Aprende a pintar como Van Gogh

1. Introducción a la clase: Vincent Van Gogh y pintor del siglo XIX es generalmente considerado uno de los más grandes artistas holandeses después de Rembrandt y uno de los más grandes post-impresionistas, el llamativo color, de hecho, pincelada y formas contorneadas de su obra influyeron en los artistas en el siglo XX y continúan influyendo en los artistas de hoy. El arte de Van Gogh se hizo asombrosamente popular después de su muerte, especialmente a finales del siglo XX. Su obra no vendida durante su vida, se vendió por sumas récord en subastas de todo el mundo y apareció en numerosas exhibiciones de éxito de taquilla. En parte por sus cartas publicadas, Van Gogh se convirtió en mitologizado como el artista torturado por excelencia. En esta clase, intentaremos aprender del enfoque de Van Gogh sobre el color, pincelada y la forma, ojalá sin experimentar el dolor y la lucha por la que atravesó van Gogh durante su vida. Van Gogh pintó diversos paisajes de género, interiores, composición de bodegones. Es famoso por los selfies originales, sus autorretratos. En esta clase, nos centraremos en otro tema querido por las flores del corazón de Van Gogh. Estudiaremos a fondo dos de las obras maestras de Van Gogh. Pintaremos una copia de sus súper famosos girasoles, intentando replicar lo más cerca posible los colores, las formas y las pinceladas. Nuestra segunda réplica será su interfaz de lirises. Esta será una paleta de colores diferente, pero el mismo enfoque único que van Gogh es famoso de forma, después de entender su forma de pensar un poco mejor, intentaremos usar los mismos principios mientras se pinta a partir de una foto. Pintaré interfaz de peonías. Haremos esto no para convertirnos en un segundo van Gogh, sino para poner en marcha nuestros jugos creativos, darnos algunas ideas nuevas y ojalá infundir nuestros futuros cuadros con los brillantes colores de Van Gogh y energía positiva en las manifestaciones en esta clase, estaré trabajando con artistas gouache, pero no tienes que hacerlo. Puedes usar cualquier medio opaco que tengas sin más demora. Empecemos. 2. ¿Quién es Vincent Van Gogh?: Hola, bienvenidos a la clase. Primero, hagámonos una pregunta. ¿ Quién fue Vincent Van Gogh y qué nos puede enseñar como artistas? Vincent van Gogh nació en 1853 en Holanda, veterinario conocido por sus contemporáneos, se convirtió en una de las figuras más famosas e influyentes arte occidental poco después de su muerte a los 37 años, sólo pintó durante unos diez años, pero en el tiempo creó más de 2 mil obras de arte. La mayoría de sus óleos fueron creados en los últimos dos años de su vida cuando pintaba diariamente, a menudo se le llama el post impresionista. Los historiadores del arte consideran 1886 como el final del período impresionista. Van Gogh tenía 33 años que aquí y sólo había estado pintando desde hacía unos seis años, más joven que los impresionistas franceses. Conoció a muchos de ellos y tuvieron una enorme influencia en él. Entre otras influencias destacan estampados japoneses donde tomó prestados sus colores planos, formas rodeadas de líneas oscuras, así como el pintor francés Paul Gauguin, el postimpresionista, maestro de primitivismo y simbolismo, un arte de sus primeros trabajos, más cerca de la pintura tradicional holandesa de género, van Gogh fue en una dirección totalmente diferente con colores saturados brillantes y pinceladas texturizadas en una carta a su hermana, tocando la mente y el temperamento de los artistas, van Gogh quiere escribió que era muy sensible al color en su lenguaje particular. Su efecto sobre los contrastes complementarios, armonía para conocer la vida y el arte de Vincent van Gogh o un ejemplo de cómo una persona que tenía muy poca formación profesional, talento especial para el arte con arduo trabajo y dedicación en apenas diez años, se convirtió en uno de los artistas más grandes de la historia. Creo que aprender de la paleta y enfoque de Van Gogh puede ser muy beneficioso para los artistas modernos. También podemos aprender de él que la práctica regular, concentración en nuestro arte y no rendirnos sin importar lo que piensen otras personas sobre nuestro arte o si están dispuestos a comprarlo, nos haremos mejores artistas . Van Gogh es conocido por su enfoque muy personal del color y por su preferencia por los tonos amarillos y azules. Hay alguna evidencia de que su enfermedad mental, medicamentos, o tal vez el consumo de ausencia le dieron una condición que llamó visión amarilla. El mundo para él estaba tintado de amarillo. Los problemas de visión también podrían haberle costado ver halos alrededor de las luces que es tan famoso representado en su Noche Estrellada. En cualquier caso, si nuestro objetivo es recrear la paleta de Van Gogh, aquí están los colores que necesitaremos. El mango utilizó varios pigmentos amarillos, amarillo Nápoles en el periodo anterior de su carrera pictórica, también usó amarillo zinc, que es de color amarillo limón, y también amarillo cromo y naranja por sus amarillos más cálidos, a veces mezclaba amarillo zinc y amarillo cromo. La camioneta **** Brown fue usada mayormente, mezclada con azul. Eso es lo que usó Van Gogh en lugar de pigmentos negros. Ya que la impresión está prohibida, el negro, rojo aparece en muchas de las pinturas de Van Gogh. Ya ves aquí su paleta contiene par de rojos cálidos y un par de chulos. Lo mismo ocurre con los azules, azul cobalto y el ultramarino francés, o los azules más cálidos que usó. Y azul prusiano y azul cerúleo sobre los más fríos que eligió. Y los dos pigmentos verdes que le gustaban eran el radián y el verde esmeralda. Las tiene por separado y a veces las mezclaba. Van Gogh utilizó ampliamente los blancos. El blanco zinc más frío y ancho se usaba para las nubes, en su mayoría él, y en ocasiones también usaba blanco plomo, que es un blanco más cálido. También lo mezcla con amarillo cadmio. Entonces como ves, con excepción de un par de greens, Van Gogh trabajó con paleta primaria básicamente dividida. Algunos de los pigmentos que van Gogh usó o un fugitivo y se desvanecieron con el tiempo, especialmente los rojos. Por lo que hoy sus cuadros no se ven exactamente como lo hacían cuando los pintaba. Esto pudo haber estado bien con Van Gogh porque los artistas autodidactas en realidad nunca consideraron su trabajo como Esaú final, sus piezas como Estudios que le ayudaron a encontrar su estilo. Cosa que va la aplicación de pintura fue con pinceladas gruesas, también conocido como estilo impasto de la pintura. No mezclaba sus aceites con ningún medio como el aceite de linaza, sino que los usaba directamente de los tubos, a veces apretándolos directamente sobre Canvas. En sus propias palabras, mi pincelada no tiene ningún sistema en absoluto. Eso es lo que Van Gogh le escribió al inmediato Bernard. Golpeé el lienzo con toques irregulares del pincel, que dejo como están. Parches de densamente tendidos sobre manchas de color de Lona dejadas al descubierto aquí. Y son porciones que se dejan absolutamente inacabadas. Repeticiones, raza salvaje. En resumen, me inclino a pensar que el resultado es tan perturbador en la rotación como para ser un regalo del cielo para aquellas personas que han fijado ideas preconcebidas sobre la técnica. Debido a la influencia del arte japonés en el bingo, pasó del tratamiento realista de la forma al enfoque más estilizado y simplificado. Afirma que él mismo en una carta a su hermano Theo van Gogh, se suprimen las sombras y las sombras proyectadas. Está pintado en tiempo plano libre, como los estampados japoneses. Vamos a echar un vistazo más de cerca cómo lo hace cuando empecemos a copiar su trabajo. Pero ahora echemos un vistazo a los materiales que necesitaremos para esta clase. 3. Suministros y materiales: Van Gogh pintado con aceites tradicionales. Soy artista de medios de agua, así que estaré trabajando con gouache, que es uno de los medios de agua. gouache es muy similar a los aceites en el sentido de que también es un medio opaco. Y también el orden de la pintura será muy similar al de los óleos. Sobre todo porque van Gogh trabajó a una prima, lo que significa aplicar pintura húmeda en húmedo sin pintura inferior o esmaltes transparentes. Ahora hablemos un poco más de gouache. ¿ Qué hizo esto y de qué está hecho? Si conoces diferentes tipos de gouache de mis otras clases, puedes saltarte esta lección. En el e-book de materiales de clase, incluí una lista de todos los suministros, todas las opciones que tienes, y puedes usar eso para comprar materiales que necesites y configurar para pintar. gouache está hecho de pigmentos naturales y sintéticos del agua en aglutinante. Existen tres sustancias que se utilizan como aglutinante en la pintura gouache. Goulash que tiene artista o diseñador en la etiqueta, tiene goma, árabe es aglutinante lo mismo que columna de agua. El Gouache moderno tiene un aglutinante acrílico y es básicamente pintura acrílica con acabado mate. Si la etiqueta sólo dice gouache, el aglutinante suele ser dextrina, que es almidón de papa. En las demostraciones de esta clase, estaré usando gouache de los artistas de M Graham. Lo compré como tubos individuales. No tengo tantos colores para complementar las llamadas que me faltan. Voy a usar también mi juego de squash de arrecife. Voy a sacar el verde esmeralda de ese set cuando pintemos nuestra propia interpretación al estilo de Van Gogh, necesitaré algo de rosa M Graham no hace ese color en gouache. Sé que lo puedes encontrar en el gouache Holbein. Y quiere decir, no creo que sea estrictamente necesario comprarlo porque artistas, gouache, gouache de diseñador, gouache a base de dextrina. Si tomamos blanco, podemos teñir con cualquier acuarela. Estaré usando rosa autor, pero luego Al Smith para mezclarlo con blanco titanio de M Graham y obtener color rosa brillante para mi *****. Si no tienes gouache y no quieres comprarlo, puedes usar acrílicos