece estas zonas oscuras. Y luego con tu tercer color más oscuro, solo pasas por las zonas oscuras más oscuras. Entonces, cuanto más oscuro obtienes con tu color, más pequeña es la forma en la que estás coloreando porque solo estás agregando ese color más oscuro en secciones que necesitan oscurecerse aún más, eso necesita ser empujado más. Es así como estamos aumentando ese rango de valores empujando las áreas oscuras más oscuras y agregando esos valores oscuros más oscuros. Pero queremos tener mucho cuidado no oscurecer esas secciones, tonos medios, sobre todo los tonos medios más claros y las luces más ligeras. Porque si entramos y superponemos este color más oscuro en tonos medios y áreas claras, vamos a deshacernos de esos valores más claros. Vamos a estar restando de esa amplia gama de valores que estamos tratando de crear. Y vamos a estar aplanando la pieza en lugar de aumentar el realismo de la pieza en este punto del proceso. Ahora que estamos empezando a aplicar este color más oscuro, es entonces cuando empieza a suceder ese sentido creíble de estructura de luz y sombra. Porque en este punto ya tenemos un rango de valores bastante decente. Y sólo vamos a ir incrementando ese rango de valores o tonos aún más a medida que avancemos. Pero para poder hacer esto de manera efectiva, tenemos que seguir prestando mucha atención a esa foto de referencia y seguir comparando nuestra pintura con esa referencia. Continuar preguntándonos, ¿esta zona es más clara o más oscura que esta zona de aquí? Y hacer que esas formas de valor sucedan en nuestra obra de arte. Estoy trabajando en los planos internos de la imagen aquí hay mirando lejos de la luz, realmente empujando las secciones más cercanas al borde derecho de esta forma superior cara, esos valores más oscuros en la foto de referencia. Estoy bajando de ahí, asegurándome de que estoy aplicando un poco más de presión o un poco menos de presión, dependiendo de lo oscuro que sea el valor en esa zona. Si después de aplicar algo de tu color más oscuro en áreas de valor más oscuras que ves en esa foto de referencia, sientes que necesitas volver a encender tu color medio para poder trabajar en las transiciones. O oscurecer ligeramente ciertas áreas que parecen demasiado ligeras, puedes sentirte absolutamente libre de cambiar de un lado a otro entre estos dos colores. Sólo se asegura de que el color que tienes en la mano que estás seleccionando vaya mano con el valor que estás tratando de crear. Algunas veces cuando entramos con nuestro color más oscuro y comenzamos a desarrollar las secciones de valor más oscuras. Esas áreas que pensábamos que antes se veían bastante oscuras o al menos como un tono medio, ya no se ven tan oscuras. Esto se debe a que si percibimos que un área es clara u oscura o algún lugar intermedio realmente va a depender de los valores alrededor de esa área. Entonces podríamos encontrar la necesidad de usar ese color medio para oscurecer ligeramente ciertas áreas, y también para que ciertas transiciones entre valores parezcan un poco más graduales, un poco más suaves. Si las cosas se ven un poco demasiado duras, claro, si ves un cambio de si ves aspecto bastante marcado entre diferentes valores en esa foto de referencia, entonces no hay necesidad de suavizar eso. Ahora voy a pasar a la derecha de tela para la tela roja, los tres colores que había escogido inicialmente. Son el mismo rojo anaranjado que estaba usando por aquí, y luego un rojo más oscuro más profundo y mi morado. Entonces ya no voy a usar este porque ya he creado mis valores más ligeros. Voy a centrarme en el rojo y el morado. Entonces este rojo es mi rojo escarlata y este es mi violeta azul. Así lo mismo que hice con la imagen y conduje a enfocarme en áreas de tono medio más oscuras y áreas oscuras más oscuras. Y voy a comenzar con mi color más claro de los dos, que es el rojo. Voy a empezar por el lugar más seguro para empezar. Y esto es con las formas de sombra oscura detrás de la imagen opuesta a la fuente de luz. Estoy empezando ahí mismo con mi color medio y realmente observando esa foto de referencia, notando esas formas abstractas de sombra ahí dentro, tratando de conseguir algo parecido a lo que veo. Similar en forma, similar en tamaño, y similar en ubicación, pero en realidad no preocuparse demasiado por conseguir exactamente lo mismo. Sé que siempre y cuando sean similares a lo que estoy observando en esa foto. Y tengo en mente la estructura creada por estos pliegues de tela, así como la ubicación de la fuente de luz en este ambiente, voy a terminar con algo que se ve creíble. Ahora, sé que cuando se trata de pliegues de tela, las cosas pueden ser un poco abrumadoras y confusas. Sin duda es fácil perder tu lugar. Así que de nuevo, quiero animarte a trabajar sección por sección y acercar esa foto de referencia según sea necesario. Entiende realmente las curvas creadas por los pliegues de la tela. Entender las secciones de esas telas que están más cerca de la fuente de luz y cuáles están más alejadas, qué pliegues de tela están cubriendo otras secciones de tela e impidiendo que esa luz golpee esas secciones de tela debajo de ellas. Todo eso te va a ayudar enormemente cuando estés tomando decisiones qué áreas demasiado oscuras y más y solo mantengas paciencia durante todo este proceso. Aquí vamos por niveles más altos de realismo. Y cuanto mayor sea el realismo que buscas, más pacientes tendrás que tener porque cuanto más tiempo va a tomar, y más observación requiere. Si en algún momento a lo largo este proceso comienzas a sentirte un poco cansado o incapaz de concentrarte o algo por el estilo, te recomendaría tomar un descanso en lugar de intentar avanzar. Porque en el momento en que dejas mirar esa foto de referencia, y dejas de cambiar de manera consciente entre tus colores a medida que avanzas, dejas de prestar atención al valor y a todas estas cosas. Empiezas a cometer errores mayores que van a ser más difíciles de corregir. Ya no pongo tu rojo en la porción visible de mesa aquí abajo en la esquina inferior izquierda, solo lo dejo como está. Estoy haciendo mi camino hacia arriba y continuando oscureciendo secciones de tela que siento que necesito empujar un poco más y haciendo mi mejor esfuerzo para dejar las secciones de valor más ligero cubiertas por la segunda capa de color que estoy haciendo ahora mismo. Sé que si encubro esas secciones de valores más claros, voy a deshacerme de esos valores más claros y voy a empezar a aplanar todo y hacer que todo parezca demasiado pesado. Se puede ver el bosquejo o la textura del lápiz que dejó atrás mi lápiz de acuarela mientras estoy rellenando estas áreas. Esa es la textura de lápiz a la que me refería antes. En realidad es bastante agradable que este medio nos permita crear este combo, este equilibrio entre bosquejar tus texturas y más efectos pictóricos que podremos crear más adelante. Después de aplicar este pigmento sobre papel con agua sobre un pincel. terminé con ese color medio en toda mi tela. Se puede ver como dejé muchas de esas áreas de menor valor con solo esa primera estratificación de color que hice en la fase número uno. Entonces llegó el momento de encenderme a mi color más oscuro que estoy usando en la