10 minutos para pintar mejor | Marco Bucci | Skillshare
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Lecciones en esta clase

    • 1.

      Episodio 1: formas de fusión

      10:12

    • 2.

      Episodio 2: lenguaje visual

      10:10

    • 3.

      Episodio 3: pinceles digitales

      9:35

    • 4.

      Episodio 4: buenas formas

      10:24

    • 5.

      Episodio 5: la armonía del color

      10:20

    • 6.

      Episodio 6: luz y sombra

      10:21

  • --
  • Nivel principiante
  • Nivel intermedio
  • Nivel avanzado
  • Todos los niveles

Generado por la comunidad

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1939

Estudiantes

5

Proyectos

Acerca de esta clase

Combina la educación con el humor, todos los episodios de 10 Minutos para mejorar la pintura y un elemento artístico que seguramente mejorará tu trabajo. Esta serie en curso, con episodios nuevos cada 2 a 3 meses, así que vuelve a ver a menudo

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Teacher Profile Image

Marco Bucci

Professional illustrator & teacher

Profesor(a)

Hello, I'm Marco.

I'm a professional artist with 15 years' experience in the film, TV, game, and print industries - primarily as a concept artist and illustrator. I also happen to believe that it's the duty of experienced artists to pass on what they've learned, with no BS and for as low-cost as possible. It's for that reason that I'm a passionate teacher. I currently teach at CGMA, and have previously taught at Academy of Art University, Centennial College, and more. 

 

