Aprende a dibujar: una introducción completa a los fundamentos y el estilo de dibujo | Mimi Chao | Skillshare
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Aprende a dibujar: una introducción completa a los fundamentos y el estilo de dibujo

teacher avatar Mimi Chao, Owner & Illustrator | Mimochai

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Lecciones en esta clase

    • 1.

      Introduction

      4:47

    • 2.

      Getting Started: Artist Toolkit

      7:07

    • 3.

      Lines & Shapes 1: Learning to See

      5:02

    • 4.

      Lines & Shapes 2: Exercise

      9:17

    • 5.

      Lines & Shapes 3: Observational Drawing Techniques

      15:20

    • 6.

      Lines & Shapes 4: Class Project Part I

      13:03

    • 7.

      Lines & Shapes 5: Summary & Further Practice

      1:27

    • 8.

      Value & Form 1: Intro to Value

      2:51

    • 9.

      Value & Form 2: Value Study Exercises

      22:04

    • 10.

      Value & Form 3: Intro to Form

      2:38

    • 11.

      Value & Form 4: Form Rendering Exercises

      7:17

    • 12.

      Value & Form 5: Value for Artists & Class Project Part II

      5:23

    • 13.

      Color & Light 1: Seeing Color

      5:14

    • 14.

      Color & Light 2: Plant Study

      15:53

    • 15.

      Color & Light 3: Understanding Color

      23:21

    • 16.

      Color & Light 4: Color Theory Exercise

      11:23

    • 17.

      Color & Light 5: Using Color

      9:53

    • 18.

      Color & Light 6: Class Project Part III

      6:57

    • 19.

      Color & Light 7: Summary

      1:37

    • 20.

      Portraits 1: Head & Face Basics

      13:48

    • 21.

      Portraits 2: Upper Body & Hands Basics

      7:55

    • 22.

      Portraits 3: Portrait Study Demo

      17:57

    • 23.

      Portraits 4: Class Project Part IV

      5:39

    • 24.

      Portraits 5: Summary & Further Study

      2:00

    • 25.

      Portraits 5: Summary & Further Study

      2:00

    • 26.

      Depth & Composition 1: Intro to Perspectives

      5:15

    • 27.

      Depth & Composition 2: Creating Depth in Planar Perspective

      3:02

    • 28.

      Depth & Composition 3: Intro to Composition Techniques

      5:37

    • 29.

      Depth & Composition 4: Class Project Part V

      25:07

    • 30.

      Depth & Composition 5: Summary

      1:53

    • 31.

      Final Thoughts & Tips

      1:42

  • --
  • Beginner level
  • Intermediate level
  • Advanced level
  • All levels

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Acerca de esta clase

¿Quieres mejorar tu dibujo, pero tienes dificultad para mantenerte motivado y practicar los conceptos básicos? Todos sabemos lo importante que es tener bases de dibujo sólidas. Esta clase enseña habilidades de dibujo fundamentales con ejercicios divertidos y hermosos y mi enfoque consciente característico.  Esta clase es para artistas principiantes e intermedios que quieran aprender las herramientas fundamentales para llevar sus dibujos al siguiente nivel ✨ 

Nuestra clase usará cinco temas clave con un enfoque 80/20

  1. Líneas y formas: Cómo ver como un artista y construir tus dibujos
  2. Valor y forma: Por último, comprende cómo funciona el valor y aprende cómo comunicar la forma
  3. Color y luz: Aprende a ver, entender y usar el color de una manera intuitiva
  4. Retratos: Un enfoque simplificado para construir la cara y las manos
  5. Profundidad y composición: Una visión general de la perspectiva y de cómo unirlo todo

Nuestra clase también está anclada por nuestra ilustración principal de Drawing Explorer, que combina las habilidades que aprenderás en cada lección en un proyecto de clase hermoso. 

Sin embargo, esta clase no solo se trata de copiar lo que ves o incluso de dibujar de manera realista, más allá de que aprendas a hacer eso al terminar la clase. Más bien, el propósito de esta clase es entender cómo funciona el conjunto de herramientas del artista, para que puedas usarlo para practicar y expresar tu propia visión creativa. 

Materiales: esta clase funcionará tanto para artistas digitales como para artistas tradicionales, con demostraciones de dibujo con Procreate, lápices de colores y gouache acrílico. Una lista completa de los materiales que uso en clase junto con referencias de dibujo y mis recursos favoritos para seguir estudiando, todo está disponible aquí: Materiales y recursos de clase

Libro de trabajo para descargar: esta clase incluye un libro de más de 30 páginas con resúmenes de los conceptos y ejercicios clave de cada lección. Puedes seguir el libro de trabajo si lo descargas en la sección Recursos de la pestaña Proyecto de clase. 

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Mimi Chao

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Hello I am the owner-illustrator of Mimochai, an independent creative studio based in LA. I'm here to share skills in drawing and mindful creativity. If you'd like to be updated on my new classes, just hit the +Follow button