regulares para pintar las demostraciones en esta clase. Definitivamente necesitarás agregar algún medio de construcción de textura, como un gel o una pasta a tus acrílicos replicar las pinceladas texturizadas de Van Gogh. Incluso los acrílicos de cuerpo pesado tienden a seguir. Bastante plano. acrílicos también tienden a tener un brillo plastiki, pero eso se puede eliminar fácilmente si aplicas un código de mate, medio, FTE, tu pintura está completamente seca. gouache de artista y diseñador funciona mejor cuando está recién salido del tubo. Puedes volver a mojarla con agua, pero nunca tendrá la misma consistencia cremosa. El lavado de acrílico en seco no se puede reconstituir. Así que no importa qué tipo de gouache estés usando, exprimirla en tu paleta justo antes de que estés listo para pintar en una pequeña cantidad y cierra todos los recipientes herméticamente. Para la paleta, utilizo cualquiera de las dos paletas de papel desechables. Incluso puedes simplemente tomar un pedazo de papel de acuarela, tal vez solo un pedazo y usar que una paleta de cerámica funcionará también. O incluso puedes simplemente usar un plato blanco. Se limpiará con agua y jabón después de que hayas terminado de pintar, otros materiales necesitarán para gouache a base de goma arábiga que tenga artista o diseñador en el tubo. O para la calabaza delicada como el hemi, papel de acuarela hará un buen sustrato para tu pintura. El papel no tiene que ser caro. Papel de algodón lo suficientemente resistente como para sostener una capa de pintura, al menos £140 o 300 gramos. Texturas lisas como prensado en frío o prensado en caliente o preferible. Estaré pintando y tablero de ilustración, que es un pedazo de papel con algún respaldo de cartón. Si tienes alguno, úsalo por todos los medios, pero no tienes que comprarlo específicamente para esta clase. Puede ser quebradizo y seco. Para que no quieras pintarlo en algo acrílico endeble. El gouache trabajará en varias superficies. puede pintar con él en un nuevo papel grueso, en paneles de lona o en una superficie de cartón duro. Utilizo pinceles sintéticos bastante pequeños, planos y redondos para artistas por supuesto, también puedes usar pinceles de acuarela de cabello natural. Para el gouache acrílico, usaría un conjunto separado, tal vez el mismo que usas para la pintura acrílica. Porque si incluso una pequeña cantidad de pintura se seca en el pincel, tendrás que usar solvente para quitarla y que mis fibras naturales dañadas. Dependiendo de tu superficie, necesitarás un lápiz o un trozo de carboncillo para esbozar tu dibujo. Si hiciste cinta adhesiva de papel, puedes ser útil para sostener el papel en su lugar. Y siempre ten dos recipientes de agua, uno para lavar tu cepillo y otro para agua limpia para pintar, y algunas toallas para la limpieza. Todos esos materiales están listados en un documento PDF adjunto a esta clase. Ya que viene gosh y contenedores y pintores bastante pequeños, material económico como lo es poder pintar pinturas de formato un poco más grande para mostrar todos los detalles. Voy a aumentar el volumen de mi pintura usando medios acrílicos. Los tres productos que voy a probar, como pasta de moldeo, gel regular con acabado semi brillo esta puerta de Golden. Y el tercero es constructor de texturas por código envolvente delta. Es un material artesanal, pero podría funcionar para mis propósitos. Las mezclaré con Liquitex, gouache acrílico primero. Ya me ves haciéndolo ahora mismo. Y las otras dos pinturas que quiero probar, nuestros acrílicos abiertos dorados y gouache a base de dextrina gouache, que serían muy similares a cómo reaccionarían con los artistas y diseñadores gouache. Entonces como se ve con Liquitex, el gouache acrílico, que es pintura bastante delgada, continúa completamente plano. No se ven pinceladas. Al agregar pasta de moldeo, puedo obtener pinceladas bastante texturizadas. Diría pinceladas muy texturizadas que la pasta le da mucho cuerpo a mi pintura. Déjame hacer una rápida nota de lo que usó Peter y con qué lo mezclé antes de que me olvide. Mezclemos nuestro gouache acrílico con el gel regular. A continuación, tiene cuerpo sustancial también. Los acabados semi brillo, que probablemente no está mal porque si piensas en la pintura al óleo, no es completamente plana. Como lo sería el gouache. Un poco de brillo podría ser algo bueno para nosotros. Entonces este es gel regular. También viene otro acabados. ayuda a que el gouache tenga más cuerpo, más textura, pero no es tan pesada como la pasta moldeadora. Es un poco más flexible. Y mi último medio sería el constructor de texturas. Es un material muy económico, inconsistencia muy similar al gel regular. Yo diría que tiene un poco más de brillo. Quería incluirlo porque está ampliamente disponible en la tienda de suministros artesanales y funcionará si no quieres gastar dinero en productos dorados profesionales. Mi próxima pintura que voy a probar es acrílicos abiertos dorados. Yo estoy usando los abiertos, que son acrílicos de secado lento, pero los acrílicos regulares funcionarán también si eso es lo tienes y quieres pintar con ellos los ejercicios en esta clase, voy a hacer textura construir la primera porque ya la tengo aquí en la paleta. Estos medios sí modifican un poco el color porque estamos como agregando más aglutinante, por lo que la cantidad de pigmento disminuye, pero esa diferencia apenas se nota de todos. Solo lo puedes ver si comparas lado a lado. Entonces no es gran cosa en absoluto. Se puede ver que incluso con constructor de texturas, acrílicos no se encienden tan opacos como el gouache. A pesar de que el gouache acrílico es muy similar, pintura acrílica tiene una textura más ligera y tiene un poco más de transparencia. Se me olvidó pintar un sencillo, lo voy a pintar aquí de este lado. Entonces recuerdo qué pintura estaba probando. Aquí hay acrílicos con pasta de moldeo. Esta es una pasta de moldeo ligera o una más pesada. Hay pasta promesa, que es de textura muy arenosa. Pasta para moldear, acrílicos Gibbs. Es mucho más cuerpo y textura por lo que veo hasta ahora. Si fuera a, con gouache acrílico, probablemente usaría gel regular o algún medio similar. Pero para los acrílicos, creo que la pasta de moldeo sería mejor opción porque nos da más cuerpo. En mi última prueba será calabaza de arrecife porque dijo que es a base de dextrina, por lo que es soluble en agua y también se puede volver a mojar con agua, lo que lo hace muy similar al artista y diseñador gouache que son goma arábiga a base, lee un poco. Y Winsor Newton, la empresa que tiene una línea de un gouache de diseño. Dijeron, está perfectamente bien mezclar gouache de diseñador con medios acrílicos. Sólo pruébalo primero. Por lo que estás al tanto de esas modificaciones muy leves de textura y color con mi seco un poco diferente también, claro, los medios le darán gouache un poco de un acabado diferente. Estamos usando semi brillo, digamos, o geles brillantes. Terminarán serán diferentes a sólo tocar gouache. El gouache se mezcla con todos estos medios perfectamente finos. Obtengo textura más pesada, pinceladas, gran cobertura. Yo diría que la mejor cobertura de los tres. Y aquí están todos después de conducir, creo que ir a comprar cobertura y textura y el acabado diría gel regular en combinación con Reeves Gouache sería mi medio de elección. Creo que esa textura y la sensación de la pintura y también el acabado, ese acabado ligeramente más brillante fueron los más cercanos a la pintura al óleo. Hacer mi tarea un poco más fácil. Mi tarea de pintar réplicas de Van Gogh un poco más fácil. Y ojalá esos pequeños tubos que tengo sean suficientes para doler cuadros de buen tamaño sin trabajar en una minúscula escala. Voy a ir ahora mismo y lavar muy bien todos mis cepillos. Y en el siguiente video, comenzaremos a pintar. Haremos un estudio en profundidad de las pinceladas de Van Gogh. 4. Estudios preliminares: La mejor manera de estudiar en el estilo de artista, el enfoque del color y aplicación de la pintura es copiar su trabajo, no sólo mirar la pintura. En esta clase, pintaremos réplicas de dos obras maestras que el bingo creó en el pico de sus breves líneas de pintura. El primero son sus girasoles, que se llama oficialmente si Bayes con girasoles quince. Creó eso en 1888. Ahora está en el Museo Van Gogh de Ámsterdam. El segundo serán liris en la base, pintados en un 1099s. Se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de la ciudad de Nueva York. Esta pintura es una pintura muy grande. Los que son tan grandes consumirán mucho tiempo. Vamos a dimensionarlos hacia abajo para nuestros propósitos de aprendizaje. Mostrar todos los detalles en formato más pequeño podría ser difícil. Por lo que para entender mejor la pincelada y la aplicación de pintura, pintaremos un fragmento del cual pintar primero como estudio preliminar, Hay dos estudios. Estoy usando una hoja de papel de Bristol. Yo lo arranqué por la mitad. Eran las 11 por las 14. No necesitamos nada de super alta calidad para esto. Y voy a bosquejar mis flores. Sólo estoy haciendo un rincón de cada composición. Incluí el esquema en los materiales de la clase. Por lo que será un poco más fácil para ti ver en qué exactamente vamos a pintar. Vamos a exprimir nuestro gouache. Por supuesto que necesitamos pintura fresca, así que es agradable y cremosa. Yo sólo voy a usar un par de amarillos, un amarillo más frío en el cálido de mi siena, así que es marrón cálido y creo que necesitaré un poco de carmesí alizarina también para hacer ese color naranja que en el original. Si empezara a pintar con un fondo, cubriría todo mi dibujo y me resultaría difícil trabajar. Entonces lo que voy a hacer, sólo voy a pintar formas muy simples. Voy a pintar cada flor de una manera muy simplificada. Entonces básicamente estoy distribuyendo los colores y cubriendo mi papel. Entonces, por decirlo, podemos hacer un poco de texturizado de inmediato. Pero