Lettering a mano y más allá: lettering 3D en espacios negativos con acuarelas | Vinitha Mammen | Skillshare
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Lettering a mano y más allá: lettering 3D en espacios negativos con acuarelas

teacher avatar Vinitha Mammen, Illustrator | Lettering Artist

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Lecciones en esta clase

    • 1.

      Introducción

      2:28

    • 2.

      Descripción de la clase

      1:05

    • 3.

      Tu proyecto de clase

      3:08

    • 4.

      Materiales

      8:56

    • 5.

      Espacio negativo y su uso en el arte

      9:49

    • 6.

      Conceptos básicos de lettering

      16:26

    • 7.

      Cómo ampliar tu lettering

      5:16

    • 8.

      Lettering en 3D

      13:53

    • 9.

      Consistencia de la pintura

      15:26

    • 10.

      Control del pincel

      11:11

    • 11.

      Búsqueda de inspiración

      7:08

    • 12.

      Generador del nombre creativo del alma

      3:15

    • 13.

      Concepto y boceto

      17:03

    • 14.

      Cómo pintar con acuarelas

      11:46

    • 15.

      Reflexiones finales

      3:35

  • --
  • Nivel principiante
  • Nivel intermedio
  • Nivel avanzado
  • Todos los niveles

Generado por la comunidad

El nivel se determina según la opinión de la mayoría de los estudiantes que han dejado reseñas en esta clase. La recomendación del profesor o de la profesora se muestra hasta que se recopilen al menos 5 reseñas de estudiantes.

566

Estudiantes

7

Proyectos

Acerca de esta clase

¿Qué mejor que el lettering a mano? ¡El lettering 3D, claro! Esta es una clase sobre cómo crear lettering 3D con acuarelas usando el espacio blanco de formas inteligentes e interesantes. No solo aprenderás a llevar tu lettering a la tercera dimensión, sino que también a hacerlo más interesante con técnicas de espacio negativo usando acuarelas. 

En esta clase aprenderás lo siguiente:

  • Qué es y cómo se utiliza el espacio negativo en el arte. 
  • Fundamentos básicos para empezar y sentirte cómodo con el lettering a mano. 
  • Las diferencias entre caligrafía, lettering monolínea y falsa caligrafía y cómo lograr cada una.
  • Cómo agrandar tu lettering para crear piezas de página completa.
  • Cómo convertir cualquier lettering en lettering 3D siguiendo un proceso de 5 pasos. 
  • Las diferentes consistencias de las acuarelas, sus propiedades y aplicaciones para ayudarte a tomar decisiones informadas sobre ellas.
  • Técnicas de control del pincel para pintar espacios pequeños de forma efectiva.
  • Dónde buscar inspiración.
  • Cómo combinar lettering, bocetos en 3D y habilidades de pintura negativa en acuarela para crear una impresionante obra de arte. 

Esta clase está diseñada para estudiantes con cualquier nivel de habilidad. En cada área, enseño reforzando los conceptos básicos para principiantes; pero también doy mucha información útil para artistas de nivel intermedio a avanzado para que puedan llevar su trabajo al siguiente nivel.

 Durante la clase, verás que ofrezco un montón de consejos profesionales basados en mi recorrido personal para dominar estas mismas habilidades. Así que, puedes saltarte la frustración del camino aprendiendo directamente de mis errores y experimentos. También he incluido un montón de recursos descargables a los que tendrás acceso al unirte a esta clase.

Así que, si eres un artista del lettering buscando llevar tu trabajo a la siguiente dimensión (juego de palabras intencional) o si quieres explorar y sumar las acuarelas a tu conjunto de habilidades, esta clase es definitivamente para ti. Igualmente, si eres artista de acuarela que nunca se ha animado a sumergirte en el mundo del lettering, estás en el lugar indicado.

¿Por qué lettering 3D en espacios negativos con acuarelas?

  • Combinar estas tres habilidades no solo te permite crear obras de arte increíbles, sino que también te ayuda a desarrollar tus habilidades utilizando solo un poco de información.
  • Los bocetos en 3D y la pintura negativa se complementan perfectamente creando contrastes interesantes y, por lo tanto, te impulsan a pensar más allá de lo convencional sin sentirte presionado por innovar.
  • Las obras de arte que implican un uso inteligente de los espacios negativos son siempre emocionantes. Busca imágenes de logotipos en espacios negativos. ¿No son supergeniales?
  • Cuando usas el espacio blanco para crear letras, te involucras con el espectador de tu obra de una forma más emocionante. Tu arte guarda misterio y le sugiere al espectador solo lo que necesita para despertar una idea y dejar el resto a su imaginación.
  • Como la mayoría de las cosas, pasar lo que sea a un espacio 3D es un truco que instantáneamente eleva el nivel de interés. Al cerebro del ser humano le encanta ver cosas en 3D.

Así que empecemos. ¡Nos vemos en clase! 

