Gran diseño gráfico: crea arte tipográfico emotivo y conmovedor | Sophia Yeshi | Skillshare
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Gran diseño gráfico: crea arte tipográfico emotivo y conmovedor

teacher avatar Sophia Yeshi, Graphic Designer and Illustrator

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Lecciones en esta clase

    • 1.

      Introducción

      1:41

    • 2.

      Emoción y arte

      1:48

    • 3.

      Principios básicos del diseño gráfico

      7:09

    • 4.

      Elegir referencias

      5:55

    • 5.

      Preparar de tu mesa de trabajo

      2:34

    • 6.

      Elegir tus fuentes

      6:26

    • 7.

      Crear tu primer diseño

      7:03

    • 8.

      Crear tu segundo diseño

      6:38

    • 9.

      Añadir los elementos de ilustración

      9:26

    • 10.

      Elegir tus colores

      10:50

    • 11.

      Añadir texturas y retoques finales

      13:16

    • 12.

      Reflexiones finales

      0:19

  • --
  • Nivel principiante
  • Nivel intermedio
  • Nivel avanzado
  • Todos los niveles

Generado por la comunidad

El nivel se determina según la opinión de la mayoría de los estudiantes que han dejado reseñas en esta clase. La recomendación del profesor o de la profesora se muestra hasta que se recopilen al menos 5 reseñas de estudiantes.

15.875

Estudiantes

194

Proyectos

Acerca de esta clase

¡Pon en marcha tu cerebro de diseño y explora una nueva forma de expresarte con la divertida y accesible clase de la diseñadora Sophia Yeshi!

Únete a Sophia en una clase constructiva y encantadora que desglosa los fundamentos del diseño gráfico y te dota de un nuevo conjunto de herramientas para tu expresión creativa. El arte de Sophia es audaz, sin complejos, colorido y magnífico, y la mayoría de las veces su inspiración proviene de sus propios sentimientos y de su interés por el mundo que la rodea. 

Junto a Sophia, aprenderás todo lo que necesitas saber sobre el diseño gráfico y varias cosas que quizás no sabías sobre ti: qué colores te atraen, qué tipo de citas encuentras estimulantes o inspiradoras, o tu obsesión latente por todas y cada una de las fuentes.

Las lecciones incluyen:

  • Un curso intensivo sobre los principios básicos del diseño, como el equilibrio, el ritmo, etc.
  • Una mirada entre bastidores al proceso de inspiración y referencia de Sophia
  • Exploración sobre cómo desarrollar paletas que expresen emociones
  • Varios consejos y trucos para lograr efectos divertidos e interesantes en Adobe Illustrator

Al final de la clase, tendrás al menos un diseño tipográfico completo y un nuevo medio de expresión creativa, al que volverás una y otra vez.

La clase de Sophia está adaptada a diseñadores principiantes con conocimientos básicos de Adobe Illustrator, pero los estudiantes de cualquier nivel son bienvenidos a participar y disfrutar.

Conoce a tu profesor(a)

Teacher Profile Image

Sophia Yeshi

Graphic Designer and Illustrator

Profesor(a)

Sophia Yeshi is a queer Black & South Asian illustrator and graphic designer in Brooklyn, NY. She’s a digital native that discovered Photoshop at 12 years old while growing up in Baltimore, Maryland. She created Yeshi Designs to shine a light on Black women, women of color and folks in the LGBTQ+ community of all shapes and sizes that are bold, dynamic, and demand attention.

After graduating from the University of Baltimore, she spent several years cultivating social media strategy, growing brand awareness, and designing collateral for corporate brands. Now she works with beauty, fashion, lifestyle, tech, and media brands like Instagram and Refinery29 to create culturally-relevant work centered around topics she’s passionate about like climate change, mental health, b... Ver perfil completo

