Estilos de patrones clásicos: aprende a diseñar patrones florales indios

1. Introducción: Los florales indios han sido un elemento repetido dentro moda y el diseño de interiores desde los tiempos antiguos hasta los modernos. Hoy en día se ven en todas partes tan populares como siempre en ropa, papel tapiz, muebles, y todo tipo de textiles para el hogar. Pero esto no es nada comparado con el frenesí que crearon cuando se introdujeron a Europa en el siglo XV, cuando la gente se volvió loca por estas hermosas y coloridas telas impresas y pintadas que en realidad revolucionaron y en de alguna manera, democratizó la moda y cambió la forma en que la gente tanto rica como pobre se vestiría y decoraría sus hogares. Se trata de una interesante pieza de historia de patrones y una historia sobre uno de los diseños de patrones clásicos más queridos. Hola, soy Barbel y soy diseñadora de patrones e ilustradora. En una serie de cursos sobre diseños de patrones clásicos, compartiré lo que he aprendido sobre estos patrones famosos y populares, cómo están compuestos y qué los caracteriza, y la historia detrás del patrón. En cada curso, les mostraré cómo hacer estos patrones ustedes mismos. En cada curso también se incluirán algunos ejercicios divertidos donde aprenderás a dibujar y crear el estilo de los patrones. Con este curso ha llegado el turno al diseño de patrón floral indio, estudiaremos los diferentes estilos de esta categoría de patrones y practicaremos diseños de dibujo en el estilo. Te mostraré mi proceso sobre cómo planear y asignar un patrón floral indio, cómo crear los motivos, un par de técnicas diferentes para colorearlos, y luego cómo ensamblarlos en un patrón de repetición en Adobe Illustrator. Al finalizar este curso, tendrás los conocimientos y todas las habilidades que necesitas para crear un patrón floral indio propio. Ya sea principiante o en camino de perseguir un sueño para convertirte en diseñador de patrones o ya practicando, te invito a unirte a mí en clase y agregar otra pieza a tu educación en diseño de patrones. 2. Bienvenida y resumen de la clase: Hola y bienvenidos a clase. Soy Belbel y soy diseñadora de patrones y artistas de ilustración de Estocolmo en Suecia. Cuando se trata de diseño de patrones, soy autodidacta. Además de aprender las técnicas sobre cómo crear patrones, también quería obtener algunos conocimientos más sobre los principios y el mundo del diseño de patrones. Como parte de mi educación de diseño de patrones personales, comencé a estudiar diseños de patrones clásicos para ver qué puedo aprender de ellos. Descubrí que esta era una gran manera de desarrollar mis propias habilidades de diseño. Ahora quiero compartir lo que he aprendido con otros que quieren aprender más sobre el diseño de patrones también. Por eso comencé a crear esta serie de cursos de habilidad compartida que llamo Diseños de Patrones Clásicos. Este curso es el segundo de la serie. Si no has revisado mis otros cursos, puedes hacerlo en mi perfil. En este curso sobre patrones florales indios, pasaremos por unos pasos con el fin de conocer este diseño de patrones y sus diferentes estilos. Eventualmente empieza a hacer nuestros propios patrones, que por supuesto es también tu proyecto de clase. He dividido este curso en cuatro secciones, y aquí te presentamos un breve resumen de lo que aprenderás en cada sección. En la primera sección tendrá una lección teórica sobre la historia detrás del floral indio de donde vino y cómo se introdujo a Europa, y se convirtió en el rugido de las partes occidentales del mundo. También aprenderás sobre las influencias y circunstancias que dan forma a este estilo de patrón. El segundo apartado es un estudio del patrón en sí, donde echaremos un vistazo más de cerca a algunos estilos diferentes dentro esta categoría de patrones y lo que los caracteriza. Los motivos típicos utilizados con algunos ejemplos, la composición, cómo los patrones se suelen organizar y diseñar, los colores y cómo se utilizan. la tercera sección se trata de prepararnos para crear nuestros propios patrones florales indios con lecciones sobre cómo crear motivos de aspecto auténtico con ayuda de ejercicios de dibujo. Cómo planear tu patrón, cómo crear un tablero de inspiración y una paleta de colores. También te mostraré algunas formas alternativas de colorear tus motivos. En la cuarta sección empezaremos a hacer nuestros propios patrones, primero haciendo un borrador aproximado del diseño de repetición, incluyendo un truco realmente genial que te mostraré. Después haremos un poco de dibujo y creación de nuestros elementos y motivos de patrón, vectorizando escaneando y utilizando la herramienta Live Trace en Adobe Illustrator, coloreando los motivos utilizando tres técnicas y herramientas diferentes. El Live Cubo Tool y las Herramientas de Pincel en Illustrator y también darán acuarela y lavarán y secarán. Por último, se ensamblarán los motivos en un patrón de repetición utilizando Adobe Illustrator y se crearán los patrones reloj. Para un proyecto de clase terminado, Subirás imágenes y una breve descripción de ti y de tu proceso, y el patrón de repetición final en la sección de proyectos de esta clase. Para crear tu propio patrón floral indio, necesitarás algunas herramientas y materiales. Para inspiración puedes usar cualquier recurso de imagen disponible para ti, por ejemplo libros ornflowers y árboles y plantas y adornos es un buen consejo, o puedes usar tus propias imágenes, o puedes por supuesto usar fuentes digitales como Google y Pinterest como referencias. Cuando empecemos a crear los motivos entonces necesitarás hacer bocetos de papel, lápices y fineliner o bolígrafo de pincel. Si no quieres colorear tus motivos digitalmente, necesitarás papel de acuarela, acuarela o gouache y pinceles por supuesto. Para digitalizar nuestros dibujos necesitamos un escáner o smartphone, o si estás trabajando con un iPad Pro eso definitivamente es una buena herramienta también. Por último, necesitarás una computadora. Para el método que estoy impartiendo en este curso, necesitarás Adobe Illustrator. Definitivamente puedes hacer que un patrón floral se repita también en photoshop. Pero eso no es algo que voy a tocar en este curso. Ahora es el momento de nuestra lección de historia. Entonces únete a mí para eso en el siguiente segmento. 3. La historia detrás del patrón: parte 1: Entonces, comencemos por definir este diseño de patrón específico y los diferentes términos que se utilizan cuando hablamos de esta categoría de patrones. Por floral indio, me refiero a los patrones florales o botánicos con estas flores y hojas detalladas, estilizadas, decoradas y a veces imaginarias. Un término que a veces se usa en contextos de los patrones florales indios es Indiana, que es francés y significa que lo que viene de la India. Originalmente, se refiere a un tejido con un patrón floral impreso y pintado que se produjo en la India y se exportó a Francia entre los siglos XVII y XVIII. Posteriormente, Indiana se convirtió en el término para cualquier patrón floral ya sea producido en la India o en Europa. La tela india era en su mayoría algodón, pero también podía ser lino e incluso seda. Si bien el algodón fue el principal material utilizado y buscado en Europa durante este tiempo. Otro nombre que se usaron para este tipo de tela de patrón fue Toile peinte, lo que significa tela pintada porque el patrón estaba pintado a mano justo en la parte superior de la tela, que podría ser lino de algodón o una seda también. Otro nombre para un textil floral indio es Chintz, y probablemente sea el recuento más utilizado y conocido para este tipo de tela patrón. Pero, chintz es específicamente una taza de tela con una superficie pulida o acristalada. Entonces ya que Indiana, Toile Peinte, y Chintzs son nombres para diferentes tipos de telas y textiles y no el diseño de patrones en sí. Para evitar concepciones de enemigos, utilizamos el término motor floral en este curso cuando nos referimos a este estilo de diseño de patrones. Pero la historia de los patrones florales indios está estrechamente conectada con estos materiales, con el algodón impreso, que es la base para la difusión de este estilo de patrón también. Entonces antes de echar un vistazo al diseño del patrón en sí, tenemos que saber un poco más sobre estos materiales, y eso es lo que echará un vistazo más de cerca ahora. 4. La historia detrás del patrón: parte 2: - India siempre ha sido uno de los mayores productores de tela en el mundo y sobre todo de algodón, con tradiciones que se remontan miles de años atrás, se pueden encontrar referencias a hilar fibras en hilos y tejer, ya en la literatura védica, parte de las escrituras más antiguas del hinduismo. Y había comercio textil con culturas fuera del agua india ya en los primeros siglos y la Edad Media. Por ejemplo, los textiles de algodón indio teñidos se han encontrado en la antigua Grecia y Roma, y también en Tumbas Medievales en Egipto. En el Valle del Indo se encontraron los primeros rastros de algodón tejido, fechados alrededor del 2500 al 2000 a.C. Se teñía de rojo, lo que demuestra que ya tenían conocimiento de técnicas de morir utilizando mordantes, que son sustancias y químicos que se utilizan para fijar el tinte a las fibras del tejido. También, el crecimiento de algodones y su transformación en tela evolucionó en diferentes regiones de la antigua India, con cientos de pueblos y pueblos, cada uno ganando reputación por sus propios tipos individuales de razas de algodón y telas que producían con ella. Por ejemplo, el algodón de la Bengala Oriental podría hilarse en estos hilos más delgados y convertirse en los famosos musulmanes de Dhaka la Meseta Deccan con su suelo volcánico produjo un algodón de muy alta calidad llamado regur. Y todas estas diferentes especies de algodón cultivadas en diferentes regiones darían una variedad de colores de algodón también no sólo blanco sino blanco apagado y amarillento, y rosado y marrón. Todo el algodón indio fue hilado a mano usando un husillo de gota. Y la rueda giratoria probablemente fue introducida a la India primero desde Irán para el siglo XIII. Y un dato poco divertido sobre el algodón nacido del indio, es que no importa dónde de la India o cuando durante la historia se produjo el algodón, casi todos los hilos hilados a mano se torcieron en la misma dirección, lo cual era en sentido contrario a las agujas del reloj en una llamada Z -dirección en oposición al giro en el sentido de las agujas del reloj, que se llama la dirección S. Y esto, la dirección de un hilo hilado, es lo primero que miras para identificar los orígenes y procedencia de un histórico textil de algodón indio. Por lo que la India y sus diferentes regiones eran conocidas por sus algodones de alta calidad desde el principio. Otra habilidad por la que los fabricantes de telas de algodón indios eran famosos fueron los procesos y técnicas de moribundos que crearon estos textiles de color brillante y permanente que no se desvanecerían cuando se exponían a la luz o se lavaban. 5. La historia detrás del patrón: parte 3: La India siempre ha sido considerada como los maestros de los chicos textiles. Incluso la palabra índigo deriva del nombre India. Antes de la invención de tintes sintéticos, todos los algodones de color u otras telas eran tintes con tintes naturales hechos de diferentes fuentes de plantas e insectos y minerales. Lo que es tan sorprendente es cómo descubrieron los primeros tintoreros indios cómo transformar estas fuentes naturales en troqueles que colorearían permanentemente las telas. En general, los dados naturales son realmente difíciles de hacer para durar se desvanecen fácilmente. Cómo adquieren este conocimiento es realmente un enigma porque no es un proceso sencillo. Por ejemplo, hacer el troquel azul de hojas de índigo es un proceso bastante complicado que implica agregar todas las cosas como ceniza de madera de cal, azúcar, carbonato de soda, y monitorear cuidadosamente esa temperatura y niveles de diferentes sustancias químicas durante el proceso, otros tintes requirieron agentes de fijación también llamados Mordants para hacer que el color del tinte sea rápido. mordantes son sales metálicas o ácidos de aluminio y hierro por ejemplo. Estos son los materiales que se utilizaron para los tintes naturales. El tinte azul estaba hecho de una diversa gama de plantas. Entre ellos la planta índigo, también diferentes regiones de la India fueron famosas por sus colores azules específicos. Por ejemplo, las telas de Pondicherry en el sur de la India eran conocidas y admiradas por sus colores azul específicamente vibrantes. Los comerciantes y fabricantes de estilo cerdos europeos no podían entender cómo los hacían lucir así. Pensaron que era el agua y las regiones específicas lo que era el secreto detrás de ella. tintes rojos fueron hechos por tres grupos de plantas diferentes, indio loco, morera india, y chai. Después tenemos tintes amarillos. tintes amarillos indios podrían estar hechos de todo tipo de plantas, por ejemplo, granadas. La planta más popular y usada fue esa cúrcuma. Pero el amarillo es un color muy problemático cuando se trata de tinte natural. A pesar de que se puede encontrar en miles de plantas de todo el mundo, nunca se ha descubierto luz permanente natural, tinte amarillo rápido lavable. Incluso si se usa con procesos de fijación y sustancias como mordantes, eventualmente se desvanecerá. Sin embargo, se utilizó tinte amarillo, pero no tanto como los colores más permanentes como el azul, rojo, el marrón y el negro. Para producir troquel negro o marrón, utilizan plantas con mucho tanino como Myrobalan, corteza de granada, bayas de Tamarisk, poros, y corteza de Acacia. Para fijar estos colorantes, utilice Mordants a base de hierro, pero hay un inconveniente en este proceso debido a los altos niveles de tanino en el tinte, destruye gradualmente los tejidos en la zona donde ha estado el tinte negro o marrón aplicado. Un truco que a veces se utilizaba para solucionar este problema era teñir repetidamente el área con índigo en su lugar, lo que la hacía parecer negra. Con todos estos cuatro colores, pudieron entonces combinarlos en otros colores como verdes y morados. Ahora un poco sobre las técnicas moribundas. Existe una amplia gama de técnicas de morir dependiendo del núcleo profundo o patrones que quieras lograr. Una técnica se llama Resistir morir, lo que significa que protege el área de hilo o tela que no quieres teñir aplicándole cera o chicle o incluso atando el hilo, muriendo y luego usándolo para tejer los textiles. Una de las técnicas de resistir morir más famosas usando esta técnica de atar hilos se llama Icat, Que crea ese característico patrón borroso, también llamado Icat. Otra técnica común y antigua para transferir color y patrones a la tela es mediante la impresión en bloque. La impresión de suerte implica un bloque de madera en el que el patrón, o en realidad diferentes partes de detalles del patrón se tallan en relieve y luego se aplican directamente sobre el bloque, presionando repetidamente en la tela usando marcas direccionales y golpeándolo con un mazo para transformar el troquel a la tela y de esa manera, creando el patrón sin costuras. O se hace aplicando un mardente al bloque y presionando eso primero en la tela, luego sumergiendo la tela en un baño de tinte y después de enjuagarla y lavarla, solo el tinte permanece en la superficie donde se presionó el mardente sobre el reloj. Entonces esto se repitió para cada color y nivel de ese patrón detalles en los patrones más complejos. Entonces tenemos algo llamado Kalamkari, que es una combinación de impresión en bloque y resistir morir para crear diseños de patrones realmente detallados y sofisticados. Al producir las barbillas o los patrones florales indios en los que nos estamos enfocando en este curso, los colores se aplicaban en su mayoría al algodón enteramente a mano, pintando sobre él. ocasiones los contornos de los patrones se podían hacer con la impresión en bloque, pero luego sólo con los colorantes fugitivos, y eso podría lavarse. Después los colores fueron pintados sobre la tela. En ocasiones se hacía como una combinación de impresión en bloque y pintura. ocasiones los contornos de los patrones se podían hacer con la impresión en bloque, pero sólo con los colorantes fugitivos que se podían lavar. Después los colores fueron pintados sobre la tela usando ese bloque contornos impresos como guía. Había incluso una profesión para una tela de pintura en las manufacturas de telas francesas. Estos trabajadores eran principalmente mujeres y aplican el color a una tela estampada de bloque con un pincel. En realidad, el famoso fabricante francés Dharma, a las afueras de París. Tenía 570 de estas mujeres pintoras de telas empleadas en 1805. 