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Vinitha Mammen

Illustrator | Lettering Artist

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Level: All Levels

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Transcripciones

1. Introducción: Hay algo en el matrimonio entre letras y acuarelas que lo convierte en un partido hecho en el cielo. Soy Vinitha Mammen, Ingeniero Mecánico convertido Diseñador de Moda y Creador de Patrones por profesión, y artista de letras e ilustrador autodidacta con sede en Mascate, Omán. Siendo el miembro más joven de una familia de artistas, siempre he estado inclinado a todas las cosas creativas y he probado suerte en varios tipos diferentes de arte. No obstante, me encontré racionalizando orgánicamente en los mundos de letras e ilustración, tanto acuarela como digital. Yo trabajo fuera de mi rincón feliz, y este aquí es mi Ayudante de Estudio, Phoebe. En esta clase, aprenderás a abordar las habilidades de letras, bocetos tridimensionales y pintura negativa de acuarela con confianza y combinarlas para crear cautivadoras piezas de arte. Combinar estas tres habilidades, no solo te permite crear impresionantes piezas de arte, sino que también te ayuda a desarrollar tus habilidades utilizando piezas de conocimiento perfectamente tamaño mordido. Esta clase está diseñada para estudiantes de cualquier nivel de habilidad en cada área que imparto reforzando los conceptos básicos para sujetar a los principiantes, pero también espolvorear en mucha perspicacia útil para que artistas de nivel intermedio y avanzado lleven su trabajo hacia arriba otra muesca. A lo largo de esta clase, me encontrarán tirando muchos tips pro basados en mi viaje personal hacia dominar estas mismas habilidades. Sáltate mucho de lo intermedio [inaudible] aprendiendo directamente de mis errores y experimentos. También he incluido una tonelada de recursos descargables a los que tendrás acceso simplemente uniéndote a esta clase. Si eres un artista de letras que busca llevar tu trabajo a la siguiente dimensión, una totalmente pensada o si quieres explorar añadiendo acuarelas a tu conjunto de habilidades, entonces esta clase es definitivamente para ti. De igual manera si eres un artista de acuarela que siempre es tímido de sumergirte los dedos de los pies en el mundo de las letras entonces has llegado al lugar correcto. Al final de esta clase, tendrás una fuerte comprensión de cada una de estas habilidades y técnicas y podrás aplicarlas a tu viaje creativo a tu manera. ¿ A qué esperas? Empecemos en esta aventura. 2. Descripción de la clase: Empezaremos con algunos conceptos básicos alrededor del espacio negativo en el contexto del arte, luego pasar a algunas lecciones prácticas en letras. Te llevaré a través de tres enfoques diferentes letras, caligrafía, letras monolinas, y caligrafía sintética de manera concisa para ayudarte a explorar los tres y descubrir qué proceso fascina al artista de letras en ti el la mayoría. A continuación, te enseño mi método infalible de convertir letras planas bidimensionales en una pieza 3D, desglosando los fundamentos del boceto en 3D. Después comenzaremos a explorar los misterios de la acuarela a través, lecciones en profundidad sobre consistencia temática y técnicas de control de pinceles. Por último, juntamos todas estas habilidades en una pieza de proyecto que vamos a crear juntos desde el concepto hasta la finalización. 3. Tu proyecto de clase: Hablemos un poco de tu proyecto de clase. Hacia el final de esta clase, vamos a poner a utilizar todas las habilidades, técnicas, y consejos que aprendimos a través de las lecciones iniciales para crear una divertida pieza de letras 3D pintada en acuarela negativa. Juntos haremos una lluvia de ideas y llegaremos a un concepto para la pieza, luego construir un boceto alrededor de ese concepto. Aprovechando cada oportunidad llegamos a refinarlo, antes de transferirlo a papel de acuarela. Después pasaremos a pintar con acuarelas alrededor de la cara frontal de nuestra letra 3D y terminaremos agregando detalle y elementos decorativos. Estaré haciendo cada paso de este proyecto en cámara, y te llevaré a través de todo el ensayo y error y la toma de decisiones que paso a cada paso. Lo cual hará de esta una experiencia de aprendizaje en toda regla para ti, contraposición a solo echar un vistazo a mi proceso. Antes de entrar en este proyecto principal, habrá un montón de lecciones fundacionales y de construcción de habilidades donde te explicaré y demostraré todas las habilidades y técnicas que necesitarás para completar con éxito este proyecto. La mayoría de estas lecciones incluyen ejercicios de práctica, que son esencialmente mini-proyectos que si se hacen junto a mí, te permitirán hacer lo mejor posible en el proyecto de clase principal. Conforme pases por cada uno de estos mini-proyectos y finalmente, el proyecto principal para esta clase, por favor sube fotos o imágenes escaneadas de tu proceso y piezas terminadas a nuestra galería de proyectos. No puedo esperar a ver qué vienen mis alumnos en cada etapa. Por favor, dame tantas miradas como sea posible en el camino. En el espíritu de incentivar el crecimiento, prometo darte mi retroalimentación honesta con cada una de tus subidas. Compartir tu trabajo también ayuda a inspirar a tus compañeros de clase y a mí a crear más a diario. Un hipo frecuente que experimentan los artistas de letras es no saber qué letras. Estamos eliminando todo ese problema aquí agregando un giro divertido a nuestros proyectos de clase. No necesitamos cazar palabras a letra. En cambio, vamos a cada uno a crear nuestras piezas de letras basadas en nuestros propios nombres creativos de alma. ¿ Qué es eso que preguntas? He creado un generador de nombres especial exclusivamente para esta clase que te ayudará a encontrar tu nombre de alma creativa. Adelante, echa un vistazo y averigua qué dice que es el tuyo. Además de subir tu trabajo en la galería de proyectos aquí, también puedes publicar tus piezas en Instagram usando el #MyCreativeSoulName, y etiquetarme en tu post para que pueda contar con tu trabajo, Y eventualmente podremos construir una comunidad alrededor esta clase que se apoya y se construye entre sí. En la siguiente lección, te voy a llevar a través de los materiales que necesitarás para completar tus ejercicios de práctica, y el proyecto principal para esta clase. 4. Materiales: Está bien. Veamos qué materiales necesitarás seguir conmigo en los ejercicios y el proyecto principal para esta clase. Ahora, antes de entrar en esto solo quiero decir que estas son solo mis sugerencias basadas en lo que tengo y uso de manera regular. Siéntase libre de usar los suministros con los que se sienta cómodo, sus suministros favoritos si tiene alguno. Más importante aún si no tienes ninguno de los ítems de los que estoy hablando no dejes que eso te desaliente de aprender lo que estoy enseñando, usa lo que tengas una tonelada y haz que funcione. Somos gente creativa después de todo, ¿verdad? Tenemos todas las habilidades que necesitamos para solucionar este tipo de retos así que solo usa lo que tengas a mano. ¿ Enfriar? Veamos qué suministros voy a estar usando. En primer lugar, obviamente necesitamos algunas pinturas de acuarela. Las pinturas acuarelas vienen en diferentes formas como sartenes, concentrados líquidos y tubos, por mencionar algunas. Estos son algunos que tengo. Este es el conjunto Winsor & Newton Cotman de 45 medias sartenes. Este es un gran artista de nivel de entrada, gran conjunto y vienen en conjuntos más pequeños también con menos colores si quieres experimentar. Después tenemos algunas golosinas de acuarela por Prima Marketing en los tropicales, corrientes y sueños pastel pellets. Estas son pinturas altamente pigmentadas y de buena calidad también. Estos chiquitos de aquí son las acuarelas concentradas también de Prima Marketing. No me encuentro extendiendo mucho por estos pero concentrados líquidos como estos también son una opción si quieres probar. Como pueden ver me gusta guardar muestreos de todas mis pinturas para que sepa de qué color esperar cuando estas vayan sobre papel. No tengo pinturas de tubo por el momento. En su mayoría me apego a sartenes porque no hago pinturas acuarelas muy grandes. Las sartenes funcionan perfectamente para mí. Si eres principiante y buscas comprar un juego depinturas de acuarela puedes elegir lo que se adaptea pinturas de acuarela puedes elegir lo que se adapte tu presupuesto pero me mantendría alejado de cualquier pintura de grado estudiantil ya que rara vez te dan buenos resultados. Pero afortunadamente las pinturas de grado artista de nivel de entrada están disponibles para una amplia gama de precios. Para esta clase voy a estar usando este set de confección de acuarela tropicals. Ah, y utilizo los pozos de mezcla que vienen en cada paleta para mezclar mis pinturas a la consistencia que necesito. Si el tuyo no tiene espacio para mezclar necesitas algo para mezclar pinturas, como una paleta o incluso solo algunas placas de sedimento blanco. A continuación, estaremos necesitando algún papel de acuarela. Este es uno de los artículos de mayor necesidad en nuestra lista de materiales. Este aquí es mi papel de go-to mayormente porque es asequible y por lo tanto no necesito ser demasiado preciado al respecto lo cual es genial cuando estás explorando. El papel de acuarela viene en una amplia variedad de opciones. Lo que debes tener en cuenta principalmente es el peso del papel. Necesitamos que sea de 300 GSM o 140 libras idealmente para mejores resultados para cualquier tipo de proyecto de acuarela. Ahora, en esta clase no vamos a estar apilando varias capas de pintura o agua en nuestro papel así que si no tienes papel de acuarela 300 GSM puedes salirte con la tuya con algún papel de mezcla u otros papeles gruesos que no tienen ningún brillante recubrimientos sobre ellos. Te mostraré algunos de los otros papeles que me gusta usar. Esta es la almohadilla de papel acuarela de Prima Marketing en el tamaño cuadrado de 12 pulgadas. Estas son algunas hojas sueltas A5 de Canson, y esta de aquí es una pequeña almohadilla cuadrada de acuarela de seis pulgadas por Master's Touch. Todos estos tienen texturas ligeramente diferentes pero todos son 300 GSM y funcionan bien para la mayoría de los proyectos. A continuación, necesitamos algún tipo de papel translúcido para el rastreo. Esto viene útil en nuestro proceso de convertir letras bidimensionales en 3D. Puedes usar cualquier tipo de papel de calco como este o papel de diseño o incluso bandeja para hornear de tu cocina hará el trabajo muy bien. Este papel de diseño es lo que voy a estar usando. Ahora, además de papel de acuarela y papel translúcido también necesitarás algún papel de impresora regular para tu proceso de lluvia de ideas y bocetos. Ahora, pinceles. Vamos a estar pintando en algunos espacios realmente apretados para la mayor parte de esta clase así que estaré usando estos pinceles de detalle de Arteza. Cualquier pincel de tamaño pequeño que tengas funcionará. hora de mezclar mis pinturas aunque prefiero usar estos pinceles más grandes solo porque consigue las pinturas a una consistencia uniforme mucho más rápido que si fueras a usar pinceles de detalle, así que cualquier cosa arriba de tamaño 2 funcionará. Ahora bien, si solo tienes estos pinceles de tamaño mediano a grande y sin pinceles de detalle solo necesitas escalar tus proyectos en consecuencia. Algo que me gustaría señalar son las cerdas. Estos son todos cepillos sintéticos. También puedes conseguir cepillos para el cabello de ardilla como estos los cuales son suaves y sostienen una tonelada de agua. Normalmente son geniales con acuarelas pero no las recomiendo para esta clase. Por maravillosos que son estos pinceles no ofrecen el nivel de control que vas a necesitar para este tipo específico de trabajo así que apégate a pinceles sintéticos en mi opinión. Por último, me gusta mantener un cepillo bastante grande a mano para desempolvar cualquier polvo de borrador de mi trabajo sin dejar manchas de mis dedos, totalmente opcional este. Entonces necesitamos un lápiz, solo cualquier lápiz hace el trabajo. Estos son mis lápices favoritos el Pentel GraphGear 1,000 en tamaños de 0.9 y 0.3 MM cargados con cables de lápiz HB. Cualquiera que sea el lápiz que elijas usar asegúrate de trabajar suavemente para obtener líneas finas de luz especialmente, cuando trabajes en el propio papel de acuarela. También necesitamos un borrador. De nuevo, solo cualquier borrador blanco limpio. Tengo este tinte para ayudarme con el borrado de detalles. Se trata de un borrador estilo lápiz llamado Tombow MONO Zero Eraser el cual es muy cool pero no en absoluto un requisito. Entonces necesitamos un gobernante. Cualquier regla básica tendida alrededor siempre y cuando tengas bordes rectos y algunas guías de medición. A continuación, bolígrafos de fineliner. Utilizo estos bolígrafos micrones de Sakura o los fineliners Uni-Ball Uni Pin en color negro. Ahora, estarás usando estos sólo para delinear tus bocetos para que sean más fáciles de rastrear. Puedes usar cualquier bolígrafo que te guste o incluso simplemente no usarlos en absoluto. Entonces necesitas un frasco de agua limpia a temperatura ambiente. He intentado usar dos frascos separados, uno para el agua sucia de lavar los cepillos y otro para agua limpia para pintar pero eventualmente solo termino usando uno de ellos. Haces lo que te funcione y solo consigues un poco de agua para pintar, y otra vez una caja de pañuelos, cualquiera que sea el tipo que te guste usar. Pero es una buena práctica mantener siempre estos a mano al pintar con acuarelas. Ahora, estos son todo lo que necesitarás para realmente completar tu proyecto pero si quieres seguir junto con algunas de las otras técnicas de letras de mano que estaré demostrando que requiere herramientas específicas como bolígrafos de pincel, será útil tener estos. Este es el bolígrafo de doble punta Tombow que viene con una punta de pincel bastante grande en un extremo y una punta de bala pequeña en el otro. Este es el marcador de pincel Karin PRO el cual también es similar en tamaño a los Tombows. Por último, tenemos este bolígrafo de pincel más pequeño llamado Pentel touch el cual tiene una punta de pincel más firme y más pequeña. Como dije, normalmente no necesitas un pincel para esta clase ya que te estaré enseñando algunas técnicas diferentes de letras algunas de las cuales se pueden lograr usando casi cualquier herramienta como un lápiz o un bolígrafo. Eso es todo. Reúne todos sus suministros y prepárate para ir conmigo en esta aventura. Una vez más, no dejes que la falta de suministros te impida intentarlo. Agarra lo que hay disponible contigo y empecemos. En la siguiente lección te llevaré a través de un poco de introducción al espacio negativo y su uso en el arte. Nos vemos ahí. 5. Espacio negativo y su uso en el arte: Antes de llegar a las partes prácticas de esta clase, saquemos algunos conceptos básicos del camino. En esta lección, te llevaré a través de lo que es el espacio negativo en el contexto del arte, lo que queremos decir con pintura negativa, y algunos métodos por los que podemos lograr obras de arte de pintura negativas. También veremos algunos ejemplos de trabajo de otros artistas y de mí mismo para tratar de entender la significación del espacio negativo en el arte y el diseño. ¿ Qué es el espacio negativo? En pocas palabras, el espacio negativo es el espacio alrededor del sujeto de una imagen. Por lo general, sobre todo cuando se trata de un