Zeichnen von Webtoons: von der Planung bis zum Veröffentlichen

1. Einführung: Hallo, ich bin Cluvious, ein autodidaktischer Anime-Künstler und Inhaltsersteller. Während ich ursprünglich als Illustratorin begann, beschloss ich, meine Träume zu verfolgen und meinen Weg zur Erstellung von Comics zu wechseln, insbesondere zum Zeichnen von Arbeitstönen. Ich habe mich dort immer von Anime und Manga inspirieren lassen weshalb ich mich in die Kreation meiner eigenen Geschichten und Charaktere verliebt habe. Doch die längste Zeit wusste ich nicht, welches das beste Format für mich wäre , um meine Geschichten zu erzählen Bis ich auf Leptonen stieß, fand ich das Referenzformat am inspirierendsten Ich, da ich es liebe, farbenfrohe digitale Kunstwerke zu machen und die kreativen Möglichkeiten mit diesem Medium sind wirklich endlos. Auf den ersten Blick Drawn Web to As wie eine entmutigende Aufgabe erscheinen , bei der Sie nicht wissen, wo Sie anfangen sollen. Aber ich möchte Ihnen sagen, dass es nicht wirklich ein einfacher Prozess ist. Sobald Sie in meiner Klasse den Dreh raus haben, werde ich den Prozess des Zeichnens und Erstellens vollständiger Kapitel von der Planung bis zur Veröffentlichung aufschlüsseln vollständiger Kapitel von der Planung . Ich möchte Ihnen zeigen, wie Sie Ihre Kapitel mit einem Storyboard versehen, Ihre Arbeitsdateien vorbereiten und organisieren, Techniken anwenden können Ihre Kapitel mit einem Storyboard versehen, Ihre Arbeitsdateien vorbereiten und organisieren, , um Ihren Zeichen- und Ausmalprozess zu beschleunigen, und wie Sie Assets und 3D verwenden können , um schnell anästhetische Hintergründe zu erstellen und gleichzeitig schnelle Farbanpassungen vorzunehmen , damit Sie in meinem Unterricht einen schönen letzten Look sehen . Sie lernen, wie Sie Ihre eigenen kompletten Kapitel erstellen und sind hoffentlich bereit, Ihren eigenen Web-Ton auf den geeigneten Plattformen zu veröffentlichen . Ich hoffe sehr, dass Sie aus meiner Klasse gut ausgestattet mit dem Wissen, wie man mit Melodien zeichnet, ausgestattet sind, sodass Sie bereit sind, Ihre eigene Reise zu beginnen , um Ihre Traumgeschichte zum Leben zu erwecken. 2. Clip Studio Paint einrichten: Clip Studio Paint ist heutzutage die beliebteste Software und App der meisten Künstler geworden , insbesondere von Comic-Entwicklern, da es voller Tools und Funktionen ist, die wirklich einfacher sind und Zeit sparen Herstellung hochwertiger Kunstwerke. Clip Studio Paint ist sowohl für Computer als auch für Smart-Geräte verfügbar . Es gibt zwei Versionen, Pro und eax. Sie sind sich in fast allem sehr ähnlich , außer dass e x mehr Funktionen bietet, hauptsächlich für die Bearbeitung von Projekten mit mehreren Seiten wie Comics, Exportieren von Zeilen aus Bildern und 3D-Modellen und unbegrenzt viele Frames für Animationen. Es könnte noch andere Unterschiede geben, aber dies sind die wichtigsten. Da wir es mit einem Künstler zu tun haben, ist es völlig in Ordnung, mit ihm zu arbeiten. Wenn Sie sich dafür entscheiden, können Sie fast die gleichen Ergebnisse erzielen und Sie können später jederzeit auf eax umsteigen, falls Sie es sich anders überlegen. Persönlich habe ich die EX-Version und sie ist die, die ich in diesem Kurs verwenden werde. Aber während des Unterrichts werde ich dich wissen lassen, wo du Dinge anders machen musst. Wenn Sie ein Pro-Benutzer sind, ist das natürlich nach meinem besten Wissen, da ich es noch nie benutzt habe. Also verzeihen Sie mir, wenn ich etwas vermisse und lassen Sie mich jetzt wissen , ob Sie Clip Studio Paint zum ersten Mal verwenden oder nicht . Ich werde Ihnen keine einmalige Einführung in die Tools und Funktionen von Software, weil ich verstehe, dass es eine Menge Informationen sind , die auf einmal aufgenommen werden müssen. Stattdessen erkläre ich Ihnen im Laufe der Zeit die Tools, die Sie benötigen. Sie können sie also sofort ausprobieren und in Ihrem Gedächtnis behalten und nach und nach Erfahrungen mit der Software sammeln, während Sie sie verwenden. Lassen Sie uns zunächst nur über die Einrichtung von Clip Studio Paint und die Anpassung an Ihre Vorlieben sprechen Clip Studio Paint und . Zuerst, nachdem Sie Ihr Tablet angeschlossen und Clip Studio Paint ausgeführt haben, öffnen Sie eine neue Datei unter Datei neu. Es ist in Ordnung, eine der Optionen zu wählen. Jetzt werde ich nur zur Veranschaulichung gehen. In diesem Schritt stellen wir nun die Druckeinstellungen des Stifts so ein, dass sie für Ihren eigenen Gebrauch am besten geeignet sind. Gehen Sie dazu zu Datei, dann zu Druckeinstellungen und nehmen Sie dann Ihren Stift und führen Sie mehrere Striche auf dem Bildschirm aus. Mache Streicheleinheiten mit dem Druck , bei dem du dich wohl fühlst. Ich würde raten, kaum auf den Stift zu drücken , da das auf Dauer deine Hand verletzen kann. Halten Sie also Ihre Hand leicht und Sie können sehen, dass sich das Diagramm bei der Eingabe, die ich gebe, ändert. Wenn Sie fertig sind, klicken Sie auf Überprüfen, passen Sie die Einstellungen und jetzt können Sie es auf dem Bildschirm ausprobieren. Wenn Sie zu diesem Zeitpunkt mit den Einstellungen vertraut sind , klicken Sie auf Fertig. Wenn nicht, klicken Sie einfach, kehren Sie zum vorherigen Bildschirm zurück und machen Sie das Ding erneut. Und das war's. Klicken Sie auf Fertig, um dieses Fenster zu schließen. Das war also das Erste. Die zweite Sache ist die Benutzeroberfläche. Wie Sie sehen, besteht alles in Clip Studio Paint aus Windows. Also wenn ich z. B. darauf klicke und halte, werde ich das Fenster herausnehmen. Und wenn ich erneut klicke und die Maustaste gedrückt halte, kann ich es wieder dorthin bringen, wo es war, und die Größe ändern und so weiter. Alles hier hat ein Fenster und du kannst Dinge ziehen und ändern, wie du willst. In diesem Schritt erfahren Sie also im Laufe der Zeit, welche Ihre komfortabelste Benutzeroberfläche ist , da Sie sich ständig ändern und sich an Ihre Bedürfnisse anpassen. Aber vorerst wollte ich Sie darüber informieren , da alles aus Windows besteht und Sie sie ziehen und sehen können , wie sie so auftauchen. Und vielleicht klickst du versehentlich auf Schließen. Sie sich keine Sorgen, wenn das passiert. Sie können alles, was Sie geschlossen haben, wiederherstellen, indem Sie zu Windows gehen. Und vorerst entscheide ich mich für Navigator , da ich diesen gerade geschlossen habe. Und hier ist es. Es ist zurück. Also ziehe ich es einfach und lege es wieder da hin, wo es war. Ich persönlich habe fast die standardmäßige Benutzeroberfläche von Clip Studio Paint beibehalten , aber ich habe die Ebenen hier an der Seite als langes Fenster platziert, weil ich bei der Arbeit an der Web-Tune viele Ebenen verwende. Für mich fand ich also, dass es auf diese Weise einfacher ist , zwischen ihnen zu navigieren. Und auch hier habe ich die Farbpalette für den einfachen Zugriff bereitgestellt, auf die ich zu Beginn der Ausmalphase näher eingehen werde . Und auch die Navigator-Übersicht zeigt eine Vorschau Ihrer Leinwand. Manchmal finde ich es hilfreich, das einfach zu vergrößern, damit ich leichter zwischen den Panels wechseln und meine Arbeitsdatei auf einen Blick sehen kann leichter zwischen den Panels wechseln . Zuletzt habe ich hier die Pinselgröße angegeben. Normalerweise denke ich, dass es sich hier befindet und die Standardbenutzeroberfläche ist. Aber ich habe es hier auf die Seite gelegt, damit es weniger Platz beansprucht und ich die Pinselgröße leichter wählen kann. Lassen Sie uns nun über dieses Ding sprechen, das hier oben als Befehlsleiste bezeichnet wird. Und wie Sie hier sehen können, gibt es so viele Abkürzungen. Einige von ihnen haben eine Standardbenutzeroberfläche, und einige von ihnen habe ich selbst hinzugefügt. Ich finde diese Befehlsleiste sehr hilfreich. Es hilft Ihnen wirklich, Zeit zu sparen und einige Tools schnell zu verwenden. Um die Symbole hier anzupassen, gehen Sie zu den Einstellungen der Dateibefehlsleiste. Von hier aus kann man verschiedene Dinge sehen. Es gibt Menübefehle, Popup-Pellets, Optionen und Tools. Um ehrlich zu sein, habe ich nicht alles benutzt, aber ich möchte dir zeigen, was ich getan habe. Zusätzlich zur Standardbenutzeroberfläche, die das Ein- und Auszoomen und das An den Bildschirm anpassen und die Leinwand nach links und rechts drehen und die Drehung oder Inversion zurücksetzen. Ich habe auch diese horizontale Umschalttaste gedrückt , damit ich die Leinwand einfach und schnell umdrehen und prüfen kann, ob die Proportionen meiner Kunstwerke in Ordnung sind. Diese Buttons gibt es übrigens schon hier, aber wie ihr dort an der Seite des Fensters sehen könnt. Also habe ich festgestellt, dass es für mich schneller geht, wenn ich sie hier drüben oben habe. Sie können diese Einstellungen über die Befehlsleiste festlegen Einstellungen unter den Menübefehlen gehen zu Ansicht. Und dann ist das der Zoom und du ziehst es mit Drag & Drop hierher. Das ist der Zoom Out. Und wie Sie sehen können, wurde ein Trennzeichen zwischen den beiden Tools gesetzt . Wenn ich das loswerden möchte, klicke einfach mit der rechten Maustaste und lösche das Trennzeichen. Jetzt sind sie also alle an einem Ort. Und dann gibt es noch die Schaltfläche An Bildschirm anpassen. Unter drehen oder drehen. Da ist der Linksdreher. Nach rechts drehen. Ich ziehe sie einfach und das Trennzeichen wird automatisch gelöscht. Und das ist die Umkehrung der Forschungsrotation. Zum Schluss die Horizontale. Wenn Sie eines der Symbole entfernen möchten, klicken Sie mit der rechten Maustaste darauf und löschen Sie es So können Sie es bereinigen. Ich werde die entfernen, die ich gerade hinzugefügt habe , da ich sie bereits habe. Die anderen beiden Symbole, die ich hinzugefügt habe, sind die freie Transformation, die Mesh-Transformation. Wir werden mehr über diese Tools sprechen , wenn wir uns in der Skizzierphase befinden. Aber ich möchte Ihnen zeigen, woher Sie sie bekommen können, um sie in die Befehlsleiste zu legen, zu bearbeiten, zu transformieren. Und dann können Sie hier alle Transformationsoptionen sehen. Für mich ziehe ich die freie Transformation und die Mesh-Transformation, und ich werde die Skala auch drehen lassen, da dies auch ein hilfreiches Schnellwerkzeug ist. Das ist also für die Einstellungen der Befehlsleiste. Abschließend möchte ich über eine sehr wichtige Sache sprechen, nämlich über Tastenkombinationen. Tastenkombinationen für Ihre Lieblingstools festlegen , sparen Sie auf lange Sicht wirklich, wirklich viel Zeit. Unabhängig davon, welches Tool Sie häufig verwenden, stellen Sie sicher, dass Sie die Tastenkombination dafür oder eine Tastenkombination in der Befehlsleiste dafür festlegen . Aber wie auch immer, mach es dir einfach und schnell , um dir auf lange Sicht viel Zeit zu sparen. Also z. B. habe ich die N-Taste an meinem Stiftwerkzeug und die E-Taste für meinen Radiergummi eingestellt. V2 für meinen Pinsel, das Meereswerkzeug, für mein Mischwerkzeug und sei der Schlüssel für mein Weichzeichnungswerkzeug und so weiter. Ich möchte, dass Sie dies zur Kenntnis nehmen, um Verknüpfungen festzulegen Gehen Sie zu den Einstellungen für Dateiverknüpfungen. Und von hier aus können Sie, wie in den Einstellungen der Befehlsleiste, auswählen, wo sich das Ding befindet, für das Sie die Abkürzung festlegen möchten. Die meisten meiner Abkürzungen befinden sich in der Kategorie Tools. Also zum Beispiel, wie ich dir bereits gesagt habe, ist die Tastenkombination n für mein Stiftwerkzeug gesetzt. Der Stift ist f, Airbrush a und so weiter. Sie können auch in die Tools selbst gehen und solche Abkürzungen für Unterwerkzeuge, z. B. sowohl der Pinsel als auch das Aquarell, das ich Ihnen gerade gezeigt habe, befinden sich unter dem Pinselwerkzeug, das hier drüben ist. Das sind also die beiden Tools, aber ich habe für jedes einzelne von ihnen eine Abkürzung festgelegt, wie Sie hier sehen können. Das macht es mir einfach, zwischen ihnen zu navigieren. Damit ist meine Einführung in die Einrichtung von Clip Studio Paint abgeschlossen. Natürlich war es eine sehr kurze Einführung. Und wie ich Ihnen bereits gesagt habe, werden wir mehr über die Tools sprechen, die wir haben, da wir sie im Laufe unseres Fortschritts benötigen. In der nächsten Lektion werden wir darüber sprechen, dein Kapitel mithilfe von Storyboards zu planen , damit wir unsere Reise mit der Kapitelproduktion beginnen können . 