tela, que es mi morado. Y una vez más, empiezo con la zona más segura para comenzar, que está justo detrás de la imagen, hay formas de sombra muy oscuras en esta zona donde esa tela no está recibiendo mucha luz en absoluto. Así que igual que lo que hice con la jarra, ahora solo estoy colocando este color más oscuro en secciones que necesitan ser empujadas aún más dentro de esas formas de tono medio más oscuras que ya he creado con mi color medio. Así que estoy siendo aún más consciente ya que estoy colocando este color más oscuro y asegurándome de que solo lo estoy superponiendo sobre ese rojo en secciones que necesitan ser empujadas más. Así que de nuevo, vas a notar que estas formas que estoy creando con este color más oscuro son incluso más pequeñas que las que estaba creando con mi rojo medio. Y las formas, claro que creé con mi rojo medio eran mucho más pequeñas que las formas que estaba creando con mi rojo más ligero. Cuando se trata de piezas de lápiz de acuarela, realmente me ha gustado traer lo que me gusta referirme como un color de sombra alternativo. Este es un color que en realidad no veo en esa foto de referencia. Muchas veces para mí, es un morado, como en este caso, o un color azul e índigo, que es un azul muy oscuro, es algo que también disfruto mucho traer. Al traer un color de sombra alternativo. No solo puedes integrar más la pieza usando el mismo color en diferentes secciones o áreas de tu pintura. Pero también puedes hacer que tu pieza sea más impactante. Puedes agregar personalidad e intereses, y simplemente realmente da vida a la pieza. Y qué color de sombra alternativo decido traer, realmente depende de qué tipo de tema sea el que esté pintando, ya sea una escena de la naturaleza y un objeto orgánico, materiales hechos por el hombre y objeto mecánico, un animal, qué estilo es al que voy y también el esquema de color general que estoy tratando de crear. Recuerda siempre que el color es un elemento del arte que juega un papel muy importante detrás de hacer que una composición visual luzca armoniosa y cohesiva. Entonces, al elegir una cantidad limitada de colores y pensar en cómo vas a repetir un color a lo largo la pieza puede ser en secciones de sombra, o simplemente como un color base diferentes áreas de tu pieza que va a ayudar a que tu obra de arte se vea mucho más armoniosa y bien integrada. Y al mismo tiempo que artistas, ya que estamos planeando y preparando nuestro esquema de color para la pieza que tenemos a mano. Esta es solo una gran oportunidad para traer nuestra licencia artística con el fin de incorporar más de nosotros mismos a la composición, fin de hacerla nuestra. Y realmente comunicar ese estado de ánimo, mensaje , idea o historia que queremos comunicar. Al igual que como lo hice con mi foto. Una vez que he añadido en algunas de mis secciones moradas, en mis sombras más oscuras, vuelvo a mi color medio. Y esta es una orden para trabajar en las transiciones un poco más. Porque ahora que he agregado mi color más oscuro, algunos cambios de valor son solo un poco para empezar a buscar. En otros casos, si encuentro necesito oscurecer ligeramente las secciones de valores más claros un poco más. Lo hago con este color medio ejerciendo apenas ninguna presión en absoluto. Solo me estoy asegurando de no estar encubriendo esas secciones de valor más ligero. Entonces entro con un toque muy ligero con este color medio, trabajando principalmente en transiciones. Y realmente ejerciendo cada vez menos presión medida que me dirijo hacia esas secciones de valores más claros, donde solo quiero dejar esa capa inicial de color brillando a través descubierta. Se puede ver como hay muchas secciones que no tapé con ninguno de estos dos colores que acabo de usar ahora mismo. Toda esta área aquí, por ejemplo mucha de esta área por aquí, un par de secciones por aquí e incluso aquí abajo, todavía se ve ese efecto pictórico porque no volví a repasar esas áreas con la segunda capa. Es solo esa capa inicial que hice en la fase uno, brillando al descubierto por esta nueva colocación de color. Y eso es exactamente lo que quiero hacer. No quiero seguir colocando color en zonas donde no lo necesito o no necesito profundizar y oscurecer. Voy a seguir adelante y trabajar en la flor y luego en la mesa. Entonces con la flor, volveré a traer el gris. Esto es diferente con los pétalos de flores porque se trata de un objeto blanco. El enfoque con objetos blancos o sujetos es definitivamente un poco diferente de otras cosas que podrías estar desarrollando tus valores. Y así cuando se trata de la flor, yo estaba usando el gris y el morado para los pétalos, y el amarillo y el verde para la sección de perspicacia ahí. Entonces lo primero que hago es usar mi gris que ya estaba usando en mis pétalos. Lo que estoy haciendo es que estoy describiendo las líneas en esos pétalos, la textura que veo en esos pétalos apenas un poco de una manera muy sutil y suelta con este gris, puedes verme usando trazos ahusados hacia afuera comenzando en la parte más interna de ese pétalo más cercano al centro y haciendo mi salida. Solo estoy agregando algunos trazos extra para describir un poco de esa textura de pedal. No estoy tratando de tapar la totalidad de ese pétalo porque no quiero que esta flor se vea gris. Esto es solo un indicio sutilmente de esa textura de charco. Las líneas que puedo ver en esos pétalos en la foto de referencia. Después de haber agregado en algunas de esas líneas. Adelante, oscurece ciertas sombras, secciones entre pétalos superpuestos con mi gris antes de encenderme a mi color más oscuro que estoy usando en mis pétalos, que es el morado. Después de haber empujado algunas secciones de sombras un poco más con mi gris, me enciendo a mi morado y solo hago un poco de empujar las áreas más oscuras entre pétalos superpuestos con este color más oscuro. Estoy saltando por toda esta sección de pétalos y realmente viendo todo como un todo. Esto es muy importante cuando estás pintando objetos blancos. Realmente quieres asegurarte de que estás volviendo a ver todo como un todo, cómo se ve todo desde un poco más lejos porque es muy fácil ir borda y seguir agregando y agregando y agregando color. Y de repente el objeto ya no se ve blanco. Así que toma descansos y mira todo desde una distancia más lejana. Y realmente pregúntate si más color o marcas o líneas son realmente necesarias para comunicar ya sea la textura o los efectos de luz y sombra que estás queriendo comunicar. No quiero exagerar y empezar a hacer que esos pedales no se vean blancos. Entonces voy a encenderme a los dos colores que estaba usando en la sección central de la flor. Y para esta área, me enciendo a usar pequeños movimientos circulares o trazos para comunicar tanto la textura como el valor simultáneamente. Y después de colocar ese amarillo, ahora me estoy encendiendo a mi verde, presionando hacia abajo una pared un poco más dura, creo esos círculos dentro de esta área y estoy tratando de enfocarme más en la parte exterior. Esto ayudará a que la sección más central se vea elevada o curvada. Se puede ver como dejé pequeñas secciones de papel brillando a través. Y eso me va a ayudar solo a crear visualmente esa textura. Ahora bien, si sientes que