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Level: Intermediate

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Transcripciones

1. Episode 1: fusión de formas: es hora de romper tu bolsillo. Mira pinceles Andrew para este episodio de 10 Minutos a mejor pintura, soy tu anfitrión, Mark Obuchi. Cada episodio se estructurará de la siguiente manera. La primera parte será una breve lección que nos meta en el tema con algunos ejemplos visuales. segunda parte contará con una demostración de pintura completa donde te mostraré cómo aplicar la lección de episodios a tu trabajo, y la tercera parte será una envoltura final del episodio con algunas reflexiones de cierre, dijo Richard Schmidt. Una vez que los pintores no parecen ni información que otras personas ¿realmente ven menos? Este episodio trata de formas emergentes. Ya sabes esa vieja máxima de pintura que te aconseja simplificar bien, fusionar formas es una de las muchas formas posibles de hacerlo. Me encantan estos aguafuertes de Anders Zorn. Contienen una declaración tan fuerte de luz y carácter y estado de ánimo y composición. Y sin embargo el medio es tan primitivo que es sólo un montón de líneas rayadas de pollo en papel Now. Zorn era un maestro de simplificación y fusión de formas, y esa es exactamente la herramienta que usó para obtener un grado de calidad tan alto. Aquí, déjame mostrarte lo que quiero decir con un ejemplo muy sencillo. Pongamos cuatro objetos simples en este marco, y estos objetos serán iluminados por la luz, lo que significa que también proyectan sombra. Acabamos de pintar un cuadro, pero no es tan emocionante, ¿ verdad? Es decir, se ve generado por computadora y aburrido. Ciertamente no parece luz, pero ¿por qué? Contemos el número de formas que contiene. Ahí está 123456789 tuve que hacer nueve formas sólo para pintar eso. Cielos, eso es glotonería. Veamos si podemos simplificar esto fusionando algunas formas juntas. Empezaré por duplicar el cuadro. Ahora mira como lentamente se desvanece en una versión simplificada la misma imagen, pero con las formas fusionadas, contemos las formas en esta versión. Una forma para todos esos 23 y cuatro. Acabo de reducir las formas en más de la mitad. Fusionar formas significa una reducción de la información. He renunciado a la silueta de cada uno de esos pequeños objetos a favor de una silueta más grande . Menos cosas dedo del pie mira ah, más simplificada, declaración más simplificada, eficaz. El motivo por el que simplificamos es para permitir que el movimiento pase y el estado de ánimo. Ahí es donde vive el arte. Echa un vistazo a este hermoso cuadro de Dean Cornwell, que te estoy mostrando en blanco y negro para los propósitos de esta lección. Específicamente, miren aquí esta zona, y me gustaría que apreciaran por un momento cuánta información ha optado por perder Cornwell mediante la fusión de esas formas juntas. Eso es como la mitad del cuadro reducido a una forma. No estamos viendo pantalones ni hebillas de cinturón ni botones solo estaban viendo una forma grande y oscura. Lo que subliminalmente confiere al espectador es esta área no es importante. Más bien, mira hacia arriba donde se enfrenta el tipo, porque ahí es donde se encuentra todo el humor y el carácter jugoso. Y aun cuando miramos la cara, claro, aquí hay más información. Pero Cornwell está tirando del mismo tipo de idea de diseño. Los 2/3 inferiores de la cabeza, así como el cuello y la camisa, se fusionan en una sola forma. fusión de formas realza también el elemento de misterio, que coincide perfectamente con lo que sentimos por este tipo. Mira este tomador de aliento de Walter Everett. Creo que mucha gente diría que aquí hay mucho detalle, que en los pintores hablan significa muchas formas. Pero en realidad no creo que ahí lo esté mirando. Con este sencillo filtro aplicado, podemos ver que en realidad es un camino cuidadosamente cuidado de formas oscuras y claras surgidas juntas que nos llevan a través de la imagen. Siento que todo lo que toca esta línea roja es una forma inquebrantable de oscuridad, que comprende la columna vertebral misma de este cuadro. Y, por supuesto, podrías fusionar formas juntas a la luz, por ejemplo, esta gran forma conformada por los velos y rostros de las mujeres. Por lo que Richard Schmidt tiene razón a través de formas fusionadas, un pintor sí ve menos de lo que en realidad hay. Pero lo que no dijo fue que pintar menos es en realidad más difícil porque requiere hagamos algo que en gran medida va en contra de nuestra naturaleza. Es decir, expresar algo no por ser literal al respecto, sino reducirlo a un diseño esencial. Esta es la pintura terminada. Voy a estar demo ing para ti en tan solo un segundo ahora. Elegí este tema en particular por su compleja ciudad. En el cuadro hay seis o siete embarcaciones reflexiones de agua, edificios, figuras, perspectiva atmosférica, todo el nueve yardas si nuestro pequeño ejemplo de hace un momento tenía nueve formas, imagina cómo muchos miles de formas con las que tendrás que lidiar en un cuadro como este, mientras construyo este cuadro, preste atención específica a áreas de sombra y áreas de luz para ver qué formas se sacrificó aire en favor de un diseño más claro. Por lo que enseguida, quiero señalar que en realidad diseñé mis cuadros con forma fusionándose en mente aunque sé que van a haber barcos y figuras y casas que primero quiero bloquear en áreas generales de luz y sombra, como me ven haciendo ahora mismo, me estoy comprometiendo a una especie de diseño abstracto la forma en que va a leer esta imagen , sé que en estas grandes áreas de luz y sombra, ahí es donde jugaré con fusionar mi formas. Entonces ya ves, tema en realidad es secundario, y soy un firme creyente de que incluso la pintura renderizada más realista sigue siendo una pieza abstracta de arte. En primer lugar, porque el pintor siempre tiene que lidiar con estas formas que el aire se divorciaron de la realidad. Pero eso es lo que hace que no sean divertidos. Es una reacción a algo. No soy yo literalmente tratando de mostrarte cada ventana de cada casa y cada figura. Yo quiero implicar eso, y quiero que seas parte de esa experiencia. Es decir, quiero que llenen las formas que fusiono. Por lo que te estoy curando a través de este cuadro. Estoy estimulando tu imaginación, supongo a través de medios de fusionar estas formas y llegar a una especie de diseño abstracto y ver esa textura y poner abajo. Creo que es realmente útil trabajar debajo de la textura, al menos para mí. Me ayuda a escapar de esa mentalidad literal y entrar en la mentalidad de diseño abstracto. Y ahí es donde quieres estar, sobre todo si estás pintando por imaginación como yo aquí. Por lo que ahora mismo se puede ver a los barcos entrando en primer plano y se nota ya donde el barco se encuentra con el reflejo en el agua. Esas formas se pierden, se fusionan entre sí, incluso los propios barcos aire tipo de fusión en las casas. Si miras ese barco alrededor de 1/3 arriba de abajo, es una especie de fusión en la casa. Eso, para mí, es interesante. Ya sabes, no necesito mostrarte dónde está la punta de cada barco para que lo entiendas. El cerebro humano es notable. Llenamos formas todo el tiempo, incluso en la vida real. De hecho, mi convicción en este tipo de enfoque se ve respaldada por el hecho de que esto realmente está arraigado en la psicología humana. Cuando estás caminando por la calle, no estás viendo todo. De hecho, apenas estás viendo nada. Solo estás viendo la información directamente frente a ti. Tu cerebro llena las otras cosas a la izquierda y a la derecha. Sucede todo el tiempo, cada minuto de cada día. Entonces el equivalente visual de eso para mí es fusionar formas y en realidad mostrar menos en tu imagen. Al igual que expliqué en la lección, al mostrar menos, en realidad podemos comunicar más. Permítanme ampliar sobre eso. Si te mostrara cada forma literal que en realidad existiría en esta imagen, perdería la sensación de esta ubicación. No lo capturaría. Sería como leer un libro de texto. tanto que si lo estoy haciendo como si estuviera aquí con la fusión de formas y trato de imitar visualmente lo que siento acerca de esta escena, esencialmente estoy sacrificando una cosa que es la cantidad de formas con el fin de ganar algo más, que es el sentimiento que va a permitir que esta imagen resuene con los espectadores. Ahora, aquí es donde la pintura se pone muy creativa porque soy yo quien consigue elegir cuál de estas miles de formas sale emergiendo. Y acabo de lanzar un filtro posterizado sobre él para evaluar mi progreso. El filtro posterizado me ayuda a ver tipo de las tendencias de mis luces y oscuras para ver si voy por el buen camino. Entonces eso es algo que puedes usar si trabajas digitalmente. Incluso si trabajas tradicionalmente, puedes escanear tus cosas, traerlas a la tienda de fotos y comprobarlas. Eso estoy en el buen camino aquí. A mí me gusta adónde va esto. A mí me gusta cómo se están fusionando los postes en el agua, surgiendo en las embarcaciones que se están fusionando en las casas. Incluso hay una indicación de cifras. Son una especie de fantasma dentro y fuera de las luces y los oscuros. Ahora sí quieres elegir las áreas clave donde tu silueta es muy clara. Mira el tercer barco arriba desde abajo. Esta zona aquí te das cuenta de que ese barco sigue siendo una boda sobre la forma de luz porque necesitamos algo a lo que agarrar como espectador. Entonces esa es una zona muy clara de silueta donde no hay absolutamente ninguna fusión de forma pasando . Esencialmente le dice a tu cerebro que esto es un barco y luego da contexto a todas las demás cosas que se pierde surgieron. Entonces estoy a mitad del cuadro aquí, que, por cierto, por cierto, me llevó alrededor de una hora y 1/2 de tiempo real a Dio. Y lo que me encanta de esta idea de fusionar formas y llegar con grandes áreas de luz y oscuridad es que te da una estructura de la que puedes depender para la totalidad del