Animación con luz | Jake Bartlett | Skillshare
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Lecciones en esta clase

    • 1.

      Avance del curso

      0:56

    • 2.

      Preparación de la obra de arte

      2:26

    • 3.

      32 bits por canal

      5:01

    • 4.

      Construcción del rótulo

      2:13

    • 5.

      Gestión de color

      6:09

    • 6.

      Construcción del resplandor

      15:43

    • 7.

      Uso de efectos incompatibles

      2:11

    • 8.

      Hacer ajustes

      3:38

    • 9.

      Pequeños detalles

      11:43

    • 10.

      ¿Qué son los fotogramas clave Hold?

      2:18

    • 11.

      Organización

      2:51

    • 12.

      Trabajo para preparación final

      2:45

    • 13.

      Animación de neón tradicional

      4:04

    • 14.

      Llevar la animación más lejos

      16:40

    • 15.

      Pulido

      6:44

    • 16.

      Exportación de un video

      3:09

    • 17.

      ¡Gracias!

      0:40

  • --
  • Nivel principiante
  • Nivel intermedio
  • Nivel avanzado
  • Todos los niveles

Generado por la comunidad

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6625

Estudiantes

116

Proyectos

Acerca de esta clase

En clase te mostraré mi propio método de simulación de luz en After Effects. Aprenderás cómo convertir cualquier texto, gráfico o animación en un rótulo de neón, construyendo efectos de resplandor completamente personalizados. ¡También revisaremos muchos consejos y trucos para animar con capas de formas, utilizando composiciones previas para crear un efecto generado, un simple expression rig para color y mucho más! Una vez que comprendas cómo simular el efecto de luz, podrás agregar un nivel extra de realismo a cualquier diseño o animación.

Esta clase está diseñada para artistas que tengan algo de experiencia con After Effects, pero no es necesario. Como en todos mis cursos, podrás seguir paso a paso con mis videos, incluso si nunca has utilizado el software antes. Pero si quieres la introducción a After Effects primero, consulta The Beginner's Guide to Animating Custom GIFs o Hand Lettering In Motion.

