Premiere Pro Lumetri: Corregir el color como un profesional | Jordy Vandeput | Skillshare
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Premiere Pro Lumetri: Corregir el color como un profesional

teacher avatar Jordy Vandeput, Filmmaker and Youtuber

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Lecciones en esta clase

    • 1.

      Video promocionado

      1:33

    • 2.

      Introducción

      2:59

    • 3.

      El motor de Lumetri

      1:36

    • 4.

      Corrección del color versus gradación del color

      2:54

    • 5.

      ¿Qué es el color?

      3:03

    • 6.

      Psicología del color

      3:52

    • 7.

      Herramientas básicas

      5:46

    • 8.

      El balance de blancos (extra)

      2:21

    • 9.

      La forma de la onda

      8:57

    • 10.

      El Vectorscopio

      5:52

    • 11.

      Corrección de color básico

      6:21

    • 12.

      Cómo trabajar con LUT

      6:40

    • 13.

      Aspectos creativos

      3:50

    • 14.

      Ajustes creativos

      7:37

    • 15.

      Curva RGB

      9:48

    • 16.

      Curva de saturación

      3:44

    • 17.

      Círculo cromático

      5:18

    • 18.

      Corrección del color secundario (extra)

      7:08

    • 19.

      Enmascaramiento y trazado

      6:23

    • 20.

      Trabajar con Vignette

      3:53

    • 21.

      Transiciones de color

      7:15

    • 22.

      Clips a juego

      12:49

    • 23.

      Gradación del color en fondos verdes

      9:07

  • --
  • Nivel principiante
  • Nivel intermedio
  • Nivel avanzado
  • Todos los niveles

Generado por la comunidad

El nivel se determina según la opinión de la mayoría de los estudiantes que han dejado reseñas en esta clase. La recomendación del profesor o de la profesora se muestra hasta que se recopilen al menos 5 reseñas de estudiantes.

15.466

Estudiantes

4

Proyectos

Acerca de esta clase

NOTA: si usas una versión más nueva de Adobe Premiere Pro, por favor únete a nuestra clase actualizada: Premiere Pro Lumetri 2020: Color y calificación de color como un profesional.

Este curso completo te llevará a lo esencial de la corrección de colores con las herramientas de color de Lumetri dentro de Premiere Pro. Aprenderás diferentes técnicas y comprenderás cómo funciona la filosofía de color.

Volaremos juntos a través de este maravilloso mundo de colores. Y al final podrás solucionar los problemas de color y llevar tus fotos a un nivel profesional más alto.

¿Qué entiendo?

  • 5 clases de introducción al color digital (video en alta definición)
  • 15 clases de cast de pantalla técnica (video en alta definición)
  • Un instructor que responda tu pregunta en 24h
  • Todos los archivos de proyecto y video clips utilizados en este curso

 

¿Qué voy a aprender?

Aprenderás una capacitación esencial completa para la corrección de color y la calificación en Premiere Pro.

  • La filosofía del color digital
  • La funcionalidad de cada herramienta de Lumetri
  • Lea y usa las herramientas de medición como la forma de onda y el alcance de los vectores.
  • Realizar una corrección de color en una inyección mala
  • Crea mascarillas para colorear un área en concreto
  • Coincide con los colores de las diferentes tomas

 

¿Para quién es este curso?

Este curso está dirigido a principiantes en el campo de corrección de colores/calificación de color. No estás obligado a tener ningún conocimiento previo, sin embargo alguna experiencia básica con Premiere Pro te ayudará mucho.

Este curso no es para un colorista experimentado.

Requisitos

  • Instalación de Adobe Premiere Pro CC 2015 o versiones posteriores
  • Mac o PC que pueden procesar clips de video Full HD para trabajar con los materiales adjuntos

 

¿Qué es Lumetri?

Desde el lanzamiento de Adobe Premiere Pro CC 2015, ahora podemos encontrar el motor Lumetri dentro de Premiere mismo. Antes de que solo fuera parte del programa de corrección de color "Adobe Speedgrade". Estas herramientas de lumetri tienen tantas posibilidades para hacer correcciones de color y calificaciones profesionales que ya no necesitamos un programa dedicado para ello.

Conoce a tu profesor(a)

Teacher Profile Image

Jordy Vandeput

Filmmaker and Youtuber

Top Teacher

Hi, I'm Jordy and I hosts one of the biggest YouTube channels about filmmaking & video editing; Cinecom.

With more than 2.5 million subscribers, we publish weekly tutorial videos. After graduating from film school in 2012, I immediately began teaching online where my real passion lays.

I've never liked the way education works. So I wanted to do something about it. With the classes I produce, I try to separate myself from the general crowd and deliver a class experience rather than some information thrown at a student.

Take a look at my unique classes, I'm sure you'll enjoy :-)

