Adobe Illustrator: mejora tus colores | Hayden Aube | Skillshare
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Adobe Illustrator: mejora tus colores

teacher avatar Hayden Aube, Illustrator & Designer

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Lecciones en esta clase

    • 1.

      ¡Dales un impulso a tus colores!

      2:00

    • 2.

      Grandes cambios con poco esfuerzo

      7:05

    • 3.

      Una paleta armoniosa

      9:10

    • 4.

      Capas de ajuste: tus nuevas mejores amigas (parte 1)

      9:25

    • 5.

      Capas de ajuste: tus nuevas mejores amigas (parte 2)

      4:10

    • 6.

      Mejora tu trabajo pasado

      2:19

  • --
  • Nivel principiante
  • Nivel intermedio
  • Nivel avanzado
  • Todos los niveles

Generado por la comunidad

El nivel se determina según la opinión de la mayoría de los estudiantes que han dejado reseñas en esta clase. La recomendación del profesor o de la profesora se muestra hasta que se recopilen al menos 5 reseñas de estudiantes.

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Estudiantes

86

Proyectos

Acerca de esta clase

Hay tanta información sobre el color, que puede llegar a ser abrumador. ¡Es por eso que comparto la manera que usé para mejorar mis habilidades para usar el color!

En vez de tirarte un montón de teoría del color encima, te voy a enseñar tres cosas sencillas que pueden mejorar el color en tus obras de inmediato. Lo único que tienes que hacer es aprender las técnicas paso a paso que describo y aplicarlas a tu propio arte. Nada de estudiar mucho. Nada de términos confusos. ¡Nada de problemas!

Música: "Happy 8bit Loop 01" de Tristan Lohengrin: http://tristanlohengrin.wix.com/studio

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Hayden Aube

Illustrator & Designer

Profesor(a)

Hayden here and I am an illustrator, designer and most importantly to you, teacher!

I am constantly hunting for the actions that will have me producing my best work possible--I assure you it's no easy feat. That's why my primary goal in all of these classes isn't to give you just any information, but only the information that's going to make the biggest difference in your work. Think of it as optimizing your artistic development ;)

So if you're looking to level up your skills in design and illustration, consider checking out my classes. I've gone to great lengths to keep them short and to the point so you can get the information quickly and jump to creating.