has colocado demasiado púrpura o gris en tus pétalos blancos. Recuerda que siempre tienes tu goma de borrar solo te aseguras de que sea agradable y limpia si vas a entrar con ella. Y si necesitas hacer algún levantamiento, ciertamente puedes entrar y levantar algo de ese color antes de hacer tu activación. Porque una vez que hayas activado ese color, no vas a poder quitarlo. Voy a estar agregando un poco de púrpura sobre este verde. Voy a usar pequeños trazos circulares diminutos porque sí quiero asegurarme de que estoy cambiando a un trazo o tipo de aplicación que me va a ayudar a crear esa textura en la parte central de la flor. Y en su mayoría estoy agregando en este morado en las secciones exteriores de este círculo en medio de la flor. Esto me va a ayudar a elevar más esa sección central más arriba un poco más oscureciendo los bordes exteriores. Justo aquí. Sólo voy a tomar un segundo rápido para oscurecer aún más pequeñas secciones fuera del centro de la flor, fuera de esa sección verde amarilla en las partes más internas de los pétalos blancos, justo al lado de la sección central de la flor. Y por último, es momento de trabajar en la segunda capa de la tabla. Para la mesa, en realidad solo hemos seleccionado dos colores diferentes. A diferencia de otras áreas donde estamos usando tres colores diferentes, solo tenemos un marrón más claro, que en mi caso es mi ocre quemado, y un marrón más oscuro, que en mi caso es mi Van **** marrón. Entonces lo primero que hago es usar mi marrón más oscuro, mi Van **** marrón, entrar y oscurecer ciertas secciones un poco más. Ahora bien, si recuerdas, en la primera fase, estaba mencionando que es muy importante que no creamos líneas o formas muy marcadas en la mesa que puedan distraer demasiado al espectador. No queremos llamar demasiado la atención del espectador a las secciones de la mesa. Entonces me aseguro de entrar muy a la ligera. Me estoy asegurando de no ejercer mucha presión en absoluto. Solo busco oscurecer ciertas secciones más pequeñas de esas formas marrones más oscuras que ya había empezado a desarrollar. Un poquito más, liberando esa presión mientras me dirijo hacia áreas marrones más claras para crear agradables transiciones suaves. Aquí mismo estoy oscureciendo algunas secciones de sombras más profundas justo debajo la tela roja en esta porción visible de la mesa en la esquina inferior izquierda de la pieza. Una vez que he aplicado un poco más de mi marrón más oscuro, vuelvo a cambiar a mi marrón más claro, mi ocre quemado, para trabajar en suavizar las transiciones entre mis marrones más oscuros y mis marrones más claros. Al igual que con todas las demás áreas en las que he venido desarrollando más valores en esta fase del proceso. Quiero asegurarme de que estoy dejando bastantes secciones donde esa estratificación inicial de color que hemos activado con agua queda sola y brillando completamente descubierta con esta nueva estratificación de color. Y eso es todo. Eso es todo lo que voy a hacer para la segunda aplicación del color. Ahora es el momento de pasar a hacer nuestra segunda activación del color usando agua y un pincel. 9. Activación de segundo color: Entonces tengo mi agua conmigo, tengo mi toalla absorbente, y tengo mi cepillo redondo talla diez. Voy a empezar con mi segunda y última activación del color. las mismas cosas que hacíamos antes con Aún se aplican las mismas cosas que hacíamos antes con nuestra primera activación del color. Quieres entrar con solo una pequeña cantidad de agua y quieres asegurarte de que estás notando lo que está sucediendo en tu papel mientras empujas y tiras ese color alrededor. Realmente enfocándote en respetar y proteger esas diferentes formas de valor que ya has creado. Esta segunda activación del color realmente debería tomar una cantidad de tiempo más corta que la primera activación del color que hicimos. Porque en realidad solo estamos pasando nuestro pincel sobre las secciones en las que acabamos de aplicar más color en la fase anterior que acabamos de hacer. No estamos pasando nuestro pincel sobre todo con la primera activación de color que hicimos, había más por activar, pero esta vez hay menos pigmento para activar. Esas secciones a las que acabamos de agregar más color en la fase anterior son más pequeñas. Así que no empieces sin pensar a pasar tu pincel sobre todo. Simplemente activa ese color en las áreas en las que acabas de agregar más color en la fase anterior. Y si sientes que necesitas trabajar un poco más en áreas de transición, donde los valores más oscuros se están convirtiendo en valores más claros, solo asegúrate de entrar con un pincel limpio y ligeramente húmedo que no tengas ningún pigmento en las cerdas de tu pincel. Puedes pasar esas cerdas limpias y ligeramente húmedas de tu pincel a lo largo de ese borde que buscas suavizar para ayudarte a suavizar las transiciones un poco más si sientes que lo necesitas. Pero si tienes alguna cantidad de pigmento en tus cerdas de pincel y entras en secciones de valor más ligero. Se puede correr el riesgo de oscurecerlos. Estoy haciendo mi mejor esfuerzo para trabajar desde áreas más claras hacia áreas más oscuras. Y también estoy realmente prestando atención a la cantidad de pigmento que está empezando a recogerse en mis cerdas de pincel. Si noto que estoy empezando a tapar secciones que no pretendía oscurecer. O estoy empezando a empujar y sacar demasiado pigmento alrededor. Inmediatamente elimino ese pigmento para las cerdas de mi pincel al hacer girar mi pincel en mi recipiente con agua. Quita ese exceso de agua para que no entre con demasiada raspando suavemente las cerdas de mi pincel a lo largo de la parte superior de mi recipiente. Y también estoy constantemente frotando la punta de mi pincel en mi toalla absorbente que tengo ahí a mi izquierda. Se puede ver como me están quedando con pequeñas cantidades de lío salpicado mientras estoy haciendo mi activación de color. Pero no voy a entrar y tratar de deshacerme de esa textura, sobre todo porque sé que todavía vamos a estar aplicando más color encima de esto. Y también porque corro el riesgo de sobretrabajar mi papel. Si lo hago aquí mismo, estoy corriendo las cerdas limpias y ligeramente húmedas de mi pincel a lo largo de los bordes de mi forma de resaltado más brillante, esta forma blanca que he mantenido protegida en el camino donde hay papel limpio brillando sin pintar. Solo busco suavizar los bordes de esta forma de reflejos más brillantes. Y lo hice con un pincel ligeramente húmedo más limpio y simplemente pasando suavemente las cerdas del pincel sobre esos bordes. Quizás haciendo un poco de fregado suave y haciendo un poco de secado con mi toalla absorbente. Después de hacer eso, llegó el momento de ponerse a trabajar en la activación del color en el mango. Quiero asegurarme de que incluso en mis viajes de mango, tengo una variedad de valores desarrollados. Entonces quiero áreas más claras, áreas tono medio y áreas más oscuras. En estas formas de mango. Quité todo ese color de las cerdas de mi pincel y ahora voy a ponerme a trabajar en la tela. Levantando algunas gotas de agua que me metí en mi pieza accidentalmente. Y voy a empezar de nuevo por aquí, hacer mi camino hacia abajo. Y