4. 1-2 Arbeitsdateien einrichten: Jetzt, da wir mit dem Storyboard fertig sind, ist es an der Zeit, es zur nächsten Phase zu übergehen und es auf die Zeichenfläche zu legen , um unsere Arbeitsdateien einzurichten. Aber bevor wir darauf eingehen, möchte ich zunächst die Leinwandgrößentabelle erläutern. Und basierend auf dem, was ich gewählt habe, den Dimensionen, von denen ich Ihnen erzählen werde. Wenn es um die Größentabelle für Leinwände geht, handelt es sich bei Web-Tönen um lange, vertikal scrollende Comics, die aus mehreren Seiten bestehen. Nehmen wir an, die Abmessungen einer dieser Seiten hängen wirklich von der Plattform ab, auf der Sie sie platzieren werden. In diesem Kurs werde ich mich jedoch hauptsächlich auf die Hauptplattform für Veröffentlichungen für Indie-YouTuber konzentrieren , nämlich Web Two in Canvas. Für Arbeiten auf Leinwand die erforderlichen Abmessungen für eine Seite oder ein Bild eine Breite von 800 Pixeln bei einer maximalen Höhe von 1280 Pixeln. Dies ist die maximale Höhe Ihres Bildes, die kleiner, aber nicht größer sein kann. Aufgrund dieser Seitenanforderungen stelle ich meine Zeichenfläche normalerweise so ein, dass sie sieben Seiten dieser Seite hat. Das heißt, es wäre 800 Pixel Breite mal 1280 Pixel mal sieben Seiten. Was ist diese Zahl, 8.960 Pixel. Andererseits ist diese Zahl nur für die Bildschirmgröße. Und da Sie viel Arbeit in Ihre Web-Tune stecken, sollten Sie erwägen, sie später auszudrucken und in ein Buchformat umzuwandeln. Aus diesem Grund wird dringend empfohlen, nicht nur auf dieser Seite zu zeichnen, sondern etwas höher zu gehen und die Leinwand zu verkleinern. Für mich zeichne ich auf einer Leinwand, die dreimal so groß ist wie diese siebenseitige Leinwand. Das bedeutet also 800 Pixel mal D3 und Breite, was 2.400 Pixel entspricht. Und diese Zahl mal Drei, was uns diese Zahl von 26.800 Pixeln gibt. Zusammenfassend ist die Dateigröße, für die ich mich entscheiden werde, diese Zahl um diese Zahl. Lassen Sie uns diese Zahlen also schon verwenden. Lassen Sie uns unsere Arbeitsdateien als Zeichenfläche erstellen. Wir gehen zu Datei Neu und wählen dann hier aus, was getan werden soll. Ich persönlich nenne es nach dem Namen des Kapitels. Bisher arbeite ich an Kapitel 14 und Alkohol. Genau das. Wenn Sie auf diese Schaltfläche klicken, wählen Sie das Verzeichnis aus, in dem Ihre Dateien gespeichert werden sollen. Und hier, unter der Leinwand, werden wir diese Zahlen verwenden , die ich hier erwähnt habe. Die Breite der Leinwand wird 2.400 Pixel bei einer Höhe von 26.880 Pixeln betragen. Stellen Sie sicher, dass die Grundfarbe des Ausdrucks auf Farbe gesetzt ist. Die Papierfarbe lasse ich normalerweise so, wie sie in weiß ist. Für diese Seiteneinstellungen hier ist diese Funktion nun nur für die X-Version von CLIP STUDIO PAINT verfügbar . Ich habe es auf sechs Seiten festgelegt. Und wenn ich auf Okay klicke , werden mir sechs lange Seiten mit den von mir festgelegten Abmessungen erstellt . Es ist also, als ob eine Seitenverwaltungsdatei erstellt wurde. Das heißt, wenn ich mit der rechten Maustaste auf eine dieser Seiten klicke, sehe ich Optionen zum Öffnen der Seite, zum Löschen, Hinzufügen, Duplizieren usw. Und um dir zu zeigen, wie es im Dateiformat aussieht, hier für mich eine Datei namens Chapter 14 erstellt, die Seitenverwaltungsdatei von CLIP STUDIO PAINT ist. Und dann wurden weitere sechs Seiten erstellt. Also wenn ich das jetzt schließe und Kapitel 14 öffne, erhalte ich diese Seitenverwaltungsdatei. Und wie Sie sehen können , wurden sechs Dateien für die sechs Seiten erstellt , die ich angegeben habe. Wenn Sie also ein X-Benutzer sind, können Sie dem folgen und das gleiche Ergebnis erzielen. Wenn Sie jedoch ein Profi-Benutzer sind, können Sie genau dasselbe tun, indem zu File new web tune gehen diese Dateien dann separat erstellen. Im Grunde wirst du sie also erstellen, ohne einen Ordner zu haben, um sie zu kombinieren. Deshalb wird es keinen großen Unterschied machen , wenn es um die Arbeitsdateien selbst geht. Die X-Version erleichtert Ihnen nur die Verwaltung Ihrer Seiten. Jetzt öffne ich die erste Seite meines Kapitels und gehe zurück zur Storyboard-Datei und ziehe sie hierher. Und dann behalte ich meine Seiten hier auf der linken Seite , damit ich sehen kann, was vor sich geht. Wie ich im Storyboard erwähnt habe, habe ich jede Spalte davon auf eine separate Ebene gezeichnet. Ich gehe zur ersten Ebene und du klickst auf Strg a , um alle auszuwählen, und dann auf C, um zu kopieren. Sie können auch zu „Auswählen“, „Alle auswählen“ und dann zu „Bearbeiten und Kopieren“ wechseln . Ich gehe zurück zu meiner Seite und klicke auf meiner Tastatur auf Strg V, oder Bearbeiten und Einfügen ist dasselbe. Und jetzt klicke ich auf Control T, um das Transformationsfeld aufzurufen. Wie Sie sehen, habe ich Handles, mit denen ich die Größe meines Storyboards ändern kann. Wenn Sie keine Tastatur haben und die Transformation aufrufen möchten , gibt es diese Schaltfläche, die wir zuvor eingerichtet haben , und die Befehlsleiste. Wenn Sie darauf klicken, wird auch das Transformationsfeld geöffnet. Oder Sie können auch zu Bearbeiten, Transformieren, Skalieren, Drehen gehen , und es wird auch dasselbe angezeigt. Jetzt zoome ich ein wenig heraus und halte die Leertaste gedrückt, um meine Leinwand zu schwenken. Und ich ziehe dieses Feld an die Ecke, um es zu vergrößern. Um es nun proportional zu ändern, müssen Sie sicherstellen, dass hier die Option Seitenverhältnis beibehalten aktiviert ist. Wenn es nicht angekreuzt ist, müssen Sie die Umschalttaste auf Ihrer Tastatur drücken und die Größe ändern. Also werde ich es zurückbringen. Ich ändere die Größe meiner Storyboards so , dass sie meiner Leinwandgröße entsprechen. Und dann klicken Sie auf Okay, um die Transformation anzuwenden. Eine wirklich coole Sache, die wir aktivieren können, ist, zu Ansicht zu gehen und dann Web-Tune im Bildschirmbereich auszuwählen. Wenn diese Option aktiviert ist, können wir auf der Joan-Seite einer Frau sehen , wie die Ansicht aussieht. Das bedeutet, dass wir den Abstand zwischen unseren Panels anpassen und überprüfen können , wie er am Telefon aussehen würde. Also im Grunde ist dieses Rechteck die Telefonansicht. Übrigens können Sie die Einstellungen dieser Bildschirmansicht anpassen, indem Sie zu Bildschirmbereich anzeigen gehen, Swepton einstellen und dann das Verhältnis von hier aus anpassen. Aber normalerweise behalte ich es so wie es ist. Also klicke ich einfach auf Abbrechen. Jetzt zoome ich heraus, damit ich eine bessere Sicht habe. Und ich nehme das Marquee Tool hier drüben. Und mit der rechteckigen Auswahl wähle ich von dieser Leinwand aus und gehe dann zum Verschieben-Werkzeug hier drüben und verschiebe nach unten, während ich die Umschalttaste gedrückt halte, sodass ich nur die Bereiche nach unten verschoben habe und Seite und nicht auf der horizontalen Seite. Wenn ich fertig bin, klicken Sie auf diese Schaltfläche, um die Auswahl zu deaktivieren. Und ich mache noch einmal weiter und wähle die folgenden Panels aus. Wenn Sie andere Dinge auswählen möchten, können Sie hier das Lasso-Tool verwenden. Und stellen Sie sicher, dass Sie diese Schaltfläche in der Auswahl haben , die Sie zu der Auswahl hinzufügen , die Sie derzeit haben. Und wenn Sie diesen Button hier gewählt haben, können Sie von der Auswahl abziehen. Diese Einstellungen sind für alle Auswahloptionen verfügbar für alle Auswahloptionen Denken Sie also daran, sie sinnvoll zu nutzen. Ich gehe wieder zum Verschieben-Tool zurück und halte die Umschalttaste gedrückt und bewege es nach unten. Ich verwende diesmal das kleinere Tool und gehe wieder nach unten und klicke dann darauf. Sie können auch auf Ihrer Tastatur auf Strg plus D klicken , um die Auswahl zu deaktivieren. Und zum Schluss, in diesem letzten Panel, halte ich die Umschalttaste gedrückt und mache es runter. Was das erste Panel in diesem Kapitel betrifft, werde ich das letzte Panel aus meinem vorherigen Kapitel wiederverwenden. Also werde ich weitermachen und es von hier kopieren und hier einfügen . Also gehe ich zu Bearbeiten, Einfügen, um es an der richtigen Position anzuzeigen , sodass es an der richtigen Position eingefügt wird. Ich werde es ein bisschen verschieben, um es anzupassen. Mit den Pfeilen auf meiner Tastatur kann ich hineinzoomen und überprüfen, ob alles gut aussieht. Wenn ich jetzt herauszoome, kann ich sehen, dass dieses Panel fast den Großteil der ersten Seite einnimmt . Ich scrolle mit dem Stiftwerkzeug nach unten, um zu überprüfen, wie das Kapitel zusammenkommt. Ich hatte das Gefühl, dass dieses Panel zu eng war. Also werde ich den Abstand zwischen ihnen ändern und ihn etwas weiter nach unten verschieben. Der Abstand zwischen den Panels ist sehr wichtig, da er auch zum Tempo Ihres Geschichtenerzählens beiträgt. Je mehr Lücken Sie zwischen den Panels lassen, desto mehr Pausen zwischen den Szenen. Also möchte ich z. B. hier eine Art von ängstlichem Gefühl einführen. Deshalb möchte ich dieser Figur mehr Raum geben , um ihre ängstlichen Gefühle zu zeigen. Deshalb werde ich davor und danach mehr Platz zwischen den Paneelen lassen . Ich scrolle nach unten. Und ich werde die Panels hier näher beieinander haben hier näher beieinander weil ich möchte, dass sie schneller erscheinen. Und ich überprüfe das Tempo noch einmal, indem ich scrolle. Ich werde dieses letzte Panel dem vorherigen Panel etwas näher bringen , damit sich das Tempo schneller anfühlt. Weil ich möchte, dass der Typ schnell zu seinem Schwert greift und sich verwandelt. Und jetzt, da ich die Übertragung der ersten Spalte abgeschlossen habe, werde ich dasselbe für die zweite Spalte tun. Also wähle ich Ebene zwei, und da immer noch alles ausgewählt ist, kontrolliere ich auch wieder C, um es zu kopieren. Und ich gehe zur Position Bearbeiten, Einfügen in Sean, damit ich sie sehen kann. Denn wenn ich es einfach so einfüge, werde ich nicht sehen, wo es ist. Ich weiß nicht. Es ist verloren. Also verwende ich stattdessen Paste to Sean Position. Aber wie auch immer, wenn Sie eine Ihrer Ebenen verlieren , ohne eine Spur zu finden, klicken Sie einfach auf Strg T. Und dann wird das Transformationsfeld angezeigt. Und dann kannst du deine Ebene ziehen. Du weißt schon, finde es wieder. Bearbeiten, Einfügen, um es an Position anzuzeigen. Und ich werde das auch transformieren und seine Größe ändern. Wie Sie sehen, nähere ich mich dem Ende der Seite. Es sieht also so aus, als würde ich die nächsten Panels wegwerfen und sie für die zweite Seite belassen. Auch hier überprüfe ich das Tempo durch Scrollen und passe es entsprechend an. Also habe ich beschlossen, nur dieses Panel zu behalten. Also wähle ich den nächsten aus und klicke auf diese Schaltfläche hier drüben, um ihn zu löschen, oder klicke auf die Schaltfläche Löschen auf meiner Tastatur. Oder gehen Sie zu Bearbeiten, Löschen und dann zu Strg D, um die Auswahl deaktivieren und dieses Panel etwas nach unten zu bringen. Wenn ich nun diesen überschüssigen Platz entfernen und diese Leinwand zuschneiden möchte , kann ich das tun, indem ich einfach das rechteckige Auswahlwerkzeug verwende und meine Leinwand bis zu der Stelle auswähle, an der ich schneiden möchte. Gehe dann zu „Zuschnitt bearbeiten“. Auf diese Weise. Diese erste Seite endet hier. Und wenn ich die Abmessungen der Seite ändern und sie länger machen möchte der Seite ändern und sie länger machen als ich zur Bearbeitung gehen kann, ändern Sie die Leinwandgröße. Von hier aus kann ich meine Abmessungen ändern. Geben wir z. B. 28.000 Pixel ein. Aber wie Sie sehen können, wird dabei sowohl am oberen als auch am unteren Rand der Leinwand eine zusätzliche Leinwandgröße angezeigt. Das liegt daran, dass der Referenzpunkt in diesem Fall auf die Mitte gesetzt