Apprendre à regarder : Une introduction à la prise de meilleures photos | Rebecca Loomis | Skillshare
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Aprende a controlar el aspecto: una introducción para tomar mejores fotos

teacher avatar Rebecca Loomis, Compulsive creative with too many hobbies

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Lecciones en esta clase

    • 1.

      ¿Quién, ¿qué es qué?

      3:14

    • 2.

      Prácticas de proyecto

      2:34

    • 3.

      Crear conciencia

      2:57

    • 4.

      Enfoco y cuadro

      3:57

    • 5.

      Composición

      4:25

    • 6.

      Angular e Impacto emocional

      3:33

    • 7.

      Iluminación y color

      5:25

    • 8.

      ¡Superficie rasgada!

      0:36

  • --
  • Nivel principiante
  • Nivel intermedio
  • Nivel avanzado
  • Todos los niveles

Generado por la comunidad

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Estudiantes

18

Proyectos

Acerca de esta clase

No necesitas una cámara caras para convertirse en un mejor fotógrafo. Comienza a aprender ahora usando exactamente lo que tienes que maximizar tus habilidades fotográficas, entrenando tus ojos para ver un lente diferente.

En esta clase, aprenderás dificultades comunes para evitar y potenciales que puedan utilizar para hacer fotos, ya sea profesional o personal, con un smartphone o DSLR.

Esto lo harás compilando un Phlog (fotógrafos) que documenta tu progreso. Elegirás un tema (retrato, la naturaleza bodega o la la ciudad/el paisaje) y tomarás una foto de ese mismo tema por lección, aplicando lo que aprendiste. Al final de la clase, podrás ver la transformación de tu ojo.

Conoce a tu profesor(a)

Teacher Profile Image

Rebecca Loomis

Compulsive creative with too many hobbies

Profesor(a)

Rebecca is a freelance photographer, graphic designer and author, with experience in marketing, videography, and more. When she crawls out of her introverted Hobbit-hole, Rebecca enjoys adventuring the great outdoors, social dancing and making delicious food!

