Adobe Premiere Pro: principios de la corrección y gradación de colores

1. Introducción: Hola a todos. Soy Hallease, un narrador y cineasta digital y muchas gracias por revisar mi clase de corrección de color y gradación de color en Adobe Premiere Pro. La cinematografía es uno de mis aspectos favoritos de la producción pero muchas veces la belleza de la toma en realidad viene de la edición, o más bien de la corrección de color y gradación de color que le haces. Aunque me encantaría, no todos podemos permitirnos trabajar con un colorista. No sé de todos ustedes. No sé qué tipo de vida viven todos ustedes, pero no puedo permitirme un colorista, todavía no. Lo vamos a hacer nosotros mismos juntos. A través de esta clase trabajaremos en Premiere Pro para corregir el color y calificar algunos de mis proyectos creativos favoritos y te enseñaré algunos de esos trucos probados y verdaderos que he aprendido a lo largo de los años para equilibrar los tonos de piel y arreglar los errores que cometí mientras filmaba. Todos hemos estado ahí. Todos cometemos errores. Recomendaría esta clase a cualquiera que ya tenga un conocimiento de la interfaz de Premiere Pro y cómo editar videos y esté buscando mejorar sus habilidades creativas. A lo mejor eres un aspirante a cineasta o un nuevo cineasta que se está moviendo hacia la posproducción en tu primer proyecto. Si es así, enhorabuena. También recomendaría esta clase a creadores de contenido que estén listos para expresar más en sus videos y también quieran utilizar color para establecer su marca y estilo personal. Entonces finalmente, también recomendaría esto a editores internos para diferentes empresas, organizaciones también. Si eres nuevo en Premiere Pro y no tienes un conocimiento firme de la interfaz, te recomendaría que tomes mi introducción a la clase Premiere Pro primero antes de volver aquí y tomar esta clase. Sin embargo, para esta clase necesitarás la última versión de Adobe Premiere Pro, así como una conexión a Internet para descargar mi metraje y seguirme a medida que avanzo por las lecciones. No tienes que descargar mi metraje si no quieres, pero definitivamente creo que ayudará a mejorar la experiencia de aprendizaje si lo haces si tienes el espacio en tu computadora, dale una descarga. Otra vez, soy Hallease. Estoy muy emocionada de que tomes esta clase conmigo. Muchas gracias por haberme confiado tu tiempo. Realmente lo agradezco y entremos en esto. 2. PROYECTO DE CLASE: Okie dokie, bienvenido de nuevo. Yo soy Hallease. Tú eres tú. Juntos somos seres vibrantes, coloridos. Hablemos de este proyecto de clase. Para tu proyecto de clase, te voy a dar una escena o dos. Sólo tendrás que descargar el metraje y ver. De mi serie web de comedia, esto podría haber sido un correo electrónico. Vas a corregir el color y calificarlo de color. Vas a ser mi colorista en mi programa. Ahora, el programa ya existe en mi canal de YouTube así que al final de la clase, si quieres ir a ver mi versión del mismo y compararla con la tuya, siéntete libre. Enlazaré al programa en la hoja de recursos, pero también es muy buscable, así que solo puedes buscarlo si quieres. Sin embargo, diviértete con eso. Coloreamos el espectáculo de manera muy simple, pero quiero que explores tu lado colorido con esto, realmente hazlo tuyo. También te voy a dar un vlog de mi canal de YouTube. De nuevo, eso no es color corregido o color gradado. Haré referencia a ambos a lo largo de la clase usando cada uno para reforzar las diferentes lecciones. Nuevamente, te recomiendo que los descargues para que puedas seguirlos a medida que avanzo. Vacía algo de espacio en tu computadora, merece la pena. Hablando de eso, repasemos brevemente la organización de la clase. Primero, repasaremos la interfaz y todas las herramientas en Premiere Pro que estaremos usando. Hablaré sobre el espacio de trabajo Color y todas las formas en que Premiere Pro interpreta el color. Habrá un montón de pepitas en la lección de interfaz, así que podría ser un poco más largo que el resto de las lecciones, pero te animo, por favor, quédate con ello porque las preguntas frecuentes por días, las estoy respondiendo en esa sección. Después pasaremos a los conceptos básicos de corrección de color. Te explicaré cómo leer tus alcances Lumetri luego pasaremos a la gradación de color, al farsi artístico, a las cosas divertidas. También te voy a mostrar como arreglo algunos errores en post tanto como pueda. Mis características favoritas en Premiere Pro para resaltar diferentes tonos de piel. Por último, te mostraré mis presets favoritos en Premiere Pro y cómo crear tus propios presets y lets, lo que puede ser realmente útil para establecer tu propia apariencia como cineasta, creador de contenido, o nuevamente, si trabajas internamente para una organización. Si aún no has descargado el metraje, adelante y hazlo y te veré en la siguiente lección. 3. El espacio de trabajo de colores: Hola a todos y bienvenidos a la primera lección. No vamos a perder el tiempo y saltar directo a las cosas. Asegúrate de tener descargada la última versión de Adobe Premiere Pro y sigue adelante y abre el archivo de proyecto que te envié. Cuando abres tu proyecto, si algo está fuera de línea, simplemente navega hasta él y vuelve a vincular todo. Te voy a mostrar cómo hacerlo muy rápido. Todo lo que vas a hacer es resaltar todas las imágenes, hacer clic con el botón derecho y luego ir a Link Media. Al hacer eso, aparecerá una nueva ventana. Asegúrese de que tiene el nombre de archivo y la extensión del archivo verificados y también asegúrese de que ha vuelto a vincular otros automáticamente. Como puedes ver, ni siquiera me dejó buscar todo, simplemente me volvió a vincular todo automáticamente. Pero solo para asegurarte de que también puedes hacer esto por ti mismo, cuando haga clic en todo y vaya a Link Media, golpearé Localizar y todo lo que necesitas hacer ahora es navegar a donde sea que hayas descargado la carpeta completa que te proporcioné, y seguir la ruta para llegar a donde esté ese primer archivo. Nuevamente ahora mismo, tengo que mostrar solo coincidencias exactas, lo que ayudará a que el proceso de relinte se mueva mucho más rápido. Si me llevara esto, verías todo lo que te he proporcionado en la carpeta de activos. Pero cuando pulsas Mostrar coincidencias exactas, solo muestra el archivo que corresponde exactamente y luego presiona Bien. A partir de ahí, porque le pegué a Relink a otros automáticamente, simplemente lo hizo todo. Nuevamente, si por alguna razón tus cosas están offline, así es como vuelves a vincular todo. Para asegurarnos de que todos estamos trabajando desde el mismo diseño de Premiere Pro, vamos a acercar a la esquina derecha y vayamos al espacio de trabajo Color. Voy a hacer doble clic sobre él. Como puede ver, eso cambia todo el diseño de Premiere Pro para enfocarse en la corrección de color y la gradación de color. Si por alguna razón el tuyo no se parece al mío, solo toca dos veces el color y eso asegurará que vuelva a tu diseño de color original por defecto . Quiero asegurarme de que todos estamos viendo lo mismo a medida que avanzamos por estas lecciones. Otra forma en que también puedes cambiar el espacio de trabajo es subiendo aquí a la esquina superior derecha y golpeando Workspace. Se pueden ver todos los demás espacios de trabajo que se proporcionan. Sin embargo, generalmente solo me concentro en cambiar mis espacios de trabajo de color directamente desde la barra superior. Lo primero que notarás es el panel Lumetri, que está en el lado derecho de la pantalla por aquí. Aquí es donde comenzarás a manipular el color de tu metraje jugando con diferentes parámetros y valores. A lo largo de esta clase, usaremos mucho el panel Lumetri. Si eres manipulador de fotos, photoshop o lightroom con, algunos de estos valores deberían resultarte familiares, especialmente en la sección básica de corrección de color, que está abierta para mí en este momento. Pasando al lado izquierdo de la pantalla, verás el panel Lumetri Scopes. El tuyo podría tener diferentes alcances que los míos, lo cual está perfectamente bien. La forma de ajustarlos para que coincidan es haciendo clic derecho en el panel Lumetri Scope. Normalmente me gusta tener los alcances vectoriales arriba, el desfile, RGB y la forma de onda. Todo eso va a tener sentido a medida que continuemos avanzando por las lecciones, pero adelante y háganlas revisadas ahora para que así puedan ver con qué estamos trabajando y que todos estemos mirando los mismos alcances. Los alcances de Lumetri son importantes porque representan el valor literal de los datos del color y cómo se representan en el marco. Te voy a mostrar a lo que me refiero. Ve a una de las escenas de la serie web y deja que se reproduzca por un momento y observa cómo las formas de onda comienzan a ajustarse en tiempo real durante la reproducción. Escogeré una escena. Vayamos aquí. Gracias. Cuando hiciste algo [inaudible]. Ahora ve a una de las escenas de vlogs y haz lo mismo, reproduce un rato y ve cómo cambian las gráficas y los valores en tu panel Lumetri Scopes. Estos son los datos que usarás para corregir el color y calificar tu metraje a través de las lecciones. Para recapitular, el panel Lumetri es donde cambias los parámetros y los alcances de Lumetri