Ilustración científica: transmitir información con encanto

2. introducción a la ilustración científica caprichosa: Hola chicos. Se trata de Christine Fleming, y este es el primer video de mi clase, ilustración científica, que transmite información con encanto. Gracias por apuntarte a esta clase, y empecemos. Este video se denomina introducción a la ilustración científica caprichosa. ¿ Qué es la ilustración? En el libro de Andrew Loomis, Ilustración Creativa, dice que la función principal de la ilustración es hacer una interpretación gráfica de una idea. Me encanta esta definición porque utiliza la palabra interpretación y no representación. Para mí, mi trabajo como ilustrador no es sólo representar la idea o concepto que me dan en una asignación. Mi trabajo es interpretar la idea a mi manera, luego ilustrar mi interpretación personal. Al trabajar de esta manera, tus ilustraciones siempre agregarán valor en lugar de simplemente repetir lo que ya ha dicho el texto. Pero cuando se trabaja en la comunidad científica, su interpretación tiene que estar bien informada. A diferencia de otros campos, probablemente no deberías interpretar la alpaca que estás dibujando, para tener un morado brillante, o púrpura hasta lejos, increíble que sea. Como ilustradores científicos, primero tenemos que investigar nuestro tema, reunir todos los hechos, y luego podemos exagerar y expandir esos hechos con nuestra imaginación. Aquí puedes ver una ilustración que hice de una ballena azul. Te estoy mostrando esto como un ejemplo de lo cuidadoso que tienes que ser a la hora de investigar. Pensé que ya había investigado lo suficiente sobre la ballena azul para saber que así es como se ven. Pero me fue señalado que esto en realidad se parece más a una ballena orca que a una ballena azul. Tuve que revisar la ilustración para resaltar más obviamente las características que hacen de una ballena azul, una ballena azul. Aquí puedes ver que las aletas son más pequeñas y la nariz es más plana. Por lo tanto, recuerda investigar a fondo tu tema y asegurarte de que lo estás representando con precisión. Creo que el dibujo es una de las mejores herramientas que tenemos para entender algo. Aunque no creas que eres bueno dibujando, sólo el acto de intentar dibujar algo te enseña mucho sobre lo que realmente es la cosa y cómo se ve realmente. Johann Wolfgang von Goethe, escritor alemán de botánica, anatomía y color, dijo una vez: “Realmente no ves una planta hasta dibujarla”. ¿ Alguna vez te has dado cuenta de lo raro que se ve una alpaca? Si vas a dibujar y entonces realmente lo sabrás. Disfruto dibujando cosas que no entiendo, lo que equivale a un montón de cosas que dibujar. Porque salgo en el otro extremo del proceso de ilustración con un poco más de comprensión y una mayor apreciación de justo lo raro que es el mundo. Al dibujar algo, te das cuenta de lo necesario para comunicar la idea de esa cosa. Cuál es su aspecto más importante, y lo que vuelve a recibir en la falta de importancia. Aprender a ver dibujando te enseñará a ver de una manera completamente nueva. Empezarás a ver las cosas en niveles de importancia. Lo que destaca, lo que recibe, lo que se puede simplificar, y lo que se puede exagerar. A menudo una ilustración puede representar el verdadero carácter de algo más de lo que una fotografía puede, sólo por esta acción selectiva del artista. Una fotografía registra todo sin priorizar. El artista puede elegir qué resaltar, qué ignorar y qué embellecer más allá de la realidad. Algunas personas sugieren que debes atenerte a lo que sabes en la vida. Dibuja lo que sabes, escribe lo que sabes. Pero me gusta dibujar cosas de las que no sé nada. Yo sólo conozco un número muy limitado de cosas. Entonces, ¿por qué me detendría ahí? Me inspiran más cosas que ya no conozco, y me encanta usar el acto de dibujo para aprender cosas nuevas. Entonces sigamos y aprendamos más. 3. Cómo llegué a encontrar y entender mi estilo: Este video se llama, Cómo llegué A Encontrar Y Entender Mi Estilo. La pregunta número 1, ilustradores y probablemente todos los artistas se hacen es, ¿cómo encuentro mi estilo? La respuesta corta es, no lo sé. Pero para cavar un poco más profundo, ¿qué es un estilo de Illustrator? Creo que el estilo de un artista es como su escritura creativa. Es algo con lo que naciste y eso es verdaderamente singularmente tú. Pero también es algo que ha evolucionado con el tiempo. ¿ Alguna vez has mirado atrás en tu letra o firma desde cuando estás en la secundaria? Definitivamente no se parece a tu letra ahora, espero, pero de alguna manera todavía se parece a ti, sostienes tu lápiz de cierta manera, ves el mundo de cierta manera, e interpretas el mundo de tu propia manera única. Todo eso en conjunto suma para producir tu estilo creativo único. Es algo que eres innadamente tú y está en constante evolución, así como tú como persona estás en constante evolución. Entonces, ¿cómo lo encuentras? Honestamente, la única manera de encontrarlo, es seguir haciendo cosas, seguir dibujando, seguir pintando, seguir haciendo lo que sea que hagas, y eventualmente las cosas comenzarán a repetirse. Notarás procesos que parecían venir de forma natural a ti. Te darás cuenta de empezar a meterte en la zona meditativa que algunas personas llaman un flujo. Empezarás a ver que surjan ciertos aspectos de tu trabajo y se repiten inconscientemente. Mi único consejo es seguir dibujando. No es consejo nuevo y tal vez sea cliché, pero realmente es la única manera de encontrarte. Me tomó casi dos años de dibujo constante, sin incluir toda mi infancia, sentir que tenía algo de estilo cohesivo. Creo que en general el estilo de un artista puede ser más obvio para los demás que para ellos mismos. Pero para ayudarte a encontrar tu propio estilo, voy a intentar pasar por lo que creo que es mi estilo, y cómo evolucionó. Un aspecto que creo es central para mi estilo, está bellamente articulado por Scott McCloud en su libro, Entendiendo Comics. Tiene un concepto llamado, amplificación a través de la simplificación, donde dice que, “al despojar una imagen a su significado esencial, un artista puede amplificar ese significado de una manera que el arte realista no puede”. Creo que esto es algo que he estado haciendo desde que era joven, junto con probablemente todos los demás niños, pero nunca lo oí poner en palabras tan bien. Mi arte no es realista, no dibujo las cosas a la perfección, y no las dibujo todo tan fiel a la vida. Pero creo que la forma en que los dibujo, es