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Transcripciones

1. Introducción: Como ex abogado, convertido en creativo de tiempo completo, sé lo difícil que puede ser aprender a dibujar las bases por tu cuenta. A pesar de que aprendí de libros y clases impartidas por grandes artistas, no siempre fue obvio cómo conectar los puntos y evolucionar hacia mi propio estilo. Se necesitó mucha práctica, estudio y experimentación para llegar a donde estoy hoy. Agradezco haber trabajado con clientes como Disney, Adobe y Samsung. Ahora puedo crear principalmente para mi estudio, Mimochai, donde hago mis propios productos ilustrados, hago un colapso divertido y albergo una comunidad internacional de dibujo que ayuda a las personas a superar sus obstáculos creativos y descubrir el ser creativo a través del arte del Fue esta comunidad la que en realidad me hizo darme cuenta de que quiero dar una clase sobre el dibujo de cimientos a mi manera. Recuerdo lo que es pensar tal vez es demasiado tarde para empezar a dibujar o tal vez nunca voy a ser bueno en esto. O incluso llegué bastante lejos sin dibujar cimientos, pero ahora estoy atascado y no sé cómo seguir creciendo. Sé que dibujar bases puede ser muy seco y aburrido de aprender. Puede resultar poco inspirador, especialmente para aquellos de nosotros que queremos dibujar en un estilo de ilustración moderno, alquilar una bola realista y una sombra podría no ser tan interesante para nosotros. La mayoría de los artistas principiantes que encuentro quieren una cosa, dibujar bellamente en su propio estilo. Lo entiendo totalmente, fui de la misma manera. Es decir, nos interesa dibujar porque vemos obras de otros artistas que admiramos y queremos saltar directo a Desafortunadamente, eso suele ser poner el carro antes que el caballo. Lo que me he dado cuenta una y otra vez en mi propio viaje es que si bien puedes saltarte los cimientos del dibujo, eventualmente encontrarás que estás limitado en lo mucho que realmente puedes evolucionar hacia tu propio estilo y expresarte realmente. ¿Cuáles son los fundamentos del dibujo? A nivel básico, estas técnicas fundamentales son sobre las que se construyen los dibujos y pinturas Piense en ellos como herramientas en el kit de herramientas de su artista o ingredientes en su despensa de artistas. Los agrupo en observación, línea, forma, valor, composición, forma, color y luz. Aprender estas habilidades son importantes tanto para observar el arte, por lo que puedes desglosar el trabajo de tu artista favorito y entender las elecciones que tomaron, para hacer tu propio arte, que puedas ser intencional sobre cómo usas cada uno a medida que desarrollas tu propio estilo único. Lo que me pareció faltante en este viaje de dibujo cuando estaba aprendiendo de libros y clases fue el cómo y el por qué al qué a la hora unir cómo dibujar con forma en que quiero dibujar en mi propio estilo El problema para mí era que la mayor parte de lo que estaba aprendiendo estaba enfocado en solo algunas de las herramientas y realmente no explicaba cómo todo se une en un dibujo realmente estilizado El foco estaba casi en su totalidad en estudios de dibujo realista y termina ahí, o en el lado opuesto, tutorial de un artista podría enseñarme dibujar en su estilo específico, pero no explicar todas las consideraciones subyacentes que me ayudarían a aplicarlo a mi propio estilo. Hay una gran diferencia entre saber cuáles son las habilidades y los pasos versus cómo se unieron y por qué los artistas tomaron las decisiones que hicieron. Decidí crear una clase de bases de dibujo usando mi propio enfoque porque realmente desearía tener algo así cuando aprendí a dibujar por primera vez. Un clásico da una visión clara no solo de cuáles son los cimientos del dibujo, sino de cómo conectar estos puntos para ayudarme a dibujar como quiero dibujar. Repaso todas las horas que pasé aprendiendo a dibujar bases y utilicé un enfoque 80/20 para armar una clase integral pero digerible que cubra las partes que marcaron la mayor diferencia para mi propio crecimiento y mejora Utilizo un proyecto de clase principal como ancla para todas las secciones e incluí muchos ejercicios adicionales para reforzar cada paso. Explico cómo ver como artista a través de la línea y la forma, valor y la forma, el color y la luz, retratos, y la profundidad y la composición. Lo más importante es que explico cómo todas estas herramientas y habilidades se conectan y se unen. Esta clase, por supuesto, no es un reemplazo para años de escuela de arte. En cambio, esto te va a dar una base y un punto de partida realmente fuertes para aprender todas las habilidades y tener un camino a seguir. Me gusta pensar en ello como proporcionar un mapa o guía para tu propio viaje de dibujo. Eso suena como lo que has estado buscando , comencemos. 2. Comienzo: kit de herramientas del artista: A lo largo de los años, he experimentado mucho y he simplificado mis herramientas de referencia en el proceso de dibujo en un flujo eficiente que funciona bien para También desarrollé algunas perspectivas que me han ayudado mucho en mi viaje creativo. A menudo nos enfrentamos a retos como la crítica interna y el miedo. Aquí hay una descripción general de lo que hay en el kit de herramientas de mi artista. Lo he dividido en tres partes. A pesar de que empecé casi exclusivamente como pintor digital, sentí que faltaba algo y comencé a experimentar con herramientas tradicionales. Ahora, me encanta usar medios tradicionales y digitales ya que cada uno tiene fortalezas y beneficios La sensación táctil de los medios tradicionales se siente tan grande y buena para el espíritu, mientras que la flexibilidad de los medios digitales son tan eficientes También encuentro que aprender uno me ayuda a mejorar al otro. He condensado mis herramientas de dibujo de referencia en un conjunto simple que puede caber en este pequeño estuche Tengo algunos lápices de grafito, carbones, bolígrafos de pincel y bolígrafos de tinta Comparto cómo utilizarlos en mi clase de páginas diarias, que voy a enlazar en la descripción a continuación. Ahora mismo, en realidad hago la mayor parte de mi dibujo con lápices de colores Prismacolor Yo también coloreo con estos y también me gusta aguada acrílica de Holbein o la pintura acrílica dorada Por supuesto, me encanta la pintura digital con Procreate en el iPad Cada una de estas herramientas tiene sus pros y sus contras. Los lápices son una manera excelente y fácil de comenzar. No requieren mucha limpieza y son fáciles de transportar. Los profesionales se mezclan maravillosamente y también me gusta mucho la textura. la baja, pueden cansar la mano fácilmente y realmente no puedes aclarar Si te vas demasiado oscuro, no hay vuelta atrás. pintura acrílica gouache tiene un precioso acabado mate que se parece a mis pinturas digitales Pintar simplemente se siente como una alegría una vez que sabes cómo hacerlo. La pintura en sí es muy opaca y también puede aplicar capas fácilmente y hacer correcciones o pintar por completo. En el lado negativo, requieren más preparación y limpieza y no son fáciles de transportar La pintura digital es como tener cientos de herramientas y pinturas contigo en una almohadilla súper delgada sin necesidad de limpieza El botón de deshacer, las incautaciones de tiempo y la miríada de efectos y ajustes son increíbles la baja, a menudo tienes que crear tus propias texturas más como una ilusión que como es con medios tradicionales donde es una ocurrencia orgánica natural En términos de experiencia táctil, me parece un poco menos satisfactorio que los medios tradicionales sobre papel o lienzo He compilado una lista de todas las herramientas que me gusta usar en una página de noción compartida. Es agradable porque puedo mantener esto actualizado ya que siempre estoy experimentando con nuevas herramientas y evolucionando mi práctica Puede encontrar un enlace a él en la descripción del video a continuación. Recuerda que siempre puedes comenzar con las herramientas que tienes. No dejes que esperar la herramienta perfecta te impida comenzar. Un lápiz y papel están bien. Incluso las mejores herramientas no suplieron la falta de habilidades, así que hablemos de las habilidades técnicas en nuestro kit de herramientas. A nivel básico, se trata técnicas iniciales sobre con dibujos y se construyen pinturas. Observación, la capacidad de ver como artista con precisión y sin nociones preconcebidas Línea, la capacidad de dibujar con líneas ingeniosas que reflejen lo que se observa o se imagina con precisión Forma, la capacidad de construir dibujos con bloques de construcción y formas familiares. Valor, la capacidad de ver y agrupar luces y obscuridad con intención y claridad Forma, la capacidad de comunicar la forma de un objeto usando valores que incluyen textura y masa. Color, la capacidad de ver, entender y usar el color tanto para precisión como para expresión. luz, la capacidad de renderizar la luz y aprovechar las ilusiones en color Composición, la capacidad de dirigir el ojo y enmarcar una imagen a tu intención, incluyendo el uso de profundidad y perspectiva. Aprender estas habilidades son importantes tanto para observar el arte para que puedas desglosar tu trabajo de artistas favoritos y entender las elecciones que tomaron como para hacer arte, que puedas ser intencional sobre cómo usas cada uno a medida que desarrollas tu propio estilo único. Por ejemplo, en mi ilustración, se puede observar que utilizo mayormente formas y sin líneas. Use una perspectiva planificadora, tenga un color relativamente plano, pero traiga un sistema de 2-3 valores para comunicarse de forma y use una clave alta mayor y menor para invocar una atmósfera brillante y enérgica Practicar y estudiar estas habilidades es realmente importante para mejorar nuestras habilidades fundamentales y nuestro propio estilo. Para encontrar un equilibrio saludable como creativo, he descubierto que es muy importante tener las herramientas mentales adecuadas más que cualquier otra cosa. La razón principal por la que encuentro que la gente deja ser creativa o nunca se inicia en absoluto es por su propio crítico interno y expectativas poco saludables Muchos de nosotros podemos relacionarnos con tener síndrome del impostor, dudas de uno mismo o simplemente miedo; miedo al fracaso, miedo a parecer estúpido o miedo a la página Incluso los grandes artistas sufren de estos. Para los principiantes, también voy a añadir que hay un fuerte síndrome de gratificación inmediata que puede causar mucho dolor Al ser conscientes de estos obstáculos desde el principio y aprender a manejarlos, podemos aprender a superarlos y seguir adelante Me parece muy importante aportar un sentido de atención plena al kit de herramientas del artista La atención plena se define como el tipo conciencia sin prejuicios de lo que está sucediendo dentro y alrededor de ti en el Cuando hablo de dibujo consciente, me refiero a traer esa actitud amable y sin prejuicios hacia ti mismo y tu trabajo Observar con curiosidad y conciencia abierta. Es natural y útil ver margen de mejora. Pero no dejes que tu voz autocrítica se vuelva tan fuerte y tan irrazonable que te impida crear Cuando inevitablemente surjan estas voces duras, solo puedes notarlas con cuidado y dejarlas pasar suavemente. Creo que estas perspectivas mentales son tan importantes como cualquier otra herramienta o habilidad en mi kit de herramientas artísticas, si no la más importante. Personalmente, he encontrado que la atención plena es una herramienta increíble para los creativos y el proceso de creación de arte Y realmente creo que la atención plena y la creatividad van de la mano Espero que pruebes estas herramientas mientras construyes tu propio kit de herramientas artísticas. Todo está en exploración. 3. Líneas y formas 1: aprender a ver: Empecemos con nuestras primeras herramientas. Esta sección trata sobre líneas y formas. Pero en realidad la primera herramienta de la que necesitamos hablar es la observación. Aprender a dibujar se trata realmente de aprender a ver. A medida que gradualmente cambies el ojo de tu artista, comenzarás a notar detalles que nunca antes habías visto ni siquiera en cosas que ves todos los días que crees conocer muy bien. También vas a empezar a ver nuevos colores, entender qué es el valor, y cómo la luz afecta a todo lo que vemos y experimentamos. Poco a poco, a medida que empieces a entender lo que estás viendo, vas a poder combinarlo con tus habilidades artísticas y otras herramientas para comenzar a expresar tu experiencia personal única de este mundo, y eso es lo que es realmente emocionante. Quería empezar con eso porque sé que algunos de estos simulacros pueden empezar a sentirse muy secos o muy aburridos, y aunque he tratado de hacerlos lo más divertidos posible, también es muy útil entender por qué estás aprendiendo estas cosas Así que puedes tener en cuenta que a medida que estás haciendo todos estos ejercicios técnicos, estás perfeccionando esta superpotencia básicamente de poder ver el mundo de esta manera nueva y mucho más vívida, entonces cada paso va a ser mucho más Entonces con eso dicho, comencemos con nuestros ejercicios. Antes de sumergirnos en los ejercicios y los ejercicios, quiero explicar cómo todo esto se junta en el dibujo que vamos a estar creando para nuestro proyecto de clase Cuando miras esta ilustración, ¿qué opinas de dibujar primero si te pidiera que recrearas este dibujo Por lo general, para los principiantes, van a estar pensando en comenzar con un detalle que vean o comenzar con algo que no sea necesariamente una forma. Para los artistas que han sido entrenados para mirar el dibujo observacional, comenzarán a descomponer esto en formas Entonces quiero que te tomes un momento ahora mismo antes de pasar a identificar solo inicialmente cualquier forma que veas. Déjame mostrarte cómo voy a descomponer esto. Tan realmente obvio, las formas son por supuesto, este círculo aquí mismo. Entonces digamos que aquí está todo este muro, y aquí hay un óvalo. Ahí atrás está esta forma de cilindro. Después hay forma ovalada de su cabeza. También tiene forma de triángulo con su cabello. Aquí hay otra forma de triángulo que podría ser un poco menos obvia. Entonces trunca la forma de triángulo aquí, y por supuesto todos estos pequeños artículos también son pequeños rectángulos y pequeños cilindros Ahí atrás hay un cilindro en la cara atrás. Cada una de estas flores, se podría decir es un círculo grande, o se compone de unas elipses más pequeñas Luego está, por supuesto, esta puerta arqueada en la parte posterior, que es un Sus brazos se pueden descomponer en estas formas trapezoidales o triángulos Entonces lo mismo en su otro lado. Sólo voy a imaginarlo pasando por todo el camino. Lo cual es otro aspecto importante del dibujo observacional ya que inicialmente estás empezando a componer o entender la construcción de cómo se arma un dibujo Todo su cuerpo tiene esta forma trapezoidal. Entonces el libro es este tipo de rectángulo en perspectiva. El lápiz es un pequeño cilindro. Incluso puedes llenar cualquier cosa los cilindros o las patas del telescopio, e incluso sus pequeños rasgos, podría ver que esto es un triángulo. Esta es otra forma de hoja, forma de hoja. Entonces claro, aquí todas estas pequeñas formas de hojitas. Es una forma que uso mucho. Así que casi cuento la forma de la hoja como parte de la agrupación de rectángulo círculo, cuadrado, triángulo. Entonces esa es una manera de descomponer esta ilustración en formas. Entonces también puedes empezar a pensar en el panorama general, ¿cuáles son los patrones de forma generales que estás viendo en una imagen? Por ejemplo, en esta imagen está aquí esta composición general del triángulo. Entonces la puerta arqueada crea esta forma y marco más grandes detrás de nuestro personaje Entonces también estoy mirando el gesto general de cómo se colocan las cosas y viendo cómo están enmarcando nuestro personaje Entonces por aquí simplificamos esto en un círculo y un rectángulo. Esas son las formas principales que estoy viendo en esta ilustración. 4. Líneas y formas 2: ejercicio: Ahora que sabemos lo que estamos buscando, podemos volver atrás y empezar a trabajar en algunos taladros de calentamiento en lápiz y papel normales Nuestro primer ejercicio va a ser simplemente dibujar líneas rectas. Un papel punteado es bueno para proporcionar algunas pautas para eso. Pero honestamente, el papel en blanco funciona igual de bien en mi opinión. El objetivo de este taladro es que tu mano se acostumbre a dibujar líneas rectas porque es algo que es muy útil a lo largo del dibujo. Nuevamente, podrás traer algo de ese movimiento con el codo y el hombro y hacerte una idea de eso para que puedas intentar recrear la naturalidad de algunos de esos dibujos cuando estás dibujando muy apretado con los riesgos, que es como tienes que dibujar con muchas herramientas digitales Dicho esto, comencemos con algunas líneas. Con estos estoy pivotando desde mi codo, y definitivamente se siente diferente a si solo trato de dibujar de mi muñeca, lo que ahora mismo estoy tratando de hacer y se siente apretado Lo que es más importante que ser líneas perfectamente rectas, es que se sientan naturales y me den esa libertad de movimiento, y evita el tipo de dibujo de rayado muy apretado con el que suelen trabajar los principiantes Después dibujas muchas líneas rectas, y te recomiendo hacer páginas y páginas de estas. Sé que puede sonar aburrido, pero puedes hacerlas cuando hablas por teléfono o estás viendo televisión, o cuando solo estás esperando a alguien, para que llevar un cuaderno de bocetos sea de gran ayuda para Después de líneas rectas también es realmente genial para practicar líneas curvas. Nuevamente, algunas personas las practican para hacerlas lo más perfectas y espaciadas de manera uniforme posible. Personalmente encuentro que la regla 80/20 significa que solo quiero tener una sensación natural y poder crear la forma general que quiero, pero no necesita ser exactamente perfecta como al dado Ahora pasemos a las formas. Después de las líneas, lo siguiente mejor para practicar son los círculos y elipses porque conforman gran parte de nuestros dibujos Mucha gente está muy impresionada cuando alguien puede simplemente dibujar una mano libre, un círculo perfecto, y eso solo viene de memoria muscular y hacerlo una y otra vez. Lo bueno del papel punteado es que si quieres, puedes practicar entrenando tu brazo o tu coordinación de mano de hierro para ajustarlo dentro de una medida particular. Puedes sentir la diferencia entre estos pequeños círculos apretados con la muñeca y luego uno más grande con el codo y el hombro. Entonces otro gran ejercicio es dibujar elipses que son solo óvalos A lo mejor hacerlas en diferentes direcciones, diferentes tamaños. Así de simples pueden ser tus ejercicios de calentamiento de círculo y elipse Nuevamente, lo mismo con las líneas y te recomiendo hacer páginas y páginas de estas solo para que tu brazo obtenga esa memoria muscular de cómo dibuja líneas suaves y círculos suaves. Ahora, personalmente voy a volver al iPad y a Procreate porque de esa manera puedo grabar en pantalla y borrar demos de lo que estoy dibujando Pero eres totalmente bienvenido a seguir usando los medios tradicionales para seguir adelante Tenemos nuestro círculo, cuadrado, triángulo y rectángulo. Por supuesto que un rectángulo es solo un cuadrado alargado y reducido Pero los que necesitan convertirse en la esfera, el cubo, el cono, y el cilindro, por lo que incluimos el rectángulo al final. Para una esfera, comenzamos con el círculo, y luego puedes crear estas líneas que sugieren la esfera. Entonces otra vez, otra curva sobre la cara del círculo. Si quieres, puedes continuar eso todo el camino para que puedas tener una idea de la parte posterior de la esfera. Se puede empezar a ver cómo eso ya se junta para sugerir algo de esa forma. Con la caja, nuevamente, comienzas con el cuadrado, y luego lo extiendes y puedes simplemente crear estas líneas paralelas que salen de lado Dibuja la parte posterior de la caja, ciérrela en la parte inferior y luego cerrándola por la parte posterior. Entonces puedes crear las líneas punteadas, estas dos forman un cuadrado en la parte posterior para crear la cara inferior de nuestro cubo. Con un cono, quieres crear las dos primeras patas del triángulo, y luego crear una elipse en la parte inferior en lugar de una línea recta También puedes dibujar una línea punteada por el medio, que termina en la mitad de la parte inferior del círculo del cono, para sugerir el volumen interior de ese cono. Ahora con el cilindro, es similar porque si quieres imaginar dos círculos en la parte superior e inferior del cilindro, y luego una forma de rectángulo si estás mirando recto hacia el cilindro. Al igual que el cono, vas a comenzar con los dos lados rectos, pero luego vas a dibujar fondo curvo y un top curvo para sugerir esa elipse De nuevo, se puede trazar una línea por el medio, terminando en la mitad de la parte inferior para sugerir ese volumen en su interior. Te sugiero que practiques dibujar esas al igual que las líneas y las elipses una y otra vez para que puedas empezar a familiarizarte con estirarlas o mostrarlas en diferentes ángulos De hecho compré estos juguetes de madera que técnicamente son para niños, pero son grandes modelos para hacer algunos estudios propios. Lo bueno de eso es que solo puedes mirarlos desde diferentes ángulos y dibujarlos de cara hacia adelante. vería como si los estuvieras mirando desde abajo o desde arriba, viniendo hacia ti o alejándote de ti. Tienen básicamente todas las formas que necesitas. Creo que estos son realmente geniales porque puedes crear algunos bodegones propios. Úselos con ejercicios de iluminación de los que hablaremos más adelante. Para conseguir el conjunto completo no era demasiado caro y puedes usarlos para siempre. Lo siguiente de lo que quiero hablar es cómo puedes hacer algunos ejercicios de calentamiento rápido de una manera divertida Sé que dibujar círculos y líneas y las formas no son necesariamente lo más emocionante del mundo, y así se me ocurrió este ejercicio que ojalá sea una forma de que simplemente dibujes algo rápidamente si tienes, digamos, 5-15 minutos por la mañana, es una gran manera de ser consciente y conseguir tu ejercicio de dibujo La idea con este ejercicio es que estés creando tus propios arreglos florales usando formas básicas de construcción. Empecé con esta elipse en la parte inferior, y otra elipse para crear esta forma de sombra debajo de ella o una placa, y luego el agujero de apertura Entonces dibujé en mis líneas curvas. Una forma muy sencilla de abordar esto es simplemente dibujar dos en ángulo y luego entrecruzar una o dos más yendo hacia el otro y dibujando algunas ramas que salen de Entonces solo siguiendo esas líneas y creando un ramo de flores diferentes solo a través de simples círculos. Luego agregando hojas entre esos círculos. Obviamente he variado las formas, los tamaños, y luego agregué hojas cada vez más grandes en el Vamos a parar aquí por ahora. Pero claro puedes continuar esto con el color y con renderizado y practicando el sombreado cuando hablemos de eso más adelante Es realmente agradable porque puedes estar en el flujo y simplemente expresar tus emociones actuales o tu estado mental actual a través de estas diferentes formas. Puedes, por supuesto, traer triángulos y traer cajas y agregar tazas de té al frente, crear un arreglo diario y tal vez usando el color o la forma en crear un arreglo diario y tal vez que usas el valor, lo que hablaremos más adelante Puedes indicar tu estado de ánimo actual o simplemente tus colores favoritos, lo que sea que te guste. muy sencilla de no necesitar pensar otra cosa que no sea meterse en esos calentamientos Como mencioné antes, dibujar líneas rectas es muy importante para practicar, sé que se puede secar un poco. Este boceto es un gran ejemplo de algo donde puedes comenzar con solo algunas líneas en el fondo, y te voy a mostrar un poco de cómo se vería eso para que puedas crear algunos fondos y texturas interesantes para tus bocetos 5. Líneas y formas 3: técnicas de dibujo observacionales: Entonces ese fue un ejemplo de dibujar algo desde la imaginación o no cualquier referencia, pero un lugar importante para que los principiantes comiencen a aprender a dibujar es a través de la práctica observacional, y así es en lo que va a enfocarse gran parte de esta clase Voy a estar usando esta foto que he tomado de unas bolitas de Billy y un jarrón. Lo bueno de esto es que está construido a partir de formas realmente simples, pero también es algo que es agradable a la vista y agradable de dibujar. Voy a poder mostrarte cada paso del dibujo observacional a través de esta fotografía muy simple o aparentemente simple para que luego puedas aplicarla a dibujos observacionales Antes de adentrarnos en los métodos técnicamente más precisos del dibujo observacional, quiero hablar primero sobre el dibujo por gestos, que creo que es realmente fundamental e importante Los dibujos de gestos son bocetos realmente rápidos que usas trabajo de líneas sueltas que solo estábamos practicando y el objetivo es capturar el gesto y movimiento de tu objeto Se puede pensar en ella como su esencia o incluso su espíritu. A menudo, tu papel como artista es sacar a relucir ese gesto a menos que tu intención sea tener un diseño muy rígido o estructural De cualquier manera, comenzar a entrenar gesto como un instinto natural en tu flujo de trabajo ayudará a traer más alma y energía a tu trabajo final Nuestro dibujo por gestos se enseña más comúnmente en el contexto del dibujo de figuras, todo tiene un gesto. Una cortina tiene un gesto en la forma en que se pliega, una roca tiene un gesto en la dirección en la que se sienta y es ángulo. Quiero mostrarles que hasta este simple bodegón tiene un gesto. Mira cómo son las bolas como cabecitas inclinadas en diferentes direcciones Por supuesto, los tallos tienen este gesto natural que puedes exagerar. Este jarrón y cómo se curva tiene un gesto también. Así que así es como podría buscarme un boceto rápido de gestos. Podría hacer esto muy a la ligera antes de comenzar mi bloqueo, o simplemente tener como calentamiento en una capa separada Quiero tener esto en mente y volver a entrar cuando termine con mi dibujo para ver si he perdido algún gesto que pueda traer de vuelta. Quiero señalar que el gesto no está solo en los objetos individuales de un dibujo. Recuerden que señalé antes que toda la composición de nuestra ilustración principal tiene un gesto hacia ella. Todo un paisaje puede tener un gesto. Pero comenzar por notarlo en objetos individuales ayudará a perfeccionar tu capacidad para verlo en el panorama general y tu habilidad para sacarlo de tus futuras composiciones Ahora que tenemos una comprensión de un dibujo gestual básico, hablemos de métodos de dibujo observacional más técnicamente precisos de dibujo observacional Vamos a estar platicando a través ocho enfoques diferentes para el dibujo observacional Vamos a estar hablando del bloqueo, luego identificando las formas, puntos de referencia, ángulos, proporciones, espacio negativo, formas de sombra, y luego revisando tu estudio con una cuadrícula o un flip Ahora bien, todos esos términos pueden sonar muy misteriosos o desconocidos para ti en este momento, pero al final de esta secuencia, vas a entenderlos a todos y podrás usarlos en tus estudios de croquis observacionales Un bloqueo significa identificar primero el marco general del objeto que estás dibujando y creando el espacio en el que vive Estoy viendo básicamente esta forma general. Al principio, dibujar lado con una foto de referencia de dibujo, u otra ilustración es una excelente manera de practicar tu habilidad para medir con tus ojos Es una comparación directa muy similar frente a tenerlo en la pantalla en algún lugar o de un tamaño diferente, y esto también se conoce a veces como medición del tamaño del sitio. Mientras dibujo, constantemente miro de un lado a otro entre mi boceto y la fotografía. Como esto es aún más sencillo, incluso puedo empezar a poner en estas líneas que estoy viendo y tal vez incluso esta mesa trasera, para que pueda crear el marco. Yo agregaría el marco a tu dibujo porque el marco sí ayuda con muchas de las medidas. El siguiente paso es identificar las formas que están dentro de tu referencia. Este es muy sencillo, pero creo que es importante comenzar con algo sencillo y obvio porque también van a haber detalles que quizás no hayas notado en esta cosa que parece muy obvia. Por supuesto, estas pequeñas flores de billy bob tienen esta forma de círculo. Estas son líneas, pero también, puede pensar en ellas como cilindros muy delgados, y luego está, por supuesto, esta forma aquí mismo, que es la apertura del jarrón, esta forma general de guijarro A lo mejor incluso puse ahí esa línea de sombra para que pueda empezar a imaginarlo. Esas son las cosas que lo estoy viendo, y entonces tal vez esta sombra de aquí abajo también. Técnicamente es una abertura en esta superficie. Entonces técnicamente puedes decir que hay una forma de rectángulo aquí atrás. Una cosa en la que realmente quiero enfatizar es que quieres iniciar la luz. Así que empieza con un boceto a lápiz muy ligero, sobre todo con el block-in Si estás usando carbón, por ejemplo, o lápiz de grafito, quieres comenzar con el toque más ligero posible, y luego construyes más y más oscuro Si empiezas con un bloqueo realmente pesado y oscuro, esas no van a ser tus líneas finales y van a destacar o serán más difíciles de tapar más tarde en tus dibujos Así que siempre empieza claro y luego pasa a cada vez más oscuro. Ahora bien, lo siguiente de lo que quiero hablar son los hitos. Puntos de referencia o cualquier punto en el que quieras enfocarte en un objeto que estés viendo o algo en la vida real. Entonces para mí los hitos son este punto de contacto aquí mismo, donde estos se cruzan en este jarrón, y tal vez hasta la relación de donde termina esta bola y empieza este jarrón Con este jarrón, por supuesto, no es importante que sea súper preciso sobre lo grande que es la apertura del jarrón, por ejemplo, pero es genial comenzar a entrenar tu ojo para ver esas cosas porque van a haber cosas donde es realmente importante, como, la cara de alguien. Entonces, a partir de aquí, los hitos, los ángulos , las proporciones y el espacio negativo , las proporciones y el espacio negativo trabajan juntos en armonía. Déjame hablar a través de cada uno de esos. Con ángulos, estoy hablando de cosas así, viendo cómo estos ángulos se unen, incluso cómo este tallo se dobla y luego regresa. Cómo sube un poco este jarrón antes de bajar. Cómo este ángulo recto oye toca la mesa. Básicamente, los ángulos son pistas, y ayudan a guiar cómo vas a dibujar, y una excelente manera de verificar si hay errores Entonces por ejemplo, antes cuando estaba mirando el hito, me estaba dando cuenta de este hito o este ángulo que estaba un poco apagado, y eso me ayuda a corregir este tallo, También está este ángulo aquí mismo. Ahora ya se ve mucho mejor. Entonces estoy mirando la pendiente de esto y cómo se ve este ángulo, cómo se conecta a la mesa. Hay ángulos por todo el lugar, especialmente en tangentes, o donde los objetos se encuentran entre sí Además de los ángulos, mirarás el espacio negativo. Cuando miramos un objeto, tendemos a simplemente mirar lo físico con lo que estamos familiarizados, pero es crear muchas formas dentro de la imagen de referencia o en la vida real que son igual de útiles para nuestro dibujo. Entonces, el espacio negativo son solo espacios como este que son creados por el espacio entre objetos E incluso estas cosas contarían como espacio negativo en esta forma aquí mismo. Técnicamente existe este espacio negativo creado por aquí, al final solo para ver un detalle que podría haberse perdido antes, un muy buen ejemplo de ello. Y luego otra cosa que podemos comprobar son las proporciones. Para una medición extremadamente precisa de los dibujos, muchos artistas usarán su lápiz, por ejemplo, tendido así, o usando sus dedos, y esa es una forma muy común de comprobar qué tan grande es algo. Entonces di que esta es una bola de vellosidades y yo estoy como, bien, 1, 2, 3, 4, 5 Entonces hay alrededor de cinco bolitas de diferencia entre dónde está la flor y dónde comienza la base, y así mi dibujo debería tener eso también. Así puedo contar en o globo ocular 1, 2, 3, 4, 5 Eso se ve bastante exacto. Estoy viendo este círculo comparado con este círculo, y en realidad solo estoy notando que se ve más estrecho en esta foto que en este dibujo, así que voy a sacar eso un poco más a colación Y por último, una cosa que puedes mirar son las formas de sombra. Entonces mucha gente realmente no presta atención al principio a la luz y la sombra, pero esos son otro gran lugar para buscar pistas sobre cómo construir tu dibujo Será aún más importante cuando comencemos a hablar valor en la siguiente sección, pero incluso ahora mismo, solo hay que colocar en esas formas de sombra y de hecho ayudará a crear esa sensación de volumen en muchos casos. Entonces aquí estoy viendo esta forma de sombra en la parte inferior de la bola de vellosidades, y técnicamente puedo conseguir súper detallado con las pequeñas piezas dentro de la flor, Pero por ahora no voy a Obviamente está esta, y luego está esta grande por aquí. Voy a colocar esa, y ahí está esta sombra aquí arriba y luego, por supuesto, esta en la parte inferior. Lo último que puedes hacer es simplemente voltear tu dibujo o agregar una cuadrícula a ambos para que puedas verificarlo. Puedo usar esto como una forma de revisar mi trabajo y puedo ver que no es perfecto. Puedo empezar a ver dónde he calculado mal qué tan lejos a un lado va el jarrón y cuánto es correcta o no la relación entre las bolas y el resto de la imagen Y también pueden voltear esta imagen solo para comprobar que se ve en general bien y no distorsionada. Y esos se vuelven aún más útiles cuando estás dibujando cosas como rostros humanos. Siempre se puede aprender de eso. En este caso, realmente no importa que la cara sea un poco más larga que la de la foto de referencia, pero si estaba tratando de ser súper precisa, esto es algo que volvería y arreglaría y sería consciente porque esas son las pequeñas cosas que si se quiere crear un dibujo observacional realmente preciso van a ser muy En lugar de trazar lo que pueda, recomendaría simplemente mantenerlo lado y corregir a partir de ahí. De esta manera realmente puedes entrenar tu ojo. Una forma en la que debería haber comprobado es mirando esta relación. Aquí obviamente es mucho más pequeño, y eso me dice que este tipo está saliendo un poco demasiado lejos. Otra