Zum fortgeschrittenen Filmemacher: 7 Dinge, die du wissen musst

1. Vom Fortgeschrittenen zum anspruchsvollen Filmemacher: Hallo an alle. Nachdem ich viele Anfragen bekommen habe, bin ich so aufgeregt, euch alle Folge-Kurs zu meinen beliebten Kernen „From Beginner to Intermediate Filmemaker“zu bringen „From Beginner to Intermediate Filmemaker“ und euch auf das fortgeschrittene Niveau zu führen. Anders als von der Anfänger- zur Zwischenstufe zu gehen, ist es ein Prozess der Verfeinerung, aber was Sie lernen müssen, ist nuancierter. Es gibt viele Dinge, die man sich als Filmemacher ständig weiterentwickeln kann, aber in diesem Kurs habe ich sieben praktische Dinge enthalten, an denen man arbeiten kann, um das Filmemachen kontinuierlich zu optimieren und das fortgeschrittene Niveau zu erreichen. Obwohl Sie denken, dass Sie eine teure High-End-Kamera benötigen , um ein fortgeschrittener Filmemacher zu werden, können die meisten Lektionen in diesem Kurs auf Ihre DSLR angewendet werden. Lasst uns anfangen. 2. Komplexe Kamerabewegung: Nummer 1, komplexe Kamerafahrung. Wenn Sie das Gefühl haben, können Sie ein Thema reibungslos mit einem Gimble verfolgen. Jetzt ist es an der Zeit, komplexere Kamerabewegungen hinzuzufügen , die sich dynamischer anfühlt und Ihrer Geschichte noch leistungsfähiger dient. Überlegen Sie die X- und Y-Achse, und fügen Sie stattdessen eine z-Achsen-Aktion hinzu, auf die der berühmte Kameramann Emmanuel Lubezki schwört. Erwägung, eine lange Tracking-Aufnahme hinzuzufügen, die viele Punkte in Ihrer Szene abdeckt , um uns mehr in Ihre Geschichte zu ziehen, und üben Sie das Nageln des Fokuspools auf dem Weg. Komplexe Kamerabewegungen helfen Ihnen nicht nur, Ihre technischen Fähigkeiten zu entwickeln, sondern auch Ihre Fähigkeit zu visualisieren, wie sich die Szene entfaltet und wie Sie die Aufmerksamkeit des Betrachters in Ihre Geschichte lenken. Bevor Sie beginnen, diese komplexen Kamerabewegungen zu versuchen, beginnen Sie, Storyboarding zu üben und Ihre Aufnahmen zu blockieren, damit Sie eine visuelle Anleitung haben. 3. Farbpalette: Nummer zwei, Farbpalette und Set-Design. Während viele Filmemacher Luts in der Farbkorrektur verwenden , um ihren Film einen visuellen Stil zu verleihen, fortgeschrittene Filmemacher wie Wes Anderson, wissen fortgeschrittene Filmemacher wie Wes Anderson,wie man diesen Look überhaupt erst in ihr Bild einfügt. Adobe Color Wheel ist ein tolles kostenloses Tool, mit dem Sie Farbschemata basierend auf den Prinzipien der Farbtheorie erstellen können. Indem Sie die Farbtöne in Ihrem Bild erstellen, werden Sie sich für eine bessere Grundlage für den Farbgrad später in der Post einrichten. Ich finde das auch sehr hilfreich, nicht nur für Erzählfilme, sondern auch für Dokumentarfilme, wenn Sie einen visuellen Stil aufbauen und Ihrer Geschichte etwas Emotionalität verleihen wollen . 4. Feinabstimmung der Farbkorrektur: Nummer drei, feinabgestimmte Farbkorrektur. Neben dem Wissen, wie Sie die Grundbelichtung und Farbe Ihres Bildes anpassen, möchten Sie lernen, wie Sie die Nuancen der Farbkorrektur in der Post steuern können. Um dies zu tun, sollten Sie Ihre Fähigkeit entwickeln den Unterschied zwischen den Glanzlichtern, Mitteltönen und Schatten Ihres Bildes zu erkennen . Am besten lernen Sie mit Farbkurven spielen, die Sie in Adobe Premiere Pro finden. Sie werden sehen, dass die Unterseite dieser Kurve die Schwarzen und Schatten darstellt. Die Mitte repräsentiert die Mitte und die obere Kurve stellt die Highlights und Weiß Ihres Bildes dar. Indem Sie mit diesen Kurven spielen, können Sie selektiv auf Farbe und Belichtung in einem dieser spezifischen Bereiche abstimmen , anstatt nur eine blinkende Note zu Ihrem gesamten Bild hinzuzufügen. 