Del papel a la pantalla: edición digital de tu arte en Adobe Photoshop | Cat Coquillette | Skillshare
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Del papel a la pantalla: edición digital de tu arte en Adobe Photoshop

teacher avatar Cat Coquillette, Artist + Entrepreneur + Educator

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Lecciones en esta clase

    • 1.

      ¡Vamos!

      3:37

    • 2.

      Escanea tu arte

      2:20

    • 3.

      Limpia tu trabajo en Photoshop

      16:21

    • 4.

      Exploración de colores: edición digital en Photoshop

      6:31

    • 5.

      Crea patrones

      11:04

    • 6.

      Cambia el tamaño para dimensiones de plantillas diferentes

      4:26

    • 7.

      Consejos finales

      1:19

  • --
  • Nivel principiante
  • Nivel intermedio
  • Nivel avanzado
  • Todos los niveles

Generado por la comunidad

El nivel se determina según la opinión de la mayoría de los estudiantes que han dejado reseñas en esta clase. La recomendación del profesor o de la profesora se muestra hasta que se recopilen al menos 5 reseñas de estudiantes.

17.361

Estudiantes

212

Proyectos

Acerca de esta clase

Cat Coquillette es una ilustradora y diseñadora profesional así como también una viajera de tiempo completo. Gracias a su éxito al licenciar su trabajo y vender a empresas de impresión bajo demanda, como Society6, puede mantenerse por completo como artista y viajar por el mundo. Cat es una de las principales artistas de Society6. Vende más 58 000 productos solo en su plataforma.

Cat te guiará paso a paso por todo su proceso para mostrarte cómo pasa su trabajo del papel a la computadora. Se centrará en todos los pasos que sigue para transformar digitalmente su arte en las piezas más vendidas; entre ellos se encuentran:

• Fusionar múltiples escaneados de trabajos de arte en una sola imagen.
• Eliminar el fondo de papel y quitar las marcas de lápiz, las salpicaduras de pintura y los errores.
• Explorar variaciones de colores.
• Crea patrones.
• Ajustar los trabajos de arte para dimensiones de plantillas diferentes.
• Guardar los archivos de trabajo para su optimización.

Un factor clave para tener éxito con los ingresos pasivos, como licenciar e imprimir bajo demanda, es asegurarse de que tu obra de arte se traduzca a la perfección del papel a la pantalla. Esta clase se adaptará a ese proceso. El proceso es mucho más que escanear las obras y subirlas para venderlas en línea. Lo que hagas entre esas acciones puede marcar la diferencia entre una pieza promedio y una líder de ventas.

Si no tienes Photoshop, no hay problema. Puedes suscribirte a una prueba gratuita en línea en solo unos minutos: http://www.adobe.com/products/photoshop/free-trial-download.html

Como beneficio de esta clase, recibirás una guía digital gratuita que cubre todos los conceptos básicos de la clase MÁS un papel de acuarela de alta resolución para que puedas comenzar inmediatamente a digitalizar tu propio arte.

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Cat Coquillette

Artist + Entrepreneur + Educator

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Hello there! I'm Cat Coquillette.

I'm a location-independent artist, entrepreneur, and educator. I run my entire creative brand, CatCoq, from around the world. My "office" changes daily, usually a coffee shop, co-working space, or airport terminal somewhere in the world. 

My brand aspires to not only provide an exhilarating aesthetic rooted in an appreciation for culture, travel and the outdoors, but through education, I inspire my students to channel their natural curiosity and reach their full potential.

CatCoq artwork and designs are licensed worldwide in stores including Urban Outfitters, Target, Barnes & Noble, Modcloth, Nordstrom, Bed Bath & Beyond, among many others. ... Ver perfil completo

