Composición musical: ritmo y percusión

1. Tu viaje a ritmo de maestro: bienvenidos a estos núcleos y felicitaciones por elegir dominar el ritmo, la percusión y la batería en la música. Después de este curso, podrás liderar e impulsar tu música, realzar y proyectar puestos especiales, controlar la energía y la acción, generar intensidad y poder y forjar fundación ladrón de toda la música que crees porque vas a Lester el fresco off todo ritmo de música. En este curso, aprenderás los fundamentos del ritmo, el papel del ritmo, estos sonidos del ritmo, la interpretación del ritmo y él podrá atar todo esto en patrones rítmicos y el rendimiento está lleno de emoción y expresión. Obtendrás demostraciones reales en vivo de diversos tipos de sonidos y actuaciones rítmicas, como puedes ver aquí en pantalla. Ahora mismo me llamo Mike y llevo componiendo música desde 1998 en todo tipo de estilos , desde E g M y beats hasta música de metal y tacto orquestal y te enseñaré desde todo el conocimiento y experiencia que he adquirido durante estos años, incluyendo mis mejores consejos, trucos y métodos prácticos para el ritmo en la música. Así que pregúntate ahora mismo. ¿ Quieres convertirte en un maestro fuera de la batería, un maestro fuera de la percusión, un maestro del impulso rítmico encendido. Al final, con la práctica de todas las cosas que aprenderás de este curso, un maestro off rhythm en la música, siempre digo que tomar acción es la única manera de avanzar en tu viaje en la música. Mi nombre es Mike, y les doy la bienvenida para inscribirse ahora y comenzar su viaje para dominar el ritmo en la música. 2. ¿Qué es el Ritmo?: ¿ Qué es el ritmo? Bueno, mi honesta opinión es que el ritmo es la base absoluta fuera de la música. Por qué, Seamos realistas, no se puede escribir música sin ritmo porque todas las notas deben tener una longitud y un ritmo de tiempo está realmente presente en todas partes en la música, en la batería y en la percusión en las canchas, armonías e instrumentos de comping, e incluso las melodías, ganchos y motivos principales . Este curso, sin embargo, se enfocará en los sonidos en la música que se dedican a agregar impulso rítmico y energía a tu música. Por ejemplo, tus puertos de batería y percusión, tus instrumentos rítmicos Dr como rasguear la guitarra, quizás un patrón de cuerdas ostinato. Mi definición personal fuera de ritmo es ésta. El ritmo es un patrón en el tiempo, apagado sonido y silencio, y me refiero al ritmo como el núcleo fuera de la música. Para dominar el ritmo. Necesitas entender verdaderamente los conceptos y elementos sobre los que se construye, que son, por ejemplo, por ejemplo, las longitudes de las notas de cuadrícula, BPM y templo así como las firmas de tiempo, y aprenderás todos estos conceptos y mawr en este curso. Entonces sigamos tu viaje de aprendizaje ahora mismo para dominar el ritmo en la música 3. Los fundamentos de ritmo la cuadrícula: la codicia. Yo llamo a esto la música de desescritura, todos los señores y sonidos y música, o escrita en tu DW en lo que se llama la grilla. Este es básicamente el tiempo fuera de las divisiones en tu secuenciador. Es el equivalente moderno fuera de partituras. Se re decide el punto de partida en el punto final fuera de todas las notas y como consecuencia, la longitud fuera de todas las notas. No obstante, una pequeña percusión de nota lateral funciona un poco diferente porque un hit percusivo sobre Lee tiene un punto de partida donde se decide a dónde irá el hit y no una longitud de nota. El avaricia de tu DW y todos los valores de carga o divididos en longitudes de nota. El largo de la nota más largo es una nota completa, que es exactamente un orificio de longitud. El siguiente es 1/2 nota, que es la mitad de un orificio, y luego los valores de longitud de la nota básicamente se divide por la mitad para cada paso. Ahora debes saber que es extremadamente raro tener notas más cortas que una nota de 64. Esas notas extremadamente cortas son tan poco comunes que muchos D. W's ni siquiera muestran un valor inferior a 1 64th Como puedes ver aquí en el chasping o en las opciones de quant ties. De hecho, mayoría de la música ni siquiera usan notas más cortas que 1/16 nota. Escuchemos un par de ejemplos fuera de las longitudes de nota en la codicia para que te familiarices con sus valores. A continuación, escuchemos una mezcla de valores de nota así como algunas poses añadidas para crear un patrón rítmico . Y recuerda, las fuerzas también deben tener longitud, que puede ser cualquiera fuera de los valores que acabas de aprender. Actúa ahora y practica la escritura de la música, la cuadrícula y los valores de las notas. Y recuerda siempre, ritmo es simplemente un patrón en el sonido del tiempo fuera y el silencio. Entonces tómate tu tiempo para practicar en la codicia y te veré en el siguiente video. 4. Los fundamentos de la BPM y Tempo: BPM y templo. El poder está apagado de la música. Para crear un ritmo, necesitas poner un templo, y puedes pensar en el tempo como los Powells de tu música. Casi como si el poder estuviera fuera de tu frecuencia cardíaca. Cuando estás fresco y relajado, tienes un pulso más bajo, y cuando haces ejercicio o bailas, tienes un pulso más alto. Es lo mismo con el ritmo. En la música, un templo alto se siente más enérgico y un templo lento se siente relajante. El templo en música se mide en algo llamado B P M, que representa beats por minuto. Y otra vez compare esto con su frecuencia cardíaca, que también se mide en latidos por minuto. Entonces aquí tenemos, literalmente, una conexión entre nuestro corazón y la música. Quizás por eso la gente suele decir que tenemos ritmo en nuestra sangre. Muy bien, entonces, ¿cómo decías el templo de tu canción? Bueno, eso depende totalmente del tipo de canción que quieras hacer y del nivel de energía que te guste tener. Pero para darte un punto de partida. La mayoría de la música tiene un tempo apagado en algún lugar entre 60 bpm y 180 bpm 60 BPM podría ser una balada realmente lenta, y 180 bpm podría ser una canción impulsora de E g M o una canción de punk rock de ritmo rápido. Por lo que 60 a 180 o así. ¿ Te das cuenta de algo aquí? Bueno, este rango es en realidad casi el mismo que el rango fuera de la frecuencia cardíaca humana. El ritmo cardíaco promedio en reposo completo es de alrededor de 60 BPM, y la tasa de corte P para la mayoría de las personas es de alrededor de 180 bpm más o menos. Entonces, nuevo, la música parece ser una extensión fuera de nuestra propia existencia. Personalmente me parece súper fascinante, ¿ No ahora tomas acción y practicas escuchando diferentes valores de BPM para que desarrolles un sentido profundo para diversos templos en la práctica musical? ¿ Rutina? Uno. Un metrónomo. Una gran rutina de práctica es usar una aplicación Metrodome en tu smartphone mientras te atascas en tu teclado midi, disuadir el piano o incluso tararear y batir libros ideas musicales. Encontrarás que en cuanto enciendas el Metrodome y le des un tempo, tu cuerpo y mente responderán de inmediato a ese pulso. De hecho, puede ser bastante difícil resistirse a golpearte el pie o asintiendo con la cabeza mientras escuchas el ritmo . Practica rutina para batir en tu D. A. W. Otra gran rutina de práctica es crear un beat en tu DW y luego ajustar entre varios valores de BPM después. En tu prueba, no puedes programar un tambor y percusión parte de derecho un patrón de rasgueo en una guitarra de software. O tal vez componer Estoy conduciendo Austin Autumn Strings. El punto principal es que después de que tengas este ritmo yendo, cambias tu proyecto BPM a varios valores y escuchas atentamente cómo te sientes los Powells de la música cuando cambias el BPM. Practicar la rutina. Tres. Tap Temple Dado que tu objetivo es dominar el ritmo como compositor musical, necesitas desarrollar un instinto para varios templos. Por lo que cuando te sientas listo, también puedes empezar a practicar tapping templos en tu aplicación de metrónomo para apuntar a un BPM específico . Muchos es más película. Los mapas eternos tienen una característica de templo de tap, lo que significa que golpeas el ritmo con el dedo en la sala del Metro, luego calcula el BPM por ti. Cuando empieces, debes hacer estos viles velando hacia abajo en el mostrador de BPM en Europa al mismo tiempo. Pero a medida que mejora, realmente te recomiendo que practiques golpeando ciegamente el templo y tratando de terminar con un BPM áspero. Por ejemplo, decide primero apuntar a un tempo de, digamos, 100 BPM, luego toca el templo sin mirar hacia abajo en la app, tratando de golpear ese BPM específico. No es tan fácil como suena, pero realmente es una gran rutina de práctica para desarrollar tu instinto fuera de Temple y de Paul en la música. Así que toma acción ahora y practica los amigos fuera Música, BPM y templo diviértete y te veré en el siguiente video. 