Level: Beginner

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Transcripciones

1. Introducción: El motivo por el que realmente me encantó el diseño gráfico y ilustración es porque me permite tener voz, ya sea mis sentimientos personales o mensajes empoderadores e inspiradores, traté de compartir cosas con las que creo que se va a relacionar mi comunidad. Simplemente creo que es realmente importante, sobre todo de joven poder mirar mi trabajo y decir: “Bueno, me veo en eso”. Hola, soy Sophia Yeshi, y soy Diseñadora Gráfica e Ilustradora. Creo trabajo que es audaz, expresivo, colorido, y exige atención. He trabajado con clientes como Instagram, Refinery29, Adobe, y Converse. Descubrí mi pasión por el diseño gráfico cuando tenía 12 años. Pasé mucho tiempo en Internet, y en realidad estaba en este sitio Neopets y descubrí ensayos de 30 días de Photoshop. hoy, vamos a estar hablando de expresar tus sentimientos con diseño gráfico y un poco de ilustración, vamos a estar escogiendo una cita que te hable ya sean tus sentimientos o algo que sea motivacional, y vamos a estar eligiendo la paleta de colores, agregando textura, y realmente sólo darle vida a través del diseño gráfico y la tipografía. Toma una clase hoy, realmente todo lo que necesitarás es tu computadora, acceso a Illustrator, que es lo que estoy usando hoy en día, y una cuenta de Pinterest si quieres seguir mi proceso de elección de referencias. Muchas gracias por tomar mi clase. Estoy tan emocionado de empezar. Sólo vamos a sumergirnos. 2. Emoción y arte: Creo que es realmente importante hablar de tus sentimientos porque es algo con lo que mucha gente no se siente cómoda. Crear trabajo centrado en tus sentimientos realmente puede llevar a que te abras emocionalmente y seas más vulnerable. Literalmente tengo una pieza que dice que la vulnerabilidad no es debilidad, y derivó de una conversación en la vida real que tuve con un amigo sobre cómo no se sienten cómodos siendo vulnerables. Creo que realmente puede ser una gran manera de procesarse y tipo de abrirse y pensar : “Vaya, ¿cómo me siento realmente al respecto?” Al verlo diseñado o escrito. personal, soy un Cáncer, así que siempre he sido una persona muy emocional, pero nunca me atraía hacia los métodos de los que la gente hablaría, como en realidad no me gustó hacer diario ni escribirlos. Por supuesto, la terapia es genial y animo a todos a ir a terapia, pero algo que me ha ayudado cuando sí tal vez tengo un sentimiento o un pensamiento, sí tiendo a escribirlo típicamente. Pero siempre lo visualizo. Soy una persona muy visual. Lo veo en mi cabeza primero y muchas de las veces me di cuenta de que no estoy solo en esos sentimientos. El motivo por el que lo comparto, es porque creo que muchas de las cosas que siento son cosas con las que la gente se puede relacionar. Por mí compartiendo, puede hacer que alguien más se sienta más cómodo y admitiendo cómo se siente también. Saber que no estás solo en tus sentimientos es realmente importante. Siempre me hace sentir mejor ver a alguien más pasando por algo similar o teniendo una experiencia similar y sabiendo como : “Está bien, no soy solo yo”. No estás loco. Mucha gente experimenta las mismas cosas. Existe una especie de consuelo en poder hablar de ello y poder relacionarse con las experiencias de otras personas. A continuación, vamos a hablar de principios básicos del diseño gráfico. 3. Principios básicos del diseño gráfico: En esta lección, vamos a estar hablando de principios básicos del diseño gráfico. Vamos a empezar con el contraste. El contraste es realmente importante, y es algo que uso en mucho de mi trabajo. De hecho, en casi todo mi trabajo, verán que por lo general hay una gran cantidad de contraste. De qué contraste es, es sólo una diferencia entre elementos. Es poder ver una yuxtaposición, ya sea entre los colores. Se puede crear contraste con la topografía, con formas; ya sea un cuadrado y un círculo, esos dos elementos se yuxtaponan entre sí. Es una forma realmente útil de crear interés visual. Como puedes ver, hay contraste, esta es la página de inicio de mi sitio web, hay mucho contraste entre las formas. Hay algunos que tienen algunos bordes más afilados, algunos que son más redondos, así como entre los colores, el grosor de la línea, solo hay toneladas de contraste. El contraste es una forma en la que puede llamar la atención. Por ejemplo, en esta pieza de aquí, hay un contraste entre el fondo, que es este azul marino, que es mucho más oscuro, y este color naranja brillante. Es crear intereses porque tus ojos se dibujan automáticamente hacia el centro de la pieza, que es donde quiero que te enfoques. El siguiente es ritmo y patrones. Este es otro concepto que uso en mucho de mi trabajo también. Ritmo y patrones se trata de crear repeticiones en tu trabajo. Se puede tener ritmo regular, se puede tener ritmo irregular. En realidad solo depende de tu preferencia y cuál sea tu objetivo. Cuando miraba mi trabajo, me di cuenta de que tendía a tener mucho ritmo y patrones regulares en mi trabajo donde todos los elementos se repiten de una manera que no se ve demasiado apagado. Parece que se supone que es cohesivo. En esta pieza, era muchas formas orgánicas en el fondo y es decir, después de combinarlas todas juntas, y colocarlas en el fondo, sí crea un ritmo en tu trabajo. Déjame ver si tengo más ejemplos de ritmo. Aquí tienes una buena. Para esta pieza, para conversar, se puede ver que las formas del fondo también tienen un patrón. Incluso en la forma en que se está animando con los colores, estoy usando los mismos colores, y sólo los estoy moviendo. Eso muestra un ritmo regular también. Cuando se trata de patrones, es importante que tengas que tener un elemento repetitivo, lo contrario, no es un patrón. Como puedes ver en esta pieza, estoy repitiendo formas, y están por todas partes, y sí repito círculos, verás esta flor. Esto está creando un patrón. En muchas de mis piezas, me gusta agregar interés al fondo. Uno de esos es solo crear patrones realmente simples. Creo que eso es algo que hoy podemos explorar en nuestra pieza tipográfica. El color es algo que es tan increíblemente importante. Probablemente sea mi cosa favorita de diseñar cualquier cosa. Normalmente lo guardo para el final, porque el color realmente establece el tono para tu trabajo y para el estado de ánimo. Se puede ver que uso muchos de los mismos colores en mi trabajo. Me tomó un tiempo establecer realmente una paleta que sentí me habla. En mi trabajo, verás mucho de este magenta, azul marino, y amarillos. Tengo tonos combinados que son más oscuros y más duros con tonos que son más claros. Creo que eso es realmente importante encontrar colores que te hablen. Si miras a algún pintor, ilustrador, diseñador gráfico, la mayoría de las veces vas a notar una similitud. Tienden a usar muchos de los mismos colores. Si fueras a meter su trabajo en Illustrator y mirar los códigos, vas a ver una paleta consistente. Eso sólo hace que tu trabajo se vea más cohesivo. Por supuesto, siempre se puede romper fuera de eso. Pero creo que solo tener una idea general de, ¿te gustan los tonos más claros, te encantan los colores más oscuros? ¿ De qué colores te hablan realmente y te sientes como tú? Eso realmente va a ayudar a que tu trabajo se sienta más cohesionado en su conjunto. Cuando estaba definiendo mi paladar y los colores que me gustaban, pasé mucho tiempo mirando otros diseños e ilustradores, y vi qué colores usan. Terminé solo teniendo un tablero de inspiración visual. Hubo un tiempo en el que estaba creando mi branding. Esta fue la paleta de colores inicial que creé, y esto fue en enero de este año. Este fue realmente un gran punto de partida para mí. Utilizo esta paleta y ha evolucionado a lo largo de este año. Esta misma paleta que creé ahora es la base central de mi trabajo, y todavía me habla realmente. Yo sólo miraba los colores que me