de nuevo, todo está muy simplificado en no estoy concentrado en los pequeños detalles por ahora. La flor parece muy abstracta, geométrica. Podemos decir que son girasoles, pero también hay elementos decorativos significativos en ellos, pero al mismo tiempo son bastante complejos. Por eso pensé que este estudio preliminar será realmente bueno porque nos ayudará a entender la forma y por supuesto los colores y también el proceso de Van Gogh. Porque te estaré mostrando en apenas un segundo técnica muy importante que usamos en una pintura, en acuarela, Eso se llama pintura negativa. Así que encontrar todas las formas de flores, todas las formas de colores planos que van Gogh creó para nosotros al dejar el fondo blanco por ahora. Por lo que sólo trabajamos en las flores. Estoy usando un cepillo plano. Creo que es un poco más fácil para crear formas más grandes. Si necesito precisión o necesito líneas. Cambia a pincel redondo pequeño, pero mucho, mucho más fácil pintar esas formas de colores bastante grandes y planos con un pincel plano. Entonces es mi recomendación. Si no tienes un cepillo plano en tu arsenal, definitivamente obtén uno. Y el gouache nos permite trabajar con pinceles muy económicos, muy simples no necesitarían cabello natural ni nada por el estilo. Los cepillos sintéticos de bajo costo funcionan simplemente genial. Y el último bastante tiempo también. Pintemos esta flor en la parte inferior. Se ven como desarticulados, pero al final conseguiremos que todos funcionen. Estas son básicamente mis formas florales. Mezclemos un poco de verde. Estoy usando mi amarillo más frío y mi azul cobalto en, también necesito mezclar ese color muy oscuro para los centros. En la forma en que nos dicen los investigadores, entonces el oro mezcló sus oscuros fue mezclando Van **** marrón con azul con azul ultramar. Entonces probemos eso. No tengo Van **** marrón, pero la sienna quemada está lo suficientemente cerca y sí obtenemos un color muy oscuro, casi negro. Esas formas de hoja, no estoy aquí. Alarm plus tendrá algunos tallos. Entonces cambié el cepillo redondo muy pequeño. Cuando haces un poco, muy verde claro para centros. Por lo que un montón de amarillo fresco. Agreguemos esos elementos más pequeños. Tendremos que repasarlos una vez más después de pintar el fondo, pero sólo podemos tirar unos cuantos, para que no nos olvidemos de ellos. Pinceladas ligeras muy expresivas. Muy bien, Es hora de pintar el fondo y es momento de usar nuestra pintura negativa que vamos a estar usando mucho en este vaso y que uso mucho cuando pinto en general, mezclé algo de blanco contodos mis amarillos. Pero el objetivo es conseguir ese tipo de color dorado. Es difícil atraparlo. Vemos algo de brillo, alguna distorsión en la superficie de la pintura original porque no es plana. Pero si podemos conseguir algo parecido, creo que estará bien. Es importante entender el principio. Entonces lo que estoy haciendo, estoy pintando alrededor las flores que ya pinté con un pincel plano. Estoy pintando un fondo más claro alrededor de las formas que ya tengo en papel. Esto se llama pintura negativa en acuarela, lo hacemos cuando queremos pintar fondo más oscuro alrededor de objetos más claros. Cuando utilizamos medios opacos como gouache para acrílicos o aceites que van Gogh utilizó. Pintamos fondo más claro alrededor de objetos de Dhaka. Esto no sólo nos ayuda a completar la pintura, esto también nos ayuda a definir esas formas. Estoy usando un tono ligeramente diferente de agregado un poco de siena a mi mezcla amarilla, amarilla clara. También tengo algo de amarillo cálido porque quiero mostrar esa textura. No tanto tal vez con pinceladas gruesas, sino solo gráficamente mediante el uso de colores ligeramente diferentes. Estoy creando basket wave que vemos en el fondo de la pintura de Van Gogh, agregando más textura, más interés visual a la pintura. Y ves que cubrí algunas de esas formas con un fondo. Este será mi primer paso. Y luego puedo volver atrás y agregar más definición y pintar esas formas de flores un poco mejor en las líneas y agregar precisión, lo que sería muy difícil para mí hacerlo desde el principio cuando acaba de empezar a trabajar. Hagamos esas líneas. Estoy mezclando naranja más rojizo, lo mismo en algunos carmesí alizarina a mi rojo tibio. Y usando un pequeño cepillo redondo para agregar ese trabajo de línea por el que van Gogh es famoso. Formas tan planas rodeadas de diferentes líneas de color. Ese es su enfoque característico para mostrar forma. Así que mirando el original y tipo de tratar de encontrar todas esas formas, no corriendo a través sino prestando atención y encontrando todas las formas, no la raza. No necesitamos apresurarnos a la meta, o puede disfrutar del proceso y galoshes su medio cremoso, muy agradable para trabajar. Goulash y Van Gogh nos pueden enseñar mucho sobre la pintura, ir flor a flor, encontrar todas las formas. Este pequeño estudio en realidad puede ser una linda postal si querías dárselo a alguien y solo tal vez un regalito será muy bonito. Y trabajemos en esas redondas unas flores que tienen desvanecimiento. Pintó algunas de ellas que aún estaban en flor y otras no tenían los pétalos, solo eran los centros. ¿ Es eso lo más texturado? Por lo que necesitamos cambiar entre diferentes tonos. Veo diferentes tonos de amarillo ahí, algún color ocre que estoy consiguiendo oscureciendo mi amarillo con algo de marrón, con mi siena. También hay algunos pasajes bastante marrón oscuro con gouache, es importante tener en cuenta que los colores claros se oscurecerán y los colores oscuros probablemente se lavarán un poquito. Si usas goma arábiga o gouache a base de dextrano, el gouache acrílico se mantendrá exactamente igual con nuestra calabaza. Es un poco complicado captar el tono correcto desde el primer gol. Pero cuanto más pintes con él, más te acostumbrarás y comenzarás a corregir la diferencia. Y además, a diferencia de la acuarela, varias capas de gouache en realidad se ven muy bonitas. Te da profundidad y riqueza. Entonces no tengas miedo de repasar ciertos puntos a tres veces. No le va a doler nada. Perteneció a hacer un cuadro ese brazo. Si necesitara corregir algunas de las formas, si olvidara separarlas en alguna parte, volvería a mi color claro y corregiría de esa manera. Entonces uso el fondo para corregir mis formas de flores, ¿verdad? Creo que esto es todo para girasoles. Tenemos bastante buena comprensión de los movimientos del pincel de los colores que necesitamos usar. Pasemos a nuestro siguiente fragmento. Para pintar el fragmento de iris, usemos nuestros dos azules, azul cobalto y azul ultramar. Y voy a exprimir un poquito de verde esmeralda de mi conjunto de arrecifes. Y claro que necesitaré algo blanco. Yo hice lo mismo. Dibujé el fragmento de la pintura de Van Gogh. Tienes el contorno si quieres simplemente transferirlo a tu papel en lugar de dibujar. Y empecemos a pintar con los colores de los objetos. Entonces voy a pintar las flores de azul, empezando por el azul cobalto, tratando de averiguar la forma de todos estos pétalos que vemos en el original. Así que solo rellenando la forma con color, tratando de ser preciso pero no preocupado por los pequeños detalles y no distraerse pequeños detalles No se puede trabajar en el fondo porque podemos muy claramente verlo en este cuadro, se verá en la foto de buena resolución de la misma. O si tienes oportunidad de verlo en la vida real, eso será aún mejor. Podemos ver que el fondo está pintado después de las flores. Y hasta hay pequeños spots donde Van Gogh no cubrió del todo el lienzo cuando estaba aplicando el fondo. Estas son todas mis formas florales. Y ahora estoy usando color más oscuro, azul ultramar para agregar los contornos. Y voy a traer un segundo cepillo. Este es un cepillo plano muy pequeño de un cuarto de pulgada. Mezclé algo de azul cobalto con blanco, y quiero pintar esas formas más claras que veo en los pétalos. Nuevamente, esta es una, necesitamos algo de precisión y no podemos apresurarnos con esto. Así que tómate tu tiempo y encuentra todas esas pequeñas formas que vemos en el original. Por eso estamos haciendo este ejercicio para entender un poco mejor la pintura y poder reproducirla y eventualmente absorber esa información y tal vez usarla, toda ella o alguna de en nuestra propia obra de arte. Parece que podríamos pintar un azul más claro primero y luego agregar más azul cobalto saturado. Eso es probablemente va a estar bien también. Pero en mi mente, con unos grandes médiums, pagué de oscuro a claro. Entonces para mantener ese orden y no confundirme, empiezo con unos colores más oscuros. Y luego voy con capas más y más ligeras. Entonces lo haremos de esta manera, pero puedes probarlo de ambas maneras tal vez y ver qué funciona mejor para ti. Pero sólo te estoy mostrando la forma tradicional, por así decirlo, de trabajar con un medio porcino. Ahí hay un capullo justo aquí. Trabajemos en eso también. Todavía no estoy tocando el blanco, así que le estoy agregando un poco de verde más claro. Mezclé un poco de verde esmeralda con un ancho para hacer el follaje, la base de las flores y los tallos. Y luego sigo trabajando en las formas florales. Tenemosque hacer algo. En esta esquina inferior derecha, vemos un fragmento de un gran grupo de flores. Creo que este fragmento se verá especialmente bien. Creo que eso hará un cartílago realmente bonito, un regalito para alguien. Como dije, las pinturas de mangos, se ven simplificadas y se ven decorativas, pero son bastante complejas. Tenía las formas muy bien desarrolladas. Y ese trabajo de línea lleva bastante tiempo para hacerlo bien. Entonces no es monótono, no le pesa demasiado. De acuerdo. Necesito agregar esos acentos más cálidos así que exprimí un poco más de blanco. Puedo hacer los pétalos blancos que veo en la pintura, solo los pocos, y también ver algunas formas amarillas cálidas también. Por eso tengo un poco de forma amarilla