5. Los fundamentos de las Signatures de tiempo de ritmo: firma de tiempo. El sistema de conteo en el ritmo musical en la música depende de algo llamado Time Signature. El tiempo Senador es sólo un indicador para describir cómo se cuenta los beats en cada medida fuera de la pieza musical que se hace y una medida también llamada Bore, es simplemente los segmentos en los que se divide la música. Hay muchas firmas de tiempo diferentes en las que se puede basar una canción, y en algunos casos, especialmente en la música orquestal, la firma de tiempo puede cambiar dentro de la canción misma. Hay una firma de tiempo que se usa en la gran mayoría fuera de toda la música jamás creada, y se llama 44 Simplemente significa que el conteo subyacente para tu música es de cuatro latidos por medida. Un beat en la música es la longitud fuera 1/4 nota. Trimestre significa 1/4 por lo que 4/4 notas equivale a una nota completa. Es como dividir un pastel en cuatro rebanadas igualmente grandes. En términos prácticos, esto significa que simplemente cuentas hasta cuatro de una manera recta como esta. 12341234 y así uno. Otra firma de tiempo bastante común es el 34 que suena como este 123123123 y así sucesivamente. Increíble. Ahora has aprendido sobre las firmas de tiempo en la música y cómo se relacionan con contar cada medida en tu composición. Para tener una mejor sensación por esto, quiero que una vez más usen el Metrodome y escuchen diversas firmas de tiempo y templos y practiquen, haciendo que cada uno se quede al ritmo. Te recomiendo encarecidamente instalar una aplicación de metrónomo para tu smartphone. Si aún no lo has hecho y entonces es hora de que practiques el tiempo Firmas. Empieza por configurar el metal home en cuatro completos y escucha varios ser PM con estas firmas de tiempo , luego cambia el 234 para tener una idea de ese tipo de firma de tiempo. A lo mejor quieres probar 6/8 también, ya que eso es bastante común. Prueba otros centros del tiempo, pero recuerda que 44 y 34 o por cuatro las firmas de tiempo más utilizadas en la música. Entonces piensa en eso antes de tratar de volverse súper loco con tus ritmos y beats en tu música. Pero si quieres enloquecer, nadie te está deteniendo. Por lo tanto, tomen medidas ahora para practicar el tiempo. Seed entra en música y te veré en el próximo video 6. Percusión de contacto: ritmo está presente en cada nota de la música, cada sonido e igualmente importante, cada puerto silencioso entre las notas. Es esto, el remix del sonido y el silencio que es la esencia del ritmo. Hay, sin embargo, sin embargo, tres tipos distintos fuera de los elementos rítmicos y la música. Sonidos de percusión puros como tambores, por ejemplo, sonidos rítmicos afinados, lo que significa que se pueden tocar diferentes notas en ese instrumento. Pero todos ellos percusivos en el sentido de que no puede alterar la longitud y sostener fuera de cada nota. Por ejemplo, una marimba y con Mick Instruments, que básicamente puede ser cualquier instrumento tocado de manera rítmica, como una guitarra rítmica. Tan puros sonidos percusivos. Por lo que todos los sonidos percusivos tienen un punto focal de frecuencia, profundidad y rango encendido. También tienen un ataque y decadencia distintos. Esto es lo que crea el personaje sonoro pero sonidos de percusión puros o conocidos pitched, que significa que no tienen un centro tonal claro. Esto significa que no se puede tocar notas con ellos. Básicamente, los sonidos de los sonidos de percusión puros son similares al ruido blanco controlado. De hecho, ruido blanco se utiliza mucho para imitar la percusión con síntesis o para realzar los sonidos mediante el diseño del sonido utilizando el ruido blanco como punto de partida afinó sonidos percusivos sintonizan, sonidos percusivos o instrumentos y sonidos que tienen un tono fundamental más armónicos, lo que significa que puede tocar notas con ellos. Ejemplo común para dos tambores o tomos. Y hay de hecho, todo tipo de percusión rítmica afinada, que a menudo se utilizan como capa para realzar otros instrumentos y patrones rítmicos como Brooke y spiel. Campanas tubulares ganaron instrumentos vibráfono. Estos pueden ser básicamente cualquier instrumento que toques de manera rítmica, pero que también te da control sobre la longitud de cada nota, es decir, el sustain. Un piano es de hecho percusivo en el sentido de que un dobladillo golpea las cuerdas al presionar una tecla. Pero si mantienes presionada una llave, obtienes una nota sostenida. Se cuenta con una increíble cantidad de instrumentos que fueron geniales para uso rítmico, como eléctricos, acústicos o orquestas. Cuerdas, tal vez un sintetizador de políticasing. Encontrarás más libertad en esta categoría fuera de las células rítmicas. Genial, ahora has aprendido sobre los tres sonidos principales del ritmo, percusión puros sintonizados sonidos percusivos e instrumentos rítmicos. Esta es la base de tu rítmico para kit como compositor, así que sigamos en el siguiente video 7. Monofónicos: la siguiente distinción fuera de los sonidos rítmicos es entre modelo fónico y poco fónico. En términos llanos, Mona Fornek significa un sonido tocado a la vez, como en un tambor, por ejemplo, y polifónico significa varios sonidos tocados al mismo tiempo. Al igual que cuando tocas acordes en tu piano o rasguear en tu guitarra. Bueno, técnicamente, las cuerdas fuertes no se tocan exactamente al mismo tiempo, pero los sonidos son tan cercanos que aparecen como un solo sonido cuando tocas un acorde todos los sonidos de percusión puros o mullah fornek por naturaleza. Sí, puedes poner tus tambores y percusión, pero cualquier instrumento individual de percusión pura solo puede tocar una sola nota a la vez. Percusión afinada como marimbas, por ejemplo, puede tocar dos notas al mismo tiempo. Ya que tienes dos palos puedes golpear las notas con. Y luego está toda la gama de instrumentos que se pueden tocar rítmicamente, ya sea mono fornek, como un patrón ostinato o pid you o afrontando el ritmo con la progresión fría en, digamos, un piano. sonidos polifónicos tienen la capacidad de agregar armonía a los ritmos, que, por supuesto, como toda una nueva dimensión a tu kit de sonido rítmico. No obstante, debes tener en cuenta que tan pronto como introdujo sonidos polifónicos en tu composición, las armonías y los armónicos ocupan mucho espacio en la mezcla. Vile Mona Sonidos fónicos tienen, o punto focal distinto y se pueden utilizar en más números debido a su uso mínimo fuera del lienzo off sonido que pintas. Como compositor, ahora has aprendido sobre dos distinciones de carriles de sonidos en sonidos fónicos de modelo rítmico versus sonidos poco fónicos. Entonces sigamos aprendiendo más fundamentos del ritmo en el siguiente video. 