6. La historia detrás del patrón: parte 4: Estos florales impresos y pintados provienen de la India. Fueron introducidos por primera vez en Francia en el siglo XVI y se hicieron inmensamente populares entre todos los niveles de la sociedad. Imagínate cómo era antes. Como mujer de clase media, probablemente tendrías solo uno o quizás dos vestidos de negro, o tal vez marrón. Eso es lo que usted y su familia podrían permitirse. No quisiste lavarlo, nunca, temeroso de que el color se desvanezca. Entonces imagina cuando los algodones impresos estuvieron disponibles. Tela blanca, suave y ligera, con colores vívidos de rojo y azul, todo lleno de hermosas flores, y se podría pagar también, tal vez incluso un vestido nuevo una vez al año. No solo era hermoso y cómodo de llevar, se podía lavar sin desvanecer esos hermosos colores. De hecho, se pusieron aún más bellos y más suaves cuanto más lo lavas. No es de extrañar que se volviera tan popular y de demanda. Estas telas indias fueron importadas por la Compañía Francesa de las Indias Orientales a través de Marce, luego convertirlas en vestidos, batas, chaquetas, ropa interior, tapicería, cojines, ropa de cama y cortinas de cama. La empresa entendió muy pronto el valor de este nuevo mercado y quiso llevar la producción a Francia con la ventaja de saltarse el envío y las manos medias. Incluso los fabricantes franceses trataron de montar el algodón estampado a distancia e imitar estas oportunidades y telas indias. The France East India Company envía gente a la India para tratar de aprender sus técnicas de moribundo y hay mucha documentación de los procesos indios de pintura y muriendo y impresión en bloques durante este tiempo, pero nadie podría descifrar los secretos de crear esos textiles rápidos de color. Ni siquiera los mejores químicos europeos podrían producir estos colorantes rápidos de color. No fue hasta principios del 1800 que se dio una explicación científica a estos colores vívidos y rápidos de tinte indios. Pero, también hubo un inconveniente para esta revolución del tejido porque los fabricantes franceses de lana y seda comenzaron a sufrir por la importación de algodones indios y la producción francesa de imitaciones. Se puso tan mal que empezaron a quejarse al gobierno francés para detener la entrada de los algodones indios. Sucedió lo mismo en otros países europeos. En breve, una serie de actos jurídicos llegó a limitar primero, luego prohibir totalmente el comercio y consumo de tela de algodón indio en un intento de proteger a los fabricantes nacionales. Entonces imagina ser mujer durante este tiempo, obteniendo un gusto por estas fabulosas telas que deben haber sido un cambiador de vida para muchos, y una vez que se te haya dado la oportunidad de poseer y usar algo así, ¿quién querría rendirlo? Bueno, la gente no lo hizo. A pesar de las amenazas de ser encarcelados, enviados a las galeras, o incluso ejecutados, encontraron otras formas de hacer o contrabando estos tejidos para satisfacer el mercado subterráneo. En Francia, la prohibición finalmente fue levantada en 1759 imposible de reforzar. Aproximadamente al mismo tiempo, se publicó un manuscrito en el que se revelaban los secretos indios sobre cómo crear telas de color rápido al tinte. Ahora, los fabricantes saltaron a la oportunidad y la producción de algodones impresos y pintados en Europa se incrementó siendo legal y todo. Como siempre, agregaron su propio ingenio y conocimiento a los procesos y comenzaron a desarrollar formas nuevas, más efectivas y más rápidas de producir los tejidos. Los inventos y el uso de maquinaria nueva como la impresión de placas y la impresión de rodillos dieron como resultado nuevos diseños populares como el diseño romántico bucólico al que hoy nos referimos como Toile de Jouy. Pero la mayoría de los algodones impresos producidos en los fabricantes europeos en los siglos XVIII y XIX seguían siendo patrones florales, estampados en bloque, pintados y teñidos con resistencia. Los populares diseños de patrones florales indios con ramas trailing, con flores exóticas, hojas, y criaturas fantásticas también fueron utilizados continuamente por los fabricantes europeos y creados por sus diseñadores. Estos diseños florales eran muy versátiles para trabajar y fáciles de alterar y variar de formas infinitas. Los diseñadores solo tienen que cambiar algunos detalles aquí y allá, reorganizar algunos de los motivos y alterar la paleta de colores, y tenían un diseño totalmente nuevo. Fue rápido, efectivo, y posible producir en grandes cantidades. Este fue el inicio de la era industrial. En el siguiente segmento, vamos a dar algunos pasos atrás en la historia otra vez y mirar lo que influyó en los diseños florales indios. 7. La historia detrás del patrón: parte 5: He tenido mucha curiosidad por los orígenes del estilo de diseño floral indio. ¿ Dónde y cuándo surgió este estilo en particular? No es fácil encontrar información exacta o investigación sobre cómo evolucionaron estos patrones específicos, estilos de las florales indias. Pero hay algunos indicios en los que podemos confiar. Bueno, en primer lugar, los motivos de la naturaleza como plantas y flores y animales son universales. Es algo que la humanidad ha representado y utilizado como declaraciones desde los albores de los tiempos. Por supuesto, el estilo indio se ha desarrollado en su piscina de diferentes culturas y artes y religiones a lo largo de siglos, incluso milenias. El hecho de que se estimen en más de 16 mil especies de plantas con flores en la India, que constituyen alrededor del seis al siete por ciento del total de las especies vegetales en el mundo, puede entender por qué este ha sido un fuente de motivos en sus artes y oficios. Además, cuando miras algunas de las flores que crecen en la India, es fácil entender cómo pasó de representaciones naturalistas a creaciones imaginarias. Las plantas y los animales suelen ser un símbolo de algo; valores, virtudes, fases de la vida, y aspectos mitológicos. Por lo que usar una flor o planta específica en una obra de arte tenía muchas veces más significado y profundidad que solo ser una decoración. Esa pieza de arte también transmitió un mensaje, contando una historia. Cuando miramos los textiles indios antiguos conservados que se pueden ver en diferentes museos y colecciones de todo el mundo, como éste del Victorian Albert Museum de Londres, o éste del Metropolitan Museum de Nueva York, o este de la colección Karen Thacker, podemos identificar un par de rasgos específicos en los motivos que nos darán un toque de una de las influencias más importantes. Por ejemplo, todos estos patrones tienen ramas trailing. Puede ser cualquier cosa, desde troncos de árboles gruesos hasta ramitas y tallos más delicados. Otro rasgo típico es la variación de las flores. Un verdadero árbol o una planta no tiene cinco o seis especies diferentes de flores que brotan de sus ramas. Es un poco más organizado y consistente que eso. Además de las hojas, la única variación en las plantas reales que se pueden representar son las diferentes etapas de brote, florecer, dar fruto, y tal vez también vainas de semillas. Pero en el floral típico indio, puede haber una gama de diferentes flores que crecen en misma rama y también representan todas estas diferentes fases al mismo tiempo. Por lo que es imaginario y estilizado de una manera muy específica. El motivo es, por supuesto, en parte, una decorativa y artística, pero también hay una cosa que parecía ser una fuerte influencia. Porque hay un motivo común que a menudo se encuentra en los textiles indios antiguos llamados palamporos. Un palampore es una funda de cama o colgada de cama que era un producto indio que inicialmente fue producido y exportado al mercado indonesio, luego también encontró su camino a los salones europeos. Para este tipo de producto, un motivo muy popular fue el Árbol de la Vida. El Árbol de la Vida es un tema y mito extendidos, bien conocidos en la mayoría de las religiones y filosofías de todo el mundo. Desde culturas antiguas hasta judías, musulmanas, y cristianas, pero también en culturas de otros continentes como los mayas en América del Sur. Existen diferentes teorías de dónde vino el concepto Árbol de la Vida, pero por ejemplo, Stephen Oppenheimer sugiere que había una cultura de adoración de árboles en Indonesia alrededor del 8000 a.C., que luego se extendió a China, India, y Oriente Medio. El Árbol de la Vida era un motivo muy comúnmente representado en las artes de estas sociedades. Se llenó de simbolismo por las diferentes etapas de la vida y el mundo en el que vivimos. Para un palamporos, el motivo completo del Árbol de la Vida funcionaría bien con un suelo rocoso y una corona de árbol completa. Pero para otros productos como tapicería, vestidos, bufandas, batas, y otros textiles, los diseños necesitaban ser adaptados para que tuvieran sentido y trabajaran para el uso específico de la tela. Por lo que el tronco del árbol de montaña se saltó en algunos diseños y sólo las ramas, flores y hojas que seguían quedaban como decoraciones. El origen de los textiles de producción india y motivos fueron por supuesto, la flora india, y siguió siendo así para los textiles manufacturados europeos también. Pero después de un tiempo cuando el gusto por el estilo indio declinó, los diseñadores comenzaron a producir patrones que eran más occidentales en estilo, representando flores y plantas de los paisanos europeos en cambio como rosas, bellotas, pansies, claveles y acebo por ejemplo, pero todavía algo con influencias del estilo indio en la forma en que fueron dibujados. Pero ahora había evolucionado a su propio estilo, mucho más romántico e influido en el rococó. Echemos un vistazo más de cerca a los diferentes estilos que podemos encontrar entre estos patrones. 8. Estilos y características: Como ya he mencionado antes, estos algodones indios impresos y pintados fueron producidos en masa. A pesar de que muchos de los textiles no han sobrevivido hoy en día, hay muchos ejemplos conservados para estudiar en las colecciones de museos como el Victoria y Albert, por ejemplo. Además de ambientes textiles conservados, también puedes encontrar bastantes bocetos y diseños sobre papel de diseñadores del siglo XVIII. Esta es una fuente maravillosa para que nosotros los diseñadores de patrones aprendamos. En la sección sobre de esta clase, tengo algunos enlaces a sitios y museos y sus archivos donde puedes navegar por ahí para continuar tu propia investigación y mirar algunos increíbles textiles y prendas y bocetos de diseño. Para no hacer las cosas demasiado complejas, he dividido los patrones florales indios en dos categorías principales. El primero, yo llamo al estilo robusto indio. Se caracteriza por una rama de árbol principal más gruesa con una estructura de algún tipo. De esta delgada y más delicada brotan ramitas y ramas. Las flores y las hojas vienen en muchas variaciones, tanto grandes como pequeñas. Pueden variar en detalle y complejidad en la forma en que se dibujan. Algunos siendo extremadamente detallados y otros más simplificados. Los patrones dentro de este estilo son bastante densos en su diseño y tiene más de una dirección hacia él. Las flores son más de una naturaleza estilizada e imaginaria e inspiradas en la flora india. El segundo estilo, yo llamo al estilo delicado europeo. Es rasgos típicos son delgados, ramas mucho más delicadas, más como tallos. Su diseño es aparentemente más tareas, por lo que puedes usarlo en cualquier dirección. Las flores son más conformes, pequeñas en tamaño, más realistas, pero combinando diferentes variedades y están principalmente inspiradas en una flora occidental. Los patrones también son más sueltos, no tan bien dispuestos, y da más de una sensación aireada en comparación con el estilo robusto indio. Por supuesto, hay un rango de combinación de estos dos estilos, pero al menos es un intento de definir algunas de las características que ocurren. Lo divertido de esto y lo que también vivieron los diseñadores del siglo XVIII, XIX, es la diversidad y versatilidad en este tipo de patrones florales y formas infinitas en las que puedes crear estos patrones. Se puede crear un patrón robusto, pero dispuesto de manera suelta. O puedes crear un delicado patrón con flores imaginadas. Pero los dos estilos que reconozco aquí, pueden ser una guía útil cuando empieces a hacer tus propios patrones florales indios. Después de conseguir el ahorcamiento de la misma, puedes usar estas características a tu manera y combinaciones. Hablando de características, vamos a echar un vistazo más de cerca los elementos y motivos más utilizados en los patrones florales indios. 9. Elementos del motivo: En la sección anterior, ya identificamos algunos de los elementos o componentes típicos en los diseños de Patrón Floral Indio. Llamémoslos categorías de motivos. Había ramas, flores, hojas, bayas y frutas, y en algunos diseños, también se incluyeron animales e insectos. Echemos un vistazo más de cerca a las diferentes versiones que ocurren comúnmente dentro de cada categoría de motivos. Empecemos con las ramas porque son la columna vertebral del diseño donde se unen los demás componentes, especialmente para el estilo Robusto indio. Hay ramas fuertes y gruesas como esta de las Colecciones del Museo Victoria y Albert y casi de tronco como rama con corteza áspera. Quizás, un árbol baniano indio, que es un tipo de higuera que era motivo bastante popular y hoy es también el árbol nacional de la India. Otros patrones tienen ramas en algún lugar intermedio en tamaño como éste con similitudes con el Bamboo de las Colecciones Galerías Manchester City. Aquí hay otro del V&A, lleno de tallos sinuosos, incluso de tamaño. Aquí vemos ejemplos de ramas delgadas pero de colores combinadas con ramitas tipo tallo dibujadas con solo una línea negra. Los puntos focales de los patrones fueron por supuesto las flores, y variaron también en dimensión y complejidad y se representaron en todas las etapas de su ciclo vital, desde los brotes hasta las frutas y las semillas. los más simples sirviendo como rellenos y cumplidos, así como las hojas pequeñas podrían verse así. Una pequeña flor estilizada, similar al basal, ya sea representada desde un costado o arriba con pétalos puntiagudos o redondeados. Una versión más elaborada de esa, y también una asignada muy comúnmente utilizada es una flor en forma de estrella, ya sea con pétalos rectos o wadi puntiagudos, simplemente diseño limpio o con detalles de sombreado y reflejos. Estos son algunos ejemplos de flores más grandes, también formas muy utilizadas. En los patrones de estilo robusto indio las flores más grandes donde complejas en sus diseños, construidas con capas de pétalos y formas y colores variables, y con sépalos estilizados, nervios y declaraciones. Algunas flores típicamente occidentales eran rosas, pases, tulipanes, y claveles por ejemplo. Echemos un vistazo a algunos ejemplos de hojas. Se cuenta con una amplia gama de hojas en diferentes dimensiones, complejidad y detalle. Todo, desde este sencillo hasta este diseño imaginativo y de Sánchez y aquí te presentamos algunas formas repetidas. Formas básicas, simples con una o dos hojas sobre una ramita pequeña o unas cuantas reunidas sobre un tallo. Oblongo y estrecho y un ondulado con un borde parejo y una versión de ese mismo con el filo espinoso. Aquí hay uno más amplio sin nervios ciegos y por supuesto éste muy típico. Los bordes espinosos y con el centro de una o dos hojas internas. Este podría variarse para incluir sólo un punto o tres puntos. Entonces tenemos una elaboración de ese con un diseño más complejo que incluye varias hojas internas, construyendo un cluster. Algunas formas más exóticas de las hojas se asemejan puntiagudas, casi poesía buscando hojas como esta, que en combinación con estas pequeñas firmas en forma de hojas, da una impresión muy distinta y decorativa. Las hojas pequeñas eran elementos perfectos y muy útiles para llenar el patrón y crear una impresión uniforme y armónica. Las frutas comúnmente representadas eran uvas, granadas, y bayas pequeñas. Por si fuera poco, te voy a mostrar un par de ejemplos de animales e insectos también. Un último elemento que me gustaría mencionar es el relleno de fondo. La mayoría de los indios tienen un fondo blanco o blanquecino. También existen algunos ejemplos de fondos coloreados, pero en algunos de los patrones más interesantes, los espacios entre las ramas y los florales se han llenado de líneas y puntos no figurativos y otras formas. En el siguiente segmento, hablaremos más de los colores. 