fiel a mi interpretación de ellos. Mediante la eliminación de algunos detalles y la abolición de otros, soy capaz de enfocar mi ilustración para mostrar el verdadero carácter del sujeto, además de inyectar mi forma personal de ver. Al simplificar para amplificar, puedo enfocar la atención del espectador para permitirles ver lo que veo. Otro concepto de McCloud, es cuando describe la universalidad. Una forma en que describe este fenómeno es, entre más caricatura es una cara, más personas se podría decir que describan. Continúa hablando de cómo no nos vemos igual que otras personas nos ven. Nuestro cuadro mental de otras personas es bastante claro y preciso, pero nuestro cuadro mental de nosotros mismos es vago y sólo una sensación de colocación general de nuestras características, casi como si fuéramos una ilustración simple. McCloud dice que, es por eso que la gente se siente atraída los dibujos animados y la ilustración no tan realista. Cuando ves una fotografía de una persona, ves a otra persona, cuando ves una ilustración de otra persona, te ves a ti mismo. Creo que este concepto también es central para mi estilo. Yo quería que mis ilustraciones fueran representaciones visuales de mí mismo y de mis procesos de pensamiento, pero también quiero que otras personas puedan relacionarse con ellas y verse a sí mismas en ellas. Por ejemplo, dibujé esta ilustración de mí, pero si eres una chica con cabello castaño, que es una descripción bastante común, quizá la veas como tú también. También tengo algunos aspectos visuales y técnicas que creo que son dominantes en mi estilo. Estas son cosas que han evolucionado a lo largo del tiempo y se han ido repitiendo hasta que me di cuenta de que eran como grupo haciendo eso mi estilo. Fui entrenado como diseñador gráfico, por lo que la composición y los espacios en blanco son muy importantes para mí. Creo que las ilustraciones necesitan mucho espacio para respirar, y muchas veces prefiero tener mis temas sobre un fondo blanco. Creo que permite que el sujeto se sienta más sin límites y más vivo que contenido en una caja de color. Pero como siempre, a veces se tienen que romper las reglas. Tengo esta rara técnica de textura de lápiz que realmente me encanta dibujar. Sucedió de forma natural y ni siquiera recuerdo cuando empecé a hacerlo en mis ilustraciones, pero ahora simplemente sucede inconscientemente. Es como el patrón en zigzag, y me gusta unirlo para cabello y otras texturas detalladas. Siempre que estoy dibujando esta textura, me transporta casi instantáneamente a ese estilo de flujo meditativo de mente. Podría hacerlo por horas y no darme cuenta de cuánto tiempo ha pasado. Es algo en lo que no tengo que pensar conscientemente. No estoy planeando ahora y pensando con anticipación en dónde irá esta línea o en qué ángulo debería estar esta línea, simplemente fluye desde la punta de mi lápiz y de alguna manera funciona por sí misma. Cuando encuentres eso, esa cosa que hace que tu mente se entumbra con satisfacción y tus manos simplemente se mueven de todas las formas correctas, agárrala y quédate con ella. Sigue haciendo esa cosa y evolucionará hacia una firma para ti. También aprendí con el tiempo, que prefiero trabajar con paletas limitadas de apenas dos o tres tonos, colores brillantes, y texturas delicadas. No lo sabía hace años, pero al seguir creando, me di cuenta de que seguía gravitando hacia colores y texturas similares. No te detengas, explora y experimenta con todo, pero también ten en cuenta a dónde gravitas de nuevo, y lo que aparece de forma natural. Siguiendo esas cosas, te llevará a tu estilo. Simplemente sigue dibujando y creando. A modo de nota final, Nadia Boulanger, compositora francesa dijo una vez: “No me hables de tiempo, háblame de deseo”. 4. Cómo superar la temida página en blanco: Este video se llama Cómo superar la temida página en blanco. Andrew Loomis en Ilustración Creativa dijo: “La creatividad está en la planeación, pura y simple. El resto es buen trabajo de carpintero”. La ilustración se trata de la visualización, creando una imagen visible a partir de una idea abstracta. Entonces eso significa que tienes que tener una visión para empezar. Pero te voy a dejar entrar en un pequeño secreto, nadie sabe la forma perfecta de visualizar algo cuando empiezan una nueva ilustración. Alguien me dijo recientemente que pensaba que los artistas tienen una imagen en su mente desde el principio cada vez que dibujan, y que son buenos en hacer un arte, porque son capaces de poner con éxito esa mental imagen en la cabeza hacia abajo sobre papel perfectamente. A lo mejor algunas personas trabajan de esa manera. Pero para mí, no tengo ni idea de lo que estoy haciendo cuando empiezo a dibujar. Puede que tenga alguna vaga idea en mi cabeza de cómo quiero que se vea el dibujo, pero nunca resulta la forma en que se veía en mi cabeza, y eso es algo bueno porque la imagen en mi cabeza era mala de todos modos. Por lo general, cuando empiezo a dibujar, no tengo idea fija en mi cabeza. Apenas empiezo a dibujar y las líneas comienzan a tomar forma y se convierten en cosas interesantes. Tienes que liberar tu mente, y solo empezar a hacer marcas en la página. A medida que dibujas, se producirán pequeños accidentes felices y hay que apoderarse de esos accidentes. Observe lo que funciona y lo que no hace como dibujas, y eventualmente las imágenes evolucionarán hacia algo que nunca podrías haber imaginado al inicio del proyecto. En mi opinión, es esta habilidad de experimentar, cometer errores, conocer cada error a mantener que hacen de alguien un buen artista. Creo que cualquiera puede dibujar, solo hay que no pensar demasiado en ello y poner el tiempo para aprender cómo se mueve el lápiz en tu mano, y cómo estar constantemente observando e interpretando todo lo que te rodea. Estas observaciones e interpretaciones se filtrarán en tu trabajo y harán que tus dibujos sean personales. Walt Stanchfield en Drawing to Life dijo: “Dibujar no es sólo poner líneas en un papel. Constante observación, interpretación, curiosidad, implicación y emoción. Desarrollar un ojo para las similitudes, el contraste , las sutilezas, y poder transponer todo lo anterior en uno”. 