¿Entonces Crees que puedes actuar?

1. Introducción: Está bien. Adiós. Yo quiero ser claro en su objetivo y elevar los cristales del estado. Asegúrate de entender tu necesidad para poder actuar momentos un momento y tu suspensión de incredulidad para no distraerte. Te dije que ya no quiero reunirme con él. Necesito que estés enojado. Ya te lo dije, ya no quiero estar contigo. Necesito que estés enojado. Ya te lo dije, ya no quiero estar contigo. ¿ Sabes qué? Hola a todos. Entonces, ¿crees que puedes actuar? Mi nombre es Crystal Williams, y seré su instructor del curso. Motivo por el que decidí titular el curso. Entonces crees que puedes actuar es realmente quiero que reflexiones sobre esa pregunta. No puedo realmente. En mi paso de convertirme en actor, decidí conseguir mi M f A y actuar de la prestigiosa escuela de estudio de actores de la ciudad de Nueva York . Y también obtuve mi teatro de licenciatura y en mi viaje a través de la actuación. He tenido muchos fracasos, pero también he tenido mucho éxito en el camino. Y decidí titular este curso. Entonces crees que puedes, porque de verdad quiero que pienses en eso. ¿ Hay algunos términos de vocabulario que aún necesitas aprender? ¿ Hay algunas palabras de vocabulario que aún no conoces? Al principio, viste al director gritándome, diciéndome, diciéndome, quiero que subas a los estados Y esas eran a menudo posiciones en las que me encontraba, y realmente no sabía lo que significaban esas palabras. No sabía cuáles eran las apuestas o qué significaba jugar por momentos un momento, o cuál es la suspensión de la incredulidad? Y muchas veces me sentí siendo llamado actor amateur, y eso es algo que nunca quieres tener frío. Entonces si te interesa perseguir una carrera en actuar genial, seguro que eres fenomenal. No obstante, hay algunas palabras básicas de vocabulario que debes saber son algunas técnicas y herramientas que necesitas entender. Entonces en este curso decidí armar un montón de ríos de vocabulario que construyan una base sólida para ti para que tengas una comprensión de lo que significa. Teoh lo utiliza para posiciones en el escenario y también sólo para tener una comprensión general de qué se trata la actuación y qué hacer cuando el director te da instrucciones. Entonces toma este curso porque te llevará en tu viaje hacia convertirte en un actor exitoso . 2. Objetivo: Por lo que hoy vamos a hablar de objetivos ahora. ¿ Qué es un objetivo? Se trata de la búsqueda de un personaje de un objetivo específico en una escena, y también se le conoce como la pregunta o intención conductora. Ahora una de las claves para una actuación exitosa es conocer lo que tú, el personaje una vez para que puedas empezar por hacerte la pregunta. ¿ Qué quiero ahora? Ten en cuenta que tu objetivo puede cambiar dependiendo de cuántas escenas te encuentres si estás interpretando en una obra de teatro una película, una sitcom de TV, lo que requeriría que sepas hacer análisis de guiones. Pero vamos a hablar de eso en la clase líder. Entonces hablemos de algunos ejemplos horno inyectado. Ahora estoy seguro de que viste o sabes, has leído sobre algunos personajes de la historia que tal vez querían ganar la lotería o querían estar en un programa de televisión o querían vengarse. O tal vez sólo querían encontrar la libertad. Saber lo que eres el personaje una vez te mantiene enfocado en la intención. Ahora, si eres director dice, quiero que estés enojado o en esta escena, quiero que seas muy feliz esto inmediatamente se convertirá en exagerar, o en actuación superficial, porque tratarás de dedo estar enojado sin enfocarse realmente en la intención. Entonces, por ejemplo, ¿ alguna vez has visto a un niño enojarse en la tienda porque realmente no podían conseguir lo que quieren? ¿ A lo mejor un caramelo o un juguete? Realmente no tenían que enfocarse en estar enojados porque todo el color para las emociones ya estaba ahí porque el niño se estaba enfocando en lo que realmente querían. Y cuando te enfocas en lo que quieres, todo el color para las emociones ya estaban ahí, y tu actuación será creíble. Entonces una vez que sepas lo que quieres, entonces podrás descubrir cómo vas a ir a conseguir lo que quieres y lo que se interpone en el camino de lo que quieres, cual es un obstáculo, y hablaremos de eso en la siguiente clase. 