gustaban. Sabía que me gustaba la lavanda y el blues. Miré colores que se emparejaron bien juntos que podría usar para una variedad de propósitos diferentes. No quería sólo tener demasiados colores que fueran del mismo tono o del mismo tono. Intento tener tonos más oscuros y claros. Incluso ahora, todavía tendré que ajustarme dependiendo de cuál sea la pieza. Pero hasta se puede ver, mucho de mi trabajo tiene esos mismos colores en él. Aquí mismo, esto es literalmente todos esos colores, excepto ese verde lima, porque era un poco demasiado brillante para esta pieza. Pero estos colores son más o menos los que uso en la mayor parte de mi trabajo. Hay momentos en los que sí lo cambio, pero aún así complementa esta paleta, y también se siente como yo. Por ejemplo, esta pieza es mucho más pastel, pero aún tiene muchos de esos tonos, las lilas, los greens, todos esos todavía se sienten realmente cohesionados con mi trabajo. El equilibrio como principal en el diseño gráfico tiene que ver con el peso visual de una pieza; todos los elementos y cómo interactúan juntos. Muchas de las veces, nos gusta ver las cosas equilibradas en simétricas. Si miras mi trabajo, creo que tiendo a favorecer piezas simétricas o equilibradas. Significa que si pongo una línea de este lado de la composición, muy probablemente, voy a poner una línea del otro lado para equilibrarla. O puedo colocar una figura en el centro. En ocasiones quieres colocar tu figura fuera del centro, a propósito para crear un poco de desequilibrio fuera, que es cuando hablas como la regla de los tercios, en la fotografía, ese es también ese concepto, que puede ser más interesante tener una figura o un objeto un poco fuera del centro para sumar a tus intereses visuales. Otro de mis conceptos favoritos que creo que se pasa por alto es un espacio en blanco. espacios en blanco no son literalmente espacios en blanco. Si miras mi trabajo, quizá estés pensando: “No veo ningún blanco”. Eso se debe a que se trata más de permitir que los elementos de tu composición o en tu diseño respiren, así que da a los objetos espacio de texto. Si no tuviera ningún espacio en blanco, este texto estaría justo arriba contra el borde del marco o la composición, y no tendría espacio para respirar. Cuando comienzas por primera vez, un error que cometen muchos diseñadores es simplemente empujar todo realmente de cerca, por lo que es posible que tengas una imagen y textos justo al lado. Esa puede ser una elección decidida. Pero la mayoría de las veces, se va a quedar un poco mejor si solo le das algo de relleno, y le das algo de espacio. Genial. Ahora que tenemos esos conceptos abajo, entrémonos en el diseño. 4. Elegir referencias: En esta lección, vamos a estar hablando de referencias. Utilizo referencias para mucho de mi trabajo. Cuando se trata de una ilustración, la mayoría de las veces, voy a utilizar un sitio web de fotografía de stock para hacer bien el posar, o incluso puede que me tome una foto si no la encuentro en línea. Cuando se trata de tipografía o trabajo de diseño, muchas de las veces usaré referencias para inspiración de composición, para inspiración de paleta de colores, inspiración en general, creo que usar unas referencias son realmente una gran manera conseguir inspirado en la forma en que lo han hecho otras personas. Puede que no lo pienses de la misma manera. Me encanta Pinterest. Seguro que la mayoría de los diseñadores e ilustradores sí. Lo uso casi a diario. En cualquier momento que tenga un nuevo proyecto o me ocupo de un nuevo cliente, la mayoría de las veces voy a tener un tablero de Pinterest donde estoy sacando inspiración para poder referirme, sobre todo cuando se trata de un proyecto de branding. Eso podría ser cualquier cosa como me inspiro de la fotografía. Ya ves tengo una pizarra llamada Art Photos a la que me referencié sólo porque esto puede agregar mucha inspiración del color, solo fotos realmente interesantes. Tendré otras tablas también. Tengo algunos para ilustración editorial, decoración del hogar, diseño info-gráfico, diseño de interiores. Hay tantas cosas diferentes que me inspiran. Simplemente encuentro que tener tablas simplemente realmente me ayuda a ser capaz de especie de visualizar, establecer el tono para una pieza. hoy hice un tablero de Pinterest para nuestros proyectos. Cuando estaba creando este tablero, había muchas cosas diferentes que buscaba. Estaba buscando inspiración de color, buscaba inspiración tipográfica, así como composición. Apenas en general solo estaba pensando en cómo quería pedalear a lucir. Aquí hay algunas inspiraciones diferentes. Aquí abajo me gustaron mucho las paletas de colores, y pensé que muchas de estas eran realmente dinámicas, e incluían muchos colores. Pensando en los textos, sí necesita haber suficiente contraste entre el fondo, los otros elementos en el texto que es legible. Estaba pensando en formas, cuando tienes un color oscuro y algo un poco más brillante, eso tiene mucho interés visual. Con este panel, realmente me encantó la paleta de colores aquí. Cuando estábamos pasando por mi trabajo, puede ver que es algo parecido de tener, me encanta este color azul que ya uso. Me encanta este rosa. Pensé que era como mucho contraste y pude ver cómo tal vez el texto podría ser de color rosa. A lo mejor el fondo es este azul o este negro, así que para mí pude ver una forma de aplicar esta paleta de colores de una manera realmente divertida e interesante. No sé si esto suena egoísta, pero creo que puedes inspirarte en ti mismo. Me inspiro en mi propio trabajo todo el tiempo. Me encanta volver atrás y mirar la forma en que uso el color, la forma en que uso la forma, el patrón, la tipografía. A veces sí inspira la forma en que me acerco a un diseño actual. Con éste, lo miré y pensé que me gusta mucho la forma en que uso las formas. Eso puede ser algo que yo quiera traer a esta pieza también. También tengo algunos ejemplos de tipografía. Ahora algunas de estas son letras a mano, y hoy no vamos a estar metiendo letras en la mano. Pero sí creo que eres capaz de usar el tipo de muchas maneras similares. No siempre tienes que usar letras a mano. Personalmente puedo hacerle letras, pero muchas de las veces elijo usar tipografía. Creo que lleva mucho menos tiempo, y se puede conseguir unos efectos muy similares. Otra de mis inspiraciones para esta pieza fue este cartel de aquí que tiene muchos gradientes realmente interesantes. A mí me gusta la forma en que usan el color. Vi esto y empecé a pensar en tal vez podría usar un gradiente en el fondo de una manera realmente interesante. Me encanta desplazarme hacia abajo y ver otros ejemplos. Muchas de las veces como realmente me encanta esta naranja como lo puedes ver porque es como un anuncio de Nike. Pero me encanta el rojo y el azul y justo la forma en que se acercan a los colores. Eso es algo que voy a tener en cuenta cuando empiece a diseñar mi cotización. A veces empezaré con tablas que ya tengo. Por ejemplo, entré en mi tablero de inspiración de color y me desplaza hacia abajo y me gusta mucho este, así que lo agregué al tablero. Me gusta mucho este, así que estas eran cosas que ya tenía flotando alrededor y cuando quiero buscar. Hoy estamos hablando de tipografía, así que puedo buscar diseño de cotizaciones. Sí lleva un rato, está mostrando mis alfileres, estos son todo mi trabajo. Si buscas diseño de cotizaciones, y comienzas a desplazarte, a veces no encuentras lo que buscas de inmediato. Realmente no estoy viendo mucho exactamente lo que estoy pensando para esta pieza, así que sólo voy a seguir buscando hasta encontrar una cosa que me guste. A mí me gusta esto, me gusta el color, me gusta la composición. Si me desplaza hacia abajo, soy capaz de encontrar realmente rápidamente un montón de piezas que creo que son similares y eso funcionaría bien. Por eso Jade Purple Brown, uno de mis ilustradores favoritos. Si sigo adelante, lo voy a agregar a mi tablero de Skillshare. Voy a volver a ese mismo tablero, me gusta este. Me gustan los colores, me gusta lo audaz que es la fuente. Voy a seguir adelante y añadirle eso a mi pizarra también. Esto es tan divertido. Me gusta mucho el patrón en el fondo, el ritmo de los elementos, y el contraste entre los colores. Esto es algo que definitivamente me está inspirando para esta pieza. 