ist. Also ich will das nicht. Ich möchte, dass sich die Erweiterung nur auf der Unterseite befindet. Also klicke ich auf Zurücksetzen und wähle den Referenzpunkt aus, der hier oben sein soll. Und jetzt kann ich wieder die gewünschte Höhe eingeben. Und wie Sie sehen können, kommt die Verlängerung ganz unten, aber ich werde kündigen und sie so lassen, wie sie ist. Jetzt. Da ich mit dieser ersten Seite fertig bin, werde ich diese Ebenen des Storyboards zusammenführen indem ich auf die Storyboard-Ebene klicke und die Umschalttaste gedrückt halte und auf alle Storyboard-Ebenen klicke, die ich habe. Klicken Sie dann mit der rechten Maustaste und führen Sie die ausgewählten Ebenen zusammen. Jetzt befindet sich mein gesamtes Storyboard auf einer Ebene. Ich werde diese Ebene in Storyboard umbenennen. Dieser zusätzliche Schritt, den ich auch mache ist hier auf diese Schaltfläche zu klicken, um die Ebenenfarbe in Blau zu ändern , damit es mir später beim Skizzieren leichter fällt. Wenn Sie diese Schaltfläche übrigens nicht sehen, ist Ihr Ebenenfenster möglicherweise zu klein, Ihr Ebenenfenster möglicherweise zu klein um es nur ein wenig zu ziehen, und es sollte angezeigt werden. Und wenn Sie es immer noch nicht sehen, können Sie den gleichen Effekt auch unter den Ebeneneigenschaften erzielen , indem Sie auf diese Schaltfläche Ebenenfarbe klicken. Wenn Sie also darauf klicken, wird es aktiviert und bei deaktiviertem erneut geklickt. Und von hier aus können Sie mit der gewünschten Farbe herumspielen , jeder gewünschten Farbe. Aber normalerweise belasse ich es bei der Standardeinstellung auf Blau. Für den Rest des Storyboards mache ich dasselbe, um alle meine Rohentwürfe in ihre Arbeitsdateien zu übertragen . Und wenn ich fertig bin, ist es Zeit, Rahmen für meine Panels zu erstellen. Und das können wir ganz einfach tun, indem wir hier zum Frame-Rand-Tool gehen. Und dann wähle einen rechteckigen Rahmen. Sie können die gewünschte Farbe für den Rand Ihres Panels auswählen . Normalerweise entscheide ich mich für Solid Diblock. Klicken und halten Sie die Maustaste gedrückt , um das Panel über Ihrem Rohentwurf zu zeichnen . Sobald Sie veröffentlicht haben, sehen Sie hier , dass eine Frame-Ebene erstellt wurde. Es enthält eine leere Rasterebene und einen Rahmenhintergrund. Also habe ich den Frame-Hintergrund deaktiviert , damit ich das Storyboard darunter sehen kann. Nachdem dieser Rahmen erstellt wurde ich auf eine Ebene darin klicke und zeichne, befindet sich alles, was ich zeichne, innerhalb des Rahmens. Wenn ich die Ebene jedoch außerhalb des Rahmens ziehe, kann ich sie nach draußen bringen und sie ist nicht mehr durch die Rahmenfläche begrenzt. Um die Einstellungen von fast allem zu bearbeiten , gehört Studio Paint. Sie verwenden das Objektwerkzeug in Betrieb. Wenn Sie also das Objektwerkzeug verwenden und auf das Panel klicken, können Sie die Einstellungen sofort hier sehen. Sie können entweder den Rand behalten oder wenn Sie ihn nicht annehmen, wird die Bestellung entfernt. Sie können die Farbe des Randes von hier aus in die gewünschte Farbe ändern . Sie können auch die Größe des Rahmens ändern. Normalerweise entscheide ich mich für Größe 8. Ich finde ein passendes für meine Abmessungen. Jetzt ist der Rand des Rahmens im Grunde ein Vektor. Es gelten die Eigenschaften einer Vektorebene. Wir werden später, wenn wir uns in der Phase der Linienkunst befinden, mehr über Vektorebenen sprechen . Aber vorerst möchte ich Ihnen zeigen, wie Sie viele Einstellungen des Randes bearbeiten können Einstellungen des Randes indem Sie ihn als Vektorebene behandeln. Klicken Sie zunächst hier auf die richtige Linienschaltfläche und wählen Sie das Werkzeug „ Kontrollpunkte nach oben“. Hier hast du mehrere Einstellungen. Der Rand des Panels besteht aus Kontrollpunkten. Wenn ich also auf Kontrollpunkte verschieben klicke, kann ich sie verschieben. Und deshalb habe ich nur die Form des Panels. Wenn ich auf Kontrollpunkt hinzufügen klicke, kann ich einen weiteren Kontrollpunkt hinzufügen. Und jetzt, wenn ich diesen neuen Kontrollpunkt verschiebe. Dann kann ich eine neue Form bekommen. Wenn ich auf Kontrollpunkt löschen klicke, wird dieser Kontrollpunkt entfernt. Und wenn ich auf die Schaltecke klicke, wird daraus eine glatte statt eine scharfe Ecke. Wenn ich mit einem Klick auf einen Kontrollpunkt auf Linie anpassen klicke und nach oben ziehe, sehe ich , dass die Dicke des Randes zunimmt. Wie Sie sehen können, habe ich verschiedene Dicken erstellt. Und wenn ich klicke und nach unten ziehe, wird die Linienbreite kleiner und fast nicht vorhanden. Die letzten beiden Optionen scheinen mit Rahmenrändern nicht zu funktionieren und wir brauchen sie sowieso nicht wirklich. Moment möchte ich die Form dieses Panels anpassen während ich diesen Kontrollpunkt einfach hierher verschieben kann Wie Sie sehen können, ist die Linie nicht perfekt horizontal und ich möchte sie horizontal belassen. Ich will das nicht vermasseln. Also, was ich tun werde, ist, hier drüben einen Kontrollpunkt hinzuzufügen , wo die schräge Linie endet. Und dann lösche ich den Kontrollpunkt hier drüben. Und wie Sie sehen können, wurde eine schräge Linie erstellt während die horizontalen Linien gerade gehalten wurden. Aber ich werde es ein bisschen ändern weil es zu schräg war. Und ich werde es hier ablegen und löschen. Jetzt mache ich normalerweise einen zusätzlichen Schritt für mein Storyboard mit einem Stift. Ich gehe hin und nummeriere meine Panels, weil ich auf diese Weise den Überblick behalte, sodass ich auch meine Frames in die Anzahl der Panels umbenennen meine Panels, weil ich auf diese Weise den Überblick behalte kann . Und so verfolge ich auch meine Fortschritte in einem Dokument , das ich Ihnen später vorstellen werde. Jetzt, da ich meine Panels nummeriert habe, werde ich weitermachen und den ersten Frame umbenennen. Ich füge es hinzu und nenne es eins. Damit wir ab sofort in jeder Frame-Algebra eine Zahl haben. Sie können das Objektwerkzeug auch verwenden, um die Kontrollpunkte schnell zu verschieben. In diesem Fall muss ich mir keine Gedanken über horizontale Linien machen, also ziehe ich sie einfach und passe das Land an. Ich werde weiterhin Frames für die restlichen Panels auf dieser Seite hinzufügen , um Ihnen den Vorgang zu zeigen. Ich habe herausgefunden, dass die Verwendung von schrägen Linien für einige Szenen sie dynamischer aussehen lässt. Vor allem, wenn Sie Phi Teens in Ihrem Comic haben. Ich finde, dass sie dadurch wirklich lebendiger werden. Deshalb habe ich mich für einen Schrägblick hier entschieden. Und vielleicht mache ich sie noch schräger. Für dieses Panel habe ich mich für eine Vollansicht entschieden , damit verschiedene den Bildschirm füllen. Ich werde es als großes Panel haben und den Charakter später weiter zeichnen. Wahrscheinlich werde ich mehr vom Körper des Charakters zeichnen , sodass das letzte Panel Nummer sechs drüber kommt. Um Ihre Panels auch zu verschieben, nun ja, Sie könnten das Objektwerkzeug verwenden, um sie zu verschieben. Wenn Sie Inhalte innerhalb des Panels hatten, wird der Inhalt nicht durch Verschieben mit dem Objektwerkzeug verschoben. Deshalb sollten Sie beim Verschieben eines Panels darauf achten, stattdessen das Verschiebewerkzeug zu verwenden , damit Sie das Ganze zusammen verschieben können. Das ist also alles darüber, wie man Rahmen oder Panels hinzufügt. Ich wiederhole den gleichen Vorgang für alle anderen Seiten, bis ich das gesamte Storyboard in meine Arbeitsdateien übertragen habe. In der nächsten Lektion fügen wir Sprechblasen hinzu, damit wir sehen können, wie unsere Charaktere endlich sprechen. 5. 1-3 Lettering: Ordnung, jetzt ist es an der Zeit, unseren Panels Sprechblasen hinzuzufügen. Aber bevor wir darauf eingehen, lassen Sie uns über die verschiedenen Arten von Sprachblasen sprechen. Sprechblasen gibt es in vielen Formen und Varianten, und sie haben wirklich dazu beigetragen, die Emotionen des Charakters zu vermitteln . Hilf uns, den Tonfall ihrer Rede besser zu verstehen. Hier stelle ich Ihnen sechs der wichtigsten Arten von Sprachblasen vor. Der erste ist der schwierigste, man kann sagen es ist nur ein normaler Kreis, der auf normale Sprache hinweist. Man kann also sagen, dass es die meiste Zeit benutzt wird. Aber für eine Sprechblase , die wie eine Wolke aussieht, steht H für die inneren Gedanken des Charakters. Bei rechteckiger Sprechblase kann man die Geschichte integrieren oder für einen Monolog des Charakters verwenden die Geschichte integrieren . Eine stachelige Sprechblase deutet auf Geschrei, Schreien oder eine laute Stimme im Allgemeinen hin, da eine Trimmlinie zur Sprechblase mit Linien, die zur Mitte führen, eine Art Spannung für den Charakter darstellt. Und normalerweise wird es für Monologe verwendet, nicht für Dialoge. Und schließlich ist der Cloud Slash irgendwie grenzenlos, sind grenzenlos. Sprechblase steht für dunkle Gedanken oder Verzweiflung oder schlechte Laune. Natürlich sind dies nicht die einzigen Typen. Es kann unzählige Arten von Sprechblasen geben. Je mehr du Comics liest, desto mehr Interessantes wirst du erfahren. Aber ich würde sagen, dass diese gut für ein Starterpaket sind. Nachdem wir die Typen behandelt haben, wollen wir anfangen und dem Kapitel, das wir besucht haben, eine Rede hinzufügen . Normalerweise lege ich alle Texte und Schriftzüge in einen Ordner, um die Dinge zu organisieren. Ich erstelle einen neuen Ordner über allen Ebenen. Und ich nenne es Text. Und auf der linken Seite gehe ich zu diesem Button-Tool. Und sobald ich darauf klicke, sage ich mehrere Optionen. Für jedes dieser Unterwerkzeuge gibt es Einstellungen unter der Werkzeugeigenschaft. Sie können die Form der Sprechblase, die Pinselgröße und die Standardfarben ändern der Sprechblase, die Pinselgröße und ändern, wie pixelig oder weich der Rand aussehen soll. Und von hier aus kannst du sogar die Pinselform ändern. Es gibt so viele interessante Sorten. Was ich normalerweise für meine Dialoge mache, verwende ich das letzte Unterwerkzeug, das ist eine abgerundete Schaltfläche. Ich wähle eine rechteckige Figur und mache die Rundheit der Ecken auf 100 Prozent. Und ich habe meine Linienfarbe so eingestellt, dass sie immer schwarz ist, die Füllfarbe immer weiß. Wenn ich sie nicht ändern wollte, würde ich das manuell tun. Wenn dies ausgewählt ist, werde ich weitermachen und die Sprechblase zeichnen. Und wenn ich es einmal gezeichnet habe, kann ich die Einstellungen immer noch mit dem Objektwerkzeug erneut bearbeiten . Von hier aus kann ich also die Randgröße und die Fülldeckkraft bearbeiten . Normalerweise stelle ich meine volle Opazität auf 90 Prozent ein, damit das Kunstwerk nicht vollständig bedeckt wird. Wir können also ein bisschen darunter sehen. Und sobald die Sprechblase hinzugefügt ist, können Sie einen Ballonschwanz hinzufügen. Und nochmal, spiel mit den Einstellungen hier drüben. Beispiel: Ich lasse meins auf eine gerade Linie stellen wobei die Breite der Schwänze auf 100 eingestellt ist. Aber ich kann auch einen Sturz in der Schlange gebrauchen. Und so kannst du einen längeren Schwanz für die Sprechblase erstellen. Oder ich kann auch einen Spline verwenden , um diese kurvigen Schwänze für Sprechblasen zu erzeugen . Hier drüben befindet sich auch der dritte Schlafzimmerschwanz , den Sie Ihrer Sprechblase hinzufügen können. Oder du kannst den Ballonstift verwenden, um deine eigene Ballonblase selbst zu zeichnen. Beispiel möchte ich in dieser Szene nicht, dass es ein perfekter Kreis weil ich ein gewisses Gefühl von Angst einbeziehen möchte. Es wird also ein verschwommenes Handy sein. Für meinen Ballonstift verwende ich die Standardeinstellungen, außer dass ich nur zwei Einstellungen geändert habe , um sie besser an meine Verwendung anzupassen. Ich werde dir diese Einstellungen jetzt zeigen. Übrigens, Sie können alle Einstellungen des Unterwerkzeugs ändern , indem Sie hier auf das Schraubenschlüsselsymbol klicken. Sobald Sie darauf klicken, sehen Sie dieses Menü. Es gibt alle Arten von Einstellungen und diese gibt es für jedes einzelne Werkzeug