3. OBSTACLE: Por lo que hoy vamos a hablar de obstáculos. Ahora, ¿qué es un obstáculo? Un obstáculo es algo que se interpone en el camino de tu personaje de conseguir lo que él o ella quiere. Ahora todo personaje tiene algo que se interpone en su camino, lo que les impide llegar a su meta con bastante facilidad. El obstáculo podría ser Realmente quieres ir a una fiesta, pero le toca a tu hermana tener el auto. O tal vez el personaje tiene que llegar a gustar la cima de esta montaña. Pero él o ella tiene que derrotar a algunos enemigos abajo para en el camino. Tu trabajo como actor es averiguar cuál es tu obstáculo y qué se interpone en el camino. Y esto es lo que hace que la actuación sea tan hermosa. Ya sabes, ver a un personaje hacer cualquiera y todo para lograr su objetivo. Y una vez que tengas claro tu objetivo y el obstáculo, la pregunta es, ¿qué harás para conseguir lo que quieres? Y esto se conoce como táctica, que es de lo que hablaremos en el próximo video 4. Táctica: Entonces, ¿qué es una táctica? Una táctica es cómo tu personaje va a conseguir lo que él o ella quiere. Ahora, Al elegir una táctica, asegúrate de elegir un verbo de acción. Un ejemplo de un verbo de acción son palabras que se pueden realizar físicamente. Algunos ejemplos son que quiero ignorar o realmente quiero complacer o quiero entretener. Yo sugeriría recoger y actores al SARS para que pueda tener acceso a una plétora de palabras de acción a utilizar. Entonces cuando estés buscando un verbo de acción, hazte esta pregunta. ¿ Se puede hacer esto físicamente? ¿ Significado? Si estuvieras jugando un juego de charadas, ¿ podrías actuar esta palabra con tu cuerpo? Ahora puede parecer cursi o como si estuvieras exagerando, pero te sugiero practicar tus verbos de acción antes de realizar análisis de guión en tu escena. Esto ayudará a que tus elecciones de actuación se vuelvan menos robóticas y menos mecánicas y más realistas y creíbles. 5. 4.HOREDAS y WALL PERSONAJES: Entonces, ¿cuál es el cuarto muro? Nuestro cuarto muro es ahora un muro imaginario. Lo que está rompiendo personaje rompe a tu personaje es salir del mundo imaginario de la performance. Ahora bien, si no sabías hablar en público es el miedo número uno en América. Ya es difícil hablar frente a la gente, mucho menos entrar en el papel de otra persona. Actuar puede ser muy tedioso en el naufragio de nervios a veces. A veces solo pasa mucho dentro y fuera del escenario o en el set, y debes hacer todo lo que esté a tu alcance para mantener el mundo de tu personaje. Entonces cuando estás en un escenario o estás frente a la cámara, debes fingir que hay un muro imaginario que te está bloqueando a ti y a los miembros del público en el escenario. O aunque estés en cambio, la gente de pie detrás del cuidado en la cámara para que no rompas carácter. Por ejemplo, el teléfono de alguien puede apagarse un año de trabajo es mantenerse en carácter. A mí me ha pasado antes. Ahora bien, si rompes la cuarta pared o rompes personaje, podrías ser considerado un actor aficionado y nunca quieres eso. Entonces, como actor, debes enfocarte. Debes concentrarte. Tu pared imaginaria podría ser con la que estés familiarizado y cómodo para aliviar tus nervios como tal vez tu dormitorio o tal vez una habitación familiar en tu hogar. Entonces para la práctica, quiero que vayas a un espacio público e imaginas que estás en tu lugar cómodo como tu recámara, tu salón o un lugar que encuentres que sea muy íntimo donde puedas relajarte, y quiero que te siéntate cinco minutos y ve cuánto tiempo puedes sintonizar a todos a tu alrededor. O digamos, si sales a cenar y hablas con alguien, finge que hay un muro que te está bloqueando en esa persona de todos a tu alrededor. Y quiero que afines la montura por el tiempo que puedas en cuanto más practiques, mejor te volverás. 