5. Preparar de tu mesa de trabajo: A continuación, entrémonos en Illustrator y empecemos realmente a crear la obra. Voy a crear un nuevo tablero de arte y me gustará titular aquí mis tableros de arte. Simplemente lo llamaré Skillshare Hablarlo en Existencia, que si estoy buscando, pueda encontrar fácilmente lo que busco. Este es el nombre de la pieza. Entonces, por el ancho, ya que estamos usando esto para redes sociales, solo voy a hacerlo 1,080 por 1,080. Si quieres hacerlo tamaño de póster, puedes, debe ser como una relación ocho por 10, y luego, RGB porque es para una web. Por lo que tengo mi tablero de arte parpadeante. Lo primero que voy a hacer es volver a mi tablero de Pinterest y voy a agarrar un par de esas referencias. A mí me gusta tener un montón de referencias al igual que pasear por ahí. Puedo tirar por inspiración de color, inspiración capas, y simplemente me ayuda a empezar en algún lugar. Yo sólo voy a poner esos a un lado. A mí me gusta ese por el color. También me gusta mucho este. Estos colores son tan divertidos. Veamos qué más. Porque puedes inspirarte por ti mismo, voy a seguir adelante y copiar mi propio diseño también. Me encantan los gradientes, y creo que hoy voy a usar un gradiente. Entonces voy a copiar algunas de estas piezas de gradiente, y luego, vamos a ver, tal vez una más para la topografía o para la composición. A ver. Es Hablarlo en Existencia. Entonces hay un montón de palabras. A mí me gusta en algunas de estas donde están enfatizando las palabras que quieren destacar. Tú mismo y mejor eres blanco, mientras que los otros están un poco más cerca del color de fondo. Adelante. Sí, vamos a hacer esa. A veces, tendré un par de tablas de arte diferentes para que pueda jugar y no limitarme a un solo estilo. Ahora, tengo mis referencias y soy capaz de empezar a diseñar. 6. Elegir tus fuentes: Voy a empezar a meterme en el diseño del texto. Me tomé algún tiempo para mirar a través de las fuentes con anticipación porque sólo ese proceso por sí solo me puede llevar horas. Tengo toneladas de fuentes instaladas en mi computadora. Yo quería mostrarles un par de maneras que encuentro fuentes si no tienen una interesante instalada en su computadora. Una página web que uso mucho se llama Fonts in Use. Si lo pasas, puedes encontrar fuentes realmente interesantes de portadas de álbumes, incluso de las portadas de libros de los '60 y '70 así como nuevos sitios web y branding. Es un recurso realmente grande para encontrar tipo interesante. Una vez que haces clic en el tipo, puedes ver dónde más se utilizó y luego encontrar el recurso. Algunas de ellas estoy segura son gratis y luego otras sí tienes que comprar. Esto es de sólo 20 dólares, que en realidad no está mal y es realmente interesante se ve como letra a mano. Será uno realmente genial para usar para una ilustración como esta. El otro recurso que quería mostrarles chicos es Behance. Si vas a behance.net y escribes fuentes gratis, ya puedes ver que me están dando recomendaciones basadas en el sitio solo porque es lo que busco mucho. Fuentes gratis y luego si simplemente desplázate hacia abajo puedes ver que hay toneladas de fuentes gratuitas. Cuando busco fuentes, tiendo a ser muy exigente. Tiendo a ir por unos que solo son interesantes, no algo que normalmente encontrarías. Hay muchos recursos para fuentes gratuitas por ahí, pero me gusta un sitio web como este porque muchas de las veces les están ofreciendo directamente ya sea de la fundición de fuentes o de los propios diseñadores, y creo que es simplemente realmente interesante. Hay otras formas de encontrar algunas como tú también puedes ir en Creative Market. Esto es algo aleatorio que ya tenía jalado. Si solo voy a las fuentes y encontré algunas fuentes realmente geniales en este sitio web también. Sí. Estos son algunos recursos diferentes. Volviendo a ilustrador. Vamos de inmediato adelante y démosles un color de fondo. A ver, tal vez hagamos algo. Empezaré aquí, al inicio son sólo algo así como no limitarme. Voy a seguir adelante, eso es diminuto. Pero voy a seguir adelante y solo teclear la cotización, y lo haré 120. A mí me gusta centralizar mi tipo, para empezar, y siempre puedo cambiarlo y creo que quiero tal vez hacerlo, sí, 150. Vamos a seguir adelante y centrarlo y mirando las tipografías que había sacado, traté de elegir tipos de letra que eran realmente interesantes. Tenían algún carácter. Este de aquí, Migra extra audaz. Se siente caligráfico como si estuviera con letras a mano, como un bolígrafo de tinta y creo que eso es realmente interesante y recuerda por qué estás haciendo esta cita e intenta elegir una tipografía que se sienta alineada con lo que estás tratando de decir. Quiero que estas cotizaciones se sientan realmente edificantes e inspiradoras. Quiero un tipo de letra que sea divertido, sea juguetón y se relacione con el propósito de esto. adelante y cambiemos esto a Migra extra negrita, y pensé que sería divertido usar contraste y tener dos tipos de letra diferentes en juego aquí. Creo que me encantaría hacer como un sans serif por esto. Déjame encontrar un sans serif realmente agradable que me guste. Probemos este. Se llama nimbus y de inmediato eso es demasiado grande. Voy a seguir adelante y hacer eso un poco más pequeño. Digamos que tal vez vayamos a un 100 y veamos que se ve así. Vamos 80 y nos fuimos a jugar con el espaciado aquí para que visualmente parezca que está justo en el medio. Hay suficiente espacio entre los dos. Se siente que se ve bastante bien y luego quiero aumentar el rastreo aquí. Creo que voy a hacer dos enfoques diferentes con esto. De verdad me gustaban los gradientes que encontré en mi tablero de Pinterest y luego pienso que por el de la derecha, voy a ir por mas de un sans serif en esta cita y luego probar esta sombra tecnológica. Creo que eso está realmente bien, Le agrega mucho énfasis y algún equilibrio desigual a la misma. cual, sí, solo siento que lo da como este movimiento hacia adelante que es realmente agradable. Voy a hacer una pausa en este por un segundo mientras configuro mi segundo tablero de arte, y sólo voy a seguir adelante y copiar lo que tenía. Había una tipografía que realmente me gustó y déjame ver si puedo encontrarla, creo que fue ésta. Una vez que está en todas gorras, le tiene esta sensación realmente agradable, los bordes de las letras son realmente redondeados. Es estéticamente agradable, me gusta y a veces eso es suficiente. Aumentemos eso. Quiero que esto también sea lo mismo con o lo mismo en tamaño y esta línea se ve súper lejos. Sólo voy a disminuir eso. Podría incluso quizá estoy pensando en hacer hablar un poco más grande pero eso podría ser raro, así que eso me gusta. 