Qué debería saber todo artista: aprenderás los fundamentos del arte, encontrar tu estilo, rentabilidad y más

1. Avance: Dado que no existe guía oficial, ser artista puede sentirse como pasear en la oscuridad, inseguro de qué hacer a continuación, o incluso si se está progresando. Yo estoy aquí para decirte que no tiene por qué ser así. De hecho, hice esta clase para iluminar la forma el viaje creativo y para subir de nivel tus conocimientos y habilidades. Hola, me llamo Hismena. Soy una acuarela autodidacta, tinta, y otro artista de medios mixtos. Podría conocerme de varias otras clases de Skillshare. Esta clase es un poco diferente. En lugar de enseñar cierta técnica o cómo usar un medio, vamos a sumergirnos en los principios básicos que se requieren para que una base sólida sea un ilustrador exitoso. Esta clase está compuesta por todas las cosas de las que todos los artistas nuevos o experimentados deben estar al tanto. Esencialmente, estas son las cosas que ojalá supiera hace años. Entraré en detalle en toneladas de temas desde principios de diseño súper importantes, hasta ejercicios de dibujo, hasta cómo encontrar los medios adecuados para ti, e incluso descubrir tu estilo y nicho personal. También tocaremos cosas para las que probablemente tengas preguntas, como usar referencias, construir tu público y marca, y cómo monetizar tu arte para que puedas hacer carrera con él. Hasta te daré consejos sobre cosas como celos de arte y bloque de arte. Ya sea aficionado o profesional, esta clase te ayudará a hacerte las preguntas correctas y a averiguar qué debes hacer a continuación en tu viaje creativo. También te dará toneladas de ideas y ojalá te inspire a crecer y practicar tu oficio. ¿ A qué esperas? Vamos a sumergirnos justo en. 2. ¿Qué significa ser artista?: ¿ Qué significa ser artista? Bueno es sencillo. Para mí si te gusta hacer arte y lo haces a menudo, eres artista. Piénsalo. Pablo Picasso, en el momento en que recogió su pincel y empezó a crear y le encantó hacerlo, ya era artista. No fue como si alguien se le acercara y le dijera “Oye, ¿sabes qué? Por fin eres lo suficientemente bueno. Puedes llamarte artista ahora se te permite hacerlo”. Ya tienes poder para etiquetarte como artista. Aunque seas un principiante completo, quiero que aceptes el hecho de que eres artista, porque estás viendo esta clase, pones el tiempo y el esfuerzo y luego tienes que estar a la altura. Tienes que poner el tiempo, tienes que meter el amor, tienes que practicar tu oficio. En las próximas lecciones, te daré muchas ideas sobre cómo practicar tu oficio y aprender sobre la fundación que necesitas como artista para hacer que tu trabajo se vea presentable y tener buenas composiciones y cosas así. Pero ser artista es algo personal. Tienes tu propio viaje creativo especial que estás pasando. Eso no tiene nada que ver con mi viaje ni con el de nadie más, vas a saber qué es lo correcto para ti, si algo de lo que digo en esta clase no te parece bien ni jive contigo, solo tómalo con un grano de sal. Lo más importante para ser artista, es la perseverancia, porque en las etapas iniciales se hace mucho arte feo. Al igual que aquí está mi cuaderno de bocetos de hace 7.5 años. Como puedes ver, no fue muy bueno, es realmente vergonzoso. Estaba en un cuaderno de bocetos privado y lo llené y seguí dibujando y dibujando y dibujando porque me encantaba dibujar. Entonces por favor, solo dibuja. No te preocupes por los resultados. Estás practicando, estás mejorando y mejorando con el tiempo. Solo es cuestión de tiempo hasta que seas igual que los artistas profesionales a los que miras. No dejes que el miedo a hacer arte feo te detenga. No hay errores en el arte, no hay arte feo, solo es tiempo de práctica. Hago arte feo todo el tiempo, incluso hoy en día, como puedes ver aquí, solo hay cosas que cometo que tiene errores en él y no se ve lo suficientemente bien. Sucede todo el tiempo incluso ahora y creo que va a seguir sucediendo para siempre y para siempre y para siempre. Estoy agradecido por ello porque me hace apreciar de verdad cuando la pieza va bien y aprendo lecciones de cada pieza que hago así. Por favor, no te detengas diciendo: “Ya no voy a hacer arte ”, sólo porque aún no creas que eres lo suficientemente bueno. El único motivo por el que aún no eres lo suficientemente bueno es porque tienes que practicar más. Entonces practique, practique, practique, practique, y no tenga miedo de cometer errores. Esa es una parte normal del proceso creativo y del viaje. Antes de iniciar la clase, tómate un momento para comprometerte con tu práctica artística. Tómate un momento para pensar, trabajarás duro en esto y tendrás éxito. Si crees que lo harás, lo harás pero tienes que meter el trabajo. Cuanto más duro trabajes, mejores serán los resultados y más cumplido te sentirás. Es un triunfo, ganar, ganar, ganar, ganar. Tan solo tómate tu tiempo, haz lo tuyo y ama tu oficio. Nunca vas a dejar de aprender, evolucionar o crecer y eso es algo increíble. De verdad espero con ansias toda una vida de esto. Si pones el tiempo en cada día o casi todos los días, quién sabe lo hermoso que será tu trabajo, un año, dos años, o incluso 10 años a partir de ahora, tal vez hasta 50 años a partir de ahora. Ni siquiera puedo imaginar cómo afectarás al mundo. El arte es magia poderosa. En serio, todos somos hechiceros, y les doy la bienvenida al gremio de artistas del mago. Eso lo inventé. Pero el punto es que tienes tanta suerte de ser mordido por el bicho creativo y no puedo esperar a ver cómo vas a afectar al mundo y a tu vida y simplemente disfrutar del proceso. Vamos a repasar todo en artistas ya que sabes por su fundación porque si tienes esa fundación abajo, entonces puedes hacer lo que quieras, con el estilo que quieras pero primero tenemos que aprender lo básico. Entonces entrémonos en eso. 3. Línea, forma y figura: El arte está conformado por muchos elementos, pero podría decirse que el más importante es la línea, la forma y la forma. Line es sólo que una línea simple. Puede ser quickly, recta, dividida en muchas líneas o cualquier otra cosa que se te ocurra. Las líneas también pueden ser gruesas o delgadas o tener una variación de línea que va de gruesa a delgada, que es mi forma favorita de usarlas. Incluso pueden tener una textura para ellos o hacer la sensación de textura o sombreado o ambos simplemente por ser utilizados de cierta manera. Al igual que aquí hay un ejemplo increíble del súper talentoso DZO Olivier, quien hace ilustraciones extremadamente detalladas utilizando líneas en todos los sentidos. Es masterizado la ilustración de pluma y tinta, y realmente muestra que la profundidad y detalle de su trabajo y él hace todo esto es en simples plumas técnicas. Otro buen ejemplo, es el trabajo de Katie Wolford. Utiliza líneas continuas para hacer sus ilustraciones. Esto sólo significa que nunca levanta la pluma de la página. Sus ilustraciones son esencialmente, una línea muy larga. ¿ No es eso impresionante? Aquí hay otro ejemplo de una maestra de línea, Sara Tepes. Sus líneas son fluidas, llenas de carácter en la vida, y esto estaba en tinta, pero mira este dibujo a lápiz. Se llena igual de vivo, aunque sea un tipo de línea diferente, eso no es tan expresivo. Como se puede ver, hay mucho que se puede lograr con la línea. Lo curioso de las líneas es que si miras el mundo que te rodea, no puedes ver líneas delineando cosas pero solo dibujando, sobre todo al empezar, tendemos a dibujar dibujos de líneas de contorno, que es solo un contorno estilo de secado. Esta es una gran manera de aprender a dibujar y a notar los detalles, pero también puede hacer que las cosas se vean más caricaturas y menos realistas. Algunos artistas usan contornos con trabajo realista propósito para un contraste fresco o porque es su estilo, como hace DZO, pero algunos no, por ejemplo, si miras a la artista extremadamente hábil, Ozabu, puedes ver en su piezas terminadas, se pone una sensación muy realista al no usar contornos. Pero aquí hay un ejemplo diferente a su cuaderno de bocetos, que se siente menos realista y más estilizada porque sí usó contornos. Como se puede ver, ambos tienen sentimientos diferentes hacia ellos. Otra cosa asombrosa de sus piezas realistas, es que en realidad usa líneas que están juntas para sombrear. Alinear o no usar contornos depende de usted. No hay forma correcta de hacer arte, pero es bueno estar al tanto del efecto que obtienes al incluir o excluir contornos. Personalmente sí uso líneas la mayor parte de mi trabajo al romperlas y no dejar que se toquen hasta el final. Ellas suben el contraste y detalle en las piezas, pero ese es solo mi estilo. El punto es, estoy consciente de cómo la línea efectos mi arte y lo uso deliberadamente, pero no es algo en lo que normalmente pienso, como todos los conceptos que te enseñaré al principio, lo pensarás mucho, pero después de un mientras eliges qué hacer, conviértete en expresión automática de tu estilo, y sabrás qué efecto lograrás automáticamente. Simplemente trata de ser consciente de cómo diferentes artistas usan la línea, cuando miras su trabajo, y naturalmente desarrollarás una sensación por las diferentes formas en que puedes usar la línea también. También consigue lo más creativo que quieras, porque la línea es súper versátil y las posibilidades son infinitas. Siguiente es la forma. La forma es justo lo que sucede cuando una línea se encuentra al revés comienza. Cuadros, círculos, triángulos, etcétera son todas formas. Las formas son 2D, lo que significa que son planas. Las formas son extremadamente útiles, sobre todo cuando se dibujan proporciones de lo que se quiere dibujar. Puedes dibujar cualquier cosa de cerca, te mostré cómo descomponer objetos que ves en formas básicas. De esta manera, puedes iniciar tus bocetos con las proporciones básicas, y no tienes que preocuparte cuando lo añades detalle y termina luciendo torpe, porque no sabías a dónde se supone que va todo. Tener la habilidad de mirar a tu alrededor y ver las formas básicas que componen las cosas, es realmente esencial como artista. Si es difícil para ti ver las formas y los objetos cotidianos, te recomiendo que consigas revistas o libros con imágenes en ellos e intentes descomponer las imágenes que ves en formas usando un marcador sharpie, o si tienes una tableta que es aún mejor, solo puedes usar muchas imágenes diferentes y hacer lo mismo rastreando. Sigue haciendo esto hasta que se vuelva, fácil verlos. Asegúrate de mantenerlo simple y ya estás todo listo. Ver formas en temas complejos hará que sea más fácil dibujar lo que quieras. Otra cosa divertida que puedes hacer con las formas es exagerar o jugar con ellas. Por ejemplo, el artista Eleni Kalorkoti, utiliza la forma de la manera interesante. Sólo había prestado atención a la forma de su sujeto, pero también a las formas hechas en el fondo o al espacio negativo. Observe cómo su ojo viaja por todas las formas y es tan divertido mirarlas. Ella solía jugar un papel enorme en su estilo y como puedes ver, le dan a su trabajo una sensación realmente cool. En otro buen ejemplo es que juntamos tres círculos, piensa en uno debe personajes famosos de dibujos animados jamás hechos. Eso se debe a que los buenos diseñadores de personajes conocen la importancia de las formas y siempre prestan una atención cuidadosa a las siluetas de sus personajes. Como puedes ver, puedes reconocer quién es cada uno de estos personajes, pesar de que solo estoy mostrando la silueta. Una silueta es súper importante. Estos son solo algunos ejemplos, pero realmente se puede hacer mucho con formas simples así que no las subestimes y juegues con ellas. Ahora las formas son un poco más complejas. Es esencialmente una forma 3D. El círculo es una forma y una esfera es forma. Lo mismo con el cuadrado versus un cubo. La forma es importante porque vivimos en un mundo 3D y por esto, tu sujeto suele ser un 3D. Tienes que entender esto y pensarlo como sujeto 3D, sobre todo cuando estás usando una referencia fotográfica, puede ser fácil olvidar que es algo real de lo que tienes una foto. Por eso te recomiendo que empieces a dibujar de la vida, pero cuando sí terminas usando fotos, solo teniendo en cuenta que es una cosa 3D que estás mirando. Hará que tu renderización sea moralista y se sentirá bien. Pensar en tu sujeto como 3D significa que prestas especial atención a la iluminación, y al ángulo al que están enfrentando y así sucesivamente. Por ejemplo, si miras la obra de Gabrielle Brickey, lo primero que notarás es que todos sus retratos se sienten vivos y reales. A pesar de que sus estilos y los bordes están mezclados, se siente como si estuvieras mirando a una persona real porque es una maestra en ver cosas en 3D, que saber cómo rebota la luz en cada parte de la cara. Por suerte para ti, también es profesora de habilidades compartidas y tiene una clase sobre cómo usar la iluminación y los retratos. Te animo a comprobarlo si quieres dibujar o pintar a la gente, pero no te preocupes si esto se puso un poco demasiado complicado para ti, naturalmente te acostumbrarás a pensar en forma con el tiempo, y te mostraré una forma de practicar ver y dibujar a partir de la lección de ejercicios de dibujo. Hablemos de valor. 