área sólida, tendemos a simplemente referirnos a ella como el fondo. Si esta rosquilla es mi tema, entonces todo a su alrededor, por lo que todas las partes amarillas conforman el espacio negativo, y la rosquilla misma representa el espacio positivo. Ahora bien, ¿qué es la pintura negativa? La pintura negativa es cuando pintas colocando tus colores en el espacio negativo a diferencia del espacio positivo, es decir alrededor de una forma en lugar de dentro de una forma. Por ejemplo, volvamos a traer la rosquilla. Si quiero pintar la rosquilla, lo puedo hacer pintando dentro una forma de rosquilla o lo puedo hacer pintando alrededor de una forma de rosquilla. De cualquier manera podemos terminar con una rosquilla. Esto último es a lo que nos referiríamos como pintura negativa. Otra forma de definir la pintura negativa es, crear una forma al no pintarla y pintar todo lo demás en su lugar. Está ahí sin estar ahí, y esa es la belleza del uso inteligente del espacio negativo. Existen diferentes formas en las que podemos lograr el efecto de la pintura negativa. Echemos un vistazo a algunos métodos analógicos específicamente al usar pintura sobre papel. La cinta de enmascaramiento es uno de los artículos más utilizados para enmascarar ciertas áreas mientras pinta. Esto es especialmente útil si estuvieras pintando negativo formas más grandes con bordes rectos, como una forma geométrica. Yo sí uso cinta de enmascaramiento en muchas de mis pinturas pero sobre todo sólo para llegar a conocer fronteras, no para pintura negativa como tal. En esta clase, no estoy pintando mi hoja todo el camino hasta las fronteras, así que no estaré usando ninguna cinta enmascaradora en absoluto. Después hay líquido de enmascaramiento. Esto hace el mismo trabajo que la cinta de enmascaramiento, solo que está en forma líquida y así se puede aplicar con mucho más control sobre todo en espacios más pequeños. Este es un método comúnmente utilizado por varios artistas. Actualmente no prefiero usarlo mucho sobre todo para letras, principalmente porque mete mis pinceles y nunca puedo conseguir un trazo limpio porque tengo que usar un cepillo viejo. No estaremos usando ningún fluido de enmascaramiento para nuestros proyectos en esta clase, lo que me lleva al siguiente método, solo hacia arriba evitando el color en tus espacios positivos pintando manualmente alrededor de ellos. Esto es lo que estaremos usando en esta clase. Suena como un dolor a lograr. No es tan malo en realidad, pero ese factor intriga es lo que hace a esto tan emocionante. Ahora, veamos algunos ejemplos de espacio negativo que utilizan creativamente otros artistas y diseñadores. Esta es una pieza de uno de mis artistas más favoritos en Instagram. Usa tan hábilmente el espacio negativo. Al igual que en esta pieza, todas las áreas de sombra se hacen en espacio negativo y aún puedes ver claramente las formas y formas que necesitas ver. Visita su feed de Instagram para estar abrumada de inspiración. Aquí, la camiseta de la pieza izquierda y el traje de baño de la derecha están ahí sin que te vayas de ahí, tan hermosa. Una inteligente campaña publicitaria que promueve la adopción de mascotas. ¿ Ves al canino en el espacio negativo? Este es otro artista que aprovecha fuertemente el ingenioso uso del espacio negativo. En esta pieza, el espacio entre las páginas del libro representan tan graciosamente los árboles en el bosque por los que camina Caperucita Roja. Estos son los espacios positivos y negativos que juegan entre sí tan elegantemente para dar forma a los edificios, follaje, y a las nubes. Qué cool es esto con las formas únicas de los espacios positivos haciendo que la carretera espacial negativa parezca un bigote. ¿ El oso negro-define el cabello naranja de Mérida o al revés? Supongo que nunca lo sabremos. Se trata de una pieza de acuarela pintada negativa donde el gato, las setas, y el follaje se formaron todos pintando alrededor las formas respectivas antes de agregar elementos de detalle. Se puede ver más trabajo tan fantástico en el feed de Instagram de este artista. espacio negativo también se puede utilizar eficazmente con garabatos como en este caso, donde todos los aspectos más destacados que definen este retrato se dejan blanco y se definen por el intrincado garabato a su alrededor. Este es otro estilo que realmente disfruto donde se forma el lettering usando el espacio negativo entre elementos ilustrativos. Echa un vistazo al feed de Instagram de Vidya para ver más de tan fabuloso trabajo. espacio negativo se convierte también en una valiosa herramienta en el diseño de logotipos. Echemos un vistazo a algunos ejemplos. Uno de los logotipos más famosos que utilizan el espacio negativo de forma creativa es el logotipo de FedEx. ¿ Ves la flecha pequeña en el espacio negativo? Está ahí sin estar ahí y esa es la belleza de la misma. Aquí te presentamos algunos logotipos más que demuestran el uso inteligente del espacio negativo para colarse en elementos de diseño que son relevantes para sus respectivas marcas. espacio negativo como probablemente puedas decir es algo que siempre me atraen a usar en mi proceso de arte y diseño. Déjame mostrarte algunas de mis propias piezas. Yo uso el espacio negativo aquí para crear una ilusión de una parrilla de ventana a través de la cual se exhibe una vista botánica afuera. construí meticulosamente alrededor de las letras aquí para crear ésta. Si garabatear es meditativo, garabatear espacio negativo es otro nivel de meditación. Me encanta usar el espacio negativo en mis proyectos de letras de acuarela, y esta es una de mis piezas favoritas que desató este amor. Aquí tenemos algunas alegrías navideñas usando letras de espacio negativas en un fondo de acuarela inspirado en las vacaciones. Este es un ejemplo de pintura negativa en múltiples capas. Es una técnica de pintura súper que consume mucho tiempo pero extremadamente gratificante que me encanta explorar. Esto también se hace usando la misma técnica de pintura negativa en capas. Me encuentro haciendo mucho esto con hojas y follaje. Este es otro de mis favoritos donde las letras negativas se establecen dentro de una rebanada de pomelos en capas negativas. ¿ Crees que las letras serían así de impactante si se hiciera de otra manera? Esta pieza es uno de dos proyectos divertidos en mi anterior clase de Skillshare sobre letras espaciales negativas con acuarelas. Alumnos que tomaron esa clase volvieron a mí diciendo que puramente disfrutaron de seguir mientras creé esto desde cero. Este es un segundo de los proyectos de la misma clase en cooperar uno de mis elementos favoritos para incluir en piezas espaciales negativas, nubes. Llevo a mis alumnos a través de la creación de ambas piezas desde el boceto hasta final después de unas lecciones retro de letras y técnicas de control de pinceles. Si aún no has tomado esta clase, hazlo un vistazo para ver algún gran contenido introductorio sobre letras de espacio negativas. Creo que esta fue una de mis primeras piezas de letras 3D incorporando espacio negativo, en algún lugar creando ésta es cuando nació la idea para esta clase. Otra pieza de letras 3D espacio negativo enclavada en un marco de botánico minimalista moderno. Esta es una pieza digital con letras negativas, y estoy usando el contraste de espacios tanto negativos como positivos para ilustrar la sal. Otra pieza digital donde el lettering se realiza utilizando técnicas de espacio negativo. Aquí, he usado espacio negativo para implicar la presencia de un marco cuadrado alrededor del cual están dispuestas las flores. Cuando se trata de lograr efectos espaciales negativos digitalmente, la parte mayor de la obra está en conceptualizar. La ejecución real es un poco más sencilla ya que tienes el poder de trabajar en capas. También uso elementos espaciales negativos en la mayoría de los logotipos que diseñé. Aquí te dejamos unos cuantos. Espero haberte mostrado lo suficiente para que te emociones de crear algunos proyectos espaciales negativos. En la siguiente lección, nos sumergiremos directamente y llegaremos a explorar algunos elementos esenciales de letras para que empieces en tu viaje de letras si aún no lo has hecho y para retocar algunos conceptos básicos si ya te gustan las letras. 6. Conceptos básicos de lettering: letras son una forma de arte tan divertida y emocionante y estamos a punto de sumergir nuestras herramientas en este océano gigante. Ser letras un mundo tan enorme en sí mismo puede ser intimidante, pero creo que es sólo cuestión de empezar. Eso es lo que espero lograr en esta lección. Quiero tratar de descomponer algunos conceptos clave que son fundamentales para entender las letras. También hay tantos estilos diferentes de letras para explorar. No te sientas obligado a hacer esto exactamente como lo hago yo. Lo que espero es que obtienes un fuerte sentido de lo básico de esta lección que te permita dar inicio y eventualmente encontrar tus propios estilos de go-to. Si ya eres un artista de letras que está aquí para explorar llevando tus letras a la tercera dimensión, entonces siéntete libre de usar tus propios estilos y técnicas de letras preferidas. Si eres completamente o relativamente nuevo en letras, quiero animarte a que no solo hagas esto conmigo, sino que practiques. La práctica es clave independientemente del estilo y me siento absolutamente privilegiado de poder sostenerte de la mano a medida que comienzas este emocionante viaje. Quiero empezar tratando de desmitificar alguna terminología relacionada con las letras que probablemente has estado encontrando, como la caligrafía, las letras de mano, caligrafía sintética y las letras monolinas. En primer lugar, veamos qué es la caligrafía y cómo se diferencia de las letras a mano. caligrafía es el arte de la escritura hermosa. Podría estar utilizando herramientas específicamente destinadas a la caligrafía, como plumas estilográficas, puntas de caligrafía, pinceles, bolígrafos de pincel, etc., para escribir letras en un estilo particular. Letras a mano es el arte de ilustrar letras a mano. Esencialmente estás dibujando las diferentes formas que crean cada letra en el estilo respectivo. Ahora, la caligrafía de imitación básicamente significa caligrafía falsa y una técnica de letras a mano donde recrea el aspecto de caligrafía usando herramientas regulares como un lápiz o un bolígrafo. Estás imitando el look final de los trazos que se ven en la caligrafía, pero no haciendo realmente esos trazos exactos. Te mostraré lo que quiero decir en un rato. Pero antes de eso, también quiero tocar las letras monolinas. Esta es un área un poco gris para mí porque dependiendo de las herramientas y técnicas que utilices, podría terminar siendo categorizada como ya sea una de caligrafía o letras a mano. Pero esto es lo que básicamente es, es el arte de escribir o ilustrar letras sin variar el grosor de los trazos. O en otras palabras, mantienes un peso de línea constante. De acuerdo, ahora te daré una mejor perspectiva. Así es como haces la caligrafía, escribes variando la presión sobre tu herramienta para crear formas específicas usando trazos gruesos y delgados. En caso de letras monolinas, la principal diferencia es que ya no se ve el contraste de los trazos gruesos y delgados. Todas tus líneas son de peso parejo. En caso de caligrafía completa, comienzas con trazos monolinos y luego agregas grosor solo a los trazos que necesitan ser gruesos para que tus letras se vean como caligrafía. Te voy a demostrar cada uno de estos. Pero primero, tengo de nuevo algunos principios, esta vez es un conjunto de guías. He incluido una página de guías horizontales para que practiques tus trazos base, letras y palabras. Una cuadrícula de puntos para escalar tus letras y crear tus propias guías en y una página de líneas inclinadas para guiar tus letras si quieres hacerlo en ángulo. Estos están viviendo una vez más en la sección de recursos de esta clase, así que dirígete y descárgalos. Puedes imprimirlos y usarlos para tu práctica o simplemente podrías subirlos a tus softwares digitales como Procreate para guiar tu práctica digital. Acabo de imprimir las guías horizontales y divididas por página en tres columnas para demostrarles algunas técnicas de caligrafía, letras monolinas y caligrafía sintética. Empecemos con la caligrafía. Voy a estar usando este bolígrafo de pincel táctil Pentel. Creo que es una gran herramienta para empezar. Empezaré escribiendo una palabra usando mis trazos de caligrafía. Mira como hago cada trazo. Observe cómo hago una pausa después de cada golpe. A veces incluso descompongo una letra en múltiples trazos. Esto es algo que ojalá me diera cuenta antes. Puedes terminar perdiendo consejos tan útiles cuando solo estás viendo videos de lapso de tiempo de artistas haciendo caligrafía, que es lo que hice mucho inicialmente. Pero parar después de cada golpe ha sido un cambio de vida para mí. Pruébalo y véanlo ustedes mismos. Como dije, la caligrafía se compone de una combinación de trazos gruesos y finos. Al igual que todos estos son trazos finos y estos son trazos gruesos y esta variación en el peso de línea se crea variando la presión en tu herramienta de escritura. Por lo que más presión para crear trazos gruesos y ligera presión para trazos delgados. Pero, ¿cómo decidimos exactamente qué trazos deben ser gruesos y qué trazos deben ser delgados? A ver, en cualquier momento dado, bien va hacia arriba o hacia abajo. Por ejemplo, aquí, vamos arriba y luego abajo. Este trazo es una combinación de un golpe ascendente y uno descendente. De igual manera, podemos descomponer toda la palabra y esto es un golpe ascendente. Esto es un downstroke y luego un pequeño upstroke. Este es un downstroke, upstroke, otro pequeño upstroke, downstroke, obtienes la deriva. Básicamente se basa solo en el movimiento natural de tu mano ya que crea cada letra. Ahora bien, si de verdad miras esto, puedes ver un patrón. No es para nada aleatorio. Todos los trazos que van hacia abajo son también los que son gruesos y de igual manera, los que van hacia arriba son los trazos finos. Entonces eso es básicamente todo. El fórmula es que los downstroke son gruesos y los upstrokes son delgados. Este es el concepto más fundamental con el que necesitas familiarizarte para entender la caligrafía. downstroke son gruesos y los upstrokes son delgados. Una vez que consigues esto, entonces se trata de meterte realmente en la molienda con la práctica. Si quieres ponerte bien en la caligrafía, necesitas seguir practicando algunos trazos básicos de caligrafía una y otra vez. Puede parecer antinatural inicialmente estar dividiendo tus letras en trazos y variando los pesos de línea. Pero necesitarás tomar un esfuerzo consciente para hacer ambas. Entonces con práctica consistente, este esfuerzo consciente se transformará en memoria muscular y se convertirá en segunda naturaleza para ti. Ahora, déjame mostrarte algunos de estos trazos básicos que necesitas practicar si quieres aprender caligrafía. En primer lugar, son estos dos. Necesitas seguir haciendo tus upstrokes una y otra vez, y luego tus downstroke una y otra vez. Entonces necesitas hacer combinaciones de los dos. Así. Pensarías que basta con practicar las pinceladas y las bajadas. Pero no, son todas estas diferentes combinaciones de upstrokes y downstroke las que forman letras de caligrafía. El movimiento muscular asociado a cada tipo de accidente cerebrovascular es diferente. Además, las transiciones son importantes. Uno de los signos de un artista de caligrafía experimentado es la suavidad de las transiciones