están ahí para mostrarte cómo se interpretan esos cambios. Ahora que conocemos la maquetación, quiero mostrarles algunas formas que premiere interpreta el color. Esta sección te será útil si eres alguien que está empezando a perder con metraje Gamma Logarítmico Alto o metraje de alto rango dinámico, guardar desde tu iPhone, teléfono inteligente o una cámara de mayor calidad. La primera forma en que premiere interpreta el color es a través de sus ajustes de gestión del color, los cuales se encuentran en la configuración del proyecto. Voy a subir a la configuración del proyecto de archivo y presionar General. Aquí en la parte inferior, verás la gestión del color representada y gráficos HDR White Nit es en lo que quiero que te concentres. este momento tengo mentalidad en 300 para poder obtener toda la gama de metraje que capturé. Sin meterse demasiado dentro del béisbol en la tecnología de colores, HLG significa Gamma Logarítmica Alta, esencialmente proporcionando un rango más dinámico cuánto puede alterar el metraje. Para mostrarte a lo que me refiero, ahora voy a cambiar el mío a 100. Se puede ver lo que pasa con mi metraje de HLG. Ya ves ahora es exponencialmente más brillante. Ahora, no se preocupe, todos los datos siguen ahí que disparé. Todo el rango dinámico sigue ahí también. Puedo entrar y volver a bajar la exposición si quiero. Digamos que hago clic aquí y solo quiero volver a bajar la exposición. Puedo, la información sigue ahí. Es justo como premiere decide interpretar el color a partir de los cambios que he realizado. Si has filmado usando HDR en tu teléfono, por ejemplo y lo has traído a Premiere y se veía increíblemente soplado pero cuando lo estás grabando en tu teléfono, se veía bien, es por eso que solo necesitas cambiar tu configuración de administración del color. Déjame seguir adelante y cambiar esto de nuevo a lo que prefiero. Voy a poner mi exposición a cero. De nuevo, parece volado. Voy a llegar a la configuración del proyecto, general y volver a poner esto a 300, que es generalmente en lo que me gusta tener mis ajustes porque suelo filmar metraje HLG. La segunda forma en que Premiere Pro interpreta color es a través de los ajustes de secuencia. Puedes llegar a esos yendo a ajustes de secuencia. Eso te traerá una nueva ventana. Alrededor de la mitad de la caja, verás que el espacio de color de trabajo es Rec 709, que es el formato estándar para cualquier cosa que crearías que vaya directamente a Internet. Recuerda, Adobe Premiere Pro es un software de edición profesional. Tienen algunos espacios de color de trabajo diferentes que puedes elegir, lo que importaría si estás tratando de exportar o trabajar en ciertos tipos de metraje para diferentes medios y diferentes medios. Si quieres hacer geek en los diferentes espacios de color y su importancia, voy a poner algunos enlaces de lectura continuada en la hoja de recursos. Pero por ahora, solo debes saber que Rec 709 es prácticamente el estándar de la industria para cualquier cosa que estés haciendo yendo a plataformas de redes sociales o simplemente viviendo en Internet de alguna manera. Mi última cosa que quiero incluir, si estás usando una Mac, si estás usando una Mac, asegura de dirigirte a la parte superior de tu pantalla e ir a configuración de tu pantalla y asegurarte de que has desactivado el turno de noche y el tono verdadero. Porque eso tenderá a alterar el aspecto de tu pantalla y a agregar más tonalidades anaranjadas o azules dependiendo de la hora del día. No va a ser una representación precisa a tu ojo de lo que estás haciendo, aunque de nuevo, los datos no mienten. Tienes tus alcances de color Lumetri para guiarte. Es mejor si puedes mirarlo en una pantalla que no esté alterada de ninguna manera. Ahora que hemos explorado el espacio de trabajo de color y hemos discutido cómo Premiere Pro interpreta el color a través de varios ajustes, comencemos a corregir el color de algunas imágenes. Te veré en la siguiente lección. 4. Corrección de colores y color automático: Hola y bienvenidos de nuevo, estoy seguro de que la última lección fue un poco aburrida, pero configurar Premiere para el color es importante. Ahora vamos a corregir por color una de las escenas de mi serie web. Sin embargo, antes de comenzar, algunas cosas a tener en cuenta, al comparar el metraje de mi serie web con el metraje de mi vlog, probablemente notes que el metraje de la serie web es mucho más plano y lo desaturan. Eso es porque está filmado en LOG, específicamente S-Log porque uso cámaras Sony para filmar, pero cada marca importante de cámaras tiene su versión de LOG, C-Log para Canon, etc, metraje de LOG es más plano y desaturado. De esa manera podrás obtener aún más rango dinámico y control del color. Cuando grabas en este formato, está específicamente destinado a ser corregido y calificado en color, mientras que el metraje de vlog, es HOG para que puedas dejarlo más o menos si quieres. Adelante y colorea, pero puedes dejarla. ¿Qué es la corrección de color? corrección de color es el acto de corregir el color del metraje, por lo que se ve más o menos neutro y natural a simple vista. Generalmente, no hay nada estilístico en corregir el color, es puramente hacer que se vea normal. Hagámoslo, con la serie web escena 1 abierta, quiero que ahora miren hacia atrás a nuestros alcances Lumetri aquí a la izquierda, y te explicaré algunos valores importantes. Todos no podemos permitirnos costosos monitores calibrados de color, así que por eso usamos los alcances, tus ojos pueden mentirte sobre el color, pero recuerda, los datos no mienten. Las dos cosas que quiero que recuerden son cero y 100 por aquí en el lado izquierdo de cada ámbito. Aquí mismo, cero y 100 y luego en nuestro Desfile RGB, cero y 100. Ténganlos en mente. Si tu gráfica muestra algo pegando a 100, eso es blanco puro y volado. Esencialmente no hay datos ahí, porque la exposición es demasiado alta. Por el contrario, si algo está llegando a cero, eso significa que es negro puro, lo que significa que está tan oscuro que ya no hay datos en ese píxel. Cuando estás corrigiendo el color, ahí es donde vives en el medio aquí te voy a mostrar a lo que me refiero. Tomemos esta toma que tengo en Evelyn ahora mismo y vamos a hacer que golpee 100 y que llegue a cero. Con el disparo resaltado en mi secuencia, ahora voy a ir a mi panel Lumetri Color del lado derecho, y voy a subir la exposición lo más alto que pueda ir, y como pueden ver, cuanto más alto voy, todo está empezando a golpear 100. Pero aun así, a pesar de que subo la exposición hasta el final, todavía estamos obteniendo un poco de información de color. Puedes ver que todavía podemos conseguir un poco el pelo de este personaje también, y todavía estamos obteniendo un poco del pigmento de Evelyn también. Eso te muestra el rango dinámico de este metraje de S-Log, pero en general, podemos decir que esto no es bueno. [Risas] No envíes esto por favor. A menos que tengas una decisión estilística muy fuerte que hayas tomado, entonces adelante y hazlo. Ahora, vamos a la inversa, hazlo en el otro extremo, todo el camino hacia abajo, y puedes ver que en realidad nunca llega a cero. Nuevamente, testimonio del metraje de LOG, como puedes ver no se ha ido del todo, no hemos perdido toda la información. Todavía hay algunos píxeles suficientes para ver que esa camisa es blanca, así sucesivamente y así sucesivamente. Ese es el valor del metraje de S-Log, tienes tanto rango con el que puedes jugar en el frame, y es por eso que generalmente la mayoría de las películas profesionales, programas de televisión, etc, se rodan en algún LOG para que de esa manera puedan tener rango dinámico completo para manipular mucho el color. Todo el color corrige y hace su orden de manera un poco diferente. Honestamente es tu preferencia y gusto, y a medida que trabajes más en el panel Lumetri Color, empezarás a decidir qué cosas quieres hacer primero. Pero generalmente voy en este orden, contraste de exposición, blancos, negros, y luego a partir de ahí me gusta retocar mis reflejos y mis sombras. Me gusta comenzar con el contraste porque esto es metraje de LOG, así que generalmente hay muy poco contraste, y luego lo siguiente que suelo hacer es subir la saturación y todo esto tendrá sentido en un segundo. Nuevamente, estamos a punto de corregir esto por color. Ahora, en lugar de corregir el color cada clip individualmente, suelo trabajar desde una capa de ajuste, modo que de esa manera no estoy copiando y pegando una y otra vez a clips individuales y esencialmente reinventando la rueda cada vez. También me ayuda a no perder mi lugar en el proceso también o accidentalmente poner múltiples configuraciones de panel Lumetri en el mismo clip, lo cual es posible en este programa. Para crear una capa de ajuste, solo tienes que bajar al fondo, todo el camino hasta el fondo aquí hasta el pequeño ícono de Nuevo Elemento, haz clic en él y luego presiona “Capa de Ajuste”. Una vez que se abre la ventana Capa de Ajuste, cualquiera que sea la secuencia que esté activa, por lo general tomará el ancho y la altura de esa secuencia y también la relación de aspecto basada en el tiempo y en píxeles, por lo que generalmente no es necesario cambiar nada de esto simplemente presione “Bien”. Verás ahora que tenemos una nueva capa de ajuste