proceso de pintura. Ya sabes, no siento que esté adivinando ahora ya que estoy trabajando en esto. Me siento seguro de que el cuadro como diseño abstracto funciona y eso lleva a la convicción y la confianza de que cualquier cosa que haga dentro de esa estructura también es probable trabajo del pie. Ya sabes, creo que la parte realmente dura de la pintura es en realidad al principio cuando tu primera toma estas grandes decisiones que van a dictar el resto del proceso. Pero al mismo tiempo. Si no consigues tomar esas grandes decisiones desde el principio, sin duda te encontrarás con el problema de tantas formas que se arrastran a tu pintura. Ninguno de ellos parece tener algún propósito detrás de ellos, y vas a ir y venir y venir, y solo será una experiencia realmente frustrante para ti. Entonces otra vez, saber qué formas soy probable que me fusionen a medida que trabajo y saber cómo eso contribuye a una estructura general del diseño de imágenes, me da la confianza de tipo de crear libremente porque sé que mientras me adhiero a la estructura que me propuse para mí. Es probable que tenga una imagen exitosa al final. Y debido a que fusionar formas significa que pintas menos formas, en realidad puedes conseguir que una pieza de trabajo como esta se haga con bastante rapidez, lo cual en realidad es muy importante, sobre todo si eres un artista conceptual o algo así. Entonces aquí hay otra forma de pensar en las formas. Piensa en ellos como molestos, necesitados, llorando Niños en una guardería, todos clamando por tu atención todo al mismo tiempo, y quieres un poco de paz y tranquilidad. No obstante, sólo tienes la capacidad de satisfacer a tres de los Niños. Entonces, ¿qué le haces al resto de ellos? ¿ Lo harás? Sí, ¿entiendes la idea? 2. Episode 2: lenguaje visual: rompe tu reloj de bolsillo y tus pinceles porque es hora de otro episodio de 10 minutos para pintar mejor. Yo soy tu anfitrión subservil, Mark Obuchi. Como de costumbre, empecemos esto con una novela de lección corta. editor Shawn Coyne quisiera recordarnos que una vez que pierdes al público, es muy difícil recuperarlos. Y un poco de excavación en estadísticas brain dot com te dirá que el lapso de atención humano promedio es una friolera de 8.25 segundos. Sólo deja que eso se quede en la parte posterior de tu cabeza por ahora. De acuerdo, este episodio es sobre el lenguaje visual, que cae dentro del tema de la comunicación. comunicación podría ser en realidad el tema más importante porque, después de todo, eso es lo que es el arte. Para tratar el tema, examinemos lo que hace un escritor. Un escritor, como cualquier ser humano comienza con un montón de pensamientos, sentimientos y emociones. Ahora esas cosas por sí mismas son inaccesibles del dedo del pie en la audiencia. Por lo que el escritor utiliza su lenguaje de herramienta primaria para hacer tangible lo intangible. Y si los escritores algún bien, el resultado final contendrá un mensaje claro. Ahora, donde el escritor utiliza lenguaje verbal, nosotros como pintores utilizamos el lenguaje visual para comunicar nuestro mensaje. Pongamos aquí el mensaje de palabra sólo para que no lo olvidemos. Vale, ¿De qué trata esta pintura de John Singer Sargent ¿Cuál es el mensaje? ¿ Qué está tratando de mostrarnos? ¿ Son todos estos pinos? ¿ Es este tronco caído? No, claramente se trata de este tipo disfrutando de una sesión de pintura en el bosque. Es el punto focal de la imagen, y eso es lo que recordaremos al respecto. Aquí hay una pintura mucho más ocupada de Dean Cornwell, pero misma pregunta. ¿ Cuál es el punto focal? ¿ Cuál es el mensaje pretendido de Cornwell En una imagen poblada de gente? Es la interacción de estos dos lo que sobresalen. Este es el mensaje. Es por eso que Cornwell pintó este cuadro. Pero, ¿cómo sabemos eso? ¿ Cómo nos comunicaba Cornwell? Que este cuadro no se trata en realidad de estas baguettes? ¿ Cómo nos aseguró el sargento que miráramos a ese pintor y no nos distraigamos con todos esos árboles? El respuesta, en ambos casos es que utilizaron el contraste para ayudar a comunicar su mensaje. Ahora creo que muchos de nosotros podríamos pensar en el contraste como simplemente ser una cuestión de luz versus oscuridad. Pero ese es en realidad sólo un ejemplo de contraste, piense en el contraste como ser igual a cualquier tipo de diferencia cuando no hay diferencia en una imagen, todas las cosas el aire renderizado igualmente poco importante. Y eso es un problema cuando estás tratando de comunicarte. tanto que la construcción, en un poco de contraste, realza el punto focal y prácticamente garantiza una comunicación más clara con el público. Por lo que aquí te presentamos algunos ejemplos de contraste. Podemos empezar con la obvia, ah, ah, lectura de la forma ligera sobre la oscuridad. ¿ O qué tal las áreas de alta actividad versus las de baja actividad? ¿ Qué tal un marco lleno de cuadrados con un solo círculo en él? ¿ O qué hay de crear diferencia con textura versus no textura? Aquí hay una diferencia en los bordes. Duro versus blando. ¿ Qué tal una simple diferencia en la dirección de una forma? Y aquí una fueron un mayor grado de contrastes finlandeses contra áreas más escasas. Mirando hacia atrás al ejemplo de Cornwall, está usando un contraste entre áreas de alta actividad en la multitud, donde realmente nadie destaca frente a áreas de menor actividad. Para que estos destaquen, hay un segundo contraste que playas bien, sus siluetas son el área de mayor contraste, oscura sobre la vida, y así es como el contraste efectivo puede ser en la comunicación de un punto focal. Entonces sigamos adelante y sumamos contraste y punto focal a nuestras notas. Aquí te dejamos un cuadro de Meat Shaffer y un cuadro de Norman Rockwell. Estos son ejemplos de otra herramienta para el lenguaje visual que llamo dirección En la pintura de la carne Schaefer fueron dirigidos a través de la imagen por esta elegante y sencilla curva en C. Toda pieza importante del mensaje yace en esa curva. Schafer también está usando contraste aquí para asegurarnos de que específicamente prestamos atención a lo que estaban haciendo estos tipos. El cuadro de Rockwell emplea un tipo diferente de curva. En realidad, es una serie de estrechos que todos convergen en el punto focal. El hecho de que luego seamos arrancados del cuadro en tres direcciones diferentes amplifica el mensaje de esos chicos discutiendo. Otra cosa genial de la dirección es la naturaleza de la curva puede soportar el mensaje de la imagen. Las líneas rectas duras en forma de X enfatizan la tensión física en este cuadro, mientras que la sensual curva C en este cuadro casi romanticiza las acciones de los piratas. Muy bien, así que agreguemos la palabra dirección aquí, así que tenemos una bonita lista de cuatro herramientas para el lenguaje visual. Pero una cosa que no puedo soportar es un maestro que reparte una lista que nadie va a recordar. Entonces voy a hacer este palo al llegar con una buena abreviatura. Entonces vamos a ver. A lo mejor puedo empezar con la primera letra de cada palabra. ¿ Qué tal las dudas nublando futuro mo mentum? Dios, eso es horrible. No. ¿ Qué tal el Conde Drácula encuentra mejor a mamá, pero no. ¿ Quién? ¿ Qué tal las películas dirigidas por Ford Coppola? Eso es al menos eso es cierto. Pero pasado Sra. Hard, Tomemos un breve descanso y volvamos a ello. Oye, ¿ recuerdas cómo sólo tuvimos 8.25 segundos de atención? ¿ Sabías que un pez dorado tiene nueve segundos? Sí, es como si la raza humana hubiera sido engañada. Espera, eso es todo Engañado. Si me muestras una foto sin mensaje, me siento engañada. Entonces no por engañarme. Si engaña al público de un mensaje, los perderás. Y una vez que los pierdes, es muy difícil recuperarlos. Entonces, no me engañes de un mensaje. Implementar estas herramientas de lenguaje visual y ver cuánto más claramente se comunican tus pinturas . En consecuencia, se trata de bocetos de Praga, una de mis ciudades europeas favoritas, un lugar que sólo pide que se pinten. Y como puedes ver, no faltan cosas para hacer potencialmente el cuadro. Entonces tu primer trabajo es un pintor es decidir qué es esa cosa y luego proceder de ahí . Incluso una ciudad es hermosa. Es Praga necesita ser filtrado a través de estas herramientas para el lenguaje visual con el fin de llegar a una pintura cohesiva. Entonces para ir a pintar esto, estoy usando las mismas herramientas de lenguaje visual que acabo de mostrarte. Mi punto focal, que ya debería ser obvio, esos dos edificios en el tercero derecho que están separados a través de un contraste de forma. Y con eso quiero decir que hacen una forma que es diferente a las formas más pequeñas que las rodean. Y la segunda pieza de lenguaje visual que estoy usando es la dirección. Estoy usando una graciosa curva C vía ese río que envuelve justo alrededor del punto focal. Da a nuestro yo un camino a seguir, prestándole algo de movimiento a la paz y, creo que veo curvas aire bastante elegante, que pasa a ser perfecto para Praga, y probablemente notaste que establecí estas cosas enseguida. Fueron las primeras cosas en el lienzo, y eso es realmente importante para mí. Al menos mis pinturas más exitosas vienen cuando tengo una idea clara de lo que quiero decir y luego cómo quiero usar estas herramientas del lenguaje visual para decirlo. Y entonces el pincel simplemente fluye de manera más natural porque todo parece tener entonces un lugar. Ah, jerarquía. Ya sabes, podría dejar esto como un boceto rápido, que estoy haciendo aquí, o podría llevarlo a algo muy renderizado y terminado. Pero con estas herramientas de lenguaje visual en juego desde el principio, sé que mi mensaje no va a cambiar. De acuerdo, al siguiente boceto rápido, creo que voy a hacer de este un poco más basado en fantasía. Y lo que voy a hacer es ampliarme el lenguaje visual para eso. Entonces de inmediato, ese gran edificio nuevamente es el punto focal, y todo te va a llevar a eso. Entonces, ¿ves ese triángulo? Ahí