Transcripciones
1. Introducción: Como ex abogado, convertido en creativo de
tiempo completo, sé lo difícil que
puede ser aprender a dibujar las bases por tu cuenta. A pesar de que aprendí
de libros y clases impartidas por grandes artistas, no siempre fue
obvio cómo conectar los puntos y evolucionar
hacia mi propio estilo. Se necesitó mucha
práctica, estudio y experimentación para
llegar a donde estoy hoy. Agradezco haber
trabajado con clientes como Disney, Adobe y Samsung. Ahora puedo crear
principalmente para mi estudio,
Mimochai, donde hago mis propios
productos ilustrados, hago un colapso divertido y albergo una comunidad internacional de
dibujo que ayuda a las personas a superar
sus obstáculos creativos y descubrir el
ser creativo a través del
arte del Fue esta comunidad la que en realidad me hizo darme cuenta de que quiero dar una clase sobre el dibujo de
cimientos a mi manera. Recuerdo lo que es pensar tal vez es demasiado tarde para empezar a dibujar o tal vez nunca voy a
ser bueno en esto. O incluso llegué bastante lejos
sin dibujar cimientos, pero ahora estoy atascado y no
sé cómo seguir creciendo. Sé que dibujar
bases puede ser muy seco y aburrido de aprender. Puede resultar poco inspirador, especialmente para aquellos
de nosotros que queremos
dibujar en un estilo de
ilustración moderno, alquilar una
bola realista y una sombra podría no ser tan
interesante para nosotros. La mayoría de los artistas principiantes que
encuentro quieren una cosa, dibujar bellamente
en su propio estilo. Lo entiendo totalmente,
fui de la misma manera. Es decir, nos
interesa dibujar porque vemos obras de
otros artistas
que admiramos y queremos saltar
directo a Desafortunadamente, eso suele ser poner el carro
antes que el caballo. Lo que me he dado cuenta una y
otra vez en mi propio viaje es que si bien puedes
saltarte los cimientos del dibujo, eventualmente
encontrarás que estás limitado en
lo mucho que realmente puedes evolucionar hacia tu propio estilo
y expresarte realmente. ¿Cuáles son los
fundamentos del dibujo? A nivel básico, estas
técnicas fundamentales son sobre las que se construyen
los dibujos y pinturas Piense en ellos como herramientas en el kit de herramientas de
su artista o ingredientes en su despensa de
artistas. Los agrupo en
observación, línea, forma, valor, composición,
forma, color y luz. Aprender estas habilidades son importantes tanto para
observar el arte, por lo que puedes desglosar el trabajo de tu artista
favorito y entender las
elecciones que tomaron, para hacer tu propio arte, que puedas ser intencional
sobre cómo usas cada uno a medida que desarrollas
tu propio estilo único. Lo que me pareció faltante en este viaje de dibujo cuando
estaba aprendiendo de libros y clases fue el cómo y el por qué al qué a la hora unir cómo dibujar con forma en que quiero dibujar
en mi propio estilo El problema para mí
era que la mayor parte de lo que estaba aprendiendo
estaba enfocado en solo algunas de las herramientas
y realmente no explicaba cómo todo se une en
un dibujo realmente estilizado El foco estaba casi en su totalidad en estudios de dibujo
realista y termina ahí, o en el lado opuesto, tutorial de
un artista
podría enseñarme dibujar en su estilo específico, pero no explicar todas
las consideraciones subyacentes que me
ayudarían a aplicarlo
a mi propio estilo. Hay una gran diferencia entre saber cuáles son las
habilidades y los pasos versus cómo se
unieron y por qué los artistas tomaron
las decisiones que hicieron. Decidí crear una clase de bases de dibujo
usando mi propio enfoque porque realmente desearía tener
algo
así cuando
aprendí a dibujar por primera vez. Un clásico da una visión clara no solo
de cuáles son los cimientos del
dibujo, sino de cómo conectar estos puntos para ayudarme a dibujar como quiero dibujar. Repaso todas
las horas que pasé aprendiendo a dibujar
bases y utilicé un enfoque 80/20
para armar una clase integral pero
digerible que cubra las partes que marcaron
la mayor diferencia para mi propio crecimiento
y mejora Utilizo un proyecto de clase principal
como ancla para todas
las secciones e
incluí muchos ejercicios
adicionales para
reforzar cada paso. Explico cómo ver como
artista a través de la
línea y la forma, valor y la forma, el color y la luz, retratos, y la profundidad
y la composición. Lo más importante es que
explico cómo todas estas herramientas y habilidades se
conectan y se unen. Esta clase, por supuesto,
no es un reemplazo para
años de escuela de arte. En cambio, esto
te va a dar una
base y un punto de
partida realmente fuertes para aprender todas
las habilidades y tener
un camino a seguir. Me gusta pensar en
ello como proporcionar un mapa o guía para tu
propio viaje de dibujo. Eso suena como lo que
has estado
buscando , comencemos.
2. Comienzo: kit de herramientas del artista: A lo largo de los años, he experimentado mucho y he
simplificado mis
herramientas de referencia en el proceso de dibujo en un flujo eficiente que
funciona bien para También desarrollé
algunas perspectivas que me
han ayudado mucho en
mi viaje creativo. A menudo nos enfrentamos a retos
como la crítica interna y el miedo. Aquí hay una descripción general de lo que hay
en el kit de herramientas de mi artista. Lo he dividido
en tres partes. A pesar de que empecé casi exclusivamente como pintor
digital, sentí que
faltaba algo y comencé a experimentar con herramientas
tradicionales. Ahora, me encanta usar medios
tradicionales
y digitales ya que cada uno tiene fortalezas
y beneficios La sensación táctil de los medios
tradicionales se siente
tan grande y
buena para el espíritu, mientras que la flexibilidad de los medios
digitales son tan
eficientes También encuentro que aprender uno me
ayuda a mejorar al otro. He condensado mis herramientas de
dibujo de referencia en un conjunto simple que puede caber
en este pequeño estuche Tengo algunos lápices de grafito,
carbones, bolígrafos de pincel y
bolígrafos de tinta Comparto cómo utilizarlos
en mi clase de páginas diarias, que voy a enlazar en
la descripción a continuación. Ahora mismo, en realidad hago la mayor parte de mi dibujo con lápices de colores Prismacolor Yo también coloreo con estos y
también me gusta aguada acrílica de
Holbein
o la pintura acrílica dorada Por supuesto, me encanta la
pintura digital con
Procreate en el iPad Cada una de estas herramientas
tiene sus pros y sus contras. Los lápices son una manera excelente
y fácil de comenzar. No requieren mucha
limpieza y son fáciles de transportar. Los profesionales se mezclan maravillosamente y también me
gusta mucho la textura. la baja,
pueden cansar la mano fácilmente y
realmente no puedes aclarar Si te vas demasiado oscuro, no
hay vuelta atrás. pintura acrílica gouache tiene un precioso acabado mate que se parece a mis pinturas digitales Pintar simplemente se siente como una alegría una vez
que sabes cómo hacerlo. La pintura en sí es muy
opaca y también puede aplicar capas fácilmente y hacer correcciones
o pintar por completo. En el lado negativo,
requieren más preparación y limpieza y no son
fáciles de transportar La pintura digital es como tener cientos de
herramientas y pinturas
contigo en una almohadilla
súper delgada sin necesidad de limpieza El botón de deshacer, las incautaciones de
tiempo y la
miríada de efectos y
ajustes son increíbles la baja,
a menudo tienes que crear tus propias texturas
más como una ilusión que como es con medios
tradicionales donde es
una ocurrencia orgánica natural En términos de experiencia táctil, me parece un poco
menos satisfactorio
que los medios tradicionales
sobre papel o lienzo He compilado una lista
de todas las herramientas que me gusta usar en una página de noción
compartida. Es agradable porque puedo
mantener esto actualizado ya que
siempre estoy experimentando
con nuevas herramientas y evolucionando mi práctica Puede encontrar un enlace a él en la descripción del
video a continuación. Recuerda
que siempre puedes comenzar con las
herramientas que tienes. No dejes que
esperar la herramienta perfecta te
impida
comenzar. Un lápiz y papel están bien. Incluso las mejores herramientas no
suplieron la falta de habilidades, así que hablemos de las habilidades
técnicas en nuestro kit de herramientas. A nivel básico, se trata técnicas
iniciales sobre con dibujos y
se construyen pinturas. Observación, la
capacidad de ver como artista con precisión y
sin nociones preconcebidas Línea, la capacidad de
dibujar con líneas ingeniosas que reflejen lo que se observa
o se imagina con precisión Forma, la capacidad de construir dibujos con
bloques de construcción y formas familiares. Valor, la capacidad de ver y agrupar luces y obscuridad con
intención y claridad Forma, la capacidad de
comunicar la forma de un objeto usando valores
que incluyen textura y masa. Color, la capacidad de ver, entender y usar el color
tanto para precisión como para expresión. luz, la capacidad de renderizar la luz y aprovechar
las ilusiones en color Composición, la capacidad de dirigir el ojo y enmarcar una
imagen a tu intención, incluyendo el uso de
profundidad y perspectiva. Aprender estas habilidades
son importantes tanto para observar el arte para que
puedas desglosar tu trabajo de artistas favoritos
y entender las elecciones que tomaron como para hacer arte, que puedas ser intencional
sobre cómo usas cada uno a medida que desarrollas
tu propio estilo único. Por ejemplo, en mi ilustración, se
puede observar que utilizo
mayormente formas y sin líneas. Use una perspectiva planificadora, tenga un color relativamente plano, pero traiga un sistema de 2-3 valores para comunicarse de forma y use una clave alta mayor y menor para invocar una atmósfera brillante y
enérgica Practicar y estudiar estas habilidades es realmente importante para mejorar nuestras
habilidades fundamentales y nuestro propio estilo. Para encontrar un
equilibrio saludable como creativo, he descubierto que es
muy importante tener las herramientas mentales adecuadas
más que cualquier otra cosa. La razón principal por la que
encuentro que la gente deja ser creativa o
nunca se inicia en absoluto es por su propio crítico interno y expectativas
poco saludables Muchos de nosotros podemos relacionarnos con
tener síndrome del impostor, dudas de uno mismo o simplemente miedo;
miedo al fracaso, miedo a parecer estúpido o miedo a
la página Incluso los grandes artistas
sufren de estos. Para los principiantes,
también voy a añadir que hay un fuerte síndrome de
gratificación inmediata que puede causar mucho dolor Al ser conscientes de
estos obstáculos desde el principio y
aprender a manejarlos, podemos aprender a
superarlos y seguir adelante Me parece muy importante
aportar un sentido de atención plena al kit de herramientas del
artista La atención plena se
define como el tipo conciencia
sin prejuicios
de lo que está sucediendo dentro y alrededor de ti
en
el Cuando hablo de dibujo
consciente, me refiero a traer esa actitud amable y
sin prejuicios hacia
ti mismo y tu trabajo Observar con curiosidad
y conciencia abierta. Es natural y útil
ver margen de mejora. Pero no dejes que tu voz
autocrítica se vuelva tan fuerte y tan irrazonable que
te impida crear Cuando inevitablemente
surjan estas voces duras, solo
puedes notarlas con cuidado y dejarlas pasar suavemente. Creo que estas perspectivas
mentales son tan importantes
como cualquier otra herramienta o habilidad
en mi kit de herramientas artísticas, si no la más importante. Personalmente, he encontrado que
la atención plena es una herramienta increíble para los creativos y el
proceso de creación de arte Y realmente creo
que la atención plena y la creatividad van de la mano Espero que pruebes
estas herramientas mientras construyes tu
propio kit de herramientas artísticas. Todo está en exploración.
3. Líneas y formas 1: aprender a ver: Empecemos con
nuestras primeras herramientas. Esta sección trata
sobre líneas y formas. Pero en realidad la primera
herramienta de la que necesitamos
hablar es la observación. Aprender a dibujar se
trata realmente de aprender a ver. A medida que gradualmente cambies el ojo de
tu artista, comenzarás a
notar detalles que nunca antes
habías visto ni siquiera en cosas que ves todos los días que crees
conocer muy bien. También vas a
empezar a ver nuevos colores, entender qué es el valor, y cómo la luz afecta a
todo lo que vemos y experimentamos. Poco a poco,
a medida
que empieces a entender lo
que estás viendo, vas a
poder combinarlo con tus habilidades artísticas
y otras herramientas para comenzar a expresar tu experiencia personal única de este mundo, y eso es lo que es
realmente emocionante. Quería empezar con eso
porque sé que algunos de estos simulacros pueden empezar a
sentirse muy secos o muy aburridos, y aunque he tratado de
hacerlos
lo más divertidos posible, también es muy útil
entender por qué estás
aprendiendo estas cosas Así que puedes tener en
cuenta que a medida que estás haciendo todos estos ejercicios
técnicos, estás perfeccionando esta superpotencia
básicamente de
poder ver el mundo de esta manera nueva
y mucho más vívida, entonces cada paso va a
ser mucho más Entonces con eso dicho,
comencemos con nuestros ejercicios. Antes de sumergirnos en los
ejercicios y los ejercicios, quiero explicar cómo todo
esto se junta en el dibujo que
vamos a estar creando para nuestro proyecto de clase Cuando miras
esta ilustración, ¿qué opinas de
dibujar primero si te
pidiera que recrearas
este dibujo Por lo general, para los principiantes,
van a estar pensando en comenzar con un detalle que
vean o comenzar con algo que no sea
necesariamente una forma. Para los artistas que
han sido entrenados para mirar el dibujo
observacional, comenzarán a descomponer
esto en formas Entonces quiero que te tomes un momento
ahora mismo antes de pasar a identificar solo inicialmente
cualquier forma que veas. Déjame mostrarte cómo voy
a descomponer esto. Tan realmente obvio,
las formas son por supuesto, este círculo aquí mismo. Entonces digamos que aquí está
todo este muro,
y aquí hay un óvalo. Ahí atrás está esta
forma de cilindro. Después hay
forma ovalada de su cabeza. También tiene
forma de triángulo con su cabello. Aquí hay otra forma de
triángulo que podría ser un
poco menos obvia. Entonces trunca la forma de
triángulo aquí, y por supuesto todos estos
pequeños artículos también son pequeños rectángulos y
pequeños cilindros Ahí atrás hay un cilindro en la cara atrás. Cada una de estas flores, se podría decir es un círculo grande, o se compone de unas elipses
más pequeñas Luego está, por supuesto, esta puerta arqueada en la parte posterior, que es un Sus brazos se pueden descomponer en estas
formas trapezoidales o triángulos Entonces lo mismo en
su otro lado. Sólo voy a imaginarlo
pasando por todo el camino. Lo cual es otro aspecto
importante del dibujo
observacional
ya que inicialmente estás empezando a componer
o entender la construcción de cómo se
arma un dibujo Todo su cuerpo tiene
esta forma trapezoidal. Entonces el libro es este tipo
de rectángulo en perspectiva. El lápiz es un pequeño cilindro. Incluso puedes llenar cualquier cosa los cilindros o las
patas del telescopio, e incluso sus pequeños rasgos, podría
ver que esto
es un triángulo. Esta es otra
forma de hoja, forma de hoja. Entonces claro, aquí todas estas
pequeñas formas de hojitas. Es una forma que uso mucho. Así que casi cuento la
forma de la hoja como parte de la agrupación de
rectángulo círculo, cuadrado, triángulo. Entonces esa es una manera de descomponer esta ilustración
en formas. Entonces también puedes empezar a
pensar en el panorama general, ¿cuáles son los patrones de
forma generales que estás viendo en una imagen? Por ejemplo, en
esta imagen está aquí
esta
composición general del triángulo. Entonces la
puerta arqueada crea
esta forma y marco más grandes
detrás de nuestro personaje Entonces también estoy mirando
el gesto general de cómo se colocan las cosas y viendo cómo están
enmarcando nuestro personaje Entonces por aquí simplificamos esto en un círculo y un rectángulo. Esas son las formas principales que estoy viendo en
esta ilustración.
4. Líneas y formas 2: ejercicio: Ahora que sabemos lo que
estamos buscando, podemos volver atrás y empezar a trabajar en algunos taladros de calentamiento en
lápiz y papel normales Nuestro primer ejercicio va a ser
simplemente dibujar líneas rectas. Un papel punteado es bueno para proporcionar algunas
pautas para eso. Pero honestamente, el papel en blanco funciona igual de bien
en mi opinión. El objetivo de este taladro es que tu
mano se acostumbre a dibujar líneas
rectas porque
es algo que es muy útil a lo
largo del dibujo. Nuevamente, podrás
traer algo de ese movimiento con el
codo y el hombro y hacerte una idea de eso para que
puedas
intentar recrear la naturalidad de algunos de esos
dibujos cuando estás dibujando muy apretado
con los riesgos, que es como tienes que
dibujar con muchas herramientas digitales Dicho esto,
comencemos con algunas líneas. Con estos estoy pivotando
desde mi codo, y definitivamente se siente
diferente
a si solo trato de dibujar de mi muñeca, lo que ahora mismo estoy tratando de
hacer y se siente apretado Lo que es más importante que ser líneas perfectamente rectas, es que se sientan
naturales y me
den esa libertad
de movimiento, y evita el tipo de dibujo
de rayado muy
apretado con el que
suelen trabajar los principiantes Después dibujas
muchas líneas rectas, y te recomiendo hacer
páginas y páginas de estas. Sé que puede sonar aburrido, pero puedes hacerlas
cuando
hablas por teléfono o estás viendo televisión,
o cuando solo estás esperando
a alguien, para que llevar un cuaderno de bocetos
sea de gran ayuda para Después de líneas rectas también
es realmente genial para practicar líneas curvas. Nuevamente, algunas personas las
practican para hacerlas lo más perfectas y
espaciadas de manera uniforme posible. Personalmente encuentro que la regla 80/20 significa que solo quiero tener una sensación natural y
poder crear la
forma general que quiero, pero no
necesita ser exactamente perfecta como al dado Ahora pasemos a las formas. Después de las líneas, lo siguiente mejor
para practicar son los círculos y elipses
porque conforman gran parte de nuestros dibujos Mucha gente está muy impresionada
cuando alguien puede simplemente dibujar una mano libre,
un círculo perfecto, y eso solo viene de memoria
muscular y
hacerlo una y otra vez. Lo
bueno del papel punteado es que si quieres, puedes practicar
entrenando tu brazo o
tu coordinación de mano de hierro para ajustarlo dentro de una medida
particular. Puedes sentir la
diferencia entre estos pequeños círculos apretados
con la muñeca y luego uno más grande con el
codo y el hombro. Entonces otro gran ejercicio es dibujar elipses que
son solo óvalos A lo mejor hacerlas en diferentes
direcciones, diferentes tamaños. Así de simples pueden ser
tus ejercicios de
calentamiento de círculo y elipse Nuevamente, lo mismo
con las líneas y
te recomiendo hacer páginas
y páginas de estas solo para que tu brazo obtenga
esa memoria muscular de
cómo dibuja líneas suaves
y círculos suaves. Ahora, personalmente voy a volver al
iPad y a Procreate porque de
esa manera puedo
grabar en pantalla y borrar demos
de lo que estoy dibujando Pero eres totalmente
bienvenido a seguir usando los
medios tradicionales para seguir adelante Tenemos nuestro círculo, cuadrado, triángulo y rectángulo. Por supuesto que un rectángulo es solo un cuadrado alargado y reducido Pero los que necesitan
convertirse en la esfera, el cubo, el cono, y el cilindro, por
lo que incluimos
el rectángulo al final. Para una esfera, comenzamos
con el círculo, y luego puedes crear estas líneas que
sugieren la esfera. Entonces otra vez, otra curva
sobre la cara del círculo. Si quieres, puedes continuar eso todo el camino para que
puedas tener una idea de la
parte posterior de la esfera. Se puede empezar a ver
cómo eso ya se junta para sugerir
algo de esa forma. Con la caja, nuevamente, comienzas con el cuadrado, y luego
lo extiendes y puedes simplemente crear estas
líneas paralelas que salen de lado Dibuja la parte posterior de la caja, ciérrela en la
parte inferior y luego cerrándola por la parte posterior. Entonces puedes crear
las líneas punteadas, estas dos forman un cuadrado en la parte posterior para crear la cara
inferior de nuestro cubo. Con un cono, quieres crear las
dos primeras patas del triángulo, y luego crear una elipse en la parte inferior en lugar
de una línea recta También puedes dibujar una
línea punteada por el medio, que termina en la mitad de la parte inferior del
círculo del cono, para sugerir el
volumen interior de ese cono. Ahora con el cilindro, es similar porque
si quieres imaginar dos círculos en la parte superior e inferior
del cilindro, y luego una
forma de rectángulo si estás mirando recto hacia el cilindro. Al igual que el cono,
vas a comenzar con los dos lados rectos, pero luego vas a
dibujar fondo curvo y un top curvo para
sugerir esa elipse De nuevo, se puede trazar una
línea por el medio, terminando en la mitad
de la parte inferior para sugerir ese volumen en su interior. Te sugiero que practiques dibujar esas al igual que las líneas
y las elipses una
y otra vez para que puedas
empezar a familiarizarte con estirarlas o
mostrarlas en diferentes ángulos De hecho compré
estos juguetes de madera que técnicamente son para niños, pero son grandes modelos para hacer algunos
estudios propios. Lo bueno de eso es
que solo puedes
mirarlos desde diferentes ángulos y
dibujarlos de cara hacia adelante. vería como si los
estuvieras mirando desde abajo o desde arriba, viniendo hacia ti o
alejándote de ti. Tienen básicamente todas las
formas que necesitas. Creo que estos son
realmente geniales porque puedes crear algunos
bodegones propios. Úselos con ejercicios de iluminación de los que hablaremos más adelante. Para conseguir el conjunto completo no era demasiado caro y puedes
usarlos para siempre. Lo siguiente de lo que
quiero hablar es cómo puedes hacer algunos
ejercicios de calentamiento rápido de una manera divertida Sé que dibujar círculos y líneas
y las formas no son necesariamente lo más
emocionante del mundo, y así se me ocurrió
este ejercicio que
ojalá sea una forma
de que simplemente dibujes algo
rápidamente
si tienes, digamos, 5-15 minutos por la mañana, es una gran manera
de ser consciente y conseguir tu
ejercicio de dibujo La idea con este ejercicio
es que estés creando tus propios arreglos florales
usando formas básicas de construcción. Empecé con esta
elipse en la parte inferior, y otra elipse para crear esta forma de sombra
debajo de ella o una placa, y luego el agujero de apertura Entonces dibujé en mis líneas curvas. Una forma muy sencilla de
abordar esto es simplemente dibujar dos en ángulo y
luego entrecruzar una o
dos más yendo hacia el otro y dibujando algunas ramas
que salen de Entonces solo siguiendo esas
líneas y creando un ramo de flores diferentes solo
a través de simples círculos. Luego agregando hojas
entre esos círculos. Obviamente he
variado las formas,
los tamaños, y luego
agregué hojas cada vez más grandes en el Vamos a
parar aquí por ahora. Pero claro puedes continuar
esto con el color y con renderizado y practicando el sombreado cuando hablemos de eso más adelante Es realmente agradable
porque puedes estar en el flujo y simplemente expresar tus emociones actuales o
tu estado mental actual
a través de estas diferentes formas. Puedes, por supuesto, traer
triángulos y traer
cajas y agregar
tazas de té al frente,
crear un
arreglo diario y tal vez
usando el color o la forma en crear un
arreglo diario y tal vez que usas el valor, lo que hablaremos más adelante Puedes indicar
tu estado de ánimo actual o simplemente tus colores favoritos, lo que sea que te guste. muy sencilla de no
necesitar pensar otra
cosa que no sea
meterse en esos calentamientos Como mencioné antes, dibujar líneas rectas es
muy importante para practicar, sé que se puede secar un
poco. Este boceto es un gran ejemplo
de algo donde puedes comenzar con solo algunas
líneas en el fondo, y te voy a mostrar un
poco de cómo se vería eso para que
puedas crear algunos fondos
y texturas
interesantes para tus bocetos
5. Líneas y formas 3: técnicas de dibujo observacionales: Entonces ese fue un
ejemplo de dibujar algo desde la imaginación
o no cualquier referencia, pero un
lugar importante para que los principiantes comiencen
a aprender a dibujar es a través de la práctica observacional, y así es en lo que va
a enfocarse gran parte de esta clase Voy a estar usando esta
foto que he tomado de
unas
bolitas de Billy y un jarrón. Lo bueno de
esto es que está construido a partir de formas realmente simples, pero también es algo
que es agradable a la vista y agradable de dibujar. Voy a poder mostrarte cada paso del dibujo
observacional a través de esta fotografía muy simple o aparentemente simple
para que luego
puedas aplicarla a dibujos
observacionales Antes de adentrarnos en los métodos
técnicamente más precisos del dibujo observacional, quiero hablar primero
sobre el dibujo por gestos, que creo que es realmente
fundamental e importante Los dibujos de gestos son bocetos
realmente rápidos que usas
trabajo de líneas sueltas que solo estábamos practicando y el objetivo es
capturar el gesto y
movimiento de tu objeto Se puede pensar en ella como su
esencia o incluso su espíritu. A menudo, tu papel como
artista es sacar a relucir ese gesto a menos que
tu intención sea tener un diseño muy rígido
o estructural De cualquier manera, comenzar a entrenar gesto como un instinto natural en tu flujo de trabajo ayudará a traer más alma y energía
a tu trabajo final Nuestro dibujo por gestos
se
enseña más comúnmente en el contexto
del dibujo de figuras, todo tiene un gesto. Una cortina tiene un gesto
en la forma en que se pliega, una roca tiene un gesto en la dirección en la que
se sienta y es ángulo. Quiero mostrarles que
hasta este simple bodegón tiene un gesto. Mira cómo son las bolas como
cabecitas inclinadas
en diferentes direcciones Por supuesto, los tallos tienen este gesto natural
que puedes exagerar. Este jarrón y cómo se curva
tiene un gesto también. Así que así es como podría buscarme un