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Level: Beginner

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Transcripciones

1. Video promocionado: color o corrección de color. Es lo que creo las partes más difíciles de hacer un buen video. ¿ Cómo podemos arreglar este disparo sobreexpuesto? ¿ Qué son Lutz, y cómo los usamos? Tengo dos tomas de cámaras de diferencia, pero simplemente no puedo conseguir que coincidan. Simplemente no puedo conseguir que mis videos parezcan épicos. ¿ Esas frustraciones son o deseas seguirme a este curso y hacerlas retos? Hola ahí, me llamo Joldi, soy cineasta de Bélgica. En este curso quiero enseñarte a empezar con corrección de color profesional en los juegos de herramientas elementales de Premiere Pro. Este va a ser un curso profesional de introducción. Eso significa que partiremos desde lo básico. Te enseñaré qué es un color digital y cómo podemos manipular esto. A continuación, repasaremos todas las características de las herramientas de color geométrico, y también cómo llegar a las herramientas de medición como ondas de forma adiciones en el ámbito vectorial. Por último, llevaremos estas herramientas a la acción donde creamos máscaras e incluso cualquier método los colores. Si bien te enseño esta información técnica, siempre reflexionaré a través de la filosofía de los colores. Yo quiero que entiendas el color para que sepas lo que estás haciendo. Si tienes curiosidad por más, entonces pulsa ese botón para tomar este curso y empieza a corregir el color como un profesional hoy. Gracias por ver. 2. Introducción: Colores, las cosas que hacen de este mundo tan increíble. Como editores de cine o colorista, podemos jugar con esta cosa asombrosa. Podemos manipular los contrastes, la mirada, y la sensación de una película. Bienvenido al maravilloso mundo de la gradación de color y los conjuntos de herramientas elementales de Adobe Premier Pro CC 2015 y más allá. En primer lugar, muchas gracias por comprar este curso. Me llamo Jordy, el autor y productor de este curso. Cinecom es mi productora ubicada en Bélgica. Nos enfocamos en comerciales y videos promocionales. La gradación del color es una parte muy importante de la posproducción. Este es un proceso que diferenciará tu película de un proyecto amateur o profesional. Eso es también lo que le decimos a nuestros clientes. Si están empatados con presupuestos, les aconsejamos que dejen fuera la grúa o los tiros de drones, pero la calificación del color es algo demasiado importante para simplemente dejarlo fuera. Has venido aquí para aprender los conceptos básicos de la manipulación del color en Premier Pro, gradación del color, la corrección del color, lo que quieras llamarlo. Por un lado, tenemos el aspecto técnico. Esto es bastante fácil de aprender. Te puedo mostrar cómo agregar un poco más de contraste a un video, pero eso aún te deja con la pregunta, ¿cuánto contraste debo agregar a mi video? Desafortunadamente, no puedo darte la respuesta a esa pregunta porque esa es una elección personal, como no puedo enseñarte qué historia debes contar porque si hago eso, entonces sería mi historia y no la tuya. Pero lo que te puedo enseñar son técnicas, emociones que coinciden con cierto color para que puedas usar estas técnicas para contar tu historia. Durante este curso, te enseñaré la filosofía del color al tiempo explicaré las partes técnicas que se necesitan para lograr tu resultado deseado. Ahora, Kim va a ser la encantadora actriz por todo el metraje de ejemplo, y puedes descargarla también para practicar en los mismos videoclips utilizados en este curso. Verás que hay múltiples capítulos en este curso. Es muy importante que entiendas todo desde un capítulo después de pasar al siguiente. Al final de cada capítulo, hay un pequeño quiz. Es completamente normal y no es un problema si tu puntuación no es tan grande. Son estudiantes que pasan por un proceso de aprendizaje, lo que significa que a veces hay que volver a ver ciertas lecciones para entender completamente la información. Tienes que prometerme una cosa, no te rindas. Si estás atascado o necesitas ayuda, entonces avísame en la discusión. De nuevo, no soy sólo un tipo en un video, soy tu profesor, y te voy a ayudar a hacer impresionantes gradaciones de color en tus videos. Ya estoy listo y creo que tú también lo estás, así que vamos a bucear juntos en el maravilloso mundo de los colores. 3. El motor de Lumetri: El motor Lumetri se introdujo por primera vez en Adobe SpeedGrade, y más tarde fue llevado a Premier Pro. Pudimos hacer looks y velocidad geniales y usarlos dentro de Premiere. Pero desde el lanzamiento de CC 2015, también tenemos los controles Lumetri dentro de Premiere. Eso significa que podemos realizar nuestras correcciones de color dentro de nuestro familiar espacio de trabajo de edición. Ahora echemos un vistazo donde podemos ubicar estos controles Lumetri. Desde la versión 2015, podemos ver un panel de espacio de trabajo en la parte superior.Haga clic en “Color” para cambiar su espacio de trabajo. Esto trae hasta arriba todas las herramientas de nivelación de color, como todas las opciones de ajuste de la derecha, pero también una herramienta de medición aquí a la izquierda. Ambos vienen de tu motor Lumetri. Ahora bien, si no puedes ver este panel de espacio de trabajo en la parte superior, también puedes navegar al “Menú”, seleccionar “Windows” “Espacios de trabajo”, y desde aquí dar clic en “Color”. O también puede habilitar ese panel de espacio de trabajo en la parte superior desde el menú de Windows nuevamente, y hasta el final verá Espacios de trabajo. Ahora, digamos que te gusta quedarte en tu espacio de trabajo de edición, y quieres tener tus opciones de color Lumetri visibles ahí dentro. Entonces puedes hacerlo de nuevo desde el menú Ventana y buscar el Color Lumetri. Eso te abrirá el panel. Entonces estas son las dos cosas nuevas, las opciones de Lumetri Color y los Scopes Lumetri, que son las cosas con las que vamos a trabajar en este curso. Gracias por ver. 4. Corrección del color versus gradación del color: Corrección de color o gradación de color. ¿ Cuál es el trato con estos dos términos? ¿ Significan lo mismo o es algo diferente? Bueno, es algo diferente. Empecemos con la corrección de color. Como dice el nombre, vamos a corregir los colores. Echemos un vistazo a este clip. Podemos decir que algunas cosas simplemente no están bien. El ambiente luce bastante amarillo y bajo expuesto. Entonces vamos a arreglar esto para que el clip se vea normal. En primer lugar, arreglamos los colores para que la escena ya no se vea amarilla. A continuación, aumentamos el brillo, comparando el antes y el después, podemos decir que hemos corregido los problemas o en otras palabras hemos hecho una corrección de color. La corrección del color es algo bastante fácil de aprender como su todo técnico. Pero luego está la gradación de color, que es un proceso creativo. En teoría, nada está bien o mal en la calificación del color. Durante este proceso, vas a agregar una emoción a tu toma agregando colores y efectos antinaturales. Echemos un vistazo a este clip. Los colores y la exposición son naturales. Pero cuando cambio los colores a algo así, percibimos una emoción diferente que son grandes contrastes y hay un tono de color verde sobre el video. Esto ya no se ve natural. Por lo que hablamos de la gradación del color. Estamos manipulando los colores de una manera antinatural para crear una cierta apariencia y sensación. En este ejemplo, todos podemos estar de acuerdo en que tiene algo de miedo en ella, como una película alienígena o algo así. Ahora bien, la corrección del color y la calificación del color no son dos cosas que debes elegir. Un resultado suele ser una combinación de ambos. Al aplicar cierto grado o mirar a un video, a menudo necesitamos corregir nuestro comportamiento extremo. Por ejemplo, quieres que esta toma de aquí se vea muy fría, por lo que le agregamos este look azul. Pero este look nos da algunos temas. El tono de la piel comienza a parecer demasiado antinatural. Parece que Kim está un poco enferma ahora o casi está muerta. Entonces tenemos que corregir ese problema. Seleccionamos la piel y agregamos un poco de calidez en el color. Ahora su piel se ve mejor, pero seguimos quedando esa es mirada fría. Por lo que la corrección de color resuelve problemas en nuestros videos. En ocasiones solo realizamos una corrección de color. Pero cuando el editor o un colorista quiere agregar cierta emoción, él o ella debe cambiar los colores de una manera antinatural, y ese proceso que llamamos gradación de color. Gracias de nuevo por ver. 5. ¿Qué es el color?: Antes de empezar a jugar con los controles de Lumetri Color, primero tenemos que saber qué estamos haciendo. Entonces echemos un vistazo a los colores y de dónde vienen. Aquí hay una rueda de color. Esto lo vamos a ver más a menudo a lo largo de este curso. Si empezamos por arriba, vemos el color amarillo. Pasando por la derecha veremos rojo, magenta, azul, cian, verde, y de nuevo, amarillo. Podemos utilizar esta rueda para mezclar un color seleccionado con nuestro videoclip o un color existente. Al mezclar colores en video, hablamos de mezcla aditiva. Otra forma de mezclar colores es con pintura, aquí hablamos de mezcla sustractiva. Esto a menudo nos confunde. Si le preguntas a alguien cómo hacer un color amarillo, verde. Por lo general, responderán con azul y eso es correcto. Si mezclas pintura amarilla con pintura azul, obtienes pintura verde. Los tres colores básicos en tinta o pintura son azul, rojo, y amarillo; con estos tres colores, podríamos hacer cualquier otro color. Pero, si mezclamos los tres colores juntos, obtenemos negro. Ahora, los colores digitales no funcionan con pintura. Mira la pantalla de tu computadora, ¿qué sale de ella? En efecto, luz, sólo luz, nada más. En luz de color, tenemos colores de base de diferencia, a saber, rojo, verde, y azul, RGB. Con estos tres colores, podemos crear cualquier otro color. Si mezclamos los tres juntos, obtenemos luz blanca. Al igual que con la pintura, nos habríamos vuelto negro. Entonces, ¿qué color aditivo debemos agregar para formar amarillo en verde? Bueno, quitamos el color rojo. Ya ves, eso es lo genial de los colores digitales, podemos quitar algo. Esta imagen aquí muestra los tres colores base. Cuando se superponen, obtenemos algunos colores nuevos. Verde y rojo formas amarillo. Verde y azul forma cian, y azul y rojo forma magenta. Si combinamos todos los colores juntos, obtenemos el blanco. ¿ No le parece familiar este gráfico? En efecto, es la rueda de color. Pero, ¿cómo nos ponemos negros entonces? Bueno, atenuamos la intensidad de la luz; asegurarnos de atenderlos todos por igual. Si el azul y el verde está al 70 por ciento y el rojo al 20 por ciento, podríamos lucir cian. Así que bájelos todos por igual hasta que rojo, verde y azul todos se sientan a cero por ciento de intensidad. Donde no hay luz, hay oscuridad, o negro. Gracias por ver. 6. Psicología del color: Ahora que sabemos de dónde vienen los colores y cómo reaccionan entre sí, ahora podemos mirar más allá en la psicología de estos colores. Empecemos de nuevo con lo básico. Hay dos tipos de luces. En el lado izquierdo, podemos encontrar luces frías. Estas luces están teñidas de azul. Si quieres cambiar los colores de un video para que parezca frío, quieres hacerlo azul. Ahora del otro lado de esta línea, podemos encontrar luces cálidas, lo opuesto al frío. Aquí podemos encontrar luces naranjas como velas. En el mismo medio, podemos encontrar luces neutras o luz blanca. Esta línea representa perfectamente una parte de la rueda de color y esa parte se llama la temperatura de color. Incluso se mide en Kelvin, donde 8,000 Kelvin es de un color más azulado o frío y 2,000 es de un color naranja cálido. Ahora las cámaras de video siempre se ajustarán a esta temperatura, esto se llama balance de blancos. La cámara quiere equilibrar sus colores para que el blanco sea blanco y no azul ni naranja. Puede ajustar esto manualmente en una cámara profesional o también puede configurarlo en balance de blancos automático. Entonces eso significa que puedes hacer que los colores cálidos de una vela se encienda, por ejemplo, vean blancos neutros, o en otras palabras, tu cámara va a hacer una corrección de color. Ahora desafortunadamente, no es tan fácil. En ocasiones queremos tener colores fríos o cálidos o hemos configurado erróneamente nuestra cámara en un balance de blancos equivocado. Entonces debemos arreglar eso en la postproducción o edición. Pero sumergiremos más profundamente en el balance de blancos más adelante en este curso. Ahora hay dos colores más que tienen un cierto sentimiento detrás de ellos. Si vuelves a mirar la rueda de color, también podemos encontrar el verde y el magenta como los dos colores opuestos. Esta parte se llama el tinte. Ahora estos colores no tienen cierto nombre ya que se ven artificiales. Por lo que a menudo se usan para arreglar algo. Por ejemplo, las luces de florescencia tienden a lanzar un color verde. Ahora con el balance de blancos, no podemos quitar este verde, así que usamos el tinte. Al agregar un poco de magenta, neutralizamos el verde. Pero claro, ahí es cuando queremos tener colores realistas. Cuando quieras agregar cierta sensación a tu video, es posible que quieras añadir algo de verde en él. Como ya he dicho antes, se ve bastante artificial, por eso suele verse estos colores en las películas de ciencia ficción. Tiende a darte la sensación de que hay algo natural, ajeno, artificial. Ahora de vuelta a la rueda de color. Hemos visto que el azul y el naranja son colores opuestos. Lo mismo vale para el verde y el magenta y también para todos los demás colores que se ven en él. Es una rueda, por lo que cada color también tiene un color negativo u opuesto. Eso significa que si quieres quitar cierto color de un video, tienes que agregarle el color opuesto. Entonces echemos un vistazo a esta técnica en el próximo capítulo donde aprenderás estas cosas dentro de Premiere Pro. Ahora tienes una base muy sólida y esta información te ayudará a entender todo lo que estaremos haciendo dentro de Premiere Pro mejor. Gracias de nuevo por ver y buena suerte con un pequeño quiz que seguirá ahora mismo. 7. Herramientas básicas: Oigan amigos. Bienvenidos de nuevo al segundo capítulo de este curso. Vamos a iniciar esta lección con las Herramientas Básicas de Corrección. El primero que quieres hacer es seleccionar cualquiera de los clips en los que quieres realizar cambios de color y luego de tu lado derecho podemos encontrar todas las herramientas de Lumetri Color. Ahora, como pueden ver, tenemos cinco pestañas aquí dentro. Tenemos Corrección Básica y si hacemos click en eso, podemos encontrar varias opciones fuentes y después tenemos Creativo, Curvas, Color Wheels, y finalmente Vignette. Pero empecemos con las Herramientas Básicas de Corrección. Abre eso y la primera opción que podemos ver aquí es la LUT de entrada. click en este menú desplegable y te da varias opciones. Ahora como puedes ver, estos son todos los perfiles de cámara. Tienes algún perfil ARRI Alexa, tenemos perfiles CANON o también NIKON DSLR, pero incluso perfiles GOPRO, y también puedes agregar un Perfil Personalizado si quieres. Ahora, voy a explicar esto muy rápidamente porque tengo una lección separada sobre estos porque requiere algo más de información y no hay buena información también en Internet pero básicamente qué hacer es cambiar los colores de tu clip para que puedas empezar a hacer tus correcciones de color. Por ejemplo, voy a seleccionar este perfil CANON 5D, y eso cambiará los colores de mi clip y ahora puedo empezar a hacer mis correcciones de color o gradaciones sobre él. Es un perfil de inicio, eso es lo que hace. Pero más sobre esto otra vez más adelante en este curso, así que sólo voy a volver a ponerlo de nuevo a ninguno. La siguiente opción que tenemos es el Balance Blanco, por lo que esto es algo que hemos visto previamente en este curso. Tenemos el deslizador Temperatura y Tinte. Agrega algo más de calidez o algo más de frío al tiro. Lo mismo para el Tinte, agrega un poco más verde o un magenta a tu tiro. Ahora o bien podemos usar estos deslizadores para calificar tus metrajes por ejemplo, hacer tus tomas más calientes pero también si has establecido una temperatura de color incorrecta en tu cámara, puedes corregir eso aquí mismo con este deslizador. Ahora para restablecer este valor, solo tienes que hacer doble clic en el deslizador, ahí vamos. Ahora lo está restableciendo. Lo mismo para el Tinte también. Echemos un vistazo frágil a los ajustes que tenemos. El siguiente es la configuración de Exposición desde el tono y como dice su nombre, solo agrega algo de exposición o disminuye la exposición. En otras palabras, el brillo se puede cambiar aquí mismo. Nuevamente, haga doble clic para restablecer ese valor. El siguiente es el Contraste, y esto es algo bastante interesante. El contraste es la diferencia que hay entre los reflejos y las sombras de tu disparo. Por ejemplo, los reflejos están aquí mismo en la cara de la cámara del lado derecho y las sombras se disparan lo cual es bastante negro u oscuro aquí mismo. Bueno, voy a disminuir este valor, entonces se puede ver que la exposición de los reflejos y las sombras se ha ajustado para que estos dos niveles se acerquen más entre sí en términos de brillo o exposición. Bueno, voy a aumentar, este valor el Contraste, entonces puedes ver que hay una diferencia mayor entre los reflejos y las sombras. Por lo general un contraste rico, lo que hablamos cuando el Contraste es alto es más agradable a la vista de mirar, así que eso es todo para el contraste basta con hacer doble clic sobre él para restablecer eso de nuevo. Entonces las siguientes cuatro opciones que tenemos son los Destacados, Sombras, Blancos y Negros. Ahora bien, podrías pensar al principio que los Destacados, y los Blancos, y las Sombras, y los Negros son un poco iguales y en realidad es cierto pero tienen una pequeña diferencia en ellos. Lo que realmente hace los Destacados es que aumentará la exposición de los Destacados o disminuirá la exposición de los Destacados Mientras que los blancos, bueno, voy a restablecerlo de nuevo, harán exactamente lo mismo, aumentar o disminuir la exposición para los blancos pero hay un poco de diferencia entre estos dos. Los aspectos más destacados no tocarán todas las áreas blancas de tus tomas. Para explicar mejor esto, tengo otra toma que está sobreexpuesta. Déjame acercar la cara de la cámara aquí mismo, voy a ajustar eso al 100 por ciento así. Cuando vamos a cambiar ahora los aspectos más destacados solo miran su cara, qué va a hacer. Voy a disminuir los Destacados y de alguna manera arreglará las partes sobreexpuestas pero no del todo porque se pierden las partes que están sobreexpuestas, que está justo aquí en el lado derecho y por lo tanto los reflejos tampoco tocarán las partes sobreexpuestas reales. Eso es algo que hará el blanco. Vuelve a restablecer los Destacados y voy a disminuir ahora a los Blancos y aquí verás que su cara empieza a ponerse grisácea. Eso se debe a que los blancos sí tocan las partes sobreexpuestas. Esa es la diferencia entre los Destacados y los Blancos. El más destacado y también lo mismo para él va para las Sombras por cierto pero entonces estamos hablando de partes subexpuestas. Solo tocarán las piezas que no están recortando ni sobreexpuestas o subexpuestas y se pueden utilizar para corregir ciertos problemas. Al igual que con los blancos y con los negros, hay que tener cuidado cuando los vas a usar. Vuelve a restablecer esos valores porque el último ajuste que quiero mostrarte ahora es la Saturación y para eso voy a volver a mi tiro normal y cambiar el tamaño del lienzo de nuevo a encajar. El Saturación agregará más colores a tu toma, hará que tus colores sean más saturados como lo dice el nombre o también disminuirá la saturación para que tengas una toma negra y una blanca. Eso es todo para las Herramientas Básicas de Corrección, esto es lo que hacen y cómo funcionan. Gracias de nuevo por ver y los veré a todos en la siguiente lección. 