5. Cómo empezar a dibujar: Cómo empezar a hacer bocetos. Generalmente, las primeras ideas que tengas o las primeras cosas que dibujes probablemente sean aburridas y cliché. Si alguien te dijo que visualizaras el amor, probablemente pienses en un corazón, ¿verdad? Tan cliché, tan sobrehecho, tan aburrido, pero dibujarlo de todos modos. Poner esos primeros pensamientos cliché en papel los liberará de tu mente y permitirá que los nuevos pensamientos originales los reemplacen. Al hacer bosquejos, no bajes nada que te salte en la cabeza. Todo vale la pena y vale la pena dibujar durante esta fase. No hay malas ideas al principio. Nunca se sabe a dónde podría llevarte algo. No te preocupes por dibujar a la perfección en este momento. bosquejo es el momento de sacarte todas las ideas de la cabeza. No te preocupes demasiado por hacer que algo se vea bonito y no te sientas mal si algo resulta horrible. Creo que la clave para un bosquejo exitoso es simplemente no importarle. Piensa en esto como la divertida fase experimental en el proyecto donde no hay reglas y si quieres, nadie verá nunca lo que dibujas. No hay presión. Piensa en todas las posibilidades. Yo solía tener un cuaderno de bocetos de Moleskine de lujo y me llevó una eternidad llenarlo porque simplemente parecía demasiado precioso. No sentí que pudiera desperdiciar páginas y cometer errores en un cuaderno de bocetos tan caro con una portada tan bonita y un papel encantador. El boceto no es un momento para preocuparse por las herramientas adecuadas. Me gusta dibujar en cuadernos de bocetos realmente baratos que cuestan sólo unos $ y a menudo dibujan en papel de computadora normal. Encuentra lo que funciona para ti. Dibuja en papel barato, dibuja con un lápiz barato, haz lo que tengas que hacer para sentirte cómodo porque ahí es cuando te sueltas y dibujas lo mejor de ti. 6. Consejos de dibujo a tener en cuenta: Consejos de dibujo a tener en cuenta. Ahí hay un maravilloso libro sobre el dibujo llamado Dibujado a la vida, 20 años dorados de clases magistrales de Disney Volumen uno, las conferencias de Walt Stanchfield. Stanchfield fue animador en Walt Disney Studios y trabajó en películas como The Jungle Book y The Aristócratas. Dirigió una serie de clases de entrenamiento de animadores en Disney Studios donde enseñó a nuestras celebridades animadoras actuales como Brad Bird y John Lasseter. Años después de las clases, sus notas de conferencia fueron publicadas como libro y son mina de oro de consejos de dibujo e inspiración. Voy a delinear algunos de mis consejos favoritos aquí en este video pero te recomiendo encarecidamente que leas el libro si buscas algunos consejos sobre dibujar con personalidad y originalidad en lugar los habituales consejos de dibujo como un cuerpo humano debe ser de seis cabezas de alto. Vamos a sumergirnos. Mi consejo favorito y más útil de Stanchfield es algo que afirma una y otra vez en el libro; “Dibuja gesto, no anatomía”. Dice esto de muchas maneras diferentes; dibujar toda la pose, no partes del cuerpo, dibujar verbos o acciones, no sustantivos, dibujar ideas o historia, no dibujos ni cosas. Básicamente, cuando estás dibujando una acción, por ejemplo, un hombre levantando un objeto pesado, quieres enfocarte en el concepto general y no enfocarte en dibujar sus dedos o zapatos. Quieres mantener tu dibujo simple en esta etapa y bajar la pose general y la acción antes de sumergirte en todos los detalles finos. Si la base de tu dibujo no es exitosa, todos los increíbles y únicos detalles del mundo no podrán salvarlo. Centrarse en el gesto y la acción ayuda a traer vitalidad y vida a tu dibujo. Piénsalo de esta manera, estás dibujando una camisa abotonada que usa un hombre levantando una tabla, estás dibujando una tabla siendo levantada por un hombre que lleva una camisa abotonada. En las etapas iniciales del dibujo, trate de enfocarse en dibujar la energía de la acción ocurre en lugar de las partes individuales del cuerpo adheridas al cuerpo. A mí me gusta empezar a bosquejar de manera semi realista. No dibujo en un estilo fotorealista. Pero si estoy dibujando una araña, empezaré mirando las referencias fotográficas y dibujándola como la veo. En esta etapa del proyecto, está bien dibujar directamente de la foto. Estos bocetos son solo para que aprendas sobre el tema; cómo se ve y cómo se mueve. No van a ser el producto final. Una vez que has dibujado el tema un par veces y sientes que tienes una buena comprensión del mismo, entonces puedes empezar a alejarte un poco de la realidad. Aquí es donde puedes inyectar tu personalidad interpretando lo que has aprendido sobre el tema dibujándolo y observándolo. Ahora debes empezar a embellecer tus dibujos, no dibujando directamente a partir de tus referencias fotográficas. Entonces, ¿cómo empiezas a alejarte de la realidad? Prueba algunas de estas técnicas; evita la evitud al dibujar, las líneas no necesitan ser rectas y las partes repetidas no necesitan estar perfectamente alineadas. Esta es una de las razones por las que siempre dibujaré con papel y lápiz en lugar de en Photoshop. Es demasiado fácil hacer las cosas perfectamente alineadas y rectas en Photoshop; quiero todas las imperfecciones. Ahí está un término llamado Fisiognomía; el arte de descubrir el temperamento y el carácter desde apariencia exterior, de ahí el carácter interno tal como se revela exteriormente. Esto es lo que estamos tratando de lograr en nuestros bocetos ahora mismo. Entiendes el tema, lo has dibujado con precisión, ahora necesitas empezar a sacar a su personaje y enfatizar su personalidad embelleciendo un poco el dibujo y alejándote de la realidad. Empuja tu boceto más lejos que la realidad. Dibuja esa araña más grande de lo que realmente es, hace que sus ojos sean enormes para agregar algo de humanidad y ternura. Incluso puedes hacerla sonreír si quieres. O tómalo al revés, dale a tu araña diminutos ojos amenazadores, piernas largas y cabellos enmarañados. Algo a tener en cuenta en esta etapa es estar aún al tanto de tus referencias fotográficas. Dependiendo de su concepto inicial o asignación puede ser importante atenerse a algunas características particulares de su tema. Por ejemplo, quizá sea importante que esté dibujando una especie específica de araña y la longitud de las piernas es importante para identificar esa especie. Quieres empujar tu dibujo más allá de la realidad, pero aún así tenerlo basado en hechos y seguir comunicando tu concepto con precisión. Empuja su dibujo lo más lejos que pueda, pero darse cuenta de que puede que tenga que escalarlos de nuevo para mantener una comunicación exitosa. Otra buena manera de alejarse de la realidad es abstraer el tema. Abstrabar algo es reducirlo a sólo los elementos esenciales. Se quiere dejar caer la mayoría del detalle dejando solo las piezas necesarias e indispensables. Si te cuesta pensar visualmente, intenta describir tu concepto en palabras y escríbalo. Por ejemplo, “voy a dibujar una araña corriendo por el piso”. Después agrega algunos adverbios a tu frase; “Voy a dibujar una araña corriendo valientemente por el piso”. Ahora tienes un poco de algo extra para inspirar algo de personalidad en tu dibujo. Dibujar adverbios cuenta cómo está sucediendo la acción y responde por qué está sucediendo. Esto crea una historia. Recuerda, estamos dibujando acciones, no sustantivos, y historia, no cosas. 