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1. ¡Dales un impulso a tus colores!: Hola a todos. Mi nombre es Hayden Aube y soy Ilustrador y Diseñador Gráfico. Bueno, la mayoría de la progresión en el arte es un juego bastante lento. De vez en cuando aprendes esta única técnica que de inmediato te da mejora. esto me gusta llamar nivelación. Por lo que hoy vamos a tomar una de las áreas más desalentadoras del arte, que es el color y mostrarte formas sencillas pero efectivas de nivelar tu propia habilidad con ella. Ahora bien esta no es una clase sobre teoría del color, sino que en cambio es un cumplido para donde estés actualmente con tu propia comprensión del color. Por lo que aprenderás algunas cosas sobre la teoría del color en esta clase. Pero en lugar de cargarte con ello, voy a estar mostrándote técnicas paso a paso que hoy puedes implementar fácilmente en tu arte. Vamos a estar cubriendo tres técnicas diferentes que se pueden utilizar en muchas etapas diferentes a lo largo de tu propio proceso. Las técnicas que vamos a estar repasando se harán en Adobe Illustrator. Pero habrá una técnica por la que vamos a estar entrando en Adobe Photoshop. Ahora si no tienes Photoshop, no te preocupes porque hay toneladas de alternativas gratuitas que pueden hacer exactamente lo que vamos a estar cubriendo hoy. Una vez que hayas aprendido estas técnicas para mejorar tus colores, en realidad vamos a estar aplicándolo a uno de tus trabajos anteriores a través de nuestro proyecto de clase. Ahora si no tienes una vieja pieza de trabajo para usar, te voy a estar brindando algunas alternativas que eres más que bienvenido de usar en su lugar. Aquí te dejamos solo una instantánea rápida de algunos de los resultados que puedes esperar. Entonces si tienes una comprensión básica de Adobe Illustrator, y quieres ver tus colores llevados al siguiente nivel. Entonces esta clase es para ti. Nos vemos ahí. 2. Grandes cambios con poco esfuerzo: Si has tomado mi clase, Make a Fantasy Weapon, entonces esta primera técnica te va a ser familiar, y esa es Ajustar el equilibrio de color. Vas a encontrar que todas las técnicas de esta clase se pueden utilizar en cualquier momento a lo largo de un proyecto, pero habrá puntos particulares cuando sea más útil. Ajustar balance de color es realmente útil cuando tienes un grupo específico de objetos y quieres cambiar el color de todos ellos a la vez. Digamos que esta fue una ilustración que le envié a un cliente, y tal vez volvieron a mí y dijeron que todo se veía genial, verdad les gustó. Pero necesitaba estar sobre un fondo azulado en lugar de este naranja. Como podemos ver, al hacer eso, perdemos por completo el mango. Este mango aquí es en realidad bastante complejo. Hay muchas capas diferentes una encima de la otra, hay gradientes con múltiples paradas diferentes en ella. Por lo que hacer cambios en todo el mango en realidad llevaría mucho tiempo si quiero ir uno por uno y cambiar estos colores. Si solo hago clic en esta forma aquí mismo, por ejemplo, y voy a la ventana Degradado, se puede ver que tengo cuatro muestras diferentes en este gradiente. Como dije, es bastante complejo. Lo que voy a hacer es seleccionar todo lo que quiero cambiar el color, porque me he separado por ilustración en estas diferentes capas. Todo lo que hay en la capa de mango es realmente lo que quiero afectar ahora.Así que solo voy a seleccionar todos esos, y voy a subir a Editar, Editar Colores, Ajustar Balance de Color. Desde Ajustar Balance de Color, podemos cambiar todos los colores que hemos seleccionado, y eso no sólo se va a aplicar a los colores sólidos, sino también a cualquier gradiente o efecto u otras cosas con las que estamos trabajando. Lo que tenemos que hacer es activar la Vista previa. Si solo estás intentando apuntar a trazos o rellenos, posible que quieras ajustar estas casillas de verificación. Yo sólo los voy a dejar por ahora. Dependiendo de si estás trabajando en CMYK RGB, estos deslizadores se verán diferentes, porque RGB, tenemos los deslizadores rojo, verde y azul. Dependiendo del espacio de color en el que te encuentres, siguen funcionando exactamente de la misma manera, y es decir, si mueves el control deslizante hacia la izquierda, obtendrás un porcentaje negativo aquí, y eso significa que estás quitando esa gran parte de ese color de tu selección. Por lo que al deslizar el deslizador rojo hacia la izquierda, estoy sacando el rojo de lo que he seleccionado. Por la misma nota si lo deslice