6. PASO y MOTIVACIÓN: Entonces, ¿qué es un ritmo? Ah beat es un cambio en la acción del sujeto, ánimo y la motivación dentro de la escena. ¿ Cuál es la motivación? motivación es la razón por la que un personaje persigue un objetivo particular. Por lo tanto, ten en cuenta que la palabra beat no suele escribirse dentro de ah, play o un guión. Por lo que el actor debe descubrir dónde cambia o se produce el ser en el guión. Tu personaje podría estar motivado por las siguientes cosas. Número uno de necesidad de alimentos, agua y refugio número a seguridad y seguridad. La mayoría de las personas miran hacia construir una vida en la que se sientan a salvo de lesiones corporales m emocionales . Tres. Amor y pertenencia Las personas comienzan a buscar relaciones fuertes que les ayuden a mantener mentales. Y se sentirá el bienestar emocional y la confianza en un fuerte sentido de auto número cuatro logros y autoestima. La gente debía lograr las cosas y la autoactualización número cinco la gente trabaja para llevar sus sueños más grandes a pasar. Así que ser es un cambio de sujeto acción, estado de ánimo o motivación dentro de la escena y la motivación es la razón por la que un personaje persigue un objetivo en particular. Por lo que ahora sabes la diferencia entre un beat y una motivación 7. PANTOMIME VS. MIME: pantomime es el foro de arte más antiguo que se desarrolló a partir del teatro callejero italiano de la commedia Dell Arte A en el siglo XVI, con momentos cómicos en personajes de stock. Ahora lo que es pantomima pantomima es contar una historia con tu cuerpo sin el uso del lenguaje. ¿ Por qué es importante la pantomima? Al promulgar una etapa o por ejemplo, puede que no haya un fregadero real, pero digamos que tu personaje puede tener que lavarse las manos. Tienes que fingir que en realidad hay agua que sale del grifo mientras te lavas las manos. O si el agua está caliente, que responder de forma natural para reaccionar ante lo que esté caliente. O digamos que tienes que llevar algo pesado en el escenario, asegúrate de mantener la consistencia del peso y su tamaño. Ahora, ¿qué es el mío? El mío es un actor que comunica los movimientos del cuerpo y la cara pero no habla. Ah, mimo tiene que crear los objetos, crear la pared o crear sinceramente el tazón. Ahora la actuación escénica en su mayor parte requiere pantomima ejercicio tan extraño. Yo quiero que crees una pantomima en solitario, y quiero que lo realices para Ah, miembro de la familia o justo detrás de la cámara. A lo mejor tienes un dolor de muelas o tu auto podría romperse y te estás despertando. O tal vez vas a salir por tu rutina diaria. El pantomima debe tener un minuto de duración con un principio, un medio y un final. Y digamos que te despiertas fuera de la cama, te puñetaste el dedo del pie. Después entras al baño. Después abres el cajón. Te lavas los dientes y te lavas la cara, y luego te quitas la ropa para el día. Entonces aquí hay algunas cosas que quiero que tengas en cuenta cuando estés haciendo pintor mina número uno Conciencia Ambiental ¿Hace calor frío, Lluvioso o soleado? Número dos. Conciencia espacial. Asegúrese de mantener la conciencia espacial. ¿ Dónde está la puerta o los artículos que hay alrededor de la habitación? Tres talla y trigo? Asegúrese de mantener el tamaño y el peso del objeto. ¿ Qué estás sosteniendo? Qué tan pesado es y cuál es el tamaño Número cuatro. Asegúrate de tener conciencia y expresión corporal. Mantenga su conciencia corporal expresada con su rostro y exprese con su cuerpo. ¿ Estás cansado? ¿ Estás feliz expresión es clave clave clave. Entonces ahora sabes que la pantomima es contar una historia sin el uso del lenguaje, y la mente es un actor que se comunica a través del movimiento y a través de expresiones corporales y faciales . 8. EMOTING VS. INDICACIONES: ¿ qué es el emotimiento versus lo que indica? Emocionar es expresar emociones, mientras indicar es mostrar lo que el personaje está sintiendo o haciendo llevando a una actuación falsa y superficial. Ahora, mientras actúas, no hay nada de malo en mostrar una colorida variedad de emociones. No obstante, tus emociones necesitan expresarse de forma natural, si estás en el escenario y estás encontrando que no estás conectado con el personaje en la escena, que fácilmente empezarás a emocionar y a empujar emociones, tratando de enojarse o realmente, de verdad dijo, o tratando de fingir su ojo. Y esto se llama indicativo Así que aquí hay un poco también. Si estás teniendo un negro emocional en tu sentido visto, no puedes conectarte con el personaje dentro de la escena. Una técnica que puedes usar es la sustitución o personalización, así que lo que quieres hacer es mirar a los ojos de tu compañero de escena y luego, ya que penosamente crea los ojos de alguien que realmente amas o haces hey o realmente tienes miedo de uno forma en que sabrás que estás emocionando, o indicando es cuando la respuesta no se siente natural, inauténtica, ciertas cosas causarán una respuesta natural, como si te tocas el dedo del pie en el suelo, tú realmente responder con dolor, y eso es una reacción natural, una reacción natural. Por lo que esta es sólo una pequeña técnica que conduce hacer para evitar que se indique cualquier película . 