exprimida y también voy a exprimir un poco de alizarina carmesí. Mientras hago esto, les diré que el fondo de la pintura se ve blanco, pero leí sobre algunas investigaciones que los científicos hicieron sobre esta pintura, y descubrieron que el fondo era de color rosa originalmente, pero el rojo era fugitivo, por lo que se desvaneció. Tipo de entender el proceso de pensamiento con fondo blanco. Esta pintura se ve un poco demasiado fría. Entonces si lo imaginamos con un fondo rosa, creo que eso fue lo que hizo. Utiliza ese fondo rosa para equilibrarlo y darle más calidez para darle cierto contraste a esas flores azules. Por lo que mi sugerencia es hacer esto. Voy a pintar el fondo de color rosa en el Google. Pruébalo primero en este fragmento y mira si nos gusta, y luego lo haremos en una pintura más grande. Mi esquina inferior izquierda se ve algo vacía. Originalmente pensé que solo haría ese pequeño grupo de flores, pero tal vez podamos agregar esa hoja y en realidad estudiar la forma en que lo hizo deja un poco mejor. Solo agreguemos ese formulario. Yo sí lo incluí en el esquema en los materiales de clase. Entonces tienes esa información. No pensé en hacerlo originalmente, pero sólo voy a agregarlo a mi pintura para dibujarlo con un pincel. Un montón de diferentes tonos de verde, sonidos verdes más fríos, verde esmeralda por sí mismo, mezclado con azul, mezclado con blanco. Y también necesitaremos algo de tibio y mezcla. Por lo que estoy agregando amarillo a verde esmeralda y mezcla blanca para calentarlo un poco. Y yo sólo me detendré aquí. Ahí está el iris y la esquina, pero no pintemos bien respetadas las propias flores. Entonces creo que tenemos una buena comprensión de cómo pintó eso. Si miras esos contornos oscuros en azul ultramar que pinté, esta es una pintura negativa a menor escala. Ya ves que no están parejos, se ven realmente interesantes y se ven variados porque superpuse algo del azul claro sobre esos contornos oscuros. Si los pinto con una línea continua, se verán demasiado pesados y demasiado aburridos. Esta es la belleza de la pintura negativa. Lo verás especialmente claramente en el fondo aquí. Cómo pintar, fondo más claro sobre formas más oscuras o cualquier forma más clara sobre forma más oscura con medios opacos nos ayuda a crear ese movimiento, esa expresividad en la pintura y esa variedad , ese interés visual. Nos ayuda a evitar formas aburridas, demasiado precisas y hace que nuestra pintura sea pictórica. Por así decirlo, eso es lo crea ese enfoque pictórico. Tan técnica muy importante que estamos estudiando en esta lección que estaremos utilizando en una pintura más grande. Y creo que estarás de acuerdo conmigo, escondido un poco de carmesí alizarina a mi blanco en lugar de solo usar pintura blanca, un realmente hace la diferencia. Conozco lo más ligero, bastante brillante y lo lava un poco. Verás el cuadro terminado en tan solo un segundo y verás como mira hacia otro lado, el fondo rosa. Tan cuidadosamente repasando con un pincel plano sobre todas mis formas y verificando el contorno. 5. Réplica de girasoles: Pintemos una réplica más grande de los girasoles de Van Gogh, o más precisamente, esta pintura se llama quince y flores, y la base estará pintando sobre una pieza de tablero de ilustración de 12 por 16. Quiero darle a mi pintura unos márgenes un poco más amplios. Entonces voy a pegar probablemente una pulgada más o menos en cada lado, tal vez un poco más. Estoy usando esta cinta blanca. Si tienes formato más pequeño, pedazo de papel o cartón de ilustración, está bien. Simplemente no uses nada demasiado enorme porque simplemente te tomará mucho más tiempo pintar. Otra cosa que voy a hacer para prepararme para pintar, voy a matar al blanco. Por decirlo así, voy a voltear mi superficie con algo de acuarela. Estoy usando ocre amarillo. Simplemente pensé que se vería un poco más cerca de Canvas. El color indica que picos a través de algún lugar de mi pintura. Será mucho mejor que tener blanco asomando a través. Y también me ayuda a empezar en mis relaciones de túnel porque estaré pintando a partir de valores medios demasiado oscuros, y luego estaré agregando reflejos. No quiero ver ese blanco brillante del papel. Será difícil para mí trabajar en una superficie blanca que en una superficie ligeramente tonificada. No tienes que usar ocre amarillo, básicamente, cualquier color puedes usar amarillo o tal vez marrón claro o algo así solo para deshacerte del blanco, daremos a nuestras acuarelas un par de minutos para seco. Vamos a exprimir nuestra pintura. Estoy usando marcas de artista gouache. Tengo R, M, Graham y Reeves. Entonces voy a exprimir mis amarillos, amarillo claro y gamboge, amarillo más fresco y cálido. Muchos tonos diferentes de amarillo en el cuadro. Y ahora también necesitaremos algo de sienna, que me dará ese color ocre al mezclarlo con amarillo. Un poco de alizarina carmesí. Para hacer naranja. Probamos estos colores cuando pintamos los fragmentos. Entonces básicamente usando los mismos colores que seleccionamos antes para aumentar la cantidad de pintura que tengo, voy a usar ese gel acrílico regular, medio acrílico que probamos en una lección anterior. Sólo voy a usar una hoja separada de mi paleta desechable para mezclar mucho ocre amarillo. Porque lo primero que estaré pintando serán las formas de todas las flores en la cara. Estaré trabajando en los colores de los objetos porque necesito distribuir todas mis formas en mi pintura. No dibujé nada para mí. Es más fácil dibujar con un pincel, pero solo mirando el original y encontrando todas las formas y dándoles un color próximo. Pero sí proporcioné un esquema en los materiales de la clase. Por lo que si quieres transferir primero el dibujo usando frote carbón, puedes hacerlo y luego comenzar a trabajar en formas de flores. Tan fácil. Primer paso, sólo encontrar todas esas formas ocurren y pintarlas. Cuidadosamente, observándolos, y tratando de trabajar con la mayor precisión posible. Pero estaremos haciendo mucho trabajo todavía para verificar todas las formas y conseguirlas justo de la misma manera que Van Gogh las pintó. Note que no pintó esos girasoles como círculos, ¿verdad? Consisten en segmentos de líneas rectas, lo que creo les da esa energía y expresividad adicionales. Entonces necesitamos hacer eso también. Tenemos que observarlos cuidadosamente y no pintar círculos, sino darles esa geometría que les dio van Gogh. Sabía lo que estaba haciendo. Otal vez no lo hizo. A lo mejor ella lo hizo instintivamente. Pero le da mucho movimiento a su pintura y mucha energía. Algunas de las formas tendrán un poco más amarillas. Por lo que me ves durante eso ocurren con algo de amarillo en algunas manchas y en algunas zonas uso un tono un poco más oscuro. Y también la parte superior del jarrón será de ese color amarillo oscuro. Tenemos que rellenar esa forma también. Necesitaremos muchos amarillos para este cuadro. Hagamos un poco de verde para las hojas y tallos. En realidad, voy a esperar con esto. Déjame limpiar mi cepillo. Trabajemos primero en el fondo que estará en forma mucho más grande y más importante que las hojas. Yo sólo lo voy a poner en muy áspera. Esta no es pintura negativa todavía porque no tengo suficiente información para la pintura negativa, pero sí quiero distribuir mis colores y cubrir la superficie con pintura. Entonces tengo un punto de partida desde el cual el trabajo comenzó con un cerdo médiums, a veces bastante lento solo porque podemos hacer un gran líquido de lavado aunque con acuarela. Paint apenas flota y cubre toda la página básicamente por sí misma. Tenemos que aplicar medios opacos con pinceladas. Por lo que lleva un poco de tiempo obtener todos los colores distribuidos y toda la superficie cubierta. Pero es un paso muy fácil. Entonces como ven, casi termino con ello. Uno para pintar algo en la parte inferior. El tipo de indicar la tabla. Quiero tener todos mis colores en su lugar antes de empezar a verificar las formas, contornearlo en diferentes colores, y eventualmente trabajar en detalles más pequeños. Tendremos una luz verde centros en deuda. Y creo que quiero pintar las hojas porque sin las hojas, Es difícil para mí ver qué flores, que, como sabemos, tenemos 50 y flores aquí. Entonces hagamos algunos tonos diferentes de verde. Veo unos más ligeros que los otros. Ese ajuste es muy fácil para nosotros hacer. No estamos usando pigmento verde aquí. Estamos mezclando nuestros verdes de amarillo y azul variando la cantidad de amarillo, azul en la mezcla, podemos variar muy fácilmente el tono y el tono de nuestro verde. Yo sólo voy a pintar muy rápido ahí en general. Pinta las formas verdes que veo. Van Gogh debió tardar bastante tiempo en pintar estos girasoles porque algunos de ellos perdieron todos los pétalos. Todos están en diferentes etapas de marchitamiento. Sé que el Museo Van Gogh de Ámsterdam, donde está esta pintura en su página web. Tienen un pequeño cuestionario para niños. ¿ Se puede contar cuántos girasoles hay en cada etapa de desvanecimiento? Una vez que tengamos todas las formas aproximadamente en su lugar, podemos comenzar a encontrar algunos detalles. Voy añadiendo un poco más de amarillo hansa a mi mezcla ocre y no sabía más siena quemada. Y por supuesto, estoy agregando algún medio de gel para aumentar el volumen de mi pintura usando la brocha redonda pequeña, estoy verificando las formas y agregando textura y un poco de precisión a esos girasoles queno tienen pétalos. Esas de color ocre. Veo mucha variación de color en ellos. Se ven bastante monocromáticos desde la distancia, pero si miramos más de cerca, hay mucha variación de color en esas flores. Creo que para hacer nuestra réplica realista y cercana a la original, no necesitamos encontrar toda esa variación y no sólo pintar una forma marrón plana. Por lo que si necesitas mirar esta pintura está en mayor resolución, es muy fácil de encontrar en línea. También incluí