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Transcripciones

1. ¿Quién, ¿qué es qué?: Hola, mi nombre es Becca, y estaré impartiendo esta clase llamada Aprendiendo a Look. Un poco de fondo en mí. Yo soy de Nueva York, vivo en Texas ahora, dos estados impresionantes. Tengo mi licenciatura en comunicaciones masivas con una menor de edad en arte. Mi especialidad es el retrato franco iluminado naturalmente. Me metí en muchas otras cosas incluyendo arte y escritura, redes sociales, diseño, etcétera y así sucesivamente. Tengo demasiados pasatiempos. Pero decidí impartir esta clase porque tengo mucha familia, amigos, y compañeros de trabajo que han venido a mí pidiendo consejos sobre cómo tomar mejores fotos. Se trataba de personas que eran de todo , desde tener la necesidad de tomar fotos profesionales o simplemente querer tomar mejores fotos personales. Esta clase es realmente para cualquiera. Es un espectro muy amplio. Pero mucha de estas personas vinieron a mí pidiendo consejo. Encontré que una de las cosas mayores que se interponía en su camino no estaba en realidad en su camino, eran sólo excusas, como, “no tengo una cámara lo suficientemente buena”, o, “realmente no tengo razón para llamarme un fotógrafo”. Encontré que es muy similar a cuando empiezo a tratar de hacer ejercicio. Yo uso todas las excusas. Yo digo: “No tengo membresía de gimnasio. No tengo pesas libres y simplemente no sé qué diablos estoy haciendo”, y lo mismo puede ir para la fotografía. Pero la clave no es una cámara mejor. De hecho, comprar una mejor cámara para aprender a tomar mejores fotos es como tomar una venda y pegarla en una herida que necesita puntadas. No va a funcionar. En lo que realmente necesitas enfocarte es entrenar tu ojo. Entonces de eso se va a tratar este curso. Se va a tratar de aprender a ver qué hace una buena foto y qué no. Vamos a hablar de trampas comunes a evitar y potenciales a utilizar. No estaremos hablando mucho de cosas técnicas como cómo configurar tu cámara manualmente. Serán cosas más grandes de panorama. Para que si estás tomando fotos con un iPhone o una DSLR cañón, marcará la diferencia. Estas cosas se aplicarán a cualquier reino. Tampoco importará si te interesa retrato versus el paisaje, frente a la naturaleza muerta. Esto debería ser aplicable a casi todo. Realmente lo que te quiero dar a través de este curso es una base en la que puedes construir. Este es tu pie por la puerta para que empieces. No resolverá todos tus problemas o no te capacitará para ser fotógrafo profesional. No obstante, son muy pequeños pasos que pueden ir muy lejos al pasar de alguien que a veces toma fotos en su teléfono a realmente un fotógrafo aficionado. Cualquiera puede hacer eso, cualquiera puede hacer este curso. Espero lo mejor para ti. Te agradezco por darle una oportunidad a esto, y espero ver con qué se te ocurre. 2. Prácticas de proyecto: Bienvenido de nuevo. Vamos a saltar a la derecha y hablar de tu proyecto de clase. Para esta clase, vamos a estar haciendo un photolog o flog, como me gusta llamarlo, donde básicamente tomarás una nueva foto de los mismos temas con cada clase aplicando las cosas que has aprendido, para que al final del curso, puedes mirar hacia atrás y ver cómo cambiaron tus ojos. Podrás ver las decisiones que tomaste que fueron diferentes en base a los nuevos conocimientos. Para tu asignatura, vamos a seguir adelante y escoger un tema con el que te quedarás para el resto del curso. Puedes elegir entre cualquier cosa en las categorías de persona, lugar, o cosa. En términos de fotografía, es retrato, paisaje, o bodegón. Mucha gente tiende a caer en una de estas categorías y prefieren eso, yo prefiero el retrato. Es bueno practicar en todas estas diferentes áreas, pero probablemente encuentres que una de ellas te conviene más que las otras. Así que adelante y elige un tema y toma tu primera foto. No pienses en lo que crees que es correcto hacer o mal hacer. Simplemente tómalo como normalmente lo tomas, usando con lo que normalmente lo tomas y pegarte con esa misma cosa. Si estás usando un iPhone, usa tu iPhone. Si estás usando una DSLR, usa tu DSLR, si estás usando tu GoPro usa tu GoPro. Pero te vas a quedar con la misma plataforma de fotografía y el mismo tema. Ahora, una vez que hayas tomado tu foto, quiero que la dejes a un lado y empieces a hacer la pregunta, ¿por qué? ¿ Por qué este tema? ¿ Por qué elegí este paisaje? ¿ Por qué elegí a esta persona? Si fue un poco más impulsivo y realmente no le has pensado mucho, eso está bien. Empieza a pensarlo ahora. Empieza a pensar en el significado, qué quieres lograr con esta foto. Porque todas las fotografías comunican algo, queramos o no que lo hagan. Eso sólo puede ser comunicar la belleza de la vida. No tiene que ser muy en profundidad, pero va a comunicar algo. Estar pensando en eso. Vamos a volver a esa pregunta con los siguientes cursos. 