9. GESTOS y EL LANGUAGE DEL CUERPO: Entonces, ¿qué son los gestos? Los gestos son movimiento hecho con manos y brazos, utilizado para enfatizar puntos hechos en diálogo y después pueden tratar de enfatizar el punto en una discusión lanzando las manos al aire o señalando o aplaudiendo las manos. Ahora lo que su lenguaje corporal corporal es la comunicación no verbal en la que se utilizan comportamientos físicos para transmitir información. No se debe confundir con la postura, que es la forma en que un actor se pone de pie, se sienta y generalmente se sostiene a sí mismo. Ahora, postura ayuda a crear físicamente un personaje. Tu postura podría ser la de una postura de decepción o postura de miedo,ya sabes, ya sabes, postura de sacudir la pierna o morder las uñas, lo que representa alguna forma de nerviosismo, mientras que los gestos son movimientos realizados con las manos en los brazos. Si bien el lenguaje corporal es la comunicación no verbal en la que se utilizan comportamientos físicos para transmitir información 10. SUSPENSIÓN DE DISBELIEF VS. IUSIÓN DEL PRIMER TIEMPO: qué es la suspensión de la incredulidad. Es la capacidad de un espectador Butte para aceptar lo que ve y oye como regla. Ahora bien, ¿cuál es la ilusión de la primera vez? Es la capacidad del actor para actuar en un espectáculo una y otra vez mientras hace parecer que el diálogo y las sospechas están sucediendo por primera vez. Entonces aunque el público está viendo y tú, el actor estás actuando, debes usar la suspensión de la incredulidad, lo que significa que aunque estés en el escenario o podrías estar en una habitación de ensueño, tu trabajo es hacer que el público creen que realmente estás donde estás o donde se desarrolla la escena, ya sea una montaña o en una cueva o fuera, en la nieve o tormenta ventosa o donde sea. Entonces, ya sea que estés realizando una sola vez o 100 veces cada una, desempeño debe realizarse con excelencia como si se estuviera realizando ahí mismo en el momento la mayor parte del tiempo. Um ah, juego puede correr por un buen 2 a 3 meses, o a veces incluso más tiempo, dependiendo de si estás en Broadway o si estás con la compañía itinerante. No obstante, cada actuación debe realizarse con el ex no es energía exacta, pasión y excelencia que se realizó la primera noche de apertura, dijo Meisner. Actuar es comportarse con veracidad bajo circunstancias imaginarias. Por lo tanto, debemos seguir siendo veraces en nuestra actuación en todo momento. 11. MOVIMIENTO ANTES ANTES de los en EL FEEN ANTES: Entonces, ¿cuál es el momento anterior? El momento anterior es el tiempo y los eventos previos al inicio de una obra de teatro o de una escena. Ahora bien, aunque estás interpretando a un personaje, el personaje como gobierna a la gente en la vida, tienen una historia. El personaje tiene un cumpleaños. Tenían eventos previos al momento presente que aparecen en su vista. Entonces tienes que preguntarte, ¿Qué hacía mi personaje justo antes de que entraran a escena? ¿ El guión dice si el personaje acaba de bajarse de una obra, o están realmente, muy cansados, o simplemente vinieron de una fiesta? El momento anterior es clave, y es esencial para lo que tu personaje va a hacer en la escena, porque te dará pistas de cómo debes entrar en el escenario o en la escena y cómo vas a interactuar con tu escena socios y cómo debe comportarse tu personaje durante su escena. Por lo que siempre toma nota de lo que tu personaje estaba haciendo el momento antes de que tu personaje entrara en escena 12. CHARACTER VS. Caracterización: ¿ Qué es un personaje? Es la persona criatura, entidad en una novela o una obra de teatro con atributos específicos y distintivos. Ahora, ¿qué es la