7. Crear tu primer diseño: Entonces vamos a seguir adelante y meternos en nuestra sombra de texto. Para empezar, voy a hacer que el texto sea de color blanco porque sé que quiero que la sombra tenga algunos colores diferentes en ella. Creo que empezando, solo hazlo blanco solo para que sea neutral y no esté compitiendo. Voy a copiarlo con el Comando C y luego pegarlo en la parte posterior con el Comando B, y quiero bloquear el que está arriba con el Comando 2. Entonces voy a usar la opción “Click” para arrastrar esto a donde lo quiero y estoy pensando que me gustaría que la sombra pasara de este punto a este punto. Se va a conectar como este s a este s. solo puedes visualizar y siempre puedes cambiarlo después de hacerlo. Para hacer esta sombra, es una técnica realmente fácil, pero primero voy a cambiar los colores. El color no es demasiado importante ahora mismo, es sólo conseguir los valores de lo que quieres. ¿ Quieres algo más ligero? ¿Quieres algo más oscuro? Sé que tenemos este fondo morado claro. Por ahora, usaré algo que vaya con eso. Voy a cambiar eso a magenta y luego tal vez este azul marino. Iré a “Objeto” “Blend”. El motivo por el que no me permitió hacerlo, creo que es porque el texto no está delineado. Voy a usar Command Shift O para delinear los textos y luego Object, Blend, Make, luego volveré y haré “Blend Options”. Si no estás familiarizado con el concepto de delinear, es hacerlo para que convierta el texto en un vector editable. Es súper fácil. Si quería editar el texto, todavía tengo el que está en la parte superior que bloqueé que sigue siendo editable. Podría simplemente desbloquearlo, usar esa, y simplemente rehacer la mezcla. Sería muy fácil. Voy a jugar por ahí. Puede utilizar los “Pasos especificados” o “Distancia especificada”. Para una Distancia Especificada, voy a hacer dos px, lo que va a hacer que cada uno sea dos píxeles separados. Va a ser muy pequeño. Solo estoy acercando para asegurarme de que esto se vea bastante bien. Voy a ir a “Trim View” sólo para poder ver cómo se ve en realidad este tablero de arte. Creo que si hago eso un poco más grande. Oops, lo tengo bloqueado. Este es un buen momento para subir capas. Creo que es realmente importante usar capas, lo contrario tu tablero de arte se puede poner realmente desordenado. Tan solo tardaré un segundo en definir mis capas. Voy a seguir adelante y hacer una capa de referencia, y pondré eso en la parte inferior y eso tendrá todas las referencias y nuestra gráfica de Pinterest, así como el tipo porque esas son técnicamente referencias en este punto. No los estoy usando todos. Tendré este ser Habla 1, que es el primero, y voy a desbloquear todo para poder seleccionarlo, seleccionarlo y arrastrar, y luego haré este Hablar 2. Voy a quitarme Trim View para poder ver dónde está todo. Simplemente seguiré adelante y bajaré todos estos a mis referencias y éstas también. Ahora, estoy un poco más organizado, me siento mejor. Odio ser desorganizado cuando se trata de fuentes o simplemente en general con mi tablero de arte. Ahora, se puede ver como esta mezcla va fuera del tablero de arte y realmente sólo quiero contenerla para que pueda ver cómo va a ser eso. Voy a copiar el fondo, pegarlo delante, y luego usar Command Shift corchete derecho para llevarlo a la parte superior, selecciona el Blend. Entonces Command 7 va a crear una máscara de recorte y solo usaré el corchete izquierdo Comando para enviar eso a la parte trasera. El motivo por el que es genial organizar tus capas es porque si tuviera todo en una sola capa, si lo enviara a la parte de atrás, lo enviaría detrás todo lo demás y solo puede ponerse muy confuso. Si solo lo rompes y lo mantienes organizado, te será de mucha ayuda. Voy a bloquear mis referencias para que no los mueva demasiado, y luego pasaré un poco más de tiempo retocando éste y averiguando qué voy a hacer con él. Creo que sería divertido jugar con tal vez en este gradiente, haciendo estos diferentes colores. Sé que va a pasar de este color a este color y quizá si la primera palabra fueran colores diferentes a ella en una existencia, creo que eso realmente destacaría. Ahora mismo, todo esto es leer como una sola palabra. Simplemente voy a utilizar la herramienta Selección Directa para seleccionar las letras que quiero. Sé que tengo este color rosa, así que vayamos quizá con algo un poco más claro, entonces seleccionaré éste. Voy a seleccionar el mismo color y sólo voy a hacer ese tono un poco más oscuro aquí. Ese es el trazo. Me preguntaba por qué se veía así. Asegúrate de tener seleccionado tu relleno si eso es lo que quieres y no tu trazo. Quítate ese trazo y cambia el relleno. Ahí vamos. Adelante y cambia eso, y voy a hacerlo un poco más oscuro para que haya como un bonito efecto de gradiente. Cuando hago clic fuera de esto, creo que eso se ve realmente genial. Yo quiero ver cómo se ve cuando lo invierto. Mezcla, Reverso De Frente A Atrás. Comparemos. Eso me gusta. Pero lo único es que realmente no viene, aguanta. Sí, y tiene que ir por aquí para que pueda conectarse de aquí a aquí. Yo solo quiero subirlo un poco para que me esté poniendo un poco más de ese color. Ahí vamos. Yay. Eso se ve realmente genial. Ahora, creo que aún quiero editar un poco esta sombra. Yo quiero que veas un poco mejor esta gradación. 8. Crear tu segundo diseño: Antes de entrar en agregar más detalles a esto, como algunas formas y algunos patrones en el fondo, voy a volver a la primera en la que estamos trabajando y trabajar en estos gradientes. Sé que tengo estas inspiraciones y voy a usar una combinación igual que mirarlas. A mí me gusta este círculo de aquí. Creo que crea un énfasis realmente grande. De esa manera puedo tener esto en el medio y creo que va a ser realmente agradable. Lo único que quiero hacer es solo crear unas paletas de colores rápidas pero probablemente no lo guardo como estas. Pero sólo para empezar, creo que va a ser realmente bueno sólo tenerlos como referencia. Simplemente volviendo a mi tablero de Pinterest muy rápido, había un pin de mi diseño que realmente quería agregar para poder hacer referencia a mi propia paleta de colores. Adelante y haz eso y asegúrate de que esté en referencias. Entonces súper rápido, solo voy a hacer un montón de cuadrados y los voy a aplicar con los colores, y luego podré agregarlos a grupos de colores muy fácilmente. Ahora vamos a ir a este. Este fue uno de mis favoritos. De verdad estoy disfrutando los tonos aquí. Si ven este es mi trabajo y está justo a la par de los colores que me gustan. Creo que eso son todos los colores. Ahí hay un rosa claro. Simplemente voy a arrastrar o seleccionar el grupo de colores que quiero y luego ir a mis muestras y hacer clic en “Nuevo grupo de colores”. Puedes ponerle nombre, pero no necesito hacerlo ahora mismo. Seguiremos adelante y agruparemos esos juntos para que cuando esté trabajando, pueda rápidamente solo aplicar colores a medida que vaya. Los cambiaré después seguro, pero por ahora solo me ayuda a tener una idea de los tonos que busco. En realidad solo voy a colorear el texto primero y lo haremos blanco. Entonces lo voy a bloquear para que no se interponga en mi camino ya que estoy trabajando. Voy a seleccionar este fondo e ir a “Gradiente”. A mí me gusta un gradiente de círculo. Siento que eso sería realmente agradable. Existe la opción de utilizar este gradiente donde se pueden mover los puntos alrededor y se pueden seleccionar colores. Pero no es realmente lo que voy a buscar. Te puedo mostrar cómo se ve porque se ve realmente genial. Pero hoy creo que solo quiero apegarme al buen viejo gradiente radial de círculo como lo que se llama. Voy a sumar quizá cuatro puntos. Empecemos a elegir unos colores. Ahora mismo estoy usando esta segunda paleta en el segundo grupo de colores, la que tenía los rosados, y rojos, y azul. Ya, eso se ve tan cool. Puedo jugar con la distancia entre los colores para o bien aumentar un color, disminuir otro. Eso es un poco intenso. Queremos que se vea sin fisuras. La otra cosa que me gusta hacer es cuando haces doble clic en el Color, puedes ver que surge como T. Quiero asegurarme de que esto es RGB porque en realidad va a cambiar la forma en que se mezclan los colores. Muchas veces lo hace más suave. Aquí no cambió demasiado, pero solo quiero asegurarme, por si acaso. Voy a volver a mi herramienta Gradient y luego empezar a jugar con la escala de este gradiente. Creo que si lo hago un poco más grande y luego solo viendo cómo se ve este color, siento que me gusta este rojo. Es como en el corazón, este rojo, que es realmente genial. Algo así, se siente un poco borroso. No es realmente exacto. Eso se siente muy bien para mí, justo por ahí. Sí. Esta fue una manera realmente fácil de hacer