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Transcripciones

1. ¡Comencemos!: Hola a todos. Vuelvo por otra clase. Para los que no me conocen, me llamo Cat Coquillette, y soy el fundador de CatCoq, que es mi marca de ilustración y diseño. Tengo 29 años y soy ilustrador y diseñador profesional, así como viajero de tiempo completo. Gracias a mi éxito con las empresas de licencias e impresión bajo demanda, soy capaz de apoyarme plenamente y viajar por el mundo. Durante mi clase de hoy, te voy a mostrar cómo consigo mi trabajo de papel a computadora, poder editar digitalmente y realzar mis pinturas para crear piezas de arte más vendidas. Hay mucho más en el proceso que solo entregar tu obra de arte y subirla para venderla por internet. Lo que hagas entre esas acciones puede marcar la diferencia entre una pieza promedio y un bestseller. Te acompañaré paso a paso por todo mi proceso y te mostraré todos los consejos que uso para aumentar mis posibilidades de que se noten obras de arte y de crear un ingreso viable como artista. Vengo a ti desde Chiang Mai, Tailandia, es mi actual hogar lejos de casa. Soy originario de Kansas City, Estados Unidos, pero en los últimos seis meses he estado en Tailandia, Vietnam, Indonesia, Malasia y Corea del Sur. Viajar inspira mi obra de arte, por lo que últimamente mi portafolio se siente como un diario visual de todos los lugares increíbles que visité; desde exuberantes selvas y montañas hasta restaurantes y vida de la ciudad. ¿ Se puede decir que tengo algo por las acuarelas y los animales lindos? En conjunto con viajar 24/7 y dirigir mi propio negocio, licencio mi obra a diversas empresas y mis ingresos son 90 por ciento pasivos, lo que significa que no necesito ponchar un reloj para que me paguen. ingreso pasivo es el dinero que sigo ganando mucho después de haber concluido el trabajo. Para mí, eso significa crear una ilustración y luego ganar regalías por las ventas de esa pieza en las siguientes semanas, meses y años. Esto es lo que me permite vivir mi vida como viajero permanente. En tanto tenga inspiración creativa fluyendo y excelente Wi-Fi, puedo seguir ganándome la vida. Un factor clave para tener éxito con flujos de ingresos pasivos como licencias e impresión bajo demanda, es asegurarse de que su obra de arte se traduzca maravillosamente de papel a pantalla. Mi clase de hoy va a ser todo sobre ese proceso, además de optimizar tu obra de arte una vez digitalizada. Cubriremos todos los conceptos básicos, desde escanear en tu trabajo, hasta limpiar digitalmente tu obra eliminando los fondos de papel, las marcas de lápiz y cualquier tipo de errores. También usaré algunas de mis propias pinturas como ejemplo para mostrarte cómo explorar la variación de color, crear patrones, y ajustar tu trabajo para diversas dimensiones de plantilla. También te mostraré cómo guardo mis archivos para la optimización, y lo que siempre tengo en cuenta al subir mi trabajo y compartirlo con el mundo. Empezaremos la clase revisando cómo escanear en tu trabajo y obtenerlo de papel a pantalla, y luego trabajaremos en técnicas específicas para optimizar tu ilustración. Esta es una clase de nivel intra y estaremos usando Adobe Photoshop para editar nuestro trabajo. No tienes Photoshop, no hay problema; puedes registrarte para una prueba gratuita en línea en tan solo unos minutos. El mejor modo de digitalizar tus pinturas es a través del escaneo aunque tengas que escanear en múltiples imágenes y fusionarlas juntas en Photoshop. No te preocupes, eso también lo cubriremos. Si no tienes tu propio escáner y no estás listo para invertir en uno, solo los servicios de escaneo de ilustraciones de Google más el nombre de tu ciudad y deberías poder encontrar un negocio que ofrezca escáneres para su uso. Como bono para esta clase, incluyo una guía digital gratuita que cubre todos los conceptos básicos de lo que hablamos hoy en día, además de una textura de papel de acuarela de alta resolución para que puedas empezar de inmediato con la digitalización de tu obra propia. No olvides seguirme en Skillshare haciendo clic en eso, Botón de seguimiento arriba. Esto significa que serás el primero en saber cuando publique regalos para un año gratis de Skillshare, o lanzo una nueva clase, o simplemente tenga algunos anuncios geniales para compartir con mis alumnos. ¿ Listo para recoger técnicas y hacer brillar tu propia obra de arte? Golpea “Inscribir” y empecemos. 2. Escanea tu arte: Está bien, hablemos, escaneando. Prefiero escanear puede funcionar en lugar de fotografiarlo por algunas razones. Uno, es más fácil. No tengo que meterme con la configuración de la cámara ni conseguir la perspectiva exactamente correcta. Tampoco tengo que preocuparme por la iluminación y puedo escanear en cualquier momento del día sin importar si está soleado o no. Dos, generalmente pinto en papel de 11 por 15 pulgadas, que es bastante fácil de escanear ya que es bastante pequeño. A pesar de que mi cama plana es de sólo nueve por 12, solo puedo escanear en dos piezas y fusionarme en Photoshop, que es lo que aprenderemos a hacer en el siguiente video. Utilizo un escáner de fotos Epson V550. Mientras viajo, uso un escáner Canon que es ligero y fácil de lanzar en mi mochila. Escaneo mis pinturas a una resolución súper alta, generalmente alrededor de 1600 DPI más o menos. Los archivos son enormes, pero esto me permite mucha flexibilidad. Siempre puedes bajar la escala, pero una vez que empieces a escalar, perderás calidad. Por lo que es mejor comenzar con un archivo RES más alto de lo que realmente necesita. Es importante limpiar la cama del escáner antes de cada uso también. Te sorprendería bastante la cantidad de arena que termina ahí dentro. Es polvo, goma de borrar, restos, y a veces copos secos, también la pintura. escaneo en mi trabajo suele tardar varios minutos, y suelo sostener las manos sobre la tapa para asegurarme de que el papel esté realmente presionado firmemente contra ese vaso. Tienes que permanecer increíblemente quieto mientras está escaneando o de lo contrario el área donde te mudaste comenzará a desenfocarse. Intento alinear mi papel lo mejor que puedo mientras escaneo, y esto ayuda cuando voy a estar fusionando dos escaneos juntos en una imagen. Si ambos archivos están bien alineados, es menos trabajo en mi extremo cuando los ajuste para que se mezclen en Photoshop. Aprenderás más sobre esto más adelante en el siguiente video. Además, si vas a estar escaneando en múltiples imágenes de la misma obra de arte, asegúrate de que siempre estás colocando el papel en el mismo ángulo. El motivo por el que esto es importante es porque cuando el láser resalta el papel, se lanza una ligera sombra sobre la textura de tu papel. Si tienes que hacer un escaneo