10. Color: Bienvenido de nuevo. Ya hemos tocado los tintes y las técnicas de teñido utilizadas para los florales indios y cómo estas sustancias naturales y modernos a partir de los colores de estas telas. Había azul índigo de diferentes tonos con la muerte repetida. Tenemos rojo que podría variarse por morir repetido y dependiendo de qué morteros se usaran. Entonces tuvimos amarillo, que era todo un tinte fugitivo. Por último, tenemos tintes negros y marrones. Para crear colorantes verdes aplicarían amarillo encima de azul. Otro color que podemos notar es el morado, que pudo haber sido una mezcla de añil y tinte rojo. Ahí tienes la típica paleta de color floral indio y es bastante extensa. Podrían hacer todos los tonos y tonos de azul, rojo, amarillo, negro, marrón, verde y morado y naranja. A pesar de que el color se logra con tintes naturales puede ser fuerte y vívido. Si quieres crear un floral indio de aspecto auténtico, debes considerar usar una paleta de colores más tenue y lavada. La mayoría de los florales indios tienen un fondo blanco o más bien blanquecino, que por supuesto proviene de la tela de algodón en la que se imprimió. Pero algunas telas fueron teñidas para tener un fondo azul, o verde, o rojo, o amarillo. Los contornos de los motivos estaban hechos en su mayoría con color negro o marrón o incluso rojo oscuro. Eso fue un poco sobre la paleta de colores utilizada para los patrones florales indios. En el siguiente segmento, ha llegado el turno para analizar cómo se construyeron y arreglaron los patrones. Te veré ahí. 11. Composición: Cuando se trata de patrones florales indios, las variaciones son interminables. Pero definamos y conceptualicemos esto con algunos ejemplos de Layout y empecemos con un layout escaso con éste y éste es un gran ejemplo de un patrón floral indio del delicado estilo europeo. Los motivos se colocan bastante alejados. Hay mucho espacio entre ellos y esto le da una impresión muy ligera y aireada y esto fue perfecto para tela de vestir y otras prendas. Entonces tenemos lo contrario a esto y eso es por supuesto, un diseño denso y aquí hay un gran ejemplo de un diseño denso. Aquí es donde los motivos se empaquetan mucho de cerca. Hay mucho menos espacio entre los diferentes motivos. Siguiente son algunas versiones repetidas diferentes me gustaría compartir contigo y si ya conoces y sabes un poco del diseño de patrones, esto es algo que ya tienes, supongo, pero vamos a mirarlas desde un indio punto de vista floral. Mi propia repetición, quiero decir, cómo se colocan y arreglan los motivos para crear la caja de patrones que luego se puede repetir infinitamente. Aquí hay un ejemplo de una simple, o en realidad se llama repetición recta. Para éste, los motivos están dispuestos en una caja, que luego se repite recta, horizontal y verticalmente. Otra versión de repetición es la media gota, donde el cuadro de patrón se repite recto verticalmente, pero horizontalmente se ha desplazado por 1.5 de la distancia del cuadro de repetición. Una versión de la media gota es un Layout de ladrillo. Es el mismo principio que una media bajada, pero en la otra dirección, como ésta, donde la repetición no se desplaza horizontalmente, sino la mitad de la distancia verticalmente en su lugar. Entonces tenemos diseño direccional o no direccional. Un diseño direccional es donde el motivo debe ser visto desde una dirección específica. No se puede girar desde diferentes lados y luego está el diseño tirado, que es donde se disponen los motivos para que se roten en muchas direcciones y por lo tanto se pueden ver desde cualquier dirección. Entonces llegamos a otra variable, que es la complejidad del diseño. Porque una repetición puede ser simple, como ésta, lo que significa que no hay muchos motivos diferentes que varien dentro de la repetición. O puede ser complejo, como éste con muchos motivos diferentes. Pero cuando se trata de diseños florales indios, es justo decir que todos son complejos hasta cierto punto y una simple repetición suele ser pequeña en escala, mientras que una compleja puede ser de una escala más grande. Hay algunos bocetos de diseño que se pueden encontrar en colecciones y museos donde se puede ver cómo el artista ha construido la repetición para crear un diseño con exquisita armonía y flujo, dependiendo de la complejidad y variación. El devanado ramas para mayormente delineados en negro o marrón y dependiendo del estilo y grosor pintados con uno o varios colores. A menudo las ramas se hacían de manera similar, un tallo dividiéndose en dos ramas, que a su vez se dividen en varias y más pequeñas ramitas y tallos a donde se unen las flores y las hojas. Este llamado diseño de corona de árbol también hace para un diseño parejo y armónico que funcionará para la repetición, ya sea una disposición recta o media gota o azulejo. Desde las ramas, la gama de flores, bichos y hojas para impresos o pintados o ambos y un diseño uniformemente extendido, llenando las áreas entre las ramas. Para un diseño escaso, las flores y las hojas estarían más reunidas e incluso agrupadas más cerca de las ramas y con un diseño denso, se extendieron, llegando más allá de las ramas originales para crear un patrón parejo. Las flores son variadas con escalas grandes y más pequeñas, diseños más simples y complejos y también notan cómo los diseñadores utilizan diferentes formas para crear una impresión específica de los patrones, como formas puntiagudas en las hojas y pedales o pedales de lobate redondeados y hojas. Por lo general, los motivos no se superponen mucho entre sí, sobre todo no las flores, y ramas más delgadas pueden cruzarse entre sí de vez en cuando y una hoja se puede esconder detrás de un tallo o rama. Pero la impresión general tiene que ser pareja y algo aireada, variada, pero ordenada en una oposición demasiado desordenada y caótica. Aquí tienes un resumen de estas variables. Un patrón floral indio puede tener un diseño escaso o denso. Puede ser recto, repetido o en media gota o en una repetición de ladrillo. Puede ser direccional o arrojado con cuando se trata de cómo se arreglan los motivos y puede ser como arreglo Simple, lo cual es muy común para repeticiones más pequeñas. O puede tener más de un arreglo complejo, que es común para una repetición grande. Ahora sabemos un poco más sobre los motivos y la composición, por lo que ahora es momento de empezar a prepararnos para crear nuestros propios patrones florales indios. 12. Técnicas de dibujo floral de la India: Antes de empezar con los ejercicios reales de dibujar flores y hojas, me gustaría empezar con algunas técnicas que he encontrado son muy útiles para crear motivos de aspecto lo más auténticos posible. Puedes dibujarlos motivos en tu propio estilo, por supuesto, pero esta es una gran manera de expandirte también en tu estilo de dibujo. Los patrones florales indios están todos dibujados a mano, con un bolígrafo o un pincel sobre tela. Estas circunstancias deben haber afectado la forma en que se hacen las líneas. La superficie de la tela es muy específica para dibujar o pintar. Hay una fricción y resistencia diferente a considerar que dibujar sobre un papel. Probablemente tendrías que dibujar o pintar solo un poquito a vez y con mucho control con mucho cuidado. En primer lugar, hicieron algunos contornos orientadores. Eso iba a lavarse después. Eso hicieron con algún tipo de bolígrafo o por impresión de bloques. Después pintaron encima de éstos con un pincel o un kalam, esa pluma específica hecha de bambú. Aplicaremos el mismo principio. En primer lugar, dibujaremos los contornos con un lápiz, y luego rellenaremos los contornos con un delineador fino de algún tipo o un bolígrafo de pincel. O puedes usar un bolígrafo que te sumerges en tinta también si quieres ser realmente hardcore auténtico. Lo que queremos hacer es crear una impresión similar de las líneas y pinceladas que hicieron las suyas los diseñadores indios o europeos del siglo XVIII. Para ello, podemos dibujar nuestros motivos de una manera específica. En primer lugar, cuando hago las líneas y contornos, lo hago en diferentes pasos en lugar de solo un trazo. Divido mis líneas en varias líneas, levantando el lápiz después de cada tramo, o al menos deteniéndome para tomar nueva puntería. También es más fácil obtener un mejor control de tu línea girando el papel cuando sea necesario. A veces es difícil conseguir esa línea exacta con cierto ángulo de tu muñeca, sobre todo cuando haces líneas y trazos un poco más largos. Si quiero dibujar un pétalo, por ejemplo, divido los contornos en dos trazos. También encontré que a menudo crea un mejor trazo si los hago desde la misma dirección, así. Porque si haces todo el contorno del pétalo o lo que sea el motivo de un solo golpe, no te pondrás ese look delicado y artístico con esa llamarada extra, si sabes a lo que me refiero. En cambio, conseguirás un contorno tranquilo y duro. Para esto quieres ese rastro visible de una línea hecha a mano. Ese efecto disminuirá un poco cuando lo rastreemos más adelante en Illustrator, pero seguirá luciendo más dibujado a mano de esta manera. Observa también con los motivos florales indios que las líneas casi nunca son rectas o simétricas. Siempre tienen ese pequeño embellecimiento extra al final. Practica esto unas cuantas veces. Ve cuántas líneas diferentes de embellecimiento y garabateos puedes hacer y haz una serie de pétalos u hojas para conseguir el colgado de la misma. En segundo lugar, cuando se trata de bosquejar los motivos, utilizo un principio que podemos llamar tomar un rodamiento o fijar una dirección es quizás una mejor descripción. Déjame mostrarte a lo que me refiero al no tomar primero mi rumbo. Si quiero hacer una flor, por ejemplo, puedo dibujarla algo así. Puede ser tan bueno como es, bastante sencillo y es ejecución y composición. Yo lo llamaría una flor de aspecto bastante sencillo. Pero si quiero darle un poco más de un look sofisticado y embellecido. Yo quiero que los pétalos sean más irregulares y quizá lo hagan desde un ángulo específico en su lugar. Para ello, un truco es establecer primero una dirección. Haré eso haciendo unas líneas realmente sueltas que me guiarán a cómo quiero los ángulos y curvas de los pétalos. Empezaré con los pequeños pétalos internos primero y solo haré algunas líneas de guía como esta para marcar dónde quiero que comiencen y terminen los pétalos, y qué tan grandes serán. Después usa esas líneas de guía para dar forma a los pétalos. Porque entonces puedo concentrarme en crear esas líneas rápidas, artísticas, hermosas en lugar de molestar sobre cómo y dónde colocarlas. Entonces quiero pétalos exteriores más grandes y largos que emergen de este pequeño centro abajo. Ahora, sé dónde los quiero y la dirección de ellos. Ahora puedo empezar a hacer esos lindos contornos. Que las líneas direccionales guiadoras me están ayudando a dar forma y colocar los pétalos más fácilmente. Recuerda también que los patrones florales del motor pueden aprovechar suficiente de embellecimientos y florecer. Siempre que hagas un pétalo o una hoja o un tallo o algo así, siempre haz esa curva extra pequeña o final doblada y eso te ayudará a conseguir ese look sofisticado. 13. Ejercicio 1: hojas: Bienvenido al primer ejercicio real, en la lección anterior, practicamos la técnica dibujando algunas hojas simples, lo cual es un buen comienzo como calentamiento, y a medida que pasamos por los diferentes ejercicios y motivo categorías o rampa la complejidad. Pero volveremos a empezar con estas simples hojas, si no las hacías antes. Aquí hay uno muy sencillo, casi simétrico, entonces tendremos otro. Empieza con esa curva simple como esta, y luego del otro lado, haz el trazo como una forma de S, y ahora solo estamos moldeando las formas para que puedas bosquejar una manera con unas pocas líneas para encontrar esa forma que te guste, porque es realmente cuando entramos con tinta que vamos a querer usar esos trazos confiados y sofisticados que hemos practicado antes. Estas líneas de lápiz son sólo para guiarnos entonces. Pero me gusta usar esta técnica a la hora de hacer bosquejos también, porque también afecta la forma que creo. Aquí hay otro. Empieza con la misma curva simple, y del otro lado haces un trazo ondulado para crear un nuevo tipo de forma, y luego podemos hacer una hoja doble o incluso triple si queremos. A continuación, hagamos uno un poco más complejo. Esta va a ser una hoja más oblonga. Empieza con una línea direccional, tomando tu rumbo dibujando esta línea ondulada, que nos guiará cuando sigamos con esta forma de la hoja y sus bordes, y otra con aún más ondas. Ahora, hagamos una aún más compleja, una hoja oblonga pero doblada. Primero haz una línea direccional para capturar la curva, y luego otra línea direccional para guiar la forma de la hoja, porque quiero volver a tener esa forma ondulada, y luego puedes seguir fácilmente estas líneas para crear la forma. Aquí te dejamos un par de otras hojas dobladas, un poco más sencillas pero tan decorativas, y le agregan ese pequeño embellecimiento y estilo extra. Aquí hay otro tipo de hoja. Muy sencillo, pero decorativo con varios nervios yendo por este lado, y este es un buen inicio para el siguiente paso, pues otro detalle muy sofisticado es una hoja retorcida donde podrás echar un vistazo a la parte inferior a. Después empezarás con una línea direccional curva en forma de S, y este también será el centro o nervio de la hoja. Después comienzas por el final de un lado de la línea, y en el medio en algún lugar la cruzas y continúas por el otro lado hasta el otro extremo. Entonces haces lo mismo al contrario, para que se encuentren o se crucen en el medio. Entonces puedes hacer lo mismo pero aún más complejo cruzando la línea media dos o incluso tres veces, creando el efecto de una hoja retorcida y volantes. A continuación se presenta cómo hacer una hoja espinosa perfecta, y empezar dibujando una forma simple de hoja, y luego con un trazo a la vez, levantando el lápiz entre cada stoke, hacer las espinillas siguiendo la forma guía. Trata de hacer uno con un poco más de espinas onduladas donde haces cada trazo más en forma de S, y un gran consejo es comenzar con un poco de parte superior de cada espina para que sepas dónde va a empezar y terminar, y luego entrar con un golpe lateral. De esa forma obtendrás más control de cómo distribuir trazos y espinillas, y luego podrás optar por dejarlos así, o si quieres embellecerlos aún más con una hoja interna a. Ahora pasa a otro tipo de hoja, una hoja más en forma de helecho o un tallo con varias hojas, y comienza con una línea direccional que es un poco curvada como esta, y este también será el tallo. Entonces a partir de eso, dibujas líneas direccionales en forma de S más pequeñas para guiar donde se adjuntarán las pequeñas hojas al tallo, y también la dirección de la forma de las hojas. En este estilo específico, estas líneas también serán un lado de cada hoja, la columna vertebral de la hoja, y luego dibujas el otro lado de cada hoja usando la misma forma de S para crear un aspecto decorativo para ellas. Una versión de esa es con una forma diferente de las hojas, y aquí con sólo una simple curva en forma de C a un lado de cada hoja, luego o bien hacer lo mismo para el otro lado, o combinado con una forma de S para la variación. Aquí hay otro ejemplo de cómo se puede hacer una hoja múltiple con más embellecimientos y detalles. Primero, haz hojas que sean un poco más gruesas y más grandes en un tallo así, y luego agrega hojas internas y bordes espinosos. Ahora puedes empezar a elaborar este tipo de hojas sin fin y hacer estilos cada vez más complejos, y he aquí un ejemplo. Comience con una línea media direccional, y luego dibuje pequeñas formas de hoja subiendo esa pauta en una fila con una sobresaliendo del otro extremo así sucesivamente. Entonces a partir de eso se agregan hojas más grandes a los costados. Aquí te mostramos otro ejemplo de variación de esa, donde se coloca una forma de gota boca abajo en la línea, y luego de esas se dibujan hojas en ambos lados. Esto ilustra el principio de crear motivos complejos en el estilo floral de los indios, porque siempre comienzas con una forma pequeña, y luego construyes sobre eso en niveles yendo hacia afuera y además agregando más detalles dentro de esas formas. El único problema aquí es en realidad saber cuándo parar porque eso es bastante difícil una vez que comienzas. Entonces, cuando tengas tus bocetos listos, es hora de delinear y rellenarlos con tinta. Para esto, puedes usar un delineador fino o como éste, uno de los favoritos míos, un bolígrafo de pincel, porque esto imitará los trazos de pincel que puedes encontrar en los patrones florales indios. Es posible variar el grosor de trazos al principio y al final de cada trazo, pero usa un lápiz de pincel fino, eso es una punta. Ahora es el momento de usar realmente esa técnica rápida y de un trazo a la vez que te mostré en la sección anterior, y levantar el bolígrafo en el medio para conseguir ese estilo de pincelada a las líneas y conseguir ese control en cada trazo. Ahora sigue adelante y practica rellenar esos bocetos y mira si también puedes variar los trazos cambiando de dirección, gira el papel y usa diferentes presiones de la pluma. También quiero desafiarte, porque ahora puedes experimentar con las líneas guiadoras que has hecho desarrollando esas líneas y bordes de las formas de la hoja. Usa las líneas de bosquejo a lápiz como guías, y varía el aspecto y la textura de los bordes de la hoja, haciéndolos espinosos y ondulados con volantes, para hacerlos cobrar vida aún más agregando embellecimiento extra y florecer, y la única limitación aquí es tu imaginación. Simplemente vuelve locos y ve qué puedes crear. Ahora que estás abajo con las hojas, pasemos a la siguiente categoría de ejercicio y motivo, que son las flores. 