hacia la derecha, estoy agregando más rojo, y se puede ver que conforme empecé a aumentar esto, cada vez nos ponemos más rojo en esta selección de colores. Aquí es donde algún entendimiento de cómo se componen los colores puede ser bastante útil, pero no es necesario. Por ejemplo, sé que quiero que este mango sea más de un color naranja. Para conseguir eso, necesito quitar un poco de azul de la selección, y añadir un poco de rojo y verde, y eso va a empezar a darme un color naranja, así. Ahora si no sabes exactamente cómo el rojo, verde y el azul componen diferentes colores, eso está bien porque solo puedes meterte con estos deslizadores hasta que realmente obtienes algo que quieras o obtienes lo que buscas. Como a menudo es el caso conmigo, a veces realmente no sé qué colores estoy buscando, así que solo jugaré con ellos hasta que empiece a conseguir algo que se vea bien. Algo que vas a notar es que en un momento determinado, estos deslizadores dejarán de hacer efectos cuando te deslice en una dirección determinada. Entonces si solo para restablecer esto, y si empiezo a quitarme el rojo, vas a ver en un momento determinado, ya lo has golpeado, no está haciendo ninguna diferencia. Puedo seguir quitando el rojo y no se ve diferente en absoluto. Lo que esto significa es que realmente, has sacado todo el rojo que puedes. También vale la pena señalar que si quieres el nuevo color que estás haciendo sea más ligero que el original, vas a querer que el total de estos porcentajes sea positivo. Por ejemplo, tal vez esto fue alrededor de las 11, esto era 17, pero tal vez esto fue como cinco o seis negativos o algo así. En total, he agregado más color del que he quitado, y por la forma en que funciona RGB, eso me va a dar un color más claro. El reverso de eso es si quiero hacer mi color más oscuro en general, quiero estar quitando más color del que lo estoy agregando. Entonces puedo bajar mucho el azul, el verde también, añadir un poco de rojo, pero aún así añadir un poco de rojo, nos estamos poniendo un color más oscuro del que empezamos. Pero solo apaga Preview por un segundo y podrás ver que estos nuevos colores, es más oscuro. Al final del día, cuanto más juegues con esta herramienta, más la vas a entender, y obtener una idea de lo que sucede cuando mueves cada deslizador en cada sentido. También puedes hacer clic en Modo Color y cambiarlo a Escala de grises, y luego haciendo clic en Convertir, justo como esperabas, ahora no tienes colores con los que trabajar, eres justo y trabajando con tonos de gris. Al ajustar el deslizador, puedes quitar el negro y por lo tanto hacerlo más ligero. Esta casilla de verificación de conversión aparece cuando estás cambiando los modos de color. Si empezaste en Escala de grises y luego te mudarías a RGB, necesitarías hacer clic en este cuadro Convertir para ver los efectos que tienen lugar. Voy a volver al color que busco, quees más de naranja, es más de naranja, algo que las cosas pueden sobresalir bastante bien en este fondo. En realidad, creo que en general quería ponerme un poco más ligero. Como dije, estoy asegurándome de que estoy agregando más color del que estoy quitando, así que algo así. Una vez que tengas los colores luciendo como quieras, y haz clic en Ok. Entonces como verás, se hacen esos cambios a todo lo que has seleccionado. Incluso puedo volver a esta forma inicial en la que hicimos clic para mirar el gradiente, y verás que cada parada de este gradiente ha sido cambiada para reflejar lo que hicimos en Ajustar balance de color. Esta es una herramienta realmente genial para seleccionar un grupo de objetos que tienen un solo color y luego convertirlos en un nuevo color individual. Pero, ¿qué pasa si tienes muchos colores con los que estás trabajando a la vez, y quieres hacer cambios que van a influir en todos ellos? Eso es lo que vamos a estar viendo a continuación. 