boceto rápido de gestos. Podría hacer esto muy a la ligera
antes de comenzar mi bloqueo, o simplemente tener como
calentamiento en una capa separada Quiero tener esto en mente y volver a entrar
cuando termine con mi dibujo para ver si he perdido algún gesto que
pueda traer de vuelta. Quiero señalar que el
gesto no está solo en los
objetos individuales de un dibujo. Recuerden que
señalé antes que toda
la composición de nuestra ilustración principal
tiene un gesto hacia ella. Todo un paisaje
puede tener un gesto. Pero comenzar por notarlo en objetos
individuales
ayudará a perfeccionar tu capacidad para verlo en el panorama general y tu habilidad para sacarlo
de tus futuras composiciones Ahora que tenemos
una comprensión de un dibujo gestual básico, hablemos de métodos
de dibujo observacional
más técnicamente
precisos de dibujo observacional Vamos a estar
platicando a través ocho enfoques diferentes
para el dibujo observacional Vamos a estar
hablando del bloqueo,
luego identificando las
formas, puntos de referencia, ángulos,
proporciones, espacio negativo, formas de sombra, y luego revisando tu estudio
con una cuadrícula o un flip Ahora bien, todos esos
términos pueden sonar muy misteriosos o desconocidos
para ti en este momento, pero al final de esta secuencia, vas a
entenderlos
a todos y podrás usarlos en tus estudios de croquis
observacionales Un bloqueo significa
identificar primero el marco general
del objeto que
estás dibujando y creando el espacio en el
que vive Estoy viendo básicamente
esta forma general. Al principio, dibujar lado con una foto de referencia de
dibujo, u otra ilustración es
una excelente manera de practicar tu habilidad para medir
con tus ojos Es una comparación
directa muy similar frente a tenerlo en la pantalla en
algún lugar o de un tamaño diferente, y esto también se conoce
a
veces como medición del tamaño del sitio. Mientras dibujo, constantemente
miro de un lado a otro entre mi boceto
y la fotografía. Como esto es aún más sencillo, incluso
puedo empezar a poner
en estas líneas que estoy viendo y tal vez incluso
esta mesa trasera, para que pueda crear el marco. Yo agregaría el marco
a tu dibujo porque el marco sí ayuda con
muchas de las medidas. El siguiente paso es identificar las formas que están
dentro de tu referencia. Este es muy
sencillo, pero creo que es importante
comenzar con algo sencillo y obvio porque también
van a haber detalles
que quizás no hayas notado en esta cosa
que parece muy obvia. Por supuesto, estas pequeñas flores de
billy bob tienen esta forma de círculo. Estas son líneas, pero también, puede pensar en ellas como cilindros
muy delgados, y luego está, por supuesto, esta forma aquí mismo, que es la apertura
del jarrón, esta forma general de guijarro A lo mejor incluso puse
ahí
esa línea de sombra para que pueda
empezar a imaginarlo. Esas son las cosas
que lo estoy viendo, y entonces tal vez esta
sombra de aquí abajo también. Técnicamente es una
abertura en esta superficie. Entonces
técnicamente puedes decir que hay una forma de rectángulo aquí atrás. Una cosa en la que realmente quiero enfatizar es que
quieres iniciar la luz. Así que empieza con un boceto a lápiz muy
ligero, sobre todo con el block-in Si estás usando carbón, por
ejemplo, o lápiz de grafito, quieres comenzar con el toque
más ligero posible, y luego construyes
más y más oscuro Si empiezas con un bloqueo realmente
pesado y oscuro, esas no van
a ser tus
líneas finales y van a
destacar o serán más difíciles de tapar más
tarde en tus dibujos Así que siempre empieza
claro y luego pasa a cada vez más oscuro. Ahora bien, lo siguiente de lo que quiero
hablar son los hitos. Puntos de referencia o cualquier punto en el que
quieras enfocarte en un objeto que estés viendo o algo en la vida real. Entonces para mí los hitos son este punto de contacto aquí mismo, donde estos se cruzan
en este jarrón, y tal vez hasta la relación de donde termina esta bola
y empieza este jarrón Con este jarrón, por supuesto, no es importante
que sea súper preciso sobre lo grande que es
la apertura del jarrón, por ejemplo, pero es genial comenzar
a entrenar tu ojo para ver esas cosas porque van a
haber cosas donde
es realmente importante, como, la cara de alguien. Entonces, a partir de aquí, los
hitos,
los ángulos ,
las proporciones y el espacio negativo ,
las proporciones y el espacio negativo trabajan juntos en armonía. Déjame hablar a través de
cada uno de esos. Con ángulos, estoy
hablando de cosas así, viendo cómo estos
ángulos se unen, incluso cómo este tallo se dobla
y luego regresa. Cómo sube un
poco este jarrón antes de bajar. Cómo este ángulo recto
oye toca la mesa. Básicamente, los ángulos son pistas, y ayudan a guiar cómo
vas a dibujar, y una excelente manera de
verificar si hay errores Entonces por ejemplo, antes cuando estaba
mirando el hito, me estaba dando cuenta de este hito o este ángulo que
estaba un poco apagado, y eso me ayuda a
corregir este tallo, También está este
ángulo aquí mismo. Ahora ya se
ve mucho mejor. Entonces estoy mirando la pendiente de esto y cómo se ve
este ángulo, cómo se conecta a la mesa. Hay ángulos
por todo el lugar, especialmente en tangentes, o
donde los objetos se encuentran entre sí Además de los ángulos, mirarás el espacio negativo. Cuando miramos un objeto, tendemos a simplemente
mirar lo físico con lo que estamos familiarizados, pero es crear
muchas formas
dentro de la imagen de referencia o en la vida real que son
igual de útiles para nuestro dibujo. Entonces, el espacio negativo son solo
espacios como este que son creados por el espacio
entre objetos E incluso estas cosas
contarían como espacio
negativo en esta
forma aquí mismo. Técnicamente existe
este espacio negativo creado por aquí, al final solo para ver un detalle que podría
haberse perdido antes, un muy buen ejemplo de ello. Y luego otra cosa que
podemos comprobar son las proporciones. Para
una
medición extremadamente precisa de los dibujos, muchos artistas
usarán su lápiz, por ejemplo, tendido así, o usando sus dedos, y esa es una forma muy común de
comprobar qué tan grande es algo. Entonces di que esta es una
bola de vellosidades y yo estoy como, bien, 1, 2, 3, 4, 5 Entonces hay alrededor de
cinco bolitas de diferencia entre
dónde
está la flor y dónde comienza la base, y así mi dibujo debería
tener eso también. Así puedo contar en o globo ocular 1,
2, 3, 4, 5 Eso se ve bastante exacto. Estoy viendo este círculo
comparado con este círculo,
y en realidad solo estoy
notando que se ve más estrecho en esta foto que
en este dibujo, así que voy a sacar
eso un poco más a colación Y por último, una cosa que puedes
mirar son las formas de sombra. Entonces mucha gente realmente
no presta atención
al principio a la luz y la sombra, pero esos son otro
gran lugar para buscar pistas sobre cómo
construir tu dibujo Será aún más importante cuando
comencemos a hablar valor en la siguiente sección,
pero incluso ahora mismo, solo hay que colocar en esas formas de sombra
y de hecho
ayudará a crear esa sensación de
volumen en muchos casos. Entonces aquí estoy viendo esta forma de sombra en la
parte inferior de la bola de vellosidades, y técnicamente puedo
conseguir súper detallado con las pequeñas piezas
dentro de la flor, Pero por ahora no voy a Obviamente está esta, y luego está esta
grande por aquí. Voy a colocar esa, y ahí está esta sombra
aquí arriba y luego,
por supuesto, esta en la parte inferior. Lo último que
puedes hacer es simplemente voltear tu dibujo o agregar una cuadrícula
a ambos para que puedas verificarlo. Puedo usar esto como una forma de revisar mi trabajo y puedo ver
que no es perfecto. Puedo empezar a ver dónde
he calculado mal qué tan lejos a un
lado va el jarrón y cuánto es correcta o no
la
relación entre las bolas y el resto de la
imagen Y también pueden voltear
esta imagen solo para comprobar que se ve en general
bien y no distorsionada. Y esos se vuelven aún
más útiles cuando estás dibujando cosas
como rostros humanos. Siempre se puede aprender de eso. En este caso,
realmente no importa que la cara sea un poco más larga que la de la foto de referencia, pero si estaba
tratando de ser súper precisa, esto es algo que
volvería y arreglaría
y sería consciente
porque esas son las pequeñas cosas que
si se quiere crear un dibujo
observacional realmente preciso van a ser
muy En lugar de trazar
lo que pueda, recomendaría
simplemente mantenerlo lado y
corregir a partir de ahí. De esta manera
realmente puedes entrenar tu ojo. Una forma en la que debería haber comprobado es mirando
esta relación. Aquí obviamente es mucho más pequeño, y eso
me dice que este tipo
está saliendo un
poco demasiado lejos. Otra forma de verificar es
verificar este ángulo. Un lápiz es una excelente manera de medir
realmente el ángulo, y luego
bajarlo a tu papel para asegurarte de que coincida. Voy
así, borde a borde. Me voy a mudar por aquí. Esta nueva línea se ve
mucho más precisa. Y luego lo mismo de este
lado, mirando esta forma
aquí mismo en relación a esto, así que esta obviamente es
un poco más ancha, esta es un poco más corta pero no tanto más corta,
así que voy
a querer extender esto un poco más para que se vea un poco más
proporcional a mi referencia. Este es mi estudio de boceto y quieres
limpiarlo para trabajos de línea, simplemente
creas otra capa, o usa papel de calco
o una caja de luz para crear un trabajo de línea limpia
encima de tu boceto. Y esa es una gran
manera de practicar
tener la capacidad de
limpiar el trabajo ligero, conseguir esas
líneas realmente rectas en una sola y hechas. Voy a hacer un poco de
práctica rápida aquí y puedes seguir adelante o
saltar a la siguiente sección. De hecho quiero
filmar el bloque, nuevamente usando el efecto de superposición de
cuadrícula para que la gente pueda ver
cómo sería eso. Cuando recién estás
comenzando, es útil usar una cuadrícula como una opción
para ayudarte a entrenar tu ojo para mirar puntos de referencia y dónde se cruzan las cosas y cómo hacer una medición
cuidadosa mí personalmente no me
gusta usar esto después poco de práctica con
él porque puede convertirse en una muleta No estás prestando
tanta atención a tu conciencia natural de tu
capacidad para usar tus ojos, solo
para medirlo por
tu cuenta sin pautas porque
no hay pautas por ahí
en el mundo real Esta puede ser una buena manera de
empezar a entrenar tu ojo, pero eventualmente lo usaría para revisar tu trabajo en lugar
de confiar siempre en tenerlo para crear un dibujo
perfectamente preciso. Esto de alguna manera ha creado
el marco para que coincida exactamente. Este es el
punto medio del Lienzo, los
tengo exactamente
ocupando la mitad del espacio para que sepa que mis proporciones
serán exactamente las mismas. Nuevamente, no
necesariamente estaría dibujando con líneas
tan gruesas u oscuras
como mi bloque en, pero quiero asegurarme de
que sea legible para ti. Cuando lo hago por mi cuenta, me encanta usar un color melocotón claro y una mano mucho
más clara para que sea solo un dibujo
subyacente muy incompleto
para mi color posterior en la parte superior Las líneas de la cuadrícula pueden
ser un poco difíciles de ver y solo
quiero
mostrarte, las enciendes encendiendo la guía de dibujo
en Canvas, y puedes editar la guía de
dibujo para muchas cosas como qué tan
gruesas son las líneas, qué tan grandes, así que
hazlas mucho más grandes. Lo estoy haciendo con
unas cinco cajas ancho porque para mí eso se siente como la cantidad correcta
de suficiente información, pero no súper pequeña. Entonces puedes cambiar la opacidad
y por supuesto, el color. Entonces me gusta
tenerlos bastante ligeros, pero así es como lo
cambiarías. Aquí solo les voy a
mostrar que ponerlo
sobre lo preciso que puede ser
este método, y así es como
se hacen muchos murales grandes, pinturas de vida
usando este método de cuadrícula Comparemos este dibujo lineal
final
con el dibujo de gestos
que hicimos antes. Estoy notando que podría inclinar un poco más
las cabezas de las flores para que parezca aún más que se están
conduciendo entre sí y exagerar algunas de estas curvas para darles
más vida Es agradable comenzar con marcas de gestos
rápidas
porque puede
perderse fácilmente cuando te metes en el trabajo
de medición
detallado de un dibujo observacional
6. Líneas y formas 4: proyecto de clase parte I: Proporciono muchas fotos de
referencia y recomendaciones que puedo seguir practicando
estos estudios observacionales Por ahora, empecemos a trabajar
en nuestro proyecto de clase para usar esa misma capacitación para observar una ilustración y hacer el
bloque y los puntos de referencia, los ángulos y todo eso a
nuestro boceto de dibujo de base estructural. Estoy buscando hacer
mi bloqueo en primer lugar. Para mi bloqueo, estoy mirando la
forma general alrededor del exterior. Entonces, al mismo tiempo, voy a empezar a mirar
las formas generales
y puntos de referencia. Como dije, a pesar de que te
mostré cada uno de los métodos de medición
como elementos separados, ahí, como
habrás notado, algo que empieza a integrarse
todos juntos. Cuando estás
mirando el espacio negativo, también
estás notando ángulos. Cuando estás tomando proporciones, también
estás viendo tus
puntos de referencia, así sucesivamente y así sucesivamente. Aquí para el bloque en, ya
estoy empezando a mirar las relaciones de lo lejos que está esa línea
del borde de las fronteras. Algunos de estos ángulos aquí
entre el telescopio y las flores y
el telescopio y esta puerta trasera, arco Lo mismo con este
jarrón en el fondo, viendo lo lejos que está eso
del fondo de mi marco, y luego volviendo a subir. Al notar que este
libro es un poco más alto que el
fondo de este jarrón Lo mismo con el
fondo de este globo, un poco más alto que este jarrón. Entonces este flujo está llegando
a este borde aquí mismo. Entonces viniendo un poco sobre estas áreas de libros
y va a empezar a colocar un
poco de eso. Entonces necesito ese
punto para empezar a sentir por dónde
empiezan a surgir estas flores. Aquí está esta flor que no toca la puerta del
todo y tiene un poco menos de espacio que el globo desde
el borde de la seca. Yo estoy viendo eso. Entonces vuelvo a esto y noto este ángulo justo
aquí y la distancia Esta línea inicial
que puse en
realidad está un poco
demasiado cerca del borde. Por eso es como un rompecabezas. Si sigues revisando todas
tus medidas, no
puedes equivocarte porque
te atraparás a ti mismo. Quiero parar aquí como mi cuadra y puedo empezar a hacer
un poco de la chica. Su cabeza empieza un
poco por debajo del telescopio. Su cabello está un poco
alejado de esta flor de
aquí, así. Empiezo a verificar
ángulos al mismo tiempo, solo mirando este
ángulo del telescopio. Entonces su cabello viene por aquí y estoy empezando
a mirar esta forma, esta forma de espacio negativo que se está creando.
Lo mismo aquí mismo. Ahí está esta pequeña forma de espacio
negativo. A pesar de que
técnicamente no he ido al lado de verificación de espacio
negativo, al menos
estoy
notando y
observando naturalmente esas cosas
para mi bloqueo en Voy a ocuparme de todos esos pequeños espacios
negativos más tarde. Sólo necesito saber dónde está
su posición general y quiero codazos y manos
ahora mismo. A ver. Voy a colocarlos aquí, notando su brazo en el libro Entonces su mano sale un
poco más allá del globo. A continuación, empiezo a notar las formas que
componen este dibujo. Voy a empezar a
colocar algunos de esos. Coloca esta esfera por aquí. Aquí tiene forma rectangular. Para esta parte, estoy
dibujando mucho porque quiero
asegurarme de que mi
ilustración se alinee. Dibujando esta forma
aquí, poca apertura. Lo mismo con el
portalápices de este lado. Puedo seguir
comprobando que mis líneas coincidan. Entonces dibujando en esta regla, se
puede obtener muy detallado. Aquí puedes verificar el
ángulo y luego notar el espacio negativo y el
ángulo que se crea entre el lápiz y la regla. Este telescopio tiene
aquí
esta parte cilíndrica para la lente. Entra un
poquito y luego
baja a por aquí
más allá de su hombro. Mira, estoy viendo
esta distancia entre las dos piernas así
como el ángulo aquí. Esa pierna en realidad necesita
estar más allá de este lápiz. Este lápiz es más por aquí. Luego está esta pierna. Entonces puedo ver que
esta pierna en la parte posterior está comenzando básicamente desde
el borde de esta puerta Ese es otro
punto de referencia, hito. Puedo mirar este espacio
negativo
aquí mismo y colocar la pata de ese. Puedo ver que la
pata entra en el jarrón justo por ahí
y tiene este pequeño ángulo. Se ve bien. Esta pierna, no la puedes ver
pero termina justo alrededor de este lado de
la caja de lápices. Entonces sólo voy a
rematar esta parte ya que estoy aquí con esta hoja, que casi
le toca el pelo aquí. Ese es un buen punto de referencia. Después poniendo en esta flor. Con una flor, hay algunas formas en las que puedo
hacerlo. Puedo mirar muy exactamente
con donde está la línea. Puedo ponerlo en la forma
general primero. Estás constantemente
midiendo y comprobando, te
unes como una pieza de
rompecabezas y naturalmente, captas
tus errores. Es natural tener muchos de esos errores
al principio y como esta parte del proceso
y la práctica. Simplemente siéntete orgulloso de
ti mismo en realidad cuando atrapes
esos errores. O simplemente imprecisiones generales para que puedas
seguir adelante y
corregirlas y simplemente entrenar
tu ojo para ver cada vez con más claridad
y De nuevo, solo estoy constantemente
mirando hacia atrás y hacia adelante. Este puedo ver este borde está justo aquí en
relación a la puerta Aquí está
saliendo una hojita. Entonces esta hoja está
dentro de la puerta. Ahí está este
pequeño rincón verde del jarrón asomando. Las hojas de este lado o
así en relación con, estoy viendo ¿dónde se sienta
esto a esta flor? ¿Dónde se asienta
esto a este jarrón en esta flor
y luego el uno al otro? ¿Qué ángulo es ese? Definitivamente voy a
estar comprobando estas flores más tarde
porque hay muchas medidas que
pueden ir con su cuerpo Esta flor también. Puedo ver porque la parte superior de su cabeza va a
estar por aquí, entonces esto es en realidad solo un poco
más alto que este, que está todo el
camino aquí abajo y definitivamente más bajo que
la parte superior de su cabeza. Tengo que bajar ese camino. Ahora vamos a llegar a la chica. ¿Cuáles son algunos buenos puntos
de medición? Este pelo que sale hasta aquí. Su cabello formando
este espacio negativo aquí es lo que estoy
viendo ahora mismo. Entonces ahí está este bonito espacio
negativo. Puedo traer el
pelo así. Nuevamente, tratando de no pensar esto como pelo. ¿Cuál
es esa forma? Eso parece un pez, en realidad, un pequeño pez negro. Entonces este de aquí
se ve como el telón. Entonces su cara. Yo sólo voy a llamar a esa
cara para que podamos hacer referencia lo mismo que a
este ángulo así. Entonces su mano
sale así. Entonces en realidad está este
pequeño espacio negativo entre su pulgar y sus dedos traseros. Ahora estoy mirando su
barbilla que le sale un poco por encima de su cabello, así. Déjame ver si dibujé
esta línea correctamente. Entonces puedes ver esta forma
que se está creando desde su cono hasta su cuello. Dibujando en su chaqueta ahora. Puedo ver que el brazo está tan
lejos de su telescopio. Su chamarra sube hasta aquí. Entonces tiene aquí este espacio
negativo. Ponemos en esta forma de sombra. Con puntos de referencia y ángulos, muchas veces también estoy
deseando ver la línea todo el camino
y eso es realmente útil. No necesariamente
pensarías asociar
la apertura de su
chaqueta con el lápiz, pero verás que en
realidad ese es un punto de referencia muy
útil. Eso me va a ayudar a colocar
mi lápiz más tarde también. Estoy empezando a entrar en
los detalles finos ahora, así que estoy viendo este espacio
negativo aquí. En realidad, uso
el espacio negativo como qué, como herramienta de medición. Empiezo a ver que todos estos artículos están realmente
sentados un poco demasiado altos, lo cual es una solución fácil. Pero si no nos dimos cuenta de eso, eso podría convertirse en un
gran problema más adelante. Este globo en realidad es demasiado grande. Es tirar
muchas cosas fuera. La parte superior de la flor ahí dentro. Eso significa que esto va
un poco más adentro. Esa es parte fue
tirar muchas de estas medidas
de flores antes. Estos son en realidad ejemplos
perfectos de cosas a tener en
cuenta, así que me alegro. Ahora eso se ve mucho mejor. Tengo el pequeño
recorte aquí mismo. He visto esto como un recorte. Es el espacio entre
su brazo y su cuerpo. Entonces vea esta conexión entre la cabeza del lápiz en
la parte superior de su axila, así dibujando eso en Eso me va a ayudar a
colocar mi mano dibujando a mano. Mirando esta pequeña
forma que se está creando. No vamos a entrar en los detalles de los
dedos ahora mismo. Eso lo haremos más tarde seguro. Pero por ahora, solo estoy
mirando la forma general, que es como una
cajita, como una roca. Realmente está empezando
a unirse. Sólo tengo algunos detalles más. La izquierda en su cara. Esto es súper complicado, pero muy divertido de dibujar. Voy a ponerlo en las líneas básicas para que pueda darme
una herramienta de medición. Entonces a partir de ahí, se lo
pones en los ojos de ella. Eso está empezando a
verse muy de cerca. Recuerda, puedes comprobarlo
volteando esta imagen. Eso se ve bastante bien. Veamos la superposición.
Bastante cerca. Puedo ver que el globo
aún necesita algo de trabajo, pero muchos de los
elementos tienen razón. El telescopio de aquí arriba necesita
un poco más de trabajo. Si tuviera que tomarme el
tiempo para volver a verificar, debería haber recordado
que debería haberme puesto un poco más por encima de
su cabeza de lo que está aquí Pero en general, este es un gran ejemplo de cómo
puedes usar todas
las herramientas que
te mostré para medir y buscar crear bocetos de
observación
7. Líneas y formas 5: resumen y práctica adicional: Aprendimos mucho
en esta sección. Repasemos un rápido resumen
de los puntos clave que cubrimos. Aprender a dibujar se
trata de aprender a ver. Dejar ir las nociones
preconcebidas nos
permite ver
qué hay realmente ahí Los dibujos se construyen a partir
de líneas y formas, por lo que necesitamos practicar
dibujándolos bien y practicando verlos
en todo lo que observamos. Además de la forma y
estructura de un objeto, es importante
ver su gesto. Todo tiene un gesto, todo tiene espíritu. semana pasada repasamos las ocho
técnicas de dibujo observacional que puedes usar para perfeccionar tu
coordinación ojo-mano y mejorar la precisión
de tus Entonces para continuar con tu práctica, solo mantente en ello. Hacer dibujos en las páginas
de líneas y formas. Hazlos otra vez. Prueba otras imágenes cuando se trata
de dibujos observacionales. Recomiendo practicar
un flujo de dibujo usando el dibujo por gestos y luego las ocho técnicas de
dibujo observacional Puedes usar mis referencias de
dibujo curadas que te he proporcionado o encontrar las
tuyas propias o dibujar de la vida Estas son formas realmente fáciles de
llenar las páginas de su libro de
bocetos, construir su memoria muscular y ayudar a practicar la
atención plena mientras crea Para estudios más profundos
sobre estos temas, consulte mis recomendaciones
en los recursos de clase. Cuando te sientas listo,
pasemos a la siguiente sección.
8. 3: Bienvenido a la Parte 2 de mi clase de bases de
dibujo. En la primera parte
cubrimos líneas y formas, y vimos cómo son
los bloques
de construcción de todos nuestros dibujos. En la mayor parte de
la formación artística, el proceso gigante se
divide en tres etapas. Hay línea, forma y forma. puede pensar en
ello como pasar del trabajo lineal
unidimensional, a formas
aplanadas bidimensionales,
y finalmente a
formas y finalmente a En esta sección vamos a
pasar de líneas y formas,
y hacia el valor y la forma. Tenemos que comenzar con el valor porque eso es lo que
va a llevar a una comprensión de cómo
darle una forma 2D a su forma. ¿Qué es el valor? El valor es lo claro u oscuro es
un objeto de color en una
escala del blanco al negro. Para cada color, hay un valor correspondiente
en una escala de grises. Con el blanco en un
extremo del espectro, y el negro en el
otro extremo del espectro, y todos los tonos
de gris en el medio Si estás intentando
fotografiar o pintar
en escala de grises, estás viendo todos sus valores. El valor también se llama tono. En herramientas de pintura digital
como Procreate y Photoshop, verás la escala de valores
en el selector de color Esa es una manera sencilla de
entender que el valor es una medida de cuánto blanco o negro hay en un color en particular. Al estudiar el valor, estamos
viendo tanto el color de objetos como una
bola blanca y una mesa negra, como las
luces y sombras, como los muchos tonos
de blanco a negro que una fuente de luz arroja sobre la
bola blanca. Valor refiere a
las luces y los oscuros, tanto los términos de la cantidad de blanco
y negro en un color, así
como luces y sombras Aquí hay una escala de valor estándar. La calificación en la parte superior muestra el espectro completo de
cientos de tonos de gris. Debajo hay una escala de nueve valores. Esto se puede desglosar
en etiquetas de sombras, tonos medios y reflejos Observe que a lo largo de
esta sección, no
vamos a estar
tratando con ningún color, solo trabajando en blanco y negro. De hecho, la mayor parte de la formación artística
formal comienza con estudios de carboncillo
y lápiz, y permanece en el dibujo a escala de
grises mucho antes de
entrar en cualquier color en absoluto. Esto se debe a que el color puede distraer de
entender el valor El color se mezcla en tono
y saturación, por lo que puede ser difícil
para un principiante ver el valor subyacente del color. Al enfocarse
primero en el valor y realmente entenderlo sí solo tendrá una comprensión mucho más profunda
del color más adelante, y podrá usar el
valor para guiar el ojo. Es una
herramienta crítica para diseñar ilustraciones
y obras de arte
hábiles,
y para ver tus fotos de
referencia o
ejemplos de la vida real con precisión Ahora hagamos algunos
ejercicios de valor juntos para que puedan obtener una comprensión real
de cómo funciona todo esto.