14. Ejercicio 2: flores simples: Las primeras flores que quiero que practiques haciendo son, por supuesto, las más sencillas y luego construiremos a partir de eso. El primero es casi como una hoja, muy simple. Puedes hacer esto con o sin líneas direccionales, pero no creo que lo necesites para esta en particular, así que solo tienes que ir a mano alzada. Este tiene tres pétalos y un poquito de tallo. Es una flor que se ve desde un costado, tal vez una margarita poco estilizada. Puedes hacer esto como malo también con solo un poco de forma y tallo, muy sencillo. Pero útil como relleno o para construir sobre otra nota si más adelante. Entonces haremos ese mismo tipo, pero la flor llena como vista desde arriba. Así que adelante y haz algunos de estos, si puedes variarlos de diferentes maneras con más pétalos, más delgados o más gruesos, más largos o más cortos. Una versión de éste es usar el trazo en forma de S para un lado de los pétalos como este. Aquí hay otro en el que comienzas con un pequeño centro, un círculo, para luego adjuntar los tres pétalos a eso. Nuevamente, aquí está ese principio de comenzar con una forma pequeña que está dentro de construir. Haz algunos de estos y luego los rellenaremos con tinta. Puedes usar un delineador fino. Te recomiendo usar puntas pequeñas en ese caso, un 0.2 o 0.5 es lo que uso a menudo. Pero quiero imitar los pinceles o bolígrafos de tinta utilizados para el floral indio, así que iré con mi pincel, también con un plumín bastante pequeño. Cuando comienzas, ve realmente cuidadosamente de un extremo a otro de un golpe rápido, donde pones un poco más de presión al principio y luego lo sueltas al final. Cuando entintaste los contornos, puedes agregar algunos detalles o sombreado estilizado para darles más profundidad y carácter. Esta es una forma típica de hacerlo al estilo del siglo XVIII. Sé muy rápido, haciendo estos ligeros y delgados, suelta al final para hacerlos más delgados y como una pincelada. Ahora vamos a dar un paso adelante y hacer una flor un poco más compleja. Empieza con un pequeño centro, un círculo, y luego haz cinco líneas direccionales en forma de S y una forma de estrella como esta. A ver si puedes distribuirlos bastante parejos. Si sientes que es difícil conseguir las líneas S así, entonces pasa a página para cada línea y será un poco más fácil. Después completas cada pétalo dibujando desde la punta de cada partícula en una línea en forma de C hacia el centro, pero no todo el camino hacia el centro. Deténgase y reúnete con la siguiente línea S. Haz algunos de estos, experimenta con el grosor y la longitud de los pétalos, las curvas, y las formas, luego llénalos. Ahora, usaré ese fino liner solo para mostrarte los diferentes efectos que te darán estos bolígrafos. Cuando tengas los contornos, puedes añadir algo de sombreado y textura en estos también. Añade algunos detalles si te apetece. La siguiente flor que haremos es también una flor muy simple pero de uso frecuente en los patrones florales indios. Se utiliza como relleno o para embellecer otros arreglos móviles. Esto es, de nuevo, no como flores en forma, con un pequeño centro de círculo y luego pétalos dibujados un poco lejos de eso así. Porque entonces agregamos algunos detalles en el medio que rodea este círculo, así. Una versión de ésta es solo esta flor estereotipo con centro y pétalos, pero agregan algunas líneas de sombreado. Aquí hay otro. Empieza con el círculo y luego haz pétalos casi en forma de corazón. Se pueden variar estos haciendo los pétalos con más curvas, anchas, y con más pétalos para luego ir llenarlos. Podrían parecer demasiado simples en este punto. Pero cuando los coloreamos, podemos agregar aún más detalles y sombra, pero entonces no necesariamente queremos tener contornos rodeando esos detalles. Ahora a otro tipo de flor, también un poco estereotipo y clásico, pero tan decorado y creo que podría ser un clavel muy estilizado o similar. Estoy haciendo esta mano libre, pero una punta es hacer esas líneas direccionales primero dibujando los lados de los pétalos y luego agregar el borde espinoso en parte superior y luego ir llenarlas y terminarlo con algunas líneas de sombreado en el centro. Ahora sigamos con una flor estilizada como carnación, pero ahora vista desde un costado. Como siempre, dibuja algo con lo que empezar para construir. Haré esta pequeña campana o forma de corona de la que surgirán los pétalos y luego haces el mismo tipo de pétalos que antes con lados rectos y terminaciones espinosas. También use líneas direccionales si necesita encontrar la curva o curva derecha en cada pétalo. Después construye otra capa de pétalos que sobresalen detrás y también puedes hacer unos con aún más capas a si quieres. Además, agrega un poco de tallo para que tengas algo a adjuntar esta flor cuando quieras construir tu patrón y pegarlo a una rama más gruesa más adelante tal vez y luego llenarlo y terminar con líneas de sombreado en cada pétalo. Para un toque final, puedes darle algún detalle extra y textura como esta. Ahora hemos practicado hacer algunas flores más pequeñas y sencillas para calentarnos porque en el próximo ejercicio, vamos a hacer algunas más grandes y complejas. Entonces te veré ahí. 15. Ejercicio 3: flores complejas: Bienvenido al ejercicio tres, donde estaremos haciendo algunas flores florales indias más grandes y complejas, y esta es mi categoría de motivos favoritos absoluta. Es casi como garabatear. Porque el principio de comenzar con una forma pequeña para construir, se va a estirar hasta su límite aquí. Bueno, en realidad, el límite es nuestra imaginación. Te voy a mostrar algunos ejemplos de diferentes tipos de flores más grandes y más complejas que son bastante típicas y frecuentemente ocurren en el floral indio, pero hay tantos tipos diferentes de flores y una combinación de éstas. Debes considerar estos ejercicios como un punto de partida y luego seguir adelante y crear flores a partir de tu imaginación, y flores que te gusten e inspiren. Empecemos con hacer un tulipán imaginario. Esta vez, estoy empezando con una forma más grande o una línea sobre la que voy a construir. Esta es la forma de la campana del tulipán con algún florecimiento a los costados, y luego haré algunas líneas direccionales para la forma de uno de los pétalos principales como éste, y del otro lado. Ahora, voy a empezar a construir sobre esto, agregando algunas formas por dentro y algunos detalles. Quiero aún más detalles. Haré este esquema aquí con algunos lujos. Otro principio es trabajar con capas. Capas y capas de pétalos y detalles. Ahora necesito algo en medio. Algo que sobresale entre los pétalos, y voy a hacer alguna vaina de semillas buscando formas y algunas declaraciones. Como puedes ver, esto no es realmente un tulipán sino quizás una flor inspirada en forma de tulipán. Aquí hay otra flor inspirada en tulipán. Empezaré con una forma básica y luego construiré sobre eso. Haciendo pétalos extraños y estilizados creo. Son bulliciosos un poco y volantes. En primer lugar, estoy trabajando con líneas direccionales y formas que luego uso para entrar y hacer más detalles, y esta es una gran manera de trabajar, al menos para mí, esas formas y líneas más grandes, ásperas dispararán ideas y formas de embellecerlas cuando las tienes abajo en el papel, lugar de hacer los detalles de inmediato, y así es como trabajo a menudo a la hora de crear motivos e ilustraciones. Yo tomo primero el rodamiento, y luego me enfoco más en los escalones más pequeños a medida que voy. Otro consejo para pétalos, hacerlos irregulares y solapados de vez en cuando. Al igual que aquí, estoy creando pequeños agujeros y huecos en el medio, y esto los hace más orgánicos y de aspecto real a pesar de que están lejos de ser reales. Estoy agregando algunos volantes aquí a los bordes, y algunas líneas de sombreado para crear textura y profundidad. Ahora, voy a construir sobre esto como punto de partida con más pétalos, haciéndolo realmente apresurado y lleno. Aquí te dejamos un par de flores imaginarias en forma de tulipán, un poco más complejas, pero realmente fáciles de hacer cuando divides el boceto en pasos como este, y cuando estés satisfecho con tu boceto, adelante y rellena esos líneas con tinta, y con el bolígrafo, ahora puedes refinar y alterar sus contornos si se te ocurren nuevas ideas o mejoras a medida que vas, y también ver si puedes variar el aspecto de las líneas y contornos. Por ejemplo, puedes, en lugar de una línea sólida, hacer pequeños puntos o flecos como pequeñas pestañas o pelos, y cuando creas tus contornos, imagina que estás dibujando o pintando sobre tela, con un pluma o un pincel que tienes que sumergir en tinta de vez en cuando. Tus trazos no pueden ser muy largos o se quedará sin tinta. Tienes que dividir tus trazos en unos más cortos, y esto, también debería contar con el aspecto de tu motivo. Aquí hay otro tulipán un poco más realista en su ejecución y no tan imaginario, pero aún así detallado y algo que podría ser útil en un delicado floral de estilo más europeo, por ejemplo. Comience con un pétalo, y luego simplemente construya más sobre eso. Después entra y elabora esos bordes y contornos. Yo estoy haciendo el mío espinoso, pero también podría ser con flecos o volantes redondeados, y aquí está el resultado entintado con algunas líneas texturales y de sombreado también. Estas flores eran un poco europeas, delicadas, influenciadas en su estilo. Pero ahora me gustaría mostrarles algunas flores con más influencia de la flora india. En primer lugar, quiero mostrarles algunos grandes puntos de partida para estas flores de estilo indio. Ya sabes, esas pequeñas formas con las que empezar cuando construyes tu flor. Se puede comenzar con algo tan simple como un pequeño círculo o una elipse, y luego se unen algunos pétalos u otra forma como esta, luego seguir construyendo sobre ellos. Otro punto de partida es una forma de gota boca abajo, luego agregar un par de más en cada lado y luego agregar algunos pétalos en otra forma, y sí, ese también es un buen truco. Empiezas con una forma, y luego haces la siguiente y otra forma para que crees una variación, y también varias pequeña con más grande, recta con curvas, afilada con redondeada. Aquí hay una hoja puntiaguda como punto de partida como un poco de loto quizás, y esta es una forma floral muy utilizada. Un punto de partida un poco más complejo es éste, como un pétalo multiredondeado, y luego te pegas un par de más detrás de ese, y luego tienes algo así como una flor en ciernes. O bien, puedes agregar pétalos doblados más largos para otra forma. O, éste que hicimos por los claveles antes, ¿recuerdas? Aquí hay una gota con otra dentro. Lo que puedes hacer ahora es experimentar con algunos pequeños puntos de partida, y en realidad es genial tener un pequeño menú de estos cuando empieces a hacer tus flores. Tienes algo para escoger y elegir, y ahora te mostraré una flor que se puede alterar de muchas maneras diferentes. Comienza con un pequeño centro tipo tazón. Haz una u ancha como esta, y luego agrega algunos pétalos irregulares encima de ella. Después completarlo con un par de pétalos sobresaliendo detrás de él y ahí está tu tazón. De éste, puedo unir diferentes tipos de pétalos un poco separados así, o tider y más ancho como una rosa, como ésta, o puedes hacer una mezcla de estos con muchas capas y formas variables. 16. Ejercicio 3: flores complejas (continuación): Ahora hagamos una flor india con más capas y componentes y formas construidas entre sí. Empieza con una amplia forma de U como esta, y algunos volantes redondeados para hacer un peddle inicial estilizado. Después dos pedales más de forma similar que sobresalen por detrás y puedes agregar algunos detalles más a este centro en ciernes. Al igual que estas son formas de cuentas redondeadas. y estoy agregando dos pedales más grandes detrás de él. Después unos más en los lados y el frente para crear la impresión de pétalos florecientes, y estoy construyendo sobre los primeros pedales en agregar más a medida que me apetezca. Ahora crea un poco de variación haciendo a pétalos doblados como este y entre ellos agregan algunos más de esas pequeñas cuentas redondeadas. Después terminalo con un par de estambres. Ahora, he llenado todas las líneas que quería e hice algunas líneas de sombreado también. Aquí hay otra flor con la que practicar. Hacer una forma de pedal más grande, que en realidad son unos pétalos juntos que están conectados como uno, y este será nuestro punto de partida. Después añade unas protuberancias redondeadas encima de ella, como dentro de ella, y dibuja un par de pétalos en forma de loto a los lados, y luego dos más encima de ellos, dejando un hueco en el medio. Ahí agregas algunos más de esos bultos como un racimo de bayas o uvas, luego puedes agregar algunos pétalos más pequeños aquí y allá, o tal vez incluso rodeando toda la flor, y puedes hacer varias capas de estos dos. Entonces adelante y llénalo y mantendré este sencillo también, y guardaré los detalles divertidos y embellecedores a lo que voy a añadir el color. Aquí hay otras flores que comienzan con una pequeña reunión de pedales como punto de partida, y luego agregando unos pétalos oblongos u hojas en formas variables encima de ella. Después agrega algunos detalles y formas aquí y allá para que sea más interesante y no tan simétrico, y cuando haya rellenado los contornos, estoy agregando algunos detalles nuevos como estos nervios y observo que estoy haciendo seguros de que no están apegados a los contornos de la flor. Porque cuando vectorizamos estos bocetos más adelante y los editamos en Illustrator, quiero poder colorearlos o recolorearlos en otro color que los contornos y para ello, es mejor tenerlos separados. Ahora hagamos una flor un poco más avanzada. Este va a tener una inclinación y también un estambre estilizado. Hacer unos pétalos para empezar. Entonces hacemos este tronco como estambre emergiendo de esto, y al final, algunas pistolas o algo en diferentes formas, puedes variarlas algunas. Después de eso agrega algunos pétalos más que rodearán este estambre, creando un poco de profundidad a la flor y realmente sacando ese ángulo de inclinación. Ahora vamos a agregar algunos pétalos más grandes desde el centro. Va a ser como un Lirios o Lily como flor. Basta con hacer algunos bocetos, guiando líneas para estos pedales grandes y hacerlos todo el camino y variar un poco la forma de los pedales también. Ahora entra en cada pedal para darle a los bordes un poco más de carácter y puede ser espinas o volantes o flecos parejos, y también en algunos lugares, haz una línea adicional dentro del primer contorno como si el borde estuviera doblado y mostrando la parte inferior del pedal y ve si puedes hacer los bordes de los pétalos lo más irregulares posible, y porque al final, esto le dará un aspecto muy sofisticado y detallado. En este pedal le voy a dar una punta plana. Estoy haciendo otro borde doblado aquí y allá donde se puede ver la parte inferior del pedal asomando a través. Entonces le daré un poco de borde volante también. Entonces puedes darle algo de textura agregando nervios, por ejemplo. Cuando lo rellenas, puedes agregar aún más embellecimiento a los trazos y a la superficie, por lo que más líneas en su interior que podrían ser sombreado o una textura. Ahora hagamos otro estilo de flor y para ésta, no la vamos a hacer como vista desde un ángulo o inclinada como la anterior. Será más una flor vista desde el frente, y además vamos a practicar ese principio de variación para variar tanto las formas como el tamaño señalando y redondeado, pequeño y grande. Empecé con hacer estos tres pedales o sepales en forma de gota al revés. Entonces agrego un abanico más grande detrás de eso. En primer lugar, con sólo algunas líneas de guía y después agrego algún detalle a los contornos. Hacer un tallo bastante grueso. Es flor robusta. Después algunos sepales. Después agrega algunos pétalos puntiagudos de forma más pequeña y otra línea o capa. Entonces es hora de nuevas formas más grandes. Empiezo con algunas líneas de guía para la dirección correcta, y esta flor también es bastante simétrica en comparación con la anterior. Después completo las líneas de guía y los pétalos grandes. Entonces hago algunos detalles más con algunas formas dentro de estos grandes pétalos. Como pueden ver, dejé este hueco entre el medio propósito porque aquí volveré a hacer algunos de esos detalles muy buscados. Después encima de esos, algunos pétalos más o algo así. Entonces puedes elaborar sobre esto tanto como quieras, haciéndolo más y más detallado y más grande y más grande. Después sigue adelante y llénalo y agrega un poco más de textura y detalles si quieres. Te voy a dar una última flor con la que practicar y es una verdadera flora india clásica, que podría ser una dalia muy estilizada o algo parecido. Comienza con una caída al revés otra vez, agrega uno más en cada lado, y también puedes agregar un par de sepales luego agregar algunos más encima de estas gotas para elaborar nuestro punto de partida. Después encima de este boceto capa tras capa de pétalos redondeados hasta tener una bola de pétalos como esta, y rematar con un paso fijo. Entonces adelante y tintala. También puedes agregar algunos detalles y embellecimientos si te apetece o simplemente guardarlo para la cara colorante. Este fue todo un ramo de ejercicios florales y espero que te divirtieras con ellos. 17. Ejercicio 4: ramas: En esta lección, vamos a practicar dibujar algunos tipos diferentes de ramas, y las ramas de un patrón floral indio es probablemente uno de los componentes más importantes. Es la columna vertebral del patrón. Es el portador de todos los demás motivos y en ese sentido, creo que también es una de las partes más difíciles de este estilo de patrón. Porque es lo bien que distribuimos las ramas que harán armónica o no la impresión general. Los florales indios suelen hacer repeticiones bastante grandes también. El largo y sinuoso ramo que a veces se cruzan entre sí y esto exige alguna planeación de diseño para hacerlo bien. He encontrado que es un poco más fácil crear algunas partes de las ramas en bits más pequeños. Vamos a llamarlo módulos de sucursal, porque eso nos permite posteriormente utilizarlos como bloques de construcción cuando construimos el patrón en la computadora. Te mostraré un buen truco para planear las ramas y el diseño general en la próxima lección. Pero ahora, pasemos primero a los ejercicios de dibujo. Ya hemos tocado los diferentes tipos de ramas. Unos más grandes o más gruesos, medianos, y más pequeños o más delgados. Utilizas estos por separado o en combinación dependiendo de tu diseño. Empecemos y echemos un vistazo a cómo hacer primero ramas más grandes. El primer paso es hacer algunas líneas direccionales para cómo se extenderá la rama. Empieza con una rama principal y haz algunas curvas. Una buena regla es comenzar con una rama dividida, luego agregar al menos un par de ramas laterales. Cuando estés satisfecho con el diseño de la rama, empieza a dibujar los contornos, y ahora puedes hacerlo suave y limpio, o puedes hacerlo un poco yonkie y desigual. Ahora que tenemos nuestros contornos, podemos o simplemente mantenerlo de esta manera y después darle algo de color con los contornos o simplemente sólido. O podemos agregarle algo de textura y carácter. Aquí te dejamos algunos ejemplos de eso que puedes practicar dibujo también. Una de las texturas más simples es hacer estas líneas paralelas de eclosión a un lado de la rama, y esto le dará una impresión de sombra y redondez. Otra es darle una superficie más áspera, como alguna corteza con líneas que van a lo largo de la rama. O puedes usar otras líneas variables y cubrirlo con volantes y curvas como esta rama en este patrón. Ahora bien, si quieres, sigue adelante y practica dibujando estos tres tipos de ramas grandes. El primero sería líneas paralelas de sombreado para crear la impresión de sombra y redondez y el segundo tiene líneas siguiendo la longitud de la rama en su lugar, para crear la impresión de alguna corteza, y el tercero, donde dibujarás algunas líneas y volantes más variadas y ardientes. Otra forma de darle algún carácter a la rama es imitar un tipo específico