es agua que acabo de bloquear. Eso es literalmente un dispositivo señalador que apunta directamente al punto focal. Además, es muy angular, lo que contrasta el punto focal muy circular. De hecho, creo que voy a tratar de hacer que el área de primer plano sea más angular como regla lo que ayudará a separarla o ayudar a que sea diferente del punto focal. Creo que la fantasía, por cierto, es una buena oportunidad para audicionar diferentes tipos de formas en el lienzo y realmente tratar empujar la diferencia entre círculos y formas de cabeza dura. Por ejemplo, eso es lo que nos lleva al reino de la fantasía, porque en la vida real las cosas tienden a ser un poco más similares en lugar de tan marcadamente diferentes. Entonces trabajaré ahora esta área de primer plano, y cuando haga eso, me aseguraré de hacer más formas angulares. Se pueden ver formas boxy y formas triangulares. Realmente me estoy absteniendo de usar círculos. Yo realmente quiero que los círculos estén en el punto focal también notaron los círculos aire en las nubes, así que cualquier tipo de en ese rango focal consigue círculos, y entonces todo lo demás obtendrá ángulos. Aquí está ocurriendo otra sutil pieza de dirección. El agua apunta y las nubes apuntan, y cruzan justo en los puntos focales. Esa es otra cosa que he diseñado en la imagen y sólo para terminarlo aquí, tres barcos , Claro, son ángulos también, porque pertenecen al primer plano. Y así como eso, hay boceto terminado. De acuerdo, hagamos una más. Volveré a un look más naturalista a este, y lo haré un tiro nocturno para que realmente pueda retocar algún contraste pesado, llevando tu ojo directamente a esos dos edificios en el medio. Y de nuevo, trabajo eso en muy temprano en el proceso, así que siempre estoy construyendo a partir de algo simple. Es muy difícil comenzar complejo y luego encontrar la simplicidad de que ese método realmente no funcione para mí. Aparte del intenso contraste, observa que aquí hay una sutil composición V, casi un ziff. Los dos edificios en el punto focal están enclavados en este valle, hecho a medida sólo para ellos. Y no sólo eso, sino que este cuadro también es muy vertical. A pesar de que es una composición horizontal, es muy vertical. Todo el aire del edificio apuntaba hacia arriba y hacia abajo. Eso ayuda a prestar la estructura de la pieza, que es perfecta para pintar edificios y sólo un recordatorio que el público no está destinado a estar al tanto de estas herramientas del lenguaje visual. Ese es nuestro trabajo como artistas. El público sólo quiere mirar un cuadro muy rápidamente, ser llevado a un punto focal y salir con un mensaje. Si eso sucede, ganas. ¿ Cuántas veces te ha pasado el siguiente escenario? Prueba A. Empezaste a pintar y te sientes genial. Va a ser tu mejor pintura aún, y entonces el tiempo corre su curso y obtenemos exhibición Nosotros ahora. No te preocupes. Esto no significa que seas un fracaso como artista. En mi experiencia, esto es el resultado de simplemente no pensar lo suficiente y por lo tanto no comunicar eficazmente su mensaje. Lo que hago es preguntarme, ¿Cuál es el mensaje? ¿ Qué trato de mostrar? Y una vez que tengas eso, puedes convertirlo en el punto focal y que todo lo demás lo apoye. Todos luchamos contra una tendencia humana natural a complicar más las cosas. Pero sólo recuerda la hermosa sencillez en los ejemplos anteriores. No sientas que tienes que incrustar la secuencia de Fibonacci en tus pinturas sólo para que funcionen. Hay una vez en la que absolutamente tienes que usar la secuencia de Fibonacci, sin embargo, y es cuando estás pintando un cuadro de un gato 3. Episode 3: pinceles digital: rompe tu reloj de bolsillo y tus pinceles. Es hora de Episodio tres de 10 minutos para mejor pintura Yo Soy tu Coherente Al editado anfitrión Mark Obuchi. Ya saben cómo funciona esto. El director escritor Andrew Stanton cree que el público realmente quiere trabajar para su comida. Simplemente no quieren saber que están haciendo eso. episodio tres es sobre la pincelada digital, que cae bajo el rubro de la música en la música. las posibles notas. Podemos jugar nuestro muy limitado, pero dentro de ellos confinamos variedad ilimitada, y en este episodio exploraremos cómo eso también es aplicable a la pincelada. pincelada casi puede ser algo peligroso de enseñar porque es un área fértil para expresión y la expresión, por definición, es personal. J C Line Decker ensayaría su pincelada, y esta página eventos es su deseo de que cada pequeño elemento sea diseñado y hermoso. pinceladas casi contables de John Singer Sargent nos dan una idea de la mente de un hombre que no se detendría ante nada en su búsqueda de una simplicidad irreductible y Jackson Pollocks. Los derrames maníacos son nada menos que las emociones de un hombre que vive dentro de la amplitud de un cabello de su cordura. El punto es la pincelada es donde anuncias quién eres. Considera esto. Si tocaras tu pincelada en Winamp, ¿cómo te quitaría la música a Theo? Aquí está la manipulación de la pintura impacta al espectador a nivel emocional, y eso es de importancia crítica. De acuerdo, ahora hablemos de pincelada digital. Ver el reto con la pintura digital es que tus puntajes de herramientas tradicionales son esencialmente todas reemplazadas por sellos simulados. Y mientras que los cepillos digitales sí vienen en todas las formas y tamaños y los motores de cepillo son cada vez más sofisticados. Esencialmente, con lo que estás lidiando es una forma que se repite una y otra vez. El cerebro humano es excepcionalmente bueno para detectar repeticiones. La repetición mata variedad y variedad es lo que necesitamos para hacer pinceladas convincentes. Y ahí es donde puedo ayudar. Porque si bien nunca te diría cómo debe verse tu pincel, te puedo apuntar hacia áreas que contienen variedad. Tengo una palabra para ti. Los bordes son como notas musicales en el sentido de que hay una selección limitada de ellas. De hecho, puse bordes en sólo tres categorías. Tarjeta suave, perdida y aquí está el secreto. Algunos objetos tienen bordes más suaves y otros objetos tienen más difícil a ¿eh? Oh, ¿ya conoces ese secreto? Bueno, realmente no cogí la ventana, pero ¿qué tal esto? ¿ Has considerado que hay bordes que rodean a cada objeto en los bordes de la pintura, exigiendo atención alrededor del perímetro de cada trazo de pincel que hagas? Y si no manejas esos bordes correctamente, tu pintura será aburrida. Y los matemáticos de todo el mundo todavía no pueden calcular el número de bordes en la pintura, ni siquiera una complejidad tan moderada. Se puede ver dónde están los retos así que aquí hay una escena sencilla que nos permitirá vislumbrar la creación de variedad con el trabajo de EJ. Ahora, por el momento, no hay más que bordes duros por todas partes. Todavía no hay variedad. Yo quiero algunos bordes duros, pero ciertamente no los quiero en todas partes, dicen los bordes duros al espectador. Yo lo he resuelto todo por ti. No hay trabajo que hacer aquí. Piensa en un borde duro siendo como golpear a alguien en la cabeza con un martillo, así que crearé nuestro primer borde suave con un aerógrafo. Pero no me gusta el aerógrafo digital. Hay algo estéril al respecto. El puntillista hizo bordes suaves al tener pequeños puntos tipo de sangrar una forma en la habitación contigua . Y tengo este pincel picante cuyo borde se ve así. Entonces, ¿qué pasa si uso ese cepillo sobre la parte superior de mi aerógrafo para agregar algo de variedad a este borde y hey, mientras estoy en ello todo suaviza las imágenes de esa manera en otras áreas a una forma totalmente diferente suavizar los bordes. Usando tiendas de fotos, cepillo mezclador. Y debido a que el cepillo mezclador tiene una sensación más suave, me parece particularmente efectivo contra los bordes suaves más texturizados que tengo ahí. Aquí. Estoy usando un cepillo de salpicadura típico, excepto que estoy apuntando a sólo un borde. Esto me da variedad adicional por cómo una forma puede contaminar otra forma, y seguiré adelante y probarla. Todo el tiempo que estoy haciendo lo de Winamp, y estoy tratando de escuchar cómo suena la música mientras estoy creando estos bordes. Nuestro gráfico de bordes de antes se dibuja en realidad a escala. El área de borde blando aparece más grande porque creo que en una pintura pictórica se trata mayormente de bordes blandos, y hay tantas maneras de hacerlo Aquí hay sólo unas cuantas notas. Se puede jugar con variedades de bordes suaves de borde suave. Diga, hay algo aquí, pero sólo te he dado parte de esta historia. Aquí puedes inyectar algo de tu propio significado. Aconsejo mucho manipular el borde alrededor de la silueta de los objetos. Observe que la mano del sargento no es un filo consistente yendo todo el camino. Entonces aquí está nuestro pequeño ejemplo, que ahora tiene algunos bordes duros y suaves aplicados. Ahora movamos los bordes perdidos del dedo del pie. Los bordes perdidos son tentadores. Los bordes perdidos son donde ya no se puede detectar dónde termina un elemento y comienza otro Es un misterio. Bordes perdidos Diga, he dejado esta zona sin resolver. Tienes que hacer el trabajo para que sea significativo. Volver a nuestro ejemplo. Preste atención a estas dos áreas. Esos bordes aire va a estallar de dedo suave perdido en 321 Bueno. Para que veas cómo con sólo trabajar esos bordes, podemos conseguir alguna pincelada digital musical, pincelada que hace que el público trabaje para su comida. ¿ Y puedo ayudarle, señor Stanton? Um, ¿ no crees que eso es un poco de autoservicio? Está bien, bien. Es el principio Stanton. ¿ Podemos simplemente pasar a la segunda parte? Por lo que en honor a la pincelada. Voy a hacer una pintura de pinceles en un estudio, y quiero decir de inmediato que a diferencia de la demo en la Parte Uno, donde empecé con bordes duros y luego me puse más suave, en realidad tiendo a trabajar de la manera inversa. Empiezo con bordes blandos y esculpido progresivamente