un gradiente. Entonces la otra cosa en la que estoy pensando es sólo añadir un poco de rotación al texto. A mí me gusta hacer esto, como pueden ver, estas letras están en una ligera rotación. Hago mucho esto en mi trabajo. Incluso voy a volver, déjame ver. Te puedo mostrar que hay una rotación aquí, aquí. Simplemente agrega como una energía y movimiento realmente agradable y eso es exactamente lo que quiero con esto. Una forma fácil de hacerlo es simplemente ir a “Efecto”, “3D”, “Rotar”. Después verás una vista previa y solo puedes editarla, moviendo este tubo alrededor. Ahora mismo es como si esta fuera la superficie del cubo y nos estamos moviendo, literalmente, imagina un cubo, solo estamos moviendo el frente, la cara del mismo, y viendo qué ángulo nos gusta. Eso me gusta. Creo que quiero hacer este un poco más grande y tal vez solo jugar y hacer de este algo aún súper ligero, pero tal vez como un fuera de camino, un rosa claro, algo que sólo complementa lo que ya tenemos pasando. Sí. Lo único que estoy pensando es hacer de este un color ligeramente diferente, solo un poco más oscuro. No le pegues V porque va a cambiar, ponen [inaudible]. Déjame ver. Voy a hacer un poco más a este gradiente, pero creo que ya casi está ahí. Siento que esto se ve realmente genial. A continuación vamos a meternos en texturas y patrones y el fondo y simplemente darle jazz. 9. Añadir los elementos de ilustración: Ahora quiero agregar algunos elementos, sólo algunos elementos ilustrativos en el fondo que creo que sumarán algún interés. Para este con un gradiente, honestamente creo que agregar cualquier otra cosa a esto lo hará demasiado ocupado. Lo volveré a visitar una vez añadamos texturas al final y tal vez algo de ruido. Para este solo voy a seguir adelante y agregar vista de recorte para que solo pueda ignorar todo lo demás en segundo plano y también voy a bloquear todos estos elementos porque estoy en este momento estoy usando mi tablet de trabajo casa y un bolígrafo y es realmente fácil mover las cosas accidentalmente con él. Voy a usar la herramienta lápiz, y creo que voy a añadir algunas formas orgánicas. En mucho de mi trabajo, verás estas formas de flujo libre así como formas. Simplemente voy a seguir adelante y asegurarme de que solo tengo un trazo seleccionado y usaré un color que ya tenemos pasando, y puede que esté demasiado ocupado con este gradiente pero ya veremos una vez que empecemos a añadir en las formas. A mí me gusta este color azul y lo primero que voy a hacer es añadir un poco ondulado, igual que alguna blob, algunos garabatos. Adelante y llena eso y luego voy a seleccionar esos puntos, unirme a ellos y suavizar eso un poco. Si tienes seleccionada la herramienta lápiz, si acabas de presionar Alt en tu teclado u opción, va a sacar la herramienta de suavizado y te va a permitir que cualquiera de estos puntos sea mucho más suave. Honestamente cuando se trata de gustar caminos y puntos que quieras lo menos posible, porque uno demasiados puntos van a ralentizar tu computadora pero también puede hacer que tus objetos se vean dentados si eso es lo que vas a buscar. Es decir, esto es más bien como un campo dibujado a mano así que está bien. Pero muchas veces lo haces cuando se trata de como formas vectoriales quieren que sean suaves. Voy a empezar con hacer unas cuantas formas, y no tengo rima ni razón para estas formas. Yo sólo voy con el flujo y lo que me habla. Tengo mi alisado todo el camino hacia arriba en las opciones de herramienta lápiz, así que eso solo lo hará para que cuando dibuje una forma, sea lo más suave posible. A mí me gusta encajarlos un poco, y asegurarme de que no se superpongan. Aquí vamos. Creo que me siento atraído por el estilo. Es decir, siempre fui la persona en la escuela que estaba garabateando demasiado y siempre me metí en problemas por garabatear. Si puedo garabatear en mis ilustraciones, quiero decir, oye, ¿por qué no? Voy a seguir adelante y sólo aplicar mortificado al relleno. Usemos esto en color rojo. Ya verás en mucho de mi trabajo, a veces haré formas diferentes, como a veces haré como medias círculos, círculos, o como flores, pero ahora mismo me gustan estas formas orgánicas. este momento no me voy a preocupar como donde están en primer plano o fondo, sólo los voy a dibujar y luego voy a averiguar la colocación. Entonces esta luz es brillante, así que no me voy a preocupar por eso ahora mismo. En este momento solo es importante que cada forma tenga su propio color, para que cuando lo cambie alrededor, si todo fuera del mismo color entonces todos cambiarían el mismo color. Ahora mismo esto se ve loco, pero aquí se juntan. Ahora, vamos a mandar eso a la parte de atrás y esto se ve loco y ocupado. Voy a volvera seleccionar todas mis formas volver y agruparlas y luego juguemos con los ajustes de transparencia de opacidad. Normalmente paso por unos diferentes y luego bajarlo un poco y quiero ver cómo se ve arriba también. A lo mejor si no está encima del texto. Eso es mucho. Siento que eso se ve realmente genial. Me gusta que no haya formas por todas partes, así que puede que solo haga unas cuantas como un poco más pequeñas. A ver, y simplemente jugar con él y divertirse con él. Es decir, no hay manera correcta o incorrecta, se trata de expresar tus sentimientos. Realmente no hay manera específicamente de hacerlo. Al igual que para mí, sucede que realmente me gustan las formas y texturas orgánicas, y los gradientes, así que me gusta jugar alrededor hasta que se sienta bien. También creo que se ve realmente fresco dentro de este gradiente y tal vez si solo lo he limitado al gradiente, que me haga trabajar un poco mejor. Quiero volver a seleccionar esos, voy a hacer esto un poco más pequeño y luego voy a hacer una máscara de recorte. Inicialmente cuando hice la mezcla, se podía ver que yo era capaz de editarla y moverla. Lo que hice fue porque no quería que hubiera estas líneas obvias de cada palabra, me gustó más como un bloque sólido. Entonces podría aplicar un gradiente a todo el asunto. Seguí adelante y amplié la mezcla y ya no estaba atada a esa mezcla, era solo el objeto en sí. Pero el problema era que aún tenía todos los objetos separados que llevaban al gradiente. Tenía que seguir adelante y usar la herramienta Pathfinder y luego usar el Unite para los modos de forma. Sí, únete. Era sólo un bloque sólido y luego pude agregar un gradiente justo a esa forma. Si puedes ver el gradiente es gradiente lineal y utilizo una paleta de colores similar a la primera y simplemente subí en la misma dirección siguiendo la forma de la línea. Voy a seguir adelante y tomar estas formas y primero voy a copiar este gradiente, pegarlo al frente y llevarlo todo el camino al frente. Si bien tengo el gradiente seleccionado, también resalta las formas y haz que sea una masa o podría estar en un grupo. Saca esto del grupo, aquí vamos, y luego lleva esto a la cima. La otra cosa que creo que quiero hacer, y ojalá no esté demasiado ocupado pero solo quiero ver, y hacer de este súper ligero de fondo. Verás a otros estar arrastrando cosas por ahí. Sigamos adelante y intentemos superponer, y eso no se puede ver. Vuelve a la vista de recorte, y quiero hacerlo aún más grande. Eso me encanta, siento que se veía tan guay. Obviamente puedo jugar con esto todo el día, pero creo que estamos en buen lugar así que voy a empezar a añadir algunas texturas y sólo a añadir un poco más encima de esto pero de una manera sutil. 