de árbol. Aquí hay un ejemplo que se supone que es rama de aspecto de bambú. Primero hacer las líneas direccionales y algunos contornos ásperos. El bambú tiene un aspecto bastante característico. Está dividido en secciones y puedes crear esta impresión de diferentes maneras. Una es hacer estas secciones simples y luego puedes agregar algo de textura. Otra forma de dibujar las secciones podría ser así, y una tercera forma de crear la impresión del bambú es hacer que estas pequeñas formas puntiagudas se extiendan uniformemente en las ramas y luego tendremos las secciones de bambú en el medio. Se puede sombrear absolutamente las líneas. Si quieres probar a dibujar algunas ramas de bambú también, puedes probar estas tres. Este primero con algunas secciones simples con un medio ligeramente redondeado y extremos estrechos, y este segundo con una forma más triangular a la misma, y aquí le agregué algún embellecimiento en medio de sección, y el tercero con unos detalles puntiagudos que dividen la rama en sus secciones como bambú. A las ramas medianas lo dibujas con este mismo principio, realmente. Simplemente hazlas un poco más estrechas y esbeltas. Las ramas de tamaño mediano son a menudo sólo contornos y con un color de relleno. Pero hay algunos ejemplos divertidos de cómo darle un poco de textura y carácter extra también. Uno Es realmente simple, y eso es hacer que el contorno a un lado de la rama sea un poco más grueso que el otro y esto creará una impresión estilizada de sombra. Entonces puedes por supuesto, usar la misma manera que hicimos para la rama grande con líneas de eclosión como esta. Otra forma de darle un toque decorativo a las ramas es haciendo líneas ardientes u otras figuras a lo largo de las ramas. O puedes agregar puntos y círculos como este. Recuerda también que también puedes agregar textura y detalles en la cara colorante. No tienes que dibujarlas ni pintarlas porque quizá no quieras tener los contornos en tus datos. Simplemente los creas con diferentes colores. Ahora, inténtalo. Hacer algunas ramas sinuosas, de tamaño mediano. En primer lugar, utilice las líneas direccionales y después agregue contornos. Después para la primera rama, cuando lo rellenes con tinta, dale un contorno más grueso en un lado. Para la segunda, darás un poco de sombra con algunas líneas aseadas e incluso paralelas y también puedes hacerlas un poco más sofisticadas haciendo que cada segunda línea sea un poco más corta. Con la tercera rama, agrega algo de textura divertida e imaginativa. Prueba algunas diferentes y ve con qué se te puede llegar. Las ramas de pequeño tamaño son realmente solo una línea, una línea delgada, o un poco más gruesas. O puedes combinarlos o variarlos. Estos son algunos ejemplos de que puedes practicar el dibujo, hacer algunas ramas simples pero sinuosas, dividiéndose en dos o tres ramas separadas. O puedes hacerlo un poco más complejo y detallado. Incluso puedes crear la base para un cúmulo de motivos que se utilizará en el patrón como lo hice para este patrón. Para este en particular, realidad creé las ramas delgadas en módulos, arreglándolas al construir el patrón. Pero definitivamente podrías hacer este arreglo desde el principio en tu boceto inicial. Después podrás crear algunas ramas pequeñas que podrían utilizarse como rellenos o partes de los módulos. Este fue el último ejercicio y ahora vamos a ir al siguiente paso, uno muy importante y crucial de hacer un patrón floral indio, que está planeando tu patrón. Te veré en la siguiente lección. 18. Planifica tu patrón: Cuando creas un patrón de estilo floral indio, puedes, por supuesto, SketchUp los motivos y el patrón desde la parte superior de tu mente a medida que avanzas. Pero he descubierto que se vuelve mucho más fácil si primero haces un poco de planeación. Empieza con dar un poco de pensamiento en qué tipo de estilo quieres para tu patrón. Ahora puedes usar esas dos categorías que definí antes para guiarte a través de las variables específicas a considerar. ¿ Quieres una versión del estilo robusto indio, que sea más direccional y con ramas principales más gruesas, y florales focales exóticos y más complejos. O quieres algo más hacia el delicado estilo europeo, con una sensación peluda y esférica al mismo, y con ramas más delgadas y más uniformemente diseminadas. Después de mirar algunos de los patrones que te he mostrado, u otros florales indios que te has encontrado. ¿ Cuáles son los elementos que te llamaron la atención? La siguiente decisión a tomar es definir qué tipo de flora se desea incorporar. ¿ Quieres un indio tradicional o europeo? O ¿acaso quieres hacer una adaptación con tu propia versión como la flora hawaiana, australiana o una flora nórdica, tal vez utilizó la flora donde vives. Es hora de reunir inspiración y fuente de materiales. Encuentra algunas imágenes de patrones antiguos, o planes u consigue algunos planes reales para inspirarte y sacar de ellos. Cuando haya recopilado un montón de imágenes inspiradoras o quizás flores, recoja su material fuente en una carpeta de su computadora. El siguiente paso en el proceso de planeación es crear un tablero de inspiración. Siempre uso Illustrator cuando creo mi inspiración, o un mood boards porque me resulta fácil trabajar con. Abre un nuevo documento, como puedes ver mis interfaces en sueco, pero trataré de traducir esto para ti cuando sea necesario. Normalmente voy con un A3 o algo así. Ahora, volveré a mi carpeta donde guardé todas mis imágenes de inspiración, y solo seleccionarlas y meterlas en el documento de Illustrator. Aquí he arreglado todas mis imágenes en el tablero de arte y todas estas decisiones que has tomado hasta ahora, también pueden reflejar la paleta de colores que quieres usar. Si estás buscando un patrón de estilo tradicional del siglo XVIII, debes usar los colores tradicionales de estilo indio de los que hablamos en las lecciones anteriores. Esos lavados colores que se desvanecen. O si quieres hacer algo más contemporáneo, puedes experimentar con colores y más, y encontrarlos desde otras direcciones. Pueden ser solo colores que te gusten, tus colores favoritos o colores con los que has estado trabajando para una colección. Donde quiera incluir tal vez este patrón. O simplemente tira los colores de una fotografía que te guste. Ahora hay algo que tenemos que considerar cuando creamos nuestra paleta de colores, porque queremos imitar este look pintado que obtienes en un floral indio. Lo que vamos a necesitar es tener tres tonos diferentes de cada color que queremos incluir. En primer lugar, vamos a crear algunos cuadrados vacíos que entonces, vamos a llenar con nuestros colores. Vamos a tener un tono medio, un tono más oscuro, y un tono más brillante, un tono más claro. También podemos duplicarlo una vez más si queremos tener dos tonos más claros. Ahora tenemos esto, digamos que quiero tener un color rojo y un verde y un azul en mi patrón. Entonces necesito una de estas filas para cada color. Entonces quiero duplicar esta fila un par de veces más, por tantos colores como voy a necesitar. Haz unas filas como esta, y ahora vamos a tirar de algunos colores en estos cuadrados. Algo bueno es empezar primero con el tono medio, por lo que seleccionaré este. Esta es la fila para tonos medios, digamos. Ahora puedo usar una fotografía, por ejemplo, para escoger un color, o puedo usar un panel de color, y luego puedo simplemente dar clic y encontrar algo que me guste. O como dije, podría entrar y escoger un color de cualquier fotografía. Selecciono el rectángulo donde quiero colocar mi color, y voy a la herramienta cuentagotas o presionamos “I" en tu teclado. Ahora puedo entrar, en una fotografía y ver si puedo encontrar un color que me guste. Lo que puedo hacer es colorear todos mis colores de la misma manera para esta fila. Ahora quiero encontrar un tono más oscuro dentro del mismo rango de color que este tono medio. Aquí quiero tener mis colores oscuros en esta fila. Selecciono éste, luego vaya al Color de relleno y haga doble clic. Aquí puedo encontrar una versión más oscura de ésta y solo ver si puedes encontrar algo que funcione. Sólo tendré éste, y luego puedo hacer lo mismo para encontrar tonos más claros. Creo que eso va a ser bastante bonito, tal vez un poco más oscuro, para que cuando haga mis tonalidades y desvanecimientos más tarde cuando color, pueda hacerlo en diferentes pasos, así que éste, en realidad creo que va a ser un poco más brillante así. Entonces quiero seleccionar este, y éste va a ser realmente, realmente brillante, casi blanco, algo así. Ahora tengo una gama de colores. Entonces cuando entro y color mis flores, puedo usar el tono medio para el color más fuerte. Entonces donde quiera reflejos, puedo usar los más claros, y donde quiera tonos o contornos, puedo usar el tono más oscuro. En realidad tengo dos tonos medios, uno claro y otro más oscuro. Aquí he escogido unos colores para mi paleta de colores. Gama de tonos rojos, algunos tonos azules, algunos tonos verdes, y color tierra oscura, y también dos blancos apagados. Para meterlos en mi panel de muestras, primero quiero quitar algunos de estos colores estándar que no voy a usar. Ahora puedo crear mi grupo de muestras de colores únicos. Selecciona todos los colores que he escogido. Haga clic en el ícono de la carpeta pequeña, que es crear un nuevo grupo de colores. Entonces puedo ponerle el nombre prueba de Skillshare, y hacer clic, “Ok”. Entonces aparecerá en mi panel de muestras. Otra forma de encontrar colores para tu patrón es usar un libro de colores Pantone, que es lo que voy a hacer por mi patrón. He comprado este libro de colores Pantone llamado puente de color sobre recubierto, que muestra cada color Pantone en la equivalencia tanto de RGB MC como blanco. ahora puedo consultar estas muestras para encontrar los colores que quiero para mi patrón. He decidido usar una paleta de colores limitada con solo rojos y azules y el blanco roto por supuesto. Encontré estos usos rojos que me gustan bastante calientes. Entonces escojo esta gama de colores azul que creo que irá bien juntos. Entonces puedo usar los códigos Pantone para encontrar los colores exactos en Illustrator. Porque si has comprado un libro de Pantone, también puedes acceder a la biblioteca de colores Pantone directamente en Illustrator. Para encontrar tus colores Pantone, acude a tu documento de trabajo o a tu tablero de inspiración. Después ve a muestras por aquí y haz clic en el pequeño icono del menú. Obtendrás este menú desplegable. Ve hacia abajo y encuentra la opción “Abrir biblioteca de muestras”. Ahí encuentra la opción llamada Libros de color. Ahí encontrarás el color Pantone de los libros. Pero como dije antes, solo estarán disponibles para ti si has comprado uno. Mi libro de colores se llamaba puente de color sin recubrimiento, así que escogeré este. Ahora puedo ingresar su código Pantone para los colores que me gustaron, y luz uno. Entonces sólo voy a seguir adelante y hacer eso por todos los colores que quiero. Aquí tengo mi paleta de colores, y elegí tener cinco rojos y cuatro azules, y uno de blanco apagado. Esto es para empezar por al menos entonces veremos qué pasa cuando empiezo a colorear en mis motivos, y a ver si me faltan algunos colores que quiero agregar más adelante. El último paso es hacer un plan áspero de cómo quieres diseñar tu patrón. Esto realmente te ayudará a encontrar un flujo general que funcionará. Cuando se tiene una noción de esto, va a ser mucho más fácil cuando empecemos a dibujar nuestros motivos. Porque sabremos qué tipo de motivos necesitamos. Para planear un layout, tengo un truco realmente genial, que te mostraré en la siguiente lección. 19. Plan de disposición/composición/diseño: Antes de empezar a dibujar las flores, y las hojas, y las ramas, es bueno tener un plan inicial para el diseño del patrón 2, y qué tipo de elementos necesitas, y también aproximadamente cómo deben verse y cuántas variaciones necesitas de cada motivo. Planear primero el diseño y los componentes también hará que sea mucho más fácil una vez que empecemos a construir nuestros patrones para crear una repetición armónica fluida e integrada que no tenga agujeros ni demasiados elementos similares agrupados en uno lugar, creando impresiones extrañas y desiguales. Para esto, te mostraré un truco realmente divertido, perfecto para usar para este tipo de patrones botánicos bastante complejos con mucha variedad en una media gota recta o disposición de azulejos. He aprendido esta técnica de un diseñador sueco llamado [inaudible], que ha sido diseñador jefe de un par de las compañías de fondos de pantalla más grandes aquí en Suecia. Todo lo que necesitas es un bloque de postes cuadrados, un lápiz, y un borrador es bueno tener una mano para. En primer lugar les voy a mostrar cómo hacer esto con una repetición recta, lo que significa que el patrón se repetirá directamente a un lado y recto verticalmente también. Ahora saca cuatro postes y colóquelos uno al lado del otro así. Ahora vamos a bosquejar los primeros elementos. Empezaremos con los tallos o las ramas principales. Algo así. Realmente simple. Haré algunas flores principales. Quiero una flor aquí. Simplemente haciendo algo realmente rudo aquí, solo para tener algo. Aquí tendré una flor en forma de estrella, tal vez. Aquí, voy a otra flor grande. Está bien si cruzan las fronteras. Estos son los primeros elementos, y pueden necesitar algo aquí también. Ahora, quiero repetir lo que he dibujado sobre los otros también. Por suerte, los postes son bastante transparentes. Se puede ver un poco a través de ellos. Ahora, voy a copiar todo en el primer postet exactamente en este segundo. Ahora haré lo mismo en los otros. Ahí. Ahora lo tengo todo. Lo que no tengo es esa flor, así que yo también lo haré. Aquí tengo el primer borrador del patrón. Ahora puedo ver que aquí tengo un gran agujero. Aquí es donde puedo empezar a agregar cosas ahora. Podría bajar con éste o simplemente puedo hacerlo un poco más sofisticado y seguir con esta rama por aquí, lo que la hará un poco más compleja. Simplemente haré una flor diferente por ahí quizá. Ahora tengo que repetir eso también en todos los demás. Entonces tengo que repetir éste, éste, y todo eso de ahí. Empezaré con repetir la flor en todos ellos. Aquí tengo la repetición completa donde todo se repite en las cuatro plazas. Ahora puedo obtener una mejor visión general del diseño del patrón, y puedo agregar las hojas aquí y allá, y luego solo tengo que repetirlo en los cuatro cuadrados postet para poder ver donde se agrupa tal vez. Aquí está recta repetición. Ahora vamos a echar un vistazo a cómo hacer lo mismo para una repetición de media gota. Vuelve a tomar tu paquete de postes. Esta vez, doblarás cada postet por la mitad para que puedas encontrar el medio. Ahora haces lo mismo que con una repetición recta. Dibujas algunos elementos, algo así, y luego lo repito en los cuatro. Ahí. Ahora reviso mi patrón para ver qué funciona y qué no. Aquí fue una extraña transición. Aquí es donde puedo entrar y tal vez hacer que esta línea sea un poco más natural. Entonces puedo ver que puedo conectar estos quizá. Veamos qué más. Puedo conectar estos tal vez y sólo ver qué puedo encontrar. Entonces puedo agregar hojas y otros objetos que creo que mejorarán el patrón. Esa fue la media gota. Entonces está este tercer principio de disposición que también puedes aplicar, que es el diseño en mosaico, y luego simplemente colocarías los postets con la gota horizontalmente en su lugar. Simplemente usaré estos para mostrarte a lo que me refiero. Tendrías que doblarlo de esta manera en su lugar, pero ahora solo lo voy a mirar más o menos para ver dónde deben encontrarse. Ahora este patrón no funciona bien, pero pones tus postets así en su lugar, y luego dibujas tu motivo. Ahora puedes usar estas notas, estos bocetos de diseño, como referencia cuando comienzas a planear qué elementos y motivos como las flores u hojas que deseas para tu patrón. También te da un plan de cómo dibujar tus ramas, ya sea que quieras hacerlas como módulos o más o menos completos desde el inicio en tu papel de bocetos. También puedes escanear y escalar estos bocetos a proporciones más grandes, luego imprimirlos y utilizarlos como base para tus bocetos de motivos y dibujos finales, pues con esta técnica, es más fácil ver qué sucederá con el patrón y decidir qué tipo de maquetación y motivos desea utilizar. Aquí está mi plan de maquetación postet para mi patrón. Como puedes ver, ya está bastante detallado. Ahora es momento de empezar a dibujar nuestros motivos, así que los veré en el siguiente segmento. 