8. Directo y Triplets: Ahora ya has aprendido sobre la codicia en la música y que los valores de nota van de un taladrado completo a 1/2 bar y luego se dividen por la mitad, todo el camino hacia abajo hasta un 256 de un aburrido. Esos son los valores estándar de nota recta. Pero también hay una cosa llamada trillizos, que se usa muy comúnmente en muchos estilos de música, desde composiciones orquestales hasta música pop moderna. De hecho, muchos estilos modernos de música basada en beat dependen en gran medida de trillizos, por ejemplo, en los patrones de sombrero alto. Entonces, ¿qué? ¿ O trillizos? Esta sencilla explicación es ésta. 33 notas jugadas en una secuencia tienen la misma longitud total que a las notas rectas del mismo valor. Entonces, por ejemplo, dos notas de dolor recto o la misma longitud que tres triplete ocho notas. Básicamente, esto significa que un triplete está a 2/3 del valor de nota recta. Permítanme darles un ejemplo más práctico. Si sientes un balón completo fuera de las notas 16 justas, tendrás, por supuesto, por supuesto,16. Pero si sientes un futbol con notas de triplete 16, obtendrás más notas desde trillizos o 2/3 de descuento de este gran valor de nota. Entonces si divides por dos, entonces multiplicas por tres, obtendrás la cantidad final de notas. En este caso, teníamos notas 16, así que dividir por dos es ocho, luego multiplicar por tres y se obtiene 24. Por lo que en un orificio completo, puedes caber 24 trillizos. 16 notas octava triplete son probablemente las más utilizadas, y para este valor de nota, puedes caber ocho notas rectas en un orificio completo, lo que se traduce en 12 notas octava triplete. Genial, Ya has aprendido la diferencia entre notas rectas y trillizos, cómo suenan y cómo prácticamente usarlas y montarlas en la codicia de tu D ocho de ti. Así que adelante ahora y practica trillizos porque es una gran manera de agregar variación y condimentar tu surco con y te veo en el siguiente video 9. Ritmo principal con sincopación: para componer patrones rítmicos intrigantes y atrayentes en tu música, necesitas usar el apagado Syncopation. Entonces, ¿qué es Syncopation en la música? Bueno, básicamente, el ritmo principal es lo que impulsa tu música. Los anclas no hablan y Syncopation, o la introducción de patrones contrarios que se siente inesperado para el oyente y actúan como una especie de interrupción del flujo regular. El ritmo principal lleva. Básicamente es un contrarritmo al ritmo principal. sincopación también puede ser un acento inesperado, donde generalmente no ocurre en el ritmo principal. Entonces en términos llanos y fáciles, Syncopation es los patrones rítmicos inesperados que va en contra del flujo constante del ritmo principal. Ahora bien, ¿cómo se usan estos en la práctica? Bueno, personalmente creo primero el ritmo principal y marco los acentos. Entonces, cuando siento que el surco principal está hecho, agrego esas Sincopaciones rítmicas extra inesperadas. sincopación se usa con mayor frecuencia en los instrumentos de percusión e instrumentos rítmicos de tono más alto, mientras que los instrumentos rítmicos y sonidos inferiores actuarán como el ancla e impulsan para el ritmo principal. Déjame darte una rápida demostración de sonido de usar Syncopation para condimentar tus ritmos. con. Entonces como se puede ver en las notas de los medios aquí tenemos el flujo principal fuera del ritmo en el 1er 3 aburrimientos. Y luego aquí en el cuarto aburrimiento, tenemos notas trillizas sobre los sonidos ostinato de cuerda así como los sonidos de aplauso, pero recta ocho sabe aquí en la base y así sucesivamente. Entonces eso es lo que crea estas Sincopación en el ritmo. Agradable. Ya has aprendido la diferencia entre el ritmo principal y la Sincopación. sincopación a menudo requiere cierta experimentación para obtener un patrón rítmico agradable, anulado, porque esencialmente estás actuando contra el flujo principal. Pero es una gran manera de agregar interés y condimentar tu surco con. Así que toma acción ahora y practica paciente soltero cuando creas tus patrones rítmicos en tu d aaw on, luego continúa en el siguiente video. 10. Rellenos y transiciones: elementos rítmicos o geniales para condimentar tu música en ciertos lugares de tu track. Esto es especialmente importante en las transiciones entre dos secciones. Puedes hacer esto agregando un relleno o cambiando bruscamente el patrón rítmico justo antes de la transición. Pero también es importante agregar alguna variación dentro de tus puertos rítmicos incluyendo algunos rellenos extra, incluso durante tus secciones principales en tu música, no tiene que ser mucho solo algo de sabor extra aquí y allá para agregar alguna variación. Por ejemplo, agregar un poco de relleno cada cuarto aburrimiento, lo cual es muy común para los bateristas hacerlo cómo usará parando tus puertos rítmicos y patrones al incluir rellenos y transiciones que es tu libertad creativa como compositor. Ahora déjame terminar con la demostración rápida de sonido apagado usando rellenos y transiciones con ritmo en tu música. Por lo que esta es la primera sección, y esta es la segunda sección. Voy a tocar desde aquí y escuchar de cerca los elementos de sentir transicional aquí en la parte final fuera de la Sección uno, entrando en la sección dos. Está bien, entonces si entramos en el rollo de piano y comprobamos qué pasa se puede ver que aquí tenemos menos cosas pasando y más largos bloquean acordes, pelo. Y luego en el puerto de transición, tenemos mucho más pasando, que básicamente, son los Phils los que entran en la energía superior sobre la Sección dos. Puedes hacer muchas cosas como se siente y transiciones en tu música. Por ejemplo, introduce algunos beats extra en tus tambores y puertos de percusión, algunas notas extra en tus otros instrumentos, Platillos y sonidos percusivos más largos o genial para ambos sentidos y especialmente puertos de transición . E incluso puedes hacer algunos efectos de sonido para tus transiciones, como sonidos inversos o efectos Reiser. Impresionante. Ahora has aprendido la importancia fuera del ritmo para los rellenos y transiciones en la música, y también cómo puedes usarlos para agregar emoción y variación en las transiciones entre tus secciones. Ahora sigamos en el siguiente video. 11. Un golpe para gobernar todos: en ritmo. Los diferentes beats y divisiones tienen diversos grados fuera de poder y autoridad. De hecho, hay un solo golpe para gobernarlos a todos. Yo estoy, por supuesto, hablando del mal fuera de cada aburrimiento, es decir, el primer beat. Aquí es donde suele poner más énfasis en sus ritmos, donde la mayoría de los golpes pesados aterrizan. ¿ Por qué? Porque ese es el ancla rítmica para el oyente. Al igual que el medio de un círculo, que todo evoluciona a su alrededor. He creado un término que enseño composición musical, que llamo notas de poder. Estos pueden ser acentos súper pesados en tambores y percusión, pero también una sola nota con un largo, sostenido, en cualquier tipo de instrumento. Por ejemplo, una guitarra eléctrica distorsionada o una poderosa nota de diseño de sonido como, por ejemplo, el Bram. Estas notas de poder son básicamente siempre en el primer golpe sobre un aburrimiento, sin embargo, no por lo general en cada barra, sobre todo no para el gran sostenido tal vez cada otro tablero, cada cuarto balón o incluso cada octavo orificio. Déjame darte una demostración rápida ahora, fuera del solo beat para gobernarlos todo el poder apagado los primeros beats en cada bar y también cómo podemos usar el poder sabe para esos acentos extra pesados. Poderoso, en efecto. Así que asegúrate de que usó este conocimiento a tu ventaja como compositor musical. El primer golpe de cada llevó el único golpe para gobernarlos a todos. Y también recuerda usar notas de poder cuando quieras agregar esos acentos extra pesados en tu historia musical. Ahora sigamos en el siguiente video. 