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Teacher Profile Image

Jake Bartlett

Motion Designer

Profesor(a)
Level: All Levels

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Transcripciones

1. Avance del curso: Oye, soy Jake Bartlett y esto es animando con luz. En esta clase te enseñaré a simular luz y After Effects usando mis propias técnicas para hacer gráficos en movimiento que parezcan ser iluminadores. Para el proyecto de clase, estarás reimaginando el nombre de tu restaurante ficticio favorito en forma de letrero de neón. Te mostraré paso a paso cómo crear un resplandor completamente personalizado, signo animado de neón tradicionalmente, luego meterte en algunas técnicas de animación más avanzadas. En el camino, cubriré cómo hacer unos efectos generados procedidamente utilizando [inaudibles], así como un método sencillo para el manejo del color que ayudará a impulsar tu eficiencia en los efectos posteriores. Esta clase es para cualquiera que esté interesado en los gráficos en movimiento, es una buena idea estar familiarizado con After Effects. Pero como con todas mis clases, te guiaré a través de cada paso del proceso para que puedas seguir adelante aunque seas nuevo en el software. Te veré en clase. 2. Preparación de la obra de arte: Antes de que hagas algún trabajo de diseño, quiero mostrarte cómo construí mi propia animación. Este es mi proyecto final y realmente iba por un look tradicional de letrero de neón. Entonces no pasa mucha animación, simplemente encendiendo y apagando capas en secuencia. Pero para poder animar de esta manera, quería configurar mi obra de alguna manera cuando la estaba diseñando, harían mucho más fácil este proceso en after effects. Si salto al Illustrator, esta es la obra de arte ya que la diseñé para traer a efectos posteriores. El grosor del trazo y los colores de cada línea no son realmente tan importantes. No me preocupaba si estos iban a ser los colores finales, lo que me preocupaba era hacer los objetos que iban a ser del mismo color al final, el mismo color dentro de Illustrator. De esa manera sabía todo lo que va a ser rojo, todo lo que va a ser amarillo, y todo lo que va a ser azul. A continuación, tuve que pensar en lo que quería poder encender y apagar independientemente de todo lo demás. Por ejemplo, quiero que este contorno sea separado de esta línea aquí, para que pueda encender y apagar cada uno simplemente cambiando la opacidad de la capa dentro de los efectos posteriores. En este momento ambos están en la misma capa. Lo que necesito hacer es separar estos en dos capas diferentes. Tomaré esta línea más esta línea por aquí porque esta es parte de la misma capa, selecciónelas ambas, corte presionando Command X o Control X en un PC, luego haré una nueva capa y presionaré Apple F o Control F para pegar exactamente donde ya estaba posicionado. Entonces renombraré esto, en líneas. Ahora, esta capa justo encima tiene tres colores diferentes en la misma capa y sé que quiero animar cada uno de esos colores por separado. Voy a añadir a esta capa amarilla, luego voy a tomar el rojo de la palabra, cortar, hacer una nueva capa, Apple o Control F, renombrar este “Bob's-rojo”, luego hacer lo mismo por el azul. Ahora, podemos encender y apagar cada una de estas capas de forma independiente. Porque están en capas separadas en Illustrator, cuando las traiga después de efectos serán capas separadas allí, y tendré mucho menos organización que hacer una vez que vayamos a animarlo. Después de que termines de crear tu diseño, asegúrate de configurar tu archivo de una manera que te facilite las cosas y después de los efectos. Si dentro de Illustrator puedes ver cómo se va a reproducir tu animación con solo activar y desactivar capas, esa es una buena señal de que tu archivo está configurado bien para los efectos posteriores. 3. 32 bits por canal: Volvamos a saltar a After Effects y reconstruyamos mi proyecto de muestra. El fundamento de todo este efecto y mi método en general para simular luz en After Effects se basa en usar 32 bits por color de canal, y rápidamente voy a intentar demostrarte qué es exactamente 32 bits por canal. Por defecto, las composiciones de After Effects se establecen en ocho bits por canal, y se puede ver eso aquí abajo. Lo que eso significa es que para toda la generación de color, la profundidad del color se establece en ocho bits. En el caso de esta bola blanca, el color de relleno es blanco puro, cual se compone de valores rojo, verde y azul. Dado que es blanco puro, los tres canales de color se establecen al máximo de 255. Si bajara todo esto al negro, los valores bajarían a cero. Si traigo esto todo el camino hasta la esquina superior derecha, azul y el verde siguen en cero, pero el rojo ahora está en el máximo de 255. Eso se debe a que esto es rojo puro, y a medida que cambio el tono, se puede ver que sus valores de color están cambiando. Cualquier color que hagas dentro de ocho bits por canal, es solo una combinación de valores rojo, verde y azul entre cero y 255. Si quisiera hacer una luz azul, no iría al azul puro así porque eso no se ve muy brillante, probablemente cambiaría esto, así que sería una versión más brillante del azul, y entonces tal vez le agregaría un resplandor en parte superior de ella y agrega algunos efectos más para que parezca que es un poco más brillante. Ahora si cambiamos nuestra profundidad de color de ocho bits por canal a 32 bits, nuestros colores se van a comportar un poco diferente. Ahora dentro de After Effects, hay un par de formas diferentes de cambiar tu profundidad de color. Uno está haciendo clic en este número aquí mismo, y luego llegando al elemento del menú de profundidad dentro de esta ventana, y haciendo clic en 32 bits por canal y luego presionando ok. Otra forma de hacerlo, es mantener la opción o Alt en un PC y hacer clic en este botón, y eso cambia a 16 bits por canal, y luego una vez más te llevará a 32 bits por canal. Esa es realmente la forma más rápida de cambiar, Option o Alt y luego dar clic en los números. Ahora algo muy importante de tomar nota, es que este es un escenario amplio del proyecto, no específico de una sola composición. Si estás trabajando en un archivo de proyecto que tiene múltiples composiciones, y cambias la profundidad de color, va a afectar todo en ese proyecto. El motivo que es importante es porque la profundidad del color afecta la forma en que todos tus colores se comportan y trabajan juntos. Además, algunos efectos solo son compatibles con 8-bit. Si abro la pestaña de corrección de color, verás que en el lado izquierdo de todos estos efectos, hay un pequeño ícono con un número dentro de ella. Las curvas, por ejemplo, tienen 32 en ella, eso significa que es compatible con 32-bit, Colorama es compatible con 16-bit, pero el enlace de color solo es compatible con 8-bit. Si fuera a aplicar esto a este círculo, y mirar aquí en la paleta de efectos, ve este pequeño icono de advertencia. Ese ícono te está diciendo que este efecto no es compatible con la profundidad de color actual, y probablemente no se va a comportar de la manera en que estás esperando que lo haga. Ahora a veces esto no es un tema y a veces lo es, pero no deberíamos tener que preocuparnos por eso ahora mismo. Voy a seguir adelante y eliminar este efecto y volver a cambiar el color de esta capa. Si lo pongo en blanco puro, notarás que ahora en lugar de tener un valor máximo de 255, cada canal de color tiene un valor máximo de uno, y el valor mínimo es cero. Cualquier color es un rango entre cero y uno. Pero si volviera a hacer este rojo puro, y muevo esta ventana fuera del camino para que podamos ver el balón. Si hago clic y arrastre en el uno, se puede ver que en realidad puedo aumentarlo más allá del valor de uno, y si fuera a agarrar este verde y aumentar eso también, eso va más allá de un valor uno, y tal vez agarraré el azul y aumentar eso también. A pesar de que estamos viendo un blanco puro, porque R, G, y B están todos configurados en valores sobre uno, se puede ver que hay datos de color dentro de esta ventana. Ahora, ¿por qué es eso? Si golpeo bien, todo lo que vemos es blanco puro. Pero si fuera a agarrar este desenfoque rápido y aplicarlo a mi capa y luego desenfocar esto un poco, se puede ver que esto en realidad está produciendo un resplandor. Lo que normalmente sería blanco puro, es en realidad darle este tinte amarillo, y por dentro, estamos sacando esta caída, haciendo que esto parezca como si fuera una luz brillante. Si vuelvo al color y saco algo del verde, se puede ver que el tono está cambiando a ser más naranja y el color se está actualizando para ser así también. Si aumento el rojo, obtenemos un resplandor aún más intenso, y cuanto más alto subas estos números, más brillante aparece tu fuente de luz. Si apago esto, y vuelvo a encenderlo, se puede ver cuánto de una diferencia eso hizo, y si cambié de nuevo a 8 bits de profundidad, se puede ver que ahora sólo tenemos un círculo borroso. Si volvemos a 32 bits, nuestro resplandor está de vuelta. Esto es lo que hace que la profundidad de color de 32 bits sea tan poderosa. Otra cosa realmente genial, es si duplique esta bola y la muevo, se puede ver que mientras estoy moviendo esto, los dos objetos se están deformando entre sí, cambiando de nuevo a ocho bits, tú puede ver que la interacción realmente no ocurre entre estos dos objetos. Pero debido a que estos son valores de luz que están floreciendo desde la fuente, medida que se acercan, se mezclan. Esperemos que eso te dé un poco de comprensión de lo que es la profundidad de 32 bits. 4. Construcción del rótulo: Ahora podemos empezar a construir nuestro letrero de neón. Empezaré importando mi obra de arte y asegurándome de que ese tipo de importación esté ajustado a la composición. Las dimensiones del metraje son tamaño de capa, no tamaño de documentos. Presionaré Ok. Eso me dará una composición con mi obra de arte. Tamaño a lo que se fijó mi documento dentro de Illustrator. Diseñé esto en 4 por 3, pero en realidad quiero hacerlo 16 por 9. Voy a seguir adelante y hacerlo HD mientras estamos en ello. Voy a ir a Composición, Ajustes de composición, tipo en 1920 por 1080. Velocidad de fotogramas, sólo voy a fijarme en 24, y la duración de 10 debería ser lo suficientemente larga, pero siempre podemos hacerlo más largo, si lo necesitamos. Entonces presionaré Ok, y ahora mi obra no está llenando mi composición. Debido a que todas las capas tienen diferentes puntos de anclaje, no puedo simplemente agarrar todas las capas y escalarla. Entonces con todas mis capas seleccionadas, voy a escoger látigo, la capa de fondo para que todo se escala en ese punto, y luego voy a presionar Opción Comando Shift G o Control Alt Shift G en una PC, y qué que sí es escala la altura de las capas a la altura de su comp. Ahora este fondo era sólo para referencia dentro de Illustrator. En realidad no lo necesito dentro de After Effects. Voy a seguir adelante y borrarlo, y me voy a dar un poco más de espacio y encajar esta composición en la ventana. Como puedes ver, todas mis capas están separadas, igual que las tenía dentro de Illustrator. Ahora es un buen momento para ahorrar. Ahora en este punto, quiero convertir todas mis ilustraciones a capas Shape dentro de After Effects para que tenga un poco más de control. mí me preguntan mucho, ¿por qué no dejan mis capas como archivos de Illustrator? Eso se debe a que como capas de Illustrator, no tengo acceso a cosas como el ancho del trazo y el color, y las formas en que puedo animarlas, son muy limitadas en comparación con las capas de formas. Voy a seguir adelante y seleccionar todas mis capas presionando Comando o Control A en una PC, y luego haga clic derecho sobre ellas, y desplácese hacia abajo para crear formas a partir de capa vectorial. Esto requiere CS6 o superior. Esto convierte todas mis capas en capas Shape exactamente como estaban dentro de Illustrator, pero ahora tengo control total sobre el estilo de los caminos. Puedo cambiar el ancho del trazo y el color a lo que quiera. 