entre upstrokes y downstroke. Es así como hago una o o la parte redonda de la minúscula a. empiezo en la parte superior derecha con un pequeño golpe ascendente, luego transición a un downstroke y luego un upstroke. Este trazo ayuda con la cola de letras como g, j, e y. este trazo es lo que usamos para una minúscula l, b , y d, y la parte circular de la b y d iría así. El trazos de entrada para algunas letras como esta, n aquí será así. Quiero que llenen páginas y páginas con cada uno de estos trazos. A continuación, veamos cómo podemos tomar esto y crear algunos límites en las letras. Basta con seguir los mismos conceptos pero sin apegarse a las líneas de base y las líneas de altura x. Por cierto, creé estas guías de tal manera que las líneas sólidas sean tus líneas base y superior. Las líneas punteadas indican la altura x, que no es más que la altura de tus letras minúsculas en un estilo caligráfico tradicional. Para crear letras inflables, suelo alternar entre ir por debajo la línea base y por encima de la altura x con cada letra, así que termino con algo como esto. Y en caso de que te estés preguntando, trato mis trazos horizontales igual que hago mis pinceladas. dejo delgados. Ahora, veamos algunos otros estilos. Nuevamente, el concepto es el mismo. Se trata de experimentar con el estilo. Así que siéntete libre de ralentizar el video si necesitas prestar más atención a mis trazos, también puedes usar los conceptos para crear letras mayúsculas como esta. Aquí te explicamos cómo puedes hacer las mismas letras mayúsculas sin el sesgo. Ahora bien, ¿qué pasa si no varias la presión? Si no varias el peso de la línea, solo vamos a mantener un ancho de línea constante en todo y eso nos da letras monolinas. Echemos un vistazo a eso ¿vamos? Estoy cambiando a una herramienta de escritura que no tiene una punta flexible como el extremo de punta de balas de los bolígrafos de pincel tombow aquí. Ahora veamos cómo va esto. Solo estoy haciendo los mismos trazos esta vez sin variar la presión que aplico en el bolígrafo. Aunque sí varíe la presión, ya que la punta de bala es bastante robusta, no se traduce en una variación en el peso de línea, ahí que justifique el término letras monolinas. Ten en cuenta que sigue siendo igual de beneficioso descomponer tus letras en trazos y hacer una pausa entre ellas. Entonces así es como se ve si lo descompongas, bajadas , pinceladas, todo es del mismo grosor. No obstante, incluso en este caso, la práctica es importante para conseguir líneas suaves y consistentes. Puedes explorar varios estilos usando la misma idea general. solo cambiar tu herramienta y técnica, Consolo cambiar tu herramienta y técnica, puedes llegar a estilos de aspecto completamente diferentes. A continuación, la caligrafía de imitación. Este creo, es uno de los enfoques más directos para empezar con las letras. Siento que la técnica es menos intimidante para los principiantes. El hecho de que puedas hacer esto con casi cualquier herramienta de escritura que tengas disponible en casa, lo hace mucho más accesible. Entonces vamos directo a ello. Cuando empezamos, no hacemos nada diferente a las letras monolinas. De hecho, hacemos exactamente lo mismo. A continuación, identificamos los downstroke y los engrosamos agregando peso adicional a cada uno de ellos, así. Después llénalo. Eso es todo. Entonces hacemos lo mismo por todas las letras. A medida que empiezas a engrosar los bajistas intenta imitar esa transición suave que aspiramos con verdadera caligrafía. Deja que los downstroke broten orgánicamente de los upstrokes, justo donde la transición y simplemente seguir adelante. Ahora, en su mayoría engrosa los trazos agregando peso al lado derecho de la mayoría de los downstroke. Pero eso no es una regla. Realmente me acabo de decidir en base al espacio disponible en cualquiera de los lados. A veces podría estar ya un poco empacado en un lado, en cuyo caso siempre puedo espesarlo del otro lado o distribuir el grosor añadido a ambos lados del trazo monolino. Descompongamos esto en trazos también. En este caso, crear memoria muscular no es nuestro enfoque. Nuestro enfoque es imitar los resultados de la caligrafía de la mejor manera posible. Entonces ese es nuestro downstroke y luego el upstroke. A ver cómo ni siquiera me molesté en dibujarlo hacia arriba. Es porque no importa. Lo único que importa es cómo se ve al final. Por supuesto, cuánto te estás divirtiendo. Simplemente bájala lentamente y fundirla en ese golpe ascendente. Recuerda, queremos que se vea lo más cerca posible de esto. Por lo que aspiramos a conseguir una transición agradable y suave cada vez. De nuevo, empieza desde el golpe ascendente y nieto para engrosar el golpe descendente. Hacemos todos los diferentes estilos que estamos explorando de la misma manera. En primer lugar, manteniendo todas las líneas delgadas y más tarde engrosando las bajadas una por una. Espero haber logrado desmitificar un poco estas tres técnicas de letras. En ocasiones pensamos que sabemos qué estilos o técnicas queremos explorar a partir del resultado final. Pero cuando realmente los probamos, nos damos cuenta de que un proceso diferente por completo es lo que disfrutamos más. Es por ello que quería presentarles las tres técnicas y ayudarles a averiguar orgánicamente cuál de estos procesos le trae más alegría. Si aún no lo has hecho, prueba estas técnicas, practica bien y sube fotos de tus hojas de práctica a la galería de proyectos para que todos podamos disfrutar viendo tu arduo trabajo y tus compañeros de clase pueden ser alentados a practicar y compartir también su propio trabajo. En la siguiente lección, veremos qué consejos adicionales debemos seguir mientras escalamos nuestras letras a tamaños más grandes. 7. Cómo ampliar tu lettering: Siento la necesidad de llevarte específicamente a través de escalar tus letras. Ya que para la mayoría de los proyectos de letras, incluido nuestro proyecto principal para esta clase, necesitamos hacer esto a una escala un poco mayor, y eso a veces requiere que se cuiden algunas cosas más. En este caso, estoy cambiando al papel de rejilla de puntos para que pueda hacerlo más grande. Para la técnica de caligrafía, la forma típica de escalar hacia arriba es utilizar una herramienta de tamaño más apropiado. Al igual que en este caso, cambiar del pequeño toque pentel a un bolígrafo de pincel más grande como el tombow hará el trabajo. La técnica en sí sigue siendo exactamente la misma. Por lo que comenzamos cuidadosamente con un golpe descendente grueso y el cambio a un golpe ascendente y luego de nuevo, una transición suave a un downstroke. Basta de continuar exactamente de la misma manera. Ahora para las letras monolinas, vuelvo a empezar de la misma manera que antes con el lado de punta de bala del bolígrafo pincel tombow, pero a esta escala las líneas son demasiado delgadas y no lo suficientemente efectivas. Podemos usar una herramienta con una punta de bala mucho más grande como este marcador de pintura aquí, pero siento que realmente limita tus opciones. Además, hay una manera de que funcione con cualquier herramienta que esté disponible. Entonces, ¿por qué no explorar eso? Aquí es donde las letras monolinas se vuelven una especie de caligrafía sintética. En lugar de engrosar sólo un downstroke, engrosamos todo el asunto en este caso. Así que solo dibuja cuidadosamente trazos paralelos junto a cada uno de los trazos finos que ya hicimos para espesarlos y luego llenarlos. Suficientemente fácil. Puedes ir tan grueso como quieras, dependiendo de la escala y de tu preferencia personal. También puedes volver a entrar y suavizar cualquier parte de tu trazo que no se vea tan suave como quieras. Ahora hay una cosa de la que hay que tener cuidado. Si engrosamos este trazo aquí mismo, vamos a estropear la línea de base. Queremos asegurarnos de que engrosamos cada una de estas curvas aquí en la parte superior para que no cambiemos la línea de base hacia abajo. Entonces esto es lo que haremos. Empezaremos como normal y engrosaremos este golpe ascendente. medida que nos acercamos a la siguiente bajada, acabamos de fusionar las dos líneas. Porque sabemos que si seguimos así, vamos a empujar las letras más allá de la línea de base. Entonces en cambio, comenzamos a engrosar desde el lado superior de este trazo y subimos y nos fusionamos en el mismo punto en la parte superior. Otra vez por aquí e incluso aquí arriba, tenemos que estar atentos a dónde nos engrosamos para que no empujemos las letras fuera de nuestros lineamientos. En el caso de estas formas cerradas como esta, a, o, d, etc., solo podemos tener en cuenta que necesitamos espesar dentro de la forma y no fuera. Entonces solo sigue adelante. Siempre atento a cómo estás engrosando los trazos está afectando las pautas. Incluso si las letras no se pretenden establecer dentro de guías definidas, aún necesitan estar bien equilibradas y el engrosamiento debe hacerse con eso en mente. Por último, para la versión completa de caligrafía, seguimos exactamente el mismo proceso. El concepto es el mismo. Basta con hacer que los downstroke sean más gruesos en base a la nueva escala de la pieza. Si el tamaño también requiere pinceladas más gruesas, también puedes espesarlas. Simplemente asegúrate de que aún tienes suficiente contraste entre los trazos gruesos y delgados para que sea efectivo. Entonces eso es básicamente todo. Como se puede ver, las técnicas pueden no ser tan diferentes, pero todavía se necesita algo de práctica para que los trazos se vean suaves a una escala más grande. En la siguiente lección, aprenderemos cómo llevar esta letra bidimensional a la tercera dimensión. acercan algunas cosas realmente emocionantes. 8. Lettering en 3D: Ahora que hemos aprendido a crear algunas letras fabulosas, ¿quién está listo para llevarlo a una dimensión completamente nueva? Literalmente, en esta lección, vamos a tomar las letras 2D que acabamos de crear y añadirle algunas cosas divertidas para que parezca tridimensional. Esta parte del proceso es mi favorita. Entonces vamos directo a ello. Ahora, necesitamos algún tipo de papel de rastreo, cualquier cosa que tenga algo de transparencia básicamente. Esta es una que me gusta usar. Se llama papel de diseño. Déjame mostrarte. Es más translúcido que transparente, que significa que es lo suficientemente blanco como para sentirse como papel normal mientras también deja pasar suficiente luz. Por lo que funciona bien para mí. Esta en particular es de WHSmith, pero obviamente puedes conseguir cualquier marca que esté disponible localmente. Esta de aquí es otra que tengo. Este es papel de rastreo. Es más transparente, más grueso, y tiene un acabado más suave. Esto es un poco más duradero que el papel de diseño, pero para este tipo de trabajo, prefiero un poco menos transparencia. Claramente estoy siendo nada quisquilloso. Se puede usar literalmente cualquier papel que sea parcialmente transparente, incluso solo la bandeja para hornear funciona en realidad. De todos modos, voy a estar usando este, el papel de diseño. Ahora, necesitas posicionar tu papel translúcido sobre las letras que hiciste en la lección anterior. Voy a usar la versión de cuatro caligrafía, pero no importa, puedes usar la que prefieras. El proceso sigue siendo el mismo. Yo sólo voy a rastrear esto con mi lápiz. Sí, es posible que quieras empapar tu papel para evitar que se mueva. Yo sólo voy a llenar esto usando mi lápiz. Por todos los medios puedes hacer esto también, pero realmente no tienes que hacerlo. Simplemente creo que te facilita más adelante entender mejor el proceso de esta manera. Pero otra vez, totalmente depende de ti. Correcto, ahí vamos. Nuestro siguiente paso es trazar esto de nuevo en un offset. Así que suelta la cinta y solo mueve esto hasta que encuentres una posición que te guste. Eso es literalmente lo que hago cada vez. No hay bien ni mal. Yo solo juego con ella hasta encontrar ese punto dulce. Básicamente puede ser en cualquier lugar excepto justo encima el uno del otro. Algo así me queda bien. Puedes usar la cuadrícula de puntos para ayudar a alinear tu papel transparente. Queremos que el siguiente trazado esté en el mismo ángulo que el anterior. Una vez que estés contento con la posición, presiona hacia abajo esa cinta y consigue rastreo. Ahora, puedes seguir adelante y deshacerte de la cinta. Además, ya no necesitamos esta hoja, así que déjame dejar eso a un lado. Antes de proceder con los siguientes pasos, permítanme simplemente tratar de simplificar esto usando un objeto 3D como este sacapuntas aquí. Asumamos que lo que tenemos aquí, las letras sombreadas son básicamente la fase frontal de nuestro objeto 3D. El que acabamos de trazar, el que solo tiene los contornos, es esta superficie, la superficie posterior. Ves, es justo así. Esta superficie trasera es lo que acabamos de rastrear ahora. Esto sólo parece una sombra ahora mismo. Si queremos que esto se vea como un objeto 3D, todavía tiene que tener estas otras caras. Ahí está esta fase, ahí está este rostro, todos estos. Por lo que necesitamos conectar las caras delantera y trasera. Es necesario conectar las caras frontal y trasera mediante líneas paralelas. Para que parezca un objeto 3D, necesitamos hacer estas conexiones. Entonces eso es lo que vamos a hacer a continuación. Ves, así es como nos enseñaron a dibujar un poco de formas 3D como niños de vuelta a la escuela. Por ejemplo, si quisiéramos dibujar un cuboide, ¿qué hacemos? Dibujamos un rectángulo para una de las caras, y luego dibujamos otro a su lado, paralelo a él, por lo que en el mismo ángulo. Digamos que esta es la cara frontal. Por lo que conectamos las caras delantera y trasera usando líneas paralelas. Igual que eso. Eso es básicamente lo que estamos tratando de hacer aquí también. La superficie posterior puede estar en cualquier lugar con tirador no solo en esta posición. Al igual que también puedes hacer esto o incluso esto. En este caso, solo moverlo un poco más lejos hace que parezca un cuboide más largo. Pero en todo caso, el método sigue siendo el mismo. Dibujas la misma forma en un desplazamiento, como si esta aquí es la cara frontal, dibujas la misma cosa ligeramente de distancia, y luego conectas los puntos usando líneas paralelas. Conecta los puntos correspondientes, no solo cualquier punto. Esquina superior izquierda a la esquina superior izquierda, esquina superior derecha a la esquina superior derecha, la esquina inferior izquierda a la esquina inferior izquierda. Esto no será visible por lo que no es necesario conectarlo. Esto es lo que tenemos que hacer a continuación. En primer lugar, necesitamos identificar qué puntos conectarnos. Por ejemplo, esto y esto son puntos correspondientes, así que solo conéctelos con una línea recta. De igual manera, esto y esto son puntos correspondientes, por lo que conéctalos. Esto y esto, no necesitamos establecer y conectar cada punto, solo los puntos extremos que forman la forma. Simplemente observa con cuidado y conéctate. En este caso, ver, esto está más cerca de esto, por lo que podríamos estar inclinados a conectar estos dos, pero éste y éste son los puntos correspondientes. Estos dos son los puntos correspondientes. Tan solo ten presente estos pequeños detalles. Incluso puedes usar una regla para hacer esto si no estás muy cómodo dibujando líneas rectas a mano alzada. Simplemente colócala así y dibuja líneas rectas. Pero prefiero simplemente hacerlo de mano libre. Ahora, hay tantas líneas aquí que en realidad no necesitamos, porque todo está dentro del objeto, así que realmente no lo veremos