7. Finaliza tu concepto y dibujo: Finalizando tu concepto y dibujo. Esta es la última etapa de nuestro proyecto antes de entrar en el mundo digital. Ahora es el momento de que tu dibujo esté tan cerca de final como podamos antes de que nos volvamos a digital. Siempre se puede redibujar y volver a escanear o dibujar directamente en la computadora, pero es más eficiente conseguir que la articulación justo antes de pasar a la computadora. Deberías tener un boceto final de tu concepto. Ahora llevemos ese boceto final hasta el dibujo final. Podrás elegir tu medio favorito para tu dibujo final, lápices, bolígrafos, marcadores. Normalmente termino mis dibujos a lápiz, pero a veces elijo pluma. Tengo una caja de luz que solía trazar mi boceto original ligeramente sobre una nueva hoja de papel. Si dibujaste tu boceto en un cuaderno de bocetos, puedes tomar una foto del boceto e imprimirlo para que pueda rastrearse más fácilmente. Se desea simplemente trazar ligeramente su boceto para bajar el formulario en papel. A continuación, retire el boceto debajo y vuelva a dibujar sobre las líneas de luz a mano alzada. Solía trazar todo mi boceto a la vez en lápiz o lápiz oscuro. Pero el acto de rastreo me tensó y mi dibujo final fue consistentemente menos natural y orgánico que mi boceto. A veces es difícil captar la espontaneidad y la vivencia del boceto en un dibujo final. Pero encontré que trazar ligeramente el boceto y luego redibujarlo a mano alzada hace que este proceso sea mucho más exitoso. Si estás entintando, puedes decidir que quieres trazar toda la línea de dibujo para línea. Prueba ambas técnicas y ve qué prefieres. Si no tienes una caja de luz, solo puedes usar tu ventana. Tape su boceto, pegue otra hoja de papel en la parte superior, y luego traza. También antes de continuar, ahora es un buen momento para recordarte de nuevo tu concepto. ¿ Sigues por el buen camino? ¿ Tu dibujo aún comunica el concepto original con precisión y rapidez? A veces es fácil ir en un desvío y no darse cuenta. Simplemente haz un pequeño chequeo rápido antes de seguir adelante. A medida que estás finalizando tu dibujo, debes tener en cuenta algunas técnicas básicas de dibujo. Aquí te dejamos algunas cosas en las que pensar cuando estás dibujando. Simplifica tu boceto donde sea posible, esto es bastante autoexplicativo. No dibujes detalles sin motivo alguno. Evitar las líneas tangentes. Las líneas tangentes son cuando dos líneas se unen para hacer una relación no intencionada. En este ejemplo de abajo, de un pastel sentado en una mesa, se puede ver un desvío de línea en el mostrador detrás de la mesa, corre hacia la línea de la parte posterior de la mesa. Tangentes como ésta son incómodos porque destruyeron profundidad. Este problema podría solucionarse simplemente moviendo un poco la mesa hacia arriba para que las dos líneas no se cumplan. Te rectas contra curvas. Contraste las líneas rectas contra las líneas curvas ayuda a crear profundidad. La regla T se usa cuando una cosa está frente a otra, la mayoría de las veces cuando el cuello de una persona corre hacia su pecho. Descubre cómo en esta ilustración el cuello y el pecho hace una T. El uso de esta fila crea profundidad. Evitar las repeticiones de inicio, repetir las cosas exactamente es aburrido. Asegúrese de variar formas, tamaños e indicaciones para agregar interés a su trabajo. Evitar paralelos, las líneas paralelas carecen de interés. Este dibujo sería mucho más interesante si la mesa estuviera en ángulo Marvin por lo que las líneas en la alfombra y la mesa no fueran paralelas entre sí. Piensa en la composición de tu dibujo. ¿ Está equilibrado? ¿Tu ojo fluye fácilmente? ¿ Tienes un punto focal? Por lo general, es mala idea colocar el punto focal exactamente en el centro de tu área de imagen. También suele ser mala idea tener diagonales que pasen por las esquinas de tu composición. Tiende a parecer antinatural y distraer. En esta ilustración, se puede ver que no hay líneas diagonales que pasen por las esquinas. Puedes probar la fuerza de tu composición mirándola y silueta. Rellenar todas las áreas a negro sólido y ver si la composición abstracta que esto crea se ve agradable. Puedes hacer esto fácilmente eligiendo imagen en la barra de menús y photoshop, luego ajustes, luego niveles, y luego simplemente arrastra la flecha del gráfico todo el camino hacia la derecha. Esto llenará todo de negro. Esta es una buena forma de obligarte a ver las formas y no tu dibujo, casi como si lo estuvieras viendo con un par de ojos frescos. 8. Trabaja digitalmente con la línea y el valor: Trabajando digitalmente con línea y valor. Entonces, ¿cuál es el propósito de una línea? Las líneas pueden agregar atractivo estético, dividir un área, forma definida y enfocar la atención. Línea es el contorno o contorno, mientras que el tono es la forma o el espacio. Debido a esta diferencia, las líneas a veces pueden aplanar obras de arte. Cada artista tiene su propio estilo y cómo se acercan al trabajo de línea. Algunos tienen un trabajo de línea fuerte y audaz, algunos tienen trabajo de línea que viene y va, algunos no usan líneas en absoluto. Cómo optas por trabajar con líneas depende totalmente de ti. Es una elección personal y que probablemente evolucionará con el tiempo. Andrew Loomis dice ilustración creativa. Afirma que en su opinión, “el contorno no se puede definir continuamente en torno a todas las unidades y lograr una sensación de espacio. Si el borde se mantiene duro por todas partes, no puede evitar pegarse al plano de la imagen, perdiendo la sensación de espacio”. Loomis dice esto como si fuera hecho, aunque estoy seguro de que hay muchos artistas que lo debatirían sobre esto. Hay tonos de artistas e ilustradores que utilizan líneas todo el camino alrededor de su obra con mucho éxito. Difícilmente, cualquier papel en el arte siempre es correcto, y toda opinión vale la pena debatir. Pero estoy de acuerdo