forma de verificar es verificar este ángulo. Un lápiz es una excelente manera de medir realmente el ángulo, y luego bajarlo a tu papel para asegurarte de que coincida. Voy así, borde a borde. Me voy a mudar por aquí. Esta nueva línea se ve mucho más precisa. Y luego lo mismo de este lado, mirando esta forma aquí mismo en relación a esto, así que esta obviamente es un poco más ancha, esta es un poco más corta pero no tanto más corta, así que voy a querer extender esto un poco más para que se vea un poco más proporcional a mi referencia. Este es mi estudio de boceto y quieres limpiarlo para trabajos de línea, simplemente creas otra capa, o usa papel de calco o una caja de luz para crear un trabajo de línea limpia encima de tu boceto. Y esa es una gran manera de practicar tener la capacidad de limpiar el trabajo ligero, conseguir esas líneas realmente rectas en una sola y hechas. Voy a hacer un poco de práctica rápida aquí y puedes seguir adelante o saltar a la siguiente sección. De hecho quiero filmar el bloque, nuevamente usando el efecto de superposición de cuadrícula para que la gente pueda ver cómo sería eso. Cuando recién estás comenzando, es útil usar una cuadrícula como una opción para ayudarte a entrenar tu ojo para mirar puntos de referencia y dónde se cruzan las cosas y cómo hacer una medición cuidadosa mí personalmente no me gusta usar esto después poco de práctica con él porque puede convertirse en una muleta No estás prestando tanta atención a tu conciencia natural de tu capacidad para usar tus ojos, solo para medirlo por tu cuenta sin pautas porque no hay pautas por ahí en el mundo real Esta puede ser una buena manera de empezar a entrenar tu ojo, pero eventualmente lo usaría para revisar tu trabajo en lugar de confiar siempre en tenerlo para crear un dibujo perfectamente preciso. Esto de alguna manera ha creado el marco para que coincida exactamente. Este es el punto medio del Lienzo, los tengo exactamente ocupando la mitad del espacio para que sepa que mis proporciones serán exactamente las mismas. Nuevamente, no necesariamente estaría dibujando con líneas tan gruesas u oscuras como mi bloque en, pero quiero asegurarme de que sea legible para ti. Cuando lo hago por mi cuenta, me encanta usar un color melocotón claro y una mano mucho más clara para que sea solo un dibujo subyacente muy incompleto para mi color posterior en la parte superior Las líneas de la cuadrícula pueden ser un poco difíciles de ver y solo quiero mostrarte, las enciendes encendiendo la guía de dibujo en Canvas, y puedes editar la guía de dibujo para muchas cosas como qué tan gruesas son las líneas, qué tan grandes, así que hazlas mucho más grandes. Lo estoy haciendo con unas cinco cajas ancho porque para mí eso se siente como la cantidad correcta de suficiente información, pero no súper pequeña. Entonces puedes cambiar la opacidad y por supuesto, el color. Entonces me gusta tenerlos bastante ligeros, pero así es como lo cambiarías. Aquí solo les voy a mostrar que ponerlo sobre lo preciso que puede ser este método, y así es como se hacen muchos murales grandes, pinturas de vida usando este método de cuadrícula Comparemos este dibujo lineal final con el dibujo de gestos que hicimos antes. Estoy notando que podría inclinar un poco más las cabezas de las flores para que parezca aún más que se están conduciendo entre sí y exagerar algunas de estas curvas para darles más vida Es agradable comenzar con marcas de gestos rápidas porque puede perderse fácilmente cuando te metes en el trabajo de medición detallado de un dibujo observacional 6. Líneas y formas 4: proyecto de clase parte I: Proporciono muchas fotos de referencia y recomendaciones que puedo seguir practicando estos estudios observacionales Por ahora, empecemos a trabajar en nuestro proyecto de clase para usar esa misma capacitación para observar una ilustración y hacer el bloque y los puntos de referencia, los ángulos y todo eso a nuestro boceto de dibujo de base estructural. Estoy buscando hacer mi bloqueo en primer lugar. Para mi bloqueo, estoy mirando la forma general alrededor del exterior. Entonces, al mismo tiempo, voy a empezar a mirar las formas generales y puntos de referencia. Como dije, a pesar de que te mostré cada uno de los métodos de medición como elementos separados, ahí, como habrás notado, algo que empieza a integrarse todos juntos. Cuando estás mirando el espacio negativo, también estás notando ángulos. Cuando estás tomando proporciones, también estás viendo tus puntos de referencia, así sucesivamente y así sucesivamente. Aquí para el bloque en, ya estoy empezando a mirar las relaciones de lo lejos que está esa línea del borde de las fronteras. Algunos de estos ángulos aquí entre el telescopio y las flores y el telescopio y esta puerta trasera, arco Lo mismo con este jarrón en el fondo, viendo lo lejos que está eso del fondo de mi marco, y luego volviendo a subir. Al notar que este libro es un poco más alto que el fondo de este jarrón Lo mismo con el fondo de este globo, un poco más alto que este jarrón. Entonces este flujo está llegando a este borde aquí mismo. Entonces viniendo un poco sobre estas áreas de libros y va a empezar a colocar un poco de eso. Entonces necesito ese punto para empezar a sentir por dónde empiezan a surgir estas flores. Aquí está esta flor que no toca la puerta del todo y tiene un poco menos de espacio que el globo desde el borde de la seca. Yo estoy viendo eso. Entonces vuelvo a esto y noto este ángulo justo aquí y la distancia Esta línea inicial que puse en realidad está un poco demasiado cerca del borde. Por eso es como un rompecabezas. Si sigues revisando todas tus medidas, no puedes equivocarte porque te atraparás a ti mismo. Quiero parar aquí como mi cuadra y puedo empezar a hacer un poco de la chica. Su cabeza empieza un poco por debajo del telescopio. Su cabello está un poco alejado de esta flor de aquí, así. Empiezo a verificar ángulos al mismo tiempo, solo mirando este ángulo del telescopio. Entonces su cabello viene por aquí y estoy empezando a mirar esta forma, esta forma de espacio negativo que se está creando. Lo mismo aquí mismo. Ahí está esta pequeña forma de espacio negativo. A pesar de que técnicamente no he ido al lado de verificación de espacio negativo, al menos estoy notando y observando naturalmente esas cosas para mi bloqueo en Voy a ocuparme de todos esos pequeños espacios negativos más tarde. Sólo necesito saber dónde está su posición general y quiero codazos y manos ahora mismo. A ver. Voy a colocarlos aquí, notando su brazo en el libro Entonces su mano sale un poco más allá del globo. A continuación, empiezo a notar las formas que componen este dibujo. Voy a empezar a colocar algunos de esos. Coloca esta esfera por aquí. Aquí tiene forma rectangular. Para esta parte, estoy dibujando mucho porque quiero asegurarme de que mi ilustración se alinee. Dibujando esta forma aquí, poca apertura. Lo mismo con el portalápices de este lado. Puedo seguir comprobando que mis líneas coincidan. Entonces dibujando en esta regla, se puede obtener muy detallado. Aquí puedes verificar el ángulo y luego notar el espacio negativo y el ángulo que se crea entre el lápiz y la regla. Este telescopio tiene aquí esta parte cilíndrica para la lente. Entra un poquito y luego baja a por aquí más allá de su hombro. Mira, estoy viendo esta distancia entre las dos piernas así como el ángulo aquí. Esa pierna en realidad necesita estar más allá de este lápiz. Este lápiz es más por aquí. Luego está esta pierna. Entonces puedo ver que esta pierna en la parte posterior está comenzando básicamente desde el borde de esta puerta Ese es otro punto de referencia, hito. Puedo mirar este espacio negativo aquí mismo y colocar la pata de ese. Puedo ver que la pata entra en el jarrón justo por ahí y tiene este pequeño ángulo. Se ve bien. Esta pierna, no la puedes ver pero termina justo alrededor de este lado de la caja de lápices. Entonces sólo voy a rematar esta parte ya que estoy aquí con esta hoja, que casi le toca el pelo aquí. Ese es un buen punto de referencia. Después poniendo en esta flor. Con una flor, hay algunas formas en las que puedo hacerlo. Puedo mirar muy exactamente con donde está la línea. Puedo ponerlo en la forma general primero. Estás constantemente midiendo y comprobando, te unes como una pieza de rompecabezas y naturalmente, captas tus errores. Es natural tener muchos de esos errores al principio y como esta parte del proceso y la práctica. Simplemente siéntete orgulloso de ti mismo en realidad cuando atrapes esos errores. O simplemente imprecisiones generales para que puedas seguir adelante y corregirlas y simplemente entrenar tu ojo para ver cada vez con más claridad y De nuevo, solo estoy constantemente mirando hacia atrás y hacia adelante. Este puedo ver este borde está justo aquí en relación a la puerta Aquí está saliendo una hojita. Entonces esta hoja está dentro de la puerta. Ahí está este pequeño rincón verde del jarrón asomando. Las hojas de este lado o así en relación con, estoy viendo ¿dónde se sienta esto a esta flor? ¿Dónde se asienta esto a este jarrón en esta flor y luego el uno al otro? ¿Qué ángulo es ese? Definitivamente voy a estar comprobando estas flores más tarde porque hay muchas medidas que pueden ir con su cuerpo Esta flor también. Puedo ver porque la parte superior de su cabeza va a estar por aquí, entonces esto es en realidad solo un poco más alto que este, que está todo el camino aquí abajo y definitivamente más bajo que la parte superior de su cabeza. Tengo que bajar ese camino. Ahora vamos a llegar a la chica. ¿Cuáles son algunos buenos puntos de medición? Este pelo que sale hasta aquí. Su cabello formando este espacio negativo aquí es lo que estoy viendo ahora mismo. Entonces ahí está este bonito espacio negativo. Puedo traer el pelo así. Nuevamente, tratando de no pensar esto como pelo. ¿Cuál es esa forma? Eso parece un pez, en realidad, un pequeño pez negro. Entonces este de aquí se ve como el telón. Entonces su cara. Yo sólo voy a llamar a esa cara para que podamos hacer referencia lo mismo que a este ángulo así. Entonces su mano sale así. Entonces en realidad está este pequeño espacio negativo entre su pulgar y sus dedos traseros. Ahora estoy mirando su barbilla que le sale un poco por encima de su cabello, así. Déjame ver si dibujé esta línea correctamente. Entonces puedes ver esta forma que se está creando desde su cono hasta su cuello. Dibujando en su chaqueta ahora. Puedo ver que el brazo está tan lejos de su telescopio. Su chamarra sube hasta aquí. Entonces tiene aquí este espacio negativo. Ponemos en esta forma de sombra. Con puntos de referencia y ángulos, muchas veces también estoy deseando ver la línea todo el camino y eso es realmente útil. No necesariamente pensarías asociar la apertura de su chaqueta con el lápiz, pero verás que en realidad ese es un punto de referencia muy útil. Eso me va a ayudar a colocar mi lápiz más tarde también. Estoy empezando a entrar en los detalles finos ahora, así que estoy viendo este espacio negativo aquí. En realidad, uso el espacio negativo como qué, como herramienta de medición. Empiezo a ver que todos estos artículos están realmente sentados un poco demasiado altos, lo cual es una solución fácil. Pero si no nos dimos cuenta de eso, eso podría convertirse en un gran problema más adelante. Este globo en realidad es demasiado grande. Es tirar muchas cosas fuera. La parte superior de la flor ahí dentro. Eso significa que esto va un poco más adentro. Esa es parte fue tirar muchas de estas medidas de flores antes. Estos son en realidad ejemplos perfectos de cosas a tener en cuenta, así que me alegro. Ahora eso se ve mucho mejor. Tengo el pequeño recorte aquí mismo. He visto esto como un recorte. Es el espacio entre su brazo y su cuerpo. Entonces vea esta conexión entre la cabeza del lápiz en la parte superior de su axila, así dibujando eso en Eso me va a ayudar a colocar mi mano dibujando a mano. Mirando esta pequeña forma que se está creando. No vamos a entrar en los detalles de los dedos ahora mismo. Eso lo haremos más tarde seguro. Pero por ahora, solo estoy mirando la forma general, que es como una cajita, como una roca. Realmente está empezando a unirse. Sólo tengo algunos detalles más. La izquierda en su cara. Esto es súper complicado, pero muy divertido de dibujar. Voy a ponerlo en las líneas básicas para que pueda darme una herramienta de medición. Entonces a partir de ahí, se lo pones en los ojos de ella. Eso está empezando a verse muy de cerca. Recuerda, puedes comprobarlo volteando esta imagen. Eso se ve bastante bien. Veamos la superposición. Bastante cerca. Puedo ver que el globo aún necesita algo de trabajo, pero muchos de los elementos tienen razón. El telescopio de aquí arriba necesita un poco más de trabajo. Si tuviera que tomarme el tiempo para volver a verificar, debería haber recordado que debería haberme puesto un poco más por encima de su cabeza de lo que está aquí Pero en general, este es un gran ejemplo de cómo puedes usar todas las herramientas que te mostré para medir y buscar crear bocetos de observación 7. Líneas y formas 5: resumen y práctica adicional: Aprendimos mucho en esta sección. Repasemos un rápido resumen de los puntos clave que cubrimos. Aprender a dibujar se trata de aprender a ver. Dejar ir las nociones preconcebidas nos permite ver qué hay realmente ahí Los dibujos se construyen a partir de líneas y formas, por lo que necesitamos practicar dibujándolos bien y practicando verlos en todo lo que observamos. Además de la forma y estructura de un objeto, es importante ver su gesto. Todo tiene un gesto, todo tiene espíritu. semana pasada repasamos las ocho técnicas de dibujo observacional que puedes usar para perfeccionar tu coordinación ojo-mano y mejorar la precisión de tus Entonces para continuar con tu práctica, solo mantente en ello. Hacer dibujos en las páginas de líneas y formas. Hazlos otra vez. Prueba otras imágenes cuando se trata de dibujos observacionales. Recomiendo practicar un flujo de dibujo usando el dibujo por gestos y luego las ocho técnicas de dibujo observacional Puedes usar mis referencias de dibujo curadas que te he proporcionado o encontrar las tuyas propias o dibujar de la vida Estas son formas realmente fáciles de llenar las páginas de su libro de bocetos, construir su memoria muscular y ayudar a practicar la atención plena mientras crea Para estudios más profundos sobre estos temas, consulte mis recomendaciones en los recursos de clase. Cuando te sientas listo, pasemos a la siguiente sección. 8. 3: Bienvenido a la Parte 2 de mi clase de bases de dibujo. En la primera parte cubrimos líneas y formas, y vimos cómo son los bloques de construcción de todos nuestros dibujos. En la mayor parte de la formación artística, el proceso gigante se divide en tres etapas. Hay línea, forma y forma. puede pensar en ello como pasar del trabajo lineal unidimensional, a formas aplanadas bidimensionales, y finalmente a formas y finalmente a En esta sección vamos a pasar de líneas y formas, y hacia el valor y la forma. Tenemos que comenzar con el valor porque eso es lo que va a llevar a una comprensión de cómo darle una forma 2D a su forma. ¿Qué es el valor? El valor es lo claro u oscuro es un objeto de color en una escala del blanco al negro. Para cada color, hay un valor correspondiente en una escala de grises. Con el blanco en un extremo del espectro, y el negro en el otro extremo del espectro, y todos los tonos de gris en el medio Si estás intentando fotografiar o pintar en escala de grises, estás viendo todos sus valores. El valor también se llama tono. En herramientas de pintura digital como Procreate y Photoshop, verás la escala de valores en el selector de color Esa es una manera sencilla de entender que el valor es una medida de cuánto blanco o negro hay en un color en particular. Al estudiar el valor, estamos viendo tanto el color de objetos como una bola blanca y una mesa negra, como las luces y sombras, como los muchos tonos de blanco a negro que una fuente de luz arroja sobre la bola blanca. Valor refiere a las luces y los oscuros, tanto los términos de la cantidad de blanco y negro en un color, así como luces y sombras Aquí hay una escala de valor estándar. La calificación en la parte superior muestra el espectro completo de cientos de tonos de gris. Debajo hay una escala de nueve valores. Esto se puede desglosar en etiquetas de sombras, tonos medios y reflejos Observe que a lo largo de esta sección, no vamos a estar tratando con ningún color, solo trabajando en blanco y negro. De hecho, la mayor parte de la formación artística formal comienza con estudios de carboncillo y lápiz, y permanece en el dibujo a escala de grises mucho antes de entrar en cualquier color en absoluto. Esto se debe a que el color puede distraer de entender el valor El color se mezcla en tono y saturación, por lo que puede ser difícil para un principiante ver el valor subyacente del color. Al enfocarse primero en el valor y realmente entenderlo sí solo tendrá una comprensión mucho más profunda del color más adelante, y podrá usar el valor para guiar el ojo. Es una herramienta crítica para diseñar ilustraciones y obras de arte hábiles, y para ver tus fotos de referencia o ejemplos de la vida real con precisión Ahora hagamos algunos ejercicios de valor juntos para que puedan obtener una comprensión real de cómo funciona todo esto. 9. Valor y forma 2: ejercicios de estudio de valor: Lo primero que quiero hacer para comenzar nuestros ejercicios de dibujo demo es echar un vistazo a nuestra ilustración principal y explicar cómo el valor es el siguiente paso de nuestro análisis. Aquí está nuestra pieza final terminada y luego solo entro en ajustes, saturación de tonalidad. Yo solo traigo saturación todo el camino hacia abajo y eso me da los valores que quiero ver. Lo que estoy viendo aquí es, ¿esta imagen es legible? Está mi mirada atraída hacia donde quiero que esté. Aquí, lo primero que veo es obviamente el personaje. miramos primero porque tiene el mayor contraste entre su rostro y su cabello. También tenemos este mayor contraste como objeto en general en comparación con el resto de los ítems. Entonces he agregado estos valores más oscuros, uno para distinguir las formas entre estos diferentes objetos y luego dos, simplemente comienza a acercar poco a poco tu ojo alrededor de la ilustración. cuanto a los objetos en el costado, he elegido este valor medio para seguir asegurándome de que los objetos se distingan para que veas que las flores no desaparecen en el telescopio o en la caja de lápices, pero claro, también podría haber creado un contraste mucho más fuerte. Aquí quiero mostrarte una versión donde hice las flores un poco más oscuras y si bien eso técnicamente es un poco más legible, en realidad va en contra de lo que quiero hacer, que es mantener el foco en el personaje porque empieza a llegar un poco a competir en términos de lo que nuestro ojo quiere ser atraído primero. mí me gusta eso en realidad, hay un menor contraste entre estos elementos y luego el mayor contraste esto con algunas cosas más pequeñas que conducen tu ojo alrededor. Eso es lo que pienso cuando reviso valor y hablaré más de eso más adelante en la sección. Por ahora, ojalá entendamos cómo el valor juega en nuestro diseño de ilustración y arte. Así podremos meternos en algunos de los simulacros para familiarizarnos con los valores, cómo los controlamos con nuestras herramientas y luego construimos a partir de ahí Ya configuré este papel con estas cajas para ahorrarnos algo de tiempo pero si quieres, puedes seguir adelante y hacer algunos cuadrados por ti mismo, solo cinco cuadrados y luego voy a hacer una demostración de tres tipos diferentes de herramientas. No tienes que hacer los tres pero si no estás seguro cuál te sientes más intuitivo o con cuál quieres usar más, podría ser una excelente manera de probar diferentes cosas mientras también aprendes sobre el valor Empecemos con carbón. El carbón es uno de esos medios tradicionales y sorprendente para aprender sobre el valor porque produce un verdadero negro versus el gris que puede hacer un lápiz de grafito Siento que este es un muy buen lugar para comenzar y solo entender y tener una herramienta muy simple, muy asequible para ayudarte a entender el rango de valores. Empecemos con en realidad la oscuridad más oscura. Sólo voy a hacer esto lo más negro posible y presionando lo más fuerte que pueda para crear aquí un cuadrado muy oscuro. Quiero señalar aquí que en un estudio de dos valores solo estás mirando al blanco y negro. Entonces, literalmente, podría ser esto. Estoy usando el blanco del papel como primer valor y luego este que es el oscuro más oscuro Si solo estás usando dos, no presionas tanto hacia abajo. El negro ya aportará tal contraste, pero esos serían un estudio de dos valores. Para un sistema de tres valores, solo quieres crear algo que sea 50% entre los dos de estos. Una forma de hacerlo es, por supuesto, solo hacer bocetos aquí y es solo cuestión de practicar y sentir el peso de tu mano y cómo el carbón o cualquier herramienta que estés usando te responde para saber qué tan pesado o difícil empujar y cómo lograr ese valor medio Con cosas como grafito, lápiz y carboncillo, siempre puedes borrar y levantar parte del color que pones si se está poniendo demasiado oscuro. Esto es un chamoy y también se le llama chammy, y Artist shammy Y con esta vergonzosa, en realidad puedes dibujar con ella también si estás usando tu dedo y en realidad es muy útil para grandes estudios y así que solo usando esto, voy a empezar a poner mi segundo valor aquí Eso se ve bastante bien. En realidad solo voy a levantar algo de este carbón que tengo derramando sobre este para crear mi cuarto valor El cuarto valor, por supuesto quiere estar 50% entre el tercer y quinto valor. mí me gusta mucho el carbón porque casi se siente como ser un niño otra vez, se está llegando a pintar con los dedos y luego cuando haces estudios de carboncillo, te sorprende en realidad lo bien que se ve cuando estás haciendo estudios de valor sin tener que ser súper exacto y eso me parece bastante incluso Pasemos a la pluma. Puede que no estés trabajando con algo así como un carbón que pueda crear diferentes niveles dependiendo de lo duro que estés presionando. Entonces, en cambio, lo que puedes hacer es usar sombreado o trabajo de línea para transmitir los diferentes valores Permítanme comenzar de nuevo con el quinto valor. Llenado todo el camino va a ser mi quinto valor. Ahora otra vez, voy a dejar este primero en blanco como mi primer valor y luego voy a crear algo en el medio entre estos, así que solo voy a usar la marca [inaudible] para este ejemplo este momento no estoy tratando de que la línea sea súper perfecta, sino solo para darte la idea, es mejor con bolígrafo para empezar más claro y luego pasar a una escotilla más oscura si siento que necesito crear esa diferencia. Ahora voy a pasar al cuarto. Yo sólo básicamente voy a duplicar esta cantidad de patchwork. Entonces pasemos al segundo valor, y en realidad lo que creo que mi trabajo es simplemente mantener el peso de la línea muy delgado y extendido. [RUIDO] En realidad fue agradable hacer la versión carboncillo primero es una buena manera de comparar y globo ocular si tus otras versiones se sienten generalmente iguales que esas Con toda esta eclosión, todavía se ve significativamente más ligera que esta totalmente oscura. Voy a ir con estos como mis cinco valores con una pluma. Ahora por fin, quiero mostrarte unos lápices de colores y lo que está bien con lápices de colores es que con color [inaudible], que es mi marca favorita de lápices de colores, básicamente puedes conseguirlos prefabricados para ti y tienen uno gris, gris frío, y gris francés y solo puedes escoger tus cinco valores y hacer estudios con Por supuesto, solo puedes usar el color negro, por ejemplo, y hacer trazos más y más claros como lo demostré con el carboncillo. Pero solo quería mostrarte cómo podría parecer si solo usas estos lápices que están listos para usar y así es como disfruté usando lápices de colores, generalmente con color, pero la misma idea de tener un valor oscuro y un valor medio y un valor ligero. Voy a empezar con este negro de aquí. No voy a hacer un lápiz grafito estándar o lápiz mecánico porque es una idea muy similar al carboncillo. Simplemente no obtendrás tan oscuro de negro como puede hacer un carboncillo pero es la misma idea, solo comenzando con la marca más oscura absoluta que puedas hacer como tu primer valor y luego seguir dividiéndolo en la mitad de camino para tu tercer valor y luego tu segundo valor y tu cuarto Lo que realmente me gusta de los lápices de colores es que puedes conseguir este bonito negro oscuro y no mancha y estos lápices particulares de colores más cerosos, los artistas califican unos, mezclan muy bien juntos Trae mucho de lo mejor de lápices y pinturas de alguna manera, y carboncillo, así que un medio feliz para mí. Voy a hacer con el valor medio siguiente, solo para continuar con nuestro patrón. Este es el 50% gris cálido. Estos lápices están deshechos. Hay un 10%, 20%, 30%, 40, 50, y luego va a 70 y 90. Déjame entrar en el 20 siguiente. Este es el 20% gris cálido. Elijo gris cálido porque me gusta más el tono que fresco pero de nuevo, cada uno tiene su lugar. No hay razón por la que solo puedas usar gris cálido para estos ejercicios. También puedes usar gris frío o gris francés. Si estás tratando de transmitir diferentes temperaturas, podrías mezclar las dos juntas. Se trata de los cinco estudios de valor. Adelante y tómate un tiempo para terminar el tuyo si necesitas un poco más de tiempo y luego pasaremos al siguiente ejercicio. Vamos a continuar con esta foto de referencia que te he proporcionado porque te ayudará a entender reforzando algo con lo que estás familiarizado y viendo cómo cada paso se superpone uno encima del otro. Empecemos por crear un pequeño sistema de valores para nosotros mismos usando estas herramientas digitales y voy a simplemente probar rápidamente el sistema de cinco valores Esa es mi oscuridad más oscura. Vamos aquí. Mi cuarto valor. Yo sólo lo estoy moviendo hacia arriba en la escala aquí. Entonces el blanco de nuestro fondo puede ser nuestra luz más ligera o lo que podemos intentar hacer es usar un color tonal Eso es alrededor de mis dos y luego trae el blanco para que podamos ver realmente cualquier resaltado que queramos agregar. De hecho prefiero trabajar así para estudios de valor y eres bienvenido a hacer lo mismo usando papel tonificado o simplemente en el fondo de tu tableta, si estás siguiendo digitalmente Entonces en este punto, me voy a tomar un momento para mirar realmente esta imagen y empezar a planificar de manera anticipada cuáles son los diferentes valores que vemos. Algunas cosas obvias son el área de sombra y la apertura del jarrón son muy oscuras, por lo que esos serían nuestro quinto valor. Entonces mis brillos más brillantes van a ser definitivamente borde de esta flor El amarillo me parece muy claro y luego bajando por el tallo, ahí hay algo de oscuridad. Cuando estás haciendo estudios de valor, una gran parte de la tarea es agrupar valores juntos. Por supuesto, de nuevo, como mencionamos antes, la fotografía tiene cientos de valores en ella. Para que quede realmente claro, los estudios de valor necesitan tomar algunas decisiones a veces donde las cosas suelen estar en la zona gris, y luego hay que decidir de una forma u otra ¿qué valor es el más cercano que quieres poner ahí? Vamos a meternos en ello. Siempre podemos ajustarnos a medida que avanzamos y crear una nueva capa para comenzar mi estudio de valor. Voy a comenzar con mi valor medio. Te recomiendo al hacer valores que estés comenzando con el valor medio y luego entrando en tu oscuridad más oscura y luego poniendo en el rango de los tonos medios y luego terminando con los reflejos La belleza de trabajar digitalmente es por supuesto, puedes deshacer y crear nuevas capas, pero por mucho que puedas, te recomiendo seguir las limitaciones de los métodos tradicionales para que puedas entrenar tu mano para que realmente tome buenas decisiones en lugar de confiar en el botón de deshacer o eliminar También estoy viendo esta forma de sombra aquí mismo. Eso es muy importante hacer cualquier mesa desde la pared. Voy a poner un poco de eso ahí. Con los estudios de valor, realmente no estás tratando de ser súper preciso a menos que quieras. Pero el propósito no es necesariamente ser súper precisos, es solo transmitir las formas y formas generales que estás viendo. Aquí, la óptica básicamente se funde con sus sombras, así que las tratamos a todas como una sola forma. De nuevo, estoy entrecerrando los ojos porque el billy ball en sí es algo bastante complejo Si miras todos los detalles, pero si entrecerro los ojos y solo miro las sombras que estoy viendo, definitivamente puedo ver la esfera que engloba o compone los billy balls Yo sólo voy a poner en la forma del espectáculo. Aquí hay una buena zona donde estoy haciendo una llamada de juicio. Puedo ver que este tallo está en el lado más oscuro, pero definitivamente choca contra la parte posterior del billy ball. Voy a decir que el tallo está más ligero ahí y de vuelta aquí por ahora estoy usando los cuatro. Podría ser necesario agregar un poco de cinco solo para que eso sea aún más claro. Puedes traer ese cuatro y comenzar un poco más abajo para que todavía consiga esa parte del tallo para demostrar que va a entrar en la pelota en el frente de nuestra vista. Ahora voy a empezar a trabajar en lo alto de esta base porque eso para mi no se ve así. Creo que este tres va a ser el punto culminante seguro. Tal vez igual que pequeñas especificaciones que están entrando para indicar que hay una luz rebotando ahí. Estoy notando que viene aquí abajo y es muy agradable indicar la forma del jarrón Sólo estoy haciendo unos trazos más ligeros para comenzar a entrar en esa transición. Definitivamente se puede ver que hay una parte más ligera en el exterior de este jarrón donde se refleja la luz. Aprenderemos más sobre eso en un rato. Tener ese conocimiento también te ayudará a atraparlo en tu observación. Voy a añadir un poco del cuarto valor aquí, sólo para que eso quede aún más claro. Eso se ve bastante bien. A lo mejor puedo agregar un poquito de la madera verde en este jarrón fino detalle. Pero quiero probarlo para que ustedes vean cuánta diferencia, solo sutiles cambios de valor en comunicar nuestras formas y nuestros volúmenes porque nuestras pequeñas cosas que la mayoría de la gente no va a notar la primera vez que miren una imagen como esta. Pero una vez que empiezas a dibujarlo, lo agradezco mucho más. Entonces voy a volver aquí porque siento que la parte superior de este billy ball merece más contraste. Voy a tapar mi bloque base en líneas que creamos antes y mira esto. Voy a añadir solo unas piezas de mi tercer valor encima. Apenas puedes ver cómo empieza a verse eso, la textura del billy ball. Por supuesto que puedo entrar aún más en detalle sobre eso, pero quiero guardarlo para más adelante en esta sección. Observe que cuanto más los armaré, más ligera no es la zona, puede que los mantenga extendidos. El cuarto valor que aún puedes dominar. Trayendo un pequeño toque de las zonas negras ciertas. Solo agreguemos un poco de resaltado. Es sobre todo alrededor del borde de este billy ball que lo estoy viendo. Entonces tal vez podamos agregar un poquito al jarrón para simplemente hacerlo pop. Simplemente se puede ver lo poderoso que es el resaltado blanco por el contraste. Tener este punto culminante aquí realmente aclara que este billy ball está frente al izquierdo Lo que me gusta de esto es que puedo pensar en la forma, que quiero que esta flor destaque. Ese es mi estudio de cinco valores de un billy balls. Tómate un tiempo para crear el tuyo propio. Entonces vamos a encontrarnos con un ejercicio un poco más avanzado con el mismo concepto. Ahora que hemos hecho ejercicio de estudio de valor básico con billy balls, con lo que estamos familiarizados, quiero mostrarte una imagen más complicada y demostrar cómo se aplican los mismos conceptos sin importar cuán complicada pueda aparecer la imagen al principio. Este es un gran ejemplo para empezar. Puedes usar guías de dibujo si quieres todo el bloque y hacer ejercicio. Quiero ir un poco más rápido a través de este y solo mostrarte lo rápido que pueden ser realmente las miniaturas de valor Aquí está la línea del horizonte. Aquí está esta forma termina aquí abajo. Entonces ahora estoy mirando formas de sombra. Aquí está este, hay uno grande aquí mismo. Ese es mi bloqueo básico. Traer esos mismos cinco valores que estaba usando antes, Sum, baja un poco el fondo para que puedas ver más el blanco. De nuevo, voy a comenzar con mi valor medio y voy a poner en mis grandes formas. Voy a entrecerrar los ojos y voy a ver dónde están mis oscuros más oscuros, donde creo que el tercer valor es el camión o la camioneta y luego el cielo y partes de la carretera son definitivamente las luces más ligeras, estoy viendo, entonces todo lo demás Déjame empezar a colocarme en algunas de estas grandes formas e ir de ahí. Recuerda que los valores son relativos. Aunque pueda parecer que es un poco demasiado en contraste, es porque no hemos puesto el resto de nuestros valores en estos momentos. Voy a poner en el cuarto valor en siguiente y trabajar en la oscuridad más oscura para esta imagen en particular Cuando estoy viendo esto realmente siento el flujo de la imagen general. Realmente me encanta este barrido. Mientras estoy mirando los valores, definitivamente estoy considerando lo que he visto en la foto, pero también estoy empezando a pensar en cómo exagerar tal vez algunas de estas formas para enfatizar aún más ese flujo A lo mejor voy a sacar a colación este un poco. Ahí es donde pueden entrar muchas consideraciones de diseño, que no tienes que preocuparte al principio, pero quiero mostrarte que sería parte de este paso a medida que comienzas a sentirte más cómodo con la observación, en la identificación de diferentes valores. Todo tiene un gesto, incluso estas formas de sombra. Eso es algo muy agradable de aprender cuando estás desarrollando tu diseño. Realmente lo hizo ayuda a definir el borde. Entonces sólo voy a seguir poniendo algunas de estas formas aquí atrás. Este es un gesto muy bonito de la colina bajando. Hasta el momento se puede ver que sólo he estado trabajando con dos valores, tres más el fondo. Se parece más o menos mucho a la imagen. Podría parar aquí es en realidad un estudio de buen valor. Solo voy a entrar ahora con algunos detalles más para mostrarte la diferencia entre un valor tristeo y un valor de cinco Déjame