piense en la estructura tridimensional creada por los pliegues de la tela. En lugar de simplemente ir así. Me estoy acercando a esto en secciones. Sigo observando esa foto de referencia para recordarme lo que está pasando con estos pliegues de tela y con paciencia y cuidado continuar trabajando sección por sección, zoom en diferentes partes de la foto de referencia a medida que avanzo. No estoy pasando mi pincel sobre esas secciones más ligeras que no apliqué más color en la fase anterior de este proceso. Sé que si lo hago, corro el riesgo de oscurecer esas secciones y voy a estar quitando esos valores más ligeros que realmente necesito si quiero que esto se vea realista. También recuerda que si tapas esas secciones de valores más ligeros y te deshaces de los reflejos, tus piezas no van a tener esa ligereza y ese efecto resplandeciente que tan particular de la acuarela, eso sucede cuando incorporas el brillo del papel como parte de la pieza. Estoy haciendo todo lo posible para estar al tanto del control del agua. Estoy abrazando pequeñas imperfecciones y pequeñas manchas que quedan mientras estoy activando este color. Realmente no buscando deshacerse de esa textura creada por el lápiz. Y sigo enfocándome principalmente en el valor porque sé que ese valor es el número uno. Cuando se trata de desarrollar una sensación creíble de profundidad, vamos a estar haciendo más capas de color sobre esto para profundizar y oscurecer algunas secciones aún más en la siguiente fase de este proceso. Así que la mayor parte de ese chapoteado Ness va a desaparecer. Una vez que consigues la caída de activar el color, puedes hacerlo con bastante rapidez. Te metes en un ritmo de activar y luego limpiar tu pincel y volver a entrar y hacer un poco más activando y limpiando tu pincel y volviendo atrás y solo toma un poco de práctica y acostumbrarte. Casi terminé con mi activación de color en la tela. Y estoy tomando nota de un par de estas largas formas rojas que me parecen un poco demasiado a líneas. Y es importante notar este tipo de cosas o cualquier cosa que pueda requerir un poco de fijación o ablandamiento antes de pasar a la siguiente fase del proceso. Porque de esta manera, estarás preparado para arreglar eso o hacer que ese error sea menos notorio en la siguiente fase, que viene arriba donde vamos a estar aplicando más color en la parte superior. Bien, entonces ya terminé con la tela. Voy a seguir adelante y trabajar en la mesa y voy a dejar la flor por sólo el último elemento para activar solo porque necesito tener mucho cuidado con la flor. Así que eliminé todo lo que leía de mis cerdas de pincel y voy a entrar y simplemente muy rápido y vagamente repasando las secciones donde acabo de colocar más color. Quiero activar. Y eso es todo por esta parte superior de la mesa. Voy a hacer un poco de activación en esa parte de la esquina inferior izquierda. Y voy a estar todo hecho. Hagamos la flor. Entonces voy a quitar todo este marrón para mis cerdas de pincel, asegúrate de que estén bonitas y limpias. Y voy a empezar con mis pétalos. Solo estoy buscando activar muy, muy suavemente la puja de color que ya coloqué. Y no estoy tratando de jalarlo todo a lo largo de los pétalos porque lo contrario ya no van a verse blancos. Entonces, fíjate en lo rápido que estoy haciendo esto, ¿verdad? Y si ya empezaste a crear ese poco de textura con trazos lineales en esos pétalos, arrastra muy suavemente la punta de tu pincel sobre esa línea que creaste con tu lápiz de acuarela. Y simplemente revísalo una vez con un movimiento movible hacia arriba, hacia afuera con tu pincel. Y eso va a ayudar a suavizar esa línea, va a difuminar con esta flor blanca. Soy aún más cuidadoso asegurándome de no encubriendo esa blancura del papel que todavía tengo bastante. Ese papel blanco está brillando en todos estos pétalos. Comenzar en las secciones de valores más claros y abrirme camino hacia secciones de valores más oscuros es realmente útil. Y eso es todo por los pétalos. No quiero hacer otra cosa. Ahora para el centro, voy a comenzar en el medio con suaves trazos circulares incluso con mi pincel. Y muy suavemente solo tocar la punta de mi pincel sobre estas áreas donde coloqué un poco más de color y eso debería ayudar a derretir ese color un poco más. Todavía dejé un poco de textura ahí. Realmente no estoy buscando deshacerme de esa textura por ahora. Eso es todo lo que voy a hacer. Eso es todo por esta segunda activación del color en este proceso, no vamos a estar trayendo más agua ni ningún otro pincel hasta que llegue el momento pintar en la pared posterior con la tradicional pintura acuarela. Por ahora, voy a permitir que esto se seque completamente una vez más. Y después de que esto esté seco, vamos a pasar a la siguiente fase de este proceso, donde vamos a estar haciendo nuestra aplicación final lápiz de acuarela. 10. Tercera aplicación de color: Bien, así que todo está completamente seco y es momento de trabajar en nuestra tercera capa de lápiz de acuarela. En esta fase del proceso, nos estamos enfocando solo en las áreas oscuras más profundas y oscuras. Entonces vamos a estar usando el color más oscuro que hayamos elegido para cada área. Y probablemente vamos a estar trayendo de nuevo un poquito del color medio, si tenemos que trabajar en alguna transición. Entonces empecemos nuevamente con la imagen, los dos colores que estaba usando en la última fase del proceso, donde mi amarillo cromo oscuro, mi naranja amarillo, y mi naranja rojo justo aquí. Ahora bien, si recuerdas, cuando estaba eligiendo mis colores por primera vez antes de comenzar con el proceso de pintura, estaba pensando en traer el morado solo en las zonas más profundas y oscuras de la imagen. Esto va a ser muy útil porque solo puedo ponerme tan oscuro con este color más oscuro que he elegido también va a ayudar a integrar estos tres elementos juntos maravillosamente porque aquí estoy usando púrpura y aquí estoy usando púrpura. No obstante, todavía quiero tener estos dos a mano por si acaso necesito trabajar un poco más en las transiciones. Entonces voy a traer el morado. Realmente solo voy a estar usando este color ahora si siento que necesito suavizar las transiciones, si están buscando comenzar realmente, si están buscando comenzar realmente, solo me estoy enfocando en las áreas oscuras más oscuras, medios tonos más oscuros y las áreas de sombra más oscuras. Tan bueno para entrar con mi naranja roja. Estoy observando esa foto de referencia y sólo voy a estar aplicando esta tercera capa de color en las secciones de sombras más profundas y oscuras que veo. Solo estoy buscando empujar las zonas más oscuras en este punto del proceso. Y dejando todos los tonos medios más claros y las luces más ligeras completamente descubiertos por esta tercera aplicación de color, sigo notando en esa foto de referencia donde tengo transiciones nítidas entre formas de valor y donde tengo transiciones más suaves y graduales. Como por ejemplo en esta sección inferior de esta estructura esférica en la imagen, tengo una transición gradual más suave donde los valores más oscuros se convierten gradualmente en tonos medios más claros. Así que me aseguro de aplicar cada vez menos presión a medida que salgo