bordes más duros en él. Ahora esa es solo una elección personal. Pero creo que es porque mientras orquestas bordes, recuerda que los bordes duros realmente atraen la atención. Por lo que me gusta ponerlos después, cuando sé exactamente a dónde quiero que vaya esa atención. Pero eso es más tarde. Ahora mismo estoy cambiando mucho mi pincel, y estoy haciendo todo tipo de diferentes variedades de borde blando como te mostré en la primera parte . Yo quiero tanto interés bombeado ahí temprano, y luego puedo esculpir con él. Ahora viene el aquí unos pinceles en estos frascos y los pinceles. Probablemente van a haber como 30 o 40 pinceles en este cuadro, pero no los voy a pintar todos con el mismo borde. Voy a estar seguro de usar de todo, desde duros hasta suaves bordes perdidos con el fin de mantener esos elementos en la pintura muy, muy interesantes. Y eso es porque si hacía bordes duros por todas partes, perdería mucha intriga y todo el misterio se habría ido. Todo se sentiría excesivamente resuelto y perdería tu interés porque no hay trabajo para que te diese. Entonces usaré el principio Stanton para asegurarme de que te estoy dando lo suficiente para que puedas completar la historia. Entonces lo que me gusta hacer es intentar darle al espectador suficientes bordes duros, cual de nuevo es como golpearlos en la cabeza sólo para que sepan exactamente cuáles son algunas cosas. Y entonces pueden extrapolarse de ahí y especie de dar contexto ellos mismos a los bordes más suaves y dar por completo su propio contexto a los bordes perdidos. Pero el punto es, necesitas usar todos esos bordes en concierto. Si no es como tocar el piano, pero sólo usar una octava será demasiado limitado. Por lo que volviendo al proceso de pintura, en realidad encuentro que mis pinturas empiezan muy rápidamente. Tengo una foto muy, muy temprano, pero luego se ralentiza bastante dramáticamente ya que entonces tengo la carga de trabajo de esculpir todos estos bordes y orquestar todos estos bordes y relacionar todos estos bordes. En realidad, para mí, los bordes son el tema, no sólo de esta pintura de cualquier pintura. Ideo no importa cuál sea el sujeto literal. Una persona, un robot, una escena de fantasía. No importa. Todavía necesito evocar esa emoción en un nivel abstracto, el nivel de pincelado. Entonces, ya sabes, cuando estaba aprendiendo por primera vez, todo se trataba del tema literal. Pero ahora en realidad dedico la mayor parte de mi tiempo evaluando mi pintura a nivel abstracto. Y hay una pregunta común que la gente tiene. Es cuando sabes que tu pintura está hecha por mí? Esa respuesta es cuando he evaluado a fondo literalmente cada pulgada cuadrada de ese lienzo . Conozco cada trazo de pincel. Ciertas cosas pueden suceder por casualidad. No digo que debas controlarlo todo, pero aunque algo pase por casualidad, necesito entender que está ahí y cómo está afectando esa música. De hecho, si vuelves al inicio de esta demostración, estoy estropeando completamente el lienzo con aleatoriedad, algo así como el equivalente visual de golpearme los puños en el piano, ya sabes, produciendo notas al azar, y luego encontraré el orden después. Observe el particular estilo de bordes suaves y perdidos en esa fotografía para que parezca una impresión en lugar de una persona real. Y estoy ahora en el punto en el que probablemente podría llamarse terminada la pintura. Es decir, ciertamente el dibujo y los valores y el color estaban ahí hace un tiempo, y desde entonces se ha suavizado y borde aquí duro en un borde. Ahí consigue un poco de variedad aquí. Este proceso en realidad podría tardar otra hora, pero me he dado cuenta de que cuando estoy metiendo mi camino alrededor del lienzo así, ese es un indicador bastante bueno. Ya terminé, y he aprendido a escuchar eso. Muchos artistas digitales se llevan sus problemas de pincel a Google y piensan que descargar un buen pincel que hará que sus pinturas sean mejores. Y si bien eso puede sonar razonable, es una falacia lógica. me encanta jugar con pinceles nuevos tambiénme encanta jugar con pinceles nuevos, pero recuerda, ningún pincel va a lograr la postura en principio para ti y la manera no quieres ese derecho. Hay un 1,000,000 de pinturas arriba por ahí, pero la autoexpresión sólo puede venir de ti. Si dejas que el software se apoye, estás en peligro de componer música estampando la misma nota una y otra vez. Y ese es el tipo de autoexpresión que podría llevar a un papel más cumplidor. Uh, en el D. M. V. 4. Episode 4: buenas formas: rompe tu reloj de bolsillo y tus pinceles. Es hora de que Episodio cuatro de 10 minutos para mejor pintar yo y tu fecha límite empujando anfitrión Mark Obuchi. Vamos a meternos en ello, ¿sí? Dice el guionista Aaron Sorkin. Me río cuando la gente pregunta si alguna vez consigo el bloqueo de Writer. bloqueo del escritor es mi posición predeterminada. En este episodio estará mirando buenas formas, un tema que se puede encontrar en el capítulo más amplio de legibilidad. Leemos imágenes mucho de la misma manera en que leemos palabras como cómo una serie de marcas abstractas forman una secuencia de palabras que juntas proporcionan significado. Un cuadro hace justo lo mismo Onley con formas en su lugar. Y las buenas formas son las que construyen buenas pinturas. Considero que este cuadro de J. C. Lyon Decker es un buen cuadro y una de las principales razones por las que creo que es porque está lleno de lo que considero de buenas formas. Pero no quiero adelantarme. Tal vez te estés preguntando, ¿Qué quiero decir exactamente con formas? Bueno, probablemente el tipo de forma con la que todos estamos familiarizados es esta. El contorno o siluetas de silueta, o tal vez el primer tipo de forma. Reconocemos a sus Hijos, pero cuando estamos pintando, tenemos que lidiar con muchas, muchas más formas que solo la silueta. Al igual que, por ejemplo, esta forma responsable de definir parte de la luz azul que está cayendo sobre su rostro. O esta forma, que contiene parte de la luz cálida que viene de ese partido. Esta forma en realidad se encuentra entre dos cosas. El elenco, la sombra de la oreja y las patillas. Aquí hay una forma de luz en la parte inferior del ala del sombrero, y aquí está su forma homóloga para la sombra del mismo objeto. Aquí tienes una pequeña forma de destello en la barbilla, y aquí tienes esa misma forma. Onley invertido, maquillando la ceja. De acuerdo, por favor sígueme a este cuadro de Walter Everett. Este es un poco más sutil, pero hagamos la misma forma, aislamiento, ejercicio. Aquí te presentamos tres formas responsables de que la luz ambiental caiga sobre el vestido de la mujer. Aquí hay dos tipos de formas puntiagudas responsables de parches del paisaje, y aquí hay una forma vecina también responsable de parte del paisaje. Y vamos a acercar rápidamente para atrapar unas cuantas formas más suaves como esta de aquí que pertenece al plano lateral del rostro de la mujer, esta sutil forma de luz en la manga del hombre. Y por último, esta forma de sombra bajo la mandíbula de la mujer. OK, antes de avanzar más allá, ¿cuántos de ustedes han escuchado este viejo adagio? Esas tres palabras a menudo se transmiten su sabiduría, pero para mí son un poco crípticas. Es decir, si la pintura es como una receta que requiere formas, valores, bordes y color. Cuando mezclamos esos ingredientes, ¿de qué necesitamos exactamente menos? Trata de tener en cuenta esa pregunta mientras continuamos con esta lección. Muy bien, Así que estas son todas las formas que aislamos hace un minuto, además de solo unas pocas más para llenar la página, y las he re escalado también. Aparecen ahora más o menos del mismo tamaño. Entonces veamos estos y veamos si podemos llegar a algunas observaciones. ¿ Hay algo aquí que te salte tal vez sea? Lo más grande que noté es que estas formas son abstractas, es decir, por sí mismas. No tienen ningún significado inherente, pesar de que hace un momento parecían ala de sombreros o luz y sombras en rostros órbitas del paisaje. Cuando los ves por sí mismos así, realidad no se ven como ninguna de esas cosas. De una manera extraña, es casi como si el pintor estuviera hablando un idioma diferente al de la imagen. Está bien, mantengamos nuestros sombreros detectives puestos y hagamos algunas observaciones más. ¿ Qué tal lo simples que están ahí todas esas formas, no intimidatorias. Seguro que cualquiera de nosotros aquí podría dibujar cualquiera de esas formas. Pero, ¿por qué es tan difícil pintar entonces? Antes de continuar con esta investigación, creo que deberíamos tomar algunas notas. Cuando vi estas formas por primera vez, supe que estaban preocupados. Una cosa era cierta, sin embargo. Deben ser buenas formas porque formaban parte de buenos cuadros. Pero eran tan abstractos. También se veían tan simples, tan fáciles de dibujar, como cualquiera de nosotros podría hacerlo. Simplemente hay algo tan intencional en ellos. En caso de Diseño es tan claro en. Mira esto. Incluso si alejamos el zoom en la tienda de fotos, las formas todavía, todavía leen con claridad, incluso a distancia. Está empezando a juntarse, pero todavía necesito más. Ah, ese fue un gran almuerzo y ahora vuelve al video. Y, oye, ¿quién dejó este cuaderno aquí? Cuando estés pintando, intenta pensar en estas tres marcas básicas. Ver curvas s curvas y estrechos con curvas cie, s curvas y estrechos. Puedes dibujar o pintar cualquier forma y pegarte a sólo esos tres te ayudará a ser consciente de exactamente la forma que estás haciendo. Y ahora, mirando hacia atrás a estas formas, debilitarse, hacer algún análisis más profundo. Toma la forma en la parte superior derecha, Por ejemplo, me gusta mucho cómo se diseña esta forma. Se trata de una forma elegante, hecha por esencialmente para ver curvas, cada una teniendo un flujo ligeramente diferente. Aquí hay una forma mucho más nítida, y predeciblemente, está hecha en su mayoría de rectas, y estas dos curvas de pequeña vista ayudan a romper