en nuestra carpeta de proyectos. Voy a renombrar esta capa de ajuste, solo para que no me confunda voy a renombrar esta para que sea [NOISE] corrección de color. Para renombrarlo todo lo que hice fue hacer doble clic sobre él para activar eso y luego escribir lo que quiero, presionar “Enter” nuevamente. Ahora otra vez, me gusta trabajar desde capas de ajuste porque así todo lo que haga ahora afectará a todo lo que esté por debajo de la capa de ajuste. Todo lo que es una capa de ajuste, es esencialmente un clip vacío en blanco que puedes manipular y hacerte cosas y todo lo que esté debajo de él se verá afectado. Con mi capa de ajuste resaltada, importante, mi capa de ajuste está resaltada, ahora voy a empezar a corregir el color de toda esta escena, porque es más o menos filmada en esta oficina. Tal vez tengamos que hacer algunos ajustes menores a estos primeros disparos ya que están en un espacio más abierto, pero a partir de esta tercera toma, todo está en el mismo espacio, debería ser más o menos la misma corrección de color y gradación de color. Voy a escoger una sección sí, donde uno de los personajes principales ya está sentado y vamos a partir de ahí. Me gusta comenzar con saturación y contraste porque en general, con metraje de S-Log, es tan plano como puedes ver, todos los datos están justo aquí en el medio que realmente quiero sacar eso más. Voy adelante y hago 150, que como pueden ver entonces ahora estamos empezando a conseguir un poco más de color en el tono de piel de Evelyn, esa es la actriz que está sentada ahí. Entonces lo siguiente que voy es que realmente voy a aumentar mi contraste. Se puede ver lo que está haciendo el contraste, básicamente es expandir el color del marco. Me lo voy a quedar a los 30. Ahora voy a empezar a meterse con el resto de estos ajustes. Algo que voy a mencionar en esta clase es que notarás que realmente no he hecho nada con el balance de blancos. Eso es porque para mí, ya sé que todo esto es más o menos blanco equilibrado correctamente, porque hicimos algunas cosas en cámara. Pero por ejemplo digamos, tienes algunas metraje y quieres asegurarte de que sea blanco equilibrado correctamente, algo que siempre recomiendo que la gente haga es tener un picker de color con ellos y sostenerlo hasta el marco. Yo sostendría esto hasta el fotograma, lo cual hemos hecho simplemente no te proporcioné esas escenas, pero lo hicimos para este metraje y lo que harías entonces es darle este recogedor de color y encontrar donde está el blanco y hacer clic en él. Ahora, acabo de hacer eso porque sé esta oficina es más menos blanca de fondo, pero sé que no está exactamente bien y así pueden ver que agregó un poco más de un toque naranja y un tinte naranja al metraje y se puso un poco verde. Nuevamente, eso es porque esa pared no es en realidad el nivel correcto de blanco y gris que quiere esa cámara. Puedes comprar uno de estos si quieres, pero honestamente, conseguir un trozo de papel blanco y un trozo de papel negro, sujetándolo a la cámara igual de bien. No lo pienses demasiado, en la hoja de recursos, también te voy a dar una opción que es tarjeta de color, así que tiene el blanco, el gris y el negro para ti e increíblemente económico y es como 12 dólares, no una locura. No rompas el banco con eso. De todas formas voy a seguir adelante y ponerlos de nuevo a cero porque de nuevo, ya sé que el balance de blancos más o menos es correcto sobre esto. Empezamos con saturación y contraste. Ahora bien, aquí es cuando suelo empezar a ponerme en exposición. Simplemente mencionando todo en general y así notarás cómo la exposición está cambiando todo lo que estaba más o menos a los 50 y más, solo cambiándolo más. Nos vamos a quedar ahí. Entonces a partir de ahí, por lo general me gusta empezar a meterme con mis blancos y mis negros y realmente quiero que haya algo más negro en esto porque y ver qué es lo que eso es demasiado contraste, pero eso no lo odio. Creo que nos vemos bastante bien quiero bajar un poco los aspectos más destacados. De esa manera puedo sacar el contraste. Otra vez no estoy haciendo nada demasiado loco y como pueden ver, ahí vamos y luego mis sombras, eso era con lo que estaba luchando. Como si estuviéramos perdiendo tanta información. Como pueden ver, tiendo a rebotar mucho. Pero eso es solo porque conozco el orden en el que empiezo y luego empiezo a moverme. A medida que inevitablemente corriges el color y calificas más cosas de color, comenzarás a aprender qué orden te parece bien. Conozco a algunas personas que empiezan a exponerse primero, luego a los blancos, luego a los negros, luego a contrastar. Entonces conozco a otros por los que puedes rebotar como yo. Realmente solo depende de tu estilo así que entra ahí, diviértete con él, pruébalo y también anda con estos en general, solo para ver qué hacen. Me siento bastante bien por lo que estoy viendo aquí creo que se ve lo suficientemente cerca como para ser natural. Estamos empezando a entrar en la preferencia personal. Yo diría mi natural, me gusta tenerlo un poco más saturado que esto, pero por el bien de la lección, esto se siente bastante bien. Nuevamente, el tuyo puede que no se vea exactamente como el mío y eso está bien y eso es porque, como todos interpretan el color de manera diferente, nuestros ojos son todos diferentes. No tengas miedo, diviértete con ello. Tenemos esencialmente color corregido esta escena. Ahora aunque le pase la pasada a mi otra actriz, eso se ve bastante bien aquí, pero su blazer era bastante rojo y así lo estamos consiguiendo, estamos obteniendo un buen color de ella. Esto simplemente se ve bastante natural y neutral. Estoy contento con ello. Ahora que te mostré cómo corregir el color el largo camino, si quieres, de verdad atravesar y cambiar las cosas tú mismo, quiero mostrarte esta ingeniosa herramienta dentro de Premiere Pro llamada Auto Color. Para meterse con ello, vamos a pasar de hecho a una de las escenas de vlogs. En la escena de la serie web notarás que usamos una capa de ajuste porque todo en ese momento se rodó en el mismo espacio, iluminó de la misma manera, el equilibrio de la misma manera, etc. trabajando de manera más inteligente, no más difícil. En el vlog, estoy por todas partes. Aquí no vamos a trabajar desde una capa de ajuste, en realidad solo vamos a trabajar directamente en el clip. Con el clip resaltado, sigamos adelante y golpeemos auto. Verás que el color automático es en realidad este botón automático en la parte superior de la corrección básica en el panel Color Lumetri. Lo que va a hacer es con el poder de Adobe Sensei, que es la IA de Adobe, tomará una mejor conjetura en solo colorearme automáticamente. Aquí vamos. Nuevamente, le disparé a este HLG, así que no debería necesitar mucho trabajo. Pero como puedes ver, siguió adelante e hizo una mejor conjetura basada en lo que vio en el marco. De hecho, puede meterse con este control deslizante de intensidad para llevarlo hacia arriba y hacia abajo más. Cuando haces eso, puedes ver cuánto cambia. Eso es cero agregando nada. Por lo general, comienza a los 50 y luego puedes expandirlo aún más. Me gusta mucho comenzar con auto color porque de nuevo, es un gran punto de partida. No te recomendaría solo colorear auto y seguir moviéndote. Pero hace un trabajo bastante bueno solo tomar una mejor conjetura del marco, darte un punto de partida e ir a partir de ahí. Definitivamente pruébalo con las escenas de vlog. Pero para la serie web , probablemente no va a funcionar demasiado bien. Porque de nuevo, esto se rodó en slog y así hace un trabajo bastante bueno al entender e interpretar el metraje de registro, pero funciona mucho mejor cuando se filma solo en perfiles estándar comunes que no tienen demasiado rango dinámico logarítmico. De hecho voy a hacer un par de cambios menores más basados en lo que veo en la forma de onda. Ya lo sé por mi metraje de HLG, que es como filmé esto. Normalmente me gusta tenerlo a las 01:15 y te darás cuenta una vez que cambie algo, auto, ya no puedo cambiar la intensidad porque ahora necesita resetear y conocer la información en el frame. A partir de aquí ahora, sólo soy yo. Sólo voy a hacer algún ajuste menor como me gusta el contraste, mira, estoy empezando a hacer cosas que prefiero. Me encanta que aparezcan mis negros, y me gusta mucho que mis blancos sean bastante brillantes. Ahí vamos. Ahora ya ves sin embargo, dejé ir el color auto. Yo hice algunos retoques menores boom, me gustó la toma. Aquí es donde empezamos y aquí es donde estamos. Es genial. Ahora que te he mostrado los conceptos básicos de la corrección de color, adelante y empieza a corregir el color de la segunda escena de la serie web que te proporcioné y las escenas de vlogs también, puedes trabajar desde capas de ajuste o corregir el color directamente en el clip es lo que quieras. Una vez que hayas terminado, no olvides guardar tu trabajo, Command S o Control S si estás en una PC y te veré en la siguiente lección donde pasaremos a la gradación de color. Te veré por allá. 5. Gradación de colores y preajustes integrados: Ojalá tengas todo un buen lugar desde la última lección y ahora estás listo para pasar a la gradación de color porque eso es lo que estamos haciendo en esta lección. La gradación de color es cuando comienzas a agregar un aspecto