8. El balance de blancos (extra): Premiere Pro sigue actualizando sus programas y eso es algo bueno. Eso también sucede después de haber creado este curso. En este momento hay algunas nuevas características dentro de las herramientas de Lumetri. Uno de ellos es el autoselector para el balance de blancos. Puedes encontrar que justo por encima de tu configuración de balance de blancos, tenemos este selector de color aquí mismo. De manera muy simple lo que hace es que puedes seleccionar un punto blanco en tu video y decir para estrenar eso, eso es blanco. Para ajustar su temperatura y tinte en consecuencia para que ese punto realmente sea blanco, y eso también cambiará los otros colores en tu toma para que tu balance de blancos se ajuste correctamente. Esta es una herramienta típica que quieres usar para cuando tu balance de blancos está apagado en tu cámara. Hagámoslo un momento. Voy a dar clic aquí en el selector de color y bueno, estas puertas aquí mismo, deberían haber sido blancas y están bastante amarillas en este momento. Yo sólo voy a dar click en ellos. Empecemos con la puerta derecha aquí mismo. A medida que estoy haciendo clic en él, se puede ver que de inmediato en realidad arregló de alguna manera los colores, y fue bastante drásticamente por lo que nunca podrás conseguir que esté realmente bien. Siempre es mejor, por supuesto, ajustar ir a temperatura, solo corregir en cámara. Ahora sí queremos advertirte que al usar estas herramientas automáticas, siempre quieres usar tus ojos para asegurarte que la herramienta haya hecho su proceso correctamente. Por el momento, todo se ve bastante bien. También asegúrate de guiar a través de ese video y ver si todo se ve bien. Pero supongamos, por ejemplo, que seleccioné un punto diferente en este video, por ejemplo, aquí a mi izquierda, donde es aún más amarillento y eso es por esta sombra que tenemos por aquí. Cuando voy a hacer clic en eso, ahora verás que en realidad es demasiado azul. En este punto sí, los colores son mejores, pero del otro lado aquí de esta puerta, realidad es demasiado azul. Ahora quizá quieras ajustar eso agregando algo más de temperatura a eso de nuevo, o también cambiar el tinte. Como puede ver, Lumetri agregó demasiado magenta a su gráfico. También quieres ajustar eso en consecuencia, o simplemente tal vez volver a tomar ese selector de color y seleccionar un mejor punto hasta que lo hagas bien. Eso es todo para el selector automático de balance de blancos, no es más que eso. Pero hay una herramienta más y esa es la secundaria HSL justo aquí. Esta también es una nueva característica de las actualizaciones de junio de 2016 y nos sumergiremos en esto, que es mucho más, por cierto, como se puede ver más adelante en este curso. Gracias de nuevo por mirar, y los veré en la siguiente lección chicos. 9. La forma de la onda: Tenemos este video clip de Kim sentado frente a una ventana. Por lo tanto, es muy brillante aquí dentro de la ventana, pero también muy oscuro aquí afuera en los bordes de esa ventana. Ahora bien, si quisiéramos saber qué podemos hacer con esto, necesitamos medir esta imagen aquí mismo. Tenemos un par de herramientas de medición justo dentro de Premiere Pro ahora. Una de ellas es la herramienta de forma de onda que quiero explicarte cómo funciona esa. Para llamar a esa herramienta de forma de onda, en realidad solo tienes que subir al menú, seleccionar Ventana, y desde aquí, seleccionar los alcances Lumetri. Da click en eso y eso abrirá tus herramientas de medición, y ya podemos ver la forma de onda. Si no puedes ver la forma de onda aquí, entonces haz clic con el botón derecho en esta Ventana y selecciona la forma de onda a partir de ahí. También puedes seleccionar otras herramientas de medición como el vectorscopio aquí mismo, que vamos a echar un vistazo en la siguiente lección, pero por ahora, quiero enfocarme en la forma de onda. Lo que quieres hacer es anular la selección de todo menos la forma de onda, así que solo voy a anular la selección del vectorscopio de nuevo. Haciendo un color. Ahora, antes de empezar, primero tengo que explicar la diferencia entre una forma de onda coloreada y una forma de onda de luminancia. Actualmente vemos el RGB o la forma de onda coloreada. Si volvemos a hacer clic aquí, podemos ir a las opciones de tipo de onda, y a partir de ahí podemos elegir Luma. Si hago click en eso, verás que se han ido todos los colores, y ahora tenemos una forma de onda en blanco y negro. Esta es una forma de onda luma. Ahora, ambos son en realidad exactamente lo mismo, pero la forma de onda de los colores tiene algo más de información en ella como ésta. Como dice su nombre, esta aquí es la forma de onda luma, lo que significa que sólo mostrará la exposición o la lumosidad de la escena. Si desea ver cada canal de color por separado, por lo que la exposición o luminancia de cada canal, tenemos que seleccionar, volver a hacer clic derecho, ir al tipo de forma de onda, la forma de onda RGB. Ahora podemos ver estos colores. Ahora, si esto pudiera ser un poco loco para ti, haz clic de nuevo en eso y abre también el desfile por una vez. El desfile muestra cada canal de color separado, así que aquí mismo tenemos los rojos, los verdes, y el blues. Si ponemos todos estos tres encima uno del otro, obtenemos la forma de onda RGB. Estos dos son exactamente los mismos, pero sólo estamos tomando cada color por separado. Por ahora, quiero dejar fuera el desfile RGB. Basta con mirar la exposición. Nuevamente, voy a anular la selección del desfile y voy a cambiar mi forma de onda aquí mismo por la forma de onda luma. Tenemos una forma vertical y horizontal de leer esta forma de onda. Empecemos por la vía vertical. El camino vertical muestra la luminancia o la exposición desde 0-100, 100 significa muy blanca o mucha exposición, que es esta ventana de aquí mismo. Esto está sobreexpuesto en realidad, por lo que la información de esta ventana se sienta en la parte superior justo aquí, también podemos ver eso a los 100. El resto todo se sienta en el medio en algún lugar, así que Kim, estas hojas, etc, todas se sientan en algún lugar del medio. Entonces, por fin, tenemos a los negros, que son las sombras de aquí, y todos están tirados abajo. Esto ya es una gran parte, así es como podemos establecer cierta luminancia a nuestro video. Si no estás seguro de si aún hay detalle en tus sombras o reflejos, puedes ver eso por aquí, si hay o no. Eso es todo por la forma vertical de leer esto. Después está la vía horizontal, y la horizontal es una representación de nuestra imagen de video por aquí. Empecemos por el lado izquierdo donde sólo hay negro, justo aquí, justo antes de que empiece esta ventana. En ese punto, en realidad no tenemos blancos ni reflejos, por lo que también debemos ver eso en nuestras formas de onda, y también es así. La primera parte justo aquí de nuestras formas de onda sólo tiene información abajo en las sombras, todo se sienta por debajo del 10 por ciento, y esa es esta parte de aquí. Pero también, muy importante, se puede ver que todavía no se sienta en cero, y eso significa que todavía tenemos algún pequeño detalle aquí. No está subexpuesta. Pero si luego vamos más allá de esta imagen, llegamos a la ventana justo aquí, entonces se puede ver que estamos sobreexpuestos por aquí. Esto de aquí es la ventana, y ¿cómo sé eso? Porque por aquí tenemos esta pequeña brecha como se puede ver, y esa es esta parte de aquí. Eso asegura que tengamos este pequeño hueco dentro y luego arranca la ventana grande por ahí, y esa es esta parte. De nuevo, tenemos este pequeño hueco, como se puede ver aquí, y luego tenemos la otra ventana, que tiene algunas más hojas en ella y menos cielo, y por lo tanto esta parte no está sobreexpuesta. Como pueden ver, esta información no se pega en el 100 por ciento como con la ventana en total aquí. Entonces otra vez, la ventana se detiene justo aquí, y luego tenemos otra vez una parte que es negra, y esa es esta parte donde toda la información está sentada abajo. Es así como se puede leer una forma de onda de este tipo. Pero hagámoslo con otro clip. Voy a abrir carpeta clips, y a partir de aquí, sólo voy a seleccionar un clip normal donde Kim sólo está de pie, si puedes encontrar uno de estos. Ah, aquí mismo. Simplemente arrastra eso a tu línea de tiempo así. Simplemente cierra esa carpeta, y voy a pararme en eso ahora. Se puede ver que no tenemos ninguna parte sobre o subexpuesta, lo cual es genial. Todavía tenemos algo de espacio de cabeza aquí mismo. Nuevamente, cuando voy a leer esto, puedo ver claramente que esta parte de aquí es donde Kim está parado porque aquí hay más información sentada hacia los negros, y eso es por su camisa negra. Debido a que la luz viene del lado derecho, lo que hace que su camisa pase de muy negra a un poco menos negra, también se puede ver esa línea aquí yendo hacia arriba, pasando de casi cero, un poco hasta 10 por ciento en alguna parte. Ahora veamos qué hacen estas formas de onda cuando les voy a hacer una corrección de color. Por ejemplo, voy a aumentar la exposición. Como puedes ver, entonces también levantará esas formas de onda, y eso es normal por supuesto. Yo estoy levantando las sombras, estoy levantando todo, los reflejos, los medios tonos, todo sólo está subiendo cuando estoy aumentando la exposición. Pero hay un cierto punto en el que voy a aumentar esto en realidad demasiado. Al 100 por ciento, podemos ir por encima de eso, así que todo está recortando y rompiendo uno en el otro. Por supuesto, eso crea una imagen sobreexpuesta, así que eso no es lo que queremos por supuesto. Simplemente restablece la exposición otra vez. Echemos un vistazo cuando sólo vamos a ajustar las sombras, por ejemplo. Cuando ahora voy a aumentar las sombras, lo que sólo debería ver ahora es que la camisa de Kim se va a levantar porque esas son las sombras que están abajo aquí abajo. Déjame sólo hacer eso. Aumenta las sombras, y mira lo que pasa gente. En efecto, se están levantando las sombras pero esta información aquí mismo, que pensé que también subiría, no va a subir tanto. Aquí ya puedes ver definitivamente la diferencia entre las sombras y los negros cuando ahora voy a cambiar esos. Simplemente, de nuevo, restablece las sombras y mira lo que va a pasar cuando ahora voy a aumentar a los negros. Ahora, sí toma toda esa información y levanta eso, y esa es la gran diferencia entre la sombra y los negros. Nuevamente, lo mismo vale para los más destacados y los blancos por cierto. Las sombras van a preservar un poco más a los negros. Se va a tener cuidado con sólo levantar esos. Es así también como podemos usar estas formas de onda. Por ejemplo, me gustaría agregar contraste a la escena, pero quiero asegurarme de que no sobrepase ni subexponga ninguna parte. Como pueden ver, todavía tengo un poco de espacio de cabeza aquí arriba y también un poquito abajo aquí, así que podría aumentar mi contraste hasta que casi toquen el cero y el 100 por ciento. Es así como podemos usar la forma de onda. ¿ Es mi información recortada o no? Qué es el recorte, quiero decir que la información se va a pegar hacia 100 o se va a pegar hacia cero. Eso significa que la información está recortando. Cuando vamos a echar un vistazo atrás al primer gráfico, está muy claro que muchos de los blancos solo están recortando. Están sobreexpuestos, ya no podemos hacer nada con ellos. En la siguiente lección, vamos a echar un vistazo al vectorscopio. Gracias de nuevo por ver. 10. El Vectorscopio: Sigamos con los alcances Lumetri. Vamos a echar un vistazo ahora en esta lección al vectorscopio. Ya hemos visto que en la lección anterior para cambiar eso, solo hacemos clic derecho aquí y seleccionamos el vectorscopio. Ahora, como pueden ver, tenemos dos opciones para ello. Déjenme abrir a los dos. Primero haga clic en el HLS y luego haga clic nuevamente con el botón derecho y luego seleccione YUV. Voy a anular la selección de la forma de onda por ahora, que podamos verlas uno al lado del otro. Ahora, básicamente estos dos son exactamente los mismos, pero el segundo justo aquí del lado derecho, este es el YUV, tiene algo más de información dentro. El de la izquierda en realidad muestra todo dentro de este círculo por aquí. Este es en realidad un poco acercado como puedes ver. Voy a cerrar el de aquí de la izquierda para que tengamos más información con la que podamos trabajar. Haga clic derecho y voy a anular la selección del HLS. Trabajemos con este vectorscopio por aquí. El primero que verás es la rueda de color. Ya hemos visto eso en este curso hasta el momento. Podemos ver varios de los colores base como las magentas, el blues, los cyans, los verdes, los amarillos, y los rojos por ahí. Cada uno de ellos tiene un color opuesto. Los amarillos tienen su azul como el color opuesto. Las magentas tienen su verde como el color opuesto, y el rojo tienen sus cyans como el color opuesto. Este es un control aquí también en las herramientas de colores Lumetri. Si selecciono mi clip, que también podemos cambiar. Podría ya aclararse que el vectorscopio muestra los colores de tus tomas y eso es correcto. Pero antes de ir a cambiar de color, empecemos con la saturación. Al igual que con la exposición, también hay cierta cantidad de saturación y también podemos saturar por encima o por debajo saturar un cierto disparo y eso se puede ver aquí dentro. Solo agreguemos algo de saturación y miremos lo que esta información blanca aquí está haciendo. Aumenta la saturación y también se hace más grande. Cuando voy a disminuir la saturación, baja a un punto muy pequeño. En el medio justo aquí podemos encontrar cero y en el exterior podemos encontrar 100, y todo por encima de eso está realmente sobresaturado. Por eso este vectorscopio es tan grande para ver si tu saturación está sobresaturada o no. Para saturar esto correctamente, voy a añadir algo de saturación hasta que casi toque esos bordes así. Esta es en realidad la saturación máxima como puedo ir ahora. Pero va más allá que eso. Cambiemos el contraste. Voy a agregar un poco más de contraste y mirar qué va a hacer en nuestro vectorscopio. No sólo se están afectando la exposición y los negros y los aspectos más destacados, sino también la saturación. Estamos ganando más saturación agregando contraste. Voy a restablecer el contraste y ahora disminuir las sombras. También, aquí mira, la saturación va un poco más arriba. Cuando voy a aumentar las sombras, mira lo que va a hacer ahora, hará lo contrario. Disminuirá un poco la saturación. Está aún más claro cuándo vamos a disminuir el contraste. Ahora hay menos saturación. Esto definitivamente es algo a tener en cuenta, cuando voy a aumentar el contraste, tienes que asegurarte de que podrías bajar un poco tu saturación hasta que casi toque los exteriores así. Ahora, también estoy seguro de que la saturación es correcta. Eso es todo por la saturación. Sepa que cada una de sus herramientas de exposición también puede afectar su saturación. Por eso siempre hay que comprobar eso dentro de tu vectorscopio. Pero hay otra cosa, no sólo la saturación, sino también la forma en que se equilibran los colores se puede ver aquí. Permítanme simplemente restablecer todos estos valores aquí. Cuando, por ejemplo, he establecido mi temperatura de color un poco mal en la cámara, podrías ver algo como esto. Mi tiro está demasiado caliente, pero también todos mis colores ahora están más inclinados hacia las partes rojas o amarillas. Podría preguntarse a sí mismo, ¿cuánto azul debo agregar hasta que los colores sean neutros? No siempre es tan fácil ver cuando no hay partes blancas. Bajar esto hasta que la información se sienta de alguna manera en el medio. Si añado demasiado, también verías todos los colores inclinados hacia el azul, lo cual no es bueno también. Trata de encontrar un medio. No mires tu deslizador ni tu imagen ni siquiera, solo mira tu vectorscopio e intenta buscar un punto donde esta información se sienta en algún lugar del medio así. Este tiro incluso necesitaba algo más de calidez, como puedes ver. Al igual que en primer lugar, pensamos que la temperatura del color era realmente correcta. Pero de hecho, no fue porque los alcances nos estuvieran diciendo diferencia. Por supuesto que también podemos jugar con el tinte. Tenemos las magentas y los greens. Si le agrego más verde, se puede ver que todos los colores se inclinarán más hacia eso o si agrego más magenta, todos los colores se inclinarán más hacia ese lado. Entonces tal vez quieras corregir eso también. Por lo general, es cuando vas a llenarlos de iluminaciones fluorescentes baratas u otras luces artificiales que tienen cierto color fundido a ella. Entonces aquí mismo puedes arreglar eso, se asegura de que los colores estén colocados en algún lugar del medio, así. Es así como funciona el vectorscopio. Vamos a utilizar el vectorscopio en conjunto con las herramientas de forma de onda. Haga clic derecho aquí y seleccione sus herramientas de forma de onda. Ahora si queremos corregir el color esta imagen, vamos a echar un vistazo a estos dos ámbitos, pero eso es para la siguiente lección. Gracias por ver. 11. Corrección de color básico: Usemos la información que hemos aprendido hasta ahora para hacer una corrección básica de color en este clip aquí mismo. Como se puede ver, hay algunas cosas mal en él. Está un poco sobreexpuesto y el balance de blancos se puso mal. El tiro