múltiple de la misma obra de arte y no fuiste consistente con el ángulo en el que colocaste tu papel, las texturas no coincidirán y mitad de tu pintura se verá ligeramente diferente a la otra mitad. Si tienes la opción, debes guardar tus archivos como TIFF. Esto le dará un escaneo más verdadero y evitará pérdida de calidad que de otro modo se produciría en JPEG. Una vez que tengas tu imagen o múltiples imágenes de tu pieza guardadas como archivos TIFF en tu computadora, aprenderemos a fusionarlas en una sola imagen. Empecemos la siguiente lección y aprendamos cómo. 3. Limpia tu trabajo en Photoshop: Este video se trata de limpiar tu obra de arte una vez que se haya escaneado y se haya digitalizado. Fusionaremos múltiples escaneos juntos, quitaremos el fondo del papel y lo reemplazaremos por una nueva capa fresca y borraremos cualquier imperfección como las marcas de lápiz son salpicaderas de pintura. Empecemos. Ahora tenemos dos archivos escaneados de la misma obra de arte y necesitamos fusionarlos juntos en Photoshop para hacer un archivo cohesivo que se vea impecable. Esto es lo que se ven por separado, y aquí te damos un vistazo a cómo se verá. Todo se mezcla muy bien. No se puede decir que fueron dos archivos separados los que se fusionaron juntos. Además de fusionar los escaneos en un solo archivo, también estaremos limpiando nuestras ilustraciones para eliminar marcas de lápiz, errores e imperfecciones que surgieron en el proceso de escaneo. También vamos a estar quitando ese fondo de textura de papel de la ilustración y agregándolo a uno nuevo en una capa separada, por lo que se ve así. Empecemos. Lo primero es lo primero, necesitamos fusionar nuestros dos archivos separados en una ilustración impecable. Vamos a empezar tirando ambos a un archivo maestro, cual tengo listo por aquí. Yo lo llamo template.psb. El motivo por el que guardé como psp es porque soy capaz de guardar un archivo que está más de dos gigs. No todos mis archivos son tan enormes, pero si tengo una tonelada de opciones de paleta de colores y capas, entonces a veces pueden llegar a ser así de grandes. Utilizo este archivo maestro para todas mis pinturas y lo llamo plantilla porque eso es exactamente lo que es. Contiene dos capas, mi capa de firma, así como la capa de textura de papel. Parece que es blanco, pero cuando haces zoom, realmente puedes ver esa textura real. Mi archivo de plantilla se guarda aproximadamente a 31 por 42 pulgadas a 300 DPI y está en modo de color RGB. Elegí estas dimensiones porque son similares a mis dimensiones originales de pintura, y elegí este tamaño porque es lo suficientemente grande como para ser impreso en cualquier producto incluyendo tapices de centro comercial, ropa de cama, y todos los tamaños de arte de pared. Siempre asegúrate de estar en modo RGB si vas a estar cargando tu trabajo en sitios impresos bajo demanda para vender. Si utilizas CMYK, los colores se volverán indeseables cuando subas. He agregado el efecto de transparencia multiplicar a mi capa de firmas. Déjame mostrarte aquí abajo. Por aquí en tus efectos de transparencia, hay Multiply. Esto es lo que parece cuando se apaga. Al agregar Multiply, ayuda a que se mezcle el fondo de textura del papel y parezca como si realmente estuviera dibujado en ese papel exacto. De nuevo, eso es lo que parece. Es bastante sutil, pero creo que marca la diferencia. Lo que vamos a hacer es dejar caer nuestros archivos escaneados en este archivo maestro y mezclar la ilustración en una sola capa. Empezaré arrastrando mis escaneos a mi archivo de plantilla. Ya no necesitas a ese tipo. Voy a poner un efecto de multiplicación en ambas capas. Esto es sólo para que pueda ver lo que estoy haciendo cuando arrastre una sobre la otra. Lo que voy a hacer es simplemente dejarlo, no tiene que ser perfecto en este punto. Seleccione ambas capas y gírela para que se ajuste a las dimensiones de mi archivo de plantilla. Escala hacia abajo un poco. Enfriar. Ahora que tenemos ambas capas de ilustración superpuestas aproximadamente, ahora es la parte importante para asegurarnos de que sean absolutamente perfectas o lo más cercanas que puedas llegar a ser una superposición perfecta. Voy a arrastrarlo, eso en realidad se ve bastante bien en el lado izquierdo. No perfecto a la derecha, pero eso es probablemente porque no era exactamente perfecto como lo escaneé. Eso está bien por ahora. Puedes mantener presionada la tecla de control si quieres eludir tendencia de Photoshop a mover imágenes saltando varios píxeles. Cuando mantienes presionada la tecla de control, te permite moverte exactamente píxel por píxel. Eso puede ser realmente útil aquí. Haz clic y luego mantén pulsado el control. Eso está bastante cerca. Vamos a alejarnos. Se ve bien. El motivo por el que está más oscuro en esta zona, nuevo, es porque Multiply está encendido. Ahora que tenemos todo recostado, bastante cerca de perfeccionar, lo que vamos a hacer es aislar la mitad superior de esa ilustración. Voy a dejar Multiply encendido por ahora, sólo para que pueda ver qué estoy haciendo y tendré una buena idea de lo que está aquí el medio terreno. Seleccionando mi herramienta de lazo, también puedes simplemente empujar L. Voy a atravesar y cortar todo esto. Hay algunas áreas como aquí que no tengo elección. Voy a tener que cortar justo a través de la ilustración. No hay problema, volveremos a entrar y difuminaremos esos más tarde. Se pone bastante apretado en algunas áreas por lo que puedes acercar si es necesario. Es otra pierna que tendré que cortarle, lo arreglaremos más tarde. Una vez seleccionada toda la selección superior, voy a tirar una máscara ahí. Simplemente puedes hacer click aquí mismo, bam, tenemos una máscara. Voy a apagar Multiplicar ya que ya no necesito eso para ver. Como puedes ver, la textura del papel es un poco más ligera de lo que está en la parte inferior. Eso no va a importar realmente porque vamos a estar quitando esa textura por completo. Lo que voy a hacer primero es acercar esas áreas donde tuve que cortar directamente a través de la ilustración para asegurarme de que estén bien mezcladas. Ahí es donde fue empujado. Voy a asegurarme de que mi máscara esté seleccionada, mete un pincel bastante pequeño ahí dentro. Voy a poner la opacidad en 100, y sólo mover eso a través para suavizar esa línea dura. Porque esa ilustración se colocó sobre las otras tan bien, ahí no hay mucha diferencia, así que tenemos bastante suerte. Averigamos cuál era la otra línea ahí mismo. De nuevo, apenas se puede ver que esa línea atraviesa, pero sólo voy a ablandar esos bordes. Perfecto. El motivo por el que he estado usando una máscara es que tengo la oportunidad de redibujar en la ilustración que está encubierta. No ha desaparecido por