9. Valor y forma 2: ejercicios de estudio de valor: Lo primero que
quiero hacer para comenzar nuestros ejercicios de dibujo
demo es echar un
vistazo a nuestra ilustración principal y explicar cómo el valor es el
siguiente paso de nuestro análisis. Aquí está nuestra pieza final
terminada y luego
solo entro en ajustes, saturación de
tonalidad. Yo solo traigo
saturación todo el camino hacia abajo y eso me da los
valores que quiero ver. Lo que estoy viendo aquí es, ¿esta imagen es legible? Está mi mirada atraída hacia
donde quiero que esté. Aquí, lo primero que veo
es obviamente el personaje. miramos primero
porque tiene el mayor contraste entre
su rostro y su cabello. También tenemos este
mayor contraste como objeto en general en
comparación con el resto de los ítems. Entonces he agregado
estos valores más oscuros, uno para distinguir las formas entre estos diferentes
objetos y luego dos, simplemente comienza a acercar
poco a poco tu ojo alrededor de
la ilustración. cuanto a los objetos en el costado, he elegido este valor medio para seguir asegurándome de que los
objetos se distingan para que veas que las
flores no desaparecen en el telescopio o en
la caja de lápices, pero claro, también
podría haber creado un contraste mucho más fuerte. Aquí quiero
mostrarte una versión donde hice las
flores un poco más oscuras y si bien eso técnicamente es un
poco más legible, en realidad va en contra de
lo que quiero hacer, que es mantener el foco en el personaje
porque empieza a llegar un poco a
competir en términos de lo que nuestro ojo quiere
ser atraído primero. mí me gusta eso en realidad, hay un menor contraste entre estos elementos
y luego el mayor contraste esto con
algunas cosas más pequeñas que conducen tu ojo alrededor. Eso es lo que
pienso cuando reviso valor y hablaré más de
eso más adelante en la sección. Por ahora, ojalá
entendamos cómo el valor juega en nuestro diseño de ilustración
y arte. Así podremos meternos en algunos de los simulacros para
familiarizarnos con los valores, cómo los controlamos con nuestras herramientas y luego construimos a partir de ahí Ya configuré este papel con estas cajas para ahorrarnos algo de tiempo pero si quieres, puedes seguir adelante y hacer
algunos cuadrados por ti mismo, solo cinco cuadrados
y luego voy a hacer una demostración de tres
tipos diferentes de herramientas. No tienes que hacer los
tres pero si no estás seguro cuál te sientes más intuitivo o con cuál
quieres usar más, podría ser una excelente
manera de probar diferentes cosas mientras
también aprendes sobre el valor Empecemos con carbón. El carbón es uno de esos medios
tradicionales y sorprendente para
aprender sobre el valor porque produce un verdadero negro versus el gris que puede hacer un lápiz de
grafito Siento que este es un muy
buen lugar para comenzar y solo entender y
tener una herramienta muy simple, muy asequible para
ayudarte a entender el
rango de valores. Empecemos con en realidad
la oscuridad más oscura. Sólo voy a
hacer esto lo más negro
posible y
presionando lo más fuerte que pueda para crear aquí
un cuadrado muy oscuro. Quiero señalar aquí que en un estudio de dos valores solo estás
mirando al blanco y negro. Entonces, literalmente, podría ser esto. Estoy usando el blanco
del papel como primer valor y luego este
que es el oscuro más oscuro Si solo estás usando dos,
no presionas tanto hacia abajo. El negro ya
aportará tal contraste, pero esos serían
un estudio de dos valores. Para un sistema de tres valores, solo
quieres crear
algo que sea 50% entre los dos de estos. Una forma de hacerlo es, por
supuesto, solo hacer bocetos aquí y es
solo cuestión de practicar y sentir
el peso de tu mano y cómo el carbón
o cualquier herramienta que estés usando te responde para
saber qué tan pesado o difícil empujar y cómo lograr
ese valor medio Con cosas como grafito,
lápiz y carboncillo, siempre
puedes borrar
y levantar parte
del color que pones si se está
poniendo demasiado oscuro. Esto es un chamoy y también
se le llama chammy,
y Artist shammy Y con esta vergonzosa, en realidad
puedes dibujar con ella también si estás usando
tu dedo y
en realidad es muy útil para grandes estudios y así que
solo usando esto, voy a
empezar a poner mi segundo valor aquí Eso se ve bastante bien. En realidad solo
voy a levantar algo de este carbón que tengo derramando sobre este
para crear mi cuarto valor El cuarto valor,
por supuesto quiere estar 50% entre el tercer
y quinto valor. mí me gusta mucho el
carbón porque casi se siente como
ser un niño otra vez, se está llegando a pintar con los dedos y luego cuando haces estudios de
carboncillo, te sorprende
en realidad lo bien que se ve
cuando estás haciendo estudios de
valor sin
tener que ser súper exacto y eso me parece
bastante incluso Pasemos a la pluma. Puede que no estés trabajando con algo así como un
carbón que pueda crear diferentes
niveles
dependiendo de lo duro que estés presionando. Entonces, en cambio, lo
que puedes hacer es usar sombreado o trabajo de línea para
transmitir los diferentes valores Permítanme comenzar de nuevo
con el quinto valor. Llenado todo el camino
va a ser mi quinto valor. Ahora otra vez, voy a dejar
este primero en blanco como mi primer valor y
luego voy a crear algo en
el medio entre estos, así que solo voy
a usar la
marca [inaudible] para este ejemplo este momento no estoy tratando de
que la línea sea súper perfecta, sino solo para darte la idea, es mejor con bolígrafo para empezar
más claro y luego pasar a una escotilla más oscura si siento que necesito crear
esa diferencia. Ahora voy a pasar
al cuarto. Yo sólo básicamente voy a
duplicar esta cantidad de patchwork. Entonces pasemos
al segundo valor, y en realidad lo
que creo que mi trabajo es simplemente mantener el peso de la línea muy delgado y
extendido. [RUIDO] En realidad
fue agradable hacer la versión carboncillo primero
es una buena manera de comparar y globo ocular si tus otras versiones se sienten generalmente
iguales que esas Con toda esta eclosión, todavía
se ve
significativamente más ligera que esta totalmente oscura. Voy a ir con estos como
mis cinco valores con una pluma. Ahora por fin, quiero
mostrarte unos lápices de colores y lo que está bien con lápices de colores es que
con color [inaudible], que es mi
marca favorita de lápices de colores, básicamente
puedes conseguirlos prefabricados para ti y
tienen uno gris, gris
frío, y
gris francés y solo puedes escoger tus cinco valores y
hacer estudios con Por supuesto, solo puedes usar
el color negro, por ejemplo, y hacer trazos más y
más claros como lo demostré
con el carboncillo. Pero solo quería
mostrarte cómo podría
parecer si solo usas
estos lápices que
están listos para usar y así es como disfruté
usando lápices de colores, generalmente con color, pero
la misma idea de tener un valor oscuro y un
valor medio y un valor ligero. Voy a empezar con
este negro de aquí. No voy a hacer un lápiz grafito
estándar o lápiz
mecánico porque es una idea muy similar
al carboncillo. Simplemente no obtendrás tan oscuro de negro
como puede hacer un carboncillo
pero es la misma idea, solo comenzando con la marca más oscura
absoluta que puedas hacer como tu
primer valor y luego seguir dividiéndolo
en la mitad de camino para tu tercer
valor y luego tu segundo valor y
tu cuarto Lo que realmente me gusta de los
lápices de colores es que puedes conseguir este
bonito negro oscuro y no mancha y estos lápices particulares de colores más
cerosos, los artistas califican unos, mezclan muy bien juntos Trae mucho de lo mejor
de lápices y pinturas de alguna manera, y carboncillo, así que un medio
feliz para mí. Voy a hacer con
el valor medio siguiente, solo para continuar
con nuestro patrón. Este es el 50% gris cálido. Estos lápices están deshechos. Hay un 10%, 20%, 30%, 40, 50, y luego
va a 70 y 90. Déjame entrar en el 20 siguiente. Este es el 20% gris cálido. Elijo gris cálido porque me gusta
más el tono que fresco pero de nuevo,
cada uno tiene su lugar. No hay
razón por la que solo puedas usar gris cálido para
estos ejercicios. También puedes usar gris frío
o gris francés. Si estás tratando de transmitir
diferentes temperaturas, podrías mezclar las dos juntas. Se trata de los cinco estudios de valor. Adelante y tómate un tiempo para terminar el tuyo si necesitas un poco más de tiempo
y luego
pasaremos al siguiente ejercicio. Vamos a continuar con esta foto de referencia que te he proporcionado porque te ayudará a entender reforzando
algo
con lo que estás familiarizado y viendo cómo cada paso se superpone uno
encima del otro. Empecemos por crear un pequeño sistema de valores para nosotros mismos usando
estas herramientas digitales y voy a simplemente probar rápidamente el sistema de
cinco valores Esa es mi oscuridad más oscura. Vamos aquí. Mi cuarto valor. Yo sólo lo estoy moviendo hacia
arriba en la escala aquí. Entonces el blanco de nuestro
fondo puede ser nuestra luz más ligera o
lo que podemos intentar hacer es usar un color tonal Eso es alrededor de mis dos y luego trae el
blanco para que podamos ver
realmente cualquier
resaltado que queramos agregar. De hecho prefiero
trabajar así para estudios de
valor y
eres bienvenido a hacer lo mismo usando papel
tonificado o simplemente en el fondo de tu tableta, si estás
siguiendo digitalmente Entonces en este punto, me voy a tomar un momento
para mirar realmente esta imagen y empezar a planificar de manera anticipada cuáles son los diferentes
valores que vemos. Algunas cosas obvias son
el área de sombra y la apertura del
jarrón son muy oscuras, por lo que esos serían
nuestro quinto valor. Entonces mis brillos más brillantes van a ser definitivamente
borde de esta flor El amarillo
me parece muy claro y luego
bajando por el tallo, ahí hay algo de oscuridad. Cuando estás haciendo estudios de valor, una gran parte de la tarea es
agrupar valores juntos. Por supuesto, de nuevo, como
mencionamos antes, la fotografía tiene
cientos de valores en ella. Para que quede realmente
claro, los estudios de valor necesitan tomar algunas decisiones
a veces donde las cosas
suelen estar en la zona gris, y luego hay que
decidir de una forma u otra ¿qué valor es el más cercano que
quieres poner ahí? Vamos a meternos en ello. Siempre
podemos ajustarnos a medida que avanzamos y crear una nueva capa
para comenzar mi estudio de valor. Voy a comenzar
con mi valor medio. Te recomiendo al hacer
valores que estés comenzando con el
valor medio y luego
entrando en tu oscuridad más oscura
y luego poniendo en el rango de los tonos medios y luego terminando con
los reflejos La belleza de trabajar
digitalmente es por supuesto, puedes deshacer y
crear nuevas capas, pero por mucho que puedas, te recomiendo seguir
las limitaciones de los
métodos tradicionales para que puedas entrenar tu mano para que realmente tome
buenas decisiones en
lugar de confiar
en el botón de deshacer o eliminar También estoy viendo esta forma de
sombra aquí mismo. Eso es muy importante
hacer cualquier mesa desde la pared. Voy a poner un
poco de eso ahí. Con los estudios de valor, realmente
no estás tratando de ser súper preciso
a menos que quieras. Pero el propósito no es
necesariamente ser súper precisos, es solo transmitir las formas y
formas generales que estás viendo. Aquí, la óptica básicamente se
funde con sus sombras, así que las tratamos a
todas como una sola forma. De nuevo, estoy entrecerrando los ojos porque el billy ball en sí es
algo bastante complejo Si miras todos los detalles, pero si entrecerro los ojos y solo miro las sombras
que estoy viendo, definitivamente
puedo
ver la esfera que engloba o
compone los billy balls Yo sólo voy a poner
en la forma del espectáculo. Aquí hay una buena zona donde
estoy haciendo una llamada de juicio. Puedo ver que este tallo
está en el lado más oscuro, pero definitivamente choca contra la parte posterior del billy ball. Voy a decir que
el tallo está más ligero ahí y de vuelta aquí por
ahora estoy usando los cuatro. Podría ser necesario agregar
un poco de cinco solo para
que eso sea aún más claro. Puedes traer ese
cuatro y comenzar un poco más abajo para que todavía
consiga esa parte
del tallo para demostrar
que va a entrar en la pelota en el
frente de nuestra vista. Ahora voy a empezar a
trabajar en lo alto de esta base porque eso para
mi no se ve así. Creo que este tres va
a ser el punto culminante seguro. Tal vez igual que pequeñas
especificaciones que están
entrando para indicar que hay
una luz rebotando ahí. Estoy notando que viene aquí
abajo y es muy agradable indicar
la
forma del jarrón Sólo estoy haciendo unos
trazos más ligeros para comenzar a entrar en esa transición. Definitivamente se puede ver que
hay una parte más ligera en el exterior de este jarrón donde
se refleja la luz. Aprenderemos más
sobre eso en un rato. Tener ese conocimiento también te
ayudará a atraparlo en tu
observación. Voy a añadir un poco
del cuarto valor aquí, sólo para que eso quede
aún más claro. Eso se ve bastante bien. A lo mejor puedo agregar un poquito de la madera verde en este
jarrón fino detalle. Pero quiero probarlo para
que ustedes vean cuánta diferencia,
solo sutiles cambios de valor en
comunicar nuestras formas y nuestros volúmenes porque
nuestras pequeñas cosas que la mayoría de la gente
no va a notar la primera vez que
miren una imagen como esta. Pero una vez que empiezas a dibujarlo, lo
agradezco mucho más. Entonces voy a volver aquí porque
siento que la parte superior
de este billy ball
merece más contraste. Voy a
tapar mi bloque base en líneas que creamos
antes y mira esto. Voy a añadir solo unas piezas de mi
tercer valor encima. Apenas puedes ver cómo
empieza a verse eso, la textura del billy ball. Por supuesto que puedo entrar
aún más en detalle sobre eso, pero quiero guardarlo
para más adelante en esta sección. Observe que cuanto más los
armaré, más ligera no es la zona, puede
que los mantenga extendidos. El cuarto valor que aún
puedes dominar. Trayendo un pequeño toque
de las zonas negras ciertas. Solo agreguemos un
poco de resaltado. Es sobre todo alrededor del borde de este billy ball
que lo estoy viendo. Entonces tal vez podamos
agregar un poquito
al jarrón para simplemente hacerlo pop. Simplemente se puede ver lo poderoso que es el resaltado blanco
por el contraste. Tener este punto culminante
aquí realmente aclara que este billy ball está
frente al izquierdo Lo que me gusta de esto es que
puedo pensar en la forma, que quiero que esta flor destaque. Ese es mi
estudio de cinco valores de un billy balls. Tómate un tiempo para
crear el tuyo propio. Entonces vamos a encontrarnos con un
ejercicio un poco más avanzado con el mismo concepto. Ahora que hemos hecho ejercicio de estudio de valor
básico
con billy balls, con
lo que estamos familiarizados, quiero mostrarte una
imagen más complicada y demostrar cómo
se aplican los mismos conceptos sin importar
cuán complicada
pueda aparecer la imagen al principio. Este es un gran
ejemplo para empezar. Puedes usar guías de dibujo si quieres todo el
bloque y hacer ejercicio. Quiero ir un
poco más rápido a través de este y solo
mostrarte lo rápido que pueden ser realmente
las miniaturas de valor Aquí está la línea del horizonte. Aquí está esta forma
termina aquí abajo. Entonces ahora estoy mirando formas de
sombra. Aquí está este, hay uno
grande aquí mismo. Ese es mi bloqueo básico. Traer esos
mismos cinco valores que estaba usando antes, Sum, baja
un poco el fondo para que
puedas ver más el blanco. De nuevo, voy a
comenzar con mi
valor medio y voy
a poner en mis grandes formas. Voy a entrecerrar los ojos
y voy a ver dónde están mis oscuros más oscuros, donde creo que el tercer
valor es el camión o la camioneta y luego
el cielo y
partes de la carretera son
definitivamente las luces más ligeras,
estoy viendo, entonces todo lo demás Déjame empezar a colocarme en algunas de estas grandes formas
e ir de ahí. Recuerda que los valores
son relativos. Aunque pueda parecer que es un poco
demasiado en contraste, es porque no
hemos puesto el resto de nuestros valores en estos momentos. Voy a poner en
el cuarto valor en siguiente y trabajar en
la oscuridad más oscura para
esta imagen en particular Cuando estoy viendo
esto realmente siento el flujo de la imagen general. Realmente me encanta este barrido. Mientras estoy mirando los valores, definitivamente
estoy considerando
lo que he visto en la foto, pero también estoy empezando a
pensar en cómo exagerar tal vez algunas de estas formas para enfatizar aún más ese
flujo A lo mejor voy a sacar a colación
este un poco. Ahí es donde pueden entrar muchas
consideraciones de diseño, que no tienes que
preocuparte al principio, pero quiero mostrarte
que sería parte de
este paso a medida que comienzas a sentirte más cómodo con la observación, en la identificación de diferentes valores. Todo tiene un gesto, incluso estas formas de sombra. Eso es algo muy agradable de
aprender cuando estás
desarrollando tu diseño. Realmente lo hizo ayuda
a definir el borde. Entonces sólo voy
a seguir poniendo
algunas de estas formas aquí atrás. Este es un gesto muy bonito
de la colina bajando. Hasta el momento se puede ver
que sólo he estado trabajando con dos valores, tres más el fondo. Se parece más o
menos mucho a la imagen. Podría parar aquí es
en realidad un estudio de buen valor. Solo voy a entrar ahora con algunos detalles más para mostrarte la diferencia entre un valor
tristeo y un valor de cinco Déjame entrar con mi
segundo valor ahora. Como dije, cuantos más
valores tengas, más realista se verá. Se puede empezar a ver los formularios que se están sacando a medida que agrego
en este segundo valor. No estoy tratando de
igualar la imagen exactamente para estos
estudios rudos pero estoy empezando a, nuevo volver a pensar el sentimiento general que
quiero dar a través diferentes gestos y
cómo pongo en los valores que fue lo que quiero
enfatizar y
cuáles tal vez quiero
restar un poco. Esta área es en realidad una forma
más grande cuando entrecerré los ojos. Déjame tratar de poner eso.
Creo que eso se ve mejor. Eso tiene este flujo con
esta forma de espalda así. Empecemos a poner en
mis oscuros más oscuros y como la sensación nebulosa
de Solo lo traeré realmente,
en muy pocas áreas selectas. Dibuja un poco el ojo hacia el auto. Mira cómo solo ese
poquito de negro realmente ayuda a que esto se vuelva aún más claro y
estalle y añadimos algo de blanco, lo será aún más. Se puede ver cómo realmente
elegir dónde colocar mis valores para enfatizar o no
enfatizar ciertas cosas. Eso solo empieza a convertirse en una elección artística que
puedes practicar haciendo. Necesitamos diferentes estudios de valor, idealmente la misma imagen. Ojalá puedas ver ahora cómo estos cinco
estudios de valor se pueden aplicar a
dibujos muy simples y luego trabajar hasta dibujos muy
complicados. Son una hermosa manera de
estudiar fotos que
disfrutas y empiezas a practicar aprendiendo a
ver luces y oscuras
10. Valor y forma 3: introducción a las formas: Ahora que tenemos una
comprensión del valor, volvamos a
lo que estábamos
hablando al inicio
de esta sección,
que es cómo el valor
se relaciona con la forma. Recuerda las tres etapas
de nuestro proceso de dibujo pasando de las líneas a la
forma y luego a la forma. Tenemos nuestras líneas
y formas en su lugar. ¿Cómo lo hacemos entonces
para que comunique su forma? Su masa, o su profundidad,
o sus texturas. Todo se reduce a valores
hábilmente colocados. Empecemos
hablando de valor en el mundo 2D versus 3D. En un mundo 2D, el valor ayuda a comunicar en
imágenes grandes formas. También se puede utilizar para
crear un patrón de valor, lo que nos ayuda a utilizar
la distribución de luces y sombras
para guiar el ojo. En un mundo 3D, el valor es lo que
comunica la forma, textura y el volumen de un objeto mediante el uso de
luces y sombras. Cuantos más valores sean, más realista se verá. Hablemos de la forma de renderizado. Recuerda estas
formas que dibujamos juntas en la
primera parte de la sección. Hablemos de
cómo podemos
sombrearlos para que se
vean 3D. Es útil aprender sobre el orden clásico de la
luz para este propósito. Comprender esto en todas
las formas básicas en 3D te
ayudará a renderizar
muchas otras cosas. Este es el
orden clásico de la luz, pero realmente solo necesitas
conocer tres áreas principales, el lado de la luz, la sombra de forma, y luego la sombra proyectada. Pero conocer estos
términos adicionales te ayudará a entender y hablar sobre toda
la gama de luz. Hacer
estudios de valor altamente renderizado puede parecer tedioso, especialmente si quieres
dibujar en un estilo plano moderno Pero hacer al menos algunas te
ayudará a entender cómo ajustar tu estilo para que sea más
plano o más realista. Estudiar un rango de valor y tal vez hacer una escala como
esta para que puedas ver dónde a lo largo de este espectro de planos a realistas que
personalmente te gusta puede
ser de gran ayuda. Por último, un aspecto importante de la forma
comunicativa
que hay que aprender es la textura y el estiramiento. Comunicar que
algo es borroso, lleno de
baches, qué en, o cualquier otra cosa es en realidad
una cuestión de variación de valor Intenta practicar creando una hoja de diferentes
texturas y escotillas para que puedas
experimentar con lo que te gustaría
usar en tu trabajo Algunos conceptos básicos para empezar
son punteado, garabatos, eclosión de
pasto, rayado y eclosión de contornos
11. Valor y forma 4: ejercicios de representación de formas: Hagamos algunos ejercicios
juntos ahora en forma para que
podamos empezar a entender
cómo renderizar formas 3D. Ahora vamos a renderizar una esfera
para que podamos enfocarnos realmente en entender cuánto de un render disfrutamos y
también cómo lograrlo. Voy a empezar dibujando en la línea de sombra central y luego poniendo en
la oscuridad más oscura No voy a ir hasta aquí, sino solo tenerlo para
que
ya pueda empezar a ver la forma de mi esfera. Estoy usando carbón. Estamos demostrando rápidamente
el sombreado porque
puedo mezclarlo fácilmente
con mi gamuza Ahora mismo sólo estoy siguiendo
la forma del cuenco. [RUIDO] También voy
a pensar en lo
más destacado de estar aquí mismo. Voy a darme un
poco de carbón para trabajar. Voy a poner todo
el camino por aquí. Ahora me voy a
llevar mi gamuza. Voy a empezar a mezclarme
en esta zona de sombra central. Está bien si no es
un borde súper afilado. Es perfecto porque
obviamente cuanto más estoy mezclando más estoy
perdiendo la pieza de carbón, así que solo voy a
llevarla hasta arriba y otra vez. Se puede obtener muy
detallado y técnico, sobre todo en el entrenamiento como
atelier, renderizar como una esfera perfecta y crear marcas muy suaves Pero para nuestros propósitos de entrenamiento, creo que este es un gran punto de
partida y
puedes sumergirte en más
detalles si lo deseas. Esto ya se
ve bastante bien. Sólo voy a
empezar a oscurecer ciertas áreas para sacar aún más
el formulario Con el carbón no
estoy trabajando
solo en cinco valores sencillos, estoy tratando de traer todos
los diferentes tonos disponibles. Los cambios en el valor realmente
comunican la forma, la luz, fuerte que es la luz. Las sombras también tienen
sus bordes afilados y bordes borrosos dependiendo de
qué tan fuerte sea la fuente de luz,
dónde se posicione por encima de ella Es por eso que estudiar
desde la vida real es realmente útil
porque empezarás a tener una idea de cómo se
comporta eso en la vida real Quieres afilar tus
bordes con carbón. Tu borrador es
absolutamente una herramienta. Con tu borrador puedes dibujar
prácticamente con, especialmente cuando se
trata de carbón Déjame mostrarte
muy rápido cómo se vería
agregar un poco
de blanco. Como dije, el blanco también
se mezcla igual que el oscuro. Ahora que tenemos algo de
experiencia renderizando una esfera, volvamos a nuestra imagen de referencia de Billy Ball para que podamos practicar
agregando textura. Con este estudio, nos vamos
a centrar en agregar textura. Estudiar la textura es una excelente
manera de observar muchas cosas
diferentes. Un ejercicio que puedes
hacer es simplemente crear unas hojas enteras de
diferentes texturas. Estudiar cosas naturales, solo
plantas y madera y rocas, pero también estudiar tal vez algunas cosas
sintéticas como cómo renderizar acero inoxidable
o cómo renderizar plástico. Voy a empezar con
realmente un color oscuro. Sólo estoy poniendo
mis formas y no estoy tratando de ser súper
preciso aquí. Tu valor más oscuro o tal vez tu segundo
valor más oscuro es una buena manera acercarte
a renderizar este
tipo de texturas detalladas, para cualquier cosa como hojas
y follaje porque sacarlo a la luz es
más intuitivo En realidad es como se estructura
el objeto
si se piensa en ello. Como la oscuridad más oscura está dentro del Billy Ball y luego las luces más ligeras son las
piezas que están saliendo Esta es la esfera
si se piensa en ello. Ahí está esta esfera o
elipse sale así. La sombra central está por aquí. Entonces el área de luz es toda
esta área de aquí arriba. Hay luz que entra desde arriba y luego se refleja
en el piso desde abajo. Pero esta sería
nuestra zona de sombra. Así es como pensar esta esfera como un asunto general. Es algo a tener realmente en cuenta a lo largo de todo el
proceso porque es
fácil perderse en
los pequeños detalles y luego no prestar atención a la
estructura general de la sombra y cómo se
desarrolla el valor en este objeto
que estás observando. Sobre todo
porque es en color, es fácil distraerse con todos los pequeños detalles y luego finalmente casi
te olvidas seguir comprobando tus valores A pesar de que cuando
empezaste esta clase, probablemente miraste a este
Billy Ball y estabas como, eso es un Billy Ball amarillo, flor
amarilla, de un color. Puedes ver que hay un número
infinito de colores, un número infinito de valores que ahora aprenderás
a agrupar en tu
paladar de valor limitado y a ver cuán pocos necesitas
comunicarte realmente con esa textura. Verás que
las partes más oscuras definitivamente se vuelven más gruesas, así que eso es algo que quieres
tener en cuenta así que tal vez extiende estas partes
un poco más y luego mantén estas
partes bastante limpias y apretadas Entonces si piensas que cada uno
de estos son cono, y así también
los estoy viendo aquí es donde la luz les
está golpeando en la parte superior. Incluso tus pequeñas formas principales se
pueden desglosar aún más en formas de hojalata Blanco. Voy a mantenerlo solo enfocado a
esta área y a lo mejor el borde un poco. Creo que con justicia
quieres ser realmente selectivo en donde
quieres llamar la atención Incluso si técnicamente ves el mismo punto culminante en otra parte, el punto culminante es simplemente
realmente poderoso. Ahora ya sabes cómo
renderizar estas texturas. Yo solo seguiría
practicando si esto es algo que quieres
incorporar a tu estilo. Puedes dibujar un pájaro,
puedes dibujar hojas, puedes dibujar flores, claro. Si realmente puedes
bajar esto con solo la escala de grises te va a ayudar mucho más cuando
te metes en color
12. Valor y forma 5: valor para los artistas: Ahora que tenemos una
comprensión básica del valor, profundicemos un
poco más y
hablemos de cómo
nos ayuda como artistas. El valor ayuda de muchas maneras. Pero para mí, la
forma más importante que ayuda es una, permitiéndonos ver
la esencia de una imagen detrás de todos los detalles. [inaudible] ha
ayudado entrecerrando los ojos. Dos, configurando una
estructura de base fuerte para nuestro dibujo. Recordando cómo trabajamos desde el
panorama general hasta los detalles. Tres, nos ayuda a elegir
los colores correctos de los que hablaremos con más detalle en la siguiente sección. Y finalmente, nos ayuda a gestionar nuestras relaciones de color y
luz. Una manera fácil de verificar
la legibilidad de tu dibujo es
verificar sus valores, lo
que puede hacer
convirtiéndolo en escala de grises Si aún es legible
sin color, esa es una configuración de valor fuerte. Cuando estoy trabajando con
mi propia obra de arte
y se
me ocurre algo
original y diferente, tiendo a comenzar primero con el
color y luego lo
verifico con
valores después. Puedo ajustar los
colores según sea necesario, y esto es solo para mí, una forma más natural de
pensar en mi proceso. Para ti, te recomiendo comenzar con estos estudios fundamentales
del vientre, entenderlo
primero, y luego probarlo en ambos sentidos, y solo ver cuál es
el más útil para ti en términos de obtener
los mejores resultados finales También quiero
hablar de describir el valor en términos de claves mayores
y menores. Aprendí este
concepto del maestro construido Perkins en New
Masters Academy, y me parece muy útil
pensar en el valor de esta manera clave mayor se refiere a
las proporciones de blancos a oscuros dentro de toda
la imagen Tecla mayor alta significa que la imagen
tiene principalmente valores de luz, mientras que la clave mayor baja significa que la imagen tiene valores
mayormente oscuros. Clave menor, por otro lado, se refiere al rango de contraste entre los propios
valores. Una clave menor alta significa que
hay mucho contraste, mientras que la clave menor baja significa que no
hay mucho contraste. Se puede ver cómo los
diferentes emparejamientos de
las teclas crean estos
diferentes estados de ánimo, lo cual tiene sentido porque
estas combinaciones tienen mucho que ver con la
iluminación Qué brillante o nebuloso es o no es un
escenario. Otro aspecto a
tener en cuenta hacer
estudios de valor son los pulgares de valor, es que un valle
puede aparecer claro u oscuro dependiendo de qué
valores esté rodeado El mismo tono de
gris puede parecer totalmente diferente
dependiendo de su entorno. Puedes probar esto
por ti mismo recreando esta imagen. Entrenar tus ojos para
poder proceder es ilusiones
visuales
es realmente útil Ahora es tu turno. Vas a tomar
todo lo que aprendimos en esta sección sobre valor y forma y lo llevarás a
nuestro proyecto de clase principal. Comenzamos esta sección
con una discusión de cómo el valor sigue
el
ejercicio de líneas y formas y ahora es tu
turno de hacer un estudio de valor de la ilustración y
puedes verificarlo simplemente
girando la
ilustración proporcionada a escala de grises También solo proporciona eso como una
imagen para que puedas comparar. Para esta,
no voy a hacer un ejemplo vivo solo para que podamos mantener esta clase a una longitud
más manejable, y esto es algo que solo
puedes practicar por tu cuenta y compararla con
las imágenes proporcionadas Los mismos conceptos que te he estado demostrando con los billy balls y estudios de
paisaje son los
mismos en esta situación. Los pocos
ejercicios adicionales que puedes incorporar incluyen vez que termines de poner
los valores que
veas, puedes jugar
ajustándolos para que puedas crear diferentes estados de ánimo basados en las claves mayores y menores
que aprendiste Entonces a partir de ahí, considere
potencialmente renderizar algunos de los objetos en función de las formas
3D que toman. Por ejemplo, podemos
renderizar el globo un poco más y ver si te gusta eso como estilo
más realista. Sé que eso fue mucho, pero espero que haya sido
útil e interesante. Repasemos un resumen de lo que aprendimos juntos
en esta sección. En esta sección, aprendimos, valor es el estudio
de las luces y los oscuros. Comprender los valores
nos ayuda a diseñar arte claro y fácil de
leer o si no lo es, eso es intencional de nuestra parte. Planear el valor es
una herramienta crítica para crear un estado de ánimo y
dirigir el ojo del espectador. Una pintura aún puede funcionar
si los colores están equivocados, pero los valores son correctos. Generalmente no es
cierto al revés. Al estudiar los
valores en una imagen, lo que hacemos para ver más
claramente es entrecerrar los ojos entrecerrar los ojos es una
herramienta de fiar que se enseña en escuelas de arte y libros de arte
profesionales Al dar un estudio de valor, cuantos menos valores, mejor. Una foto en blanco y negro tiene el espectro completo de
cientos de valores. Realmente solo necesitas 3-5
para hacer un estudio efectivo. Se trata de
agrupar valores
relacionados , lo que ayuda a
entrecerrar los Antes de comenzar a dibujar, realmente estudia los valores
y encuentra un patrón que quieras
representar intencionalmente para enfocar el ojo Finalmente, lo más
importante es seguir
practicando a través de muchos estudios de valor a partir de fotografías, la vida
real y otras
obras de arte y
naturalmente comenzará a perfeccionar tu
sentido de la luz y la oscuridad. Cuando te sientas listo, vamos
a reunirnos en la siguiente sección, por fin
hablaremos color y luz.
Te veré ahí.
13. 4: Por fin hemos alcanzado el
color y la luz, que sé que es la parte favorita de mucha
gente. En esta sección,
vamos a estar hablando de teoría básica
del color, relaciones de
color,
cómo elegir una paleta de colores, y ver cómo se une
todo haciendo estudios guiados. Coge tus herramientas y comencemos a explorar el mundo del color. El color es una de las primeras
cosas que aprendemos de niños. Aprendemos sobre los colores
del arco iris son azul océano, son árboles verdes, pero entender el color como
artistas es mucho más complejo. Para algunos, elegir colores y trabajar con el color es intuitivo, mientras que para otros, todo el
proceso es muy desafiante. De cualquier manera, no te preocupes. Comprender la teoría básica del
color puede
ayudarte independientemente del campamento en el
que estés, y traerá una apreciación completamente nueva de
cómo ves el mundo. El color es hermoso y
complicado y puedes pasar toda
tu vida aprendiendo sobre la ciencia y el
arte detrás del color. De nuevo, aquí me estoy acercando a
ella con mi principio 80/20. Te proporcionaré recursos si
deseas profundizar en alguno
de estos temas. En cuanto a qué herramientas usarán, puedes seguir a lo largo de
esta clase con herramientas
digitales o tradicionales. Pero sí quiero señalar que personalmente
he encontrado que aprender teoría
del color es lo mejor con los medios
tradicionales Esto se debe a que con las herramientas
tradicionales, realmente
estás obligado a
pensar en cómo se hacen los colores y realmente sentir lo
que significa mezclar colores juntos. Las herramientas digitales, por otro lado, son realmente geniales
para experimentar con paletas de colores porque
puedes usar todos esos grandes
ajustes a tu favor Por eso voy a estar
usando una combinación de herramientas
tanto tradicionales como digitales en esta sección. ¿Qué debemos abordar primero? La mayoría de las escuelas comenzarían con la teoría
básica del color cuando se
habla de color. Pero personalmente me
pareció útil comenzar por estudiar el color y comprender algunos
matices para
mojarme los pies antes de sumergirme en
los tecnicismos De esta manera, estaba entendiendo
por qué estaba aprendiendo teoría
del color para poder ver mejor el color en la práctica. En lugar de la rueda de colores, comencemos con la naturaleza. Aquí hay una foto de
algunas hojas hermosas. Al principio vemos los objetos
apenas como un color obvio. De niño, pensamos en una manzana
roja, un limón amarillo, e incluso de adultos,
seguimos pensando el mundo generalmente
en estos términos. Pero a medida que realmente estudias objetos, sobre todo con fines
artísticos, empiezas a ver todas estas bellas sutilezas
en Aquí en esta foto
podrías decir, hay una hoja verde, amarilla,
roja, naranja roja, naranja y verde
más oscura,
lo cual es todo cierto. Pero eche un
vistazo más de cerca y vea
cuántos colores tiene realmente cada
hoja. Siéntete libre de
hacer una pausa aquí si quieres algo de tiempo para estudiarlo
por tu cuenta primero. Hablemos a través de algunos de
los colores que estoy viendo. Comenzando con esta hoja
verde en la parte superior, puedo ver muchos tonos de
verde, amarillo verde, amarillo, marrón, verde oscuro, y tonos de gris y tal vez incluso algunos toques de
azul en las áreas de sombra. En esta hoja amarilla, estoy viendo algunos marrones,
algunos marrones oscuros, toques de algunos morados, violeta
rojo y toques
de verde también En esta hoja roja tiene realmente
hermoso color vino profundo, y en las sombras se puede
ver casi llega a negro. Definitivamente hay
algunos estallidos de amarillo, algunos magenta, rojo, y
tal vez incluso toques de verde. En esta hoja anaranjada roja , de
manera similar, hay mucho
amarillo alrededor de los bordes, algunos rojos, y luego algunos marrones y algunas manchas negras que
están cubriendo la hoja Pasando a esta hoja verde
oscuro, estoy viendo definitivamente algunos
marrones y amarillos, algunos rojos En esta hoja amarilla por
aquí, predominan los
amarillos y las naranjas amarillas, pero también muchos marrones Incluso puedo ver algunos toques
de verde en la punta, y traería algunos
rojos en algunos de los detalles. ¿Cuáles fueron algunos de los
colores que elegiste? ¿Eran aún más que
viste que yo no? Esta es una gran manera de empezar a ejercitar tu ojo y
empezar a pensar en
qué colores
estarías usando para crear este tipo de imagen. Nos meteremos en más
de eso más adelante. Pero primero quiero mostrarles esta cita de Winston Churchill “Poco a poco se levantaba el velo sobre mis
ojos y pude mirar fijamente un objeto y ver
lo que veían mis instructores, una efímera mezcla de color” Una gran manera de perfeccionar
nuestra capacidad de ver los colores
verdaderos es haciendo pinturas de
bodegones. Pero hacer estudios de
color observacionales es importante incluso si no quieres
pintar de manera súper realista Desarrollar una
comprensión de cómo funciona la vida
real es cuadrado. A partir de ahí, se puede
interpretar y estilizar. Sin ella, sus dibujos
y pinturas se
construirán sobre bases débiles.