afuera. Por eso oscurecimos los contornos de solo estos. Igual en este caso, no necesitamos las líneas dentro. Sólo necesitamos la superficie frontal. Esta gran parte de la superficie posterior porque se puede ver esto o esto, estar cubierto por los otros lados. Esto lo necesitamos, esto lo necesitamos, esto lo necesitamos. No necesitamos ninguna de estas líneas en el interior. Si lo deseas, también puedes deshacerte de ellos para que quede más claro. De igual manera, en este caso también. Ahora, hacemos lo mismo aquí a nuestro lettering. Aquí no necesitamos ninguna de estas líneas. Sólo necesitamos estos. En este caso, necesitamos esto y lo necesitamos. Aquí, necesitamos esto y esto. No necesitamos todos estos. Basta con observar e identificar las líneas que necesitamos y oscurecerlas. Cuanto más hagas este tipo de cosas, más desarrollarás un ojo para esto, y pronto podrás hacer esto sin pensar mucho. Ahora, en lugares como este, donde la superficie detrás se superpone con la superficie frontal de alguna otra letra, la superficie frontal es nuestra prioridad. Todas las partes de la superficie frontal, es decir, las partes sombreadas deben ser visibles. Eso es todo. Eso fue más fácil de lo que parecía quiznet. Se trata de ser paciente y cuidadoso y de romper el proceso en pasos. ¿ Qué tal si te doy un resumen de todos los pasos en forma de un QuickTime vueltas, pero convierto nuestra letra de manila de la lección anterior en 3D. Paso 1, traza tus letras en una hoja de papel translúcido. Paso 2, desplaza el papel moviéndolo hasta que encuentres una posición satisfactoria y trazas la letra una vez más en esta nueva posición junto a la anterior. Paso 3, decide cuál de los dos será tu cara frontal y rellena los contornos de esa usando tu lápiz. Paso 4, conecta los puntos correspondientes en las dos caras usando líneas rectas para formar los lados restantes de tu letra 3D. Paso 5, identifica las líneas que son cruciales para tus letras parezcan un objeto 3D y las oscurezcan. Puedes borrar las líneas que no necesitas o simplemente ignorarlas. Eso es todo. Ahora, si no has estado haciendo esto conmigo, quiero que lo hagas ahora. Este sobre todo es algo que se refuerza en tu sistema, sólo cuando realmente lo haces, no solo viendo a alguien más hacerlo. Como siempre, no puedo esperar a ver tus bocetos con letras 3D. Por lo que por favor subirlos a la galería de proyectos de inmediato. Creo que simplemente no se puede negar la enésima que algo unido en 3D tiene. Puedes usar este método para convertir no solo letras, sino cualquier forma en 3D. Hay mucho más que puedes hacer para que tus letras 3D se vean aún más realistas. Pero quiero mantenerlo sencillo con este. Si lo quieres subir otra muesca, sugiero que juegues con una fuente de luz imaginaria, introduzcas algunos reflejos y sombras a tus piezas con letras 3D. Por ahora, esto funciona muy bien. En la siguiente lección, vamos a iniciar nuestra exploración en acuarela con una inmersión profunda en la consistencia de la pintura. 9. Consistencia de la pintura: Hablemos de consistencia de pintura porque es importante. Mezclar pinturas en la consistencia adecuada para tu técnica específica es una habilidad fundacional que necesitas para cualquier tipo de pintura. Puedes usar los conocimientos de esta lección, no solo para crear letras 3D de espacio negativo, sino para informar las decisiones que tomas durante cada proyecto de acuarela aquí después. Cuando digo consistencia de pintura, esencialmente estoy hablando de la relación pintura a agua. El ratio ideal varía dependiendo de la técnica y aplicación. Tampoco hay una fórmula clara para llegar directamente a la consistencia correcta cada vez. Pero eso no significa que no puedas dominarlo. Hay varias cosas que buscar, pistas para llevarte a donde quieras. Déjame mostrarte. Vamos a explorar los misterios de la consistencia de la pintura usando lo que se llama la analogía del té a la mantequilla. Básicamente, comparamos la consistencia de las pinturas que estamos mezclando con artículos cotidianos comunes, como mantequilla, té, y algunas otras entre medias, y averiguamos qué funciona para qué. Al ver estas diferentes proporciones pintura a agua, estaremos buscando algunas pistas. Uno, la dinámica de la pintura. ¿ Cómo se mueve la pintura en la paleta? Dos, pinceladas. ¿ Puedes ver pinceladas distintas o terminas con una capa uniforme de pintura? Tres, suavidad de aplicación. ¿ Las marcas que pones sobre papel son rugosas o lisas? ¿ Están bien definidos los bordes? Cuatro, control. ¿ Qué tan bien eres capaz de controlar la pintura sobre papel? Cinco, valor de color. ¿ El color está intensamente pigmentado o apenas? Por último, transparencia. ¿ La pintura deja brillar o no el blanco del papel? Esto es significativo porque sabemos que al usar acuarelas, no solemos pintar con blanco. Indicamos áreas blancas preservando el blanco del papel. Para esta lección, voy a escoger este tono rosa brillante llamado Sunset de mi paleta Tropicals de Prima Marketing. En primer lugar, vamos a empezar con la consistencia de pintura más gruesa, que sería justo directamente del tubo si estuviéramos usando pinturas de tubo. Pero como las pinturas de sartén están secas a menos que las mojes con agua, tenemos que usar un poco de agua para activar la pintura. Como habrás adivinado, estamos apuntando a una consistencia similar a la mantequilla aquí. Agregamos agua suficiente y remolinamos el cepillo alrededor para obtener una capa gruesa, apenas húmeda de pintura en nuestro cepillo. Observe cómo la pintura solo recubre el pincel y se sienta ahí mismo, no gotea del pincel y sobre la paleta. Dinámica de pintura, ninguna. Ahora intentemos colocar la pintura en nuestro papel de acuarela. Se trata, como se puede ver, una capa de pintura muy seca y áspera. Se pueden ver claramente las pinceladas. El color es tan intenso como se pone para este pigmento específico y la capa de pintura es tan gruesa que apenas se puede ver nada del blanco del papel en absoluto a través de él. Los bordes no son lisos en absoluto, pero obtienes algunos efectos interesantes que pueden ser útiles en ciertas aplicaciones llamadas técnicas de pincel seco. Esta es la consistencia de mantequilla para ti. Ahora sigamos adelante y agreguemos un poco más de agua a nuestra sartén de pintura. Esta vez estamos tratando de lograr una consistencia similar a la crema. Todavía bastante grueso pero más cremoso. Podemos sacar algunas de las pinturas a nuestra zona de mezcla para ajustar aún más la relación entre pintura y agua. Se trata de lo que buscamos lograr para la consistencia de la crema. La pintura comienza a moverse ahora, pero sobre todo sólo cuando se empuja con el pincel. Incluso si inclinas la paleta, la pintura no se mueve exactamente por gravedad. También, vea cómo el movimiento del pincel provoca pinceladas en la pintura. Esta es una de las observaciones que indica consistencia de crema. Ahora veamos cómo se establece esto en el papel. Todavía es bastante grueso e intensamente pigmentado. Un poco menos que la mantequilla, por supuesto, pero aún bastante cerca de la intensidad máxima. Todavía se pueden ver pinceladas casi claramente. Siguen siendo muy buen control porque la pintura no se mueve solo por sí misma. Pero los bordes son un poco más suaves y más parejos esta vez. El blanco del papel todavía apenas brilla a través de esa gruesa capa de pintura. Esto resulta muy útil para los detalles o cuando necesitas obtener un mayor contraste entre las áreas claras y oscuras. Más agua ahora hasta que lleguemos a la consistencia de la leche. Estamos hablando de leche completa regular, no de leche desnatada. Pero podría valer la pena señalar que ninguna de estas consistencias es en realidad una relación fija. Todavía hay un rango de ratios dentro de cada consistencia pero solo nos ayuda a categorizarlos a medida que exploramos el medio y nos familiarizamos con él. Enfriar. Esto parece. ¿ Ves cómo la pintura se mueve más libremente ahora? Mi pincel todavía deja trazos en la pintura mientras la muevo, pero mucho menos distinto ahora. Realmente estamos empezando a ver algunas de esas dinámicas de pintura de las que estamos hablando. Mira, la pintura incluso comienza a moverse por su cuenta ahora, sólo por gravedad. Ahora bien, ¿cómo se pone en papel? El color sigue siendo bastante intenso pero también deja que el blanco del papel comience a brillar lentamente, lo que en mi opinión, lo que en mi opinión, hace que se vea más vibrante a pesar del menor valor de color. Las pinceladas comienzan a suavizarse en una capa más pareja con bordes mucho más suaves que aún están suficientemente definidos sin embargo. El dinamismo de la pintura en esta consistencia de leche requiere más habilidad para controlarla, pero ¿no es para eso para lo que estamos aquí? Más y más agua. Estamos tratando de llegar a nuestra siguiente categoría de ratios que cae bajo la consistencia del café. Ah, sí. Echa un vistazo a todas esas dinámicas. El pincel va a donde quiera mientras deja que el pincel deje apenas ningún trazo en ella. En papel, el color empieza a perder intensidad pero sigue luciendo bonito y vibrante, gracias a todo ese brillo de papel que está dejando pasar. Esta es probablemente una de las consistencias más utilizadas en proyectos de acuarela, gracias a su versatilidad. La capa de pintura es agradable e incluso sin ningún pincelazo y los bordes son lisos pero no muy definidos. Funciona bien para una amplia variedad de técnicas, a veces incluyendo lavados más oscuros y áreas más grandes que necesitan ser lisas y posiblemente transparentes. Además, como se puede ver, se pone un poco impredecible y por lo tanto no es la más fácil de controlar en este punto. Por lo que no es ideal para su uso en espacios extremadamente reducidos. Seguimos agregando aún más agua a nuestra pintura para llegar a nuestra etapa final, que es el té. Ligero y aireado y como se esperaba, bastante fuera de control, lleno de sorpresas. Este me está dando un intenso entrenamiento de brazo ahí mismo. Aquí vamos. Se mueve por todo el lugar todo por su cuenta. Bueno, la gravedad también. Llevando esto a papel en breve. El color es bonito y brillante pero también realmente ligero. Súper suave, bastante perfecto para conseguir un lavado agradable y uniforme en áreas grandes que el papel blanco brilla muy bien a través, pero también súper impredecible y una pintura para controlar. Esta es la consistencia del té para ti. ¿ Qué tal si seguimos adelante y resumimos todo lo que acabamos de aprender sobre la analogía del té a la mantequilla para categorizar las consistencias de pintura con qué color. Dependiendo de la relación pintura a agua, podemos categorizar las consistencias de pintura comparándolas con las consistencias de artículos cotidianos, como mantequilla, crema, leche, café y té. Mantequilla por supuesto, siendo la mayor relación pintura a agua y el té el más bajo. Cada uno de estos rangos de consistencias muestra ciertas propiedades únicas para ayudarnos a identificarlas y decidir qué relación puede ser más adecuada para una técnica o aplicación específica. Consolidámoslos a partir de nuestros hallazgos. Sabemos que a medida que pasamos de la mantequilla al té, la pintura pasa de ser casi estática a moverse libremente. Podemos decir que la dinámica de la pintura definitivamente aumenta. que también significa que se vuelven más difíciles de controlar a medida que aumenta la cantidad de agua. Claramente, el valor del color se vuelve progresivamente menos intenso a medida que agregamos más agua a la pintura mientras que la transparencia aumenta dejando que el papel brille más con las consistencias más ligeras. La consistencia de la mantequilla aplica bastante seca, áspera, y desigual en el papel y se vuelve más suave a medida que aumenta la proporción de agua añadida, dándonos capas húmedas, lisas , e incluso, a medida que llegamos al té. trazos de pincel, que son evidentes en la mantequilla comienzan a desaparecer alrededor de la leche y se vuelven completamente invisibles en el café y el té. Todas estas observaciones nos ayudarán a decidir qué consistencia podría funcionar mejor para un proyecto o técnica en particular, porque no hay consistencia correcta o incorrecta en las acuarelas. Es solo cuestión de qué usar para qué. Cada una de estas categorías tiene sus propias propiedades únicas que la hacen ideal para aplicaciones específicas y no tan ideal para algunas otras. Veamos algunas de las aplicaciones típicas de cada rango de consistencias. Al ser la mantequilla espesa, opaca, y altamente controlada y pigmentada, se utiliza en su mayoría específicamente para los reflejos y las técnicas de pincel seco para lograr algunas texturas únicas como árboles arbusosos y texturas en las olas del océano. Crema. La obvia cremosidad de la consistencia de la crema aunada al alto nivel de control, convierte en una elección perfecta para pequeños detalles. El valor de color intenso a menudo se aprovecha para crear áreas oscuras de una sola capa y de alto contraste en lugar de múltiples capas de hojas iluminadas. Leche. Este es el verdadero punto dulce. Equilibrio perfecto de control, intensidad, suavidad, y transparencia. La consistencia de la leche se ve usada bastante y es particularmente perfecta para áreas más pequeñas que requieren un buen control, pero también una capa de pintura suave y rica. Café. Esta en mi opinión es la consistencia más utilizada. Es bonito y jugoso, que es genial para la mayoría de las técnicas de acuarela generales que requieren pasadores dinámicos, gran transparencia que permite que el papel brille muy bien, y se aplica agradable y suave. Esto también se puede utilizar para crear los lavados más oscuros destinados a espacios relativamente más pequeños. Por último, el té. Esta gama de consistencias siendo la más fluida y transparente, se usa con mayor frecuencia para crear lavados ligeros a través de grandes áreas como fondos. También son geniales para acumular intensidad capa por capa si es necesario. No obstante, no es adecuado para pintar detalles o áreas pequeñas por lo difícil que es controlar. Ahora viene la gran pregunta. Haber tenido una mirada en profundidad a las propiedades y aplicaciones de cada una de estas gamas de consistencias, que crees que estaremos utilizando en nuestros ejercicios y proyecto para esta clase? Estaremos pintando mayormente en áreas pequeñas por lo que necesitamos un buen equilibrio entre control y suavidad. También necesitamos colores agradables e intensos, pero no necesitamos áreas dualmente opacas. Queremos que la transparencia que es tan única de las acuarelas se muestre realmente a través porque de lo contrario, por qué molestarse en hacer esto en absoluto. Sí, lo adivinaste. Estaremos utilizando mayormente las consistencias de leche y café para practicar y ejecutar nuestros proyectos para esta clase. Como dije, no hay una fórmula despiadada para garantizar que terminarás con la proporción exacta que mejor funcione. Realmente necesitas poner pintura sobre papel y obtener una buena sensación de todas estas consistencias. Realmente no podría recomendar más este mini-proyecto. Esto es lo que quiero que hagas. Crea una escala de valor, igual que lo hice durante la demostración, usando cualquier color de tu paleta. Este ejercicio te enseñará tanto sobre los diferentes rasgos identificativos de diferentes consistencias y te dará una buena comprensión de las relaciones pintura a agua. No sólo para esta clase, sino si realmente quieres aprovechar la versatilidad de la