de áreas de valor más oscuras y a secciones de valor más ligero. Incluso en este punto del proceso donde estamos trabajando en los valores más profundos y oscuros, todavía no estoy aplicando demasiada presión hasta el punto de bruñir mi papel. Puedo permitirme presionar un poco más fuerte que con mi segunda aplicación de color, sobre todo en esas secciones muy profundas donde realmente estoy buscando tapar la mayor parte de ese papel, pero aún así quiero tener cuidado. No quiero empezar a dañar accidentalmente mi papel. Aquí mismo tengo un filo definido y esa foto de referencia. Pero aquí abajo, los bordes un poco más suaves. Así que estoy aplicando mucha menos presión y probablemente voy a estar trayendo este color amarillo, naranja en solo un poco para suavizar las transiciones un poco más entre oscuros y tonos medios más claros. Voy a empezar a oscurecer algunas secciones que hay que oscurecer a lo largo esta estructura cilíndrica en la imagen, definitivamente tengo secciones de valores más oscuros para seguir empujando más, hay una forma de valor oscuro muy visible que está ocupando casi la mitad de la estructura cilíndrica. Y tiene un borde definido bastante afilado que quiero asegurarme de que suceda en mi pieza. Entonces continué con mi estratificación de este tercer color en la imagen, continuando comparando mi pintura con la foto de referencia y notando secciones que necesitan oscurecerse. Hago un poco de oscurecimiento a lo largo del borde derecho de la parte cilíndrica de la jarra. Hago un poco de oscurecimiento en pequeñas secciones en el mango. Y luego paso a oscurecer secciones en los planos internos de la imagen. Voy a estar haciendo un poco más de superposición de este naranja rojo antes de encenderme a mi morado, quiero asegurarme de que ya he desarrollado una bonita gama de tonalidad y valor antes de traer mi color más oscuro, que va a ser el morado. Si solo me he quedado dentro del valor de luz a la gama de tonos medios claros, y traigo mi morado. Ese morado va a crear mucho contraste sobre esos valores relativamente más ligeros. Así que pasa el tiempo que necesites y asegúrate de que ya has desarrollado un cierto nivel de desorden 3D antes de encenderte a tu morado. Entonces, finalmente, voy a seguir adelante y usar mi morado. No voy a presionar demasiado fuerte en absoluto porque este color es mucho más oscuro que el color que ya está ahí. Quiero llevarlo adelante de manera incremental paso a paso. Entonces voy a volver a empezar por aquí. Y recuerda que más oscuro te pones con tu color, más pequeña es la forma. Y cuanto más quieras ser consciente de ejercer aún menos presión a medida que te diriges hacia los tonos medios más claros. Puedes ver aquí no voy a entrar inicialmente con mucha presión con mi morado. Y puedes ver como no voy a entrar y encubriendo todo mi rojo. Sólo estoy oscureciendo ciertas secciones de estas formas oscuras que ya había empezado a crear con mi rojo. Si después de haber hecho esta capa inicial más clara con mi morado, quiero entrar y oscurecer las secciones aún más. Puedo considerar entrar con otra capa y quizás presionar un poquito más hacia abajo. Realmente se trata de tomar las cosas gradualmente de manera incremental, paso a paso hacia valores más oscuros más profundos. Aquí hay una forma de sombra profunda. Y una forma de sombra profunda por aquí, justo debajo de la imagen. Y voy a seguir saltando alrededor de todo el cuadro, superponiendo este morado en las secciones de valor más oscuras que veo en esa foto de referencia. Empezando suavemente, sin presionar muy fuerte en absoluto, y luego dejarme presionar un poco más fuerte si quiero hacer más capas sobre eso solo en las secciones de sombras más oscuras más profundas. Ahora que he hecho mucha superposición de púrpura sobre mi rojo, se puede ver que esta combinación de colores se ve bastante bonita. Cuando vas a estar mezclando, mezclando o superponiendo dos colores diferentes juntos. Es muy importante probar esa mezcla de colores en un trozo de papel de acuarela antes de usar esos dos colores en tu proceso de pintura. De esta manera puedes evitar Medina o crear colores que no pretendías crear. Y si vas a estar activando esos dos colores juntos, como por ejemplo si vas a estar colocando el morado sobre el rojo y vas a estar trayendo agua y un pincel y activando esos dos y mezclándolos. Prueba eso también. Porque con lápices de acuarela, como ya he mencionado antes, cuando activas ese color, puede verse bastante diferente a como se veía antes. En este caso, ya no vamos a estar trayendo agua y un pincel para activar estos colores juntos, los vamos a dejar como están. Pero sí quieres evitar crear colores indeseados tanto como puedas. Y hacer algunos trabajos de planificación y preparación y entrar con una estrategia, por supuesto , va a ser increíblemente útil para evitar ese tipo de cosas. Incluso de diez a 15 minutos de planear tus colores específicos que vas a traer y asegurarte de que los swatching y activarlos en un trozo de papel de acuarela. Si vas a estar trayendo agua y un pincel a tu proceso va un largo camino. Bien, así que ya terminé con el morado por ahora. Y si ahora que has aplicado tu color más oscuro, quieres cambiarlos de nuevo a tu rojo más oscuro o a tu color medio para trabajar en transiciones entre estas nuevas formas de valor más oscuro y los tonos medios que ya habías desarrollado. Puedes seguir adelante y hacer eso. Aquí estoy usando mi rojo más oscuro y repasando bordes y creando transiciones más suaves. Aplicando cada vez menos presión a medida que me dirijo hacia secciones de valor más ligero. Me pueden ver trabajando en transiciones aquí mismo en este lado ligero del cilindro. Y también aquí mismo en esta sección ligera de la estructura esférica. Voy a redondear la parte esférica del cuadro colocando un poco más la parte esférica del cuadro colocando un poco de este rojo a lo largo de los bordes. Agregando rápidamente un poco más de este color en otras secciones. Y luego me enciendo a mi color medio. Si quieres trabajar en transiciones entre tus tonos medios claros y tus áreas de luz más claras, puedes volver a tu color medio. Entonces para mí es este amarillo, naranja. Vas a notar cómo trabajo alrededor de la sección de destacados más brillantes. Y a medida que me dirijo hacia esa zona más ligera, libero esa presión por completo, dejando una porción de esa capa inicial que creé, especialmente esa sección alrededor la forma de resaltado más brillante. Libre de este pigmento extra, no necesito agregar más color a esa área. Este es el punto en el proceso donde si quiero agregar un poco de color en estos bordes, el labio aquí arriba y este borde aquí. Si lo he dejado en blanco, ciertamente puedo entrar con mi amarillo, naranja o incluso en secciones con mi naranja rojo para crear un poco de rango de valores en estas formas muy estrechas. Bien, ajetreo. terminé con la foto y es momento de pasar a la tela. Entonces cuando se trata de la tela, estaba usando mi naranja rojo, que es mi naranja cromo oscuro. Estaba usando mi rojo más oscuro, que es rojo escarlata, y estaba usando mi azul púrpura para las áreas de sombra más oscuras, el rojo más claro ya no voy a usar porque me