4. Valor: Ahora vamos a sumergirnos en algo un poco más complejo y puede ser desalentador, pero no te preocupes, como todo lo demás es solo práctica. Valor significa la ligereza u oscuridad de un color o matiz. Si miras a tu alrededor, notarás que algunas cosas son más claras y algunas más oscuras, y dentro de un objeto también hay partes más claras u oscuras dependiendo de lo que esté en la luz o lo que esté en la sombra. Si es difícil para ti ver el valor en color, siempre puedes empezar con solo hacer estudios en escala de grises, y una vez que lo entiendas completamente entonces pasar a tratar de ver el valor en color. Una forma más fácil de entender esto es haciendo una habilidad de valor en tu medio elegido. Es sólo una escala del blanco puro al negro que cambia gradualmente. Cada color también tiene un tono más claro y más oscuro y también puedes hacer una escala con ellos. El valor es lo que hace que tu arte luzca realista porque muestra una iluminación en forma del objeto. Este concepto es un concepto fácil de ignorar, pero es realmente importante dominar, para que tu arte tenga esa realidad especial, o incluso una enfermedad surrealista como recordar el arte de Gabriel. El motivo por el que se siente surrealista es porque es una maestra, en ver y pintar valor. Jugando con valores, podemos cambiar un contraste de valor de una imagen. Por ejemplo, esta es una imagen normal con escala de valor normal. Ahora la imagen de la izquierda es una imagen de alto contraste porque hay menos tonos de gris entre el blanco y el negro. Y luego uno de la derecha es una imagen de bajo contraste porque su escala de valor está dentro de un rango limitado con poca variación. Observe cómo el blanco y el negro ni siquiera están incluidos. Por lo general, las imágenes de alto contraste son dramáticas y bajo contraste o sutiles. También puedes implicar valores al sombrear usando patrones simples como mostré, independiente en clase. Muchos artistas principiantes evitan por completo el valor porque es tan difícil de dominar. Pero sólo conocer lo básico puede ser extremadamente beneficioso. Por ejemplo, en esta pieza, hice que el cristal saliera más y me sentí más brillante que hacer un fondo más oscuro y delinearlos con tinta negra. Esto aumenta en gran medida el contraste con el cristal más ligero e incluso las partes que son blancas. Se trata de una técnica sencilla y eficaz. Otro truco ordenado es hacer tu arte en blanco y negro usando Photoshop para ver si estás haciendo bien tus valores. Si haces una pieza que tiene casi los mismos valores en todo, se sentirá plana y habrá esa sensación subyacente de algo mirando hacia fuera. Asegúrate de que tus valores están cambiando a lo largo de tu pieza. Incluso si estás haciendo arte de caricatura, puedes hacerlo solo escogiendo colores con diferentes valores para diferentes partes. Hay mucho más que aprender sobre el valor y la mejor manera de hacerlo es con estudios de valor. Consigue un poco de carbón o lápiz y prueba a dibujar usando solo valores para la práctica. Ahora estudiemos sobre la habilidad más importante de cada artista. 5. La observación es primordial: Si has tomado mi clase, You Can Draw Anything, entonces ya sabes que la observación es lo más importante en la caja de herramientas de un artista. Sin la capacidad de ver adecuadamente no importa lo bueno que seas en dibujar círculos perfectos, tu trabajo sufrirá. observación hace mucho pero lo más importante no importa tu estilo, mantendrá tu trabajo luciendo único, creíble y vivo. Déjame mostrarte a lo que me refiero. Nuestros cerebros están cableados para hacer atajos, y esto es especialmente cierto a la hora de dibujar. Si miras la obra de un artista principiante o la obra de un niño, se ve algo como esto. El motivo es que el cerebro piensa que sabe cómo se ve todo y se interpone en el camino de dibujar realmente lo que ves. Si miras el mundo con ojos frescos en lugar de etiquetarlo todo, notarás los detalles y lo diferente que es todo. Un verdadero artista ve línea, forma, forma y valor cuando no dibujan un ojo, ni una manta, ni una planta. Ellos ven los detalles y las formas. Memorizar cómo dibujar algo no es malo. De hecho, esa es habilidad útil para cuando aprendes cosas como la anatomía y esas. El problema es que ya tienes muchas cosas defectuosas que memorizas cuando las dibujaste de niño o principiante. Yo también soy culpable de esto de vez en cuando. Por eso cuando dibujo pongo mucha atención a los detalles y me pierdo en ellos un detalle a la vez. Es importante no tener miedo de hacer un trabajo feo. Tu cerebro quiere que lo juegues a salvo. No lo escuches. En cambio, sé honesto con lo que ves al menos al principio. Cuando llegues a la par tus habilidades de observación y aprendes a ver bien, entonces tendrás la capacidad de estilizar todo lo que quieras usando tu propia voz única. Si observar es difícil para ti, mi consejo es practicar el dibujo de la vida tanto como puedas y realmente poniendo atención a los detalles y las líneas y te mostraré algún ejercicio que te ayudará en la siguiente lección. El punto es, no dejes que tu cerebro te diga lo que ves, escucha tus ojos en su lugar. La observación no debe ser complicada y de hecho debe hacer que el dibujo sea más fácil no más difícil. Al principio, te será difícil hacer el interruptor si aún no lo has hecho pero una vez que realmente lo veas, se volverá sencillo. Ahora que aprendimos los conceptos básicos más importantes en el arte, repasemos algunos ejercicios de dibujo que te ayudarán a hacer crecer tus habilidades rápidamente. 6. Ejercicios de dibujo: Ahora quizá conozcamos los fundamentos del dibujo, pero sin dibujar realmente, no mejoraremos. La práctica es clave para cualquier habilidad, sobre todo en el arte. Pero sé lo desalentador que puede ser mirar fijamente una página en blanco o no saber por dónde empezar. Por eso en esta lección vamos a repasar toneladas de divertidos ejercicios de dibujo, desde mejorar rápidamente. Estos ejercicios son para cualquier nivel de habilidad y no tienes que hacer todos estos en una sola sesión. Simplemente aprende los ejercicios y haz uno o dos cuando tengas tiempo libre. Pero intenta hacer cada una al menos una vez para que puedas ver cuáles son los más desafiantes. Esos son los que necesitas para trabajar más. Recuerda, cuanto más difícil es hacer algo, más estás mejorando. Toma los retos de cabeza. De lo primero que quiero hablar es de lo importante que es no subestimar la importancia de poner marcas en una página. No importa lo que sea que dibujes. El practicar, incluso haciendo formas básicas o simplemente líneas onduladas, te beneficia. Este fue un ejercicio de calentamiento y que se puede dibujar cualquier clase. Te dejaré entrar en un secreto. Yo lo invento. Se puede calentar de esta manera o se puede garabatear, o se puede practicar la eclosión o incluso a un pequeño garabato. Sólo haz algo, lo que sea. La próxima vez que estés mirando una página en blanco, saca un trozo de papel de chatarra y vuelve salvaje. Puedes practicar tus habilidades para hacer marcas con las herramientas con las que quieras experimentar, o puedes garabatear diseños intrincados, incluso tener clases sobre eso. O incluso puedes hacer unos estudios rápidos. No subestimes el hecho de que cada vez que pones bolígrafo en papel, estás mejorando. Haz lo que sea que flota tu barco. Ahora, vamos a entrar en algunos ejercicios de entrenamiento famosos que tienen reglas específicas. Para este primer ejercicio, estaré usando un pincel, pero puedes usar cualquier cosa que quieras desde bolígrafo hasta un bolígrafo de micras o un sharpie. Simplemente prefiero que no sea borrable para que no lo borres y redibujes las líneas todo el tiempo. El punto es no hacer eso. Esto es sólo un ejercicio. No te lo tomes en serio. Estaré usando mi mano como sujeto ya que las manos son complicadas, tienen mucho detalle y son fáciles de obtener. Te recomiendo que dibujes el tuyo también o escojas un tema con mucho detalle como manos. Ahora estoy dibujando el contorno. No me preocupan las proporciones o el sombreado o el color, solo los detalles se interpretan en líneas. Estás entrenando tus detalles y esbozos del ITC, y también lo estás entrenando para dibujar lo que ves en lugar de lo que crees que ves. A esto se le llama dibujo de contorno. Dibuja todas las arrugas y torceduras y cualquier otro detalle que salga. dibujo de contorno es la primera forma en que aprendemos a dibujar y es extremadamente importante dominar. Puedes tomarte tu tiempo y hacerlo súper detallado y preciso o hacerlo rápido como yo. Lo importante es mirar a tu tema tanto o más que a tu ponencia. Estás aprendiendo a observar adecuadamente. Haz tantas como necesites hasta que se sienta natural. Otra cosa que puedes hacer es el contorno ciego. Esto realmente te entrena para estudiar tu tema. Tienes que conseguir dos pedazo de papel y cubrir tu página con la segunda o simplemente dibujar un tema directamente frente a ti, en su lugar. Simplemente no puedes mirar tu página en absoluto. Escoge un punto y empieza a dibujar tu tema. Simplemente intenta lo mejor que puedas pero no mires tu página y ve tan lento o tan rápido como te sientas cómodo. Como puedes ver, mi resultado es de aspecto raro, pero este es un perfecto dibujo de contorno ciego. Es muy divertido hacer esto. No importa cómo se vea al final. Sólo estamos practicando. Si no sabes qué dibujar en la vida real, solo puedes dibujar las cosas al azar en tu escritorio, como lo hice aquí. Observe cómo no esbozo las proporciones de antemano porque como dije antes, los resultados no importan. Se trata de tener una sesión de práctica rápida. Si quieres patearla una muesca y practicar ver forma también, entonces puedes hacer dibujos de contorno cruzado. Esto es cuando usas la línea para mostrar la forma o el volumen de tu objeto. Estudia primero tu objeto. Es por ello que hacer temas realizados es mejor empezar, y luego usar la línea para mostrarlo. Por ejemplo, la olla es plana por sus lados, así que uso líneas rectas normales. Pero los tallos de la planta son redondeados en el exterior y ligeramente cóncavos en el interior. Yo uso la línea para mostrar esto. Aquí hay otro ejemplo de esto. Este es en realidad un dibujo grande de una estatua en la que me tomé mi tiempo, pero nos ayudó a estudiar la forma. Aquí hay otro. Si quieres hacer arte 3D, te recomiendo practicar mucho una habilidad para asegurarte de que entiendes la forma. También puedes hacer estudios de valor, que ignoran una línea en tu tema y en su lugar se enfocan en los oscuros y las luces. Hice muchos dibujos grandes de animales ya que ese es mi tema preferido. Estos se hicieron con aludido Inc y fueron divertidos y sueltos. Yo sí usé referencias de colores, pero si eso es difícil para ti, solo puedes usar el software de edición de imágenes para convertir tus imágenes en blanco y negro o simplemente encontrar imágenes en blanco y negro. Otra cosa que puedes hacer es el dibujo espacial negativo. Es cuando estudias el espacio negativo alrededor del objeto en lugar del objeto en sí. Esto te hace consciente del espacio negativo y de las formas que hace. También puedes intentar cronometrar tus dibujos para obligarte a aflojarte y a hacerlo rápidamente. Prueba cualquier cosa desde 30 segundos hasta 5 minutos. Esto en realidad es súper útil en el dibujo de gestos, que sólo está haciendo estudios rápidos de la figura humana. Hay toneladas de sitios que se hacen solo para esto y si quieres dibujar a la gente, te animo a que lo revises y lo hagas parte de tu práctica artística. De verdad acabo de rayar la superficie con estos ejemplos. Porque la verdad es, hay una infinita cantidad de formas de practicar. Simplemente haz lo tuyo, encuentra lo que te funcione, pero no huyas de los retos. En cambio, emocionate cuando conozcas a uno. Porque significa que puedes mejorar mucho en algo. Recuerda, todo es práctica. Ponga el tiempo haciendo ejercicios y experimentando. Ahora aprendamos conceptos más avanzados pero igualmente esenciales. 7. Patrones y texturas: Los patrones y texturas pueden ser extremadamente divertidos para jugar. También se pueden utilizar para darle mucha dimensión a una pieza. Además, no olvides que las texturas y los patrones son intercambiables porque un patrón también es una textura. Mostré un par de formas diferentes de sombra y ejemplos de patrones en mi anterior clase Pen and Ink Basic. pero no estás limitado a bolígrafo y tinta para esto. Se pueden utilizar patrones y texturas con todo tipo de medios. Puedes dibujarlo o pintarlo con lo que quieras pero no olvides, puedes llevar la textura al siguiente nivel para hacerla real. Esto es más fácil de hacer con pintura acrílica o al óleo y puede agregar más dimensión a tu arte. Las texturas y patrones pueden hacer que tu trabajo se sienta más táctil aunque sea plano y también pueden hacerlo más interesante, así que definitivamente juega con él y considera usarlo en tu trabajo. Por ejemplo, mira cómo la artista extremadamente hábil, Daria Hlazatova utiliza patrones y texturas en su trabajo para darle tanta dimensión a sus piezas y a otra calidad mundana. ¿ No solo tienes el impulso de extender la mano y tocarla a pesar de que sepas que es plana? Otro gran ejemplo es el magnífico trabajo de Matt Miller que en su mayoría utiliza la textura, pero nota la cantidad de detalle que pone. También los patrones son muy interesantes utilizados en todo. Sus piezas tienen mucho ritmo y detalle gracias a patrones y texturas. Catalina Estrada por otro lado, hace magníficos patrones que tienen textura dentro de ellos y patrones dentro de patrones. Su trabajo es tan divertido de mirar y a pesar de que hay mucho detalle, no es abrumador en su lugar se siente como una fiesta a los ojos. Como puedes ver, los patrones y texturas pueden ser súper poderosos todo por sí solos, así que no seas tímido en incorporarlos ni un poquito en tu trabajo. Ahora, repasemos los fundamentos de la teoría del color. 