está demasiado caliente. Entonces usemos las herramientas aquí de la derecha, pero también miremos nuestros alcances elementales aquí de la izquierda para corregir el color esta toma. Nuevamente, selecciona siempre tus clips para que podamos empezar. Ahora lo primero que vamos a hacer es la exposición. Porque sabes que los controles de exposición aquí mismo también pueden afectar los colores. Entonces siempre primero haz los ajustes de exposición y luego corrige tus saturaciones o colores. Entonces si echamos un vistazo a la forma de onda, se puede ver que mucha información está sentada en la parte superior, lo que significa que está un poco sobreexpuesta. No estamos perdiendo ningún detalle, tal vez un poquito aquí arriba y allá, pero no creo que sea tanto. Todavía tenemos mucho espacio aquí abajo. Entonces lo primero que queremos hacer es simplemente bajar la exposición. Tan solo toma este control aquí y mueve todo un poco más hacia el medio así. Pero ten cuidado de que no vayas a recortar a los negros por aquí. A lo mejor si quieres bajar aún más la exposición podrías traer a los negros por un segundo. Entonces sólo mueve eso hacia arriba así. Ahora, puedes bajar la exposición incluso un poco más. Lo que estamos haciendo en realidad, es que estamos levantando este pico aquí moviendo hacia arriba a los negros. Ahora bien, no sólo miren sus formas de onda, sino también a su imagen. Lo que puedo ver por ejemplo es aquí en el lado derecho de la cara de Kimara todavía está un poco sobreexpuesta. Creo que estas partes de aquí son las de aquí arriba. El rostro es en realidad algo que debe estar alrededor del 70 por ciento o 75 por ciento. Entonces voy a rodar los aspectos más destacados, bajar los aspectos más destacados para arreglarlo un poquito. Como se puede ver, la información ahora va más hacia el 70 por ciento, lo cual es bueno. Esto también significa ahora que puedo volver a aumentar la exposición ya que estoy consiguiendo más espacio arriba. Entonces vuelve a aumentar eso. De eso se trata también de lo que se trata todas las correcciones de color. Vas a agregar algo o eliminar algo, y después vas a cambiar la configuración. Entonces, como pueden ver, primero he establecido la exposición a un cierto valor. Después he hecho cambios en los aspectos más destacados y luego vi que en realidad tenía que repensar sobre mi valor de exposición. Entonces tuve que cambiar eso otra vez. En realidad estás haciendo esto constantemente mientras corriges el color una imagen. Por lo que la exposición está empezando a verse bien. Pero estoy perdiendo algo de contraste ya que estoy levantando a los negros aquí mismo, estoy quitando algunos de los aspectos más destacados, así que vuelve a aumentar los contrastes. Pero mantén un vistazo en tus formas de onda que no vas a recortar tu información así, solo un poquito. Ahora, empieza a lucir genial. Está bien, así que eso es todo por la exposición. Estamos usando todo el espectro desde cero o diría casi cero hasta casi 100s y eso es algo bueno. Asegúrate de que estás usando este espectro si quieres tener una imagen limpia. No estamos hablando de la calificación de color aquí, chicos. Estamos hablando de corrección de color. En la corrección de color, queremos tener un aspecto natural. A cada look natural, queremos utilizar todo el espectro así. Asegúrate de que la mayor parte de la información esté en algún lugar del medio alrededor del 70 por ciento para los tonos de piel y el resto todo se sienta de cero a 100. Entonces esto de aquí es bueno. Ahora, echemos un vistazo a los colores, porque esa es una historia diferente. Esas cosas no son buenas por el momento. Como podemos ver en la imagen, pero también en los alcances vectoriales, los colores están todos inclinados hacia el amarillo, naranja, rojo, todo hacia esta parte. Por lo que tenemos que añadir un poco de azul para llevarlo hacia los otros lados. Como hemos visto, podemos hacer eso con las herramientas de balance de blancos aquí, solo añadir un poco de azul a ese tiro. Mientras haces eso, asegúrate de mirar tu alcance vectorial por aquí para que la información esté sentada en algún lugar en el medio, en algún lugar así. Ahora bien, a pesar de que esto se filmó con luz natural, cuando la cámara está ajustada a una temperatura de color incorrecta, a veces podríamos conseguir un cambio de color en el tinte. También podemos ver eso, que hay algo más de información inclinada hacia los greens. Entonces voy a añadir un poco de magenta en esta toma, pero sólo un poquito, no demasiado, para que esta información esté sentada más en medio. Ahora, los colores también son mucho mejores. A lo mejor añadir más blues porque cuando miro la imagen, sigue pareciendo un poco demasiado caliente, así que le voy a añadir un poco más de azul. Ahí vamos. Estamos consiguiendo unos picos azules aquí. Eso en realidad se debe a los aspectos más destacados de aquí. La cara de kimara está un poco sobreexpuesta. Entonces una cosa que podemos hacer aquí es en realidad simplemente disminuir a los blancos. Eso derribará ese pico. Pero entonces de nuevo, puedes ver que ahora tu cara empieza a ponerse un poco gris. Entonces desafortunadamente, eso es algo que no podemos arreglar. Está sobreexpuesto y no podemos hacer nada con esto. Entonces voy a traer de nuevo esos blancos porque esto no se ve demasiado bien. Sólo tendremos que hacerlo de esta manera. Pero por supuesto, seguimos usando las herramientas básicas de corrección. Hay algunas opciones más donde podemos arreglar esto más, pero eso es para más adelante en este curso cuando también vamos a jugar con las curvas creativas, las ruedas de color, y las herramientas de viñeteado. Por ahora, creo que hemos hecho un gran trabajo para corregir el color esta imagen aquí. Si miro el antes y el después desmarcando y volviendo a marcar esta casilla aquí mismo, se puede ver el antes y el después. Por lo que ya se ve mucho mejor ahora. No es perfecto, pero para tenerlo perfecto, solo necesitas disparar tus imágenes con la temperatura de color correcta y ajustes correctos. Entonces ya no tienes que hacer tanto trabajo de posproducción. Cuanto menor sea el trabajo de posproducción que tengas que hacer, mejores también serán tus tomas. Entonces eso fue todo para esta lección en video y también para este capítulo donde he explicado todas las herramientas básicas. En el siguiente capítulo, vamos a bucear en las herramientas más avanzadas y vamos a empezar con los efectos creativos aquí mismo. Por lo que muchas gracias por ver. Nuevamente, como cualquier capítulo anterior, vamos a dar seguimiento con un pequeño quiz. Les deseo todo el éxito y los veré a todos en el próximo capítulo. 12. Cómo trabajar con LUT: Oigan amigos, bienvenidos de nuevo al capítulo número 3 de este curso. En este capítulo, vamos a echar un vistazo a algunas de las cosas más avanzadas con las herramientas de color Lumetri, y vamos a empezar en esta lección particular con los LUT. Ahora hemos visto este poquito en una de las lecciones anteriores, pero quiero tener un vistazo más detallado en esta lección. Entonces veamos de nuevo dónde podemos encontrar los LUT. Al seleccionar tu clip, se activarán las herramientas de color y desde tu pestaña Corrección Básica, encontrarás LUT de entrada y eso te da un menú desplegable de todo tipo de LUT donde podemos elegir. Ahora, un LUT significa una tabla Look Up y en realidad es un archivo matemático que va a alterar tu imagen. Ahora, esencialmente lo que hará es que cambiará el aspecto de tu imagen. Por lo que hará alguna corrección previa al color en tu metraje. Entonces por ejemplo cuando tomo alguno de estos, digamos sólo el archivo LUT de la cámara de cine mágico negro, entonces verás que los colores están cambiando. Los colores, el contraste, cualquier cosa puede cambiar aquí y eso se almacena dentro del archivo LUT. Ahora bien, ¿por qué deberíamos usar uno de estos archivos LUT? Bueno, por ejemplo, voy a restablecer esto a ninguno. Ves que este tiro es bastante plano. Cuando voy a comparar esto con otra toma, cuando abro mi carpeta clipse y sólo voy a tomar una toma normal de aquí a ésta. Simplemente cierra eso otra vez y voy a comparar eso con esta toma, verás que hay mucho más contraste y colores disponibles en esta toma. Al estar en esto, el primero aquí es muy plano, y eso se hace con un ajuste dentro de la cámara. Algunas cámaras tienen un perfil de registro especial para sus cámaras y que dispararán muy plano. Por ejemplo, las cámaras Sony tienen un SLOG2, o también un perfil SLOG3 y que también rodará muy plano. Ahora bien, ¿por qué disparar en plano? Bueno, al disparar en modo muy plano, así que cuando echemos un vistazo a los alcances elementales aquí mismo, verás que tenemos mucho más espacio para hacer nuestra corrección de color. Todavía tenemos algo de espacio aquí abajo en las sombras, pero también tenemos algo más de espacio aquí arriba en los momentos más destacados y cuando comparo esta toma con la otra, verás que este perfil lutiliza mucho más del rango dinámico. Entonces estamos casi a cero aquí en las sombras, y también estamos casi en la cima, todavía tenemos un poco de espacio de cabeza, no es tan extremo, pero algunas cámaras incluso disparan y yo sólo voy a hacer algo aquí y un perfil como este que esto es algún contraste extremo, pero hay cámaras que son capaces de disparar así y una vez que tienes esos colores, no puedes hacer nada mucho con él. Tus sombras están subexpuestas y a veces tus reflejos también estarán sobreexpuestos. Por lo que te da ya no tanto patio de recreo en el flujo de trabajo de corrección de color. Entonces por eso vamos a filmar en perfiles planos. Ahora los perfiles planos tienen una gran ventaja, pero también vienen con algunas desventajas. Los perfiles planos deben ser corregidos de color cada vez. Entonces en cada toma, hay que agregarle algo de contraste y tal vez agregarle algo de saturación, solo para que se vea natural y hacer eso cada vez es demasiado trabajo. Hay una razón sobre cómo usar LUTs. Sólo voy a restablecer esto otra vez, también la saturación aquí. Por ejemplo, digamos que voy a seleccionar de este menú desplegable, el SLOG3 del que estaba hablando. Ahora en realidad va a agregar algo de contraste y algo de saturación etc a esta toma que coincide con el perfil SLOG3. Ahora el gran beneficio de usar un LUT ahora es que cuando la LUT va a sobreexponer partes de tu imagen, siempre puedes rescatar eso con los controles abajo aquí abajo. Entonces podrías por ejemplo decir que voy a aplicar un LUT a cada disparo en mi línea de tiempo y después voy a arreglar los problemas que la LUT ha creado. A veces es un flujo de trabajo más fácil y más rápido. Por ejemplo, los aspectos más destacados aquí arriba son quizás un poco demasiado ahora, y podemos simplemente bajar eso con el deslizador de reflejos o incluso con el deslizador blanco por aquí, sin hacer mucho mal. No obstante, al usar LUT debes saber qué LUT no estás usando. Yo sólo voy a restablecer esto de nuevo pero voy a tomar uno de los LUTs Alexa aquí mismo por ejemplo este de aquí, entonces verás que la imagen se ve un poco demasiado azulada y que los reflejos están bastante volados, y también podemos ver eso aquí mismo en el ámbito vectorial y eso se debe a que bueno esto no fue disparado en un Alexa y por lo tanto en realidad estoy usando un perfil equivocado. Ahora eso no siempre significa que tengas que tomar exactamente el LUT de tu cámara porque en realidad esto fue filmado en un GH4 en un perfil CineD y realidad lo probé con el perfil SLOG3 y se veía bien. Entonces podría usar este pero por supuesto lo mejor es buscar siempre un perfil que coincida con tu perfil de cámara y una forma de hacerlo es simplemente yendo por Internet y buscar tu cámara y ver si puedes encontrar un LUT para ello. También lo he hecho y he encontrado el perfil de Cined. Cuando vuelvo a hacer clic en este menú desplegable, puedo seleccionar desde aquí, navegar y luego en mi escritorio justo aquí, he descargado el archivo CineD y seleccionarlo, solo ábrelo, y se aplicará a tu toma y esta establece el contraste y los colores de mi tiro en un pellets naturales y así es esencialmente como funcionan los LUT. Ahora, escucharás de algunas personas que te dirán que nunca uses LUT dentro de un flujo de trabajo de corrección de color, u otras personas te dirán que tienes que usarlos. Por lo que no hay reglas sobre usar LUT o no usarlos ni cómo usarlos. Yo solo digo que asegúrate de usarlos correctamente y que solo sepas lo que estás haciendo. Si quieres lograr un look como este y un LUT te va a ayudar con eso, entonces usa el LUT. Pero si descubres que la LUT le va a hacer algo raro a tu imagen y tienes que dirigir mucho con estos controles, entonces tal vez no los uses y también depende mucho de si vas a crear tu metraje o corrija su metraje. Eso es también que hemos visto en las lecciones anteriores en el primer capítulo, diferencia entre corrección de color y gradación de color. Para la corrección de color, creo que un LUT de entrada es una gran manera de empezar con tu corrección básica. Ahora si vas a abrir la pestaña Creativo, también verás de nuevo un menú de look desde aquí y que da de nuevo muchos LUT, pero son un poco diferentes pero eso es para la siguiente lección. Gracias por ver. 13. Aspectos creativos: Acabamos de ver qué es un LUT y cómo usarlos dentro de la pestaña de corrección básica. Pero si vamos a dirigirnos ahora a la pestaña creativa, también verás ese mismo menú desplegable, excepto en este caso se llama Look en lugar de LUT. Pero esencialmente, es exactamente lo mismo. No obstante, en la pestaña creativa, encontrarás algunos LUT diferentes. Ahora estos son más, parece que el nombre también dice. Como puedes ver aquí mismo, tenemos los resfriados azules, Día azul para la noche, Ojos azules, Azul intenso, Cinespace, Gold sport, etc. Ahora estos son todos los presets de gradación de color que puedes usar directamente en tu clip. Aquí abajo hay una característica ordenada donde puedes fregar fácilmente todos estos looks si presionas esta flecha aquí mismo, y luego puedes ver una de las vistas previas de cómo se verá. Si haces clic en eso, se aplica a tu clip, y luego solo puedes escribir de nuevo a través del cual hasta que encuentres algo interesante. Por ejemplo, aquí mismo, tenemos el Cinespace. Voy a volver a hacer clic en eso, se aplica a mi clip. En realidad, ahora se ve bastante bien. También puedes cambiar la intensidad de este look. Puedes agregar más o puedes agregarlo menos. En ocasiones, solo un poquito de este look ya es suficiente para tu tipo de tomas. Depende nuevamente de tus necesidades. Pero en este caso, sólo voy a mantener esto en 100 porque quiero mostrarles algo chicos. Digamos por ejemplo que hemos optado por trabajar con este look, pero en realidad el contraste es un poco demasiado. Ya no puedo ver los detalles aquí, también aquí de fondo, los negros ya no tienen mucho detalle. También ves eso justo aquí en los alcances elementales donde toda esta información aquí se sienta en cero. Entonces eso significa que está aplastado, es recorte. Pero de nuevo, porque esto no se rodó así originalmente, podemos cambiar todas estas cosas dentro de la corrección básica. Ahora voy a volver a la corrección básica. ¿ Sabes qué? Simplemente voy a aumentar las sombras así. Verás que toda la información está justo ahí dentro. Además, los aspectos más destacados son un poco demasiado, así que voy a bajar eso. Esto se ve en realidad bastante guay. Acabamos de usar un preset para una gradación de color y bang, tenemos algo. Esto es algo utilizable. Aquí voy a ser honesto. También a veces uso uno de estos presets sólo porque es tan fácil de usar, pero estamos muy limitados a lo que podemos hacer, y tampoco sabemos qué estamos haciendo aquí. Porque cuando se trata de la calificación de color, siempre hay que saber qué emociones quiero poner en mi video. Por lo general, no es tan fácil simplemente volteando algunos presets aquí para encontrar el tipo de sentimiento que estás buscando. Por lo general, vamos a jugar con los colores mucho detalle y no usar ninguno de estos presets, pero quiero que sepas que está ahí, y para algunos proyectos, eso tiene que ir rápido, podemos usarlos de curso. Ahora bien, no te limitas solo a esta lista como con la LUT, también podemos ramificar aquí mismo y podemos encontrar cualquier LUT que podamos descargar de Internet. Tengo una carpeta aquí mismo que encontré en internet. Por cierto, si solo buscas en Google LUTs, encontrarás toneladas de presets Looks que solo puedes descargar gratis. Por ejemplo, lo que tengo justo aquí son algunas miradas Kodak y Fujifilm. Eso es de los viejos tiempos y sólo voy a agarrar cualquiera de estos, seleccionar eso. Al parecer, este de aquí es el aspecto de una película de Kodak. Entonces eso podría ser una identificación para aplicar primero una mirada de cierta cámara de película a tu metraje digital y empezar a calificar desde ahí para tener ese look de película. Ahora mismo, debería tener el aspecto de una película de Kodak, y ahora puedo empezar con mis correcciones básicas sobre ella. mejor agregar un poco más de contraste, tal vez reproducirlo con los reflejos, etc. Incluso puedo hacer algunos efectos más creativos sobre él, pero eso es para la siguiente lección. Gracias por ver. 14. Ajustes creativos: Continuemos con la configuración debajo de la pestaña Creativa. Hemos visto los looks creativos y ahora tenemos algunos ajustes más abajo aquí. Ahora el primer escenario aquí es la película descolorida, y lo que eso realmente hace, levantará tu negro para que tu metraje se vea como película que se desvanece como dice el nombre. Cuando voy a aumentar esto, verás lo que realmente hace. Es un cambio bastante drástico, así que ten cuidado con esto. Conoce también cuándo vas a usar esto. Eso es lo que hace la película descolorida. A veces uso eso un poco porque a veces encuentro mi pecho un poco demasiado escotilla y luego me aumento eso solo un poquito a 10 en algún lugar 15 tal vez para tener ese más cinematográfico o para tener ese look cinematográfico. Pero por ahora, sólo reiniciemos eso de nuevo. Porque quiero mostrarte el afilado, entonces como su nombre dice sharpen solo afilar tu imagen como puedes ver. Llévalo al lado derecho para afilar, pero también puedes llevarlo al otro lado para tenerlo más borroso. Ahora, ¿por qué usarías esto? Bueno en realidad algunas cámaras o en realidad muchas de las cámaras en estos días, sobre todo esas DSLR, tienen la opción llevar la nitidez de la cámara todo el camino a cero. También te recomiendo que hagas eso porque Premiere Pro aquí hace un trabajo mucho mejor en afilar tu metraje que tu cámara. Por cierto, estoy hablando aquí del afilado de la