una foto de la pintura original en los materiales de clase o tal vez incluso antes de empezar a pintar, tómate un segundo para mirarlo y tratar de notar todos esos colores diferentes. Creo que es más fácil ver todas las variaciones de color cuando realmente pintas, cuando estás pintando una copia. Pero la percepción de todos es diferente. Así que decide qué funciona mejor para ti mismo y solo haz eso si quieres parar, encuentra un buen punto de parada en tu proceso de pintura y estudia el original y luego continúa pintando o hazlo antes de empezar. Estoy encontrando todas esas formas incómodas en mi pintura. Y también estoy modificando que ocurran con Alizarina carmesí para atrapar todas esas zonas más cálidas que veo en el original. Me sentí un poco intimidado cuando vi este cuadro. Como dije, las pinturas de Van Gogh son engañosamente simples, pero si empiezas a meterte en ella y mirarla. Hay muchos detalles, muchas pinceladas. Pero en realidad el proceso de pintura fue muy rápido. Si trabajas desde forma simplificada y agregas la cantidad justa de detalles, la pintura tomará forma con bastante rapidez. Si te quedas empantanado en detalles desde el principio, será bastante difícil juntarlo. Es momento de pintar los pétalos en las flores que no se desvanecen. No los perdieron. Estoy usando un cepillo redondo pequeño. Estoy mezclado en un poco de blanco en mi amarillo. Y mezclé dos amarillos. Soy amarillo cálido mezclado y amarillo frío. Los investigadores nos dicen que eso es lo que hizo Van Gogh cuando pintó de amarillo a un niño Brandon. Por lo que sigo añadiéndolo a mi paleta. Y creo que necesito agregar un poco más de gel acrílico para aumentar la cantidad de pintura que tengo. Necesitaré mucho para el fondo también. En realidad, antes de empezar a trabajar en los pétalos, Trabajemos en el fondo. Es muy irregular y tengo un montón de verde en ella. Creo que necesito ordenarlo un poco. Entonces hagamos un poco de pintura negativa y encontremos un poco más de precisión en nuestro fondo. Pintó un poco demasiado del jarrón. Podemos cubrir eso usando un cepillo plano. Creo que aplicar pintura negativa con el pincel flood es mucho más fácil. No estoy cubriendo absolutamente cada milímetro de mi fondo con mis pinceladas. Quiero esas pinceladas que ya se aplican para pick lanza. Así que ya ves que voy de nuevo en ese patrón de escotilla cruzada, el patrón de tejido de canasta, para que mi fondo no sea absolutamente plano sino texturizado e interesante, mi amarillo podría ser un poco más ligero que el original. Hay muchas versiones de este cuadro en línea. Los amarillos se ven un poco más fríos, algunos más cálidos, algunos se ven realmente oscuros. Es por supuesto, una cuestión de la luz cuando se tomó la fotografía. Además, el procesamiento de imágenes, afectará lo que vemos en la pantalla de la computadora. También hablamos sobre el hecho de que pinturas de Van Gogh cambiaron con el tiempo. No se ven exactamente ahora mismo la forma en que las pintó. Así que creo que en lugar de concentrarnos los tonos exactos y transmitir los tonos exactos, necesitamos concentrarnos en comprender la técnica, la técnica y el enfoque general. La interpretación general es que ves, como voy con mi amarillo claro, estoy corrigiendo las formas de esas flores y adquieren esas formas geométricas muy características que vemos en el original, gracias a la pintura negativa del fondo. Y puedo trabajar alrededor de los pétalos de esas flores la izquierda y en realidad hacer que destaquen. Voy a repasarlos una vez más con él, amarillo más cálido que empecé a preparar. Y por supuesto que estaré agregando más detalles. Pero a medida que sigo trabajando en mi pintura y lo que sea, no pinché tríadas, algunas cosas que pasaron por estar en el lugar equivocado. Simplemente puedo cubrirlos con el fondo y pintarlos en un lugar diferente. De acuerdo, esto es todo por el fondo. Puedo seguir trabajando en las flores ahora que puedo ver lo que realmente hago, el fondo se ve mucho mejor. El medio de gel se acumula un poco en el pincel en la base de las cerdas. Por lo que es una buena idea limpiarlo con una toalla de papel o un trapo para ayudar a que agua limpie tu cepillo cuando lo estés limpiando. Y por supuesto, no dejes pinceles con una pintura sobre ellos, con un gel sobre ellos. Realmente no deberías dejar cepillos sucios simplemente sentados en tu escritorio de todos modos. Pero con los medios acrílicos, es especialmente importante lavar inmediatamente los pinceles después de que termines de pintar, no dejarlos secar. Como una vez que el medio acrílico se seca, es muy, muy difícil sacarlo. Lo más probable es que tengas que tirar el pincel. De acuerdo, tan pequeño cepillo redondo y estoy agregando pétalos en los girasoles. En esos girasoles marchitos, esas formas redondas. También tienen áreas más claras, por lo que podemos usar esa pintura para hacer el color sea más variado e interesante teorema. Vista de cámara diferente porque estaba recibiendo demasiado deslumbramiento. Yo quiero que vean lo que estoy haciendo aquí. Por lo que en detalles y precisión hasta cada flor. Sé que se ven algo amorfos. Cuando estaba trabajando en ellos, estaba pensando que esto no se ve bien. ¿ Qué más necesito hacer? Pero esto se debe a que nos faltan los oscuros más oscuros y nos falta ese trabajo de línea que usaba van Gogh. Van Gogh no puede parecerse a sí mismo sin esbozar esas formas de la manera en que las delineó, no lo hizo solo al azar. Entendió que es necesario dar una definición formal y darle realismo y profundidad a su pintura. Llegaremos a eso en un minuto. Asegurémonos de tener todas las formas en su lugar. Yo también estoy revisando todas las formas verdes. No quiero llamarlos hojas ni tallos, aunque eso es lo que son. Traté de pensar en ellas como formas. Ya ves, estoy empezando a perfilar un poco con un tono más fresco e incluso esas pocas pinceladas ya empiezan a darle mucha más profundidad y definición a mi pintura. Necesito pintar la base del florero. Como que se me olvidó. Esa porción más baja. Hagamoseso. Es una especie de color blanco roto. Y el tablero de la mesa me molesta un poco. Yo sólo le hice un pase. Creo que necesita más pigmento para igualar las pinceladas. Básicamente no hay textura en él. Por lo que tiene que ser bastante parejo. Está un poco demasiado oscuro y mis cuadros, así que mezclemos amarillo con algo de blanco, sólo un poquito de blanco y tal vez trabajemos en el jarrón. Ya ves que la jerga no pintaba la sombra del núcleo ni proyectaba sombra. Esta pintura es un excelente ejemplo de su enfoque con formas planas y curvas que discutimos en el inicio de la clase. Si piensas en la pintura académica de la época, la Pintura Clásica, definitivamente podemos ver lo radical que fue su enfoque en ese momento y por qué no fue comprendido y apreciado en su momento. Era simplemente algo muy nuevo y muy diferente. El esbozo de las fechas y la mesa con Alizarina carmesí. Ten cuidado de no dibujar líneas monótonas. Ya ves cómo la línea de Van Gogh está muy viva y varía en grosor. No es exactamente recto. Y eso es lo que le da vida. Entonces tenemos que tratar de imitar esa buena oportunidad para que no seamos demasiado geométricos y no seamos demasiado precisos. Veo línea azul en medio del cuadro. Los investigadores nos dicen que no era exactamente de color azul morado, pero nos pegaremos a soplar en este caso. También hay un pequeño contorno azul en medio de ese girasol. Y ahora cambié el cepillo más pequeño, el cepillo redondo pequeño. Y agreguemos esos acentos más oscuros a la pintura y le demos más profundidad. Ver que el girasol de la izquierda tiene el centro muy oscuro. Habrá apenas unos pocos, eso es básicamente un par de centros. Hay un contorno oscuro en ese girasol central. Y creo que de eso se trata. Ya casi terminamos con el cuadro. Nuestras pinceladas finales estarán trabajando en las edades de todas las formas de cada flor. Entonces hagámoslo. Estoy usando de nuevo mi ocre que mezclé de amarillo y marrón. Estoy usando amarillo más claro, también amarillos más profundos. Voy a repasar todas las flores y verificar los contornos y un poco más de textura donde sea necesario. Y voy a pintar unas pinceladas más ligeras donde las echo de menos en mi trabajo inicial en cada flor. Branding fuera de amarillo, hay mucho amarillo brillante en este cuadro, y necesito esas pinceladas de empastado que van Gogh era famosa forma. Así que vamos a exprimir un poco más de amarillo y repasar cada pétalo amarillo en la pintura es nuestros toques finales. Y también delineemos esos pétalos con restaurantes de color ocre más oscuro también. Si lo haces un poco demasiado con eso ocurre, siempre puedes recoger más amarillo y aplicarlo encima. Así que haz una especie de pintura negativa inversa a pequeña escala para conseguir que esos pétalos vean de la manera que se supone que deben verse. Vamos a repasarlos todos. Yo todos, sobre cada flor. Lo último que hice en esta pieza, recoger ese amarillo claro que usé en el fondo y solo asegurarme de que tengo las formas justo ahí. Un montón de formas negativas muy pequeñas entre los sellos y entre las flores. Entonces necesitamos pasar uno o dos minutos mirando eso y encontrando esas formas. Entonces eso es lo que estoy haciendo ahora mismo. Sólo me estoy asegurando de no olvidar esos pequeños agujeros geométricos que vemos en el cuadro. Esos pétalos amarillos todavía me molestan un poco. Tienen que ser realmente empastos, necesitan destacar. Y simplemente no tenía suficiente pintura, así que voy a recoger un poco más de mi amarillo brillante y simplemente repasarlos una vez más con gouache, es bueno construir la capa de pintura. Es pintura bastante densa, pero a veces se necesita un par de capas, tal vez tres capas, para lograr el efecto que queremos. acrílicos son más transparentes que el gouache. Entonces si estás pintando con acrílicos, definitivamente necesitarías varias capas aquí. Entonces repasemos todos esos pétalos amarillos una vez más con un pincel muy pequeño. Una vez hecho eso, el cuadro está listo. Voy a despegar la cinta con mucho cuidado. Te estoy mostrando aquí cómo me estoy quitando la cinta. No estoy tirando hacia arriba. No tire hacia arriba porque eso dañará la superficie de su papel. Alberca a este lado, ángulo de 45 grados y tira lentamente. Esta es la cinta de Artist, pero sigue siendo muy pegajosa. Y trabajé en este cuadro probablemente un par de horas y lo dejédurante probablemente un par de horas y lo dejé noche y eso fue suficiente para que la cinta se adhiriera bastante bien a mis cuadros. que no quieras arrancarlo, necesitas sacarlo muy despacio y con cuidado. muy probable que este borde esté cubierto por un marco. Pero aún así, si no planeas enmarcar tu pintura, Es agradable tener márgenes blancos limpios en la pintura. Aquí está. Y aquí hay una foto de ella y mejor luz. Incluí esa foto en los materiales de la clase si quieres referenciarla. Entonces este fue nuestro intento de replicar girasoles. 