12. Introducción el rol del ritmo: ritmo es la música cool off. Aunque no haya batería y percusión en tu track, seguirás teniendo patrones rítmicos en todas partes pero un puerto de ser la columna vertebral de tus composiciones musicales. A qué juegan todas las reglas específicas el ritmo Bueno, he hecho una lista de los rollos prácticos esenciales que el ritmo tiene en la música cosas que realmente debes aprender bien y siempre estar al tanto cuando compongas tu música. Y en este módulo pasaremos por ellos uno por uno. Por lo que te veo en el siguiente video. 13. Acción y energía: ritmo es lo que define la cantidad de energía y sensación de acción de tu música. Un ritmo muy sencillo con notas largas sostenidas tendrá menos energía y acción. Todavía puede ser poderoso de hecho, pero la falta de DR hará que la vibra general sea menos enfocada a la acción y se centre más en el estado de ánimo. Por otro lado, si tienes patrones rítmicos más distintos jugando y básicamente más notas y ritmos rítmicos , aumentará la energía e intensificará la acción. Por lo que uno de los papeles principales del ritmo es elegir creativamente cuánta acción y energía debes enfocarte en cualquier sección fuera de tu música versus cuánto debe enfocarse la música en el estado de ánimo y la vibra. La elección y el poder está en tus manos como compositor musical. Ahora, permítanme darles una ilustración vendida rápida de usar el ritmo para determinar la cantidad fuera acción y energía en la música. Este ejemplo muestra claramente el ritmo de apagado para controlar la cantidad de acción y energía en tu música. Claramente escuchaste la gran diferencia, pero también la puedes ver simplemente mirando cuánto está pasando. Entonces si entro al rollo de piano para, Digamos, Digamos, la pista de piano aquí tocando las canchas, se puede ver que el primer puerto simplemente tiene notas de cuerda larga en la segunda parte es mucho más ocupado con un patrón rítmico. Y si entramos en la pista de tambor aquí, puede ver que hay mucho más notas en la segunda parte con un ritmo mucho más ocupado pero también la energía off. Este segundo puerto es mayor debido a un aumento en la intensidad así como lo que significa más duro golpear tambores y así sucesivamente. Y se puede ver esto por el color fuera de las notas, que representan los valores de velocidad. Valores de velocidad más altos significa más fuerte y más intensidad en las notas. Genial. Ahora has aprendido que el ritmo juega un papel importante en el diseño de la acción y la energía en tu música, así que sigamos en el siguiente video. 14. Conducción y pulso: Otro papel importante del ritmo es ser utilizado como un pulso impulsor que empuja tu música hacia adelante, por ejemplo, por ejemplo en la línea de base, todo tal vez una guitarra rítmico o en cuerda ostinato Pattern s a compositor de música . Puedes usar muchas formas de agregar esa unidad a tu música cualquier cosa, desde el clásico 44 kick drum beat hasta una secuencia recta de ocho notas en la línea base. También puede agregar ranura en la unidad variando las longitudes y los tiempos de las notas. Se puede hacer que la unidad volara como un o pidio. O puedes optar por tener una mirada al surco punchante con acordes de bloque en cuerdas de ganado de stock , por ejemplo. O puedes elegir tener un arrecife repetido para conducir tu música. Estas son todas elecciones creadas que tomarás como compositor. Cuánto enfoque debe estar en la unidad y los amigas en tu música, y quieres que un Paul repetido sea como un ancla o enfocarse más en la ranura con la unidad estilo arrecife y longitudes y tiempos muy anotados. Enhorabuena. Ya has aprendido que el ritmo juega el papel de diseñar el impulso y los amigas en tu música. Dejemos que este conocimiento se hunda, y luego sigamos en el siguiente video 15. Rellenos y transiciones: elementos rítmicos o geniales para condimentar tu música en ciertos lugares de tu track. Esto es especialmente importante en las transiciones entre dos secciones. Puedes hacer esto agregando un relleno o cambiando bruscamente el patrón rítmico justo antes de la transición. Pero también es importante agregar alguna variación dentro de tus puertos rítmicos incluyendo algunos rellenos extra, incluso durante tus secciones principales en tu música, no tiene que ser mucho solo algo de sabor extra aquí y allá para agregar alguna variación. Por ejemplo, agregar un poco de relleno cada cuarto aburrimiento, lo cual es muy común para los bateristas hacerlo cómo usará parando tus puertos rítmicos y patrones al incluir rellenos y transiciones que es tu libertad creativa como compositor. Ahora déjame terminar con la demostración rápida de sonido apagado usando rellenos y transiciones con ritmo en tu música. Por lo que esta es la primera sección, y esta es la segunda sección. Voy a tocar desde aquí y escuchar de cerca los elementos de sentir transicional aquí en la parte final fuera de la Sección uno, entrando en la sección dos. Está bien, entonces si entramos en el rollo de piano y comprobamos qué pasa se puede ver que aquí tenemos menos cosas pasando y más largos bloquean acordes, pelo. Y luego en el puerto de transición, tenemos mucho más pasando, que básicamente, son los Phils los que entran en la energía superior sobre la Sección dos. Puedes hacer muchas cosas como se siente y transiciones en tu música. Por ejemplo, introduce algunos beats extra en tus tambores y puertos de percusión, algunas notas extra en tus otros instrumentos, Platillos y sonidos percusivos más largos o genial para ambos sentidos y especialmente puertos de transición . E incluso puedes hacer algunos efectos de sonido para tus transiciones, como sonidos inversos o efectos Reiser. Impresionante. Ahora has aprendido la importancia fuera del ritmo para los rellenos y transiciones en la música, y también cómo puedes usarlos para agregar emoción y variación en las transiciones entre tus secciones. Ahora sigamos en el siguiente video. 16. Liderazgo y aumento: utilizando el ritmo para el liderazgo versus el aumento. Esta es una lección muy importante para ti. A su propio ritmo. Puede o bien tomar el papel de liderazgo en su música, lo que significa que impulsará la pista y será el centro fuera de foco. Esto básicamente significa que el ritmo es el principal motor de tu composición. En eso, los otros elementos seguirán el liderazgo de tu principal impulso rítmico. Pero el ritmo también se puede usar para aumentar puertos específicos en tu composición. Esto básicamente significa que se usa para aceptar ciertos beats para realzar lo que hace el resto de tu música. Esto es especialmente cierto para los tambores y la percusión, que a menudo se usan para aumentar ciertas partes de tus riffs, ganchos u otros deports de Melo. ritmo puede cambiar del rol de liderazgo al rol de aumento y volver varias veces durante la atracción. Además, cuánto ritmo juega el papel de liderazgo en atraer depende del espectáculo Aunger y estilo de tu música. Por ejemplo, en la música orquesta, música clásica y Jess realmente más a menudo colocan el papel aumentador, mientras estilos populares de música como E g. M. Y beats ritmo es más a menudo tomando el asiento delantero liderando y conduciendo la pista hacia adelante . No obstante, independientemente de Sean Ger y estilo, te recomiendo encarecidamente que uses el ritmo en ambas modas en cada pieza musical que compongas , porque esos aciertos de percusión aumentantes realmente pueden levantar tu pista a una mayor nivel y una mejor experiencia para los oyentes. Ahora déjame terminar con una rápida demostración de sonido apagado, cambiando el ritmo de un rol de liderazgo y asiento delantero a en aumento rollo y luego volver a liderazgo, todo en la misma pista. Este es el tipo de variación en la Roma del ritmo que debes practicar como compositor, acuerdo, así que tengo tres secciones diferentes en este ejemplo. Como se puede ver aquí arriba en la primera sección, el ritmo colocó el papel de liderazgo, básicamente impulsando el hecho hacia adelante. En la segunda