8. Teoría de color: Los colores que utilizas en tu composición pueden hacer o romper tu pieza. También se pueden utilizar para mostrar tu estilo único o transmitir emoción. Personalmente escojo mis colores de manera intuitiva, pero lleva tiempo llegar allí. Tenías que aprender primero los fundamentos de la teoría del color. Un ejemplo realmente bueno de una artista que usa colores fuertemente en su marca es Leigh Ellexson. Si la miras Instagram, puedes ver que usa colores similares en la mayoría de sus piezas, y todas tienen un ambiente pastel suave y soñado. Tiene un color principal que usa en todas partes para su marca y está casi incluida en cada pieza. ¿ Se puede adivinar qué es eso? Así es, rosa; y también piensas en amarillo pastel y azul. Si miras sus miniaturas de YouTube, usa superposiciones rosas en cada una. Es tan consistente con su marca. El punto es que usa los colores de manera muy efectiva para transmitir cierto sentimiento no solo por su trabajo, sino también por toda su marca, y hablaremos de esto más adelante. Ahora, primero repasemos con qué emoción suele asociarse cada color. El rojo es la ira, la pasión, o la atención. Al igual que por ejemplo, cada vez que vas de compras, todos los letreros de For Sale son de color rojo. El rosa es dulzura, romance, o juventud. Pienso en flores de cerezo o en una ropa de bebé niña. El naranja es felicidad, energía o confianza. El amarillo es positividad, motivación, y también energía. amarillo y el naranja son ambos colores felices muy potentes. El verde es natural, curativo, y reparador. Esto se debe a que el verde está conectado a la naturaleza y pensamos en árboles y hierba y planta, es un color muy relajante. El azul es tranquilo, estable y pacífico. Porque el cielo está azul por todas partes que estás en el mundo. Es un color muy estable. El púrpura es real, lujoso, y espiritual. El púrpura es muy raro en la naturaleza, solo algunas flores les tienen ese color, así que por eso es un color tan misterioso y especial. El negro es sofisticado, misterioso y fuerte. Connotación negativa al negro es la muerte en la cultura occidental, pero es gracioso porque en otras culturas ese color es blanco, pero el negro es un color realmente clásico y por eso siempre ves a muchos artistas solo usando blanco y negro en su arte y ningún color en absoluto. El blanco es pureza, santidad, y frescura. Blanco y negro juntos solo funcionan bien. Estas son sólo palabras generales que describen cómo suele sentirse la mayoría de las personas cuando miran un color y cómo pienso en ellos. No son reglas, son sólo consenso general de lo que hace cada color. Todos tendrán una asociación diferente con cada color. No te preocupes demasiado por ello. Esto no es realmente algo en lo que pienso, solo subconscientemente escojo los colores que hago. Ahora repasemos los fundamentos de la teoría del color. El color wheel es una herramienta súper útil para entender el color, y te recomiendo o hacer uno como lo hacemos en mi clase de color acuarela, o puedes encontrar toneladas de prefabricados en línea e imprimir uno y ponerlo en algún lugar que puedas ver ella. Contamos con colores primarios, que son los tres colores que se pueden utilizar para mezclar cualquier color que quieras. En medios tradicionales o impresos, son cian, magenta y amarillo. Pero en los medios digitales, son azules, rojas y amarillas. Sea cual sea el medio en el que trabajes, escoge la rueda de color adecuada para ti. Los colores secundarios son los bebés o mezclas de los colores primarios; y los colores terciarios son los últimos colores restantes que rodean las primarias. No importan las palabras, pero es buena idea conocer la terminología. Una cosa más a señalar es que hay colores fríos y cálidos. Los colores fríos tienden a retroceder y a sentirse tranquilos, y los colores cálidos salen hacia ti y se sienten vivos. Realmente puede ayudar en establecer el estado de ánimo para elegir tus colores en función de la temperatura y usar colores fríos y cálidos juntos para hacer que las diferentes partes de la composición destaquen. Esto también hace un contraste muy agradable. También contamos con colores complementarios los cuales son opuestos en la rueda de color. Si estos dos colores se usan en una competencia juntos, realmente se hacen pop entre sí. Hay que tener cuidado de no exagerar el efecto y diluir al menos uno de ellos. Pero puedes crear piezas magníficas con solo estos dos combos de color, sobre todo si un color domina una pieza y el otro se usa para conducir el foco a un área específica y pequeña. Los complementos de verde y rojo son famosos en mi favorito es de vacaciones. Cuando miras este cuadro, te sientes de alta energía y el espíritu navideño. Colores análogos son colores que están uno al lado del otro en la rueda de color. Una de mis combinaciones de colores favoritas es el rosa, el morado y el azul. Cuando uso estos colores, hace que las piezas sean muy cohesivas y agradables a la vista. Este enfoque es mejor para piezas más tranquilas. No tiene ese factor pop que tienen las combinaciones de colores de cortesía, pero puedes agregar un cumplido desde la mitad del grupo de colores para hacer que las cosas salgan un poco. Se hace un esquema de color triádico con colores que están uniformemente espaciados alrededor de la rueda de color, como nuestras primarias. Este combo de colores tiende a hacer para piezas muy vibrantes. Hay más combinaciones como un complemento split, pero no quiero que esto parezca demasiado técnico o complejo. De verdad depende de ti qué colores uses. Tu objetivo final debe ser tener una sensación de colores y crear con tu propio estilo y reglas. Las piezas más únicas y originales por ahí tienen sus propias combinaciones de colores únicas. Si quieres crear un monocromo o blanco y negro, entonces hazlo. Si te gusta usar cada color que hay para hacer efecto arcoíris, entonces adelante. Nunca duele ninguna teoría del color, pero haz lo tuyo. Si quieres recolectar combinaciones de colores que te gusten, te recomiendo que empieces un tablero de Pinterest y lo hagas, y tengo una que puedes seguir y pagar. Pero como cualquier otra cosa en el arte, no lo pienses demasiado ni te vuelvas loco. Se supone que se rompan las reglas, sobre todo en el arte. Pero para romperlos, hay que conocerlos primero. Ahora aprendamos los principios supremos y más importantes de los que debemos estar conscientes. 9. Principios del diseño: Ahora vamos a repasar los principios de diseño que son súper importantes de entender. Te animo no sólo a ver esta lección hasta que la obtengas, sino también a aprender más sobre ella desde donde puedas, ya sea un curso sobre los principios del diseño o un libro de biblioteca en tu biblioteca local, o incluso simplemente mirando otros arte de la gente justo después ver esta lección y tratar de ver cómo los usan. Tener una base sólida y entender los principios de diseño mostrará en su trabajo como composiciones equilibradas un conjunto armonioso y agradable de mirar la obra de arte. El primer principio es el equilibrio. El equilibrio es justo lo que suena, igual peso visual a ambos lados de la composición. Por ejemplo, una pieza simétrica está perfectamente balanceada porque si pones una línea en el medio, Está reflejada en ambos lados. Esta es una de las formas más fáciles de lograr el equilibrio. Si haces esto, automáticamente obtienes una pieza perfectamente balanceada. El equilibrio asimétrico es un poco más difícil de lograr porque se necesita práctica, pero esencialmente está ocultando la pieza hasta que ambos lados se sientan equilibrados aunque no sean simétricos. Por ejemplo, si pongo un círculo en la parte inferior izquierda de esta pieza, el lado derecho se siente vacío, por lo que está desequilibrado. Pero si añado uno más pequeño en la parte superior derecha, se siente un poco mejor, pero no totalmente equilibrado por la diferencia de tamaño. Ahora si lleno ese círculo, si se siente equilibrado porque a pesar de que es más pequeño, se siente más pesado. Esto se llama peso visual, y es algo que tienes que aprender a equilibrar en tu composición. Logra el equilibrio mediante el uso de formas, colores, líneas, contrastes, y muchas maneras diferentes. Se trata de una habilidad incorporada observación. A pesar de que este tipo de equilibrio es más difícil, son ilustraciones más comunes. En general, la simetría suele sentirse estable y la asimetría se siente dinámica e inestable. simetría también es muy limitante y por lo general se siente más segura. simetría suele ser más interesante, dinámica y las posibilidades de lo que puede hacer son infinitas. Este principio es súper sencillo de aprender, pero difícil de dominar. Estén atentos a los artistas que rebotan tus composiciones de formas interesantes. El siguiente principio es la unidad o la armonía. Esto sólo significa que las cosas parecen estar juntas. Por ejemplo, esto se ve raro porque hay demasiadas técnicas diferentes en cada pequeño elemento. Simplemente no coinciden ni tienen sentido en estar juntos. Ahora esto nos parece normal porque estamos usando técnicas similares en cada pieza y poco a poco moviéndonos a una manera más suelta, de arriba a izquierda a abajo derecha. A pesar de que la forma en que estamos haciendo la composición está cambiando, se siente armoniosa porque es gradual y bien pensada. Otra forma fácil de unificar es juntar objetos cerca usando la proximidad. Asociamos automáticamente lo que vemos como una cosa. Observe cómo está viendo tres grupos diferentes sólo porque las formas están muy juntas en cada uno. Otra forma fácil es mediante el uso de la repetición, que sólo significa repetir cierto elemento, como el color o la textura en toda la pieza. Esto simplemente se traduce en hacer la pieza el mismo estilo a lo largo y se puede ver en el grupo de puntos y líneas. El grupo de puntos y líneas es mucho más armonioso y unificado que el que tiene las formas aleatorias. También puedes usar la repetición para hacer ritmo visual, que es solo un uso de elementos similares que repiten para una sensación rítmica que se siente como las notas de la música. El siguiente principio es tener un punto focal. Esto es súper importante y solo significa un tema que es el centro de atención en tu pieza. El primer lugar en el que aterrizan los ojos de un espectador es el punto focal. Por ejemplo, esta pieza de Sam Yong capta tu atención y la enfoca en el corte de la cola sólo porque agregó color ahí y en ningún otro lugar. Esto también se puede hacer mediante el uso de contraste de escala, detalle, etcétera. El punto focal es sólo algo de lo que hay que tener en cuenta porque normalmente tienes en mente lo que es y para asegurarte de que nada aleatorio robe el foco de atención. Otra cosa importante que se vincula a esto es la continuación, que sólo significa que los ojos de los espectadores se sienten atraídos a lo siguiente, y lo siguiente por las líneas y formas en la composición. Por ejemplo, esta pieza de Michelle Wolfskulljack utiliza un punto focal en continuación de una manera genial. El primero que miras es un esculpir, por el contraste, ya que no tiene blanco en esa zona, entonces el pico te guía a mirar más abajo porque está apuntando ahí y miras la flecha, el cráneo, y el aire son los dos elementos más importantes de la composición y los miramos primero. Entonces miras hacia arriba al tomar todo el cuerpo del cuervo porque la flecha sube, y lo más probable es que tus ojos terminen en la parte superior del triángulo, luego seguir la línea hasta los pies, luego subir el cráneo y volver a pico. Incluir el triángulo en el fondo realmente ayuda a guiar los ojos del espectador. Tener un punto focal fuerte ayuda porque sabes dónde aterrizarán los ojos primero. Todo esto se hace de repente y tal vez inconscientemente, pero debido a que tus ojos tienen caminos por recorrer, nos resulta más fácil mirar a enjoin, incluso estudiar la composición. Para practicar ver esto, mira algún otro arte que te gustaría, presta atención a cómo viajan tus ojos y por qué. Otro principio es la escala y la proporción, que es justo lo grande o pequeño que se compara algo con las otras partes de la composición. Jugar con proporción de escala es súper útil en la ilustración. Por ejemplo, en mis clases de Qt, muestro que tener una cabeza grande y un cuerpo pequeño hace que las cosas sean lindas. Lo que hicimos fue observar a un animal o persona y luego simplificamos e hicimos el cuerpo pequeño y la cabeza más grande para una mirada linda. Eso se logró jugando con escala y contraste en sólo simplificando. También al jugar con escala, puedes recortar las cosas de una manera más divertida, ya sea acercando o alejando. Otra cosa súper importante a tener en cuenta es el espacio negativo y positivo en tu trabajo. espacio negativo es el fondo, y el espacio positivo es el primer plano, o su sujeto. Puedes invertir tu perspectiva para ver el espacio negativo. Un buen ejemplo de esto es la famosa ilusión de florero facial. ¿ Se pueden ver las caras mirándose, si el negro es el primer plano? Ahora puedes ver el jarrón si el blanco es el primer plano? Simplemente jugando con lo que es el fondo o lo que es el primer plano, estamos volteando nuestra percepción de lo que es el espacio positivo y negativo. Es fácil olvidar el espacio negativo alrededor de tu objeto. Impresionante hace formas y hay que prestar atención a esas formas tanto como lo haces al espacio positivo cerca del trabajo. Es importante notar la silueta del sujeto en tus piezas, una silueta fuerte que es fácilmente reconocible. Este es especialmente importante el diseño de personajes como mostraba antes. Acabo de repasar un montón de directores. Una forma fácil de implementar todo esto en tu trabajo es usar bocetos en miniatura antes de empezar. Tener una clase súper corta y el tema si quieres echarle un vistazo. Pero básicamente son pequeños bocetos de lo que vas a hacer. Podrás jugar con todos los conceptos rápidamente y probar muchas ideas diferentes sin perder suministros ni tiempo hasta encontrar la composición perfecta. Te recomiendo encarecidamente que le des un intento e incorporarlo a tu práctica artística. Como puedes ver, hay muchas cosas en las que pensar a la hora de hacer tu arte. Pero no te abrumes, solo trata de aprender estos conceptos lo mejor que puedas y automáticamente los aplicarás a tu trabajo. Al conocer todo esto, tendrás un ojo más crítico a todos los errores. Tiempo extra obtendrás inconscientemente una sensación de qué aspecto es bueno y harás que tu arte sea agradable sin pensarlo mucho. Ahora que tenemos para el diseño de cimentaciones, hablemos de cómo encontrar el medio adecuado para ti y por qué es tan importante experimentar. 