6. Réplica de Irises: En esta lección, intentemos replicar la interfaz completa de la pintura de virus, una paleta de colores diferente, pero muy similar, como mencioné en la lección donde pintamos un fragmento, el fondo de esta pintura se desvaneció con el tiempo. Originalmente era rosa. Entonces eso es lo que voy a usar porque creo que se ve mucho mejor con todos los azules y verdes frescos que veo en este cuadro en lugar de blanco. Y ese color nos será muy fácil de mezclar porque tenemos carmesí alizarina y tendremos mucho blanco en nuestro paladar. En preparación para pintar, hice lo mismo que hice por los girasoles. Una grabó mi tablero de ilustración 12th by 16 a mi tablero de dibujo de núcleo de espuma, dejando un margen bastante amplio. Sólo piensa que se ve mejor. Y también estoy tonificando el blanco del papel con algo de acuarela rosa. El color totalmente no importa. Solo pensé que el fondo será rosado, así que bien podría usar rosa para el lavado inicial para matar el blanco mientras la acuarela se está secando. Vamos a exprimir nuestro gouache. No necesitaremos muchos colores. Habremos adoquinado azul, y voy a usar azul ftalo para ese azul intenso que veo en el cuadro. Creo que el azul ultramarino también funcionará. Voy a necesitar un poco de verde esmeralda, pigmento verde que tienes un verde que tiene mucho azul en él va a funcionar. Y claro que necesitaré blanco. Voy a necesitar un poco, como dije, lizarina carmesí para el fondo, pero puedo exprimirla más tarde porque no quiero que se seque en la paleta. Traté de exprimir los colores cerca del momento en que voy a pintar con ellos. No hay dibujo a lápiz ni éste. Para mí, es fácil dibujar con un pincel, pero sí tienes el contorno en los materiales de la clase si quieres transferirlo primero y luego empezar a pintar, por supuesto, empezarás a pintar con el color del objeto y formas simplificadas. Simplemente pensé que empezando a dibujar con un pincel, ya puedo empezar a crear esos contornos azul oscuro que veo en todas las flores y en la base. Si tienes ganas de transferir, puedes hacer las líneas de lápiz y luego dibujar sobre ellas con azul con tu pincel para tipo de fijar la pintura en su lugar para no perder tu dibujo. Nuevamente, bastantes detalles. Una vez que empiezas a dibujar, ves que esta pintura, se ve sencilla, pero no lo es. Tiene muchos detalles. Cuando me preparaba para esta clase, consideré mostrarte réplicas de los paisajes de Van Gogh, pero tienen aún más detalles. Nuevamente, se ven formas de colores muy simples, pero hay tantos detalles. Una vez que empieces a mirarlos muy de cerca, tal vez sea nuestra próxima clase. Estudiaremos los paisajes de Van Gogh. Por ahora, concentrémonos en las flores, y empecemos a rellenar nuestras formas que delineamos con azul oscuro, con colores azules más claros, azul cobalto mezclado con blanco para crear la base para cada flor. Y les estaré agregando alguna variación de color más, aunque sea de inmediato. Agreguemos algunos pétalos. Podemos usar más blanco y luego algunos pétalos podemos agarrar un poco más de azul cobalto y empezar a pintar todos los pétalos de una forma muy simplificada. Para entender mejor lo que está pasando, podemos dividir aproximadamente estas flores en tres racimos. Hay un gran racimo en el centro, uno vertical con apenas un par de flores saliendo de él hacia el borde derecho de la pintura, nuestra derecha, hay un racimo más pequeño en el lado izquierdo. Y ahí está esa una flor o tal vez un racimo de flores en la parte superior izquierda. Entonces, si algo así lo pensamos, nos será más fácil entender lo que está pasando en la pintura y no sentirnos abrumados por todas las formas que movieron pintadas aquí. Ahora podría haber pintado algunas hojas y algunos tallos con azul. Lo cual no es gran cosa porque sería muy fácil para mí retenerlos con ese tipo verde claro de color verde frío si los necesito, estoy mezclando en algo de verde esmeralda en mi azul mezcla que unifica la pintura. Y además estoy consiguiendo un color muy cercano a lo que veo en el original y la referencia. Aquí, se ve la importancia de pintar el fondo negativamente porque sería muy difícil pintar esas hojas y sobre todo dejar todos esos espacios negativos entre esas hojas y tallos delgados con precisión. Por eso cuando entras con un color más claro en una etapa posterior y pintas todos esos pequeños espacios negativos y das a todas esas flores un poco de espacio para respirar. Vamos a pintar el cuadro. Es azul muy pálido, yo diría que no es exactamente blanco puro. Tan botón blanco con el diverso tinte claro de azul. Nuevamente, se puede verificar el contorno, la forma del cuadro en una etapa posterior, cuando pinto la mesa, unos pétalos de luz más en cada racimo. Van Gogh hizo un buen trabajo haciendo que algunos de ellos fueran más ligeros para que se adelantaran. Y también agregó esos diminutos acentos amarillos que vimos en el fragmento, que también calentaron la composición y también la hicieron más tridimensional. Ahora, esa ha sido la mesa. Una mezcla de verde esmeralda con algo de blanco va a funcionar. Si no tienes ese pigmento verde esmeralda, podrías mezclar azul cobalto con amarillo limón o una luz amarilla hansa, algo así, con más floración adoquinada, con apenas un poquito de amarillo, podría ser un tono ligeramente diferente, pero realmente no importa. Entonces solo para ver cuál comienza tienes y trata de acercarte lo más posible. No es crítico ser súper preciso. Es hora de trabajar en el fondo. Vamos a exprimir un poco de blanco fresco. Necesitará bastante pintura. Voy a teñirlo muy levemente con mi carmesí alizarina. No quiero color rojo. Yo solo quiero un tinte rosado muy leve a mi ancho. Y claro, necesitaré de nuevo mi medio de gel para aumentar la cantidad de dolor porque no quiero pasar todo un tubo de pintura blanca de fondo y quedarme sin pintura, tal vez a mitad de camino. Entonces no quiero textura. El gel medio también me ayuda a crear esa textura. La textura no es la misma que en los girasoles. Es más solo unas pinceladas aleatorias. Impresionante. Se ve eso porque no mezclé la alizarina carmesí tan bien, estoy recibiendo un poco de variación de color, que creo que se ve muy bien. Pero a veces la pintura necesita mezclarse a fondo, pero a veces no mezclarla completamente en realidad funciona a nuestro favor. Creo que ahora también se puede ver la ventaja de aplicar lavado acuarela rosa. En primer lugar, puedo crear el fondo bastante rápido porque ya tengo algo de pintura sobre papel. Solo estoy creando textura y estoy verificando los contornos del ramo o virus. Yo cambié el cepillo plano más pequeño de un cuarto de pulgada para meterme entre todas mis flores. Ahora, es el momento de verificar los contornos y pintar todos esos espacios negativos entre todas las flores y darles un poco de espacio para respirar. Buena idea dejar que las propias flores se sequen completamente antes de empezar a trabajar en esto, estoy arrastrando un poco la pintura porque no se secó, pero está bien. No podemos trabajar en esa área ni un minuto. El gouache se seca muy rápido. Entonces aunque se aplique de manera muy gruesa, si esperaremos un par de minutos, se secará y sólo podremos volver a pintar esa mancha. Noes gran cosa. El ramo luce un poco amorfo porque no tenemos ningún oscuro. No tenemos todos esos contornos oscuros que creó van Gogh. Este será nuestro siguiente paso. Creo que el trasfondo ya está hecho. Vamos a limpiar nuestro cepillo del mundo real y lavarlo. Voy a lavarlo después de que termine de pintar nuevo con agua y jabón. Pero ahora vamos a darle a nuestro cuadro un poco más de definición, un poco más de precisión con esos contornos azules más oscuros que vemos en el original. Estoy trabajando con mi pincel redondo más pequeño, y tengo otro cepillo por si necesito recoger algún pigmento más claro y corregir los pétalos, todos los tallos. Entonces solo recogiendo pigmento azul puro y haciendo los contornos. Y también están esos pétalos más oscuros en algunos lugares, color azul muy oscuro para que podamos pintarlos también en esta etapa. Por lo que añadiendo los acentos oscuros. El recorrido será delineado. El interior del mango es de color amarillo. Eso lo haré en un minuto. Haremos nuestra excelencia amarilla también. Creo que eso es lo que hace del mango una de las grandes cosas que hace que una camioneta Gogh sea tan popular y atractiva. Sus pinturas lucen realmente espontáneas y enérgicas. Para nosotros. Parecen tener movimiento en la brisa por sus pinceladas. Y creo que también por esas formas simplificadas, se nota que él solo estaba capturando el momento y Bush en sus impresiones sobre papel sin preocuparse por la perspectiva, con sombras, con detalles, sólo quería captar el momento y lo hizo en sus pinturas. Es decir, creo que una de las razones por