completo. Todavía vive ahí abajo, y si quiero traerlo de vuelta, todo lo que tienes que hacer es dibujarlo, así. Todavía tengo acceso a la ilustración completa debajo de la máscara, así que si necesito volver más tarde y volver a traer algo, puedo hacerlo con bastante facilidad y esos datos no se pierden permanentemente. Alejemos el zoom y asegurémonos de que todo se vea muy bien antes de aplanar. Cuando fusionemos las dos capas juntas, vamos a perder la ilustración que está escondida en la mitad inferior de esa máscara aquí abajo. No importa ahora mismo ya que todo está mezclado a la perfección, así que lo voy a aplanar. Enfriar. Aquí tienes nuestra capa aplanada que contiene nuestra ilustración completa fusionada sin problemas. Ahora vamos a quitar ese fondo de papel. Lo que voy a hacer para esto es utilizar mi herramienta de varita mágica. Está por aquí. También puedes empujar W. Quiero la herramienta de varita mágica seleccionada. Pondré una tolerancia ahí, alrededor de 40. Debido a que la ilustración es tan oscura y ese papel es tan ligero, 40 parece un número bastante bueno. Yo quiero asegurarme de que Contiguous esté apagado. Lo que eso significa es que seleccionará todo sin importar si lo está tocando o no. Digamos que había un área de espacios en blanco en medio de este jaguar, todavía seleccionaría eso. Contiguous se apagó, entonces no conseguiría esa zona. Esto sólo significa todas las áreas blancas que se están tocando entre sí. Vamos a alejarnos. Parece que casi todo ese blanco está seleccionado. Lo que voy a hacer es acercar un parche apretado y ver si hay otras áreas. Se pueden ver lugares como este donde es un poco verde más claro, probablemente pinte agua de esas hojas. No fue seleccionado, pero realmente no necesitamos preocuparnos por eso ahora mismo. Tenemos todo lo que queríamos. Lo que voy a hacer es invertir esa selección. Después de que se invierte, utilicé el comando de teclado para eso por cierto. Voy a entrar en seleccionar, modificar, y expandir. Lo que estoy haciendo ahora es expandir esa selección de los dos píxeles. Apenas se ve que salió un poco. Antes se lavaba con ese plomo, y ahora la expansión ha salido alrededor de dos píxeles. El motivo que es importante es porque no quiero cortar ninguna parte preciosa de la ilustración. Para que sea un poco más sin fisuras, entraré en modificar y pluma, plumala por una. Realmente no se puede decir la diferencia aquí, pero todo eso no deja que los bordes un poco más. Ahora vamos a volver a entrar en mi herramienta favorita. Te sacas máscara de eso. Ahora, lo que hemos hecho es aislar el fondo de papel del propio jaguar. Es difícil de decir ya que el manipulador está encendido. Cuando apague eso, podrás ver. Esa cuadrícula en el fondo indica que se trata de una capa transparente. Recuerda aquellas áreas por aquí donde había pedacitos de salpicaduras de pintura, esas no fueron seleccionadas. Ahora quiero ocuparme de esos. Lo que vamos a hacer es copiar esta capa y luego rasterizarla. Yo me estoy deshaciendo de la máscara, y lo que voy a hacer, esta es solo una manera fácil para mí de ver las áreas que se ven afectadas, voy a hacer explotar una superposición de color ahí. Ni siquiera importa de qué color escoja, esto es solo que puedo ver lo que estoy haciendo. Aplanar eso otra vez. Ahora vamos a usar nuestra herramienta de varita mágica otra vez aquí a la izquierda. Esta vez queremos encender contiguos. Ahora, cuando hago una selección como este frente, lo único que está seleccionado es esta fuente y nada más lo es. Es un poco tedioso, pero lo que voy a hacer es pasar y seleccionar individualmente cada elemento que está aquí encendido. El motivo por el que estoy haciendo eso es para que estas otras pequeñas áreas aleatorias, un pintor, los puedan ver aquí dentro, esas no serán seleccionadas. Esta es sólo una forma rápida y realmente precisa de conseguir sólo las partes de pintura que queremos en la final. Voy a pasar y seleccionar todo de forma individual. Estoy presionando mi tecla Mayús y de esa manera puedo hacer múltiples selecciones a la vez. Voy a adelantar rápido para que ustedes no tengan que ver todo esto. Sólo toma alrededor de un minuto, pero aún así es aburrido. Ahora, creo que tengo todo seleccionado, voy a revisar recortando todo. Ah, me perdí algunos tipos en el fondo, así que deshace eso y ve y agarra a estos tipos. Enfriar. Alejémoslo y cortémoslo. Impresionante. Todo está seleccionado que yo quería. Lo que haré es seguir adelante y borrar esa capa, ya no la necesito. Vamos a aplicar esa selección. Como se puede ver, todo sigue seleccionado. Vamos a pintar sobre nuestra máscara por aquí. Conseguiré un pincel bastante grande, y lo que haré es invertir mi selección. Ahora, asegurándome de que el negro esté seleccionado, pasaré y pintaré sobre todo. Realmente no se puede ver lo que está pasando aquí, pero lo que está pasando es que esa pequeña área de los observadores de pintura acaba de ser borrada. Vamos a acercar. Sí, ya no están ahí. Ahora, las únicas partes de la ilustración que están en esta página son las piezas intencionales que queremos ahí dentro, por lo que el jaguar y todas las hojas. terminé con esta máscara, voy a aplanar, vamos a añadir la textura del papel, y ahí está nuestra ilustración perfecta con y sin ese fondo de textura de papel. Ahora, lo que voy a hacer es que queremos que esa pintura parezca que en realidad era agua coloreada en ese papel. Voy a acercarme de cerca para que puedas ver. En este momento solo se inclina sobre la textura del papel, pero no hay integración. Dentro de mis efectos de transparencia, voy a encender multiplicar. Ahí ves es bastante sutil, pero la ilustración es un poco más oscura ya que se hunde en ese papel, por lo que la textura del papel sale a través de la ilustración. Te mostraré el antes y el después de nuevo. Aquí está el antes y el después. Realmente se puede ver que la textura del papel viene a través y se siente como que la acuarela se hizo en este papel exacto. Voy a mover mi firma a una zona donde cabe. Está bastante apretado ahí dentro, eso es bastante bueno. Ahora voy a seleccionar ambas capas y cambiar esto. Haremos el turno descendente, para que salte un poco más rápido y lo metan justo en el centro de esa página. Perfecto. Ahí lo tienes, tenemos nuestra ilustración sin fisuras con y sin ese fondo de textura de papel y la firma en esa página. Algo a tener en cuenta es que cuando escaneas en tu trabajo, pierdes un poco de esa saturación y profundidad de color del original. Lo que voy a hacer es agregar artificialmente ese backend. Voy a ir a mis niveles y arrastrar los tonos medios sólo para ser un poco más profundo. No tiene que ser enorme, 85, 84 luce bastante bien. Te mostraré eso