in CLIP STUDIO PAINT. Also versuche dich damit vertraut zu machen. Was ich also geändert habe, ist die Pinselgröße Ich klicke auf diesen Pfeil hier drüben und habe den Mindestwert für den Stiftdruck auf 20 oder 20, 1% festgelegt, sodass ich diesen Stiftdruckeffekt beim Zeichnen erhalte. Die zweite Sache wird korrigiert. Ich sagte, die Stabilisierung 50 Prozent, denn wenn sie niedrig ist, wird sich das Kopfschütteln bemerkbar machen. Ich wünsche mir also nicht immer diesen sehr wackeligen Look. Deshalb habe ich meinen auf 50 Prozent gesetzt. Indem Sie hier auf das Ich klicken. Ich habe es im Schnellzugriff hier aktiviert , damit ich es schnell ändern kann, wann immer ich will. Und das kannst du auch für jede Einstellung tun. Sie können alle Einstellungen, die Sie haben möchten, in dem Feld hier aktivieren oder deaktivieren . Ich habe es mir anders überlegt und werde es mit einem niedrigeren Stabilisator zeichnen , um es wackeliger zu machen. Nun, wenn Sie sich das Ebenenfenster ansehen. Sie werden sehen, dass wir einen Ballon erstellt haben , der sich außerhalb aller Ordner befindet. Ich ziehe es einfach und lege es in den Textordner, damit ich meine Sprechblase darin habe und gut organisiert bin. Da ich jetzt meine Sprechblase gezeichnet habe, möchte ich sie nur geringfügig anpassen, wie Sie sehen können. Hier drüben gibt es noch ein paar zusätzliche Sachen. Also gehe ich wieder zum richtigen Linienwerkzeug und lösche die zusätzlichen Punkte. Sprechblasenränder sind ebenfalls Vektoren, und dieselbe Operation wird auf sie angewendet. So kann es mit unserer Sprechblase herumspielen und sie nach Belieben anpassen um überschüssige Kontrollpunkte zu entfernen , die uns nicht gefallen. Ich werde die Opazität auf 90 Prozent ändern , damit ich sehen kann, was sich darunter befindet. Nachdem die Sprechblase hinzugefügt wurde, um unseren Dialog zu schreiben, gehen wir zum Textwerkzeug hier drüben klicken auf die Sprechblase und beginnen, unseren Dialog zu tippen. Beachten Sie, wie ich hinter jedem Wort neue Lügen eingeführt habe , die der Form meiner Sprechblase entsprechen. Ich verwende das Objektwerkzeug, um es zu ziehen und es in der Sprechblase zu zentrieren. Aber ich möchte einen wichtigen Hinweis zum Text einführen. Wenn du deinen Text in deine Sprechblase schreibst, achte darauf, dass er der Form der Sprechblase folgt, z. B. wenn ich jetzt die Ränder meiner Texte sehe, haben sie eine Art kreisförmige Form. Versuchen Sie also immer, eine kreisförmige Form zu wählen. Unsere Diamantform, etwas, das oben klein beginnt und dann größer dann kleiner wird, und das macht Ihre Sprechblasen für das Auge angenehmer. Jetzt wurde der Text, den ich hinzugefügt habe sofort mit der Sprechblasenebene verbunden. Das heißt, wenn ich sie jetzt verschiebe, befinden sie sich auf derselben Ebene. Und das macht es so einfach, die Position Ihrer Sprechblase zu ändern . Jetzt können Sie für das Textwerkzeug Ihre Einstellungen und verschiedene Untertools speichern , sodass Sie den Typ und die Größe Ihres Telefons nicht jedes Mal ändern müssen Typ und die Größe Ihres Telefons nicht jedes Mal ändern und die Einstellungen sofort anwenden. Beispiel habe ich hier einen Monolog, also wähle ich einfach alles aus und klicke auf das Monolog-Untertool, das ich hier erstellt habe. Und sobald ich darauf klicke, wurden die Effekte der Monologtexte angewendet. Ich werde die Größe nur ein wenig reduzieren , damit sie zu meiner Sprechblase passt. Und ich werde es auch kursiv schreiben , um es wirkungsvoller zu machen und auch um doppelt anzuzeigen, dass es sich um einen Monolog handelt, nicht um Sprache. Wie speichert man nun die Einstellungen? Klicken Sie einfach mit der rechten Maustaste auf ein Textwerkzeug, das Sie haben , duplizieren Sie es und benennen Sie Belieben. Nennen wir es Dialog. Und nachdem Sie Ihre Einstellungen für die Schriftgröße und andere Dinge festgelegt haben, klicken Sie hier auf das Schraubenschlüsselsymbol und dann auf Alle Einstellungen als Standard speichern. Sie werden in einer Nachricht gefragt, ob es in Ordnung ist , die aktuellen Einstellungen zu ersetzen? Nur um zu klicken, okay? Und da hast du es. Sie können ganz einfach die Standardeinstellungen Ihres Tools erstellen . Für mich habe ich einen für den Dialog, einen für einen Monolog und einen für die Negation. Und ich könnte später mehr hinzufügen, wenn ich eine Notwendigkeit sehe, und das würde ich Ihnen auch raten, dies zu tun. Ein weiterer praktischer Tipp ist , dass Sie eine Liste für Ihre Comic-Schriften erstellen können , sodass Sie nicht durch die gesamte Liste der auf Ihrem PC verfügbaren Schriften blättern müssen, z. B. das sind alle Schriften, die ich auf meinem PC. Ich habe diese Comic-Liste erstellt , die nur eine Handvoll der Schriften enthält , die ich persönlich ausgewählt habe und die ich in meinem Comic verwende. Und das geht, indem Sie auf dieses Zahnradsymbol klicken. auf der linken Seite unter der Schriftliste auf dieses Symbol, Klicken Sie auf der linken Seite unter der Schriftliste auf dieses Symbol, um eine neue Schriftliste zu erstellen. Nennen Sie es, wie Sie wollen. Wenn Sie dann auf die Liste klicken, können Sie durch Ihre Liste der Schriftarten blättern und diejenigen auswählen , die Sie in Ihre Liste aufnehmen möchten. Wenn Sie fertig sind, klicken Sie auf Okay. Und wenn du auf das Drop-down-Menü neben der Schrift klickst, wird es hier hinzugefügt, sodass du schnell auf deine Schriften zugreifen kannst. die Schriften angeht, die ich in meinem Comic verwende, verwende ich hauptsächlich Comic-Schriften , also lizenzfreie Schriften, die sowohl für kostenlose als auch für kommerzielle Projekte verwendet werden können . Dass ich auf der sicheren Seite bin und ich mir bei der Verwendung der Schrift keine Gedanken über rechtliche Verbindlichkeiten machen muss. Es gibt sie in vielen Varianten und ich finde sie in Comics sehr praktisch und ausdrucksstark. Wenn Sie aber trotzdem möchten, dass die anderen Schriften durchsucht werden, können Sie auf dieser Website, one-on-one fonts.com, suchen. Und um nach Telefonen zu suchen, die für kommerzielle Zwecke verwendet werden können , klicken Sie hier auf diese Schaltfläche , damit alle angezeigten Ergebnisse für kommerzielle Projekte verwendet werden können. Warum erwähne ich jetzt kommerzielle Projekte? Weil dies ein großes Projekt ist, das Sie durchführen, und Sie könnten erwägen, Ihre Arbeit zu monetarisieren , damit Sie sich für Ihre Bemühungen auszahlen. Es ist sehr wichtig, auf der sicheren Seite zu sein, wenn es um Urheberrechte und solche Dinge geht. Es gibt aber auch eine Website namens Lambert, auf der Schriften ausschließlich für Comic-Ersteller erstellt werden. Wie Sie sehen können, haben sie so viele interessante Schriftarten und sie sind die Standardschriftarten, die meiner Meinung nach in der Comic-Branche allgemein verwendet werden wenn es um Landschriften geht, aber sie unterstütze unabhängige Schöpfer. Aus diesem Grund sind ihre Telefone für indische YouTuber oder persönliche YouTuber , die keinem Unternehmen angehören oder nicht mit Mainstream-Verlagen zusammenarbeiten, kostenlos für indische YouTuber oder persönliche YouTuber , die keinem Unternehmen angehören oder nicht . Es sollte also in Ordnung sein, ihre Telefone zu benutzen. Wenn Sie alleine arbeiten, Ihnen deren Lizenz erteilt. Okay, kommen wir zurück zu unserer Akte. Nehmen wir an, Sie hatten hier eine weitere Sprechblase, und Sie möchten die beiden Sprechblasen verbinden , sodass eine Fortsetzung und eine Sprechblase entsteht. Sie können das tun, indem Sie einfach den Ballonschwanz verwenden. Sie können es entweder als gerade Linie oder als Polylinie verwenden , wie wir zuvor gezeigt haben, oder sogar als Spline. Diese Art von Verbindung wäre besonders toll, wenn Sie Ihre Reden im gesamten Comic während Sie nach unten scrollen, um für Kontinuität in der Rede zu sorgen. Die Sprache fühlt sich verbunden an , wenn Sie nach unten scrollen. Dann mein aktuelles Kapitel, ich habe solche Konversationen nicht, also habe ich sie entfernt. Lassen Sie uns über das Anpassen der Sprechblase mit dem Objektwerkzeug sprechen das Anpassen der Sprechblase mit dem Objektwerkzeug Sie können die Linienfarbe ändern, z. B. um die Füllfarbe zu lesen, z. B. auf Schwarz. Zum Ändern der Textfarbe. Sie können es ändern, indem Sie den Text auswählen und die Farbe ändern. Sie können also viele Anpassungen vornehmen. Du kannst sogar eine neue Ebene erstellen und sie ausschneiden und vielleicht einen Farbverlauf hinzufügen. Die Möglichkeiten sind wirklich endlos. Je mehr Tools Sie lernen und Clip Studio Paint, desto mehr kreative Kombinationen können Sie sich einfallen lassen. Jetzt auf dieser Seite habe ich zwei weitere Sprechblasen hier drüben. Jede Sprechblase , die ich hinzufüge, kann sich also auf derselben Ebene wie meine vorherige Sprechblase oder auf einer separaten Ebene befinden. Normalerweise behalte ich alles auf derselben Ebene. Und das tun Sie, indem Sie unter den Einstellungen des Unterwerkzeugs hier unter Hinzufügen sicherstellen, dass Sie eine Ebene auswählen müssen , sodass sie auf derselben Ebene liegt. Andernfalls, wenn Sie möchten, dass sich alle von Ihnen erstellten Sprachblasen auf einer separaten Ebene befinden, wählen Sie Neue Ebene erstellen. Ich behalte es auf der ausgewählten Ebene. Und ich füge hier weitere Sprechblasen hinzu und passe sie an. Für diesen Charakter. Ich habe beschlossen, die Farbe der Sprechblase umzukehren, um schwarze Füllung und weiße Kontur zu erhalten, da dies ein Antagonist ist, n ein dunkles Zeichen ist, sodass der Charakter ein gruseligeres Gefühl erhält. Das Gleiche gilt für die Schrift. Ich verwende die gruselig aussehende Schrift , um diese gruselige Atmosphäre zu erzeugen. Eine weitere wichtige Sache , die Sie beachten sollten , ist , dass Sie Ihre Sprachblasen in mehrere Blasen aufteilen Ihre Sprachblasen in mehrere Blasen , damit Sie nicht zu einem großen Textblock werden. Das wäre für den Leser nicht so angenehm zu lesen. Je kürzer die Textblasen sind, desto leichter wird es für Ihren Leser sein, ihnen zu folgen. Und es verleiht deinem Kapitel auch mehr Dynamik. Lassen Sie uns abschließend über die anderen Arten von Sprechblasen sprechen , die wir zuvor besprochen haben. Bisher haben wir uns nur mit Grundformen befasst, aber manchmal wollen wir andere Sprechblasenarten verwenden, wie das Panel, das ich hier habe, z. B. die Figur erhebt ihre Stimme, also brauche ich eine stachelige Sprechblase. Nun, ich könnte es sicherlich mit der Hand durch den Ballonstift zeichnen . Ich muss das nicht immer tun , weil Clip Studio Paint eine Menge Materialien für die Erstellung von Comics enthält und es gibt eine große Auswahl an Sprechblasenformen. Wir können darauf zugreifen, indem wir zu einem dieser Fenster hier gehen und darauf klicken. Sie werden sehen, dass das Materialfenster angezeigt wird. Hier gibt es alle möglichen Materialien, egal ob Pinsel, Posen, Bildmaterial. Wir werden später mehr über die anderen sprechen, aber lassen Sie uns zunächst direkt zu den Sprechblasen übergehen . Gehen Sie also zum Manga-Material und klicken Sie auf den Pfeil daneben und dann auf den Ballon. Und dann wirst du hier verschiedene Typen sehen. Es gibt einen Dialog, es gibt ein Gefühl, es gibt eine Erzählung. Normalerweise verwende ich die Dialogfelder. Also zB hier drüben, ich kann diese zerklüftete Kurve einfach hierher ziehen. Und wenn ich es einmal gezogen habe, weiß ich nicht, warum es direkt in das Panel geht , aber für mich, wie ich bereits erwähnt habe, behalte ich meine Sprachblasen in einem Ordner über allem. Ich ziehe es einfach und lege es hier unter den Textordner. Und ich ändere die Größe, drehe es ein wenig und tippe die Sprache auf die gleiche Weise wie zuvor. Ich ändere die Pinselgröße ein wenig. Und ich habe gesehen, dass es besser ist, den Text auf diese Weise zu schreiben. Es ist in Ordnung, die Fragezeichen in eine neue Zeile zu setzen. Es sieht gut aus und vermittelt immer noch dieselbe Bedeutung. Nehmen wir nun an, ich möchte ein bisschen mit