20. Dibujo de los motivos 1: las ramas: Voy a empezar con las ramas, y como pueden ver en mi boceto post-it, mis ramas están sin fisuras. Están integrados entre sí. Cuando escale esto y dibujaría éste en una sola pieza, sería un dibujo muy grande. Lo que quiero hacer ahora es dividir todas estas ramas en los llamados módulos que me serán mucho más fáciles de manejar y darme algo de flexibilidad cuando empiezo a armar el patrón. Pero este boceto post-it será el plano de mi patrón al que me puedo referir más adelante. Llené un poco las ramas para que sean más claras y visibles y también porque voy a escanear mi boceto post-it y luego imprimir una versión escalada de ésta, y ésta será una plantilla para mí cuando empiece a dibujar mi módulos de ramas. Para mis sucursales, ahora puedo ver donde puedo dividir esto. Creo que este de aquí probablemente podría ser un módulo. Yo lo desconectaré por aquí, y luego tengo otro, ese será éste. Quizás un poco demasiado largo y tal vez, sólo lo dividiré en éste y luego éste, y entonces el último podría ser un módulo como este. En realidad, sí tengo otro por aquí que necesito. Pero como pueden ver, tengo unas flores por aquí y aquí que estarán conectando elementos donde pueda conectar mis ramas más adelante. Ahora, sólo voy a golpear el escaneo. Aquí está mi boceto post-it. Todo lo que realmente necesito es esta sección aquí del boceto, y puede ser en blanco y negro, ni siquiera tiene que ser color porque esto es solo para tener los bocetos como referencia o plantilla, y ni siquiera creo que tú necesitan tener tan alta resolución como 300. Pero sólo me quedaré con eso y luego lo llamaré, y se ha ido. He creado un nuevo documento con un gran tablero de arte. Esta es una talla A3 porque creo que escalaré mi boceto post-it a tamaño A3. Voy a conseguir mi escaneo. Simplemente tira de él en Illustrator, y ahora sólo voy a escalarlo hacia arriba. He escalado mi boceto post-it y lo he colocado en el tablero de arte para poder hacer una impresión del mismo, y ahora solo voy a seguir adelante y golpear “Imprimir”, y aquí tengo una impresión de mi boceto post-it, escalado un poco. Aquí tengo un papel tamaño A3, y lo que voy a hacer ahora es transferir mis ramas a una nueva pieza de papel de bocetos. Ahora voy a dibujar los diferentes módulos sobre este papel donde puedo hacer muchos más detalles ahora cuando lo he escalado. Simplemente lo pondré por aquí, y sé que la discapacidad no es perfecta. Si tienes una caja de luz, eso será útil o si la sostienes a una ventana, incluso puedes usar un papel de calco. Pero, solo me voy a rudo y siempre puedes levantar tu papel y ver a dónde vas. Voy a empezar con este módulo por aquí. No necesito éste porque éste es parte del otro regando aquí. Voy a empezar. Aquí tengo algunas líneas rugosas para mis diferentes módulos de ramas, y ahora puedo empezar a dibujar los contornos. También haré algunas ramas extra, ramas más pequeñas que puedes agregar aquí y allá donde sea necesario. Yo opto por tener sucursales principales de tamaño mediano. Tendré contornos o contornos, pero no muchos detalles o texturas ni un tono a mis ramas. Entonces también puedes echar un vistazo a tu boceto rudo para ver si habría un lugar donde querrías agregar algunos más pequeños, como ramitas o lugares donde puedas adjuntar pequeños detalles como hojas o flores pequeñas más adelante. Esto es algo que podemos tener de utilidad para tal vez. Aquí están mis módulos de sucursal con contornos. Cuando estaba trabajando en esto, tenía alguna idea de que tal vez podría tener algunos volantes añadidos, que me puedo pegar aquí y allá para embellecer las ramas, y voy a usar papel de calco ya que no tengo una caja de luz y solo empezar a trazar mis módulos de sucursal y encajarlos en este papel tamaño A4. Simplemente seguiré haciendo esto para todas mis sucursales. Aquí están mis trazados terminados. Hice éste con contornos más suaves, y logré encajar todos mis módulos en este papel. ¿ No es eso muy efectivo de mi parte? Después hice otra versión con las ramas hechas un poco más ásperas con bordes desiguales especie de, y ahora es momento de empezar a dibujar algunas flores creo. 21. Dibujo de los motivos 2: las flores: Es hora de la mejor parte de este proceso, que es dibujar las flores donde se llega a ser la más creativa en todo el proceso. Empiezo por referirme con mi boceto publicado, y solo para ver qué tipo de flores tenía en mente cuando empecé a bosquejar esto. Tengo algún tipo de cosa de loto aquí, y aquí tal vez, y luego está esta otra versión por ahí. Tengo unas flores de forma redonda, ésta, y ésta de aquí, y hay algo más pasando, ésta. Con cada tipo de flor que hagas, un consejo es hacer como tres o cuatro versiones del mismo tipo de flor, para que puedas alterarlas y escoger la mejor cuando empieces a armar tu patrón. Entonces, solo empieza a bosquejar, consulta tu boceto publicado de vez en cuando, y luego también puedes echar un vistazo a los ejercicios que hiciste antes, y ver qué se te ocurre. Otro gran consejo para ti es cuando se trata de tamaño de tus motivos, intenta mantener el tamaño de tu dibujo aproximadamente del tamaño de tu mano o de tu palma, pues ese será un gran tamaño para incluir suficientes detalles, pero no demasiados. Aquí tengo algunos bocetos de flores, e hice todo un montón de ellas. Algunos de ellos son simplemente bocetos realmente rudos porque trabajé en ellos con más detalle y más autoridad cuando los rastreé, y voy a mostrar en un segundo. Hay algunos otros más grandes, y luego tengo las huellas. Entonces para éste, unas flores grandes y algunas medianas, y otra, y esta. Como pueden ver, acabo de hacer más o menos algunos contornos con algunos pequeños detalles también, pero la razón es por la que me acabo de centrar en los contornos aquí con mis trazados, es porque voy a agregar los detalles y las diferentes capas dentro del pétalos y las hojas con los colores más adelante. Ahora estos están listos para escanear, pero antes de empezar a escanear nuestros dibujos, necesitamos hacer algunas hojas también. Entonces los veré para eso en el siguiente apartado. 22. Dibujo de los motivos 3: las hojas: Volver a mi boceto publicado y echemos un vistazo a las hojas que puse aquí abajo. Bueno, son algunas diferentes, pero para mis hojas, tengo un plan en la cabeza. No estoy seguro de que sean estas formas firmes como o espinosas de hoja tal vez un poco. Pero lo que haré es hacer como tres o cuatro tipos diferentes de hojas para alterar y mezclar. Echemos un vistazo a los bocetos. Los bocetos que he hecho hasta ahora son un poco redondeados y detallados. Me inspiró un par de los patrones que tenía en mi tablero de inspiración. Aquí hay un tipo de hojas. Después hice un segundo boceto con algunas hojas alterantes también. Aquí hay un tallo donde puedo conectar una flor extra si quiero y algunos otros rellenos como estos. Esta es una mezcla de ambos, es a la vez flores y hojas y esta y otra. Creo que tengo suficiente para empezar a construir un patrón con estas hojas también. A medida que voy, podría descubrir que necesito algunas hojas más. Creo que en realidad podría hacer algunos bocetos más con algunas hojas más pequeñas por si acaso. Ahora sólo tengo que ir a rastrearlos. Tengo un montón de dibujos rastreados aquí. Esas hojas para las que te mostré los bocetos. Aquí hay algunos otros. Cuando seguí yendo y rastreando, sólo se me ocurrió un montón de ideas nuevas e hice algunas hojas más. Terminé con toneladas de hoja, pero ahora tengo al menos algunas para elegir. Al igual que este, decidí que voy a tener algunos detalles para colorear entre aquí, pero sin contornos. Por eso dejé eso fuera. Eso es algo que un principio que estoy aplicando a muchos de los bocetos en realidad, como las hojas se van a rayar y en este tallo por aquí también, tendremos pequeños puntitos como brotes o pequeñas flores quizás. Pero no quiero tener contornos para ellos, así que por eso los dejé fuera y lo haré a mano alzada más adelante en Illustrator. Después a un pequeño detalle divertido. También quería tener algunos insectos en mi patrón. He encontrado algunos en un par de los patrones que tengo como inspiración y dibujé algunas mariposas y abejas florales o lo que sea que me pegaré aquí y allá en el patrón. Estos van a ser muy divertidos de colorear, creo. Ahora tengo todos los dibujos y trazados y motivos que necesito, creo. Si tengo que añadir un poco más, lo haré más adelante cuando llegue el patrón. Pero ahora es el momento de escanear a todos estos bebés. 23. Digitaliza tus motivos: Ahora he puesto dos de mis primeros bocetos trazados en el plano de mi escáner, y ahora vamos a hacer algunos ajustes. Como ves, mi interfaz sigue en sueco, pero te traduciré. Con el primero, el tipo que puedes elegir blanco y negro porque no necesitamos escanear ningún color. Cuando se trata de resolución, 300 DPI es más que suficiente pero si quieres, definitivamente puedes subir. Pero para mí creo que me quedaré con 300. He creado una carpeta en mi carpeta Patrón a la que llamo Escaneos, y ahí es donde guardaré todas mis ilustraciones escaneadas. Entonces nombraré mis escaneos, algo así como Skillshare floral indio. Entonces cuando se trata de la configuración de la imagen, podemos usar los ajustes estándar. Eso en realidad es bastante bueno. Pero si quieres mejorar tus escaneos y hacer que la discapacidad sea un poco mejor, entonces estos son los presets. Después podrás jugar con brillo arriba y abajo, y luego contrastar para ver qué te dará el mejor escaneo. Creo que con brillo en algún lugar del medio y luego aumentar el contraste funcionará bastante bien para mis escaneos. Después selecciona todas tus ilustraciones. Asegúrate de que todo esté incluido en este cuadro, y pulsa “Escanear”. Entonces solo tienes que seguir adelante y hacer eso con todos tus trazados. Para mí, me va a llevar un rato. Te veré del otro lado con todos los trazados escaneados y listos. Aquí tengo todas mis ilustraciones escaneadas bien recogidas en la carpeta Escaneos. El siguiente paso es vectorizarlos. Los seleccionaré y los tiraré a un nuevo documento de Illustrator. Después seleccionaré mi primera con las ramas, y para vectorizarlas, usaremos la herramienta de traza en vivo. Obtendrás esta ventana Configuración. Podemos bajar a Avanzado, abrimos eso para arriba, y aquí encontrarás algo que diga “Ignorar blanco” y marca esa casilla. Entonces la herramienta de traza no salvará las áreas blancas. Entonces puedes jugar con los valores por aquí si es necesario. Pero no voy a entrar demasiado en esta función esta vez. También puedes quedarte en blanco y negro y luego solo tienes que ir con los preajustes. Puedes elegir el logo 2 en blanco y negro, pero luego seguirás teniendo las áreas blancas. Yo sólo iré con éste porque eso definitivamente es suficiente para lo que necesito. A continuación, haga clic en “Trazar”. Aquí tengo mis sucursales. Ahora están rastreados, pero ahora necesito expandir esto y luego vas a “Objeto”, haz clic, “Expandir”, y solo presiona “OK”. Todas mis sucursales ahora están vectorizadas. Pero cuando haces eso con una herramienta de rayos de luz de alguna manera agrupará todo. Ahora tengo que desagruparlo yendo a Object, nuevo, Ungroup, y probablemente tengas que hacer esto un par de veces. También necesitamos hacer un poco de pulido, algo de edición. Por ejemplo, puedo ver que esta rama de aquí tiene un deformado por alguna manchada de tinta, supongo. Selecciona aquel que necesites editar, y luego usaré el borrador y solo bajaré éste así. Es posible que tengas que suavizar un poco las líneas también. Entonces puedes, manteniendo tu forma seleccionada, ir a la herramienta lisa y la encontrarás debajo de la herramienta Shaper, y luego si la sostienes hacia abajo, encontrarás la más suave. Entonces solo puedes ir con esa pequeña cruz así, y suavizará las líneas. Entonces puedes ir por todas tus ilustraciones rastreadas y vectorizadas y ver si necesitas pulir un poco más. El siguiente que hay que hacer es agrupar todas las ramas. Porque si le echan un vistazo a estos tipos de aquí, esta rama aquí consta de dos líneas, y si solo selecciono una y la muevo, no está conectada a la otra, pero quiero que esta rama sea una forma que se pegue. Seleccione ambos y luego presione Comando G, y ahora está agrupado. Entonces tengo que hacer esto con todas mis ramas que tiene líneas o elementos que no están demasiado conectados. Aquí he pulido y agrupado todas mis ramas y las seleccionaré todas y ahora las voy a escalar hacia abajo, y acabo de dejar a estos tipos a un lado. Ahora rastrearé el resto de mis dibujos y puliré y grupo. Aquí le llega a mis pequeñitos favoritos. Creo que me gustaría hacer un patrón con sólo estos pequeños bichos que serán divertidos. Ahora tengo todas mis ilustraciones digitalizadas escaneándolas y vectorizándolas. Ahora están listos para colorear. 24. Colorea tus motivos con gouache: Ahora es momento de empezar a colorear nuestros motivos y te mostraré dos técnicas para esto, una es analógica y otra digital. El primero que te mostraré es ir auténtico por colorear con acuarela o preferentemente lavar o quizá marcadores, y esto se puede hacer en la computadora, claro, ahora volveré a dar un paso atrás y usé el papel [inaudible]. Lo que vamos a hacer ahora es crear un archivo de impresión con nuestros motivos. Imprímelos en papel de acuarela o los papeles adecuados para los medios que desee utilizar. Después pintaremos nuestros motivos, escanearemos las áreas pintadas, las vectorizaremos, y los emparejaremos junto con tus contornos vectorizados que acabamos de hacer. Aquí te mostramos cómo puedes crear un archivo de impresión de trabajo para colorear tus motivos. Empieza por crear un documento y tablero de arte con el mismo tamaño del papel en el que quieres pintar. Empezaré con crear un nuevo documento, suficiente para mostrarte como ejemplos, he escogido algunos motivos que voy a colorear. Ahora, vamos a arreglarlos y redimensionarlos un poco que sean un buen tamaño para pintar. Quieres que sean lo suficientemente grandes para poder incluir la cantidad de detalles que deseas en tus motivos. Simplemente los redimensionaré y creo que ese principio de usar la palma de tu mano como medida para el tamaño de tus motivos es bastante bueno. Algo así. Ahora los he metido en este tablero de arte. Vamos a usar esta impresión como nuestra plantilla de pintura por así decirlo, pero aquí no queremos tener estos contornos negros tono porque podrían brillar a través del color. Vamos a escoger, tan gris claro como sea posible, pero aún así poder ver el contorno, por lo que esto podría ser un poco demasiado brillante, creo. Éste está bien, y ahora es el momento de imprimir esto. El primero que tenemos que hacer es mezclar los colores que vamos a usar, y estoy usando un conjunto de colores gouache. Creo que el gouache para este propósito es la mejor opción porque lo necesitas para ser muy sólido y no brillar demasiado. No quieres que los colores sean demasiado gradientes porque eso va a ser difícil de vectorizar y crear motivos demasiado complejos. He elegido un rojo oscuro en el que estoy mezclado con un negro solo para oscurecerlo un poco, y rojo y blanco. No es realmente importante el uso exacto o los colores que vamos a usar. Lo más importante es que tengas los cuatro colores o la cantidad de colores que vas a usar que se distinguen y se separen entre sí. El contraste se distingue porque necesitamos escanearlos y poder vectorizarlos por separado. Voy a mezclar un poco mis colores. Necesito un tono medio rojo oscuro y rosa claro o algo y mezclar en un poco de agua ahí. Entonces necesito uno que sea casi blanco, como muy brillante de todos modos. Como dije, lo más importante es que se tiene para en contraste, colores realmente separados que serán más fáciles de escanear y más adelante y vectorizar. Empecemos a pintar, y empezaré con mi flor aquí. Comienza primero con el color más brillante. Tienes que usar el pincel que sea adecuado para tus detalles. Podría tener que usar uno más pequeño solo para los bordes. Este es el trabajo de terapia. Ahora recuerda que estamos imitando el trabajo de los pintores de telas del siglo XVIII, y no tengo que pintar todo el camino, porque voy a tener unos tonos más oscuros en capas. Ahora solo tengo que dejar que esto se siente y se seque antes de continuar con esta segunda capa, y mientras tanto, puedo empezar con la hoja. Cuando empieces a pintar, verás que esto realmente requiere alguna planeación antes, necesitas saber exactamente qué color necesitas aplicar dónde y en qué orden poder capas de la manera perfecta. A veces cuando se quiere tener acentos blancos como puntos o líneas que en una trama pintada realmente sería un área sin color donde el reloj blanco brillaría y crearía los acentos. Al usar gouache o acuarela, podrías usar líquido de enmascaramiento para lograr esto. Si no tienes eso, solo puedes empezar a aplicar puntos de gouache encima, y eso también funcionará. Ahora voy a aplicar la segunda capa de rosa, que va a ser un medio tono a esta flor de aquí. Voy a empezar y tampoco tengo que hacerlo todo el camino en el medio porque voy a usar un tono más oscuro en el medio. Ahora quiero imitar los trazos de pincel, algo así, y luego haré lo mismo en los pedales. Esa fue la segunda capa para la flor, y ahora he empezado a aplicar estas líneas más oscuras. Empieza por mi próxima capa roja. Para esto, tengo un rojo más oscuro. Veamos si esta herramienta de pintura será suficiente. Ahora tengo los acentos blancos que quedan para mi hoja. Como ves, al usar gouache o incluso si utilizarías marcadores, tendrías que trabajar en capas para aplicar los diferentes detalles y acceso a tus motivos. Para mis sucursales, solo quiero un color de relleno. Ahora bien, si eres una rama tendría detalles como esas líneas de sombreado, tendrías que hacer el mismo principio aquí con aplicar una capa base y luego pintar esas líneas encima de esto. No lo arrastremos, pero le daré una oportunidad, como con el delineador fino o el bolígrafo de pincel. Esto crea un aspecto completamente diferente a lo que un pincel herramientas en Illustrator jamás lo hará. Cuando has coloreado todo en tus motivos con capas como esta, es hora de escanear los colores también. 