estilístico a tu metraje basado en tu intención artística. Por ejemplo en The Matrix, todo es verde siempre que Neo esté en el espacio matricial. Pero cuando está en el mundo real, los colores son más naturales y más azules. Hay muchos otros ejemplos pero la próxima vez que estés viendo una película, un programa de televisión, notarás el color general y el estilo de la obra. Otro ejemplo es El Loto Blanco, Temporada 1. Es muy anaranjado, casi dolorosamente. Esa es una decisión estilística de grado de color. Sabiendo eso, ¿qué grado de color le darías al espectáculo? Es una comedia en el lugar de trabajo pero sí tenemos estos fallos ocurriendo en ciertos momentos en los que Vanessa se ve abrumada por este épico jefe. Vamos a darle a toda la pieza un aspecto estilístico y luego empujarla aún más con los fallos. Lo primero que voy a hacer es que en realidad voy a crear una nueva capa de ajuste, y este será mi ajuste de grado de color. De nuevo, vamos a bajar aquí en la parte inferior, golpear “Capa de Ajuste”. Nuevamente, todos los ajustes van a coincidir con cualquier secuencia que esté activa y luego vamos a darle a “Bien”. Entonces voy a cambiar esta para que sea mi grado de color. Entonces también en realidad voy a cambiar el color para usar. De esa manera, cuando lo traigo a mi línea de tiempo, simplemente se ve diferente; simplemente es muy obvio qué es qué. Estoy súper organizado. Si ves mi introducción a la clase Premier Pro, entonces ya sabes, organización, estoy obsesionado. Tienes que serlo si quieres ser un buen editor. Etiqueta, hagámoslo algo loco como magenta, súper brillante. En realidad eso está demasiado cerca. Vamos a cambiarlo. Hagámoslo marrón. Ahí, muy diferente. Verás ahora cómo lo he estratificado en su propia pista encima de la corrección de color. Va la corrección de color primero, luego su grado de color. Con esta seleccionada, vamos a adentrarnos en las curvas. Ahora, en una lección posterior, también te voy a mostrar cómo puedes usar las curvas para mejorar los tonos de piel y equilibrar los tonos de piel. Pero nuevamente, este es nuestro grado de color, así que vamos a perder con las curvas cuando hagamos esto. Esta curva superior es el RGB general. Nuevamente, recuerden que tenemos nuestro Desfile RGB, rojo, verde, azul aquí en el lado izquierdo. Si haces clic, puedes comenzar a realizar cambios generales en la apariencia del metraje. Ahora bien, lo que acabo de hacer es una curva en S. Es una curva increíblemente simple que creo que mucha corrección de color, gradación de color comienza con en la línea de base. Tomando los reflejos y potenciándolos hacia arriba y luego tomando las sombras y bajándolos. Notarás cómo esto comienza a agregar un contraste realmente épico a la pieza general. Ahora, con esto, se puede decir que realmente estamos empezando a sacar a colación mucho nuestros aspectos más destacados. Pero a lo mejor queremos que sea oscuro y malhumorado. Siempre podemos bajarlo más. Nuevamente, el mundo es tu ostra porque ahora estamos en gradación de color, no estamos en corrección de color. Realmente todo vale, a lo mejor queremos hacer este espacio un poco más estéril, como si estuviera sin vida, como si fuera terrible estar en esta oficina. Entonces puedo cambiar a mi azul y meterse con mi blues específicamente. A lo mejor traigo el blues específicamente más alto en lo más destacado. Ahora eso empieza a darle todo este tono interesante y le da este matiz azul a todo el look. Lo apagaré para que veas a lo que me refiero. Voy a apagarlo aquí. Aquí es donde empezamos. Esta fue nuestra corrección de color. Ahora aquí es donde estamos. Se siente más azul, más estéril, a lo mejor si subimos un poco el verde también. Notarás cómo cuando lo baje, estoy quitando el verde de la imagen. O puedo empujarla hacia arriba y agregar verde a la imagen. Te darás cuenta que estoy haciendo, ahí vamos, retoques súper menores. Nuevamente, veamos cómo se ve apagada. Aquí es donde empezamos. Aquí es donde estamos ahora. Juguemos un poco y veamos lo que sentimos. Cuando le cortamos ahora, estamos perdiendo algunas cosas. Ella no está volada. Como puedes ver, aún no estamos llegando a 100, así que en realidad no hemos perdido ningún dato. Pero yo diría que está un poco entretenida. Es entonces cuando empezaríamos a hacer cambios específicos. A lo mejor cortaríamos aquí mismo y lo que hice ahí fue solo corté el clip y así ahora puedo hacer cambios separados a este. A lo mejor bajamos lo más destacado para ella. Aquí es donde comienzas a ser específico para cada corte y escena y puedes comenzar a ajustar realmente el diseño general. Pero en general, creo que esto está bien para lo que estamos tratando de hacer. Creo que es bastante bueno porque entonces podemos empezar a meterse con los rojos. Podemos llegar a donde cada vez que le corta a ella, es sólo un poco más roja. Simplemente realza ese blazer rojo que lleva y solo realza mucho más la rabia . De nuevo, puedes hacer lo que quieras. Con esto, el grado de color es una bestia propia asegurándose. Vamos a calmar el rojo y tener todo más o menos donde lo queramos. Quiero potenciar los fallos, estos. Esos fallos que ocurren, en realidad quiero que esos tal vez sean simplemente diferentes, solo raros. Todo lo que hice fue cortar justo donde empiezan los fallos. Aquí están estos tres disparos , déjame acercarme a todos ustedes. Estoy golpeando “Plus” en mi teclado para acercar el zoom. Estos tres disparos de aquí mismo son los fallos. Todo lo que estoy haciendo es que voy a donde empiezan y terminan y estoy creando un corte. Eso sería Command K en una Mac, Control K en una PC para crear un corte. Sólo estoy emparejando. Tengo encendido el chasquido que es la tecla S en tu teclado para encender y apagar chasquido y solo estoy creando cortes ahora donde están cada uno de estos clips. Para esta primera, hagámoslo rabia, [RISA], rabia roja, y también quiero que sea un rojo raro. Entonces reproduciremos, raro. Entonces para este, ya que es el grado de color, también quiero que este no tenga saturación. Todo lo que hice fue subir a la cima aquí, apagar completamente la saturación. Entonces con esta, para la última, quiero que sea de color intenso. Lo que voy a hacer es que voy a ampliar esta curva para ser simplemente una locura. Ahí vamos. Entonces voy a restablecerlo. Ahí vamos. Voy a ampliar esta curva para estar demente. Simplemente haciendo un contraste épico con todo el asunto y luego veamos qué tenemos. ¿Fue eso una falla o fue una falla? ¿Entiende a lo que me refiero? Enhorabuena. Ya has hecho una corrección básica de color y grado de color en una escena de mi serie web. Nuevamente, sigue ajustando, jugando, divirtiéndote con él. Ahora bien, quiero mostrarles algunos de los presets para gradación de color que están integrados en Premier. Como viste, entré las curvas RGB y comencé a jugar con cómo esas curvas se representan a través esos tres colores y luego solo en general con la exposición. Pero hay muchos presets recién integrados en Premier en la pestaña creativa. Ahora voy a tomar todo lo que hice aquí y simplemente quitarlo y restablecer mi grado de color para que no sea otra cosa. Esto es lo que teníamos para nuestro grado de color. Voy a entrar en los controles de efectos de nuestro grado de color y simplemente eliminar lo que he hecho. Volvemos a nuestro estado de corrección de color. Ya no hay nada en nuestro grado de color. Echemos un vistazo a algunos de mis presets favoritos. Nuevamente, todos estos se encuentran en la pestaña creativa del panel Color Lumetri. Esto es genial porque en lugar de tener que intentar crear una decisión estilística desde cero que fue lo que acabo de mostrarte que hice, en realidad puedes usar muchos de los diferentes looks que están disponibles aquí en el panel creativo. Algunos de mis favoritos que creo que vale la pena echarle un vistazo es uno, Gold Rush. Esto es esencialmente el verde azulado y el naranja que si ves alguna película importante desde siempre, la mayoría de ellos tendrán alguna variación de verde azulado y naranja sucediendo. Se puede ver que se sacan los azules y se saca el naranja. También puedes meterte con la intensidad de lo épico que es cualquiera de estos presets. Por ejemplo, con esto, probablemente lo bajaría a tal vez al 40 por ciento. También puedes subir un poco más la vibra. Hay más cosas con las que puedes ajustar y jugar al contenido de tu corazón para obtener realmente un aspecto súper estilístico. Todo lo que hice en este momento fue bajar a 40 la intensidad de la fiebre del oro. Agregué un poco de vibración y luego también subí la saturación solo un poquito. Veamos cómo se ve esto. Sí, y como puedes ver, realmente también resaltó la calidez de su tono de piel. Es como si realmente la calentara, la iluminó, nos dio mucha más profundidad de lo que está pasando en el fondo también. Un grado de color muy agradable, fácil y simple. Aquí está con apagado, encendido. Se puede ver que es esa. Otro que tiendo a disfrutar mucho para mis vlogs en realidad cuando estoy creando contenido en línea es Clean Fuji B. Aquí, va a verse un poco raro. Pero si vengo a nuestro único clip aquí que editamos en uno de los clips de vlog, si vengo aquí y lo agrego, puedes ver por qué me gusta. Fujifilm en el pasado ha sido