cámara final. Esto siempre es un afilado digital. Esto no tiene nada que ver con tu lente ni nada por el estilo. Si tienes la opción entonces disminuye el afilado de tu cámara a cero, y solo llévala aquí solo un poquito a algo alrededor de 20 o así. Lo que siempre recomiendo con el afilado es que sólo voy a aumentarlo ahora al máximo. Verán que en realidad esta camisa podría verse bien, pero cuando la voy a tocar, verán que realmente está sobre afilados. Eso no es lo que queremos. Siempre tráelo un poco y luego pruébalo sobre el ejemplo, alrededor de 20. Eso era algo que estaba diciendo, tocarlo y buscar por ti mismo, ¿esto se ve bien o no? Siguiente es bastante afilado, entonces tenemos la vibración y saturación. Ahora, la diferencia entre estos dos. Empecemos con eso porque ambos realmente alteran los colores. Cuando aumente la vibrancia, verán que tenemos una imagen más saturada, pero lo mismo también va para la saturación por supuesto. Ahora, la saturación es un golpe uniforme de la intensidad de todos los colores en tu toma independientemente del punto de partida de tus colores. Ahora, esto puede resultar en recorte y sobresaturación de los tonos de piel, dejándolos demasiado anaranjados o naturales. Al igual que con la vibrancia, es una herramienta inteligente que aumenta hábilmente la intensidad de los colores más apagados y deja solos los colores ordenados bien saturados. Es un relleno de luces pero para tus colores. Vibrancia también evita que los tonos de piel se saturen excesivamente y no naturales. Si miras en un ámbito vectorial, también verás que el rojo está más saturado desde el principio. Entonces cuando voy a aumentar la saturación, también verán que se pone mucho hacia esos lados. Ahora se puede ver que en realidad el blues, definitivamente podemos ver eso por aquí y los rojos están poco más saturados cuando me muevo eso al máximo. Pero mira lo que pasa cuando voy a aumentar la vibrancia ahora para ser máxima. Ahora los colores se reparten mucho mejor. En realidad deja un poco solos esos rojos y azules. Los toca, sólo un poquito pero no demasiado, pero va a funcionar más en los otros colores para tener una manera mejor incremento de esos colores. Ahora si escuchas mi historia dirías que siempre voy a usar la vibración. Bueno, eso no es cierto. Siempre hay que volver a mirar tu situación. ¿Qué necesitas? En ocasiones sí necesitas aumentar un poco la saturación porque quieres tener esos [inaudibles], rojos o azules o dependiendo de que veas esos colores. A veces se quiere hacer una mezcla entre estos dos. Eso podría ser por ejemplo, bueno, en realidad quiero aumentar mucho tu saturación. Pero como puedes ver, su cabello aquí está empezando a parecer marrón en lugar de rubias. Puedo bajar la vibrancia para ese poco, y ahora estoy consiguiendo una mirada muy interesante. Los colores son muy vívidos aquí en los rojos y al blues, pero sus tonos de piel no lo son. Ya otros colores aquí son las magentas y el lado verde aquí, sabiendo que va a decir que su tono de piel se ve bien aquí, pero podría ser una idea. A lo mejor esto es para mirar tu futuro, entonces es una buena idea mezclar estos dos ajustes. También puedes ir por el lado opuesto, tal vez bajar la saturación para tener este look muy descolorido o blanco y negro. Pero una vez más, sí deseas sacar algunos colores, solo traen la vibración para tener algo como esto. Ahora en realidad tienes un look de color blanco y negro, tal vez esto sea algo interesante. Es así como se puede jugar con la vibración y la saturación. Sólo voy a restablecer eso de nuevo porque el último ajuste aquí es el tinte de sombra y resaltar. Como dice el nombre, vamos a agregar un color y se podría hablar sólo desde la rueda de color, y esto también es algo que hemos visto al inicio de este curso, esta rueda de color. Eso se puede asignar a estas sombras y también a los reflejos. Por ejemplo, quiero tener un poco más de tinte amarillo en las sombras para que solo puedas llevar eso al lado amarillo, y solo voy a exagerar aquí. Destaco y voy a agregarle azul. Ahora recuerda que estamos alterando aquí las sombras y los reflejos. Estos no son los negros y los blancos. Es diferente. Es lo mismo que en tus correcciones básicas aquí mismo. También tenemos los reflejos y las sombras, y como recuerdan, éstos no tocan los espacios en blanco que están todo el camino aquí abajo en el cero. Eso en realidad es genial ya que dejará a tus negros y blancos como son. Pero cuando miro mi imagen ahora mismo, en realidad es más azul de lo que es amarillo, ya sea aunque las toqué a ambas. ¿Dónde está mi amarillo? Bueno, ese es el equilibrio de tinte. Actualmente su conjunto en el medio, que está en algún lugar justo aquí al 50 por ciento. Lo que dirá también, todo por encima de eso, ya destaca y todo por debajo que ya sombras. Pero también podrías mover estas partes, por ejemplo, hacia el lado izquierdo. Cuando voy a hacer eso verás que ahora es más azul, y eso es porque hemos movido estos puntos hacia abajo. Ahora estamos en algún lugar alrededor del 20 por ciento o tal vez el 10 por ciento, y dirá todo por debajo del 10 por ciento ya sombras y todo por encima de eso, que es mucho más información como puedes ver, ahora son los destaca. Por eso ahora más es azul, o si llevamos esto al lado derecho, ahora verán que podemos ver mucho mejor el amarillo. Eso es porque hemos traído este equilibrio de tinte hasta aquí. A lo mejor ahora estamos alrededor del 70, 80 por ciento en alguna parte, y en realidad decía, bueno, todo por encima del 70 por ciento es azul, que no es mucha información, pero todo por debajo de 70, que es todo esa información ahora, ya sombras. Ahora usa siempre este equilibrio de tinte mientras miras tu imagen. A lo mejor quiero tener un poquito de azul aquí en su cara que va más hacia los reflejos, y el resto puede ser mucho más cálido. Solo llevemos esto al lado izquierdo hasta que veas algún elenco azul en su cara así. Ahora he logrado el efecto que te quiero. Nuevamente, si quieres restablecer alguno de estos valores, basta con hacer doble clic sobre ellos, y eso lo llevará de vuelta a cero. En la siguiente lección, vamos a echar un vistazo al tercer toque dentro de las herramientas de color lumetri y que curvas RD, y en realidad son dos grandes partes aquí. Tenemos las curvas RGB y tenemos la curva de saturación de matiz, pero eso es para la siguiente lección. Gracias de nuevo por ver. 15. Curva RGB: Hemos visto todo desde la pestaña Creativos, y eso significa que ahora podemos dirigirnos a la pestaña Curvas. Vamos a empezar con las curvas RGB aquí mismo. Ahora, empecemos explicando qué es esto en realidad. Como pueden ver, tenemos una línea justo aquí y tenemos algo de área negra detrás de eso. Ahora, lo primero que tal vez quieras saber es que podemos agarrar esta línea y colocarla en otro lugar. Ya, se puede ver que le hace algo a nuestra imagen. Ahora, crea este punto como se puede ver. Actualmente, sólo tenemos un punto. Siempre puedes agarrar ese punto de nuevo y colocarlo en otro lugar. Pero también podemos hacer click en algún otro lugar de esta curva y crear un segundo punto. Siempre funcionará en una curva, por lo que no se pueden hacer líneas rectas en ella. Por eso se llama las curvas RGB. También hay un punto abajo aquí abajo que podemos agarrar, y también hay un punto aquí arriba que también podemos agarrar y movernos. Actualmente estamos trabajando en la línea blanca. Eso significa que estamos trabajando en la exposición. Eso significa que todos los tres colores juntos: rojo, verde y azul. Pero también podemos cambiar uno de estos colores por separado. Por ejemplo, este tiro es demasiado azul. Voy a restablecer esto primero con tan solo hacer doble clic aquí. Entonces, voy a dar click en el punto azul justo aquí. Ahora sólo puedo cambiar los colores azules. Por ejemplo, aquí hay demasiado azul. Yo sólo puedo tomar esa curva y bajarla. Ahora, se puede ver que le estamos sacando el azul, y ya se ve un poco más natural ahora. Esa es en realidad una forma de arreglar tus tomas. Al trabajar con estas curvas, podemos jugar con los colores individuales. Hemos estado cambiando estas curvas ahora. Pero, ¿cómo funcionó realmente? Para eso, voy a reiniciarlo de nuevo y volver a las curvas blancas, que es la exposición. Aquí arriba podemos encontrar los reflejos o los blancos y abajo aquí podemos encontrar las sombras o los negros. Entonces, ahí está esta línea justo aquí, la línea blanca, y que representa nuestro video clip. Aquí arriba podemos encontrar de nuevo a los blancos, y un poco abajo tenemos los aspectos más destacados. Entonces, abajo aquí abajo tenemos de nuevo a los negros y por aquí en alguna parte están las sombras. Entonces, aquí en el medio tenemos los tonos medios, claro. Ahora, voy a agarrar el punto hasta aquí abajo, y voy a arrastrar eso hacia arriba. Ya verás que voy a añadir exposición a mis negros y que va a desvanecerse la imagen de alguna manera, o también puedo añadir más negro a eso yendo al otro lado, al lado derecho aquí porque aquí mismo están todos los negros. Ya podemos ver que en realidad podemos agregar contraste a nuestro clip, si muevo esta barra a la derecha y la otra parte más hacia los aspectos más destacados. Ahí vamos. Pero para eso, voy a dirigirme a mi otro clip aquí mismo. Bueno, voy a agregar contraste a aquí. Yo sólo puedo llevar a mis negros, moverlo más hacia los negros, tomar mis blancos y moverlo más hacia esos era más destacados o blancos de nuevo. Ahora, tenemos un hermoso contraste agregado a mi clip. Es lo mismo que cuando voy a agregar contraste con las herramientas básicas de corrección aquí mismo, slider de contraste. Pero veamos qué más eso es posible porque ahora estamos trabajando en curvas. Actualmente, he dibujado una curva lineal, lo que significa una línea recta. Eso no siempre es tan bueno porque como puedes ver, me llevo a los negros y en realidad estoy estrellando a esos negros, lo mismo con los reflejos. Me estoy estrellando o estoy recortando esos aspectos destacados. También puedes ver eso aquí. También se puede ver eso en este spot aquí mismo. Por eso tengo de nuevo este clip por aquí. Permítanme simplemente trazar una línea diferente aquí. No me voy a llevar los negros definitivos ahora, pero me voy a llevar las sombras. Eso significa que tengo que hacer clic en algún lugar justo aquí, un poco por debajo de esos negros. Yo sólo voy a subir eso, añadir algo más de exposición a esos aspectos destacados. Entonces, voy a hacer exactamente lo mismo, pero luego por las sombras. No te lleves a los negros aquí mismo, pero solo un poco arriba alrededor del 10 por ciento en alguna parte y baje eso. Basta con mirar tu forma de onda y al mismo tiempo a tus imágenes, bueno, a qué tan lejos puedes ir con esto. Pero como puedes ver, los blancos siempre se mantendrán blancos y los negros siempre se mantendrán negros. No vamos a aplastar esas cosas. Eso preserva el detalle en ella. Ahora, también tenemos una imagen bellamente contrastada. Cuando voy a comparar esta con la otra, que tenía una curva lineal, como se puede ver, la curva S se ve mucho mejor ahora ya que conserva esos detalles aquí en las sombras. Mira esas partes. Mucho mejor como puedes ver. Lo mismo va para tus momentos más destacados, preserva esos camino mejor. coloristas también siempre hablarán de la curva S ya que altera tus contrastes de manera más natural. Ahora bien, si te gustaría subir o bajar tus medios tonos o simplemente la exposición normal, siempre puedes agarrar la mitad de la misma y simplemente moverla hacia arriba o hacia abajo. Ahora, aquí hay algo interesante que quiero mostrarles. Para eso, voy a volver a mi primera imagen. Ahora, lo que en realidad puedo hacer con estas curvas es hacer que mis negros sean completamente blancos con solo sacarlo todo el camino arriba. Lo que también puedo hacer es simplemente tomar mis blancos y llevarlos todo el camino hasta los negros. Eso crea una imagen negativa. También se puede ver que ahora mi línea está en posición negativa. Esta ya es una forma de hacer que tu clip se vea negativo. Pero también te permite entender cómo funcionan las curvas. Volvamos al primero. Porque vamos a tratar de arreglar esta imagen porque, déjame volver a restablecer eso, tenemos varios problemas. El primero es que está subexpuesto. Toda la información aquí se sienta por debajo del 50 por ciento e incluso tenemos algunas partes subexpuestas. Como puedes ver, su blusa aquí mismo, casi se sienta a cero. Entonces, también esta imagen es demasiado azul, así que tenemos que colore-corregir eso también. Ahora, ya que estamos trabajando aquí con las curvas RGB, voy a traer una nueva herramienta de medición. Ve a hacer clic derecho aquí, y voy a decir el Desfile RGB. Además, para que sea un poco más fácil, voy a anular la selección de “Vectorscope” para que podamos ver la forma de onda y el desfile RGB aquí a la derecha. Ahora, tenemos rojo, verde y azul. También tenemos eso aquí en nuestras curvas; tenemos rojo, verde y azul. Eso significa que podemos cambiar cualquiera de estos por separado. Por ejemplo, ya puedo ver que el blues es demasiado. Pero, ¿dónde exactamente? Bueno, está hablando en sus aspectos más destacados. Lo que podríamos hacer es simplemente tomar los aspectos más destacados aquí y simplemente bajar eso para que de alguna manera coincida con el verde así. Para los rojos, solo voy a tomar eso y sacarlo un poco porque los rojos solo están tirados ahí por sí mismos abajo así. Además, para los negros, sabes que tus rojos solo están acostados demasiado ahí abajo. Así que solo saca eso, solo un poquito así. Lo mismo para el blues. Yo sólo voy a derribar eso también. Basta con hacer click en blues y solo toma ese punto para que de alguna manera coincida. Como se puede ver, ahora todos están en la misma línea. Al solo enfocarte en el desfile RGB e intentar que todos estos tres colores jueguen exactamente en los mismos niveles, ya puedes arreglar tus tomas así. Pero hay una última cosa que tenemos que hacer y esa es la exposición, claro. Basta con hacer click en los blancos ahora. Lo que quiero hacer es simplemente agarrar a los blancos y llevarlo todo el camino hasta algún lugar por aquí, hasta el 90. Voy a añadir alguna curva aquí porque la mayoría de los tonos medios [inaudibles] también están tendiendo camino hacia el negro. Yo sólo voy a ponerle una curva y ya empieza a lucir mucho mejor. A lo mejor es demasiado aquí en los aspectos más destacados, así que solo baje eso un poco. Sólo que se ve un poco demasiado rojizo y también se puede ver eso, así que tal vez voy a bajar los rojos un poco más. Algo así. Sabes que esto en realidad se ve bastante bien si sabes de dónde venimos. Si miras el antes y el después ahora, este es el antes, demasiado azul y subexpuesto. Este es el después ahora. Ahora los colores son mucho mejores. No voy a decir que sea perfecto, pero mucho mejor, y también la exposición ahora también es mucho mejor. Es así como podemos usar las curvas RGB. Vas a cambiar los rojos a verde y el blues aquí dentro. Siempre vas a usar tu desfile RGB en tus Scopes Lumetri cuando vas a cambiar esos colores para que sepas lo que hacen en el fondo. Otra forma de saber cuándo tus colores están tendidos uno encima del otro es haciendo clic derecho aquí, nuevo, en tus Scopes Lumetri. Dirígete a Tipo de forma de onda y selecciona el RGB. Entonces, se puede ver si están tendidos uno encima del otro o no. Ya puedo ver que los rojos en realidad no están poniendo tan bien aquí en las sombras, así que tal vez vuelva a subir eso un poco más así. A lo mejor bajar un poco los greens para que cubra los rojos ahí. Este es un proceso duro y a veces también consume mucho tiempo tenerlos encima uno del otro de alguna manera. ¿ Cómo sabes la idea detrás de ella? Yo diría que solo juegues con estas curvas. Tienes este archivo de proyecto también. Puedes trabajar más en esto o simplemente empezar de nuevo con el metraje de prueba que también puedes descargar. Eso es todo para las curvas RGB y cómo funcionan. En la siguiente lección, vamos a echar un vistazo a la curva de tonalidad y saturación, que también es algo muy interesante. Gracias de nuevo por ver. 16. Curva de saturación: Entonces en la lección anterior, hemos visto cómo funcionan las Curvas RGB y ahora vamos a echar un vistazo a las curvas de saturación. Sí, en efecto, también la saturación se puede alterar hacia curvas. Aquí mismo tenemos la rueda de color otra vez, y básicamente cómo funciona es que podemos hacer este círculo interno más grande, o más pequeño. Si miras también nuestra imagen, puedes ver que vamos a sumar más saturación si vamos a mover esto hacia arriba, o también podemos disminuir la saturación y hacerla en blanco y negro si vamos a mover esto hacia abajo. Nuevamente, haga doble clic para restablecer. Ahora, lo grandioso aquí es que también podemos crear puntos en este círculo. Por ejemplo, nos gustaría aislar los colores rojos. Entonces eso significa que voy a vivo Spider-Man mucho más en los fondos. Para eso, solo hago clic aquí en algún lugar de los rojos para crear un punto para eso, y para aislarlo, voy a crear dos puntos más junto a él. Eso significa que cuando voy a tomar el punto medio ahora, puedo aumentar la saturación sólo para los rojos. También si miras aquí tu alcance vectorial, los alcances Lumetri, puedes ver lo que le hace a los rojos. Por lo que podemos aumentar los rojos o disminuir los rojos. Esto nos da mucha personalización hacia la saturación de los colores. Si voy a aumentar los rojos por ahora, se puede ver que Spider-Man es mucho más vívido, pero también, podemos bajar el resto de los colores. Si vamos a bajar aquí el punto izquierdo, así, y también los puntos correctos, hacia eso, se puede ver que ahora tenemos un gran efecto. Todo está en blanco y negro excepto por los colores rojos. A esto también se le llama el efecto Ciudad del pecado. Ahora debemos ser honestos que este clip no es tan grande para hacer eso porque tenemos tantos tonos de colores aquí y eso significa que tenemos que aumentar los rangos mientras se puede ver lo que hace aquí mismo. A veces hay que aumentar eso, este rango para aceptar plenamente todos los rojos aquí, tal vez te vas a algún lugar magentas. Ahí mismo se puede ver lo que le hace a nuestro Spider-Man. Pero también de nuevo, puedes agregarle más puntos. Entonces tal vez si estás tomando demasiado amarillo aquí, solo crea otro punto y haz una curva fuera de él. Eso también es lo que dice el nombre, es una curva de saturación. Entonces no tengas miedo de sumar muchos puntos aquí, hacer curvas, para eso es esta cosa. Es así como en realidad se puede aislar completamente sólo ese color rojo de Spider-Man. Si deseas restablecer esto, de nuevo, solo tienes