der Dicke des Randes herumspielen . Nun, das kann ich über die Kontrollpunkte tun , die ich dir zuvor gezeigt habe. Es gibt auch dieses Tool namens korrekte Linienbreite. Hier haben wir mehrere Einstellungen. Sie können entweder Ihre Linien verdicken. Wenn ich also die passende Pinselgröße wähle, kann ich über den Rand streichen und sehen, wie die Dicke zunimmt. Also kann ich entweder das machen oder ich kann den engen wählen. Und ich kann auch mit dem Verhältnis spielen, um wie viel ich es eingrenzen oder verdicken wollte. Ich wähle den schmalen und spiele ein bisschen mit der Dicke in der Mitte, um dem Stift ein Druckfeld zu geben. Wie Sie sehen können, haben wir diese Rede gehalten, aber wir werden interessanter aussehen als nur eine einheitliche Randdicke zu haben. Clip Studio Paint ist also mit diesen Formen ausgestattet, aber manchmal reichen sie vielleicht nicht aus. Das Gute ist, dass du so viele Dinge aus den Clip Studio Paint-Assets herunterladen kannst , z. B. habe ich diese zusätzlichen Sprechblasenoptionen heruntergeladen und ich zeige dir, wie ich sie bekommen habe. Wenn Sie sich also in Ihrem Clip Studio-Fenster befinden, gehen Sie hier rüber und klicken Sie auf Clip Studio-Assets. Und Sie können hier nach allem suchen, was Sie wollen, Sprache, Blase usw. und jetzt sehen Sie so viele Optionen, die auftauchen. Oder Sie können einfach hier auf die Detailschaltfläche klicken und auf den Ballon klicken. Dann siehst du viel mehr Optionen , weil du die gesamte Kategorie der Luftballons siehst. Und es ist sehr interessant , je mehr du dir Dinge ansiehst, desto mehr willst du mehr Zeug herunterladen. Hier können Sie die neu hinzugefügten oder die beliebtesten überprüfen, die normalerweise einmal am häufigsten heruntergeladen werden. Unter den beliebtesten findest du also dieses Smooth Speech Bubble Flush Set, die Kollektion, die ich dir gerade gezeigt habe. Und diese sind wirklich auch interessant zu benutzen. Nun, es gibt so viele Assets, die auf CLIP STUDIO-Assets kostenlos sind. Nicht alle von ihnen sind es, einige von ihnen werden bezahlt. Wenn Sie also wieder nur die kostenlosen Ergebnisse sehen möchten, klicken Sie auf Detail und dann unter Preis auf kostenlos. Auf diese Weise müssen Sie nicht überprüfen, ob jeder Artikel kostenlos ist oder nicht. Alle Artikel, die wir gerade sehen, sind kostenlos. Suchen Sie also und sehen welche interessanten Dinge Sie je nach Ihren Bedürfnissen herunterladen können . Und alles, was Sie von Clip Studio Assets herunterladen , wird hier unter Download angezeigt. Sie können dieses Zeug einfach ziehen und auf Ihre Leinwand legen, um es hinzuzufügen. Das war's für diese Lektion. Und in der nächsten Lektion werden wir über das Hinzufügen von Soundeffekten zu Ihren Panels sprechen . 6. 1-4 SFX (Soundeffekte): Lassen Sie uns jetzt über das Hinzufügen von Soundeffekten zu unseren Panels sprechen. Soundeffekte werden als Audio des Comics betrachtet, da der Comic nur aus Bildern besteht. Soundeffekte helfen dabei, dem Leser die Welt des Comics näher zu bringen und ihn in das Geschehen lassen. Atmosphäre, die deine Charaktere umgibt. Wir können sagen, dass es in Comics zwei Arten von Soundeffekten gibt , die den Panels hinzugefügt werden können. Der erste Typ sind diejenigen, die den Klang des Ereignisses ausdrücken. Der zweite Typ sind diejenigen, die die Aktion ausdrücken , die gerade passiert. In beiden Fällen. Sie können sehr nützlich sein, wenn sie hinzugefügt werden, und Ihrem Leser helfen , besser zu verstehen was in den Panels vor sich geht. Lassen Sie uns also darüber sprechen, wie man sie hinzufügt. Um die Dinge zu organisieren, speichere ich meine Soundeffekte in einem separaten Ordner. Ich erstelle einen neuen Ordner und nenne ihn s f x, was die Abkürzung für Sound Effects ist. Lassen Sie uns als Beispiel an diesem Panel arbeiten. Und dieses Panel habe ich den Thumps-Soundeffekt, was im Grunde ein starker Herzschlag ist. Sie können den Soundeffekt entweder eingeben oder von Hand schreiben. Ich werde dir beide Fälle zeigen. Also gebe ich für dieses Panel den Soundeffekt ein. Also schnappe ich mir das Textwerkzeug und tippe es ab. Die Textebene wurde in das Panel selbst gelegt. Also ziehe ich es und lege es in den Ordner für Soundeffekte. Und jetzt ändere ich die Schrift. Normalerweise verwende ich Comic-Con-Displaykappen für meine Soundeffekte. Ich werde es vergrößern. Und ich werde es ein bisschen drehen. Und ich werde es auch kursiv machen, damit es effektiver aussieht. Und ich gebe ihm eine rote Farbe, da der Herzschlag normalerweise der roten Farbe zugeordnet ist. Und ich erstelle eine neue Ebene und schneide sie mit dieser Schaltfläche ab. Wählen Sie nun diesen Bereich aus , damit ich einen Farbverlauf hinzufügen kann. Ich kann einen Farbverlauf hinzufügen, der zu Rot passt. Ich werde versuchen, mich für Hellgelb zu entscheiden. Vielleicht etwas Dunkleres und Orangefarbenes. Wenn Sie Farben wählen, die im Farbkreis näher beieinander liegen , sehen die Soundeffekte interessanter aus. Wir werden mehr über Farben sprechen. Wenn wir über Farbtheorie sprechen. Ich ändere den Hintergrund vorübergehend auf Schwarz, damit Sie sehen können, was passiert. Ich werde die Opazität des Storyboards reduzieren. Wie du siehst, sieht es schon cool aus. Aber ich möchte es auch skizzieren. Ich halte die Umschalttaste gedrückt, wähle beide Ebenen aus und ziehe sie zum Ordnersymbol , um sie in einem Ordner zu platzieren. Oder ich kann das auch von der Ebene aus machen, Ordner erstellen und Ebene einfügen. Also jetzt ist das Ganze in einem Ordner. Um diesem Effekt unter Ebeneneigenschaft eine Kontur hinzuzufügen, klicken Sie auf diese Schaltfläche namens Randeffekt. Hier kannst du die Dicke des Randes anpassen. Von hier aus können Sie die Farbe des Randes ändern. Wenn Sie auf diese Schaltfläche klicken, wird die Farbe verwendet, die Sie bereits ausgewählt haben. Aber ich glaube, ich nehme ein bisschen mehr gelbliche Farbe und schaue, wie sie aussieht. Vielleicht etwas Helleres oder vielleicht etwas noch Dunkleres. Lass es uns ausprobieren und sehen, wie es aussieht. Ja, das sieht effektiver aus. Um diesen Effekt dramatischer aussehen zu lassen, können wir nun bestimmte Transformationen vornehmen. Ich möchte Ihnen zeigen, was wir mit dem Text so machen können, wie er ist. Wählen Sie den Text aus und gehen Sie zu diesem Schraubenschlüssel hier drüben für die Einstellungen und gehen Sie zu den Transformationseinstellungen. Hier drüben gibt es diese beiden interessanten Effekte, nämlich die SKU. Das liegt daran, dass der Text in die horizontale Seite hineinragt. Und dieser ist, weil er auf der senkrechten Seite ist. Wir können dies auch durch die Griffe tun, indem wir auf dieses Drop-down-Menü neben dem Modus klicken und die SKU auswählen. Mit den Griffen können Sie jetzt mit mehr Freiheit damit spielen. Was du damit auch machen kannst, ist ein Herumspielen mit der Schriftgröße, z.B. lass es uns groß anfangen N wird klein. Also werde ich die Größe der folgenden Buchstaben für jeden Buchstaben ein wenig erhöhen folgenden Buchstaben . Und ich werde die Lehrbücher vergrößern , damit ich sehen kann, was passiert. Erhöhen Sie dies auf. Und zum Schluss der Tee. Vielleicht könntest du das ein bisschen gebrauchen. Lass uns das Ganze nach oben bewegen, damit wir immer noch unseren Gradienten sehen können. Das sieht also schon cool aus. Mir gefällt, wie es bisher ausgegangen ist. Aber ich werde es noch einmal eingeben und Ihnen ein weiteres Beispiel dafür zeigen , was Sie tun können. Nehmen wir an, wir hatten diese Textebene. Wir können derzeit nicht viele der Transformationstools verwenden. Wir sind durch die Tools, die wir haben, sehr eingeschränkt. Was wir also tun können, ist, dies zu rastern, indem wir mit der rechten Maustaste auf die Ebene klicken. Klicken Sie dann auf Rasterize, dann können wir diese coolen Transformationsoptionen verwenden. Wenn Sie sich erinnern, haben wir sie in der Einführungsstunde in die Einstellungen der Befehlsleiste eingefügt. Also z. B. ich kann das kostenlose Transformationstool verwenden, indem Sie darauf klicken oder zu Edit transform, free transformation, free transformation gehen. Und ich kann die Griffe ziehen und mit diesen Transformationsoptionen viel coolere Effekte erzielen. Ich kann den Modus auch von hier aus ändern. Also habe ich die kostenlose Transformation , die ich dir gerade gezeigt habe. Ich habe die Option Verzerren, die vielleicht ein bisschen unterschiedliche Funktionen bieten kann. Es gibt die SKU-Option, die der von uns zuvor verwendeten ähnelt und bereits in den Texteigenschaften verfügbar ist. Und dann ist da noch die Perspektive, die sich hervorragend eignet, um Ihrem Soundeffekt Tiefe zu verleihen. die Ebene rastern, können Sie den Text jedoch nicht mehr bearbeiten, da es sich jetzt um ein Bild handelt. Machen Sie diesen Schritt also erst, nachdem Sie das Aussehen Ihres Soundeffekts festgelegt haben . Was Sie auch tun können, um einen interessanten Soundeffekt zu erzielen , ist, dass Sie jeden Buchstaben auf einer separaten Ebene eingeben können. Also gebe ich z. B. den gleichen Soundeffekt ein. Jeder Buchstabe auf einer separaten Ebene haben. Ich schreibe den ersten Buchstaben und dupliziere dann die Ebene, indem ich mit der rechten Maustaste darauf klicke und dort auf Duplizieren klicke. Und ich werde es hierher ziehen. Und ich werde den nächsten Brief lesen. Und ich dupliziere es erneut. Und ich schreibe den folgenden Brief. Erneut duplizieren. Und der letzte Brief. Jetzt kann ich ganz einfach mit der Platzierung der Buchstaben herumspielen und sie an meine Wünsche anpassen. Ich werde die Textbuchgröße reduzieren , damit ich sie leichter kontrollieren kann. also einen Liter reingebe, um sie im Stich zu lassen, gebe ich dieses Gefühl von Zittern. Und ich kann alle Buchstaben in den Ordner legen. Und noch einmal, füge ihnen einen Rand hinzu. Und wieder kann ich Farbverläufe hinzufügen , wie ich es mit dem vorherigen getan habe. Ich kann auch mit der Größe jedes Buchstabens und seinem Winkel und seiner Drehung spielen jedes Buchstabens und seinem Winkel . Die Möglichkeiten sind also wirklich endlos. Machen Sie einfach wirklich viele Experimente und sehen Sie, was Sie damit machen können. Wie ich bereits erwähnt habe, können Sie Ihre Soundeffekte auch von Hand schreiben. Also werde ich das tun, indem ich eine neue Vektorebene erstelle. Eine Vektorebene ist im Grunde eine Ebene , die ihre Qualität nicht verliert, was wir in der Linienkunst häufig verwenden werden. Es ist aber auch effektiv, es für Soundeffekte zu verwenden . Also z. B. kann ich diesen Soundeffekt mit meiner eigenen Handschrift von Hand schreiben, indem ich nur einen sehr einfachen Pinsel verwende. Und es ist völlig in Ordnung. Es muss nicht perfekt aussehen. Es sieht immer noch cool aus und passt zu der Szene , die ich zeichnen möchte. Und ich kann immer noch so viel damit herumspielen, wie ich will. Sie können auch einige vorgefertigte Soundeffekte von Clip Studio-Assets herunterladen . Einige Leute haben interessante Soundeffekte hochgeladen, sodass Sie sie verwenden können anstatt sie selbst zu machen. Aber ich persönlich mache sie gerne, also macht es mir nichts aus, sie jedes Mal zu machen. Nun, wir haben die Soundeffekte zu diesem Zeitpunkt hinzugefügt. Wir können es auch später belassen, nachdem wir mit dem Zeichnen des Panels fertig sind , damit wir das Aussehen und die Farben des Soundeffekts anpassen können , damit es besser zum Panel passt, sodass es mehr wirksam. Ob Sie sie jetzt oder später hinzufügen möchten, es liegt ganz bei Ihnen, aber ich hoffe, diese Lektion gibt Ihnen eine gute Idee, wie Sie mit Soundeffekten herumspielen und sie interessant aussehen lassen können. das Wissen und Wissen darüber welchen Soundeffekt Sie genau in Ihrem Panel verwenden sollten, angeht, welchen Soundeffekt Sie genau in Ihrem Panel verwenden sollten, würde ich sagen, dass dies mit Erfahrung verbunden ist. Und je mehr Sie Comics lesen, desto mehr Soundeffekte können Sie von hier und da hören. Und Sie werden anfangen, sie zu verwenden, ohne es zu merken , weil es für Sie inzwischen offensichtlich sein wird Wenn Sie alle Schritte befolgt haben, über die wir gesprochen haben, sollten Sie einen vollständigen Rohentwurf haben, der bereit ist liest und fühlt sich an wie ein komplettes Kapitel. müssen wir nur noch diese Paneele zeichnen und ausmalen damit wir sehen können, wie die Webmelodie zum Leben erweckt wird. Deshalb werden wir in der nächsten Lektion endlich mit der Zeichenphase beginnen. Wir werden Tools und Techniken besprechen, mit denen Sie Ihre Skizzengeschwindigkeit erhöhen können. 