5. Tontechniker: Nummer vier, lernen Sie, wie Sie mit einem Sound-Recordist arbeiten. Wenn Sie Ihre Filmproduktion erhöhen möchten, müssen Sie den aufgenommenen Ton über das Anschließen eines Schrotflintenmikrofons an Ihre Kamera hinaus erhöhen . Meiner Erfahrung nach ist die Einstellung eines engagierten Sound-Recordisten eine unverzichtbare Investition, da es mir erlaubt, mich auf Kamera und Richtung zu konzentrieren. Während die Tonrekorder die Klangquelle mit ihren dedizierten Mikrofonen hautnah verfolgen können . Das Wichtigste ist, zu lernen, wie man synchron miteinander arbeitet , damit man sich nicht gegenseitig in den Weg kommt. 6. Digitale Kinoausrüstung: Nummer fünf: Erfahren Sie, wie eine digitale Kinokamera funktioniert, und probieren Sie Kinoobjektive aus. Obwohl ich fest davon überzeugt bin, dass nicht die Kamera sondern das Auge hinter der Kamera ein Bild macht, kann das Lernen, wie man eine digitale Kinokamera verwendet, Ihren Filmemacher in Supermächten erweitern. Sie werden Sie speziell trainieren, um die Nuancen eines Bildes zu sehen. Beispielsweise kann eine Kinokamera mit einem großen Dynamikbereich weniger milchige Schatten geben, während Kinoobjektive ein Bild typischerweise dreidimensionaler aussehen lassen. Ich betone das Objektiv immer mehr als das Kameragehäuse selbst. Und es ist faszinierend zu sehen, wie verschiedene Objektive je nach Objektivhersteller unterschiedliche Blicke haben. Zum Beispiel sind die legendären Cooke Kinoobjektive für den Cooke Look bekannt, der die Blautöne eines Bildes leicht betont. Um zu versuchen, eine Kinokamera und ein Objektiv zu verwenden, keine Sorge, Sie müssen nicht ausgehen und Tausende von $ ausgeben, sondern versuchen Sie stattdessen, sich an ein lokales Mietshaus zu wenden. Bitten Sie sie, Ihnen eine Demo zu geben und zu sehen, ob Sie sie für ein paar Tage mieten können , um mit ihnen zu spielen und zu sehen, wie sie funktionieren. Vergeuden Sie jedoch nicht Ihr Geld, wenn Sie diese Kameras ausprobieren , es sei denn, Sie haben die Grundlagen der Verwendung einer DSLR gemeistert. 7. Aufnahmedetails: Nummer 6, verstehen Sie die Nuancen der Kameraaufnahme. Während Sie vielleicht in 4K mit einem flachen Bildprofil fotografieren, gibt es andere kleine Faktoren, die in die Herstellung eines qualitativ hochwertigen Bildes gehen. Ich werde hier zwei große gehen, Bit-Tiefe und natives ISO. Lassen Sie uns zuerst in die Bit-Tiefe gehen. Bittiefe ist eine mögliche Anzahl von Farben, die Ihre Kamera aufnehmen kann. Häufige Messungen für diese Bittiefen sind acht Bit, 10 Bit und 12 Bit. Die meisten Kameras zeichnen eine Acht-bit-Farbe auf, die 256 Schattierungen von Rot, Blau und Grün aufnehmen kann . Neuere Kameras, wie die GH5, können intern 10-Bit-Farben aufzeichnen was bedeutet, dass sie diese ohne einen externen Recorder aufnehmen können, der 1.024 Schattierungen von Rot, Blau und Grün erfassen kann. Während die Aufnahme in acht Bit für die meisten