antes y después de eso. Aquí está antes y hay después. Esto se siente más cerca de lo que mi ilustración real, McClellan, y voy a entrar en mi matiz y saturación y puede conseguir un poco más saturado. Creo que tres lo harán. Ahora se siente más preciso a lo que era mi ilustración original. Incluso puedes hacerlo más saturado, aún más oscuro, incluso más ligero que lo que pintaste. Esa es una de las grandes cosas de Photoshop, puedes modificar las cosas alrededor y tener oportunidades de hacer ajustes a tu pintura con los que estarías limitado con el medio real. Si tienes algún error en tu ilustración, tal vez alguna tinta manchada o algunas marcas de lápiz o sobrantes, podemos deshacernos de esos con bastante facilidad también con Photoshop. En este, vamos a acercar aquí. Tengo un observador de tinta. El mejor modo para que me deshaga de eso es tirando una máscara ahí. Voy a usar mi pincel, necesita ser mucho más pequeño. Perfecto. Simplemente puedo dibujar realmente fácilmente sobre eso en un reinicio. este momento el borde del pincel es realmente duro, lo cual está bien para las áreas que estoy borrando, pero cuando me acerco a ese borde, quiero asegurarme de que mi pincel sea un poco más suave. Está trayendo dureza hacia abajo. Se puede ver cómo los bordes, el pincel se apagaron un poco y se sienten más naturales contra el borde de la acuarela. Solo estoy jugando con los diferentes tamaños y teorías sin fisuras en eso. Esta es la misma técnica que usarás si tienes alguna marca extra de lápiz en los bordes del papel también, es el mismo método. Ahora sólo quiero ponerme un poco más apretado. Todo lo que estoy haciendo es pinchando y arrastrando mi ratón para que ese arbusto se mueva por el borde. Bueno, te mostraré el antes y el después. Hermosa. Si quieres deshacerte de ese observador de tinta dentro de esa hoja, puedes hacerlo también con bastante facilidad. Ahora que ese mago de tintas ha sido borrado por fuera, ya no necesitamos una máscara, sólo vamos a aplanar esa capa, pero todavía tenemos ese frotis de tinta justo en medio de la hoja. Cómo voy a deshacerme de eso es usar mi sello clon. Está por aquí, sello clon. Básicamente lo que es un sello clon, es que usas parte de tu ilustración para tintar y luego estampar en otro lugar. A lo que voy a hacer, tomar un poco de un pincel más grande, así que estoy sosteniendo mi tecla “Alt” y voy a dar click. Acabo de entintar mi almohadilla de sellos, y ahora donde sea que dibuje, va a hacer referencia desde esta zona aquí mismo. Lo que voy a hacer es simplemente sacar a la ligera. Una de las limitaciones con la almohadilla de tinta es una vez que llegas al borde completo, ya no tienes más tinta. Como puedes ver, está dibujando un poco por encima de la línea, cosa que no quiero. Lo que voy a hacer es simplemente volver a estampar constantemente y luego recargar. Haré mi pincel un poco más pequeño a medida que la cinta hacia abajo. Si ves el signo más que ocurre aquí arriba, lo ves moviéndose, eso te está mostrando un indicador de dónde se está llevando a cabo el entintado cuando vuelve a llenarse. Ahora que estamos en un buen lugar con esto, vamos a explorar alguna variación de color. 4. Exploración de colores: edición digital en Photoshop: En este video, vamos a caminar por todo color de las cosas. Te mostraré cómo optimizar el color dentro tus ilustraciones existentes de que los tonos son profundos y saturados, luego exploraremos variaciones de paleta de colores y trucos para ajustar el color para crear una variedad de opciones. También te mostraré cómo manchar los colores de edición para que algunas áreas dentro de tu ilustración se puedan ajustar por separado de otras áreas. Photoshop proporciona tanta flexibilidad y puede parecer un poco desalentador al principio, pero una vez que te cuelgues de las cuerdas, te volverás loca con las posibilidades ilimitadas. Empecemos. Haré un resumen rápido de lo que les mostré al final del último video. Así es como se ve mi pintura después de fusionar ambos escaneos juntos y quitar el fondo de textura del papel. Voy a preguntar algo del color, profundidad y saturación en el proceso de escaneo, así que no sólo voy a añadir eso de nuevo, sino que puedo hacer que mi pintura sea aún más optimizada que la pintura original. Esto es lo genial de Photoshop, puedes lograr cosas digitalmente a las que de otro modo estarías restringido con un medio en particular. Este proceso es bastante rápido y sencillo y solo requiere unos pocos pasos. Voy a ir a Command L para acceder a mis niveles y hacerlo un poco más profundo, no demasiado, pero justo lo suficiente para conseguir suficiente de la profundidad en tonos. Entonces voy a hacer el Comando U para conseguir mi Hue y Saturación. Haré que sea un poco más saturado para acercarme al cuadro original, presiona “OK”. Entonces lo último que voy a hacer es entrar en balance de color, así Comando B, y quiero que las sombras tengan un poco más de rojo en ellas, así que arrastro el cursor rojo sobre una pizca, y tal vez agrego un poco de amarillo ahí también. Perfecto. Presiona “OK”. Esa es una forma bastante rápida y fácil devolver tu color a donde estaba originalmente con tu ilustración. Incluso dentro de éste, lo empujé un poco más saturado de lo que estaba mi pintura original, sólo porque puedo en Photoshop. Pasemos al lado de explorar las variaciones de color. Hay algunas formas diferentes de jugar con la exploración de paletas de colores. Lo más fácil de hacer es ir al Comando U, que abre Hue y Saturación, y simplemente arrastrando este toggle por ahí, y se puede ver que la ilustración cambia bastante drásticamente a medida que vamos a diferentes áreas de la espectro. También puedes jugar con la saturación dentro de esto también. Puedes ponerte bastante brillante, casi neón, y luego bajar la saturación hasta el final para desaturar la pintura misma. Aquí puedes jugar con ligereza y oscuridad, pero no lo recomendaría, me apegaría a niveles para eso. Tus niveles rápidos es Comando L, y aquí es donde juego con tu oscuridad y tu ligereza. Otra forma de explorar el color es entrar en el equilibrio de color, por lo que el Command B abrirá el balance de color. Aquí hay tres opciones, tienes sombras, tonos medios y reflejos. Sombras toman la parte más profunda de tu pintura e infunden color, así que estoy agregando mucho azul a mis tonos de sombra, estaría agregando rojo, se verá así. Select es cero, tonos medios, exactamente como suena, solo toma los tonos medios e infunde cierto color. Entonces Highlights puede traer a toda la pintura para ser mucho más brillante. Otra forma de explorar una variación de color es jugar con Capas de Transparencia. Lo que haré es solo agregar un gradiente sobre la parte superior de esto, y