14. Color y luz 2: estudio de plantas: Entonces, unamos estos
conceptos
haciendo un estudio en color
de esta fotografía. Es una gran referencia
para nuestra clase porque es un paso
adelante en términos de
complejidad de nuestros
billy balls y también nos
mueve hacia nuestra foto de dibujo de
referencia inicial. Tiene estas grandes líneas, formas, valores y colores. Podemos reunir todo lo que
hemos estado aprendiendo. Primero quiero hablar sobre nuestros diferentes medios para colorear pros
y los contras de cada uno Quiero pasar un
poco de tiempo simplemente hablando a través de los tres
materiales que más suelo usar y los beneficios e inconvenientes de cada uno. Empezando por el lápiz de colores, porque creo que es
el más fácil de acceder y lo más familiar
porque todos hemos usado lápices de colores cuando éramos niños. Me encantan estos lápices de colores por solo tener algo
rápido y fácil sobre la marcha. Conduce a muchos accidentes
felices y simplemente se siente genial tener
lápiz puesto en papel. Me da estas
grandes texturas y me encanta como resultaron muchas de las
páginas. Fue entonces cuando empecé a usar lápices de
colores mucho más
en mis páginas de cuaderno de bocetos Simplemente tienen esta muy
buena calidad para ellos. Son capaces de mezclarse muy bien y yo puedo experimentar y luego
llevar estas páginas
a mi práctica digital y crear impresiones o
cualquier otra cosa con ellas. El inconveniente es que a veces es
difícil volver atrás. Hay ciertos lápices de punto
y color, si vas demasiado oscuro o
demasiado profundo en un tono, realmente no
puedes arreglarlo. A veces tener esas
limitaciones es algo bueno. Pero para abordar eso, entonces
podemos traer a
nuestro próximo amigo. Esto se hace con gouache, realidad
es gouache acrílico Es tanto acrílico como gouache, que me gusta más que
solo gouache liso Estos son realmente
geniales por tener este acabado extremadamente mate. Es casi como una
pintura digital y
por eso me gusta,
porque realmente puede emular muy
bien
mi estilo digital o viceversa. Pero aún así también tiene
estas limitaciones que me
ayudan a resolver
problemas tradicionalmente. Y pude
repasarlo con estos colores oscuros
y reflejos. No puedo lograr esto
con un lápiz de color. Eso es lo que realmente me
gusta de la gouache. Gouache, por otro lado, no me da esa textura de
lápiz que realmente
me encanta de los lápices de colores y por
supuesto no es tan fácil de llevar
y usar en cualquier lugar Tiendo a gustarme hacer
eso más en casa y luego
lápices de colores afuera. Entonces, por último, tenemos digital. Lo digital es increíble
por poder experimentar con estos
diferentes colores. También ser capaz de traer en mi tradicional mantener esas
texturas y luego crear nuevos colores o texturas y experimentaciones
encima de eso Tienes capas grandes, por supuesto, y puedes
limpiar las cosas muy bien y así que mantenla luciendo muy tradicional o hacerla realmente abstracta. digital tiene
tanto potencial y poder para ello y realmente creo que
es una herramienta increíble. Todavía uso digital la
mayor parte del tiempo. Reunir a estos dos
ha sido de mucha ayuda para mi propia práctica y realmente
creo que
hay pros y contras de cada uno. Yo estaba a la
baja de lo digital, es que simplemente se siente diferente No se siente como si
estuvieras en el flujo
tanto como cuando estás trabajando
con papel y lápiz. A veces el hecho de
que
apenas haya limitaciones lo hace realmente complicado en términos de elegir la paleta de
colores correcta o llegar a las texturas
adecuadas. Todas las texturas
que vienen realmente natural y bellamente con papel y lápiz y
pintura tienen que ser creadas manualmente en digital. Esos son los pros y los contras de los tres materiales que más
me gusta usar. Te animo a que
experimentes con todo tipo de cosas y solo veas lo que mejor te
sienta. Ahora, voy a iniciar la
demo desde el principio. Esto me da la oportunidad de
reunir todo lo que hemos
estado aprendiendo hasta ahora, empezando por el bloqueo y haciendo un dibujo observacional Empiezo con mi lápiz color
melocotón porque es genial para colocarlo
ligeramente y pautas para mi coloración y pintura. Si necesito hacer ajustes, simplemente lo dibujo para
que me entrene a no borrar y también notar donde no
observé con precisión. Mientras estoy poniendo esto, estoy repasando las técnicas de
dibujo observacional que aprendimos antes Realmente estoy prestando atención al gesto de
la rama
general, la forma general del triángulo de este objeto y luego las formas
individuales de las hojas, puntos de referencia de cómo las hojas
se superponen entre
sí y dónde se alinean
con las hojas a su alrededor, directamente hacia abajo
o hacia un lado. También estoy notando los ángulos de los bordes y cómo
se encuentran con la rama, la proporción general
de cuán grandes y pequeñas son las hojas entre
sí y las ramas, y por supuesto el
espacio negativo entre las hojas Una vez que tengamos nuestro trabajo de línea de
dibujo observacional puesto en, continuación voy a
mostrarte un poco de
mi proceso de coloración a lápiz de colores y traer algunos de nuestros
aprendizajes sobre Al principio, podríamos mirar
esta foto y solo pensar, una planta verde, podrías
pensarla como de un solo color. Pero ahora
notarás que hay tantos colores diferentes
que conforman este estudio. En esta etapa, estoy
poniendo atención a los valores y empezando a
notar los cambios de color. Estoy empezando con una coloración verde
media en aproximadamente el 50% del peso de
mi mano. Pero también voy
a necesitar agregar verde
oscuro,
marrón oscuro colores verde
oscuro,
marrón oscuro e incluso índigo y
negro para obtener esas formas de sombra
y cambios de valor. Los cambios de valor son cómo
podemos ver la forma de la hoja donde se pliega
y donde proyecta sombras. También necesito agregar tonos amarillos
y azul-verdosos para
cambiar la temperatura a medida que una luz refleja en los diferentes
ángulos de las hojas Realmente puedo ver aquí cómo
los diferentes greens cálidos
versus unos verdes frescos se ven muy diferentes una vez que
miro más de cerca. Puedes experimentar aquí viendo qué otros
colores notas. El lápiz de color es
intuitivo y familiar. Pero también notarás que
una vez que ponga un color más oscuro, no
voy a
poder aclararlo nuevo solo con lápiz de color Definitivamente hay
pros y contras, lo que ojalá sea obvio
a través de esta demo. Eso nos lleva al gouache. Primero solo estoy
poniendo algunas de las pinturas básicas que
sé que voy a necesitar usar. Si no tienes ninguno de estos
tonos particulares, no te preocupes Siempre y cuando tengas
los colores básicos, podrás mezclar una aproximación
cercana de ellos. Por ejemplo, con el azul-verde, no necesariamente
necesitas tener ese color Se pueden mezclar azul
y verde juntos. Estoy usando la línea de pinceles Princeton
velvet touch, que es realmente genial para el lavado de
acrílico y acrílico Solo estoy coloreando directamente
sobre mi estudio de lápiz de colores, comenzando con este color
amarillo verde porque es la forma de
color más grande que puedo ver. Solo estoy colocando
eso donde quiera que
sienta que noto ese color
en mi foto de referencia. Estoy viendo mucho la
foto
de referencia yendo y viniendo. Esta es solo mi
primera capa inferior. No tengo que ser súper exacto. Tratando de colocarlo en tantos
lugares como pueda notarlo. Los lápices de colores y el gouache realmente funcionan muy
bien juntos. El gouache puede cubrir completamente
las capas. Cubres cualquier error y lápices de colores
o simplemente ajustas las cosas que quieras
cambiar y que no
puedes hacer solo a través de un lápiz de
colores. Puedes ser selectivo
acerca de que las partes con esa
hermosa textura de lápiz muestren a través mientras dejas otras partes con el
mate plano de la gouache Ahora, normalmente no encubro mis estudios de lápiz de colores
con gouache como este pero esta demo
ayudará a demostrar el mismo ejercicio
con este nuevo medio Ahora estoy mezclando el color
verde al traer el azul a mi color verde, agregando un poco de
blanco para aclarar eso. Otro consejo es que
puedes mezclar colores con estas pequeñas navajas
paleta. Lo bueno de
esto es que en cuanto te mezclas con tu pincel, tu pincel se
engorda mucho con mucha pintura y es difícil rasparlo
realmente y volver a obtener un toque delicado y agradable
con la pintura Y así estos cuchillos paleta, uno puede ser realmente
genial para mezclar pinturas porque tiene
esta amplia superficie, y dos mantienen tus pinceles
para pintar en lugar
de mezclar colores. Voy a empezar a bajar
este color donde quiera que
vea ese matiz verde más fresco. Con el gouache,
hay un poco de tiempo donde puedes mezclar los colores pero
se seca rápidamente, así que muchas veces termina sintiéndote
un poco más como colores
separados
lo que puede ser un desafío si estás tratando conseguir un look muy mezclado o un gran beneficio si te gusta ese look realmente limpio
y más digital Ahora que has
empezado a notar las luces y sombras de
los objetos de nuestra clase de
valor y forma, puedes pensar en
los colores principales que ves y cómo están cambiando de
valores más claros a valores más oscuros. Esté atento a ese color que cambia
repentinamente. Incluso sin conocer
ninguna teoría del color o la ciencia de la
luz y la sombra, simplemente
puedes observar lo
que literalmente ves ante ti. Por mucho que puedas intentar aislar un color
que estás observando. Tantas veces pensamos que un color es diferente
por lo que está rodeado
como un gris que se ve realmente verde porque está
rodeado de rojos
realmente potentes. Y vistiendo algunos de los colores en la parte superior
aquí para que puedas ver la diferencia y las temperaturas
cambiantes de cada tonalidad que estoy usando y creando esta pequeña
paleta aquí arriba También es agradable
probar pequeñas muestras, ya sea directamente en
tu estudio o puede tener un poco de
papel rascar a tu lado, es que puedes previsualizar un color antes de ponerlo
en tu estudio Entonces, cuando estés mezclando, realmente
recomiendo
mezclar en pequeñas cantidades primero para ver que esto llegue
a la temperatura correcta. Sólo estoy poniendo
mi color oscuro en donde veo mis formas de sombra. Algo tan orgánico como una
hoja es un poco más complicado porque no hay como
ese borde realmente duro, forma de sombra
clara
que a menudo se puede obtener con objetos hechos por el hombre, pero creo que este es
un gran Solo empieza a ver realmente cómo estos pequeños cambios
realmente pueden hacer una
gran diferencia, y va a ser un
poco delicado acerca de cómo pones diferentes
colores y cómo
puedes volver y colorear
encima de ellos para crear el
efecto que deseas. Entonces sabiendo que estamos empezando a ver tres valores diferentes
en este punto, en general, tenemos este color de sombra realmente
oscuro,
el color amarillo-verde más claro,
y este color verde
frío medio Apenas con tres valores, como hemos hablado
en nuestra clase de forma de valor, ¿puedo crear tanta
definición y forma? Por supuesto, es plano,
pero realmente hace una gran diferencia al pasar
de un valor a tres. Entonces ahora solo
voy a mezclar algunos de mis colores
de resaltado. Ya se puede
ver la enorme diferencia que crea ese valor agregado. Ahora, debido a que el gouache es realmente
opaco y se seca rápidamente, puedo volver a agregar en
colores más claros y reflejos o fijar colores que no
salieron como me imaginaba Esto es realmente útil y se siente un poco como la
pintura digital en realidad. Me encanta lo opaca y vibrante que resulta
la pintura. Ahora estoy agregando algo de amarillo, creando este resaltado más cálido. Entonces agregando este amarillo a esta melena amarillo-verde
que tuve antes, es interesante ver
el ligero desplazamiento que crea haciéndola un
poco más cálida en Ahora solo agrega un resaltado aún más
cálido y brillante. Empiezo a notar
que el contraste entre las partes frías y cálidas de estas hojas se va a sentir un poco demasiado diferente, así que sé que voy a
necesitar armonizar eso un poco más para
avanzar Esto es realmente asombroso
observar cómo estos cambios y la temperatura y el
valor de
color realmente comienzan a sacar a relucir cómo esta
forma está en ángulo, dónde está la fuente de luz y haciendo que toda esta pintura se
vea más dimensional. Ahí también es donde realmente
puedes empezar a tener la sensación de que el color es tan relativo y depende de los colores a los
que esté al lado. Este verde que
se ve realmente genial. Al lado de este
verde cálido puede parecer mucho más cálido si es al lado de
decir un azul o un morado. Y a pesar de
que estos dos greens probablemente pensaste que eran
muy similares cuando
empezaste a mezclarlos
pueden parecer tan diferentes si esas fueran las
únicas dos cosas que intentas comparar. Ahora he creado este color de sombra un poco menos saturado y lo estoy colocando
en cualquier lugar donde vea algo de ese cambio y las
formas de sombra de la referencia fotográfica. Incluso dentro de estas partes realmente
oscuras de un objeto, hay cambios que pueden ser difíciles de notar al principio pero sí hacen esta gran diferencia en términos de cómo se representa la
forma. Notarás que hacer el estudio con lápiz de
color más
un estudio de gouache también ayudó a
reforzar la observación del color Para mí, cojo cosas
por segunda vez que no
noté la primera vez. Y como ya he bloqueado el dibujo con lápiz, puedo enfocarme completamente en estudiar el valor y colorearlo con
mi pintura gouache Realmente me estoy
metiendo en los detalles, definiendo
más la rama y poniendo algunos de esos pequeños
torceduras en las hojas, tratando de realmente
prestar atención a cómo las diferentes hojas
están inclinadas hacia la rama, asegurándome de que estoy
mostrando las superposiciones correctas, inclinándose hacia la
derecha y hacia Bien, así que eso se
ve bastante bien. Decidí agregar
algo de limpieza alrededor toda
la imagen es poner en este tono verde muy claro, tapando todas
mis marcas de lápiz, pero eso no es necesario. De hecho, creo que
se ve genial con algunas de las marcas de lápiz
que aparecen debajo. Esto también
me está ayudando a aclarar realmente mis espacios negativos y
a retocar el borde Entonces ahora estoy usando este cepillo filbert greener de tres octavos de pulgada, lo cual es realmente genial Tiene básicamente
esta cabeza de
cepillo adelgazada y crea
estas pequeñas marcas de escotilla Entonces solo voy a entrar con
mis colores de resaltado. Ahora que has visto
una demo completa
tanto con lápiz
de color como pintura gouache, anímate a que pruebes esto por ti mismo si aún no lo has hecho Mira cómo te gusta usar cada uno y tal vez ver cómo te
gusta usarlos juntos. Ten en cuenta que se
necesita práctica para comenzar a entrar en el flujo
con estos materiales. Mis lápices de colores
puestos en mi escritorio durante años antes de que me enterara de
cómo me gusta usarlos, y mis primeros intentos
con gouache se ven tan planos y
sin vida y tristes que los
puse a un lado por un tiempo antes de volver a
recogerlos Tanto para el gouache como para los
lápices de colores, descubrí que la clave era
comprender los valores, estratificación y la mezcla de colores
para sacarles el máximo partido Por eso primero pasamos de forma
valorada, y ahora vamos a pasar
a discutir la teoría del color. Cuando estés listo, vamos
a reunirnos en la siguiente clase.
15. Color y luz 3: comprensión del color: Ahora que ya hemos probado
ver las sutilezas y el color, hablemos de la teoría
básica del color A medida que nos sumergimos en la teoría del color, quiero
que tengamos en cuenta que al final del día, realmente
estamos
hablando de la naturaleza. El color es parte de nuestra experiencia
natural. Está en todo lo que
nos rodea y en todo lo
que percibimos. Entonces, a pesar de que estos temas se
han desglosado en estos diagramas y estas
tablas y estas teorías, ten en cuenta el contexto del
panorama general, que es que estamos
hablando de la naturaleza y nuestra capacidad para
ver mejor el mundo que nos rodea. Empecemos con esta rueda de colores
básica que probablemente
todos estén familiarizados. Captura los colores que vemos en el
espectro de luz visible que más nos
queda claro cuando
vemos un arco iris. Tenemos los
colores primarios de rojo, amarillo y azul, luego los colores
secundarios de naranja, verde y morado, y finalmente los
colores terciarios intermedios producidos mezclando los colores primario y secundario Algunos de ustedes probablemente
ya sepan que los colores opuestos entre
sí en la rueda de colores se
consideran complementarios, como el rojo y el verde, azul y el naranja, el
amarillo y el morado. Al estar en los
extremos opuestos del círculo, hacen
estallar entre sí cuando se colocan
uno al lado del otro,
haciéndolos complementarios. También tenga en cuenta que cuando los
mezclamos, producimos un color neutro. Creo que ese es un aspecto realmente
hermoso tanto
del arte como de la vida. Entendemos eso en teoría, pero para meterlo en
nuestro inexperto, hagamos una rueda de
colores juntos Ahora hablemos de
estos lápices de colores y cómo vamos a hacer el
ejercicio de rueda de colores con ellos. He seleccionado los
12 tonos que están en nuestra rueda de colores lo
más cerca que puedo con lo que ofrecen los lápices de colores De hecho,
comencemos con solo escribir pequeños
círculos
muy rápidos para que los hagamos. Tenemos 12 tonalidades en nuestra rueda. Lo que puedes hacer es
comenzar con norte, sur, este, oeste. No tienen que
ser perfectos, pero esto será
para que lo rellenes más adelante. Los tonos crean dos círculos
igualmente espaciados entre cada uno para obtener tu 12 Lo que vamos a
hacer es que vamos a poner uno de estos tonos
en cada uno de estos y luego vamos a elegir
un matiz más claro y luego un matiz más oscuro para colocarlo
dentro y alrededor de él Entonces comenzaremos a ver cómo se refleja
la paleta de colores en nuestra paleta y luego
también podremos
mezclarlos en el
lateral de la página. Empecemos con nuestro rojo. Solo entra y
rellena tu círculo. Siempre puedes
hacerlos más grandes o más pequeños después del movimiento
más cercano. Siguiente Estoy teniendo el naranja rojo, que es bermellón pálido 921 Después siguiente teniendo naranja 918. Eso va aquí. La razón por la que no estoy
empezando por rojo, amarillo, azul, y luego mezclarlo en un secundario verde,
naranja, morado, y luego los
colores terciarios es porque con estos
lápices de colores no
van a mezclarse
perfectamente así. Esto ejerce ahora
que entendemos la teoría básica del color de
cómo funciona la rueda de colores, ahora vamos a verla en la práctica
con sus materiales reales. Entonces amarillo-naranja, que
es el sunburst amarillo 917. Ahora pasamos al amarillo. He escogido este
amarillo canario, que es 916. Entonces este verde amarillo, que es nuestro chartreuse 989 Entonces nuestro verdadero verde, que va a ser un poco más azul de lo que
vas a esperar, al
menos de lo que yo esperaba. Ves que están
en el lado opuesto de su
color complementario rojo. Entonces azul-verde que sólo
va a ser aguamarina 905. Entonces aquí tenemos el verdadero azul 903. Si quieres, puedes poner
los pequeños números
al lado de cada círculo si quieres recordarte
cuáles son. Entonces tenemos tonalidad
azul cobalto 133. Ahora tengo violeta 932. Entonces finalmente tenemos el violeta rojo, que he
recogido como morera 995 El siguiente ejercicio consiste en escoger la versión ligera y la versión
oscura de cada tonalidad. Si tuvieras que conseguir un papel de
rascar y solo añadirles blanco y negro a estos, vas a conseguir
algo como esto. Esos no son exactamente los
colores que queremos tener. Algunos de ellos trabajan
en los más oscuros. Pero sobre todo aquí arriba,
esto simplemente no es como las naranjas oscuras que
vamos a querer usar
nuestras ilustraciones Un buen ejercicio es entonces
simplemente pasar por tu
mochila y elegir más cercano que veas para ser la
versión oscura y clara de cada una. Aunque no tengas exactamente los
mismos tonos que estoy usando, solo usa
los más cercanos y esto es parte
del experimento para que veas
qué colores tienes Para el rojo, he elegido rosa
rubor para mi color más claro y luego rojo
carmesí para mi Yo sólo voy a poner
un círculo más pequeño aquí. Entonces con el rojo carmesí, pondré este
círculo más oscuro afuera Hagámoslo un
poco más grande. Realmente no importa. Encuentras que eliges uno
que te gusta, en realidad eso no
resulta realmente de la manera que esperaba. Siempre puedes mezclarte en un color adyacente
más cercano como algo
más profundo o algo más claro para tratar de
acercarte a lo que quieres. Pero esta es una buena manera de
conocer tu paladar. Para el naranja rojo, he escogido el rosa
salmón como mi rojo, 1001 y el rojo amapola como
mi tonalidad más oscura, entonces 922 Continuando en mi círculo pequeño
y haciendo mi círculo grande. Realmente puedes
empezar a comparar y ver cuánto
más naranja es. Mientras que por sí
solo podrías pensar que es rojo puro. Siguiente para naranja he escogido esta tonalidad naranja cadmio 118 y luego esta naranja española
103 para mi más ligera De nuevo, siéntete libre de tomarte tu
tiempo, disfruta de este proceso. Estás aprendiendo sobre todas tus herramientas y cómo usar el color, pero al mismo tiempo creando algo que es muy hermoso. Entonces usaré el naranja
español como mi naranja amarillo
más oscuro. Para este más ligero, voy a probar este color
jazmín 1012. Al lado del amarillo claro, he escogido el
amarillo deco, que es 1011. Entonces para el
más oscuro, elegí vara de oro, que es Lo voy a poner en
este deco amarillo 1011. Entonces la vara de oro,
ese es el color más oscuro. Eso es un poco demasiado
oscuro para mi preferencia. Lo que voy a hacer en realidad es traer el amarillo-naranja, me refiero al
amarillo sunburst porque en realidad siento que esa es una versión de
color más oscuro Eso es amarillo ocre
942 finalmente se está acercando a lo que me imagino que sería un amarillo
más oscuro Ahora pasando a chartreuse. He recogido esta
chartreuse amarilla. Es el número 1004. Puedes empezar a ver ese chartreuse y
el amarillo chartreuse a veces cuando quieres
aclarar algo, no necesariamente
necesitas agregar blanco Es posible que deba agregar su color más brillante
adyacente. Entonces para el
color más oscuro he
recogido el verde primaveral 913 No va a
ser una pareja perfecta. Voy a entrar un
poco más ligero y luego ver si puedo
ajustarlo a partir de ahí. Es un poco más verde de
lo que creo que debería ser. Permítanme traer en verdad
la chartreuse misma. Eso se parece mucho más a
una versión más oscura de eso. Ves mezclar solo
el tono más oscuro o el tono
adyacente en él será
mejor que agregar un negro. Para verde claro he escogido
esto, verde claro 920. Entonces para verde oscuro, he
recogido pasto verde 909. Ahora pasemos
a este azul-verde. He escogido el aguamarina ligera. Entonces para la versión más oscura, he escogido esta turquesa
cobalto 105. Entonces nos metemos en el azul. Yo voy a hacer el cielo azul. En realidad, para el
azul oscuro voy a usar este denim azul 1101 Entonces podría
querer intentar agregar un poco de azul
a la luz azul cielo. Tal vez un poco
metido aquí también. Siempre que estés agregando
tu tono original cualquier color
en el que a cualquier color
en el que
intentes mezclarlo es que
por supuesto empieza a
armonizarlo más Eso ya se ve más bonito. Entonces pasemos
a este violeta azul. He escogido el
color azul del lago, como una bígaro. Entonces para nuestra
versión oscura de eso, ultramarina. Se ve bien. Entrar en nuestra violeta. He elegido la lavanda
como nuestro violeta claro 934. Estoy agregando violeta imperial
1007 como mi color más oscuro. Después para el rojo violeta, escogió esta rosa rosa 1018 Entonces para el violeta
rojo oscuro he escogido este
Dahlia púrpura Eso fue, ojalá, relajante. Es como hacer un mandala. Aquí tienes tu
pequeña rueda de color agradable. Si quieres, puedes
entrar y limpiarlo un poco o paso a
la siguiente sección. Para esta siguiente sección de este
lado, vamos a
hablar de mezclarnos con estos grises neutros
y negros y marrones Puedes escoger cualquier matiz, pero solo escoge uno
de estos principales. Voy a estar
usando hierba verde porque es un color que uso mucho y me sería
muy útil para ver cómo interactúan
con todos estos colores. Yo recomendaría escoger el
matiz que más te guste. Lo mejor es comenzar con uno
que tenga espacio para ser mezclado. A lo mejor no es algo que sea
súper oscuro así. Si vas a
elegir uno de estos, yo elegiría uno en
los colores medios. Voy a empezar
con pasto verde, pero tú eres, claro, bienvenido a empezar con
lo que quieras. Lo que voy a hacer
es dibujar ocho filas de cinco círculos y todas van a
empezar con esta tonalidad verde. Entonces he recogido
aquí un grupo de
cuatro de cada uno de los neutrales con los
que quiero mezclarme Comenzando por estos marrones, tengo beige, ámbar claro, ámbar oscuro y negro Entonces tengo básicamente el 30%,
50%, 70%, y 90% de
cada uno de los grises Si tienes todos estos tonos, adelante y recógelos. Si no, solo puedes
ver la demostración y ver cómo
interactúan entre sí. Entonces en realidad
puedes usar eso y decidir cuáles te gustan más y tal vez solo obtener esos colores específicos,
si no todos ellos. Permítanme comenzar con
los cinco círculos. Todas nuestras
prácticas de círculo y línea serán útiles. Va a haber
ocho filas de cada una, y puedes agregar una etiqueta
aquí en el líder lateral, razón por la
cual se inclina un
poco así Empecemos por realmente solo llenando todos estos
con tu verde. Yo no iría tan duro como eso, pero tal vez como alrededor del
50-60% rellenado, así que nos da algo de
espacio para mezclarnos Siéntete libre de
poner algo de música o un audiolibro y
llenar tus círculos Cuando estés listo,
pasemos a la mezcla. El objetivo es básicamente tener
una versión de claro a oscuro. Queremos ver cómo
podemos lograr los diferentes colores
que realmente queremos. Con este top one,
en realidad vamos a
empezar con el verde. Entonces quiero ver
cómo funciona con poner en un adyacente colores
más cálidos. Voy a poner en amarillo, luego un color
más fresco adyacente, azul. Entonces lo que parece poner en realidad colores
complementarios, así que lo neutraliza pero cómo Después de eso vamos
a poner en nuestros ambers. Voy a poner en nuestro
just u para ámbar y
negros y beiges y luego
haremos nuestros Vamos a hacer gris francés, gris cálido y gris frío. Empezar con el verde va a ser similar a este ejercicio. Es por ello que los lápices de colores
sí tienen una limitación, obviamente con pintura similar o en digital si mezclaste
cada vez más blanco, podrías obtener un color muy claro. Pero con lápices de colores, hay un límite en
cuanto se puede volver atrás. Lo que me gusta hacer
es comenzar con una mano de peso medio y
luego mezclarlo según sea necesario. A continuación, estoy poniendo
un color verde claro. Es darse cuenta de cómo interactúan
esos dos. Este va a
ser mi verdadero verde. Entonces voy a seguir
mezclando en un verde oscuro. Primero voy a
hacer simplemente tal vez como la mitad, tal vez unos 50, 50. Entonces para este de aquí, voy a ir muy
duro para que puedan obtener tanto como sea posible el
verde oscuro. Esos son mis cinco primeros por ahora, mezclando solo en diferentes
versiones de verde. A continuación,
voy a probar el amarillo que en realidad pueda probar
estas diferentes naranjas
amarillas, amarillas y ver
cómo afectan a mi color Voy a empezar
con este color crema. Es uno de mis amarillos
más ligeros, el 914. Entonces veamos si puedo
probar este deco amarillo. Ese fue el uno-cero, uno-uno. Pongamos en amarillo, amarillo. Ese va a ser nuestro amarillo
canario aquí. Se puede ver como
eso realmente empieza a traerlo más a
este color amarillo verde. Y después probemos el ocre amarillo. De nuevo, puedes agregar
los pequeños números en la parte inferior si
quieres hacer un seguimiento. Probemos el naranja español a continuación, y luego por último,
voy a probar vara de oro, es un
amarillo bastante oscuro, Apenas empezamos a
ver la diferencia entre estos verdes más oscuros y qué tipo de efectos
estamos tratando de lograr. Ahora pasemos al azul. Esto va a
enfriar nuestros greens. Entonces voy a empezar
con este azul cielo. Definitivamente da un
poco de menta aquí sensación. Esto es pizarra azul, 1024. Entonces voy a hacer azul verdadero. Empecemos a ver qué tan
diferentes son esos dos. Entonces probemos este azul denim
más oscuro. Definitivamente luciendo como
un azul-verde
bastante genial vez en cuando
probemos el ultramarino, solo como que consigamos ese rango de azul y viendo cómo
afectan todos ultramarino obviamente es mucho más oscuro que estos colores amarillos, por lo que es capaz de acercarlo a su color que
los amarillos Puedes comenzar a aprender
cuánto puedes empujar un lápiz de color a su tono más claro
versus un tono más oscuro. Agregué en rojo,
comencé con el rosa y luego me moví al rojo amapola y
luego al rojo verdadero, rojo carmesí y rojo toscano Se puede ver lo mucho que eso lo
enturbió de inmediato y lo
convirtió en este color de sangre de buey realmente
profundo Y luego me mudé
a los umbers, así que hice beige, claro, umber oscuro
y negro,
y luego los tres Estos son 30%,
50%, 70% y 90%. Sólo se puede ver. Son turnos muy sutiles, pero definitivamente como uno es un gris más cálido y uno
es un gris más frío, y luego el gris francés tiene este otro tinte diferente al mismo. Lo bueno de esto es
que cuando quiero hacer un estudio me puedo referir a esto de cómo llego
a las sombras que quiero. Realmente puede depender si quieres hacer
algo un poco más realista o algo
un poco más estilizado Voy a trabajar más
en este reino, pero es bueno saber cómo
traer los negros y
los grises si quiero acercar
los colores a esta gama Esto es bastante sencillo, pero esto solo cubre
los tonos más básicos ¿A qué me refiero con matiz? Cada color tiene tres propiedades por las que podemos medirlo; matiz, valor y saturación. El tono es probablemente lo que la mayoría de la
gente piensa como color. En la rueda de colores
que acabamos de mirar, los nombres que le dimos a
cada color se piensa
con mayor precisión
como el nombre de su matiz. Ahora, recordemos cómo aprendimos que cada color tiene un valor
correspondiente. Recuerda que existe
ese espectro completo con cientos de valores. ¿Qué pasa con todos esos valores
correspondientes a un matiz en particular? Ahí es donde empezamos a ver versiones
más claras y oscuras de cada tonalidad. Añades
blanco y negro nuestros valores para aclarar u oscurecer un Entonces, al agregar blanco
para aclarar un matiz, se llama tinte Al agregar negro para oscurecer
un matiz se llama sombra. Por último, podemos considerar nuestra
tercera propiedad, la saturación. Piensa en cómo cualquier
tonalidad dada eres más intensa o más apagada o pastel,
así que eso es saturación Estamos hablando
del brillo o intensidad de un color Por lo que 100% de saturación será un tono puro o agregar cualquier valor, ya sea blanco o negro, desaturará ese Ahora que conocemos el
tono, la saturación y el valor, veamos una rueda de color
más completa. Me gusta usar el
disco de color en Procreate, que es la
app digital
con la que dibujo porque el tono está
en el anillo exterior y luego los
controles de
saturación y valor para cada uno de los
tonos está en el anillo interior Compare esto con un degradado más
tradicional en rueda de
colores
donde podría pensar que todos los colores están presentes, pero en realidad el valor se mide en una escala separada
en estos casos. El disco Procreate es
muy intuitivo para mí. También puedes comparar esto con el clásico selector de color
y las herramientas de pintura digital, que cuenta con los tres
controles deslizantes para matiz, saturación y valor Esta podría ser una
mejor manera de comenzar a comprender
los niveles de matiz, saturación, valor en cada
color que elija. Así que hemos hablado de tonalidad básica, saturación y valor, pero un aspecto del color
que es realmente importante, que no está incluido en esa conversación
tradicional es la temperatura del color. La temperatura del color no es una medida
exacta como
lo es con tonalidad, saturación, valor, pero definitivamente
puedes sentirla. Entonces, incluso a un ojo inexperto, puedes sentir cuando algo
se siente cálido o se siente fresco Al mirar estas dos famosas pinturas de
pajar de Monet, cuál dirías que se siente genial
y cuál se siente cálido Esto probablemente te parezca
bastante obvio, pero realmente
piensa en por qué y cómo un artista necesita
transmitir estos sentimientos. A un nivel alto pensamos en
los rojos, amarillos y naranjas como colores cálidos, y luego los azules, morados y verdes como los Pero piensa en cómo dentro de
cada una de estas tonalidades también
hay versiones
frescas y cálidas
de cada una de esas Aquí es donde se pone
realmente interesante. Piensa en cómo puedes
tener un verde realmente cálido, esos suelen ser un
poco más amarillos, y luego un verde muy fresco, que tiende a ser un
poco más azul-verde, y luego ver
cuántos usa una mezcla de rosas y azules para
esta pintura de pajar Si miras este, ¿esto se siente fresco o cálido? Por un lado
parece de invierno, pero también hay rosa en él. Entonces, tradicionalmente, dirías
que debería ser de un color cálido, pero en general, se
siente bastante genial. Poder mezclar estos diferentes tonos junto
con diferentes valores, diferentes temperaturas,
puede ayudarte a lograr el ambiente adecuado que intentas ir Tenga en cuenta que la temperatura
se encuentra incluso dentro de blancos,
grises y negros La misma idea se aplica sobre
hacerlos más cálidos o fríos. Entonces, al agregar un poco
de amarillos y naranjas, obtienes estos blancos más cálidos, y si agregas más
azules y morados, obtienes estos Lo mismo ocurre con los
grises y los negros. Ahora que somos maestros del color, hablemos de
color y luz. Científicamente hablando, el
color es la parte
del espectro de un rayo
de luz que
no es absorbido por el objeto Estamos viendo la parte
que se está reflejando. Entender esto
nos ayuda a procesar lo que estamos viendo cuando estamos haciendo
una foto o estilo de vida. Cuando empiezas a entender por qué un color es más
claro donde una luz golpea un objeto y más oscura y menos
saturada en la sombra, o por qué las cosas se vuelven más
claras y más apagadas en
color cuando está más
lejos o cubierta por la atmósfera es porque menos luz está
llegando a nuestra percepción Este conocimiento
también nos ayudará a crear colores
creíbles
sin referencia Ahora que hemos cubierto los
conceptos básicos de la teoría del color, reunamos todo eso
en nuestro próximo estudio del color.