10. El medio adecuado para ti: Es posible que ya sepas qué medio prefieres usar, pero si no lo haces, esta lección te ayudará a acostarlo. Antes de entrar en detalle, quiero que sepas que personalmente he probado casi todos los medios por ahí y sólo por probarlos físicamente me enteré de cuál era mi favorito para usar. Te recomiendo que intentes hacer lo mismo. Puede ponerse caro probarlos todos, pero solo prueba suministros baratos o incluso tal vez pedir prestado algunos de un amigo. Las dos categorías principales son el arte tradicional y el digital. El arte digital cuesta más empezar, pero una vez que compres la tableta, no tienes que comprar nada más. Una buena tableta más barata es la Wacom Intuos. Tengo uno de ellos y son bastante buenos. O puedes ir de la manera más cara y profesional y conseguir un Wacom Cintiq. A Wacom Cintiq es muy caro. De hecho te recomiendo en cambio te consigues un iPad Pro. Tiene las mismas capacidades que Wacom, y puede hacer mucho más, y es totalmente portátil. Todo lo que tienes que hacer es conseguir un lápiz para ello y eres de oro. Si estás usando una computadora, necesitarás software. Podrás encontrar los gratis, o puedes conseguir el Estándar de la Industria de Photoshop, que también es muy útil para hacer tus propios gráficos para un sitio web o cualquier otra cosa. O si estás en el iPad Pro, puedes conseguir Procreate, que es mucho más barato que Photoshop. El genial del arte digital es que una vez que tengas el software y la tableta, no necesitarás comprar nada más. Puedes hacer arte en tantos estilos diferentes y el arte digital es súper indulgente porque puedes trabajar en capas, y deshacer cualquier error cada vez que los cometas. Esto no significa que el arte digital sea más fácil, es simplemente diferente. Si quieres ser un artista digital, mi consejo es probar muchos pinceles diferentes hasta que encuentres tus favoritos. Con el arte digital, puedes trabajar más rápido y hacer más piezas pulidas en comparación con el medio tradicional. Si la mayoría de los artistas que admiras son artistas digitales, entonces probablemente serás un artista digital. Normalmente te atraen el tipo de trabajo que te encantará hacer. Pero si decides ser artistas digitales, no caigas en la trampa de no volver a recoger un lápiz. Por ejemplo, estas son algunas impresionantes piezas digitales del artista Bobby Chiu. Pero si miras su Instagram, verás que también hace dibujos a lápiz y utiliza medio tradicional de vez en cuando. Papel a lápiz sigue siendo la mejor manera de planear tus composiciones y hacer bocetos rápidos. Además, los libros de boceto son súper portátiles. Siempre puedes meterte en tus bocetos o tomar una foto para hacerlos digitales. Como puedes ver, Bobby lo hizo con esta pintura súper linda. Ahora, sobre el arte tradicional. Si bien el arte tradicional puede ser mucho más barato para comenzar con cosas simples como el papel y el lápiz, puede volverse caro a largo plazo, sobre todo si obtienes suministros de calidad profesional porque estás usando materiales físicos cosas. Por lo que tienes que reemplazar tus suministros regularmente y con cosas como acuarela, papel o lápiz. Puede ser bastante caro si utilizas suministros de calidad profesional. Pero no te preocupes, siempre puedes salirte con la tuya usando suministros más baratos al principio. Por ejemplo, aquí hay una pintura que hice usando pinturas y pinceles Crayola realmente baratos. No fue ideal, pero esto demuestra que no se trata de los suministros, se trata más del artista. Además, si quieres hacer impresiones de tu obra, bien necesitarás un escáner realmente bueno para piezas más pequeñas, o una cámara e iluminación realmente buena para obras de arte o arte más grandes con textura, mientras que los artistas digitales no tienen que preocuparse sobre esto. También necesitarás un escritorio físico para guardar todos tus suministros y utilizarlos. También es necesaria una buena fuente de luz, pero puedes salirte con la tuya simplemente usando la luz natural de una ventana. Además, cometer errores en el arte tradicional es mucho menos perdonar, pero depende de qué medio utilices. Por ejemplo, los errores en la acuarela o la tinta son realmente difíciles de arreglar, pero los errores en el óleo, acrílico o el guage, son fáciles. Dicho esto, soy un artista tradicional que se especializa en acuarela y tinta porque es mi cosa favorita para trabajar. Yo los amo. Las acuarelas tienen una vida propia y abrazo los errores. Para mí, no hay nada mejor que trabajar con mis manos y tocar todos los diferentes suministros y verlos interactuar con el papel y entre sí. Esto simplemente va bien con mi personalidad y es mi forma preferida de trabajar. Cuando era niño, usaba lápices de colores y lápices de colores, su mayoría hacía libros para colorear, y luego hacía pinturas acrílicas que eran grandes y abstractas, y luego probé cosas diferentes como pasteles al óleo, tintas, y finalmente acuarelas. No sabría que las acuarelas fueran mis favoritas si no tuviera nada con qué compararlas. Entonces mi consejo es probar tantos medios diferentes como puedas ponerte en tus manos, porque a todos nos gustan las cosas diferentes, y no vas a saber qué es eso hasta que lo intentes. Otra forma de encontrar a tu favorito es mirar a tus artistas favoritos y encontrar el medio que la mayoría de ellos tienen en común. Por lo general, preferirás ese medio tú mismo. Pero aquí te dejamos una explicación rápida de diversos medios tradicionales para ayudarte a hacer tu elección. lápices son geniales porque puedes obtener diferentes valores fácilmente. Te recomiendo bosquejar con lápices aunque no sea tu medio preferido y sobre todo si eres un artista digital, porque no hay nada más bastante parecido para conseguir idea abajo, y un buen borrador es tu mejor amigo. lápices de colores son igualmente divertidos, pero los pigmentados suelen ser irborrables. Pero tienen una textura súper divertida para ellos e incluso puedes mezclarlos. Los marcadores cópicos son muy caros, pero geniales en la fabricación de piezas controladas y todas mezcladas. Tienen una sensación pintada súper ordenada para ellos y puedes hacer piezas de superclase n-dimensionales fácilmente. Si son demasiado caros para ti, puedes encontrar alternativas que sean más baratas y probarlas para nosotros y luego ver si te gusta, y luego solo consigue un par de Copics a la vez. Hay muchas formas de usar tinta y tener una clase sobre el tema, pero sobre todo es con bolígrafos técnicos o bolígrafos profundos para piezas súper detalladas o simplemente para hacer contornos. O puedes usarlo como en realidad un medio de pintura con tinta diluida. tinta y la acuarela realmente reaccionan de manera muy similar al agua. Por lo que tienen un efecto muy similar cuando se usan. Húmedo y húmedo realmente resumen acuarelas y tintas para mí. Mira qué guapa se seca esto. Es por ello que estos dos son mis médiums favoritos con los que trabajar. Pero pueden ser difíciles de dominar y requieren mucha práctica. Al pintar con tinta o acuarela, prepárate para muchos accidentes felices y una texturas. Si quieres aprender a pintar con acuarela, ya tengo una clase sobre eso. Los pasteles al óleo son como lápices de colores unibles que pueden hacer súper durante las piezas o incluso trabajos hiperrealistas. Son realmente divertidos, sobre todo porque puedes mezclarlos con los dedos. Las pinturas al óleo también pueden tener el mismo efecto, pero pueden ser más complicadas de usar que otros medios por su tiempo de secado muy lento, y hay que usar un disolvente como la trementina, que puede ser tóxico y maloliente. Pero hoy en día esto no es un gran problema porque se pueden comprar pinturas al óleo solubles en agua. Las pinturas acrílicas, por otro lado, son más fáciles de usar porque conducen muy rápidamente en todo lo que necesitas es agua. Además, la pintura acrílica es mucho más barata que el aceite. Pero en esa nota, es una preferencia personal. Algunos artistas prefieren el aceite, y algunos acrílicos. He notado que los artistas que tienden a dibujar a la gente usan aceite porque el tiempo de secado lento les ayuda a mezclar más la piel. Pero algunos prefieren el acrílico porque es más fácil trabajar con él y no les gusta el lento tiempo de secado. Si quieres pintar sobre Lona, te recomiendo que empieces con acrílico y entonces tal vez puedas trabajar hasta tu camino a la pintura al óleo. Dale a ambos un intento de ver cuál realmente prefieres. Tanto las pinturas acrílicas como al óleo tienden a secarse más brillantes. Una vez que las pinturas acrílicas y al óleo están completamente secas, tampoco se pueden reactivar con agua, pero en su lugar hay que agregar más capas para corregir errores. gouache es más complicado porque actúa un poco como pinturas acrílicas, un poco como acuarelas. La mayor diferencia entre gouache y acrílico es que se seca mate, más rápido, y se puede reactivar con agua. El hecho de que pueda reactivarse con agua es lo que hace que sea tan complicado de usar. Si odias el hecho de que se remoja después de estar seco, siempre puedes comprar un lavado acrílico. Esto es algo nuevo y solo significa que una vez que está seco, está seco. Yo, yo mismo he estado dabbling a Gouache recientemente y en realidad es realmente duro pero divertido. Un artista que realmente domina este medio es Audra Auclair. Su trabajo es precioso. Entonces eso es todo para esta lista. Pero esto no es todo por ahí. Hay un montón de formas de hacer arte, y no te olvides, puedes mezclar diferentes medios juntos. A esto se le llama medio mixto. Por lo general, cuando la gente dice esa palabra, piensan en collages, pero realmente es la mezcla de cualquier medio que quieras. El punto es que no hay límites, pero hay que probar tantas cosas como puedas para encontrar tus formas favoritas de hacer arte. Como dije antes, miren el trabajo de artistas que admiran, para una pista de cuál será su medio preferido. A continuación, hablemos de por qué es tonto estar avergonzado de usar referencias, y lo importantes que son. 11. Cómo usar las referencias: Por cualquier razón, mucha gente tiene la idea errónea de que usar fotos de referencia es incorrecto o hacer trampa. Esto no es cierto. Las referencias son uno de los activos más esenciales que puedes tener como artista. Aunque tu objetivo sea sacar de tu imaginación, eso llevará años y años de práctica de estudio y sí, utilizando miles y miles de referencias en el camino. Ha habido casos de artistas que se meten en problemas porque sacan de referencias, que son propiedad de fotógrafo y no les acreditan. Creo que escaso algún artista principiante. El truco no es simplemente copiar una referencia, sino usar una pareja para hacer tu propia imagen, o si eliges usar una, asegúrate de hacerlo con tu propio estilo. Una vez que estilizas algo lo suficiente, se convierte en tu propio porque no se parece en nada a la referencia, o realmente podrías tomar la iniciativa y tomar tus propias fotos o usar referencias en vivo cuando puedas. Si quieres hacer copias exactas de una foto porque tal vez eres un pintor realista y quieres vender esa obra, entonces siempre puedes ya sea modelo superior, tomarte la foto tú mismo o pintar en escena, o si hubieras más bien gastar unos $ para hacer este trabajo, puede utilizar un sitio de imagen de stock. estos sitios hay miles de imágenes y solo te cuestan un par de $ para conseguir una. Incluso puedes encontrar algunos sitios de imágenes en stock gratis, pero son más limitados. Si solo estás dibujando para estudiar y no vas a venderlos ni beneficiarte de ellos, entonces no importa qué referencias uses. Tiendo a usar cualquier imagen que encuentre incluso en Pinterest, pero mis piezas terminadas nunca se parecen a la referencia. Normalmente cambio las formas a mi gusto, uso diferentes colores y cambio una competencia arriba y simplemente lo hago en mi propio estilo único. Las únicas cosas que tiendo a copiar son la pose y tal vez la iluminación, pero eso no puede ser copyright. Esencialmente uso referencias para asegurarme de que la luz capataz sobre mi tema sea precisa. Ahora si tu objetivo es sacar de la imaginación, puedes. Simplemente te llevará mucho tiempo llegar allí y necesitarás estudiar tu tema inmensamente. Siempre se necesitarán referencias sin importar lo bien que te pongas, aunque llegues al punto de dibujar de tu cabeza, porque hay tantas cosas que puedes dibujar y no es posible memorizarlas todas. Haz amigos con referencias y tira la tonta idea de haber estado haciendo trampa. Si no las usas, tu trabajo sufrirá mucho porque a menos que tengas memoria fotográfica, no puedes imaginar ni recordar cómo luce todo o actúa sin estar expuesto muchas veces a lo mismo. Ahora eso está fuera del camino, hablemos de estilo. 