entrar en mis Efectos de Transparencia y ver qué pasa si pongo aligerar en la parte superior, y obtendrás una pantalla. Full Dodge es bastante feo. A mí me gusta lo que está pasando aquí con aligerar, y esta es una forma más natural de conseguir el color más claro de lo que sería de otra manera si utilizaras los niveles. Ahora que tienes una idea de lo que podemos hacer con el conjunto de herramientas, hagamos un par de opciones de color. Empezaré haciendo una copia de mi capa original, estoy usando Comando J como el comando de tecla para hacer una copia de esa capa. Lo que esto hace es duplicar las capas para que pueda mantener aquí mi paleta de colores original e iniciar una nueva. Voy a hacer clic en el I para apagar el Original y cambiar mi Efecto de Transparencia a Quemadura Lineal para poder ver con total precisión cómo se verá en ese papel. Lo que quiero hacer es mantener ese color jaguar igual, pero quiero que esas hojas sean azules. Te mostraré cómo ajustarte al color dentro de algunas partes de la ilustración, pero no toda la pieza. Primero lo primero, acercaré el jaguar, y voy a usar mi Herramienta Lasso por aquí, y solo seleccionaré alrededor de todo el jaguar. Enfriar. Se ha hecho toda la selección, así que ahora lo que voy a hacer es cortar, también podría hacer Command X para que el jaguar se haya ido y luego iniciar una nueva capa y hacer Edits, Pegar Especial, Pegar in Place. No olvides volver a encender el Efecto Transparencia. Ahora tenemos nuestro jaguar separado de esas hojas, por lo que podemos ajustar el color de la licencia por separado del jaguar. Es bastante sencillo de hacer, solo asegúrate de que tu capa de hojas esté seleccionada, y entra en Hue and Saturation, eso es Command U, y podemos arrastrar ese matiz hacia abajo. Esa es la manera equivocada si quiero azul. Aquí vamos. Otra cosa que podría hacer es hacer clic en la opción Colorizar, y lo que esto hace es que todos los tonos tengan el mismo tono. Vamos a sobresalir Saturación. No hay variación de tonalidad dentro de esto, eso no es exactamente lo que quiero, quiero ver un poco de diferencias tonales, así que no voy a encender Colorize, pero es una opción si quieres que todo sea eso mismo matiz. En cambio voy a hacer esto un poco más azul, perfecto. Ahora lo voy a pulir con balance de color, que era el Comando B, y trayendo un poco más ese cian con una sombra de eso, tal vez. Ahí lo tenemos. Ahora por el bien de la organización, voy a agrupar a esos dos en un solo grupo y llamarlo Navy Leaves. Esto solo ayuda a que todo se mantenga organizado, por lo que cuando tienes múltiples variaciones de paleta de colores, todo se ve bien y ordenado en tus capas. Una vez que tengas establecidas todas las opciones de tu paleta de colores, puedes aplanarlas para que ya no tengas que agruparlas, solo minimiza las capas que tienes aquí en tu panel. Dentro de esto, tengo mis hojas verdes, hojas negras, azules, todas las variaciones de paleta. Lo que voy a hacer es asegurarme de que mis transparencias estén todas en Linear Burn, y apagar todas mis capas excepto una. Ahora es bonito y organizado y los efectos de transparencia están en su lugar. Ahora que hemos aprendido a explorar variación de la paleta de colores y organizar nuestras capas de color, vamos a avanzar a hacer algunos patrones geniales en el próximo video. 5. Crea patrones: En este video, estaremos explorando métodos para crear patrones a partir de tu obra de arte. Los patrones son geniales para aplicaciones particulares en formas que su ilustración original podría carecer. Para mí, los patrones se auto particularmente bien en fundas de teléfono, apuestas, leggings y cortinas. Cuando creas un patrón, abres las posibilidades de ampliar tu selección de productos, sobre todo si tu pintura original realmente no coincide con ciertos productos con dimensiones que son muy diferentes a las dimensiones de tu pintura. Los patrones brindan la oportunidad de llevar tu ilustración al siguiente nivel más allá de tu obra original. Estaré centrándome en dos tipos de patrones, patrones estructurales y patrones sueltos. Dependiendo de tu motivo, puedes elegir lo que se sienta más adecuado para ti. Voy a usar una variedad de mis obras de arte para este video ya que cada pintura aterriza mejor a un estilo de patrón particular. Comencemos con un patrón de estructura simple se adhiere a una cuadrícula apretada de columnas y filas y simplemente repita su ilustración o selección de su ilustración que aísla específicamente para el patrón. Usaré mi mapache como ejemplo. Aquí está mi mapache, ya ha sido aislado del fondo, y voy a abrir un nuevo doc, Apple N para mi patrón. Lo cambiaré a 10,000 píxeles por 10,000 píxeles, 300 ppi, y paleta de colores RGB. El motivo por el que estoy eligiendo estas dimensiones es este es un tamaño que es lo suficientemente grande como para ser impreso incluso en los productos de impresión bajo demanda más grandes como tapices y toallas. Aquí está mi nuevo documento. Todo lo que voy a hacer es arrastrar al mapache, y ahora aquí vive. El primero que hay que hacer es hacer que tu mapache sea mucho más pequeño. Esto parece un tamaño bastante bueno para un patrón de repetición, y ahora el proceso es bastante simple. Todo lo que necesitamos hacer es hacer copias de esta capa y arrastrarla a columnas y filas. Haré a Apple J para hacer una copia de esta capa, y solo ponerla de nuevo sobre Apple J. Puedes confiar en estas rejillas, estas líneas rosadas que Photoshop está proporcionando. Estas líneas están aquí para darte punteros sobre el espaciado. Aquí puedes ver que todo está en partes equidistantes, y te ayuda con la alineación también. Tengo mis tres, asegúrate de que todas esas capas estén seleccionadas, y quieres arrastrarlas todas al mismo tiempo. Voy a hacer una copia de los tres al mismo tiempo, Apple J y arrastrar hacia abajo. Apple J otra vez, y arrastra hacia abajo. Cuando te apegas a esos eventos de cuadrículas, es realmente, realmente simple. Incluso puedes hacer cosas como agrupar ciertas filas juntas. Estoy seleccionando las capas, y Apple G, que las agrupa juntas, y puedo hacer algunas rejillas fuera centradas de las otras, como siete. Si quieres voltear tu ilustración dentro del patrón, puedes hacerlo también. Basta con hacer Comando J para hacer una copia de esa capa. Estoy usando mi herramienta de transformación, que es Comando T. Cuando tu herramienta de transformación está seleccionada, puedes hacer clic derecho, y voy a ir a voltear horizontal, y arrastrarla sobre. Esto puede hacer sólo una imagen de espejo. También puedes voltear verticalmente. Te mostraré cómo se ve eso. Si quieres que un flip vertical se incorpore también dentro de tu patrón. A mí me gusta este flip horizontal ha estado