conocida por agregar un grano verde a sus imágenes. Me gusta mucho usarlo porque realmente realza todo el verde y el follaje. De hecho, esta clase en la que me estás viendo, mi grado de color en ella probablemente sea una variación de Clean Fuji B porque tengo algunas plantas aquí en el fondo y simplemente me encanta cómo saca a relucir los matices de mi tono de piel también. Me gusta mucho. Es sutil. Ya ves lo sutil que es esto, apagándolo y encendiéndolo. Pero es solo un bonito toque final. Otro que realmente disfruto usando, volveremos al show. Pero otro que realmente disfruto usar, ¿es esto incluso un grado de color si se llama Neutral Start? Pero realmente disfruto usando Neutral Start porque realza todo y saca a relucir las saturaciones de tonos y colores de piel, etc. pero simplemente lo hace de una manera muy neutra. Disfruto mucho comenzar con esto, y otra vez, bajarlo a tal vez como 40 por ciento solo para ver qué hace y me gusta mucho. Ahora, hay un montón más de presets incorporados aquí y realmente puedes comenzar a desarrollar tu propia apariencia y estilo. lo mejor tienes tu corrección de color, Entonces te gusta usar Clean Fuji B al 30 por ciento con algún film fade y esto y aquello. Puedes comenzar a construir realmente un look y estilo para ti mismo. Tómate un tiempo y explora todos estos. Los ajustes monocromáticos también son interesantes. Otro que creo que es genial, Blue Intensity. Boom, ahí vamos. Justo lo que había hecho antes, Blue Intensity se lo caer y simplemente lo hizo muy rápido. No necesariamente tenía que saber exactamente con qué meterse aquí en las curvas para lograr el look que quería lograr. Definitivamente, no duermas en los presets creativos que están integrados en Premier Pro. Hay tanto aquí con lo que puedes meterse y realmente comenzar a crear tu propia apariencia de tu metraje. Vamos a mantener esto en Gold Rush porque realmente me encanta Gold Rush. Es uno de mis favoritos. Con todo eso, hemos corregido con éxito el color y el color calificó una escena. Aquí tenemos nuestras dos capas y ya está. Estamos avanzando a través de estas lecciones. No es tan complicado como crees. Dicho eso, sin embargo, siéntete libre de seguir ajustando tu calificación al contenido de tu corazón y cuando estés listo en la siguiente lección, te voy a mostrar cómo me ajusto aún más en las curvas para resaltar tonos de piel y todos los tonos vibrantes que todos tenemos. Te veré por allá. 6. Tonos de piel: Hemos hecho nuestra corrección de color y nuestro grado de color, ahora quiero mostrarte cómo me acerco a los tonos de piel. Esto es técnicamente extensión de la gradación de color y está ligeramente avanzado, pero creo que esto es genial porque realmente te ayudará a aparecer contra tu fondo independientemente del tono de piel que seas. Generalmente cuando estoy empezando a hacer cosas con ajustes de tono de piel, aquí es donde en realidad voy a poner en el propio clip. Así es como me gusta hacerlo. Nuevamente, también puedes hacer otra capa de ajuste y hacer que esa capa de ajuste se llame tonos de piel y solo hacer tus ajustes de tono de piel ahí. Lo que sea que te mantenga organizado para que sepas dónde está sucediendo todo, es el nombre del juego. Sólo recuerda eso. Evelyn está justo aquí y volverás a notar, tengo este clip resaltado específicamente. Ahora lo que quiero hacer es entrar en nuestras curvas. Recuerda, en la última lección con gradación de color, comencé a mostrarte un poco sobre las curvas RGB, pero solo me quedé aquí arriba, la curva general con la que puedes meterte. No bajé aquí a la siguiente sección, que son las curvas de matiz y saturación. Ahora bien, esto puede empezar a parecer un poco épico y confuso, pero aquí está lo que nos vamos a centrar. Sólo nos vamos a centrar en dos. Nos vamos a centrar en matiz vs saturación aquí en la parte superior, y luego vamos a enfocarnos en hue vs luma. Básicamente vamos a aislar aspectos del tono de piel de Evelyn y potenciarlo. Verás esta línea de color igual que con nuestros alcances. Esta es otra representación de color, pero esta va a representar qué colores elegimos con nuestro cuentagotas. Adelante, toma el cuentagotas y encuentra un buen punto de la cara de Evelyn y haz clic ahí. Esto es matiz vs saturación. Eso es con lo que estamos trabajando. Hue es otra palabra para solo los colores. Entonces saturación, cuánto potenciamos ese color específicamente. Piensa en esta gráfica como solo eso. Cuanto más arriba lo tomas, más realza esos colores, más lo bajas, más desatura esos colores. Si lo menciono, y lo que generalmente me gusta hacer con esto es que generalmente me gusta agregar algunos puntos extra y solo estoy haciendo clic, estos son casi como fotogramas clave, pero solo estoy haciendo clic y solo agregando más, en realidad voy a traerlo un poco más allá porque quiero asegurarme de que estamos consiguiendo toda la melanina de Evelyn ahí. Ahí vamos. Verás que es una sutil diferencia. Realmente está haciendo vibrante el tono de Evelyn específicamente. Ahora si me lo llevo, bum, eso es lo que teníamos antes. Ahí es donde estamos ahora. Simplemente le dimos mucha más vida en el marco para este clip específicamente. Eso es genial. Ahora, cuanto más lo levantamos, más satura Evelyn. Podemos ir bastante alto y realmente sacar a relucir su vitalidad en su tono de piel si queremos. Creo que eso es un poco discortante, así que lo voy a volver a bajar y luego a la inversa, ya que esto es matiz vs saturación, si lo bajamos, perdemos todo lo que hay en ese espacio de color, lo perdemos en el marco. Notarás como no sólo se desaturó un poco, sino que incluso un poco del fondo, estamos perdiendo color en la taza, estamos perdiendo color en su reloj. Perdemos mucho. Eso es matiz vs saturación. Puede ser una herramienta realmente genial para afinar el tono de piel de alguien y simplemente saturarlo y hacer que se vea mucho más rica y vibrante. Por el contrario, otra cosa que me gusta hacer es el matiz vs luma. Con hue vs luma, cuando elegimos un color aquí, lo que estamos haciendo ahora es decir cuánta luz queremos en ese color. Verás a lo que me refiero en un segundo. Me encanta usar esto personalmente porque mi estilo cinematográfico, a veces siento que a veces tendré mis luces un poco demasiado brillantes o demasiado cerca de mi cara y así lo tendré realmente golpeando duramente en una sección, mi cara, sobre todo si no tengo luces de alta calidad potencialmente, realmente solo puede ser súper brillante por un lado. Obviamente se quiere arreglar eso en cinematografía. Pero si cometes ese error o si así es como te gusta filmar, entonces así es como puedes calmarlo. Podemos ver que la luz está golpeando justo al lado de Evelyn aquí. Estamos recibiendo un poco de caída. Su parte más brillante de su rostro está aquí, su parte más oscura de su rostro está por aquí porque la luz brilla en su rostro. Lo que quiero hacer es simplemente equilibrarlo y casi darle un mate en toda su cara. Ahí es donde entra hue vs luma, el segundo. Voy a tomar mi cuentagotas y voy a pinchar el lado más brillante de su cara, que para mí creo que es realmente la zona de su mejilla. Sí, y así ves la diferencia. Estamos en esta zona y nos estamos escabulliendo un poquito. No está exactamente alineado. Los colores son un poco más brillantes, lo cual tiene sentido, y sólo voy a bajarlo, un poco con este, un poco va muy lejos. De hecho voy a mejorar solo este lado. No voy a mejorar el otro lado porque puedo decir que se está filtrando en mi saturación lo que he hecho. Sólo voy a hacer un lado. Otra vez, ya ves si vamos demasiado lejos, demasiado, [Risas] la perdemos, y se ve payaso, se ve raro. Pero si solo nos quedamos aquí, apágalo, eso es lo que estaba apagado, encendido. Verás, le acabamos de dar un bonito mate en toda su cara ahora. Ahora bien, esto es algo que en realidad es específico mi estilo de corrección de color y gradación de color. Hago esto en mí mismo mucho para simplemente equilibrar mis tonos generales de piel. Voy a hacer esto en otros temas para mi productora. Si estoy haciendo entrevistas documentales y cosas así, realmente entraré y solo trataré de sacar a relucir la calidez y la vitalidad de los tonos de piel de las personas porque simplemente me gusta mucho eso. Ese es mi estilo. Pero realmente creo que este es un gran truco para cualquiera independientemente de tu tono de piel e independientemente del proyecto que estés haciendo. Porque de la misma manera que lo estoy usando para crear un acabado mate, también puedes usarlo para crear más de un acabado stuart a alguien. Nuevamente, es gradación de color, así que se trata de tu estilo, tus preferencias, tu apariencia. Pero llévate este truco contigo y sigue adelante. Eso es lo que hicimos por Evelyn y a mí me gusta. Siento que tenemos una muy buena idea de su vitalidad general. Siento que se ve como se ve cuando la veo en persona, lo cual me gusta mucho. Hagamos lo mismo por la directora de RRHH también, Kelsey. Encontremos una gran toma de Kelsey, que tenemos, interpreta a nuestro director de RRHH. Ahí vamos. Hagamos lo mismo por ella. Hue vs saturación, voy a hacer click y voy a tratar de encontrar un lugar que pueda decir que está recogiendo con precisión donde está Kelsey. Está en la misma timonera que Evelyn. Veamos