3. Una paleta armoniosa: Ahora esta siguiente técnica no siempre hace el mayor cambio, aunque sí puede. Pero encuentro que es de lo más útil cuando estás rematando una pieza y quieres agregarle un toque final. La pieza con la que voy a estar trabajando para este ejemplo ya está en un lugar realmente genial en cuanto a color, estoy usando algunas de las técnicas que vamos a cubrir en la siguiente sección. He hecho una paleta que creo que está en un lugar fuerte, pero realmente siento que puedo usar un toque final, un encuentro final. Aquí es donde uso superposiciones de color ya que creo que pueden hacer una diferencia realmente grande en este punto. Voy a crear una nueva capa encima de todas mis otras, sólo voy a nombrar esta superposición, y voy a crear sólo un rectángulo que se sienta encima de todo. Mi lienzo es 800 por 600. Yo estoy viendo a través de ese derrame cerebral, y luego sólo voy a poner esto. Sí, para que descanse encima de todo. Una buena manera de hacerlo es usar las opciones Alinear aquí arriba. Si lo tienes como alineado al tablero de arte, que puedes hacer clic en esta línea horizontal y la línea vertical. Ahora sé que esto justo en el centro. Lo que vamos a hacer con esta forma aquí es que solo le vamos a dar un color plano. Vamos verde. Hay algunas formas de cambiar el modo de fusión de un objeto, una es llegar a “Opacidad” aquí arriba y sólo tienes que hacer clic en él, y luego los conseguirás todos aquí. Pero vamos a usar la ventana Apariencia. Ya lo tengo abierto, pero si solo vas a “Ventana”, “ Apariencia”, puedes conseguirlo a partir de ahí. Encuentro esto como solo una forma más fácil de hacer un seguimiento de todos los efectos que he aplicado a los objetos. Una vez más, aquí tenemos la Opacidad, y sólo voy a dar clic aquí, y voy a empezar usando el modo de mezcla de superposición. De inmediato podemos ver que la capa verde que hemos hecho ahora está influyendo en todo lo que está sentado debajo de ella, ahora se ve bastante drástica en este momento y lo vamos a estar cambiando, sobre todo desde que dije que el colores en esta pieza ya siento que son punto bastante fuerte, así que no quiero jugar demasiado con ellos, pero esto te puede dar una sensación de lo grande de un cambio algo como esto es posible de hacer. Algunas de las formas en que podemos cambiar esto, obviamente podemos intentar seleccionar diferentes colores para el color de relleno, y veremos que esto influye de diferentes maneras. Si decidimos que es demasiado fuerte, podemos bajar la opacidad. Simplemente haz eso aquí, solo queremos que el efecto haga un poco. Como puedes ver, hay muchos modos de mezcla diferentes para elegir, y con el tiempo y a través de la experimentación, comenzarás a tener una idea de lo que hacen y cuáles funcionan mejor para ti. Personalmente, encuentro que Overlay y Soft light son los que uso como el 90 por ciento del tiempo, pero como dije, mi recomendación es que los pruebes todos. De hecho, voy a estar suministrando un recurso aquí en la clase que puedes descargar, y solo será una visión general de cómo interactúan los diferentes modos de mezcla. Para esta pieza en particular, voy a estar usando Soft Light, y para Opacity voy a estar ajustándola a 25, no es un cambio importante. En cuanto al Color, en realidad voy a usar Swatch aquí. Este es el color que he elegido para la arena, así que este es un color naranja. El motivo por el que estoy haciendo esto es que creo que ayuda a reforzar el hecho de que estás en el desierto. Tomar este color arena y aplicarlo a todo lo demás a través de esta superposición de color, te da la sensación de que hay arena pateando en el aire y hay luz reflejando de la arena y siendo echada todo lo demás. Realmente lo hace más realista. Lo que es genial de esta técnica es que no sólo se tiene que hacer a toda la pieza como lo he hecho, si quieres apuntar a un área específica para usar una de estas superposiciones, eso es todo lo que tienes que hacer. Por ejemplo, en realidad quiero traer algo más de color al cielo, y para ello, voy a crear otra nueva capa, pero sólo la voy a crear para que esté encima solo de las capas de cielo de mi sol. Eso es lo que se ve de fondo aquí. De nuevo, voy a tomar la Herramienta Rectángulo, y voy a crear un rectángulo que es la forma del lienzo, y lo voy a alinear usando estas herramientas aquí arriba. Para esta superposición, en realidad quiero trabajar un poco de rosa en el cielo, y de hecho, ya he creado una muestra aquí mismo del color que quiero usar, y en cuanto al modo de mezcla, voy a estar usando Color. Esto es justo aquí abajo. El motivo por el que estoy usando Color es porque en realidad estoy bastante contento con el brillo y la saturación del cielo, es sólo el tono que quiero cambiar. Ahora si quieres entender mejor el tono, saturación, el brillo, en realidad podrías abrir la ventana Color, vas a “Ventana”, “Color”, y usando este desplegable aquí abajo, puedes cambiar cómo cambias los colores a HSB, que significa matiz, saturación, brillo. tan solo manipular estos deslizadores aquí, puedes tener una idea de lo que hacen esos