funcionando, así que voy a copiar, y repetir eso. Con mi capa seleccionada, voy a Apple J a hacer una copia, y luego arrastrarla a un lugar que se sienta bien. Ahora, voy a aplanar todos estos juntos. En el agrupamiento, siguen siendo individuales dentro de su grupo, y puedes mover cada pieza por separado cuando la aplanas todo sigue en la misma capa. Ahora mismo, la misma capa es genial. Lo que voy a hacer es copiar esa capa otra vez, Comando J, arrastrarla hacia abajo, y hacer que mi patrón sea así. Para cambiar el tamaño de todo a la vez, asegúrate de que todas tus capas estén seleccionadas, y luego Comando T para entrar en la transformación, y puedes arrastrar todo a la vez para hacerla más pequeña dentro de la página. No olvides mantener pulsado Shift mientras transformas eso, cuando pones el turno, estás escalando dentro de la proporción, lo cual es realmente importante. Sin que Shift se mantenga presionado, podrías sesgarlo así, que nunca se ve genial. Pero cuando mantienes presionada la tecla Mayús, todo va dentro de la proporción. Ahora que hemos aprendido algunas técnicas para lograr patrones estructurados, vamos a explorar algunas formas de crear patrones más sueltos. Empecemos con algo bastante abstracto. Aquí, tengo mi pintura de posiciones de gato. Este sería un buen ejemplo para un patrón suelto porque la forma en que se pintaba esto, realmente no estaba apegándose a una rejilla, los gatos están simplemente colocados libremente de acuerdo a las posiciones de los que los rodean. Lo que haremos es tomar a estos nueve gatos y convertirlos en un patrón más grande en una página. En primer lugar, voy a hacer clic y arrastrar, y ya aisló a los gatos del fondo, y los tiré a mi archivo de patrones. Los haré un poco más pequeños para que pongan en la página. Enfriar. Lo primero que podemos hacer es hacer una copia de esa capa, Comando J, y arrástrela así. Esto solo está empezando a funcionar bastante bien, excepto una cosa que no me gusta es este espacio raro aquí, así que lo que voy a hacer es tomar a este gato, y arrastrarlo un poco hacia abajo para llenar ese espacio. Usaré mi herramienta de lazo para aislar a ese gato del resto. Comprueba en qué capa está encendida, vale, esta. Voy a hacer Command X, que corta a ese gato, y luego Comando V, que lo pega en su lugar como una nueva capa. Se puede ver por aquí. Ahora puedo simplemente tomarlo, arrastrarlo por ahí. Puedo rotarlo si quiero, pero creo que solo arrastrarlo hacia abajo hace el truco para mí. Un problema que puedes ver aquí es que sus colas pueden traer molestias aquí, y se ve súper raro. Ahora voy a usar mi herramienta de lazo y cortar a este gato. qué capa está esa? Este. Voy a pegarlo, y lo que voy a hacer es rotarlo horizontalmente que cabe un poco más como una pieza de rompecabezas. Lo último que voy a hacer es arrastrar a este gato hacia abajo para llenar ese extraño vacío. Asegúrate de que haya seleccionado la capa correcta, y solo la voy a arrastrar hacia abajo, y en realidad la rotaré un poco también. Enfriar. Ahora lo que voy a hacer es tomar todos esos juntos y aplanarlos en una sola capa, Comando E, y hacer una copia de esa capa, Comando J. Arrástrela hasta la parte superior y rellena ese espacio extra. Algo que voy a hacer es rotarlo horizontalmente para que no haya demasiada repetición ahí, y presione “Enter”. Ahora, quiero que esos gatos sean un poco más pequeños, y quiero más de ellos en la página, así que lo que voy a hacer es seleccionar ambas capas, y usar mi herramienta de transformación, que es Comandos T, y mientras mejorando mi tecla Mayús para asegurarse de que las cosas se escalen proporcionalmente, escalarlas un poco hacia abajo y luego arrástrelas de nuevo hacia abajo hasta la página. Genial, las cosas están empezando a juntarse un poco más. Otra cosa que quiero hacer es abordar este espacio aquí mismo se siente un poco estéril, así que lo que voy a hacer es cortar a este gato. Asegúrate de que estás seleccionando la capa de la que quieres que se corte, Command X para cortarla, Comando V para pegarla como una nueva capa. Creo que voy a hacer es ver si encaja ahí, hacen una transformación horizontal, y sí. Una cosa más que voy a hacer ahora que lo veo, es tomar este gato voltearlo horizontalmente para que quede más ligeramente en este espacio. Para hacer eso, voy a seleccionar todas mis capas, tirarlas un poco hacia abajo, y luego usar mi herramienta de Lazo. Ella está pasando L a 2 años lasso, y compartir la capa crujida seleccionada Command X como gato fuera, Command V pegarlo en cualquier lugar, y luego voy a voltearlo horizontalmente, y luego voy a voltearlo horizontalmente, suite encaja ahí realmente bien. Voy a aplanar todas mis capas, que es Comando E. Ahora todo está en una capa maestra en lugar de cuatro, y las voy a arrastrar un poco hacia arriba, así. Enfriar. Ahora parece un patrón bastante orgánico. No hay estructura, no hay rejilla ahí, solo se coloca libremente en base a los foros que lo rodean. Te mostraré el antes y el después. Antes, así es como se ven los gatos por su cuenta, y luego después de que las cosas se juntan en el patrón. Hacer un patrón como este es bastante circunstancial basado en tu ilustración, así que lo que hice podría no funcionar para cada ilustración. Pero si quieres algo un poco más flojo, solo tienes que saber que hay opciones donde puedes aislar ciertos elementos, cortarlos, pegarlos, voltearlos, rotarlos, hacer lo que tengas que hacer para asegurarnos de que podamos independiente encaja perfectamente para crear un patrón como este. Sigamos adelante y probemos otra. Este es bastante sencillo. Todo lo que voy a hacer es voltear mi ilustración y recortarla en bastante apretada. Aquí está mi original, moviéndolo de nuevo, ha sido aislado de ese fondo. Entonces haré una copia, Comando J mientras lo giro, estoy manteniendo presionada mi tecla Mayús, y todo lo que está haciendo es asegurarme de que los ángulos que lo que rotó sean bastante precisos. Oops, lo superó. Enfriar. Presiona “Enter”, y ahora voy a arrastrar eso hacia la izquierda hacia mi ilustración, agarrar ambas capas, y ver cómo empieza a verse. Esto parece bastante interesante, lo que podría hacer es hacer una copia de éste, Comando J, y usar eso para llenar ese espacio. Para éste, yo también voy a hacer una copia. Eso se ve bastante guay, y lo voy a guardar como opción, pero también quiero probar otra cosa. Eso está por todo aquí guardado, es un dentro del grupo, y éste será mi nuevo. Para esto, lo que voy a hacer es hacer la copia, transformarla por vertical, ver si puedo ponerla ahí mismo. Ahora qué voy a hacer con esas dos capas, Comando T para transformar, mantenga pulsado mi Shift mientras estoy transformando. Vamos a duplicar esas capas de nuevo, ya que ambas están seleccionadas, puedo mantener pulsado el Comando J, y se hace más pequeño. Se pone bastante interesante también. Ahora que conocemos algunos conceptos básicos de patrón, vamos a pasar al siguiente video. 