ese patrón y darle tal vez un poco más interés. Esta es una forma interesante. Un lado es una curva S muy simple, y el otro lado es más complejo, hecho de estrechos más pequeños y ver curvas. Ya sabes, realmente desearía que hubiera algún tipo de tablero de la Autoridad Superior de Arte que pudiera certificar tus formas, pero no la hay. Tienes que ser tu propia forma, detective, y estos cuatro criterios son un buen lugar para empezar. Ya ves, es demasiado fácil descuidar esta lección y hacer una forma que es demasiado importante para sí mismo. Llenar un lienzo con esos y se siente como un desagüe obstruido. Se pueden evaluar las buenas formas por lo bien que conservan su diseño cuando llenan un lienzo. Entonces si me cojo haciendo una forma como esta, intentaré rediseñarla, usando curvas y estrechos de los buscadores para sacar un poco mejor su identidad inherente. Y ahora que he llegado a una simple declaración, tal vez Aiken diseñe de nuevo en alguna de esa complejidad y no caiga en la trampa de simplemente tratar de copiar de la naturaleza. La naturaleza no tiene obligación alguna de proporcionar buenas formas. Ese es tu trabajo. A veces la naturaleza te alimentará cuchara con formas sencillas y legibles de billetes de dibujo. Pero la mayoría de las veces, sí, va a haber algún trabajo a dio y de experiencia personal. Se trata de convertir las formas en menos para que juntos puedan comunicar mawr. Así que anímate. Aaron Sorkin, no estás solo. Nosotros los pintores quizá no tengamos bloque de escritor. Tenemos, no sé, disfunción de forma, disfunción de forma, pero encontremos consuelo en el hecho de que todos sufrimos juntos, y podemos trabajar en ello juntos a Ok, Sí, eso es algo mejor . Bueno, buena suerte con eso. El resto de nosotros nos estamos moviendo a la segunda parte. Este autorretrato de John Singer Sargent se ve muy sofisticado, y lo es. Pero quiero mostrarles cómo con buen diseño de forma es la columna vertebral de su pintura. Tú también puedes aspirar a este nivel. Voy a montar nuestro espacio de trabajo, y lo primero que voy a hacer en este estudio es descomponer las formas. Las formas más grandes suelen ser las más obvias, como esta pieza de luz que cubre la mayor parte de su rostro. Aquí hay una gigantesca forma de sombra responsable de todo el lado de la sombra. También sólo una nota rápida. Mira nuestro lienzo. Todavía no estoy tratando de usar ningún valor. Yo sólo estoy mirando la forma, Así que aquí hay una forma realmente simple para el cabello. Aquí hay una dispersión de formas de medio tono. medios tonos generalmente son los responsables de acercar la luz a la sombra. Estos airean las formas más destacadas en la cabeza. Esta forma en realidad sí se ve como un ojo, y eso se debe a que es una forma para todo el ojo. zócalo y estructura del globo ocular. Aquí te dejamos una forma muy sencilla para el cuello. En luz. Esta forma de aspecto de esposas es la barba en sombra y última a la sombra del cuello y la barba en luz antes de seguir adelante con esta demostración. Recuerda antes en este video, dije que es casi como si el pintor hablara un idioma diferente al de la imagen. Hacer un estudio como este refuerza lo que quiero decir como pintor, hay que entrenar tu ojo para ver no el objeto literalmente, sino las formas individuales y el diseño de esas formas que lo forman. A lo mejor como un chef podría parecer un platillo y de inmediato comenzar a ver los ingredientes que entraron en él. De acuerdo, seguir adelante fue testigo de la magia, ya que ahora reconstruyo esas formas. Pero en el orden correcto y con valores correctos y lo que tenemos ahora, señoras y señores, es el cuadro. No está terminado, pero la información crítica está todo ahí ahora, y mi objetivo para esta lección es darles un aprecio de la importancia. Cada una de esas formas tiene que conducir aún más este punto a casa. Alejemos nuestro estudio como recordarás de la Primera Parte. Son en gran parte esas buenas formas las que están tirando de los pesos y haciendo que esta imagen se lea, y también quiero decir rápidamente que sí, los valores también son muy importantes. Pero sí creo que las formas y los valores son dos lecciones separadas. Por lo tanto, mantente atentos para un futuro episodio sobre valores. Y hablando de episodios, lo que estoy haciendo ahora es recordar lo que hablamos en el Episodio tres sobre pinceladas y bordes. Todo lo que estoy haciendo es tomar las formas que acabo de diseñar y determinar cuáles son los bordes entre cada forma. Para que veas, puedes compartimentalizar primero estas formas de procesos y luego bordes más tarde. Y sí recomiendo estudiar de esta manera, aunque al principio signifique trazar formas directamente fuera de la fuente. rastreo tiene una connotación sucia a veces. Pero cuando se trata de estudiar, sobre todo si eres nuevo en esto, trazar y analizar formas de una pintura es una gran manera de familiarizarte con el lenguaje de las formas. Y entonces puedes desafiarte a esta etapa del proceso, que está determinando el borde sin perder esas fuertes formas subyacentes. Es muy común ver a un estudiante empezar con formas decentes, pero luego perderlas en el proceso de. Y no me gusta esta palabra mezclar. No me gusta la palabra mezclar porque por alguna razón parece captar la atención de la gente mawr de lo que merece. Tu atención debe estar en las formas, no en la mezcla. De hecho, hay muchos estilos de arte impresionantes que no tienen mezcla en absoluto. Todo son solo formas duras, y supongo que por eso le pongo tanta importancia a la forma. Es porque no importa cuál sea tu estilo, tus formas juegan el papel más importante en la calidad. Me gustaría tomarme este último momento para hablar de cómo creo que aprender artes es único, y es cuando pensamos en aprender, tendemos a aceptar la idea de que las cosas empiecen con facilidad y luego se vuelven complejas a Mawr y Mawr tiempo. Pero, ¿estas formas te recuerdan algo? Me recuerdan estar en el jardín de infantes y experimentar pura alegría por el concepto de formas . Nosotros solíamos hacer todo con formas. Nosotros los cortamos. Nosotros los dibujamos. Jugamos con ellos. Aprendimos todos sus nombres. Creo que lo que yace en el corazón de la pintura es un deseo de volver a la infancia y tal vez mezclarlo con alguna de la experiencia de vida que ganamos como adultos, y eso es todo, si me preguntas, es todo un profundo y cosa hermosa por la que luchar. 5. Episode 5: armonía de colores: rompe tu reloj de bolsillo y tus pinceles porque es hora de que Episodio cinco de 10 minutos para mejor pintar. Yo soy tu anfitrión itinerante, Marco BuTi. Vamos a rodar tropezar con la primera parte. Deberíamos saludar al ganador múltiple de Preda West Morgan y Sling. Cuando se le preguntó sobre su mezcla de colores , dijo Morgan no sé qué estoy mezclando los colores en mi paleta son como un piano, y solo estoy golpeando las teclas. De acuerdo, aprecio la perspicacia, Morgan, pero eso no me ayuda del todo este entrenador. Oh, mira, es el artista de acuarela de renombre mundial Buck Fitch de Joseph. A lo mejor puede escatimar algún conocimiento sobre el color, dice. No miro los colores de mi paleta. Ahí hay un lado cálido, un lado fresco y unas pocas probabilidades y termina en el medio. Ahora tal vez soy solo yo, pero ese consejo suena como si viniera de gente que no sabe usar el color. Pero esa es una pintura de Morgan y cabestrillo, y esa es una pintura de Joseph Buck Fitch, y los colores en ambos son hermosos. La lección de hoy es sobre el color, la armonía y el color. La armonía suena intimidante. Siempre me llamó la atención es una de esas teorías de color de las élites que un estudiante humilde como yo nunca sería capaz de entender. Y había un núcleo de verdad en la forma en que Weiss Lincoln un Buck Fitch hablaba del color hace un momento en el sentido de que sólo hay algo indescriptible sobre el efecto de estos colores que tienen juntos. Pero a pesar de eso, no vayamos más lejos sin tener una definición de trabajo de armonía de color. Bueno, sabemos de qué color es. Entonces busquemos armonía, verdadera armonía rápida. La combinación de notas musicales sonaban simultáneamente para producir un efecto agradable. Entonces, sólo cambiemos esa palabra ahí. Y estas dos palabras aquí y que estaban ahí. Y ahí lo tenemos color, armonía, armonía, la combinación de colores simultáneamente exhibidos que producen un efecto agradable para lograr la armonía de color. Lo primero que tenemos que hacer es superar nuestro limitado conocimiento del color. Todo el mundo suena. Ahora bien, ¿de qué color es este? Excelente. ¿ De qué color es este? Muy bien. Esto Ok, eso fueron toneladas de diversión. Pero tristemente, entender los colores por sus nombres es en realidad bastante limitante. Y para demostrar que voy a tomar este reloj de gracia de color y pintarlo en este paisaje de dolor de Edgar . Y cuando haga eso. Sucede algo gracioso que el gris de repente se ve un poco anaranjado, y cuando subo su valor ligeramente por lo que cabe aquí, no se parece para nada a naranja. Y sólo para referencia, ese era el mismo gris. Acabo de cambiar el valor. Entonces, ¿cómo una diferencia tan minúscula en el recolector de color resulta en una diferencia tan masiva en la pintura? El motivo es que Grey se comuniquen entre sí. Se ve colores puros saturados como este tienen un momento muy difícil comunicarse. Se sienten más como una fiesta ruidosa donde todos gritan. Aquí hay otro intento de esa pintura, sólo que esta vez con versiones er grises de esos colores. Espero que puedan estar de acuerdo en que esto por sí solo está produciendo un efecto más armónico. Pero ahora tengo que explicar por qué es eso. Necesito llegar a una imagen genial que todos van a recordar. Eso es todo. Estamos justo en sincronía con la nueva película de Star Wars, así que tomemos el Halcón Milenario. Pero no cualquier Halcón Milenario. Este es el modelo 2017 con una rueda de color sobre él. Eso