tres aspectos diferentes del color. Brillo es como si suene que lo está haciendo más oscuro o más claro, saturación es cuánto de un color realmente se está trabajando en él. En realidad, es como si las saturaciones bajas pudieran bastante lavadas, alta saturación puede ser bastante vibrante, y luego el tono es el color real en sí como si quieres un azul, ¿quieres morado? Lo que estamos haciendo al usar el modo de mezcla de colores es que solo nos estamos centrando en la sección de tonos aquí, y lo que está pasando es nuestra forma que está sentada encima del sol y el cielo, está tomando el tono de eso el rosa, para luego aplicarlo a lo que ya está la saturación y el brillo de lo que debajo de ella. Sólo voy a volver a mis Muestras y elegir ese rosa otra vez. Me gusta mucho cómo funciona este color en el cielo, pero no quiero que llene todo el cielo. Entonces en lugar de convertirlo en un relleno sólido como lo es ahora mismo. En realidad lo voy a convertir en un gradiente. Voy a abrir la ventana Gradient. Una vez más, vas a “Ventana”, “Gradiente”, y en realidad lo que voy a hacer es que sólo voy a agarrar esta muestra rosa y arrastrarla al gradiente, e inmediatamente va a convertir ese relleno sólido en gradiente. Se puede ver un ejemplo aquí mismo de cómo se ve actualmente el relleno. El relleno que quiero hacer, es más o menos quiero que este efecto se lleve a cabo en la parte inferior aquí, ser rosa en la parte inferior, y conforme va hacia arriba se convierte más en el amarillo anaranjado, color cielo original. Para ello voy a hacer que mi gradiente tenga dos paradas y ambos van a ser el mismo rosa. Simplemente puedes arrastrar estas cancelaciones para deshacerte de ellas, y luego arrastrar en este Muestras encendido. Yo quiero dos de estas rosas y nada más. Yo quiero uno en cada extremo del gradiente, y yo quiero que uno sea una opacidad 100 por ciento, y quiero que el otro sea cero por ciento de opacidad. Más o menos eso significa que va de completamente sólido a completamente invisible. A partir de aquí, puedo usar la herramienta Degradado, que está aquí mismo, y puedo dibujar cómo quiero que vaya mi gradiente. Como dije, quiero que sea más fuerte en la parte inferior y más débil en la parte superior, así que voy a sostener “Shift”, y simplemente arrastrarme hacia arriba así. Así como así, he hecho algunos cambios muy sutiles pero muy beneficiosos en el color general de esta pieza. Para realmente tener una idea de los cambios que hacemos, en realidad solo te voy a mostrar una comparación entre él y cómo empezó. sólo mirar estos dos, se puede ver que hay un poco más de armonía con los cambios que hemos hecho, y realmente eso es porque hemos tomado colores y lo hemos aplicado a todo. Tomamos esa naranja y agregamos un poco de esa naranja a cada color de la pieza, y por eso, todos los colores simplemente funcionan juntos de forma natural. Lo último que vamos a estar haciendo es mirar lo que creo que es la forma número 1 de subir de nivel tu esquema de color, y puedes usar esto en cualquier momento de tu proceso. Sólo vamos a tener que ir un poco fuera de Illustrator para hacerlo. 4. Capas de ajuste: tus nuevas mejores amigas (parte 1): La técnica final que vamos a estar cubriendo nos va a llevar a Adobe Photoshop. Si no tienes Photoshop, eso está completamente bien porque hay muchas alternativas gratuitas por ahí, y la que yo recomendaría es Gimp. G-I-M-P, ya que está disponible tanto en Mac como en Windows y sé que ofrece lo que vamos a estar cubriendo. Voy a dejar un enlace al mismo en las notas así como en la sección de recursos de esta clase. Cuando se trata de Adobe Illustrator, trabajar con color puede llegar a ser bastante limitante, y por eso vamos a estar usando Photoshop. Es porque es un programa que está específicamente diseñado para editar imágenes. Personalmente, utilizo esta técnica probablemente más que las otras dos, y la utilizo mayormente al principio de la pieza y al final de una pieza. Al principio, lo uso para establecer mi esquema de color inicial y al final, lo uso para cualquier toque final y agregando un poco de cohesión a toda la pieza. Nuevamente, al igual que todas estas otras técnicas, encontrarás que hay mejores escenarios para que lo utilices. Voy a estar haciendo ajustes a este patrón de hoyos hobbit que he hecho y en este punto de la pieza, el diseño está terminado, y tengo los colores que más o menos voy a querer usar. Pero en este momento no están realmente trabajando tan