que hacer doble clic en tu curva de saturación. Ahora abajo aquí encontrarás varios colores, y eso es por ejemplo, cuando quieras seleccionar los rojos, solo tienes que hacer click en eso y creará automáticamente tres puntos aquí, y luego solo puedes subir esos rojos para aumentar la saturación de eso. Lo mismo va para el blues, si quieres alterar el blues, entonces solo tienes que hacer clic en el azul, y automáticamente volverá a crear esos tres puntos. Por lo que puedes hacer esto manualmente, con la herramienta Pluma aquí, solo tienes que hacer clic en cualquier lugar donde quieras, o ya puedes seleccionar cualquiera de estos colores aquí. Ahora no siempre significa que vas a hacer cambios drásticos como lo he hecho con el Hombre Araña. Pero a veces, por ejemplo, quieres tener un tono de piel más natural, y luego puedes seleccionar en algún lugar justo aquí, el amarillo, naranja, este lado de aquí, y simplemente mover esa saturación un poquito hasta alterar esos tonos de piel y hacerla lucir mucho más viva. Si miramos el antes y el después, verán que los cambios son sólo menores. En realidad mucho más a su cabello, pero eso también es por la saturación de ahí. Entonces así funcionan las curvas de saturación. Se puede aislar un color y cambiar su saturación del mismo. En la siguiente lección, vamos a ir nuevamente al siguiente paso, y esos son los movimientos de color. Nuevamente, gracias por ver. 17. Círculo cromático: El color ruedas. Otro grifo dentro de nuestras herramientas de color en Lumetri. Lo que podemos encontrar aquí son los tres niveles, las sombras, los medios tonos, y los reflejos. Nuevamente, las sombras no son los negros anti reflejos o no el blanco, así que recuerda eso. Ahora bien, ¿qué hacen estas ruedas de color? Bueno, en realidad son un poco iguales a las curvas que hemos visto en las lecciones anteriores. Cuando voy a disminuir las sombras y voy a aumentar los reflejos, puedo crear contraste igual que usando las curvas RGB por aquí. Pero a veces sí prefiero usar las ruedas de color, ya que podrías pensar que no me da tanta libertad. Bueno, las ruedas de color están mucho más controladas como con las curvas no se controlan. Déjenme mostrarles eso. Primero voy a restablecer estos valores aquí mismo haciendo doble clic en ellos. Cuando voy a volver a Curves, déjame solo hacer una curva, por ejemplo, voy a bajar las sombras,subir los reflejos, subir los reflejos, y tal vez añadir otro punto justo aquí, y hacer otra cosa ahí mismo. Ya puedes ver lo que está haciendo aquí. Cuando voy a cambiar un valor, por ejemplo, este punto, también cambiará los otros valores como por aquí y por allá arriba y por eso las curvas no están tan controladas. Ya empiezo a asustarme de KIM. Yo sólo voy a restablecer estos valores aquí porque eso no se veía tan bien. Cuando vuelvo a mis ruedas de color ahora y voy a cambiar mis sombras, y luego voy a cambiar mis medios tonos, estoy seguro de que no estoy cambiando el valor aquí mismo. Por lo tanto, esto es mucho más controlado. Lo que puedo hacer es aumentar la exposición de cada nivel. Nuevamente, para crear contraste, bajar las sombras y subir los reflejos y luego tal vez cambiar algo de los medios tonos para establecer bien la exposición. Esta ya es una forma de agregar algo de contraste a tu disparo. Si ves el antes y el después, esto se ve bastante bien. Pero nos da un más controlado como se puede ver, con las ruedas de color también. Lo que realmente podemos hacer es asignar un color a las sombras medios tonos o reflejos. Por ejemplo, lo que a veces queremos hacer es hacer el tiro un poco más cálido, pero sí queremos retener ciertos colores en cierto nivel. Eso podría por ejemplo, estar bien los reflejos y las sombras son buenas. Ahora, se ven negras y se ven blancas, así que están bien. No quiero cambiar los colores de eso, pero sí deseo hacer que la escena sea un poco más cálida. Lo que puedo hacer entonces es sólo en algo de calidez hacia los medios tonos así. Entonces no tocará demasiado de los reflejos y las sombras. Como si cambiara la temperatura de color de las herramientas básicas de corrección, entonces cambiará las sombras, anti-reflejos más como se puede ver por aquí. Si quieres hacer que tu disparo sea un poco más cálido, al menos sugiere usar las ruedas de color y simplemente agarrar los medios tonos para eso. Pero hay más que podemos hacer con esto, por ejemplo, y eso es algo que hemos visto al inicio de este curso, hay colores opuestos o un contraste. Si miramos la rueda de color, por ejemplo, los amarillos aquí, son lo opuesto al blues. Si pensamos en las sombras, también pensamos en el blues porque cuando es de noche está oscuro, pensamos en el azul, la luz de la luna también es azul. Voy a añadir un poco más de azul a esas sombras y no tengas miedo de añadir suficiente en ella. Entonces para los momentos más destacados cuando pensamos en la luz, el sol, la luz de las velas tal vez esté todo caliente. Es todo amarillo, naranja. Eso voy a aumentar, los aspectos más destacados hacia ese sitio para que se vea más cálido. Ahora estamos creando algo muy interesante aquí. En realidad estamos agregando más contraste a la escena sin alterar los niveles. Porque no hay azul en las sombras, parece que las sombras son más profundas o más negras, mientras que en realidad no lo es, solo estamos reteniendo los detalles ahí dentro. Lo mismo vale para los aspectos más destacados. Parece que hemos aumentado la exposición de los aspectos más destacados, pero no lo es, acabamos de añadirle un poco de amarillo. Pero nuestros cerebros lo componen porque asignamos el amarillo a los colores brillantes, a las cosas brillantes. Esta es también una técnica que se utiliza en muchas películas de Hollywood. Por ejemplo, has visto una de las películas de Transformers. Incluso se metieron muy extremos en esto. Basta con prestar atención a esa calificación, lo que han hecho es agregar mucho azul a esos tiros y aún más naranja a los tonos de piel. Creo que si incluso han añadido algo más así como de los medios tonos y han creado algo como esto, tal vez sumar un poco más de contraste real bajando esto y subiendo los reflejos. Pero esta es de alguna manera la mirada de lo que usaban los Transformers. Porque nos da la impresión de que hay mucho contraste y el contraste es cinematográfico, definitivamente en las películas de acción. Es así como funcionan las ruedas de color. Podemos asignar diferentes colores a cada nivel, pero está mucho más controlado y no se vuelve salvaje como con las curvas. Eso nos lleva a la última configuración dentro los controles de color Lumetri y esa es la viñeta. Pero voy a dejar eso para la siguiente y última lección de este capítulo. Gracias por ver. 18. Corrección del color secundario (extra): Bienvenido a, de nuevo, una lección adicional a este curso, porque como saben, Adobe lanzó una nueva actualización y nuevas funciones, programa para estudiantes en junio de 2016. Si aún no has hecho esa actualización, definitivamente hazla porque han agregado ahora estos corrector de color secundario. En realidad estaba lo último que me faltaba dentro de tu herramienta Métrica. Empecemos y miremos esa cosa. Podrás encontrar que hay una pestaña extra dentro de tu herramienta, por lo que debajo de las ruedas de color puedes encontrar HSL secundaria. Da click en eso, y encontrarás un montón de botones y deslizadores y ruedas de color y todo. Pero no te asustes demasiado aún porque en realidad es bastante simple y bastante genial también, una vez que sabes usarlo. Empecemos. El primero que tenemos que hacer, vamos básicamente toda la idea de esta herramienta es seleccionar un color específico en tu video shot para que luego podamos manipular ese color específico. Vamos a establecer que ese es color. Simplemente saca el recolector de color, y por ejemplo, vamos a seleccionar la camisa azul de este tipo. quiere simplemente hacer clic en algún lugar, Sequiere simplemente hacer clic en algún lugar,realmente no importa dónde, vamos a afinar estos más adelante. Entonces podemos agregar otro color, y esto es para seleccionar un tono diferente de ese azul. Ahora seleccionamos una parte más brillante, y para el color del arte, vamos a seleccionar unos colores más oscuros, así que en algún lugar aquí abajo. Basta con hacer click en eso, y ahora tenemos dos tonos de azul. Entonces también puedes seleccionar para eliminar un color. Digamos que hay algo que se acerca bastante a ese azul, tal vez un poco verde, por ejemplo, el pasto aquí mismo. Si tienes miedo de eso, podrías seleccionar esa hierba de fondo y decir que quitemos eso. Todas estas cosas que estás seleccionando aquí mismo se están mostrando visualmente en la HSL y de ahí viene esta cosa. Es saturación de uso y ligereza. Es hacer selección automática para ti. Pero notarás es que una vez que estés haciendo esto también, que no será tan conveniente. Digamos que nueve de cada 10 siempre tendrán que entrar en estas cosas y ponerlas correctamente manuales. Hay un entorno bastante cool que te puede ayudar con eso. Ahí está esta pequeña casilla de verificación justo aquí, solo tienes que dar click en eso y eso aislará ese color ya para ti, para que aquí puedas ver cuál va a ser la salida. Ahora actualmente la máscara o la clave se muestra como el color en sí, y un gris, que se va a dejar fuera. Pero también puedes seleccionar algo diferente, por ejemplo, color y negro, o también puedes seleccionar blanco y negro, por lo que ahora el blanco es la selección. Ten en cuenta que esto depende básicamente de ti lo que más prefieras. Normalmente soy el tipo que iría por el color anti-negro. Ahora de inmediato se puede ver que la selección no se hizo tan grandemente. Aquí mismo en las sombras aquí se puede ver que no todo ha sido seleccionado demasiado bien. En realidad puedes cambiar esas cosas justo aquí para que pueda hacer el rango más grande para ti si el color no se seleccionó bien, o también puede aumentar eso más lejos para que tome un poco más de alcance pero en el área más lejana. Ahora por lo general el matiz se selecciona bastante bien al usar las herramientas automáticas aquí mismo. Si crees que solo empeora al cambiar esta opción aquí mismo, entonces justo debajo de tus acciones, entra, vuelve a ponerla por defecto. Si miramos entonces a la saturación anti-ligereza, y generalmente aquí verás a veces un cambio grande o drástico. Yo sólo voy a aumentar ese rango, y ya se puede ver que más cosas se seleccionan aquí mismo. Basta de aumentar eso, ahora no aumente demasiado porque ya se puede ver lo que pasa aquí, estoy seleccionando partes que no quieren seleccionar. Yo solo juego con eso también con los bits más lejanos para que esos bordes no sean demasiado duros, hasta que puedas seleccionar la parte más grande de su playera y que lo mismo vaya por tu luz, esto está bien, sí aumenta eso y ya aquí se puede ver que estamos consiguiendo mucho más camisa terminada. ¿ También ves algunos pedacitos aquí mismo? Por lo general no es tan grande de un trato. Si tienes algunas otras partes seleccionadas también, siempre puedes crear una máscara, por cierto, alrededor de su camisa. Pero en este ejemplo, no me preocupan demasiado estas pequeñas piezas de aquí, pero me preocupa más enmascarar más adelante en este curso. Creo que ahora tengo todo seleccionado, quizá quiera cambiar cuanto más lejos un poco más, ahí vamos, estoy bastante satisfecho ahora. Si tu resultado aún no está tan bien, siempre puedes afinar eso agregándole algo de borrosidad, por lo que este es un real más lejos, y no estoy aconsejando usar esto a menos que realmente estés teniendo un problema al seleccionar tu color. También puedes usar un denoise si tienes algunos de estos dedos pasando aquí en los bordes en algún lugar, entonces puedes usar eso. De nuevo, no lo uses si no ves ninguno de esos dedos en los bordes. Entonces solo apaga tu máscara porque ya terminamos, hemos seleccionado el color. Ahora si entras en scroll hacia abajo, tenemos todas estas herramientas con las que no estamos bastante familiarizados para cambiar ese color. Podemos usar la rueda de color unidireccional para cambiar el color de esa camisa. Por lo general, no obtendrás esos grandes resultados con esta cosa. Es por eso que normalmente aconsejo usar las ruedas de color de tres vías con solo hacer clic en este botón aquí mismo, y ahora podemos cambiar mucho más que solo los tonos medianos. Por ejemplo, en las sombras, podemos agregar más de esto, digamos más verde, y luego en los tonos medio, quizá ir un poco más al lado amarillo para darle a esto una camisa verde. También aquí en los aspectos más destacados, porque gente, estamos mezclando colores aquí. No estamos cambiando ese color de camisas azules y ahora estamos agregando amarillo a ese azul, lo que resulta en verde, si recuerdas desde las primeras lecciones. Ahora tenemos una hermosa camisa verde. Mira eso, y es así de fácil que simplemente los resultados finales son bastante impresionantes. Si tienes a alguien que está usando las camisas de color equivocadas o algo así, siempre puedes cambiarla y publicarla. También cosas como la temperatura pueden cambiar justo aquí. Tinte, contraste, más nítido y saturación, todas estas grandes herramientas. Ahora voy bastante rápido sobre esto porque quiero ir a una cosa bastante guay. Si recuerdas la película Sin City. Lo que han hecho en Sin City es en realidad hacer todo blanco y negro y sólo tenía un color, y ese era el color rojo, aparece en esa película. Eso la hizo también bastante especial, es bastante buena película también. Si aún no has visto esa película, definitivamente mírala. Hagámoslo también, pero en lugar de blanco y negro y rojo, vamos de blanco y negro y azul. Sólo voy a restablecer todas estas cosas aquí para sólo hacer eso, y he hecho clic en todas estas, y voy a volver a mi llave aquí mismo. Porque lo que voy a decir ahora es en lugar de trabajar en una selección, vamos a invertir esto y decir trabajar en todo lo demás menos en la selección. Eso lo hace en realidad un simple clic y tiene este botón justo aquí, junto a tu máscara. Basta con hacer click en eso. Ahora hemos invertido todo ese asunto. Ahora lo que me voy a desplazar hacia abajo a la saturación húmeda, y el verde se escapa todo abajo, ya verás que todos los colores se han ido excepto ese hermoso azul. Ahora tenemos ese look de alguna Ciudad del pecado, excepto que ahora es azul en lugar de rojo. Pero así es como funciona la herramienta Corrección de color secundario. Esto también se utiliza para dejar que los tonos de piel seleccionen aquellos para hacerlos parecer más cálidos que el resto de la escena. Eso por lo general no es tan fácil de hacer ya que los tonos de piel son un color que vuelve, generalmente también en el fondo. Permítanme simplemente hacer doble clic de nuevo en la saturación, si seleccionaríamos esos tonos de piel aquí mismo, es esto regresando en estos edificios también, tenemos estas letras aquí, así que definitivamente no va a ser fácil. Pero de nuevo, tengo una lección en este curso que cubrirá trabajar con tonos de piel, y vamos a usar la técnica del enmascaramiento. Eso también es bastante guay. Muchas gracias por mirar y los veré amigos en la siguiente lección. 19. Enmascaramiento y trazado: Oigan chicos, bienvenidos de nuevo al último capítulo de este curso. En este capítulo vamos a echar un vistazo a algunas de las cosas más avanzadas dentro del proceso de corrección de color y vamos a empezar con enmascarar en esta lección. Ahora, en primer lugar, ¿qué es enmascarar? Bueno, tengo un tiro aquí mismo de Kim. Kim, está caminando de un punto a otro y en realidad me gustaría hacer alguna corrección de color sólo en su cara. Hay un par de cosas que debemos hacer. En primer lugar, debemos aislarle la cara, pero también debemos llevarla en camión porque se está moviendo. Echemos un vistazo a cómo podemos hacer eso. En primer lugar, vamos a duplicar esta capa. Porque si vamos a enmascarar su cara, entonces sólo veríamos su cara y eso dejaría un fondo negro. Por lo tanto, necesitamos tener una duplicación de esta capa y la forma más fácil de hacerlo, es manteniendo presionada la tecla “Alt” del teclado y luego arrastrando el clip al canal número 2. Así, y eso duplicará ese mismo videoclip exacto. Ahora, lo que seleccionaste en la capa superior, vamos a dirigirnos a nuestros Controles de Efectos y a partir de aquí abre la pestaña Opacidad. Ya tienes algunas herramientas de donde puedes hacer una mascota. Voy a seleccionar la herramienta de pluma normal. Ahora, primero voy a acercar un poco más al personaje. Voy a poner esto al 100 por ciento aquí y localizar a Kim, ahí está. Voy a tomar la herramienta de bolígrafo, como dije antes, y ahora sólo le dibujo una máscara alrededor de su cara. Empecemos desde algún lugar aquí. Se puede hacer esto bastante duro si se quiere, porque vamos a jugar con algún emplumado después. Algo así. Ahí vamos. Ahora si desactivaría la capa de abajo, verás que todo es negro y acabamos de ajustar esto para que quepa, y veremos que ahora todo es negro y solo su rostro es visible. Entonces por eso necesitábamos agregar la segunda capa, esa duplicación sin la máscara por supuesto. Ahora lo que podemos hacer es, podemos hacer cambios a esto. Por ejemplo, sólo voy a exagerar para que se pueda ver lo que está pasando. Voy a sumarle mucha exposición. Ya se puede ver que sólo ahora estamos afectando su rostro. Entonces eso es genial. Ahora, tal vez veas estos bordes duros abajo aquí abajo. Voy a volver a acercar, voy a hacer esto más a menudo creo. Aquí mismo, se pueden ver estos bordes duros. Podemos quitarlos de alguna manera, aumentando la pluma de la máscara. Entonces dentro de tus Controles de Efecto, aquí está la máscara, máscara número 1, podemos aumentar la pluma y al aumentar eso verás eso, ese borde duro será visible menos. Ahora, también podemos jugar con la expansión. Puede ser tu máscara era un poco demasiado pequeña, entonces puedes aumentar la expansión para hacer tu máscara más grande o hacerla más pequeña ya que puedes ver lo que está haciendo. Entonces tenemos nuestra máscara, ahora echemos un vistazo a lo que nos gustaría cambiar. Voy a restablecer esta exposición aquí. En primer lugar, nos gustaría sacarte la cara y ahora estas son cosas que se están haciendo mucho. El rostro es algo que miramos. El rostro es algo que tiene que ser afilado. Vamos a empezar por agregarle algo de nitidez. Aumenta la nitidez desde la pestaña Creativa. Algo así, no demasiado porque no quieres ver demasiada diferencia entre su cara en el resto del video. Algo alrededor de 30 se ve bastante bien. Después dirígete a la corrección básica y tal vez su piel luce un poco demasiado azulada, así que le vamos a añadir algo más de calidez. Tan