entrar con mi segundo valor ahora. Como dije, cuantos más valores tengas, más realista se verá. Se puede empezar a ver los formularios que se están sacando a medida que agrego en este segundo valor. No estoy tratando de igualar la imagen exactamente para estos estudios rudos pero estoy empezando a, nuevo volver a pensar el sentimiento general que quiero dar a través diferentes gestos y cómo pongo en los valores que fue lo que quiero enfatizar y cuáles tal vez quiero restar un poco. Esta área es en realidad una forma más grande cuando entrecerré los ojos. Déjame tratar de poner eso. Creo que eso se ve mejor. Eso tiene este flujo con esta forma de espalda así. Empecemos a poner en mis oscuros más oscuros y como la sensación nebulosa de Solo lo traeré realmente, en muy pocas áreas selectas. Dibuja un poco el ojo hacia el auto. Mira cómo solo ese poquito de negro realmente ayuda a que esto se vuelva aún más claro y estalle y añadimos algo de blanco, lo será aún más. Se puede ver cómo realmente elegir dónde colocar mis valores para enfatizar o no enfatizar ciertas cosas. Eso solo empieza a convertirse en una elección artística que puedes practicar haciendo. Necesitamos diferentes estudios de valor, idealmente la misma imagen. Ojalá puedas ver ahora cómo estos cinco estudios de valor se pueden aplicar a dibujos muy simples y luego trabajar hasta dibujos muy complicados. Son una hermosa manera de estudiar fotos que disfrutas y empiezas a practicar aprendiendo a ver luces y oscuras 10. Valor y forma 3: introducción a las formas: Ahora que tenemos una comprensión del valor, volvamos a lo que estábamos hablando al inicio de esta sección, que es cómo el valor se relaciona con la forma. Recuerda las tres etapas de nuestro proceso de dibujo pasando de las líneas a la forma y luego a la forma. Tenemos nuestras líneas y formas en su lugar. ¿Cómo lo hacemos entonces para que comunique su forma? Su masa, o su profundidad, o sus texturas. Todo se reduce a valores hábilmente colocados. Empecemos hablando de valor en el mundo 2D versus 3D. En un mundo 2D, el valor ayuda a comunicar en imágenes grandes formas. También se puede utilizar para crear un patrón de valor, lo que nos ayuda a utilizar la distribución de luces y sombras para guiar el ojo. En un mundo 3D, el valor es lo que comunica la forma, textura y el volumen de un objeto mediante el uso de luces y sombras. Cuantos más valores sean, más realista se verá. Hablemos de la forma de renderizado. Recuerda estas formas que dibujamos juntas en la primera parte de la sección. Hablemos de cómo podemos sombrearlos para que se vean 3D. Es útil aprender sobre el orden clásico de la luz para este propósito. Comprender esto en todas las formas básicas en 3D te ayudará a renderizar muchas otras cosas. Este es el orden clásico de la luz, pero realmente solo necesitas conocer tres áreas principales, el lado de la luz, la sombra de forma, y luego la sombra proyectada. Pero conocer estos términos adicionales te ayudará a entender y hablar sobre toda la gama de luz. Hacer estudios de valor altamente renderizado puede parecer tedioso, especialmente si quieres dibujar en un estilo plano moderno Pero hacer al menos algunas te ayudará a entender cómo ajustar tu estilo para que sea más plano o más realista. Estudiar un rango de valor y tal vez hacer una escala como esta para que puedas ver dónde a lo largo de este espectro de planos a realistas que personalmente te gusta puede ser de gran ayuda. Por último, un aspecto importante de la forma comunicativa que hay que aprender es la textura y el estiramiento. Comunicar que algo es borroso, lleno de baches, qué en, o cualquier otra cosa es en realidad una cuestión de variación de valor Intenta practicar creando una hoja de diferentes texturas y escotillas para que puedas experimentar con lo que te gustaría usar en tu trabajo Algunos conceptos básicos para empezar son punteado, garabatos, eclosión de pasto, rayado y eclosión de contornos 11. Valor y forma 4: ejercicios de representación de formas: Hagamos algunos ejercicios juntos ahora en forma para que podamos empezar a entender cómo renderizar formas 3D. Ahora vamos a renderizar una esfera para que podamos enfocarnos realmente en entender cuánto de un render disfrutamos y también cómo lograrlo. Voy a empezar dibujando en la línea de sombra central y luego poniendo en la oscuridad más oscura No voy a ir hasta aquí, sino solo tenerlo para que ya pueda empezar a ver la forma de mi esfera. Estoy usando carbón. Estamos demostrando rápidamente el sombreado porque puedo mezclarlo fácilmente con mi gamuza Ahora mismo sólo estoy siguiendo la forma del cuenco. [RUIDO] También voy a pensar en lo más destacado de estar aquí mismo. Voy a darme un poco de carbón para trabajar. Voy a poner todo el camino por aquí. Ahora me voy a llevar mi gamuza. Voy a empezar a mezclarme en esta zona de sombra central. Está bien si no es un borde súper afilado. Es perfecto porque obviamente cuanto más estoy mezclando más estoy perdiendo la pieza de carbón, así que solo voy a llevarla hasta arriba y otra vez. Se puede obtener muy detallado y técnico, sobre todo en el entrenamiento como atelier, renderizar como una esfera perfecta y crear marcas muy suaves Pero para nuestros propósitos de entrenamiento, creo que este es un gran punto de partida y puedes sumergirte en más detalles si lo deseas. Esto ya se ve bastante bien. Sólo voy a empezar a oscurecer ciertas áreas para sacar aún más el formulario Con el carbón no estoy trabajando solo en cinco valores sencillos, estoy tratando de traer todos los diferentes tonos disponibles. Los cambios en el valor realmente comunican la forma, la luz, fuerte que es la luz. Las sombras también tienen sus bordes afilados y bordes borrosos dependiendo de qué tan fuerte sea la fuente de luz, dónde se posicione por encima de ella Es por eso que estudiar desde la vida real es realmente útil porque empezarás a tener una idea de cómo se comporta eso en la vida real Quieres afilar tus bordes con carbón. Tu borrador es absolutamente una herramienta. Con tu borrador puedes dibujar prácticamente con, especialmente cuando se trata de carbón Déjame mostrarte muy rápido cómo se vería agregar un poco de blanco. Como dije, el blanco también se mezcla igual que el oscuro. Ahora que tenemos algo de experiencia renderizando una esfera, volvamos a nuestra imagen de referencia de Billy Ball para que podamos practicar agregando textura. Con este estudio, nos vamos a centrar en agregar textura. Estudiar la textura es una excelente manera de observar muchas cosas diferentes. Un ejercicio que puedes hacer es simplemente crear unas hojas enteras de diferentes texturas. Estudiar cosas naturales, solo plantas y madera y rocas, pero también estudiar tal vez algunas cosas sintéticas como cómo renderizar acero inoxidable o cómo renderizar plástico. Voy a empezar con realmente un color oscuro. Sólo estoy poniendo mis formas y no estoy tratando de ser súper preciso aquí. Tu valor más oscuro o tal vez tu segundo valor más oscuro es una buena manera acercarte a renderizar este tipo de texturas detalladas, para cualquier cosa como hojas y follaje porque sacarlo a la luz es más intuitivo En realidad es como se estructura el objeto si se piensa en ello. Como la oscuridad más oscura está dentro del Billy Ball y luego las luces más ligeras son las piezas que están saliendo Esta es la esfera si se piensa en ello. Ahí está esta esfera o elipse sale así. La sombra central está por aquí. Entonces el área de luz es toda esta área de aquí arriba. Hay luz que entra desde arriba y luego se refleja en el piso desde abajo. Pero esta sería nuestra zona de sombra. Así es como pensar esta esfera como un asunto general. Es algo a tener realmente en cuenta a lo largo de todo el proceso porque es fácil perderse en los pequeños detalles y luego no prestar atención a la estructura general de la sombra y cómo se desarrolla el valor en este objeto que estás observando. Sobre todo porque es en color, es fácil distraerse con todos los pequeños detalles y luego finalmente casi te olvidas seguir comprobando tus valores A pesar de que cuando empezaste esta clase, probablemente miraste a este Billy Ball y estabas como, eso es un Billy Ball amarillo, flor amarilla, de un color. Puedes ver que hay un número infinito de colores, un número infinito de valores que ahora aprenderás a agrupar en tu paladar de valor limitado y a ver cuán pocos necesitas comunicarte realmente con esa textura. Verás que las partes más oscuras definitivamente se vuelven más gruesas, así que eso es algo que quieres tener en cuenta así que tal vez extiende estas partes un poco más y luego mantén estas partes bastante limpias y apretadas Entonces si piensas que cada uno de estos son cono, y así también los estoy viendo aquí es donde la luz les está golpeando en la parte superior. Incluso tus pequeñas formas principales se pueden desglosar aún más en formas de hojalata Blanco. Voy a mantenerlo solo enfocado a esta área y a lo mejor el borde un poco. Creo que con justicia quieres ser realmente selectivo en donde quieres llamar la atención Incluso si técnicamente ves el mismo punto culminante en otra parte, el punto culminante es simplemente realmente poderoso. Ahora ya sabes cómo renderizar estas texturas. Yo solo seguiría practicando si esto es algo que quieres incorporar a tu estilo. Puedes dibujar un pájaro, puedes dibujar hojas, puedes dibujar flores, claro. Si realmente puedes bajar esto con solo la escala de grises te va a ayudar mucho más cuando te metes en color 12. Valor y forma 5: valor para los artistas: Ahora que tenemos una comprensión básica del valor, profundicemos un poco más y hablemos de cómo nos ayuda como artistas. El valor ayuda de muchas maneras. Pero para mí, la forma más importante que ayuda es una, permitiéndonos ver la esencia de una imagen detrás de todos los detalles. [inaudible] ha ayudado entrecerrando los ojos. Dos, configurando una estructura de base fuerte para nuestro dibujo. Recordando cómo trabajamos desde el panorama general hasta los detalles. Tres, nos ayuda a elegir los colores correctos de los que hablaremos con más detalle en la siguiente sección. Y finalmente, nos ayuda a gestionar nuestras relaciones de color y luz. Una manera fácil de verificar la legibilidad de tu dibujo es verificar sus valores, lo que puede hacer convirtiéndolo en escala de grises Si aún es legible sin color, esa es una configuración de valor fuerte. Cuando estoy trabajando con mi propia obra de arte y se me ocurre algo original y diferente, tiendo a comenzar primero con el color y luego lo verifico con valores después. Puedo ajustar los colores según sea necesario, y esto es solo para mí, una forma más natural de pensar en mi proceso. Para ti, te recomiendo comenzar con estos estudios fundamentales del vientre, entenderlo primero, y luego probarlo en ambos sentidos, y solo ver cuál es el más útil para ti en términos de obtener los mejores resultados finales También quiero hablar de describir el valor en términos de claves mayores y menores. Aprendí este concepto del maestro construido Perkins en New Masters Academy, y me parece muy útil pensar en el valor de esta manera clave mayor se refiere a las proporciones de blancos a oscuros dentro de toda la imagen Tecla mayor alta significa que la imagen tiene principalmente valores de luz, mientras que la clave mayor baja significa que la imagen tiene valores mayormente oscuros. Clave menor, por otro lado, se refiere al rango de contraste entre los propios valores. Una clave menor alta significa que hay mucho contraste, mientras que la clave menor baja significa que no hay mucho contraste. Se puede ver cómo los diferentes emparejamientos de las teclas crean estos diferentes estados de ánimo, lo cual tiene sentido porque estas combinaciones tienen mucho que ver con la iluminación Qué brillante o nebuloso es o no es un escenario. Otro aspecto a tener en cuenta hacer estudios de valor son los pulgares de valor, es que un valle puede aparecer claro u oscuro dependiendo de qué valores esté rodeado El mismo tono de gris puede parecer totalmente diferente dependiendo de su entorno. Puedes probar esto por ti mismo recreando esta imagen. Entrenar tus ojos para poder proceder es ilusiones visuales es realmente útil Ahora es tu turno. Vas a tomar todo lo que aprendimos en esta sección sobre valor y forma y lo llevarás a nuestro proyecto de clase principal. Comenzamos esta sección con una discusión de cómo el valor sigue el ejercicio de líneas y formas y ahora es tu turno de hacer un estudio de valor de la ilustración y puedes verificarlo simplemente girando la ilustración proporcionada a escala de grises También solo proporciona eso como una imagen para que puedas comparar. Para esta, no voy a hacer un ejemplo vivo solo para que podamos mantener esta clase a una longitud más manejable, y esto es algo que solo puedes practicar por tu cuenta y compararla con las imágenes proporcionadas Los mismos conceptos que te he estado demostrando con los billy balls y estudios de paisaje son los mismos en esta situación. Los pocos ejercicios adicionales que puedes incorporar incluyen vez que termines de poner los valores que veas, puedes jugar ajustándolos para que puedas crear diferentes estados de ánimo basados en las claves mayores y menores que aprendiste Entonces a partir de ahí, considere potencialmente renderizar algunos de los objetos en función de las formas 3D que toman. Por ejemplo, podemos renderizar el globo un poco más y ver si te gusta eso como estilo más realista. Sé que eso fue mucho, pero espero que haya sido útil e interesante. Repasemos un resumen de lo que aprendimos juntos en esta sección. En esta sección, aprendimos, valor es el estudio de las luces y los oscuros. Comprender los valores nos ayuda a diseñar arte claro y fácil de leer o si no lo es, eso es intencional de nuestra parte. Planear el valor es una herramienta crítica para crear un estado de ánimo y dirigir el ojo del espectador. Una pintura aún puede funcionar si los colores están equivocados, pero los valores son correctos. Generalmente no es cierto al revés. Al estudiar los valores en una imagen, lo que hacemos para ver más claramente es entrecerrar los ojos entrecerrar los ojos es una herramienta de fiar que se enseña en escuelas de arte y libros de arte profesionales Al dar un estudio de valor, cuantos menos valores, mejor. Una foto en blanco y negro tiene el espectro completo de cientos de valores. Realmente solo necesitas 3-5 para hacer un estudio efectivo. Se trata de agrupar valores relacionados , lo que ayuda a entrecerrar los Antes de comenzar a dibujar, realmente estudia los valores y encuentra un patrón que quieras representar intencionalmente para enfocar el ojo Finalmente, lo más importante es seguir practicando a través de muchos estudios de valor a partir de fotografías, la vida real y otras obras de arte y naturalmente comenzará a perfeccionar tu sentido de la luz y la oscuridad. Cuando te sientas listo, vamos a reunirnos en la siguiente sección, por fin hablaremos color y luz. Te veré ahí. 13. 4: Por fin hemos alcanzado el color y la luz, que sé que es la parte favorita de mucha gente. En esta sección, vamos a estar hablando de teoría básica del color, relaciones de color, cómo elegir una paleta de colores, y ver cómo se une todo haciendo estudios guiados. Coge tus herramientas y comencemos a explorar el mundo del color. El color es una de las primeras cosas que aprendemos de niños. Aprendemos sobre los colores del arco iris son azul océano, son árboles verdes, pero entender el color como artistas es mucho más complejo. Para algunos, elegir colores y trabajar con el color es intuitivo, mientras que para otros, todo el proceso es muy desafiante. De cualquier manera, no te preocupes. Comprender la teoría básica del color puede ayudarte independientemente del campamento en el que estés, y traerá una apreciación completamente nueva de cómo ves el mundo. El color es hermoso y complicado y puedes pasar toda tu vida aprendiendo sobre la ciencia y el arte detrás del color. De nuevo, aquí me estoy acercando a ella con mi principio 80/20. Te proporcionaré recursos si deseas profundizar en alguno de estos temas. En cuanto a qué herramientas usarán, puedes seguir a lo largo de esta clase con herramientas digitales o tradicionales. Pero sí quiero señalar que personalmente he encontrado que aprender teoría del color es lo mejor con los medios tradicionales Esto se debe a que con las herramientas tradicionales, realmente estás obligado a pensar en cómo se hacen los colores y realmente sentir lo que significa mezclar colores juntos. Las herramientas digitales, por otro lado, son realmente geniales para experimentar con paletas de colores porque puedes usar todos esos grandes ajustes a tu favor Por eso voy a estar usando una combinación de herramientas tanto tradicionales como digitales en esta sección. ¿Qué debemos abordar primero? La mayoría de las escuelas comenzarían con la teoría básica del color cuando se habla de color. Pero personalmente me pareció útil comenzar por estudiar el color y comprender algunos matices para mojarme los pies antes de sumergirme en los tecnicismos De esta manera, estaba entendiendo por qué estaba aprendiendo teoría del color para poder ver mejor el color en la práctica. En lugar de la rueda de colores, comencemos con la naturaleza. Aquí hay una foto de algunas hojas hermosas. Al principio vemos los objetos apenas como un color obvio. De niño, pensamos en una manzana roja, un limón amarillo, e incluso de adultos, seguimos pensando el mundo generalmente en estos términos. Pero a medida que realmente estudias objetos, sobre todo con fines artísticos, empiezas a ver todas estas bellas sutilezas en Aquí en esta foto podrías decir, hay una hoja verde, amarilla, roja, naranja roja, naranja y verde más oscura, lo cual es todo cierto. Pero eche un vistazo más de cerca y vea cuántos colores tiene realmente cada hoja. Siéntete libre de hacer una pausa aquí si quieres algo de tiempo para estudiarlo por tu cuenta primero. Hablemos a través de algunos de los colores que estoy viendo. Comenzando con esta hoja verde en la parte superior, puedo ver muchos tonos de verde, amarillo verde, amarillo, marrón, verde oscuro, y tonos de gris y tal vez incluso algunos toques de azul en las áreas de sombra. En esta hoja amarilla, estoy viendo algunos marrones, algunos marrones oscuros, toques de algunos morados, violeta rojo y toques de verde también En esta hoja roja tiene realmente hermoso color vino profundo, y en las sombras se puede ver casi llega a negro. Definitivamente hay algunos estallidos de amarillo, algunos magenta, rojo, y tal vez incluso toques de verde. En esta hoja anaranjada roja , de manera similar, hay mucho amarillo alrededor de los bordes, algunos rojos, y luego algunos marrones y algunas manchas negras que están cubriendo la hoja Pasando a esta hoja verde oscuro, estoy viendo definitivamente algunos marrones y amarillos, algunos rojos En esta hoja amarilla por aquí, predominan los amarillos y las naranjas amarillas, pero también muchos marrones Incluso puedo ver algunos toques de verde en la punta, y traería algunos rojos en algunos de los detalles. ¿Cuáles fueron algunos de los colores que elegiste? ¿Eran aún más que viste que yo no? Esta es una gran manera de empezar a ejercitar tu ojo y empezar a pensar en qué colores estarías usando para crear este tipo de imagen. Nos meteremos en más de eso más adelante. Pero primero quiero mostrarles esta cita de Winston Churchill “Poco a poco se levantaba el velo sobre mis ojos y pude mirar fijamente un objeto y ver lo que veían mis instructores, una efímera mezcla de color” Una gran manera de perfeccionar nuestra capacidad de ver los colores verdaderos es haciendo pinturas de bodegones. Pero hacer estudios de color observacionales es importante incluso si no quieres pintar de manera súper realista Desarrollar una comprensión de cómo funciona la vida real es cuadrado. A partir de ahí, se puede interpretar y estilizar. Sin ella, sus dibujos y pinturas se construirán sobre bases débiles. 14. Color y luz 2: estudio de plantas: Entonces, unamos estos conceptos haciendo un estudio en color de esta fotografía. Es una gran referencia para nuestra clase porque es un paso adelante en términos de complejidad de nuestros billy balls y también nos mueve hacia nuestra foto de dibujo de referencia inicial. Tiene estas grandes líneas, formas, valores y colores. Podemos reunir todo lo que hemos estado aprendiendo. Primero quiero hablar sobre nuestros diferentes medios para colorear pros y los contras de cada uno Quiero pasar un poco de tiempo simplemente hablando a través de los tres materiales que más suelo usar y los beneficios e inconvenientes de cada uno. Empezando por el lápiz de colores, porque creo que es el más fácil de acceder y lo más familiar porque todos hemos usado lápices de colores cuando éramos niños. Me encantan estos lápices de colores por solo tener algo rápido y fácil sobre la marcha. Conduce a muchos accidentes felices y simplemente se siente genial tener lápiz puesto en papel. Me da estas grandes texturas y me encanta como resultaron muchas de las páginas. Fue entonces cuando empecé a usar lápices de colores mucho más en mis páginas de cuaderno de bocetos Simplemente tienen esta muy buena calidad para ellos. Son capaces de mezclarse muy bien y yo puedo experimentar y luego llevar estas páginas a mi práctica digital y crear impresiones o cualquier otra cosa con ellas. El inconveniente es que a veces es difícil volver atrás. Hay ciertos lápices de punto y color, si vas demasiado oscuro o demasiado profundo en un tono, realmente no puedes arreglarlo. A veces tener esas limitaciones es algo bueno. Pero para abordar eso, entonces podemos traer a nuestro próximo amigo. Esto se hace con gouache, realidad es gouache acrílico Es tanto acrílico como gouache, que me gusta más que solo gouache liso Estos son realmente geniales por tener este acabado extremadamente mate. Es casi como una pintura digital y por eso me gusta, porque realmente puede emular muy bien mi estilo digital o viceversa. Pero aún así también tiene estas limitaciones que me ayudan a resolver problemas tradicionalmente. Y pude repasarlo con estos colores oscuros y reflejos. No puedo lograr esto con un lápiz de color. Eso es lo que realmente me gusta de la gouache. Gouache, por otro lado, no me da esa textura de lápiz que realmente me encanta de los lápices de colores y por supuesto no es tan fácil de llevar y usar en cualquier lugar Tiendo a gustarme hacer eso más en casa y luego lápices de colores afuera. Entonces, por último, tenemos digital. Lo digital es increíble por poder experimentar con estos diferentes colores. También ser capaz de traer en mi tradicional mantener esas texturas y luego crear nuevos colores o texturas y experimentaciones encima de eso Tienes capas grandes, por supuesto, y puedes limpiar las cosas muy bien y así que mantenla luciendo muy tradicional o hacerla realmente abstracta. digital tiene tanto potencial y poder para ello y realmente creo que es una herramienta increíble. Todavía uso digital la mayor parte del tiempo. Reunir a estos dos ha sido de mucha ayuda para mi propia práctica y realmente creo que hay pros y contras de cada uno. Yo estaba a la baja de lo digital, es que simplemente se siente diferente No se siente como si estuvieras en el flujo tanto como cuando estás trabajando con papel y lápiz. A veces el hecho de que apenas haya limitaciones lo hace realmente complicado en términos de elegir la paleta de colores correcta o llegar a las texturas adecuadas. Todas las texturas que vienen realmente natural y bellamente con papel y lápiz y pintura tienen que ser creadas manualmente en digital. Esos son los pros y los contras de los tres materiales que más me gusta usar. Te animo a que experimentes con todo tipo de cosas y solo veas lo que mejor te sienta. Ahora, voy a iniciar la demo desde el principio. Esto me da la oportunidad de reunir todo lo que hemos estado aprendiendo hasta ahora, empezando por el bloqueo y haciendo un dibujo observacional Empiezo con mi lápiz color melocotón porque es genial para colocarlo ligeramente y pautas para mi coloración y pintura. Si necesito hacer ajustes, simplemente lo dibujo para que me entrene a no borrar y también notar donde no observé con precisión. Mientras estoy poniendo esto, estoy repasando las técnicas de dibujo observacional que aprendimos antes Realmente estoy prestando atención al gesto de la rama general, la forma general del triángulo de este objeto y luego las formas individuales de las hojas, puntos de referencia de cómo las hojas se superponen entre sí y dónde se alinean con las hojas a su alrededor, directamente hacia abajo o hacia un lado. También estoy notando los ángulos de los bordes y cómo se encuentran con la rama, la proporción general de cuán grandes y pequeñas son las hojas entre sí y las ramas, y por supuesto el espacio negativo entre las hojas Una vez que tengamos nuestro trabajo de línea de dibujo observacional puesto en, continuación voy a mostrarte un poco de mi proceso de coloración a lápiz de colores y traer algunos de nuestros aprendizajes sobre Al principio, podríamos mirar esta foto y solo pensar, una planta verde, podrías pensarla como de un solo color. Pero ahora notarás que hay tantos colores diferentes que conforman este estudio. En esta etapa, estoy poniendo atención a los valores y empezando a notar los cambios de color. Estoy empezando con una coloración verde media en aproximadamente el 50% del peso de mi mano. Pero también voy a necesitar agregar verde oscuro, marrón oscuro colores verde oscuro, marrón oscuro e incluso índigo y negro para obtener esas formas de sombra y cambios de valor. Los cambios de valor son cómo podemos ver la forma de la hoja donde se pliega y donde proyecta sombras. También necesito agregar tonos amarillos y azul-verdosos para cambiar la temperatura a medida que una luz refleja en los diferentes ángulos de las hojas Realmente puedo ver aquí cómo los diferentes greens cálidos versus unos verdes frescos se ven muy diferentes una vez que miro más de cerca. Puedes experimentar aquí viendo qué otros colores notas. El lápiz de color es intuitivo y familiar. Pero también notarás que una vez que ponga un color más oscuro, no voy a poder aclararlo nuevo solo con lápiz de color Definitivamente hay pros y contras, lo que ojalá sea obvio a través de esta demo. Eso nos lleva al gouache. Primero solo estoy poniendo algunas de las pinturas básicas que sé que voy a necesitar usar. Si no tienes ninguno de estos tonos particulares, no te preocupes Siempre y cuando tengas los colores básicos, podrás mezclar una aproximación cercana de ellos. Por ejemplo, con el azul-verde, no necesariamente necesitas tener ese color Se pueden mezclar azul y verde juntos. Estoy usando la línea de pinceles Princeton velvet touch, que es realmente genial para el lavado de acrílico y acrílico Solo estoy coloreando directamente sobre mi estudio de lápiz de colores, comenzando con este color amarillo verde porque es la forma de color más grande que puedo ver. Solo estoy colocando eso donde quiera que sienta que noto ese color en mi foto de referencia. Estoy viendo mucho la foto de referencia yendo y viniendo. Esta es solo mi primera capa inferior. No tengo que ser súper exacto. Tratando de colocarlo en tantos lugares como pueda notarlo. Los lápices de colores y el gouache realmente funcionan muy bien juntos. El gouache puede cubrir completamente las capas. Cubres cualquier error y lápices de colores o simplemente ajustas las cosas que quieras cambiar y que no puedes hacer solo a través de un lápiz de colores. Puedes ser selectivo acerca de que las partes con esa hermosa textura de lápiz muestren a través mientras dejas otras partes con el mate plano de la gouache Ahora, normalmente no encubro mis estudios de lápiz de colores con gouache como este pero esta demo ayudará a demostrar el mismo ejercicio con este nuevo medio Ahora estoy mezclando el color verde al traer el azul a mi color verde, agregando un poco de blanco para aclarar eso. Otro consejo es que puedes mezclar colores con estas pequeñas navajas paleta. Lo bueno de esto es que en cuanto te mezclas con tu pincel, tu pincel se engorda mucho con mucha pintura y es difícil rasparlo realmente y volver a obtener un toque delicado y agradable con la pintura Y así estos cuchillos paleta, uno puede ser realmente genial para mezclar pinturas porque tiene esta amplia superficie, y dos mantienen tus pinceles para pintar en lugar de mezclar colores. Voy a empezar a bajar este color donde quiera que vea ese matiz verde más fresco. Con el gouache, hay un poco de tiempo donde puedes mezclar los colores pero se seca rápidamente, así que muchas veces termina sintiéndote un poco más como colores separados lo que puede ser un desafío si estás tratando conseguir un look muy mezclado o un gran beneficio si te gusta ese look realmente limpio y más digital Ahora que has empezado a notar las luces y sombras de los objetos de nuestra clase de valor y forma, puedes pensar en los colores principales que ves y cómo están cambiando de valores más claros a valores más oscuros. Esté atento a ese color que cambia repentinamente. Incluso sin conocer ninguna teoría del color o la ciencia de la luz y la sombra, simplemente puedes observar lo que literalmente ves ante ti. Por mucho que puedas intentar aislar un color que estás observando. Tantas veces pensamos que un color es diferente por lo que está rodeado como un gris que se ve realmente verde porque está rodeado de rojos realmente potentes. Y vistiendo algunos de los colores en la parte superior aquí para que puedas ver la diferencia y las temperaturas cambiantes de cada tonalidad que estoy usando y creando esta pequeña paleta aquí arriba También es agradable probar pequeñas muestras, ya sea directamente en tu estudio o puede tener un poco de papel rascar a tu lado, es que puedes previsualizar un color antes de ponerlo en tu estudio Entonces, cuando estés mezclando, realmente recomiendo mezclar en pequeñas cantidades primero para ver que esto llegue a la temperatura correcta. Sólo estoy poniendo mi color oscuro en donde veo mis formas de sombra. Algo tan orgánico como una hoja es un poco más complicado porque no hay como ese borde realmente duro, forma de sombra clara que a menudo se puede obtener con objetos hechos por el hombre, pero creo que este es un gran Solo empieza a ver realmente cómo estos pequeños cambios realmente pueden hacer una gran diferencia, y va a ser un poco delicado acerca de cómo pones diferentes colores y cómo puedes volver y colorear encima de ellos para crear el efecto que deseas. Entonces sabiendo que estamos empezando a ver tres valores diferentes en este punto, en general, tenemos este color de sombra realmente oscuro, el color amarillo-verde más claro, y este color verde frío medio Apenas con tres valores, como hemos hablado en nuestra clase de forma de valor, ¿puedo crear tanta definición y forma? Por supuesto, es plano, pero realmente hace una gran diferencia al pasar de un valor a tres. Entonces ahora solo voy a mezclar algunos de mis colores de resaltado. Ya se puede ver la enorme diferencia que crea ese valor agregado. Ahora, debido a que el gouache es realmente opaco y se seca rápidamente, puedo volver a agregar en colores más claros y reflejos o fijar colores que no salieron como me imaginaba Esto es realmente útil y se siente un poco como la pintura digital en realidad. Me encanta lo opaca y vibrante que resulta la pintura. Ahora estoy agregando algo de amarillo, creando este resaltado más cálido. Entonces agregando este amarillo a esta melena amarillo-verde que tuve antes, es interesante ver el ligero desplazamiento que crea haciéndola un poco más cálida en Ahora solo agrega un resaltado aún más cálido y brillante. Empiezo a notar que el contraste entre las partes frías y cálidas de estas hojas se va a sentir un poco demasiado diferente, así que sé que voy a necesitar armonizar eso un poco más para avanzar Esto es realmente asombroso observar cómo estos cambios y la temperatura y el valor de color realmente comienzan a sacar a relucir cómo esta forma está en ángulo, dónde está la fuente de luz y haciendo que toda esta pintura se vea más dimensional. Ahí también es donde realmente puedes empezar a tener la sensación de que el color es tan relativo y depende de los colores a los que esté al lado. Este verde que se ve realmente genial. Al lado de este verde cálido puede parecer mucho más cálido si es al lado de decir un azul o un morado. Y a pesar de que estos dos greens probablemente pensaste que eran muy similares cuando empezaste a mezclarlos pueden parecer tan diferentes si esas fueran las únicas dos cosas que intentas comparar. Ahora he creado este color de sombra un poco menos saturado y lo estoy colocando en cualquier lugar donde vea algo de ese cambio y las formas de sombra de la referencia fotográfica. Incluso dentro de estas partes realmente oscuras de un objeto, hay cambios que pueden ser difíciles de notar al principio pero sí hacen esta gran diferencia en términos de cómo se representa la forma. Notarás que hacer el estudio con lápiz de color más un estudio de gouache también ayudó a reforzar la observación del color Para mí, cojo cosas por segunda vez que no noté la primera vez. Y como ya he bloqueado el dibujo con lápiz, puedo enfocarme completamente en estudiar el valor y colorearlo con mi pintura gouache Realmente me estoy metiendo en los detalles, definiendo más la rama y poniendo algunos de esos pequeños torceduras en las hojas, tratando de realmente prestar atención a cómo las diferentes hojas están inclinadas hacia la rama, asegurándome de que estoy mostrando las superposiciones correctas, inclinándose hacia la derecha y hacia Bien, así que eso se ve bastante bien. Decidí agregar algo de limpieza alrededor toda la imagen es poner en este tono verde muy claro, tapando todas mis marcas de lápiz, pero eso no es necesario. De hecho, creo que se ve genial con algunas de las marcas de lápiz que aparecen debajo. Esto también me está ayudando a aclarar realmente mis espacios negativos y a retocar el borde Entonces ahora estoy usando este cepillo filbert greener de tres octavos de pulgada, lo cual es realmente genial Tiene básicamente esta cabeza de cepillo adelgazada y crea estas pequeñas marcas de escotilla Entonces solo voy a entrar con mis colores de resaltado. Ahora que has visto una demo completa tanto con lápiz de color como pintura gouache, anímate a que pruebes esto por ti mismo si aún no lo has hecho Mira cómo te gusta usar cada uno y tal vez ver cómo te gusta usarlos juntos. Ten en cuenta que se necesita práctica para comenzar a entrar en el flujo con estos materiales. Mis lápices de colores puestos en mi escritorio durante años antes de que me enterara de cómo me gusta usarlos, y mis primeros intentos con gouache se ven tan planos y sin vida y tristes que los puse a un lado por un tiempo antes de volver a recogerlos Tanto para el gouache como para los lápices de colores, descubrí que la clave era comprender los valores, estratificación y la mezcla de colores para sacarles el máximo partido Por eso primero pasamos de forma valorada, y ahora vamos a pasar a discutir la teoría del color. Cuando estés listo, vamos a reunirnos en la siguiente clase. 