caracterización? Es el actor usando su oficio para explorar las cualidades específicas de un personaje. Ahora el actor desarrolla y retrata una personalidad a través de sus pensamientos, sus acciones, su diálogo, su disfraz en su maquillaje. caracterización implica algo más que simplemente pretender ser un personaje en la escena o una obra de teatro, e implica hacer creer a los demás que eres otra persona. trabajo de un actor es no sólo usar todas esas cosas, sino usar su mente, su rostro, su voz corporal para pensar, hablar y actuar y reaccionar como alguien más. Por lo que en la película nosotros todos los personajes tenían que crear dos personajes separados. El pizza y Younger se enfocaron en usar su voz para desarrollar el personaje rojo o en mi película favorita de todos los tiempos para su arma, interpretada por Tom Hanks. Creó una voz única al igual que Aziz manierismos únicos para crear el personaje más memorable, amoroso que el mundo nunca olvidaría. Y por último pero no menos importante, podemos olvidar a Heat Ledger, quien se inspiró en Tom Waits para crear el Joker en la película The Dark Knight. Entonces ya ves, tienes que enfocarte en usar cosas diferentes para desarrollar tu personaje. Mi pregunta para ti es lo que te inspira cuando estás creando un personaje. Yo quiero que observes animales, comportamientos de otras personas y veas qué puedes incorporar. Cuando estás creando un personaje o puedes usar facetas de ti mismo. Nunca se sabe. Podría llevarte a un preguntar su desempeño ganador. 13. Sustitución VS. ENDOWMENT: Entonces, ¿cuál es la diferencia entre sustitución versus dotación? sustitución es cuando el actor coloca objetos o personaje con objetos o personas en sus vidas con el fin de identificar y completar mejor los objetivos de escena. Por ejemplo, si estuviera en una escena de amor, visualizaría la cara de mi esposo frente a la cara del otro actor. Lo que es dotación de dotación es darle atributos físicos o emocionales a tu personaje para crear más realidad y sentido para avanzar en las necesidades de la historia. Ahora los objetos también se pueden dotar de atributos físicos surgidos, emocionales o históricos como afeitarse sin sangrar o quitarse la ropa mojada cuando no está realmente mojada o beber agua como si se tratara de licor. Entonces ahora conoces la diferencia entre la sustitución y la dotación. 14. Tensión: Entonces, ¿qué es la tensión? tensión es el estado de ansiedad inducida en el público por la amenaza de peligro para el personaje en la obra o en una película. Ahora, ¿cuáles son las apuestas? filetes son la significación emocional del desenlace para tu personaje. Ahora las apuestas son realmente, realmente importantes. Piensa en que el tiempo se acaba y con el personaje necesita ser una cuestión de vida o de muerte. Tiene que ser urgente. Recuerdo interpretar a un personaje donde tuve que abogar por que mi hijo se quedara en la escuela porque fue suspendido por quitarle algo al autor. Y mi maestro actor dijo: ¿Cuáles son las apuestas para ti, pesar de que no se menciona en el texto? Entonces realmente tuve que pensar en ello. Por lo que decidimos hacerlo personal para mí. El actor. Sólo tuve un poco de tiempo para convencer a la monja cabeza de permitir que mi hijo regrese a escuela, y decidimos que tal vez si mi hijo sale de la escuela, el estado le quitaría el dinero que necesitaba para mi familia y para que mi familia pagar las cuentas, y eso me afectaría emocionalmente de una manera realmente genial y crearía tensión mientras mantenía las apuestas realmente, muy altas. Entonces recuerda que lo que quieras, para mantener las apuestas altas, tiene que ser muy urgente. Tiene que ser una cuestión de vida donde tiene que ser una cuestión de muerte. 15. Subtexto: Entonces qué subtexto. subtexto son los personajes, pensamientos complejos, sus sentimientos, sus emociones creadas y estratificadas bajo las palabras y acciones reales del personaje. Ahora el subtexto es información que está implícita por el carácter pero no expresa un personaje en diálogo, incluyendo acciones y pensamientos. Tu personaje podría estar doblando la ropa, fingiendo ser feliz, pero sus acciones dicen algo más. Ya sabes, el marido no podía decir, Cariño, ¿cómo estás hoy? Y luego dice la esposa, estoy bien. Pero si está golpeando el cerrado y ya sabes, haciendo otra cosa, sabemos hacer otras cosas En realidad, sabemos que está experimentando y diciendo dos cosas diferentes. Entonces este es un ejemplo de subtexto. 