16. Color y luz 4: ejercicio de teoría de los colores: Ahora vamos
a hacer un ejercicio juntos que yo llamo
el jardín de colores. Al crear estas flores, aprenderemos a mezclar diferentes temperaturas de color
y cómo variar nuestro tono, saturación y valor Aquí están los materiales
que voy a
usar para este estudio de jardín de
color. Tengo mi
aguada acrílica Holbein aquí en rojo,
naranja, amarillo intenso, verde, azul
claro, ultramar
profundo, violeta, blanco
titanio,
siena quemada A continuación, tengo esta pequeña paleta
Masterson stay wet, que es realmente
genial para mantener tus pinturas mojadas durante más tiempo especialmente
algo así como gouache, que tiende a secarse
muy rápido En cuanto a los pinceles, estoy usando estos pinceles de técnica
mixta Princeton Velvetouch,
que me gustan estos pinceles de técnica
mixta Princeton Velvetouch,
que me gustan mucho. Tengo un filbert en Talla 8, un sombreador angular, y un 3/8 de pulgada y luego este
pequeño forro de punto apretado, pero cualquier forro delgado pequeño en
aproximadamente un Tamaño 0 sería bueno Vamos a estar haciendo este ejercicio donde
experimentamos con
diferentes temperaturas de verde para las hojas
y los tallos y luego experimentamos con diferentes tonalidades de la rueda de colores en
las flores de arriba Podemos comenzar con nuestro color verde básico y luego pongo el amarillo profundo por
un lado y el ultramarino el otro así que esto me va a dar mis cálidos tonos verdes y por el otro lado
mis tonos verdes fríos También voy a tener
un poco de blanco para
trabajar si quiero aclarar
alguno de los colores Solo entremos
y comencemos a mezclar ese cálido color verde
que va a ser nuestra primera hoja y tallo. No hay una
medida exacta de
cuánto amarillo y
cuánto verde usar. Realmente es tu
preferencia ver qué tipo de amarillo verdoso cálido
quieres tener He tenido bastante amarillo con mi verde para tener este amarillo cálido y verde muy
agradable. En realidad voy a empezar con
mis lápices de color melocotón Acabo de poner una línea en la parte inferior para que pueda
asegurarme de que todo esté muy bien espaciado y
solo estoy poniendo ROYGBIV,
así que R-O-Y-G-B-I-V para hacer
un seguimiento de qué tonalidad
voy a poner en qué tallo,
así que rojo, naranja, amarillo, verde, azul, índigo, violeta la parte inferior para que pueda
asegurarme de que todo esté
muy bien espaciado y
solo estoy poniendo ROYGBIV,
así que R-O-Y-G-B-I-V para hacer
un seguimiento de qué tonalidad
voy a poner en qué tallo,
así que rojo, naranja, amarillo, verde, azul, índigo, violeta. Ahora solo voy a empezar a
poner las hojas y tallos así que esto podría tomar un
poco de acostumbrarme, pero realmente es bastante natural, solo con el flujo del pincel así que estoy usando el tutor
angular aquí. Podemos lograr un
efecto muy similar con el filbert. Comenzando con el borde cónico, luego empujando hacia abajo para crear
la parte más gruesa de la hoja. Luego, para los tallos más largos, simplemente no empujando tanto
hacia abajo para obtener las partes más
gordas sino aún así obtener un poco de esa variación de
grosor y peso de línea Me gusta superponer un poco los tallos y las hojas
para crear un aspecto natural. Se pueden tambalear las hojas así que algunas son más altas
y otras más bajas Realmente no hay una manera
equivocada de hacer esto. Se supone que es
algo que sea agradable, relajarse es simplemente
hermoso para empezar a ver las hojas y los
tallos unirse. No necesariamente
tienes que tener un plan de exactamente cómo
va a quedar sino algo que simplemente se sienta orgánico y
puedes comenzar a simplemente llenar algunos de los
espacios vacíos con hojas adicionales, un poco
ramificándose de los tallos y solo asegurándote de
que tengan lo suficiente para colocar todos tus
diferentes tonos encima Si quieres, puedes comenzar
primero con un trozo de
papel para rascar solo para que
puedas tener la sensación de estrechar ese ángulo
repasando unos pocos solo para obtener la forma correcta pero es algo que
realmente debería sentirse natural Si notas alguna
mancha que te
parezca un poco en blanco o
quieres engrosar un poco, solo
puedes agregarle un
poco más de pintura A medida que voy bajando la línea, sólo
estoy bajando la
cantidad de amarillo. En el medio, me estoy
poniendo más el tono verde puro
y luego de ahí, voy a estar mezclando
más de blues. Hasta ahora no he hecho
ninguna línea recta así que de alguna manera es, un poco menos desafiante al crear un aspecto más natural. Ya está empezando a
verse y sentirse como si hubiera esta cálida luz solar en los
tallos y las hojas a la izquierda. Me estoy metiendo en esta zona sombreada
más fresca de nuestro bosque o nuestro jardín de
aquí a la derecha Lo que me gusta de
este ejercicio es que lo
pone en estos contextos de
la vida real El verde es una excelente manera de observar
la naturaleza y parece algo que tiene
la luz y las sombras que la
afectan con solo
experimentar, explorar la
temperatura del color dentro del verde No necesitamos
[inaudible] también con esto. Siempre podemos volver atrás y agregar un poco más de color después poner nuestras flores
así que en este punto, pasemos a agregar
nuestras flores de colores. Voy a comenzar con
este color rojo puro. Ahora estoy usando el pincel filbert, y me gusta mucho este
pincel para crear estas bonitas formas de pétalos pequeños Nuevamente, solo usando
la curva natural
del pincel presionando hacia abajo y luego levantando para crear
la forma del pétalo. Mientras
pienso en las flores, solo
estoy variando el
grosor de ciertos pétalos, agregando un
pedal más delgado en el costado para transmitir el borde del pétalo. Lo que estoy haciendo aquí es comenzar con solo el tono puro que sale del tubo de pintura así que
esta es una flor roja. Entonces estoy agregando en blanco para
ver cómo le afecta eso. Me da este bonito color
rosado rosado. Entonces quiero ver qué
pasa si agrego en su color complementario y también qué pasa
cuando agrego en negro. ¿Cuál es la
diferencia de oscurecer ese rojo a través de estos
dos tonos diferentes Esto me está dando
color sangre de buey prácticamente y luego esto es realmente oscuro y el último casi
todo el tono rojo. Ese podría ser un
color que quiero usar, digamos si tengo un área sombreada muy
oscura de un objeto rojo o flor roja, y solo voy
a experimentar con colocar eso un poco en mis flores para ver y
contrastar y si eso
funciona como un color de sombra Ahora pasemos al naranja. De nuevo, solo estoy poniendo
el tono puro fuera
del tubo de pintura para ver cómo
se ve eso y estoy pensando en
amapolas en este punto, así que solo estoy haciendo estos pequeños pétalos
muy bonitos con uno más grueso en el medio y luego
voy a
mezclarlo con mi rojo para
conseguir mis naranjas rojas Estoy mezclando un poco de blanco consiguiendo este bonito color naranja claro. Podría ser un gran durazno, albaricoque, luego probando un poco de negro Eso me da este color marrón que toca la
mesa, en realidad. Probé el color complementario solo obteniendo ese color fangoso realmente
oscuro Ahora pasemos a
nuestros amarillos así que de nuevo, vamos a traer
nuestros tonos amarillos y luego mezclarlo con naranja para
obtener nuestro amarillo-naranja Primero solo estoy mezclando esta naranja amarilla
es realmente más dominada por la
naranja en estos momentos. Mezclando en un poco de negro, mezclando algunos colores
complementarios para ver cómo
oscurece este color Ahora probemos el amarillo puro recién sacado del tubo. Mi papel todavía
tiene un poco de color que no
se lavó, así que se ve un poco
fangoso, pero también bonito Esos son algunos de los accidentes
felices que pueden ocurrir cuando estás
pintando algo que no pretendiste que fuera así sino que en realidad crea un efecto bonito
como este. Parece que
tiene un poco de bonito sombreado y valor para él ahora Así se ve un amarillo aligerado
con algo de blanco. Ahora mezclando en algunos colores
complementarios. Ahora comencemos a avanzar
hacia el amarillo-verde. De nuevo, voy a probar
algunas formas diferentes aquí, pero aun así manteniendo todo dentro la misma idea porque
empecé con un amarillo intenso, me
va a dar
este amarillo-verde más oscuro También puedo agregar un poco de blanco
para aclararlo y luego de ahí podemos movernos
a nuestro verde verde Para éste, voy
a hacer que sea un poco de helecho. Ahora podemos pasar a
nuestros azul-verdes. Empiezo con este azul
claro que tengo. Esto está fuera del tubo
tiene este
azul cielo realmente rico creando las formas de
lirio iris. Ahora quiero ver
e ir hacia atrás un poco de cómo se verá
ese azul mezclado con el
verde porque es realmente hermoso color
azul-verde Me encanta ese color verde azulado. Ahora vamos a
adentrarnos en nuestro blues más profundo medida que nos movemos hacia tus
índigo y violetas. Voy a apagar algunos
de mis ultramarinos profundos. Esto es realmente bonito,
rico, azul medio. Ahora solo estoy haciendo el
ultramarino otra vez, gouache es bastante indulgente
así que resulta ser una forma que no
te amas Siempre agregas un poquito más
o Ahora por fin estamos en nuestro matiz final así que he traído
el violeta y voy a estar mezclándolo primero con el ultramarino y añadiéndole algo blanco porque con violeta, más que cualquier otro color, me parece que necesita un poquito de blanco para sacar más de su color porque verás
cómo se ve la pintura pura Esta es la violeta que sale
directamente
del tubo en
comparación con una violeta que se ha mezclado con azul y algo de rojo y algo de
blanco encima de ella. Vamos a ver realmente
cuánto lo desatura. Tratemos de traer de vuelta algo
de esa saturación. Ahora sólo voy
a mezclar un violeta rojo, mira cómo se ve para que
podamos cerrar nuestro bucle. Ahora solo estoy experimentando con agregar algunos
rosas al final He entrado y le he añadido un
poco de blanco a mi rojo, pero también agregué un poco más púrpura para ver cómo eso afecta las cosas porque
la primera vez que lo
hice, solo lo hice con rojo y blanco. Aquí puedes ver la diferencia entre el rosa todo
el camino en el extremo izquierdo y ese
rosa rosado más profundo que hice al principio Ahora solo puedo hacer
algo de limpieza final, quieres rellenar cualquier espacio
en blanco con tal vez tus colores favoritos o experimentar con un poco más pero ahora tienes
una idea de cómo hacer este ejercicio de jardín de colores
y puedes hacerlo en cualquier momento Es un ejercicio realmente relajante. Solo estás experimentando
y jugando con el color. Ni siquiera tienes que usarlos
todos tal vez quieras
hacer uno que solo se
centre en digamos, rojos y naranjas y
amarillos o todos
los tonos fríos y
experimentar ahí dentro Puedes mezclarlos
y no tenerlos en el orden específico
y simplemente empezar a experimentar con
las relaciones. Hay tantos potenciales, pero al final del día, solo querer que sea
algo relajante,
agradable de hacer mientras se
aprende sobre la teoría del color
17. Color y luz 5: uso del color: Hacer todos estos estudios
observacionales del color es una excelente manera de
perfeccionar tu capacidad para ver el color y entender cómo renderizarlo de
acuerdo con la vida real Pero claro que van a ser momentos en los que
vas a querer crear tu
propia paleta de colores. A lo mejor estás haciendo una pintura imaginativa
original o estás haciendo un estudio, pero quieres abstraer
los colores en tu propia
interpretación de la misma De cualquier manera, ¿cómo
eliges una buena paleta de colores? Aquí hay algunos consejos sobre
cómo abordar eso. Para comenzar, recomiendo
mantenerlo sencillo. Concéntrese en una familia
de colores de cortesía y mantenga sus valores claros. Se puede hacer mucho incluso con
solo una paleta de tres colores. Cuando digo cortesía, me refiero a lo que
estábamos hablando antes. En realidad hay muchas otras relaciones
tradicionales
en la teoría del color. Hablemos de cada
uno de los que están aquí. Hay una
relación monocromática, por lo que al tener un tono con
diferentes tonalidades y tintes dentro de ese matiz,
hay complementarios, por lo que los tonos que están opuestos entre sí en la
rueda de colores como el rojo y el verde, que ya hemos
hablado antes, luego hay una división
complementaria, por lo que un tono más los otros
dos que están igualmente separados de
su complemento opuesto. También hay doble
complementario, tan similar al split complementario pero con
dos en cada lado. Luego hay análogos,
que es una agrupación de tonalidades
adyacentes juntas
como el rojo, el naranja y el amarillo Por último, hay relaciones
triádicas. Tres tonalidades que son equidistantes entre sí en
la rueda de colores cuanto a mí, en realidad
muy raramente pienso mis paletas de colores y estos términos
tradicionales de
relación de color Tiendo a encontrar el color muy intuitivo a la hora de
escoger paletas de colores, no necesariamente renderizando color Que cuando pienso en paletas, realmente
estoy
pensando más en la emoción y los estados de ánimo de
lo que estoy tratando de transmitir Muy raramente uso colores
primarios y relaciones
muy básicas de digamos como el azul, el amarillo y el rojo, pero trato de encontrar versiones más
matizadas de cada tonalidad y combinarlas consecuencia con un complemento
general como
las relaciones cálidas y frescas Cuando hablo de la
emoción y el estado de ánimo de los colores, en realidad realmente
hay todo un estudio de la emoción y la
psicología de los colores. Si bien es subjetivo y
a menudo depende de la cultura, pero aún así hay
muchos patrones que emergen en estos estudios de
cómo las personas perciben el color. Pero piensa en cómo dentro de
cada una de estas tonalidades, dependiendo de qué
versión
se encuentre, puede indicar algo
muy diferente Aunque el verde tiende
a indicar la naturaleza, también puede usarse para
transmitir sentimientos de envidia,
o tal vez dinero, o tal vez incluso
algo asqueroso y
asqueroso, así que algo bastante
diferente a la naturaleza. Lo que recomiendo
es solo estudiar estos conceptos generales de
psicología del color y luego observar tu propia reacción
intestinal a los colores, y usar eso para guiar
cómo seleccionas colores dependiendo de qué es lo que
quieras que transmita tu imagen. Con todo este
conocimiento en mente, el siguiente paso es
solo experimentar. Muchos accidentes felices ocurren mientras se usan los medios
tradicionales, especialmente las pinturas y las herramientas
digitales son una excelente manera de experimentar
con paletas de colores Por ejemplo, puedes
aplanar tu imagen y simplemente usar los ajustes de tono y
saturación para experimentar con cómo
podría verse en tonos
totalmente diferentes y además simplemente salir y explorar Realmente existe esta
inspiración en todas partes. La naturaleza es un gran
lugar para comenzar, pero encuentro mucha inspiración de paleta de colores
en cosas como la
moda y en los objetos hechos por el hombre y la arquitectura Literalmente en todas partes
tiene inspiración, incluso portadas de revistas
y diseño de libros,
quiero decir, podría simplemente nombrar
casi todo, comida, diseño de interiores. Hay tantas maneras de
inspirarse con las paletas de colores. Si quieres comenzar
con una paleta existente, algunos recursos que
puedes usar son, por supuesto,
Pinterest, también hay Adobe Color y
procrea el seleccionador de color. Procreate tiene esta genial
opción donde puedes subir una fotografía o
imagen con los colores que te gusten, y generará una paleta de
colores para ti En cuanto a mí, muy
raramente empiezo con una paleta
de colores establecida de una fuente externa. Por lo general, cuando estoy
creando un dibujo, tengo en
mente una paleta de
colores general porque tengo
un estado de ánimo en mente. Eso es con lo que lidero. Por lo general hay un color
dominante, ya sea
uno más oscuro o uno más claro, y luego lo complemento
con un color cálido o frío. Yo uso muchas armadas
y los melocotones son verdes
más oscuros y naranjas más claras y corales y Personalmente me gustan mucho esas
combinaciones de colores en estos momentos. Dicho esto, déjate evolucionar cuando se trata
de paletas de colores Solía trabajar tanto en este mundo de fantasía realmente azul y
morado. Hace poco me ha
gustado trabajar en más de estos colores
cálidos y naturales, pero estoy seguro que voy a
evolucionar más allá de eso también. Se trata de experimentar y
tocar y de sentir
realmente lo es lo que quieres
comunicar a través de
tu voz artística Te voy a mostrar
algunas demostraciones rápidas de cómo se me ocurren las paletas
de colores Tiendo a
tener personalmente un color con el que me
gusta empezar. Vamos a usar esta naranja durazno. Entonces por lo general me gusta tener unos
tonos diferentes de ese color. Digamos un color más oscuro. Entonces lo felicito
con un color fresco, generalmente un azul o un verde Este es un color que últimamente estoy
disfrutando mucho. Entonces a partir de ahí, solemos tener un color que es como una versión oscura de
eso, así que casi negro. Entonces muchas veces, voy a tener un color de resaltado que
siento que solo agrega un Últimamente he estado viviendo
un amarillo muy brillante, tengo eso como color de acento. Incluso con este, puedes ajustarlo para ver si hay otro
color de acento que te guste. Tal vez un poco más cálido, tal vez un poco más atrevido. Prueba un poco más brillante. Tengo este sentimiento ahora mismo. Pero manteniéndolos en
diferentes capas, puedes usar los ajustes
para jugar con eso. Entonces también puedes
agruparlos, aplanarlo, y luego mantener estas mismas relaciones de valor y
saturación Entonces prueba con diferentes tonalidades y mira si hay algo ahí dentro que
ponga fin a tus intereses O desaturarlo y ver como, oh ¿me quiere eso es un
poco más silenciado o algo que sea
súper audaz Entonces también quiero un
poco más soplado ,
algo un poco más oscuro. Te veré en general,
si vas a ir más ligero, entonces también puedes ajustar el
matiz y la saturación para que coincidan. Por lo general no va
a funcionar solo para cambiar solo
el brillo. Otra cosa genial
es que puedes importar una nueva paleta
a partir de una foto. Digamos que tomas esta foto de flores que
crees que son muy bonitas y luego va a crear una paleta de colores
a partir de esa imagen. Entonces me ha creado esta
paleta de colores. Se puede ver que no es perfecto. Entonces tal vez sea un buen punto de
partida. Pero lo que yo
diría es como, bien, ¿por qué no empiezas
a recoger los colores que realmente te encantan Pero recuerda que una foto
tiene toneladas de pequeños píxeles. Dependiendo de dónde
coloques tu cuentagotas, aunque
parezca que todo es del mismo color, estás obteniendo muchos colores
diferentes A veces lo que voy a hacer
es elegir el color, pero luego
lo ajustaré en función de lo que percibo
que es el color. Este podría ser técnicamente
el color correcto, pero no me está dando el color que
siento que estoy viendo. Voy a entrar y
ajustarlo un poco. Así es como siento que
se ve lo mismo
con este amarillo. amarillo podría ser
técnicamente correcto, pero parece un poco aburrido. Sólo voy a sacar eso a colación. Ahora eso se ve mucho más
cerca de lo que tengo en mente. Entonces puedes
seguir así. Está escogiendo este color. Eso se ve bastante bien. Escogiendo este color y mira, pensaste que esta
era una flor blanca, pero este color por dentro es
esta menta prácticamente. Veamos qué es este color. Esto es como un gris, y estoy seguro que esto
parece una flor amarilla, pero en realidad tiene esto
realmente, muy rojo oscuro, un
poco demasiado oscuro para mí. A mí me gusta ese color. Simplemente dando vueltas y
sacando lo que es que te
gusta de esta foto. Lo interesante es que
solo miramos esta paleta. No sé que
estaría como, oh, esa es una paleta
tan hermosa, pero mirándolos
por completo en esta foto, realmente
puedo ver cómo
puedes hacer que funcione. Tener estos para complementarse
entre sí en su proceso es una excelente manera de descubrir los colores y paletas de colores
que también disfrutan Tómate un tiempo y solo escribe para recolectar paletas de colores
que te gusten Puedes mirar la
paleta de colores real, digamos en Pinterest, o encontrarlos en línea, coleccionar
trabajos de artistas que te gusten o la paleta de colores te
habla. También puedes mirar recortes de
revistas o encontrar
inspiración en fotografías
que tengas en tu
teléfono para comenzar a construir tu biblioteca de qué
combinaciones de colores te A lo mejor es un ejercicio en el que
nunca antes habías pensado realmente, pero solo tienes una
foto que sabes que
te gusta, no has pensado en
mirarla
sobre por qué esos
colores funcionan juntos. Este es un buen momento
para empezar a hacer eso, y puede ser una práctica de
por vida. Pero por ahora, apenas empieza
a mojarte los pies. Estoy pensando en las
paletas de colores que te gustan. Entonces cuando estés
listo, vamos a reunirnos. En la siguiente sección, reuniremos todo esto
en nuestro proyecto de clase
18. Color y luz 6: proyecto de clase parte III: Ahora trabajemos juntos
en nuestro proyecto de clase. Primero voy a hacer una demo de colorear en la imagen
exactamente como se muestra. Ese ejercicio nos
va a ayudar a pensar en la paleta de colores. ¿Por qué los
colores complementarios funcionan juntos? Cómo hicimos algunos
ajustes para crear algunas variaciones diferentes
y algunos intereses, y las elecciones que
tomé en el camino. Para este, eres bienvenido
a intentar mezclar los colores mirándolos
primero y luego
verificándolos con el seleccionador de color Por el bien del tiempo, voy a estar usando
el seleccionador de color directamente para que podamos
enfocarnos en la discusión de la selección de color y la
técnica de la pintura digital En general, estoy
pensando en ponerme las grandes capas de color, formas
tan grandes, y luego trabajar en
detallar al final. En este punto, no estoy
tratando de hacer bordes perfectos pero
entraré después para
limpiar todos los bordes. Para esta sección,
te recomiendo mantener tus colores en
capas separadas para que en la siguiente sección puedas
ajustar cada capa y experimentar con diferentes
paletas de colores fácilmente Ahora bien, vale la
pena hablar de este
color naranja brillante para las flores porque lo recordarás en
la sección de valor, hablé de cómo
elegí a propósito este valor más medio
que estaba cerca los otros colores para
que no
distraiga tanto de
nuestro personaje principal No
pensamos en los valores. Solo pensarías,
bueno, esta naranja es extremadamente distrayente A lo mejor no
habrías adivinado que los valores de los
diferentes colores en realidad
estaban tan unidos entre sí También podría haber
considerado diferentes tonalidades o tensas de la naranja
en las flores. Esa es definitivamente una opción. Podría haber considerado
renderizarlos más. Pero esto está empezando a convertirse en una elección
más estilística de tener estas flores gráficas realmente
planas, mantenerlas todas de un color, y solo tener que sean este bonito marco a su alrededor
en lugar de llamar mucho la atención sobre ellas agregando más detalle y más cambios de
valor dentro de ellas Ya puedes empezar
a ver el contraste entre este
verde fresco que he usado comparado con
estos amarillos cálidos
y melocotones a su alrededor A pesar de que técnicamente en la teoría
del color aprendimos que el rojo y el verde son
los colores complementarios. Me parece que usar los
colores adyacentes puede ser muy agradable. Aquí estoy mezclando calienta
y enfría juntos, pero en vez de rojo y
verde o naranja y azul estoy usando un verde azul
sombreado, y luego trayendo algunos amarillos profundos y
un poco de No me limité a empezar con
esta paleta de inmediato. Sabía que quería que fuera verde y que tuviera algunos
colores cálidos a su alrededor. Pero dentro de esos
tonos y el rango, haría algunos ajustes
de tal vez hacerlo un poco más azul
o un poco más oscuro, haciendo que la naranja un
poco más saturada hasta que
acabo de conseguir
esa relación que estoy buscando Tenemos nuestras capas básicas de
color en su lugar y solo voy a entrar y poner los detalles
de su cara, lo que puede ser realmente desafiante. En la sección de retratos, hablaremos más sobre las proporciones de
fase típicas humanas. Pero incluso sin conocer las proporciones
típicas de la cara, solo se pueden observar y utilizar las mismas técnicas de
dibujo observacional que
aprendimos antes de
¿cómo se alinea todo? ¿Dónde está su boca
en las relaciones dicen a la parte inferior de su camisa, dónde se cruza la v, o dónde está alineada
junto a sus dedos, o la flor al lado de su cara Entonces de ahí
donde se coloca el ojo, ¿cuánto espacio hay
entre esos ojos? ¿Cuánto espacio hay entre
sus ojos y sus labios? Todas esas medidas
que aprendimos en primera clase se aplican
igual al rostro humano Así es como a la gente se
le ocurrieron las medidas
y las proporciones con solo observar y notar patrones Aquí tienes un par de
consejos sobre cómo afinar tu coloración y
tus paletas de colores Lo que encuentro realmente une una
pieza y armoniza una paleta es cuando
las mezclas de manera sutil Esto se basa en la ciencia
de la vida
real del color y la luz reflejados, y también en algo
que personalmente he encontrado a través de la experimentación. Por ejemplo, le agregué este resaltado
naranja a su cabello, es algo anaranjado que se está creando en su interfaz de piel que hace eco del naranja en los
colores de las flores Estas son todas las cosas
que la gente podría no notar en tu ilustración, pero definitivamente pueden
sentirlo aunque no
puedan explicarlo. Otro consejo es recordar que
el color es relativo. El pico puede verse más rojo, quedar rodeado de verde, más pálido si está
rodeado de rojos. Ahí está este gran libro
sobre este tema llamado la Interacción del Color de
Joseph Albers Seguro que has
visto esas imágenes donde un color se ve
totalmente diferente dependiendo de lo que esté al lado y juras que son colores
diferentes, pero cuando los colocas uno al
lado del otro, son realmente los mismos. Es interesante es plano de
una ilustración como esto es. Realmente todavía hay mucha
consideración de los
reflejos y las sombras para traer un poco de esa forma en que realmente
marca la diferencia
entre un dibujo súper plano y algo que tiene este poco casi, apenas perceptible pero realmente importante sentido de
forma y muertes. Podemos limpiar todos nuestros
detalles de esta imagen. Se ve bien. Aprendimos mucho sobre observación de opciones de color
y cuando miras trabajo de
otro artista ahora realmente
puedes
pensar en las diferentes paletas
que están usando, y por qué trabajan juntos, y comenzar a observar
cómo están haciendo sus
técnicas de coloración también También notarás que esta ilustración
probablemente se establece durante el día, o en un área bien iluminada Un experimento que
puedes hacer es traer esas
claves mayores y menores de las que hablamos antes y también todos los diferentes estados de ánimo de
los que hablamos con
diferentes colores Combínalos y
piensa en cómo puedes crear diferentes atmósferas
dentro de esta imagen Por ejemplo, si quisiera que
ella se sintiera más como si
estuviera trabajando en las horas de la tarde del
crepúsculo. Ella está trabajando y existe
este sentimiento realmente mágico. Entonces podría experimentar con
muchos más azules y morados. Solo piensa en diferentes
variaciones a lo largo de esas líneas, ideando diferentes paletas de
colores, solo jugando Una excelente manera de hacer esto si
estás trabajando digitalmente, es solo guardar cada capa y luego ajustar el
color a partir de ahí Espero que eso haya sido súper
interesante y divertido de
experimentar y aprendiste mucho sobre el color
a través del ejercicio. Cuando te sientas listo, reunámonos en la sección de resumen
final.