5. Gestión de color: Lo primero que quiero hacer es configurar algunos controles para mis colores. Esto no se requiere en absoluto, pero es un poco de un refuerzo de eficiencia. Ya que tengo múltiples capas que quiero ser del mismo color, ajustarlas todas a la vez podría llevar un poco tiempo. En lugar de seleccionar todo lo que es rojo uno por uno esperando que no haga clic accidentalmente en algo que no es rojo, voy a hacer un control para el color rojo y enlazar todo lo que quiero ser rojo a él. Voy a subir a Capa, Nuevo, Objeto Nulo. Ahora Null Object no hace nada por sí mismo. No renderiza, no afecta nada más, es solo un objeto que puedes usar para controlar otras cosas. Voy a sacarlo de la pantalla y luego voy a subir a mis efectos y bajar a Controles de expresión, y agregar Control de color. Eso abre los Controles de Efectos y me da un pequeño picker de color. Voy a renombrar esto haciendo clic en él, presionando Enter y escribiendo en rojo. Entonces voy a duplicar esto presionando Comando D o Control D en un PC y renombrar este azul, luego duplicarlo una vez más y renombrar este amarillo. Ahora agarraré algo que sea amarillo, copiaré este valor de color, y lo pegaré en el valor para el seleccionador de color amarillo. Entonces haré lo mismo por el azul y lo mismo por el rojo. Ahora tengo estos tres valores de color que son idénticos a los valores de color que tengo para mi ilustración. Lo que quiero hacer es vincular el color rojo de cada una de estas capas al color rojo de este recolector de color. Voy a empezar con esta capa superior. Lo haré solo y acercaré y luego abriré los Contenidos de Capa. Como puedes ver, tenemos todo un montón de grupos diferentes dentro de esta sola capa y eso se debe se pone cada uno de estos caminos en su propio grupo y dándole a cada grupo su propio trazo. Ya que cada ruta tiene un estilo de la misma manera con el mismo ancho de trazo y el mismo color, no necesito todos estos grupos diferentes. Lo que quiero hacer es fusionar todos estos caminos en un solo grupo. Para ello, cambiaré a mi herramienta de lápiz, seleccionaré una de estas rutas, luego mantendré pulsada la tecla Comando o Control en una PC para cambiar temporalmente a la herramienta de selección y hacer clic y arrastrar una selección alrededor de todas las rutas, cortado por presionando Comando X o Control X en un PC, seleccionando el primer grupo y pegando presionando Comando V o Control V en un PC. Ahora todos mis caminos están en ese solo grupo, pero están debajo de este trazo así que ninguno de los caminos está consiguiendo ese estilo de trazo. En realidad voy a traer esto fuera del Grupo y directo a los Contenidos. Ahora que se aplica a todos nuestros caminos, colapsaré ese primer grupo, y eliminaré todos los demás grupos. Ahora si ajusto el ancho de trazo del solo trazo, todas las rutas se actualizan, y tengo un solo valor de color para toda la capa. Ahora si llego a mi nulo y traigo los efectos presionando E en el teclado, podemos ver mis efectos rojos, azules y amarillos. Abriré el rojo y volveré a bajar al valor de color en este trazo y luego mantenga la opción o Alt en un PC y haga clic en el cronómetro que agregará una expresión a ese valor. Entonces agarraré la expresión pick látigo y lo arrastraré hasta el valor de color del efecto rojo sobre ese nulo y lo dejaré ir. A after effects entonces rellena automáticamente el código que necesita para hacer referencia a ese valor. Entonces voy a hacer clic fuera de esta expresión, y ahora estos dos valores están vinculados. Si cambio el valor de este color, en realidad no pasa nada porque está haciendo referencia al valor de este color. Si llego a ese color y cambio el valor, ahora ese color se actualiza. Voy a deshacer y colapsar esta capa, luego la desenrollaré. Ahora haremos este mismo proceso por todo lo que está rojo dentro de mi composición. Empezando por mover todas las rutas a un solo grupo y luego vincular el color de trazo al color de trazo apropiado en este control null y para hacer las cosas aún un poco más fáciles, ya que la expresión es ya escrito en el trazo de esta primera capa, solo la copiaré y luego la pegaré en el contenido de esa capa y esa expresión en el valor de color se conserva. Seguiré haciendo esto por todas mis otras capas rojas. Ahora en el caso de estas llamas, accidentalmente dejé el amarillo y el rojo juntos dentro de ilustrador. Necesito dividir esto en dos partes separadas. Empezaré duplicando la capa, renombrando la primera Flames 1 Red, y la segunda Flames 1 Yellow. Entonces desahogaré el segundo. Solo estoy mirando la primera copia, abre los Contenidos, y borra el grupo amarillo. Después entraré en la capa amarilla y eliminaré el grupo rojo. Ahora tengo dos capas individuales para esa llama. Tendré que hacer lo mismo para la segunda llama también. Creo que tengo todo lo que es rojo. Para probarlo, solo cambiaré el color a algo completamente diferente como verde, presiona Ok, y seguro, todo lo que era rojo ahora es verde. Puedo deshacer para volver a mi color rojo, y luego haré el mismo proceso para los otros dos colores pero no voy a hacer que te sientas a través de eso. Ahora todos mis colores están configurados en base a este nulo. Seguiré adelante y renombraré este nulo, Control de color. Como puede ver, si ajuste los colores de cualquiera de estos valores, todas las capas apropiadas cambian con él. Ahora de nuevo, esto no es para nada un paso requerido, pero en mi opinión, hace que este tipo de proyectos sea mucho más sencillo de ajustar pero si tu diseño no es tan complicado como el mío, o si no te importa tener que seleccionar todo para ajustarlo, entonces por todos los medios olvidarse de ese proceso. Pero ahora tienes un poco de perspicacia sobre una forma de decolorar gestionar tus proyectos. Ahora es un buen momento para escoger tu restaurante. Una vez que hayas decidido con cuál quieres ir, sigue adelante y crea un proyecto en la galería de proyectos, y avísame cuál es tu elección. Podrías empezar a bosquejar y averiguar cómo quieres que luzca tu diseño pero te recomiendo encarecidamente que veas todos los videos en la siguiente unidad antes de que realmente hagas tu diseño. El modo en que se comporta este afecto podría cambiar la forma en que te acercas tu diseño pero si tienes una idea en la cabeza y realmente quieres ir con ella, no hay nada de malo en empezar. 6. Construcción del resplandor: Ahora que lo hemos configurado todo para que podamos animarlo y abordar fácilmente los colores. En realidad podemos pasar a construir el look neón. En primer lugar, quiero descomponer todas estas capas, para que todo esté contenido en una sola capa. Seleccionaré todo presionando Comando A o Control A en un PC. Después precomponga pulsando Comando Shift C o Control Shift C en una PC y cambie el nombre de esta Neon-Source. Todo lo demás está bien. Presionaré OK. Ahora tenemos toda esa obra de arte contenida en una sola capa. Si hago doble clic en eso, estamos justo de vuelta donde estábamos. Todavía tengo el control de cada capa. Si bien estamos aquí, voy a seguir adelante y apagar algunas de las capas superpuestas duplicadas. Ya que esto no es realmente como voy a ver mi letrero, quiero asegurarme de que diseñe el resplandor de neón encima de algo que en realidad había representaría. En realidad puedo apagar ambas copias de esta hamburguesa y eso es soltero. Una de las dos llamas. Construiré mi resplandor a partir de eso. Ahora si vuelvo a esta competencia, lo primero que quiero hacer es hacer un fondo, porque ahora mismo el resplandor se estaría mezclando encima del negro. Quiero saber cómo se va a ver mezclando encima del color de fondo real. Voy a hacer doble clic en la herramienta de rectángulo, que hará que un rectángulo tamaño mi composición. Lo moveré hacia atrás y le renombraré Fondo. Entonces cambiaré el tipo de relleno a gradiente. Presione Aceptar y, a continuación, haga clic en el color para ajustar el gradiente y cambiar el primer color a un azul oscuro, el segundo color a un azul ligeramente más claro. En realidad quiero que estos estén en el orden opuesto, así que solo revertiré las dos posiciones. Necesito esto un poco más azul. Presione OK. Después haz click y arrastra este pequeño mango para ajustar el tamaño de mi gradiente. Ahora eso es más brillante de lo que quiero que sea así que voy a volver a entrar y ajustar estos colores un poco más. Eso probablemente funcionará bien. Acercaré un poco para poder ver qué estoy haciendo un poco mejor. Entonces solo voy a bloquear este fondo para que no pueda moverlo accidentalmente. A continuación, necesitamos cambiar nuestra profundidad de color de ocho bits por canal a 32 bits por canal. Mantendré pulsada Opción o Alt en un PC y pincharé dos veces. Ahora podemos empezar a construir el resplandor. Empezaré seleccionando mi capa de origen y duplicándola pulsando Comando D o Control D en una PC, luego quiero cambiar el modo de fusión. Si no ves esta columna aquí mismo, asegúrate de tener el segundo botón aquí abajo expandido para que tus controles de transferencia sean visibles. Cambiaré esto de Normal a Agregar. Enseguida puedes ver que hace que todo sea un poco más brillante. Casi se ve un poco resplandeciente, pero no se ve muy bonito. Quiero agregar un efecto Desenfoque rápido a esta capa duplicada. Notarás que este efecto funciona con color de 32 bits. Ahora si aumento la borrosidad, añade un resplandor a mi obra de arte. Si mi modo estaba ajustado a Normal, todavía se ve algo como un resplandor, pero no hay una mezcla real sucediendo. Establecer este modo de mezcla en Agregar hace que todo lo que hay debajo de esta capa sea más brillante, por lo que genera un resplandor más realista. Voy a renombrar esta capa Glow 1. Entonces lo voy a duplicar otra vez. Ya ves ahora todo se está poniendo mucho más brillante. Voy a aumentar la borrosidad, así que obtenemos un resplandor un poco más suave. Entonces haré esto una vez más. Te darás cuenta de que esto aumenta automáticamente el nombre para mí, y luego haré que este top brille aún más grande. Ahora esto es un poco demasiado brillante, todo es un poco demasiado suave y no se ve muy natural. Lo que quiero hacer es bajar la opacidad de cada una de estas capas. Con los tres seleccionados, presionaré T en el teclado para que aparezca la opacidad. Entonces ajustaré primero la opacidad de la capa superior, para que sea solo un brillo débil. Entonces me limitaré a la opacidad de la segunda capa, y luego finalmente la primera capa. Eso solo retrocede un poco la intensidad. Eso es con lo que empezamos, y eso es lo que agregan las tres capas de resplandor. En este momento esto no me parece muy brillante, pero podemos realzar este look añadiendo otro efecto a nuestras capas de desenfoque. Voy a venir a mis efectos y presets y tipo en exposición. Bajo corrección de color, verá el efecto de exposición soportado de 32 bits. Entonces lo voy a aplicar al primer resplandor, y apagar los otros dos brillos justo por ahora. Entonces quiero traer la exposición por encima del desenfoque rápido en la pila de efectos y echar un vistazo a estos controles. El efecto de exposición me permite aumentar el valor de exposición para esa capa así como la Gamma. Debido a que estamos trabajando en 32 bits por canal, realidad estamos ajustando el valor de luminancia para esa capa en lugar de solo el valor de brillo. Si hago clic y arro esta exposición hacia arriba, se puede ver que no sólo se está poniendo más brillante, sino que los colores también se están lavando un poco más. Si subo un poco la Gamma también, verdad se puede decir que está empezando a ponerse blanca. Voy a restablecer esto, aumentar un poco la exposición, bajar un poco la Gamma hasta que esté mirando la forma en que la quiero. Voy a bajar el desenfoque sólo un poquito. A lo mejor disminuir la opacidad. Después aumenta un poco más la exposición. Construir este efecto es completamente a tu gusto. Hay mucho ida y vuelta con jugar con estos diferentes ajustes. Lo que realmente disfruto del proceso es que llego a diseñar exactamente cómo se ve este resplandor. Mi resplandor podría verse un poco diferente a lo que el tuyo termina luciendo. Ahora puedo decir que esto sigue siendo un poco demasiado brillante, así que voy a bajar la opacidad, justo por ahí. Entonces encenderé el resplandor para la segunda capa. Voy a copiar la exposición y pegarla en el resplandor. De nuevo, lo subiré por encima del desenfoque rápido, bajaré un poco la exposición, bajaré la Gamma de nuevo a uno, y luego tal vez bajaré la opacidad solo un poquito. Ya sabes que ese desenfoque podría ser un poco demasiado grande también, así que voy a ajustar eso. Todo sigue pareciendo un poco demasiado suave para mí. Creo que la razón es porque mis líneas podrían ser un poco demasiado gruesas, así que voy a volver a cualquiera de estas pre-comps. Selecciona toda mi obra de arte y, a continuación, cambia el valor del trazo de dos a uno. Ahora todas mis líneas apenas disminuyeron, reducidas a la mitad en grosor. Si vuelvo a salir, ahora ese resplandor es mucho menos intenso. Creo que un ancho de trazo de uno va a funcionar mucho mejor para este diseño. Ahora encenderé mi tercer resplandor. Es muy sutil. Si vuelvo esta opacidad al 100 por ciento, se puede ver lo que está haciendo. Es una versión muy borrosa en la obra de arte. Está produciendo un resplandor muy suave. A mí me gusta la forma en que se ve eso, pero creo que voy a tratar de hacerlo un poco más brillante. De nuevo, copiaré la exposición y la pegaré en esta capa. Ahora eso es demasiado, así que voy a restablecerlo, aumentar la exposición, y entonces tal vez bajar un poco la Gamma. Creo que eso es un poco mejor. Entonces voy a bajar un poco la opacidad. Eso es bastante guay. Por ahora, tan bueno. Ahora sólo mirando esto, no creo que parezca lo suficientemente brillante todavía. Al mirar los letreros de neón en Google, notarás que hay un montón de luces de neón de aspecto diferente. De verdad depende de ti, cómo quieres que se vea tu diseño. personal, quiero que el interior de mis líneas sea más brillante. Para ello, voy a duplicar mi capa fuente una vez más y solo la voy a solista. Entonces voy a añadir un efecto de relleno a esta capa. Ya verás que eso es compatible con 32 bits. Haga doble clic en el efecto y luego cambie el color a blanco puro. No necesito aumentar este valor más allá del blanco puro. Está bien justo como está. Golpearé OK, renombraré este núcleo de capa, y luego lo desconectaré en solitario. Lo pondré en Agregar. Siento que eso hace que todo se vea un poco más brillante. Pero como es del mismo tamaño que mi obra original, está cubriendo todo el asunto. Yo solo quiero que aparezca en el interior de esa línea, así que voy a añadir otro efecto llamado Simple Choker. Lo que esto va a hacer si solo esta capa otra vez, es permitirme aumentar o disminuir el tamaño de la capa en base al canal Alpha. Si solo aumento un poco esto, verás que mis líneas se vuelven un poco más delgadas. Teniendo