solo un poquito así, y tal vez también aumente la exposición, pero no demasiado. Asegúrate de que aún se vea natural. Un poquito así, puede disminuir tus reflejos, ya que te estás poniendo un poco demasiado, estás en el lado derecho y luego aumentar algo de contraste. Este algo con el que puedes jugar. Pero si vamos a echar un vistazo al antes y al después ahora, verás que en realidad hace un trabajo bastante bueno. Ahora su piel se ve mucho mejor y Kim se ve y más viva. Pero cuando voy a jugar esto, verás que la máscara en realidad se quedará en este punto justo aquí. Voy a deshabilitar a primera camada otra vez, ahora podemos ver lo que está pasando. Todo empieza en un gran punto, pero cuando empieza a moverse, sale de esa máscara. Entonces tenemos que rastrear esa máscara con su cara y eso es bastante fácil de hacer. Voy a volver al modo Fit aquí mismo, y desde la máscara aquí arriba, tenemos el camino de la máscara, y a partir de ahí realmente podemos animar esa máscara o realmente hacerla rastrear. Ahora, tenemos varios controles aquí dentro, este de aquí solo reproducirá el clip y automáticamente rastreará la máscara con su cara, pero también hay algunos otros controles que también podemos revertir la reproducción, nosotros no tienen que rastrear la máscara de una manera hacia adelante. También podemos hacer eso hacia atrás o también podemos mover un fotograma hacia adelante o ir un fotograma hacia atrás. Ahora, la razón por la que tenemos este fotograma hacia atrás y hacia adelante, es porque a veces tu máscara no se pegará tan bien a cierto objeto en movimiento, y luego quieres ajustar la máscara mientras estás haciendo el rastreo. Pero en la mayoría de los casos, las caras siguen bastante bien. Entonces vamos a ver cómo va. Voy a seleccionar mi máscara para que pueda verla aquí mismo y ahora solo presiono el botón “Play”. Como puedes ver, lo está haciendo bastante bien. Un consejo aquí, mantén el ratón en el botón Stop, porque si ves que la máscara se volvería salvaje en cierto punto, siempre puedes pulsar “Stop” y luego ajustar la máscara para que tal vez la agarres y la posicionara en el lugar correcto. Para mí, esto estuvo bastante bien. Entonces solo lo voy a dejar en donde estaba y luego puedes continuar. Como puedes ver aquí mismo, es crear todos estos marcos clave. Es animado, eso es malo. Ahora, hasta aquí. Ahora, ella está fuera de la imagen. Presiona “Ok”, y todo está hecho. Cuando voy a reproducir este video ahora mismo, voy a apagar la capa de abajo para que definitivamente lo puedas ver. Verás que la máscara está siguiendo perfectamente su rostro. Voy a habilitar esa capa ahora otra vez, no te darás cuenta de que en realidad hemos hecho una corrección de color en su cara, pero en realidad se ve mucho más natural. Es así como funciona el enmascaramiento y también cómo podemos rastrear esa máscara. Esto es algo que se utiliza con bastante frecuencia para hacer algunos cambios en un punto en particular. Nuevamente, muchas gracias por ver. En la siguiente lección, vamos a seguir con esto, donde vamos a animar los colores en lugar de una máscara. 20. Trabajar con Vignette: Viñetas, el último control y controles Lumetri Color. Veamos qué puede hacer eso. Como dice el nombre, podemos agregar viñeta o quitar alguna viñetada en tu tiro. Pero veamos qué hacen estos controles en realidad. Vamos a empezar con la cantidad, cuánta viñeteado te gustaría agregar. Podemos mover esto al lado derecho, que va a añadir una viñetada negativa o una viñetada blanca o al lado izquierdo, que va a añadir el famoso viñetado negro. Pero empecemos por el lado derecho porque quiero mostrarles los otros ajustes aquí también. Entonces el siguiente es el punto medio y ver qué va a hacer. Agregará más viñeteado o moverá el punto medio más cerca del medio, o también podemos mover eso hacia el exterior. Es sólo un poquito lo que nos gustaría cambiar. Eso es lo que hace el punto medio. Entonces tenemos la redondez. Si movemos eso todo el camino hacia la izquierda, sacará más de la forma del tiro, que es casi un cuadrado. Pero también podemos mover eso todo el camino a la derecha y eso hará un círculo perfecto de tu viñeteado. Ahora por lo general no quieres tener un círculo perfecto ya que tienes una captura de pantalla ancha. Por lo general, quieres asegurarte de que los bordes aquí de la derecha sean la misma longitud que el de aquí arriba para que por lo general se sienta aquí en el medio. Pero de nuevo, eso realmente depende de tus necesidades. Entonces finalmente tenemos la pluma. Si voy a mover eso todo el camino a la izquierda, verás que tenemos una línea muy dura, que normalmente no es algo que queremos. Pero de nuevo, si esas son tus necesidades, entonces también puedes usar eso y también vamos a llevar eso al lado correcto. Podemos agregar más emplumado a esa máscara o viñeteado. Ahora bien, ¿en qué formas puedo usar viñeteado? Bueno, antes que nada, ya hicimos algo. Esta es una especie de tiro soñador, un efecto de humo tal vez. va a dejar eso a ti, pero podrías agregarle alguna viñetada negativa para crear esto y dejar que tu personaje sueñe, o también podemos ir al otro lado para agregarle algunos negros. Vuelve a restablecer ese emplumado y ahora tenemos ese estilo patinador, el típico viñeteo que vemos a veces tal vez aumentar aún más ese punto medio, añadirle un poco más de pluma y ahora realmente tenemos ese estilo patinador. Acabamos de utilizar muchos de esos videos de skate u otros videos de deportes extremos. Pero el viñeteo no siempre se usa para agregar cierto efecto a tu video. También se utiliza para corregir a veces tu imagen y para eso tengo esta segunda toma aquí mismo. Ahora esto se rodó con una lente que automáticamente creó algunas viñetas aquí arriba. También puedes ver eso, y no es el que yo quiero así que voy a quitar ese viñeteo y lo puedo hacer con aquí. En lugar de agregar más yendo a la izquierda, voy a mover el deslizador hacia la derecha y levantar ese viñeteo un poco así. Es tal vez un poco demasiado, va un poco demasiado lejos. También voy a cambiar un poco el punto medio. Es más hacia el exterior. No es tanto de viñeteo así y ahora en realidad se ve mucho mejor. Cuando miro el antes y el después ahora, puede ver que hemos quitado el viñetado y se ve mucho mejor ahora, definitivamente mira aquí en las esquinas, se puede ver que hizo un gran trabajo. Entonces tan lleno, esencialmente, es como funciona el viñeteo. Estos son los controles y eso es lo que se puede hacer con él. Puedes corregir un clip con él o también puedes agregar un estilo particular a un clip. También fue para el capítulo número 3. Se va a dar seguimiento de nuevo con un pequeño quiz. Te deseo toda la suerte con eso. Entonces en el capítulo número 4, realmente vamos a sumergirnos en las técnicas avanzadas porque sabemos técnicamente ahora cómo funcionan todos los controles dentro de las herramientas de Lumetri Color, por lo que podemos empezar a hacer máscaras ahora, podemos hacer cualquier país de los colores, vamos a igualar algunos tiros. Incluso vamos a hacer algo de gradación de pantalla verde, y finalmente, te voy a dejar con una conclusión al final de este curso. Gracias de nuevo por ver y también de nuevo, buena suerte con el pequeño quiz. 21. Transiciones de color: Tenemos un escenario muy típico en la línea de tiempo en estos momentos. Solo reproducimos este clip y veamos qué pasa. Los colores aquí son bastante naturales. Todo se ve bien hasta que Kim entra en este diferentes espacios, habitación diferente. balance de blancos verde ahora está completamente fuera de su camino para calentarse, así que tenemos que arreglarlo. Ya hemos visto cómo podemos hacer eso, por ejemplo, con el deslizador de temperatura. Entonces voy a añadir un poco más de azul en esta toma así, para que ustedes blancos aquí arriba se vean blancos. Este tiro ahora mismo se ve natural, pero cuando voy a volver al principio, ahora verás que el resto aquí se ve bastante azulado, tan bastante frío. Esto ya no se ve natural. Tenemos que animar este color. En un punto donde se mueve a esta habitación, tenemos que animar la temperatura aquí mismo. Permítanme que vuelva a restablecer eso. Ahora para animar, tenemos que crear fotogramas clave. A partir de las herramientas de control lumétrico aquí, no somos capaces de crear esos marcos clave. Tenemos que entrar en nuestros controles de efectos, y aquí mismo, también verás efectos de color lumétrico. Si abres ese efecto, puedes ver todos los sellos que también tenemos escritos aquí, corrección básica, creativa, etc. Cuando voy a abrir esa corrección básica, nuevamente tenemos todas las herramientas que tenemos dentro la corrección básica como también que las temperaturas más ligeras. También puedes hacer tus gradaciones de color aquí, pero claro, esta es una visualmente más atractiva para trabajar como con todos estos números aquí, pero para animarlo, tenemos que trabajar aquí. Entonces echemos un vistazo cómo podemos hacer eso. Voy a empezar en el punto donde ella va a entrar a esta habitación. Entonces eso es en algún lugar justo aquí. Voy a crear un fotograma clave para la temperatura por allá, luego moverme un poco más allá en el tiempo justo aquí cuando la habitación esté visible, y luego disminuir ese valor para que le agreguemos más azul a esa toma, para que tus blancos se vean blancos. También puedes ver ese deslizador moviéndose mientras estamos cambiando el valor ahí mismo. Ahora hemos creado una animación. Cuando voy a jugar este tiro ahora, verás que los colores son naturales, los colores cambiarán ahora y siguen luciendo naturales. Esa es una forma de usar la animación de colores para cambiar el balance de blancos cuando estás caminando dentro diferentes salas que tienen diferente iluminación, pero ahora vamos a dar esto un paso más allá. Voy a quitar el efecto elemental aquí dentro, allá vamos. Porque en realidad me gustaría agregarle algo de gradación y no quiero usar los controles aquí dentro, quiero usar aquí mis conocidos controles de color lumétrico. Por supuesto, podemos hacer eso, pero no con fotogramas clave normales. Ahora, tenemos que trabajar con capas de ajuste entonces. Desde el panel de tu proyecto justo aquí, selecciona el nuevo botón, y presiona la capa de ajuste, luego pulsa “Ok, y un nuevo elemento está en su panel de proyecto junior, capa de ajuste, solo tienes que arrastrar eso encima de tu clip de video. Ahora bien, esta capa de ajuste es algo en lo que podemos agregar efectos, y esos efectos se aplicarán a todo lo que se muestra a continuación. También podríamos reproducir esto en el canal de video número 3, y en otra capa abajo aquí, entonces los efectos que se aplicarán en la capa de ajuste también se aplicarán a ambos canales. Pero por ahora, dejemos eso en el canal número 2. Apliquemos una calificación para la primera parte aquí mismo, donde todo se ve bastante natural. Voy a ser bastante extremo ahora porque quiero mostrarles la gran diferencia. Hagamos algo loco aquí. Voy a dirigirme a mis ruedas de color, y voy a añadir este muy popular azulado sobre naranja. Entonces voy a añadir un montón de azulado o azul a mis sombras. Así. Voy a exagerar, y voy a sumar mucha naranja aquí a los aspectos más destacados. Ahí vamos. Después añade un poco más de contraste moviendo los reflejos hacia arriba y moviendo las sombras hacia abajo. Ahí vamos. A lo mejor también subir los tonos medios, sólo un poco diminuto, ir a agregar de nuevo a mi corrección básica aquí, tal vez agregar algo más de contraste. Algo así. Está empezando a parecer bastante desagradable, pero está bien, es sólo para que puedas ver la gran diferencia. Esta es la primera toma que queremos tener hasta que él o ella se mude aquí a esta otra habitación y a partir de este punto, nos gustaría tener algo más. Lo que vamos a hacer es arrastrar nuevamente en la capa de ajuste justo en el punto donde nos gustaría tener este cambio. Eso es en algún lugar justo aquí. Voy a recortar esta capa de ajuste, añadir la nueva capa de ajuste justo al lado de eso, y ahora voy a trabajar en esa segunda capa de ajuste. De nuevo, podemos usar todos los controles aquí dentro, así que tal vez haga uso de las curvas ahora. Eso es un contraste más desde aquí, esa hermosa curva S como hemos visto en este curso, luego desde la tableta creativa, solo aplíquelo mucho. Basta con ver lo que tenemos aquí dentro. Luna Azul. Basta con presionar sobre eso. Eso se ve intenso, ¿no? Dirígete a la corrección básica. Voy a disminuir un poco los reflejos porque eso es demasiado. Tenemos algo loco ahora. Tenemos dos looks diferentes. Tenemos este look muy anaranjado amarillo. Otra vez bastante desagradable, y ahora tenemos este look azulado, también desagradable, pero de dos maneras diferentes looks. Ahora lo que voy a entrar en juego esto, tú, claro, verás que hay un corte duro entre los dos colores, lo cual no es bueno. Lo que podemos hacer es agregar una transición entre estos dos. Dirígete a tus efectos, escribe aquí, disuelve o diss, y desplaza hacia abajo. Aquí mismo, podemos encontrar la cruz disuelta. Arrastra eso entre estas dos capas para agregar una transición, y luego verás que los colores serán hermosa transición entre uno y los segundos. Ahora por cierto, DJI también hizo una gran película aquí. DJI es una empresa que fabrica estabilizadores motorizados como DJI Ronin, Gimbal de tres ejes, y lo que han hecho es hacer todo un cortometraje en un solo disparo. Tenían todo este tipo de escenas diferentes, como una izquierda vista, una escena dramática, una escena de acción, etc, y cada una de estas escenas tiene una calificación de color diferente a la misma. También le aplicaron la misma técnica hoy en día, hicieron cierta gradación de color a una escena y luego aplicaron una hermosa transición hacia la otra escena así. Es así como puedes animar los colores. Una forma es simplemente animando el efecto real en tus controles de efectos con los fotogramas clave, o también puedes trabajar con capas de ajuste y luego simplemente agregar una transición de disolución cruzada entre estos dos, y puedes siempre hace esta transición por cierto, más grande si así lo deseas, lo que ahora tarda un poco más en transitar de una a otra gradación de color. Ahí vamos. Ahora es más sutil, o también puedes por supuesto, hacer esto más pequeño si quieres tener un cambio más rápido entre los dos colores. A partir de ahí vamos. Eso fue todo por animar colores. Bastante simple, pero algo que sólo tienes que saber, y también ves que usarás esto con más frecuencia de lo que piensas. En la siguiente lección, vamos a echar un vistazo a cómo podemos igualar dos tiros. Creo que eso también es algo que todos estamos buscando. Tenemos dos cámaras, hemos rodado esta entrevista, pero por alguna razón, estas dos cámaras, esos colores, simplemente no van a coincidir. Entonces eso toca para la siguiente lección. Gracias de nuevo por ver. 22. Clips a juego: Hemos tomado una entrevista de Kim con dos cámaras pero desafortunado, estas dos cámaras simplemente no van a coincidir. Este de aquí es el primer ángulo que tenemos, es un tiro largo. Como puedes ver, los colores son bastante grises, hace bastante frío todo. También es más suave como dentro de esta toma de aquí mismo, que se filma con una cámara diferente. Está rodado en 4K, lo que nos da esa imagen muy nítida, muy nítida. Además, los colores están mucho más saturados, es más cálido y todo. Estos dos tiros simplemente no coinciden, y eso es algo que no podemos entregar si fuera por un cliente. Entonces tenemos que hacer algo con los colores aquí. Ahora antes de empezar, primero vamos a reorganizar algunas cosas en nuestro espacio de trabajo. El primero que vamos a hacer es traer al monitor de referencia, porque nos gustaría ver estas dos imágenes una al lado de la otra si vamos a compararlas por supuesto. Puedes hacer eso desde el menú aquí arriba, selecciona “Ventana”, y luego desde ahí, encuentra el Monitor de Referencia, está justo ahí. Eso lo levantará en una nueva ventana, está por aquí. Ahora, lo grandioso de este Monitor de Referencia es que no está vinculado a tu playhead de la línea de tiempo como con tu monitor de programa. Si vas a mover tu cabezal de reproducción, también verás que aquí mismo en monitor de programa que seguirá eso, pero no sucede en tu monitor de referencia, pero es una presentación de tus líneas de tiempo. Por lo que eso significa que puedes tomar este pequeño playhead de ese monitor de referencia y moverlo en cualquier punto de tu línea de tiempo. Pero simplemente no verás que tu cabezal de reproducción también se mueva cuando estás haciendo eso. Vamos a posicionar este aquí en el primer clip y luego posicionar el cabezal de reproducción real en el segundo clip. podamos ver uno al lado del otro. Ahora, otra cosa que vamos a necesitar son los Scopes Lumetri aquí mismo. Vamos a trabajar especialmente con el Vector Scope y también un poco con el Monitor de forma de onda, que está aquí mismo. Ahora, también vamos a posicionar esto en otro lugar porque de lo contrario ya no vemos el monitor de referencia. Sólo vamos a agarrar eso y voy a arrastrar eso a mi panel de proyecto aquí mismo. Entonces va a usar este espacio por ahí. Ahora tenemos un Disparo Número 1 a la izquierda, Disparo Número 2 a la derecha, tenemos los Scopes Lumetri, tenemos la línea de tiempo, y también nuestros controles de color Lumetri por aquí en el lado derecho. Ahora constantemente vamos a comparar estas dos imágenes mientras vamos a emparejar estos dos tiros. Ahora antes de que vamos a prestar atención a los detalles, primero vamos a hacer algunos cambios globales. Eso comienza con la saturación o la vibración de la imagen. Actualmente tenía la segunda toma visible en mi monitor de programa, y también ves que aquí en mi Vector Scope que hay un cierto patrón de la saturación. Cuando voy a comparar eso con el primer gráfico, verás que la saturación es totalmente diferente. En realidad no hay mucha saturación ahí, así que vamos a aumentar eso. En tus controles de color abre la pestaña Creativa porque a partir de aquí tenemos tanto la Vibrancia como la saturación. Empecemos con la Vibrancia. No queremos exagerar porque también vemos en la segunda toma que tenemos un buen pico aquí. Entonces si solo aumentamos la vibración, no creará tal pico como se puede ver. En realidad sólo hará que ese punto sea más grande, así que eso no es lo que queremos. No tendrás ese pico, así que por eso vamos a trabajar con la saturación. Por lo que aumenta esa saturación. Veamos a dónde podemos ir. Creo que podemos ir bastante alto con esta cosa. Algo alrededor de este 155, 160 tal vez. No tengas miedo de ir demasiado. Tal vez también aumentó la vibración apenas un poquito porque estamos comparando