es impresionante. Y necesitaré un capitán para este ejemplo, así que usaré Jar. Me refiero a Han Solo. El trabajo de Han Solo es asegurarse de que todos estos colores y la alianza rebelde se estén comunicando sus planes entre sí. Como vimos antes, todos estos colores están gritando ahora mismo, y no se puede comandar una nave rebelde con ese tipo de caos. Entonces, ¿qué hace Han Solo? Él acerca los colores para que ya no tengan que gritar. Cuando los colores aire menos saturados así, comienzan a hablar entre sí. Y, como con cualquier conversación, ganan un terreno en común. ¿ Y cuál es ese terreno común? Bueno, respecta a la armonía de color, es que todos los colores se airean ahora basados en grados relativos de gris. En este ejemplo, los colores están todos en el mismo nivel relativo de gris. A lo mejor algo así en nuestro Halcón Milenario. Esto está bien, pero no tiene que ser igual así Si ahora hice esto y traje algunos colores más saturados que están en capas encima de esos pastos comunes. Observa la transición ya que los colores saturados que alguna vez eran demasiado ruidosos ahora llevan peso real en esta conversación de color. Aquí está eso, dijo Joseph, pero pintar peces otra vez, y específicamente quiero mirar esta zona aquí. Hay una conversación muy sutil entre naranjas y azules que conforman esa pared ahora, podría estar diciendo. Pero Han, ¿cómo sacó eso de naranja y azul en extremos opuestos de la rueda de color? Bueno, empezó con un color anaranjado y probablemente usó la fuerza para traerlo aquí. Y mantén los ojos aquí arriba, también, ya que trazo estos colores en la pintura real también. De todos modos, esa primera elección de color que haces en realidad no es tan relevante todavía, y eso se debe a que está completamente sola. No es hablar con nadie, así que vamos a invitar a otros colores a la conversación. Una cosa que puedes hacer es agregar sutiles variaciones en ese color. Este tipo de inicia la conversación, y es bastante fácil de dio. Este es un buen comienzo, pero quizás no quieras que el color solo exista en un lado de la rueda de color así. Hay mucha oportunidad de llevar la conversación 20 aquí, y a mi juicio trae sólo dos colores más para hacerlo. Por lo que vigila la rueda de color. Este color empieza a hablar con el blues moviéndose hacia ellos, y entonces este color realmente completa el viaje hacia el blues. Ahora, para estar seguro, esos aires muy grandes colores. Pero esta pintura demuestra que nuestros ojos son extremadamente sensibles a estos cambios sutiles. Ahora alejemos el zoom y notemos una capa más de armonía de color. Está acentuando esos grises mediante el uso de versiones muy saturadas de ellos en los barcos de abajo. Creo que este es un movimiento brillante porque ahora esos colores se airean hablando entre sí a través múltiples objetos todo el marco y utiliza una amplia variedad de grises para realmente llenar la conversación de color. Ahora recordemos la pintura Morgan y cabestera. Si bien esto está pintado en un estilo diferente y en un medio diferente, construye su armonía de color de la misma manera. Por ejemplo, estoy seguro de que tus astutos ojos ahora pueden detectar que algunos de esos grises azulados y la colcha están hablando con esos rojos en el vestido de la niña. Y, mirando hacia atrás a nuestros relojes Grace, creo que ahora podemos apreciar lo que estaba pasando aquí. El motivo de pastoreo similar puede verse tan diferente es porque están teniendo dos conversaciones diferentes . El gris en las sombras que luce como naranja se ve así porque estaba hablando con blues. El otro gris se ve casi azulado en su contexto porque estaba hablando con estos colores y, bueno, era la parte más azulada de esa conversación. Entonces creo que deberíamos darle a nuestros dos amigos aquí un pase sobre sus comentarios vag sobre el color antes. todo caso, ahora deberíamos tener apreciación de horno mawr por algunas de las imágenes esotéricas que los pintores tienden a invocar al hablar de color. Esta es una de mis pinturas que construye su armonía de color, utilizando las mismas ideas que acabamos de ver en la Primera Parte. Y lo voy a recrear ahora para demostrar cómo voy a construir estas armonías de color desde cero. Ah, y Hans Solo estuvo aquí para proporcionar un seguimiento de actualización en vivo de mi paleta a medida que voy. Lo primero que noté es que todo esto sucede en especie de movimiento fluido. No es como la Primera Parte, donde podría descomponer ciertas partes del cuadro y aislado. Te darás cuenta cuando pinte esto, lo intento y lo rudo muy rápido. Algunos grises y algunos colores a lo largo de todo el lienzo para especie de ver qué conversaciones aire iniciando y luego como pintor, puedo tamizar a través de ellos y elegir cuáles quiero nutrir y cuáles no quiero en absoluto. Y es por eso que no te estoy mostrando el recolector de color porque, como también vimos en la Primera Parte, el mismo color puede verse radicalmente diferente en función del área de la pintura en la que se . Entonces por esa razón, es mucho más importante usar tus ojos y confiar en tus ojos. Rob. Evento Alguna lectura digital Uno de los colores más fuertes de esta pintura es ese color turquesa , y te das cuenta de lo que intento hacer es que estoy tratando de llevarlo desde el cielo en el fondo, hacia el cabeza e incluso en el puente, y como que se hace mayor con cada paso sucesivo. Entonces es mi forma de hacer lo que es un centavo lo lanzó antes, llevando un color a través de la pintura. Es como que me recuerda cómo los músicos pueden tener variaciones sobre un tema como forma de atar una pieza musical en la pintura. Se trata de variaciones sobre cierto color pasando por diversos niveles de gris y lo que eso hace es que sólo tiene este efecto armonizador unificador. Ahora. Esto no es una fórmula, porque cada pintura requerirá diferentes colores, diferentes paladares, diferentes niveles de gris. Entonces este es solo un concepto amplio que podría ayudarte realmente a mejorar tus imágenes impactan con color, y solo me gusta reiterar un mensaje de la Primera Parte. El motivo por el que este cuadro se ve colorido no es porque haya muchos colores saturados en él. Hay algunos, pero lo que realmente está pasando es que he puesto la escena con un como un murmullo de conversación de con pastoreo múltiple. Y entonces lo que puedo dio en base a mi propia estética artística es que puedo elegir a cuál de esos colores quiero llevar hasta el final, como saturación completa. Entonces en este caso, he elegido ese color turquesa para ser el color más saturado, seguido de algunos de esos greens. Y entonces tal vez el amarillo sería tercero. El resto de colores en la pintura el naranja son los morados, por ejemplo. Existen en versiones er grises. Y por supuesto, cuando digo eso, me refiero a grados relativos de gris, como hemos visto y sólo una última nota sobre proceso, me parece que comenzar en color más que en blanco y negro realmente te permite incrustar y construye y descubre tu armonía de color ya que también estás construyendo tus formas y valores y bordes, dando tiempo a tus colores para que jueguen así, igual que una conversación real es una gran manera de encontrar todos los matices y en última instancia vienen fuera con el significado más fuerte posible. Me encanta el color. Pero si me pidieran hacer una lista de fundamentos de pintura por orden de importancia, esa lista podría verse algo así. El gran dibujo número uno Puedes pintar Onley tan bien como puedes dibujar. Puedes referirte al Episodio cuatro de esta serie para obtener alguna idea sobre dibujar buenas formas. Número dos. En realidad, esto debería ser el número 1.5 valores. Estas dos cosas van realmente de la mano, y voy a hacer un futuro episodio en Valores Número dos es bordes, y hablamos de esas en el Episodio tres de esta serie. Ahora podrías ser como, Oye, no dejaste ningún lugar por color. Bueno, para mí, color encaja así, y eso es porque el color no lleva el mismo tipo de carga que dibujando valores y bordes hacen el color es la parte subjetiva de la pintura que, en mi opinión, es mejor cuando está enriqueciendo un cuadro que ya funciona. Y espero que esta lección les haya dado algunos conceptos para explorar en sus viajes alrededor de la rueda de color. Ya saben, hablando de redondo, ¿ han escuchado esta loca teoría de Internet de que la rueda de color no es en realidad redonda sino plana? Quiero decir, vamos, dame un respiro. Evidencia de alrededor de rueda de color está en todas partes. Quiero decir, incluso software gráfico líder en la industria. Adobe Photoshopped está de acuerdo. El color de la rueda es. 6. Episode 6: luz y sombra: rompe tu reloj de bolsillo y tus pinceles. Es hora de que Episodio seis de 10 minutos para mejor pintar I Am Your Cyber Lee gregarious host Mark Obuchi. Vamos a sumergirnos justo en la lección, dijo el dramaturgo August Wilson. Cuanto más simple lo digas, más elocuencia es. Este episodio trata de Luz y sombra, que cae dentro de la categoría de valores. Valores, por supuesto, se refiere a la escala de grises entre blancos y negros. Ahora, cuando vemos el trabajo de grandes pintores como Frank Frizette, Assault Tepper, John Singer Sargent, la calidad de las luces y las sombras le da a sus pinturas una dimensión real, como si estuvieran a punto de pop justo fuera del lienzo. Y cuando me quito el color, el efecto de la luz sigue siendo igualmente fuerte. Ustedes recuerdan Episodio cuatro justo donde hablamos de lo buenas que son las formas. Parte esencial de hacer buenas pinturas en esta lección será conectar nuestras formas con algunos valores. Y digo algunos valores porque una buena pintura no trata la escala de valor como un todo lo que puedes comer buffet. Si nuestro objetivo es pintar la luz y la sombra, tenemos que ser muy conscientes de nuestra forma, valor, conexiones y esta lección se centrará en sólo tres valores. Tres valores que considero esenciales de