en cuenta que este es un pre-comp de mi obra original. El valor de trazo de un píxel no ha cambiado, esto es solo un efecto aplicado encima de ese pre-comp. Entonces puedo deshacerme en solitario y ver cómo eso afecta mi look general. Creo que podría aumentar este estrangulador sólo un poquito más. De verdad quiero que esta capa sea sutil. Eso se ve bastante bien. Lo que podría hacer es llegar a mi primer resplandor y bajar la borrosa solo un poco más, así que está mucho más cerca del bob real. Si me retrocedo un poco, creo que eso se ve bastante bonito. Todo el asunto podría ser un poco demasiado brillante, así que sólo voy a bajar la opacidad de ese acorde sólo para estar cerca, digamos 50 por ciento. Creo que esa capa solo le da un poco de pop para vender este look de neón bob. Ahora si duplico mi resplandor una vez más, encima a la parte superior y reinicio el desenfoque, voy a cambiar las dimensiones de desenfoque de horizontal y vertical a simplemente horizontal. Ahora si vuelvo mi opacidad todo el camino hacia arriba y aumento la borrosidad, notarás que ahora este desenfoque se está produciendo solo horizontalmente, y produce un desenfoque de aspecto realmente fresco. Si cambiara esto a vertical, entonces simplemente subiría y bajaba. Debido a que todo se está basando en un PreComp, puedes aplicar cualquier número de efectos para ajustar el aspecto de este resplandor, y mientras esté listo para agregar, se mezclará encima y hará algunas cosas realmente geniales porque nosotros están mezclando esto todo en 32 bits por canal. Podría aumentar la exposición para hacer todo más brillante. A lo mejor ajustar un poco la gamma y luego bajar la opacidad. Ahora voy a volver a poner esto en horizontal. Ahora mismo creo que estas líneas son un poco demasiado crujientes, así que en realidad voy a duplicar esta capa. Vuelve al primero, toca reset para que vuelva a horizontal y vertical, y luego difumina la capa un poco para que esta capa se ablande un poco antes de que se borre horizontalmente. De esa manera, el resplandor de esta capa es un poco más suave. No estoy teniendo suficiente control solo haciendo clic y deslizando este valor, por lo que un buen truco al ajustar un valor de control deslizante, es si mantienes presionada Comando mientras haces clic y arrastras, disminuirá la velocidad que estás cambiando el valor por . Yo quiero poner esto a la derecha alrededor de 1.7 y estoy bastante contento con eso. Pero esto es un poco demasiado intenso de un resplandor y no creo que rechazar la opacidad vaya a hacer suficiente. Voy a añadir otro efecto, que son las curvas. En lugar de RGB, voy a cambiar esto a alfa. Ahora estamos trabajando en el canal alfa. Si hago clic y arrastra esto, ves que se vuelve más brillante. Si hago clic y arrastra esto, se oscurecerá. Lo que quiero hacer es simplemente ajustar esta curva para que los valores más brillantes sean un poco más visibles y que los valores más oscuros se desvanecen mucho más rápido. Eso es antes y después. De esa manera, este efecto es sólo un poco más sutil. Ahora, de nuevo, creo que esto es un poco demasiado intenso así que voy a bajar eso un poco y tal vez aumentar la borrosidad previa al desenfoque horizontal. Entonces traeré de vuelta un poco de ese resplandor en el extremo inferior pero no demasiado. Creo que eso se ve bastante bien. Voy a renombrar esta capa resplandor horizontal. Entonces duplicaré esa capa y cambiaré el nombre de resplandor vertical, y cambiaré este segundo desenfoque rápido de horizontal a vertical. Esta quiero hacer mucho menos perceptible, así que bajaré la opacidad y aumentaré un poco estas curvas en el canal alfa. Pero entonces podría encender la exposición, tal vez aumentar la opacidad un poco más, y luego bajar la cantidad en ese desenfoque vertical. Como puedes ver, todo se está poniendo súper brillante y eso se debe a sigo apilando cada vez más capas una encima de la otra. Solo tienes que seguir ajustando las cosas a medida que vas. Creo que podría bajar este resplandor tres sólo un poquito. A lo mejor resplandor dos es un poco demasiado intenso también y resplandor uno, eso probablemente está bien. El núcleo lo está haciendo bien. Ahora, ¿y si quisiera hacer un resplandor que no fuera solo recto, izquierdo y derecho o arriba y abajo? Bueno, duplicemos de nuevo este resplandor vertical, y me desharé de los desenfocos rápidos y las curvas. Entonces voy a agregar un efecto llamado desenfoque direccional, que también es soportado por 32 bit. Si aumento este desenfoque, se puede ver que está haciendo un tipo de desenfoque similar a nuestro desenfoque rápido, pero me da un control de dirección. Podría cambiar esto a algo así como 55, y ahora nuestro desenfoque va en ángulo. Voy a renombrar esta capa brillo diagonal. Baje la opacidad, aumente un poco la exposición, baje la gamma, y luego agregue una capa de curvas. Nuevamente, cambiaremos al canal alfa, y solo derribaremos bastante la intensidad de este resplandor. De nuevo, creo que es un poco duro así que voy a añadir un desenfoque rápido, y lo voy a poner ante el desenfoque direccional para que todo se vuelva un poco más suave antes de que se aplique ese desenfoque direccional. Pero no demasiado porque quiero que éste se vea un poco más cincelado. Creo que eso es bueno. A lo mejor ajustar la opacidad sólo un poquito, y me gusta la forma en que se ve eso. Ahora quiero agregar un desenfoque horizontal más. Voy a duplicar esa capa, moverla a la parte superior. Voy a renombrar este resplandor ancho. Esta vez voy a tomar el primer desenfoque y aumentar mucho más el valor. Reiniciaré la capa de curvas y ajustaré eso en un minuto. Entonces subiré la opacidad solo para poder ver una buena representación de lo que esta capa está haciendo. Entonces voy a cambiar el valor del desenfoque horizontal para ser mucho más intenso por lo que es súper ancho yendo todo el camino hasta el borde de mi composición. Entonces voy a bajar la corrección gamma sólo un poquito y tal vez subir la exposición. Ahora bajaré la opacidad y cambiaré a alfa en mi capa de curvas, y disminuiré un poco la intensidad en eso también. Ahora tienes este resplandor súper ancho que hace que todo el cartel se vea un poco más vibrante. Acabo de notar que tengo una capa encendida dentro de mi PreComp que no debería. Voy a volver a esa PreComp, encontrar esa capa y apagarla. Vuelvo a mi PreComp y se actualizará y eso se ve bastante cool. A partir de aquí, solo haces los ajustes que más te convenga. Puedes usar cualquier número de efectos para construir tu propio resplandor personalizado y luego hacer ajustes a esos brillos hasta que hayas construido algo completamente personalizado. Pero justo como recordatorio, aquí es donde empezamos y aquí es donde terminamos, y todo el efecto está basado en ese sencillo PreComp. Cualquier cosa que hagamos para cambiar nuestra obra de arte se actualizará automáticamente con nuestro resplandor. Ahora si echamos un vistazo a algunos letreros de neón en Google, se puede ver que obviamente mi diseño está muy estilizado. Mis líneas son muy delgadas, estos brillos no son muy realistas, pero ese es el look que iba a buscar. Al igual que éste, por ejemplo, tiene un bob mucho más grueso que el mío. Si quisiera replicar este look, necesitaría volver a mi PreComp y luego cambiar el grosor del trazo de todas mis ilustraciones. Seleccionaría todo mi arte y luego aumentaría un poco el trazo. Ahora ya puedes decir que no creé este diseño para trabajar con una línea tan gruesa, pero quiero mostrarte lo que le pasa a mi resplandor si en realidad incremento tanto el trazo. Se desdibuja por completo y eso es porque el resplandor que diseñé estaba basado en un trazo de ancho de un píxel y aumenté el trazo a cuatro. Las líneas son cuatro veces más gruesas, lo que significa que hay cuatro veces más contenido emitiendo luz en esta comp. Por eso quieres asegurarte de que sabes exactamente lo gruesas quieres que sean tus líneas antes de construir tu resplandor. Porque si de verdad quería que fuera así de grueso, voy a tener que volver atrás y ajustar todas las opacidades e intensidades de todos los efectos que ya pasamos el tiempo adaptando específicamente a un trazo de ancho de un píxel. 7. Uso de efectos incompatibles: Te voy a mostrar muy rápidamente lo que pasa si usas un efecto que no es compatible de 32 bits y cómo arreglarlo. Voy a apagar todos mis brillos excepto el primero, y voy a deshacerme tanto del desenfoque rápido como de la exposición. Después entraré en el Desenfoque y Afilado, y añadiré Desenfoque rápido radial. Notarás que sólo es compatible con 16 bits. Haga doble clic en eso para aplicarlo. Obtenemos un pequeño icono de advertencia. Si subo esto y cambio el zoom de estándar a más brillante para que realmente puedas ver lo que está haciendo, acercaré aquí. Te darás cuenta de que no estamos consiguiendo que ocurra esa misma mezcla brillante a pesar de que nuestra capa está configurada para Agregar. Si vuelvo a cambiar esto a la normalidad, no hay mucha diferencia. Voy a deshacer una vez para volver al modo de mezcla de Agregar. Este efecto estropea nuestra mezcla. Pero si agregara un relleno que es compatible de 32 bits después de ese efecto, entonces podría cambiar el color para ser más brillante en 32 bits. Ahora ya ves que tenemos el brillo de nuevo. Para que esto se vea un poco mejor, podría agregar un Fast Desenfoque antes del Desenfoque Rápido Radial solo para suavizarlo un poco. A lo mejor bajar la cantidad. El brillo podría incluso ser capaz de volver a ser estándar, por lo que es un poco menos intenso. Ahora tenemos estos rayos de luz disparando desde detrás de nuestro letrero. Ahora obviamente porque estamos usando un efecto de relleno, no es preservar los colores originales del letrero. Desafortunadamente, no hay realmente una manera fácil de evitar eso. Pero si lo combinas con todos los demás brillos que ya tenemos, no se ve tan mal. A lo mejor en esta versión no usaríamos los desenfoques angulados que los otros desenfoques no permitieron. Ahora hay otros efectos que son compatibles de 32 bits que podrían haber producido un resultado similar como el Desenfoque Radial CC y el Desenfoque Radial Estándar. Pero solo uso esto como ejemplo. Lo importante a recordar es que si agregas un efecto compatible de 32 bits después del efecto incompatible, puedes devolverlo al espacio de mezcla correcto para que coincida con el resto de tu obra de arte. Ahora que tienes una mejor comprensión de cómo va a funcionar este efecto, puedes terminar tu diseño si aún no lo has hecho, entonces adelante y diviértete haciendo tus propios brillos personalizados. Publica cualquier cosa que quieras presumir u obtener comentarios en la página de tu proyecto y luego pasa al siguiente video. 8. Hacer ajustes: Ahora, quiero ajustar un poco mis colores. Creo que el rojo y el amarillo están un poco pálidos. Yo quiero empujar este rojo para que sea un poco más naranja, por lo que el fuego se parece un poco más al fuego. El amarillo está un poco demasiado pálido, así que quiero aumentar la saturación de eso. Volveré a mi comp fuente, haga clic en el botón “Control de color” y vaya a los Controles de efectos para ello. Entonces abriré el rojo y lo empujaré para que sea un poco naranja. Ahora ese fue un ajuste muy sutil, pero veamos qué impacto tiene en nuestra comp principal. Ahí vas. Se puede ver que marcó una diferencia bastante grande. Si tomo una instantánea de mi diseño presionando este botón aquí mismo, y luego deshago. Ahora volvemos al color rojo. Ahora que tomé una instantánea, puedo hacer clic y mantener pulsado el botón “Mostrar instantánea” para ver la diferencia. Cuando lo suelto, se remonta a mi visión actual. Esta es una gran manera de comparar ajustes. Creo que fui un poco anaranjado demasiado, y sigue un poco pálido. Déjame rehacer pulsando Comando Shift Z o Control Shift Z en una PC. Vuelve a mi fuente y aumenta la saturación haciendo clic y arrastrando en el deslizador de saturación. Golpearé “OK” y volveré a ver qué hace. Eso está más cerca de lo que quiero. Otra cosa que puedo hacer en lugar de cambiar de ida y vuelta entre estas comps para ajustar los colores, es subir aquí mismo a este pequeño icono de candado en los efectos Control. Si hago clic en eso, esto se mantendrá en foco independientemente de en qué comp me meto. Puedo seguir editando estos colores desde mi comp fuente, pesar de que estoy en mi comp principal. Volveré a mi rojo, aumentaré un poco más la saturación y quizá la haga un poco más oscura. Presionaré “OK”. Ahora me gusta el color del rojo, pero no es lo suficientemente brillante. No parece que esté emitiendo luz como lo son el azul o el amarillo. Volveré a mi rojo, y lo que necesito hacer es aumentar el brillo de los canales rojo, verde y azul por igual. Lo que voy a hacer es tomar el primer punto decimal de cada uno de estos valores y agregarle uno. Voy a cambiar el rojo de 0.88 a 0.98, el verde a 0.2, y el azul a 0.1. De esa manera aumenté cada uno en un valor de 0.1. Vamos a golpear “OK”, y ver cómo se actualiza. Se puede ver que es un poco más brillante, pero aún no es lo suficientemente brillante así que volvamos a entrar y sumar dos esta vez. Este será 1.1, éste será 0.4, y éste será 0.3. Eso se ve mucho más brillante. Ahora porque tengo tantas capas de resplandor diferentes afectando el brillo, incrementándolo que mucho hizo una gran diferencia. Ahora se ve un poco pálido otra vez. Es realmente un proceso de ida y vuelta de jugar con el brillo y el valor del color hasta que obtienes lo que quieres. Si tan solo aumentara la saturación de esto, podría llevarla de vuelta a donde la quiero. Sí, creo que eso se ve mejor. Probablemente podría ser empujado un poco más brillante, pero voy a pasar al amarillo. Tomemos ese amarillo y aumentemos la saturación. Eso me parece un poco verde, así que voy a bajar un poco el tono y presionar “OK”. Eso se ve mejor, pero creo que puede ser incluso un poco menos verde. Sí, me gusta la forma en que se ven esos colores. Es así como puedes jugar con los colores para que luzca de la manera que quieras. Recuerda que si uno de tus colores no se ve tan brillante como los demás, empujar los valores rojo, verde y azul más allá de uno es lo que va a hacer que parezca realmente iluminador. Podría empujar esto aún más brillante para conseguir una mirada más dramática. Obviamente, eso fue demasiado, pero así es como puedes controlar la intensidad de tus colores sin tener que ajustar las exposiciones y curvas individuales que establecemos para cada una de las capas de resplandor. 