10. Elegir tus colores: Está bien, ahora vamos a meternos en mi parte favorita que es el color. Entonces la razón por la que espero tanto tiempo para hacer color es porque me gusta tener el diseño finalizado antes de que realmente me comprometa con los colores. Yo sí típicamente tiendo a darle a todo su propio color único. Cuando uso la herramienta de ilustración recolor, es realmente fácil cambiar los valores, y como el color es tan importante, no quiero simplemente decidirlo desde el principio. Yo quiero darle algo de tiempo. Quiero tener múltiples opciones y solo ver cuál se siente mejor. Obviamente ya hay algún color en esta pieza, pero realmente no estoy casada con estos colores. Creo que podría hacer mucho más con él. Entonces voy a referirme de nuevo a algunas de estas paletas que hice al principio. También tengo mucho más paletas para elegir. Tengo un montón de palets guardados en mis bibliotecas, lo que normalmente hago. Simplemente voy a seguir adelante y agregar estos temas a mis muestras para que pueda jugar con él una vez que empiece a recolorear. A mí me gusta este. A ver, éste es bonito y éste. Como puedes ver ahora tengo un montón de opciones. Lo único que quiero hacer antes de empezar es solo duplicar estas mesas de trabajo por si acaso quiero volver a visitar estos colores en cualquier momento, porque muchas veces me gusta tener opciones de color. Asegúrate de que todo esté desbloqueado cuando dupliques tus mesas de trabajo. Voy a empezar con esta primera, “Habla a la Existencia”. Seleccionaré toda la mesa de trabajo y todo lo que hay en ella. Haré clic en la herramienta de mesas de trabajo de recolor, que es esta rueda de color aquí mismo. Entonces va a sacar a la luz todos los colores que hay en mi obra de arte y voy a seleccionar una paleta. Lo primero que puedo hacer es seleccionar la que ya estamos usando y simplemente jugar con ella. Este negro probablemente va a ser un poco demasiado duro y no creo que vaya con el tema. Hagamos cinco colores. Algunas de estas no van a funcionar y eso está bien. La otra cosa, déjame ver. Se puede ver mucho de ello puede ser realmente duro. y puede que tenga que ajustarlos yo mismo después de decidir sobre la paleta de colores. Se pasa mucho, ver cuáles te gustan. Debido a que es un gradiente, no todos los colores van a funcionar realmente genial con un gradiente. Entonces puede ser que tenga que refinarlo yo mismo. Lo bueno de esto es que puedo mover esto. Sé que el exterior probablemente va a ser el más oscuro. Entonces voy a querer algo un poco más brillante y luego el medio, tal vez ese amarillo donde está el azul. Entonces este azul, probablemente querrías algo un poco más ligero. En ese punto, puedes jugar con él. A lo mejor acercar esto al blanco. Aquí hay uno. Aquí vamos. Voy a hacer unos cuantos más y sólo ver. Creo que por ahora, voy a sacar el color que está arriba porque creo que es realmente importante conseguir el gradiente en este punto. Estos colores son realmente bonitos. Pensé que eso se ve realmente genial, pero probablemente tendré que ajustar el gradiente en sí. Entonces voy a entrar aquí y hacer algunos ajustes. Mira, aquí es donde cambiar eso de nuevo a RGB va a hacer una transición mucho más suave. Si obtienes algo raro como los colores grises, lo más probable es que lo hayas agregado a tus muestras, no lo agregara como RGB. Estoy jugando un poco con estos gradientes. En realidad solo estoy buscando algo que sienta que encaja con esta paleta de colores. Con este sentimiento, quiero que esto se sienta como, supongo, inspirador, motivador, y así creo que la paleta de colores debería sentirse así también. A veces lo logro con colores realmente oscuros y dramáticos pero a veces así, puede ser algo que es un poco más pastel. Simplemente cabe. No quiero líneas duras así que por eso lo estoy difuminando para llegar a algo que se ve realmente suave. me encanta. Lo último, creo que solo quiero tal vez aligerar eso un poco, fue un poco duro, y tal vez acercar esto al blanco. Está bien, así que volviendo a este, voy a hacer lo mismo, sólo ajustando los colores. La mayoría de las veces voy a hacer esto y todavía sólo terminaré con un color final. A veces sí tengo múltiples opciones, pero solo me gusta darme el rango para jugar, para experimentar. Creo que eso es realmente importante para hacer un trabajo así, que simplemente eres capaz de no tomarlo tan en serio. Ahora todavía me gusta eso un poco oscuro. Siento que esos tres son realmente geniales. Hagámoslo ahora. Desbloquearlo. Como pueden ver, hay muchos colores, pero voy a simplificarlo a cinco. Entonces voy a seguir adelante y sólo seleccionar una paleta. Es un poco intenso porque tenía muchos colores pasando. A veces si combinas dos colores juntos, solo para ayudar realmente a simplificarlo. No sé si esa es una está funcionando. Este es literalmente mi proceso. Simplemente paso por seleccionar colores. Realmente me gusta esta situación de pastel. Creo que me gusta ese fondo amarillo. Entonces voy a mantenerlo de fondo amarillo. Voy a cambiar eso a verde. Me gusta el rosa. Hagámoslo y entonces sí creo que necesito editar nuevamente el gradiente, y seguir adelante y cambiar esto a RGB. Porque ahora mismo no tiene la transición más suave. Ahí vamos. Creo que este verde probablemente podría ser un poco más azul y este rosa podría ser un poco más brillante. Se siente como algodón de azúcar, es muy divertido. Haremos uno más y preferiría emparejar, así que voy a hacer éste similar a ese. Tenemos tres versiones diferentes, tenemos tres paletas de colores diferentes. Siento que cada uno de estos tiene su propio estado de ánimo y es propia vibra. El de abajo se siente realmente veraniego, y ligero, y despreocupado, que se siente muy diferente a los otros dos. Este es mucho más audaz. Es algo así en tu cara. Es mucho más vibrante y hay mucho más contraste entre este rosa, este azul, y este amarillo en lugar éste donde no es demasiado contraste pasando. El top que siento tiene una energía realmente agradable para ello. Realmente soy como este rojo en el centro. Creo que está en medio. Es un poco más tranquilo que éste, pero al mismo tiempo aún tiene su propia energía y su propia audacia. Sinceramente creo que hay tantos estados de ánimo y vibraciones diferentes con los que puedo ir. En este punto es justo cuál te habla más. Ahora que tengo un montón de opciones de color diferentes, me voy a meter en añadir toques finales. 11. Añadir texturas y retoques finales: Ahora que los diseños están prácticamente terminados, solo quiero agregar algunos toques finales con algunas texturas, solo para darle un poco más de carácter y no tener que sea tan unidimensional. Voy a añadir un par de texturas de papel y tal vez en la otra, voy a añadir una textura grunge solo para mostrarles la diferencia. Me encanta agregar texturas de papel. Ya puedes ver estos son todos solo JPEG, los descargué de Internet. Voy a desplazarse por ahí, hay un montón de diferentes y solo ver cuál creo que va a agregar más textura. Voy a asegurarme de que esto esté en la capa correcta y luego colocarlo encima. Yo sólo voy a asegurarme de que cubra todo hacia arriba y luego sólo usaré la herramienta de imagen de recorte porque eso es una cosa ahora. Yo lo voy a recortar. A mí me gusta dejar que las texturas o cualquier cosa que estés colocando en el tablero de arte pasen solo un poco porque muchas veces podría ser un poco no lo suficientemente larga y no quieres arriesgarte al borde no tener la textura o el color que quieras. Muy bien, entonces ahora que tengo eso, jugaré con los ajustes de opacidad y los modos de mezcla. La mayoría de las veces uso como un Color Burn o Multiply, pero creo que Color Burn se ve genial y luego bajaré un poco la opacidad. Déjame mostrarte la diferencia entre tener esa textura y no tenerla. Antes, parece un poco aburrido, poniéndolo ahí, ilumina los colores. Entonces, si haces zoom, puedes ver que agregó una textura realmente bonita sobre todo y simplemente hizo que se viera un poco más dimensional. Voy a copiar eso y seguir adelante y simplemente pegarlo en las otras tablas de arte con el mismo diseño, y asegurarme de que esté en la parte superior. A lo mejor voy a jugar por uno de estos con sólo añadir uno más. Solo estoy previsualizando estos para ver lo que me gusta, y son tantos. Todos son súper sutiles, lo cual es bonito. A