estoy enfocando en los valores más oscuros. Así que voy a entrar con mi rojo escarlata y voy a empujar un poco más las áreas de sombra más oscuras con mi azul púrpura. No es mi intención oscurecer nada excepto las áreas que realmente necesitan oscurecer. Voy a comenzar con esta zona sombría de aquí. Y igual que lo que he estado haciendo cuando he estado trabajando en la tela y todas las fases pasadas. Me aseguro de trabajar sección por sección, haciendo zoom en estas áreas en la foto de referencia a medida que avanzo. Y estoy haciendo todo lo posible para no colocar más color o hacer más superposición de pigmento en las secciones de valores más claros. Voy a seguir bajando, oscureciendo formas de sombra debajo de la flor. Y donde quiera que vea formas de sombra debido a que la tela se pliegue sobre sí misma. Voy a repasar toda esta forma excepto por el borde inferior. Y esto es porque veo valores más claros en ese borde inferior en la foto de referencia. Entonces me voy a quedar lejos de esa zona. Nunca dejé de mirar esa foto de referencia mientras me estoy moviendo. Es muy importante entrenarnos para observar si buscamos niveles más altos de realismo. Mientras estoy trabajando en esta capa en la tela, estoy recordando lo que no había notado antes en la fase anterior sobre cómo algunas de estas formas se parecen un poco demasiado a las líneas. Y entonces lo que estoy tratando de hacer es que estoy tratando de suavizar ese efecto de línea agregando un poco más de color a lo largo de algunos de los bordes de esas líneas, haciendo que ciertas secciones se vean un poco más gruesas. Otras secciones se ven un poco más delgadas y la convierten en una forma más abstracta alargada que en una línea. Si realmente observas de cerca esa foto de referencia, estas son formas abstractas, no son líneas. Entonces, si ves algo así como una línea en tu trabajo, solo piensa en cómo puedes hacerlo un poco más irregular. Después de oscurecer otras pequeñas secciones aquí y allá, decido traer mi borrador de grafito suave. Me aseguré de que fuera agradable y limpio antes entrar para hacer un poco de borrar fuera de color o levantar para suavizar secciones de esas formas que me parecen un poco demasiado líneas. Esto definitivamente ayuda a crear más irregularidad a lo largo de estas largas formas. De esta manera algunas secciones se ven más claras, otras secciones se ven más oscuras y se ven mucho menos. Líneas que tienen un peso consistente de un extremo a otro extremo. Mientras no hayas activado ese color, vas a poder levantar algo de él. Por fin estoy listo para entrar con mi morado. Y una vez más, voy a empezar detrás del cuadro donde veo formas de sombra muy oscuras. Y voy a hacer mi estratificación de púrpura sobre ciertas secciones de esa forma de color rojo oscuro que ya había creado. Voy a hacer mi camino hacia abajo desde allí, oscureciendo otras secciones más y realmente asegurándome de que no estoy sobreusando el color más nítido y aplanando áreas que son realmente tonos medios y no las áreas oscuras más oscuras. Continúa haciendo zoom en esa foto de referencia según sea necesario y no te abrumes. Solo trabaja sección por sección poco a poco. Observa y pregúntate, ¿esta sección es más oscura o más clara que esta sección de aquí? Entonces, si has revisado alguna de mis otras clases o tutoriales de lápiz de acuarela, entonces probablemente ya estés muy consciente de que me encanta usar lápices de acuarela a su máxima capacidad. Entonces por eso me gusta activar ese color con agua. Y también me gusta incorporar la textura que dejan atrás como parte de la pieza. Si solo fuera a por efectos pictóricos, definitivamente iría por simple pintura de acuarela tradicional vieja. Y lo que estoy usando lápices de acuarela, me gusta usarlos a todas sus capacidades y activar el color e incorporar cierta cantidad de efectos pictóricos mientras sigo haciendo uso de la textura que dejan atrás por interés. Como incorporar el aspecto incompleto que pueden producir, siendo también un medio de dibujo. Y realmente equilibrando eso con efecto pictórico. Por lo que también puedes crear con este medio. Y es por ello que no vamos a estar activando esta tercera aplicación de color. Queremos una mezcla de incompletos y efectos pictóricos. Voy a callarme mientras sigo oscureciendo secciones usando mi morado. Bien, así que he terminado con mi morado en toda la tela. Y si quiero volver a mi rojo para trabajar en transiciones después de haber empujado esas secciones de valores más oscuros, definitivamente puedo hacer eso. Si encuentras que tienes formas moradas de aspecto muy marcado o quieres hacer la transición más suave, más gradual entre tus diferentes valores. Puedes usar tu rojo más oscuro para hacer algún trabajo a lo largo de los bordes de tus formas moradas. Bien, así que no voy a hacer más capas sobre la mesa. No creo que sea necesario. Ya hay una buena gama de valores en esa zona. Y debido a que es una especie de elemento secundario de apoyo, realmente no hay necesidad de agregar más detalle o textura en esa área. Yo sí quiero oscurecer esta forma de sombra aquí mismo en la esquina inferior izquierda donde esa porción visible de la mesa está justo debajo la tela para que realmente pueda situar estos objetos sobre la mesa. Para ello, uso mi marrón más oscuro, que es mi Van **** marrón. Entonces entro y hago un poco más de superposición con este marrón más oscuro, sobre todo en las secciones más cercanas a la tela. Y luego voy a encenderme a mi morado. Y con mi morado, estoy haciendo aún más solapamiento, pero ahora solo a lo largo del borde inferior de la tela. Entonces estoy oscureciendo sólo lo que sería el área de sombra de oclusión. Bien, genial. Entonces ahora voy a hacer un poco más de trabajo en la flor. Entonces voy a traer de vuelta un gris, verde y el morado. Con mi gris. De verdad, sólo me voy a centrar en crear esas líneas. Y todo lo que estoy haciendo es hacer un poco de garabatos aquí abajo y simplemente tirar rápidamente algunas líneas, asegurándome de que las líneas no se vean demasiado rígidas o rectas. Quieres seguir la curva de esa forma del pétalo. De lo contrario, pueden terminar pareciendo un poco poco antinaturales. Entonces ya es suficiente. No quiero hacer otra cosa. Si hay algún poco de formas de sombra que quieras desarrollar en los pétalos, especialmente en la sección más cercana al centro ahí. Y debajo de los pétalos, puedes hacer eso. Solo ten cuidado de no estar exagerando. Ahora por fin, en el medio, aquí es donde quiero entrar. Quizás quieras asegurarte de que tu lápiz de acuarela esté afilado. Así podrás entrar con pequeños trazos circulares para desarrollar un poco más de textura. Y luego voy a entrar, firmar un contrato de arrendamiento con mi morado. Y sólo voy a hacer unos pequeños círculos diminutos ahí para desarrollar algunos valores más oscuros. Y realza un poco más esa textura. Voy a empujar algunas secciones de sombras con mi morado aquí justo debajo de los pétalos de flores. Y ya estoy todo hecho. Si sientes que te excediste un poco con el morado o quieres suavizar el morado, entra con tu goma de borrar y solo haz un poquito de levantamiento. No quiero que ninguna línea o marca distraiga demasiado o que Stark se vea en la flor. Y con eso, todos terminamos con esta fase del proceso. Ahora es el momento de pintar la pared de fondo. Entonces vamos a estar trayendo como algún tipo de pintura. En mi caso, voy a estar trayendo pintura tradicional de acuarela. 