sección, el ritmo adquiere papel de aumento. Básicamente, los patrones rítmicos se multiplican entre sí en ciertos ritmos específicos en el patrón. Y en la Sección tres, el ritmo se remonta a volver a jugar el papel de liderazgo y básicamente conducir la pista hasta el final aquí. Entonces tomemos una escucha. - Entonces si echamos un vistazo rápido aquí al rollo de piano, si selecciono todos estos puertos en la Sección uno. En primer lugar, puede ver que no hay acentos distintos en el ritmo, lo que significa que aquí el ritmo toma el papel de liderazgo, que es el impulso y el flujo fuera de la pista. Y si seguimos a la Sección dos y vamos a ser el piano roll, puede ver claramente que estos son acentos muy distintos aquí en el ritmo, lo que significa que se discuten entre sí. Es entonces cuando el ritmo toma el papel de aumento en tu música, y luego vuelve a ser un flujo seco para la pista. Soy Jill the End Super Now has aprendido la importancia de usar el ritmo tanto en un rol de liderazgo como en un rol de aumento, y también que puede cambiar libremente entre ellos muchas veces durante tu composición musical. Así que pruébalo y asegúrate de practicar estos roles cada vez que hagas música. No, sigamos en el siguiente video 17. El poder del silencio: el elemento más poderoso en la música es el silencio. Sin silencio, no habría música. Es como la luz y la oscuridad. Ambos se necesitan unos a otros para existir. Por lo que quiero desafiarte a pensar de manera diferente en tu ritmo. ocasiones, en lugar de lo que sabe que quieres agregar, considera dónde te gustaría que estuvieran estos puertos silenciosos. Esto puede ser verdaderamente la apertura de la mente cuando te das cuenta de que el silencio está fuera de igual importancia. Entonces el papel final y quizás el más importante del ritmo es introducir el silencio en tu música. Básicamente, si lo piensas, cada patrón rítmico que compongas puede ser mirado desde dos perspectivas diferentes. O ves las notas por lo que ellos o su tiempo, su longitud y su tono. O puedes mirarlo desde el otro lado de la moneda. Tienes un patrón invertido entre todas tus notas en tu ritmo, que son las partes silenciosas que eran los puertos. Tu música respira, así que estás haciendo ejercicio. Aquí es la próxima vez cuando programes patrones rítmicos en tambores y percusión o conducción puertos de instrumentos rítmicos. Mira este silencio entre las notas y verás que efectivamente es un patrón en sí mismo. De verdad creo que este es uno de los elementos más importantes que hay que tener en cuenta como compositor musical. Ahora, permítanme demostrar el silencio de apagado en la música. He compuesto una corta pista de ejemplo aquí. Y si miras de cerca aquí al final, hay mucho espacio que significa silencio antes del final de la canción. Entonces escuchemos el tema. Por lo que claramente oyó el silencio de apagado aquí al final de la canción. Pero también es muy efectivo en transiciones. Ahora mismo, estoy usando una transición tipo campo, lo que significa más notas, como puedes escuchar si escuchas desde aquí ahora, pero en cambio podría usar el silencio de apagado para crear anticipación para la siguiente parte de la canción. Entonces si usé la herramienta de selección aquí y llevé estos puertos aquí y luego los mudo, escuchemos lo que estos polvo a la transición ya que escuchaste un resultado completamente diferente . Pero también funciona muy efectivo, utilizando el silencio de apagado para crear un poco de aire y espacio de respiración para la música hasta que una nueva sección golpea siempre considera el silencio como una opción y elección artística creativa. Muy bien ahora sigamos en el siguiente video 18. Introducción a los sonidos del ritmo: ritmo es la columna vertebral fuera de la música. Fluye a través de una canción como un pilar grande y poderoso que sostiene todo para conseguirla. Entonces, como compositor, debes asegurarte de equilibrar las partes rítmicas de tu música en términos de sonido , porque estoy seguro de que quieres que tu música suene completa y tenga un poderoso impacto emocional entre tus oyentes. Por eso he hecho una lista de mis mejores consejos fuera de cosas esenciales en las que debes enfocarte hora de crear tu kit de sonido rítmico y equilibrar los sonidos rítmicos en tu música. Estas son las mismas cosas del ritmo en las que me enfoco personalmente como compositor, sin importar el estilo musical o el cantor. Entonces vamos a pasar por ellos uno por uno en este módulo. 19. Balance estilo: El primero que hay que considerar es el equilibrio off estilo, tono y carácter fuera de los sonidos rítmicos que elijas incluir en tu kit de sonido rítmico . Y, por supuesto, esto se decide principalmente por qué shong, ger y estilo de música quieres componer. Por ejemplo, si vas a componer un track cinematográfico orquestal, el sonido rítmico, será muy diferente a una canción pop contemporánea, este estilo de batería, percusión y rítmica dr instrumentos, el tono y el carácter fuera de cada sonido. Todo tiene que ser consistente con el panorama general que estás tratando de crear. No obstante, no debes tener miedo de experimentar con combinaciones interesantes e inusuales, siempre y cuando seas consciente de que el rango completo de sonidos que terminas usando para los puertos rítmicos de tu track debería sentir que se mezclan juntos de manera policial y coherente. El punto principal aquí es que estás diseñando un kit de sonido rítmico que debería sentirse como un kit, no simplemente un bombardea sonidos rítmicos apilados juntos. Ahora déjame terminar con una demostración sonora de un completo kit de sonido rítmico, equilibrado en estilo, tono y carácter para una vibra específica. Yo he elegido como compositor. En este ejemplo, realidad marqué hacia abajo las partes melódicas de la pista para traer más foco a los ritmos siendo un kit de batería, una percusión borracho, percusión orquestal y patrones ostinato de cuerda alta y baja. Entonces para todos los sonidos, necesitan sonar que pertenecen juntos en un kit de sonido. Y a pesar de que uso un kit de rook como este, el kit de tambor en realidad está empapado en una gran reverberación para ir junto con la percusión orquestal como se puede escuchar Now. Si yo fuera a usar como un E g m o estilo beat borracho lo, no se mezclaría bien junto con la gran percusión orquestal. Por lo que tu misión como compositor es asegurarte de que todos los sonidos rítmicos así como los instrumentos melódicos todos se mezclen en un sonido completo. Felicitaciones pateadas. Ya has aprendido la importancia de equilibrar estos tonos de estilo y carácter fuera de tu kit de sonido rítmico, así que sigamos en el siguiente video 20. Equilibrio de rango: Como compositor, básicamente eres como un pintor con un lienzo. Pero en lugar de sentir el lienzo con el de Kohler, lo sientes con sonidos. El marco en el que trabajas al componer se basa en el rango de frecuencias en la música desde la base más baja, que es de alrededor de 20 hercios hasta el mayor problema, que sube hasta 20 mil hercios. Ahora hay una razón por la que se configura el tradicional kit de tambor acústico. El peso es, y eso es debido a la balanza fuera rango que significa rangos de frecuencia. Cada elemento de tambor y percusión tiene un puerto diferente fuera del lienzo para sentir con su color . Para que la música suene completa y completa, necesitas sentir todo el lienzo. Por lo que cuando crees tu kit de sonido rítmico para tu composición, asegúrate de sentir todo el lienzo desde las frecuencias de bajos más bajas hasta los problemas más altos . Equilibrio también significa que ninguna parte fuera de este rango debería adelantar a las demás. El punto principal aquí es no colocar demasiados sonidos en un solo rango. En cambio, haz que todo el kit de sonido rítmico sea como un piso equilibrado para llevar toda tu composición, incluyendo toda la gama de frecuencias en la música. Déjame terminar con una rápida demostración de sonido, o realmente hacen kit de sonido que llena todo el lienzo de la música con un uso equilibrado fuera del rango de frecuencias completo. En realidad es aún más claro si miramos aquí en el piano. Roll on. He seleccionado todos los puertos de la pista. Entonces como puedes ver, va de la base más baja a la más alta agudos aquí arriba. Y esto es lo que le dará un sonido amplio y completo a tu kit de sonido rítmico. Increíble. Ya has aprendido que es compositor. Básicamente eres un pintor fuera del sonido y que tu música debería equilibrar el rango completo de frecuencias tal como un pintor siente todo su lienzo con colores. Ahora, sigamos en el siguiente video. 