3. Crear conciencia: En esta lección, vamos a empezar a hablar de crear conciencia, que es clave para desarrollar tu ojo para la fotografía. Entonces en la universidad, había tomado una clase para dibujar 101 y recuerdo una instancia particular en la que nuestro maestro proyectó un cuadro en una pantalla y dijo: dibuja esto. Miramos la imagen y todo fue un montón de manchas y formas y reflejos oscuros y realmente no teníamos ni idea de lo que estábamos mirando. Pero procedimos a dibujar esta mancha borrosa. Cada tanto que lo enfocaba un poco más. Eventualmente, con cada nueva versión que hicimos, empezamos a ver cuál era la imagen. Lo que había hecho era tomar un famoso cuadro, ponerlo boca abajo y difuminarlo. Lo que esto nos obligó a hacer es mirar lo que estábamos dibujando, no como imagen de personas e instrumentos y cosas, sino más bien para ver lo abstracto, para ver lo que estamos viendo como formas y color y peso visual. Este fue un ejercicio realmente bueno para mí, tanto en dibujo como en fotografía. Por lo que para replicar este ejercicio sólo orientado a la fotografía, lo que quiero que hagas en este momento es dar la vuelta al revés. Quiero que dobles la cabeza hacia atrás sobre una silla, te acuestes en el suelo, lo que sea que tengas que hacer y mires lo que te rodea boca abajo y empieces a pensar en lo que estás mirando, no como persona, lugar o cosa, sino más bien formas y tamaños y peso visual, oscuros, reflejos, color. ¿ Qué es lo que realmente ves? Si es posible, mira el tema que estás usando para tu proyecto. Mi esperanza para este ejercicio es que cuando vuelvas a estar de lado derecho, empieces a estar más consciente de los diferentes elementos con los que tienes que trabajar porque realmente importa si tu paleta de colores es fresca o si es cálida. Eso va a afectar cómo tu público se ve afectado emocionalmente. ¿ Los bordes de tu sujeto son suaves y curvos, o son afilados y dentados? ¿ Cómo interactúa el fondo con el primer plano? No necesariamente necesitas saber por qué estas cosas importan aún porque hablaremos de ellas en las próximas lecciones, pero empezaremos a estar más conscientes de ellas. No necesariamente tienes que tomar otra foto para esta lección en particular, pero quiero que empieces a mirar tu tema un poco diferente y practiques este ejercicio unas cuantas veces si lo necesitas y regreses cuando estés listo para el siguiente paso. Toda la sangre corre hacia mi cerebro. 4. Enfoco y cuadro: A continuación, vamos a hablar de enfoque y marco. En cada fotografía, hay un punto focal. Algo por lo que se llama la atención de tu público. Nosotros como fotógrafo, tenemos la responsabilidad de elegir cuál es ese punto focal. Si no lo hacemos, terminamos con una imagen sin enfoque. Tus audiencias se quedaron preguntándose, ¿de qué se trata esta imagen? Tomemos por ejemplo, estas dos imágenes que tomé en una conferencia. En la primera, acabo de apuntar y disparar. Realmente no había planeado mi imagen antes de tomarla. El resultado fue un enfoque menos imagen. Lo miras y no estás realmente seguro de dónde debería descansar tu ojo en el marco. ¿ Debería ser en ese tipo cuya expresión no es muy atractiva o en esa chica que se va? De nuevo, no un tiro muy halagador. En la segunda imagen, sin embargo, elegí lo que quiero que sea en mi punto focal antes de tomar la foto. Yo tomé la foto a propósito. Está bastante claro que se supone que debes mirar a la chica que está aplaudiendo. No sólo está enfocada, sino que es el foco de la imagen. Hablaremos un poco más después sobre cómo lograr que tu público se vea en un determinado lugar basado en la composición de tu imagen. No obstante, por ahora, lo más importante es que elijas cuál es el foco de tu imagen. Además de definir tu punto focal, quiero que empieces a pensar en qué es lo que quieres comunicarte con tu imagen. Esto determinará lo que incluyes o excluyes del marco. Piénsalo como narración visual. En esta imagen, mi punto focal es claramente el orador. No obstante, quiero contarles más que eso. En esta imagen, muestro no sólo al orador, sino al público en primer plano. De igual manera, en esta imagen, incluí a un orador adicional en segundo plano para mostrar que él no estaba dando la charla por sí mismo. Ahora que has decidido lo que quieres en el marco, puedes empezar a decidir cuánto quieres que sea parte de la imagen ajustando el enfoque. profundidad de campo determina la cantidad