con Loomis en este punto en relación con mi propio trabajo. En mis ilustraciones, generalmente tengo un trabajo de línea fuerte, pero también utilizo la técnica de desaparecer y reaparecer líneas. Algo que Loomis llama perdido y encontrado. Es decir, no guardo todas las líneas de mi dibujo final en mi ilustración final. Guardo algunos, y borro algunos, y creo que esto agrega un sentido de realismo a mi ilustración, por lo demás poco realista, y me permite aferrarme a algo de la libertad y flojo del boceto original. Loomis argumenta que las líneas sí aparecen en la naturaleza, pero que se pierden y se encuentran un entrelazado o tejido en otras áreas de la naturaleza. Esto es lo que busco lograr en mi trabajo, entrelazando las líneas y tejiéndolas en las áreas de mi pieza. Te mostraré cómo lograr esto en Photoshop en el video de técnicas de coloración digital. Entonces, ¿qué es el valor? valor es el nivel de intensidad y un color. Piensa en una escala en blanco y negro aplicada a una escala de color como esta comparación. El color más intenso está en medio de la escala de valor. El color se aclara a medida que el valor aumenta en la escala, y se oscurece a medida que disminuye su valor. Si no puedes trabajar con éxito con valores, color va a ser aún más una lucha. A menudo es una buena idea hacer estudios de valor en escala de grises antes de comenzar a planear su color. Esto te dará una buena base para elegir colores usando tu escala de valor de color. Los colores se cierran en valor independientemente del matiz, tenderán a fusionarse. Para lograr contrastes hay que considerar el valor además del matiz. amarillos, las naranjas y los verdes claros son generalmente valores altos, pero los morados, rojos, marrones y azules oscuros son generalmente valores bajos. Veamos un ejemplo de uso de valor bueno y malo. Esta es una ilustración que hice un poco atrás. Estaba tratando de hacer el ajuste alrededor del atardecer cuando el sol se está poniendo, y me encantó mi paleta de colores, pero realmente estaba luchando con los valores. Se puede ver mi estudio de valores en la parte inferior izquierda, y cómo los valores no tienen demasiado contraste y son ciegos juntos, lo que luego termina sucediendo en la ilustración final de la derecha también. Los colores que utilicé son brillantes, pero los valores los estaban haciendo fangosos. Ahora mira el valor estable en la parte inferior izquierda, y tiene un contraste mucho más fuerte. El contraste también cambió un poco, pero elegir valores más fuertes y contrastantes realmente hacen que cada valor destaque por su cuenta, haciendo que la pieza general sea mucho más fuerte. Aquí están los dos estudios de valores uno al lado del otro. Para que se puedan ver las diferencias. Se puede ver en el uso de valor más exitoso a la derecha, que los oscuros han sido empujados más oscuros, y las luces han sido empujadas más livianas. Esto proporciona más contraste y hace que los valores sean más fuertes y por lo tanto un color más fuerte. Hablaremos más sobre el uso del valor en el siguiente video. 9. El confuso mundo del color: El confuso mundo del color. El color es un tema complicado. Es altamente subjetiva, y las posibilidades sobre todo cuando se trabaja digitalmente son ilimitadas, lo que a veces es más desalentador que libre. En primer lugar, vamos a entender que los colores son altamente relativos. Con esto quiero decir, un color se ve como se ve sólo por su relación con los otros colores que lo rodean. También se puede describir como influencia la relatividad del color. Un color puede influir en su vecino para que ese color aparezca diferente. Por ejemplo, mira estos cuadrados anaranjados. El color del cuadrado pequeño en el primer par aparece más oscuro que el color del cuadrado pequeño y el segundo par. Pero en realidad son del mismo color, el color de fondo en cada par estaba influyendo en el color del cuadrado pequeño para que pareciera más claro u oscuro en la creación de una especie de ilusión óptica. Al hablar de estudiar el color y la interacción del color, Josef Albers dice: “Nuestra preocupación es la interacción del color; eso es ver lo que sucede entre el color”. Por lo que no podemos simplemente estudiar los colores por su cuenta porque los colores nunca se ven solos. Tenemos que estudiar la interacción de los colores y cómo se influyen entre sí. Empecemos con lo básico. Hay tres colores primarios: rojo, amarillo y azul. Al mezclar las primarias y los pares, ahora tenemos los colores secundarios: verde, violeta, y naranja. Después mezclando cada uno con su vecino, obtenemos seis colores más llamados los colores terciarios. Rojo naranja, amarillo naranja, amarillo verde, azul verde, azul violeta, y rojo violeta. Esto nos da los 12 colores de máxima intensidad o brillantez, que es una palabra tan maravillosa. Si agregamos blanco y negro, ahora tenemos nuestra escala de valor de color completo, y color. La intensidad máxima de la rueda de color original está en el centro de la rueda. Un tinte es cuando el color se mezcla con el blanco, aumentando su retraso o valor. Los tintes se pueden ver hacia el interior de nuestra rueda de color, ya que los colores se acercan al blanco. Un tono es cuando un color se mezcla con el negro, reduciendo su ligereza o valor. Las formas se pueden ver hacia el exterior de nuestra rueda de color a medida que los colores se acercan al negro. Aquí está la rueda a todo color nuevamente con la máxima intensidad, tintes y tonos. A medida que nuestro punto de vista, un tinte se incrementa valor y un tono se reduce valor. El tono es cuando una mezcla de colores de Gris, que puede aumentar o disminuir su ligereza dependiendo del color. Es como aplicar una escala de grises a tu escala de color original. Aquí te mostramos un ejemplo de una escala de tono de color a la derecha. La gente suele decidir que quieren que su ilustración sea realmente brillante y colorida. Entonces para lograr eso, usan muchos colores diferentes en las intensidades más brillantes que puedan. Bueno, si tantos colores brillantes se mezclan, realmente se vuelve fangoso con los colores neutralizándose unos a otros. Para dar brillo en tu ilustración, tienes que considerar el valor, la armonía, y el contraste. Repasemos cada uno de estos conceptos individualmente. Es difícil hacer que una imagen sea colorida y lograr brillo utilizando todo el color puro, lo que significa toda la intensidad máxima, color primario y secundario. Necesitamos grandeza y suavidad