bien juntos como me gustaría que lo hicieran. Similar con la pieza que acabamos de hacer, siento que hay un toque de armonía que se podría agregar. Lo que encuentro es la forma más rápida de solo exportar imágenes desde Illustrator, es usar la exportación para web o guardar para función web, y puedes encontrar que bajo archivo, exportar, guardar para web, y realmente fácilmente aquí puedes solo tienes que seleccionar lo que quieras guardarlo como, elegiré un JPEG. Yo sólo lo voy a dejar en eso. No voy a cambiar ninguna configuración ahora mismo. Sólo llamémoslo hoyos hobbits. Ahora, vamos a abrir la imagen que guardamos en Photoshop, y a partir de aquí, vamos a estar usando capas de ajuste. Todas las capas de ajuste se pueden encontrar aquí mismo en la Ventana de Capas. Como puedes ver, a medida que te desplazas, hay muchas opciones diferentes y no vamos a estar cubriendo todas ellas. De hecho, sólo nos vamos a quedar con tres hoy. El primero que vamos a cubrir son las curvas. Las curvas pueden ser algo complicado de entender y no fue después de que la usé durante mucho tiempo que finalmente empecé a conseguirlo yo mismo. Pero si no lo captas completamente, eso está totalmente bien porque te voy a dar algunas pautas generales para trabajar con ello, y al final del día, al igual que lo hemos hecho en las otras técnicas, solo puedes seguir jugando con él hasta conseguir algo que te guste y crees que funciona bien. También voy a estar agregando un enlace en la sección de notas y recursos de esta clase, si quieres hacer alguna lectura más sobre curvas y cómo funciona. A lo que ves aquí mismo se le llama histograma y lo que te está mostrando de izquierda a derecha son los puntos más oscuros de la imagen, hasta los puntos más claros de la imagen, así que lo que estos diferentes picos están indicando, son realmente cuánto de ese tono o ese tono está presente en la imagen. Por ejemplo, si miramos el extremo derecho aquí, esto va a estar representando al verdadero blanco, como el blanco más blanco podría llegar posiblemente, vemos un gran pico. Eso va a ser representado por estas chafatas aquí en la pieza. Lo que empieza a ponerse un poco complicado de entender es que, esto no es sólo representar tonos de gris, así que no hay negro a través del blanco, sino que esto también está representando colores. Pensando volver a cuando estábamos trabajando con el matiz, saturación, y el brillo de los colores, incluso puedes ir y considerar esto como una escala de brillo para todos los colores. Por ejemplo, los picos por aquí que están a la extrema izquierda, estos van a representar algunos de los colores más oscuros. Va a ser algunos de estos colores de madera aquí, así como estas losas de piedra justo frente a estos hogares. Dicho esto, en lugar de trabajar con esta parte de curvas que mira a todos los colores, realidad vamos a apuntar individualmente uno a la vez, los tres canales de color diferentes con los que estamos trabajando. Porque estamos trabajando en RGB, esto significa que vamos a estar trabajando con rojo, verde y azul. Yo sólo voy a empezar con el rojo primero. Este histograma de aquí sólo trata de rojo y así te está mostrando los picos donde más está el rojo. Porque tenemos muchos marrones oscuros en esta pieza, por eso hay un pico tan grande aquí, porque hay mucho rojo en estos marrones. Lo que voy a hacer es que voy a trazar tres puntos, distancia relativamente igual aquí, voy a estar poniendo uno aquí, uno aquí, y otro allá. No son exactos. No es gran cosa. De hecho, ni siquiera tienes que estructurarlo de esta manera. Esta es solo una buena manera de apuntar a los oscuros, los tonos medios, y los reflejos de una pieza de forma individual. Puede ser pienso en todos los colores de gama media en la pieza. Yo quiero que tengan más rojo en ellos. Puedo tomar este punto medio y arrastrarlo hacia arriba. Si miras, vas a ver que se va a agregar rojo a muchos más de estos colores. Se puede notar, como los greens están cambiando un poco y los marrones se están poniendo cada vez más rojos. Esto se debe a que estoy agregando más rojo a esa gama de colores. Yo sí quiero que el rojo sea un color fuerte en esta pieza. Yo principalmente quiero que sea verde y rojo así, sólo lo voy a dejar, tal vez no tan alto, pero voy a aumentar un poco los tonos medios para el rojo, así como eso. Entonces voy a ir al canal verde. Nuevamente, por el verde, sólo voy a trazarlo de la misma manera. Como dije, realmente quiero que el verde esté