de cosas que estarán en foco dentro de tu marco. En algunos casos, querrá un fondo más suave que requiera una profundidad de campo poco profunda. Si bien en otros, como las fotos de grupo y algunos paisajes, querrás que más cosas estén enfocados, requiriendo una amplia profundidad de campo. Si no estás usando una cámara con ajustes manuales, es posible que no tengas la capacidad de ajustar tu F-stop o apertura, lo que determina la profundidad de campo. Sí tienes algún control sin embargo. Puedes posicionar a tu sujeto más cerca de tu fondo para mantener más cosas en foco y tener una profundidad de campo más amplia, o puedes llevar a tu sujeto muy lejos del fondo con el fin de conseguir ese aspecto suave y tener una profundidad más superficial de campo. Ahora, aunque hayas decidido desenfocar tu fondo, todavía estás tomando algo tridimensional y haciéndolo plano. Realmente tienes que prestar atención a donde las cosas se alinean detrás de tu tema. Esto me lleva a nuestro primer error común, las bombas de fondo. Tomemos por ejemplo, esta imagen. Parece que la planta está creciendo de su cabeza. A lo mejor no es súper perceptible porque está fuera de foco, pero sigue ahí. Todo lo que se necesita es un paso a un lado para arreglarlo. No más chía mascota. Nuevamente, estos son solo algunos pasos realmente pequeños que pueden ir muy lejos a la hora de mejorar tus fotos. 5. Composición: En esta lección, vamos a hablar de composición. Ese siendo el diseño de los elementos en tu marco. Cuando domines la composición, podrás mover el ojo de tu espectador a ese punto focal que decidiste en la última lección. Queremos crear imágenes que estén visualmente equilibradas. En una fotografía equilibrada, tienes un punto focal claro, pero tu ojo es libre para moverse por toda la imagen y tomarla todo. Nada de esto se siente lop-side o empuja el ojo fuera del marco a menos que pretendas que la imagen sea inquietante. Para entender el equilibrio visual, sin embargo, necesitamos entender el concepto de peso visual. Según creativeglossary.com, “El peso visual es la capacidad de una región o elemento artístico dentro de una composición para llamar la atención sobre sí misma. El peso visual se crea a menudo a través del uso del contraste y/o a través del uso del color”. Aquí te dejamos un ejemplo clásico. Tu ojo se dibuja naturalmente hacia la estrella roja. Ciertos elementos de tus fotos, como el color, el contraste y el tamaño, van a llamar más la atención que otros, haciéndolos visualmente pesados. Puedes hacer que los elementos de tu imagen sean visualmente pesados aislándolos del resto de la imagen. Convierte a tu sujeto en un color audaz o usa la repetición para crear contraste, o usa un fondo claro para que tu sujeto destaque. No sólo queremos peso, sin embargo, queremos equilibrio. Donde coloques los elementos visualmente pesados en tu marco, determinará qué tan equilibrada está la imagen. Observe que en las imágenes más equilibradas, el punto focal no se coloca en el centro del marco. A pesar de que es asimétrico, se siente equilibrado. Muchas personas asumen que tu ojo se dirige hacia el centro de un espacio. Por lo que terminas con fotos como esta, que es común error número 2, exceso de espacio de cabeza. En realidad, tu ojo se sienta cómodamente alrededor de un tercio de tu marco, lo que nos lleva a uno de los consejos más útiles pero fáciles que aprenderás sobre la composición, la regla de los tercios. La regla de los tercios es el simple principio de que si colocas el punto focal de tu imagen en una tercera línea o tercera intersección del marco, tu ojo se dibujará más naturalmente hacia él y la composición de tu imagen será más visualmente equilibrado. Volvamos a esa imagen de error común que usamos antes. Se puede ver cuánto mejor es esta foto cuando se inclina un poco este tema hacia arriba y se siente el marco. No sólo el peso se distribuye por igual en el marco, sino que sus caras ahora están en una línea que divide el marco en tercios. Echemos un vistazo a algunos otros ejemplos. ¿ Estas imágenes son visualmente equilibradas? ¿ Puedes quedarte con ellos sin sentir la necesidad de pasar a uno nuevo? ¿ Viaja tu ojo por la imagen aún descansa en un punto focal? Mira qué perfectamente se alinea cada punto focal de estas imágenes hasta una tercera línea, o mejor aún, una tercera intersección. Si estás usando un iPhone, adelante y saca de él. Ve a tu configuración, luego a fotos y cámara, y luego encuentra la cuadrícula. Enciende eso. Ahora, tu cámara tiene una superposición para que puedas ver dónde están tus terceras líneas mientras tomas tus fotos. Muchas otras cámaras tienen este ajuste también. Por lo que te animo a encontrarlo en cualquier dispositivo que estés usando. También puedes usar las líneas dentro tu imagen para mover el ojo del espectador por todo el marco. Tomemos esta imagen, por ejemplo, nuestro punto focal es el hoyo de la barbacoa, pero nuestros ojos recorren estas líneas por toda la imagen, luego volver a instalarse de nuevo en nuestro punto focal. Tampoco tienen que ser líneas reales para hacer esto. Tu ojo hace líneas imaginarias entre objetos que también se colocan muy juntos. Es hora de phlog foto número 3. 