estos dos. Como se puede ver, sólo una saturación global es un poco menos. Basta con mirar las dos imágenes también. No solo sigas tus métricas aquí, sino que también mires las dos imágenes. Vamos a necesitar un poco de oleaje de vibración no demasiado. A lo mejor sólo dos y medio. Sólo un poquito de vibración. Algo así. Esto está empezando a parecer bastante bien. Sólo mirarán la saturación de los colores, no miren la calidez en realidad misma porque eso a veces es engañoso. Este es, por supuesto, un tiro muy cálido, y este es un tiro muy frío. No mires demasiado a eso, solo mira la saturación de los dos colores. Creo que podría ponerse un poco más. Entonces lo siguiente que también notamos, esto de aquí se rodó en 4K, por lo tanto muy afilado, y éste de aquí se filma apenas en 1080P, pero también el afilado se volvió abajo dentro de la cámara. Entonces lo que quiero hacer es simplemente agregarle un poco de afilado. No tengas miedo de exagerar en esto porque estamos comparando esto con una imagen 4K. Lo que voy a hacer es que voy a añadir algo alrededor de 75. Como te sentí antes, siempre toca tu clip cuando vas a añadir nitidez y tal vez un poco demasiado. Bajar eso un poquito. [ inaudible] es 37, 35. Vuelve a jugar. Esto se ve mucho mejor ahora. También si comparamos esa nitidez ahora con este tiro, ya coincide mucho mejor. Entonces lo siguiente que quieres hacer, y por cierto seguimos trabajando a nivel global, es la exposición. También hay una gran diferencia entre los dos. Como puedes ver, los tonos medios están menos expuestos como en esta toma. Ya ves tenemos un tiro muy brillante aquí. Las sombras son bastante similares. Estos están bastante bien, pero los medios tonos no lo están. Ahora podríamos aumentar solo los tonos medios, pero siempre va a afectar de alguna manera los aspectos más destacados. Por lo que hay una mejor manera de hacerlo. Dirígete a tu Corrección Básica y solo aumenta la Exposición. No demasiado. Vamos a ver hasta dónde podemos llegar. Quizás en algún lugar alrededor de las seis o algo así. Tan sólo miren los tonos medios ahora por cierto. Se ven bastante similares si miro a los dos. También mira aquí tu forma de onda. El segundo disparo realmente está usando toda la gama aquí. Entonces no va a ser tan fácil, pero prueba con tu exposición. También levanta eso un poco para que esté usando más de ese rango. Creo que alrededor de 0.6 debería estar bien. Entonces tus momentos más destacados, vamos a arreglar eso. Vamos a bajar los aspectos más destacados. No estoy seguro de cuánto. A lo mejor alrededor de 50. Esto se ve bastante bien. Definitivamente mira tu cara ahora mismo cuando estás haciendo esto, porque eso es algo que podemos comparar en estos dos tiros porque no hay cielo en este tiro. Entonces eso se ve bastante bien ahora con los reflejos durante un poco más abajo, y también tenemos que arreglar el contraste ahora porque mientras estamos levantando la exposición y bajando los reflejos, en realidad estamos disminuyendo el contraste. Entonces vamos a añadir un poco más de contraste también. Vamos a ver cuánto tenemos que sumar. Creo que podemos ir bastante alto con esto en realidad, porque como esta es una toma bastante vívida, tal vez alrededor de 50 en algún lugar. También presta atención cuando vas a aumentar el contraste. También aumentará tu saturación. Por lo que podría querer alterar nuevamente la saturación. De verdad depende de tu situación, pero en este caso, está bastante bien ahora. Creo que la saturación y la exposición está empezando a coincidir bastante bien. Tenemos un buen contraste aquí. Tenemos colores bien saturados, igual que en el otro tiro. Entonces eso está bien ahora. Ahora empecemos a trabajar en las cosas más precisas, que son los colores reales. Creo que es bastante obvio que el tiro derecho aquí, el segundo tiro es mucho más cálido como el de la izquierda aquí. Entonces vamos a añadir algo de calidez a su, pero tenemos que tener cuidado de nuevo. A lo que voy a añadir mucha temperatura aquí. De acuerdo, el tiro será más cálido, pero verás que algo simplemente no está bien cuando estoy haciendo esto. Eso es porque, bueno, el control de temperatura solo tomará todo el rango justo aquí y lo hará todo más cálido. Pero si miramos el tiro correcto, aquí no todo está caliente. Los negros son bellamente negros y Kim se enfrentó a los aspectos más destacados aquí. Bueno, están un poco calientes, pero no son de color naranja. Cuando estoy sumando tanta temperatura en mi primer disparo, verás que estamos empezando a conseguir un cielo naranja. También nuestra cara, ya no es natural, es demasiado naranja. Entonces vamos a usar diferentes controles para eso. Vamos a trabajar más en los niveles, pero eso no significa que no podamos usar un control de temperatura. Si voy a restablecer esto, verás que hace mucho frío. Por lo que podemos sumar un poquito de esto. A lo mejor algo alrededor de las 10, pero ten cuidado, no agregues demasiado. Echemos entonces un vistazo donde podamos cambiar esos tonos cálidos, y eso está en las ruedas de color aquí mismo. Vamos a trabajar en los tonos medios y los reflejos un poco, pero vamos a mantenernos alejados de las sombras. Queremos mantener negros a los negros. Entonces, empecemos con los aspectos más destacados. Realmente puedes empujar mucho calor en eso, mucha naranja, porque en comparación con el otro tiro, hace bastante frío. Entonces tal vez algo alrededor de esto. Creo que ya estamos a mitad de camino. Está empezando a verse bastante bien. No le mires a la cara en este punto. Su rostro está más dentro de los reflejos. Mira el entorno que la rodea. Definitivamente echa un vistazo a su chaqueta. Esta chaqueta de aquí empieza a lucir un poco morada. Entonces no tengas miedo de ir quizá un poco más hacia el lado verde. Comparar estos dos elementos entre sí. Su chamarra tiene que ser la misma azul y ambos tiros. También intenta fusionar eso jugando con los tonos medios. Su chaqueta está en los tonos medios. Entonces algo alrededor de esto, esto está empezando a parecer bastante bien. Ahora también podemos agregar algo más de calidez a los aspectos más destacados, pero vamos a tener cuidado con los reflejos porque afectarán también al cielo y no queremos ese cielo naranja. Entonces no vamos a sumar el 50 por ciento o algo al lado naranja. A lo mejor sólo pedacitos, tal vez algo alrededor del 20 por ciento, 10 por ciento, algo alrededor de esto, no demasiado. Simplemente haz que su piel aquí sea un poco más caliente como en este tiro, y esto ya es suficiente. Ahora comparando estos dos tiros, todavía hay algo malo en este disparo. Ahora como estábamos arreglando este tiro frío bastante drásticamente poniendo muchos colores cálidos en él, realidad estábamos cambiando los colores. En realidad estábamos tirando de los colores de una manera antinatural y por lo tanto veo este elenco magenta en ella. Bueno, fácilmente podemos arreglar que si vuelves a la corrección básica, quizá queramos añadir un poco de verde a esta toma. No demasiado. Ten cuidado con eso. Podría querer ser como alrededor menos cuatro, menos cinco, sólo un poquito de verde para levantar esas magentas que viste. Esto ya está empezando a verse mucho mejor. Ahora hay una última cosa que quiero ir y esa es la hierba de aquí. El pasto luce artificial y eso es principalmente porque he añadido un poco más de verde al tiro, pero también por la saturación que se bombeó bastante grande. Kim se ve genial sin embargo, pero solo hay demasiado verde, lo que hace que eso sea artificial. Entonces vamos a disminuir la saturación de esa hierba también. Porque en comparación con este tiro, donde no vemos tanto verde, es solo un poquito ahí arriba y un poco aquí abajo. Pero para lo demás es más marrón por aquí y también Kim está cubriendo más de imagen. Al igual que en este tiro, tenemos una mancha muy grande de hierba. Voy a dirigirme a mis Curvas porque a partir de aquí, sé que puedo disminuir sólo ese canal verde. Entonces permítanme habilitar ese canal verde aquí mismo. Yo sólo voy a disminuir ese verde sólo un poquito, no demasiado. No queremos tener un pasto saturado 2D. El pasto tiene que ser vívido porque el otro disparo también es bastante vívido, pero no tiene que parecer tan artificial. Algo alrededor de esto. También podría querer derribar esta parte aquí mismo porque el pasto no es verde real. Ahora se parece más a este verde otoñal. También es otoño por cierto así que por eso no es perfecto verde. Entonces voy a habilitar también el canal amarillo para que pueda tocar este de aquí. Podría querer derribar un poco más de eso, algo alrededor de esto. Sigue comparando los dos tiros por cierto. Entonces ahí vamos. Se han emparejado los dos tiros. Recuerda cómo lo he hecho. He trabajado en diferentes sellos. He empezado globalmente con la exposición y la saturación, y luego empecé con los colores reales trabajando en los diferentes niveles. Las sombras, los tonos medios, y los reflejos. Es así como podemos lograr esto. Recuerda mirar siempre los diferentes puntos detallados como lo estaba contando chaquetas de invierno. En ocasiones tus tonos de piel se ven geniales, pero tu chaqueta podría ser de un color completamente diferente. Así que ten cuidado con eso. Por supuesto, creo que todos están esperando esto. Echemos un vistazo al antes y al después. Voy a dirigirme a mis controles de Effects para pararme en ese disparo. Déjame encender y apagar esa herramienta Lumetri Color. Este es el antes y este es el después, lo cual es una diferencia extrema. También echa un vistazo a tus Scopes Lumetri aquí. El Vector Scope, tienes mucha más saturación y también en la forma de onda, podemos ver que ahora estamos usando uno mucho más de ese rango. Ahora hablando de emparejar dos tiros, en la siguiente lección, vamos a emparejar un tiro de llave verde con algunos antecedentes. Así que mantente atentos para eso, y gracias por verlo. 23. Gradación del color en fondos verdes: En esta lección, vamos a echar un vistazo a cómo podemos emparejar un disparo desde una pantalla verde con su fondo. Lo que tengo aquí mismo, es algo en lo que realmente he trabajado el año pasado alrededor de la Navidad. Aquí hay una pareja que está bailando. Este va a ser el fondo que voy a estar usando. Ahora, debo decir a los amigos que lamento no compartir este trasfondo ya que no tengo que licenciar para eso. Pero sí tengo un enlace en un archivo del Bloc de notas de donde puedes ver este fondo y también comprarlo si quieres por $8. Pero aparte de eso, todo se trata de la técnica que les voy a explicar, y no de este trasfondo en particular. Empecemos. Lo primero que queremos hacer es en realidad, hacer el keyying en sí mismo. Normalmente lo estoy haciendo dentro de Premier Pro porque Premier tiene un gran keyer. Vayamos a nuestros Efectos y busquemos la Ultra Key. Arrastra eso a tu clip y esto nos ayudará a hacer todo el trabajo de claves. Lo primero que vamos a hacer aquí es tomar el recolector de color y seleccionar verde del fondo, y eso ya dará algunas claves. Entonces vayamos a la configuración aquí dentro, y veamos qué más podemos hacer. lo primero con lo que vamos a empezar es la Transparencia. Voy a bajar esto hasta que ya no veamos nada saliendo de cerca aquí. En realidad todo se ve bien. Primero vamos a poner atención a los personajes, lo que no vamos a teclear. Al sólo mirar eso, realidad podría querer poner a mi Transparencia algo alrededor de ocho tal vez. Esto se ve bien. Entonces lo siguiente que queremos hacer es cambiar el Highlight y puedo llevar eso todo el camino a cero. Después viene la Sombra y sólo trae eso arriba o abajo. Veo que tengo que arreglar algunas cosas porque se puede ver también está clavando partes por aquí, así que ten cuidado con esa Sombra, trayendo eso, y creo que tenemos que estar en 60 para eso. Entonces lo siguiente va a ser la Tolerancia. Veamos hasta dónde podemos sacar eso. Podemos llevar eso hasta 100, lo cual es genial. Entonces el Pedestal, veamos hasta dónde podemos llegar con esa cosa sin tocar la imagen real. Al parecer, también podemos subir hasta 100, lo cual es genial. Ahora, vamos a volver a Transparencia porque todavía hay algunas cosas flingling a su alrededor, que nos gustaría tener lejos. Ahora, podemos aumentar esa transparencia porque hemos cambiado algunas otras configuraciones aquí también. Veamos a qué número podemos ir, algo alrededor de 23, eso lo hará. Esta de aquí es una clave bastante buena que hemos hecho. Por supuesto, todavía hay este borde y eso es algo que vamos a arreglar, y la siguiente configuración, esa es la limpieza mate. Aquí dentro, vamos a empezar con el ablandamiento. Ahora, ten cuidado con tu ablandamiento, no ablandes demasiado. Simplemente hará que tu llave sea fea. El máximo que suelo sugerir es sólo un ablandamiento de 10. Eso ya hará algo de asfixia, y por eso primero hacemos el ablandamiento. Ahora, podemos agregarle algo de estrangulamiento. Creo que podemos hacer más o menos estrangulamiento. Veamos hasta dónde podemos llegar aquí. Creo que algo alrededor de 84, 85, algo alrededor de esto. Entonces finalmente, la Supresión de Derrame porque todavía veo algo verde aquí. Traigan a la Desaturación. Podemos ir alrededor de 50, creo. Entonces para el Range también, solo saca eso un poco. Eso empieza a verse mejor, algo alrededor de esto. Creo que el Luma, sólo podemos bajar eso sin dañar demasiado. Bajando eso a cero. Ahora, en realidad hemos hecho un gran keying como puedes ver. Todavía tenemos algunas cosas por aquí, pero sólo vamos a enmascarar eso con la Opacidad aquí y simplemente dibujar una máscara alrededor de estas dos personas. Ahí vamos. Es posible que quieras traer estos dos puntos aquí fuera del marco. Eso es todo por el keying. Ahora que hemos hecho el keying, ahora podemos ver claramente que, bueno, no coinciden con el fondo en absoluto. El fondo es algo por la noche y bueno, les disparan en un estudio con una iluminación de tungsteno. puede ver que es un tiro interior que estamos poniendo un tiro exterior, así que esto no es bueno. Vamos a hacer alguna corrección de color sobre ella. Selecciona tu clip y ve a las herramientas de color Lumetri, y empecemos con la corrección básica. Porque aquí lo primero que vamos a hacer es simplemente bajar esa temperatura de color. Se puede bajar mucho eso. Vamos a bajarlo a alrededor de 65 o algo así, algo alrededor de esto. Su camisa realmente puede parecer azulada porque estamos de noche y cuando estamos de noche, bueno, las cosas empiezan a lucir azules, como también el fondo, así que eso es genial. Entonces lo siguiente es la exposición. Estamos de noche, así que está oscuro. Bajar la exposición. No demasiado. Quizás alrededor de 0.2 o algo así, para luego aumentar también el contraste. Creo que podemos agregar mucho contraste a esta toma, definitivamente mucho, algo alrededor de esto. Porque es de noche, tenemos sombras muy duras. Porque el único punto de luz que tenemos es la luna y esa luz de la luna también está lanzando muchas luces, así que vamos a aumentar los aspectos más destacados. Haz algo alrededor de los 60, en algún lugar alrededor de esto. Cuando voy a mirar el antes y el después ahora, se puede ver que ya tenía partidos mucho mejor. Pero podemos hacerlo aún más. Voy a desplazarme aquí abajo y buscar las ruedas de color en las sombras. Yo sólo voy a añadir un poquito de azul. No demasiado, sólo un poquito. También voy a arreglar eso ahora porque cuando estoy agregando azul en las sombras, también tocará un poco de los tonos medio, por lo que, voy a levantar eso al sitio opuesto aquí agregando un poquito de amarillo dentro para mantener esos tonos de piel cálidos como se puede ver. Así es como en realidad emparejamos este tiro. Lo que hay que hacer es imaginar dónde está el fondo en. ¿ Qué tipo de escena es? ¿ Está en un hospital? ¿ Es un lugar abandonado tal vez? ¿ Es algo de horror o algo dramático, algo de acción? Piensa en eso y mira los colores. Tenemos mucho azul en este tiro de fondo, y también tenemos luces de corazón aquí. Estas partes de allá, arriba en el árbol de Navidad, y la luz de la luna, estas dos partes se pone mucha luz y te da esas duras sombras, que son bastante naturales por la noche. Por lo tanto, he aumentado el contraste y aumentado los reflejos. Esta es una parte de cómo puedes emparejar tu tiro de llave verde con el fondo. Permítanme que volvamos a mirar el antes y el después. Como puedes ver, se ve mucho mejor. Pero hay una cosa más que en realidad podemos hacer para mezclarlo aún más. Cuando pensamos en Navidad, también pensamos en la nieve. Entonces lo que tengo justo aquí en mis clips es en realidad alguna nevada aquí mismo. Voy a arrastrar eso a mi línea de tiempo. Ahí vamos. Podemos usar esta nevada en algo que generé dentro de After Effects. Ya he exportado eso, así que también podemos descargar esto y usar esto en cualquier lugar que quieras. Cuando selecciones ese clip, dirígete a la Opacidad, y desde aquí selecciona el Modo de mezcla, Aclarar. Entonces verás que se mezcla con esa imagen. Ahora, tenemos algo de nieve cayendo de fondo, pero también sobre estas dos personas. Eso puede ser cualquier cosa. Por ejemplo, también polvo si estás rodando una película de guerra, una película de acción donde se ha disparado alguna explosión, entonces puedes ver ese polvo entrando en el tiro, que no solo aparece de fondo, sino también en top de tus personajes, o una bengala de sol o algo por el estilo. Asegúrate de tener algún elemento que no solo aparezca en el fondo, sino también en la parte superior de tu tema, y eso hará que se mezclen aún más. Ahora, para aquellos de ustedes que van a descargar este proyecto porque como les dije antes, no puedo compartir eso lamentablemente, así que verán algo alrededor de esto para también darles ese mismo efecto como el fondo. Eso es todo para esta videolección, pero también para este curso. Yo quiero agradecerles mucho por seguir. Ya has aprendido todo de las herramientas de color Lumetri. Lo único que te puedo aconsejar ahora es seguir practicando. calificación del color o la corrección del color es una de las cosas más difíciles dentro de la cinematografía, y por lo tanto, yo diría, no te rindas. Ninguno de este curso no es algo mágico que de repente te convertirá en el mejor nivelador del mundo. Simplemente te ayudará para que puedas practicar más fácil y más rápido. Te voy a dejar con un último quiz después de esta lección. Si completas eso, has completado todo el curso, y también recibirás un certificado. Quizás quieras seguirme más lejos, y eso es posible en mi canal de YouTube. Puedes suscribirte por ahí y ver un nuevo video todos los martes. Subo montones de tutoriales y tips para hacer películas. Mi nombre es Jordy, y muchas gracias por mirar.