7. 2-1 Skizziertechniken: Okay, jetzt ist es endlich an der Zeit, mit dem Skizzieren zu beginnen , was ich normalerweise mache, wenn ich bei diesem Schritt bin Ich habe die Soundeffekte und die Textordner gehört , damit ich meine Skizze klar sehen kann. Und ich verringere auch die Opazität der Storyboard-Ebene. Alles, was mich klar sehen lässt. Ich fange an, auf dieser Ebene zu skizzieren , die bereits verfügbar ist. Normalerweise skizziere ich mit einem speziell angefertigten Pinsel, den ich für mich selbst gemacht habe, bei dem es sich im Grunde um einen modifizierten G-Pen handelt. Sie können es von den Clip Studio-Assets herunterladen. Ich habe es da hingestellt. Um die Pinselgröße zu steuern, verwende ich die Klammertasten auf der Tastatur. Die Schreibklammer dient zur Vergrößerung und die linke Klammer zum Verkleinern. Ich habe keine bestimmte Pinselgröße, mit der ich skizziere. Ich wähle einfach alles aus, was mit meinem Panel gut aussieht. Während ich skizziere, sind meine Hände ständig auf dem Control Z meiner Tastatur , sodass ich meine Linien schnell rückgängig machen kann , wenn sie nicht gut aussehen. Oder du kannst diese Taste auch hier drücken, um das rückgängig zu machen. Oder du kannst zu Bearbeiten > Rückgängig machen gehen. Und wenn Sie einen Schritt rückgängig machen, können Sie ihn mit dieser Schaltfläche oder über Bearbeiten wiederholen oder Strg Y auf der Tastatur wiederholen. In diesem Schritt können Sie sehen, warum noch nie von Draft gehört hat, das beim Skizzieren wirklich hilft. Weil das schon dort im Panel dargelegt ist. Und ich muss nicht darüber nachdenken, was ich zeichnen soll, aber ich komme einfach und skizziere sofort darüber. Das spart auch viel Zeit und Mühe. Beim Skizzieren korrigiere ich die Fehler, die ich im Rohentwurf sehe , sodass ich eine ordentlichere Skizze erstelle. Ich klicke auf das E, um das Radier-Tool aufzurufen. Während ich skizziere, ist meine Hand immer auf den Tasten Control-Z und E-Taste. Manchmal hilft es, eine neue Ebene zu erstellen und bestimmte Bereiche darauf zu skizzieren. Zum Beispiel skizziere ich hier die Augen auf einer neuen Ebene, damit ich sie leicht positionieren kann wenn ihre Position nicht gut aussieht. Es ist sehr wichtig, beim Zeichnen die Leinwand umzudrehen , um zu sehen, ob die Dinge an der richtigen Stelle sind. Sie können die Leinwand entweder über diese Schaltfläche im Navigatorfenster oder über diese Schaltfläche hier oben, die wir in der Befehlsleiste eingerichtet haben, umdrehen im Navigatorfenster oder . Also entscheide ich mich normalerweise für diesen Button oben. Wenn ich jetzt meine Leinwand umdrehe, kann ich sehen, dass dieses Auge fehl am Platz ist. Ich aktiviere hier den Frame-Hintergrund , sodass ich nur meine aktuelle Skizze ohne das Storyboard sehen kann . Und jetzt kann ich das Auge mit dem Lasso-Werkzeug auswählen und es mit dem Verschiebewerkzeug bewegen und die Auswahl aufheben. Beim Skizzieren verwende ich also häufig die Auswahlwerkzeuge. Zum Beispiel habe ich das Lasso-Werkzeug , das ich Ihnen gerade gezeigt habe, das mir geholfen hat, einen bestimmten Abschnitt auszuwählen und ihn mit dem Verschiebewerkzeug zu bewegen. Ich verwende auch die Auswahlwerkzeuge für den Auswahlstift und den Radiergummi. Sie sind sehr hilfreich, um schnell Teile Ihres Kunstwerks auszuwählen. Beispiel möchte ich die Wange anpassen , sodass ich sie mit dem Auswahlstift auswähle , den ich übrigens mit der S-Taste als Abkürzung auf mein Keyword gesetzt habe . Und dann kann ich die Wange mit dem Move-Tool ein wenig bewegen. Aber was ich jetzt tun möchte, ist, dass ich das transformieren möchte. Es gibt also mehrere Transformationstools , die ich beim Skizzieren sehr hilfreich finde. Ich möchte sie dir eins nach dem anderen vorstellen. Das erste ist das Free Transform-Tool, das Sie aufrufen können, indem Sie auf diese Schaltfläche klicken , über die wir zuvor gesprochen haben, oder indem Sie auf Ihrer Tastatur auf Strg T klicken. Halten Sie dann die Steuertaste auf Ihrer Tastatur gedrückt, um sie schnell zu aktivieren. Oder indem Sie den Modus von hier auf freie Transformation ändern. Dies ist das erste Werkzeug, das ich jetzt weiter skizzieren werde und dann das zweite Werkzeug vorstellen werde. Machen Sie es sich zur Gewohnheit, Ihre Leinwand ständig umzudrehen Ihre Fehler zu erkennen und zu korrigieren. Es ist absolut normal, beim Zeichnen Fehler zu haben , also mach dir darüber keine Sorgen. Daran ist nichts falsch. Lassen Sie uns jetzt über das zweite Tool sprechen. Ich denke, dass höhere Proportionen ein bisschen von sind. In einem solchen Fall habe ich also zwei sehr nützliche Transformationstools verwendet. Die erste ist die Mesh-Transformation, für die wir hier oben in der Befehlsleiste eine Schaltfläche dafür eingerichtet haben. Sie können auch über Bearbeiten, Transformieren, Mesh-Transformation darauf zugreifen . Wenn Sie dieses Tool aktivieren, wird alles, was Sie in Ihrer Auswahl hatten in gleiche Rechtecke aufgeteilt. Indem Sie diese Kontrollpunkte ziehen, können Sie Ihre Ebene ganz einfach transformieren. Aber ich werde das rückgängig machen. Ich führe beide Ebenen zusammen und aktiviere dann die Mesh-Transformation erneut. Sie können die Anzahl der Abteilungen erhöhen , indem Sie die Zahlen hier ändern. Die robuste Version ändert die Anzahl der horizontalen Unterteilungen und die unterste die Anzahl der vertikalen Unterteilungen. Aber in meinem Fall werde ich sie so lassen, wie sie waren. Ich werde es verwenden, um meine Skizze schnell zu bearbeiten und sie ein bisschen besser aussehen zu lassen. Schnelles Beheben von Fehlern. Ich drehe auch immer wieder die Leinwand um, um sicherzustellen, dass alles richtig aussieht. Ich ändere die Position ihres Mundes, damit es interessanter aussieht. Die Mesh-Transformation ist ebenfalls sehr hilfreich und passt die Augenformen an. Persönlich zeichne ich nicht immer perfekte Kreise, daher ist es die Augen mit dem Mesh Transformation Tool anzupassen viel einfacher, die Augen mit dem Mesh Transformation Tool anzupassen. Die Transformationstools sind auch nützlich, um den Mund anzupassen. Vor allem auch hier ist die Mesh-Transformation sehr hilfreich. Das letzte sehr nützliche Transformationstool, das ich vorstellen möchte, ist das Liquify-Tool. Sie finden das Werkzeug „Verflüssigen“ unter dem Werkzeug „Weichzeichnen“ oder „Vermischen“. Und du findest es oben hier drüben namens Liquify. Dieses Werkzeug ist wie ein Pinsel. Es verfügt über mehrere Einstellungen. Sie können es verwenden, um Ihre Skizze schnell anzupassen, z. B. setzen die Pinsel jetzt auf die erste Einstellung, nämlich drücken. Durch das Bürsten kann ich die Pixel leicht verschieben und somit meine Skizze sehr einfach anpassen. Du kannst mit der Stärke und der Härte herumspielen. Persönlich belasse ich es auf den Standardeinstellungen. Manchmal verwende ich auch das Expand, das deine Skizze vergrößert. Und manchmal verwende ich auch den Pinch One , der das Gegenteil zum Handwerkzeug ist. Spielen Sie also mit dem Liquify-Tool herum und sehen Sie, wie Sie Ihre Skizze damit anpassen können. Lassen Sie uns nun zu diesem Panel wechseln und über ein weiteres sehr praktisches Tool sprechen , das Sie verwenden können, nämlich den Symmetrie-Ruder. Das Symmetrie-Lineal eignet sich hervorragend zum Zeichnen von Gesichtern vor Ihnen, da sie auf beiden Seiten symmetrisch sind. Also kann ich mir dieses Lineal von hier holen. Dieses Linealsymbol unter diesen Softtools Klicken Sie hier auf das symmetrische Lineal, um das Gesicht zu zeichnen. Belassen Sie nun die Anzahl der Linien auf zwei und kommen Sie zu Ihrem Kunstwerk und ziehen Sie , um Ihr Lineal einzurichten. Wenn Sie es ein wenig drehen und diese Position anpassen möchten , können Sie das mit dem Objektwerkzeug tun. Indem du darauf klickst. Ich kann es von hier aus drehen und diese Position anpassen. Ich denke, das ist gut genug. Normalerweise stelle ich es so ein, dass es die Knoten meines Charakters kreuzt , weil das der Symmetriepunkt ist. Jetzt kann ich problemlos das Gesicht meines Charakters skizzieren , ohne mich zweimal anstrengen zu müssen. Normalerweise skizziere ich nur die Augen, das Gesicht und die Ohren, während die Symmetrieregeln aktiviert sind. Und manchmal skizziere ich auch den Hals, aber in diesem Fall brauche ich den Hals nicht , weil der Hals nicht symmetrisch ist. Sobald ich mit dem Zeichnen des symmetrischen Teils fertig bin, ich mit der rechten Maustaste auf das Linealsymbol hier oben auf der Ebene und deaktiviere dann sicher, Lineal, damit ich ohne den Effekt des Lineals weiterzeichnen kann . Und dann mache ich weiter mit dem gleichen Prozess wie zuvor, mache Transformationen und wähle Dinge aus und verschiebe sie nach meinen Bedürfnissen. Und achte auch darauf, die Leinwand umzudrehen, damit ich sehen kann , ob mein Kunstwerk richtig herauskommt. Manchmal habe ich das Gefühl, den Kopf zu groß oder zu breit gezeichnet zu haben. Also habe ich es einfach selbst ausgewählt und benutze das normale Transformationstool, um es zu verkleinern , bis ich finde, dass es aussieht. Okay. Also haben wir ein weiteres Panel fertiggestellt. Sie können das Symmetrielineal auch für andere Zwecke verwenden . Lassen Sie uns z. B. die Anzahl der Linien auf vier oder fünf ändern und eine Linie zeichnen. Jetzt können Sie sehen, dass wir fünf Symmetrielinien haben. Dies ist sehr nützlich , um schnell zu zeichnen. Muster sind z.B. Spitze und solche Dinge. Du kannst damit so viele interessante Dinge machen, so mühelos. Skizzieren kann also eine wirklich lustige Erfahrung sein. Und mit all den Tools, die ich Ihnen vorgestellt habe, machen sie diese Phase viel, viel einfacher, wie Sie gesehen haben. Aber manchmal kann es immer noch schwierig sein, deine Skizze richtig zu machen. Vor allem, wenn Sie Herzposen haben , die Sie nicht gewohnt sind, zu zeichnen, oder wenn Sie sich nur schwer vorstellen können, wie sie aussehen. In solchen Fällen sollten Sie sich nicht zu viele Sorgen machen. Suchen Sie einfach nach einigen Fotoreferenzen und zeichnen Sie Ihre Pose, während Sie sie betrachten. Und wenn das Foto von Ihnen ist, ist es absolut kein Problem, es nachzuverfolgen , da Sie dadurch auf lange Sicht viel Zeit sparen können . Ich meine, Comics zu zeichnen ist keine leichte Aufgabe. Es ist eine sehr zeit- und energieaufwändige Aufgabe, insbesondere wenn Sie ein Publishing-Ersteller sind und weiterhin zeitnah Updates veröffentlichen möchten, dann müssen Sie unbedingt Abkürzungen nehmen verarbeiten. Persönlich habe ich, seit ich angefangen habe, an meinem Web-Tune zu arbeiten, zu meinem Motto gemacht, intelligenter zu arbeiten, nicht härter. Wo immer ich Abstriche machen kann, würde ich nicht zögern, das zu tun. Aber Sie sollten sich am meisten darum kümmern , Ihren Comic eine klare Weise zu präsentieren, die auch Spaß macht und nicht zum Stress wird . Also, wo und wann immer Sie diese großartigen Tools nutzen können , die Ihnen die Technologie zur Verfügung gestellt hat, um das Zeichnen zu einem viel einfacheren Erlebnis als je zuvor zu machen . Und mach dir keine Sorgen um deine Fähigkeiten. Deine zeichnerischen Fähigkeiten werden sich sowieso mit der Zeit verbessern, während du deinen Comic zeichnest. Denn für jedes Kapitel zeichnest du mindestens 30 Kunstwerke. Sie werden also feststellen, dass Sie mit der Zeit Ihre Skizzierfähigkeiten verbessern werden und Ihre allgemeinen Zeichenfähigkeiten erheblich verbessern werden. Aber natürlich