qué hace. Voy a sacarlo a colación. ¿La vamos a conseguir? Creo que está un poco apagada. Vamos a traerlo. Veamos aquí. Oh, sí. Muy sutil, pero notarás que ahí le dimos más vida a Kelsey. Se veía un poco sonrojada y ahora, boom, es cálida, más vibrante, lo que de nuevo, técnicamente es la villana del espectáculo, así que a lo mejor queremos eso, a lo mejor queremos que ella no se vea vibrante y feliz. Otra vez, es tu prerrogativa, haz lo que quieras. [Risas] Pero por ahora solo te estoy mostrando cómo funciona en Kelsey. Eso se ve bastante bien. Sí, le dimos más calidez a la piel. Entonces ni siquiera sé si quiero hacerle hue vs luma en ella, pero vamos a ver porque aquí está un poco brillante pero estoy bien con eso, honestamente. Oh, ahora, en realidad eso la está tapando un poco, lo cual me gusta. Notarás como cuando hice esto, nos sumergimos en el color de su blazer. Tenemos que no ir tan profundo. Entonces, también tenemos que decidir que incluso nos guste esto. En realidad estamos recibiendo más de sus labios, lo cual es bonito. No odio eso, estamos obteniendo más realce de su color general de labios, lo cual es genial. Entonces cuando le quitamos esto, sí, calentamos un poco más. Así es como podemos hacer lo mismo con Kelsey. Lo que ahora haría es que pasaría y cada disparo que sea de Kelsey, entonces me pondría eso ahí. Cada toma que está en Evelyn, tomaría sus tonos de piel específicos y se lo pondría. Así es como conseguimos que nuestros actores o nuestro sujeto tengan un tono de piel muy agradable a lo largo del proyecto. Nuevamente, esto es algo divertido con lo que me gusta jugar con todos. Siento que funciona con todos y a la mayoría de la gente suele gustarle la forma en que se ven cuando ven el producto final. Espero que esto ayude. Si eres un creador de contenido, juega con esto contigo mismo en tu próximo video, y si eres un editor interno, tratando de mejorar tus habilidades, mira si puedes mejorar a las personas en tu próximo proyecto documental corporativo usando esto. Como ya viste, hay una miríada de otras curvas con las que puedes jugar. Tómate un tiempo ahora y juega con ellos. Haz justamente eso. Meterse con el matiz vs matiz, perder el tiempo con la luma versus la saturación. A ver qué pasa. No tengas miedo de experimentar. Por eso te di este proyecto. De esa manera no estás usando sobre arruinar tu propia cosa, jugar con la mía, divertirte con ella. En la siguiente lección, te voy a mostrar cómo puedes tomar tus looks únicos que inevitablemente desarrollarás y guardarlos para después. De esa manera no estás perdiendo el tiempo reinventando la rueda cada vez que colores correctamente y calificas de color. Te veré en la siguiente lección. 7. Crear LUTS y preajustes: Bienvenido de nuevo, en esta lección te voy a mostrar cómo crear LUT y presets a partir de tu grado de color y guardarlos para más tarde para que puedas empezar a desarrollar tu propio estilo personal y tal vez una apariencia de marca. Por ejemplo, alguien a quien sigo en redes sociales es Birdspapaya y si miras su contenido en Instagram, no importa lo que sea, siempre es un poco rosa. Ahora bien, probablemente no va a entrar cada vez y marcando eso manualmente, no, lo más probable es que probablemente use una plantilla. Te voy a mostrar dos formas construir una plantilla para ti mismo a la referencia. Crearemos mucho o una tabla de búsqueda y un preset, cada uno tiene diferentes beneficios. Empecemos por crear una LUT primero, digamos que creé un grado de color único para mi metraje y sé que siempre voy a usar ese look porque ahora es mi look característico y sé con certeza siempre lo voy a usar como mi grado de color después de haber corregido el color, solo sé que este es el look. Sigamos adelante y diseñemos algo así, vamos a diseñar algo loco para que realmente veas la diferencia y lo vamos a poner en nuestra capa de grado de color, vamos a abrir esa copia de seguridad. Porque hicimos muchas otras cosas, se ve un poco loco, sólo voy a apagarlo. Tenemos una fiebre del oro en este momento en nuestro grado de color, vamos a golpearlo hasta 100. Sólo vamos a hacer realmente algo loco, añadir alguna película desteñida. También vamos a meternos con algunas curvaturas, aún más, vamos a hacer que sea un momento loco USA aquí, odio eso, es un extraño aspecto de tapete interesante. Hagamos también un poco de Hue vs Hue, hagamos de la chaqueta el color equivocado, solo algo loco para que lo sepas cuando la veas tipo de cosas. Digamos que este estilo loco es el look de Holly ahora. Ahora podemos crear una tabla de consulta o una LUT a partir de todo lo que hemos hecho en este panel Lumetri, en nuestra capa de ajuste de grado de color que construimos. La forma de hacerlo es que irás al menú de hamburguesas aquí mismo, y golpearás cubo de exportación. Al hacer eso, se abrirá una nueva ventana de exportación. Cuando creo LUT o presets, generalmente los guardo mi cuenta de Creative Cloud para que sean fáciles de encontrar y sé dónde están. Tengo una carpeta de plantillas ahí y como puedes ver, también tengo una carpeta LUTs, y ahí tengo como puedes ver todo tipo de cosas, LUT que he comprado etc. llamemos a esta clase verde loca para que así lo sepamos y luego vamos a golpear Guardar. Hicimos todas esas locuras. Ahora lo que voy a hacer es que en realidad voy a ir a los Controles de Efectos y ahora voy a eliminar esto. Voy a eliminar el color Lumetri, todo lo que hemos hecho lo voy a eliminar y ahora volvemos a nuestra corrección de color, ahora no se agrega nada cuando miramos. Ahora, guardamos esa LUT o tabla de búsqueda y ahora podemos simplemente agregarlo encima de nuestro metraje. Lo que haríamos es ir a la creatividad, y luego ir a buscar, e ir a Navegar. A partir de ahí vamos a ir a donde sea que guardé esa plantilla, aquí está justo aquí, clase verde loca, y vamos a dar a abrir. Todo lo que habíamos hecho para eso ya está ahí y esto es realmente genial porque de nuevo, esto te ahorra tiempo. Ahora lo que pasa con las LUT o buscar tablas es que se vuelve un poco difícil editarlas después del hecho, así que generalmente lo que haces con una LUT es que la tienes y luego puedes ajustar la intensidad de dicha LUT. Pero en lo que respecta a pasar y realmente entrar en las curvas y cambiar lo que he hecho, se vuelve muy difícil, así que esa es la lucha con las LUTs en comparación con los presets. Presets, en realidad puedes entrar y ajustar todo lo que hayas hecho de nuevo. Vamos a comandar Z, controlar mucho Z, nos hizo volver a quitar esa LUT que creamos y ahora solo teniendo todos los datos, simplemente deshice mucho hasta que volvimos a donde estábamos. Ahora quiero crear realmente un preset porque digamos que eventualmente, me gusta esto y este es mi punto de partida para mi grado de color pero sé que siempre voy a entrar y quiero realmente hacer ajustes muy específicos, no solo en la intensidad sino en general tal vez bajar el verde o traer el verde o simplemente lo que sea que sea la cosa. Para guardar un preset, que por cierto no es lo mismo que una LUT, volveremos a subir a la cima aquí en Lumetri Color, y luego iremos a Guardar Preset. Esto va a abrir una nueva ventana Guardar preestablecido y nuevamente, llamemos a esta clase de color grado verde. Con el tipo solo vamos a decir escala para que así siempre cubra todo el marco de lo que sea que estemos trabajando. Si quieres poner alguna nota alrededor esto es solo más como datos para ti mismo, adelante, siéntete libre. Pero sólo voy a dejarlo, creo que está bien. Entonces vamos a golpear, bien. Notarás que nada cambió realmente, ¿ a dónde fue nuestro preset? ¿Dónde ahorró? Se guardó en los Efectos, así que si vas a tu pestaña Efectos y si por alguna razón tu pestaña de Efectos no está ahí, dirígete a la ventana en la parte superior y luego resalta los efectos, verás que los presets están aquí. Una vez más, vamos a deshacernos de todo lo que hicimos con esto, vamos a golpear Retrocesos para eliminarlo, todo lo que hicimos. Ahora vamos a ir a Preset, ahí está nuestra clase de color verde grado. Sólo voy a hacer clic y arrastrar esto sobre él y soltarlo y boom, está ahí de nuevo. Pero ahora, te darás cuenta cuando vaya a mirar, ahora ha insertado todos esos parámetros que había construido para crear ese preset. Ahora bien, si quiero entrar y hacer más ajustes, puedo. Esa es la diferencia entre una tabla de consulta y un preset, un preset literalmente cambia todos los valores por ti a lo habías configurado el preset para que así puedas entrar y tener control muy detallado de todo mientras que una LUT o una tabla de búsqueda, es solo una apariencia de cubierta de manta en la que puedes aumentar la intensidad o disminuir el intensidad de. Pero generalmente vas a tener eso como tu base y luego lo que hagas encima es lo que hagas encima de él. Hay pros y contras en cada uno de ellos, personalmente tiendo a usar LUTs más que presets en realidad solo porque he afinado mis LUT, sé cómo filmo, que en realidad no necesito entrar y tener todos estos parámetros agregados, es más o menos va a ser lo que quiero. Pero si eres alguien que realmente quiere el control total todo el tiempo, entonces obtener un ajuste preestablecido a donde quieras y usar presets en su lugar es definitivamente el camino a seguir. medida