entender. Dos de esos valores describirán la luz, y un valor describirá la sombra. Entonces arreglemos un bodegón rápido . ¿ Qué tal una pelota sentada en un piso? De acuerdo, ahora necesitamos una luz y estamos sin pagar. Pasante encenderá la luz. Oye, ve a buscarme un café. ¿ Lo harías rápido? Me estoy muriendo aquí. Me encantan los pasantes. Entonces de todos modos, son la naturaleza muerta solo está esperando que pintemos algo de luz y sombra. Primero tendremos que encontrar algunas formas de luz y sombras, y luego tendremos que conectar valores con esas formas. Pero antes de hacer eso, hay una lista de chequeo de cosas fundamentales que necesitamos saber. En primer lugar, ver todos esos polígonos. A esos se les llama aviones. Los aviones tienen una orientación muy específica en el espacio. Se pueden armar planos juntos para entender la forma tridimensional, lo cual es útil cuando qué? Ah, ¿lo haces? Si eres tan inteligente, ¿por qué no solo eres concursante en lo nuevo? ¿ Prepara tus dedos tocando? Aquí hay pregunta. Los valores de una sombra son lo que entonces podría valores Vale, contemos las respuestas más oscuras. Por supuesto, la mayoría de ustedes lo clavaron. Cuando estás pintando luz a la sombra, tu trabajo número uno es mantener a los dos separados. Por ejemplo, los valores de sombra en este presente un cuadro están todo camino aquí abajo. Y por el contrario, la luz valora las vías respiratorias aquí arriba. Exploraremos un poco más tarde cómo hacer esto realmente ayuda con claridad. Pero ahora pregunta a generalmente la luz viaja en líneas en blanco. Sé que sientes esto. A ver qué tienes. Eso es correcto. En términos generales, mis viajes por el aire en líneas rectas, fenómeno tan confiable que la mayoría de nosotros lo probamos en la clase de ciencias de quinto grado. De acuerdo, éste es para todas las canicas. ¿ Cuántos tipos de sombras hay? La respuesta final es que sigo buscando patrocinadores. Entonces en sombra, hemos proyectado sombras y formas sombras, y esta pintura Sargento tiene ambas formas de aire dos de moldes. Sombras proyectadas ocurrieron donde se bloquea la luz. Miremos la nariz La luz viene de esta dirección, y debido a que la nariz tipo de salta fuera de la cara, bloquea la luz, y lo que obtenemos es una proyección de la forma de la nariz sobre la cara, así que elabora las sombras adoptan la forma de lo que les está causando forma. Las sombras, otro lado, ocurren cuando los planos se alejan de la luz, y la forma resultante está determinada por la disposición particular de los planos en esa zona . Por lo que retrocediendo a nuestra naturaleza muerta con nuestra selección de valores y nuestra lista de verificación de fundamentos, ahora podemos agregar luz y sombra. Y recuerda, sólo voy a usar tres valores. El primer valor le dirá al espectador todo lo que está en luz, así que elegiré el valor que es luces bonitas como esta. Y debido a que las luces que vienen de arriba, sólo puedo encontrar cada avión que señale y darles todo ese valor. Este avión Rove es complicado. ¿ Están apuntando hacia arriba o no? Voy a decir que sí y darles el mismo valor. Por lo que cada avión que estaba frente a las luces recibió un valor promedio. De hecho, yo llamo a ese valor luz promedio. Ahora le daré exactamente el mismo tratamiento a las sombras, pesar de que aquí hay dos sombras, la sombra de forma en la esfera y la sombra proyectada en el suelo. Voy a fusionarlos como una sola forma. Ahora elegiré un valor que esté claramente separado de mi valor medio de luz como éste , y lo rellenaré. Este valor de sombra promedio se llama lo adivinaste sombra promedio. Ahora, antes de mostrarles el tercer valor, reflexionemos sobre sólo estos dos. Se ven un poco simples en una esfera, pero la sencillez es exactamente el punto. Esta figuras las formas de luz y sombras son más complejas que las esferas, pero eso no significa que tus valores tengan que complicarse más. Un poco de edición revela que Frizette está haciendo la mayor parte del trabajo con solo luz promedio , una sombra promedio. Una edición similar en estas pinturas también revela el mismo alto contraste con el principio de valor. Pero no siempre se requiere un alto contraste. Sargento logra una sutileza notable aquí acercando sus sombras a las luces pero aún así debilitándose. Deconstruirlo para ver formas simples de luz media y sombra media proporcionando la base. De acuerdo, así que aquí está nuestro valor final del día. ¿ Recuerdas esta fila de aviones que apenas se enfrenta a la luz? A menudo es útil reservar un valor para describir eso, así que elegiré de valor. Eso es un poco más oscuro que nuestra luz promedio. Esto va a funcionar y lo voy a llenar. Este valor se llama medio tono. Puede mostrar donde las luces transitan a la sombra. Tengamos de nuevo esta pintura de Sargento. Ya hemos mirado la fuente de luz y las sombras, así que vamos a identificar los otros dos valores. Podemos sacar un valor de luz promedio de esta amplia área. Esos valores rondan por aquí en nuestra escala de grises. Ahora tenemos toda una tonelada de valores de los que elegir 1/2 tono. Entonces, ¿cómo podemos mantenernos controlados aquí y no tratar la escala de valor como un buffet todo lo que puedes comer ? Bueno, recuerda que las sombras son más oscuras que las luces, y queremos que sea muy claro sargentos El consejo es ignorar los valores que están cerca la sombra y en su lugar elegir un valor más cercano a la luz promedio. Así que mira la pintura. Aquí te dejamos unos aviones de medio tono. Recuerda los aviones de medio tono, aire sigue mirando hacia la luz pero empezando realmente a alejarse de la luz. Voy a desvanecer eso ahora para que puedas juzgar cómo los medios tonos airean apenas un paso más oscuro que luz promedio antes de que los valores se sumerjan en la sombra. Ahora la cabeza humana es mucho más compleja que una esfera. Por lo que quiero que conozcas a mi amigo del arte Theus, Aro Head. Ah, elenco de 360 grados de las llanuras de la cabeza. Usar algo como esto es referencia. Puedes ir más allá de una esfera simple e intentar recrear diferentes situaciones de iluminación en la cabeza desde tu imaginación. Con suficiente práctica, encontrarás que puedes decir mucho con estos tres valores simples y cuanto más simple lo digas . Agosto Wilson. Ya lo tienes. Bueno, ese es el final de la primera parte. Aceptar algo se siente incompleto. ¿ Qué podría? Ah, sí, ¿Dónde está el pasante sin sueldo con mi café? Entonces aquí hay una fotografía de mí realmente luciendo siete años más joven, y quiero mostrarles cómo pueden tomar esta lección y aplicarla a estudiar a partir de una fotografía. Estaré viendo los probablemente cientos de valores que existen en ese cuadro y reduciéndolos a solo tres. Eso significa que voy a estar perdiendo mucha información aquí. La vida real tiene más de tres valores, pero una gran parte de la disciplina de un pintor es la idea de simplificación bajando a los huesos desnudos de lo que hace que la forma y las luces funcionen, Así que usar una foto totalmente detallada y simplificarla es un gran manera de construir esa disciplina . Uno de los beneficios de tener solo tres valores con los que trabajar el dedo del pie es que en realidad puedes empezar a dibujar con pintura. Probablemente notaste que no empecé con un dibujo de línea. Entré directo ahí con mis tres valores. Y actualmente los estoy moviendo alrededor, pintando sobre ellos, ajustando mis formas mientras buscaba esa forma y luz claras. Ahora, mi objetivo aquí no es una semejanza de retrato. No estoy tratando de copiar la foto. Terminará luciendo algo como la foto. Pero más que nada, lo que voy a buscar es una declaración general de cómo esta serie de aviones está interactuando con la fuente de luz. Entonces cuando haces estudios como este, estás practicando tanto tu iluminación como estás dibujando. A pesar de que no hice un dibujo de líneas, todavía estoy dibujando formas ahí, solo formas de valor. Hacer buenas formas es crítico. Por lo que los estoy refinando constantemente. Ya sabes, no estoy tratando de hacerlos bien la primera vez. Seré el primero en admitir que nunca consigo mis formas bien la primera vez Pero una gran parte de estudiar es poner algo abajo. Ver dónde está apagado y luego ajustarlo. Y tener sólo tres valores para elegir es algo así como un salvavidas que mantiene tu cabeza siempre por encima del agua en lugar de ahogarte en el mar de cientos de posibles valores , quiero mencionar una cosa más importante, y es que estoy usando bordes en esta demostración. Hablamos de bordes en el Episodio tres de esta serie, y los estoy usando aquí para suavizar la transición entre valores y formas. En parte, una de esta lección no consideré bordes. Todo se mantuvo afilado navaja. Pero en la práctica es bueno combinar estos fundamentos porque, después de todo, para eso están hechos. Y lo bonito es que, si estás trabajando desde fotos de la vida o incluso desde tu imaginación, puedes usar este mismo enfoque. Ya sabes, no te culparía si ahora mismo te estás preguntando a ti mismo nuestros tres valores lo suficientemente para hacer un impacto. Esa es una pregunta justa, y en respuesta, me gustaría que consideraran esta pieza musical familiar. Una declaración hecha con medios mínimos aún puede hacer un impacto poderoso en lo que respecta a la luz y las sombras. Puedes usar estos tres valores para hacer una declaración completa, o puedes usarlos como base para algo más complejo. Recuerda que la buena pintura, como cualquier forma de comunicación, se basa en una estructura sólida, y eso es lo que estamos persiguiendo aquí. Entonces espero que disfruten de este episodio Y cómo ¿Qué te llevó tanto tiempo? Espectáculos sobre contratar a un pasante para ayudar con el show y whoa, consigo al único tipo. Ni siquiera puedes entregar café. Y ahora probablemente esperes que te escriba una carta de recomendación para un trabajo en un estudio de animación, así que no lo creo.