21. Balance de Stereo: como compositor musical. También tienes tu lapso de lona en el campo estéreo desde los cuatro a la izquierda hasta los cuatro a la derecha. Básicamente tienes un escenario en el que se coloquen todos tus sonidos. Usa esto a tu ventaja cuando creas tu kit de sonido rítmico. Por regla general, los sonidos e instrumentos más profundos funcionan mejor en estos centros fuera del campo estéreo como tus tambores de patada. Percusión grande, baja pulsación desde etcétera. Esto se debe principalmente a que llevan más potencia y presión sonora y por lo tanto necesitan la ventaja de ambos altavoces. Pero digamos que tienes una guitarra rítmica tocando con un piano rítmico al mismo tiempo. paneaste en direcciones opuestas, y crearás un estéreo más amplio y profundo hace en tu música. Andi. Lograr más claridad y separación en el proceso. Tu objetivo es que tu kit de sonido rítmico tenga un campo estéreo equilibrado con mucha separación fuera y profundidad de usar el power off panning. Déjame darte una rápida demostración de sonido. Está bien, así que aquí tengo dos temas, una pista de piano rítmico, que suena así, y una pista de guitarra rítmica acústica, que suena así bien así así por su cuenta. Muy sonoro. Realmente bueno. Por lo que tenemos dos patrones rítmicos diferentes. Entonces, ¿qué pasa si los juego a los dos juntos pero los dos han panned en el medio? Entonces, ¿no hay separación en el campo estéreo? Vamos a escuchar. Suena bastante bien, pero puedo agregar más separación en el campo estéreo por panning. Digamos el piano un poco a la izquierda y la guitarra a la derecha así. Vamos a exagerar, de hecho, para que sea realmente obvio. Entonces escuchemos ahora, y se escuchará una clara separación entre estos dos ritmos. Este fue un ejemplo apagado el para apagar estéreo. Tu trabajo como compositor es equilibrar todos tus instrumentos, incluyendo tu kit de sonido rítmico en el campo estéreo, tus tambores, tus puertos de percusión, tus instrumentos rítmicos y de comping. Todos deben colocarse y equilibrarse en los estados estéreo anchos que tienes disponible cuando pintas en el lienzo apagado. Suena bonito. Ya has aprendido el campo estéreo de poder apagado y separación a la hora de crear tu kit de sonido rítmico , porque tu lienzo como compositor de música abarca desde el extremo izquierdo hasta el cuatro derecho. Está bien. Ahora sigamos en el siguiente video 22. Balance profundidad: ahora una parte muy importante de tu kit de sonido rítmico es el balance off depth. Esta es una dimensión extra que puede hacer que tu música suene mawr tridimensional, y se crea equilibrando la cantidad y la profundidad fuera de reverberación. Para todos los sonidos en tu kit de sonido rítmico, menor reverberación será más cerca y más arriba del sonido, lo que podrás tener algunos sonidos más atrás añadiendo Mawr y Big River a ellos. Usa el rango de profundidad para separar aún más y aumentar la separación espacial de tus sonidos rítmicos. Pero ten en cuenta que demasiada diferencia en profundidad puede sonar extraña. Por ejemplo, un sonido de tambor totalmente seco en una mezcla donde el resto de los sonidos están en un gran agujero orquestal sonará extraviado. Entonces aquí hay un kit de sonido rítmico que es equilibrado foran, sonido cinematográfico orquestal. Tenemos batería baja, batería de bajo, bajo, todo tocado en la profundidad off, toda una reverberación orquestal y a veces algunos mediados extra. Hola, tambores Snap de Tom vienen stick. Se trata de unos 10 Marines. Aparecen algunos agitadores extra, también bañados en una enorme reverberación agujero y luego algunos símbolos orquestales. Por lo que juntos suenan como un kit de sonido completo y coherente dentro de un agujero de orquesta. Sí, se puede oír. Compara eso con este estilo E G M beats drunk it, que es muy apretado y seco, lo que significa no mucha reverberación en absoluto, por lo que esto no se mezclará bien junto con este kit de sonido orquestal. Aquí, déjame tocar desde aquí y desde el principio con el bombo orquestal. No se mezcla bien porque hay demasiada diferencia en la balanza fuera de profundidad en todo este rítmico hundido. Tu trabajo como compositor es asegurarte de que tu completo kit de sonido rítmico con todos tus saltos, percusión e instrumentos rítmicos esté equilibrado en el campo de profundidad. Esto se hace principalmente con reverberación, la cantidad de uso de reverberación para cada pista y también lo grande que es increíble el espacio fuera del río . Ahora has aprendido la profundidad de apagado y la separación de tres D al crear tu zócalo rítmico porque tu lienzo como compositor en realidad también tiene una dimensión de tres d. Muy bien, sigamos en el siguiente video 23. Capas de impacto: sonidos rítmicos, ritmos de conducción y percusión, o todo increíblemente bien adecuado para el estratificación. Porque cuando capas dos o más sonidos que se activan al mismo tiempo, el resultado final se sentirá como un solo sonido para el oyente. Pero con un nuevo tipo de color, sonidos de estratificación los harán más ricos y poderosos, y es una gran manera de conseguir un impacto mawr. Funciona especialmente genial para acentos en la música, por ejemplo, es muy común enumbrar un tambor de trampas con un aplauso para conseguir un acento aún más potente o estratificar varios sonidos juntos para hacer tu kick drum más grande. Estamos teniendo un hit de Big Tom en el mismo ritmo que un bombo orquestal y quizás un choque de Cymbal . estratificación en ritmo es, hecho, una de las formas más fundamentales de aceptar beats en tu música y también bien de las mejores formas de crear colores sonoros nuevos, interesantes y únicos. Porque no sólo importan las propias capas sino también cómo eliges mezclarlas y mezclarlas . Por ejemplo, si se mezcla una trampas y un aplauso, se puede elegir cómo se mezclan los niveles así como las indicaciones y filtros e, la compresión y cualquier unidad de efecto especial por capa. Personalmente encuentro que el layering es uno de los puertos más divertidos y creativos fuera, creando tu kit de sonido rítmico para tu música. Ahora déjame darte una rápida demostración de sonido de usar el power off layering tanto en la creación de kid de sonido rítmico en la disposición de notas en el secuenciador para crear nuevos colores, acentos más prominentes y un sonido único. lo que he compuesto aquí este ejemplo con baja percusión en bajo orquestal, batería baja, altura de Tom, agitadores de Tom, símbolos y así sucesivamente. Y si tocamos cada uno por su cuenta, el bombo orquestal, el Tom bajo y así sucesivamente, pueden sonar bastante bien por su cuenta. Pero es cuando las capas juntas. Y si entramos en el piano roll y Butch, si selecciono todas estas partes, puedes ver esto Si me demando ahora que los acentos del bombo golpea aquí en la nota baja aquí, o ex entró con capas en lotes fuera del otros puertos de percusión, eso es lo que crea más impacto en los beats específicos. Entonces si escuchamos todo juntos ahora, suena así de impresionante. Ya has aprendido el poder off layering para crear colores nuevos y únicos y también para realzar los acentos en tu música. Entonces sigamos en el siguiente video. 