9. Pequeños detalles: En este punto, mi diseño está hecho, mi resplandor está construido. Pero antes de pasar a la animación, quiero agregar algunos pequeños detalles que empujarán este diseño a ser un poco más único. El primer detalle que quiero añadir es probablemente el más obvio. Cuando piensas en signos de neón, mayoría de las veces piensas en un parpadeo. Eso ayudará a dar vida a este diseño antes de que incluso hagamos alguna animación. Entonces para agregar un parpadeo, voy a volver a mi fuente de neón, y voy a hacer una nueva capa de ajuste yendo a “Capa”, “Nueva”, “Capa de ajuste”. Entonces me aseguraré de que esté en la parte superior de mi pila de capas, y me acercaré a los efectos y presets y teclear en exposición, agregará la exposición a la Capa de Ajuste y renombrará esta capa “Flicker”. Ahora vamos a añadir algunas expresiones a este efecto. Por lo tanto, presiona “E” para mostrar los efectos, gira hacia abajo Exposición, gira hacia abajo Maestro, y agregaremos una expresión al valor de exposición. Lo haré manteniendo pulsado “Opción” o “Alt” en PC, y haciendo clic en el cronómetro. Esto nos permitirá escribir una expresión, y escribiré paréntesis de mudanza, 3, 10, paréntesis. Entonces haré clic en “Off”. Ahora nuestro trabajo desapareció. ¿Por qué es eso? Es porque esta expresión está diciendo, aleatorizar este valor tres veces por segundo por un valor de 10. Si RAM previsualizo el primer segundo de esto, se puede ver lo que está pasando. Se está aleatorizando la exposición tres veces en este segundo por un valor de 10. Ahora un valor de 10 es enorme para la propiedad de exposición. Lo que necesito hacer es derribar eso a algo así como uno. Déjame ajustar esta expresión, y ahora puedes ver que el parpadeo es mucho más sutil, pero está sucediendo mucho más lento de lo que yo quiero. Voy a aumentar el primer valor, que es el número de veces que esta propiedad se ajusta por segundo de 3-15. Ahora ese parpadeo es mucho más la velocidad que busco, pero creo que el valor se está ajustando es demasiado. Voy a cambiar esto de 1-0.5 y ver qué hace eso. Eso es mejor, pero creo que probablemente aún sea un poco demasiado dramático. Voy a bajar eso a 0.25. Podría incluso ser un poco difícil para ti ver en este punto, pero queremos que este efecto sea realmente sutil, y una vez que volvamos a nuestra comp principal, será mucho más evidente. Volvamos a esa comp y previsualicemos cómo se ve aquí. Ahora puedes ver que esto está tardando mucho más en procesarse, y eso se debe a que tiene que renderizar cada una de estas capas de resplandor una encima de la otra para cada fotograma porque ese valor de exposición en el Flicker La capa de ajuste está cambiando todo en cada fotograma. Tardará un poco más en previsualizar, pero el resultado final debería verse bastante bien. Ahí vas. Tenemos una señal parpadeante. Todavía podría ser un poco más de lo que necesito, pero esa es una decisión que puedes tomar. Incluso ahora puedo decir que este amplio resplandor es un poco demasiado intenso, así que voy a derribar eso a 25 por ciento de opacidad. Creo que eso está funcionando un poco mejor. Ahora que tenemos nuestro parpadeo, agreguemos algo de textura usando grano. Haré una nueva capa de ajuste yendo a “Capa”, “Nueva”, “ Capa de ajuste”, y renombrando este “Grano”. Ahora una forma de hacerlo es agregando ruido, que es compatible con 32 bits. Haré doble clic en eso y luego aumentaré el ruido hasta que sea del tamaño que quiero que se vea. Si acerco aquí, puedes ver cómo eso está afectando al diseño. Lo encenderé y apagaré. Simplemente agrego algo de textura para que el diseño se vea un poco más orgánico. Puedo apagar la parte coloreada del ruido, así que no está afectando a ninguno de los colores, y puedo aumentar el ruido, pero eso es todo lo que puedo hacer con este efecto. No tiene nada de malo este filtro de ruido, pero hay un gran pequeño preajuste de video copilot.net llamado fast film grain. Pondré un enlace para descargar este preset gratuito en las notas de este video. Eliminaré el ruido que acabo de agregar, y luego haga doble clic en grano de película rápida. Ahora por defecto, así es como se ve el grano, así que necesito cambiar el modo de mezcla de normal a superposición. Ahora eso es mezclar el grano encima del diseño. Ahora cualquiera de los efectos de este preajuste que comienzan con fx necesita mantenerse como están, para que puedas ignorarlos. Simplemente colapsaré cualquiera de los efectos que tengan efectos frente a ella, y nos quedan estos controles. Esto está usando el efecto de ruido igual que antes. Probablemente baje eso solo un poquito, y luego hay una cantidad borrosa, que controla lo suave que es el grano. Probablemente bajaré eso a 0.15. Es un poco más aguerrido. Todos estos efectos trabajando juntos producen algunos granos de película de aspecto más natural. Estoy bastante contento con la forma en que se ve. Ahora, si previsualizamos esto, se puede ver que hay textura en cada fotograma. Podría ser un poco difícil de ver a través de esta grabación, pero si echas un vistazo a mi página de proyecto, verás que está ahí. Ahora si me vuelvo, porque mi fondo es un gradiente, ya tengo una viñeta natural sucediendo, por lo que es más oscuro alrededor del exterior que en el interior. Pero solo para poder mostrarte cómo hacer una viñeta, voy a seguir adelante y establecer el fondo para que sea un color sólido. Volveré a hacer ese azul oscuro, púrpuro. Ahora haré otra capa de ajuste, “Capa”, “Nueva”, “Capa de ajuste”, y en la parte superior renombraré este “Viñeta”. Entonces voy a añadir una exposición. Baje la exposición, tal vez disminuya la gamma. Voy a mover esta capa por debajo del grano, para que el grano esté afectando todo, y debido a que esta viñeta está afectando todo el diseño, necesito agregar una máscara, para que solo esté afectando al exterior. Voy a subir a mis “Herramientas de máscara” e ir a la “Herramienta de elipse”, luego dar clic en el centro de la comp y arrastrar. Entonces sostendré Shift para que sea un círculo perfecto y Comando o Control en una PC para escalarlo desde el centro. Yo lo haré de este tamaño. En la capa de viñeta, se puede ver que la máscara 1 ya se ha abierto. Cambiaré Añadir a Restar, para que invierta la máscara. Después presionaré “F” en el teclado para subir la pluma de la máscara, y luego manivela esto para que la máscara sea mucho más suave. Después haré clic en este pequeño ícono para desactivar la visibilidad de la máscara. Entonces colapsaré esta máscara y la abriré, para poder ver todos los controles y cambiar la Expansión de Máscara para empujar el ajuste más allá a las esquinas de la comp. Es así como se puede hacer una viñeta. Desde aquí, puedes ajustar la exposición a tu gusto. Seguiré adelante y bloquearé estas dos capas, para que no las ajuste accidentalmente. Ahora mismo, todas mis luces están encendidas, pero una vez que lleguemos a la animación, las luces van a estar encendidas y apagadas. Si fuera a entrar en mi comp fuente y luego apagar un par de las capas y luego volver a mi comp principal, esas bombillas desaparecen por completo. Aunque no quiero que desaparezcan. Yo quiero que parezca que hay una bombilla de neón ahí que simplemente no está siendo iluminada. Lo que necesito hacer es duplicar mi capa de origen. Bajaré a ello y presionaré “Comando D” o “Control D” en un PC y renombraré este “Bulbo”. Lo moveré por debajo de la fuente, y lo voy a solista en las capas de fondo. Ahora quiero que parezca que estas bombillas están apagadas. Añadiré un efecto de exposición a esta capa. Voy a bajar la Exposición, y luego voy a subir la gamma, lo que desaturará la capa. Sigue bajando eso hasta justo ahí. Ves, ahí es donde empezamos a perder toda la iluminación de la bombilla. Todavía está un poco saturado, así que voy a aumentar un poco la gamma. Creo que eso se ve bastante bien. Ahora esto podría ser extremadamente difícil de ver para ti. En realidad voy a agregar una nueva capa sólida que es sólo un color gris, para que podamos ver qué está pasando. Si vuelvo a apagar esta exposición, ya ves que recuperamos nuestro color. Eso es lo que está haciendo el ajuste de exposición. Voy a acercarme aún más aquí, y lo que quiero hacer es en realidad aumentar un poco el grosor de estas líneas. Pero no puedo hacerlo yendo a la fuente y aumentando el tamaño del trazo, porque eso también afectará a todas las capas de resplandor. En cambio, voy a llegar a mis efectos y tipear en estrangulamiento. Entonces voy a añadir el efecto Gargantilla Simple. Si lo llevo a un valor negativo, en realidad se pone un poco más grueso. Ahora bien, no quiero hacer esto por mucho. Apenas por ahí probablemente esté bien. Hace que las bombillas sean un poco más gruesas, lo que nos permitirá agregarle algo de profundidad. En la capa de bombilla, ve a “Estilos de capa”, y baja a “Biselado y relieve”. Se puede ver que eso agregó algo de sombreado a mi diseño. Ahora en su defecto, no está configurado de la manera en que lo quiero. Necesito bajar a mis estilos de capa, girar hacia abajo Bisel y Emboss, y lo primero que quiero hacer es cambiar el ángulo. Ahora mismo la luz viene un poco de la izquierda, pero quiero que venga de arriba y abajo. Cambiaré el valor del ángulo a 90 grados. Ahora ese resaltado está directamente encima de nuestro diseño, entonces podemos cambiar la altitud para que aparezca como si la fuente de luz estuviera más alejada de las bombillas. Entonces voy a bajar el tamaño sólo un poquito. Para ajustarlo por pequeña cantidad, estoy manteniendo pulsado Comando o Control en una PC mientras hago clic y arrastrando. Después me desplazaré un poco más hacia abajo, y bajaré la opacidad del resaltado. No quiero que este sea un efecto muy dramático. Yo quiero que sea muy sutil agregar solo un poco de profundidad para cuando las luces estén apagadas. Pero no quiero que se distraiga del resto del diseño. Creo que la sombra se ve bastante bien. Si apago esto y vuelvo a encenderlo, se puede ver que estamos más o menos agregando un punto culminante, pero eso es exactamente lo que quería. Voy a alejar el zoom, colapsar esta capa, eliminar ese sólido gris, y ahora puedes ver qué está haciendo eso. Al mirar esto con el fondo oscuro, creo que ese resaltado sigue siendo un poco demasiado fuerte. Voy a volver a entrar en la bombilla, desplazarme hacia abajo hasta la opacidad del resaltado, y bajarla aún más. Ahí vamos. Si enciendo y apagando esto, se puede ver que es muy sutil, pero añade mucha profundidad. Ahora otra cosa que podría hacer es en realidad agregar una sombra de gota a esta capa de bombilla. Escribiré en drop shadow, cambiaré la dirección de 135-180, así que viene directamente hacia abajo. Si vengo a este pequeño control al final aquí, puedo aumentar temporalmente la exposición del espectador sin afectar nada en la fuente. Todo lo que tengo que hacer es hacer clic en este botón para apagarlo o volver a encenderlo. Eso es muy útil para cuando necesitas ver mejor las cosas. La sombra es un poco demasiado afilada. Yo quiero aumentar la suavidad apenas un poquito. la vuelta hacia abajo la opacidad, porque quiero que este efecto sea igual de sutil. Entonces bajaré la distancia a tal vez tres. y encendiendo eso, se puede ver cómo se ve eso. Restablecer la exposición. Creo que eso se ve bastante bien. Puedo desmontar estas dos capas. Obviamente ahora no vemos la bombilla, porque todas las luces están encendidas. Pero una vez que nos metamos en la animación, esa capa va a ser muy útil para vender este efecto. Otra cosa importante a tomar nota es que he estado trabajando a plena resolución todo este tiempo, y generalmente trabajando en bastante cerca. Eso se debe a que la forma en que toda esta luz se está mezclando se ve de manera diferente en diferentes resoluciones. Si estás renderizando a resolución completa, verás una representación exacta de cómo se va a exportar esto. Pero si estás trabajando a la mitad, puedes ver que la luz se está mezclando un poco diferente, el grano se ve mucho más grande, y si fueras a retroceder esto a cuarto, ni siquiera parece el mismo resplandor. Te recomiendo encarecidamente que trabajes a plena resolución porque aunque te lleve más tiempo previsualizar, realmente no vas a poder ver una representación exacta de la final en cualquier otra resolución. Recuerda acercar al 100 por ciento también porque a veces mirar algo desde más lejos, porque a veces mirar algo desde más lejos,tampoco te da una muy buena representación de cómo se verá al final. En este punto, puedes diseñar tu propio resplandor, experimentar con diferentes efectos, jugar con cosas y simplemente divertirte construyendo tu propio resplandor de señal de neón personalizado. Publica algunos ejemplos de lo que te ocurrió en la página de tu proyecto, luego pasa a la siguiente unidad donde empezaremos a animar el diseño. 