15. Color y luz 3: comprensión del color: Ahora que ya hemos probado ver las sutilezas y el color, hablemos de la teoría básica del color A medida que nos sumergimos en la teoría del color, quiero que tengamos en cuenta que al final del día, realmente estamos hablando de la naturaleza. El color es parte de nuestra experiencia natural. Está en todo lo que nos rodea y en todo lo que percibimos. Entonces, a pesar de que estos temas se han desglosado en estos diagramas y estas tablas y estas teorías, ten en cuenta el contexto del panorama general, que es que estamos hablando de la naturaleza y nuestra capacidad para ver mejor el mundo que nos rodea. Empecemos con esta rueda de colores básica que probablemente todos estén familiarizados. Captura los colores que vemos en el espectro de luz visible que más nos queda claro cuando vemos un arco iris. Tenemos los colores primarios de rojo, amarillo y azul, luego los colores secundarios de naranja, verde y morado, y finalmente los colores terciarios intermedios producidos mezclando los colores primario y secundario Algunos de ustedes probablemente ya sepan que los colores opuestos entre sí en la rueda de colores se consideran complementarios, como el rojo y el verde, azul y el naranja, el amarillo y el morado. Al estar en los extremos opuestos del círculo, hacen estallar entre sí cuando se colocan uno al lado del otro, haciéndolos complementarios. También tenga en cuenta que cuando los mezclamos, producimos un color neutro. Creo que ese es un aspecto realmente hermoso tanto del arte como de la vida. Entendemos eso en teoría, pero para meterlo en nuestro inexperto, hagamos una rueda de colores juntos Ahora hablemos de estos lápices de colores y cómo vamos a hacer el ejercicio de rueda de colores con ellos. He seleccionado los 12 tonos que están en nuestra rueda de colores lo más cerca que puedo con lo que ofrecen los lápices de colores De hecho, comencemos con solo escribir pequeños círculos muy rápidos para que los hagamos. Tenemos 12 tonalidades en nuestra rueda. Lo que puedes hacer es comenzar con norte, sur, este, oeste. No tienen que ser perfectos, pero esto será para que lo rellenes más adelante. Los tonos crean dos círculos igualmente espaciados entre cada uno para obtener tu 12 Lo que vamos a hacer es que vamos a poner uno de estos tonos en cada uno de estos y luego vamos a elegir un matiz más claro y luego un matiz más oscuro para colocarlo dentro y alrededor de él Entonces comenzaremos a ver cómo se refleja la paleta de colores en nuestra paleta y luego también podremos mezclarlos en el lateral de la página. Empecemos con nuestro rojo. Solo entra y rellena tu círculo. Siempre puedes hacerlos más grandes o más pequeños después del movimiento más cercano. Siguiente Estoy teniendo el naranja rojo, que es bermellón pálido 921 Después siguiente teniendo naranja 918. Eso va aquí. La razón por la que no estoy empezando por rojo, amarillo, azul, y luego mezclarlo en un secundario verde, naranja, morado, y luego los colores terciarios es porque con estos lápices de colores no van a mezclarse perfectamente así. Esto ejerce ahora que entendemos la teoría básica del color de cómo funciona la rueda de colores, ahora vamos a verla en la práctica con sus materiales reales. Entonces amarillo-naranja, que es el sunburst amarillo 917. Ahora pasamos al amarillo. He escogido este amarillo canario, que es 916. Entonces este verde amarillo, que es nuestro chartreuse 989 Entonces nuestro verdadero verde, que va a ser un poco más azul de lo que vas a esperar, al menos de lo que yo esperaba. Ves que están en el lado opuesto de su color complementario rojo. Entonces azul-verde que sólo va a ser aguamarina 905. Entonces aquí tenemos el verdadero azul 903. Si quieres, puedes poner los pequeños números al lado de cada círculo si quieres recordarte cuáles son. Entonces tenemos tonalidad azul cobalto 133. Ahora tengo violeta 932. Entonces finalmente tenemos el violeta rojo, que he recogido como morera 995 El siguiente ejercicio consiste en escoger la versión ligera y la versión oscura de cada tonalidad. Si tuvieras que conseguir un papel de rascar y solo añadirles blanco y negro a estos, vas a conseguir algo como esto. Esos no son exactamente los colores que queremos tener. Algunos de ellos trabajan en los más oscuros. Pero sobre todo aquí arriba, esto simplemente no es como las naranjas oscuras que vamos a querer usar nuestras ilustraciones Un buen ejercicio es entonces simplemente pasar por tu mochila y elegir más cercano que veas para ser la versión oscura y clara de cada una. Aunque no tengas exactamente los mismos tonos que estoy usando, solo usa los más cercanos y esto es parte del experimento para que veas qué colores tienes Para el rojo, he elegido rosa rubor para mi color más claro y luego rojo carmesí para mi Yo sólo voy a poner un círculo más pequeño aquí. Entonces con el rojo carmesí, pondré este círculo más oscuro afuera Hagámoslo un poco más grande. Realmente no importa. Encuentras que eliges uno que te gusta, en realidad eso no resulta realmente de la manera que esperaba. Siempre puedes mezclarte en un color adyacente más cercano como algo más profundo o algo más claro para tratar de acercarte a lo que quieres. Pero esta es una buena manera de conocer tu paladar. Para el naranja rojo, he escogido el rosa salmón como mi rojo, 1001 y el rojo amapola como mi tonalidad más oscura, entonces 922 Continuando en mi círculo pequeño y haciendo mi círculo grande. Realmente puedes empezar a comparar y ver cuánto más naranja es. Mientras que por sí solo podrías pensar que es rojo puro. Siguiente para naranja he escogido esta tonalidad naranja cadmio 118 y luego esta naranja española 103 para mi más ligera De nuevo, siéntete libre de tomarte tu tiempo, disfruta de este proceso. Estás aprendiendo sobre todas tus herramientas y cómo usar el color, pero al mismo tiempo creando algo que es muy hermoso. Entonces usaré el naranja español como mi naranja amarillo más oscuro. Para este más ligero, voy a probar este color jazmín 1012. Al lado del amarillo claro, he escogido el amarillo deco, que es 1011. Entonces para el más oscuro, elegí vara de oro, que es Lo voy a poner en este deco amarillo 1011. Entonces la vara de oro, ese es el color más oscuro. Eso es un poco demasiado oscuro para mi preferencia. Lo que voy a hacer en realidad es traer el amarillo-naranja, me refiero al amarillo sunburst porque en realidad siento que esa es una versión de color más oscuro Eso es amarillo ocre 942 finalmente se está acercando a lo que me imagino que sería un amarillo más oscuro Ahora pasando a chartreuse. He recogido esta chartreuse amarilla. Es el número 1004. Puedes empezar a ver ese chartreuse y el amarillo chartreuse a veces cuando quieres aclarar algo, no necesariamente necesitas agregar blanco Es posible que deba agregar su color más brillante adyacente. Entonces para el color más oscuro he recogido el verde primaveral 913 No va a ser una pareja perfecta. Voy a entrar un poco más ligero y luego ver si puedo ajustarlo a partir de ahí. Es un poco más verde de lo que creo que debería ser. Permítanme traer en verdad la chartreuse misma. Eso se parece mucho más a una versión más oscura de eso. Ves mezclar solo el tono más oscuro o el tono adyacente en él será mejor que agregar un negro. Para verde claro he escogido esto, verde claro 920. Entonces para verde oscuro, he recogido pasto verde 909. Ahora pasemos a este azul-verde. He escogido el aguamarina ligera. Entonces para la versión más oscura, he escogido esta turquesa cobalto 105. Entonces nos metemos en el azul. Yo voy a hacer el cielo azul. En realidad, para el azul oscuro voy a usar este denim azul 1101 Entonces podría querer intentar agregar un poco de azul a la luz azul cielo. Tal vez un poco metido aquí también. Siempre que estés agregando tu tono original cualquier color en el que a cualquier color en el que intentes mezclarlo es que por supuesto empieza a armonizarlo más Eso ya se ve más bonito. Entonces pasemos a este violeta azul. He escogido el color azul del lago, como una bígaro. Entonces para nuestra versión oscura de eso, ultramarina. Se ve bien. Entrar en nuestra violeta. He elegido la lavanda como nuestro violeta claro 934. Estoy agregando violeta imperial 1007 como mi color más oscuro. Después para el rojo violeta, escogió esta rosa rosa 1018 Entonces para el violeta rojo oscuro he escogido este Dahlia púrpura Eso fue, ojalá, relajante. Es como hacer un mandala. Aquí tienes tu pequeña rueda de color agradable. Si quieres, puedes entrar y limpiarlo un poco o paso a la siguiente sección. Para esta siguiente sección de este lado, vamos a hablar de mezclarnos con estos grises neutros y negros y marrones Puedes escoger cualquier matiz, pero solo escoge uno de estos principales. Voy a estar usando hierba verde porque es un color que uso mucho y me sería muy útil para ver cómo interactúan con todos estos colores. Yo recomendaría escoger el matiz que más te guste. Lo mejor es comenzar con uno que tenga espacio para ser mezclado. A lo mejor no es algo que sea súper oscuro así. Si vas a elegir uno de estos, yo elegiría uno en los colores medios. Voy a empezar con pasto verde, pero tú eres, claro, bienvenido a empezar con lo que quieras. Lo que voy a hacer es dibujar ocho filas de cinco círculos y todas van a empezar con esta tonalidad verde. Entonces he recogido aquí un grupo de cuatro de cada uno de los neutrales con los que quiero mezclarme Comenzando por estos marrones, tengo beige, ámbar claro, ámbar oscuro y negro Entonces tengo básicamente el 30%, 50%, 70%, y 90% de cada uno de los grises Si tienes todos estos tonos, adelante y recógelos. Si no, solo puedes ver la demostración y ver cómo interactúan entre sí. Entonces en realidad puedes usar eso y decidir cuáles te gustan más y tal vez solo obtener esos colores específicos, si no todos ellos. Permítanme comenzar con los cinco círculos. Todas nuestras prácticas de círculo y línea serán útiles. Va a haber ocho filas de cada una, y puedes agregar una etiqueta aquí en el líder lateral, razón por la cual se inclina un poco así Empecemos por realmente solo llenando todos estos con tu verde. Yo no iría tan duro como eso, pero tal vez como alrededor del 50-60% rellenado, así que nos da algo de espacio para mezclarnos Siéntete libre de poner algo de música o un audiolibro y llenar tus círculos Cuando estés listo, pasemos a la mezcla. El objetivo es básicamente tener una versión de claro a oscuro. Queremos ver cómo podemos lograr los diferentes colores que realmente queremos. Con este top one, en realidad vamos a empezar con el verde. Entonces quiero ver cómo funciona con poner en un adyacente colores más cálidos. Voy a poner en amarillo, luego un color más fresco adyacente, azul. Entonces lo que parece poner en realidad colores complementarios, así que lo neutraliza pero cómo Después de eso vamos a poner en nuestros ambers. Voy a poner en nuestro just u para ámbar y negros y beiges y luego haremos nuestros Vamos a hacer gris francés, gris cálido y gris frío. Empezar con el verde va a ser similar a este ejercicio. Es por ello que los lápices de colores sí tienen una limitación, obviamente con pintura similar o en digital si mezclaste cada vez más blanco, podrías obtener un color muy claro. Pero con lápices de colores, hay un límite en cuanto se puede volver atrás. Lo que me gusta hacer es comenzar con una mano de peso medio y luego mezclarlo según sea necesario. A continuación, estoy poniendo un color verde claro. Es darse cuenta de cómo interactúan esos dos. Este va a ser mi verdadero verde. Entonces voy a seguir mezclando en un verde oscuro. Primero voy a hacer simplemente tal vez como la mitad, tal vez unos 50, 50. Entonces para este de aquí, voy a ir muy duro para que puedan obtener tanto como sea posible el verde oscuro. Esos son mis cinco primeros por ahora, mezclando solo en diferentes versiones de verde. A continuación, voy a probar el amarillo que en realidad pueda probar estas diferentes naranjas amarillas, amarillas y ver cómo afectan a mi color Voy a empezar con este color crema. Es uno de mis amarillos más ligeros, el 914. Entonces veamos si puedo probar este deco amarillo. Ese fue el uno-cero, uno-uno. Pongamos en amarillo, amarillo. Ese va a ser nuestro amarillo canario aquí. Se puede ver como eso realmente empieza a traerlo más a este color amarillo verde. Y después probemos el ocre amarillo. De nuevo, puedes agregar los pequeños números en la parte inferior si quieres hacer un seguimiento. Probemos el naranja español a continuación, y luego por último, voy a probar vara de oro, es un amarillo bastante oscuro, Apenas empezamos a ver la diferencia entre estos verdes más oscuros y qué tipo de efectos estamos tratando de lograr. Ahora pasemos al azul. Esto va a enfriar nuestros greens. Entonces voy a empezar con este azul cielo. Definitivamente da un poco de menta aquí sensación. Esto es pizarra azul, 1024. Entonces voy a hacer azul verdadero. Empecemos a ver qué tan diferentes son esos dos. Entonces probemos este azul denim más oscuro. Definitivamente luciendo como un azul-verde bastante genial vez en cuando probemos el ultramarino, solo como que consigamos ese rango de azul y viendo cómo afectan todos ultramarino obviamente es mucho más oscuro que estos colores amarillos, por lo que es capaz de acercarlo a su color que los amarillos Puedes comenzar a aprender cuánto puedes empujar un lápiz de color a su tono más claro versus un tono más oscuro. Agregué en rojo, comencé con el rosa y luego me moví al rojo amapola y luego al rojo verdadero, rojo carmesí y rojo toscano Se puede ver lo mucho que eso lo enturbió de inmediato y lo convirtió en este color de sangre de buey realmente profundo Y luego me mudé a los umbers, así que hice beige, claro, umber oscuro y negro, y luego los tres Estos son 30%, 50%, 70% y 90%. Sólo se puede ver. Son turnos muy sutiles, pero definitivamente como uno es un gris más cálido y uno es un gris más frío, y luego el gris francés tiene este otro tinte diferente al mismo. Lo bueno de esto es que cuando quiero hacer un estudio me puedo referir a esto de cómo llego a las sombras que quiero. Realmente puede depender si quieres hacer algo un poco más realista o algo un poco más estilizado Voy a trabajar más en este reino, pero es bueno saber cómo traer los negros y los grises si quiero acercar los colores a esta gama Esto es bastante sencillo, pero esto solo cubre los tonos más básicos ¿A qué me refiero con matiz? Cada color tiene tres propiedades por las que podemos medirlo; matiz, valor y saturación. El tono es probablemente lo que la mayoría de la gente piensa como color. En la rueda de colores que acabamos de mirar, los nombres que le dimos a cada color se piensa con mayor precisión como el nombre de su matiz. Ahora, recordemos cómo aprendimos que cada color tiene un valor correspondiente. Recuerda que existe ese espectro completo con cientos de valores. ¿Qué pasa con todos esos valores correspondientes a un matiz en particular? Ahí es donde empezamos a ver versiones más claras y oscuras de cada tonalidad. Añades blanco y negro nuestros valores para aclarar u oscurecer un Entonces, al agregar blanco para aclarar un matiz, se llama tinte Al agregar negro para oscurecer un matiz se llama sombra. Por último, podemos considerar nuestra tercera propiedad, la saturación. Piensa en cómo cualquier tonalidad dada eres más intensa o más apagada o pastel, así que eso es saturación Estamos hablando del brillo o intensidad de un color Por lo que 100% de saturación será un tono puro o agregar cualquier valor, ya sea blanco o negro, desaturará ese Ahora que conocemos el tono, la saturación y el valor, veamos una rueda de color más completa. Me gusta usar el disco de color en Procreate, que es la app digital con la que dibujo porque el tono está en el anillo exterior y luego los controles de saturación y valor para cada uno de los tonos está en el anillo interior Compare esto con un degradado más tradicional en rueda de colores donde podría pensar que todos los colores están presentes, pero en realidad el valor se mide en una escala separada en estos casos. El disco Procreate es muy intuitivo para mí. También puedes comparar esto con el clásico selector de color y las herramientas de pintura digital, que cuenta con los tres controles deslizantes para matiz, saturación y valor Esta podría ser una mejor manera de comenzar a comprender los niveles de matiz, saturación, valor en cada color que elija. Así que hemos hablado de tonalidad básica, saturación y valor, pero un aspecto del color que es realmente importante, que no está incluido en esa conversación tradicional es la temperatura del color. La temperatura del color no es una medida exacta como lo es con tonalidad, saturación, valor, pero definitivamente puedes sentirla. Entonces, incluso a un ojo inexperto, puedes sentir cuando algo se siente cálido o se siente fresco Al mirar estas dos famosas pinturas de pajar de Monet, cuál dirías que se siente genial y cuál se siente cálido Esto probablemente te parezca bastante obvio, pero realmente piensa en por qué y cómo un artista necesita transmitir estos sentimientos. A un nivel alto pensamos en los rojos, amarillos y naranjas como colores cálidos, y luego los azules, morados y verdes como los Pero piensa en cómo dentro de cada una de estas tonalidades también hay versiones frescas y cálidas de cada una de esas Aquí es donde se pone realmente interesante. Piensa en cómo puedes tener un verde realmente cálido, esos suelen ser un poco más amarillos, y luego un verde muy fresco, que tiende a ser un poco más azul-verde, y luego ver cuántos usa una mezcla de rosas y azules para esta pintura de pajar Si miras este, ¿esto se siente fresco o cálido? Por un lado parece de invierno, pero también hay rosa en él. Entonces, tradicionalmente, dirías que debería ser de un color cálido, pero en general, se siente bastante genial. Poder mezclar estos diferentes tonos junto con diferentes valores, diferentes temperaturas, puede ayudarte a lograr el ambiente adecuado que intentas ir Tenga en cuenta que la temperatura se encuentra incluso dentro de blancos, grises y negros La misma idea se aplica sobre hacerlos más cálidos o fríos. Entonces, al agregar un poco de amarillos y naranjas, obtienes estos blancos más cálidos, y si agregas más azules y morados, obtienes estos Lo mismo ocurre con los grises y los negros. Ahora que somos maestros del color, hablemos de color y luz. Científicamente hablando, el color es la parte del espectro de un rayo de luz que no es absorbido por el objeto Estamos viendo la parte que se está reflejando. Entender esto nos ayuda a procesar lo que estamos viendo cuando estamos haciendo una foto o estilo de vida. Cuando empiezas a entender por qué un color es más claro donde una luz golpea un objeto y más oscura y menos saturada en la sombra, o por qué las cosas se vuelven más claras y más apagadas en color cuando está más lejos o cubierta por la atmósfera es porque menos luz está llegando a nuestra percepción Este conocimiento también nos ayudará a crear colores creíbles sin referencia Ahora que hemos cubierto los conceptos básicos de la teoría del color, reunamos todo eso en nuestro próximo estudio del color. 16. Color y luz 4: ejercicio de teoría de los colores: Ahora vamos a hacer un ejercicio juntos que yo llamo el jardín de colores. Al crear estas flores, aprenderemos a mezclar diferentes temperaturas de color y cómo variar nuestro tono, saturación y valor Aquí están los materiales que voy a usar para este estudio de jardín de color. Tengo mi aguada acrílica Holbein aquí en rojo, naranja, amarillo intenso, verde, azul claro, ultramar profundo, violeta, blanco titanio, siena quemada A continuación, tengo esta pequeña paleta Masterson stay wet, que es realmente genial para mantener tus pinturas mojadas durante más tiempo especialmente algo así como gouache, que tiende a secarse muy rápido En cuanto a los pinceles, estoy usando estos pinceles de técnica mixta Princeton Velvetouch, que me gustan estos pinceles de técnica mixta Princeton Velvetouch, que me gustan mucho. Tengo un filbert en Talla 8, un sombreador angular, y un 3/8 de pulgada y luego este pequeño forro de punto apretado, pero cualquier forro delgado pequeño en aproximadamente un Tamaño 0 sería bueno Vamos a estar haciendo este ejercicio donde experimentamos con diferentes temperaturas de verde para las hojas y los tallos y luego experimentamos con diferentes tonalidades de la rueda de colores en las flores de arriba Podemos comenzar con nuestro color verde básico y luego pongo el amarillo profundo por un lado y el ultramarino el otro así que esto me va a dar mis cálidos tonos verdes y por el otro lado mis tonos verdes fríos También voy a tener un poco de blanco para trabajar si quiero aclarar alguno de los colores Solo entremos y comencemos a mezclar ese cálido color verde que va a ser nuestra primera hoja y tallo. No hay una medida exacta de cuánto amarillo y cuánto verde usar. Realmente es tu preferencia ver qué tipo de amarillo verdoso cálido quieres tener He tenido bastante amarillo con mi verde para tener este amarillo cálido y verde muy agradable. En realidad voy a empezar con mis lápices de color melocotón Acabo de poner una línea en la parte inferior para que pueda asegurarme de que todo esté muy bien espaciado y solo estoy poniendo ROYGBIV, así que R-O-Y-G-B-I-V para hacer un seguimiento de qué tonalidad voy a poner en qué tallo, así que rojo, naranja, amarillo, verde, azul, índigo, violeta la parte inferior para que pueda asegurarme de que todo esté muy bien espaciado y solo estoy poniendo ROYGBIV, así que R-O-Y-G-B-I-V para hacer un seguimiento de qué tonalidad voy a poner en qué tallo, así que rojo, naranja, amarillo, verde, azul, índigo, violeta. Ahora solo voy a empezar a poner las hojas y tallos así que esto podría tomar un poco de acostumbrarme, pero realmente es bastante natural, solo con el flujo del pincel así que estoy usando el tutor angular aquí. Podemos lograr un efecto muy similar con el filbert. Comenzando con el borde cónico, luego empujando hacia abajo para crear la parte más gruesa de la hoja. Luego, para los tallos más largos, simplemente no empujando tanto hacia abajo para obtener las partes más gordas sino aún así obtener un poco de esa variación de grosor y peso de línea Me gusta superponer un poco los tallos y las hojas para crear un aspecto natural. Se pueden tambalear las hojas así que algunas son más altas y otras más bajas Realmente no hay una manera equivocada de hacer esto. Se supone que es algo que sea agradable, relajarse es simplemente hermoso para empezar a ver las hojas y los tallos unirse. No necesariamente tienes que tener un plan de exactamente cómo va a quedar sino algo que simplemente se sienta orgánico y puedes comenzar a simplemente llenar algunos de los espacios vacíos con hojas adicionales, un poco ramificándose de los tallos y solo asegurándote de que tengan lo suficiente para colocar todos tus diferentes tonos encima Si quieres, puedes comenzar primero con un trozo de papel para rascar solo para que puedas tener la sensación de estrechar ese ángulo repasando unos pocos solo para obtener la forma correcta pero es algo que realmente debería sentirse natural Si notas alguna mancha que te parezca un poco en blanco o quieres engrosar un poco, solo puedes agregarle un poco más de pintura A medida que voy bajando la línea, sólo estoy bajando la cantidad de amarillo. En el medio, me estoy poniendo más el tono verde puro y luego de ahí, voy a estar mezclando más de blues. Hasta ahora no he hecho ninguna línea recta así que de alguna manera es, un poco menos desafiante al crear un aspecto más natural. Ya está empezando a verse y sentirse como si hubiera esta cálida luz solar en los tallos y las hojas a la izquierda. Me estoy metiendo en esta zona sombreada más fresca de nuestro bosque o nuestro jardín de aquí a la derecha Lo que me gusta de este ejercicio es que lo pone en estos contextos de la vida real El verde es una excelente manera de observar la naturaleza y parece algo que tiene la luz y las sombras que la afectan con solo experimentar, explorar la temperatura del color dentro del verde No necesitamos [inaudible] también con esto. Siempre podemos volver atrás y agregar un poco más de color después poner nuestras flores así que en este punto, pasemos a agregar nuestras flores de colores. Voy a comenzar con este color rojo puro. Ahora estoy usando el pincel filbert, y me gusta mucho este pincel para crear estas bonitas formas de pétalos pequeños Nuevamente, solo usando la curva natural del pincel presionando hacia abajo y luego levantando para crear la forma del pétalo. Mientras pienso en las flores, solo estoy variando el grosor de ciertos pétalos, agregando un pedal más delgado en el costado para transmitir el borde del pétalo. Lo que estoy haciendo aquí es comenzar con solo el tono puro que sale del tubo de pintura así que esta es una flor roja. Entonces estoy agregando en blanco para ver cómo le afecta eso. Me da este bonito color rosado rosado. Entonces quiero ver qué pasa si agrego en su color complementario y también qué pasa cuando agrego en negro. ¿Cuál es la diferencia de oscurecer ese rojo a través de estos dos tonos diferentes Esto me está dando color sangre de buey prácticamente y luego esto es realmente oscuro y el último casi todo el tono rojo. Ese podría ser un color que quiero usar, digamos si tengo un área sombreada muy oscura de un objeto rojo o flor roja, y solo voy a experimentar con colocar eso un poco en mis flores para ver y contrastar y si eso funciona como un color de sombra Ahora pasemos al naranja. De nuevo, solo estoy poniendo el tono puro fuera del tubo de pintura para ver cómo se ve eso y estoy pensando en amapolas en este punto, así que solo estoy haciendo estos pequeños pétalos muy bonitos con uno más grueso en el medio y luego voy a mezclarlo con mi rojo para conseguir mis naranjas rojas Estoy mezclando un poco de blanco consiguiendo este bonito color naranja claro. Podría ser un gran durazno, albaricoque, luego probando un poco de negro Eso me da este color marrón que toca la mesa, en realidad. Probé el color complementario solo obteniendo ese color fangoso realmente oscuro Ahora pasemos a nuestros amarillos así que de nuevo, vamos a traer nuestros tonos amarillos y luego mezclarlo con naranja para obtener nuestro amarillo-naranja Primero solo estoy mezclando esta naranja amarilla es realmente más dominada por la naranja en estos momentos. Mezclando en un poco de negro, mezclando algunos colores complementarios para ver cómo oscurece este color Ahora probemos el amarillo puro recién sacado del tubo. Mi papel todavía tiene un poco de color que no se lavó, así que se ve un poco fangoso, pero también bonito Esos son algunos de los accidentes felices que pueden ocurrir cuando estás pintando algo que no pretendiste que fuera así sino que en realidad crea un efecto bonito como este. Parece que tiene un poco de bonito sombreado y valor para él ahora Así se ve un amarillo aligerado con algo de blanco. Ahora mezclando en algunos colores complementarios. Ahora comencemos a avanzar hacia el amarillo-verde. De nuevo, voy a probar algunas formas diferentes aquí, pero aun así manteniendo todo dentro la misma idea porque empecé con un amarillo intenso, me va a dar este amarillo-verde más oscuro También puedo agregar un poco de blanco para aclararlo y luego de ahí podemos movernos a nuestro verde verde Para éste, voy a hacer que sea un poco de helecho. Ahora podemos pasar a nuestros azul-verdes. Empiezo con este azul claro que tengo. Esto está fuera del tubo tiene este azul cielo realmente rico creando las formas de lirio iris. Ahora quiero ver e ir hacia atrás un poco de cómo se verá ese azul mezclado con el verde porque es realmente hermoso color azul-verde Me encanta ese color verde azulado. Ahora vamos a adentrarnos en nuestro blues más profundo medida que nos movemos hacia tus índigo y violetas. Voy a apagar algunos de mis ultramarinos profundos. Esto es realmente bonito, rico, azul medio. Ahora solo estoy haciendo el ultramarino otra vez, gouache es bastante indulgente así que resulta ser una forma que no te amas Siempre agregas un poquito más o Ahora por fin estamos en nuestro matiz final así que he traído el violeta y voy a estar mezclándolo primero con el ultramarino y añadiéndole algo blanco porque con violeta, más que cualquier otro color, me parece que necesita un poquito de blanco para sacar más de su color porque verás cómo se ve la pintura pura Esta es la violeta que sale directamente del tubo en comparación con una violeta que se ha mezclado con azul y algo de rojo y algo de blanco encima de ella. Vamos a ver realmente cuánto lo desatura. Tratemos de traer de vuelta algo de esa saturación. Ahora sólo voy a mezclar un violeta rojo, mira cómo se ve para que podamos cerrar nuestro bucle. Ahora solo estoy experimentando con agregar algunos rosas al final He entrado y le he añadido un poco de blanco a mi rojo, pero también agregué un poco más púrpura para ver cómo eso afecta las cosas porque la primera vez que lo hice, solo lo hice con rojo y blanco. Aquí puedes ver la diferencia entre el rosa todo el camino en el extremo izquierdo y ese rosa rosado más profundo que hice al principio Ahora solo puedo hacer algo de limpieza final, quieres rellenar cualquier espacio en blanco con tal vez tus colores favoritos o experimentar con un poco más pero ahora tienes una idea de cómo hacer este ejercicio de jardín de colores y puedes hacerlo en cualquier momento Es un ejercicio realmente relajante. Solo estás experimentando y jugando con el color. Ni siquiera tienes que usarlos todos tal vez quieras hacer uno que solo se centre en digamos, rojos y naranjas y amarillos o todos los tonos fríos y experimentar ahí dentro Puedes mezclarlos y no tenerlos en el orden específico y simplemente empezar a experimentar con las relaciones. Hay tantos potenciales, pero al final del día, solo querer que sea algo relajante, agradable de hacer mientras se aprende sobre la teoría del color 17. Color y luz 5: uso del color: Hacer todos estos estudios observacionales del color es una excelente manera de perfeccionar tu capacidad para ver el color y entender cómo renderizarlo de acuerdo con la vida real Pero claro que van a ser momentos en los que vas a querer crear tu propia paleta de colores. A lo mejor estás haciendo una pintura imaginativa original o estás haciendo un estudio, pero quieres abstraer los colores en tu propia interpretación de la misma De cualquier manera, ¿cómo eliges una buena paleta de colores? Aquí hay algunos consejos sobre cómo abordar eso. Para comenzar, recomiendo mantenerlo sencillo. Concéntrese en una familia de colores de cortesía y mantenga sus valores claros. Se puede hacer mucho incluso con solo una paleta de tres colores. Cuando digo cortesía, me refiero a lo que estábamos hablando antes. En realidad hay muchas otras relaciones tradicionales en la teoría del color. Hablemos de cada uno de los que están aquí. Hay una relación monocromática, por lo que al tener un tono con diferentes tonalidades y tintes dentro de ese matiz, hay complementarios, por lo que los tonos que están opuestos entre sí en la rueda de colores como el rojo y el verde, que ya hemos hablado antes, luego hay una división complementaria, por lo que un tono más los otros dos que están igualmente separados de su complemento opuesto. También hay doble complementario, tan similar al split complementario pero con dos en cada lado. Luego hay análogos, que es una agrupación de tonalidades adyacentes juntas como el rojo, el naranja y el amarillo Por último, hay relaciones triádicas. Tres tonalidades que son equidistantes entre sí en la rueda de colores cuanto a mí, en realidad muy raramente pienso mis paletas de colores y estos términos tradicionales de relación de color Tiendo a encontrar el color muy intuitivo a la hora de escoger paletas de colores, no necesariamente renderizando color Que cuando pienso en paletas, realmente estoy pensando más en la emoción y los estados de ánimo de lo que estoy tratando de transmitir Muy raramente uso colores primarios y relaciones muy básicas de digamos como el azul, el amarillo y el rojo, pero trato de encontrar versiones más matizadas de cada tonalidad y combinarlas consecuencia con un complemento general como las relaciones cálidas y frescas Cuando hablo de la emoción y el estado de ánimo de los colores, en realidad realmente hay todo un estudio de la emoción y la psicología de los colores. Si bien es subjetivo y a menudo depende de la cultura, pero aún así hay muchos patrones que emergen en estos estudios de cómo las personas perciben el color. Pero piensa en cómo dentro de cada una de estas tonalidades, dependiendo de qué versión se encuentre, puede indicar algo muy diferente Aunque el verde tiende a indicar la naturaleza, también puede usarse para transmitir sentimientos de envidia, o tal vez dinero, o tal vez incluso algo asqueroso y asqueroso, así que algo bastante diferente a la naturaleza. Lo que recomiendo es solo estudiar estos conceptos generales de psicología del color y luego observar tu propia reacción intestinal a los colores, y usar eso para guiar cómo seleccionas colores dependiendo de qué es lo que quieras que transmita tu imagen. Con todo este conocimiento en mente, el siguiente paso es solo experimentar. Muchos accidentes felices ocurren mientras se usan los medios tradicionales, especialmente las pinturas y las herramientas digitales son una excelente manera de experimentar con paletas de colores Por ejemplo, puedes aplanar tu imagen y simplemente usar los ajustes de tono y saturación para experimentar con cómo podría verse en tonos totalmente diferentes y además simplemente salir y explorar Realmente existe esta inspiración en todas partes. La naturaleza es un gran lugar para comenzar, pero encuentro mucha inspiración de paleta de colores en cosas como la