que avanzas por corrección de color y la gradación de color de mi metraje, si hay looks que realmente te gustan y quieres recordar para futuros proyectos, sigue adelante y crea una LUT o un preset a partir de ellos, para que no tengas que seguir reinventando la rueda cada vez que trabajas en un proyecto. En la siguiente lección, te voy a mostrar cómo enmascarar clips para que puedas corregir el color y equilibrar una sección a la vez. Te veré por allá. 8. enmascaramiento: Vamos a meternos directamente en esto. En esta lección, te voy a mostrar cómo usar máscaras básicas en un clip para corregir el color y matizar ciertas secciones. Te voy a mostrar dos formas diferentes de utilizar máscaras en Premiere Pro. De esa manera podrás aislar tu color Lumetri a una sección de una imagen. Te mostraré cómo hacerlo directamente en un clip y luego también, te mostraré cómo simplemente duplicar ese clip y aislar las cosas que quieras utilizando el efecto de recorte. Vamos a saltar a la secuencia de vlog y llegar a este clip específicamente. Este es un clip de mí hablando de mi día en la Ciudad de México. Te darás cuenta de que estoy bastante subexpuesta aquí. Esto es un vlog, así que no traje ninguna luz conmigo ni nada pero si tratamos de ajustar la exposición para que sea buena para mí, el fondo se sopla y te voy a mostrar a lo que me refiero. Viniendo aquí, rápidamente empezamos a perder el fondo si realmente empezamos a exponer para mí lo cual no es bueno. Al menos para mí, no me gusta. Vamos a crear una máscara a mi alrededor y ajustar solo mi color, luego ajustaremos el fondo. Notarás que estoy bastante subexpuesta y esto es en realidad algo que los cineastas harán si la iluminación no es ideal, pero saben que tienen un poco de rango dinámico dentro del metraje para jugar. Van a subexponer, así que de esa manera más o menos no falte información de la escena más brillante y ojalá no falte demasiada información de la escena más oscura. En este caso, soy yo. Estoy muy subexpuesto pero estamos obteniendo bastante bien todos los antecedentes. La forma en que iría sobre corrección de color y la gradación de color esto es, duplicaría el clip y tengo dos clips uno encima del otro. Para algo como esto, no suelo usar una capa de ajuste. Voy a seguir adelante y corregir el color en el propio clip, pero voy a duplicarlo. Para duplicar un clip, siempre puedes presionar Comando C, Control C, Comando V, Control V para simplemente crear un nuevo clip. Déjalo caer encima del otro, así. Fresco. Pero el atajo para eso, por cierto si quieres es mantener presionada la opción sobre cualquier cosa que esté resaltada y luego simplemente arrastrarla lejos de ella. Crea un duplicado. Atajos de teclado, nombre del juego. Ahora con la capa superior, lo que voy a hacer es que voy a entrar en mis efectos aquí mismo y voy a tomar este efecto y solo agregarlo a la capa superior. Ahora hay que brotar aquí y luego voy a simplemente ir a cosechar. De esa manera lo puedo ver. Voy a apagar esta capa. Ahí vamos. Yo sólo voy a cosechar. El objetivo aquí es cosechar para que sólo pueda verme más o menos. Lo que siempre me gusta hacer con esto es pluma. De esa manera no es demasiado loco lo que he hecho porque verás en un segundo, si no nos echamos plumas, entonces es como una línea dura de lo que está pasando y no quieres eso. He creado mi cosecha muy simple y ahora voy a hacer lo que normalmente haría. Voy a entrar en la corrección básica del color. Sigamos adelante y volvamos a la capa inferior que no tiene recorte ni nada sobre ella. Pero voy a asegurarme de que la capa superior esté resaltada donde está mi recorte y luego simplemente me voy a dar un golpe y voy a encender el alcance de color Lumetri para poder ver lo que estoy haciendo porque los datos no mienten. Ahora solo voy a corregir solo el color para mí y ya verás, déjame tocarlo un poco, así que nuestros colores están a juego. Ahí vamos. Es como, ¿por qué estamos obteniendo los datos ahí? Ahora vamos. Estoy sacando a colación la exposición general, pero estoy bajando a los blancos. De esa manera no obtenemos demasiado de esa outness volada en la espalda así que no es demasiado obvio que en realidad he enmascarado parte del disparo. Apagándolo, esta es nuestra toma original y ahora ahí vamos. Arreglo súper simple, súper básico. Pero ahora es bueno ir y lo que haría entonces es que luego haría mi corrección de color general para esta toma. Entonces traería mi capa de ajuste de corrección de color y de aquí, ahora haría lo que quisiera hacerle a todo el fotograma. O si solo quisiera hacer pequeños ajustes a solo el fondo, entonces entraría en el clip inferior y haría esos retoques menores. A lo mejor ver lo que tienen los antecedentes. Trae eso un poco también. No quiero hacerlo demasiado. perdiendo mucha información. Estamos perdiendo información por esto. Todo esto arriba, eso es lo que se está representando aquí en el encuadre. Pero ya me ves, estoy justo aquí. Estoy bien. Estoy en un buen lugar con el marco. Ya que el tema de esta toma es, mwah, está bien. Creo que eso está perfectamente bien. En general, esa es una manera realmente rápida y fácil de enmascarar. Esa era una forma de hacerlo, donde solo copias el clip hacia arriba, haces lo que quieras hacer, crear un recorte en la parte superior y luego hacer lo que necesites hacer a la capa inferior. Esa es una manera de hacerlo. Otra forma en que puedes hacerlo es manteniendo un solo clip como este pero teniendo múltiples efectos de color Lumetri en tu pestaña Controles de Efectos. Yo personalmente no suelo hacerlo de esta manera porque para mí empieza a resultar confuso pero vamos a darle una oportunidad. En nuestro color Lumetri, ahora mismo con nuestro clip seleccionado, lo tengo resaltado. Voy a simplemente seguir adelante y cambiar a mi alcance para que pueda ver lo que está pasando. Voy a seguir adelante y exponer por mí. De nuevo, estoy representado a todos aquí abajo. Todo esto aquí mismo soy yo. Se puede ver que el rojo de mi jersey está ahí mismo. Voy a seguir adelante y exponer para mí y creo que eso es bastante bueno. Verás cuando vayamos a nuestros controles de efectos , ahí está. Esa es la exposición que hemos hecho por mí. Si me lo llevo, ahí está. Ahora, podemos crear una máscara de justo lo que hemos hecho. Todo lo que tenemos que hacer ahora es darle esta forma o podemos dibujar una máscara también. Si ya has trabajado en productos de Adobe antes, enmascaramiento debería ser bastante familiar para ti. Pero voy a ir con la plaza sólo porque me gusta. Verás ahora nuestra exposición completamente cambiada. Ahora ha relegado los cambios de alcance Lumetri que hicimos a justo lo que hay dentro de esa máscara. A partir de aquí, solo voy a ajustar ahora la máscara para que más o menos solo esté a mi alrededor. Quiero agregarle más puedo. Te darás cuenta de cómo me voy todo el camino fuera del marco. De esa manera cubre todo el asunto y luego podremos jugar a través de esto. me pueden quitar las manos de la máscara pero la forma de moverme es, vamos a empañar mucho. Nuevamente, emplumándose con estas cosas es tu amigo. Vamos a ir a nuestra pluma de máscara aquí y simplemente boom, mira eso, realmente la pluma. Vamos a hacer clic de distancia. Ahora ves en más o menos, ahí vamos. Ahora hemos corregido esta toma para que parezca que está más o menos expuesta correctamente a lo largo de todo el asunto. Entonces una vez más ahora, tomaríamos nuestro corrector de color o grado de color y encima de esto ahora hacemos cambios generales tal vez que queramos hacer, así que tal vez en general, queremos traer la exposición arriba, general queremos subir el contraste, pero siempre estamos comenzando desde la capa base de lo que creamos usando nuestra máscara de nuestro color Lumetri. Esto puede ser de mucha ayuda sobre todo si eres vlogger o si eres alguien que está corriendo tiroteo o un documentalista, por ejemplo. No siempre puedes tener una configuración realmente encantadora y bien iluminada. A veces llegas a correr arma, tienes que seguir la historia. Así es como puedes comenzar a hacer esos ajustes en Premiere Pro para equilibrar las cosas cuando inevitablemente tienes que cambiar las cosas. Enmascarar así, aunque sea primitivamente, puede tener un gran efecto en tu corrección de color y grado. A lo mejor quieres hacer aparecer alguien muerto o desaturado, puedes enmascararlo tal aparecer alguien muerto o desaturado, como lo harías en, digamos, Photoshop y hacer una capa de ajuste a él. Ahora no hay una manera correcta o incorrecta de hacer esto. quería mostrarte dos formas diferentes de hacerlo Sin embargo, quería mostrarte dos formas diferentes de hacerlo porque dependiendo del tipo de toma, una máscara podría funcionar mejor o duplicar el clip en tu línea de tiempo y recortarlo podría funcionar mejor. De cualquier manera, ahora ya sabes ambos. Eres bienvenido. En la siguiente lección, te voy a mostrar una solución para una frustración común al exportar desde una Mac en Premiere Pro. Usuarios de PC, siéntase libre de saltarse. Te veré en la conclusión si lo deseas, pero usuarios de Mac, quédate te veré en la siguiente lección. 