10. ¿Qué son los fotogramas clave Hold?: Entonces la forma en que quiero animar mi signo es encendiendo y apagando las bombillas, y la forma en que voy a estar haciendo esto es usando keyframes hold. He configurado una pequeña demo para explicar exactamente qué es un fotograma clave de espera, si acaso nunca lo has encontrado antes. Aquí tengo tres círculos diferentes, todos tienen fotogramas clave con valores de posición x iguales que se mueven a través de la pantalla y hacia atrás. Pero cada capa tiene su propio tipo de fotograma clave, que determina cómo las secuelas interpolan la animación entre los fotogramas clave. Déjame retocar esto para que veas de lo que estoy hablando. Todos estos fotogramas clave tienen exactamente los mismos valores, pero debido a que el tipo de fotograma clave es diferente, se animan de manera diferente. Por lo que esta primera capa tiene fotogramas clave lineales. Eso significa que no hay flexibilización en absoluto. Es solo de ida y vuelta, igual interpolación entre cada fotograma clave, y hace que esta animación sea bastante aburrida. El siguiente tipo de fotograma clave es un fotograma clave relajado. Se puede ver que eso hace que el movimiento sea mucho más suave. Ahora si revisas mi clase animando con facilidad, te enseño todo sobre cómo aliviar tus fotogramas clave usando el editor de gráficos, pero no voy a meterme en eso ahora. Entonces por fin tenemos hold keyframes los cuales se verán así. En este tercer círculo se puede ver que no hay movimiento entre los fotogramas clave. Es justo aquí y después allá, y luego de vuelta. No hay animación en medio. Si paro la reproducción y voy al primer fotograma. Se puede ver que todos los círculos se alinean en la exposición. Si voy al segundo fotograma clave, todos los círculos se alinean en ese lado de la pantalla. Después yendo al tercer fotograma clave, están de nuevo de este lado, todo en el mismo valor de posición. La única diferencia es lo que está pasando entre los fotogramas clave. Entonces si fuera a despegar los fotogramas clave de retención de este círculo en la posición x y presionar T para subir la opacidad, y luego establecer un fotograma clave en un 100 por ciento, vaya a la segunda posición de fotograma clave presionando K en el para saltar al siguiente fotograma clave, cambiar el valor a cero, y luego ir al tercer fotograma clave y cambiarlo de nuevo a 100. Ahora tengo tres fotogramas clave de opacidad. Si previsuo eso, el círculo se desvanece y vuelve a entrar. Pero si fuera a convertir estos fotogramas clave de lineales a mantener fotogramas clave haciendo clic derecho en el fotograma clave e ir a conmutar mantener fotograma clave, entonces previsualizar, se puede ver que no hay valores intermedios entre un 100 por ciento y cero por ciento. Simplemente se enciende y se apaga. Es así como vamos a animar las bombillas encendidas y apagadas para nuestro letrero de neón. 11. Organización: Si vuelvo a mi Neon-Source y hago algo más de espacio en la línea de tiempo para animar, reposicionaré esta obra para poder ver la mayor parte de ella. Voy a empezar bloqueando la capa de Flicker para no hacer clic accidentalmente y agarrarla. Después me desplazaré hacia abajo, agarraré la capa inferior de la ilustración, presionaré T para abrir la opacidad, estableceré un fotograma clave, luego haga clic con el botón derecho y vaya a Alternar Mantener el fotograma clave. O la forma más corta de alternar mantener el fotograma clave es manteniendo presionado Opción y Comando en un Mac o ALT y Control en un PC y luego haciendo clic en el fotograma clave y eso lo convierte en un fotograma clave completo. Entonces voy a copiar este fotograma clave, seleccionar todas las demás capas de ilustraciones, y pegar. De esa forma, todos tienen fotogramas clave de retención establecidos en 100 por ciento. Entonces si fuera a ir a decir, un segundo y cambiar la opacidad de cualquiera de estos a cero un segundo fotograma clave de retención se agrega automáticamente. Entonces deshacer eso, y esto sólo me da un punto de partida. Ahora, quiero hacer un poco de limpieza. Ya no quiero ver mi ilustración de Illustrator, pero quiero mantenerla ahí por si acaso alguna vez necesite volver a ella como referencia o para recrear mis contornos. Seleccionaré todos esos y pincharé en el icono de capa tímida. Entonces ocultaré las capas shied haciendo clic en este ícono aquí mismo. Ahora, puedes ver que desaparecen de la vista. Todavía están ahí, pero ya no está abarrotando mis capas. Sólo por buena medida, voy a seguir adelante y bloquear el Control de Color. Entonces solo quiero hacer un poco de limpieza de capas. Algunos de los nombres de capas no son lo suficientemente descriptivos, así que voy a seguir adelante y cambiar el nombre de algunas de estas. Entonces como cada una de estas capas son de su propio color, voy a seguir adelante y codificar el color las capas en mi línea de tiempo sólo para que sea visualmente fácil decir qué capas son de qué color. Empezaré con contornos, son rojos, así que cambiaré el color de azul a rojo. En líneas también son rojas, rojas. Las Espátula son azules, así que creo que voy a hacer un cian. Algunas de las Llamas son amarillas. Los textos de las hamburguesas son azules, azules, amarillos, amarillos. Ahora, podemos escoger fácilmente los diferentes colores en mi línea de tiempo. Ahora, quiero agrupar todos los colores juntos. Daré click en este rojo y diré “Seleccionar grupo de etiquetas” y eso seleccionará todas las capas que tengan el color de etiqueta roja y luego las arrastraré aquí abajo para que estén todas agrupadas. Haré lo mismo por los otros colores. Así como así, tengo todas mis capas bonitas y organizadas, nombradas adecuadamente, y fáciles de manejar. 12. Trabajo para preparación final: Quiero iniciar mi animación con sólo la línea roja de Bob la espátula y la hamburguesa encendida, todo lo demás se puede apagar. Ve al primer fotograma y ve a la primera capa que quiero apagar, y no quiero olvidarme de las capas que he deshabilitado. Deberían tener el marco clave que pegué en todo lo demás, así que eso está bien. En realidad quiero dejar el primer fotograma clave de todas estas capas al 100 por ciento, y volveré al porqué en tan solo un poquito. Para evitar que cambie cualquiera de esos fotogramas clave del 100 por ciento, avanzaré 10 fotogramas manteniendo presionada la tecla “Shift” y presionando “Page Down” en el teclado para saltar 10 fotogramas hacia adelante. Entonces cambiaré la opacidad de esta primera capa de soltero de 100 a 0, y podemos ver que eso efectivamente apagó la capa. Entonces copiaré ese marco clave y pegaré todo lo demás que quiero apagar, que para el primer marco será todo excepto la hamburguesa, la primera espátula, y el rojo en línea del texto para Bob's. Seleccionaré todo lo demás que pueda, pegue, haga eso aquí arriba también, asegurándose de no tener esa espátula seleccionada. Algunas de estas cosas sólo tendré que seleccionar en la paleta Capas y luego pegar. No quiero olvidar estos, yo también pegaré ahí, y eso es lo que nos queda. Si volvemos a nuestra comp principal, se puede ver así es como se ve el diseño. Ahora notarás que nuestra capa de bombilla no aparece, y eso se debe a que se basa exactamente en la misma comp que todas las demás capas. Porque están apagados aquí, la capa de bombilla tampoco tiene nada que aparezca. Ahora es por ello que dejamos los valores de opacidad del 100 por ciento en el primer fotograma clave de esta comp. Si vuelvo al primer fotograma, todo está encendido. Si hago clic con el botón derecho en esta capa de bombilla, vaya a Tiempo, y luego Congelar fotograma, esto habilitará la reasignación de tiempo y establecerá un marco clave completo para el fotograma en el que estoy seleccionado, que es el primer fotograma de la comp. Ahora si solo esta capa y apago el fondo para que lo veas, no importa donde esté en el comp, esa capa siempre va a mostrar el primer fotograma de la composición, y eso evitará que la capa de bombilla se apague, pesar de que la luz de la comp principal se está encendiendo y apagando. Si vuelvo a adelantar 10 fotogramas, así volvemos al otro valor, ahora podemos ver la capa de bombilla para las porciones del letrero que están apagadas. Ahora que puedo verlo, creo que es un poco demasiado dramático. Entonces en realidad voy a bajar la opacidad de esa capa. Voy a derribar esto hasta que sea mucho más sutil, no demasiado sutil, suficiente para que puedas decir que está ahí, pero no tanto que te esté quitando de tu diseño. Creo que eso se ve bastante bien. Genial. Ahora podemos volver a la comp fuente y continuar nuestra animación. 13. Animación de neón tradicional: Ahora, la forma en que enciendes y apaga tus bombillas es enteramente tu elección. El animación es tu propio diseño. Entonces te guiaré por cómo animé mi letrero, pero debes sentirte libre de ser tan creativo como quieras con el tuyo propio. Ahora, sé que quiero que el tiempo entre las bombillas encendidas y apagadas sea parejo. Entonces solo para hacer las cosas simples, voy a espaciar cada cambio de luz por 10 fotogramas y si esa animación termina siendo demasiado lenta, puedo ajustarlo todo más tarde, pero esta es una manera fácil de conseguir que el tiempo se espacie uniformemente. Entonces mantendré pulsada la tecla Mayús y presionaré la página hacia abajo para saltar hacia adelante 10 fotogramas. Entonces quiero encender el azul en línea del texto. Entonces abre la opacidad presionando T en el teclado y cambia el valor de cero a 100, y saltaré 10 fotogramas hacia adelante de nuevo, y encenderé el contorno amarillo para ese texto, cámbialo al 100 por ciento, y luego previsualizar esa animación hasta el momento. Para que puedas ver muy fácilmente con estos fotogramas clave de retención, podemos simular un signo de neón encendiéndose y apagando. Es realmente así de simple. Ahora quiero saltar a la palabra hamburguesas y hacer algo un poco diferente con esa. En lugar de tenerlo solo encienda derecho, quiero hacer dos cosas. En primer lugar, quiero dividir la palabra en dos mitades y luego quiero que parezca que el letrero está teniendo un poco de problemas para encenderse. Cada mitad parpadea por separado. Entonces para empezar, iré al primer fotograma clave para poder ver realmente el texto. Entonces renombraré este Hamburguesas 1 y luego lo duplicaré. Después voy a solo la primera capa, cambiar a mi Herramienta Pluma presionando G en el teclado, hacer clic en uno de los puntos de la segunda mitad de la palabra, luego dibujar una caja alrededor de ella. Presiona Eliminar, borra una vez más y eso se deshace de todo en la segunda mitad. Después desconectaré esa capa y solo la segunda capa y luego seleccionaré la primera mitad de la palabra. Eliminar, eliminar una vez más y me queda sólo con la segunda mitad. Entonces juntos, compone toda la palabra, pero ahora tengo control sobre las dos mitades. Voy a deshacerlos en solitario y quiero que venga la primera mitad de la palabra al mismo tiempo que el azul en línea de la palabra BOB'S. Entonces agarraré esa capa en ese momento y cambiaré la opacidad al 100 por ciento. Entonces iré 10 fotogramas adelante y ahí es donde quiero que se encienda la segunda mitad del cartel. Entonces iré a la opacidad y cambiaré eso al 100 por ciento. Si previsualizo esta animación, ahora tenemos el tiempo correcto, pero quiero que cada mitad del signo parpadeen, y en realidad voy a hacer esto a mano. Es bastante sencillo de hacer. Iré a la primera capa, que empiece al 100 por ciento de opacidad. Entonces en el siguiente cuadro, bájala a algo muy tenue, como el 15 por ciento, por lo que difícilmente lo puedes ver. Entonces iré adelante un fotograma más, voltearé la opacidad pero no todo el camino hasta el 100, algo por ahí, luego volveré a ir un fotograma hacia adelante, bajarlo, pero no tanto como la primera vez para luego ir hacia adelante y ponerlo en 100 por ciento. Ahora si previsualizamos esto, se ve que parpadea. Haré lo mismo con la segunda capa. Empieza en 100 por ciento y avanza un fotograma, bájalo hacia abajo a algo realmente tenue, avanza un fotograma, aumenta, adelanta de nuevo, dimmer, y adelanta un fotograma más, 100 por ciento. Ahora ese signo parpadea en lugar de simplemente encenderse a la perfección, y si quisiera hacer esto un poco más aleatorio, podría extender un poco estos fotogramas clave, agregar un poco más de parpadeo, ajustar los valores. Ser completamente aleatorio suele producir resultados perfectamente buenos, y si volvemos a salir a nuestra comp principal y previsualizar al mismo tiempo, se puede ver que tenemos un parpadeo bastante convincente encendido. Ahora no voy a hacer que te sientas aquí y me veas animar el resto de mi letrero. No se complica más que eso. Usé keyframes hold como este para toda mi animación, y si quieres ver la animación en su conjunto, solo tienes que ir a mi proyecto de muestra donde puedes ver la pieza final. Eso es todo lo que hay a este método para animar un signo de neón tradicionalmente. Entonces si esta es la ruta con la que vas a seguir, sigue adelante y anima tu diseño y publícala en tu página de proyecto. Ahora bien, si te interesa animar las cosas un poco más creativamente, echa un vistazo al siguiente video, donde me meteré en algunas técnicas de animación de neón no tradicionales. 