16. Entrega: ¿ Cuál es la entrega de entrega es la forma en que se presenta un discurso o una línea en una obra de teatro. Cuando Martin Luther King pronunció su discurso Yo tengo un sueño, lo pronunció con confianza y de manera muy predicadora, mientras que Lin, Manuel, Miranda y Hamilton entregaron algunas de sus líneas sobre Alexander Hamilton a través del rap y a veces la canción. Por lo que la entrega es importante. Cuando estés actuando en la obra haciendo un monólogo o simplemente actuando, punto, mantendrá al público comprometido, Así que recuerda mantener tu entrega única. 17. Monólogo: ¿ qué es un monólogo? Ah, monólogo es una escena o parte de un guión en el que un actor da un discurso largo e ininterrumpido sin interrupción por parte de otro personaje. Ahora, monólogos son muy importantes para actuar porque la mayoría de las veces se usan para audiciones o estás hablando tanto tiempo el público llega a ver tus chuletas de actuación. Ahora aquí hay algunas cosas que creo que debes recordar cuando estás eligiendo y monólogo para tu audición o cuando simplemente estás realizando la conexión número uno. Conéctate con el personaje y con el número monólogo para cuidar. Tienes que estar del lado de tu personaje, y nunca podrás juzgarlos. Es posible que en la vida real no hagas las cosas que hace tu personaje, pero para ser ellos, tienes que convertirte en ellos y entender su viaje más que nadie porque estás interpretando al personaje. Y el número tres, creo, es uno de los más importantes es la gama de espectáculos artesanales y asegúrate de que eres único. Usa la inflexión de tu voz, usa acentos si es necesario y movimientos corporales. Queremos verte contar una historia. Queremos que nos lleves de viaje contigo. Entonces, ya sea que elijas un monólogo cómico o un monólogo germánico, muéstrale al director que estás actuando chuletas porque hay cientos de personas audicionando para el mismo papel eres tú, y cuando entras a la sala, el directores esperan que seas tú. 18. Análisis de guiones: qué análisis de guión. Entonces cuando estudiemos nuestros guiones, quiero que piensen en quién, qué, cuándo, dónde y por qué. análisis de guiones es el estudio cercano de una obra de teatro o un guión o historia, incluyendo el diálogo y las direcciones escénicas, para encontrar la respuesta que sea necesaria para crear un personaje lleno y rico y para elaborar una performance que sirva al guión. Ahora existen diferentes métodos para estudiar en un guión como la técnica Meisner, el Método. Tekken E Juilliard, Crawford Análisis Cabra Slash rapero Cohen y Buda Haagen Para el análisis de guiones. He proporcionado en Who'd Oaxaqueños hoja de trabajo. Por lo que quiero que uses esta hoja de trabajo siempre que estés actuando en la obra para descubrir pulgadas sobre tu personaje. Una vez que creas el mundo del personaje, va a ser mucho más fácil actuar en remolque. ¿ Qué volverse más creíble como actor haría un abrazo y hacer estas preguntas? ¿ Quién soy yo? ¿ A qué hora es? ¿ Dónde estoy? ¿ Qué me rodea? ¿ Cuál es mi relación con los demás personajes de la historia? ¿ Qué quiero? ¿ Por qué quieres lo que quieres? ¿ Qué hay en tu camino? ¿ Qué espero que pase a continuación. Entonces ahora que ya hablamos de eso, quiero que pienses en cuáles son las circunstancias dadas? El término dadas circunstancias se aplica al conjunto total de condiciones ambientales y situacionales , que influyeron en las acciones que emprende un personaje en un drama. Entonces, aunque un personaje puede tomar tales decisiones inconscientemente, el actor que interpreta al personaje es consciente de tales condiciones a nivel consciente para ayudarlo a profundizar su comprensión de la motivación detrás de los personajes. Acciones así dadas circunstancias incluirán condiciones del mundo de los personajes. Por lo que al actuar en la obra, asegúrate de Asher. Entonces todas estas preguntas. 