moda y en los objetos hechos por el hombre y la arquitectura Literalmente en todas partes tiene inspiración, incluso portadas de revistas y diseño de libros, quiero decir, podría simplemente nombrar casi todo, comida, diseño de interiores. Hay tantas maneras de inspirarse con las paletas de colores. Si quieres comenzar con una paleta existente, algunos recursos que puedes usar son, por supuesto, Pinterest, también hay Adobe Color y procrea el seleccionador de color. Procreate tiene esta genial opción donde puedes subir una fotografía o imagen con los colores que te gusten, y generará una paleta de colores para ti En cuanto a mí, muy raramente empiezo con una paleta de colores establecida de una fuente externa. Por lo general, cuando estoy creando un dibujo, tengo en mente una paleta de colores general porque tengo un estado de ánimo en mente. Eso es con lo que lidero. Por lo general hay un color dominante, ya sea uno más oscuro o uno más claro, y luego lo complemento con un color cálido o frío. Yo uso muchas armadas y los melocotones son verdes más oscuros y naranjas más claras y corales y Personalmente me gustan mucho esas combinaciones de colores en estos momentos. Dicho esto, déjate evolucionar cuando se trata de paletas de colores Solía trabajar tanto en este mundo de fantasía realmente azul y morado. Hace poco me ha gustado trabajar en más de estos colores cálidos y naturales, pero estoy seguro que voy a evolucionar más allá de eso también. Se trata de experimentar y tocar y de sentir realmente lo es lo que quieres comunicar a través de tu voz artística Te voy a mostrar algunas demostraciones rápidas de cómo se me ocurren las paletas de colores Tiendo a tener personalmente un color con el que me gusta empezar. Vamos a usar esta naranja durazno. Entonces por lo general me gusta tener unos tonos diferentes de ese color. Digamos un color más oscuro. Entonces lo felicito con un color fresco, generalmente un azul o un verde Este es un color que últimamente estoy disfrutando mucho. Entonces a partir de ahí, solemos tener un color que es como una versión oscura de eso, así que casi negro. Entonces muchas veces, voy a tener un color de resaltado que siento que solo agrega un Últimamente he estado viviendo un amarillo muy brillante, tengo eso como color de acento. Incluso con este, puedes ajustarlo para ver si hay otro color de acento que te guste. Tal vez un poco más cálido, tal vez un poco más atrevido. Prueba un poco más brillante. Tengo este sentimiento ahora mismo. Pero manteniéndolos en diferentes capas, puedes usar los ajustes para jugar con eso. Entonces también puedes agruparlos, aplanarlo, y luego mantener estas mismas relaciones de valor y saturación Entonces prueba con diferentes tonalidades y mira si hay algo ahí dentro que ponga fin a tus intereses O desaturarlo y ver como, oh ¿me quiere eso es un poco más silenciado o algo que sea súper audaz Entonces también quiero un poco más soplado , algo un poco más oscuro. Te veré en general, si vas a ir más ligero, entonces también puedes ajustar el matiz y la saturación para que coincidan. Por lo general no va a funcionar solo para cambiar solo el brillo. Otra cosa genial es que puedes importar una nueva paleta a partir de una foto. Digamos que tomas esta foto de flores que crees que son muy bonitas y luego va a crear una paleta de colores a partir de esa imagen. Entonces me ha creado esta paleta de colores. Se puede ver que no es perfecto. Entonces tal vez sea un buen punto de partida. Pero lo que yo diría es como, bien, ¿por qué no empiezas a recoger los colores que realmente te encantan Pero recuerda que una foto tiene toneladas de pequeños píxeles. Dependiendo de dónde coloques tu cuentagotas, aunque parezca que todo es del mismo color, estás obteniendo muchos colores diferentes A veces lo que voy a hacer es elegir el color, pero luego lo ajustaré en función de lo que percibo que es el color. Este podría ser técnicamente el color correcto, pero no me está dando el color que siento que estoy viendo. Voy a entrar y ajustarlo un poco. Así es como siento que se ve lo mismo con este amarillo. amarillo podría ser técnicamente correcto, pero parece un poco aburrido. Sólo voy a sacar eso a colación. Ahora eso se ve mucho más cerca de lo que tengo en mente. Entonces puedes seguir así. Está escogiendo este color. Eso se ve bastante bien. Escogiendo este color y mira, pensaste que esta era una flor blanca, pero este color por dentro es esta menta prácticamente. Veamos qué es este color. Esto es como un gris, y estoy seguro que esto parece una flor amarilla, pero en realidad tiene esto realmente, muy rojo oscuro, un poco demasiado oscuro para mí. A mí me gusta ese color. Simplemente dando vueltas y sacando lo que es que te gusta de esta foto. Lo interesante es que solo miramos esta paleta. No sé que estaría como, oh, esa es una paleta tan hermosa, pero mirándolos por completo en esta foto, realmente puedo ver cómo puedes hacer que funcione. Tener estos para complementarse entre sí en su proceso es una excelente manera de descubrir los colores y paletas de colores que también disfrutan Tómate un tiempo y solo escribe para recolectar paletas de colores que te gusten Puedes mirar la paleta de colores real, digamos en Pinterest, o encontrarlos en línea, coleccionar trabajos de artistas que te gusten o la paleta de colores te habla. También puedes mirar recortes de revistas o encontrar inspiración en fotografías que tengas en tu teléfono para comenzar a construir tu biblioteca de qué combinaciones de colores te A lo mejor es un ejercicio en el que nunca antes habías pensado realmente, pero solo tienes una foto que sabes que te gusta, no has pensado en mirarla sobre por qué esos colores funcionan juntos. Este es un buen momento para empezar a hacer eso, y puede ser una práctica de por vida. Pero por ahora, apenas empieza a mojarte los pies. Estoy pensando en las paletas de colores que te gustan. Entonces cuando estés listo, vamos a reunirnos. En la siguiente sección, reuniremos todo esto en nuestro proyecto de clase 18. Color y luz 6: proyecto de clase parte III: Ahora trabajemos juntos en nuestro proyecto de clase. Primero voy a hacer una demo de colorear en la imagen exactamente como se muestra. Ese ejercicio nos va a ayudar a pensar en la paleta de colores. ¿Por qué los colores complementarios funcionan juntos? Cómo hicimos algunos ajustes para crear algunas variaciones diferentes y algunos intereses, y las elecciones que tomé en el camino. Para este, eres bienvenido a intentar mezclar los colores mirándolos primero y luego verificándolos con el seleccionador de color Por el bien del tiempo, voy a estar usando el seleccionador de color directamente para que podamos enfocarnos en la discusión de la selección de color y la técnica de la pintura digital En general, estoy pensando en ponerme las grandes capas de color, formas tan grandes, y luego trabajar en detallar al final. En este punto, no estoy tratando de hacer bordes perfectos pero entraré después para limpiar todos los bordes. Para esta sección, te recomiendo mantener tus colores en capas separadas para que en la siguiente sección puedas ajustar cada capa y experimentar con diferentes paletas de colores fácilmente Ahora bien, vale la pena hablar de este color naranja brillante para las flores porque lo recordarás en la sección de valor, hablé de cómo elegí a propósito este valor más medio que estaba cerca los otros colores para que no distraiga tanto de nuestro personaje principal No pensamos en los valores. Solo pensarías, bueno, esta naranja es extremadamente distrayente A lo mejor no habrías adivinado que los valores de los diferentes colores en realidad estaban tan unidos entre sí También podría haber considerado diferentes tonalidades o tensas de la naranja en las flores. Esa es definitivamente una opción. Podría haber considerado renderizarlos más. Pero esto está empezando a convertirse en una elección más estilística de tener estas flores gráficas realmente planas, mantenerlas todas de un color, y solo tener que sean este bonito marco a su alrededor en lugar de llamar mucho la atención sobre ellas agregando más detalle y más cambios de valor dentro de ellas Ya puedes empezar a ver el contraste entre este verde fresco que he usado comparado con estos amarillos cálidos y melocotones a su alrededor A pesar de que técnicamente en la teoría del color aprendimos que el rojo y el verde son los colores complementarios. Me parece que usar los colores adyacentes puede ser muy agradable. Aquí estoy mezclando calienta y enfría juntos, pero en vez de rojo y verde o naranja y azul estoy usando un verde azul sombreado, y luego trayendo algunos amarillos profundos y un poco de No me limité a empezar con esta paleta de inmediato. Sabía que quería que fuera verde y que tuviera algunos colores cálidos a su alrededor. Pero dentro de esos tonos y el rango, haría algunos ajustes de tal vez hacerlo un poco más azul o un poco más oscuro, haciendo que la naranja un poco más saturada hasta que acabo de conseguir esa relación que estoy buscando Tenemos nuestras capas básicas de color en su lugar y solo voy a entrar y poner los detalles de su cara, lo que puede ser realmente desafiante. En la sección de retratos, hablaremos más sobre las proporciones de fase típicas humanas. Pero incluso sin conocer las proporciones típicas de la cara, solo se pueden observar y utilizar las mismas técnicas de dibujo observacional que aprendimos antes de ¿cómo se alinea todo? ¿Dónde está su boca en las relaciones dicen a la parte inferior de su camisa, dónde se cruza la v, o dónde está alineada junto a sus dedos, o la flor al lado de su cara Entonces de ahí donde se coloca el ojo, ¿cuánto espacio hay entre esos ojos? ¿Cuánto espacio hay entre sus ojos y sus labios? Todas esas medidas que aprendimos en primera clase se aplican igual al rostro humano Así es como a la gente se le ocurrieron las medidas y las proporciones con solo observar y notar patrones Aquí tienes un par de consejos sobre cómo afinar tu coloración y tus paletas de colores Lo que encuentro realmente une una pieza y armoniza una paleta es cuando las mezclas de manera sutil Esto se basa en la ciencia de la vida real del color y la luz reflejados, y también en algo que personalmente he encontrado a través de la experimentación. Por ejemplo, le agregué este resaltado naranja a su cabello, es algo anaranjado que se está creando en su interfaz de piel que hace eco del naranja en los colores de las flores Estas son todas las cosas que la gente podría no notar en tu ilustración, pero definitivamente pueden sentirlo aunque no puedan explicarlo. Otro consejo es recordar que el color es relativo. El pico puede verse más rojo, quedar rodeado de verde, más pálido si está rodeado de rojos. Ahí está este gran libro sobre este tema llamado la Interacción del Color de Joseph Albers Seguro que has visto esas imágenes donde un color se ve totalmente diferente dependiendo de lo que esté al lado y juras que son colores diferentes, pero cuando los colocas uno al lado del otro, son realmente los mismos. Es interesante es plano de una ilustración como esto es. Realmente todavía hay mucha consideración de los reflejos y las sombras para traer un poco de esa forma en que realmente marca la diferencia entre un dibujo súper plano y algo que tiene este poco casi, apenas perceptible pero realmente importante sentido de forma y muertes. Podemos limpiar todos nuestros detalles de esta imagen. Se ve bien. Aprendimos mucho sobre observación de opciones de color y cuando miras trabajo de otro artista ahora realmente puedes pensar en las diferentes paletas que están usando, y por qué trabajan juntos, y comenzar a observar cómo están haciendo sus técnicas de coloración también También notarás que esta ilustración probablemente se establece durante el día, o en un área bien iluminada Un experimento que puedes hacer es traer esas claves mayores y menores de las que hablamos antes y también todos los diferentes estados de ánimo de los que hablamos con diferentes colores Combínalos y piensa en cómo puedes crear diferentes atmósferas dentro de esta imagen Por ejemplo, si quisiera que ella se sintiera más como si estuviera trabajando en las horas de la tarde del crepúsculo. Ella está trabajando y existe este sentimiento realmente mágico. Entonces podría experimentar con muchos más azules y morados. Solo piensa en diferentes variaciones a lo largo de esas líneas, ideando diferentes paletas de colores, solo jugando Una excelente manera de hacer esto si estás trabajando digitalmente, es solo guardar cada capa y luego ajustar el color a partir de ahí Espero que eso haya sido súper interesante y divertido de experimentar y aprendiste mucho sobre el color a través del ejercicio. Cuando te sientas listo, reunámonos en la sección de resumen final. 19. Color y luz 7: resumen: Aprendimos tanto juntos en esta clase. Y ahora tienes un punto de partida realmente genial para entender este aspecto tan importante del trazado de cimientos. Te animo a que sigas explorando y experimentando y a ver cómo te gusta trabajar con el color. Por ahora, aquí te dejamos un resumen de todo lo que aprendimos juntos. Empezamos hablando de ver el color. Ver el color como un artista revela todas estas mezclarías matizadas de color. El color se compone de tonalidad, saturación y valor. La temperatura es otro aspecto importante del color. En general, podemos pensar en ello como cuando te mueves más hacia los rojos en una rueda de colores, se vuelve más cálido, si te mueves más hacia el azul, se vuelve más fresco, independientemente del tono del que estés hablando. El color es luz reflejada, y sin luz, no hay color. Esto nos ayuda a entender por qué estamos viendo todos los cambios que hacemos cuando miras diferentes objetos a la luz. Estudiar el color nos ayuda a notar estos sutiles cambios de tonalidad y valor, así como la luz reflejada y las ilusiones de color Finalmente, al elegir paletas de colores, comience por mantenerlas simples, armoniosas y apropiadas para el estado de ánimo Hay muchas emociones y psicología asociadas con colores que uno puede estudiar. Cuando estés listo, pasemos a la siguiente parte. Vamos a estar hablando de retratos 20. Retratos 1: conceptos básicos de la cabeza y la cara: Bienvenido a nuestra clase de retratos. Dibujar retratos es algo que es realmente personal y la mayoría de la gente quiere encontrar su propio estilo para. En esta sección, voy a estar presentándote el entendimiento básico que me pareció el más importante para acercarme a cómo dibujar retratos, y también las cosas en las que estoy pensando estos días hacer estudios de retrato yo mismo. Dibujar el rostro y la figura humana abarca todo lo que hemos estado aprendiendo hasta ahora. Habilidades de dibujo observacional, cómo comunicar la forma a través del valor, y realmente comenzar a ver y entender cómo aplicar el color En esta sección, también vamos a introducir una comprensión básica de la anatomía y las medidas humanas estándar para que podamos complementar nuestras habilidades de dibujo observacional con una comprensión de la construcción debajo Esto también nos va a ayudar a aprender a dibujar de la imaginación. Dibujar retratos es una excelente manera de perfeccionar todas tus habilidades de dibujo. También es algo que la mayoría de la gente disfruta porque es tan inmediato a nuestra experiencia humana. Tener esa comprensión es que aprenderás en esta clase te llevará al siguiente paso para poder dibujar mejor lo que ves que este proceso sea aún más agradable. Voy a cubrir proporciones básicas de la cara, referencia de la parte superior del cuerpo y construcción básica de manos. También te voy a dar recursos si quieres profundizar en alguno de estos. Vamos a empezar con nuestras cabezas y nuestras caras porque eso suele ser lo más interesante para que la gente aprenda primero y además es uno de los más desafiantes. Cuando la gente empieza a dibujar caras por primera vez, realmente se enfocan en dibujar un ojo, y dibujan esta cara realmente grande, generalmente en una cabeza diminuta. Pero realmente empezar a pensar en nuestra cabeza en términos de esas formas que hemos estado aprendiendo, la esfera, el cilindro, las columnas realmente nos va a ayudar a pensar en nuestras cabezas como una forma 3D, y también ver mejor las proporciones y cómo cambian las cosas a medida que inclinamos la cabeza. Pensar en todo esto en términos de estas formas realmente va a ayudar porque veces cuando la gente simplemente dibuja un círculo para representar la cara va a ser un poco más difícil comunicar lo que realmente quieres Empezar con ese círculo básico y luego algún tipo de forma de mandíbula en forma de V o triángulo que esté unida a eso va a ayudar como un punto fundamental Entonces vamos a tomar esa medida de cabeza y luego medir en nuestras características individuales. Entonces hablemos de construir la cabeza y la cara a un nivel muy básico. Seguro que ya has visto estos maniquíes antes, y son útiles para dibujar las diferentes proporciones del rostro humano Pero quiero hablar un poco sobre lo que personalmente me pareció realmente útil hora de estudiar anatomía y cómo pienso en dibujar la cara. Una cosa que me parece muy importante es solo pensar en formas en el espacio. Entonces puedes pensar en la cabeza como una esfera, básicamente, y ahí está este escudo que es nuestra mandíbula y nuestro frente de boca y por supuesto estos no son del todo proporcionales, pero puedes pensarlo como este escudo que cubre esta esfera o parte en forma de huevo de tu cráneo, y entonces puedes pensar en nuestro cuello como este cilindro, entonces este escudo y esta esfera sentados encima de un cilindro En términos de construcción real, estoy seguro que has visto muchas formas diferentes de construir la cabeza. Pienso en ello más o menos como una forma ovalada que está hecha de este círculo superior con la línea de mandíbula incorporada. Las mandíbulas más delgadas tienden a representar rasgos femeninos mientras que las mandíbulas más anchas tienden a representar rasgos más masculinos Pero realmente es cuestión de comenzar a observar a diferentes personas y ver cómo te gusta dibujar mandíbulas. Pero se puede pensar en ello como salir de las sienes y luego encontrarse ya sea en una forma puntiaguda en la parte inferior o una forma engastada más ancha, un poco más redondeada. Se puede jugar con todas estas diferentes formas para la mandíbula. Ahora, sólo voy a empezar a rellenar estas formas con algo de color ahora que ya has visto las líneas básicas de construcción. Entonces tengo la forma de mi cabeza. Y el cuello sale por debajo del cráneo, pero es importante asegurarse de que no sea demasiado delgado. Para las hembras, tiende a entrar un poco entre el mentón y la parte externa de la mandíbula y para los hombres está un poco más cerca de los outsets de la Entonces en cuanto a cómo comenzar a colocar los rasgos faciales, la medición de la cabeza es la forma más común medir las proporciones de la figura. Entonces esta es una medida de cabeza y dentro de esta medida de cabeza, hay varios hitos importantes solo para que puedas comenzar a tener un punto de partida. Entonces tenemos este punto medio para tus ojos, y luego ese es solo el punto medio entre la punta misma de tu coronilla de tu cabeza hasta tu barbilla, y luego la marca a mitad de camino entre tus ojos y tu barbilla va a ser la parte inferior Entonces puse eso como un cuarto. También podemos pensar como otra mitad de la mitad, y luego entre la nariz y el mentón y otra mitad o un octavo está pasando por la parte inferior de tu boca Otra medida útil es tener en cuenta que las orejas tienden a caer entre la parte inferior de la nariz y la parte superior de los ojos Entonces para colocar algunas características más, comenzamos a mirar la línea del cabello Entonces piensa en que la parte superior de la cara está en la parte superior de la cabeza, y luego rompe eso en tercios. Entonces el tercio superior va a ser sobre dónde está tu frente, y el tercio inferior va a ser donde está el fondo de tu nariz, y se alinea perfectamente con esa marca de cuarto que hicimos para la parte inferior de la Entonces es una buena manera de verificar dónde tiende a estar la parte inferior de tu nariz Entonces esas son las medidas horizontales, pero también hay algunas buenas medidas estándar verticales que son útiles para reproducir algunas de estas características desde un punto de vista vertical. Entonces los ojos tienden a estar espaciados alrededor de otro ancho de ojo. Entonces solo estoy dibujando en una medida de ancho de ojos. Los bordes de la nariz tienden a caer justo alrededor de donde están las comisuras de los ojos. Algunas personas son un poco más estrechas, algunas personas son un poco más anchas, y luego el borde de la boca tiende a caer entre la comisura de tus ojos y luego el borde interior de tu pupila Así que un poco más lejos de tu nariz. Encuentro que todas estas medidas son realmente útiles para tener en cuenta. Entonces, solo para revisar, tenemos el ancho de los ojos al que estamos enfrentando las medidas de la cara. El puente nasal en la parte superior de la nariz tiende a caer entre el ojo y la ceja El punto medio es un lugar seguro, pero a veces encuentro que algunos puentes están justo entre los ojos El ancho de la nariz, nuevamente, es aproximadamente del tamaño o el ancho de un ojo, y el ancho de la boca es solo un poco más largo. Entonces eso de nuevo, es algo con lo que puedes jugar porque diferentes personas tienen bocas de diferentes tamaños Pero encuentro una medida cómoda tiende a ser como justo entre la esquina interior y la parte interior de la pupila Entonces esas son tus medidas básicas cuando miras directamente a una cara. Ahora hablemos de estas mismas medidas exactamente desde una vista de perfil. A partir de un perfil, de nuevo, es útil comenzar con el círculo. Tiendo a encontrar que en realidad nuestros cráneos son un poco más en forma de huevo como formas ovaladas Entonces, si quieres, puedes agregar un poco de protuberancia fuera del círculo, pero el círculo es un gran lugar para comenzar y luego tienes la mandíbula, que conecta justo en frente de la parte inferior de la oreja. Y claro que nuestras caras no son tan planas. Entonces esto es solo medir la línea recta que va por tu cara, no considerando tu nariz y tu boca, sino que podemos colocar en esas formas que sobresalen. Entonces, nuevamente, vemos la marca a mitad de camino con los ojos, las orejas entre los ojos y la parte inferior de la nariz, que está a medio camino entre los ojos y la parte inferior de la barbilla, y luego la parte inferior de la boca entre la marca de la esquina y la barbilla Entonces otra vez, sólo voy a colorear en esas formas para que podamos empezar a visualizarlo en términos de nuestro óvalo sentado en la parte superior de nuestro cilindro del cuello. Y entonces aquí empecé a simplemente colocar algunas formas muy básicas para indicar a dónde van todas las características y esto ya es realmente útil mapa. Entonces tengo esta barra básicamente para mis cejas y luego estas pequeñas formas ovaladas para mis ojos. Una forma triangular para la nariz que sale, y luego una forma de corazón para los labios. Y solo es importante estudiar a personas de la vida real o a partir de fotografías. Empezarás a ver cómo hay ese ritmo de la cara. Entonces esa es la cabeza de perfil. Ahora hablemos rápidamente de la cabeza en una inclinación. Así que de nuevo, queremos pensar en nuestras formas en el espacio, y por eso fue de gran ayuda para nosotros pensar en la esfera y el cono y el cubo todo en el espacio en nuestra primera clase juntos. Así que también es muy útil dibujar a todos esos en perspectiva porque entonces puedes empezar a pensar realmente en, bien, si mi cara estaba aquí en esta esfera e inclino esa esfera, cómo va a afectar eso a todas esas diferentes características que he colocado en la esfera. Entonces, por supuesto, se distorsionan en el ángulo de perspectiva correcto y así solo quieres comenzar a visualizar si esa esfera está girando en el espacio y mirando hacia abajo, entonces vas a querer inclinar todas esas características junto con ella Entonces aquí he vuelto a colocar en mi punto de mira para mi línea básica de ojos y centro de la cabeza, solo para poder empezar a visualizar esa inclinación, y luego pongamos esas mismas medidas encima de la Entonces aquí están nuestra parte superior de la cabeza hasta la barbilla. Entonces otra vez, piensa en dónde está esa parte superior de la cabeza sobre una esfera. No está en el borde del círculo que hemos dibujado, va a estar en el medio, y entonces la barbilla sigue en la parte inferior, pero ahora está en ángulo. Entonces cuando empezamos a colocar en nuestra medida ocular, nuestra medida de nariz y nuestra medida de boca, esas necesitan estar un poco más sesgadas en el eje vertical para que empiece a bajar más a medida que la cabeza se inclina Entonces, obviamente, solo lo dibujamos como se ve recto, entonces no parecerá que la cabeza está mirando hacia abajo. Así que aquí he colocado en estas características nuevo en base a esta medición. Entonces los ojos están a lo largo de esta curva, estamos mirando hacia abajo y luego tenemos la nariz, que si lo piensas como un cono que apunta hacia abajo o esta pirámide, está cubriendo en realidad donde el fondo de la nariz está sentado en la cara, la punta de tu nariz va a estar cubriendo eso. Así que la parte inferior de tu nariz en realidad va a estar un poco debajo donde podrías ver la punta de tu nariz. Y de manera similar para la boca, el mentón va a parecer más pequeño porque ahora se está inclinando lejos y hacia abajo de tu vista Entonces todo esto es para enfatizar realmente que queremos pensar nuestra cara como esta forma que está en el espacio y que está inclinándose hacia abajo o hacia arriba dependiendo en qué dirección esté mirando tu personaje [inaudible] o para colocar en algunas de las características sin las medidas y realmente estoy pensando en cómo está sentado encima de una forma He puesto esta línea del cabello y realmente está envolviendo la esfera de la cabeza Cuando empiezo a pensar en el cabello, sigo pensando de nuevo en envolver una forma. Entonces, aunque mi estilo es muy plano, todavía puedes transmitir cómo se envuelven las cosas formadas como una simple curva, como cómo le va el pelo alrededor las orejas y esta es la parte posterior de su cabello, y también lo puedes ver en nuestra imagen de demostración de clase, porque la forma en que su cabello se curva en su frente realmente indica cómo se envuelve alrededor de su forma. Entonces puedes jugar con diferentes peinados e intentar agregar capa en la parte delantera y podrás empezar a ver cómo esto afecta la sensación de profundidad. Aquí tenía justo este marrón de valor más claro donde está demostrando que está frente su cara y le estoy tapando las orejas y solo puedes experimentar con diferentes peinados de aquí. En una vista de perfil, es idea similar, tener esta pieza de pelo en la parte posterior que está en sombra, así que es un poco más oscura, y luego la pieza en la parte delantera donde ahora la he puesto sobre su oreja que es un poco más clara, podamos empezar a sentir esa profundidad nuevamente desde la vista lateral. Con el pelo, realmente quieres pensarlo como este trozo de tela casi nuestra forma que se envuelve alrededor de la forma de la esfera de la cabeza y no como dibujar pequeños mechones de cabello real. Otra pieza útil de anatomía para conocer es que muchas veces tendemos a dibujar el cuello como ya sea como estas curvas abocadas o simplemente como un cilindro recto hacia arriba y hacia abajo cuando es una combinación Entonces la forma en que es nuestra anatomía, es que tenemos nuestro cuello es más como un cilindro, y luego tenemos estos músculos trapecios que están saliendo en esta forma de triángulo desde para formar los inicios de nuestros hombros del Aquí solo estoy haciendo una demostración muy rápida de cómo se ve la estructura esquelética básica para la cabeza, tenemos nuestro cráneo, que es realmente más una forma de huevo como mencioné, tenemos nuestro hueso maxilar que conecta justo debajo del canal auditivo, que está en medio de todo, y luego finalmente la médula espinal, el cráneo en su base en la espalda. Entonces esto es muy sencillo el conocimiento puede comenzar a ayudarte a visualizar el funcionamiento inferior de una cabeza Y lo beneficioso de eso es más cuando quieres construir tu propia pose en tu propia cabeza, solo entiendes por qué ciertas cosas están en ángulo o cómo ver las cosas en perspectiva. Si estás estudiando puramente a partir de, digamos, un estudio de la vida real o una fotografía, no es tan crítico que conozcas la estructura esquelética subyacente Pero sigue siendo útil tener ese conocimiento porque en realidad llenará algunas de esas brechas visuales e ilusiones de las que hemos estado hablando todo este tiempo Entonces esa es la cabeza y la cara a un nivel muy básico, mirándola recta sobre y de perfil en diferentes ángulos. Por lo que recomiendo tomarse un tiempo para practicar algunas de estas medidas usted mismo. Tal vez cree sus propios gráficos y luego podamos pasar a la parte superior del cuerpo. 21. Retratos 2: conceptos básicos de la parte superior del cuerpo y las manos: Ahora hablemos de las proporciones básicas de la parte superior del cuerpo. Por supuesto, tenemos la figura completa y eso se puede desglosar en nuestras medidas típicas de cabeza. Un nivel muy alto, solo quiero mostrarte cómo es eso. La persona promedio tiende a caer en 7-8 medidas de cabeza y por supuesto, tenemos estos maniquíes que pueden mostrarte estas proporciones también Para esta clase en particular, quiero centrarme en los retratos y solo enfocarme en la parte superior del cuerpo. Estamos viendo las tres primeras medidas de cabeza, comenzando desde la corona hasta la barbilla, hacia el pecho y la cintura. Usar la cabeza como medida es una forma muy común de hacer proporciones humanas. También hay otras formas de hacerlo, pero me parece que la cabeza es una de las más útiles y la que más pienso. Echemos un vistazo más de cerca a la parte superior del cuerpo. He configurado su pose para reflejar algo nuestra ilustración de héroe para que puedas ver una por un ejemplo. Otra medida útil es que la cintura está justo alrededor de donde está tu codo e incluso si quieres tomarte un momento para apretar los codos y ver dónde cae a lo largo de tu cuerpo, verás que esos dos puntos de referencia son otra buena medida útil Ahora, cuando empezamos a pensar en las formas de nuestros torsos Para las hembras, tendemos a pensar ellas tal vez como un óvalo o un rectángulo un poco más estrecho y luego para los hombres tendemos a tener hombros más anchos. Me voy a quedar aquí con la figura femenina y tendemos a medir el ancho de los hombros a aproximadamente una longitud de cabeza y media No siempre hago esto de una manera muy específica como en realidad mido uno y medio, pero solo asegurándome de mantener esa silueta general de cómo el ángulo de la cabeza baja a Solo hay que tener en cuenta que por encima de los hombros, podemos pensar en las articulaciones de los hombros como estas dos formas ovaladas. Tenemos nuestro cuello y luego los músculos trapecios saliendo casi como una percha No es un ángulo recto hacia arriba y hacia abajo de 90 grados desde nuestro cuello hasta nuestros hombros. Desde nuestros hombros es útil pensar nuestro torso y esta forma trapezoidal Entonces la cabeza es una buena medida para algunas partes más importantes del cuerpo aquí. Nuestra parte superior del brazo y nuestra parte inferior del brazo tiende a tener aproximadamente una longitud de cabeza y luego desde detrás de nuestra muñeca hasta la punta de nuestras manos tiende a ser otra longitud de cabeza larga. De hecho, también puedes verificar todas estas medidas en ti mismo. Es útil pensar en todos estos hitos básicos de la parte superior del cuerpo en términos de estos óvalos articulares que están conectados por cilindros y cuñas y trapecios Esos son los fundamentos de la parte superior de su cuerpo. Pero echemos un vistazo más de cerca a las manos. Aquí he creado una plantilla realmente sencilla para empezar a pensar en las manos. Nuevamente, estamos usando la cabeza como medida y lo que realmente ayuda en términos de proporciones es que podamos pensar nuestra mano está a la altura de nuestra cara. No la parte superior de la cabeza hasta la barbilla, sino nuestra línea del cabello hasta la barbilla Nuevamente, claro que cada uno tiene manos de diferentes tamaños y este es el punto de partida, es una excelente manera de tener una herramienta de medición para que se vean al menos generalmente correctas. Ahora pensemos en el dorso y el frente de nuestras manos. Aquí he usado tres valores diferentes para que podamos ver cada parte principal con claridad y la he trazado con una vista posterior que muestra dónde están los nudillos y mostrando un poco de las yemas de los dedos Ahí está ese golpe desde nuestro dedo índice hasta nuestros pulgares. Entonces en los propios dedos, también se puede descomponer eso en dos medidas. Aproximadamente la mitad de tu dedo medio y luego puedes notar que tu meñique comienza cerca la mitad de tu dedo medio así que esa es una buena manera hacer un seguimiento de cómo tiende a verse el arco natural Otra cosa que me parece importante tener en cuenta es que nuestros nudillos están más abajo en nuestra palma de lo que muchas veces la gente Algunas personas tienden a dibujar sus nudillos en el mismo borde de la palma, pero es un poco más profundo si miras tu propia mano Entonces del otro lado, está este ovalado o pienso en casi como un músculo en forma de huevo que tenemos frente a la palma Tenemos nuestras tres secciones principales. Tenemos los dedos, la palma, y luego el área del pulgar. También podemos desglosar esto en dos medidas. Una es la longitud de los dedos, ya que estamos aproximadamente a lo largo de tu palma, así que eso es uno y dos. En cuanto a las formas de nuestras manos, realmente puedes pensar en la palma como esta forma de cuña rectangular flexible Cuando lo miras desde el perfil, realmente puedes pensar en aquellos como la forma de tope de puerta de plataforma Entonces esta forma de pulgar muy flexible, como este huevo que puede envolverse en la parte delantera o salir a un lado y luego este músculo bajando por el pulgar puede ser un muy buen punto de referencia para poner Comenzar a romper sus manos en formas es realmente útil si empezamos a pensarlo en el espacio. Al igual que estaba hablando con la cabeza y la esfera y el cilindro y la mandíbula, nuestra mano también se puede descomponer en estas formas constructivas. Tengo básicamente esa forma de cuña de la que estaba hablando para la palma y tenemos una pieza para el pulgar en nuestro nudillo pulgar, y luego las tres secciones de los dedos individuales así dos articulaciones que se doblan en Solo tener esto en mente te va a ayudar a pensar mucho más claramente en la mano. Bueno, si quisiera voltear mi mano hacia un lado, cómo sería eso y empezar a visualizar cómo esas formas empiezan a solaparse, cómo esa forma de cuña puede comenzar a doblarse, y cómo hacemos un poco de superposición de los dedos. Entonces con puño y piénsalo casi como una roca al principio. Tienes estos lados de tu puño que se parecen mucho a una roca. Pero luego también pensando en términos de las formas que discutimos, entonces tienes esta forma de cuña y luego tus tres cilindros de tus dedos se clavan en eso y luego tu puño se envuelve alrededor de eso. He reflejado el lápiz sosteniendo el puño que tengo en nuestra ilustración y apenas empezando a descomponer eso en cómo se ve eso Si miráramos a través de los dedos y vemos el borde de la cuña de la palma, veríamos la forma de huevo del pulgar en la parte posterior, y luego vemos la parte superior de nuestros dedos y luego hacer que se curven hacia adentro. Por último, solo quiero hablar rápidamente sobre la ropa en el cuerpo. Cuando estás secando la ropa, quieres pensar envolver la forma del cuerpo. Eso es muy crítico, aunque estés dibujando en un estilo realmente plano como el mío. Cuando tienes ropa como si vas por el cuello, así que es muy similar a lo que estaba hablando con el pelo. quiere pensar en ello como esta forma que está envolviendo la esfera de la cabeza. Quieres pensar en la ropa como realmente envolviendo la forma 3D, aunque solo estés transmitiendo un aspecto muy plano. Si piensas en, por ejemplo, la manga aquí, cómo se envuelve alrededor la parte inferior del brazo y realmente transmite esa forma Lo mismo con el codo del otro lado. Estas diferencias muy sutiles en comparación con solo dibujar una línea muy recta son realmente importantes para comenzar a mover tus habilidades de dibujo de algo que se basa en realidad y luego estilizado versus algo que no tiene esa comprensión raíz de la anatomía básica Entonces en términos de transmitir algo de primer plano en valores muy simples puede marcar una gran diferencia. Incluso aquí solo tengo dos valores, pero hay un resalte y una sombra y eso ayuda a aportar un poco más de realismo a la ilustración. Si lo deseas, te recomiendo que te tomes un tiempo ahora mismo para crear tu propio mapa de los hitos básicos y las medidas de la parte superior del cuerpo y combinarlo con los de cabeza que hicimos antes y luego cuando estés listo, pasemos a la siguiente sección donde demostraré cómo me gusta hacer un estudio de retrato. 