Zwecke völlig in Ordnung ist, gibt die Aufnahme in 10 Bit Ihnen viel mehr Spielraum in der Farbkorrektur, ohne dass Ihr Bild auseinander fällt. Es benötigt jedoch etwa 20 Prozent mehr Speicherplatz als sein Achtbit-Gegenstück und kann langsamer in Ihrer Bearbeitungssoftware verarbeitet werden. Wenn ich professionelle Arbeit mache, versuche ich, in 10-Bit-Farbe zu schießen. Native ISO ist ein weiterer dieser Faktoren, die sich auf die Bildqualität auswirken. Jede Kamera verfügt über ein natives ISO, was bedeutet, dass sie mit einem spezifischen ISO gebaut wurde , um den maximalen Dynamikbereich zu erhalten. Für viele Kameras, wie die Sony FS7, beträgt die native ISO 800, was bedeutet, dass Sie ND-Filter verwenden und die Beleuchtung anpassen müssen, um eine korrekte Belichtung zu erhalten, um die native ISO zu erhalten. Kombinieren Sie das mit einem flachen Bildprofil und Sie haben eine gute Grundlage, um den maximalen Dynamikbereich Ihrer Kamera zu nutzen. 8. Meisterhafte Beleuchtung: Nummer 7, Master-Beleuchtung. Obwohl ich glaube, dass dies ein lebenslanges Unterfangen ist, wenn Sie nur mit natürlichem Licht fotografiert haben, ist es jetzt an der Zeit zu lernen, wie man künstliches Licht kontrolliert, um Ihre kreativen Kräfte auf unbestimmte Zeit zu erweitern. Ich glaube, es gibt keinen besseren Weg, Licht zu lernen , als mit den Lichtern selbst zu spielen. Eine gute Möglichkeit, dies zu tun, ist, ein paar Standbilder aus Ihren Lieblingsfilmen oder ein paar Ihrer Lieblingsbilder auszuwählen und zu versuchen, diese Qualität des Lichts zu replizieren. Eine andere Möglichkeit, Ihr Auge für die Beleuchtung zu entwickeln, besteht darin, das Kontrastverhältnis eines Bildes erkennen zu können. Das Kontrastverhältnis stellt die Differenz in der Belichtung zwischen einem Bildteil und einem anderen dar, gemessen mit einem Lichtmesser. Sie werden verwendet, um eine konsistente visuelle Ästhetik zu definieren und eine gleichbleibende Beleuchtung zwischen den Aufnahmen zu erzielen. Zum Beispiel wird ein gemeinsames Kontrastverhältnis, das wir verwenden, der Schlüssel zum Ausfüllen genannt. Mit einem Lichtmesser messen Sie die Lichtmenge, die auf die Schlüsselseite des Motivs fällt , verglichen mit der Füllseite. Dann teilen Sie die beiden, um das Verhältnis zu erhalten. Wenn wir zu einer anderen Aufnahme wechseln und eine konsistente Beleuchtung beibehalten möchten, messen wir das Tasten-zu-Füll-Verhältnis eines neuen Shots, um sicherzustellen, dass es mit der Originalaufnahme identisch ist. Wenn nicht, werden wir unsere Beleuchtung optimieren, bis wir das ursprüngliche Kontrastverhältnis erhalten. Eine andere Möglichkeit, ein Auge für Kontrastverhältnis zu entwickeln, ohne einen Lichtmesser zu verwenden, besteht darin, Standbilder mit falscher Farbe zu betrachten. Stills aus schönen Filmen ist eine fantastische Website mit einer Zusammenstellung von Referenzbildern, die aus Filmen gezogen werden. Um das Kontrastverhältnis Ihrer bevorzugten Standbilder zu ermitteln, müssen Sie ein False Color Plug-in herunterladen und in Premiere Pro hochladen. Ich mag das falsch farbige Plugin von Time in Pixels, das gibt Ihnen eine kostenlose Testversion. Hier ist eine fantastische Erklärung von Lens ToGo, die Sie durch den Prozess führt. „ Zuerst möchte ich Ihnen sagen, was falsche Farbe nicht tun kann. Es