9. Exportación de MAC: ¿Se han ido los usuarios de PC? ¿Ellos son? Bueno. Sólo estoy bromeando. En todo caso, son ellos los que están ganando porque no tienen que lidiar con este aspecto de exportar desde una Mac. Bueno para todos ustedes usuarios de PC si se quedaron para esta lección. Si has estado trabajando en Premiere Pro y corrigiste el color y calificas un proyecto en el software y estás usando una Mac, probablemente hayas notado que a veces tu exportación no se ve exactamente igual que mientras estás en el programa. Te voy a decir por qué. Mac realmente exportan de forma nativa en un Gamma diferente que literalmente todos los demás. [Risas] Es frustrante, pero es verdad. Para evitar esa exportación de Gamma diferente, siempre agrego un lote final durante mi exportación. Esta luz está disponible para descarga a través de Adobe directamente y en realidad fue diseñada por su ingeniero de producto principal. He proporcionado la luz en la hoja de recursos donde puedes ir y descargarla, y también la he incluido en los archivos de descarga también. De nuevo, asegúrate de echarle un vistazo. Nuevamente, este es un problema de Mac y no necesariamente un problema de Premiere Pro. Para Rec 709 cuando lo exporta, el estándar generalmente en toda la industria es que su Gamma se establezca en 2.4. Pero por alguna razón, Macs tienen su Gamma establecida a la hora de exportar para Rec 709 estar en 1.79, algo así. Básicamente, no coinciden. Al exportar, probablemente habrás notado que sea lo que exportes, tu corrección de color y grado de color es un poco más claro, pero también ligeramente desaturado. Voy a pasar de nuevo y hacer una rápida corrección de color, grado de color de este perdigón. En realidad quiero registrar la toma. Ahí vamos. Voy a subir mi exposición. Ya sé que quiero subir mi saturación en esto porque sé cómo lo disparé. Quiero dejar caer un poco mis negros. Realmente disfruto el alto contraste en estas cosas. Arriba mis reflejos un poco también porque está oscuro. Ahí vamos. Estos son grillos, y en realidad puedes comerlos. ¿No es una locura? Saben muy bien, por cierto, verás en el vlog, saben bien. Dentro y fuera, este clip solamente. Justo aquí. Vamos a lanzar un creativo. Hagamos todo mi viejo confiable ahí. Hagamos nuestra fiebre del oro, UTR porque me encanta. Me encanta la fiebre del oro, simplemente la disfruto. De todos modos, hemos corregido el color de color calificado este clip. Vamos a exportarlo. Comando M, Control M en una PC abrirá nuestra ventana de exportación o simplemente puede hacer clic en el botón Exportar en la parte superior. Entonces sólo voy a guardar esto en el escritorio para que podamos ver de qué hablo. Vamos a llamar a esto Corrección de color_nogamma, escritorio. Entonces voy a guardarlo como probablemente lo exportaría a YouTube porque este era un video de YouTube. Vamos a ir 2160. Todas esas cosas geniales. Aquí está nuestra oportunidad. Ni siquiera lo voy a enviar a la cola del codificador de medios, solo voy a dejar que se exporte porque es una toma bastante rápida. Aquí está nuestra oportunidad. Ahora bien, aquí está cómo se ve, y se puede ver que hay una diferencia. No está tan saturado. Es un poco más ligero, solo en general. Eso es nuevamente porque la forma en que las Macs exportan y cómo interpretan Gamma es diferente al estándar. Premiere Pro está utilizando el estándar Gamma que se usa más o menos en todos los ámbitos, excepto en los productos Mac por alguna razón. La forma en que eludimos esto es que tomamos ese cubo de compensación Gamma que ha sido proporcionado por Adobe y agregamos esto como nuestro último resultado además de todo lo que exportamos. Esto solo es relevante si estás en una Mac. Si estás en una PC, no deberías tener que hacer esto. Todo lo que hagas en Premiere Pro debería estar más o menos representado en la forma de exportar. Pero nuevamente, te proporcionaré estos archivos para que puedas descargarlos en la hoja de recursos, y luego también me aseguraré de incluir el enlace directo para que solo podamos agregarlos a tus archivos de Creative Cloud. Simplemente puede copiar los archivos a su cuenta de Creative Cloud si tiene una. Pero lo que vamos a utilizar es el QT Gamma Compensation Cube 1. Ya lo tengo guardado en mis archivos de Creative Cloud. De nuevo, sólo voy a ir a la ventana de exportación, Comando M, Control M. Ahora, vamos a llamar a esta Correction_with GAMMA Color Correction_with GAMMA. Nuevamente, manteniéndolo YouTube 4K porque ahí es donde iría esto. Entonces cualquier efecto voy a agregar la LUT. El cubo de compensación QT Gamma que Adobe ha proporcionado es una LUT, tal como aprendimos en nuestra lección de presets y LUT. Esto es lo que hago al final de cada video que he corregido de color, gradado por color, conseguido que todo se vea como quiero que se vea, todo se ve bien. Entro en la ventana de exportación y hago esto, agrego este look final encima de todo. Voy a navegar hasta él. Guardo esta LUT ya en mi cuenta de Creative Cloud bajo LUT. Tengo un montón de LUT diferentes, he comprado a personas, diferentes organizaciones, etc. ya solo la tengo y siempre la tengo, y luego voy a darle a “Open”. Recuerda que esto ahora está compensando los diferentes Gamma que están usando las Macs. Cuando lo veas aquí, va a parecer muy sobresaturado de lo que hicimos. No te enloqueces, así es como se supone que debe verse. Ahora voy a darle a “Exportar”. Perfecto. Ahora veamos cómo se ve con la Gamma y sin la Gamma. Aquí está la versión con la Gamma, bastante cercana a lo que originalmente teníamos. Aquí está la versión sin el Gamma, y los pondré uno al lado del otro para que ahora puedan ver las diferencias. Aquí está nuestro original, lo que queríamos, aquí está con el cubo de compensación Gamma mucho más cerca de lo que realmente pretendíamos para esta toma. Entonces aquí está sin el cubo de compensación Gamma. El Mac exporta a ese nivel Gamma diferente, y está desaturado y un poco más brillante de lo que originalmente queríamos. Para los usuarios de Mac esto es molesto, pero tenemos que hablar con Mac para estar con el resto de la industria. [Risas] Pero así es como va. Nuevamente, esto es lo último que hago para cualquier proyecto en el que estoy trabajando, solo para asegurarme de que lo que realmente pretendía para mi metraje, para mi película, para que mi proyecto sea, lo es. Asegúrate de revisar el cubo de compensación Gamma, agrégalo a tu flujo de trabajo para que de esa manera estés listo para comenzar y no te molestes moleste con Premier porque no es culpa de Premier. Como dije, es frustrante para Macs y tener que agregar esta capa final, este último paso a su exportación. Pero ahora no tienes que intentar sobrecompensar e intentar hacerlo tú mismo cuando estás corrigiendo el color y gradación de color, hay una LUT muy simple que puedes simplemente lanzar en tu metraje al final, el último paso, y más o menos será lo que originalmente pretendiste. Con eso, prácticamente terminamos. Te veré en la recapitulación, pero muchas gracias. Espero que disfrutes de esta clase. 10. Conclusión: Oh Dios mío, de alguna manera de alguna manera has llegado al final de mi clase. Vamos a recapitular todo lo que hemos hecho, ¿de acuerdo? Te proporcioné dos escenas diferentes de mi serie web esto podría haber sido un correo electrónico y algunas escenas de mi vlog de la Ciudad de México. Caminamos por el espacio de trabajo de color en Premier Pro y le di una visión general de algunas formas Premier Pro interpreta la información del color. Luego te acompañé por el panel de Lumetri Scopes y cómo cambiar y entender los diferentes ámbitos antes de pasar a corregir el color de una escena del espectáculo. Te mostré la función Auto Color y cómo puede acortar la cantidad de trabajo que tienes que hacer, y también mis presets incorporados favoritos en Premier Pro. Por último, te mostré mi secreto para mejorar los tonos de piel usando curvas, creando tu propio Lutz, y presets para ahorrarte tiempo a medida que comienzas a crear tu propio look y sentir. Por último, cómo crear máscaras. Para mis usuarios de Mac, te di mucho para corregir tu gamma en la exportación, de nada. Con todo eso, ahora tienes un conocimiento básico de corrección de color y gradación de color y ahora puedes comenzar a trabajar en Premier Pro en tus propios proyectos creativos. Si eres editor interno, espero haberte dado herramientas para aligerar tu carga de trabajo porque sé lo difícil que puede ser. Si eres cineasta o creador de contenido, espero que este sea el primer paso para que descubras tu propio estilo creativo. Recuerda, quiero ver tus ediciones. Comparte tus proyectos en la comunidad. Pueden ser las escenas que proporcioné o tus propios proyectos. Asegúrate de incluir también algunas fotos antes y después para que podamos ver por dónde empezaste. Siéntete libre de compartir tus proyectos en redes sociales y etiquetarme @HALLEASE .MP4 en Instagram y @HALLEASE en YouTube y TikTok. me encanta ver lo que creas también me encanta ver lo que creas allá y si quieres ver lo que hago fuera de enseñar aquí en esta plataforma, échame un vistazo en YouTube. Allí, siempre estoy documentando mi viaje creativo, contando historias, entrevistando a otros creadores y mucho más. De nuevo, soy Hallease procurando perseverar como siempre. Muchas gracias por haberme confiado tu tiempo. No lo doy por sentado y te voy a ver cuando te vea.