realmente presente en los colores más brillantes. En realidad voy a tomar este punto aquí y aumentarlo. Se puede incluso ver que el cambio está sucediendo como yo lo estoy haciendo en la pieza, y se puede ver mucho de los colores más brillantes están consiguiendo más de una sensación verde a ella. En realidad voy a disminuir el verde en las sombras, sólo porque quiero que los colores más oscuros sean más del rojo y los colores más brillantes sean más del verde. Esta es sólo la decisión que he tomado. Al reducir el verde en las sombras, estoy dejando pasar más del rojo. Por último, voy a ir al azul y no quiero que el azul tenga una presencia muy fuerte en esta pieza para nada. Voy a trazar estos puntos de nuevo, y podemos ver que con sólo mirar el histograma de que la mayoría del azul sucede en el rango de tono medio, justo en el medio aquí. Ese es el punto en el que realmente me voy a centrar aquí. En realidad voy a bajar esto porque eso va a tener el mayor impacto aquí. Podría reducirlo todo si de verdad quisiera, pero sólo voy a hacer esto. Es importante destacar que si bien solo estoy cambiando el canal azul y en este momento, no solo estoy afectando el blues en mi pieza. Todo color que tenga azul en él va a verse afectado. Por ejemplo, a pesar de que estas colinas de aquí, parecen que son verdes, en realidad hay una cantidad considerable de azul para ellos. De hecho, si voy a Window info y lo resalto, puedes ver en este pequeño panel de información aquí, puedes ver en este pequeño panel de información aquí,te dará los valores rojo, verde y azul de ese color que actualmente tienes el mouse sobre. Podemos ver que en realidad hay bastante azul. Para obtener más información sobre esto y cómo funciona, también he agregado un recurso para el sistema de color RGB para que puedas entender completamente cómo crea colores solo a partir de los tres canales. Es posible que encuentres que cuando estás trabajando con estas curvas, las cosas pueden volverse un poco locas si empujas demasiado la curva. Por ejemplo, algo como esto, sí se ve genial, pero también se está volviendo un poco loco, definitivamente no es lo que voy a buscar. Por regla general, cuando estoy trabajando con curvas, trato de no conseguir la curva ya que va de izquierda a derecha, para inclinarse hacia abajo. Simplemente encuentro que cuando eso sucede, generalmente te da un aspecto menos que natural, sí menos que algo natural. Por supuesto, si eso es lo que vas por ello, entonces eso puede ser en realidad una gran manera de lograrlo, pero ahí es donde estoy con ello. A continuación, en realidad vamos a mirar los niveles. Voy a volver a las capas de ajuste, y voy a dar click en “Niveles”. 5. Capas de ajuste: tus nuevas mejores amigas (parte 2): Nuevamente, Niveles es una herramienta que es bastante fácil de usar, pero puede ser difícil de dominar. Para nuestros propósitos, sólo vamos a estar usando el deslizador inferior aquí. Al igual que lo hicimos con las curvas, lo vamos a estar haciendo un canal a la vez. Entonces otra vez, rojo, verde, y azul. Por lo que este deslizador aquí representa los niveles de salida de cada canal. Entonces sin ponerse demasiado técnico, esto significa que cuanto más derecho deslice el deslizador negro aquí, significa cuanto más rojo vamos a estar agregando a todos los colores realmente. Por la misma señal, cuanto más a la izquierda deslice el deslizador blanco, más rojo que en realidad estamos quitando de todos los colores. Por lo que una buena manera de acercarse usando Niveles es usar el deslizador negro cuando quieras más de ese color y usar el deslizador blanco cuando quieras menos. Por lo que personalmente para esto, quiero más rojo. Entonces voy a mover un poco el slider negro, sólo un poco. Yo quiero más verde. Yo voy a hacer lo mismo, tal vez un poco más que el rojo y quiero menos azul. Entonces voy a usar el deslizador blanco ahora y marcar eso de nuevo para allá. El nivel de ajuste final que vamos a utilizar es el brillo y el contraste y en parte estamos usando esto por lo que el trabajo en Niveles acaba de hacer a nuestra pieza. En niveles, estábamos introduciendo color en los blancos y en los negros de nuestra pieza y naturalmente eso solo reduce el contraste de la misma. Por eso es importante que ahora utilicemos brillo y contraste para aumentar el contraste. Por supuesto, al final del día, todo depende del efecto que vayas o del look que quieras. Si quieres más de un look lavado, entonces solo puedes dejarlo