las que los amamos tanto. Voy por todo el ramo y encuentro elementos azul oscuro que son líneas y formas azules. Y como ves, apenas estoy tocando el papel con mi pincel. A pesar de que este pincel es delgado, la pintura es bastante pequeña comparada con la original obviamente. Y también los detalles tienen que ser pequeños. Tenemos que trabajar a la ligera para evitar líneas súper pesadas y densas y para evitar líneas continuas, no necesitamos líneas continuas aquí. El cuadro de Van Gogh es un poco más cuadrado que el mío. Tengo bordes más grandes a cada lado del ramo, pero está bien. Podemos recortarlas antes de enmarcar la pintura o simplemente no preocuparnos o simplemente no preocuparnos ello y vivir un poco más de espacio ahí. Su composición a veces no funcionó del todo. Sabemos que cuando pintó girasoles, tuvo que agregar una tira de madera encima de su lienzo porque se quedó sin espacio. Entonces con esto, el iris está en el lado izquierdo. Podemos ver que los sacó de la página. A lo mejor quería caber todo el ramo, pero eso no funcionó del todo. Oh, tal vez esa era su intención original. Mientras estoy trabajando, veo que me faltaron unos pétalos en el iris que está en la esquina superior derecha. Sólo voy a contornearlo y después lo llenaré de color en tan solo un minuto. Esboquemos la tabla. Sostiene nuestra composición que conecta el jarrón a los lados de la pintura. Muy importante en composición. Escribo el trabajo de línea está hecho. Sigamos trabajando en las flores. Mezclé algo de color amarillo muy claro y voy a repasar nuevamente el ramo y agregarle esos reflejos de color amarillo pálido que vemos en unos cuantos puntos. También usaré mi mezcla verde esmeralda adoquinada azul y blanco para darle un poco más de definición a mis hojas. Por ahora todos son de color verde uniforme, pero en la pintura en realidad tienen alguna variación de color. Algunas áreas son más claras, más cálidas y otras de color verde más oscuro. Eso lo que tengo en el cuadro. Sobre todo necesito agregar esos reflejos amarillos y ves inmediato que están empezando a parecerse más a la pintura. Y también de alguna manera empiezan a verse más tridimensionales, pesar de que delinearon con esas líneas azules, van Gogh de alguna manera encontró ese enfoque que yo personalmente nunca habría pensó fuera. Para hacer las cosas decorativas y abstractas, pero realistas y tridimensionales. Al mismo tiempo, el escenario me lleva un poco de tiempo porque estoy mirando el original y tratando de averiguar y el tango donde cada hoja es el tipo de ir en diferentes direcciones. Entonces no queremos apresurarnos por esta etapa. También estoy corrigiendo los pedales en algunos spots. Por lo que dos pinceles en esta etapa realmente ayudan. Puede asignar uno para colores más oscuros y uno para reflejos, o uno para colores fríos, uno para colores más cálidos. Eso te ahorrará mucho tiempo teniendo dos pinceles. No tendrás que vigilarlos después cada aplicación de color porque eso lleva tiempo. Y además evitará que diluyas demasiado tu pintura. Estamos usando gouache, el del aceite para que no lo queremos demasiado aguado. Queríamos hablar de cremoso y mantecoso. Por lo que no queremos demasiada agua en el lavado el cepillo traería un poco de agua. Tiny acentos cálidos en las flores. Y también pintemos reflejos blancos. Yo como que empecé en esas, pero tenía azul en mi pincel y luego no del todo ancho, pero veo algunos pétalos blancos bastante brillantes en algunas de las flores. Y sabemos que el iris tiene pétalos de diferentes colores. Muchas variedades tienen pétalos de diferentes colores. También estoy tratando de variar mis greens. Ya me ves mezclando verde cálido con más amarillo en ella. Exprimí un poco más carmesí alizarina porque algunos de esos acentos cálidos son más anaranjados que amarillos. Así que bajé un poco mi amarillo y ida y vuelta entre mis cepillos de dientes, agregando reflejos y haciendo pequeñas correcciones a todos los pétalos. Tantas formas diferentes que necesitamos encontrar en este cuadro. Creo que algo de ese amarillo es probablemente la base de la flor que está un poco seca, así que necesitamos pintarlas. Yo estoy corrigiendo las formas de las hojas así como voy adelante. Es difícil mantener esas pesadas líneas azules. ¿ Correcto? El ancho les da el derecho aquí. Para que podamos volver con diferentes colores y cubrir parte de la línea si es necesario, hacerla más variada. El cuadro se ve mucho mejor después de que variamos ese verde y después de que agregamos detalles más pequeños, pintura está casi terminada. El fondo se ve salpicado con esas las pinceladas azules, pero llegaré a ello en apenas un segundo. También podemos aligerar un poco la imagen. Es un poco demasiado azul en mi cuadro. Y también necesito arreglar mis antecedentes. Eso sería lo último que estaré haciendo porque trabajé sobre pintura húmeda. No esperé a que mis flores se secaran por completo. Arrastré algo de pintura al fondo, pero ahora las cosas están más secas. Además, mi pincel era un poco demasiado grande. Entonces trabajo con un pequeño pincel redondo para poder meterme entre todas las flores y corregir el fondo, pintar negativamente ese fondo rosado entre las flores y las hojas. Para que esa última corrección, también vamos a diluir esa línea que separa la tabla del fondo. No podría pintar lo suficientemente delgada, pero es muy fácil si cubro parte de esa línea con el fondo rosa. Si tienes algo de pintura sobrante, yo sí. Entonces lo pincelaré en el fondo para parearlo un poco y voy a llenar algunos huecos que tengo donde no tenía suficiente pintura. Entonces apenas unas pinceladas importantes para ir en diferentes direcciones porque eso es lo que vemos en la pintura de Van Gogh. Gran gota azul aquí. Rellenémoslo con tinta. De acuerdo, creo que esto se ve bien. El cuadro está hecho. Voy a despegar con mucho cuidado y poco a poco la cinta después de que la pintura la seque. Y aquí está mi réplica de Lirises de Van Gogh en jarrón. En la siguiente lección, intentemos aplicarlo. Lo que aprenderemos de Bengala a nuestra propia página. 7. Pintura de una foto: peonías: Ahora que sabemos un poco más cómo pintó Van Gogh, cómo se acercó a sus florales. Intentemos nuestra propia interpretación a partir de una foto. Van Gogh pintó cualquier peonías. Por lo que será especialmente interesante ponerle nuestro propio giro. La composición es muy similar a la que solía pintar. Simplemente estoy directo a la vista de un jarrón con algunas flores. Antes de empezar a trabajar, descubramos nuestro plan de pintura. Comenzaremos como lo hicimos antes con pinturas simplificadas formas generales solo para distribuir nuestros colores y cubrir la superficie de la pintura. Entonces para ahorrar, nuestro segundo paso será pintar los contornos de las flores, el jarrón en la mesa, como lo hizo Van Gogh. Después de eso, trabajaremos en los pétalos, en las flores pintaremos las hojas, comenzaremos a agregar algunos detalles, haremos, luego trabajaremos en el fondo. Tendremos que pintar esa pared y la mesa. En nuestro último paso será hacer alguna pintura negativa. Daremos algo de variedad a todos los contornos. Agregaremos los aspectos más destacados, pequeños detalles, y solo le daremos los toques finales de pulido a nuestra pintura. Tienes toda la información de referencia para este tutorial en los materiales de tu clase. Si necesitas mirar la foto más grande o quieres usar un contorno que te proporcioné para ayudarte a dibujar las flores y el jarrón. Tengo mi tablero de ilustración pegado a mi tablero de dibujo y tono ligeramente con acuarela azul cobalto. Volveré a estar pintando con artistas gouache, y les diré que no tengo un par de rosas que serán necesarias para que estas peonías y la abuela hagan ese color. Probablemente podría encontrarlo en otras marcas. Pero lo que sí tengo es ópera rosa de Daniel Smith. Es acuarela pagada artistas gouache y acuarela tienen el mismo aglutinante. Sólo los pigmentos molidos de manera diferente. Entonces lo que voy a hacer para ahorrarme tiempo y dinero y esfuerzo entrar en la tienda de suministros de arte, es que voy a mezclar o por acuarela rosa con gouache blanco para conseguir ese rosa para sombras en el flores, voy a usar Alizarina carmesí. Creo que va a estar bien. También puedo mezclarlo en esa mezcla rosa brillante para que funcione con el resto de mis flores. Y creo que necesitaré un poco de azul cobalto más tarde para el jarrón, tal vez para el fondo. Ya veremos, voy a exprimirlo en el fondo aquí sólo un poquito. Por ahora, dibujemos el contorno de las flores. Dibujemos la forma general y rellenemos esa forma con nuestro rosa para empezar a crear el libro vino. No dibujé nada para mí. Es más fácil dibujar esa forma con el pincel. Pero de nuevo, haz lo que mejor te funcione. Si necesitas un dibujo a lápiz, por todos los medios, empieza con eso. Y voy a marcar también donde van a estar los tallos en las hojas y el jarrón. Creo que voy a darle a esa cara un contorno con azul cobalto para que quede como Van Gogh se acercó a la pintura de jarrones y mesas en sus cuadros. Y también habrá algunos pétalos caídos aquí en el fondo. Tendré que volver a pintarlos porque primero necesito pintar la mesa. Pero sólo las marcaré por ahora para asegurarme de que mi composición funcione. Creo que está bien. En realidad está bastante cerca de la foto de referencia. Y ahora necesitaré mucha pintura. Necesitaré mucho blanco para pintar el jarrón y también para pintar el fondo. Aquí está mi gel acrílico. Lo estoy mezclando en gouache blanco. Voy a rellenar la forma del jarrón. Estoy arrastrando un poco de azul y, pero en realidad se ha ido abajo y podemos usar un poco de variación de color ahí. Vamos a exprimir un poco de nuestro verde esmeralda. Creo que será perfecto para el fondo. Podemos rellenar el fondo apenas más o menos por ahora, no mezclando la pintura completamente porque quiero ese