12. Cómo encontrar tu estilo: Encontrar tu estilo puede parecer desalentador y aterrador cuando comienzas a dibujar por primera vez. Es como el ingrediente secreto que todos los demás tienen menos tú. Estoy aquí para decirte que no es algo de lo que tengas que preocuparte. Tu estilo vendrá de forma natural con el tiempo. Con eso dicho hay algunas cosas que debes estar haciendo en el camino para agilizar el proceso de desarrollarlo. Lo que estoy a punto de decirte sonará tabú, pero dame una oportunidad. El secreto para encontrar tu estilo es encontrar muchos artistas que te inspiren y que admiras mucho y luego copiarlos. Para fines de estudio solo por supuesto, nunca compartas su trabajo y lo reclamarás como tuyo. Copiar se pone mal rep, pero probablemente sea la herramienta más importante para que aprendas cómo piensan los artistas favoritos y hacen que las composiciones usen color, línea, etcétera. Al tratar de replicar su trabajo, aprenderás mucho sobre no sólo los principios que ya cubrimos, sino también cómo mueven la mano, cómo usan sus medios de comunicación. Incluso descubrirás tus debilidades y fortalezas. Verás qué funciona y por qué y crecerás tus habilidades al mismo tiempo. Lo más importante de hacer esto es estar seguro de copiar muchos artistas, no solo uno o dos o tres, porque si solo copias uno o dos artistas, te arriesgas a convertirte en una copia de uno de ellos. Eso no es algo que quieras, eso es exactamente lo contrario. Tu estilo tiene que ser completamente único, no una copia de otra persona. Si copias a 20 artistas en su lugar, o incluso a 10, todos influirán en tu estilo. Sacarás las mejores partes de cada una y le pondrás tus propios giros. Al hacer esto, desarrollarás un estilo totalmente único y mágico propio. Así nace todo estilo original. Todos estamos influenciados por los artistas que nos precedieron. Cuando empezaba a aprender a dibujar, cada vez que veía alguna obra de arte que como copiaba usando lápiz y dejaba un poco de NM junto a ella para demostrar que no es mía. Las formas más avanzadas de copiar con los mismos medios que los artistas usaban para aprender más el medio y ver cómo lo hacen. Esto te enseñará mucho sobre el medio también. El punto es copiar está totalmente bien y debes hacerlo para agilizar tu proceso de aprendizaje. Sólo asegúrate de hacerlo solo para la práctica y no vayas por ahí compartiendo eso como tu propio trabajo y tu oro. El motivo por el que funciona este método es porque lo que encuentres inspirador en el arte es probablemente cómo terminará tu estilo, porque eres estilo es justo qué y cómo te gusta crear. Lo que más amas, es lo que te va a encantar para crear más. Te prometo que cada artista por ahí está inspirado han sido muchos otros artistas y de hecho siguen inspirándose incluso durante las carreras profesionales y en adelante. Especialmente cuando empezaban, tenían muchos artistas que los motivaban a hacer arte y que admiraban y que querían ser. Esos artistas han influido mucho en su estilo. Por ejemplo, una de mis artistas favoritas cuando estaba empezando con Katie Daisy, ella tiene un sentimiento caprichoso y feliz con su trabajo. A pesar de que usamos diferentes médiums e ilustramos de manera diferente, puede decir que mi trabajo está influenciado por el suyo, pero mi estilo no está cerca de copia del suyo. Acabamos de tener el mismo sentimiento positivo y nuestro arte y le gusta pintar temas similares. Amaba tanto su arte porque este era el estilo al que me dirigía. Seguro que también tiene artistas que la inspiraron antes y así sucesivamente y así sucesivamente. Otra cosa que recomiendo hacer es conseguir una cuenta de Pinterest o Instagram y recolectar arte inspirador allí. Esto te ayudará a encontrar a tus artistas favoritos y también alimentará tu mente subconsciente con muchas ideas y estilos diferentes. Cuando me siento sin inspiración, me gusta mirar a través de mis tablas y al ver un montón de arte hermoso, siento que quiero volver a pintar. En general no sudes encontrándote demasiado. Siempre crecerá y se desarrollará y seguirá evolucionando durante toda tu vida no es esconderse en algún lugar y saber que no estás en el desafortunado que nunca lo encontrará. Solo tienes que seguir creándolo y desarrollándolo haciendo lo que amas. Recuerdo cuando solía preocuparme por el estilo y solo pienso, wow, eso fue tan tonto de mi parte porque al final lo encontré y siempre estaba aquí y evolucionaba lentamente. Simplemente sigue tu pasión y tu corazón y descubrirás que estuvo contigo todo el tiempo. 13. Cómo rellenar las brechas: Hemos repasado muchas habilidades y conceptos esenciales que debes conocer para ser un artista exitoso y ser bueno en tu oficio pero eso no es todo. Eres el maestro de tu viaje creativo. Tienes que averiguar qué tienes que aprender para que tu arte sea lo mejor que pueda ser. Piénsalo como si fueras el maestro y el estudiante. Tienes que averiguar qué plan de estudios necesitas, específicamente tú, solo para hacer crecer tu arte y hacerlo mejor. Por ejemplo, si quieres maquillar personaje, es como realmente maquillarlos tú mismo desde cero, tienes que aprender anatomía y yo haría muchos dibujos de gestos, yo haría muchos estudios de gente y tienes que aprender cómo funciona la ropa y cómo gotea en el cuerpo. Como puedes ver específicamente para mí, me gustaría dibujar igual que objetos naturales como artículos de comida, como kiwis o como animales o flores y pájaros. Para mí es más como dibujo observacional. Eso es lo que más practico. Hice muchos estudios realistas y realmente pondría atención a la iluminación y sombreado y cómo el cuerpo de un animal está formado por formas y cosas así. Podría profundizar en esto, si yo, por ejemplo, estuviera obsesionado con los caballos, podría aprender la anatomía de un caballo y luego maquillarme mis propias poses de caballo, si estuviera haciendo como un libro infantil de caballo o algo así. Además, el medio que uso y el estilo que uso es muy importante también. Por ejemplo, para mi estilo, tengo que tratar de aflojarme tanto como pueda y eso es sólo algo que tengo que practicar. No es algo que pueda leer en un libro. Es sólo algo que tienes que sentarte y ponerlo a práctica todos los días y así es como me pongo mejor en ello. Por eso yo mismo sigo evolucionando. Lo mismo para ti. Tienes que practicar lo que sabes, pero al mismo tiempo desafiarte. Puede ser realmente malo tener vacíos en tus conocimientos. Por ejemplo, si quieres dibujar a la gente y no sabes dibujar las manos, que son bastante duras. No voy a mentir. Son bastante difíciles de dibujar. Rara vez los dibujo. Pero para mí es realmente observación cada vez y no puedo maquillar mis propias pausas de bolígrafo, porque solo tengo que mirar mis manos, están justo aquí, tus referencias están aquí. Pero el punto es, si quieres dibujar a la gente y no sabes dibujar las manos, siempre puedes tener a tu gente con las manos en los bolsillos o algo así. O si quieres dibujar a la gente, pero solo sabes dibujar la pose recta, no vas a tener una gran variación en tu estilo de arte de diferentes poses y cosas así. Puedes encontrar poses en línea, no tienes que memorizar todo. Puedes encontrar fotos de referencia en línea y todo lo que necesites, pero el punto es, poner el tiempo de práctica en cualquier conjunto de habilidades que tengas que tener. Otro ejemplo es si quieres, digamos, hacer bocetos urbanos o quieres maquillar paisajes urbanos, tienes que aprender dibujo en perspectiva y realmente tienes que mirar muchos paisajes urbanos y tienes que practicar dibujándolos todo el tiempo para conseguir el ahorcado de ellos y para entender cómo se ven. Así es como es con cualquier estilo que tengas ahí fuera con cualquier cosa que quieras hacer. Pero todos tienen algo diferente que les gusta dibujar y tienen una forma diferente de hacerlo. Tienes que averiguar qué es lo que te falta en tu conocimiento, ¿en dónde tienes vacíos? ¿ Qué es lo que te cuesta dibujar? ¿ En qué siempre te atascas? ¿ Es ojos, es narices, es flores y realmente te gusta dibujar flores, pero lo chupas, tienes que averiguarlo. Entonces hay que poner el tiempo y estudiar mucho ese tema. Lo que yo haría es o conseguir un pequeño planificador o un trozo de papel y simplemente anotar lo que necesitas para aprender más y luego dedicar un día determinado a cada cosa, o simplemente puedes dedicar un mes entero a una cosa como manos y luego ir a lo siguiente. Cualquiera que sea la forma que funcione mejor para ti, o tal vez simplemente tener una lista frente a ti y luego puedes elegir lo que quieras esa lista para trabajar ese día. Pero lo importante es desafiarte siempre porque si no lo haces, te volverás rancio y tu progreso será muy lento. Si te desafías, es mucho más rápido. Verás resultados mucho más rápido y estarán mucho mejores. Asegúrate de desafiarte, asegúrate de dibujar tanto como puedas y es tu responsabilidad ya que tal vez seas artista autodidacta, tal vez fuiste a la escuela, tal vez es un hobby, pero es tu responsabilidad figurar fuera lo que quieres poder dibujar y aprender a hacerlo. Una vez que hagas eso, te sentirás poderoso y podrías hacer lo que quieras. Nunca te lastimarás por tener demasiados conocimientos, pero puedes ser por tener demasiado poco. Asegúrate de solo cubrir todas tus bases y luego podrás hacerlo lo más estilizado que quieras y en cuanto tengas una base abajo y aprendas todas estas habilidades diferentes, tu trabajo se verá mucho mejor aunque lo tengas súper estilizado porque conoces cosas como valores, la forma de las cosas o lo que sea que tu estilo necesita saber. Incluso si vas a ser realmente caricatura como yo, tienes que conocer lo básico porque si no lo haces, tu trabajo va a sufrir. Tan solo tómate un poco de tiempo todos los días y aprende un poco. Ya sabes, estás en la mejor plataforma de aprendizaje en internet en mi opinión. La escultura tiene tantos profesores en tantas materias diferentes y puedes aprender lo que necesites para aprender. Mi consejo es nunca dejar de aprender, ver tantas clases como puedas. Pero mete el tiempo de práctica, porque si no lo practicas, lo olvidarás y no vas a memorizar y realmente no lo vas a aprender. Practica, aprende y tu trabajo seguirá creciendo cada vez más. Tan solo pon el tiempo dentro. Mi consejo es tener un cuaderno de bocetos en el que guardar todo tu trabajo. Incluso puedes hacerlo completamente privado nunca mostrando a nadie como un diario. Entonces siempre puedes ver tu progreso y solo rellenar cada página y simplemente practicar todos los días. A lo mejor tener un gol durante una portería por página al día, tal vez guardar 20 minutos por la mañana para el arte. A lo mejor, en los fines de semana media hora cada semana y día o si realmente estás tratando de convertirte en artistas profesionales, tienes que poner tiempo en casi todos los días. Asegúrate de encontrar la manera de poner tu práctica artística en tu vida y de estudiar y aprender y crecer y simplemente disfrutar del proceso de mejorar en lo que estás haciendo y simplemente experimentar y crecer. Es una sensación increíble y es extremadamente satisfactoria. Ahora hablemos de lo más importante que todo artista necesita si quieres sacar provecho de tu trabajo. 14. Cómo construir tu audiencia: Ahora hablemos de construir tu audiencia y encontrar tu nicho. No importa lo que quería hacer como artista, si no tienes público, mucho más difícil de triunfar. Si miras a todos los artistas exitosos por ahí, notarás que la mayoría de ellos tienen un enorme seguimiento de redes sociales. No todos hacen esto. Algunos de ellos solo tienen agentes de arte y freelance, pero tener un enorme seguimiento realmente puede ayudar. Simplemente puede ser Instagram o YouTube, o Pinterest, o Twitter, o Facebook. Puedes usar un par de estos, solo uno de ellos o dos de ellos. Creo que en este momento actual de 2018, Instagram y YouTube son las plataformas de redes sociales más poderosas para artistas. Pero si algo más te funciona mejor, entonces usa que otras ideas son Tumblr o Dribbble o cualquier otro medio social que sea ampliamente utilizado. Otra cosa que puedes hacer es hacer crecer las listas de correo con solo poner un formulario simple en tu página web. Esto te garantizará tener un acceso personal y directo a tu público. Otra cosa que puedes hacer es iniciar un blog en tu sitio relacionado con el arte. Simplemente escribe sobre lo que sea que te apasione. Puede tratarse de tu proceso creativo, revisiones de suministros, o incluso puedes hacer tutoriales. Tener un blog es una gran manera de crecer porque la gente te encontrará a través de Google e incluso puedes monetizar esto con afiliados. Hablaré de esto en la siguiente lección. Estos son solo algunos ejemplos de por qué tener sitio web es beneficioso. Especialmente necesitas uno si quieres lucir profesional y ganar dinero como artista, ya que es importante tener uno y mostrar tu mejor y más reciente arte. A esto se le llama su cartera. Esto no sólo te hará lucir un verdadero artista a tu público, sino que también aumentará en gran medida la probabilidad de cliente te contacte para trabajar en un proyecto. Aunque no te interese hacer trabajo freelance, siempre es bueno tener un lugar donde puedas traer todo lo que estás juntos. Hay numerosos beneficios por tener tu propio sitio y no tienes que saber entrenar para configurar uno. Yo personalmente uso Squarespace. Me resulta tan fácil hacer lo que quiera mi sitio sin ningún conocimiento de codificación. Pero no puedes retener datos en un sitio hasta que ya tengas un portafolio de ilustración fuerte y algunos seguidores. El mejor momento para hacer un sitio es cuando estás listo para empezar a sacar provecho. Porque una vez que utilices, puedes