6. Cambia el tamaño para dimensiones de plantillas diferentes: Si estás planeando subir tu obra a través un sitio de impresión bajo demanda o licenciarla en absoluto, necesitarás saber cómo cambiar el tamaño y reformatear tu trabajo para diversas dimensiones de plantilla. Creo la mayor parte de mi obra de arte a 11 por 15 dimensiones, pero algunas plantillas como tazas o toallas de playa requieren dimensiones verticales u horizontales extremas. En lugar de simplemente mezclar estos productos para mi tienda por completo, ajustaré mis obras de arte para que se ajuste a una amplia variedad de dimensiones. Hay algunos trucos para hacer esto con éxito y te guiaré por mi lista. Tengo cinco archivos principales que guardé para cada pieza de obra. Número uno, el original. Fusiono mis capas juntas, que son fondo de papel, ilustración y firma, y guardadas como un JPEG aplanado. Esto se imprime en arte mural, lo que constituye una gran parte de mis ventas. Número dos, el original menos la firma y el fondo de papel. El motivo por el que quito estas cosas es porque quiero guardar esto como un PNG transparente para que se pueda imprimir en camisetas y fundas de teléfono transparentes. Dejar la firma encendida o desactivada depende de ti. A veces lo hago y a veces no. Simplemente depende de la aplicación. A muchas personas no les gusta que sus gráficos de playeras tengan una firma de lápiz en la parte inferior. Número tres, un patrón. Guardo esto en dimensiones muy grandes para que se pueda aplicar a cualquier producto independientemente de su tamaño. Hago todo mi patrón cuadrado y puedo recortar en consecuencia en base a las dimensiones particulares. Número cuatro, un patrón con el fondo transparente. Este es exactamente el mismo archivo que el anterior menos el fondo. Esto me da flexibilidad en caso de que quiera usar el patrón como una funda de teléfono transparente en lugar de la imagen principal de la ilustración. Número cinco, en algunos casos, crearé un quinto archivo que contiene la obra original espejada una vez. Esto puede ser útil si quiero algo con más de un tirón horizontal, pero no quiero usar un patrón completo. Puedes lograr todas estas opciones implementando las habilidades que aprendiste en el video de creación de patrones. Te mostraré cómo guardo cada una de las opciones de archivo y te daré un resumen rápido también. Empecemos con el original, que se creará a partir de mi archivo de plantilla maestra. Tengo todas mis opciones de color y mi firma y fondo de papel en mis capas. Encenderé las capas que quiero guardadas y apagaré las que no quiero. Asegúrate de no tener ninguna capa extra activada, sobre todo si estás utilizando algún efecto de transparencia. Simplemente pasaré por encender y apagar capas que quiero guardar para llegar a JPEG aplanado, asegurándome de capturar todas las paletas de colores. Te mostraré cómo guardo cada uno de estos individualmente. Los guardo en base al nombre de la paleta de colores. Esa es la información que va primero. Entonces lo termino con lo que el archivo en realidad es impresiones tan grandes. Asegúrate de cambiarlo a un JPEG, y lo que esto hará es aplanar todo el archivo y presionar Enter. A continuación voy a guardar esto de nuevo, pero voy a quitar mi firma y quitar el fondo de papel para que sea transparente. Entra en guardar será el mismo archivo, excepto en lugar de un JPEG, estoy usando un PNG. Esto sólo preserva ese fondo transparente. También puedes repetir este proceso para el resto de tus capas de paleta de colores, alternando entre guardar como JPEG y guardar como PNG. Ahora entremos a nuestro archivo de patrones y hagamos exactamente lo mismo. Asegúrate de que la capa que deseas esté encendida y te guardaremos como JPEG aplanado. Esto sólo me ayuda a mantener mis archivos un poco más organizados. Después apagaremos esa textura de papel y la guardaremos de nuevo, mismo nombre de archivo, pero en lugar de una extensión JPEG hará un PNG para preservar ese fondo transparente. Adelante y repite esto para todas sus opciones de paleta de colores aquí en el panel de capas también. opción cinco es duplicar tu ilustración para que sea más composición horizontal. Apple n abrirá un nuevo doc fuimos 10,000 pixels por 10,000, 300 dpi y lo mantenemos en modo de color RGB. Voy a dar clic y arrastrar hacia mi nuevo doc y redimensionar un poco para que pueda ponerlo en la página. Ahora tengo dos opciones aquí. Puedo hacer una copia de esta capa, Apple J, y arrastrarla sobre ella, o puedo voltear esta imagen. Para esta composición, me gusta más cuando los colores se alternaban, voy a volver a cambiarla. Voy a guardar este archivo como JPEG también. Para cuando hayas terminado de guardar todas las variaciones en tus diversos formatos de archivo, tu carpeta debería estar bastante llena y tener este aspecto. De acuerdo, ahora tenemos una sensación para mejores prácticas a la hora de cambiar el tamaño de un ahorro óptimo, podemos terminar con algunos consejos finales en el siguiente video. 7. Consejos finales: Gracias por tomar hoy mi clase. Cubrimos tanto, y sé que empacé en una tonelada de información, así que armé una guía descargable gratuita que hace referencia a todos los conceptos básicos que discutimos hoy. Descompone conceptos por video, lo que si buscas una técnica específica, podrás saltarte rápidamente para encontrarla. También estoy incluyendo una textura de acuarela libre que se ajusta a las mismas dimensiones, tamaño y ajustes de color que utilicé desde comenzar a editar una nueva pieza. Todo lo que tienes que hacer es descargarlo y arrastrar en tu obra de arte para empezar. Espero que te sientas bastante emocionado por digitalizar tu obra de arte. Esta clase fue sobre algo más que simplemente conseguir tu obra de arte del papel a la computadora. Cubrió todos los pequeños detalles que pueden realzar tu obra de arte y hacer una pieza más vendida, y espero que hayas aprendido mucho. Recuerda, por favor haz clic en ese botón de seguimiento arriba para que puedas seguirme en Skillshare. Esto significa que recibirás una notificación en cuanto lance mi próxima clase o tenga un anuncio importante como un regalo de Skillshare Premium, nuevos obsequios como paletas de colores y pinceles, o estoy destacando la obra de arte que tú subir a la galería de proyectos como lo hago frecuentemente en mi página de Instagram. Siéntase libre de comentar a continuación en la discusión de la clase. Leí todos sus comentarios y trato de responder a todos. Nos vemos la próxima vez.