6. Angular e Impacto emocional: A continuación vamos a hablar de los ángulos de cámara y su impacto emocional. Tendemos a tomar fotos exactamente de donde está nuestra cabeza, no moviéndonos mucho excepto a la derecha, a la izquierda. No obstante, algunas de las mejores tomas requieren un poco más de creatividad. Sé creativo con tus ángulos. Párese en una silla o recuéstese en el suelo. Puede que tengas que ensuciarte un poco, pero vale la pena. Estos son los ángulos principales que debes conocer: Vista de ojo de pájaro, que es lo que suena, vista de ojo de gusano, que también es lo que suena, y nivel de los ojos, que es otra vez, cómo suena. También tendrás que prestar atención a lo cerca que estás de tu tema. Podemos tomar un tiro de gran angular, un acercamiento, o algo en el medio. Echemos un vistazo a algunos ejemplos. En esta serie de retratos, me aseguré de utilizar la vista de ojo de gusano, la vista pájaro y el nivel de los ojos. En esta serie, estaba cubriendo una charla, me aseguré de obtener una vista en gran angular de toda la sala, así como un cierre del altavoz, de la gente en el público, y un tiro medio. También puedes usar ángulos para comunicar diferentes emociones o provocar diferentes emociones de tu espectador. Te guiaré por algunos ejemplos en cada una de las tres categorías de las que elegimos nuestros temas; persona, lugar, y cosa. Empezaremos con retratos. Rachel está en traje de panda, sin embargo tengo la capacidad de hacerla parecer asustada, o aterradora, o triste, o poderosa, o simplemente feliz. En paisajes y paisajes urbanos, podemos utilizar las vistas de ojo de gusano para hacer que los espacios más pequeños se vean más grandes. Dependiendo de nuestro ángulo, también podemos darle al espectador una sensación de miedo o curiosidad. Incluso en una naturaleza muerta, podemos hacer que un frasco simple parezca importante, descuidado, o en peligro, pesar de que es un objeto inanimado. Por último, algunos rápidos errores comunes y una nota sobre el tiempo. Error común número 3, amputaciones. Si vas a cortarle las extremidades a alguien, lo hagas en las muñecas ni en los tobillos, es demasiado perceptible. De igual manera, no amputes la cima de una montaña a menos que te acerques bien y cerca. Error común número 5, mal momento. Tu tiempo puede ser la diferencia entre un retrato halagador que se convierte en foto de perfil de alguien y el terrible que todos te odia por publicar. No solo presione el botón, espere el momento adecuado. Entrena tu dedo gatillo para que se mueva cuando tu altavoz se detenga, o cuando ese pájaro volando por tu paisaje aterriza justo en una tercera línea, o cuando esa sombra por tu ventana, eso está descansando en tu bodegón, está en una posición diferente. Ahora, es hora de tu cuarta foto de phlog. Buena suerte. 7. Iluminación y color: Iluminación y color. Una de las cosas más importantes que debes saber sobre iluminación es la diferencia entre luz suave y dura. luz suave da como resultado menos contraste, dando la apariencia de suavidad, mientras que la luz dura da como resultado sombras pesadas, contraste grueso y bordes más nítidos. De igual forma, la iluminación de tu imagen tendrá una sensación suave o dura en el espectador. El que elijas depende enteramente del propósito de tu fotografía. Por ejemplo, si estás tomando un retrato que está destinado a expresar tranquilidad, vas a querer una luz más suave. Si estás tomando uno que está destinado a provocar miedo, sin embargo, es posible que quieras sombras más duras. Puedes determinar qué tan suave o dura es tu iluminación observando y manipulando tu fuente de luz. Cuanto más amplia sea la fuente de luz, más suave será la luz. Cuanto más señalada sea su fuente de luz, más dura será la luz. Por ejemplo, la luz solar directa dará como resultado sombras oscuras porque tu luz viene de una fuente puntiaguda, el sol. Un día nublado, sin embargo, proporciona luz desde todo el cielo, dando como resultado una luz más suave. Esto nos lleva al error común número 5, la idea de que un día soleado equivale a un retrato bonito. Al disparar retratos