como contraste con las áreas brillantes. A menudo la belleza del color radica en la variación cálida y fresca, en el grado y el color silenciado, junto con lo puro y brillante. Entonces no tengas miedo de tonificar o calificar tus colores. El brillo como con el color también es relativo. Un color tiene más brillo al lado de un color Gris que al lado de un color brillante. En esta ilustración parece aquí de una bacteria, ambos colores han sido grandes un poco y no se utilizan en su máxima intensidad. Tonificar el color rojo aumentar el valor, y tonificar el color azul, disminuir el valor. Al mirar la versión en blanco y negro de la imagen, se puede ver que los valores están contrastando bien por su tono. También hay un buen contraste de colores cálidos a fríos. En ilustración creativa, permítanme decir que cree, “Fotos tanto sobre unos pocos valores básicos, una luz, uno o dos valores medios, y un oscuro rara vez se va a morir”. Entonces, al trabajar con valores, no tienes que volverte loco o sentirte abrumado, solo tienes que empezar con unos valores básicos y trabajar a partir de ahí. Hará maravillas por tu color. Los colores primarios a su mayor intensidad siempre se pelearán entre sí. Esto se debe a que no tienen ningún ingrediente y comentan y por lo tanto no tienen ninguna armonía. Por ejemplo, el rojo no tiene verde en él, y el verde no tiene ningún rojo en él. Cuando se colocan uno al lado del otro compiten y vibran. Creamos armonía agregando algo de un color al otro color. Aquí, doblé el rojo un poco de verde, y ya se ve mucho mejor. Los pintores a menudo crearán armonía en nuestra paleta de colores pintándolos a un subtono. En Photoshop, podemos usar una técnica similar si estamos teniendo problemas con nuestros colores, no armonizando. Echemos un vistazo. Aquí una ilustración de un grupo de hormigas tratando de evitar una inundación. Digamos que estoy infeliz con los colores. El blues realmente no se están armonizando bien juntos, y tal vez el rojo sea un poco demasiado contrastante. Una forma de agregar armonía rápidamente a tu paleta de colores es hacer que una capa de uno de tus colores se superponga encima de toda la ilustración. Para ello, acercaré aquí, y un azul de alta intensidad de este patrón en zigzag. Podrás jugar con diferentes colores a tu ritmo para ver cuál funciona mejor. Escogeré mi herramienta cuentagotas, que se puede ver aquí, y también al golpear la pulsación de tecla “I”, y me llevaré este color aquí mismo. Entonces haré una nueva capa ya sea haciendo clic aquí o presionando la pulsación de tecla Command Shift in, y luego nombrarlo superposición azul. Después con el cubo rosa, que es pulsación de tecla G, también en nuestra nueva capa con el color azul que acabo de recoger. Con esta capa seleccionada bajo modos de fusión, que se pueden ver aquí, elijo Overlay. Superponer un poco de un color sobre tu ilustración influye todos los demás colores y crea relación y armonía al dar todos los colores de ingrediente común. Una vez que hayas aplicado la superposición, todo lo que tienes que hacer es experimentar con el nivel de capacidad, eligiendo cuánto azul quieres superponer. Es un poco mucho al 100 por ciento. Aquí es donde puedes jugar con el nivel de opacidad. Creo que alrededor del 45 por ciento se ve bien aquí. Ve cómo todavía tienes variedad y contrastes, pero todos los colores parecen armonizar patrón, incluso aquí zoom sobre esta hormiga, puede ver que el azul superpuesto y sombra, lo que da más relación con el otro blues. Crear una superposición en tu ilustración es una buena manera y una buena herramienta para encontrar armonía. Pero no aconsejo usarlo como fix off o ir a trabajar con color. Puede ser difícil seguir trabajando en tu ilustración o cambiar colores una vez que hayas aplicado una superposición, porque ahora tus capas individuales no representan el color que se muestra. Esta es más una forma de averiguar el color al principio del proceso o al principio de tus días ilustrativos, cuando aún estás descubriendo cómo hacer armonía. Pasando a lograr la grandeza a través del contraste. Los colores de cortesía proporcionarán la mayoría de los contrastes de color. El complemento primario de un color es el color más alejado de él en la rueda de color que contiene muchos del otro color. Por ejemplo, el complemento del rojo es verde, y el verde está compuesto de amarillo y azul, por lo que no contiene grado. Entonces se sigue que el complemento de amarillo es violeta, y el complemento de blues es naranja. Los complementos secundarios son colores más alejados del espectro, pero que contienen un mismo ingrediente. Los cumplidos secundarios tienen menos contraste de color que los cumplidos primarios, pero lo menos extremo es a veces una mejor opción. El complemento de verdes amarillos es rojo violeta, y ambos contienen el color azul. El complemento de verdes azules es rojo naranja, y el complemento de violeta azul es amarillo anaranjado. Puedes usar los colores complementarios de tu paleta para ayudar a aumentar contraste y, por lo tanto, aumentar el brillo en tus ilustraciones. Como mencioné antes, elección del color es muy subjetiva, y una cuestión de estilo personal. Muchas veces, las ilustraciones más coloridas y brillantes son aquellas con menos color que aquellas con una enorme gama de colores. En mi trabajo, tiendo a trabajar con paletas bastante limitadas usando solo dos o tres tonos y a veces solo una. Encuentro esto le da a mi trabajo una galleta tan sensación, y los colores son más brillantes, haciendo más de una impresión de lo que podrían si tuvieran compañía. Estos son algunos consejos para mejorar las paletas de color bland. Intenta encanar todo, pero uno de tus colores, lo que permitirá que ese color aparezca más intenso. Crea estudios de valor e intenta usar el menor número posible de valores. Después de hacer tus estudios de valores, experimenta con opciones de color haciendo unos pequeños estudios de color rápidos en Photoshop, como el ejemplo que se ve aquí. Simplemente pinta franjas de tu color sobre tu dibujo a lápiz en Photoshop para ver qué tan rápido interactúan los colores. No te preocupes por ser ordenado, solo estás mirando cómo los colores influyen y contrastan entre sí. Intenta reducir tu paladar a solo dos o tres tonos. Todavía puedes usar varios tintes, tonos, y tonos de esos tonos. Trata de no usar las primarias a toda su intensidad ya que tienden a abrumar a todos los demás colores. Prueba a agregar gris, negro o blanco como uno de tus colores elegidos. último, pero no menos importante, ten cuidado usando el negro en tu paleta de colores. Se puede usar bien, pero también puedo aburrir los colores a su alrededor. Si crees que eres negro está oprimiendo tus colores, intenta usar un azul o marrón muy oscuro en lugar de negro. 