11. Pintura de pared de fondo: Cuando se trata de la pintura que vas a usar para tu pared trasera. Realmente, puedes usar el color de pintura que quieras. Si tienes índigo, puedes usar índigo. Desde que se me acabó el índigo, voy a estar mezclando azul ftalo y tinte neutro. Voy a empezar a crear mi mezcla de color azul oscuro. Voy a usar mi pincel redondo talla diez para crear mi mezcla de colores. Y entonces voy a cambiar a otro pincel porque esta es una forma bastante grande en la que vamos a estar pintando. Y no quiero usar un pincel que sea demasiado pequeño. Quieres asegurarte de que siempre estás eligiendo un tamaño de pincel que sea apropiado para el área que vas a pintar. De lo contrario, puedes hacer que el proceso de pintura sea mucho más difícil y frustrante de lo necesario. Solo estoy tomando un poco de agua a la vez, llevándola a mi color azul ftalo, rosa aquí en mi paleta, sacando un poco de pintura a la vez a esta sección de mi paleta que había limpiado previamente. Y voy por una mezcla de colores agradable y jugosa que es aproximadamente una consistencia parecida al café a la leche. Así que aproximadamente 50%, 50% de agua es lo que quieres. Quiero asegurarme de que tengo suficiente también porque de nuevo, esta es una zona bastante grande. Vamos a estar creando un buen lavado en toda esa zona. Bien, entonces creo que ya es suficiente de mi mezcla de color azul. Voy a estar agregando un poco de mi tinte neutro para oscurecerlo. Voy a agregar solo un poquito de mi gris o negro a la vez hasta que lo consiga tan oscuro como quiera. Puedes usar el azul que quieras o al que tengas acceso. Puede ser azul ultramarino. Puede ser en el trono azul, failover, azul, azul prusiano. Si quieres oscurecerlo más, puedes oscurecerlo con el gris de Payne, tinte neutro, el negro neutro, cualquier cosa así funcionará perfectamente. Busco un azul profundo. Entonces por eso agregué bastante tinte neutro a mi azul. Bien, creo que ya es suficiente. Voy a probar este color en un trozo de papel de acuarela antes de usarlo para asegurarme de que está donde quiero que esté. Yo sí quiero que se vea azul, pero también quiero que sea bastante oscuro para el contraste. Entonces le estoy agregando un poco más de tinte neutro para oscurecerlo un poco más. Bien, ahí vamos. Bien, entonces mis colores donde quiero que esté, y creo que tengo una buena cantidad. Voy a añadir un poco más de agua porque es un poco espesa. Voy a enjuagar todo este color para las cerdas de mi pincel porque ya no voy a usar este pincel. Voy a usar este pincel de aquí mismo. Este es un cepillo plano de tres cuartos de pulgada, y voy a estar haciendo pre boda en toda esta porción de pared. Estoy sacando un poco de agua a la vez de mi contenedor y suavemente pre boda toda esta sección de la pieza. Realmente tómate tu tiempo haciendo este proceso de pre-leer. No puedo enfatizar lo suficiente lo importante que es esto. Quieres llegar a un bonito brillo uniforme por toda la pared. Estaré dejando la forma negativa en el asa para más adelante. Pero sí quiero poder pintar toda esta sección de pared a la vez. Esto me ayudará a crear ese lavado relativamente parejo que estoy buscando para la pared. Estoy repasando todo por lo menos seis a siete veces haciendo este proceso de prelectura y preparando nuestro papel con una fina capa uniforme de agua. Vamos a hacer dos cosas. En primer lugar, vamos a poder ampliar nuestro tiempo de trabajo ya que estamos pintando en esta porción de pared. Se ve cuando pintamos sobre papel seco, el papel está súper sediento y comienza a absorber esa pintura de inmediato. Todo empieza a secarse muy rápido. Entonces, al alimentar agua al papel, ya no va a tener tanta sed. Y esa pintura que le colocamos no va a ser absorbida tan rápidamente. Las cosas se van a secar mucho más despacio. Entonces esto se expande, esto aumenta nuestro tiempo de trabajo para que podamos seguir agregando más pintura si es necesario o trabajar en suavizar pequeñas texturas que no nos gustan, etcétera, antes de que todo empiece a secarse sobre nosotros, especialmente cuando se trabaja con acuarela, no deberíamos estar agregando más pintura o moviendo la pintura cuando empiece a secarse, porque esto lo hará solo conducen a fondos ***** salpicados y efectos no deseados. Entonces esa es una razón por hoy estamos haciendo la pre boda. Pero otra razón es porque el agua que aplicamos en el papel va a estar haciendo la mitad del trabajo por nosotros en términos de crear esos efectos difusos suaves, ves que la acuarela se va a expandir cuando se coloca sobre papel húmedo. Y eso es exactamente lo que queremos. Queremos bonitos defectos suaves y nuestros antecedentes. Por supuesto, date cuenta de que el ambiente en el que estás trabajando va a tener un gran impacto en la rapidez o la lentitud con la que tu pintura comienza a secarse si estás trabajando en un ambiente cálido, un ambiente fresco, un ambiente húmedo , un ambiente seco. Si tienes un ventilador en un sistema de calefacción, en una unidad de aire acondicionado, en todas esas cosas van a tener un impacto en cómo va tu proceso de pintura y tu resultado final. Pero sea cual sea el caso, quieres tomarte tu tiempo con este proceso de prelectura y asegurarte de que estás llegando a un bonito brillo uniforme, un brillo uniforme en toda esta zona de la pared antes de comenzar a pintar. Si haces esto demasiado rápido, ciertas secciones van a empezar a dibujar rápido en YouTube. Nada se acrecienta en estos videos en este curso. Entonces este es en realidad el tiempo que me llevó hacer mi pre boda para esta pieza. Tómate tu tiempo con este proceso. Simplemente pase las cerdas de su pincel sobre ese papel suavemente, digamos que tenga un brillo agradable y uniforme en toda esta sección superior. Y estoy listo para comenzar a agregar mi color azul oscuro y mi fondo. Voy a encenderme a este cepillo redondo talla 14, bastante mojado. Quita ese exceso de agua y voy a tomar una buena cantidad de esta mezcla de color azul oscuro y jugosa que he creado una vez que he cargado mi pincel con una buena cantidad de ese rico color azul oscuro que he creado. Voy a seguir adelante y empezar a dejarla caer en esta humedad que he preparado mi papel mojado. Y voy a hacer con mucho cuidado mi camino alrededor de la imagen. La acuarela sólo se expandirá en papel que esté húmedo. Entonces, si no me he casado nada dentro de la forma de la jarra, el color no se expandirá en ella. Así que solo sigue abriéndote camino cuidadosamente alrededor de la imagen. Se puede ver como este contenido de agua que he preparado, mi ancho de papel realmente me está ayudando a crear bonitos efectos difusos suaves. Todo sigue siendo bastante húmedo y viable, así que puedo tomarme mi tiempo para seguir agregando más color según sea necesario hasta llegar al lavado que estoy buscando en mi fondo, busco una ligera variedad en valores y translucidez en mi fondo. Entonces no voy a por un lavado completamente