14. Llevar la animación más lejos: hecho de que tengamos este look de letrero de neón construido, no significa que tengamos que apegarnos a una animación tradicional de letreros de neón. Creé mi obra de arte con capas de forma y trazos finos, que en After Effects me permite hacer algunas animaciones de aspecto bastante cool. Por ejemplo, podría hacer que este texto se escribiera, en lugar de parpadear. A pesar de que un signo de neón no se comportaría de esa manera, no estamos obligados por ninguna regla dentro de After Effects. He fusionado este texto de nuevo a una capa, y me he deshecho de todos mis viejos fotogramas clave sobre la transparencia. Déjame girar esta capa abierta y ir a Añadir, Recortar caminos. Ahora si quieres aprender todo sobre los operadores de formas y las capas de formas en general, ve a ver mi clase, The Ultimate Guide to Shape layers en After Effects, donde cubro todo lo que posiblemente podrías querer saber sobre capas de forma y cómo animar con ellas. Si quieres una mirada más profunda sobre cómo hacer escrite-ons, echa un vistazo a mi otra clase, The right Technique, donde te mostré un montón de maneras sobre cómo hacer este tipo de animación. Para este ejemplo, voy a mantenerlo muy simple y solo hacer una simple línea delgada escritura-on. Con mi trayectoria de recorte agregada, abriré, en lugar de terminar fotograma clave, lo moveré hacia adelante 10 fotogramas manteniendo pulsada la tecla Opción-Shift flecha derecha o la flecha Alt-Shift derecha en un PC y luego cambiar el valor de 100 a 0. Voy a previsualizar esa animación, y se puede ver lo que está pasando. Voy a empujar un poco esta segunda clave para un delantero y previsualizarla de nuevo. Ahora todos mis caminos se están recortando al mismo tiempo entre estos dos fotogramas clave lineales, quiero que recorte los caminos para que simula ser escrito a mano. Lo primero que quiero cambiar es de recortar múltiples formas simultáneamente a individualmente. De inmediato, se puede ver que eso recorta un camino a la vez, pero no lo está haciendo en orden y algunas de las letras se están escribiendo al revés. El operador de recortes de recorte funciona con cualquier orden en que se apilen tus caminos. Está empezando con Path 2, que es la u y la r. Si apago la visibilidad del camino, se puede ver que está escribiendo ese uno al revés, pero si me acerco a este ícono aquí mismo, puedo revertir el dirección, ahora está escribiendo en la dirección correcta. Después se mueve hacia el segundo camino, que es esta parte de la B, y luego la larga línea. Ahora, esos dos van en el orden correcto, pero tienen que pasar antes de la u y la r. seleccionaré Caminos 4 y 5, volveré a encender mi visibilidad de camino y se puede ver que esos son los dos caminos que he seleccionado ahora, entonces muévalos a la parte superior. Ahora tenemos la B seguida de la u y la r, y luego el Sendero 6 es esta línea. Ahora quiero que eso suceda segundo a último, justo antes de esta línea, así que lo moveré hacia abajo a la segunda la última posición. Ahora iremos a la Ruta 1, que forma parte de la g, la e, r, y s. el siguiente camino después de ella es la primera parte de la g Voy a mover esa posición arriba en la pila. Ahora tenemos la B, u, r, g, segunda parte de la g, e, r, s, seguida de las dos líneas. Ahora, si presiono u en esa capa para ver los dos fotogramas clave y volver a ejecutar la vista previa, ahora mi texto se está escribiendo en el orden correcto. Pero esa animación entre dos fotogramas clave lineales es un poco aburrida. Voy a seleccionar estos dos fotogramas clave, entra al editor de gráficos. Ahora mismo, estoy editando el gráfico de valores. Seleccionaré ambos fotogramas clave y presionaré F9 en el teclado para agregar facilidad fácil, y luego presionaré Mayús y arrastraré un poco este mango y este hacia fuera también. Eso apenas aumenta la intensidad de la flexibilización entre las dos claves. Nuevamente, si quieres aprender más sobre el editor de gráficos y cómo hacer la flexibilización, comprueba mi clase animando con facilidad en After Effects. Pero se puede ver lo que esto le ha hecho a la animación y mi derecho encendido, hace que la animación sea mucho más dinámica y solo un poco más agradable de mirar. Estoy contento con la forma en que se ve. Pasemos a la palabra Bob's. En realidad voy a cambiar todas mis capas para que sean capas 3D, así puedo animarlas en la posición Z y añadir mucha más profundidad a este diseño. Selecciona toda mi obra de arte y haz clic en la casilla de verificación de capa 3D, y mientras estoy en ello, también voy a activar el desenfoque de movimiento. Después voy a seleccionar las capas del Bob y solarlas, y luego estableceré un fotograma clave de posición manteniendo pulsada Opción o Alt en un PC y presionando la P en el teclado que establecerá un fotograma clave de posición en el momento actual en cada uno de los capas seleccionadas, luego iré al inicio de la animación pulsando Inicio en el teclado, alejar pulsando la tecla Coma, y luego haciendo clic y arrastrando el valor de la posición Z mientras mantiene presionado Shift para aumentar el valor mucho más rápido, y acabaré de retroceder las tres capas hasta que estén completamente fuera de la vista. Después seleccionaré el segundo fotograma clave de cada una de estas capas. Entra en el editor de gráficos y luego manivela por completo la influencia de ese mango de velocidad a la izquierda. Ejecuta previsualización de eso, y ahora puedes ver que el texto vuela desde detrás de la cámara. Ahora voy a compensar las tres capas a tiempo sólo un poquito para que no entren todas a la vez. Mantén pulsado Command or Control en un PC y haz clic en la primera capa para deseleccionarla, luego mueve un poco la segunda para avanzar en el tiempo. Después Comando o Control haga clic en la capa roja y mueva la capa amarilla hacia adelante. Ahora si ejecuté la vista previa, cada una de esas capas viene en una a la vez. Encenderé el desenfoque de movimiento, y eso solo añade un movimiento de aspecto un poco más realista. Vayamos a nuestra comp principal y veamos cómo se ve eso con todos los efectos aplicados. Muy cool, eso suma mucha profundidad a este diseño. Estoy consiguiendo una vibra de los 80 en esto y me gusta mucho eso. Si me detengo en este fotograma aquí mismo y acerco, si miras esta porción de la capa de texto amarilla, incluso el desenfoque de movimiento en 32 bits por canal ayuda a mezclar la luz juntos, y hace que las partes superpuestas de los tres colores diferentes mucho más brillantes que si fuera por su cuenta, como si estuviera aquí fuera. De nuevo, si cambiara esto de 32 bits por canal a ocho bits por canal, así es como se ve, completamente diferente. Sigamos adelante, voy a desmontar en solitario estas capas y la capa azul también. Tenemos la palabra Bob volando y la palabra Hamburguesas montando, que la palabra Burgers va a animar un poco más tarde. Vamos a avanzar eso en el tiempo. Probablemente se va a animar en último, pero podemos preocuparnos por el tiempo una vez que tengamos todo lo demás animado. A continuación, creo que quiero pasar a esta línea interior de los contornos rojos aquí, bajaré a esa capa, que está en líneas, y entraré en ese trazo y presionaré el signo más junto a guiones. Esa línea ahora está discontinua y presionaré el más una vez más para agregar un hueco. Bajaré el tamaño de la brecha a tal vez dos y el guión a dos también, tal vez tres, y luego tal vez bache eso hasta tres también. En realidad, quiero duplicar el ancho del hueco. Ahí vamos, entonces si animo el valor de desplazamiento, ya ves que eso hace que los guiones se muevan, iré al fotograma 1, y diré el fotograma clave en el desplazamiento, restablecerá eso de nuevo a cero, y luego ir hacia adelante tal vez un segundo. Voy a solo esta capa, solo para que no me distraiga, y luego cambiar el offset. Si ejecuto previsualizar esto, se puede ver cómo se ve. Después añadiré unas rutas de recorte a esta capa, estableceré un fotograma clave final y volveré al principio, lo estableceré en cero. Ahora bien, esta capa tiene dos caminos, pero quiero que se recorten al mismo tiempo. Voy a dejar este set a la vez. Si corrí la vista previa, se puede ver cómo se ve eso. Nuevamente, voy a subir los mangos de influencia en el gráfico de velocidad para el valor n. Fácil, fácil estos pulsando F9 en el teclado y luego aumentar la influencia. Entonces estableceré un marco clave para el valor de desplazamiento en cero y volveré al primer fotograma y cambiaré eso en una dirección negativa y veré cómo se ve eso. En realidad sólo para que quede perfectamente claro qué está pasando, me voy a quitar los guiones y los volveremos a agregar en un minuto. El valor de desplazamiento está cambiando donde se están recortando esas dos líneas en función de las Rutas de recorte. Si animo el valor End y el Offset al mismo tiempo, solo agrega un poco más de interés visual. Ya no creo que necesite los guiones, realidad estoy bastante contento con la forma en que se ve. Pero sólo por diversión, voy a tratar de cambiar el valor final para comenzar en 50 por ciento y luego establecer un marco clave de inicio, ponerlo en 50 por ciento, y luego volver a ponerlo a cero en la segunda posición. Después seleccionaré los valores Inicio y Fin, volveré al editor de gráficos, facilmente los facilitaré todos, y luego ajustaré nuevamente los manejadores de velocidad. Si corrí la vista previa, a ver cómo se ve eso. No estoy tan contento con la forma en que se ve eso. Si fuera a quitarme el valor de offset, probablemente se vería un poco mejor, pero me gusta la forma en que funcionaba antes de agregar la animación inicial, así que solo voy a deshacer hasta volver a donde me fue y eso es sólo parte del diseño de movimiento, jugar con algo para ver cómo sería y averiguar qué te gusta. Está bien, voy a deshacer en solitario esa capa, y eso se ve bastante bien. Voy a apagar el desenfoque de movimiento solo para que anterior un poco más rápido por ahora. A continuación, hagamos el contorno de esa capa roja. En realidad voy a copiar las almohadillas de recorte de la capa en línea. A ver cómo se ve eso, tal vez solo esas dos capas. A lo mejor voy a hacer que esta animación sea un poco más larga ya que tiene más que animar. Sí, eso es bastante guay, de esa manera solo estamos agregando un poco más de movimiento. Dessolar esas capas, ver cómo está funcionando todo. Sí, me gusta cómo todo eso se resuelve a la vez. A continuación, hagamos las líneas amarillas, subamos a esa capa, solo ella, agreguemos otra almohadillas de recorte a ésta. Esta vez estableceré un valor de Inicio y Fin en un segundo, volveré al primer fotograma y luego los cambiaré ambos al 50 por ciento, y ahora están todos recortados desde el centro hacia afuera. Entraré en el editor de gráficos y fácilmente estos fotogramas clave y luego aumentaré los valores de influencia, puedes deshacer en solitario esa capa, ver cómo se ve juntos. Eso definitivamente necesita algo más de tiempo, probablemente quiera entrar justo ahí. Preview eso, cool. Siguiente es la hamburguesa, la espátula y las llamas. Voy a seguir adelante con este tema Recortar Paths, está funcionando bien para esta obra de arte, así que solo me voy a quedar con él, moverlo hacia adelante 0-100 fácil facilitar los fotogramas clave, aumentar los valores de influencia. mí me parece bien que recorte todas las almohadillas a la vez, tal vez lo haga desde 50-100 y desde 50-0, así que va desde el centro hacia afuera igual que antes con las líneas amarillas. Claro, sí, me gusta la forma en que se ve eso, me gusta cómo viene del centro hacia afuera en la punta de la espátula ahí. Podría querer que la hamburguesa se ponga al mismo tiempo, así que voy a agarrar ese Recort Paths, copiarlo, bajar a la hamburguesa, que sería la primera, y pegar las almohadillas de recorte en el contenido. Preview eso, creo que esta vez no quiero que vaya desde el centro hacia afuera, así que presiona “U” para subir los fotogramas clave, quita los fotogramas clave Inicio y deja ese conjunto a cero, y luego cambia el Fin a cero y ve qué se ve eso me gusta. Sabes qué, creo que podría cambiar esto de animarlo simultáneamente a individualmente en los caminos. Pero necesito reordenarlos porque no van en el orden que me gusta, así que enciendo estos caminos visibilidad, sí, los dos últimos caminos son los dos primeros que quiero que me recorten. Los moveré hasta la cima de ese grupo, y ahora empieza con el contorno de la hamburguesa y añade los detalles. A lo mejor voy a manivela los mangos de influencia sólo un poquito, es un poco rápido. Sí, creo que eso se ve un poco mejor y no quiero que se encienda exactamente al mismo tiempo que una espátula, así que lo moveré hacia adelante solo unos marcos. De esa manera solo estoy estratificando un poco mi animación, entonces todo lo que queda son las llamas, así que seleccionaré esas dos capas, solo ellas y de nuevo, añadiremos un Recorte Paths. Establezca el primer fotograma clave en 50 tanto en los valores Inicio como Fin, avance tal vez 20 fotogramas, ajuste el Inicio a cero y el Fin a 100. Ahora mismo está recortando de arriba hacia abajo, pero me gustaría que fuera en la dirección opuesta. Todo lo que tengo que hacer es cambiar el valor de