ist es auch sehr wichtig, ab und zu Übungssitzungen zum Gestenzeichnen zu machen . Zeichnen beim Betrachten von Fotoreferenzen. Es kann dazu beitragen, Ihr Gedächtnis zu bereichern und Ihnen einen neuen Katalog von Posen vorzustellen , die in Ihrem Kopf gespeichert werden können. Sie werden also feststellen, dass das Zeichnen bestimmter Posen mit der Zeit einfacher wird. Je mehr du übst. Apropos Fotos und allem, ich möchte Ihnen einen sehr nützlichen Schnelltipp geben. Wenn Sie Pausen hatten, die wirklich schwer zu zeichnen sind , oder wenn Sie Zeit sparen möchten, anstatt sie erraten zu müssen. Nehmen Sie einfach ein Foto für Ihre Hand, kopieren Sie es, fügen Sie es in das Ontario-Panel ein und ändern Sie die Größe entsprechend der Zusammensetzung Ihres Panels. Senken Sie die Opazität und zeichnen Sie einfach darüber und sparen Sie sich viel Zeit, anstatt raten zu müssen. Ich möchte, dass Sie wissen, dass das völlig in Ordnung und in Ordnung ist, weil es Ihr eigenes ist Foto und das ist völlig in Ordnung. Aber du musst natürlich darauf achten, dass du deine eigenen Fotos verwendest oder du dafür urheberrechtsfreie Fotos verwendest. Um Probleme zu vermeiden. Wenn das Foto von dir ist, gibt es absolut kein Problem damit. Jetzt deaktiviere ich mein Handfoto und spiele ein bisschen damit herum , damit es meinem Rohentwurf ähnelt. Ich spiele auch mit der Dicke herum , weil ich das sofort als meine Liniengrafik verwenden werde , da es eine saubere Skizze ist. Ich werde die Dosis auch mit dem Bildtransformationstool ein wenig anpassen . Ich verfolge Handfotos nicht immer so, wie sie sind. Ich nehme einige Anpassungen an ihnen vor, damit sie meiner Butter im Kunststil ähneln. Also probiere es aus. Wenn du in deinem Kapitel einen Handschuss hast, mach ein Foto von deiner Hand und mache es dir leichter . Und da hast du es. Ich habe dieses Panel so schnell fertiggestellt. Das ist also alles für diese Lektion. Und in der nächsten Lektion werden wir über die 3D-Figur von Clip Studio Paint sprechen und darüber, wie wir sie verwenden können, um harte Posen zu zeichnen. 8. 2-2 mit 3D-Figuren: Lassen Sie uns nun über die Verwendung der 3D-Figur und Clip Studio Paint sprechen , um die 3D-Figur in Ihre Leinwand einzufügen Öffnen Sie das Materialfenster. Es ist in Ordnung, auf jemanden zu klicken Gehen Sie einfach zu allen Materialien. Und dann unter 3D zum Körpertyp wechseln. Und von hier aus können Sie den Körpertyp auswählen, ob Sie ein männliches oder ein weibliches Model möchten. Diese vier Figuren werden standardmäßig mit Clip Studio Paint geliefert und den Rest habe ich heruntergeladen oder selbst gemacht. Ich nehme eine männliche Figur und lasse sie auf die Leinwand fallen. Wenn Sie es auf die Leinwand legen, sehen Sie diese Werkzeugleiste. Über diese Bedienelemente können wir die Position und den Kamerawinkel der Figur schnell anpassen . Die erste Taste auf der rechten Seite schmeckt der Kamera. Der zweite schiebt die Kamera an, und der dritte bringt sie weiter oder bringt sie näher an die Kamera heran. Wenn Sie dort mehrere Figuren in Ihrem 3D-Modell haben, diese ersten drei Schaltflächen steuern diese ersten drei Schaltflächen alle 3D-Objekte in der Ebene. Die letzten fünf Symbole steuern die Objekte jedoch einzeln. Wenn ich z. B. darauf klicke, kann ich die Position der Figur und die Umgebung anpassen . Dieser dreht die Figur in alle Richtungen. Dieser dreht es nach rechts und links. Und dieser dreht es um sich selbst oder um die Z-Achse. Und dieser kontrolliert die Position und die Entfernung. Um ein Modell auf Ihrer Leinwand zu löschen, klicken Sie einfach mit dem Objektwerkzeug darauf und klicken Sie dann auf Ihrer Tastatur auf die Schaltfläche Löschen. Übrigens können Sie die Kameraeinstellungen auch einfacher und genauer über die Einstellungen steuern . Sie haben sie hier drüben unter der Tool-Eigenschaft. Oder du kannst auch auf den Schraubenschlüssel klicken und zur Kamera gehen und mit der Positionierung der Schieberegler hier drüben spielen . Sie können auch mit der Position der Figur aus der Zuweisung spielen . So können Sie das Zeichen problemlos in X-, Y- und Z-Richtung bewegen . Übrigens, wenn Sie möchten, dass die Abbildung weniger verzögert wird, gehen Sie zu den Einstellungen und ändern Anzeigeeinstellungen für eine zu schnelle Bearbeitung. Es wird ein bisschen weniger Glück bringen. Jetzt. Sie können auch mit der Position der Figur herumspielen indem Sie darauf doppelklicken und dann diese Schieberegler hier steuern, um sie in X-, Y- und Z-Richtung zu bewegen . Wenn dein Charakter schwebt, kannst du jederzeit diesen Knopf hier drüben drücken um ihn so zu erden, dass er wieder auf Bodenniveau ist. Sie können auch mit der Lichtrichtung auf der Figur herumspielen , indem Sie zur Lichtquelle gehen. Dann spiele ich mit der Beleuchtung auf dieser Schale herum. Um nun die Pose der Figur zu ändern, gibt es zwei Möglichkeiten. Wenn Sie sich in dieser Ansicht befinden, können Sie sich an diesen Kontrollpunkten bewegen , sodass Sie die Position der Pose ganz einfach wie zuvor anpassen können . Drehen Sie einfach die Kamera, sodass Sie aus verschiedenen Blickwinkeln sehen können , wie sie aussieht. Die Steuerung hier ändert die Richtung, in die dein Charakter schaut. Es ist also wie ein Objekt, das die Charaktere betrachten. Das ist der einfache Weg. Sie können aber auch den anspruchsvolleren Weg gehen. Du klickst auf jedes Körperteil einzeln, um es anzupassen. Die Anpassung dieser Zahl ist nicht so einfach. Sie benötigen ein gewisses Verständnis der Muskeln des Körpers, da die Art und Weise, wie sie sich bewegen, im Wesentlichen davon abhängt, wie sich die Muskeln bewegen. Um z. B. den Arm anzuheben, müssen Sie die Schulter anheben. Und wenn Sie die Schulter senken, wird auch der Arm gesenkt. Es ist also nicht sehr einfach. Und manchmal kann es sehr frustrierend werden, die richtige Pose zu finden. Aus diesem Grund empfehle ich dringend , bereits gemachte Posen zu verwenden Sie finden die Standardmaterialien von Clip Studios oder laden Sie mehr aus den CLIP STUDIO-Assets herunter, z. B. gehen wir zurück zu Materialfenster , das wir zuvor geöffnet hatten. Unter 3D. Wenn du ein bisschen nach unten scrollst, siehst du Pose. Und unter der Pose gibt es Pausen für den ganzen Körper und es gibt Pausen für die Hände. So gibt es z. B. für den gesamten Körper all die Pausen, die standardmäßig mit dem Clip Studio Paint enthalten sind, um sie einfach per Drag & Drop auf Ihr Modell anzuwenden . Und Sie können die Handhaltung auch durch Ziehen und Ablegen ändern . Wenn Sie einfach beide Hände ziehen und ablegen, werden die Posen geändert. Wenn Sie jedoch nur eine Hand gezielt ändern möchten, wählen Sie die Hand aus und ziehen Sie die Pose dann per Drag-and-Drop ab. Jetzt habe ich verschiedene Posen für die Hände. Lassen Sie uns das nun auf eines meiner Panels anwenden. Ich habe dieses Panel meines Charakters am Laufen. Also habe ich nach Clip Studio-Assets gesucht und dieses Modell heruntergeladen , das ich für geeignet hielt. Also gehe ich zu den Downloads in den Materialien und ziehe die Pose in mein Panel. Jetzt habe ich mich diesmal nicht für unseren Körpertyp entschieden, weil oh, Pose wird standardmäßig in einen männlichen Körpertyp umgewandelt. musste ich also nicht ändern. Aber wenn ich möchte, dass ein weiblicher Körperbau verweigert wird, achte darauf, zuerst den weiblichen Körpertyp zu ziehen und dann die Pose anzuwenden. Ich werde den Winkel und die Position dieses 3D-Modells an die meiner Szene anpassen . Ich werde ein bisschen damit herumspielen, um es in die intensivere Pose zu bringen , nach der ich suche. Wie du siehst, ist es viel einfacher, deinen Beitrag anzupassen , wenn du eine vorgefertigte Pose hast. Das spart viel Zeit und Mühe. Jetzt gibt es unter den Einstellungen eine sogenannte Manga-Perspektive. Wenn Sie es aktivieren, werden die Objekte, die sich in der Nähe der Kamera befinden, vergrößert. Für eine etwas übertriebene Perspektive, obwohl der Effekt nicht immer offensichtlich ist. Um die Perspektive zu übertreiben, können wir zur Kamera gehen und dann unter Perspektive diesen Schieberegler hierher bringen und ihn vergrößern. Jetzt habe ich eine dramatischere Pose. Diese Figur ist also zu groß für die Proportionen meines Charakters. Also gehe ich zur 3D-Zeichnungsfigur reduziere die Höhe der Figur auf etwa 162, was der Größe meines Charakters nahe kommt. Und ich werde das Kopf-zu-Körper-Verhältnis verringern , weil ich normalerweise größere Köpfe zeichne. Jetzt, da fast alles fertig ist, möchte ich die Opazität dieser 3D-Figur reduzieren , damit ich darauf zeichnen kann. Aber wenn ich es so reduziere, wie es ist wird sich die Opazität nicht ändern. Und der Grund dafür ist, dass wir die Anzeigeeinstellungen so einstellen, dass sie schnell sind, weil wir unter Einstellungen festgelegt haben. Ändere das einfach wieder in den Normalzustand. Und wie Sie sehen können, ist es transparent. Jetzt. Ich kann so viel mit der Opazität herumspielen, wie ich will. ich nun auf 3D-Figuren skizziere, folge ich nicht immer genau der 3D-Figur, so wie sie ist, aber sie verwenden eine Kombination aus meinem Rohentwurf und der Figur , um meine Pose zu korrigieren weil ich nicht will um die ursprüngliche Wirkung und das Gefühl zu verlieren, das ich in den Rohentwurf gesteckt habe , damit meine Skizze nicht steif aussieht. Wie Sie sehen, verfolge ich den Rohentwurf und mache mir gleichzeitig Notizen von der 3D-Figur, die ich habe. Ich habe beide hin und wieder deaktiviert, um zu überprüfen, wie das Kunstwerk zusammenkommt. Und natürlich auch, um die Leinwand umzudrehen, damit ich sehen kann, ob mein Kunstwerk richtig aussieht. Und dann einfach alles , was falsch aussieht. Ich werde den Körper ein bisschen nach rechts bringen , um einen übertriebenen Lauf zu haben , der mehr Wirkung hat. Ich folge der 3D-Figur nicht immer genau wie sie ist, weil ich einen eigenen Kunststil habe. Und ich finde, dass manchmal dem Weg geht, wenn ich der 3D-Figur so folge, wie mein Kunststil irgendwie aus dem Weg geht, wenn ich der 3D-Figur so folge, wie sie ist. Ich verwende es nur als Basisreferenz. Manchmal gehe ich es einfach so durch, wie ich es jetzt mache. Und manchmal lege ich es einfach auf die Seite und nur um es mit den Augen zu bezeichnen, während ich meine Skizze mache. Da dieser Sketch jetzt fast fertig ist, habe ich entweder beide deaktiviert. Und ich werde daran arbeiten, Dinge mit den Augen zu korrigieren und die Transformations- und Auswahlwerkzeuge zu verwenden , über die wir in der vorherigen Lektion gesprochen haben. Manchmal reicht es nicht aus, eine 3D-Figur zu verwenden. In solchen Fällen ist es also auch eine gute Idee, auf Fotos aus dem wirklichen Leben oder andere Comics oder Künstlerarbeiten zu verweisen , die diese spezielle Pose haben , nach der Sie suchen. Ich werde diese Hand weiter vergrößern um ihr ein übertriebenes Aussehen zu geben. Ich liebe es, dramatische Kamerawinkel zu fotografieren und es macht wirklich Spaß, mit ihnen herumzuspielen. Ich kann die 3D-Figur hin und wieder aktivieren , um sie als Referenz zu verwenden. Während ich meine Skizze ein letztes Mal anpasse. Aber es ist irgendwo , wo ich es sehen kann. Verwenden Sie das Liquidy-Tool erneut, um schnelle Korrekturen vorzunehmen. Und ich denke, dieser Sketch ist jetzt startklar. Ich überprüfe einfach die Sprechblasen, um alles in der Komposition zu positionieren , was zur Skizze passt. Ich beschloss, diese beiden umzudrehen und den Sketch ein wenig zu erhöhen. Ja, dieses Panel gilt jetzt als abgeschlossen. der nächsten Lektion werden wir darüber sprechen, wie Sie die 3D-Figur anpassen und dann nur noch als Proportionen an Proportionen Ihrer Charaktere und Kunststile und sie als Material speichern können, damit Sie Sie müssen Ihre Einstellungen nicht jedes Mal anpassen, wenn Sie eine 3D-Figur verwenden. 9. 