acuarela como medio, es absolutamente imperativo que te familiarices con cómo se sienten estas consistencias. Puede que no sea un proyecto que sea muy visualmente interesante o satisfactorio pero definitivamente te va a ayudar una tonelada con la creación proyectos de acuarela visualmente interesantes y satisfactorios en el futuro. De verdad quiero animarte a hacer esto y también publicar una foto de tu escala de valor en la sección de proyectos para que todos podamos verlo y ayudarnos unos a otros a través de este viaje. También he incluido una hoja de tramposos imprimible resume todos los hallazgos de esta lección en la sección de recursos. Puedes seguir adelante y descargar eso, imprimirlo, y ponerlo en tu espacio de trabajo para que siempre puedas referirte a ella cuando tomes decisiones de consistencia de pintura. O aún mejor, puedes agregar todos esos detalles a tu propia pieza de ejercicio de escala de valor y ponerlo en su lugar. Espero que esta lección haya sido un inicio perspicaz para tus aprendizajes de acuarela en esta clase. Espero que estés listo para absorber aún más porque hay mucho más en stock para ti aquí dentro. En la siguiente lección buscaremos el control de pinceles, donde exploraremos muchos consejos y técnicas para colocar pintura sobre papel exactamente como necesitamos hacerlo. Nos vemos ahí. 10. Control del pincel: Hemos mirado en profundidad las consistencias de pintura y pintura a temas de agua. Ahora necesitamos ver cómo podemos aplicar nuestra pintura para obtener los resultados específicos que buscamos controlando eficazmente nuestras pinceladas. Esto es lo que vamos a hacer en esta lección en forma de ejercicio. En primer lugar, tengo un archivo de plantilla imprimible para que lo descargues desde la sección de recursos de esta clase. Por favor, adelante y descarga esto y traza de ello con un lápiz en tu papel de acuarela. Puedes usar una caja de luz para hacer esto. O si tienes una tableta como el iPad Pro, puedes usar una app llamada Lightbox Trace que te permite rastrear directamente sobre la pantalla. También puedes simplemente sándwich la plantilla impresa entre tu papel de acuarela y una ventana contra la luz del día para hacer el calco. O simplemente puedes ignorar por completo el archivo de plantilla y dibujar estas pautas a mano alzada, que es lo que he hecho aquí. Acabo de dibujar contornos similares a los de mi archivo de plantilla en una hoja de papel de acuarela de nueve pulgadas por seis pulgadas. Puedes escoger cualquier tamaño que funcione para ti. No recomiendo ir más allá de un tamaño A4 sin embargo, fin de obtener el uso más efectivo de este ejercicio. Como puedes ver, he incluido una variedad de formas y patrones en la plantilla. Estos han sido cuidadosamente estructurados para crear un ejercicio que será más relevante para construir habilidades hacia nuestro proyecto principal. No obstante, estas son habilidades que puedes usar en una variedad de otros tipos de proyectos de acuarela también. De verdad te recomendaría que hagas este ejercicio junto a mí. Si tienes tus contornos transferidos, empecemos. Voy a estar usando el mismo tono de rosa oscuro llamado puesta de sol de mi paleta tropicals que usé en la lección anterior, porque definitivamente no quiero que toda esa pintura se vaya a perder. Para este ejercicio, estaré usando mi cepillo de detalle redondo talla cero. He mezclado mis pinturas a una consistencia entre leche y café. Empezamos con ésta, pero nuestro objetivo es llenar cada raya alterna. Recoge algo de pintura en tu pincel y acuesta una pequeña mancha ligeramente alejada del contorno y arrástrala hacia fuera. Toma más pintura y agrega a tu blob. A medida que arrastras la pintura alrededor para llenar tu forma, consigue todo el camino hasta los bordes con mucho cuidado. Siempre tratamos de crear algunos contornos cuidadosos con la pintura y luego rellenarla. Sigue recargando tu pincel con pintura a medida que avanzas. Normalmente recargo cada vez que la blob que estoy tratando de arrastrar ya no está lo suficientemente húmeda. Necesitamos una agradable blob húmeda para poder llenar el espacio con una capa uniforme de pintura. Lo terminamos yendo cuidadosamente por encima de los bordes y alisándolos. Entonces procedemos a hacer lo mismo con la siguiente raya. Lo mismo. Colocamos una blob húmeda en nuestra forma y la arrastramos para llenarla. Si has tomado mi clase anterior sobre letras de espacio negativas usando acuarelas, es posible que hayas notado una clara diferencia en los ejercicios de control de pinceles aquí. En la clase formal, no pintamos todo el camino hasta los contornos del lápiz. Nos quedamos un poco alejados de ellos y después borramos las marcas de lápiz. Aquí sin embargo, ya que vamos a estar pintando las superficies 3D de nuestro lettering, siento que necesitamos llegar hasta las líneas de lápiz para conseguir la pieza de letras más legible. Por si se preguntaba, espero que esto explique la diferencia. Acabamos de terminar esta raya también. Voy a estar acelerando el video ya que estoy haciendo lo mismo aquí, esencialmente. Siéntase libre de pausar o ralentizarlo de acuerdo a su conveniencia. El siguiente es esencialmente lo mismo, sólo que las rayas ahora son más delgadas, por lo que requiere un control ligeramente mejor. Ahora mira esto. ¿Ves un charco de pintura húmeda aquí arriba? Te mostraré cómo lidiar con estos. Simplemente borra tu cepillo en algún papel de seda seco y toca el charco. El pincel remojará ese charco justo arriba. Repite esto hasta obtener una bonita capa lisa de pintura. Continúa llenando el resto de las rayas, empapando cualquier charco con tu cepillo a medida que avanzas. El asunto de estos charcos es que ahora pueden verse bien, pero causarán un secado desigual, dejando marcas secas que se llaman flores. Las flores no siempre son malas, pero ahora ya sabes cómo deshacerte de ellas si es necesario. Ahora en este caso, tenemos unos conjuntos de rayas más curvados. Sólo tenemos que hacer lo mismo, pero tratar de que las curvas se vean lisas. Si no sucede la primera vez, eso es totalmente normal. Siempre puedes seguir haciendo esto una y otra vez. Por eso estos se llaman ejercicios de práctica. El tablero de ajedrez, este es en realidad uno de mis patrones favoritos para practicar la pintura o incluso garabatear. Todo lo que necesitas hacer es una plaza a la vez, igual que lo hemos estado haciendo, empapando cualquier pala extra a medida que vamos. Ahora para que este patrón luzca lo mejor posible, nuestro objetivo es mantenernos lo más cerca posible de los contornos con cada cuadrado. Si pintas más allá de los contornos, o no te acercas lo suficiente a ellos ya no parece un patrón de tablero de ajedrez. Esta es una gran cosa que hacer, practicar permanecer dentro de tus formas hasta que lo hagas lucir como un precioso tablero de ajedrez. Ahora este es otro tablero de ajedrez, pero las líneas son onduladas esta vez. Para que estas diminutas curvas sean correctas, necesitas un mejor control del pincel. Inconscientemente tiendo a sostener mi pincel ligeramente diferente, cuando necesito ese poco de control extra. Cambio mi posición de sujeción del pincel a algo así. Te mostraré otra vez. Así es como normalmente sostendría mi pincel. Pero cuando quiero un mejor control, me paso a algo como esto, lo que me da un agarre más firme en el pincel y por lo tanto, mejor control. De esta manera, puedo mover mi mano siempre tan ligeramente para lograr pinceladas altamente controladas. Ahora bien, esta posición exacta puede o no funcionar para usted. Realmente no hay manera correcta o incorrecta de sostener un pincel en mi opinión. Pero realmente recomendaría que pruebes diferentes posiciones para ver qué funciona para ti y qué situación. Simplemente adelante y pinta el resto del patrón. Si notas en este caso, en lugar de cuadrados, tenemos formas de pequeños diamantes con curvas para rellenar, cada una ligeramente diferente a la anterior. Eso también significa que el área física que necesitas rellenar con pintura es ligeramente diferente cada vez, por lo que la cantidad de pintura húmeda que puede llenar cada forma de manera efectiva varía. Este ejercicio es genial para darte un sentido intuitivo de eso. Es decir, si realmente lo haces. Corta historia, haz esto. Ahora algunas rayas de anchos variables. Me parece útil variar la presión sobre mi pincel en tales casos. Entonces más presión cuando estoy pintando las partes más anchas y ligera presión a medida que llego a las partes más delgadas. En este caso, sólo necesitamos rellenar cada una de estas formas. La técnica es esencialmente la misma que hemos estado practicando. Pero nota cómo navego cada forma ligeramente diferente. Pero no te preocupes, a medida que practicas cada vez más nuestra técnica básica, desarrollarás un sentido intuitivo de las mejores formas de acercarte a cada forma. Ahora, aquí estamos pintando las áreas que no pintamos en el cuadro anterior, o en otras palabras, el espacio negativo alrededor de cada una de estas formas. Empezamos como de costumbre, poniendo algo de pintura en esta esquina. Entonces hay que decidir si se mueve a través o verticalmente hacia abajo. Empiezo con pintar hacia abajo y luego dejo una pequeña mancha de pintura húmeda atrás para comprar algo de tiempo mientras me muevo a través de la caja. No hay elección correcta o incorrecta por defecto pero la pintura está en proceso de secado por lo que necesitas moverte estratégicamente de cualquier manera. De nuevo, dejo una mancha húmeda atrás mientras paso a agregar pintura a la sección descendente. Entonces una vez más, dejo el final de ese también mojado y vuelvo a cambiar. En breve tendrás múltiples direcciones de las que preocuparte, no solo de dos, sino que conseguirás el ahorcamiento con la práctica. Dichos ejercicios son geniales para construir tus habilidades rápidas de toma de decisiones porque necesitas trabajar lo suficientemente rápido como para cubrir toda el área sin dejar marcas secas duras. También sucede que tienes múltiples direcciones para proceder en cualquier momento dado. Como dije, esto es esencialmente lo que necesitamos seguir haciendo a lo largo de este ejercicio. Deja una blob húmeda colgando cada vez que cambies a pintar un área diferente. Tienes tiempo hasta que esa blob comience a secarse. Cuando notes que se está secando, deja la mancha actual con otra mancha húmeda, y sigue adelante. Esta es nuestra estrategia cuando tratamos de llenar áreas espaciales tan negativas, que si lo piensas, son básicamente solo formas con agujeros en ellas. Ahí vamos. Terminamos con estos ejercicios de control de pinceles. Si no has estado haciendo esto conmigo, ahora sería un buen momento para poner pintura en papel y ponerte a trabajar. Haz esto tantas veces como necesites. Te garantizo que saldrás de este sentimiento mucho más equipado para pintar, desafiar, espacios apretados. En la siguiente lección, hablaremos un poco de encontrar inspiración antes de entrar en nuestro proyecto final para esta clase. 11. Búsqueda de inspiración: Hablemos un poco de inspiración y dónde encontrarla. Ahora que has terminado todos los ejercicios de práctica diseñados para enseñarte las diferentes habilidades que vas a necesitar para crear los principales proyectos en esta clase, quiero envolver esta sección hablando de inspiración. Te llevé a través de algunos elementos esenciales de letras y mi proceso de bosquejar letras 3D. No obstante, lo que quiero que tomen de estas lecciones es el proceso por encima de todo lo demás. No necesitas ir por los mismos estilos de letras exactos que demostré, hay toneladas de estilos de letras diferentes para que explores, y quiero animarte a probar suerte en tantos estilos de letras diferentes como te gustaría . Ahora, cuando piensas en qué estilo de letras 3D explorar, puede ser bastante abrumador simplemente llegar a algo. Esto es normal independientemente de lo experimentado y artista que seas, todos necesitamos nuestras fuentes de inspiración para que nuestros jugos creativos fluyan. De eso se trata esta lección, les voy a mostrar algunos de los lugares a donde voy en busca de inspiración de letras. Antes de esto sin embargo, quiero simplemente arrojar algo de luz sobre la palabra inspiración misma y cómo difiere de la imitación. El Diccionario Oxford define la inspiración como el proceso de ser estimulado mentalmente para hacer o sentir algo, especialmente para hacer algo creativo. La imitación se define como la acción de copiar a alguien o algo. Ahí radica la diferencia. Cuando buscamos inspiración, estamos tratando de estimular nuestros cerebros para pensar de una manera particular y no simplemente copiar el trabajo de otra persona. Estás apuntando a encontrar una chispa que pueda luchar contra tu propio pensamiento. El mejor modo de evitar copiar ciegamente a alguien es ponerte siempre un poco de ti mismo en tu trabajo. De esa manera, tu trabajo siempre tomará su propia dirección independientemente de lo que lo haya inspirado. Inspírate, no copies, básicamente, no seas un imbécil. Ahora, podemos llegar a mis verdaderas fuentes de inspiración. Instagram es donde paso una tonelada de tiempo mirando el trabajo de otros artistas de letras e inspirándome. Aquí hay tanto contenido increíble de artistas extremadamente talentosos que puedes descubrir simplemente navegando hashtags. Por ejemplo, si estás buscando inspiración en letras 3D, solo necesitas escribir letras 3D en la barra de búsqueda de Instagram, y cuando tocas el hashtag, obtienes toneladas de obras de arte relacionadas. Esto realmente es una fuente interminable de inspiración aquí mismo. También guardo mis publicaciones favoritas en una colección para que siempre pueda mirarlas más tarde si quiero. ¿ Sabías que ahorrar un post también ayuda a impulsar el post y mejora su alcance en Instagram? Al hacer esto, estás de una manera pequeña dando la espalda a los artistas ayudando a que sus cuentas de Instagram crezcan un poquito. Te mostraré algunos estilos de letras 3D que me pareció interesante en Instagram, también incluiré las asas de artista, así que visita sus feeds y muéstrales algo de amor. Después viene Pinterest, otra fuente interminable de inspiración. De nuevo, solo tienes que escribir letras 3D y encontrar muchas obras de arte relacionadas. Tengo un tablero de Pinterest preparado para letras 3D entre otras categorías de ilustraciones que son más que bienvenidos para buscar inspiración. También me gusta mirar sitios web de fuentes para inspiración de estilo de letras. Sí, una fuente es intrínsecamente diferente a la letra manual pero aún así me da muchas ideas para empezar en una dirección cuando estoy tratando de desarrollar un proyecto de letras. La mayoría de estos sitios web tienen una configuración similar donde puedes encontrar toneladas de fuentes en diferentes categorías. Echemos un vistazo a este sitio web gratuito llamado dafont.com. Mi favorito aquí es la categoría manuscrita bajo las fuentes de script. Por lo general cuando estoy revisando estos, tengo alguna idea del estilo que imaginé para ese proyecto específico, así que lo tengo en cuenta mientras me desplaza por todas estas fuentes. Ahora, digamos que encuentro uno que me gusta y haga clic en él, puedo ver todas estas piezas demo que ponen en contexto esta fuente y me dan algunas ideas creativas para explorar. También tengo todo el alfabeto tanto en mayúsculas minúsculas disponibles en el mismo estilo para referirme si necesito. Esto creo que es genial para los exploradores de letras principiantes que están tratando de desarrollar estilos consistentes, porque se pueden observar estos para entender la relación entre diferentes personajes en un estilo de letras particular. Aquí está mi parte favorita. Si subo aquí, puedo escribir las palabras exactas que necesito para letras y ver cómo puede verse eso en este estilo. Esto realmente me da una visual de lo que he estado tratando de imaginar todo este tiempo, así que es bastante impresionante. Nuevamente, esto no es para copiar, necesitas ponerle tu propio giro y ponerte creativo pero realmente sí ayuda a visualizarlo para que puedas llegar a formas creativas de manipular el estilo. También puedes mirar otras fuentes como revistas de diseño, libros de letras, y empaques vintage para más inspiración de letras, ninguna de las cuales no he tenido que mostrarte desafortunadamente. Al final, todo el arte se inspira en algo u otro, y las cosas que vemos en nuestra vida cotidiana a sabiendas o sin saberlo impactan en la forma en que pensamos y a su vez en lo que creamos. Rodéate de las mejores cosas para mantenerte constantemente inspirado. Mi espacio de trabajo y ambientes de vida son extremadamente importantes para mí poder pensar de manera creativa. Asegúrate de llenar tu especie de cosas que te traen alegría y cosquillas a tus sensores creativos de la mejor manera. Ahora, antes de que lleguemos a trabajar en nuestros principales proyectos, tómate un descanso, haz algo que te ayude a relajarte. A lo mejor es una taza de café o una caminata lenta. En mi caso, la mayoría de mis frenos están llenos de montones de besos húmedos y la gripe más suave feroz de los golpes de mi bebé. Voy a jugar un rato con ella y ponerme al día contigo en la siguiente lección donde usaremos el generador de meme que he creado para encontrar nuestros memes únicos creativos. 