25. Digitaliza tus motivos pintados: Coloca tus motivos de color en la cama plana de tu escáner, y en esta ocasión necesitamos escanear colores. Para este ajuste aquí, eliges color. Creo que 300 DPI también estarán bien por esto. Como se puede ver, esto no es mostrar los colores tan fuertes como queremos que lo hagan. Vaya al modo Manual para la configuración de la imagen. Ahora veamos cómo podemos realzar los colores en esta imagen. Asumir el brillo no va a hacer nada por nosotros, pero bajarlo un poco los hará más visibles. Entonces también podemos jugar con los tonos de color. No creo que eso hiciera nada por mí. Veamos con calidez. Bueno, tal vez si lo hago un poco más caliente, ya veremos. Después saturación. Aquí es donde creo que podemos marcar la diferencia. Todo lo que necesitamos ahora es que el escáner registre las áreas coloreadas lo mejor que podamos. Creo que para esta flor de aquí, solo necesito tres colores realmente para registrarme. Este rosa claro, el tono medio, y el oscuro. Ve que son gradientes un poco, pero veremos cómo podemos ajustar eso cuando lo vectoricemos más adelante en Illustrator. También para la hoja, creo que puedo ver claramente que hay tres azules diferentes, o dos azules y uno blanco. A ver si podemos trabajar con eso. Lo que quiero hacer ahora es seleccionar las áreas que quiero escanear, y luego vamos a golpear el escaneo. Después recogeré mis imágenes escaneadas y las meteré en mi documento de Illustrator. Empezaré con éste. Ahora necesitamos trazar en color, y solo quiero tres colores, así que lo bajaré a ocho y veré qué pasa. Creo que esto va a funcionar. Lo que voy a hacer ahora es limpiar todo lo que no quiero, y luego vamos a disminuir la cantidad de color. Primero empezaré con expandirme, y luego desagruparé todo. Ahora empezaré a quitar los colores que no quiero. La forma más fácil de hacerlo es seleccionar uno de los colores, ir a Seleccionar, Misma, Rellenar y eliminar. Entonces lo haré con el siguiente. Ahora he terminado con celeste, por aquí aparece casi turquesa, y dos azules. Ahora solo quiero en realidad dos colores porque el blanco va a ser un color separado. Lo que puedo hacer ahora es seleccionar este azul verdoso y convertirlo en azul claro. Entonces puedo ver que hay algunas zonas con alguna otra verde. Seleccionaré eso y también lo haré el mismo azul claro. Ahora transformaré esas rayas azules en un mismo color también. Escogeré este azul oscuro, y luego cambiaré esto por mi azul oscuro en su lugar. Entonces lo hago con el resto de los tonos azules de color que tengo y simplemente los hago azul oscuro en su lugar. Ahora parece que todas mis rayas pintadas solo están consistentes en el azul oscuro y el blanco son sin color, y entonces tengo este color base azul claro. Si pongo esta hoja ahora sobre un fondo coloreado, un fondo blanquecino, ese brillará con estos blancos. Ese es en realidad el efecto que quiero lograr porque recuerden, en un paño pintado, los reflejos blancos son en realidad área no coloreada. Ahí es donde brillará la tela. El último que tienes que hacer es seleccionar todo y agruparlo porque esto consiste ahora en pequeñas piezas. Todos esos pedacitos y piezas ralentizarán tu archivo y lo harán tan pesado. Una cosa es disminuirlas fusionándolas. Selecciona una de las piezas azul oscuro, y luego selecciónalas todas, luego ve a tu pathfinder y únete a todas ellas. Ahora tendrás mucho menos piezas de las rayas azul oscuro. Ahora echemos un vistazo a esa flor y veamos cómo va a salir ésta. Ahora haré lo mismo con este color, y lo disminuiré en probablemente un poco menos que la última vez, y a ver qué pasa. Está bien, no tan bien. Necesito subir un poco los colores con 16 colores y ver qué pasa. Ahora sí tengo toda la forma que necesito, así que me quedaré con esto, y ahora tenemos que hacer algún trabajo en la flor. Ahora veamos si podemos eliminar todas estas áreas no deseadas, ahí. Ahora en realidad tengo una flor bastante bonita. El único lugar donde realmente no está cubierto o sólido es por aquí, pero sólo tendremos que trabajar con eso. Ahora puedo entrar y reemplazar los colores, pero esta vez tenemos 16 colores que tenemos que encontrar y reemplazar. Una forma de hacerlo es seleccionar toda la flor y crear un nuevo grupo de colores utilizando el color de la flor. Ahora hagamos 16 cajas, y llenemos cada una de ellas con los colores por aquí. Ya que ya había quitado dos colores que rodeaban la flor, era sólo 14 colores, así que me limitaré a quitar las dos últimas cajas. Ahora vamos a encontrar todos estos colores dentro de la flor, y haremos el mismo truco que he hecho antes. Ahora seleccionaré éste, y al seleccionar Same y Rellenar, ahora encontraré todos los mismos colores que éste. Entonces usaré una de las flores de color rojo oscuro de mi paleta de colores. Después voy con el siguiente y hago lo mismo, selecciono Lo mismo, y luego los encontraré, y solo usaré el mismo color. Entonces pasaré por todos estos colores. Ahora ya he encontrado todos los colores para la parte media, y lo que voy a hacer ahora es quitar estos top con ese color, seleccionar uno y todo el resto de ellos. Ahora solo tengo seleccionada esta parte central, y me uniré a ellos. Ahora haré lo mismo por la parte media de la flor. Entonces sólo tengo tres colores para la parte exterior de la flor. Aquí está mi flor, y creo que voy a hacer que ésta sea un poco más brillante, y recuerda agruparla. Después para el toque final, encuentras que contornos para estos motivos y los coloca encima. Vuelve a colorearlos si quieres tener otro color para ellos. A continuación, colorearemos con Illustrator. 26. Colorea tus motivos digitalmente: Para la segunda técnica de coloración, todavía vamos a pintar los motivos, pero esta vez lo haremos digitalmente en Illustrator usando el cubo vivo y las herramientas de pincel. De esta forma, se puede crear un poco de una impresión auténtica para no al grado de usar gunge, sino donde el beneficio de poder editar y adaptarse mucho más fácilmente mientras pinta. Voy a empezar con las sucursales. Seleccionaré la primera colección de ramas que hice, escalaré y creo que voy a poner de lado a estos pequeñitos por ahora y concentrarme en las ramas. Una forma de colorear tus ramas es llenarlas con la herramienta Live Bucket. Pero como pueden ver, mis ramas, no son formas encerradas. Para poder utilizar la herramienta de cucharón, es necesario tener formas cerradas. En primer lugar, seleccionaré mi sucursal Quiero colorear. Ahora haz doble clic para entrar en modo de aislamiento y ahora escoge un color con el que quieras colorear tu rama y la herramienta Pincel de blob y ahora vamos a hacer esos pequeños finales como este. Después selecciona todo, luego pasa a la herramienta Live Bucket, ahora con el mismo color que usas para tus finales. Ahora puedes simplemente entrar y colorear todo en un solo barrido. Ahora necesitamos arreglar esos finales sin embargo. Para poder hacer cualquier cosa, necesitamos primero ampliar el efecto que creamos con la herramienta Live Bucket y asegurarnos de que lo hayas desagrupado hasta que no puedas desagruparlo más. Una forma de limpiar las terminaciones es borrar los pedacitos y piezas sobrantes que se crearon. Entonces también tendrás bordes limpios y afilados. Esta es la forma más rápida de colorear tus ramas. Otra forma que es un poco más dolorosa es usar la herramienta Brocha Blob y pintar tus ramas. Nuevamente, selecciona tu sucursal que quieras colorear y creo que lo mejor es entrar en modo de aislamiento. Ahora escoge el color con el que quieras pintar y ve y selecciona la herramienta Pincel de blob. Ahora empieza a pintar encima de esto y la cosa es, probablemente pintarás fuera de los contornos, pero eso es lo que pasa. Porque queremos lograr ese look imperfecto que obtienes cuando pintas. Pintarás un poco afuera. Será un parejo y estoy usando tablet webcam, que es mucho más fácil que hacer esto con un ratón. Ahora para rellenarlo, selecciona el área rosa y en lugar de la herramienta Cubo, vamos al Constructor de formas. Pero ahora queremos que los contornos estén arriba. Con el área rosa seleccionada, ponlo en la parte posterior. Ahora tengo un look más de nuestro pintado para las ramas. El siguiente paso es colorear todas tus ramas y lo voy a hacer con mis ramas, pero voy a usar la herramienta Live Bucket porque es un poco más rápido que con la herramienta Brocha Blob. Todas mis ramas ahora están coloreadas pero no serán de color rosa con contornos negros. Definitivamente los volveré a colorear más adelante, pero por ahora, tengo las materias primas para mi patrón y eso es todo lo que necesito en este punto. Voy a juntar estos sólo para tenerlos bien y ordenados. Los seleccionaré a todos y los bajaré y solo los dejaré a un lado por ahora, e iré a colorear los siguientes motivos y me iré con éste creo. Esta hoja voy a colorear con la ayuda de la herramienta Brocha Blob. Voy a acercar un poco y empezar, y ahora voy a pintar justo encima de los contornos así. Yo quiero tener ese look pintado con sus perfectas imperfecciones. ¿ Qué letra es esa de qué canción? Voy a hacer esto a todo el contorno y cuando haya dado un círculo de toda la hoja así, seleccionaré este contorno azul que acabo de crear, voy a Shape Builder y hacer esa forma. Ahora cuando aún está seleccionado, podemos ir a Object, Sort y [inaudible] back. Para esta hoja, solo quiero tres colores. Yo quiero el fondo azul, y luego quiero un azul oscuro para los contornos y las líneas nerviosas. Entonces quiero tener reflejos blancos para el nervio medio y algunos acentos como lo hice con la hoja de pintura acuarela. Empezaré por hacer los contornos azul oscuro en su lugar. Selecciona la herramienta Pincel de blob y mi color blanco y vamos a acercar, y luego solo tengo que empezar a pintar. Si quieres elevar algunas de las desnivelaciones, y puedes usar la herramienta lisa para ajustarla un poco. Creo que eso va a ser agradable y luego quiero que los acentos nerviosos entren también por los lados. Ahora van a haber algunas piezas sobresaliendo que no voy a querer lucir así porque se parece tanto a que he usado la herramienta Brocha Blob así que esto es algo que puedo ajustar después. Ahora he pintado todos los nervios blancos, los reflejos blancos que quería para esta hoja, y creo que se ve bastante bien. Todo lo que tengo que hacer ahora es seleccionar los contornos y llevarlos al frente. Ahora hay algunas imperfecciones que no quiero, y puedo entrar y suavizar en algunas de las áreas como esta para que se consiga un poco de una transición más suave en estos rincones aquí, y solo quitarte esas cosas donde lo puedas ver hecho con una herramienta Pincel de blob. Lo que también tengo aquí ahora son unos pedacitos y piezas pegan afuera donde definitivamente se ve esa redondez, ese extremo de la herramienta Brocha Blob. Ahora probablemente puedas hacer una máscara de recorte para esto. Pero lo que voy a hacer es justo cómo seleccionó el área blanca e ir y borrar esos pedacitos y piezas. Ahí está esa hoja pintada terminada donde la he editado y pulido. Ahora mi siguiente paso es entrar y colorear las otras hojas del mismo tema de la misma manera. Aquí están mis hojas rayadas terminadas. Ahora, haré algunas de las otras hojas sólo para mostrarles algunos ejemplos más. A ver si puedo agarrar a estos tipos aquí. Estos sólo tienen un poco de contorno, pero ahora para darle un poco más de detalle con color, voy a empezar por colorear el fondo. Voy a pintar un poco, llamémoslo sombreado con tono azul medio. También puedes imitar los trazos de pincel así. Simplemente haz estas líneas puntiagudas y rellena esos espacios. Aquí hay dos formas de hacer eso, y como puedes ver, obtienes dos efectos. Este tiene trazos de pincel más pequeños y luego tienes éste con trazos de pincel un poco más gruesos. Voy a rehacer este de esta manera para que se vean igual. Entonces llevemos los contornos al frente y también los colorearé azul oscuro. Siguiente Quiero dar algunos detalles a la mitad de esta pequeña gota formas y luego usaré rosa claro. Los contrastes no son perfectos con el azul brillante, pero ajustaré eso en tan solo un par de segundos. Entonces cuando termines, los agrupa. Los redimensionaremos y solo los dejaremos a un lado por ahora. Entonces entraré y colorearé todas mis hojas con un nivel de detalles que deseo para cada motivo. Aquí tengo un manojo de hojas de colores y el siguiente paso es empezar a colorear las flores. 27. Colorea tus motivos digitalmente (continuación): Ahora para las flores, aplicas el mismo principio que para con las ramas y las hojas, pintas, reflejos y los tonos, y los detalles con colores. Puedes usar la herramienta Live bucket para los colores de fondo o crearla con la herramienta de pincel de blob. Por lo que cuantos más detalles agregues, más trabajado y auténtico se verá el patrón. Entonces ahora he añadido algunos reflejos blancos, esa va a ser la parte equivalente de tela pintada donde la pintura se ha dejado fuera, donde la tela está brillando. Entonces ahora voy a seleccionar los contornos oscuros y llevarlos al frente y ahí verás ilustración completada y la agruparé. Para esta flor voy a empezar con rellenar algunos de los espacios con la herramienta de cubo vivo y voy a elegir la herramienta de pincel blob y hacer algunos detalles. Ahora veamos si podemos traerlos a la parte de atrás así que llevemos estos rosados, agruparlos e imprimamos para empacar y luego llevaremos los contornos rojos oscuros al frente. Entonces aquí hay algo de sombreado para esas hojas que creo que es un look floral indio muy típico. A ver qué más puedo hacer, creo que voy a hacer las hojas aquí, que luego quiero ser azul y volveré a utilizar la herramienta de cubo vivo, creo. Ahora les voy a dar un poco de acento blanco, vamos a ver qué podemos hacer con estos trazos de pincel blob para que se vean un poco más auténticos y solo lo alisaré con ellos un poco así y quiero arreglar las terminaciones de estas para que no son tan redondeados, así que sólo los afilar quitando algunos de los bordes, algo así y voy a ir al siguiente. Ahí, así que eso se ve bastante bien, creo y ahora continúo con estas grandes hojas delanteras aquí y veamos qué voy a hacer. Creo que voy a volver a usar la herramienta de cubo vivo, esta rosa de aquí, empezar con eso y ver qué nos va a traer eso. A diferencia de en la parte superior de inmediato, di que quiero tener estos y otro color así que veamos quizás hasta azul. Ahora vamos a ver qué voy a hacer con estos, creo que voy a hacer eso y luego elegiré la herramienta de pincel de blob y eso de blanco y luego vamos a ver qué se me ocurre. Ahora algunos detalles más y el último, ahora trae los contornos al frente y ya veremos si necesito hacer algún ajuste. En realidad vi otra cosa que me gustaría hacer, pues ésta volverá a hacer algunos acentos con blanco. Entonces ahora para hacer esto un poco más fácil voy a agrupar esto, doble clic y entrar en modo de aislamiento y ahora dibujar en estos y luego se agruparán ya cuando vaya en el modo de aislamiento. Ahí veamos y ahora lo agruparé y lo llevaré a un costado y luego a la siguiente flor. Por fin aquí tengo todas mis flores de colores y puede que no las use todas pero al menos tengo una piscina de flores y motivos que puedo elegir y escoger y aquí están mis favoritas, los bichos con los que estoy muy contento. Resultaron muy agradables y ahora me encantaría hacer un patrón con solo estos chicos. Entonces ahora tengo todos mis motivos y es hora de empezar a construir el patrón así que los veré para eso en el siguiente segmento. 28. Cómo crear la repetición: Ahora es el momento de empezar a construir la repetición. En primer lugar, voy a prepararme un poco mi tablero de arte y voy a ir a mi carpeta donde guardo mis escaneos y tire en mi escaneo publicado. Este sería genial usar como referencia. Ahora tenemos que empezar a colocar las ramas y las flores y otros motivos. Se puede construir la repetición de diferentes maneras. Una es donde construyes esa muestra de repetición manualmente o puedes usar la herramienta de patrón. Dado que nuestra repetición en nuestro boceto publicado es un cuadrado, necesitamos tener un cuadro de repetición cuadrado para empezar a construir con. 600 veces 600 estarán bien para mi caja de repetición. Ahora, voy a usar mi boceto publicado como plano y colocarlo detrás de esta caja. En primer lugar, necesito un esquema para que pueda verlo. Entonces, lo coloco en mi tablero de arte y lo redimensiono hasta que quepa más o menos, algo así. Ahora, selecciona el cuadrado y el escaneo y ve a capas, bloquea estos dos para que no se muevan cuando empecemos a construir el patrón. Encontrarás que son dos artículos seleccionados porque son los que tienen estos marcadores azules junto a ellos. Da clic aquí a estas dos casillas para cerrarlas y verás que aparece un candado pequeño. Ahora no puedes moverlos. Ahora empecemos a construir. Necesito primero poner esto encima de todo. Empezaré con éste primero. A ver si puedo redimensionarlo un poco. No tiene que ser exacto porque sólo estamos usando esto como referencia. El siguiente sería éste. Este va a estar apegado a ese. ¿ Podemos volver a escalar un poco? Ahora bien, si acerco zoom, verás que las ramas están adjuntas así. Puedes mantenerlo de esta manera. Se ve bien, pero también puedes fusionarlos. Te mostraré más tarde, primero tenemos que bajar toda la red de sucursales y también asegurarnos de que se repitan de la manera que queremos que lo hagan. Entonces éste tal vez. Si algo no encaja, lo haces caber. Creo que éste necesita estar un poco estirado. ¿ Qué más necesitas? Este, creo que está por aquí, más o menos así, entonces éste se repetirá aquí arriba y éste por aquí. Creo que tenemos lo básico ahora mismo. Estos los puedo ahorrar para después, y ya veremos si los usaré en absoluto. Por ahora, voy a ponerlos un poco por aquí. Tenemos nuestra caja de repetición, luego tenemos nuestras sucursales, y ahora las voy a mover en media gota por aquí y aquí, tal vez por arriba y por abajo. Porque esto va a hacer más fácil colocar las flores. Los seleccionaré todos, haga clic derecho e iré a transformarlo y moverlo. Empezaré con mover esto hacia abajo. Horizontal, quiero moverlo cero píxeles y verticalmente, quiero moverlo toda la longitud del cuadro de repetición, que fue de 600 píxeles, luego haga clic en copiar. Ahora, puedes ver eso, no se movió exactamente como yo lo quería. Necesito hacer algunos ajustes porque quiero que éste reúna y se conecte con éste como en mi boceto. Pero si muevo este, necesito mover éste también. Los seleccionaré a ambos y luego empiezas a moverlos un poco así. Acercar para ver cómo se ve esto. Creo que eso va a funcionar y luego los puedo fusionar si quiero después. Bien. ¿Y éste qué? Creo que esto funciona, ya veremos dependiendo de cómo se vea lo que la flor. Mantengámoslo así por ahora. Ahora, voy a mover todo el cuadro de repetición y repetirlo media distancia hacia arriba y toda una distancia hacia un costado, y también a media distancia hacia abajo. Donde las ramas seleccionadas, haga clic derecho, vaya a transformar y mover. Ahora, quiero moverlo horizontalmente, quiero moverlo 600 píxeles todo el camino hacia un lado. Pero verticalmente, quiero moverlo hacia arriba y luego necesito entrar menos primero y la mitad de la distancia hacia arriba, que es de 300. Copia. Ahora, puedo mover éste como lo hacía antes. Copia, genial. Voy a mover estos. Pongámoslos aquí en su lugar, a la biblioteca de motivos. Algo se está cocinando aquí, creo. A ver. Las ramas se están repitiendo muy bien ahora. Ahora es el momento de colocar las flores. Todos estos van a estar encima de las ramas. Voy a seleccionarlos y pedirlos encima de todo. No tengo que hacer eso cada vez que pongo algo. Empezaré con éste creo, porque se ve así [inaudible]. Entonces, el siguiente, éste , definitivamente por aquí. Podría colocarlo como parte de esta rama que está creciendo en esta rama. Pero, creo que voy a añadir algo. Creo que lo voy a mover un poco y que salga de la sucursal así en su lugar. Pero, entonces, necesito tener una rama baja con la que conectarla. Por eso estaba creando a estos tipos. A ver qué puedo hacer, creo que lo voy a reflejar. Eso podría funcionar. Aquí está la razón por la que quería tener módulos, porque es mucho más fácil de adaptar y arreglar y cambiar cuando sea necesario. ¿ Qué más? A lo mejor, éste. Cuando construyes un patrón, asegúrate de que las flores se estén inclinando de diferentes maneras que crearían una mayor armonía. Es bueno colocar primero las flores, luego es más fácil obtener una visión general de todo el patrón. Ahora, sólo seguiré colocando mis flores. Ahora, creo que es hora de probar si habrá algún agujero en el patrón con respecto a las flores. Seleccionaré todas mis flores. Ahora, quiero moverlas hacia un lado y hacia abajo para ver cómo encajan juntas y donde necesito colocar más flores o quizás mover algunas de ellas. Creo que se distribuye bastante uniformemente. Habrá hojas también. Creo que lo voy a dejar por ahora. Entonces, creo que es hora de empezar a colocar las hojas grandes también. 