10. Técnicas de coloreado digital: Técnicas de coloración digital. Colorear tu ilustración en Photoshop es bastante simple una vez que has descubierto tu paleta de colores. Todo el mundo tiene su propia forma de colorear, ya sea en Photoshop, Illustrator, o pintando tradicionalmente, las opciones son ilimitadas. Pero para esta clase, te voy a llevar por mi proceso de colorear una ilustración en Photoshop. Esta de ninguna manera es la mejor o única manera de trabajar. Es justo lo que funciona para mí. Siéntete libre de experimentar y encontrar tu propio camino. Aquí está mi dibujo de tinta de este pequeño mapache tambaleante. Te estoy mostrando algo sencillo para poder llevarte a través de todos los pasos en tiempo real, y solo adelantar un poco a través de la coloración. Tengo mis muestreos aquí arriba que ya decidí. Se puede organizar y eliminar, como aquí haciendo clic en el “Administrador de preajustes”. Voy a hacer una nueva capa para cada color en mi paladar, y luego los voy a etiquetar apropiadamente. Es realmente importante etiquetar siempre tus capas. Hace que todo sea realmente fácil y a medida que sigues adelante con ilustraciones más complicadas , puedes obtener muchas capas, y necesitas saber en cuáles hacer clic. También tengo mi línea aquí configurada para multiplicarse. Esto significa que cuando tengo color en una capa debajo de la línea, es transparente. Si no tengo este conjunto para multiplicarse, entonces un fondo blanco está encima y no puedo ver el color que acabo de pintar. Ahora solo seleccionaré la capa correcta y el color correcto, y luego acercaré y comenzaré a capas por el color. Puedes elegir tu pincel golpeando la pulsación de tecla “B”, o viéndolos aquí arriba. Normalmente me pego ya sea al cepillo duro o suave por defecto, porque en este momento solo estoy tratando de poner color. No me estoy centrando en pinceladas ni texturas ni nada por el estilo. Yo sólo quiero plana de color. Ahora sólo voy a pasar y color. Ahora avanza rápido sólo un poco. Ahora tengo todo mi color aplicado. Una de las razones por las que tengo una capa diferente para cada color, es si decido más adelante que quiero cambiar un color, lo hace muy fácil. Yo sólo puedo elegir, digamos, este azul medio, y así quiero que sea un poco más oscuro. Ya lo he pintado todo y no quiero tener que pintarlo de nuevo. Simplemente puedo entrar en este estilo de capa haciendo doble clic en la capa, luego presionar “Color Overlay”. Entonces se puede ver que en todas partes estaba oscuro simplemente cambiar de color. Puedes golpear esta cajita, y ahora elige el color que quieres aplicar a esa zona. Ver. Eso es todo con colorear. Hay millones de diferentes pinceles de Photoshop por ahí que puedes descargar y jugar con ellos. Algunas son realmente interesantes, y he probado muchas diferentes, pero generalmente prefiero usar los pinceles llanos, duros redondos, y suaves EN Photoshop al máximo, y obtener mi textura de escaneado en pintura texturas. Pero, muchos otros artistas usan una amplia gama de pinceles digitales, y sí los uso ocasionalmente. Si te interesa probar diferentes pinceles, recomendaría revisar los paquetes de pinceles de Kyle T Webster. Ofrece muchos pinceles increíbles que pasó mucho tiempo y energía reflejando. Su feliz HB, un pincel de lápiz, y un par de sus pinceles de acuarela son mis favoritos, y no son tan caros en absoluto. Como mencioné en el video de línea y valor, utilizo una técnica de desaparecer y reaparecer líneas, algo que Andrew Lewis llama Lost and Found. Es decir, no guardo todas las líneas de mi dibujo final y mi ilustración final. Borro algunos y guardo algunos, entrelazándolos junto con áreas de color. Volvamos a nuestro pequeño mapache. Una vez que tenga el color general establecido, empezaré a jugar con las líneas. ¿ Qué líneas se pueden borrar? ¿ Qué líneas son necesarias para la distinción de área? Simplemente elegiré mis linework. Asegúrate de guardar copias de retroceso inmediato, aún tienes tus líneas. Entonces entraré, y probablemente normalmente borro las líneas que están en el exterior de la ilustración. Aquí tengo los extremos del color, así que realmente no los necesito para definir el espacio. Podrás jugar con cómo quieres que tus líneas se conecten con tu color. A veces los voy a aplanar en los extremos. Por lo general no estoy realmente seguro hasta el final. Probablemente no necesites realmente las líneas alrededor de esta nariz, es de un color diferente, y realmente no los necesito aquí. Sólo estoy viendo cuáles necesito y cuáles no. No quiero tener líneas innecesarias. Creo que estos serán importantes para que los ojos realmente destaquen. Esta línea aquí va a ser importante porque está separando su cabeza de su cuerpo, así que creo que me quedaré con esa. Nuevamente, esta línea está en el exterior, y esta línea tiene una distinción de color bastante profunda. No creo que necesite ninguno de estos. A veces es posible que necesites limpiar un poco las líneas. Creo que eso se ve bastante bien. Ahora se puede ver que aquí hay algunas discrepancias donde yo estaba pintando debajo de la línea y no pudieron ver. Puedes volver atrás y solo limpiar un poco todo. Si quieres colorear tus líneas, puedes aplicar una máscara de recorte a tu capa de mentira. Puedes hacer esto simplemente haciendo una nueva capa, y manteniendo el botón “Opción”, y colocando el puntero entre las dos capas, verás que aparece este pequeño ícono. Da click justo ahí, y ahora tenemos máscara de recorte donde esta capa solo se aplica a esta capa. Nada de lo que hagas aquí se aplicará a ninguna de las otras capas. Ahora podemos elegir un color. Creo que elegiré algo un poco más oscuro que este azul, y pondré esta capa a pantalla. Entonces podemos pintar justo encima de nuestras líneas, y se puede ver que el color se aplica a la línea. Puedes decidir si quieres algo un poco más oscuro tal vez. Se pueden hacer diferentes colores de línea en diferentes áreas, solo que todo necesita ser más oscuro. Simplemente juega alrededor. Creo que eso es todo para las líneas. 