19. MEMORIA AFFECTIVE: Entonces, ¿qué es una memoria efectiva o una emoción recordada? Es el recuerdo lo que involucra personalmente al actor, para que las experiencias emocionales profundamente arraigadas empiecen a responder a medida que se realiza. Por lo que cuando estés usando una memoria efectiva, ayudará a tu instrumento a despertar y a volverse más vivo cuando estés actuando en el escenario. Entonces, ¿cómo se utiliza una memoria efectiva? Lo que quiero que hagas es que encuentres un lugar tranquilo, acuestes y camines por tu memoria efectiva. Desde el momento en que comenzó hasta el momento en que termina, termina. Tu memoria efectiva podría ser algo que perdiste un valor o algo que te pasó , pero necesita afectarte de una manera que traiga la verdadera vida del personaje en las necesidades emocionales del personaje y del mundo de tu historia. Y a medida que realizas el guión o antes de realizar el guión, piensa en tu um efectivo, memoria. Ahora cuando estés usando una memoria efectiva, asegúrate de que sea una que no provoque que te metas en una depresión o algo por el estilo, sino una que requiera voto emocional, vulnerabilidad, lágrimas o lo que sea necesario para la escena. 20. VUELTO EMOCIONAL y MEMORIA de EMOTIONAL: Entonces, ¿qué es el recuerdo emocional o la memoria emocional? Son las emociones de la memoria de un actor, ya sea a largo o corto plazo, fuera de las experiencias personales las que se utilizan para conectar al actor con el personaje y satisfacer las necesidades emocionales de la situación en la obra o película. Ahora el objetivo es que tus emociones sean estimuladas. Entonces si estás teniendo problemas para conectarte a una escena, quiero que recuerdes una época en la que alguien te hizo realmente enojar, triste o simplemente estabas feliz. Usa esa misma energía y emoción en tu escena, por supuesto, con objetivos claros, tácticas e intenciones. Este es emotivo recuerdo ahora. Qué memoria sensacional, ya que la memoria es la base del método de actuación de Lee Strasbourg desde la memoria, se utiliza para referirse al recuerdo de sensaciones físicas como una vista, tacto, sabor, olfato y sonido. Ya lo sabes? ¿ Qué ves? ¿ Qué estás sintiendo? ¿ Qué estás degustando? ¿ A qué estás oliendo en ese momento en particular? eso se le conoce como desde la memoria. Entonces para ambos ejercicios, quiero que encuentres un silencio Por favor acuéstese. Y a ti te voy a hacer caminar por tu emotivo recuerdo o desde memoria de principio a fin, Escribe lo que te ocurra. Lo más importante, ¿te ayudará a conectarte a tu escena y te ayudará a conectarte con el personaje? 21. DIALECT, DICCIÓN E INFLECCIÓN: Entonces, ¿qué es Dialect? El dialecto es un patrón de habla claramente regional o lingüística. Un norteamericano podría decir hola. Pero ciertos sureños, si aún dicen esto, podrían decir aullido Cuál su adicción a la dicción es el estilo vocal, ritmo y las palabras de los personajes, el acento, la enunciación y la inflexión. Alguien del capó puede usar diferentes opciones de palabras que alguien que es un profesional. Alguien del capó puede decir, estaba arriba significado, ¿Cómo estás contra alguien que es un profesional? Pueden decir algo así como, Hola, ¿cómo estás hoy? Por lo que es importante conocer la diferencia entre dialecto y dicción, porque tu personaje puede tener acento y necesitas saber cuáles son sus patrones de habla , incluyendo también sus estilos vocales. inflexiones también juegan un papel clave en cómo habla tu personaje. Inflecciones es un cambio en el tono o girar una voz. Por ejemplo, ¿a dónde vas versus a dónde vas? Ese es un ejemplo de una inflexión que se podría preguntar. ¿ Cómo puedo mejorar con mis patrones de habla o mis acentos? Uno Número uno. Se puede contratar a un entrenador de acento. Se puede tomar una clase de habla estadounidense neutral y aprender el alfabeto fonético internacional . Esto te enseñará cómo transcribir acentos. Y solo puedes empezar por practicar desde ahí por tu cuenta o con los abrigos de habla. Entonces ahora conoces la diferencia entre dialecto, dicción e inflexiones. 