plano. Sí quiero que ciertas secciones se vean un poco más claras, otras secciones que se vean un poco más oscuras. Y ese contenido de agua me va a ayudar a crear esas transiciones suaves entre estas áreas más oscuras y esas áreas más claras. Si hubiera empezado a pintar sobre papel que estaba seco, estaría corriendo contra reloj porque todo estaría dibujando muy rápido. Dicho esto, no tengo trabajando súper, súper despacio. Todavía estoy tratando de trabajar rápidamente y estoy tratando de mantenerlo en movimiento. También estoy evitando realmente entrar y hacer más de mezclar. Estoy abrazando los efectos orgánicos irregulares que está creando la acuarela. Si entro y empiezo mezclar y repasar todo, puedo correr el riesgo de comenzar a dañar mi papel o realmente aplanar las cosas. Yo sólo voy a entrar y hacer suave suavizado. Si encuentro que tengo algunas texturas muy visibles que podrían distraer demasiado, pero cualquier otra cosa trato de dejar como es algo que me viste hacer justo ahí está que sí entré a usar las cerdas de mi pincel como una pequeña esponja absorbente para eliminar algo de exceso de agua y pintura que estaba tirando demasiado en una zona. Y aquí mismo porque el papel todavía está bastante húmedo y viable, me permito entrar y agregar más pintura en secciones que estoy buscando para oscurecer el papel que ya estamos empezando a secar. Yo no estaría haciendo esto. Sé que si tengo un fondo oscuro porque la imagen es de un color claro, voy a poder hacer que la imagen sea realmente pop porque habrá más contraste creado. Entonces eso es todo para mi pared de fondo. Voy a limpiar este cepillo más grande, dejarlo a un lado. Y ahora voy a estar pintando en el espacio negativo en el mango del cuadro en el que no he pintado. Entonces para esto, me enciendo a mi talla diez cepillo redondo. Incluso en esta pequeña área, quiero asegurarme de que estoy desarrollando algo de variedad de valores. Entonces quiero que algunas pequeñas secciones se vean más oscuras y otras pequeñas secciones que se vean más claras. Así que quiero asegurarme de que inicialmente entro y estoy creando una capa azul relativamente clara para poder construir esos valores de azul más oscuro en esa capa azul claro. Así que evita entrar con una mezcla de color oscuro muy espesa de inmediato, entra en luz inicialmente y regado y pálido, y luego deja caer un poco más de color en pequeñas secciones aquí y allá. Se quiere oscurecer para que pueda desarrollar ese pequeño rango de valores incluso en esta sección, lo que estoy dejando caer en esta segunda capa de azul encima de ese primer azul más pálido. Me aseguro de hacerlo mientras esa capa inicial aún esté húmeda porque de lo contrario no voy a conseguir esas suaves transiciones difusas hacia fuera. Y eso es todo lo que voy a hacer con la pintura tradicional de acuarela. Voy a dejar mi pintura a un lado. Vamos a permitir que esto se seque y vamos a pasar a la última fase de este proceso en la que vamos a estar agregando en nuestros detalles finales. 12. Detalles finales: Muy bien, así que terminé con esa pintura tradicional de acuarela y se ha secado por completo. Y en esta última etapa de este proceso, solo estoy buscando entrar y realmente empujar las zonas más oscuras y oscuras para agregar contraste final. Si necesitas trabajar en alguna textura más o incluso transiciones, puedes seguir adelante y hacerlo también. Queremos empujar algunas secciones de valores más oscuros en la imagen. Entonces vuelvo a mi naranja rojo, que es mi naranja cromo oscuro, y también mi azul púrpura. Voy a simplemente saltar y empezar a usar mi azul púrpura. Y solo estoy buscando empujar esas formas de sombra más profundas y oscuras que veo en esa foto de referencia. Esta es la capa final que estamos haciendo. Por lo que queremos enfocarnos sólo en empujar esas zonas oscuras más oscuras. Así que sigue comparando tu pintura con esa foto de referencia. Realmente observa esas diferencias y esas cosas en las que necesitas seguir trabajando. Ejerciendo menos presión a medida que salgo del valor más oscuro de las áreas. Sea lo que sea en lo que estés trabajando. Ya sea que esté trabajando en profundizar y oscurecer las secciones de valor más oscuras para obtener más contraste. O ya sea que estés buscando suavizar algunas transiciones, o estás buscando agregar un poco más de textura, asegúrate de que estás cambiando entre tus colores según sea necesario dependiendo de qué es lo que estés haciendo y de que estés cambiando y cambiando la presión que estás ejerciendo sobre tu lápiz. Porque si no le prestas atención a la herramienta que tienes en mano y cuánta presión estás ejerciendo. Puedes terminar oscureciendo demasiado la sección o creando formas o líneas que distraen demasiado y empezar a buscar. Justo aquí. Estoy oscureciendo esta sección de sombra justo debajo de la imagen. Y si quiero trabajar en transiciones, puedo encenderme al rojo naranja y trabajar en transiciones. En esta etapa de vidrio del proceso, es muy importante seguir tomando pequeños descansos y seguir regresando para ver toda la pieza, toda la composición en su conjunto. Retírate de exagerar las cosas, ver todo desde la distancia y pregúntate si es realmente necesario más. Recuerda que cuando estamos trabajando con acuarela, lápices y pintura acuarela, menos suele ser más. Y si nos excedemos, vamos a terminar con un trozo de aspecto plano, pesado, sobrecargado de trabajo. Y va a faltar ese resplandor que permiten la acuarela, los lápices y la acuarela. Y solo voy a hacer un poco más de empuje de las áreas de valor más oscuras en la tela. Y voy a llamar a este hecho. Solo enfocándonos en las zonas más oscuras. Si en este punto del proceso sientes que quieres trabajar un poco más las texturas dentro de la flor , Sé mi invitado. Por cierto, incluso en esta última parte del proceso, todavía no estoy presionando demasiado hacia abajo. Sí, estoy empujando más fuerte que lo que estaba haciendo en el comienzo mismo del proceso. Pero aun así no consideraría este bruñido. Todo bien. Creo que ya terminé con esta pieza de bodegón. Así que solo voy a quitar suavemente y con cuidado mi cinta de enmascarar para revelar esos bordes blancos limpios. Y todos terminamos con esta pieza de bodegón a lápiz acuarela. 13. Gracias: Si llegaste a este punto, enhorabuena, realmente espero que hayas disfrutado de este curso y que hayas aprendido muchos consejos, herramientas y trucos que puedas llevar contigo a futuras piezas de lápiz de acuarela en las que podrías decidir trabajar. No olvides publicar una foto de tu trabajo en la pestaña Proyectos y Recursos aquí en Skillshare. No puedo esperar para ver su trabajo y para proporcionar cualquier comentario que pueda necesitar. Y también puedes sentirte libre de hacer cualquier duda que puedas tener. Asegúrate de seguirme aquí en Skillshare porque tengo muchos cursos nuevos vienen por la tubería para ti. Y por último, no olvides revisar todos los recursos gratuitos que estoy poniendo disposición y compartiendo cada semana en mi canal de YouTube y otra vez en mi Instagram. Me encantaría conectarme contigo. Muchas gracias, tanto por acompañarme en este curso. Disfruta de tu práctica artística y habla contigo pronto.