sacar los gastos de tu sitio web de tus impuestos, serás autónomo. Esta lección no está aquí para mostrarte cómo usar Instagram o YouTube. Hay toneladas de consejos y trucos por ahí con una rápida búsqueda en Google y hay muchas clases sobre el tema que se encuentran aquí en Skillshare. Pero hay un par de consejos que puedo compartir contigo. En primer lugar, elige una o dos plataformas y piensa con qué frecuencia quieres hacer nuevos contenidos. A lo mejor un Instagram publica cada dos días y video de YouTube una vez cada semana o dos. Después hacer contenido de alta calidad. La calidad siempre supera a la cantidad. Hacer mucho cosas de alta calidad es la mejor manera de hacerlo, pero eso puede abrumar para la mayoría. Simplemente haz lo mejor de eso para que luego puedas ponerlo por ahí. Si tus cosas son buenas, la gente lo encontrará y te suscribirán o te seguirán. Dicho eso, es un proceso lento y no se desanime mirando los números al principio. Celebra a cada nuevo seguidor porque esa es otra persona que está interesada en tu trabajo y tu estilo en ti. Tampoco recomiendo pensar en quién es demasiado tu público al principio. Eso se dejará claro con el tiempo. Atraerás a tu público natural con el trabajo que haces en redes sociales te encanta mostrarte estadísticas y quién sigue tu trabajo. No te preocupes demasiado por empezar. Eso también es importante para entender tu nicho y marca. Una buena manera de conseguir el corazón de eso es hacerte preguntas como estas. ¿ Por qué haces arte? ¿ Por qué lo quieres compartir? ¿ Qué hace especial tu arte? ¿ Cómo quieres que se sienta el espectador? ¿ Cuál es tu cosa favorita para ilustrar y por qué? Contestar estas preguntas te ayudará a que tu marca sea más clara. A lo mejor te gusta hacer cosas realmente lindas y solo quieres que la gente sea feliz. A lo mejor te gusta el detalle extremo y cuando la gente está asombrada. O tal vez haces cómics que se especializan en los 90 y en la histología y haces reír a tanta gente. El punto es que tienes una probabilidad mucho mayor de ser recordado y exitoso si sabes cuál es tu marca. Es decir, piénsalo, la mayoría de los artistas son conocidos por algo específico. Al igual que Katie Daisy mix posit art que está conectado con la naturaleza y lo hace Si eres feliz y optimista. Si te desplazas por su feed de Instagram, puedes ver cómo todo está relacionado con la naturaleza y qué tan fuerte es su marca. O qué tal Peggy Dean, que también era Skillshare, maestra. Observe lo limpio que está su feto y puedes decir de inmediato que hace tutoriales y dibujos paso a paso. Una de sus pasiones es enseñar. Se especializa en tres cosas, letras, entintado, y acuarelas. Ella trata de hacer el arte fácil como yo. Se puede ver todo esto con solo desplazarse y también notar cómo Peggy realmente ama las flores y el trabajo botánico y las letras de pincel. Esos son sus temas principales. Se puede decir la sensación de su plan con sólo mirar a través y se puede ver que es para personas que quieren aprender y hacer crecer su arte. Recuerda también a Lee Erickson de la lección de teoría del color. Observe cómo su trabajo es tan cohesivo y se obtiene cierta sensación al mirarlo también. Algunas palabras que usaría para describir su trabajo son soñadoras, lindas, felices y mágicas. También tiene un tema que es su favorita para pintar animales. No olvidemos los impresionantes colores que repiten y conforman su marca. ¿ Ves por qué el branding es tan importante. Está bien experimentar tanto como puedas cuando buscas tu estilo. Con el tiempo has ganado el suyo mismo hasta cierta esencia y luego estás listo para compartirlo con el mundo. Te recomiendo que te tomes un momento para conseguir un trozo de papel, y solo se hace una lluvia de ideas sobre lo que crees que va a tratar tu marca. ¿ Qué palabras crees que describen tu arte? ¿ Qué palabras quieres describir tu arte? Otra forma de mirar es preguntarte, ¿cuál es mi misión personal con mi arte? Hacer arte por el bien del arte es genial, pero hay algo mucho más profundo que eso. Hay una razón por la que quieres ser artista y hay algo específico que es tu misión. Mi nicho y misión es enseñar a otras personas a hacer arte. Pero si vas más profundo, quiero que todos sientan que pueden hacer cualquier cosa. Yo quiero que el arte sea fácil para la gente, como clé como suene. Yo quiero cambiar el mundo y hacer que más gente haga arte y el otro lado del arte es animar a la gente. Me encanta usar colores vibrantes y pintar sujetos alegres, felices y a veces uso letras de pincel con mensajes positivos para que eso sea aún más fuerte. De hecho, cuando empecé a poner mi arte por ahí, lo hice en Tumblr con un montón de piezas diminutas que me llevaban alrededor de 15 minutos al día. Mi objetivo era hacer más feliz a la gente y cambiar el mundo para mejor. No gané dinero haciendo esto por conseguir un montón de mensajes de gente que inspiran a continuación, crecieron bastante fuertes siguiendo. Mirando hacia atrás, fue como construí mi marca y estilo de audiencia al principio. Simplemente ponte ahí fuera y haz lo que te gusta hacer. Tu misión se hará más clara y descubrirás cómo se ve tu marca y nicho si aún no tienes ninguna pista de cuál es tu marca, echa un vistazo a tus fortalezas y tu personalidad, y tal vez incluso pregunta a un ser querido qué palabras usarían para describir tu arte o tú. Mi mayor consejo es hacer lo que amas, dibujar lo que amas, y probar todo lo que tendrías un deseo. Estás en un viaje de autodescubrimiento y eso es algo hermoso. El camino se hará más claro con cada paso. En la siguiente lección, te compartiré mi historia para mostrarte cómo se conecta todo lo que haces. 15. Mi historia de arte: Antes de pasar por una lista de cómo hacer dinero como artista, quiero compartir mi historia contigo, solo para que veas lo que veo cuando miro hacia atrás y conecto los puntos, porque creo que ahí hay un par de lecciones valiosas. Algo que quiero señalar es que no voy a estar mencionando todo el tiempo que pasé estudiando mi oficio, todos los libros que he leído, todo el tiempo que pongo en práctica, y simplemente mejorando en lo que hago. No voy a mencionar todo eso, sólo voy a estar mencionando las cosas que realmente probé. Como saben para la última lección cuando estaba empezando, hice un vaso de obras de arte positivas, y lo actualizaría todos los días. De verdad me encantó hacer eso. Fue tan divertido. No gané dinero con ello, pero fue tan satisfactoria porque sentí que marcaba una diferencia en la vida de las personas, porque recibí correos electrónicos de ellos, y veo como a veces mis posts obtendrían miles de notas y estoy como, bueno, no sé cuánta gente vio eso, cuánta gente habría sido levantada, y simplemente se sintió realmente bien, y me encanta hacer eso. Sabía que algo con esas cosas era lo que se suponía que debía hacer. Alrededor de esa época, también empecé a aprender diseño gráfico porque pensé, realmente no se puede ganar dinero como artista, y que hay que ser diseñador gráfico si se quiere estar en ese campo. Yo quería ser así, no soy el tipo de persona que realmente le gusta un entorno de aprendizaje estructurado, me gusta aprender por mi cuenta y escoger mis propias cosas que hacer, pero todos son diferentes. Yo lo estaba aprendiendo, y luego empecé a hacer trabajo freelance. Me gustaron logotipos y folletos y lo odié. No hay nada malo en trabajar con clientes, todos son diferentes. Pero me di cuenta de que eso no era lo que quería hacer. Se supone que tengo que hacer mi propio contenido. No me gusta que me digan qué hacer y luego cumplir que no es lo mío. Pero tal vez eso sea lo tuyo, no digo que sea algo malo, solo digo que me di cuenta de algo de mí mismo, y por eso de verdad te animo a probar cosas diferentes. También empecé a hacer como pequeñas comisiones de arte en este momento y cobrarle un poco de dinero por ello. Eso realmente me ayudó a crecer mis habilidades, y salir de mi caja. También en este momento empecé a hacer Threadless. Threadless es una cosa de competencia de diseño como camiseta, y estás haciendo una especie de luce como gráficos divertidos en ellos como gatos y sólo cosas divertidas. Me encantó el reto de ello, y siempre los haré un ilustrativo con digital, y me di cuenta de que realmente no me gustaba trabajar en Illustrator tanto como hice mi pequeño post de tumbler. Me di cuenta de que los medios tradicionales eran más para mí. Al mismo tiempo, me di cuenta de que habían llevado a diferentes competencias, composición abierta donde se podía hacer lo que quisieras, y a las temáticas donde tienen un tema para ti. Me doy cuenta de que no me gustó hacer las temáticas, así que realmente me gusta estar abierto y no ser puesto en una caja en absoluto. No sé por qué, pero mi creatividad siempre deriva de eso y es como si no la controlara. Algo me dice qué hacer, algo fuera de mí. Así es como se siente. Si algo me dice qué hacer, no puedo ser creativo. Al hacer todo esto, estaba aprendiendo cada vez más sobre mí misma. No quería ningún concurso Threadless, pero estaba compitiendo con los mejores artistas del mundo. No me sorprende. No era tan grande en aquel entonces, alrededor de esta época, decidí probar la universidad hace. Acabo de ir a un colegio comunitario que tenía algunas clases de arte. Yo sólo tomé algunas clases de arte sólo para ver cómo era. Me di cuenta de que odiaba bolígrafos ambiente de aprendizaje texturizado otra vez, decir, algo sobre ti mismo siendo como repetido un par de veces para entender eso. Pero algo realmente bueno salió de ello, porque me desafiaron a hacer realmente grandes obras de arte realistas como estudios de vida de las cosas. Porque hice esto, me di cuenta de que era más hábil de lo que pensaba y realmente sombrío hasta las habilidades de observación. Ayudó a desafiarme, e hicimos estos ejercicios de dibujo que también me ayudaron a aflojarme. Me di cuenta de la importancia de probar ejercicios, y por eso les dije chicos que son súper importantes. También había una pista sobre lo que debía hacer a continuación cuando estaba en la escuela, le expliqué algo a un estudiante sobre ser Watercolorer. Entonces otro estudiante me dijo, deberías enseñar, y yo estaba como: “Ooh, no, esa es una idea terrible. Yo sería un maestro terrible”. Sí, aquí estamos. Pero es gracioso porque tenía esa pista y simplemente me lo encogí de hombros. ¿ Y si nunca le doy una oportunidad a la enseñanza? Sólo porque me limité. Por eso no te limites chicos y solo inténtalo todo. No sabes lo que te gusta hasta que lo pruebes, no sabes en qué vas a ser bueno hasta que lo intentes. Tan solo dale una oportunidad a todo. Después de un par de clases, me di cuenta de que no era por mí y renuncié. Entonces intenté transmitir en Twitch.tv. Cuentan con una sección creativa donde se pueden publicar pinturas y arte. Había mucha diversión. Haría como obras de arte mientras hablaba con la gente durante horas. Haría obras de arte que me tardaron más en hacer que mis pequeñas piezas de vaso. Yo estaba más en serio con ellos. En realidad, sin saber si estaba construyendo mi portafolio de ilustraciones mientras hacía esto, y también mi confianza en hablar frente a una cámara. También conseguí todo el equipo que necesitaba para llenar mi primera clase de Skillshare. También estaba trabajando con videos, como averiguarlo, cómo sabemos dónde colocar mis cámaras, cuando hice mi arte, y cosas así, y apenas estaba aprendiendo mucho. Fue divertido y me hicieron construir mi confianza porque, 40 personas sintonizaban a la vez y miraban la pintura. Me di cuenta, tal vez no estoy finalmente podría suficiente. A lo mejor, el crítico en mi cabeza puede estar callado ahora, y sé lo que estoy haciendo. Hice un año de eso y luego renuncié porque dejó de ser divertido, y siempre cayó la pasión. Sé que soy un renunciador pero en realidad solo estoy siguiendo mi pasión y perdiendo algo. Pero en este momento no sabía realmente qué hacer. Recordé que Skillshare me envió un correo electrónico hace un par de años para dar clases, y los ignoré porque pensé, todavía no soy lo suficientemente bueno. Fui a su página web y vi que tenían un reto de enseñar y pensé, tal vez debería intentar dar una clase de acuarela porque la gente lo complica demasiado y quería hacerlo sencillo y demostrar que cualquiera puede hacerlo. Hice mi primera clase y apenas dormí, y estaba obsesionada con ella. Cuando terminé, puse tanto trabajo, y ahora es como pensar, ¿qué pasa si nadie mira esto, y qué pasa si realmente hice un mal trabajo? Obtuvo una respuesta tan grande. Estaba tan feliz porque me apasionaba mucho hacerlo, y me di cuenta, finalmente encontré mi pasión y mi nicho. Después de eso, solo seguí haciendo más y más clases. Yo quiero volver a todo el asunto de la construcción del público. El motivo por el que conseguí a mi primer par de estudiantes que necesitas tendencia en Skillshare fue porque tenía un público bastante grande en tumbler y hice un sorteo ahí. Pero la mayoría de ellos no se unieron a la clase, realmente como tal vez 20 personas lo hicieron. El problema era que tenía 13 mil seguidores, pero a todos no les interesaba aprender arte. Por eso es importante construir una audiencia específica de lo que se quiere hacer, y de lo que se quiere proporcionar. Pero en ese momento no sabía que iba a enseñar. Entonces no puedo culparme. Pero tener ese público, aunque solo se uniera un par de personas, realmente me ayudó porque esa era la única razón por la que podía intentarlo. La única razón por la que mucha gente vio mi clase desde Skillshare más tarde. Después de mi éxito de mi primera clase, simplemente seguí haciendo clases, y haciendo clases, y haciendo