que están destinados a ser agradables, vas a tener mejor suerte colocando a tu sujeto en un área sombreada. Error común número 6 es retroiluminación en auto. Si tienes ajustes manuales, puedes usar la retroiluminación a tu favor. Pero la mayoría de las veces lo que sucede es que tu cámara se ajusta a la luz detrás de tu sujeto, haciéndolos demasiado oscuros. Es un poco como la luna. Siempre hay luz golpeando la luna, pero golpea en diferentes ángulos para que a veces la veamos y a veces no. Posiciónate, tu sujeto o tu fuente de luz para que esté iluminando el área que quieras. Si estás disparando con auto y no puedes mover la retroiluminación, muévete a un ángulo donde tu sujeto sea más prominente que la luz de fondo, por lo que tu cámara se ajustará en consecuencia. Error común número 7, usando un flash desde una distancia de 100 pies. No entraré en demasiados detalles con respecto al flash, pero contrariamente a la creencia popular, tu flash pop-up no llega a más de unos pies delante de ti. Entonces si tratas de usarlo para iluminar un concierto, lo único que iluminará es la persona frente a ti, dejando el escenario igual de oscuro, si no más oscuro que antes. Además, ten en cuenta que el flash es típicamente una luz muy dura, como el sol. Si tienes un flash externo, sin embargo, que puede apuntar en una dirección diferente a la de tu lente, puedes hacer del techo tu cielo apuntando el flash hacia arriba. Rebotará de toda la superficie, haciendo que tu luz sea un poco más suave. Desafortunadamente, no tenemos mucho tiempo para entrar en los detalles de la configuración manual. No obstante, sí quiero hacer una nota rápida con respecto a la velocidad de obturación. Puede ser muy frustrante tomar una foto de un sujeto en movimiento sólo para encontrar que está completamente borroso, cuando apenas la semana pasada tomaste una con la misma cámara y estaba perfectamente enfocada. Esto lo más probable es debido a tu iluminación y al ajuste de tu cámara a la misma. Tu velocidad de obturación es cuánto tiempo está abierto el obturador, o qué tan rápido toma la foto la cámara. Cuanto más tiempo permanezca abierto el obturador, más luz se deja entrar. Cuanto más rápida sea la velocidad del obturador, menos luz se deja entrar. Al disparar objetos en movimiento, desea una velocidad de obturación rápida para captar el movimiento. Pero si tu objeto está mal iluminado, tus ajustes automáticos pondrán a tu cámara a una velocidad de obturación lenta para dejar entrar más luz, lo que resulta en desenfoque de movimiento. Si estás disparando auto, la única vez que obtendrás una buena toma de acción es cuando tu sujeto está bien iluminado. último pero no menos importante, una breve nota sobre el color. Los colores de tu imagen serán principalmente cálidos o fríos. Los colores cálidos son lo que suenan, rojos, naranjas, amarillos, etc., como los colores del fuego, mientras que los fríos son azules, morados, y ciertos tonos de verde, como hielo y nieve. Observe cómo el color de estas imágenes provoca una respuesta diferente. ¿ Te has preguntado alguna vez por qué los restaurantes de comida rápida tienden a usar mucho rojo y amarillo en sus logotipos? Es porque los colores cálidos te rompen el apetito. No solo tus sujetos tendrán un color predominantemente fresco o cálido, tu fuente de luz también lo hará. La iluminación interior tiende a ser un poco más cálida, mientras que la luz natural tiende a ser más fresca. Hay tantas formas en que puedes usar el color a tu ventaja en la fotografía. Pero eso podría ser todo un curso en sí mismo. Entonces, por ahora, solo ten atención al color de la luz disponible para ti y cómo te hace sentir. Para tu foto final, empieza a experimentar con la diferente luz que rodea a tu sujeto. Quizás acerque tu sujeto a la fuente de luz o abra una ventana para obtener una luz más natural o cambiar tu posición, y empiece a prestar atención a cómo el contraste y el color afectan el impacto emocional de tu imagen, y qué es lo que se comunica. 8. ¡Superficie rasgada!: Enhorabuena, ya terminaste tu flagelo. ¿ Se puede ver la diferencia entre la primera y la última imagen? ¿Te han cambiado los ojos? Te animo a escribir un análisis personal sobre la comparación, y hacer este proyecto un par de veces más con diferentes temas. Entrenar tu ojo requiere mucha práctica, pero cuanto más lo hagas, más se convierte en segunda naturaleza. Una vez que tengas estos conceptos básicos abajo, te animo a pasar al siguiente nivel. Toma una clase sobre teoría del color o sobre cómo configurar manualmente tu cámara. Sólo hemos rayado la superficie de la fotografía, pero tu pie nos atravesamos por la puerta.