11. Crea y aplica tus propias texturas: Creando y aplicando tus propias texturas. ¿ Por qué usar texturas hechas a mano? Creo que a veces el trabajo totalmente digital puede parecer inhumano, tenso o aburrido para inyectar algo de humanidad y permitir que nuestra mano pase. Hicimos dibujar a mano todo después de todo. Me gusta crear y utilizar mis propias texturas pintadas en mi trabajo. Te voy a mostrar cómo hacer tus propias texturas de pintura. Incluso cuando haces esto, debes hacer muchas texturas diferentes. Siempre puedes volver atrás y hacer más si necesitas algo específico. Pero es agradable tener una pequeña biblioteca de tus propias texturas que has creado para trabajar de inmediato con proyectos futuros. También he encontrado que usar la misma biblioteca de texturas en diferentes piezas puede ayudar a que todo tu cuerpo de trabajo sea más cohesivo. Te llevaré a través de los primeros pasos de hacer realmente en escanear la textura aquí en las diapositivas. Después pasaré por un screencast de cómo trabajar con los archivos en Photoshop. El primer paso es pintar tu textura usando tu medio preferido. me gusta pintar la mía en papel de tamaño 8.5 por 11 para que tenga un medio de archivo grande, pero el tamaño depende de ti. Es bueno probar diferentes tipos de papel porque el papel también saldrá a través de la textura. Normalmente prefiero usar papel de acuarela, por la textura rugosa que se obtiene debajo de la pintura. Incluso puedes probar materiales sin papel como pintar sobre madera. Pintar flojamente en trazos anchos, cubriendo grandes áreas del papel. Amplias aplicaciones de color son perfectas para aplicar a ilustraciones. Puedes experimentar con diferentes pinturas, trazos, colores, tamaños de pincel, probar todo. Normalmente uso pintura de lavado porque prefiero la flexibilidad. También me gusta pintar cada textura en un solo color, es decir, no múltiples colores en una sola hoja, porque quiero poder manipular el color fácilmente cuando lo estoy usando en Photoshop. Una vez que tengas tus texturas pintadas y secas, escanéalas en tu computadora como JPEG a 600 dpi. Esto te dará un archivo grande que siempre puedes escalar hacia abajo si lo necesitas para diferentes ilustraciones. Aquí está nuestro ícono otra vez. Todo lo que tienes que hacer es ir a “Archivo” y “Colocar”, luego elegir tu textura, y escalar y girar como quieras. Voy a poner este en ángulo. Siempre puedes editarlo más adelante. Entonces vamos a rasterizar la textura, y nombrarla. Después tráelo justo por encima de la capa de color a la que desea aplicarla y duplique esta capa de color. Trae el duplicado por encima de la textura y cúbralo “Hue”. Ahora puedes apagar esa capa por ahora. Vamos a volver a nuestra textura y aplicar máscara de recorte a nuestra capa de color. Ahora puedes ver que la textura se ha aplicado a esa capa, pero nuestro color se ha ido. Ahí es donde entra esta capa. Vuelves a encenderlo y configura esa capa en un modo de fusión de “Hue” o “Color”. Estos ambos generalmente hacen lo mismo, pero dependiendo del color al que lo estés aplicando, uno puede funcionar mejor que el otro. Así es como se ve “Hue” y aquí está el color. Para este prefiero el color. Es un poco más de grado. Después volveremos a nuestra textura y podremos empezar a jugar con modos de fusión. Podrías dejarlo así como así, se ve bastante bonito, o también puedes intentar multiplicar cualquiera de estos realmente, “Overlay”, “Soft Light”, “Hard Light”, y “Pin Light”. Esos son algunos de mis favoritos. Voy a usar “Pin Light” para este. También puedes jugar con la opacidad si no quieres que sea tan fuerte y más sutil. Pero me gusta el mismo tipo de fuerte, tal vez 95, y eso es todo. Se pueden aplicar diferentes texturas a diferentes colores, es agradable tener diferentes en diferentes direcciones, y agregar algo de variedad e interés a la pieza. 12. Implementar la tipografía dibujada a mano: Implementando tipografía dibujada a mano. A menudo dibujo a mano cualquier texto en mis ilustraciones. Al igual que con las texturas, creo que agrega humanidad y encanto. Ayudan a inyectar mi personalidad en la pieza, además de alejarse de una ilustración de aspecto puramente digital. Aquí te dejamos un pequeño secreto sobre la tipografía dibujada a mano. Puedes dejar que las tipografías existentes te ayuden, especialmente si estás dibujando texto simple y no usando tipos de letra que sean de tipo de visualización. En primer lugar, escribiré el texto que quiero y lo dejo como texto de tipo mientras trabajo en el resto de la ilustración. Dibujo el tipo último porque termina moviéndose y cambiando mucho a lo largo del proceso y es más eficiente dibujarlo una vez. Una vez que tengas la ilustración final, quita todo menos el tipo y reorganízalos para que encajen de cerca. Después imprimirlas, ponlas en una caja de luz y traza. Si no tienes una caja de luz, puedes usar una ventana. Aquí está mi minúscula caja de luz a la izquierda cuando estaba entrando algunos de mis dibujos a lápiz impresos y luego a la derecha está mi configuración de trazos de ventana que había usado antes de obtener mi caja de luz. Se quiere dibujar el tipo bastante pequeño para que el tipo no termine buscando tan cerca de la tipografía real. El punto aquí no es copiar el diseño de la tipografía, es obtener el espaciado y la alineación correctos en tus palabras y letras. El espaciado y la alineación perfectos no son tan importantes en tu dibujo, pero en la tipografía lo es. Quieres que todos tus textos sean altamente legibles y claros, por lo que el espaciado es clave. Después de haber dibujado las palabras como te gusta, que probablemente tomarán alguna oportunidad diferente, escanéalas en tu computadora como escala de grises, 600 dpi JPG. Hagamos el último screencast de nuestra clase. Aquí está nuestra cuenta. Todo lo que tenemos que hacer es ir a Archivo, Colocar, elegir nuestro tipo de imagen que escaneamos y escalarla a lo que quieras. Después rasterizamos nuestra capa y la nombramos. A mí me gustaría llevarte a la cima y ponerte a multiplicarte por si quieres hacer algo detrás de él, ese fondo blanco ya no estará ahí. También puedes agregar color al tipo al igual que hicimos con nuestras líneas aquí, y crear una nueva capa, hacer una máscara de recorte, y configurarla en pantalla. Después elige un color y pincha sobre el área que quieras colorear. Eso podría ser un poco de luz. Eso es todo. Espero que hayas aprendido algunas cosas nuevas de esta clase y gracias de nuevo por tomarla. Esperemos que hayas estado publicando proceso en el camino y no puedo esperar a ver qué se te ocurre a todos.