clases. Yo estaba obsesionada. Me encantó hacerlo tanto. Por fin podría realmente hacer ingresos normales como artista y no preocuparme por ello. Mirando hacia atrás, me di cuenta de que todo lo que hice en lo que fallé o renuncié, realidad eran habilidades súper importantes, y fueron la razón por la que hice una clase de Skillshare tan exitosa. Piénsalo. Aprendo diseño gráfico, que es súper importante para hacer pequeñas miniaturas para las clases, y las imágenes de portada, y cómo enmarcar tus tomas y todo eso. El diseño gráfico es muy importante también en el arte mismo. Por eso les enseñé esos principios básicos. Lo siguiente que aprendí fue, cómo usar Adobe Photoshop y secuelas ilustradas. Por eso, podría aprender a usar premier mucho más fácil porque todos son muy similares. Entonces la edición de video no fue una curva de aprendizaje tan empinada para mí, como lo sería para alguien más. Es totalmente nuevo en esto. También tenía todo el equipo de streaming y eso me ayudó. También construyo mi portafolio a partir de streaming que podría mostrar mi trabajo. qué esfuerzos hacen clase voy a demostrar eso, sí sé hacer arte. Es solo todo construido a partir de todo lo que traté de pasar. Porque traté de todas esas cosas diferentes, aprendo cada vez más sobre mí mismo, y quién soy y lo que me gusta hacer, lo que no me gusta hacer, y por eso, sé dónde concentrar mi energía. El único modo de aprender todo esto es probar cosas diferentes. Te animo a probar lo que sea que te interese en cualquier momento, ser apasionado, a probarlo. Si no te gusta, quieres algo nuevo. Si no te gusta algo que aprendiste sobre lo que haces te gusta, porque no me gusta por ejemplo. No me gusta tener un breve creativo. No me gusta que me digan qué hacer. Sé que por un hecho que me gusta la libertad, me gusta trabajar para mí mismo, me gusta ser cráter por completo y que nadie me diga qué hacer. Al saber lo que no quieres, sabes lo que no quieres. Dale todo lo que puedas un intento. Te beneficiarás mucho de cada experiencia, aprenderás algo nuevo. Al final, nunca se sabe cómo se conectarán los puntos y qué harás en el futuro a partir de las habilidades que aprendes en tu pasado, solo probando cosas diferentes. ¿ Qué sigue en mi viaje? No sé estaba pensando en hacer una app para iPad, libros para niños, hay muchas cosas en las que sigo pensando hacer. Estoy tan obsesionada con hacer clases, y aún así voy a hacer eso, pero voy a empezar a tratar de ramificar más, y porque tengo la estabilidad de Skillshare, y es un ingreso, no tengo que preocuparme al respecto tanto. Puede ser tan creativo como quiera hacer, lo que quiera hacer. Estoy tan agradecida de que le dé una oportunidad a la enseñanza y no solo me delaté y dudé de mí mismo y que acabo de probarlo. Prueben tantas cosas como puedan chicos. No puedo enfatizar la importancia de eso porque si no hubiera dado una oportunidad a enseñar, no estaría aquí ahora mismo. Ese sería un mundo muy triste para mí. A lo mejor algunos de ustedes que se inspiran en mi estilo de enseñanza, y no sabía que tenía la habilidad. Sólo dale una oportunidad. Tu viaje será diferente al mío, al de cualquier otro, pero tienes que empezar en alguna parte. Simplemente haz cosas que importan. Prueba tantas cosas como puedas y diviértete. En la siguiente lección te voy a mostrar diferentes formas de ganar dinero, y estas son todas las cosas que puedes probar y ver qué funciona para ti. 16. Diferentes formas de ganar dinero: Esta lección es para aquellos que o bien aspiraban a ser artistas profesionales o ya son artistas profesionales, o incluso si solo tienes curiosidad de cómo los artistas pueden ganar dinero. La verdad es que, gracias a internet, hay una miríada de formas de sacar provecho de tu arte. Todos los artistas exitosos por ahí tienen su propio camino único que tallaron en base a su marca y a lo que les gusta hacer. La mayoría de estas formas requieren audiencia establecida. Ese suele ser el paso uno, pero a algunos no les gusta el trabajo freelance. Mi consejo es empezar ahora y probar tantas formas diferentes como puedas para averiguar qué es lo que te gusta hacer. Cuando encuentras esa cosa que te apasiona y que te encanta hacer, esa cosa que no se siente como trabajar y podrías hacer todo el día, entonces concentrate completamente en ello. Tampoco tiene que ser sólo una cosa. La mayoría de los artistas hacen varias cosas a la vez. Esta lección, te daré toneladas de ideas y cómo hacer dinero. Obtuve estos al observar cómo otros artistas se ganan la vida. Te animo a observar cómo lo hacen tus artistas favoritos también. La mayoría de los artistas se mezclan y combinan de diferentes maneras y todos suman. Mantén tu mente abierta y prueba muchas como puedas. Recuerda que no sabía si sería un buen maestro, pero estoy tan contenta de haberlo probado. De la misma manera, puede que no sepas qué hacer, pero una vez que lo pruebes, estarás seguro si es lo correcto para ti, y si no lo es, puedes probar otra cosa hasta que encuentres esa cosa que realmente te encanta hacer. Antes de empezar la lista, quiero decir una cosa más. No olvides que todas estas formas requieren mucha perseverancia, dedicación, y trabajo duro y habilidad. Tienes que llegar al punto donde eres lo suficientemente bueno como para cobrar por tu oficio. Eso no significa que debas esperar hasta tu perfecto. Simplemente significa que no debes decepcionarte si no tienes éxito y no estás listo. Estás aprendiendo de todo lo que intentas. Lo más importante es la perseverancia, porque un día serás más que lo suficientemente bueno y lograrás todo lo que sueñas y más. El primer camino es cuando la mayoría de los artistas ofrecen por un lado o como su principal fuente de ingresos, es vender grabados u originales de su obra. Existen dos formas principales de vender impresiones. El primero es conseguir una impresora e imprimirla usted mismo y venderla en un sitio como Etsy, Bigcartel, o en su propio sitio. Si tienes un gran seguimiento haciéndolo tú mismo es viable a través de tu propio sitio. Si no lo haces con recitar como S8 porque tienes una alta probabilidad de que la gente descubra tus huellas y tu trabajo cuando realizan búsquedas en el sitio. Simplemente tendrás que pagarle un pequeño porcentaje a Etsy por cada venta. Publicar artículos es gratis. Si no quieres lidiar con el ajetreo de la impresión y el envío, siempre puedes vender en un sitio impreso bajo demanda como Society six, solo recibes un par de dólares por cada venta y ganancias son mucho más lentas, pero todo lo que tienes que hacer es subir tu trabajo y además tuvo la misma conveniencia de ser buscada como Etsy y Society six, también puedes imprimir en pegatinas, bolsas, tazas, etcétera. También tienen ventas muy a menudo te enviarán un correo electrónico sobre ellas para que puedas avisar a tus seguidores si quieres conocer más sobre Society six, ya hicieron una clase solo por compartir habilidad sobre ellos. Si no quieres Society six, hay otros sitios web y hay toneladas de otras clases sobre sitios de impresión bajo demanda. Se quiere vender obra original, mirando a otros artistas con su público escalable y el mismo medio y químicos y ver cómo califican su trabajo. Las pinturas acuarelas, por ejemplo, suelen vender entre 50-300 dólares, pero Euler Las pinturas acrílicas sobre un lienzo grande, venden mucho más desde cientos hasta miles de dólares. Esto también depende de lo famoso que sea el artista. Si quieres convertirte en artistas de galería de bellas artes, puedes tratar de mostrar tu trabajo en galerías, sobre todo si tienes una colección e incluso puedes hacerlo de manera local. El problema es que esto es muy competitivo. La buena noticia es que hay muchos sitios web de bellas artes. Te dejaré enumerar tu trabajo de forma gratuita y son una gran manera de que lo descubran los coleccionistas si eso es lo que quieres hacer, puedes cotizar tu trabajo a precios de galería y mucha gente vio su trabajo de esta manera. No tengas miedo de aprovechar Internet. Te sorprendería cuántos coleccionistas encuentran su arte en línea. Si decides vender piezas grandes en línea, solo asegúrate de averiguar cómo enviar tus piezas más grandes de forma segura. Otra cosa en esta categoría son las comisiones. Las comisiones son una gran manera de hacer ingresos extra y obtener tiempo de práctica y con tu estilo personal, las comisiones suelen tener un precio más alto que los originales porque están hechos a medida. Algunos artistas hacen ciertos temas como retratos de mascotas o retratos de personas, o puedes dejarlo abierto. De lo siguiente hablaré de los lazos en esto. Patreon es una gran manera para que los artistas hagan ingresos extra de sus fans y simpatizantes. Artistas pueden ofrecer lágrimas y simpatizantes hacen pagos mensuales y obtener los beneficios de esas lágrimas. También puedes ofrecer cupones de príncipe, tienda o comisiones, o incluso una suscripción a newsletter solo para clientes o incluso solo videos solo para clientes o tutoriales. También puedes especificar cuántos spots tienes disponibles en cada nivel. Si es algo así como comisión, patrón conforma una gran parte de muchos ingresos de artistas. Es importante darse cuenta de que no es tan efectivo si no tienes ya el tamaño mediano o grande que sigue que se dedica a tu trabajo. Como dije antes, tener público es lo más importante. Si no tienes uno, haz que ese sea tu objetivo número 1 haciendo mucho contenido gratuito al inicio. Si quieres aprender más sobre patria por suerte para ti, ya están hechas una clase de habilidad compartida. Probablemente ya lo sepas, pero YouTube es otra forma de obtener ingresos extra. Por lo general el pago es de un dólar por cada 1,000 vistas. Eso significa hacer mil dólares, hay que conseguir un millón de visitas, lo cual es mucho, sobre todo para videos relacionados con el arte. No es la mejor manera de hacer un ingreso, pero es una manera increíble de construir un público. Te recomiendo que empieces una. También puedes hacer marketing de afiliados, que es cuando una empresa te paga para generar tráfico o venta a su empresa. Una forma fácil de hacerlo es con los enlaces de productos de Amazon. Todo lo que tienes que hacer es convertirte en atleta aplicando y obtendrás un pequeño porcentaje de cada venta. Verás que casi todos los YouTube hacen esto. Yo también hice esto porque consigo todos mis suministros en Amazon. Una vez que te hagas lo suficientemente grande en YouTube también puedes ser patrocinado por empresas que dan un enlace especial lo que da al espectador un descuento y los artistas que comisionan o pagan los artistas en base a la cantidad de vistas en el video consigue o ambos. Si vas por esta ruta, asegúrate de trabajar solo con empresas en las que tú mismo crees. El YouTube [inaudible] puede tomar un tiempo para construir una audiencia en. Una vez que lo haces, puede ser rentable. No te preocupes si aún no tienes uno. Hay otras cosas que puedes probar mientras tanto. Los concursos de arte de diseño son una gran manera de poner a prueba tus habilidades. Si haces cosas como Threadless y te publicas, tendrás una corriente de ingresos pasivos recurrentes entrando con cada camisa que se vende cada mes. Tercera lista podría ser tu ruta si te gustan las camisetas gráficas, pero sobre todo las divertidas con juegos de palabras [inaudibles] arte, pero también sí imprimen trabajo serio a, suelen tener un par de competencias por equipos o simplemente puedes entrar en una cosa abierta. En ocasiones las grandes empresas realizan concursos de diseño y si ganas esas, obtienes un cliente enorme. Tan solo asegúrate de estar pendiente de esos. Estas cosas son extremadamente competitivas, pero no hace daño darle una oportunidad y construirás tus habilidades en el proceso. El trabajo del cliente también es algo que puedes buscar activamente. Diferentes clientes se especializan en cosas diferentes como a veces buscan a alguien para ilustrar algo para una botella de vino o para ilustrar un libro infantil, o incluso patrones para la ropa. O incluso podrías trabajar con una empresa que fabrica suministros de arte. Cuando salgas de compras, mira a tu alrededor y ve todo el arte que algunos productos y piensa a ti mismo que alguien hizo eso. Si quieres hacer lo mismo, solo asegúrate de tener primero una cartera sólida. Una vez que tengas un portafolio fuerte que exhiba tu trabajo en, tenga un estilo fuerte, luego podrás conseguir un agente de arte. El inconveniente de esto es que van a tomar una comisión de cada trabajo que obtienes, pero te van a conseguir trabajo. O incluso puedes tomar las cosas en tus propias manos y enviar un correo electrónico directamente a los clientes y decirles por qué deberían trabajar contigo y quién eres. He estado recibiendo e-mails de clientes si estoy en Instagram o YouTube últimamente. Asegúrate de ponerte ahí fuera activamente y construiste tu público al mismo tiempo porque los clientes también te encontrarán de esa manera. Otra cosa que puedes hacer es vender activos en sitios web que comercializan creativos. Un activo puede ser cualquier cosa, desde ilustraciones, plantillas de logotipos, o incluso fuentes. Obtienes dinero cada vez que alguien lo compra y eso puede sumar. La otra idea de la que hablamos antes es iniciar un blog, sobre todo si te gusta escribir. Esto no sólo será rentable a través del marketing de afiliados, sino que podrás construir tu audiencia de esta manera. Te abrirá muchas puertas porque la gente buscará en google y encontrará tu trabajo. O puedes impartir clases en línea como yo. O tal vez incluso impartir talleres en su área. O si tienes un título de arte, puedes dar clases en una escuela o en una