24. Introducción el rendimiento de ritmo: muchos compositores se enfocan mucho en melodías creativas, expresivas, poderosos motivos y coloridas progresiones de acordes. Pero, ¿qué pasa con el ritmo? Las actuaciones rítmicas en tu música son increíblemente importantes, ya que es la música muy cool off. Y como todo en la música, ritmo también necesita variación en la performance, movimiento y dinámica. Para que sea interesante para el oyente, he hecho una lista de mis mejores cosas en las que enfocarme para crear una gran actuación con tu kit de sonido rítmico. Vamos a pasar por ellos uno por uno en este modelo. 25. Variación de la intensidad: uno de los aspectos más importantes fuera de cualquier sonido rítmico es la intensidad de cada nota lo duro que se golpea el tambor, lo intensas que son las cuerdas de la guitarra o rasguadas y así sucesivamente. El variación en la dinámica la intensidad más alta marca un acento y la intensidad más baja o frecuentemente utilizada como notas de gracia, lo que significa que apenas se escuchan pero aún así agregan algo de especia a la actuación en tu D. W. Todo se trata de valores de velocidad de 0 a 127 la más suave de suave a la más fuerte de fuerte. Entonces aquí hay dos notas de piano. El 1er 1 tiene el valor de velocidad de uno, y el 2do 1 tiene 127. Como puedes ver, ese es el Mex, y éste es el más bajo con el que puedes jugar una nota. Entonces si toco esto ahora, realmente tendrás que escuchar con mucho cuidado para realmente incluso escuchar el sonido apagado. Esta primera nota aquí y luego esta será volando a todo volumen. Entonces prepárate para eso ahora mismo. Por supuesto, este fue un ejemplo extremo. Entonces déjame volver al secuenciador y luego tú esta pista de piano y he preparado una pista de batería así como una pista de bajo. Y la razón por la que este deporte está más en rojo es porque entré al editor de piano roll y aumenté los valores de velocidad para estas notas. El valor promedio aquí en este puerto es mucho más alto que el valor promedio de velocidad aquí, y se pueden ver estos desde los colores aquí, que aquí es más verde y azulado y en esta parte, más amarillos y rojos, que son los colores, al menos la lógica utiliza para indicar los valores de velocidad para cada nota. Entonces si hacemos una escucha a esto ahora, escucharán que es mucha mayor intensidad en esta segunda parte desde la primera parte. Entonces escuchemos, y la variación de intensidad no sólo es importante para un sonido individual, también importa mucho para toda la sección rítmica en su conjunto, por ejemplo. Por lo general el coro fuera de los suyos tiene una intensidad media mayor, sobre todo para las partes rítmicas, ya que son el núcleo que impulsa la música hacia adelante. Tu objetivo es utilizar la intensidad del rango off como una actuación dinámica a con el fin de que tus ritmos Mawr sean atractivos e interesantes y, como resultado, aún más poderosos, ya que los acentos se sentirán más fuertes si son rodeado de células menos intensas. Genial. Ahora has aprendido la importancia de la variación en intensidad y de enfocarte en esas dinámicas y valores de velocidad de cada nota en tu desempeño. Entonces sigamos en el siguiente video. 26. Variación en la complejidad: puedes tener miradas pasando en los ritmos, es decir, muchas notas en cada barra sobre muchos instrumentos diferentes, que puedes ver aquí en esta sección, que tiene mucho pasando en los patrones rítmicos. O puedes tener un ritmo muy sencillo, cual puedes ver un ejemplo por aquí. Pero necesitas variación en todas las secciones de tu música y para todos los elementos rítmicos individuales . Por ejemplo, el inter port de una composición suele tener un ritmo muy sencillo para guiar al oyente hacia el groove fuera de la canción. Y entonces puede hacerse más complejo en otros puertos fuera de la composición, los patrones rítmicos más complejos y BC, o cosas como las transiciones de Phil entre secciones y, por supuesto, las clásicas almas de tambor y percusión. Tu objetivo es crear un interés y variación más dinámicos en la acción y ahuyentar tu música utilizando el rango fuera de la complejidad en tus partes rítmicas desde simples y deportivos demasiado complejos y densos. Ahora déjame darte una rápida demostración de sonido apagado, construyendo la complejidad, pasando de lo simple y deportivo a un ritmo mucho más complejo e interesante. Entonces tengo dos pistas tocando un ritmo aquí, una pista de percusión y una base, y he marcado la primera sección azul oscuro y estas rojas. Entonces estos sistemas o patrones rítmicos simples y luego esta sección es mucha complejidad de contratación , que se puede ver si entro en el editor de piano roll. Hay muchas más notas pasando en este fiestero. Ambas partes comparten la misma estructura de templo y acordes. Aquí la única diferencia es la complejidad fuera de los patrones rítmicos. Entonces tomemos una escucha. Increíble. Ahora hemos aprendido la importancia de la variación en complejidad fuera de tus ritmos y enfocarnos tanto en las diversas secciones de tu canción como en los ritmos individuales para cada instrumento. Muy bien, sigamos en el siguiente video. 27. Variación en patrones: variación en los patrones Villa Mick, ya que el ritmo es el núcleo mismo y ancla de la música. Este es uno de los aspectos más difíciles de equilibrar en una composición, porque el oyente necesita un ritmo para aferrarse a algo que se siente familiar y predecible. Pero al mismo tiempo, desea variación. Como compositor, necesitas equilibrar estas cosas repetición versus variación En los patrones muy rítmicos que creas en tu composición. Necesitas repetición para poner el ancla fuera de la ruta Big Foundation. Pero también necesita alguna variación para crear una pieza de música más interesante. El mejor modo de introducir variación es, por supuesto, en las diferentes secciones fuera de tu música y también en las transiciones entre ellas. Pero también necesitas alguna variación en los ritmos dentro de las secciones individuales. Un pobre natural para agregar algunos espías en la batería y percusión es, por ejemplo, cada cuarta bola con un poco de relleno. También puedes introducir variación añadiendo otra capa fuera de sonido o incluso un símbolo como soltar un sonido en medio del ritmo porque en la música, silencio es tan importante como los sonidos. Tu objetivo como compositor musical es crear un buen equilibrio frente a la repetición versus variación en tus patrones rítmicos a lo largo de tu composición. Muchos aspirantes a compositores o mayores melodías, acordes y armonías, pero a veces se olvidan de gastar tiempo y energía para ventilar esos detalles y variaciones muy importantes en los puertos rítmicos. Ahora déjame darte una rápida demostración o variación en los patrones rítmicos. Entonces tengo dos pistas aquí, una pista de percusión y una pista de bajo, y en realidad he marcado con coolers los pequeños rellenos que he agregado para añadir variación en los mecenas fuera de los ritmos. Por lo que es común que cada cuarto aburrimiento 1234 aquí, aquí al final antes de que la siguiente tabla empiece a tener un poco de relleno, sobre todo para los tambores y percusión. Pero también he incluido alguna variación en la línea de base aquí también. Y al final de pista, tengo una variación un poco más larga en los patrones para la base y el final del cuarto taladramiento aquí y para esta sección antes del final de la pista, e incluso añadí una pequeña variación en el patrón en el puerto final fuera de cada segundo aburrido aquí. Entonces aquí en adelante, tomemos una escucha para tener estos sonidos y de hecho, veámoslo en los editores de piano roll para que puedas ver todo por ti mismo con mucha más claridad. Muy bien, así que tenemos la primera pequeña variación aquí al final del aburrimiento, también, como