12. Generador del nombre creativo del alma: Hey ustedes almas creativas. ¿ Están todos frescos y listos para patear algunos traseros con nuestro proyecto final para esta clase? Antes de sumergirnos en el proyecto en sí, quería hacer una lección rápida sobre el uso del generador de nombres que se me ocurrió. En lugar de escoger palabras aleatorias, vamos a estar etiquetando nuestros nombres creativos de alma para nuestro proyecto principal. He armado este generador de nombres para que llegues a tus propios nombres creativos de alma. Está disponible para su descarga una vez más, en la sección de recursos de esta clase. Si por alguna razón no puedes acceder a la sección de recursos, también estoy volando esto por un rato, así que solo puedes agarrar una captura de pantalla del mismo en su lugar. Estoy bastante seguro de que puedes resolver esto por tu cuenta, pero sólo voy a tomar un minuto rápido para llevarte a través de esto. Tu nombre de alma creativa es una combinación de palabras derivadas de tu mes de cumpleaños y la primera letra de tu nombre. Digamos que si tu nombre es Susan y naciste en octubre, primero necesitamos comprobar lo que corresponde a octubre. Eso es rebelde. Entonces la primera letra de tu nombre es S, que corresponde aquí a Singlewave. Por lo que tu nombre creativo de alma sería Rebellious Singlewave. De igual manera, si tu nombre es Mike y naciste en marzo, tu nombre creativo de alma sería Zesty Momoweb. Ahora como saben, mi nombre es Vinitha y mi cumpleaños es en enero. Según este generador de nombres, mi nombre de alma creativa es Magical Peachflame. Esto es lo que voy a estar letras para mi proyecto principal en esta clase. Adelante y diviértete con esto. Usa tu nombre y mes de nacimiento para encontrar tu nombre de alma creativa y prepárate para empezar con este divertido proyecto. También puedes usar el nombre de un ser querido y crear una pieza para darles si quieres. Descargo de responsabilidad rápido; todo esto se trata solo de divertirse y nada más. No hay implicaciones ocultas en ninguno de los nombres que este generador podría sugerir. La mayoría de ellos son en realidad palabras recién hechas que suenan divertidas. Espero que tomes esto solo para el aspecto divertido de ello. Si en cualquier caso no quieres usar estos nombres, puedes muy bien sentirte libre de usar tus propios nombres o cualquier otra palabra que te gustaría mandar. Te prometo que no lo sostendré en tu contra. De todos modos, creo que va a ser súper divertido hacer esto y también averiguar con qué nombres de alma creativa terminaron tus compañeros estudiantes. Al final del proyecto, además de subirlos aquí en la galería de proyectos, también puedes publicarlos en Instagram usando el hashtag, #MyCreativeSoulName para que podamos ver todas tus creaciones en un solo lugar. Una vez que estés listo con tus creativos nombres de alma, dirígete a nuestra siguiente lección, donde pondremos en marcha proyectos de puesta en marcha con alguna lluvia de ideas y bocetos. 13. Concepto y boceto: Ahora que tenemos listos nuestros nombres de alma creativos, finalmente podemos empezar a trabajar en nuestro proyecto principal para esta clase. ¿ Estás emocionado? Vamos a estar creando desde cero una pieza de letras 3D acuarela, juntando todas las diferentes habilidades que desarrollamos en las secciones anteriores. En esta lección, vamos a hacer una lluvia de ideas y llegar a un concepto y desarrollarlo en un boceto refinado listo para ser transferido a papel de acuarela para pintar. He dividido esta lección más en fases, solo para que sea fácil para ti volver a visitarla en cualquier etapa posterior, si te gusta. Pasemos a la primera fase, que es lluvia de ideas. Tenemos que sacar primero todas esas ideas que se esconden en nuestro cerebro y ponerlas en papel. Esto no sólo nos da espacio para otras ideas, sino que también nos ayuda a ver nuestros pensamientos frente a nosotros en papel. En primer lugar, siempre me gusta escribir las palabras que voy a escribir. En mi caso, como saben, he llegado a la mágica llama de melocotón. Después paso a colocar algunas ideas en forma de pequeños bocetos en miniatura. Primero puse abajo el primer pensamiento que está en mi cabeza ahora mismo, que es una forma de arco con estilo de guión cursivo interior mágico y llama melocotón en todas las gorras con una pequeña ilustración de melocotón debajo de todo. A continuación, quiero ver cómo se ve si cambio los estilos para cada palabra dentro del mismo diseño. No necesitas ser precioso con estos en absoluto. Se trata de bocetos muy iniciales solo para extraer y visualizar ideas para encontrar una dirección que valga la pena explorar. Ahora bien, ¿necesitamos el buey o podemos simplemente mantenerlo sencillo con algunas líneas rectas y un estilo de guión uniforme a lo largo? O qué tal colocar nuestras palabras en ángulo y usar los espacios vacíos de esquina para colocar los elementos ilustrativos. Simplemente jugando con eso un poco más probando algunas ideas florecidas y moviendo la ilustración. En realidad me gusta este, así que voy a explorarlo un poco más, solo jugando un poco con el layout para ver qué funciona. Algo que siempre busco es cómo aprovechar al máximo los espacios formados entre diferentes letras. Aquí estoy tratando de ver si efectivamente puedo anidar mágico en el espacio al lado del gran P. O la cola de la G está chocando con todas las letras altas debajo de ella, así que probablemente no. Creo que lo mismo se aplica aquí, si guardamos la llama de melocotón en todas las gorras, no va a haber espacio para la cola de la G en mágico. Esta no. Pero creo que al revés podría funcionar. Veamos cómo se vería si volvemos a tener la llama de melocotón en estilo guión y metemos mágicos en todas las gorras en el espacio por encima de ella. Esto también abre un poco de espacio para sumar en las ilustraciones de melocotón simétricamente a ambos lados. Ya que me gusta ese último, voy a usar eso como la dirección para explorar y desarrollar más el concepto. Tengo la pequeña miniatura aquí a un lado para referirme ya que empiezo a hacer una más grande con algunos detalles más. En primer lugar, acabo de lápices en algunas guías para que mis palabras se sientan encima de. Entonces en lugar de tratar directamente de dibujar las letras en ángulo, solo estoy enmarcando primero en una línea recta para que pueda referirme a eso y hacer las letras angulares. Ahora podemos intentar angularlos y colocarlos en la miniatura. Esta es una forma de hacerlo. Para sólo inclinar la línea base y mantener las letras a la perpendicular a ella. Pero eso no es lo que quiero hacer. Yo quiero que las líneas base estén en ángulo, pero aún así quiero que las letras estén a lo largo del eje vertical. Entonces sólo voy a indicar algunas líneas verticales rugosas para guiarme, y luego voy a bosquejar mis cartas. Todavía no siendo demasiado preciado al respecto. Siento que aquí está pasando demasiado de un detalle muy similar y quiero simplemente romper eso. Quizás cambiar un poco la F alrededor va a ayudar. Creo que podemos intentar espejar lo que está pasando con la H aquí, en la L también haciendo algo así. Se ve raro para ser honesto. ¿ Qué podemos hacer al respecto? A lo mejor cambiar un poco las curvas. No, todavía no le gusta. me gusta el viejo aspecto de la simetría, pero simplemente no se ve como una L y para mí, diseñar letras que sacrifiquen en legibilidad vence por completo su propósito. Por ahora, sólo voy a ir con una L llana vieja y a ver qué más puedo hacer. Al igual, puedo seguir adelante y agregar la pequeña forma de melocotón a este detalle H aquí y solo lo dejaremos colgado de este lado también por ahora, tal vez agregue algunas hojas también. Para estas hojas, estoy pensando si podemos incorporar algunos de estos elementos de llama en ellas. En lugar de una forma de hoja regular, tal vez trate de hacer una hoja más inspirada en la llama. A mí me gusta que mis elementos ilustrativos se deriven de las propias palabras tanto como sea posible. Podemos ver cómo se ve apegado a un melocotón también. El aspecto mágico puede ser representado por algunos destellos, pequeñas estrellas, puntos y cosas, y para la llama del melocotón, tenemos esto. Ahora, creo que lo mágico se ve demasiado básico. Queremos que se vea mágico. Voy a ver cómo puedo traer algo de magia a nuestra mágica. Si bien cuenta cuántas veces voy a decir la palabra magia. A mí me gusta el último con todas sus curvas, así que voy a poner eso aquí arriba y ver cómo se ve. Si te das cuenta, he añadido algunos pequeños detalles divertidos como el yo siendo anidado en la G y el travesaño de la E pegándose en el C. Siguiente, estoy explorando algunos toques decorativos que puedo agregar a la llama del durazno aquí. Estoy pensando en formas en las que puedo conseguir la F llene parte del espacio en la parte inferior derecha. Sí, de eso hablo. Ves, esto resuelve ese problema así como agrega que algo extra a la L. Ahora quiero equilibrar la línea en la parte inferior derecha con otra similar en la parte superior izquierda y una bonita curva ahí arriba para espejar el bucle y el F. Sólo voy a dejar algunos nodos aquí porque quiero cambiar un poco esto aquí y hacer el P un poco más grande para que todo encaje un poco más cómodo. Ahora que tenemos una idea básica de lo que queremos lograr, podemos pasar a nuestra siguiente fase, que es el bosquejo. Aquí es donde vamos a desarrollar el concepto más en un boceto más refinado. Empiezo por colocar unas guías en un papel de rejilla de puntos dentro de un cuadrado que mide alrededor de siete pulgadas por ocho pulgadas. Si planeas hacer el trazado final al papel de acuarela directamente desde tu boceto, entonces es posible que quieras hacer esto para escalar, para que quepa en tu papel de acuarela. Si estás rastreando usando una tableta como el iPad Pro, siempre puedes ajustar la báscula más adelante. He marcado las líneas centrales horizontales y verticales y algunas guías anguladas para que cada una de mis palabras se sienta dentro. Ahora, quiero que la palabra mágica quepa muy bien en el espacio aquí, así que primero voy a empezar con la llama de melocotón para que pueda posicionarla en consecuencia. En primer lugar, ¿cuántas cartas hay? Uno, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8, 9, 10. Por lo que cinco a cada lado de la línea central. Creo que será agradable si la F está justo en el medio, ya que es un elemento de estilo prominente también. Empiezo con la F, luego empiezo a esbozar el resto de la palabra a la derecha usando la cuadrícula para ayudarme a alinear mis líneas verticales. Por el lado izquierdo, trabajé desde el centro hacia fuera para que pueda conseguir una mejor colocación. Una vez que el marco básico está abajo, empiezo a refinar las curvas y el espaciado y cosas en las letras. También empiezo a agregar algunos detalles a medida que voy y me llama la atención que pueda incorporar el melocotón aquí como un florecimiento a la H. En el otro lado, podemos tratar de adjuntarlo al M. Me gusta esa dirección, pero sólo necesita algunos retoques. Estoy tratando de hacer menos forma de corazón y más forma de melocotón ajustando un poco las curvas. Ahora por mágico, hay 1, 2, 3, 4, 5, 6, 7 letras. Técnicamente, la cuarta letra, que en este caso es el yo, tiene que venir en medio. Ya que estamos anidando el I sobre la G, voy a colocar el G muy cerca de la línea central y tomarlo desde ahí. Ahora me di cuenta de que las guías que dibujé para magia son demasiado anchas lo que significa que tendré que hacer cada letra muy alta y flaca para caber en el espacio y no quiero eso. Ahora hago una fase tipo para mágico. Borro todo el asunto y cambio la guía superior hacia abajo para empezar de nuevo con algunas letras más cortas. Eso creo que se ve mucho mejor. Voy a curvar un poco algunas de estas líneas para ver cómo se ve eso porque espero que eso le vaya a dar un poco de energía y dinámica, pero no del todo. Creo que prefiero sin las curvas, así que vuelvo a cambiar a líneas rectas y curvo solo los travesaños en su lugar. A continuación, necesitamos esbozar algunos de los florecimientos y elementos decorativos. Yo hago eso, tratando de mantener las líneas lo más limpias posible y paralelas donde sea necesario. Ahora, hay algo de espacio vacío por aquí, así que quiero agregar un poco de florecimiento al M. juego un poco con eso hasta encontrar una forma y posición que me gusta y trato de imitar esa forma del florecen aquí en la L también. A continuación pasamos a jugar con los elementos decorativos. Me gusta usar estas formas curvadas, como lágrima para llenar espacios vacíos con. También agregan mucha dinámica y llevan tus ojos por lo direccionales y llenos de carácter que son estos. Simplemente voy con el flujo y me meto con algunas formas hasta que estoy contento con cómo estoy usando los espacios vacíos. Como puedes ver, todo esto lleva un poco de prueba y error y eso es totalmente genial. Estamos tratando de hacer todo el ida y vuelta aquí y no directamente en el papel de acuarela para que tengamos la libertad de jugar realmente. Ve por ello y disfruta todo el proceso, iteraciones y todo. Una vez que estemos contentos con eso, podemos pasar a agregar peso a nuestras letras. Decidí ir a monoline con esto, así que voy a simplemente seguir adelante y engrosarlo todo. Recuerda tener en cuenta las pautas al hacer esto y engrosar los trazos de una manera que el diseño no sea empujado fuera de equilibrio. Después agregué algunos pequeños elementos chispeantes también para traer algo de magia a todo el asunto. Ahora tenemos lista la versión 2D de nuestro lettering y esto nos lleva a la siguiente fase de nuestro proceso de bocetos la cual