universidad. También hay formas de sacar provecho de habilidades específicas en combinaciones. Al igual que si eres mayor en letras de pincel y coloración acuática, puedes hacer invitaciones de boda hechas a mano. Si tienes un ensueño específico trabajando en Pixar, quiero decir, este tipo es un límite. Si ese es tu objetivo, ve por ello. Seguro que no será fácil porque lo mejor de los mejores trabajan ahí. Pero si encuentras tu pasión y pones el trabajo y puedes hacer cualquier cosa, mi consejo es que no te preocupes por el éxito, todo al principio. Si te gusta hacer lo que haces y perseverar, al final lo lograrás. Tomen como ejemplo a los artistas Dallas Clayton. Escribió e ilustró un libro infantil llamado An Awesome Book. Es súper peculiar y tiene un dulce mensaje. Es justo a diferencia de cualquier cosa que he visto antes. Intentó que se publicara, pero fue rechazado por varias editoriales. No se rindió. Se autopublicó y lo ofreció de forma gratuita en línea. Vendió miles de libros, y ahora tiene un trato de libros con Harper Collins y Kindle Book Press. Desde entonces ha hecho muchos más libros que tocan e inspiran a personas de todo el mundo. Está viviendo su misión personal y su sueño. Todo comenzó con seguir su pasión y no darse por vencido, incluso cuando la gente le dijo que no era lo suficientemente bueno. Este es sólo un ejemplo y se puede decir,” Oh, tuvo suerte”, Pero no creo en la suerte. Yo creo en creer en ti mismo y hacer lo que te gusta hacer. Simplemente sal ahí fuera y hazlo y no te preocupes tanto si no sabes lo que harás al final, intenta hacer estas cosas increíbles que puedas, ¿quién sabe? A lo mejor también vas a autopublicar un libro para niños y tocó innumerables vidas. O tal vez iniciarás un podcasts de creatividad y harás lo mismo. A lo mejor albergarás talleres de arte en todo el mundo. Las posibilidades son infinitas. Hay innumerables formas de construir una carrera artística y el camino de todos es único. Recuerda mi historia y cuántas cosas diferentes probé antes de encontrar mi camino y sigo encontrando mi camino. No te preocupes demasiado por ello. Vive en el momento, disfruta del paseo y prueba tantas cosas como puedas. Llegarás con el tiempo. Tan solo perseverar, no te limites y haz lo que amas. Ahora terminemos la clase con algunos consejos de separación en cosas como nuestro bloque y celos. 17. Consejos de despedida: Ahora que la clase está llegando a su fin, hablemos de algunos temas súper importantes, como los celos. Solía estar tan celosa de artistas que veía en Instagram. Yo estoy como, “¿Cómo se ve eso tan bien? ¿Cómo hicieron eso? Nacen de esa manera, nunca podré ser tan bueno como ellos”. Fue tan tonto mirar atrás porque pusieron tanto tiempo en lo que están haciendo para llegar a ese nivel. Yo estar celoso es ridículo porque yo también puedo conseguir ese nivel si solo pongo el tiempo. Recuerda que cada artista por ahí, más talentosos que parezcan, un día estaban mirando Instagram o lo que fuera por ahí y pensando : “Hombre, mira a estos artistas, nunca puedo ser tan bueno como ellos”. Pero en lugar de estar celosos y deprimidos por ello y simplemente dejar el arte, en realidad recogieron su pincel y lápiz y trabajaron más duro en ello. Se motivaron a ser tan buenos como esa persona. Por eso lo son. Por lo que hay que estar motivado por otros artistas, inspirarse en otros artistas. No te pongas celoso de ellos porque es una tontería, porque todos tenemos algo especial y único que ofrecer al mundo. Todos estamos en este viaje juntos, todos estamos marcando una diferencia en el mundo y todos somos hermanos y hermanas que estamos interesados en los mismos temas y haciendo las mismas cosas pero de una manera completamente única. Tienes algo completamente único que nadie más puede ofrecer al mundo, pero tienes que descubrirlo trabajando en él y trabajando en él y trabajando en él y trabajando en él y trabajando en él. Confía en mí, no es una competencia. Hay más que suficiente de todo para dar la vuelta y solo tienes que convertirte en bueno en tu oficio. Eso es todo lo que tiene que ser tu objetivo. Simplemente déjate inspirar por otros artistas. No dejes que eso te desmotive. Inspírate por lo buenas que son y lo bueno que puedes ser algún día. De lo siguiente de lo que hablaremos es de burnout. Tuve una experiencia realmente desagradable con el burnout justo como hace un mes y medio. Yo, como saben, he hecho muchas clases y estaba tan obsesionada con ello. A veces hacía dos clases al mes, una vez hacía tres clases al mes, pero eran cortas. Pero yo estaba loco por ello porque me encantó. Llegó al punto en que se convirtió en un hábito y empecé a quemarme y me estaba obligando a hacer clases. Se convirtió en un trabajo en lugar de mi pasión. Me sentí quemada, pero no tomaría un descanso y me obligaría a hacerlo. Si me hubiera tomado un descanso, si me hubiera tomado una semana o dos semanas libres, hubiera estado bien. Pero no lo hice, así que simplemente seguí posponiéndolo y posponiéndolo e ignorándolo, ignorando mi intuición, cómo me sentía. Hasta que un día, no podía coger un pincel ni un lápiz ni nada porque sentía que nunca quería volver a hacer arte. Eso fue aterrador porque he escuchado historias de personas que se queman y cambian su carrera o cambian su vida, y yo no quería ser una de esas personas porque arte es mi todo y sin él, estoy incompleta. Lo que hice fue dejar de hacer arte por completo en todos y cada uno de los sentidos. No lo pensé, no hice nada relacionado con él y simplemente hice completamente otras cosas. Se me olvidó por completo. Yo sólo estaba deprimida. Estaba tan deprimida porque estaba aterrorizada de que eso fuera por mí. Pero seguí creyendo que iba a pasar, pasará. Me tomó un mes y como una semana, pero finalmente me sentí mucho mejor. Acabo de despertarme una mañana y estaba como, “puedo pensar en el arte y me siento emocionado por ello”. Simplemente se fue porque dejé que mi mente descanse por completo de ser creativa. Sé que suena productivo. Piénsalo, tu mente es igual que tu cuerpo. Es como un músculo. Si lo sigues trabajando todo el tiempo sin tomar un descanso, te vas a agotar, no te vas a sentir bien. Necesitas tomar descansos para digerir lo que aprendes, procesar, y simplemente sanar. De hecho, las investigaciones demuestran esto, muestran que las personas creativas tienen que tomarse descansos para tener una vida satisfactoria y evitar el agotamiento. Entonces si sientes que necesitas un descanso, si sientes que está empezando a venir, toma ese descanso. No seas como yo y después tienes que tomarte un mes entero de descanso y no hacer nada más. No lo fuerces porque te arriesgas a perder tu pasión por ello. Agradezco a Dios la perdí sólo temporalmente, pero fue tan aterrador pensar que podría haber sido permanente. Entonces simplemente no lo fuerces, tómate tu tiempo libre y haz lo que quieras hacer. El curioso es que mi creatividad volvió y con ella tuve un sueño con esta clase. Yo estaba como, “estoy listo para volver a hacer clases”, porque tuve un sueño al respecto y eso nunca había pasado antes. Entonces es curioso cómo funciona la creatividad y cómo funciona el burnout, y cómo tu mente subconsciente siempre está funcionando aunque no lo puedas ver. Estás consiguiendo ideas generadas ahí todo el tiempo. Si intentas forzar una idea, no va a funcionar. Tienes que estar paseando a tu perro o dándote una ducha para que te llegue esa idea. Si solo te sientas ahí mirando una página en blanco, no va a funcionar. No es como funciona. La creatividad es súper misteriosa y extraña y no puedes forzarla. Solo tienes que rodar con él, y tienes que aceptarlo, y tienes que escucharlo. Por lo general, el bloque de arte es burnout. Pero si tienes bloque de arte y no haces mucho arte, no deberías estar cansado, entonces probablemente sea otra cosa. Lo que debes hacer es simplemente dibujar cualquier cosa. Tan solo hacer un estudio de vida, hacer un boceto , hacer un ejercicio, y esa es la forma en que vas a mejorar. Estarás mejorando tus habilidades y durante este tiempo, tu cerebro volverá a ser más creativo lentamente y las ruedas están girando de nuevo todas tus buenas ideas. Simplemente lo desbloqueas un poco. De lo siguiente de lo que quiero hablar es de confianza y síndrome de impostor, y cosas así. El síndrome del impostor es cuando las personas que son profesionales, en la cima de su campo, son increíbles, no creen que sean lo suficientemente buenas. Piensa que son un fraude. Piensa que algún día los van a atrapar, que no saben lo que están haciendo. Pero la verdad es que nadie sabe lo que están haciendo en el campo creativo porque es tan alusivo, y extraño, y al azar. La creatividad no es algo que podamos controlar. Mi consejo es tener confianza, porque cuando te falta confianza, puedes detenerte de hacer muchas cosas. Nunca duele tener demasiado, pero sí duele no tener ninguno en absoluto. No digo que no sea humilde, claro que sea humilde, sino que crea en ti mismo. Cree en su arte, y en su capacidad, y en su viaje, y en su espíritu. Tienes que creer en ti mismo. Si no lo haces, nadie más lo hará, y nunca vas a hacer lo que quieras hacer. Mi consejo es solo fingir hasta que lo logres. Piensa en cómo se sienten tus artistas favoritos. ¿ Sienten que han logrado algo asombroso? ¿ Sienten como si fueran los mejores? A lo mejor no lo dicen, pero ¿se sienten así? ¿ Se sienten emocionados de sentarse y trabajar en una página en blanco? Pretende ser esa persona. Pretende ser lo suficientemente bueno. Fingir ser como, ¿sabes qué? Yo soy el mejor en lo que hago. Aunque sea mentira, te vas a sentir mejor y vas a crecer tu confianza. Porque una falta de autoestima es realmente difícil de tener éxito como artista con ella, y probablemente vas a tomar trabajo libre y cosas como eso que no debes hacer. Confía en mí, no creí en mí mismo por más tiempo y solo con algunas de mis experiencias que finalmente empecé a creer en mí mismo y con la gente diciéndome. Pero no debería haber sido así. Debí haber creído en mí mismo desde el principio. No tengo que tener a alguien más que me diga algo. Aunque no fuera lo suficientemente bueno, debería saber un día lo estaré porque meto el trabajo arduo y llegaré ahí. Tienes que creer en ti mismo. Si eres el artista más talentoso del mundo pero no crees en ti mismo, no vas a compartir tu trabajo. No vas a probar cosas diferentes y nadie te va a descubrir porque te estás escondiendo. Tienes que salir de tu caparazón y mostrarle tu trabajo al mundo y simplemente hacer lo mejor posible. Sé que tal vez a veces tienes problemas psicológicos como la gente en el pasado te decía que no eres lo suficientemente bueno o los artistas se mueren de hambre o algo así. Confía en mí, mucha gente me ha dicho que los artistas no pueden ganar dinero y que debería repensar mis elecciones de carrera y que no soy lo suficientemente bueno y no los escuché. Simplemente seguí haciendo lo que quería hacer porque sabía que eso era lo que quería hacer. Yo era tan apasionado por ello. Entonces solo sigue tu pasión, haz lo que amas y crees en ti mismo. Eso es todo por mi consejo que pensé que beneficiaría a la mayoría de las personas. Pero si tienes algo específico que quieras preguntar, solo déjalo en la sección de comunidad de la clase o envíame un e-mail y te responderé. Con eso, terminemos la clase. 18. Tu proyecto final y ¡hasta pronto!: Entonces la clase está llegando a su fin y espero que la hayan disfrutado y le hayan sacado mucho. Sé que ser artista puede ser complicado y no saber a dónde ir después y qué no. Pero espero haberte ayudado y espero que tengas una mejor idea de qué hacer a continuación y crees en ti mismo y estás emocionado de estar en este viaje. Si quieres compartir un viaje creativo con el resto de la clase, con otros aspirantes a artistas, puedes hacer un proyecto en la galería de proyectos, y poner ahí lo que quieras. Podrás compartir tus cuadernos de bocetos, mostrar cómo ha evolucionado tu estilo a lo largo de los años, dar tus propios consejos. Habla de, luchas artísticas por las que estás pasando, lo que quieras hacer. Puedes ponerlo en la galería de proyectos y habrá un lugar tan divertido para aprender y compartir y solo ver cómo actúan otros artistas y piensan igual que tú. También puedes compartir tus redes sociales. Ejercicio de dibujo si los sigues mucho en la clase o cualquier otra cosa que quieras hacer, incluso tus propios consejos y trucos que has aprendido de tu oficio. Quiero que los proyectos de todos se inspiren y se levanten entre sí pero no se preocupen si son demasiado tímidos para compartir algo. Eso está completamente bien. Mi consejo es solo echar un vistazo a cosas de otras personas porque tal vez te hagas lo suficientemente valiente como para compartir. Pero si no lo estás, no te preocupes por ello. A lo mejor no estás listo y eso está bien pero espero que algún día lo estés porque confía en mí, compartir es tan satisfactoria. Nuestros viajes personales solamente. Ya sabes cuándo estarás listo. Entonces con eso, espero que hayan disfrutado de la clase. Si tienes alguna pregunta, déjalas en la sección de la comunidad la clase y si quieres aprender más de mí, puedes revisar mis numerosas otras clases en diferentes medios desde tinta, hasta acuarela, hasta dibujo y demás. Yo sólo [inaudible]. Recuerda que también tienes acceso a miles de otras clases de profesores increíblemente talentosos. Asegúrate de tomar todos los que pueda, pero recuerda practicar lo que aprendas. Sólo se puede aprender haciendo chicos. Así que pon el tiempo y verás resultados. Entonces con eso, voy a despedirme, espero que ustedes hayan disfrutado de la clase y los veré en la siguiente.