29. Cómo crear la repetición (continuación): He movido bastante las cosas y he añadido algunas hojas más aquí y allá, e intercambio de motivos y flores. Ahora es el momento de volver a probar el patrón general. Entonces borraré todo. Eso no es parte de mi caja cuadrada. Aquí está en realidad lo que queda de la caja original. Voy a repetirlo arriba y abajo y a un costado, sólo para comprobar si hay agujeros o inconsistencias o algo que necesite ser reparado. Seleccionaré todos mis motivos. Ya veo que ahí está pasando algo, que quizá no sea tan malo. Ya veré cómo se ve. Lo repetiré hacia abajo. Yo sólo quitaré el menos y copiaré. Creo que se va a quedar realmente bonito. Entonces lo que puedo hacer ahora es ser el eficiente, lo seleccionaré todo. Después una distancia a un costado y la mitad de la distancia hacia abajo y copiar. Ahí lo tengo todo repetido. Ahora puedo entrar y ver qué hay que arreglar, tal vez como dije estos también aquí están chocando. Eso está bien. Probablemente podrías necesitar un poco más de ajuste. Veo que hay algunas ramas que apenas quedan que necesitan ser retiradas o arregladas de alguna manera. También hay otro problema que hay que atender más adelante. Se mostrará si hago zoom en este. Aquí la sucursal, esa pequeña rama extra ha sido copiada frente a las otras. Pero cuando creemos el cuadro de repetición final, vamos a pasar por todos estos pequeños detalles y asegurarnos de que estén fijos. ¿ Qué más, hay algún hoyo? Si miro esta zona aquí, está ahí en cualquier lugar, creo que eso necesita un poco más de detalle. También tengo que recordar incluir mi cajita. Aquí tienes uno favorito. Es aterrizar sobre esa flor, creo. Ahora estoy agregando algunos detalles más. Aquí está después de otra ronda de edición o me he movido y ajustado e intercambiado algunos de los motivos. Por ejemplo, agregué algunas de estas pequeñas hojas y algunos de los volantes aquí y allá. Ahora es el momento de probar y ver si esto funciona de nuevo. Eliminaré todos los motivos que no están incluidos en la repetición original. Vamos a intentarlo de nuevo. Ahora lo he repetido a un lado y arriba y abajo. Por lo que puedo ver, realmente no hay nada que parezca estar chocando o duplicando. Hay unos hoyos aquí y allá que puedo ajustar como este, probablemente haré algo al respecto, y ahora sólo lo moveré a éste o le pertenece. Ahora voy a recoger las sobras y sacarlas del camino. Ahora quiero construir la repetición real. Voy a quitar. Ahora he quitado todos los motivos sobrantes que eran dobles. También le di al cuadrado de fondo un relleno sólido y le quité el trazo. Vamos a hacer caja de repetición media caída primero. Veo que tengo un poco de redundancia o así quitaré éste. Dado que se trata de una media caída, ésta necesita repetirse una distancia hacia un lado y una media distancia hacia abajo o hacia arriba. Todo lo que sobresale desde este borde inferior de la caja de repetición necesita repetirse perfectamente también en el borde superior. Seleccionaré todo. Yo también tengo la caja, así que tengo que desseleccionar eso, y luego hacer clic derecho e ir a transformar. Ahora quiero moverlo cero píxeles a un lado. Eso es horizontalmente, quiero moverlo cero y verticalmente hacia arriba. Es esta vez, quiero moverlo 600 pixeles, toda la distancia de la caja. Ya que está arriba, necesito entrar el menos antes de entonces 600. Si tienes esta casilla activada, puedes previsualizar dónde terminará. Esto parece correcto, así que voy a copiar. Ahora hay algunos motivos que no se ordenan como deberían ser, pero esto es algo que puedo arreglar como último paso. Ahora viene la parte difícil, que no es realmente difícil. Todo lo que sobresale de este lado tiene que repetirse también de este lado. Pero ahora necesitamos moverlo a la mitad de la distancia. Estos de aquí van a terminar por aquí. Este pequeñito, no puedo olvidar, se va a repetir aquí abajo. Así fue como sucedió cuando arreglé mis motivos y eliminé el exceso. Seleccionaré todo en esta parte que sobresale en este borde y transformaré y moveré. Ahora quiero moverlo horizontalmente toda una distancia del cuadro de repetición. Ya que quiero moverlo a la izquierda y necesita ser un menos antes, y luego quiero moverlo hacia arriba, así que sigue siendo un signo menos, pero la mitad de la distancia, y eso es 300 en mi caso. Mientras estoy en ello, sólo me aseguraré de que hago lo mismo con éste. Necesita ser movido hacia abajo. Voy a quitar el signo menos y será donde debería ser una copia, eso es cuidar. Ahora tengo algo de espacio vacío aquí, que son estos motivos por ahí. Yo los seleccionaré y haré lo mismo. Ahora quiero moverlo toda la distancia a la derecha. A la derecha significa no menos y quiero subirlo, que es un menos. Eso parece ser correcto. Voy a dar clic a copiar y ahí tenemos una caja de media gota perfectamente repetida. Ahora deberíamos poder convertir esto en un patrón usando la herramienta de patrón. Pero antes de hacer eso quiero revisar cada motivo, cómo se ordena, y cómo se adjunta a las ramas, y asegurarme de que todo se vea bonito y ordenado. Por ejemplo, por aquí, esta flor debe estar dispuesta encima de esta hoja. Iré a objetar y asegurarme de que esté encima. Hay algunas otras imperfecciones que he visto que hay que cuidar. Por ejemplo, este de aquí tiene un poquito de tallo que no quiero conservar. Para encargarme de eso, haré doble clic en el motivo y luego puedo entrar con una goma de borrar y simplemente quitar ésta. Voy a repasar todos estos pequeños apegos y ver si necesito borrar algo así como en este. Probablemente me quitaría este y ver cómo luce eso. Este, quiero moverme atrás junto con un recuadro de repetición, claro, de lo contrario se va a esconder. Ahora lo que podría hacer también, si no me gusta esa línea aquí, es seleccionar la rama y hacer doble clic, y luego otra vez hacer doble clic en el contorno y ahora entrar y simplemente borrar esta parte. Ahora, parece que es una rama y los agruparé para asegurarme de que se estén pegando. Yo puedo hacer lo mismo aquí y por aquí si quiero. Ahora vamos a ver cómo funcionará esto con la herramienta de patrón. 30. Muestra de patrón de media gota con la herramienta de patrón: En primer lugar, te voy a mostrar una forma de hacer que la muestra de patrones medio caídos usando la Herramienta Patrón en Illustrator. Alejaré un poco y luego seleccionaré todo lo que se incluye en el patrón, vaya a Patrón de objetos y Crear. Esto se ve un poco raro. Esto no se repite como debería ser. Si no has usado antes la Herramienta Patrón probablemente sabrás cómo usarla, pero la revisaremos brevemente. Aquí puedes nombrar tu patrón, y luego aquí seleccionas el tipo de repetición que quieres crear. Se quiere elegir media gota. Aquí se llama otra cosa en sueco, es literalmente Brick por columna. No sé si eso es lo mismo en inglés pero puedes ver ese pequeño ícono donde los ladrillos se repiten como media gota, solo tienes que seleccionar ese. Se repiten al menos como media gota pero como ves hay un gran espacio en el medio y eso se debe a que automáticamente han entrado un tamaño completamente diferente del cuadro de repetición como lo he hecho yo. Sólo ajustemos eso y ajustemos el ancho a 600 y esa altura, 600 también. Si estableces el marcador en el otro cuadro, obtendrás una vista previa. Ahora se repite como debe ser en media gota, y aquí también puedes elegir si quieres tener más copias. 3 por 3 está bien para mí ver cómo se ve. Este tiene un presetting donde está rodeando la caja repetida. El original se desvanece al 70 por ciento. Si estás satisfecho con cómo se ve, puedes hacer clic en este pequeño letrero de cheque. Ahora, tienes una muestra de patrón guardada en tu panel de muestras. A ver si esto funciona. Haré una caja más grande y luego solo haz clic en ésta para llenarla con una repetición, y aquí está. Puedo ver que no se repite a la perfección porque todavía hay algunos problemas con algunos motivos encima de otros por lo que necesito ajustarme también. De lo contrario, creo que se ve realmente bonito, y estoy contento con este patrón. Ahora, voy a construir la muestra de repetición de patrón manualmente. 31. Muestras de media gota hechas manualmente: Otra forma de construir la muestra de repetición de patrón es quizás un poco más anticuada, pero es la forma en que prefiero, me da un poco más de control sobre sus motivos y lo que se superpone qué. Es decir construir los patrones de reloj manualmente, por así decirlo. Lo que quería hacer ahora es crear literalmente una caja de repetición recta donde ya están incluidos todos los elementos de media gota. Lo que necesito hacer entonces es repetir todo varias veces y luego crear un cuadro de repetición más grande. Entonces tendríamos que borrar todo de este lado, sin embargo no la caja, y luego todo en el lado inferior, sobresaliendo también desde el lado inferior. Ahora, todo existe sólo una vez en el tablero de arte. Ahora, lo froto todo y lo repito varias veces, empezaré por repetirlo a un lado. Una distancia hacia un costado y media distancia hacia abajo. Entonces usaré este que ya está seleccionado y haré lo mismo pero esta vez lo voy a repetir, así que entraré un menos. Ahora, puedo seleccionar todo. Ahora, quiero moverlo al lado cero y abajo 600. Mis cajas de fondo están superponiendo algunos de los motivos, pero vamos a tener que quitar las cajas de todos modos. A ver, necesito repetir esta una vez más para traerla aquí, así que solo deseleccionaré esta. Probablemente tengo más de lo que necesito pero eso está bien por ahora. Ahora, voy a repetir este arriba en realidad, necesito repetirlo dos veces arriba, ¿verdad? Cero a un costado y dos veces arriba, que es menos 1,200 esta vez entonces voy a copiar. Ahora, voy a quitar todas las cajas de fondo. Ahora, puedo ver que mi repetición se repite de aquí a aquí, a aquí, y a aquí. Así de grande debe ser mi caja de repetición. Tiene que ser 600 para la altura y luego dos veces para el ancho, veamos qué me va a dar. Si voy a empezar en medio ahí a eso, y luego a esto, serán mil 200. Simplemente puedo dibujar eso y luego puedo ajustarme para que tenga las medidas exactas. Entonces lo llevaré a la parte de atrás. Aquí hay una repetición recta que incluye una repetición de media gota realmente. Ahora, sólo puedo borrar todos los motivos que no necesito. Ahora, tenemos que hacer eso realmente cuidadoso para asegurarnos de que no borres demasiado, si lo haces, solo tienes que repetirlo de nuevo. Ahí, cuando probemos la repetición veremos si hay algunas inconsistencias. Ya hay algunos problemas que tenemos que cuidar y es así como se ordenan uno encima del otro. Como aquí se puede ver la rama está encima de la flor que es algo que no quiero, y aquí también, y aquí. Basta con pasar por todo el patrón y ver si encuentras problemas similares, y no utilices para pedirlos en la parte superior. Trata de quitar todos los motivos que no están dentro de la casilla de repetición. Una cosa que podrías hacer para asegurarte de que cuando imprimas más tarde que el patrón esté bien es seleccionar todas tus ramas, luego agruparlas y junto con esa caja de fondo, adelante y colocarlas en la parte inferior. Ahora, puedes estar seguro de que no están superponiendo una flor en ninguna parte. Podría haber otras cosas en las que quieras estar metido detrás de otra cosa y luego harás lo mismo, como para estos motivos quiero que se metan detrás de una rama, así que los seleccionaré todos también. Aquí está la que parece estar apegada a las ramas y yo solo arreglaré esa más tarde. Pero los otros me limitaré a agrupar ahora y junto con el cuadro de repetición los colocaré detrás de todo lo demás. Este, también quiero hacer algo con realmente porque vi que hay algo que no es perfecto. Entraré en modo de aislamiento y luego puedo borrar esta ramita aquí que está sobresaliendo, esa se puede unir a la rama. Está bien. Cuando hayas pasado por todos los motivos y te aseguraste de que se ordenen correctamente y se cuiden todas las imperfecciones. Ahora, vamos a crear la repetición. Escogeré el cuadro de fondo y lo copiaré presionando el Comando C, y luego lo pegaré presionando el Comando B hacia atrás detrás de esa caja. Entonces tengo que asegurarme de que no tenga relleno ni trazo. Ahora, seleccionaré todo, todos los motivos y las cajas de fondo y lo arrastraré al panel Muestres de ahí. Ahora, veamos si se repite como debe ser, esto es tan emocionante, cada vez. Haré una caja más grande y seleccionaré mi patrón fresco, y se ve muy bien, creo. Ahora, puedes repasarlo por última vez o por sus últimos tiempos si es necesario, y ver si hay algunos detalles que quieras ajustar, mover algo aquí y allá, y puedo detectar algo ahora mismo que no debería estar ahí, y es porque moví una de las ramas que pensé que no iba a ser visible. ¿ Lo puedes ver? Al igual que por aquí, la rama está cortada. Entonces puedo ver que esta rama de aquí debería estar metida entre ésta. Hay algunas cosas aquí y allá que necesito ajustar y creo que sólo voy a ir y hacer eso. Entonces cuando hayas ajustado todo lo que hay que corregir, haces lo mismo. Seleccionas todo y lo arrastras al panel Muestres para crear una nueva muestra de patrón. Tiraré éste y ajustaré cosas que hay que arreglar. Aquí está mi patrón final con todos los pequeños ajustes que hice por ejemplo. Sepan que tallo aquí está completo y me aseguré que todo esté arreglado como deberían estar. Ahora bien, no puedo esperar a ver todos tus patrones, que es el proyecto para esta clase. Hablaré un poco más del proyecto de clase en el siguiente segmento, nos vemos ahí. 32. Proyecto de clase y nota final: Para cada curso aquí en Skillshare, puedes crear un proyecto de clase donde compartas con otros alumnos lo que creas. Esta es una gran manera de conectarte con los demás, obtener comentarios y obtener ayuda si encuentras algún problema en tu elaboración de patrones y compartir tu proyecto también es una gran manera de ganar más seguidores. El encargo para este proyecto de clase es crear tu propio patrón floral de motor, sorpresa. Para un proyecto de clase terminado, debes incluir; una imagen o imágenes de tus motivos y también una imagen del patrón final. Si lo deseas, también puedes escribir algunas líneas sobre tu idea para el patrón, el tema, y los motivos que querías incluir, y una imagen de tu tablero de inspiración. Siempre es divertido ponerse un poco entre bastidores y conocer un poco más sobre los procesos y el progreso de otras personas. En la sección sobre de esta clase, encontrarás más detalles sobre lo que puedes incluir en tu proyecto de clase. Otra gran manera de conectarte y compartir lo que creas es usando el #IndianFloralWithBarbel en Instagram. Si necesitas ayuda con tu patrón o tienes preguntas, siéntete siempre libre de publicar un comentario en la sección de comunidad de la clase. Ahora hemos llegado al final de esta clase y espero que hayan disfrutado aprendiendo más sobre los patrones florales indios. Si lo hicieras, sería genial que me diera un pulgar arriba. Eso ayudará a otros alumnos a encontrar esta clase también. Por último, también me puedes encontrar en mi página web o blog en bearbellproductions.se y conectemos en Instagram en bearbellproductions. Estaré revisando tus proyectos y no puedo esperar a ver qué haces. Eso es todo amigos. Hasta la próxima vez. Cuídate.