mí me gusta este que se ve arrugado. Entonces seguiré adelante y recortaré esto. Impresionante. Voy a mover esto a un lado sólo para ver cómo se ve este nuevo y solo usa la herramienta cuentagotas para seleccionar rápidamente los mismos ajustes. Creo que eso se ve realmente genial. Honestamente tengo una tonelada de texturas. Tengo toda una carpeta en mi computadora, qué texturas, algunas de ellas son grunge. Este es como una textura de concreto. Vamos a ver cómo se ven estos. Eso podría ser un poco demasiado intenso para lo que voy a buscar. Yo solo quiero añadir textura sutil. Hay un par de lugares realmente geniales para encontrar texturas. Se puede literalmente Google, texturas libres. También puedes mirar en sitios web como Envato Elements a los que sí tienes que tener una suscripción, puedes mirar Creative Market u otro lugar realmente genial en el que creo que la gente no piensa es Adobe Stock. Si solo tienes algunos créditos bursátiles, puedes comprar texturas y puedes usarlas una y otra vez. Este en realidad es un archivo EPS, por lo que es un vector. Cuando lo coloco en Illustrator, realidad estoy llegando a cambiar el color, puedo manipular el tamaño y la forma y si haces zoom, es como estas solo pequeñas manchas. Pero cuando alejas el zoom, se ve realmente genial. Honestamente, todo esto es realmente solo prueba y error para conseguir el look que quieres. Quiero probar este patrón y cambiarlo a amarillo. Asegúrate de que cubra el tablero de arte, y luego baje esto. A veces sí capa el texto encima. Voy a ver cómo se ve eso aquí, sólo para ver. Pero a veces sí me gusta agregarla a toda la pieza porque entonces se ve menos como una textura colocada en el fondo y es más así toda la pieza se siente como tal vez estaba impresa en papel o algo así. Pero realmente me gusta esta sutil textura. Creo que agrega un efecto realmente cool. Entonces lo último que quería hacer, y creo que lo voy a hacer a esta primera, voy a seguir adelante y sólo bloquear esa textura y quería agregar Grain. Después alejando un poco. Hay un montón de diferentes tipos de grano, pero cuando lo estás agregando a color, mayoría de las veces solo lo dejo en regular. Pero se puede ver cómo se ve, con los diferentes, que se ve bastante guay. Algunos de estos lo cambiarán a blanco y negro. Sí. Wow, no sé qué es eso. Creo que eso se ve muy bien. Estoy contento con la intensidad y el contraste que hay ahí, y basta con hacer clic en “Ok”. Si haces zoom, lo que eso hizo acaba de añadirle un Grain [inaudible]. Es casi como el grano de película. Es una textura realmente cool que me encanta aplicar a mi trabajo. Lo único que estaba pensando en hacer con este es agregar un desenfoque gaussiano, que sólo va a aumentar este efecto de desenfoque que ya tenemos pasando con el gradiente. Creo que quiero bajar eso sólo un poquito. Añado esto último porque agregar todas estas texturas y efectos puede ralentizar tu máquina. No querrías agregar todas estas estructuras y efectos y luego tratar de cambiar tus colores alrededor, porque entonces va a ser cada vez que estés cambiando los colores, está tratando de volver a agregar esa textura. Es por ello que es genial hacer esto como último paso. Siento que eso se ve realmente genial. me gusta mucho. Yo quiero ver cómo se ve sin el desenfoque sin embargo, sólo para ver si eso realmente agregó algo. Yo sólo voy a ir a mi panel de apariencia y luego puedo ver todo lo que se ha aplicado. Voy a esconder el desenfoque gaussiano y veremos si eso hizo algo. Realmente no hizo nada, así que lo voy a borrar porque simplemente lo va a frenar. Me gusta mucho este Grain, me gusta esta textura que está encima. Siento que esto se ve realmente genial. Voy a añadir el ruido a éste, entonces creo que para el tercero de aquí, sólo voy a mantenerlo así. Ahora me doy cuenta de que sí tengo seis tableros de arte. Pero solo habla del hecho de que solo quieres permitirte divertirte en el experimento, probar diferentes colores, probar diferentes texturas. Es así como termino con tres versiones diferentes de la misma cita. Para este, creo que quiero agregar una textura grunge o algo que sea un poco ardiente. Vamos a entrar en estas texturas de grano vintage. Tiendo a gustarme agregar texturas que son un poco desiguales, por lo que no se dispersa uniformemente por todas partes. A mí me gusta algo como esto, o me gusta este. Voy a cambiar el color de esto y sólo mirando esto, creo que quiero quizá probar blanco y luego bajar la opacidad. En primer lugar, baje la opacidad a tal vez como algo súper bajo. Porque de nuevo, solo estamos agregando textura, se supone que no lo notes de inmediato. Simplemente le agrega un poco más de interés y un poco de rugosidad. Tengo en la iluminación que creo que se ve bien, pero voy a echar un vistazo. Normalmente me desplaza o recorre la mayoría de ellos y luego solo veo cuál se ve mejor. A mí me gusta esa luz dura. Quiero mostrarles un par de opciones diferentes para texturas. En mis bibliotecas, tengo una textura de papel artesanal que realmente descargué de Adobe Stock y este es otro de mis favoritos, agregando papel artesanal en la parte superior, puede ser realmente agradable. Si haces zoom, puedes ver esa textura justo en la parte superior que creo que se ve realmente genial. Lo apagaré para que veas cómo se ve sin ella. Simplemente intensifica un poco los colores, y luego agrega esta bonita apariencia moteada ocurriendo. Entonces me pregunto qué debo agregar a éste. Hay tantas maneras diferentes en las que puedes agregar textura, es una locura. Yo sí agregué esto y creo que acaba de agregarlo realmente pequeño. Es muy diminuto. Voy a alejarme, no esa parte. Siento que acabo de ir al espacio exterior con mi tablero de arte. Muy bien, estamos de vuelta. Añadí esta textura aquí desde mis bibliotecas y solo voy a redimensionarla para que de nuevo, toque la pantalla [inaudible] hacia abajo y terminemos. Voy a cambiar este color y en realidad quiero ver cómo se ve con gris y luego bajar la opacidad y acercar sólo un poquito para poder ver realmente lo que está pasando en nuestra pizarra. Un poco demasiado intenso, así que bajaremos eso súper bajo. Déjame sólo comprobar si otro funciona mejor. Eso es realmente bonito. Es muy sutil, pero justo lo que quiero. Yo lo subí solo un poquito y se pueden ver estas líneas, pero no por todas partes. Ahora solo voy a hacer esto una máscara de recorte para que no entre en mi otro tablero de arte. Haré esto un poco más grande por si acaso. Selecciona eso y ciérralo, y ahí lo tenemos. Terminé con seis diseños diferentes con diferentes colores, diferentes texturas, y diferentes sentidos. Tengo que decir, de los seis de estos, creo que mi favorito tiene que ser en realidad este primero. Realmente me atraen estos colores y no uso con frecuencia el rojo en mi trabajo, por lo que fue una gran manera de introducir una paleta de colores diferente. A pesar de que los tonos azules son muy similares, todavía se siente un poco diferente a los colores que normalmente usaría. Para mí, éste se siente muy cálido, como si el color estuviera saliendo del centro y simplemente se siente realmente enérgico, casi emocional. No sé si eso tiene sentido. Es como un aura, si ustedes alguna vez han tenido su aura como roja o visto una de esas fotos, me recuerda eso. Creo que esto salió realmente genial. Creo que este primero es el que publicaría, pero me encantaría ver el tuyo. Así que asegúrate de publicarlos en la galería de proyectos. 12. Reflexiones finales: Enhorabuena, lo hiciste. Llegaste hasta el final de la clase. Espero que no fuera demasiado difícil, pero no puedo esperar a ver lo que ustedes han hecho, así que asegúrese de publicar su proyecto en la galería de proyectos. Si quieres estar al día con mi trabajo, puedes seguirme @yeshidesigns en Instagram y revisar mis impresiones en mi página web, yeshidesigns.com. Muchas gracias, hasta la próxima vez.