se puede ver aquí. Ah, el final de la barra cuatro, que va a la siguiente sección aquí, el final de la segunda barra de la sección dos. Se puede ver el pequeño relleno aquí, y por supuesto, el final de la pista tiene mucha más variación en los patrones rítmicos. Entonces ahora vamos a escuchar todo esto. Fascinante, ¿no? Ahora has aprendido la importancia de la variación en tus ritmos, pero debes estar al tanto del equilibrio entre repetición y variación. Demasiado poca variación y los ritmos sonarán estáticos, aburridos, solares y no inspiradores en absoluto. Y demasiada variación sonará como un baterista haciendo un alma loca y se niega a parar. Es tu trabajo como compositor encontrar estos equilibrio para cada pieza musical que creas. Muy bien ahora, sigamos en el siguiente video 28. Variación en el tiempo: la música es más que simplemente notas en papel o en la cuadrícula de tu d aaw. Es una conexión humana con tu alma artística sobre lo mismo que nos hace humanos. Nuestras imperfecciones también es lo que se siente más natural y emocional en la música. Esto significa que es un compositor que produce música en una DEA W. Necesitas enfocarte en tener variación en el mismo tiempo fuera de todos los instrumentos, sonidos y pistas en tu proyecto, tanto el tiempo general como el cronometraje para notas individuales. Por ejemplo, en términos musicales, cuando la música se toca ligeramente antes del ritmo, se llama apresurarse porque crea una vibra rusa más enérgica y bien. Y cuando las nuevas señales se tocan ligeramente después del ritmo, se llama arrastrar, que se siente como si la música se estuviera rezagando y esto te pone al borde con anticipación. Para cada nota nueva, puedes tener varias secciones fuera de tu música. Ya sea prisa o arrastre para introducir variación en el mismo grupo fuera de tu canción, y te sorprenderás de cómo incluso cambios muy diminutos en el tiempo fuera del surco pueden hacer una gran diferencia para la vibra en la energía fuera de tu composición. Por ejemplo, tener tu música arrastrando un poco justo antes del coro puede crear gran anticipación y tensión antes de que el coro golpee y tener en Sección Rusia bit puede hacer que se sienta más enérgico. Por ejemplo, en el coro, otro aspecto muy importante del tiempo en un D. W. Es para la monetización. Si llamas a atar todo 100% a la grilla, básicamente has eliminado todas las diminutas imperfecciones en el tiempo que hacen que la música suene viva y humana. Te recomiendo usar menos fuerza Qantas ation y en su lugar ajustar manualmente las notas más fuera de tiempo en tus actuaciones. Y cuando se habla de diferencias de tiempo, no sólo importa el punto de partida de cada nota, también se debe tener una variación en el tiempo fuera de las longitudes de nota. Por ejemplo, digamos que tienes una línea de base con notas octava. Bueno, para que suene más musical, humano y vivo, no debes tener todos los modos sean exactamente ocho nodos de longitud en el grado. Algunos pueden ser un poco más cortos y otros ligeramente más largos. Tu objetivo como compositor es utilizar todos los elementos de tiempo en la música como correr y arrastrar tiempo fuera de los puntos de partida para cada nota, así como longitudes de nota para dar a tu P mismo o animado, orgánico expresivo sobre resultado emocional. Ahora déjame darte una rápida demostración de sonido de un ritmo robótico estático sin variación de tiempo versus una interpretación rítmica con todas estas imperfecciones esenciales del tiempo humanas y orgánicas que realmente hacen que la música cobre vida. Muy bien, así que tengo a puertos aquí. El primer Greenport es recto Quoteit, izado, estático y Solis. Y la segunda parte, he añadido variación en el tiempo tanto en arranques de nota como en longitudes de nota. Como pueden ver, si entramos en el papel de piano para la primera parte y echamos un vistazo aquí, todo es muy recto y kwon más apretado. Por ejemplo, aquí el PM reporta rectas notas octava sin variación ni en longitud ni punto de partida . El basal también ahí es estático, y si pasamos a la segunda parte, revisemos el piano Aquí. Aquí verás mucha variación en nota, longitudes y tiempos, y aquí está la base para la segunda parte. Como se puede ver variación en la longitud de la nota y los tiempos, especialmente el primer beat off. Cada recién nacido es más largo, y también he alineado ligeramente a la izquierda todo el puerto base, como se puede ver en las notas, puntos de partida en comparación con la cuadrícula. Entonces escuchemos la diferencia entre el primer puerto más estático y robótico. En comparación con el segundo, más animado y humano se siente Grande. Ya has aprendido la importancia de la variación en el tiempo en todos los aspectos de la composición musical , así que sigamos en el siguiente video. 29. Variación en Tempo: variación en tempo. Este es un aspecto de la música que es extremadamente poderoso para la respuesta emocional. Pero también es algo que muchos compositores y productores hoy en día no aprovechan al máximo . Si escuchas cine, música y música orquestal, oirás y mawr importante sentirás mucho o variación en el templo durante la composición. Básicamente, esto significa que en lugar de tener un BPM estático para toda la canción, automatizas los cambios de templo a lo largo de tu composición. Para música pop como Brooke E G. M late etcétera. También puedes usar la variación del templo de power off para lograr una experiencia más poderosa y atractiva . Por ejemplo, tener el verso sea ligeramente más bajo bpm en el coro, ligeramente más alto a ADM o energía o tener el final de la canción Gold Down en BPM, que es muy común para bandas en vivo y piezas orquestales. Otra gran técnica es bajar en Temple justo antes del coro porque extenderá el deporte pre coro un aumento de tensión y anticipación. Esto hará que la introducción del coro se sienta como si golpeara aún más duro, y el oyente estará en el cielo, así que asegúrate de no caer en la trampa fuera simplemente eligiendo un BPM para tu canción y luego tenerla estática a lo largo de toda la composición entera. Recuerda siempre la regla dorada de la música, variación, movimiento, movimiento y la dinámica. Estas son toda la esencia misma de lo que hace que la música sea expresiva, emocional y atractiva para el oyente. Ahora déjame terminar con una rápida demostración de sonido fuera de cómo podemos usar la variación en templo para dar tu música y ritmos y dimensión mucho más rica y profunda con el fin de elaborar tu historia musical de cualquier manera más poderosa. Entonces aquí en este ejemplo, se puede ver que he agregado Temple Automation a la pista. Empiezo a 100 BPM en la primera parte y luego antes de que llegue el curso, que es aquí, he añadido la automatización de tempo para bajar en BPM, lo que aumenta la detención y la anticipación para el oyente. Y luego los núcleos golpean y subo a 103 bpm, que es un poco más alto de lo que empecé con. Por lo que esto corresponde tendrá más energía, y luego al final de la pista, bajaré drásticamente en BPM, como se puede ver aquí, lo que crea mucha anticipación para ese hit final fuera de la canción, So y luego al final de la pista, bajaré drásticamente en BPM, como se puede ver aquí, lo que crea mucha anticipación para ese hit final fuera de la canción, So tomemos una escucha. Aquí te dejamos un hecho de estilo de fantasía que compuso para un trailer en uno de mis canales de YouTube. Y como pueden ver, tengo una pesada automatización del templo aquí al final fuera de la pieza para llevarla a un final más relajante . - Increíble . Ahora has aprendido cómo y por qué las variaciones de tempo en tu música o tan increíblemente poderosas para agregar movimiento y movimiento a tu historia musical, así que asegúrate de aprovechar la variación del templo de power off en tu música en este momento. Continuemos en el siguiente video.