tipo de efecto a rayas abigarrado. También se puede agregar un poco de azul y hacer la mesa. La mesa es ancha, pero creo que se mezcla demasiado con un jarrón. Entonces creo que lo voy a hacer azul usando azul cobalto mezclado con blanco. Entonces apenas distribuyendo ásperamente mis colores de la misma manera que lo hicimos cuando pintamos las réplicas. Trabajemos en las flores y poco a poco agreguemos los detalles. Voy a delinear esas flores de la manera en que lo hicimos con lirises y con girasoles hasta cierto punto también. Tengo un pincel pequeño y estoy usando pura alizarina carmesí para encontrar las formas de todos estos pétalos. Ese ***** consisten en montones de pequeños pétalos. En también, parezco algunas formas más oscuras de sombras. Pero la forma en que los vamos a mostrar, sólo vamos a mostrar pura forma carmesí alizarina en ese lugar. Es importante observar cuidadosamente las flores a pesar de que estamos simplificando y estamos haciendo nuestra pintura más decorativa, más abstracta. Todavía queremos que nuestras flores sean reconocibles como peonías. Entonces necesitamos formas más pequeñas en los centros. Pero en el perímetro de las flores, los pétalos son bastante grandes y se pliegan de las flores. Entonces eso es lo que queremos. Por ahora. Podemos hacerlo de manera bastante aproximada porque nuestra pintura negativa, fondo negativo vendrá nuestra ayuda en tan solo unos minutos y podremos verificar y corregir las formas de cada flor. De acuerdo, Ahí están mis contornos y ahora puedo empezar a llenarlos con diferentes tonos de rosa. Haré unos más oscuros donde vea sombras en las flores. Y después puedo hacer algunas más ligeras después. Están en los centros y donde la luz golpea el *****. Esta foto sería bastante difícil de pintar con acuarela porque allí no tenemos luces y sombras muy pronunciadas. Hay algunas flores, pero en general está iluminado con luz muy suave. Pero si usamos el enfoque de Van Gogh, realidad podemos hacer muy buen trabajo en él porque no le preocupaban las sombras, porque se preocupaba por el color, las formas y las líneas. Pasemos a formas ligeramente más claras ahí en los centros y recogiendo mucho más blanco con un pincel pequeño. Por lo que ven mi pintura va hacia adelante con bastante rapidez. Veo que algunos de los bordes de los pétalos tienen un poco de borde blanco, algunos delineándolos con blanco. No todo tiene que ser alizarina. Podemos tener un contorno más claro también, simplemente encontrando todos esos diversos tonos de rosa en el *****. No. Entonces este es el momento en el que puedo hacer pintura negativa pequeña escala y hacer algunas de esas líneas de alizarina un poco más delgadas, cúbrelas con un rosa más claro. Esto le da un efecto muy interesante, mucho movimiento y energía a mi pintura. Creo que las flores se ven bien. Puedo trabajar en ellos un poco más tarde si es necesario, después de tomarme un descanso de ellos por un minuto. Trabajemos en el fondo y verifiquemos los contornos de esas flores. Tengo mi pincel plano y recogiendo mezcla de verde esmeralda con blanco. Y estoy pintando el fondo, trabajando alrededor de las flores y haciendo correcciones en la forma de ese grupo de harina. Y también tratando de encontrar esos pequeños espacios negativos. Si miras de cerca, hay un par de ellos alrededor de esa flor de fondo, esa flor central que es un poco centro inferior de. Entonces sí quiero pintar que la forma en que lo hizo Van Gogh en estos pequeños espacios negativos son muy importantes. Añaden ese aire y el respiro al cuadro. Entonces ahora estoy aplicando los trazos de pincel en el fondo solo al azar. Podría hacer un poco de esa raya vertical que veo en la referencia. Voy a pensarlo. Vamos a pintar los tallos. En realidad no estoy usando el color que veo en la referencia. Estoy usando verde esmeralda y también lo estoy modificando con algo de azul cobalto. No tenemos que seguir exactamente la referencia. Podemos usar los colores que van Gogh usó en su pintura, o podemos llegar a nuestras propias combinaciones. Las hojas no son súper grandes, así que qué vamos a agregarlas muy rápido con un pequeño pincel redondo, pero realmente aportan algo a la pintura. Formas más oscuras. Agreguemos otro de este lado también solo para equilibrarlo. No está en la foto de referencia, pero no es problema pintarlo muy rápido. Y ese sello estaba demasiado enfermo. Entonces voy a cubrir algo de ello con la mezcla que utilizo para el fondo. De manera que ya ves lo fácil que es hacer correcciones cuando tenemos pintura opaca. El intentó agregar más textura al fondo. Voy a hacer un poco de raya vertical para tipo de insinuado esas tablas sobre lo que sea que sea detrás de ese ramo. Voy a ir bastante a ligera al principio para ver cómo va a quedar. Me gusta cómo esas rayas conectan las flores a la parte superior del cuadro que se acentúe aún más esa composición equilibrada central . También siento que necesito más pintura en el fondo, puedo ver mi papel por ahí, así que necesito un poco más de pintura. Nuevamente, no estoy aplicando pintura de manera uniforme. No quiero formas planas a pesar de que no tengo ninguna sombra. Yo sí quiero alguna variación en la pincelada, variación de textura y color para replantear nuestros pétalos caídos y las sombras de pintura es tan liberadora para mí porque no son fáciles de pagar. Y así hay que entender cómo se proyectan las sombras y qué color mezclar para ellas. ¿ Y necesitan ser transparentes? Simplemente complica bastante nuestra vida como pintores. Están pintando sombras. Entonces Van Gogh y nos liberaron de todas esas inquietudes y nos mostró cómo trabajar de manera muy expresiva. Y sólo para divertirse con la pintura. Perdí esas líneas. Yo quería entre la mesa y la pared y alrededor del jarrón. Entonces vamos a traerlos de vuelta con azul cobalto con un pincel pequeño. No voy a hacer un contorno rígido. Sólo voy a agregarlos en unos cuantos puntos, haciéndolos más gruesos o más delgados. No quiero ni contornear. Yo quiero que sea variada, así que eso es lo que estoy haciendo. Y creo que mi pintura está prácticamente terminada. A lo mejor un poco más de pintura en el fondo, oscurecerlo sólo un poco, agregar un poco más de textura. A ver cómo se va a ver. Me alejé de ella por un minuto y lo evalué. Y creo que lo que puedo hacer es agregar unos reflejos blancos más a las flores para que destaquen más para aumentar el contraste en las flores, sin embargo, tengo mi pincel pequeño y estoy agregando blanco puro y apenas unas manchas en los centros. A lo mejor retocar un poco el jarrón, puede ser un poco más ancho, se puede mezclar demasiado con el fondo. Entonces lo voy a hacer un poco más ligero, manteniéndolo plano aunque no queremos las sombras. A lo mejor verifica si formas de pétalo. Y no estaba contento con esas rayas de fondo. Creo que compiten con las flores y distraen de las flores, tenía algo de pintura sobrante, esa mezcla azul claro y verde. Así que lo apliqué en la otra dirección bastante transparente con pinceladas transparentes, con pinceladas horizontales que crearon ese patrón de tejido de canasta en la pierna trasera, hizo van Gogh en su girasoles. Entonces creo que antes que nada, hice que mi pintura funcionara y también hizo que se pareciera un poco más al estilo de Van Gogh. Y después de eso se terminó. Y aquí está el resultado final en un mejor pianista ligero en este estilo. 8. Proyecto de clase y palabras finales: Para el proyecto de clase, crea una copia de una o varias de las pinturas de Van Gogh. Preste especial atención al color y dos pinceladas e intenté replicarlas tan de cerca como pueda hacer referencia las dos demostraciones que incluí en esta clase o usar cualquier otro pinturas como su inspiración. Cuando te sientas más seguro trabajando en este estilo, intenta usar el mismo enfoque para crear tu propia obra de arte original. Te proporcioné varias fotos que podrías encontrar inspiradoras en los materiales de clase, pinturas publicadas y la sección de proyectos, me encantaría verlas. Vincent van Gogh es conocido por su estilo original de pintura que los historiadores del arte llamaron Post-Impresionismo. Solo pintó durante diez años, sin embargo, su obra de arte es inmediatamente reconocible por su llamativo color, enfática pincelada y sus formas contorneadas. ¿ Qué aprendimos del acercamiento de Van Gogh a la pintura? Estudiamos la paleta de Van Gogh aquí, utilizamos en su mayoría colores puros saturados, pero logramos encontrar mucha variación en ellos y hacer que sus pinturas visualmente llamativas y matizadas. Vimos cómo simplificaba las formas, eliminaba las sombras y usaba líneas en combinación con formas de color para describir la forma. Practicamos su aplicación de pintura con pinceladas definidas en pastel que crean energía y movimiento. Hicimos todo esto para no imitar ni copiar su estilo es artistas modernos. Estudiamos a Van Gogh para ampliar horizontes artísticos. Mira las pinturas desde un punto de vista diferente. No son los grandes valientes para experimentar y no pensar demasiado en nuestro trabajo, sino seguir nuestro corazón durante el proceso creativo. Como artista, Van Gogh no apareció de la nada. Aprenderá de los impresionistas que puedes hacer si tomas mi clase, impresión es con gouache, donde creo réplicas de Pierre Auguste Renoir las nuestras y las pinturas de Claude Monet. Y luego pintar mi propia interpretación de un iris al estilo de los impresionistas franceses. En mi canal de YouTube, aprende a pintar con coseno ionizado. Para que puedas ver tutoriales adicionales donde pinto con gouache y crear réplicas de pinturas impresionistas y post impresionistas. Todos mis videos tienen explicaciones completas del proceso de pensamiento que va en crear pinturas originales en esos estilos. Espero que hayan disfrutado de esta clase y este viaje a la historia del arte. Muchas gracias por mirar y nos vemos en la próxima clase.