19. Color y luz 7: resumen: Aprendimos tanto
juntos en esta clase. Y ahora tienes un punto de partida realmente
genial para entender este
aspecto tan importante del trazado de cimientos. Te animo a que
sigas explorando y experimentando y a ver cómo te
gusta trabajar con el color. Por ahora, aquí te dejamos un resumen de todo lo que
aprendimos juntos. Empezamos
hablando de ver el color. Ver el color como
un artista revela todas estas
mezclarías matizadas de color. El color se compone de tonalidad,
saturación y valor. La temperatura es otro aspecto
importante del color. En general, podemos pensar en ello como cuando
te mueves más hacia los rojos en una
rueda de colores, se vuelve más cálido, si te mueves
más hacia el azul, se vuelve más fresco, independientemente del tono del que
estés hablando. El color es luz reflejada, y sin luz, no
hay color. Esto nos ayuda a entender por qué estamos viendo
todos los cambios que hacemos cuando
miras diferentes objetos a
la luz. Estudiar el color nos ayuda a notar estos sutiles
cambios de tonalidad y valor, así como la
luz reflejada y las ilusiones de color Finalmente, al elegir paletas
de colores, comience por mantenerlas simples, armoniosas y apropiadas para el estado de
ánimo Hay muchas
emociones y psicología asociadas con colores
que uno puede estudiar. Cuando estés listo,
pasemos a la siguiente parte. Vamos a estar
hablando de retratos
20. Retratos 1: conceptos básicos de la cabeza y la cara: Bienvenido a nuestra clase de retratos. Dibujar retratos es algo
que es realmente personal y la mayoría de la gente quiere
encontrar su propio estilo para. En esta sección, voy
a estar presentándote el entendimiento básico
que me pareció el más
importante para acercarme a
cómo dibujar retratos, y también las cosas en las que estoy
pensando estos días hacer
estudios de retrato yo mismo. Dibujar el
rostro y la figura humana abarca todo lo que
hemos estado aprendiendo hasta ahora. Habilidades de dibujo observacional, cómo comunicar la forma a través del valor, y realmente comenzar a ver y entender cómo aplicar el color En esta sección, también
vamos a introducir una comprensión básica de la anatomía y las medidas
humanas estándar para que podamos complementar nuestras habilidades de
dibujo observacional con una comprensión de la
construcción debajo Esto también nos va
a ayudar a aprender a dibujar de la imaginación. Dibujar retratos es una excelente
manera de perfeccionar todas tus habilidades de
dibujo. También es algo que la
mayoría de la gente disfruta
porque es tan inmediato a
nuestra experiencia humana. Tener esa comprensión
es que aprenderás en esta clase
te llevará al siguiente paso para poder
dibujar mejor lo que ves que este proceso
sea aún más agradable. Voy a cubrir proporciones
básicas de la cara, referencia de la
parte superior del cuerpo y construcción
básica de manos. También te voy a dar recursos
si quieres profundizar en alguno de estos. Vamos a empezar
con nuestras cabezas
y nuestras caras porque
eso suele ser lo más interesante
para que la gente aprenda primero y además es uno de
los más desafiantes. Cuando la gente
empieza a dibujar caras por primera vez, realmente
se
enfocan en dibujar un ojo, y dibujan esta cara
realmente grande, generalmente en una cabeza diminuta. Pero realmente empezar a
pensar en nuestra cabeza en términos de esas formas que
hemos estado aprendiendo,
la esfera, el cilindro,
las columnas realmente nos va
a ayudar a pensar en nuestras
cabezas como una forma 3D, y también ver mejor las proporciones y
cómo cambian las cosas a medida
que inclinamos
la cabeza. Pensar en todo
esto en términos de estas formas realmente
va a ayudar porque veces cuando la gente simplemente
dibuja un círculo para representar la cara va a ser un poco más difícil comunicar
lo que realmente quieres Empezar con ese círculo básico y luego algún tipo de forma de mandíbula en forma de V o triángulo que
esté unida a eso va a ayudar como
un punto fundamental Entonces vamos a tomar
esa medida de cabeza y luego medir en nuestras características
individuales. Entonces hablemos de construir la cabeza y la cara
a un nivel muy básico. Seguro que ya has visto
estos maniquíes antes, y son útiles para dibujar las diferentes proporciones
del rostro humano Pero quiero hablar
un poco sobre lo que personalmente me
pareció realmente útil hora de estudiar anatomía y cómo pienso en
dibujar la cara. Una cosa que me parece muy
importante es solo
pensar en formas en el espacio. Entonces puedes pensar en la cabeza
como una esfera, básicamente, y ahí está este escudo
que es nuestra mandíbula y nuestro frente de boca y por supuesto estos
no son del todo proporcionales, pero puedes pensarlo
como este escudo que cubre esta esfera o
parte en forma de huevo de tu cráneo, y entonces puedes pensar en
nuestro cuello como este cilindro, entonces este escudo y esta esfera sentados
encima de un cilindro En términos de construcción real, estoy seguro que has visto
muchas formas diferentes de construir la cabeza. Pienso en ello más o menos
como una forma ovalada que está
hecha de este círculo superior
con la línea de mandíbula incorporada. Las mandíbulas más delgadas tienden a
representar rasgos femeninos mientras que las mandíbulas más anchas tienden a representar rasgos
más masculinos Pero realmente es cuestión
de comenzar a observar a diferentes personas y ver
cómo te gusta dibujar mandíbulas. Pero se puede pensar en
ello como salir de las sienes y luego encontrarse ya sea en
una forma puntiaguda
en la parte inferior o una forma
engastada más ancha, un poco más redondeada. Se puede jugar con todas estas
diferentes formas para la mandíbula. Ahora, sólo voy
a empezar a rellenar estas formas con algo de color ahora que ya has visto las líneas
básicas de construcción. Entonces tengo la forma de mi cabeza. Y el cuello sale por debajo
del cráneo, pero es importante
asegurarse de que no sea demasiado delgado. Para las hembras, tiende a entrar un poco entre
el mentón y la parte externa de
la mandíbula y
para los hombres está un poco más cerca de los
outsets de la Entonces en cuanto a cómo comenzar
a colocar los rasgos faciales, la medición de
la cabeza
es la forma más común medir las proporciones de la
figura. Entonces esta es una medida de cabeza y
dentro de esta medida de cabeza, hay varios hitos
importantes solo para que puedas comenzar a
tener un punto de partida. Entonces tenemos este
punto medio para tus ojos, y luego ese es solo el punto
medio
entre la punta misma de tu coronilla de
tu cabeza
hasta tu barbilla,
y luego la marca a mitad de camino entre tus ojos y
tu barbilla va a ser
la parte inferior Entonces puse eso como un cuarto. También podemos pensar como
otra mitad de la mitad, y luego entre la
nariz y el mentón y otra mitad o un octavo está pasando por la
parte inferior de tu boca Otra medida útil es
tener en cuenta que las
orejas tienden a caer entre la parte inferior de la
nariz y la parte superior de los ojos Entonces para colocar
algunas características más, comenzamos a
mirar la línea del cabello Entonces piensa en que la parte superior de la cara está en la
parte superior de la cabeza, y luego rompe eso en tercios. Entonces el tercio superior va a ser sobre dónde está tu frente, y el tercio inferior va a
ser donde está el fondo
de tu nariz,
y se alinea perfectamente con esa marca de cuarto que
hicimos para la parte inferior de la Entonces es una buena manera de
verificar dónde
tiende a estar la parte inferior
de tu nariz Entonces esas son las medidas
horizontales, pero también hay algunas buenas medidas estándar
verticales que son útiles para reproducir algunas de estas características desde un punto de vista
vertical. Entonces los ojos tienden a estar espaciados alrededor de otro ancho de
ojo. Entonces solo estoy dibujando en
una medida de ancho de ojos. Los bordes de la nariz
tienden a caer justo alrededor de donde están las comisuras
de los ojos. Algunas personas son un
poco más estrechas, algunas personas son un
poco más anchas, y luego el borde de la boca
tiende a caer entre la comisura de tus ojos y luego el
borde interior de tu pupila Así que un poco más lejos
de tu nariz. Encuentro que todas estas
medidas son realmente útiles
para tener en cuenta. Entonces, solo para revisar, tenemos el ancho de los ojos al que estamos enfrentando las
medidas de la cara. El puente nasal en la
parte superior de la nariz tiende a caer entre el ojo y
la ceja El punto medio
es un lugar seguro, pero a veces encuentro que algunos puentes están
justo entre los ojos El ancho de la nariz, nuevamente, es aproximadamente del tamaño o
el ancho de un ojo, y el ancho de la boca es
solo un poco más largo. Entonces eso de nuevo, es
algo con lo que puedes jugar porque
diferentes personas tienen bocas de
diferentes tamaños Pero encuentro una
medida cómoda tiende a ser
como justo entre la esquina interior y la parte
interior de la pupila Entonces esas son tus medidas
básicas cuando miras
directamente a una cara. Ahora hablemos de estas mismas medidas
exactamente desde una vista de perfil. A partir de un perfil, de nuevo, es útil comenzar
con el círculo. Tiendo a encontrar que
en realidad nuestros cráneos son un poco más en forma de huevo
como formas ovaladas Entonces, si quieres, puedes
agregar un poco de protuberancia fuera del círculo,
pero el círculo es
un gran lugar para comenzar y luego tienes la mandíbula, que conecta justo en frente
de la parte inferior de la oreja. Y claro que nuestras
caras no son tan planas. Entonces esto es solo
medir la línea recta que va por tu cara, no considerando tu
nariz y tu boca, sino que podemos colocar en esas
formas que sobresalen. Entonces, nuevamente, vemos la marca
a mitad de camino con los ojos, las orejas entre los ojos
y la parte inferior de la nariz, que está a medio camino
entre los ojos
y la parte inferior de la barbilla,
y luego la parte inferior de la boca
entre la
marca de la esquina y la barbilla Entonces otra vez, sólo
voy a colorear en esas formas para que
podamos empezar a visualizarlo en términos de nuestro óvalo sentado en la parte superior de nuestro
cilindro del cuello. Y entonces aquí
empecé a simplemente colocar algunas
formas muy básicas para indicar a dónde van todas las
características y esto ya
es realmente útil mapa. Entonces tengo esta barra básicamente para mis cejas y luego estas pequeñas
formas ovaladas para mis ojos. Una forma triangular para
la nariz que sale, y luego una
forma de corazón para los labios. Y solo es importante
estudiar a personas de la
vida real o a partir de fotografías. Empezarás a ver cómo hay
ese ritmo de la cara. Entonces esa es la cabeza de perfil. Ahora hablemos rápidamente
de la cabeza en una inclinación. Así que de nuevo, queremos
pensar en nuestras formas en el espacio, y por
eso fue de gran ayuda
para nosotros pensar en la
esfera y el cono y el cubo todo en el espacio en
nuestra primera clase juntos. Así que también es muy útil dibujar
a todos esos en perspectiva porque entonces
puedes empezar a
pensar realmente en, bien, si mi cara estaba aquí en esta esfera e
inclino esa esfera, cómo va
a afectar eso a todas esas diferentes
características que he colocado en la esfera. Entonces, por supuesto, se distorsionan
en el ángulo de perspectiva correcto y así solo quieres comenzar a visualizar si esa esfera está girando en el espacio
y mirando hacia abajo, entonces vas
a querer inclinar todas esas características junto con ella Entonces aquí he
vuelto a colocar
en mi punto de mira para mi línea básica de ojos
y centro de la cabeza, solo para poder empezar a
visualizar esa inclinación, y luego pongamos esas mismas medidas
encima de la Entonces aquí están nuestra parte superior de
la cabeza hasta la barbilla. Entonces otra vez, piensa en dónde está
esa parte superior de la cabeza sobre una esfera. No está en el borde
del círculo que hemos dibujado, va a estar en el medio, y entonces la barbilla
sigue en la parte inferior, pero ahora está en ángulo. Entonces cuando empezamos a colocar
en nuestra medida ocular,
nuestra medida de nariz y
nuestra medida de boca, esas necesitan estar un
poco más sesgadas en el eje vertical para
que empiece a bajar más a medida que
la cabeza se inclina Entonces, obviamente, solo
lo dibujamos como se ve recto, entonces no parecerá que
la cabeza está mirando hacia abajo. Así que aquí he colocado
en estas características nuevo en base a esta medición. Entonces los ojos están
a lo largo de esta curva, estamos mirando hacia abajo y
luego tenemos la nariz, que si
lo piensas como un cono que apunta hacia abajo
o esta pirámide, está cubriendo en realidad donde el fondo de la nariz
está sentado en la cara, la punta de tu nariz
va a estar cubriendo eso. Así que la parte inferior de tu nariz en realidad
va a estar un poco
debajo donde
podrías ver la punta de tu nariz. Y de manera similar para la boca, el mentón va a parecer
más pequeño porque ahora se está inclinando lejos y
hacia abajo de tu vista Entonces todo esto es para
enfatizar realmente que
queremos pensar nuestra cara como esta forma que está
en el espacio y que está inclinándose hacia abajo o hacia arriba dependiendo en qué dirección esté mirando tu
personaje [inaudible] o para colocar en
algunas de las características sin las medidas y realmente
estoy
pensando en cómo está sentado
encima de una forma He puesto esta
línea del cabello y
realmente está envolviendo
la esfera de la cabeza Cuando empiezo a
pensar en el cabello, sigo pensando de nuevo
en envolver una forma. Entonces, aunque mi
estilo es muy plano, todavía
puedes transmitir cómo se
envuelven las cosas formadas
como una simple curva, como cómo le va el pelo
alrededor las orejas y esta es la parte
posterior de su cabello, y también lo puedes ver en nuestra imagen de demostración de
clase, porque la forma en que su
cabello se curva en su frente realmente indica cómo se
envuelve alrededor de su forma. Entonces puedes jugar con
diferentes peinados e intentar agregar capa
en la parte delantera y
podrás empezar a ver cómo esto
afecta la sensación de profundidad. Aquí tenía justo
este
marrón de valor más claro donde está demostrando
que está frente su cara y le estoy
tapando las orejas y solo
puedes experimentar con diferentes peinados de aquí. En una vista de perfil,
es idea similar, tener esta pieza de pelo en
la parte posterior que está en sombra, así que es un poco más oscura, y luego la pieza en la
parte delantera donde ahora la he puesto sobre su oreja que es un
poco más clara, podamos empezar a
sentir esa profundidad nuevamente desde la vista lateral. Con el pelo, realmente
quieres pensarlo como este trozo de tela
casi nuestra forma que se envuelve alrededor de la
forma de la esfera de la cabeza y no como dibujar pequeños
mechones de cabello real. Otra
pieza útil de anatomía para conocer es que muchas
veces tendemos a dibujar el cuello como ya sea como
estas curvas abocadas o simplemente como un
cilindro recto hacia arriba y hacia abajo cuando es una
combinación Entonces la forma en que es nuestra anatomía, es que tenemos nuestro cuello es
más como un cilindro, y luego tenemos estos músculos
trapecios que están saliendo en esta forma de triángulo desde para formar los inicios de
nuestros hombros del Aquí solo estoy haciendo
una demostración muy rápida de cómo
se ve la estructura
esquelética básica para la cabeza, tenemos nuestro cráneo, que es realmente más una forma de
huevo como mencioné, tenemos nuestro hueso maxilar que conecta justo debajo
del canal auditivo, que está en
medio de todo, y luego finalmente
la médula espinal, el cráneo en su
base en la espalda. Entonces esto es muy sencillo el
conocimiento puede comenzar a
ayudarte a visualizar el
funcionamiento inferior de una cabeza Y lo beneficioso de
eso es más cuando quieres
construir tu propia
pose en tu propia cabeza, solo
entiendes por qué
ciertas cosas están en ángulo o cómo ver
las cosas en perspectiva. Si estás estudiando
puramente a partir de, digamos, un estudio de la vida real
o una fotografía, no
es tan crítico
que conozcas la estructura
esquelética subyacente Pero sigue siendo útil tener ese conocimiento
porque en realidad llenará algunas de esas brechas visuales e ilusiones de las que hemos estado
hablando todo este tiempo Entonces esa es la cabeza y la
cara a un nivel muy básico, mirándola recta sobre y de
perfil en diferentes ángulos. Por lo que recomiendo tomarse un tiempo para practicar algunas de
estas medidas usted mismo. Tal vez cree sus propios gráficos y luego podamos pasar
a la parte superior del cuerpo.
21. Retratos 2: conceptos básicos de la parte superior del cuerpo y las manos: Ahora hablemos de
las proporciones básicas de la parte superior del cuerpo. Por supuesto, tenemos la
figura completa y eso se puede desglosar en nuestras medidas
típicas de cabeza. Un nivel muy alto, solo
quiero mostrarte
cómo es eso. La persona promedio
tiende a caer en 7-8 medidas de cabeza y por supuesto, tenemos estos
maniquíes que pueden mostrarte estas
proporciones también Para esta clase en particular, quiero centrarme en los
retratos y solo enfocarme en la parte superior del cuerpo. Estamos viendo las
tres primeras medidas de cabeza, comenzando desde la corona
hasta la barbilla, hacia el pecho y la cintura. Usar la cabeza como medida es una forma muy común de
hacer proporciones humanas. También hay otras
formas de hacerlo, pero me parece que la cabeza
es una de las más útiles y la que más
pienso. Echemos un
vistazo más de cerca a la parte superior del cuerpo. He configurado su
pose para reflejar algo nuestra ilustración de héroe para que puedas ver una por un ejemplo. Otra medida útil es que la cintura está justo alrededor de donde está
tu codo e incluso si quieres tomarte un
momento para apretar los codos y ver dónde
cae a lo largo de tu cuerpo, verás que
esos dos puntos de referencia son otra buena medida
útil Ahora, cuando empezamos
a pensar en las formas de nuestros torsos Para las hembras,
tendemos a pensar ellas tal vez como un óvalo o un rectángulo un poco más estrecho y luego para los hombres tendemos
a tener hombros más anchos. Me voy a quedar aquí con la figura femenina y
tendemos a medir
el ancho de los hombros a aproximadamente una longitud de cabeza y media No siempre hago esto de una manera muy
específica como en realidad
mido uno y medio, pero solo asegurándome de mantener
esa silueta general de cómo el ángulo de la cabeza baja a Solo hay que tener en cuenta que
por encima de los hombros, podemos pensar en las articulaciones de los
hombros como estas dos formas ovaladas. Tenemos nuestro cuello y luego los músculos trapecios
saliendo casi como una percha No es un ángulo recto hacia arriba
y hacia abajo de 90 grados desde nuestro cuello
hasta nuestros hombros. Desde nuestros hombros es
útil pensar nuestro torso y esta forma
trapezoidal Entonces la cabeza es una
buena medida para algunas partes más importantes
del cuerpo aquí. Nuestra parte superior del brazo y nuestra parte
inferior del brazo tiende a tener aproximadamente una
longitud de cabeza y luego desde detrás de nuestra muñeca hasta la punta
de nuestras manos tiende a ser otra longitud de cabeza larga. De hecho, también puedes verificar
todas estas medidas en ti mismo. Es útil pensar en
todos estos hitos básicos de la parte superior
del cuerpo en términos de estos óvalos articulares
que están conectados por cilindros y cuñas
y trapecios Esos son los fundamentos
de la parte superior de su cuerpo. Pero echemos un
vistazo más de cerca a las manos. Aquí he creado una plantilla
realmente sencilla para empezar a
pensar en las manos. Nuevamente, estamos usando la cabeza como medida y lo que
realmente ayuda en términos de proporciones es que podamos pensar nuestra mano está a
la altura de nuestra cara. No la parte superior de la
cabeza hasta la barbilla, sino nuestra línea del cabello hasta la barbilla Nuevamente, claro que cada uno tiene manos de diferentes tamaños y
este es el punto de partida, es una excelente manera de tener una herramienta de medición
para que se vean al menos
generalmente correctas. Ahora
pensemos en el dorso y el frente de nuestras manos. Aquí he usado tres
valores diferentes para que podamos ver cada parte principal con
claridad y la he trazado con una
vista posterior
que muestra dónde están
los nudillos y mostrando un poco de las yemas
de los dedos Ahí está ese golpe desde nuestro dedo
índice hasta nuestros pulgares. Entonces en los propios dedos, también se
puede
descomponer eso en dos medidas. Aproximadamente la mitad de tu dedo medio y luego puedes notar que
tu meñique comienza cerca la mitad de tu
dedo medio así que esa es una buena manera hacer un seguimiento de cómo tiende a verse
el arco natural Otra cosa que me parece importante tener
en cuenta es que nuestros nudillos están más abajo en nuestra palma de lo que
muchas veces la gente Algunas personas tienden a dibujar sus nudillos en el
mismo borde de la palma, pero es un poco más profundo
si miras tu propia mano Entonces del otro lado, está este ovalado
o pienso en casi como
un músculo en forma de huevo que
tenemos frente a la palma Tenemos nuestras tres secciones
principales. Tenemos los dedos, la palma, y luego el área del pulgar. También podemos desglosar esto
en dos medidas. Una es la longitud
de los dedos, ya que estamos aproximadamente a lo
largo de tu palma, así que eso es uno y dos. En cuanto a las
formas de nuestras manos, realmente
puedes
pensar en la palma como esta forma de cuña
rectangular flexible Cuando lo miras
desde el perfil, realmente
puedes pensar en
aquellos como la forma de tope de puerta de plataforma Entonces esta forma de pulgar
muy flexible, como este huevo que puede envolverse en la parte delantera o
salir a un lado y luego este músculo bajando por el pulgar puede ser un muy
buen punto de referencia para poner Comenzar a romper sus manos
en formas es realmente útil si empezamos a
pensarlo en el espacio. Al igual que estaba
hablando con la cabeza y la esfera y el
cilindro y la mandíbula, nuestra mano también se puede
descomponer en estas formas
constructivas. Tengo básicamente esa forma de
cuña de la que estaba hablando para
la palma y tenemos una pieza para el pulgar
en nuestro nudillo pulgar, y luego las tres secciones de los dedos individuales así dos articulaciones que se doblan en Solo tener esto
en mente te va a ayudar a pensar mucho más claramente en la
mano. Bueno, si quisiera voltear
mi mano hacia un lado, cómo sería eso y empezar a visualizar cómo esas
formas empiezan a solaparse, cómo esa forma de cuña
puede comenzar a doblarse, y cómo hacemos un poco
de superposición de los dedos. Entonces con puño y piénsalo casi
como una roca al principio. Tienes estos lados de tu puño que se
parecen mucho a una roca. Pero luego también pensando en términos de las formas que
discutimos, entonces tienes esta forma de cuña y luego tus tres cilindros
de tus dedos se
clavan en eso y luego tu puño se
envuelve alrededor de eso. He reflejado el lápiz
sosteniendo el puño que tengo en nuestra ilustración y
apenas empezando a descomponer eso en
cómo se ve eso Si miráramos a través de
los dedos y vemos el borde de la
cuña de la palma, veríamos la forma de
huevo del pulgar en la parte posterior, y luego vemos la parte superior de nuestros dedos y luego hacer
que se curven hacia adentro. Por último, solo quiero
hablar rápidamente sobre la ropa en el cuerpo. Cuando estás secando la ropa,
quieres pensar envolver la forma del cuerpo. Eso es muy crítico,
aunque estés dibujando en un
estilo realmente plano como el mío. Cuando tienes ropa como si vas por el cuello, así que es muy similar a lo que estaba hablando
con el pelo. quiere pensar
en ello como esta forma que está envolviendo la
esfera de la cabeza. Quieres
pensar en la ropa como realmente envolviendo la forma 3D, aunque solo estés
transmitiendo un aspecto muy plano. Si piensas en,
por ejemplo, la manga aquí, cómo se envuelve alrededor la parte inferior del brazo y realmente
transmite esa forma Lo mismo con el
codo del otro lado. Estas diferencias muy sutiles en comparación con solo dibujar una línea
muy recta son realmente importantes para comenzar a mover tus habilidades de dibujo de
algo que se basa en realidad y luego estilizado
versus algo que no
tiene esa comprensión raíz
de la anatomía básica Entonces en términos de transmitir algo de primer plano en valores
muy simples puede marcar una gran diferencia. Incluso aquí
solo tengo dos valores, pero hay un resalte y
una sombra y eso ayuda a aportar un poco más de
realismo a la ilustración. Si lo deseas, te
recomiendo que te
tomes un tiempo ahora mismo
para crear tu propio mapa de los hitos básicos y las medidas de
la parte superior del cuerpo y combinarlo con los de
cabeza que hicimos antes y luego
cuando estés listo, pasemos a la
siguiente sección donde
demostraré cómo me gusta
hacer un estudio de retrato.