22. DIALOGUE /PACE/EDIFICIO: Entonces, ¿qué es el diálogo? El diálogo son palabras descriptivas intercambiadas por intérpretes o ejecutantes. El diálogo es lo que está escrito, y es la conversación que los personajes tienen entre sí o una conversación que tienen con otra persona. Ahora, cuando estés actuando, presta atención a lo que está sucediendo en la conversación, en términos de ritmo y en términos de construcción. Entonces, ¿en qué está el ritmo? ¿ Qué es templo? ritmo y el tempo es el ritmo al que se toca una escena. Entonces, ¿la escena se mueve con lentitud y luego se intensifica? ¿ O es como un partido de ping pong, donde va de ida y vuelta entre los dos actores en una discusión realmente intensa? Entonces, saber cómo y cuándo construir estás viendo ayuda con el ritmo? Ahora lo que significa construir construir es aumentar la intensidad vocal. Por lo que ahora sabes la diferencia entre diálogo y ritmo y construcción 23. DICIÓN DROP y PROYECCIÓN: ¿ Qué significa soltar líneas? dice que se dejan caer las líneas en las que un actor no proyecta su voz lo suficiente como para ser lastimado . Tu personaje puede decir: Oye, Oye, Peter, ojalá te detuvieras. Ahora ves cómo al final apenas podías escuchar lo que estaba diciendo. Este es un ejemplo de lo que significa soltar tus líneas. Entonces recuerda, cuando estés hablando, asegúrate de proyectar siempre tu voz para que no dejes caer las líneas. Entonces, ¿qué significa proyectar tu voz? Proyección es el control de la claridad Valium y la distincion de tu voz demasiado grande para ganar mayor capacidad de adeudos. Así que asegúrate de no dejar caer tus líneas y proyectar siempre tu voz. 24. CUE y PULsa CUATE PARA PULSAR LAS CUATES: lo que es a que son las últimas palabras de un discurso o el fin de la inacción, indicando el tiempo para que otro actor hable u otro actor actúe ahora un actor debe memorizar sus pistas con la misma atención que memoriza sus líneas. ¿ Ahora qué? Nuestros tacos pick up pick up es una dirección para que el actor comience a hablar inmediatamente sobre cue sin que haya ningún lapse de tiempo, cual suele indicarse con un guión al final de una sentencia. Entonces ahora sabes la diferencia entre una Q y A te recojo. 25. Las 9: hoy vamos a hablar de las nueve áreas de etapa. Ahora. ¿ Cuáles son las nueve áreas escénicas y el orden que un director hizo designee y actores posicionaran adecuadamente en el escenario? El escenario se divide en nueve áreas de etapa. Eso es etapa arriba derecha arriba escenario centro arriba etapa izquierda centro, derecha centro etapa central etapa izquierda y luego tienes downstage derecho downstage centro y downstage izquierdo. Ahora finge que eres un miembro del público viendo al actor mientras señala a su izquierda que su escenario se fue, que es que el público tiene razón. Y ahí están los puntos, ¿verdad? Ese es el derecho de los actores, que es el público que queda. Entonces ahora ya sabes, las nueve áreas de etapa en el escenario salieron del escenario, ¿ verdad? 26. CRUZAS de STAGE: Por lo que en nuestra clase anterior, hablamos de las nueve diferentes áreas escénicas. Ahora, hoy vamos a hablar de cruces escénicos. ¿ Cuál es el escenario Cross? Un cruce escénico no es básicamente más que un movimiento de una zona del escenario a otra área del escenario. A menudo está representado por un ex. Cuando anotes guión, lo que hablaremos en otra clase. Entonces tú eres director dirías: Oye, Oye, necesito que cruces abajo del escenario del dedo izquierdo del pie arriba del escenario, ¿ verdad? Y a veces quizá no tengas familiaridad con esa terminología. Entonces en esta clase, vamos a jugar un jueguito para ver si puedes recordar cómo moverte o cruzar desde el centro del escenario. ¿ Verdad? Bajando a la izquierda. Alguien que se opone a ti Estos retos. ¿ Estás listo? Cruza hacia arriba el escenario justo arriba. Etapa izquierda. No Dragón, cruza el escenario justo arriba. Etapa izquierda. Bien. Ya lo tienes. Ahora cruza el escenario de izquierda a abajo, derecha. Ver un trozo de pastel. Ya lo están juntando. Entonces, mientras estás en casa, quiero que practiques estas nueve diferentes áreas escénicas e intentes formularte algunos cuestionarios para ti donde dices: Oye, Oye, déjame cruzar abajo del escenario el dedo izquierdo del pie arriba del escenario. Correcto. Y esto te ayudará a recordar tus áreas escénicas como actor. Cuando tu director acaba de decir: Oye, Oye, necesito que cruces desde abajo a la izquierda en el escenario, ¿ verdad? Te hará las cosas más fáciles y menos tediosas cuando estés actuando en el escenario.