aquí mismo. No obstante, sí quiero que mis colores se pop bastante. Por lo que voy a aumentar el contraste usando esta capa de ajuste. Este es el más simple de los tres. Todo lo que necesitas hacer es arrastrar el contraste hasta que llegues a un lugar donde realmente te gusta, en algún lugar como ahí. Enfriar. Por lo que a veces quizá quieras volver atrás y tal vez retocar un par de cosas. Por ejemplo, déjame volver a Niveles y sólo tal vez traer el azul de vuelta un poco más, tal vez no tanto rojo. Si realmente quieres que estas capas de ajuste no tomen tan fuertes de un efecto, en realidad puedes simplemente bajar la opacidad. Entonces tal vez no quiero que los Niveles hayan hecho tanto. En realidad puedo bajar un poco la opacidad y el efecto no será tan fuerte, algo así. Entonces una vez que lo tengas en un lugar donde se ve bonito, podemos hacer mi parte favorita la cual es comparar. Todo lo que tienes que hacer es encender y apagar estas capas y ver la diferencia que has hecho. Entonces es realmente interesante ahora ver cómo a pesar de que empecé con algo que me pareció bastante bueno, después de hacer estos cambios, se hace una diferencia tan grande y en mi opinión, se ve mucho, mucho mejor. Entonces solo desde el breve tiempo que pasamos en Photoshop, es realmente fácil ver cuánta potencia puedes realmente tener ahí con trabajar con colores. Puede parecer un poco desalentador al principio, pero si te tomas algún tiempo para experimentar con estas diferentes capas de ajuste, conseguirás el ahorcamiento con bastante rapidez. Si realmente quieres sacar el máximo provecho de lo que Photoshop tiene para ofrecer, hay toneladas de diferentes capas de ajuste y efectos fuera de eso que realmente pueden ayudar a tu obra de arte. Dicho esto, si nunca tocas nada más que los tres que pasamos hoy, todavía vas a hacer resultados realmente grandes. Entonces ahora que tenemos todo un arsenal nuevo en tratar con el color, a continuación, vamos a poner eso a prueba. 6. Mejora tu trabajo pasado: Tan solo por sentarte aquí y ver cómo se hacen estas diferentes técnicas, ahora tienes toda la información que necesitas para subir de nivel el color en tu propio trabajo. Dicho esto, ahora mismo, si bien puede parecer realmente fresco en tu mente muy rápidamente, las cosas que aprendimos pueden empezar a filtrarse. La mejor manera de hacer este concreto para ti es aplicarlo tan pronto como puedas, por eso tenemos el proyecto de clase. Vamos a estar llevando una pieza de trabajo anterior y vamos a estar aplicándole una o más de las técnicas que aprendimos en la clase. Todo lo que necesitarás hacer es publicar la pieza original y luego cómo luce la pieza ahora que has hecho los cambios en ella y luego solo una breve descripción de qué técnica o técnicas utilizaste para hacerlo. Si no tienes una pieza con la que trabajar, eso está completamente bien. Voy a estar abasteciendo a una pareja en la sección de recursos. Siéntase libre de descargar uno de esos y hacer los cambios a eso en su lugar. Espero que al tomar esta clase, ahora tengas un nuevo conjunto de herramientas que te pueden ayudar con el desalentador mundo del color y sé que algunas de las técnicas pueden parecer un poco confusas al principio, particularmente las que hicimos con Photoshop. Pero lo importante a recordar es que por encima de todo, lo mejor que hay que hacer es solo experimentar. Juega alrededor de los deslizadores, prueba algunas opciones diferentes. Eventualmente vas a conseguir algo que te guste y con el tiempo vas a desarrollar una comprensión de cómo funciona realmente la característica. Si tienes alguna pregunta sobre lo que pasamos hoy, puedes publicarlas en la discusión de la comunidad y te volveré en cuanto pueda. Voy a estar monitoreándolo bastante de cerca. De esa manera si estás atascado en cualquier parte, podemos sacarte a través de él y a la siguiente sección. Si disfrutaste de la clase, todo lo que pido es que dejes una crítica positiva y si te interesa más de mis clases, todo lo que tienes que hacer es dar click en mi nombre aquí en Skillshare. Por último, sólo quiero agradecerles por tomar la clase. Yo me divierto mucho haciendo estos, pero al final del día no son para mí, son para ustedes y realmente significa mucho que ustedes chicos se tomen el tiempo para tomarlos, para participar en la discusión y es realmente emocionante ver lo que se les ocurre chicos. Gracias otra vez. Espero que aprendas mucho y no puedo esperar a ver qué se te ocurre.