wird nicht in der Lage sein, Ihnen die Farbe zu sagen, die Richtung des Lichts oder ob es sich um eine harte oder weiche Quelle handelt. Was es Ihnen sagen kann, ist Belichtungsstufen in einer Szene. Sie können Kontrastverhältnisse erhalten, indem Sie zwei Punkte in einer Szene auswählen, unabhängig davon, ob es sich um eine Seite des Gesichts eines Schauspielers zur anderen oder ob es sich um den Schauspieler im Hintergrund oder um einen Schauspieler zu einem anderen Schauspieler handelt. Sie können wissen, was der Unterschied in der Exposition zwischen ihnen ist. Aufnehmen von Bildern, die Sie mögen und das Erlernen der verwendeten Verhältnisse können Ihnen helfen, das gleiche Aussehen in Ihrer eigenen Arbeit zu erreichen. Es hilft Ihnen auch, konsistenter zu sein und Aufmerksamkeit Ihrer Zielgruppe darauf zu lenken, wo sie aussehen sollen. Es gibt zwei Möglichkeiten, über Verhältnisse zu sprechen: In Lichtstufen oder in Lichtstopps. Um das Lichtpegelverhältnis herauszufinden, nehmen Sie den hellsten Punkt, den Sie vergleichen möchten, und teilen Sie ihn durch den dunkelsten Punkt. Zum Beispiel, wenn wir die Schlüsselseite des Gesichts eines Akteurs nehmen und es durch die Füllseite teilen. Die Schlüsselseite ist um 45 IRE, und die Füllseite ist etwa 15 IRE. Du wirst diese zwei teilen, 45 geteilt durch 15, und du bekommst drei. Es ist ein Drei-zu-Eins-Verhältnis, was bedeutet, dass die Schlüsselleuchte dreimal heller ist als die Füllseite. Sie können das Gleiche nehmen und von der Hauptseite des Schauspielers in den Hintergrund gehen. In diesem ist das Gesicht des Schauspielers bei etwa 50 IRE, und der Hintergrund ist etwa 25. Teilen Sie diese beiden, und Sie erhalten ein Zwei-zu-Eins-Verhältnis, das heißt, der Schauspieler ist so um ein Vielfaches heller als der Hintergrund.“ Mit der Übung entwickeln Sie diese natürliche Fähigkeit, das Kontrastverhältnis zu erkennen. Mit diesem wird Ihnen helfen, seinen spezifischen visuellen Stil und Konsistenz zu Ihrem Bild zu finden , noch bevor Sie schießen, was Ihnen viel Zeit in der Post spart. 9. Schlussbemerkungen zum Kurs: Da hast du es. Sieben neue Schritte, die Ihnen helfen, das fortgeschrittene Filmschaffen-Niveau zu erreichen. Ich hoffe, dass Sie mittlerweile mindestens ein paar neue Dinge ausprobieren müssen, um Ihr Filmemachen auf die nächste Stufe zu bringen. Wenn Sie noch Fragen haben, zögern Sie nicht, ihnen mein Web zu senden, da ich hier bin, um Sie zu unterstützen, und überprüfen Sie bitte meine anderen Kurse auf meiner Lehrer-Profilseite. Wie mein künstlerischer Revisionskurs , der fortgeschrittene Einblicke in die Filmbearbeitung bietet, der die Klarheit, Dynamik und Resonanz Ihres ersten Pokals stärkt . Vielen Dank, dass Sie sich Zeit mit mir genommen haben, und ich wünsche Ihnen alles Gute für Ihre Film-Reise. 10. Spannende Updates: Hallo an alle. Ich habe zwei spannende Updates. Die erste ist, dass ich eine Kurskarte erstellt habe, die alle meine Film- und Redaktionskurse nacheinander miteinander verbindet , so dass Sie als Filmemacherin selbstbewusst vorankommen können. Das zweite Update ist, dass ich einen einminütigen Newsletter gestartet habe , der kuratierte Inspiration und wertvolle Einblicke in das Filmemachen, Kreativität und die Kunst des authentischen Lebens enthält. Schau dir diese beiden auf meiner Kursleiterseite an.