22. Retratos 3: Demo de estudio retrato: De hecho, he encontrado
esta foto de referencia en Unsplash que está muy cerca de la pose que creé para nuestra
ilustración de proyectos de clase Creo que este es un buen ejemplo para
demostrarte cómo me gusta
hacer estudios fotográficos para
retratos en dibujo de figuras, y en qué
pienso mientras los estoy haciendo, y cómo tiendo a estilizarlos. Vamos a meternos en ello. Tengo
la grilla aquí solo para volver a nuestra primera
clase y hacer una demostración de
lo que es poder
dibujar con una grilla. Acabo de dividir
esta foto la mitad y tengo mi foto de referencia en el lateral y dibujo
justo al lado para que pueda hacer una
medida directa uno a uno Eso va a ser
útil para comenzar a
colocar los puntos de referencia generales. Nuevamente, estamos haciendo nuestro bloqueo, nuestras técnicas de
dibujo observacional solo intentaban
traer algo de ese dibujo constructivo del
que hemos estado
hablando con nuestras formas
y nuestras formas Voy a comenzar con
solo la forma ovalada para su rostro y
bajando a su barbilla. Después empieza a bloquearse
en su forma de pelo. Puedes entrar y
empezar a simplemente ponerle una cruz muy básica para que
su rostro empiece a colocar su línea de ojos y
el centro de su rostro
y como su cabeza se
inclina en También estoy pensando en la
forma de su cabeza en el espacio. Se puede pensar en la esfera y su mandíbula descansando dentro de una caja y cómo esa caja está flotando en el espacio
y ocupando espacio. Se puede ver que se inclina hacia nuestra
derecha, su izquierda, y luego su cara no está del
todo recta en la cámara, sino un poco
desviada hacia un lado A continuación, tiene la mano
apoyada sobre su cara, así que sólo voy
a empezar a poner justamente esa forma de bloque de cuña
rectangular muy básica de la
que estaba hablando antes y también ese cilindro que se fija como su brazo superior. Lo que es útil de este
enfoque en comparación con solo mirar puramente hitos de
observación
y todos los ángulos que hablamos antes, es que para algunas personas,
todavía es muy difícil ver lo que realmente hay porque simplemente tenemos
tal sesgo hacia lo que
queremos ver y lo
que pensamos que debería estar ahí Es por eso que
a veces
cuando la gente intenta dibujar una mano en perspectiva, es muy difícil porque
simplemente realmente quieren dibujar lo que piensan que debería ser
la mano y
no lo que realmente hay ahí. Cuando empiezas a pensarlo como formas y formas y espacio, y realmente
dividirlo en las diferentes perspectivas, realmente puede ayudarnos a comenzar a ver
realmente con mayor precisión. Realmente van de la mano y ayudan mutuamente,
estos dos enfoques. Aquí estoy mirando tanto
los hitos como dónde están
sus dedos y sus manos en relación con la cuadrícula, pero también dibujando en las
formas para que
realmente pueda pensar en cómo se está construyendo
esto. Tengo la
forma mojada de su mano, pequeños cilindros
para sus dedos,
los cilindros para la parte superior del brazo, un poco de su ropa
puesta justo como puntos de referencia. Ahora voy a mirar la forma cilíndrica de su cuello y empezar
a colocarlo en. Estoy mirando las líneas y donde aterrizan para
su ropa ahora, poniéndose ese hombro, tratando de tener
en cuenta el gesto también. Al principio,
quieres pensar en como, cuál es la pose aquí y qué pasa con ella es
algo que te gusta y cómo puedes
seguir manteniendo ese sentido del gesto en tu estudio entonces por supuesto para su otro brazo, otra forma
cilíndrica. Después volviendo un poco a los
detalles de su ropa. Realmente este tipo
de fotos son geniales para estudiar pliegues de tela, cuánto y qué poco quieres incluir
lo que transmites lo que hay ahí sin
entrar en los pequeños detalles a menos que prefieras un aspecto realmente
muy renderizado. Entonces sólo rellenando el otro
lado de su chaqueta aquí. Que en realidad ya
teníamos el bloqueo básico de nuestro retrato aquí, solo
voy a poner
un poco de valor para mostrar su forma de pelo. Entonces sólo voy a entrar
y tratar de tener más cuidado con los entresijos de su cara. Como mencioné en la sección de mediciones faciales
y puntos de referencia, tu rostro tiene esta onda que entra y sale de tu frente hacia
las cuencas de los ojos, sobre tu nariz y
tus pómulos, y de vuelta hacia abajo sobre tus
labios y tu barbilla Estas variaciones sutiles realmente hacen una gran diferencia en la transmisión de las estructuras
faciales de una persona. Aquí siempre lo hago
está en mi dibujo, así que si lo hago crees que
es de mucha ayuda, sobre todo para que un
principiante empiece
a colocar en las
medidas que hemos estado aprendiendo y
hablando y pensando en cómo se sientan en este plano de nuestros estudios de
retrato de cara. Lo he puesto en la media
marca para su línea de ojos. Estoy midiendo las terceras partes
de su cara así que conozco su frente y su colocación general de
nariz y boca Sólo voy a bloquear
estas formas realmente sencillas para ver a dónde van sus ojos,
su nariz y boca. El rostro tiene
tantos detalles al respecto,
pero aquí se aplican exactamente las mismas habilidades de
dibujo observacional aquí se aplican exactamente las mismas habilidades de
dibujo Ahora mismo puedo ver
que el borde interior de su pupila se alinea con
la parte interior de su boca y una parte superior de su solapa y su
muñeca de su brazo izquierdo A nosotros nos parece el lado
derecho. Entonces qué tan
lejos de la palma que está y qué tan
lejos está eso del otro lado de su cara. Esta es una constante
que va y viene de anotar tus
diferentes hitos, anotar tus proporciones y cómo todo se asienta en
relación entre sí. Empiezo a poner un
poco de detalle en sus rasgos solo para
empezar a dar algo de
esa forma de su
nariz saliendo, continuando se puede pensar en ese
tipo de forma de cono piramidal. Tenemos el avión
en la parte superior que está un poco más
en la luz y los dos lados que están en la sombra. Con los labios, puedes meterte realmente
en la estructura de la misma. Pero para nuestros propósitos, me gusta mantenerlo más o
menos sobre dos valores, tal vez tres con la mitad
de la parte más oscura de la boca. Pero solo comenzar
con una forma de corazón, como la forma de corazón ancho es un buen punto de partida para
poner en la boca. Me gustan mucho sus cejas fuertes, así que voy a mantener eso adentro Entonces para los ojos, personalmente me
gusta hacer un ojo simplificado, personalmente no
prefiero un retrato
realmente realista. Cuando hago estudios de retrato, este es el nivel de detalle
de los ojos que me gusta hacer. Cuando hago estudios de retrato, suelen ser un poco más complicados que la forma que termino dibujando
personajes en mi propia obra. Me gusta el aspecto más
simplificado porque tiendo a dibujar en estas formas gráficas
realmente simples, y si tengo a esta persona
altamente renderizada, simplemente no se siente bien. Pero al hacer estos estudios, realmente encuentro que saber dónde quiero sumar
y restar detalles es realmente útil para poder
conseguir que mi estilo coincida con donde quiero que
esté y no solo estar limitado por lo que
puedo y no puedo dibujar Yo diría que en esta etapa para mí los
elementos más importantes para entrar son la forma del cabello porque
realmente transmito la forma de
la cabeza y muchas veces coloco un fuerte contraste con las
mandíbulas y la frente. Entonces por supuesto los
rasgos faciales, pero realmente importante
es esa sombra debajo de la cabeza
y sobre el cuello. Encuentro que realmente define y aclara dónde se asienta la forma
en relación entre sí En este punto, todavía
estamos puramente en la
sección de línea, forma y volumen de lo que hemos estado
aprendiendo en clase hasta ahora. Por eso creo que
aprender el valor y forma es tan importante
porque en realidad es solo esta base
subyacente invisible de buenos dibujos lo que es realmente difícil de ver que estos van
directamente al color. A pesar de que sé que
no es tan interesante, realmente
es muy importante. Aquí solo me estoy enfocando en
cómo cambian las sombras y toda
la forma
que se envuelven alrededor su cuerpo y luego indican
sus pliegues de ropa. Es muy útil
comunicar lo que está pasando. De nuevo, es un muy buen momento para comprobar tu gesto. Muchas veces cuando estoy haciendo estos estudios y
haciendo el bloqueo, encuentro que está empezando
a ponerse un poco rígido. solo hecho de agregar algunas flechas me
ayudará a tener en cuenta que quiero mantener lo que me gusta del
gesto de esta pose. Por ahora, voy a empezar
a traer algo de color. Voy a estar trabajando
con cinco valores. Lo que me gusta de comenzar con estos cinco valores
es que
me da un punto de partida para
poner en mis oscuros más oscuros, mis tonos tienen y
luego mis reflejos, y solemos
terminar pasando es que dentro de cada uno
de estos valores, luego
voy a elegir otra como clara
y versión más oscura de ese color para
que y puedo controlar cuánto
quiero que sea plano versus un
poco más renderizado. Tengo mi dibujo base alrededor del color de cuatro valores en este momento, y voy a entrar
con un tercer color y apenas empezar a poner un
poco más de formas Voy a comenzar con
su barbilla porque
encuentro que el sombreado y
el transporte de forma del exterior
de
la cara es muy importante
incluso en un estilo plano Por supuesto, en nuestra foto de
referencia, tiene muchas luces y
sombras
diferentes a las de su entorno, pero realmente me estoy
enfocando en lo que
realmente está comunicando
la forma de su rostro. No voy a estar copiando o estudiando la luz en
esta foto en particular, solo
estoy viendo cómo
se vería con esta luz normal rodeada. Verás a medida que empieces a poner
en los valores de la cara, realmente
hace
una gran diferencia. Cuantos más valores
añadas, más realista se va a ver, como ya hemos hablado en
la clase valle y forma. solo hecho de poner el
segundo valor ya está haciendo una
diferencia tan grande en términos de ver cómo se sumerge el espacio debajo de la
ceja, cómo empieza a
salir la nariz y
vuelve a entrar en la cara Estoy pensando de nuevo en
la inclinación de su cabeza y cómo transmitir la forma en que
tu cara empieza a doblarse, inclinarse lejos de tu
vista al igual una esfera entrando en la parte
posterior del espacio, y solo siendo capaz de
transmitir eso para que
la cara pueda permanecer
plana en color,
pero aún así la cara pueda permanecer
plana en color, tener esa forma
más realista. Lo estoy ajustando un
poco porque resultó ser un poco rosa. Lo hice un
poco más anaranjado. Entonces estoy escogiendo
este color verde, que complementa bien
su color de piel, pero también es como nuestro dibujo de proyecto de
clase, así que es una buena referencia. Ahora mismo sólo voy a entrar con
un tono plano. Puedes recolectar tanto por encima
como detrás de tus líneas. Definitivamente recomiendo
mantenerlo en capas
separadas para que puedas
moverlo como quieras. Para este tipo de estudio,
es agradable mantenerlo atrás porque entonces puedo usar
las líneas según sea necesario. Si estuviera tratando de
finalizar esto por decir, una impresión entonces
definitivamente lo limpiaría Sólo voy a poner
un poco de esto, parece un baúl en el que está descansando para aterrizar un poco
este retrato. Empezaré a entrar con
nuestro valor más oscuro para que podamos definir aún más nuestra
forma. Por lo que puedes ver en las fotos de
referencia tienen un contraste
muy alto entre el color oscuro de su
cabello y su piel. Entonces, aunque
no estemos haciendo un estudio uno por uno en términos de exactamente
cómo se ve su retrato, podemos traer
algo de eso aquí. A medida que te sientas más cómodo
haciendo este tipo de estudios, puedes comenzar a experimentar sobre la marcha mientras haces estos estudios. Puedes, por ejemplo, cambiarle el pelo por completo, tal vez darle rasgos faciales muy
diferentes y simplemente mantener la pose. Pero por ahora estoy tratando de
mostrar un camino medio de me gusta, no
estoy copiando el retrato
exactamente como un retrato realista, altamente renderizado y soy capaz de practicar más mi estilo, pero también sigo
pegando más o menos a los elementos principales
del dibujo para
que podamos asegurarnos de que
ese es el foco de nuestro estudio. Ahora también puedo
entrar y comenzar a
detallar algunas de nuestras características. Entonces estoy usando tanto
el color oscuro, pero también aportando
un valor más ligero para comenzar a sacar
el blanco de sus ojos. Realmente notas
que para la mayoría de la gente, el blanco de sus ojos
no es realmente blanco, en realidad
es solo un
poco
más claro que nuestro color de piel normalmente. Puedes traer mucha sombra porque
por supuesto tus párpados están proyectando estas sombras
sobre los globos oculares Representar la cara puede
ser un trabajo muy tedioso, pero también es realmente hermoso Así que tómate tu tiempo para
disfrutar de la práctica. Va a empezar
un poco junky, pero podrás
acercarte cada vez más a cómo quieres atraer
a la
gente cuanto más practiques ya que solo
mantengas todas estas diferentes
técnicas y anatomía, construcción, formas y espacio de los que hemos estado
hablando juntos Ahora solo estoy jugando con más colores rosados para
darle un poco de color de mejilla Este es un buen ejemplo
de donde empiezo a desviarme de la
foto de referencia Así es como me gusta dibujar
a la gente. Es algo con lo que puedes experimentar
muchas veces como cuestión de observar
a otros artistas que te gustan
y cómo renderizan a las personas. Terminas recogiendo y seleccionando cosas diferentes
de diferentes artistas o simplemente diferentes estilos y uniéndolas
en tu propia toma única. Sólo voy a aclarar un poco los
labios aquí. He aquí un buen ejemplo de un cambio
muy sutil en los valores de este color rosa melocotón que he seleccionado y empezando a mostrar esa
forma del labio Entonces agregar un poco de sombra
al fondo de cada porción, realmente
pensar en estas pequeñas formas de
almohada realmente puede ayudar a comenzar a transmitir
ese movimiento de los labios, aunque sea un estilo plano. Puedo traer este
tercer valor para indicar la mitad
de la boca. Después tener la
sombra debajo del labio inferior para mostrar
esa forma también. Ahora sólo voy a
empezar a tirar en el brazo algunos de esos valores que he estado
creando. Seguir
pensándolo como una forma cilíndrica. Sus dedos por supuesto, también
son pequeños cilindros. Realmente podemos empezar a traer algunos
de esos
detalles, aún más. Hay cambios muy sutiles en los
que tal vez no notes esa primera vista como ponerle este color
melocotón un poco más oscuro en su rostro, en el lado de su rostro
que está más lejos de nosotros. Más proyectados en la sombra. Agregar eso sí me hace, una
diferencia significativa aunque
no se note de inmediato. Hay muchas cosas que
siento en el dibujo que quizás
técnicamente no notes y
puedas sacar, pero sin ella, realmente
sientes que es la diferencia. Ahí es donde realmente creo que entran muchas
bases de dibujo,
en términos de poder avanzar en tu
técnica de dibujo desde un principiante hasta un estilo de bases más establecido y
fuerte. Ahora solo estamos entrando
y poniendo algunos toques finales
usando la oscuridad más oscura Es como el trabajo lineal, pero realmente pensando en dónde colocar el trabajo lineal
basado en dónde están nuestras sombras
para transmitir esa forma. Esto fue algo que
me llevó mucho tiempo
darme cuenta porque sabía que me gustaba ese estilo donde
las líneas no son solo un contorno completo alrededor del objeto
o del personaje. Pero tenía que
entender realmente los
fundamentos del dibujo para poder apreciar o entender cómo los artistas sabían dónde poner
las líneas para empezar. Ese es otro gran ejemplo de cómo podrías pensar que, claro que parece
una línea muy simple y tal vez sea el
artista simplemente intuitivo, pero no, siempre se basa en
el conocimiento fundacional En este último paso, realmente apenas empiezo a
pensar en el gesto nuevo a medida que empiezo a poner
en estos momentos destacados, estoy tratando de exagerar
parte del movimiento Me encanta la forma en que el hombro está
apareciendo en el lado derecho aquí y tal vez usando incluso la solapa para transmitir un
poco de ese gesto Es un punto culminante, pero
también está teniendo algún gesto hacia ello. Se puede poner un poco
más de verde oscuro en si quiero renderizar
la ropa usada, pero también me gusta el estilo súper
plano para la ropa. consejos más es
traer algunos de tus colores a áreas que
quizás no esperes, como agregar este
verde a algunos de los detalles y algo
del melocotón en su cabello, eso realmente ayuda a unificar tu paleta de colores
en tu dibujo Pongamos un
poco de este durazno en su chaqueta verde. Entonces le voy a poner
un poco de
verde en la cara. Estos
detalles muy sutiles, de nuevo, simplemente realmente ayudan a
unir todo aunque
no lo notes, lo notes inconscientemente Así que voy a hacer una limpieza
final y detallar
y eso se hace más o menos
con mi dibujo de retrato Si lo deseas,
puedes poner en algunos de los alrededores también. Solo quiero
mostrarte rápidamente con este pincel de esquisto, lo rápido que puede ser
crear algunas de
estas formas de hojas realmente hermosas Por supuesto, quieres agregar
un poco más de valor, pero solo
lo estoy ahusando y usando la presión de la pluma para crear
estas formas de hoja de palma Ese es nuestro estudio de
retrato terminado, un estudio estilizado,
pero aún realmente fiel a muchos
elementos de esta fotografía Puedes empezar a
ver realmente cómo puedes tomar una fotografía y
usarla para estudiar todos los conceptos
que hemos aprendido
de las líneas y
formas y valorar todo el camino hasta el color y la
anatomía y luego ahora vamos a empezar
a meternos en la composición. Pero primero, vamos a reunirnos
en nuestra siguiente sección, donde vamos a
platicar un poco más sobre cómo practicar esto
en nuestro proyecto de clase
23. Retratos 4: proyecto de clase parte IV: Finalmente estamos en los proyectos de
clase que forman parte de esta sección y
estamos volviendo a nuestra ilustración de héroe
que ha estado anclando todo lo que
hemos estado aprendiendo hasta ahora. Por supuesto, ya hemos hecho el dibujo observacional de líneas y un estudio de color de un
personaje y la escena Para esta sección,
realmente nos vamos a centrar en uno, observando la construcción
de cómo se crea esto, combinando la anatomía y
las medidas que acabamos aprender con nuestras técnicas de
dibujo observacional Entonces te va a
animar a que
idees tu propia
versión para empezar a ver cómo puedes dibujar de la
imaginación y usar esas medidas estándar para crear tus propios personajes. Como ejercicio inicial, te animo a que
coloques los puntos de referencia en la cara y el
cuerpo del personaje y compares esto con tu dibujo de referencia
ahora que tienes una comprensión fundamental de las medidas
estándar
y la anatomía Puedes comenzar con la forma de
círculo para nuestro cráneo y adherirte a la
forma triangular para nuestro rostro, colocar en algunas de
las medidas que hemos aprendido
sobre la marca a mitad de camino para nuestra línea de ojos Después la tercera es para
los rasgos faciales desde la línea del cabello hasta la ceja
hasta la nariz, hasta la barbilla Entonces revisa eso
con un cuarto y octavo marcas para la nariz y la parte inferior de nuestra boca También se puede colocar en
la forma cilíndrica de nuestros cuellos y luego las articulaciones de
hombro y codo Por supuesto, las
formas cilíndricas para nuestros brazos, tanto la parte superior como la inferior. Solo teniendo eso como refuerzo y luego solo
voy a entrar en un rápido sorteo a mano alzada
de cómo estoy
pensando en construir mis personajes cuando
los estoy dibujando desde cero Al igual que como
aprendiste en la clase, empiezo con la
esfera para la cabeza. Pensando en la
inclinación como coloco en la
forma triangular para la cara, y a veces tiendo a poner en partes del cuerpo que no necesariamente
puedes ver. En este dibujo final, no se pueden
ver sus
oídos, pero los
colocaré por si acaso. Entonces también le pondré
la forma del pelo y luego comenzaré
a bloquearse en la parte superior de su cuerpo. Tiendo entonces a poner
algunas formas de cuña
y cilindro muy básicas para las manos. Ahora no siempre hago esto, pero creo que es
una buena práctica, sobre todo
al principio verificar tus medidas. Aquí sólo estoy haciendo una
medición de la cabeza. Apenas estoy empezando un
poco más bajo ya que se le
está inclinando la cabeza y eso queda bien en cuanto
a la colocación de donde estaría nuestra línea de pecho y
nuestra cintura También tengo marcadas las medidas básicas de la
cara poder
empezar a ponerme
algunas formas muy básicas de ojos, nariz y boca. Nuevamente, teniendo en cuenta la inclinación. Ahora solo estoy poniendo un
poco más de detalles de los ojos, las cejas, y luego haciendo mi comprobación de
medición vertical para ver que mis ojos están correctamente espaciados en
relación entre sí, la nariz y los
bordes de la boca. Lo que podemos hacer con los estudios de
retrato, es primero hacer un dibujo
constructivo como este basado en una pose
que estás viendo. Luego entra y haz algunos de los detalles con técnicas de
dibujo observacional Esto es por supuesto,
más fácil cuando se trabaja con una fotografía así que
alguien no se mueve, pero trabajar desde un modelo en vivo o simplemente observar en la vida
real también
es gran práctica
porque hay que
colocar algunas de estas
medidas muy rápido. También es un buen reto
si estás iniciando una pose y alguien a quien
estás observando se mueve, ¿
eres capaz de llenar ese
resto de la información en base a la anatomía
que has aprendido? Normalmente a continuación lo que
hago una vez que tenga la parte superior del cuerpo en su lugar, voy a empezar a poner
algunas de las formas y esta envoltura
de la ropa, y así aclarar algunas de
las formas en los detalles. Para este ejercicio, eres
bienvenido a llevarlo como terminado de una
finalización como quieras, o detenerte solo en la etapa de
boceto para que
puedas practicar la observación
y la construcción. Puede hacer otra revisión rápida usando la medición de la cabeza para verificar nuestra parte superior del cuerpo y nuestros
brazos y nuestra parte inferior de los brazos. Otro reto que
puedes probar en este ejercicio es comenzar a dibujar tu propio personaje a
partir de esta pose. Simplemente cambiando algunas de las características
como el peinado, o las formas de los ojos
y la nariz y la boca, y tal vez probándose una prenda ligeramente diferente basada en, por
ejemplo, tu
atuendo favorito o algo que estés sacando
de una foto de referencia. También podrías intentar
desafiarte a ti mismo tomando una foto de referencia de autorretrato y luego
dibujándote a ti mismo en la escena. Aquí le he dado un peinado
diferente. Ahora puedes ver sus orejas, por lo que es
útil colocar en los puntos del
boceto y luego cambiar ligeramente la
forma de su rostro, solo dándole un top y atuendo
diferentes. De igual manera, simplificando
la nariz y probando una de las muchas
formas diferentes en las que puedes dibujar ojos Si realmente quieres divertirte, puedes empezar a agregar
diferentes accesorios como gafas o auriculares
o joyas y otra vez, pensar incluso en estos
accesorios en cuanto formas y luego
hacerlos envolver
alrededor
de la forma de su cabeza
y su cuerpo realmente te
van a ayudar a
pensar en cómo construir eso desde la imaginación. Diviértete con este experimento
y cuando estés listo, compartamos el proyecto
y luego repasemos un resumen de todo lo que
hemos aprendido juntos.
24. Retratos 5: resumen y estudio adicional: Ahora que tienes una comprensión
fundamental del dibujo de retratos, realmente
te animo a que
sigas dibujando, practicando, observando y profundizando tu comprensión de anatomía y las
medidas básicas como mejor te parezca Primero,
repasemos un resumen de todo lo que aprendimos
juntos en esta sección. Aprendimos las medidas
básicas de la cabeza y el rostro humanos comenzando con una forma circular
constructiva conectada a una forma triangular, colocando los ojos
aproximadamente a la mitad de la marca, y luego encontrando la línea de la frente, nariz y la boca en los
tercios de la Aprendimos a
conectar eso con la
forma cilíndrica de nuestros cuellos, y a usar la cabeza como
medida para
aproximarnos al tamaño de nuestros
torsos superiores y colocar el pecho, la
cintura, los brazos y Sabemos que las manos requieren cierta atención especial y aprender a
construirlas con las formas de cuña, huevo y cilindro nos
ayudará a dibujar mejores manos. También aprendimos los conceptos básicos
de envolver el cabello, las formas y cerrar alrededor de la
forma del cuerpo, y por qué pensar
en nuestras figuras en formas
3D es importante
incluso en un estilo plano. Finalmente, aprendimos que podemos experimentar con nuestra
comprensión de los valores y color para dibujar personas
y retratos en diferentes niveles de
realismo y estilización Que es cuestión
de práctica y observación
continuada para
encontrar nuestro propio estilo de gente. Para mayor estudio, además de los libros de Juliette
Aristides que
he recomendado en clases
anteriores, también
puedes mirar libros
específicamente sobre el dibujo figura humana y
la anatomía de Andrew Loomis y
Morpho También recomiendo las lecciones
sobre New Masters Academy para estudios de
figuras
más clásicas y clases de
Skillshare sobre cómo
dibujar lindos personajes estilizados Cuando estés listo, vamos a reunirnos en la sección final donde
vamos a hablar de profundidad, composición, cómo
todo esto se junta.
25. Retratos 5: Resumen y estudio adicional: [MÚSICA] Ahora que tienes una comprensión
fundamental del dibujo de retratos, realmente
te animo
a que sigas dibujando, practicando, observando y
profundizando tu comprensión de la anatomía y lo básico
medidas como mejor le parezca. Primero, repasemos un
resumen de todo lo que aprendimos juntos
en esta sección. Aprendimos
las medidas básicas de la cabeza y el rostro humanos, comenzando con una forma de círculo
constructiva conectada a una forma triangular, colocando los ojos
aproximadamente a la mitad de la marca, y luego encontrar la línea de la
ceja, la nariz y la boca en el
1/3 de la cara. Aprendimos a
conectar eso con la
forma cilíndrica de nuestros cuellos, y a usar la
cabeza como medida para aproximarnos al tamaño
de nuestros torsos superiores, y colocar el pecho, cintura, brazos y manos. Sabemos que las manos
requieren algo de atención, y aprender a
construirlas con las formas de cuña, huevo y cilindro nos
ayudará a dibujar mejores manos. También aprendimos los
conceptos básicos de envolver formas de
cabello y ropa
alrededor de la forma del cuerpo y por qué pensar
en nuestras figuras en formas
3D es importante
incluso en un estilo plano. Finalmente, aprendimos que
podemos experimentar con nuestra comprensión
de los valores y el color para dibujar personas y retratos en diferentes niveles de
realismo y estilización, y que es cuestión de
práctica y observación continuada para encontrar
nuestro propio estilo de gente. Para mayor estudio,
además de los libros de Juliette
Aristides que
he recomendado en clases
anteriores, también
puedes ver libros específicamente sobre el
dibujo de la figura humana y la anatomía por Andrew
Loomis y Morpho. También recomiendo las lecciones sobre New Masters Academy para estudios de figuras más
clásicas, y clases de Skillshare sobre cómo dibujar lindos personajes estilizados. Cuando estés listo, vamos a reunirnos en la sección final donde
vamos a hablar de profundidad, composición y cómo todo
esto se junta.