está agregando dimensión. Ahora es cuando vamos a seguir nuestro proceso de cinco pasos con el que ya estás familiarizado, para convertir nuestro lettering en una pieza tridimensional. Empezamos con el paso 1, que es trazar las letras en una hoja de papel translúcido. Estoy usando el mismo papel de diseño que usé anteriormente. Ahora mismo, voy a estar rastreando sólo las letras y el que pierde elemento floreciente encima porque no quiero convertir ninguno de los otros elementos en 3D. A continuación, repaso todos estos contornos con mi lápiz delineador fino negro para diferenciar fácilmente la fase frontal de las otras fases. Eso está hecho y aquí estamos. Ahora paso 2, trazando las letras por segunda vez en una nueva posición de desplazamiento. Por cierto, quiero realmente disculparme por la parte superior de mi cabeza que hace una aparición en el marco de vez en cuando. Tengo este horrible hábito de encorvarme sobre mi trabajo cuando realmente me meto en el surco. Si tienes algunos consejos para que me deshaga de este hábito, por favor ayúdame con ellos. que ya hicimos los contornos negros en la fase frontal, vamos a estar saltando el paso 3, que si recuerdas, era sombrear en toda la fase frontal. momento, los contornos de la pluma indican esta fase, la fase frontal, y los contornos del lápiz, la fase posterior. A continuación, necesitamos hacer estas fases laterales. paso 4 es conectar las fases delantera y trasera con líneas rectas en los puntos correspondientes. Por último, el paso 5 es oscurecer las líneas que necesitamos para que no las confundamos con las que no necesitamos. Voy a hacer esto usando de nuevo mi lápiz delineador fino negro. Tan solo para darte un adelanto, estas son las áreas que vamos a pintar con acuarelas en la siguiente lección, así que básicamente, sólo las fases 3D y no la fase frontal misma porque la pintura espacial negativa, ¿no? Antes de pasar a la pintura, tenemos un último paso, que es transferir nuestros otros elementos decorativos al papel translúcido para completar el diseño. Volveré a colocar los papeles para encontrar la mancha dulce y trazar todos nuestros elementos decorativos. Es posible que encuentres que algunos de ellos ahora se superponen con nuestra letra 3D. Puedes sentirte libre de ignorar estos o ajustarlos a posiciones más adecuadas como más te convenga. También puedes seguir adelante y tinta los contornos con lápiz una vez que estés contento con estos. Hemos llegado al final de todo el proceso de bocetos. Ahora tenemos un boceto que está listo para ser transferido al papel de acuarela. Como viste en esta lección, el proceso de bocetos es muy crucial para lograr un diseño equilibrado para tus piezas de letras. Decidí incluir todo el ida y vuelta que pasé con esta pieza sin editar ninguna de las partes iterativas porque quería normalizarla. Yo quiero decirte que está bien. Puede parecer que otros artistas son capaces de simplemente alearlo y dar vida a una pieza fabulosa fuera del aire pero ese rara vez es el caso. Disfruta el proceso y aprovecha cada oportunidad que tengas para hacer retoques hasta que estés contento con el resultado final porque al final, eso se trata todo esto, ¿no? No puedo esperar a ver todos tus bocetos de letras 3D que tanto trabajo le pones para perfeccionar. Ya conoces el simulacro, súbelos. En la siguiente lección, vamos a añadir colores a nuestro boceto y darle vida a todo. Vamos a ponernos al día ahí. 14. Cómo pintar con acuarelas: ¿ Listo para llevar tus bocetos a vivir con alguna pintura negativa con acuarelas? En esta lección, vamos a poner a utilizar todas las habilidades que desarrollamos en las lecciones controladas de consistencia de pintura y aplastamiento, para pintar las caras 3D de nuestra pieza de letras. Dejaremos la cara frontal sin pintar y la definiremos usando el contraste entre el blanco del papel y las superficies 3D pintadas. Ya que estamos pintando alrededor de la cara frontal y no dentro de ella, es por eso que podemos llamar a esta pintura negativa. ¿Deberíamos? He ido adelante y transferido mi boceto a una hoja de papel de acuarela que mide nueve pulgadas de ancho y ocho pulgadas de alto. He tratado de mantener las líneas de lápiz ligeras mientras también lo mantengo visible para ti. Te sugiero que vayas aún más ligero porque la mayoría de estas líneas se van a quedar bajo los colores del agua, por lo que no todas se van a levantar eventualmente. Ahora, he decidido ir con un solo color para todas mis letras. Para esto, he escogido este tono naranja brillante llamado hibisco de mi paleta tropicals. Puedes por todos los medios escoger múltiples colores para diferentes partes de las letras, o incluso mezclar colores dentro de las formas. De hecho, he incluido un bonus tip más adelante en este video sobre la mezcla de acuarelas de manera efectiva. Podrías saltar a eso y volver aquí si planeas hacer alguna mezcla de color en esta etapa. He sacado bien parte de la pintura en mi mezcla, y la riego hasta algún lugar alrededor del lado más delgado de la consistencia de la leche. Voy a estar sumergiendo mi cepillo en el agua cada vez que recargue con pintura, así que eso me dará la flexibilidad para acercarme la consistencia del café si y cuando lo necesite. A lo largo de esta lección, voy a estar pintando con el pincel de detalle redondo de Artesia talla cero. Empiezo cargando mi pincel mojado con pintura del pozo de mezcla. Entonces al igual que hicimos en todos nuestros ejercicios de práctica, colocamos una mancha de pintura cerca del contorno y la arrastramos para llenar la forma. Recarga el pincel con pintura cada vez que la mancha no esté lo suficientemente húmeda como para ser empujada fácilmente y repita. Necesitas tener presente qué forma estás llenando porque recuerda, no queremos que ninguna de nuestras caras frontales sea pintada. Mantén a mano un pañuelo seco para borrar cualquier paleta mientras pintas. Especialmente cuando llegas a espacios más estrechos, es posible que termines con manchas que están demasiado mojadas incluso después de llenar la forma. Además, a medida que te metes en esquinas ajustadas, ayuda a aligerar la presión sobre tu cepillo para lograr el más delgado de trazos. Ahora, todos los puntos con letras 3D están hechos. A continuación, tenemos que pasar a pintar los elementos decorativos restantes. Estoy pensando que quiero ir con unos greens para traer algunos contrastes y frescura a la pieza. Para esto, he elegido dos tonos, un verde de tono fresco más oscuro llamado Isla, y un cálido verde amarillento brillante llamado loro, ambos de la misma paleta de tropicals. He aprendido a crear un gradiente con estos dos colores y cada uno de los adornos. A continuación, voy a demostrar algunos consejos de bonificación para ayudarte a lograr una mezcla de colores efectiva usando acuarelas. Digamos que quiero crear un gradiente de oscuridad a luz en el cuadrado. Empiezo como de costumbre poniendo una mancha de mi primer color que en este caso es el verde más profundo, luego tirar de la pintura de la misma manera que hemos estado haciendo. Pero esta vez no llenaremos toda la forma, solo bajaremos la pintura a aproximadamente la mitad del área y pararemos para que podamos mezclar nuestro segundo color en el área restante. A continuación, coloco una mancha de la pintura verde más brillante junto a la zona más oscura. Ahora, porque aquí tenemos un bonito borde mojado, podemos simplemente mezclar los dos juntos en el medio y tirar de las pinturas hacia abajo para llenar el resto de la forma. Ayuda a trabajar en la zona media un poco más para lograr una mezcla más fluida. Una vez que estés contento con el gradiente, puedes seguir adelante y usar un cepillo seco para borrar cualquier paleta húmeda. Intentemos eso otra vez. Pintar en el primer color en la mitad de la zona y parar. Agrega una mancha húmeda en el borde si es necesario, y luego usa tu segundo color para llenar el espacio. Mueve el pincel para mezclar sin problemas y finalmente borra las paletas extra. Ahora, ¿qué pasa si la pintura no está lo suficientemente húmeda en la escena? Vamos a averiguarlo. Este borde aquí está seco y no estoy agregando más humedad. Procedo con la adición del segundo color. ¿ Ves cómo no se mezclan casi tan bien? Todavía casi puedes arreglarlo pero también te arriesgas destruir la textura del papel con todo ese roce. Definitivamente estás mejor asegurándote de que haya algo de pintura húmeda en la escena antes de intentar mezclar los colores. Puedes aplicar la misma técnica para pintar un gradiente dentro de nuestras formas de lágrima. A mí me gusta empezar con la esquina aquí y poner la sombra más oscura hasta casi a mitad de camino. Creo que el borde aquí está un poco demasiado mojado, así que me empapé un poco de la humedad aquí y luego sigo adelante añadiendo el color más brillante y tire de él para llenar el espacio. Si el área es lo suficientemente grande, me gusta recargar el pincel con mi segundo color antes pintar los últimos bits para que resulte agradable y brillante. De acuerdo, voy a hacer una más. Ahora, solo haz exactamente eso para pintar todos los elementos decorativos en forma de gota de lágrima y luego los pequeños destellos también. Creo que el gradiente verde está haciendo que estos se vean bonitos y jugosos y también de una manera similar a hojas. ¿No lo crees? Yo salpicé algo de pintura que, por supuesto, es fabulosa porque ahora tenemos la oportunidad de aprender qué hacer al respecto. En primer lugar, no se asusten esto es reparable. Recoge un poco de agua con un cepillo limpio si es posible y trabaja dentro de la mancha, basta con triturarla usando el cepillo y luego usa una Q-tip limpia si puedes. No tengo una a mano, así que estoy usando un pañuelo limpio y seco para empapar el agua. Es posible que tengas que repetir esto unas cuantas veces. Voy a cantar, me encanta usar ingredientes en mis piezas de acuarela. Creo que somos súper efectivos aunque incorporados en ondas diminutas. Si quieres aprender a mezclar acuarelas de manera más ordenada, tengo toda una lección dedicada a mezclar colores en mi clase llamada letras de espacio negativo con acuarelas. Ahí, te paso por la aplicación de esta técnica para lograr gradientes en diferentes estilos y direcciones, como gradientes diagonales y gradientes radiales por nombrar algunos. Al final de esa lección, también hay un curso vertiginoso sobre los conceptos básicos de la teoría del color para que puedas usar ese conocimiento para evitar mezclas fangosas y elegir colores que se mezclen maravillosamente entre sí en su lugar. Ahora, ya terminamos con todas las lágrimas y los pequeños destellos. A continuación, quiero espolvorear en algunos puntos al azar a través de la composición. En primer lugar, hago algunos usando el verde oscuro y luego algunos más con el verde acolchado más brillante. Nunca sé cuándo parar con estos pequeños toques pero eso me queda bien. Tenemos un último paso el cual es borrar los contornos del lápiz. Tenemos que hacer esto con cuidado para evitar dañar el papel o empañar los colores. Prefiero hacer múltiples pases suaves con el borrador, luego un solo pase agresivo. Aquí hay otro consejo. No uses las manos para cepillar el polvo del borrador de tus piezas finales, usa un cepillo grande en su lugar. Mantendrá tu obra segura y limpia sin el riesgo de tener manchas desagradables. Pero asegúrate de que el cepillo esté limpio y seco antes de hacer esto. Utilizo este pincel en particular casi exclusivamente para este trabajo y así así, estamos hechos con la fase de pintura y de ahí el proyecto en sí. Siempre espero ansiosamente ver cómo se ve después se liberen los contornos del lápiz porque realmente hace la diferencia. ¿ Estás contento con las piezas finales que creaste? Espero que lo estés porque estoy súper orgullosa de ti por ver esto a través. Has aprendido tanto y estoy seguro que va a mostrar en tu trabajo. Me divertí tanto creando esta paz contigo. Ahora, hay un último video con mis pensamientos finales, ese soy yo ahí para un ojalá muy temporal a las vibraciones. 15. Reflexiones finales: Felicidades por hacerte pasar por toda esta clase. Espero que realmente hayan disfrutado todos los cinco mini proyectos y el proyecto final para esta clase. En cuanto a mí, tuve un balón total y me siento tan honrado de haber podido compartir con ustedes la pequeña parte de mi viaje creativo. En esta clase, aprendiste que el espacio negativo es el espacio alrededor del tema de una imagen, y la pintura negativa básicamente no es pintar la forma misma y pintar todo lo demás en su lugar, y ahora sabes tres diferentes enfoques para las letras a mano. En primer lugar, la caligrafía, que es el arte de escribir letras usando herramientas específicas y variando la presión a medida que escribes para obtener trazos gruesos y finos. En segundo lugar, las letras monolinas, que como su nombre lo indica, son el arte de escribir o ilustrar letras con un peso de línea uniforme a lo largo y, por último, la caligrafía sintética donde utilizamos cualquier herramienta básica de escritura para dibujar primero las letras usando trazos monolinos y luego recogiendo solo los bajistas para imitar el aspecto de la caligrafía. Habiendo aprendido a aplicar los principios básicos del boceto en 3D para convertir tus letras bidimensionales en una pieza 3D, ahora estás bien versado con nuestro sencillo proceso de cinco pasos para convertir cualquier forma 2D en un boceto 3D. En el mundo de la pintura acuarela, te has sumergido profundamente las consistencias de pintura y ahora eres experto en aplicar el té a la analogía de la mantequilla para tomar decisiones de consistencia de pintura en todos tus proyectos de acuarela en lo sucesivo. Además, también sabes exactamente cómo controlar tus pinceles para pintar de manera efectiva en espacios reducidos, cómo quitar charcos y evitar las flores si es necesario, y cómo lidiar con los accidentes de salpicadura de pintura. Al final, si hay algo que espero que tomes de esta clase, son las posibilidades que se abren cuando te imaginas formas en las que puedes combinar múltiples habilidades manera efectiva y crear procesos para ti mismo que te lleven por tu cuenta aventuras únicas, emocionantes y ya has reunido todos estos nuevos aprendizajes para usar cuando creaste tus piezas de letras 3D pintadas negativas para tu proyecto final, que estoy tan ansiosamente esperando ver. ¿ Subiste tu obra a la galería de proyectos? Voy a estar revisando con la mayor frecuencia posible y escribiendo de nuevo a cada uno de ustedes. No olvides usar el hashtag MyCreativesOulName y etiquetarme cuando publiques tus piezas en instagram. Quiero ver todas las hermosas piezas que esta clase te inspira a crear incluso en el futuro. No conéctate conmigo en Instagram y etiquetame en tus publicaciones. Me encantaría escuchar de ti lo que pensaste de mi clase, y si encontraste valor en esta clase, por favor deja una reseña y difunda la palabra con tus amigos y familiares. No sígueme aquí en Skillshare para que se te notifique de inmediato cuando publique una nueva clase. Como mencioné anteriormente, tengo una clase muy relacionada aquí en Skillshare llamada letras de espacio negativas con acuarelas. Si disfrutaste de esta clase, definitivamente vas a disfrutar de esa también. Estoy enseñando un acercamiento ligeramente diferente a la pintura negativa ahí, así que hazlo un vistazo si aún no lo has hecho. Te quiero decir un gran agradecimiento por unirte a mí aquí en esta clase y ver esto a través. Adiós por ahora, nos vemos la próxima vez.