22. Retratos 3: Demo de estudio retrato: De hecho, he encontrado esta foto de referencia en Unsplash que está muy cerca de la pose que creé para nuestra ilustración de proyectos de clase Creo que este es un buen ejemplo para demostrarte cómo me gusta hacer estudios fotográficos para retratos en dibujo de figuras, y en qué pienso mientras los estoy haciendo, y cómo tiendo a estilizarlos. Vamos a meternos en ello. Tengo la grilla aquí solo para volver a nuestra primera clase y hacer una demostración de lo que es poder dibujar con una grilla. Acabo de dividir esta foto la mitad y tengo mi foto de referencia en el lateral y dibujo justo al lado para que pueda hacer una medida directa uno a uno Eso va a ser útil para comenzar a colocar los puntos de referencia generales. Nuevamente, estamos haciendo nuestro bloqueo, nuestras técnicas de dibujo observacional solo intentaban traer algo de ese dibujo constructivo del que hemos estado hablando con nuestras formas y nuestras formas Voy a comenzar con solo la forma ovalada para su rostro y bajando a su barbilla. Después empieza a bloquearse en su forma de pelo. Puedes entrar y empezar a simplemente ponerle una cruz muy básica para que su rostro empiece a colocar su línea de ojos y el centro de su rostro y como su cabeza se inclina en También estoy pensando en la forma de su cabeza en el espacio. Se puede pensar en la esfera y su mandíbula descansando dentro de una caja y cómo esa caja está flotando en el espacio y ocupando espacio. Se puede ver que se inclina hacia nuestra derecha, su izquierda, y luego su cara no está del todo recta en la cámara, sino un poco desviada hacia un lado A continuación, tiene la mano apoyada sobre su cara, así que sólo voy a empezar a poner justamente esa forma de bloque de cuña rectangular muy básica de la que estaba hablando antes y también ese cilindro que se fija como su brazo superior. Lo que es útil de este enfoque en comparación con solo mirar puramente hitos de observación y todos los ángulos que hablamos antes, es que para algunas personas, todavía es muy difícil ver lo que realmente hay porque simplemente tenemos tal sesgo hacia lo que queremos ver y lo que pensamos que debería estar ahí Es por eso que a veces cuando la gente intenta dibujar una mano en perspectiva, es muy difícil porque simplemente realmente quieren dibujar lo que piensan que debería ser la mano y no lo que realmente hay ahí. Cuando empiezas a pensarlo como formas y formas y espacio, y realmente dividirlo en las diferentes perspectivas, realmente puede ayudarnos a comenzar a ver realmente con mayor precisión. Realmente van de la mano y ayudan mutuamente, estos dos enfoques. Aquí estoy mirando tanto los hitos como dónde están sus dedos y sus manos en relación con la cuadrícula, pero también dibujando en las formas para que realmente pueda pensar en cómo se está construyendo esto. Tengo la forma mojada de su mano, pequeños cilindros para sus dedos, los cilindros para la parte superior del brazo, un poco de su ropa puesta justo como puntos de referencia. Ahora voy a mirar la forma cilíndrica de su cuello y empezar a colocarlo en. Estoy mirando las líneas y donde aterrizan para su ropa ahora, poniéndose ese hombro, tratando de tener en cuenta el gesto también. Al principio, quieres pensar en como, cuál es la pose aquí y qué pasa con ella es algo que te gusta y cómo puedes seguir manteniendo ese sentido del gesto en tu estudio entonces por supuesto para su otro brazo, otra forma cilíndrica. Después volviendo un poco a los detalles de su ropa. Realmente este tipo de fotos son geniales para estudiar pliegues de tela, cuánto y qué poco quieres incluir lo que transmites lo que hay ahí sin entrar en los pequeños detalles a menos que prefieras un aspecto realmente muy renderizado. Entonces sólo rellenando el otro lado de su chaqueta aquí. Que en realidad ya teníamos el bloqueo básico de nuestro retrato aquí, solo voy a poner un poco de valor para mostrar su forma de pelo. Entonces sólo voy a entrar y tratar de tener más cuidado con los entresijos de su cara. Como mencioné en la sección de mediciones faciales y puntos de referencia, tu rostro tiene esta onda que entra y sale de tu frente hacia las cuencas de los ojos, sobre tu nariz y tus pómulos, y de vuelta hacia abajo sobre tus labios y tu barbilla Estas variaciones sutiles realmente hacen una gran diferencia en la transmisión de las estructuras faciales de una persona. Aquí siempre lo hago está en mi dibujo, así que si lo hago crees que es de mucha ayuda, sobre todo para que un principiante empiece a colocar en las medidas que hemos estado aprendiendo y hablando y pensando en cómo se sientan en este plano de nuestros estudios de retrato de cara. Lo he puesto en la media marca para su línea de ojos. Estoy midiendo las terceras partes de su cara así que conozco su frente y su colocación general de nariz y boca Sólo voy a bloquear estas formas realmente sencillas para ver a dónde van sus ojos, su nariz y boca. El rostro tiene tantos detalles al respecto, pero aquí se aplican exactamente las mismas habilidades de dibujo observacional aquí se aplican exactamente las mismas habilidades de dibujo Ahora mismo puedo ver que el borde interior de su pupila se alinea con la parte interior de su boca y una parte superior de su solapa y su muñeca de su brazo izquierdo A nosotros nos parece el lado derecho. Entonces qué tan lejos de la palma que está y qué tan lejos está eso del otro lado de su cara. Esta es una constante que va y viene de anotar tus diferentes hitos, anotar tus proporciones y cómo todo se asienta en relación entre sí. Empiezo a poner un poco de detalle en sus rasgos solo para empezar a dar algo de esa forma de su nariz saliendo, continuando se puede pensar en ese tipo de forma de cono piramidal. Tenemos el avión en la parte superior que está un poco más en la luz y los dos lados que están en la sombra. Con los labios, puedes meterte realmente en la estructura de la misma. Pero para nuestros propósitos, me gusta mantenerlo más o menos sobre dos valores, tal vez tres con la mitad de la parte más oscura de la boca. Pero solo comenzar con una forma de corazón, como la forma de corazón ancho es un buen punto de partida para poner en la boca. Me gustan mucho sus cejas fuertes, así que voy a mantener eso adentro Entonces para los ojos, personalmente me gusta hacer un ojo simplificado, personalmente no prefiero un retrato realmente realista. Cuando hago estudios de retrato, este es el nivel de detalle de los ojos que me gusta hacer. Cuando hago estudios de retrato, suelen ser un poco más complicados que la forma que termino dibujando personajes en mi propia obra. Me gusta el aspecto más simplificado porque tiendo a dibujar en estas formas gráficas realmente simples, y si tengo a esta persona altamente renderizada, simplemente no se siente bien. Pero al hacer estos estudios, realmente encuentro que saber dónde quiero sumar y restar detalles es realmente útil para poder conseguir que mi estilo coincida con donde quiero que esté y no solo estar limitado por lo que puedo y no puedo dibujar Yo diría que en esta etapa para mí los elementos más importantes para entrar son la forma del cabello porque realmente transmito la forma de la cabeza y muchas veces coloco un fuerte contraste con las mandíbulas y la frente. Entonces por supuesto los rasgos faciales, pero realmente importante es esa sombra debajo de la cabeza y sobre el cuello. Encuentro que realmente define y aclara dónde se asienta la forma en relación entre sí En este punto, todavía estamos puramente en la sección de línea, forma y volumen de lo que hemos estado aprendiendo en clase hasta ahora. Por eso creo que aprender el valor y forma es tan importante porque en realidad es solo esta base subyacente invisible de buenos dibujos lo que es realmente difícil de ver que estos van directamente al color. A pesar de que sé que no es tan interesante, realmente es muy importante. Aquí solo me estoy enfocando en cómo cambian las sombras y toda la forma que se envuelven alrededor su cuerpo y luego indican sus pliegues de ropa. Es muy útil comunicar lo que está pasando. De nuevo, es un muy buen momento para comprobar tu gesto. Muchas veces cuando estoy haciendo estos estudios y haciendo el bloqueo, encuentro que está empezando a ponerse un poco rígido. solo hecho de agregar algunas flechas me ayudará a tener en cuenta que quiero mantener lo que me gusta del gesto de esta pose. Por ahora, voy a empezar a traer algo de color. Voy a estar trabajando con cinco valores. Lo que me gusta de comenzar con estos cinco valores es que me da un punto de partida para poner en mis oscuros más oscuros, mis tonos tienen y luego mis reflejos, y solemos terminar pasando es que dentro de cada uno de estos valores, luego voy a elegir otra como clara y versión más oscura de ese color para que y puedo controlar cuánto quiero que sea plano versus un poco más renderizado. Tengo mi dibujo base alrededor del color de cuatro valores en este momento, y voy a entrar con un tercer color y apenas empezar a poner un poco más de formas Voy a comenzar con su barbilla porque encuentro que el sombreado y el transporte de forma del exterior de la cara es muy importante incluso en un estilo plano Por supuesto, en nuestra foto de referencia, tiene muchas luces y sombras diferentes a las de su entorno, pero realmente me estoy enfocando en lo que realmente está comunicando la forma de su rostro. No voy a estar copiando o estudiando la luz en esta foto en particular, solo estoy viendo cómo se vería con esta luz normal rodeada. Verás a medida que empieces a poner en los valores de la cara, realmente hace una gran diferencia. Cuantos más valores añadas, más realista se va a ver, como ya hemos hablado en la clase valle y forma. solo hecho de poner el segundo valor ya está haciendo una diferencia tan grande en términos de ver cómo se sumerge el espacio debajo de la ceja, cómo empieza a salir la nariz y vuelve a entrar en la cara Estoy pensando de nuevo en la inclinación de su cabeza y cómo transmitir la forma en que tu cara empieza a doblarse, inclinarse lejos de tu vista al igual una esfera entrando en la parte posterior del espacio, y solo siendo capaz de transmitir eso para que la cara pueda permanecer plana en color, pero aún así la cara pueda permanecer plana en color, tener esa forma más realista. Lo estoy ajustando un poco porque resultó ser un poco rosa. Lo hice un poco más anaranjado. Entonces estoy escogiendo este color verde, que complementa bien su color de piel, pero también es como nuestro dibujo de proyecto de clase, así que es una buena referencia. Ahora mismo sólo voy a entrar con un tono plano. Puedes recolectar tanto por encima como detrás de tus líneas. Definitivamente recomiendo mantenerlo en capas separadas para que puedas moverlo como quieras. Para este tipo de estudio, es agradable mantenerlo atrás porque entonces puedo usar las líneas según sea necesario. Si estuviera tratando de finalizar esto por decir, una impresión entonces definitivamente lo limpiaría Sólo voy a poner un poco de esto, parece un baúl en el que está descansando para aterrizar un poco este retrato. Empezaré a entrar con nuestro valor más oscuro para que podamos definir aún más nuestra forma. Por lo que puedes ver en las fotos de referencia tienen un contraste muy alto entre el color oscuro de su cabello y su piel. Entonces, aunque no estemos haciendo un estudio uno por uno en términos de exactamente cómo se ve su retrato, podemos traer algo de eso aquí. A medida que te sientas más cómodo haciendo este tipo de estudios, puedes comenzar a experimentar sobre la marcha mientras haces estos estudios. Puedes, por ejemplo, cambiarle el pelo por completo, tal vez darle rasgos faciales muy diferentes y simplemente mantener la pose. Pero por ahora estoy tratando de mostrar un camino medio de me gusta, no estoy copiando el retrato exactamente como un retrato realista, altamente renderizado y soy capaz de practicar más mi estilo, pero también sigo pegando más o menos a los elementos principales del dibujo para que podamos asegurarnos de que ese es el foco de nuestro estudio. Ahora también puedo entrar y comenzar a detallar algunas de nuestras características. Entonces estoy usando tanto el color oscuro, pero también aportando un valor más ligero para comenzar a sacar el blanco de sus ojos. Realmente notas que para la mayoría de la gente, el blanco de sus ojos no es realmente blanco, en realidad es solo un poco más claro que nuestro color de piel normalmente. Puedes traer mucha sombra porque por supuesto tus párpados están proyectando estas sombras sobre los globos oculares Representar la cara puede ser un trabajo muy tedioso, pero también es realmente hermoso Así que tómate tu tiempo para disfrutar de la práctica. Va a empezar un poco junky, pero podrás acercarte cada vez más a cómo quieres atraer a la gente cuanto más practiques ya que solo mantengas todas estas diferentes técnicas y anatomía, construcción, formas y espacio de los que hemos estado hablando juntos Ahora solo estoy jugando con más colores rosados para darle un poco de color de mejilla Este es un buen ejemplo de donde empiezo a desviarme de la foto de referencia Así es como me gusta dibujar a la gente. Es algo con lo que puedes experimentar muchas veces como cuestión de observar a otros artistas que te gustan y cómo renderizan a las personas. Terminas recogiendo y seleccionando cosas diferentes de diferentes artistas o simplemente diferentes estilos y uniéndolas en tu propia toma única. Sólo voy a aclarar un poco los labios aquí. He aquí un buen ejemplo de un cambio muy sutil en los valores de este color rosa melocotón que he seleccionado y empezando a mostrar esa forma del labio Entonces agregar un poco de sombra al fondo de cada porción, realmente pensar en estas pequeñas formas de almohada realmente puede ayudar a comenzar a transmitir ese movimiento de los labios, aunque sea un estilo plano. Puedo traer este tercer valor para indicar la mitad de la boca. Después tener la sombra debajo del labio inferior para mostrar esa forma también. Ahora sólo voy a empezar a tirar en el brazo algunos de esos valores que he estado creando. Seguir pensándolo como una forma cilíndrica. Sus dedos por supuesto, también son pequeños cilindros. Realmente podemos empezar a traer algunos de esos detalles, aún más. Hay cambios muy sutiles en los que tal vez no notes esa primera vista como ponerle este color melocotón un poco más oscuro en su rostro, en el lado de su rostro que está más lejos de nosotros. Más proyectados en la sombra. Agregar eso sí me hace, una diferencia significativa aunque no se note de inmediato. Hay muchas cosas que siento en el dibujo que quizás técnicamente no notes y puedas sacar, pero sin ella, realmente sientes que es la diferencia. Ahí es donde realmente creo que entran muchas bases de dibujo, en términos de poder avanzar en tu técnica de dibujo desde un principiante hasta un estilo de bases más establecido y fuerte. Ahora solo estamos entrando y poniendo algunos toques finales usando la oscuridad más oscura Es como el trabajo lineal, pero realmente pensando en dónde colocar el trabajo lineal basado en dónde están nuestras sombras para transmitir esa forma. Esto fue algo que me llevó mucho tiempo darme cuenta porque sabía que me gustaba ese estilo donde las líneas no son solo un contorno completo alrededor del objeto o del personaje. Pero tenía que entender realmente los fundamentos del dibujo para poder apreciar o entender cómo los artistas sabían dónde poner las líneas para empezar. Ese es otro gran ejemplo de cómo podrías pensar que, claro que parece una línea muy simple y tal vez sea el artista simplemente intuitivo, pero no, siempre se basa en el conocimiento fundacional En este último paso, realmente apenas empiezo a pensar en el gesto nuevo a medida que empiezo a poner en estos momentos destacados, estoy tratando de exagerar parte del movimiento Me encanta la forma en que el hombro está apareciendo en el lado derecho aquí y tal vez usando incluso la solapa para transmitir un poco de ese gesto Es un punto culminante, pero también está teniendo algún gesto hacia ello. Se puede poner un poco más de verde oscuro en si quiero renderizar la ropa usada, pero también me gusta el estilo súper plano para la ropa. consejos más es traer algunos de tus colores a áreas que quizás no esperes, como agregar este verde a algunos de los detalles y algo del melocotón en su cabello, eso realmente ayuda a unificar tu paleta de colores en tu dibujo Pongamos un poco de este durazno en su chaqueta verde. Entonces le voy a poner un poco de verde en la cara. Estos detalles muy sutiles, de nuevo, simplemente realmente ayudan a unir todo aunque no lo notes, lo notes inconscientemente Así que voy a hacer una limpieza final y detallar y eso se hace más o menos con mi dibujo de retrato Si lo deseas, puedes poner en algunos de los alrededores también. Solo quiero mostrarte rápidamente con este pincel de esquisto, lo rápido que puede ser crear algunas de estas formas de hojas realmente hermosas Por supuesto, quieres agregar un poco más de valor, pero solo lo estoy ahusando y usando la presión de la pluma para crear estas formas de hoja de palma Ese es nuestro estudio de retrato terminado, un estudio estilizado, pero aún realmente fiel a muchos elementos de esta fotografía Puedes empezar a ver realmente cómo puedes tomar una fotografía y usarla para estudiar todos los conceptos que hemos aprendido de las líneas y formas y valorar todo el camino hasta el color y la anatomía y luego ahora vamos a empezar a meternos en la composición. Pero primero, vamos a reunirnos en nuestra siguiente sección, donde vamos a platicar un poco más sobre cómo practicar esto en nuestro proyecto de clase 23. Retratos 4: proyecto de clase parte IV: Finalmente estamos en los proyectos de clase que forman parte de esta sección y estamos volviendo a nuestra ilustración de héroe que ha estado anclando todo lo que hemos estado aprendiendo hasta ahora. Por supuesto, ya hemos hecho el dibujo observacional de líneas y un estudio de color de un personaje y la escena Para esta sección, realmente nos vamos a centrar en uno, observando la construcción de cómo se crea esto, combinando la anatomía y las medidas que acabamos aprender con nuestras técnicas de dibujo observacional Entonces te va a animar a que idees tu propia versión para empezar a ver cómo puedes dibujar de la imaginación y usar esas medidas estándar para crear tus propios personajes. Como ejercicio inicial, te animo a que coloques los puntos de referencia en la cara y el cuerpo del personaje y compares esto con tu dibujo de referencia ahora que tienes una comprensión fundamental de las medidas estándar y la anatomía Puedes comenzar con la forma de círculo para nuestro cráneo y adherirte a la forma triangular para nuestro rostro, colocar en algunas de las medidas que hemos aprendido sobre la marca a mitad de camino para nuestra línea de ojos Después la tercera es para los rasgos faciales desde la línea del cabello hasta la ceja hasta la nariz, hasta la barbilla Entonces revisa eso con un cuarto y octavo marcas para la nariz y la parte inferior de nuestra boca También se puede colocar en la forma cilíndrica de nuestros cuellos y luego las articulaciones de hombro y codo Por supuesto, las formas cilíndricas para nuestros brazos, tanto la parte superior como la inferior. Solo teniendo eso como refuerzo y luego solo voy a entrar en un rápido sorteo a mano alzada de cómo estoy pensando en construir mis personajes cuando los estoy dibujando desde cero Al igual que como aprendiste en la clase, empiezo con la esfera para la cabeza. Pensando en la inclinación como coloco en la forma triangular para la cara, y a veces tiendo a poner en partes del cuerpo que no necesariamente puedes ver. En este dibujo final, no se pueden ver sus oídos, pero los colocaré por si acaso. Entonces también le pondré la forma del pelo y luego comenzaré a bloquearse en la parte superior de su cuerpo. Tiendo entonces a poner algunas formas de cuña y cilindro muy básicas para las manos. Ahora no siempre hago esto, pero creo que es una buena práctica, sobre todo al principio verificar tus medidas. Aquí sólo estoy haciendo una medición de la cabeza. Apenas estoy empezando un poco más bajo ya que se le está inclinando la cabeza y eso queda bien en cuanto a la colocación de donde estaría nuestra línea de pecho y nuestra cintura También tengo marcadas las medidas básicas de la cara poder empezar a ponerme algunas formas muy básicas de ojos, nariz y boca. Nuevamente, teniendo en cuenta la inclinación. Ahora solo estoy poniendo un poco más de detalles de los ojos, las cejas, y luego haciendo mi comprobación de medición vertical para ver que mis ojos están correctamente espaciados en relación entre sí, la nariz y los bordes de la boca. Lo que podemos hacer con los estudios de retrato, es primero hacer un dibujo constructivo como este basado en una pose que estás viendo. Luego entra y haz algunos de los detalles con técnicas de dibujo observacional Esto es por supuesto, más fácil cuando se trabaja con una fotografía así que alguien no se mueve, pero trabajar desde un modelo en vivo o simplemente observar en la vida real también es gran práctica porque hay que colocar algunas de estas medidas muy rápido. También es un buen reto si estás iniciando una pose y alguien a quien estás observando se mueve, ¿ eres capaz de llenar ese resto de la información en base a la anatomía que has aprendido? Normalmente a continuación lo que hago una vez que tenga la parte superior del cuerpo en su lugar, voy a empezar a poner algunas de las formas y esta envoltura de la ropa, y así aclarar algunas de las formas en los detalles. Para este ejercicio, eres bienvenido a llevarlo como terminado de una finalización como quieras, o detenerte solo en la etapa de boceto para que puedas practicar la observación y la construcción. Puede hacer otra revisión rápida usando la medición de la cabeza para verificar nuestra parte superior del cuerpo y nuestros brazos y nuestra parte inferior de los brazos. Otro reto que puedes probar en este ejercicio es comenzar a dibujar tu propio personaje a partir de esta pose. Simplemente cambiando algunas de las características como el peinado, o las formas de los ojos y la nariz y la boca, y tal vez probándose una prenda ligeramente diferente basada en, por ejemplo, tu atuendo favorito o algo que estés sacando de una foto de referencia. También podrías intentar desafiarte a ti mismo tomando una foto de referencia de autorretrato y luego dibujándote a ti mismo en la escena. Aquí le he dado un peinado diferente. Ahora puedes ver sus orejas, por lo que es útil colocar en los puntos del boceto y luego cambiar ligeramente la forma de su rostro, solo dándole un top y atuendo diferentes. De igual manera, simplificando la nariz y probando una de las muchas formas diferentes en las que puedes dibujar ojos Si realmente quieres divertirte, puedes empezar a agregar diferentes accesorios como gafas o auriculares o joyas y otra vez, pensar incluso en estos accesorios en cuanto formas y luego hacerlos envolver alrededor de la forma de su cabeza y su cuerpo realmente te van a ayudar a pensar en cómo construir eso desde la imaginación. Diviértete con este experimento y cuando estés listo, compartamos el proyecto y luego repasemos un resumen de todo lo que hemos aprendido juntos. 24. Retratos 5: resumen y estudio adicional: Ahora que tienes una comprensión fundamental del dibujo de retratos, realmente te animo a que sigas dibujando, practicando, observando y profundizando tu comprensión de anatomía y las medidas básicas como mejor te parezca Primero, repasemos un resumen de todo lo que aprendimos juntos en esta sección. Aprendimos las medidas básicas de la cabeza y el rostro humanos comenzando con una forma circular constructiva conectada a una forma triangular, colocando los ojos aproximadamente a la mitad de la marca, y luego encontrando la línea de la frente, nariz y la boca en los tercios de la Aprendimos a conectar eso con la forma cilíndrica de nuestros cuellos, y a usar la cabeza como medida para aproximarnos al tamaño de nuestros torsos superiores y colocar el pecho, la cintura, los brazos y Sabemos que las manos requieren cierta atención especial y aprender a construirlas con las formas de cuña, huevo y cilindro nos ayudará a dibujar mejores manos. También aprendimos los conceptos básicos de envolver el cabello, las formas y cerrar alrededor de la forma del cuerpo, y por qué pensar en nuestras figuras en formas 3D es importante incluso en un estilo plano. Finalmente, aprendimos que podemos experimentar con nuestra comprensión de los valores y color para dibujar personas y retratos en diferentes niveles de realismo y estilización Que es cuestión de práctica y observación continuada para encontrar nuestro propio estilo de gente. Para mayor estudio, además de los libros de Juliette Aristides que he recomendado en clases anteriores, también puedes mirar libros específicamente sobre el dibujo figura humana y la anatomía de Andrew Loomis y Morpho También recomiendo las lecciones sobre New Masters Academy para estudios de figuras más clásicas y clases de Skillshare sobre cómo dibujar lindos personajes estilizados Cuando estés listo, vamos a reunirnos en la sección final donde vamos a hablar de profundidad, composición, cómo todo esto se junta. 25. Retratos 5: Resumen y estudio adicional: [MÚSICA] Ahora que tienes una comprensión fundamental del dibujo de retratos, realmente te animo a que sigas dibujando, practicando, observando y profundizando tu comprensión de la anatomía y lo básico medidas como mejor le parezca. Primero, repasemos un resumen de todo lo que aprendimos juntos en esta sección. Aprendimos las medidas básicas de la cabeza y el rostro humanos, comenzando con una forma de círculo constructiva conectada a una forma triangular, colocando los ojos aproximadamente a la mitad de la marca, y luego encontrar la línea de la ceja, la nariz y la boca en el 1/3 de la cara. Aprendimos a conectar eso con la forma cilíndrica de nuestros cuellos, y a usar la cabeza como medida para aproximarnos al tamaño de nuestros torsos superiores, y colocar el pecho, cintura, brazos y manos. Sabemos que las manos requieren algo de atención, y aprender a construirlas con las formas de cuña, huevo y cilindro nos ayudará a dibujar mejores manos. También aprendimos los conceptos básicos de envolver formas de cabello y ropa alrededor de la forma del cuerpo y por qué pensar en nuestras figuras en formas 3D es importante incluso en un estilo plano. Finalmente, aprendimos que podemos experimentar con nuestra comprensión de los valores y el color para dibujar personas y retratos en diferentes niveles de realismo y estilización, y que es cuestión de práctica y observación continuada para encontrar nuestro propio estilo de gente. Para mayor estudio, además de los libros de Juliette Aristides que he recomendado en clases anteriores, también puedes ver libros específicamente sobre el dibujo de la figura humana y la anatomía por Andrew Loomis y Morpho. También recomiendo las lecciones sobre New Masters Academy para estudios de figuras más clásicas, y clases de Skillshare sobre cómo dibujar lindos personajes estilizados. Cuando estés listo, vamos a reunirnos en la sección final donde vamos a hablar de profundidad, composición y cómo todo esto se junta. 