desplazamiento de cero a 180, así que vamos a escribir 180 y ahora los Caminos se están recortando en la dirección opuesta. Esta vez sólo voy a agarrar los dos segundos fotogramas clave y aliviar ambos. Arranca la influencia para que la animación pase bastante rápido, y voy a subir eso aún más. Aquí vamos, y me gusta la forma en que eso funcionó así que voy a copiar y pegar ese Recortar Caminos del amarillo al rojo. Mueve el rojo hacia adelante solo un poquito y mira dónde estaba el inicio del amarillo, ahí es donde pondré el arranque del rojo. Yo quiero que esa llama roja se encuentre justo en la punta de este punto. El motivo por el que no está sucediendo es porque el punto central de ese camino no está exactamente en ese extremo. Simplemente entraré en mis Recortes de Trim y cambiaré un poco el offset para que termine justo donde lo quiera. Perfecto, voy a empujar la capa amarilla hacia adelante en el tiempo solo un poco para que no se encienda exactamente al mismo tiempo que el rojo, sí, eso me gusta. Ahora, voy a hacer algo un poco diferente y voy a añadir otro operador llamado Wiggle Paths aquí mismo. Ahora mismo es un poco demasiado dramático así que voy a entrar en Wiggle Paths, bajar el Tamaño, el Punto a Suavizar y el Detalle hacia abajo. Voy a convertir los Wiggles por segundo a algo alrededor tal vez 10, Correlación debería ser bastante alta, tal vez alrededor de 80 y luego previsualizar. Se puede ver lo que eso le está haciendo a la llama. Ahora, creo que el detalle sigue un poco demasiado alto, así que voy a mantener presionada Apple o Control en un PC y bajar eso, y entonces tal vez aumentar los Wiggles por segundo a 12. Hace un poco más nerviosa, tal vez podría bajar Correlación sólo un poco, cool. Ahora copiaré ese Wiggle Path en la llama amarilla y ahora tengo un poco de llama nerviosa en marcha. Voy a deshacer en solitario esas dos capas y previsualizaré la animación. En realidad la llama viene en camino demasiado pronto, así que voy a agarrar la llama amarilla, la llama roja, y empujarla hacia adelante en el tiempo hasta después de que las Hamburguesas ya comenzaron a dibujar, y entonces el texto de Hamburguesas probablemente podría venir bien sobre ahí, así que voy a mover esa capa hacia atrás, previsualizar la animación. En realidad, creo que puede venir incluso antes, me gusta que todo se resuelva al mismo tiempo, así que realmente quiero que termine justo ahí. Respaldaré esta capa y previsualizaré eso de nuevo. Impresionante, estoy bastante contento con la forma en que se ve eso, veamos cómo se ve eso en la comp principal. Encenderé mi desenfoque de movimiento, regresaré aquí, asegurarme de que el desenfoque de movimiento esté activado. Aleja el zoom para que pueda ver toda la animación y luego previsualizar. Creo que eso se ve impresionante. 15. Pulido: Ahora, solo quiero añadir un poco de movimiento de la cámara 3D y desplazar las capas en el espacio 3D un poco, para darle aún más profundidad. Volveré a mi fuente de neón. El primero que voy a hacer es tomar una instantánea para poder referencia a esto cuando estoy moviendo cosas en el espacio 3D. Tomaré una instantánea, luego cambiaré de mi cámara activa, a la vista personalizada 1, que es una vista de tres cuartos de mi obra de arte. Ahora, quiero agarrar esta capa de hamburguesas y sacarla adelante solo un poco en el espacio de Z, no mucho, solo un poco. Si presiono la P en el teclado, eso levanta la posición, y parece que la llevamos adelante unos 27 píxeles. Yo sólo voy a redondear eso a 30. Entonces tomemos la capa azul en línea de la palabra Bob's. Ahora, ya hemos animado el valor de posición de esta capa. Si presiono P para subir la posición, ahí están los dos fotogramas clave. Ahora bien, si yo sólo agarrara el mango del eje Z y moviera esto hacia adelante, mira que agrega un tercer fotograma clave y afecta mi animación. Quiero asegurarme de que estoy en ese segundo fotograma clave, antes de moverlo para que esté editando el valor de reposo de la posición. En realidad no voy a hacer clic y arrastrar porque sé que quería ser la misma distancia hacia adelante que la palabra hamburguesas. Simplemente daré click en la posición Z para esa capa y tipearé en negativo 30. Ahora, eso termina 30 píxeles más cerca de la cámara. Después agarraremos la capa roja de la palabra Bob's, presionaremos P para que aparezcan los fotogramas clave de posición, vamos al segundo fotograma clave y tecleemos 15 negativo para la posición Z. Está a medio camino entre el azul y el amarillo. Si cambiara a la herramienta de cámara presionando C en el teclado y luego haciendo clic y arrastrando, puedo orbitar alrededor de este texto y se puede ver que hay algún paralaje sucediendo entre esas tres capas. Voy a deshacer, para volver a mi vista de tres cuartos. Entonces quiero agarrar la línea interior de este contorno rojo y moverlo hacia adelante 30 píxeles. Después agarraré la segunda línea, el contorno, y lo moveré hacia adelante 15, luego empujaré hacia atrás la espátula y la hamburguesa hamburguesa 15 píxeles. Ahora, esta vez no puedo simplemente hacer clic y escribir el número, ves que reposiciono ambas capas a la misma posición exacta, en lugar de afectar solo la posición Z, copió el valor de esta primera capa y lo pegó en la segunda capa. Deshacer eso y esta vez haga clic y arrastre hasta que esté a las 15. Al hacer clic y arrastrar, sólo afecta al valor que ha seleccionado. Ahora, la hamburguesa y la espátula, están un poco atrás. Entonces agarraré la parte amarilla de la llama y la moveré hacia adelante, tal vez solo cinco píxeles, luego agarraré la parte roja de la llama y la moveré hacia atrás, tal vez solo 10 píxeles. Ahora, si cambio de nuevo a mi herramienta Cámara presionando C y girando alrededor. Tenemos todas estas diferentes capas al cartel. Creo que quiero revertir la espátula y la hamburguesa. Ahora mismo parece que las hamburguesas detrás la espátula y debe ir al revés. Seleccionaré mi espátula, presionaré P, empujaré 15 píxeles hacia atrás, después agarraré la hamburguesa y la volveré a poner a cero. Eso se ve mejor. Entonces cambiaré de mi vista personalizada de nuevo a mi cámara activa. Si hago clic y sostengo mi instantánea de show, se puede ver que todo está desplazado sólo un poquito, pero honestamente, no es suficiente que me importe. Voy a aprovechar los valores de posición offset en la Comp principal, así que ni siquiera me preocupa. Ahora, necesito una cámara 3D para agregar un poco más de movimiento a esta Comp. Voy a subir a Capa, Nueva, Cámara, me aseguraré de que la cámara de 2 nodos esté seleccionada y el preset de 35 milímetros esté bien. Asegúrate de que habilitado el campo esté apagado y presionaré Ok. Después cambiaré a la herramienta Cámara pulsando C en el teclado, luego pulsaré y arrastraré hacia la derecha, para que pueda colocar la cámara un poco hacia abajo hacia la izquierda de la obra, y la empujaré más arriba para que parezca que nosotros están mirando hacia arriba hacia este signo, y estableceré un fotograma clave de posición presionando la opción P o alt P en un PC, luego lo muevo de nuevo al primer fotograma de la capa manteniendo pulsado shift para que se ajuste a ese primer fotograma, luego haré clic y arrastraré con la herramienta Cámara otra vez para ir al lado opuesto y ver cómo se ve eso. Eso es bastante guay. Creo que podría moverse un poco demasiado lejos, así que voy a retroceder un poco esto en el segundo fotograma clave, y también voy a facilitar entre estos dos puntos y luego mover estos fotogramas clave hacia adelante, para que tome un poco poco antes de que esa cámara despegue y luego gira hacia el otro lado. También quiero empujar un poco en un letrero, así que voy a recorrer recorriendo las herramientas de Cámara presionando C un par de veces más hasta llegar a la herramienta de la pista Z Camera, luego voy a dar clic y arrastrar para empujar la cámara hacia adelante. Ahora bien, no sólo la cámara panorámica de un lado a otro, sino que empuja también. De hecho, lo voy a tirar hacia atrás sólo un poquito en el primer fotograma clave. Eso debería quedar bien, vamos a previsualizar eso. Sí, estoy contento con esa moción. A lo mejor tendré que empezar un poco antes y una cosa que noté es que las tres capas para la palabra Bob realidad vienen en el orden inverso que me gustan. Yo solo quiero intercambiar las posiciones de tiempo de estas dos capas. Voy a mover la capa amarilla al primer fotograma y mover la capa azul al fotograma actual presionando el corchete izquierdo del teclado. Ahora, las tres capas deben entrar en el orden correcto. Eso es genial. Ahora, creo que solo quiero que la espátula, la empanada y las llamas comiencen un poco más en el tiempo. Vienen justo al principio y creo que deberían venir solo un poquito más tarde. Agarré mis llamas, mi espátula, y la hamburguesa, y luego las arrastraré hacia adelante hasta probablemente justo aquí. Vista previa de eso. Genial. Ahora, creo que sólo voy a frenar el movimiento de la cámara alrededor de un segundo, así que toma un poco más de tiempo llegar a ese punto final, y creo que estamos acabados. Está bien. Sí, eso se ve genial. Echemos un vistazo a cómo se ve con todo el resplandor construido. Ahí lo tienes. Estoy bastante contento con la forma en que se ve eso, considerando lo rápido que pude tirarlo juntos. Ojalá esto haga fluir tus jugos creativos para que puedas ver las posibilidades a las que tienes acceso. Puedes aplicar este look de letrero de neón a toneladas de diferentes tipos de animaciones. Porque lo construiste para ser completamente personalizado, es totalmente único para ti y un 100 por ciento abierto a tu propio diseño. 16. Exportación de un video: El último que tenemos que hacer es exportar este video de After Effects a un archivo de video que podemos subir en Vimeo o YouTube para poder compartirlo. Voy a extender mi área de trabajo de comps hasta cinco segundos presionando Enter en el teclado para acoplar el punto de salida del área de trabajo a la hora actual. Entonces llegaré a Composición, Agregar a Cola de Render, haga clic en el texto del Módulo de Salida que dice, “Lossless”, entra en Opciones de Formato, cambia el códec de video a H.264, deja la calidad al 100 por ciento. Marco clave, cada 24 fotogramas. Reordenamiento de fotogramas, dejaré sin marcar, y limitaré la velocidad de datos a 10,000 kilobytes por segundo, y luego presionaré “Ok”. Voy a apagar la salida de audio y presionaré “Ok”. Después voy a dar clic en el “Salida a texto” y elegir dónde quiero ponerlo que para mí sólo lo pondré en el escritorio, luego haré clic en “Render”. Entonces After Effects renderizará cada fotograma y lo compilará en un archivo de película que podemos subir a YouTube o Vimeo. Este proceso va a tomar un tiempo porque construir que brillan en 32 bits por color es bastante intensivo en gráficos, así que no se sorprenda si toma un poco de tiempo exportar incluso solo un clip corto. Ahora si voy a mi escritorio, habrá un archivo de película. Haga doble clic en eso, reproducirlo. Se ve bastante bien. Eso está listo para subir. Si no estás contento con la calidad de tu video, siéntete libre de aumentar la tasa de bits. Si vuelvo aquí y voy a mis opciones de formato, podrías aumentar esta tasa de datos de 10,000-15,000 o incluso 20,000. En clips de vídeo más cortos, no hará que el tamaño del archivo sea mucho más grande. Este es de sólo 6.8 megabytes lo cual es genial para un video de 10 ADP. Estoy bastante contento con la forma en que se ve, así que voy a venir a Vimeo, e iré a Subir tu video. Escogeré un archivo. Si bien eso sube, renombraré esto y golpearé “Guardar” e iré a Video. Entonces incluso antes de que el archivo se termine de procesar, puedo hacer clic en este botón “Compartir” justo aquí y hacer clic en este botón que dice “Mostrar opciones”. Entonces voy a bajar a los Controles y asegurarme de que se revise ese bucle este video, modo que el video continuamente bucle automáticamente. También lo pondré en Autoplay y me voy a quitar estos créditos sólo porque realmente no los necesito para que aparezcan en mi proyecto de participación de habilidades. Me aseguraré de que el ancho del video sea 580 porque ese es el ancho de un proyecto en Skillshare. Entonces me desplazaré de nuevo hasta el código Embled, haga clic en cualquier lugar dentro de él, copiaré, luego vengo en mi proyecto de muestra, y luego haga clic en este botón justo aquí que dice Embed Media. Puedo pegar ese código incrustar en esta ventana y presionar “Submit” y ahí lo tienes. Mi animación es la reproducción automática y el bucle automático dentro de la página del proyecto de Skillshare, y una vez que la versión HD esté terminada de procesar, se actualizará y la calidad será aún mejor. 17. ¡Gracias!: Eso es todo. Muchas gracias por tomar esta clase. Espero que lo hayas disfrutado y que hayas podido aprender algo que antes no sabías. Si tienes alguna pregunta en absoluto, siéntete libre de hacerlas en el hilo de Preguntarme Anything de la página Comunidad. Si deseas recibir comentarios sobre tu proyecto, haz preguntas directamente en la página de tu proyecto. Me encantaría que me dejaras una reseña para esta clase. Siempre estoy tratando de hacer que mi próxima clase sea mejor que la última, así que tus comentarios realmente me ayudan. Si publicas alguno de tus trabajos en redes sociales, asegúrate de etiquetarme @jakeinmotion porque me encanta mostrar trabajo de mis alumnos. Gracias de nuevo por tomar esta clase y nos vemos la próxima vez.