26. Profundidad y composición 1: introducción a las perspectivas: [MÚSICA] Bienvenidos a nuestra clase de profundidad
y composición. Voy a compartir mi enfoque
de perspectiva y cómo comunico profundidad,
y luego
trabajaremos en crear una
composición juntos. Mi experiencia personal con perspectiva es que nunca he querido dibujar un dibujo de perspectiva
lineal realista. Pasé el tiempo a practicar ejercicios de
perspectiva de 1, 2 y 3 puntos. Utilicé solo lo
mínimo en mis dibujos, como el libro en nuestra ilustración de proyectos de
clase. Durante mucho tiempo, pensé que aprender las complejidades de
la perspectiva
matemática
era la forma correcta aprender
a dibujar porque así es como
se enfatiza
en la mayoría de las enseñanzas en estos días. Sin embargo, a medida que llegué a
entender qué estilo de arte me atrajo, con el tiempo, he llegado a ver una
perspectiva diferente sobre la perspectiva. En esta clase, voy
a brindar una visión general de
diferentes enfoques de las técnicas de
perspectiva y
composición. Entonces te voy a mostrar
cómo me gusta armar una ilustración como
el proyecto de clase. Para entender mejor la
perspectiva, me resultó útil aprender
un poco sobre la historia de la perspectiva y cómo ha
evolucionado en el arte y la cultura. Te prometo que esta no es
una aburrida lección de historia sino algo que es
realmente relevante y te
ayudará a entender cómo estudiar el arte que
admiras y cómo traducirlo en
tu propia expresión. A nivel básico, cuando
pensamos en la perspectiva de aprendizaje, pensamos en la perspectiva lineal. La perspectiva lineal es un enfoque
matemático para construir objetos donde todas las líneas paralelas
desaparecen en uno o varios puntos de
fuga en la línea del horizonte. Esto es especialmente útil con objetos
hechos por el hombre,
como edificios y carreteras. Hay perspectivas de un punto, dos puntos y tres puntos. La perspectiva lineal,
tal como la conocemos hoy en día, no siempre existió en el arte. De hecho, no se estableció
hasta el Renacimiento por los arquitectos Filippo Brunelleschi
y Leon Battista Alberti. Esta técnica surgió del deseo y la necesidad de transmitir de
manera convincente el espacio y los edificios y representar estructuras desde el punto de vista del
espectador. Fue una hazaña verdaderamente notable que cambió la cantidad de artistas, especialmente en Occidente, representaban escenas en su obra. Esto era especialmente importante
antes de la época del cine y las cámaras cuando la necesidad de
transmitir realismo era una prioridad. Las pinturas históricas
de otras culturas, incluyendo China, Japón, India y Egipto, tenían prioridades
artísticas
diferentes sus contrapartes occidentales. En muchas
pinturas orientales, por ejemplo, el objetivo del arte era
transmitir el espíritu del sujeto y la experiencia
personal del artista sobre el tema, en lugar de una representación observacionalmente
precisa de ello. Además, dado que
muchas pinturas estaban en largos pergaminos destinados a ser vividos en su conjunto y
al ver partes individuales, un solo punto de fuga simplemente no
habría
servido a su propósito. Con perspectiva plana, arte
oriental comunica
profundidad a través de superposiciones, básicamente colocando
el tema en tres planos separados. Primero, el plano de primer plano, luego el plano medio, y finalmente el plano de
fondo. La distancia entre cada
plano se acentuó por el nivel de detalle,
matiz y valor; todos los conceptos que hemos ido aprendiendo a lo largo de este curso. Los edificios y
objetos geométricos que eran adecuados para perspectiva
lineal se
dibujaron en perspectiva paralela, lo que evita que los puntos de fuga al tiempo que se logra una sensación de espacio en relación con
los temas que la rodean. grandes grupos de personas en Así, grandes grupos de personas en
muchos espacios diferentes pudieron ser representados
con esta perspectiva, lo que no se pudo lograr
en perspectiva lineal. Estas pinturas se comunican
artísticamente y efectivamente, aunque no técnicamente de
manera realista. Se puede ver cómo la
perspectiva lineal puede ser limitante, incluyendo a veces la
colocación rígida de sujetos que
no son capaces de
transmitir relaciones espaciales fuera del punto de vista humano
individual estándar. La perspectiva plana,
por otro lado, también tiene limitaciones y
que no
representa con precisión el espacio, especialmente la vista desde el punto de vista de
una persona dentro de
una estructura o fuera de ella. Entonces cada uno realmente sirve a su propio propósito y es
necesario en diferentes momentos. Tener una comprensión de los diferentes enfoques
de perspectiva
te permitirá mezclarte y adaptarte a tus necesidades y a tu visión
artística. Como principiante, te
recomiendo que
empieces a identificar,
observar y estudiar realmente lo que están usando tus artistas
favoritos. Tener una comprensión
del enfoque prospectivo
que emplean, y luego practicarlo
y
explorarlo por su cuenta
le permitirá llegar
a una comprensión de
cómo le gustaría comunicar su
expresión y puntos de vista. [MÚSICA]
27. Profundidad y composición 2: crear profundidad en la perspectiva Planar: [MÚSICA] La mayor parte de la
ilustración moderna que me gusta usa alguna forma de perspectiva
plana, y ese es el estilo de ilustración en el que también
me gusta dibujar. Comenzaron solo como mi gusto estético
personal que
realmente no pude explicar, pero después de llegar a una
mejor comprensión de la historia de la perspectiva
planar, me di cuenta de que
realmente me relaciono esa prioridad de
expresar el espíritu de un sujeto y mi propia experiencia
personal del mismo sobre una representación técnicamente
precisa. Creo que, para mi,
realmente se reduce a, me gusta dibujar las cosas de una
manera que
puedas tomar una foto en
la vida real. También me gusta combinar diferentes enfoques de
perspectiva y seguir experimentando con formas de
mezclar puntos de vista que no
esperas que vayan
bien juntos sin embargo funcionan. Por ejemplo, en esta ilustración que hice
llamada The Courtyard, tiene una perspectiva
plana en capas, pero también incluye una obra de línea de
arriba hacia abajo en el suelo que
representa azulejos. Prefiero esto a una perspectiva
de un punto de las baldosas porque, para mí, crea una sutil
sensación de surrealismo, que por supuesto es
un complemento las flores gigantes muy grandes que está rodeando
nuestro carácter. Quiero enfatizar
que un estilo plano de ilustración no significa
que no pueda tener profundidad. Para crear una simple sensación de profundidad y una ilustración plana, normalmente
pienso en tener al personaje en el medio o primer plano y
colocar objetos en primer plano mientras tengo
un simple antecedentes. Esto puede aplicarse en entornos más
íntimos, como los jarrones y la ilustración de la puerta en el
patio, así
como en entornos de
paisaje más grandes. Aquí, en mi ilustración,
El reflejo, los personajes en
primer plano, pero hay una
profundidad añadida creada al
agregar rocas aún
más cerca del espectador. El plano medio se convierte entonces el reflejo en las montañas, que también es un punto focal
importante. El fondo es el
cielo y las nubes. Todo es muy sencillo
pero comunica profundidad desplegando los tres planos
separados. Tómese un momento aquí para analizar lo que hay en primer plano, plano
medio y fondo de nuestra
ilustración de proyectos de clase. ¿Qué sentido de profundidad se
crea en tu opinión? ¿Dónde se siente como si estuvieras
parado en relación con el personaje y qué tan
lejos se siente ella de ti? Piense en cómo se
logró esto estratificando profundidades a pesar de que se trata un estilo plano de ilustración. ¿Se te ocurren formas de hacer que el personaje se vea
más cerca o más lejos? Ahora que estás empezando
a entender cómo
se logra la profundidad en un estilo
plano, realmente observa y piensa en las
elecciones que se tomaron para comunicarlo en obras de arte que admiras. [MÚSICA]
28. Profundidad y composición 3: técnicas de introducción a composición: [MÚSICA] Ahora hablemos un
poco de
técnicas de composición, porque esa es
una pregunta que mucha gente
tiene en este momento. Tienes una comprensión
del dibujo observacional, pero ¿cómo se te
ocurren tus propios diseños? Exploremos algunas técnicas básicas de
composición que pueden ayudarte a comenzar. Para mí, la regla más popular
y de uso frecuente es la regla de los tercios, frecuentemente utilizada en
fotografía y cine. La regla de los tercios
solo significa que si
colocas una
cuadrícula tic-tac-toe en un marco, los puntos focales caen alrededor las intersecciones de las líneas, o en los tercios de las imágenes. Verás muchos ejemplos usando
esta técnica si apenas
comienzas a colocar este tipo de cuadrícula sobre las imágenes que veas. Otro enfoque común
que utilizo para componer, es simplemente centrar un personaje y luego crear
entorno a su alrededor. Muchas enseñanzas recomendarán evitar centrar
una composición, pero la hago todo
el tiempo y también lo hacen muchos ilustradores a los que admiro. Realmente se trata de
lo que intentas
lograr y puedo ver por qué
en ciertas situaciones, no
querrás
centrar una composición. Personalmente me parece
muy efectivo para retratos y arte narrativo
centrado en el personaje. Estudiar la composición
de tus fotos favoritas, escenas de
películas y por
supuesto obras de arte, es una excelente manera de comenzar a
perfeccionar tu ojo para la composición. Pregúntate cuando estás
observando algo que te gusta, ¿por qué te
funciona esa composición? Aunque no tengas una respuesta
clara de inmediato, a medida que sigas
observando y reflexionando, surgirán
patrones
y comenzarás a entender cómo te gusta
incorporarlo a tu propio trabajo. Recuerda que tu
obra favorita fue el resultado de muchas
miniaturas y conceptos diferentes antes de que los artistas
alcanzaran su diseño final. Explorar y experimentar
es parte del proceso. Algunos otros consejos básicos son, pensar en liderar el ojo, usar puntos focales y diferentes
ritmos y patrones en tu obra de arte para
dibujar el ojo y ser intencional sobre dónde mira
el espectador. Siempre tenga en cuenta el flujo general y el gesto de la
pieza. A medida que
realmente comienzas a
observar obras que son magistrales o simplemente
cosas que
te gustan, notarás que
hay muchos puntos de conexión que podrían haber sido involuntarios
pero funcionan, porque estas son las líneas y patrones y ritmos
en un dibujo, que un artista utiliza a
su favor para comunicarse y controlar
dónde mira el espectador. Otro consejo útil es
pensar en grupos de tres. Tres a menudo se considera un número
mágico en composición. Es activo y
evita sentimientos de emparejamientos que surgen con dos,
o demasiada simetría
con grupos de cuatro. Ya más que eso
y tu mente empieza a pensar de nuevo en grupos. Esto también se puede aplicar
a las áreas focales o la forma de su flujo. Los triángulos, una forma de tres
puntas, transmiten una sensación de actividad
equilibrada. En nuestro dibujo de héroe, aunque
técnicamente hay siete flores, están agrupadas en
tres racimos. También hay tres objetos
dorados a su alrededor formando un triángulo. También hay tres objetos
verdes, entre ellos su chaqueta
y todos están separados en un formato
triangular. Por supuesto, se puede ver que
la regla no se aplica a todo
estrictamente en todas partes. Por ejemplo, tengo
pares de hojas, pero puedes empezar a jugar con tus propios patrones con
este lugar de partida y luego decidir si
quieres romper la regla donde
no te sienta incómoda. Otros problemas comunes
a tener en cuenta son evitar tangentes incómodas, donde los bordes de diferentes
objetos apenas se tocan, o simplemente se superponen de una
manera incómoda, generalmente donde no
se puede decir dónde algo comienza o termina. También se quiere evitar jerarquías planas
poco claras, como no tener claro
qué hay en primer plano, qué hay en el término medio
y qué hay en el fondo. Por lo general, esto es solo cuestión de superponer tus objetos de una
manera clara y otra vez, asegurándote de que
no tengas tangentes incómodas. Evita la simetría demasiado perfecta si
esa no es tu intención. Tener un poco más
de un flujo orgánico a tu ilustración ayudará a
que se sienta más equilibrada. Por último, asegúrate de que tus valores
respalden tu estructura. Una cosa es pretender dirigir la mirada con un
tema o acción interesante, pero si tus valores
no lo apoyan, tu espectador puede
confundirse dónde buscar. Los valores también pueden incorporar color,
así que por ejemplo, no
quieres que un
transeúnte de fondo
esté vistiendo un rojo
muy brillante en una composición
muy oscura. En cambio, quieres que
busquen en otro lugar. Piensa en dónde el artista
podría haber pretendido que miraras y luego considera si tuvieron
éxito en ello. ¿Miraste diferentes
detalles mientras tus ojos flotan alrededor de una manera natural
y orgánica? ¿Tus ojos se sienten
atraídos por los lugares donde parece que ese
debería ser el punto focal? Si es así, piensa en por qué funcionó
eso y si no, piensa en lo que
pudo haber cambiado. Apenas comenzar a notar y observar ya es
un gran comienzo para
comenzar a perfeccionar tu
habilidad para
pensar en para
comenzar a perfeccionar tu
habilidad para
pensar composiciones fuertes. [MÚSICA]
29. Profundidad y composición 4: proyecto de clase Parte V: Ahora volvamos a nuestro proyecto de clase de
anclaje. Empezamos toda esta serie con dibujo observacional, pero en realidad el
primer paso de tu propio dibujo original
va a ser la miniatura. Es concebir diferentes ideas, hacer bocetos realmente rápidos y luego refinar
esos pensamientos e ideas con las habilidades de línea, valor ,
color y retrato
que hemos aprendido. Ahí es donde esta clase pone
las cosas en círculo completo. Estamos volviendo
al principio, pero con una perspectiva fresca. Juntos, vamos
a idear un concepto, crear
muchas miniaturas y luego refinar nuestra miniatura
elegida y terminarlas
con todas las habilidades que hemos estado construyendo a
lo largo de este clase. Vamos a trabajar
con el impulso de
diseñar una portada para una clase de bases de
dibujo. Incorporan todo lo
que hemos cubierto en términos de línea y forma, valor y forma, retratos de color
y luz, luego ponerlo en conjunto. Esto era literalmente en lo que
estaba pensando mientras
diseñaba la ilustración de héroe o el proyecto de clase para esta clase. Entonces voy a recorrer un ejemplo muy realista de
cómo es ese proceso. Se puede trabajar digitalmente
o en papel. Personalmente me parece que lo
mejor pienso en solo cuaderno de rascar, papel de
boceto, y
personalmente me gusta
usar este
lápiz azul Col-Erase de Prismacolor. Puedes, por supuesto, hacer lo
mismo en el iPad. El iPad es realmente genial
para poder mover las cosas
fácilmente. Pero cuando solo quiero
sacar algunas ideas rápidas, encuentro que lo
mejor es un trozo de papel. Entonces comencemos con eso. Si lo deseas,
puedes comenzar solo crear cajitas. Si tienes un trozo
de papel del tamaño mío, yo haré seis. Si tienes los más grandes o los más pequeños, solo tienes que
ajustar en consecuencia. Cuando estás trabajando en,
digamos, un resumen de cliente o incluso ideando
tu propia ilustración, hay algunos parámetros iniciales que vas a
querer saber o al menos saber que vas a
necesitar saber como qué tan grande es esta ilustración y
dónde se va a usar. Puedes tener todas estas consideraciones
en mente a medida que diseñas. Primero, vamos a llegar
a diferentes ideas. Obviamente, es una clase de
bases de dibujo. Entonces, tener a alguien dibujando
parece tener mucho sentido. Entonces comencemos con
algunas ideas en torno a eso. Este es un punto de
partida muy básico. Tengo a alguien dibujando
en su escritorio. A medida que voy adelante, realmente
necesito empezar a pensar si es
marcar todas las casillas. ¿Cómo puedo expresar mejor
pensando en línea y forma, valor y forma, color y luz? Puedo empezar a ver
esos en mi mente porque a pesar de que
se trata de un dibujo de boceto, me puedo imaginar cómo se
vería en color. Te das cuenta que estoy empezando
con formas muy simples. No es una figura de palo, pero básicamente son
pequeños maniquíes de dibujo, y eso es
más que suficiente para tener una idea de la composición
general. En la etapa de miniaturas, realmente
nos estamos enfocando en
qué contenido vamos
a incluir a un nivel
muy alto y cuál es la composición
general. Con la segunda
idea, he estado pensando en tal vez
solo mostrar un cuaderno. A lo mejor no hay nadie en él, y está representando estas flores y solo objetos a su alrededor. Esta es una vista
de arriba hacia abajo de un escritorio más o menos, pero con cierta perspectiva
sesgada. Por supuesto, me estoy
dando cuenta de que ahora
no tengo incluida la
sección de retratos, así que tal vez pueda agregar un
pequeño retrato aquí. Ahora no es un dibujo de
personaje, sino que el dibujo es
de carácter, pero aun así obtiene el
elemento de tener cubiertos
todos los aspectos de la
clase incluidos. De nuevo, no
necesito detallarlo, solo lo suficiente para que sepas lo que va ahí. Eso es un poco más
de un enfoque gráfico. Pensemos en algo tal vez un poco más abstracto. Mi idea está aquí es casi tal vez como una pila de libros,
y luego está este lápiz pasando por el que
tiene las líneas y formas. Entonces tal vez esta parte
tendría algún valor y forma, y entonces esta parte del
lápiz estaría coloreada. Esto definitivamente
no es el más fuerte en términos de mostrar retratos. Aunque esto no alcanza
todos los requisitos, es bueno tener este
tipo de exploraciones que son realmente
diferentes a lo que has estado haciendo para que
puedas probar los límites y ver lo que te hace sentir es
el contendiente más fuerte. Voy a probar sólo una escena,
una escena al aire libre tal vez. A lo mejor esta persona no está dibujando. No necesariamente tiene
que ser tan literal. A ver. A lo mejor están en
un mundo de dibujo de alguna manera. A lo mejor en vez de un árbol, en realidad
podría
mostrarte una montaña. Eso tiene más sentido. Construyendo una base
y trabajando su camino hacia arriba. Esto ayuda a enfatizar también el aspecto del
viaje de dibujo. A lo mejor el estanque en el suelo
parece una paleta de colores. Es una idea interesante, pero una, no creo que
comunique retratos lo suficiente, dos, creo que esto podría ser
un poco demasiado abstracto. No sea lo suficientemente claro esta es una clase de bases de dibujo. Creo que la mano es quizá un buen ejemplo
de algo, como la mano que sostiene la hoja. Esto comunica que aquí
hay esta rama, y tal vez la rama es lo que tiene los diferentes aspectos que
en realidad pueden ser realmente geniales. También puedes escribirte pequeñas
notas a ti mismo. Esto tiene línea, forma obviamente. Éste estaría en valor
y mostrando su forma. Esta parte estaría en color. Esto representaría
la clase de retrato porque también
hablamos de manos, y luego está
toda la composición. Esa es una opción y esa es
una buena manera de anclar a toda
una clase en una
ilustración y lo que estaba tratando de obtener
con nuestro diseño final. Permítanme hablar de
nuestro diseño final. Por supuesto, puedes
seguir haciendo tantas miniaturas
como quieras. Cuanto más se te ocurra, creo que mejor
será
tu resultado porque has
pensado en todas tus ideas más débiles y luego saliste con
algo fuerte. Por lo general, al final,
cuando realmente te gusta, “simplemente no puedo pensar
en otra idea”, ahí es cuando se te
ocurrirá una idea. De veras no te lo esperabas. Pero dicho eso,
también a veces solo tengo una idea y simplemente
voy con eso de inmediato, y no hago un montón de miniaturas
diferentes. Entonces cada dibujo es
su propia experiencia. Déjame entrar en este concepto de alguien sentado en
un escritorio dibujando. Pensemos en qué tipo
de humor se encuentra. Ya he decidido
que es una chica. ¿Está en un ambiente súper
emocionante? ¿Está tranquila y relajada? ¿Está frustrada? ¿Es muy activo
o es un balance? Como he mencionado, quiero que se sienta
tranquilo pero atractivo. Tan activo pero calmante. Se puede jugar
con diferentes poses. Pensé que
sería bueno mostrar su mano apoyada sobre su rostro, tanto contemplativa como también un
poco más activa, y también para que podamos
ver ambas manos. Entonces pensé en
qué
quiero rodearla. Esto puede ser una exploración
en sí misma. Pero puedes decir
tanto de un personaje por lo que los rodeas, con qué los vistes, y solo cada
aspecto de ellos. Tenía la idea de que esto sería como un viaje de dibujo. Así que quería
darle una vibra exploradora. Por eso puse en este telescopio y luego
agregué el globo. Estoy aquí trabajando
con el conocimiento de cómo es la
ilustración de clase, pero de manera realista, no
necesariamente sabría exactamente a
dónde van todas estas cosas. mejor el globo comenzó por aquí o tal vez el telescopio no
era tan alto. Pero eventualmente,
movería las cosas hasta sentir que la
composición se sentía bien. Quiero que las cosas se superpongan, así se siente como si estuviera inmersa en todas estas
cosas a su alrededor. estamos mirando a través los objetos de pie básicamente
en la parte delantera de su escritorio. Quería traer un sentido de la naturaleza y tal vez
un poco más surrealismo como
imaginar que estás en un sueño o el estado de flujo
cuando estás dibujando. Entonces por eso tenía estas
flores rodeándola. Sabía que quería que
le dieran un marco. Aquí es donde entra en juego algo
como no tenerlo demasiado simétrico. Por supuesto, las flores podrían ser exactamente simétricas
y esa es una mirada. Pero para mí, me gusta que
las cosas se sientan un poco
más fluidas y orgánicas. Entonces por eso hay este
marco que no es simétrico, sino que tiene un
buen flujo hacia él. Estaba empezando a pensar diferentes formas que
quería incorporar, así es como decidí el
resto de los objetos aquí. Tenía esta
esfera elipse
aplanada en forma de huevo para esta cara, y luego tuve un cilindro
para la caja de lápices y superpuse a esos dos. La regla era un rectángulo y los lápices eran de cilindro
más pequeños todavía. aquí, tenía un jarrón cilíndrico
alto y el globo, por supuesto,
es una esfera grande obvia, y luego el telescopio también
es un bonito cono. Esas son todas consideraciones
cuando empecé a
pensar en lo que quería
colocar aquí en su escritorio. Ahora para terminar esto, sabía que no quería crear una escena completa porque entonces
sería difícil
para mí colocarla en, digamos,
una imagen horizontal o simplemente diferentes relaciones de aspecto. Entonces, que sea algo
que sea más una
ilustración puntual me iba
a ser de ayuda. Acabo de terminar con
este arco en la parte de atrás. Podría verse como una puerta, pero la pensé
más como una ventana. Su escritorio se posiciona donde
la parte posterior da a una ventana. Esa es mi pequeña miniatura. Ahora movamos
esto a nuestro iPad y vayamos de ahí. Hemos hablado de nuestro prompt, hemos hecho nuestros bocetos en
miniatura, y pensando en el encuadre y la composición general. Ahora empecemos a limpiarlo
un poco. Todo lo que he hecho es tomar una foto de esto
literalmente con mi teléfono, tiré por aire a mi iPad. No parece mucho y obviamente
podría recrearlo. Pero hay
momentos en los que en realidad tu boceto muy rudo
va a ser una gran guía
para tu pieza terminada. A mí me gusta simplemente
tenerlo ahí sobre una capa. Siempre puedes simplemente ocultarlo y solo referenciarlo más adelante. Pero voy a
demostrar cómo
pensaría en
limpiar algunos de los trabajos de línea. cómo organizo mis capas para aprovechar
realmente las herramientas digitales a
la
hora de trabajar en la composición. Ahora
empecemos realmente a retroceder y pensar en la línea, la forma, estructura, liderando el ojo
y todas esas cosas, pero ahora desde el
punto de vista del diseño. Puede que estés
siguiendo para recrear el proyecto de clase nuevamente
con esa nueva perspectiva, o podrías estar trabajando en tu propio diseño
basado en el prompt. Sea cual sea, pasemos por
cada paso con los mismos objetivos y
enfoques en mente juntos. Hay algunas formas de
abordar esto. Puedes hacerlo todo en
una capa y luego simplemente seleccionar cosas
y moverlas, o intentar dibujar cada objeto en una capa separada y luego tener que sea más fácil para
ti moverte. Esto podría
convertirse en una cuestión de experimentar lo que funciona
mejor para usted y su flujo. Alrededor de esta etapa,
comenzaré a sacar imágenes de referencia. En esta etapa de boceto, no
estoy viendo
ninguna referencia. Sólo estoy dibujando
de la imaginación cómo creo que son las cosas. Pero por aquí, voy a empezar a buscar
realmente cómo es un globo
terráqueo y dónde están esos detalles
importantes. Tratando de pensar en gestos. Una, considerando cómo se inclina
su cabeza y este gesto de su cuerpo, esta forma general de triángulo. Ahora con la esfera, podría
haber solo
un aspecto recto hacia arriba y hacia abajo a la esfera. Pero si lo inclino, hace eco de la inclinación de su cabeza. Con el telescopio, eso fue un poco complicado
porque podría tenerlo apuntando de muchas maneras diferentes. Quieren tener ritmo para que
este globo esté aquí abajo. Por eso pensé que
tal vez sería bueno tener un telescopio de este lado apuntando en otra dirección. Pero otra vez, inclinado. Incluso cosas como las piernas, lo lejos que están separadas son todas decisiones de diseño y pueden afectar las cosas de una manera
muy sutil. Tener esta pata aquí frente
al libro comunica claramente dónde en relación con el
libro se sienta el telescopio. Si la guardara aquí, realmente no
estaría segura de
dónde se encuentra exactamente. ¿Está detrás del libro, al
lado del libro, más lejos? A lo mejor es un telescopio muy pequeño o un telescopio muy enorme. Tenerlo en una capa separada me
permite jugar con eso. Esto tiene una forma ovalada ligeramente
diferente, más una elipse, y por eso
quiero pegarlo aquí. Pero este es un
pequeño objeto bueno donde realmente
podría moverlo por
todo tipo de lugares. Si vuelve aquí,
parecería que está atrás. Al principio,
creo que lo tenía más
incluso en avión con el globo terráqueo. Entonces se dio cuenta al
moverlo un poco hacia abajo, simplemente crea
más de este ritmo saltando de un lado a otro. Ahora con las cosas
dentro de la carpeta de lápices, podría
haberlo hecho
muy complicado. A lo mejor ella tiene un montón
de cosas aquí. Pero decidí que este
es un espacio más mínimo. No quiero
distraer con un montón de cosas en esta lata porque
ese no es el punto. Lo justo para poder
comunicar que tiene algunas herramientas de
dibujo en su mesa. Verás que me gusta dibujar todo
el camino muchas veces
porque no estoy seguro de dónde van a terminar
las cosas, y puedes hacer fácilmente el trabajo de línea final
sin estos más adelante. Pero de esta manera, realmente te asegurarás de tener
algunas líneas precisas. Muchas veces con los principiantes, si no dibujan
todo el camino, digamos, esto era un codo, entonces el hombro estará aquí y luego podrían
olvidar que necesita conectarse, y luego el codo
estará un poco apagado. Esas son buenas razones
para dibujar todo el
camino y simplemente hacer
cheques por ti mismo. Entonces empieza a poner
esas flores. Solo en general
pensando en las formas. Aquí definitivamente un
grupo de tres. Podría tener la opción de
poner dos aquí arriba y uno aquí abajo o viceversa. Terminé con tener dos en la parte inferior y uno
más grande aquí arriba, pero dejemos eso
en su lugar por un tiempo. Puedes mirar aquí, ¿hay alguna extraña
tangente pasando? Creo que esta parte se siente
un poco confusa. A lo mejor lo que hago es
acercarnos esto más claramente al frente
del libro. Entonces tal vez arregle el globo y el jarrón un poco
más claramente de esa manera. Ahora el globo está cubriendo
la parte superior del jarrón. Para asegurarme de que eso
sobresalga, voy a tener esto. Entonces ahora esta pequeña parte
del globo está tocando
el borde del jarrón, lo que provoca esta
extraña tangente. Sólo puedo entrar en mi globo
y inclinarlo un poco más. Para agregar un poco más de detalle, agregué estas formas de hojas muy
simples. Esto solo estaba poniendo lo que yo sentía como algo de espacio
necesitaba ser llenado. También puedes mantenerlas en capas
separadas para que puedas
moverlas según sea necesario. De nuevo, se puede decir que esto técnicamente rompe
esas reglas
de tres que
mencioné antes y podría haber incluido
otra aquí. Aquí no hay nada correcto o incorrecto. Para mí, las hojas son
más como cumplidos. Por lo que casi se convierte en un maridaje
con la flor. Hay una agrupación de
tres aquí en cambio y una agrupación de tres aquí. Cuando estaba
pensando en su ropa, eso también forma parte del diseño. Nuevamente, ¿qué
dice de esta persona? ¿Qué lleva puesta? ¿Lleva un suéter
acogedor y toda acurrucada con una
taza a su lado? ¿O lleva algo
más profesional? A lo mejor se
está preparando para trabajar. Puedes probar muchos enfoques
diferentes. Pero solo recuerda que ropa es parte de
la narración, es parte del diseño visual. Terminé dándole
este bonito atuendo verde y es un
poco como un blazer. Así que definitivamente sintiéndome
muy estructurado. También me dio
la oportunidad de
platicar sobre cosas como tener este punto de cuello en V u
otras áreas focales también. Nosotros, por supuesto, la estamos
mirando, pero también sutilmente
pensando en dibujar. En cuanto a su peinado, lo
mantuve muy sencillo y limpio. Pero yo estaba, de nuevo,
pensando en el lenguaje de las formas. Pensé que sería
genial hablar la esfera y luego de su cara, y luego de esta forma
triangular
tanto de su cabello como del
resto de la parte superior de su cuerpo. Me tomé una
foto de referencia en
una pose similar para
asegurarme una pose similar para
asegurarme de que mi anatomía
se veía precisa. Poner un poco más
de los detalles de su rostro para pensar en
la expresión que tiene. ¿Está buscando? Tenía los ojos abiertos
y mirándote o mirando a lo lejos porque está
pensando en algo? Decidí que
iba a verse tranquila y contemplativa
mientras
trabajaba en su dibujo, para
luego tener una leve sonrisa. Apaguemos mi capa de boceto en la parte de atrás y veamos cómo va
eso. Ya ves que va a
ser muy similar, por
supuesto, al
dibujo observacional que hicimos juntos. Pero ahora
piénsalo en términos de este dibujo no
existía antes. Entonces no había nada que observar. Ahora armamos este dibujo original
a partir de nuestra imaginación y nuestra comprensión de diversas
habilidades fundamentales, todas combinadas. trabajas en el tuyo, piensa en todos
estos conceptos juntos e
incluso podrás tener una lista de las herramientas a tu disposición
o los diferentes aspectos en cada etapa de
lo que debes tener en cuenta. Siéntete libre de
seguir experimentando con tu composición y
cuando estés listo, sigamos adelante. Después de tener nuestra composición básica de
boceto en su lugar, puede
limpiar el trabajo de línea aquí o hacer una miniatura de valor rápida para que
pueda
asegurarse de que tiene un pequeño
mapa para usted mientras se mueve para seleccionar una paleta de colores y refinar su trabajo de línea. Teniendo en cuenta todo lo que
hemos aprendido, incluido evitar tangentes, asegurarnos de que los planos
separados estén claros y dibujar la atención hacia puntos focales
importantes, comencemos a usar nuestro sistema de cinco valores
para comenzar a pensar cómo podríamos
querer firmar y agrupar diferentes valores
en nuestro boceto. Voy a comenzar con mi
cuarto valor en su cabello. Sólo sé que quiero crear un alto contraste haciendo
su cara y su cabello. Entonces usando mi
valor más ligero para su piel, también
podría ser viceversa. Después trabajando mi camino
alrededor de la ilustración. Al usar estos valores y todos
los conceptos
que hemos aprendido, puedo asegurarme de que hay una
clara diferenciación que está apoyando mi
composición y estructura de dibujo. Incluso si he solapado objetos, que ya es una forma clara definir diferentes planos, también
puedo usar valores
contrastantes para hacerlo aún más claro. Puedo usar valores más fuertes donde está más
cerca del espectador, y luego valores más claros
en lugares donde no necesariamente necesito que el
espectador mire de inmediato. También estoy usando el contraste de los valores más oscuros en los
jarrones y las hojas para que llame su
atención alrededor la obra después de
mirar por primera vez al personaje. Entonces un valor más ligero
para el fondo porque quiero
que eso sea más en el fondo y además no necesariamente llamar la atención
sobre él de inmediato. Encontrarás a medida que trabajas a través los cinco valores que puedes
necesitar para ajustarlo a veces. Por ejemplo en su chaqueta, yo quería tener dos valores que mostraran claramente una diferencia entre la camisa debajo su chaqueta y la propia
chaqueta, pero no una diferencia súper enorme. Entonces solo
aligeré ligeramente el color de la chaqueta y oscurecí ligeramente
el color de la camisa para mis tres y cuatro valores. Este es un buen momento para hacer pausa y considerar la
diferencia entre un estudio de valor y luego hacer una miniatura de valor
para tu propio trabajo. Aquí, no hay nada de lo que esté
observando y copiando,
pero los estudios de valor me
ayudan realmente a
aprender a apreciar cómo otros usan el valor para hacer una estructura realmente fuerte
para sus dibujos. Cuando llega el momento de hacer miniaturas de
valor
para mis propias piezas, realmente
puedo empezar
a prestar atención a
cómo agrupar valores y también cómo tener un buen equilibrio entre todos
de mis diferentes valores. Estoy pensando en la clave
mayor y menor que
quiero que se sienta muy
brillante y vivaz. Así que estoy usando una clave
mayor alta y también clave menor
bastante alta en términos
del nivel de contraste. Tengo mis oscuros más oscuros. Tengo unos blancos más blancos. Me aseguro que mucho
del contraste esté
aquí en su cara, pero también aquí
alrededor de su escritura. Entonces solo el equilibrio general
de tenerlo se siente como un escenario brillante,
pero también calmante. He empezado con los
cinco valores básicos, pero viste que había hecho algunos ajustes aquí y allá. Probablemente estoy trabajando casi
más con una escala de nueve valores o casi 10 porque
hay algunas áreas donde quiero que solo tenga
una diferencia un poco más sutil. Con esto, ya
tengo una hoja de ruta para mi paleta de colores a la hora pensar en cómo elegir colores, de
dónde en el rango de valor quiero estar
recolectando los tonos. Aunque sé que
quiero que sea verde, y naranja, y melocotón, ¿qué tipo de naranjas
y qué tipo de verdes estoy buscando? Ahora, no quiero
repetir demasiado de lo que
hablé en la clase de
color en cuanto a
las emociones que estaba
tratando de transmitir y cuál era
la psicología del color y cómo
terminé con mi verde
y paleta naranja. En esta etapa, sólo
voy a hablar un poco más sobre la creación de profundidades y
en lo que estaba pensando desde el punto de vista de la composición. Como aprendiste en la sección de perspectiva del
planificador, hay algunos aspectos
del color en los que podemos pensar,
como
hacerla un poco
más desaturada y brillante
porque está más lejos de distancia. Pero para mí, porque quería
mantener la atención en ella, así que decidí mantenerla tan vívida como el
resto de la imagen. Yo no diría que los
greens que usé en ella o los rojos y las
naranjas que usé en los detalles son
realmente mucho más desaturadas o
más alejadas que las cosas en
primer plano. Realmente no experimentamos
esa distancia o ese cambio en valores y matices de todos modos
cuando las cosas están en una aproximación
tan cercana entre sí. Pero sí elegí un color de
fondo más neutro y atenuado para el
arco en la parte posterior. Cuando estaba
pensando en renderizar y cuánto valor poner en
los objetos que hay alrededor, decidí mantener
las cosas muy simples, más planas y un
poco más tenues. Si se te ocurrió tu propio
dibujo o recreaste
éste ahora con tu
propia comprensión de
cómo todo se junta, me encantaría ver
cómo resultó todo.
30. Profundidad y composición 5: resumen: [MÚSICA] Espero que hayas
aprendido tanto al ver cómo todo lo que
hemos estado aprendiendo
se une en este proyecto
final de clase. No puedo esperar a ver
lo que has hecho. Primero, repasemos
un breve resumen de lo que aprendimos juntos en esta sección de profundidad y
composición. En esta sección,
aprendimos sobre la evolución de diferentes
enfoques de perspectiva, incluyendo la perspectiva
lineal clásica y la perspectiva plana y
paralela, y por qué podrían usarse para diferentes propósitos
en las expresiones artísticas. Aprendimos a
crear profundidad en perspectiva plana o plana
utilizando el primer plano, término medio y el fondo, y variando los
detalles y tonos. Aprendimos técnicas clásicas de
composición, como la regla de tercios
y grupos de tres, y cómo guiar el
ojo con puntos focales y diferentes ritmos en líneas. Lo pones todo junto
yendo al círculo completo y aprendiendo el primer paso
de un dibujo original, ideando y miniaturas. Para mayor estudio,
te animo
a que sigas practicando, sobre todo con
pequeñas miniaturas y solo haciendo bocetos y
viniendo con diferentes ideas y, por supuesto, observando
las obras de arte, imágenes, y películas que disfrutes
para entender mejor qué composiciones
se sienten fuertes para ti. También puedes consultar libros que tengan técnicas de composición que sean relevantes
para tus intereses. Por ejemplo, tengo estos libros
detallados realmente geniales sobre la obra de Hokusai y Muka, lo que realmente me ayuda a estudiar su enfoque de la composición. Dedica un tiempo explorando
y realizando los
ejercicios de competencia por ti mismo y cuando estés listo, reunámonos en la
parte final de esta clase [MÚSICA]
31. Pensamientos y consejos finales: [MÚSICA]
Felicidades por llegar al final de este curso
fundaciones de dibujo. Hemos aprendido mucho juntos y espero que estés orgulloso de
lo que has logrado. Ahora tenemos una
base sólida y comprensión de cómo nuestras herramientas de línea,
forma, valor, forma, color y luz
pueden unirse para comenzar a fortalecer nuestros dibujos de
observación. A partir de ahí, sabemos cómo
podemos utilizar esas mismas herramientas y sumar en perspectiva
y composición y crecer en nuestra propia expresión
artística. Continúa practicando los
ejercicios de esta clase y mejorarás. Para tu comodidad,
he compilado los conceptos y ejercicios clave en un libro de trabajo al que
puedes referirte en cualquier momento. Si disfrutaste de esta clase y quieres más apoyo en
tu viaje de dibujo, te
doy la bienvenida a que te unas a mi estudio de dibujo
para recibir indicaciones guiadas, más clases y sesiones
en vivo conmigo y un amistoso ,
comunidad íntima en Mimochai Studio. De cualquier manera, practicar con
el conocimiento de las herramientas que
has aprendido en esta clase va a ser mucho
más efectivo que simplemente practicar a ciegas. A medida que continúas practicando, recuerda mantener la mentalidad de tu
explorador y dibujar lo que amas. De esa manera, te quedarás motivado para seguir adelante en este viaje y verlo como una aventura de
dibujo. También te invito
a dejar una reseña y un comentario para esta clase, ya que es súper útil tanto
para mí como docente para otros alumnos que
estén considerando tomar esta clase. Muchas gracias por acompañarme. Hasta la próxima vez, cuídate
y sigue creando. [MÚSICA]