26. Profundidad y composición 1: introducción a las perspectivas: [MÚSICA] Bienvenidos a nuestra clase de profundidad y composición. Voy a compartir mi enfoque de perspectiva y cómo comunico profundidad, y luego trabajaremos en crear una composición juntos. Mi experiencia personal con perspectiva es que nunca he querido dibujar un dibujo de perspectiva lineal realista. Pasé el tiempo a practicar ejercicios de perspectiva de 1, 2 y 3 puntos. Utilicé solo lo mínimo en mis dibujos, como el libro en nuestra ilustración de proyectos de clase. Durante mucho tiempo, pensé que aprender las complejidades de la perspectiva matemática era la forma correcta aprender a dibujar porque así es como se enfatiza en la mayoría de las enseñanzas en estos días. Sin embargo, a medida que llegué a entender qué estilo de arte me atrajo, con el tiempo, he llegado a ver una perspectiva diferente sobre la perspectiva. En esta clase, voy a brindar una visión general de diferentes enfoques de las técnicas de perspectiva y composición. Entonces te voy a mostrar cómo me gusta armar una ilustración como el proyecto de clase. Para entender mejor la perspectiva, me resultó útil aprender un poco sobre la historia de la perspectiva y cómo ha evolucionado en el arte y la cultura. Te prometo que esta no es una aburrida lección de historia sino algo que es realmente relevante y te ayudará a entender cómo estudiar el arte que admiras y cómo traducirlo en tu propia expresión. A nivel básico, cuando pensamos en la perspectiva de aprendizaje, pensamos en la perspectiva lineal. La perspectiva lineal es un enfoque matemático para construir objetos donde todas las líneas paralelas desaparecen en uno o varios puntos de fuga en la línea del horizonte. Esto es especialmente útil con objetos hechos por el hombre, como edificios y carreteras. Hay perspectivas de un punto, dos puntos y tres puntos. La perspectiva lineal, tal como la conocemos hoy en día, no siempre existió en el arte. De hecho, no se estableció hasta el Renacimiento por los arquitectos Filippo Brunelleschi y Leon Battista Alberti. Esta técnica surgió del deseo y la necesidad de transmitir de manera convincente el espacio y los edificios y representar estructuras desde el punto de vista del espectador. Fue una hazaña verdaderamente notable que cambió la cantidad de artistas, especialmente en Occidente, representaban escenas en su obra. Esto era especialmente importante antes de la época del cine y las cámaras cuando la necesidad de transmitir realismo era una prioridad. Las pinturas históricas de otras culturas, incluyendo China, Japón, India y Egipto, tenían prioridades artísticas diferentes sus contrapartes occidentales. En muchas pinturas orientales, por ejemplo, el objetivo del arte era transmitir el espíritu del sujeto y la experiencia personal del artista sobre el tema, en lugar de una representación observacionalmente precisa de ello. Además, dado que muchas pinturas estaban en largos pergaminos destinados a ser vividos en su conjunto y al ver partes individuales, un solo punto de fuga simplemente no habría servido a su propósito. Con perspectiva plana, arte oriental comunica profundidad a través de superposiciones, básicamente colocando el tema en tres planos separados. Primero, el plano de primer plano, luego el plano medio, y finalmente el plano de fondo. La distancia entre cada plano se acentuó por el nivel de detalle, matiz y valor; todos los conceptos que hemos ido aprendiendo a lo largo de este curso. Los edificios y objetos geométricos que eran adecuados para perspectiva lineal se dibujaron en perspectiva paralela, lo que evita que los puntos de fuga al tiempo que se logra una sensación de espacio en relación con los temas que la rodean. grandes grupos de personas en Así, grandes grupos de personas en muchos espacios diferentes pudieron ser representados con esta perspectiva, lo que no se pudo lograr en perspectiva lineal. Estas pinturas se comunican artísticamente y efectivamente, aunque no técnicamente de manera realista. Se puede ver cómo la perspectiva lineal puede ser limitante, incluyendo a veces la colocación rígida de sujetos que no son capaces de transmitir relaciones espaciales fuera del punto de vista humano individual estándar. La perspectiva plana, por otro lado, también tiene limitaciones y que no representa con precisión el espacio, especialmente la vista desde el punto de vista de una persona dentro de una estructura o fuera de ella. Entonces cada uno realmente sirve a su propio propósito y es necesario en diferentes momentos. Tener una comprensión de los diferentes enfoques de perspectiva te permitirá mezclarte y adaptarte a tus necesidades y a tu visión artística. Como principiante, te recomiendo que empieces a identificar, observar y estudiar realmente lo que están usando tus artistas favoritos. Tener una comprensión del enfoque prospectivo que emplean, y luego practicarlo y explorarlo por su cuenta le permitirá llegar a una comprensión de cómo le gustaría comunicar su expresión y puntos de vista. [MÚSICA] 27. Profundidad y composición 2: crear profundidad en la perspectiva Planar: [MÚSICA] La mayor parte de la ilustración moderna que me gusta usa alguna forma de perspectiva plana, y ese es el estilo de ilustración en el que también me gusta dibujar. Comenzaron solo como mi gusto estético personal que realmente no pude explicar, pero después de llegar a una mejor comprensión de la historia de la perspectiva planar, me di cuenta de que realmente me relaciono esa prioridad de expresar el espíritu de un sujeto y mi propia experiencia personal del mismo sobre una representación técnicamente precisa. Creo que, para mi, realmente se reduce a, me gusta dibujar las cosas de una manera que puedas tomar una foto en la vida real. También me gusta combinar diferentes enfoques de perspectiva y seguir experimentando con formas de mezclar puntos de vista que no esperas que vayan bien juntos sin embargo funcionan. Por ejemplo, en esta ilustración que hice llamada The Courtyard, tiene una perspectiva plana en capas, pero también incluye una obra de línea de arriba hacia abajo en el suelo que representa azulejos. Prefiero esto a una perspectiva de un punto de las baldosas porque, para mí, crea una sutil sensación de surrealismo, que por supuesto es un complemento las flores gigantes muy grandes que está rodeando nuestro carácter. Quiero enfatizar que un estilo plano de ilustración no significa que no pueda tener profundidad. Para crear una simple sensación de profundidad y una ilustración plana, normalmente pienso en tener al personaje en el medio o primer plano y colocar objetos en primer plano mientras tengo un simple antecedentes. Esto puede aplicarse en entornos más íntimos, como los jarrones y la ilustración de la puerta en el patio, así como en entornos de paisaje más grandes. Aquí, en mi ilustración, El reflejo, los personajes en primer plano, pero hay una profundidad añadida creada al agregar rocas aún más cerca del espectador. El plano medio se convierte entonces el reflejo en las montañas, que también es un punto focal importante. El fondo es el cielo y las nubes. Todo es muy sencillo pero comunica profundidad desplegando los tres planos separados. Tómese un momento aquí para analizar lo que hay en primer plano, plano medio y fondo de nuestra ilustración de proyectos de clase. ¿Qué sentido de profundidad se crea en tu opinión? ¿Dónde se siente como si estuvieras parado en relación con el personaje y qué tan lejos se siente ella de ti? Piense en cómo se logró esto estratificando profundidades a pesar de que se trata un estilo plano de ilustración. ¿Se te ocurren formas de hacer que el personaje se vea más cerca o más lejos? Ahora que estás empezando a entender cómo se logra la profundidad en un estilo plano, realmente observa y piensa en las elecciones que se tomaron para comunicarlo en obras de arte que admiras. [MÚSICA] 28. Profundidad y composición 3: técnicas de introducción a composición: [MÚSICA] Ahora hablemos un poco de técnicas de composición, porque esa es una pregunta que mucha gente tiene en este momento. Tienes una comprensión del dibujo observacional, pero ¿cómo se te ocurren tus propios diseños? Exploremos algunas técnicas básicas de composición que pueden ayudarte a comenzar. Para mí, la regla más popular y de uso frecuente es la regla de los tercios, frecuentemente utilizada en fotografía y cine. La regla de los tercios solo significa que si colocas una cuadrícula tic-tac-toe en un marco, los puntos focales caen alrededor las intersecciones de las líneas, o en los tercios de las imágenes. Verás muchos ejemplos usando esta técnica si apenas comienzas a colocar este tipo de cuadrícula sobre las imágenes que veas. Otro enfoque común que utilizo para componer, es simplemente centrar un personaje y luego crear entorno a su alrededor. Muchas enseñanzas recomendarán evitar centrar una composición, pero la hago todo el tiempo y también lo hacen muchos ilustradores a los que admiro. Realmente se trata de lo que intentas lograr y puedo ver por qué en ciertas situaciones, no querrás centrar una composición. Personalmente me parece muy efectivo para retratos y arte narrativo centrado en el personaje. Estudiar la composición de tus fotos favoritas, escenas de películas y por supuesto obras de arte, es una excelente manera de comenzar a perfeccionar tu ojo para la composición. Pregúntate cuando estás observando algo que te gusta, ¿por qué te funciona esa composición? Aunque no tengas una respuesta clara de inmediato, a medida que sigas observando y reflexionando, surgirán patrones y comenzarás a entender cómo te gusta incorporarlo a tu propio trabajo. Recuerda que tu obra favorita fue el resultado de muchas miniaturas y conceptos diferentes antes de que los artistas alcanzaran su diseño final. Explorar y experimentar es parte del proceso. Algunos otros consejos básicos son, pensar en liderar el ojo, usar puntos focales y diferentes ritmos y patrones en tu obra de arte para dibujar el ojo y ser intencional sobre dónde mira el espectador. Siempre tenga en cuenta el flujo general y el gesto de la pieza. A medida que realmente comienzas a observar obras que son magistrales o simplemente cosas que te gustan, notarás que hay muchos puntos de conexión que podrían haber sido involuntarios pero funcionan, porque estas son las líneas y patrones y ritmos en un dibujo, que un artista utiliza a su favor para comunicarse y controlar dónde mira el espectador. Otro consejo útil es pensar en grupos de tres. Tres a menudo se considera un número mágico en composición. Es activo y evita sentimientos de emparejamientos que surgen con dos, o demasiada simetría con grupos de cuatro. Ya más que eso y tu mente empieza a pensar de nuevo en grupos. Esto también se puede aplicar a las áreas focales o la forma de su flujo. Los triángulos, una forma de tres puntas, transmiten una sensación de actividad equilibrada. En nuestro dibujo de héroe, aunque técnicamente hay siete flores, están agrupadas en tres racimos. También hay tres objetos dorados a su alrededor formando un triángulo. También hay tres objetos verdes, entre ellos su chaqueta y todos están separados en un formato triangular. Por supuesto, se puede ver que la regla no se aplica a todo estrictamente en todas partes. Por ejemplo, tengo pares de hojas, pero puedes empezar a jugar con tus propios patrones con este lugar de partida y luego decidir si quieres romper la regla donde no te sienta incómoda. Otros problemas comunes a tener en cuenta son evitar tangentes incómodas, donde los bordes de diferentes objetos apenas se tocan, o simplemente se superponen de una manera incómoda, generalmente donde no se puede decir dónde algo comienza o termina. También se quiere evitar jerarquías planas poco claras, como no tener claro qué hay en primer plano, qué hay en el término medio y qué hay en el fondo. Por lo general, esto es solo cuestión de superponer tus objetos de una manera clara y otra vez, asegurándote de que no tengas tangentes incómodas. Evita la simetría demasiado perfecta si esa no es tu intención. Tener un poco más de un flujo orgánico a tu ilustración ayudará a que se sienta más equilibrada. Por último, asegúrate de que tus valores respalden tu estructura. Una cosa es pretender dirigir la mirada con un tema o acción interesante, pero si tus valores no lo apoyan, tu espectador puede confundirse dónde buscar. Los valores también pueden incorporar color, así que por ejemplo, no quieres que un transeúnte de fondo esté vistiendo un rojo muy brillante en una composición muy oscura. En cambio, quieres que busquen en otro lugar. Piensa en dónde el artista podría haber pretendido que miraras y luego considera si tuvieron éxito en ello. ¿Miraste diferentes detalles mientras tus ojos flotan alrededor de una manera natural y orgánica? ¿Tus ojos se sienten atraídos por los lugares donde parece que ese debería ser el punto focal? Si es así, piensa en por qué funcionó eso y si no, piensa en lo que pudo haber cambiado. Apenas comenzar a notar y observar ya es un gran comienzo para comenzar a perfeccionar tu habilidad para pensar en para comenzar a perfeccionar tu habilidad para pensar composiciones fuertes. [MÚSICA] 29. Profundidad y composición 4: proyecto de clase Parte V: Ahora volvamos a nuestro proyecto de clase de anclaje. Empezamos toda esta serie con dibujo observacional, pero en realidad el primer paso de tu propio dibujo original va a ser la miniatura. Es concebir diferentes ideas, hacer bocetos realmente rápidos y luego refinar esos pensamientos e ideas con las habilidades de línea, valor , color y retrato que hemos aprendido. Ahí es donde esta clase pone las cosas en círculo completo. Estamos volviendo al principio, pero con una perspectiva fresca. Juntos, vamos a idear un concepto, crear muchas miniaturas y luego refinar nuestra miniatura elegida y terminarlas con todas las habilidades que hemos estado construyendo a lo largo de este clase. Vamos a trabajar con el impulso de diseñar una portada para una clase de bases de dibujo. Incorporan todo lo que hemos cubierto en términos de línea y forma, valor y forma, retratos de color y luz, luego ponerlo en conjunto. Esto era literalmente en lo que estaba pensando mientras diseñaba la ilustración de héroe o el proyecto de clase para esta clase. Entonces voy a recorrer un ejemplo muy realista de cómo es ese proceso. Se puede trabajar digitalmente o en papel. Personalmente me parece que lo mejor pienso en solo cuaderno de rascar, papel de boceto, y personalmente me gusta usar este lápiz azul Col-Erase de Prismacolor. Puedes, por supuesto, hacer lo mismo en el iPad. El iPad es realmente genial para poder mover las cosas fácilmente. Pero cuando solo quiero sacar algunas ideas rápidas, encuentro que lo mejor es un trozo de papel. Entonces comencemos con eso. Si lo deseas, puedes comenzar solo crear cajitas. Si tienes un trozo de papel del tamaño mío, yo haré seis. Si tienes los más grandes o los más pequeños, solo tienes que ajustar en consecuencia. Cuando estás trabajando en, digamos, un resumen de cliente o incluso ideando tu propia ilustración, hay algunos parámetros iniciales que vas a querer saber o al menos saber que vas a necesitar saber como qué tan grande es esta ilustración y dónde se va a usar. Puedes tener todas estas consideraciones en mente a medida que diseñas. Primero, vamos a llegar a diferentes ideas. Obviamente, es una clase de bases de dibujo. Entonces, tener a alguien dibujando parece tener mucho sentido. Entonces comencemos con algunas ideas en torno a eso. Este es un punto de partida muy básico. Tengo a alguien dibujando en su escritorio. A medida que voy adelante, realmente necesito empezar a pensar si es marcar todas las casillas. ¿Cómo puedo expresar mejor pensando en línea y forma, valor y forma, color y luz? Puedo empezar a ver esos en mi mente porque a pesar de que se trata de un dibujo de boceto, me puedo imaginar cómo se vería en color. Te das cuenta que estoy empezando con formas muy simples. No es una figura de palo, pero básicamente son pequeños maniquíes de dibujo, y eso es más que suficiente para tener una idea de la composición general. En la etapa de miniaturas, realmente nos estamos enfocando en qué contenido vamos a incluir a un nivel muy alto y cuál es la composición general. Con la segunda idea, he estado pensando en tal vez solo mostrar un cuaderno. A lo mejor no hay nadie en él, y está representando estas flores y solo objetos a su alrededor. Esta es una vista de arriba hacia abajo de un escritorio más o menos, pero con cierta perspectiva sesgada. Por supuesto, me estoy dando cuenta de que ahora no tengo incluida la sección de retratos, así que tal vez pueda agregar un pequeño retrato aquí. Ahora no es un dibujo de personaje, sino que el dibujo es de carácter, pero aun así obtiene el elemento de tener cubiertos todos los aspectos de la clase incluidos. De nuevo, no necesito detallarlo, solo lo suficiente para que sepas lo que va ahí. Eso es un poco más de un enfoque gráfico. Pensemos en algo tal vez un poco más abstracto. Mi idea está aquí es casi tal vez como una pila de libros, y luego está este lápiz pasando por el que tiene las líneas y formas. Entonces tal vez esta parte tendría algún valor y forma, y entonces esta parte del lápiz estaría coloreada. Esto definitivamente no es el más fuerte en términos de mostrar retratos. Aunque esto no alcanza todos los requisitos, es bueno tener este tipo de exploraciones que son realmente diferentes a lo que has estado haciendo para que puedas probar los límites y ver lo que te hace sentir es el contendiente más fuerte. Voy a probar sólo una escena, una escena al aire libre tal vez. A lo mejor esta persona no está dibujando. No necesariamente tiene que ser tan literal. A ver. A lo mejor están en un mundo de dibujo de alguna manera. A lo mejor en vez de un árbol, en realidad podría mostrarte una montaña. Eso tiene más sentido. Construyendo una base y trabajando su camino hacia arriba. Esto ayuda a enfatizar también el aspecto del viaje de dibujo. A lo mejor el estanque en el suelo parece una paleta de colores. Es una idea interesante, pero una, no creo que comunique retratos lo suficiente, dos, creo que esto podría ser un poco demasiado abstracto. No sea lo suficientemente claro esta es una clase de bases de dibujo. Creo que la mano es quizá un buen ejemplo de algo, como la mano que sostiene la hoja. Esto comunica que aquí hay esta rama, y tal vez la rama es lo que tiene los diferentes aspectos que en realidad pueden ser realmente geniales. También puedes escribirte pequeñas notas a ti mismo. Esto tiene línea, forma obviamente. Éste estaría en valor y mostrando su forma. Esta parte estaría en color. Esto representaría la clase de retrato porque también hablamos de manos, y luego está toda la composición. Esa es una opción y esa es una buena manera de anclar a toda una clase en una ilustración y lo que estaba tratando de obtener con nuestro diseño final. Permítanme hablar de nuestro diseño final. Por supuesto, puedes seguir haciendo tantas miniaturas como quieras. Cuanto más se te ocurra, creo que mejor será tu resultado porque has pensado en todas tus ideas más débiles y luego saliste con algo fuerte. Por lo general, al final, cuando realmente te gusta, “simplemente no puedo pensar en otra idea”, ahí es cuando se te ocurrirá una idea. De veras no te lo esperabas. Pero dicho eso, también a veces solo tengo una idea y simplemente voy con eso de inmediato, y no hago un montón de miniaturas diferentes. Entonces cada dibujo es su propia experiencia. Déjame entrar en este concepto de alguien sentado en un escritorio dibujando. Pensemos en qué tipo de humor se encuentra. Ya he decidido que es una chica. ¿Está en un ambiente súper emocionante? ¿Está tranquila y relajada? ¿Está frustrada? ¿Es muy activo o es un balance? Como he mencionado, quiero que se sienta tranquilo pero atractivo. Tan activo pero calmante. Se puede jugar con diferentes poses. Pensé que sería bueno mostrar su mano apoyada sobre su rostro, tanto contemplativa como también un poco más activa, y también para que podamos ver ambas manos. Entonces pensé en qué quiero rodearla. Esto puede ser una exploración en sí misma. Pero puedes decir tanto de un personaje por lo que los rodeas, con qué los vistes, y solo cada aspecto de ellos. Tenía la idea de que esto sería como un viaje de dibujo. Así que quería darle una vibra exploradora. Por eso puse en este telescopio y luego agregué el globo. Estoy aquí trabajando con el conocimiento de cómo es la ilustración de clase, pero de manera realista, no necesariamente sabría exactamente a dónde van todas estas cosas. mejor el globo comenzó por aquí o tal vez el telescopio no era tan alto. Pero eventualmente, movería las cosas hasta sentir que la composición se sentía bien. Quiero que las cosas se superpongan, así se siente como si estuviera inmersa en todas estas cosas a su alrededor. estamos mirando a través los objetos de pie básicamente en la parte delantera de su escritorio. Quería traer un sentido de la naturaleza y tal vez un poco más surrealismo como imaginar que estás en un sueño o el estado de flujo cuando estás dibujando. Entonces por eso tenía estas flores rodeándola. Sabía que quería que le dieran un marco. Aquí es donde entra en juego algo como no tenerlo demasiado simétrico. Por supuesto, las flores podrían ser exactamente simétricas y esa es una mirada. Pero para mí, me gusta que las cosas se sientan un poco más fluidas y orgánicas. Entonces por eso hay este marco que no es simétrico, sino que tiene un buen flujo hacia él. Estaba empezando a pensar diferentes formas que quería incorporar, así es como decidí el resto de los objetos aquí. Tenía esta esfera elipse aplanada en forma de huevo para esta cara, y luego tuve un cilindro para la caja de lápices y superpuse a esos dos. La regla era un rectángulo y los lápices eran de cilindro más pequeños todavía. aquí, tenía un jarrón cilíndrico alto y el globo, por supuesto, es una esfera grande obvia, y luego el telescopio también es un bonito cono. Esas son todas consideraciones cuando empecé a pensar en lo que quería colocar aquí en su escritorio. Ahora para terminar esto, sabía que no quería crear una escena completa porque entonces sería difícil para mí colocarla en, digamos, una imagen horizontal o simplemente diferentes relaciones de aspecto. Entonces, que sea algo que sea más una ilustración puntual me iba a ser de ayuda. Acabo de terminar con este arco en la parte de atrás. Podría verse como una puerta, pero la pensé más como una ventana. Su escritorio se posiciona donde la parte posterior da a una ventana. Esa es mi pequeña miniatura. Ahora movamos esto a nuestro iPad y vayamos de ahí. Hemos hablado de nuestro prompt, hemos hecho nuestros bocetos en miniatura, y pensando en el encuadre y la composición general. Ahora empecemos a limpiarlo un poco. Todo lo que he hecho es tomar una foto de esto literalmente con mi teléfono, tiré por aire a mi iPad. No parece mucho y obviamente podría recrearlo. Pero hay momentos en los que en realidad tu boceto muy rudo va a ser una gran guía para tu pieza terminada. A mí me gusta simplemente tenerlo ahí sobre una capa. Siempre puedes simplemente ocultarlo y solo referenciarlo más adelante. Pero voy a demostrar cómo pensaría en limpiar algunos de los trabajos de línea. cómo organizo mis capas para aprovechar realmente las herramientas digitales a la hora de trabajar en la composición. Ahora empecemos realmente a retroceder y pensar en la línea, la forma, estructura, liderando el ojo y todas esas cosas, pero ahora desde el punto de vista del diseño. Puede que estés siguiendo para recrear el proyecto de clase nuevamente con esa nueva perspectiva, o podrías estar trabajando en tu propio diseño basado en el prompt. Sea cual sea, pasemos por cada paso con los mismos objetivos y enfoques en mente juntos. Hay algunas formas de abordar esto. Puedes hacerlo todo en una capa y luego simplemente seleccionar cosas y moverlas, o intentar dibujar cada objeto en una capa separada y luego tener que sea más fácil para ti moverte. Esto podría convertirse en una cuestión de experimentar lo que funciona mejor para usted y su flujo. Alrededor de esta etapa, comenzaré a sacar imágenes de referencia. En esta etapa de boceto, no estoy viendo ninguna referencia. Sólo estoy dibujando de la imaginación cómo creo que son las cosas. Pero por aquí, voy a empezar a buscar realmente cómo es un globo terráqueo y dónde están esos detalles importantes. Tratando de pensar en gestos. Una, considerando cómo se inclina su cabeza y este gesto de su cuerpo, esta forma general de triángulo. Ahora con la esfera, podría haber solo un aspecto recto hacia arriba y hacia abajo a la esfera. Pero si lo inclino, hace eco de la inclinación de su cabeza. Con el telescopio, eso fue un poco complicado porque podría tenerlo apuntando de muchas maneras diferentes. Quieren tener ritmo para que este globo esté aquí abajo. Por eso pensé que tal vez sería bueno tener un telescopio de este lado apuntando en otra dirección. Pero otra vez, inclinado. Incluso cosas como las piernas, lo lejos que están separadas son todas decisiones de diseño y pueden afectar las cosas de una manera muy sutil. Tener esta pata aquí frente al libro comunica claramente dónde en relación con el libro se sienta el telescopio. Si la guardara aquí, realmente no estaría segura de dónde se encuentra exactamente. ¿Está detrás del libro, al lado del libro, más lejos? A lo mejor es un telescopio muy pequeño o un telescopio muy enorme. Tenerlo en una capa separada me permite jugar con eso. Esto tiene una forma ovalada ligeramente diferente, más una elipse, y por eso quiero pegarlo aquí. Pero este es un pequeño objeto bueno donde realmente podría moverlo por todo tipo de lugares. Si vuelve aquí, parecería que está atrás. Al principio, creo que lo tenía más incluso en avión con el globo terráqueo. Entonces se dio cuenta al moverlo un poco hacia abajo, simplemente crea más de este ritmo saltando de un lado a otro. Ahora con las cosas dentro de la carpeta de lápices, podría haberlo hecho muy complicado. A lo mejor ella tiene un montón de cosas aquí. Pero decidí que este es un espacio más mínimo. No quiero distraer con un montón de cosas en esta lata porque ese no es el punto. Lo justo para poder comunicar que tiene algunas herramientas de dibujo en su mesa. Verás que me gusta dibujar todo el camino muchas veces porque no estoy seguro de dónde van a terminar las cosas, y puedes hacer fácilmente el trabajo de línea final sin estos más adelante. Pero de esta manera, realmente te asegurarás de tener algunas líneas precisas. Muchas veces con los principiantes, si no dibujan todo el camino, digamos, esto era un codo, entonces el hombro estará aquí y luego podrían olvidar que necesita conectarse, y luego el codo estará un poco apagado. Esas son buenas razones para dibujar todo el camino y simplemente hacer cheques por ti mismo. Entonces empieza a poner esas flores. Solo en general pensando en las formas. Aquí definitivamente un grupo de tres. Podría tener la opción de poner dos aquí arriba y uno aquí abajo o viceversa. Terminé con tener dos en la parte inferior y uno más grande aquí arriba, pero dejemos eso en su lugar por un tiempo. Puedes mirar aquí, ¿hay alguna extraña tangente pasando? Creo que esta parte se siente un poco confusa. A lo mejor lo que hago es acercarnos esto más claramente al frente del libro. Entonces tal vez arregle el globo y el jarrón un poco más claramente de esa manera. Ahora el globo está cubriendo la parte superior del jarrón. Para asegurarme de que eso sobresalga, voy a tener esto. Entonces ahora esta pequeña parte del globo está tocando el borde del jarrón, lo que provoca esta extraña tangente. Sólo puedo entrar en mi globo y inclinarlo un poco más. Para agregar un poco más de detalle, agregué estas formas de hojas muy simples. Esto solo estaba poniendo lo que yo sentía como algo de espacio necesitaba ser llenado. También puedes mantenerlas en capas separadas para que puedas moverlas según sea necesario. De nuevo, se puede decir que esto técnicamente rompe esas reglas de tres que mencioné antes y podría haber incluido otra aquí. Aquí no hay nada correcto o incorrecto. Para mí, las hojas son más como cumplidos. Por lo que casi se convierte en un maridaje con la flor. Hay una agrupación de tres aquí en cambio y una agrupación de tres aquí. Cuando estaba pensando en su ropa, eso también forma parte del diseño. Nuevamente, ¿qué dice de esta persona? ¿Qué lleva puesta? ¿Lleva un suéter acogedor y toda acurrucada con una taza a su lado? ¿O lleva algo más profesional? A lo mejor se está preparando para trabajar. Puedes probar muchos enfoques diferentes. Pero solo recuerda que ropa es parte de la narración, es parte del diseño visual. Terminé dándole este bonito atuendo verde y es un poco como un blazer. Así que definitivamente sintiéndome muy estructurado. También me dio la oportunidad de platicar sobre cosas como tener este punto de cuello en V u otras áreas focales también. Nosotros, por supuesto, la estamos mirando, pero también sutilmente pensando en dibujar. En cuanto a su peinado, lo mantuve muy sencillo y limpio. Pero yo estaba, de nuevo, pensando en el lenguaje de las formas. Pensé que sería genial hablar la esfera y luego de su cara, y luego de esta forma triangular tanto de su cabello como del resto de la parte superior de su cuerpo. Me tomé una foto de referencia en una pose similar para asegurarme una pose similar para asegurarme de que mi anatomía se veía precisa. Poner un poco más de los detalles de su rostro para pensar en la expresión que tiene. ¿Está buscando? Tenía los ojos abiertos y mirándote o mirando a lo lejos porque está pensando en algo? Decidí que iba a verse tranquila y contemplativa mientras trabajaba en su dibujo, para luego tener una leve sonrisa. Apaguemos mi capa de boceto en la parte de atrás y veamos cómo va eso. Ya ves que va a ser muy similar, por supuesto, al dibujo observacional que hicimos juntos. Pero ahora piénsalo en términos de este dibujo no existía antes. Entonces no había nada que observar. Ahora armamos este dibujo original a partir de nuestra imaginación y nuestra comprensión de diversas habilidades fundamentales, todas combinadas. trabajas en el tuyo, piensa en todos estos conceptos juntos e incluso podrás tener una lista de las herramientas a tu disposición o los diferentes aspectos en cada etapa de lo que debes tener en cuenta. Siéntete libre de seguir experimentando con tu composición y cuando estés listo, sigamos adelante. Después de tener nuestra composición básica de boceto en su lugar, puede limpiar el trabajo de línea aquí o hacer una miniatura de valor rápida para que pueda asegurarse de que tiene un pequeño mapa para usted mientras se mueve para seleccionar una paleta de colores y refinar su trabajo de línea. Teniendo en cuenta todo lo que hemos aprendido, incluido evitar tangentes, asegurarnos de que los planos separados estén claros y dibujar la atención hacia puntos focales importantes, comencemos a usar nuestro sistema de cinco valores para comenzar a pensar cómo podríamos querer firmar y agrupar diferentes valores en nuestro boceto. Voy a comenzar con mi cuarto valor en su cabello. Sólo sé que quiero crear un alto contraste haciendo su cara y su cabello. Entonces usando mi valor más ligero para su piel, también podría ser viceversa. Después trabajando mi camino alrededor de la ilustración. Al usar estos valores y todos los conceptos que hemos aprendido, puedo asegurarme de que hay una clara diferenciación que está apoyando mi composición y estructura de dibujo. Incluso si he solapado objetos, que ya es una forma clara definir diferentes planos, también puedo usar valores contrastantes para hacerlo aún más claro. Puedo usar valores más fuertes donde está más cerca del espectador, y luego valores más claros en lugares donde no necesariamente necesito que el espectador mire de inmediato. También estoy usando el contraste de los valores más oscuros en los jarrones y las hojas para que llame su atención alrededor la obra después de mirar por primera vez al personaje. Entonces un valor más ligero para el fondo porque quiero que eso sea más en el fondo y además no necesariamente llamar la atención sobre él de inmediato. Encontrarás a medida que trabajas a través los cinco valores que puedes necesitar para ajustarlo a veces. Por ejemplo en su chaqueta, yo quería tener dos valores que mostraran claramente una diferencia entre la camisa debajo su chaqueta y la propia chaqueta, pero no una diferencia súper enorme. Entonces solo aligeré ligeramente el color de la chaqueta y oscurecí ligeramente el color de la camisa para mis tres y cuatro valores. Este es un buen momento para hacer pausa y considerar la diferencia entre un estudio de valor y luego hacer una miniatura de valor para tu propio trabajo. Aquí, no hay nada de lo que esté observando y copiando, pero los estudios de valor me ayudan realmente a aprender a apreciar cómo otros usan el valor para hacer una estructura realmente fuerte para sus dibujos. Cuando llega el momento de hacer miniaturas de valor para mis propias piezas, realmente puedo empezar a prestar atención a cómo agrupar valores y también cómo tener un buen equilibrio entre todos de mis diferentes valores. Estoy pensando en la clave mayor y menor que quiero que se sienta muy brillante y vivaz. Así que estoy usando una clave mayor alta y también clave menor bastante alta en términos del nivel de contraste. Tengo mis oscuros más oscuros. Tengo unos blancos más blancos. Me aseguro que mucho del contraste esté aquí en su cara, pero también aquí alrededor de su escritura. Entonces solo el equilibrio general de tenerlo se siente como un escenario brillante, pero también calmante. He empezado con los cinco valores básicos, pero viste que había hecho algunos ajustes aquí y allá. Probablemente estoy trabajando casi más con una escala de nueve valores o casi 10 porque hay algunas áreas donde quiero que solo tenga una diferencia un poco más sutil. Con esto, ya tengo una hoja de ruta para mi paleta de colores a la hora pensar en cómo elegir colores, de dónde en el rango de valor quiero estar recolectando los tonos. Aunque sé que quiero que sea verde, y naranja, y melocotón, ¿qué tipo de naranjas y qué tipo de verdes estoy buscando? Ahora, no quiero repetir demasiado de lo que hablé en la clase de color en cuanto a las emociones que estaba tratando de transmitir y cuál era la psicología del color y cómo terminé con mi verde y paleta naranja. En esta etapa, sólo voy a hablar un poco más sobre la creación de profundidades y en lo que estaba pensando desde el punto de vista de la composición. Como aprendiste en la sección de perspectiva del planificador, hay algunos aspectos del color en los que podemos pensar, como hacerla un poco más desaturada y brillante porque está más lejos de distancia. Pero para mí, porque quería mantener la atención en ella, así que decidí mantenerla tan vívida como el resto de la imagen. Yo no diría que los greens que usé en ella o los rojos y las naranjas que usé en los detalles son realmente mucho más desaturadas o más alejadas que las cosas en primer plano. Realmente no experimentamos esa distancia o ese cambio en valores y matices de todos modos cuando las cosas están en una aproximación tan cercana entre sí. Pero sí elegí un color de fondo más neutro y atenuado para el arco en la parte posterior. Cuando estaba pensando en renderizar y cuánto valor poner en los objetos que hay alrededor, decidí mantener las cosas muy simples, más planas y un poco más tenues. Si se te ocurrió tu propio dibujo o recreaste éste ahora con tu propia comprensión de cómo todo se junta, me encantaría ver cómo resultó todo. 30. Profundidad y composición 5: resumen: [MÚSICA] Espero que hayas aprendido tanto al ver cómo todo lo que hemos estado aprendiendo se une en este proyecto final de clase. No puedo esperar a ver lo que has hecho. Primero, repasemos un breve resumen de lo que aprendimos juntos en esta sección de profundidad y composición. En esta sección, aprendimos sobre la evolución de diferentes enfoques de perspectiva, incluyendo la perspectiva lineal clásica y la perspectiva plana y paralela, y por qué podrían usarse para diferentes propósitos en las expresiones artísticas. Aprendimos a crear profundidad en perspectiva plana o plana utilizando el primer plano, término medio y el fondo, y variando los detalles y tonos. Aprendimos técnicas clásicas de composición, como la regla de tercios y grupos de tres, y cómo guiar el ojo con puntos focales y diferentes ritmos en líneas. Lo pones todo junto yendo al círculo completo y aprendiendo el primer paso de un dibujo original, ideando y miniaturas. Para mayor estudio, te animo a que sigas practicando, sobre todo con pequeñas miniaturas y solo haciendo bocetos y viniendo con diferentes ideas y, por supuesto, observando las obras de arte, imágenes, y películas que disfrutes para entender mejor qué composiciones se sienten fuertes para ti. También puedes consultar libros que tengan técnicas de composición que sean relevantes para tus intereses. Por ejemplo, tengo estos libros detallados realmente geniales sobre la obra de Hokusai y Muka, lo que realmente me ayuda a estudiar su enfoque de la composición. Dedica un tiempo explorando y realizando los ejercicios de competencia por ti mismo y cuando estés listo, reunámonos en la parte final de esta clase [MÚSICA] 31. Pensamientos y consejos finales: [MÚSICA] Felicidades por llegar al final de este curso fundaciones de dibujo. Hemos aprendido mucho juntos y espero que estés orgulloso de lo que has logrado. Ahora tenemos una base sólida y comprensión de cómo nuestras herramientas de línea, forma, valor, forma, color y luz pueden unirse para comenzar a fortalecer nuestros dibujos de observación. A partir de ahí, sabemos cómo podemos utilizar esas mismas herramientas y sumar en perspectiva y composición y crecer en nuestra propia expresión artística. Continúa practicando los ejercicios de esta clase y mejorarás. Para tu comodidad, he compilado los conceptos y ejercicios clave en un libro de trabajo al que puedes referirte en cualquier momento. Si disfrutaste de esta clase y quieres más apoyo en tu viaje de dibujo, te doy la bienvenida a que te unas a mi estudio de dibujo para recibir indicaciones guiadas, más clases y sesiones en vivo conmigo y un amistoso , comunidad íntima en Mimochai Studio. De cualquier manera, practicar con el conocimiento de las herramientas que has aprendido en esta clase va a ser mucho más efectivo que simplemente practicar a ciegas. A medida que continúas practicando, recuerda mantener la mentalidad de tu explorador y dibujar lo que amas. De esa manera, te quedarás motivado para seguir adelante en este viaje y verlo como una aventura de dibujo. También te invito a dejar una reseña y un comentario para esta clase, ya que es súper útil tanto para mí como docente para otros alumnos que estén considerando tomar esta clase. Muchas gracias por acompañarme. Hasta la próxima vez, cuídate y sigue creando. [MÚSICA]