2-3 3D-Figur mit 2-3 erstellen: Lassen Sie uns nun darüber sprechen, wie Sie eine 3D-Figur erstellen und ihre Proportionen so festlegen können eine 3D-Figur erstellen und ihre Proportionen so festlegen , dass sie wirklich zu Ihrem Kunststil passen , sodass Sie sie speichern und als Material registrieren können, sodass Sie nicht diese Proportionen jedes Mal neu her. Also habe ich hier z.B. eine 3D-Figur geschaffen, die den Proportionen meiner Frau Saqqara entspricht. Und ich habe hier ihren Körperbau als Material gespeichert. Also, wann immer ich eine Pose für sie zeichnen möchte, ich einfach per Drag-and-Drop und passe sie dann an. Lassen Sie uns die Figur für diesen Schritt von Grund auf neu anpassen . Es wäre wirklich hilfreich, wenn Sie eine Zeichnung mit einer Frontalansicht Ihres Charakters haben . Mein Fall: Ich möchte eine 3D-Figur machen, die die Proportionen meines männlichen Hauptdarstellers Hideki hat. Ich habe ihn mit dem Symmetrie-Lineal, über das ich vorhin mit Ihnen gesprochen habe, kurz von Ihnen skizziert mit dem Symmetrie-Lineal, über das ich vorhin mit Ihnen gesprochen habe, . Und ich habe mir diese sehr schnelle und grobe Skizze ausgedacht. Es spielt keine Rolle, ob es chaotisch ist. In diesem Teil kommt es nur darauf an, dass Sie ihre Proportionen festhalten , die die Essenz Ihres Kunststils definieren . Also, ich wähle eine Farbe, die leicht zu erkennen ist. Ich werde z. B. Procreate. Und ich gehe hier zu diesem Tool, dem Figurenwerkzeug. Ich verwende das Ellipse-Werkzeug und stelle es so ein, dass von hier aus eine Linie erstellt wird , sodass ich einen Kreis zeichnen kann. Ich halte die Umschalttaste gedrückt und zeichne einen Kreis, der seinen Kopf umschließt , weil die Proportionen des Körpers normalerweise anhand der Kopfgröße gemessen werden. Ich werde diesen Kreis leicht anpassen , sodass der gesamte Kopf korrekt eingekapselt ist. Und ich zoome rein, um es noch einmal zu überprüfen. Okay, es sieht gut aus. Jetzt dupliziere ich diesen Kreis und ziehe ihn nach unten. Weil ich sein Kopf-zu-Körper-Verhältnis messen möchte. Oder mit anderen Worten, aus wie vielen Köpfen besteht seine Größe? Ich werde den Kreis so lange duplizieren bis ich den ganzen Körper bedeckt habe. Jetzt füge ich diese Kreisebenen zusammen, indem ich die Umschalttaste gedrückt halte und dann mit der rechten Maustaste klicke und die ausgewählten Ebenen zusammenführe. Und ich mache eine neue Ebene und wähle eine andere Farbe, z. B. Loop. Und ich gehe zurück zu demselben Tool, aber ich verwende das Geradlinien-Werkzeug. Und jetzt halte ich die Umschalttaste gedrückt und ziehe hier eine Linie, die die Kreise trennt. Ich werde die Linie nur ein bisschen nach oben bewegen , sodass sie vollständig zwischen den Kreisen liegt. Und jetzt dupliziere ich diese Linie und habe Linien, die alle Kreise, die ich gezeichnet habe, trennen. Die letzte Linie wird bis zum Ende seiner Füße gehen, was weniger als ein vollständiger Kreis ist. Jetzt werde ich auch die Linienebenen zusammenführen. Benennen wir sie um, nur um alles zu organisieren. Linien und Kreise. Und die ursprüngliche Ebene ist eine Skizze. Aus Konsistenzgründen habe ich vergessen, eine weitere Zeile über seinem Kopf hinzuzufügen. Ich kopiere, füge es ein und verschiebe es hier nach oben und klicke auf diese Schaltfläche, um es mit der Linienebene nach unten zusammenzuführen . Jetzt mache ich eine neue Ebene, nur um darauf zu kritzeln. Also wähle ich eine andere Farbe. Jetzt zähle ich einfach die Anzahl der Köpfe. Aus dieser Entfernung ist das also ein Kopf, und dann bis hier hat zwei Köpfe und ein Schwanz hier ist ein 345. Und schließlich können wir sagen, dass es insgesamt sechs Köpfe sind. Jetzt, da wir diese Informationen kennen, öffnen wir das Materialfenster und gehen unter 3D zum Körpertyp. Und dann ziehen wir eine männliche 3D-Figur, da die Figur hier männlich ist. Jetzt gehe ich als Erstes zu den Einstellungen und gehe zur 3D-Zeichnungsfigur. Und ich stelle das Verhältnis von Kopf zu Körper auf B6. Und ich ändere die Höhe so, dass sie zu meinem Charakter passt. Nur die Position. Lassen Sie uns nun damit beginnen, jedes Körperteil an den unseres Kunststils anzupassen . Machen wir das also mit jedem Körperteil separat. Fangen wir zuerst mit dem Kopf an. Also klicken Sie hier auf den Kopf. Und wir haben dieses Pluszeichen, dass wir umziehen können. Wenn Sie es zu dieser Seite bewegen, erhöht sich das horizontale Verhältnis. Und wenn Sie es auf diese Seite bewegen erhöht sich das vertikale Verhältnis. Oder du kannst auch von diesen Griffen hier drüben aus damit herumspielen . Ich werde den Kopf so ändern, dass er der Größe meines Kunststils entspricht. Normalerweise zeichne ich den Kopf größer als das, was die Figuren haben. Wir können die Opazität der 3D-Figur verringern , sodass wir die Skizze darunter sehen können. Ich werde es ein bisschen ziehen. Mach es auf das Gesicht meines Charakters. Und lassen Sie uns ein bisschen hineinzoomen. Ich konzentriere mich darauf, das Kinn und die Oberseite des Kopfes aufeinander abzustimmen . Und ich verringere das horizontale Verhältnis. Ich finde, es sieht bisher gut aus. Jetzt passen wir den Hals an. Ich werde das horizontale Verhältnis verringern. Da mein Charakter den Hals hat. Wir können die Opazität hin und wieder erhöhen , um gemeinsam auschecken zu können. Ich werde das horizontale Verhältnis des Kopfes wieder verringern und den Halsausschnitt noch einmal ändern. Okay? Jetzt werden die Schultern dasselbe tun. Ich werde die Schulterbreite verringern , sodass sie der Schulter meines Charakters entspricht. Und der Torso. Das Gleiche. Aber ich glaube, es sieht schon gut aus. Ich habe es gerade um zwei Punkte reduziert. Das Gleiche gilt für die Arme. Ich werde ihre Dicke etwas reduzieren, obwohl sie nicht übereinander liegen, aber ich kann die Dicke vergleichen. Ich finde, diese Dicke sieht gut aus. Das ist für die Länge der ausgestreckten Arme. Lass sie so wie sie sind, weil ich glaube, dass ich sie in meiner Skizze nicht richtig verstanden habe. die Beine angeht, finde ich, dass sie auch gut aussehen , außer vielleicht ihre Länge etwas zu reduzieren und sie wieder nach oben zu ziehen. Und zum Schluss die Füße, ich werde ihre horizontale Größe etwas vergrößern. Es ist fast fertig. Ich mache einfach nochmal ein paar Checks. Ich denke, die Länge des Halses muss wirklich ein bisschen angepasst werden, nur ein bisschen länger. Also werde ich diese Zahl hier drüben platzieren und ich kann sie als erledigt betrachten. Es sieht vielleicht nicht perfekt aus, als ob es Sinn macht, aber das ist okay, weil Sie es nur als Referenz verwenden und es nicht so verwenden werden, wie Sie in der vorherigen Lektion gesehen haben, wir Verwenden Sie diese 3D-Figur, um das Zeichnen viel einfacher und schneller zu machen. Aber ich würde sagen, dass die Zahlen in dieser Software immer noch nicht sehr gut anpassbar sind . Deshalb können wir die genauen Maße unseres Charakters ermitteln. Aber dies als Grundlage zu haben, sollte ausreichen und unser Skizzierlebnis reibungsloser machen. Speichern wir das als Material. Gehen Sie zum Objektwerkzeug. Und dann die Werkzeugleiste hier drüben. Klicken Sie auf diesen Button. Körperform als Material speichern. Sobald Sie darauf geklickt haben, können Sie es nach Belieben benennen. Ich nenne es Hideki. Und dafür kannst du ein Foto machen. Wenn Sie auf diese Schaltfläche klicken, wählen Sie eine Datei aus und erhalten ein Vorschaubild dafür. Aber diesen Schritt überspringe ich. Und hier kannst du wählen, wo du dieses Material speichern möchtest. Also klicken Sie auf diesen Pfeil. Ich speichere es unter 3D-Körpertyp, damit alles an einem Ort ist. Sobald ich also auf Okay klicke, wenn ich jetzt zu den Materialien meines Kumpels gehe, kann ich sehen, dass ich eine neue Hideki 3D-Figur habe. Also kann ich es einfach ziehen und jede beliebige Pose anwenden. Und dann kann ich einfach die Deckkraft verringern, eine neue Ebene erstellen und darüber mit dem Skizzieren beginnen. Ich mache eine sehr schnelle Skizze nur um dir zu zeigen, wie nützlich sie ist. Weil ich jetzt weniger Änderungen vornehmen muss, da alle Proportionen bereits zu meinem Kunststil passen. Jetzt schau, wie schnell ich in meinem Kunststil skizzieren konnte. Und ich muss nur schnelle Änderungen vornehmen , damit alles gut und überzeugend aussieht. der nächsten Lektion werden wir über eine weitere Technik sprechen , die dir wirklich dabei hilft, deine Comic-Skizzen zu beschleunigen, nämlich das Erstellen von Asset-Sheets für deine Charaktere. 10. 2-4 2-4: Je mehr Panels du aus deiner Geschichte zeichnest, desto mehr wirst du feststellen, dass sich bestimmte Phasenwinkel deiner Charaktere immer wieder wiederholen. Anstatt sie also jedes Mal von Grund auf neu zeichnen zu müssen , kann er tatsächlich ein Asset-Sheet erstellen, in dem Sie diese wiederholten Winkel als wiederholte Aufnahmen an einem Ort speichern . Wenn Sie also in einen ähnlichen Winkel geraten , wie Sie Ihren Comic skizzieren, können Sie ihn einfach kopieren und einfügen und ihn entweder unverändert verwenden oder geringfügige Änderungen an unserer Skizze vornehmen. Es würde Ihnen aber auch Zeit sparen , weil Sie bereits eine Basis haben. Ihr Skizzenprozess wird weniger Zeit in Anspruch nehmen. Zum Beispiel habe ich hier die drei Aufnahmen von meinem OC-Schaden gespeichert, die ich mehr als einmal im Comic verwendet habe. Die Art, Asset-Sheets zu erstellen, ist, dass Sie nicht eine Datei öffnen und alles zeichnen müssen, sondern Sie erstellen es nach Belieben mit dem Comic. Ich kompiliere diese Aufnahmen erst, wenn ich das Bedürfnis verspürte , sie in einem meiner Kapitel erneut zu verwenden. Das heißt, wenn ich das Gefühl habe, dass ich eine Aufnahme brauche, kopiere ich sie einfach und füge sie hier ein. Und für mich kopiere und füge ich diese Skizze nicht ein, sondern ich kopiere und füge die Liniengrafik ein. Wie Sie hier sehen können, sind die Linien sehr sauber, weil ich gerade zu meinen vorherigen Kapiteln zurückgekehrt bin und die Strichbilder kopiert und eingefügt habe. Also mache ich noch ein Blatt wie dieses für meinen Charakter Hideki. Ich erstelle einfach eine neue Datei. Ich nenne es Hideki. Normalerweise bevorzuge ich das A4-Format mit einer Auflösung von 350 dpi. Und dann klicken Sie auf Okay. Jetzt gehe ich zu einigen meiner bereits abgeschlossenen Kapitel und kopiere einige Aufnahmen von Hideki, z. B. ist diese Ansicht sehr verbreitet. Ich gehe einfach zur Line-Art-Datei und kopiere sie, füge sie ein und lege sie einfach hier hin. Ich kann es auch verkleinern , weil es zu groß ist. Und da es sich um eine Vektorebene handelt, meine Größenänderung keinen Einfluss auf die Qualität der Liniengrafik. Ich werde auch dieses Panel kopieren, weil ich der Meinung bin, dass dieser Winkel auch in einer anderen Aufnahme nützlich wäre. Aber ich werde diesen nicht verkleinern, da es sich um eine Rasterebene handelt. werden wir mehr über diese Ebenentypen sprechen nächsten Lektion werden wir mehr über diese Ebenentypen sprechen. Schließlich nehme ich auch dieses Panel und kopiere es und füge es in mein Asset-Sheet ein. Da ich eine ähnliche Aufnahme habe, möchte ich auf mein aktuelles Kapitel zurückgreifen. Also gehe ich zu der Aufnahme und füge sie ein. Ich gehe zu „Bearbeiten“ und „In Sean einfügen“. Bewege es ein wenig und verkleinere es. Und spiel einfach damit herum und verwandle es ein bisschen, damit es zu meiner Szene passt. Ich verwende das kostenlose Transformationstool. Ändern Sie den Winkel des Kopfes ein wenig , indem Sie das Kinn zeigen. Und ich werde diesen Teil entfernen. Ich möchte das Liquidy-Tool verwenden, kann es aber nicht unverändert auf der Ebene verwenden da es sich um eine Vektorebene handelt. Also werde ich die Ebene rastern, indem ich mit der rechten Maustaste klicke und dann rastere. Und jetzt kann ich das Auge ein bisschen kneifen und ein bisschen drücken. Ich werde das neu zeichnen. Und jetzt ändere die Position von Auge und Flüssigkeit. Modifiziere die Augenbrauen. Und da hast du es. Ich habe das Panel so schnell fertiggestellt ohne es von Grund auf neu erstellen zu müssen. Deshalb ist das Erstellen von SS-Blättern sehr hilfreich und spart auf lange Sicht viel Zeit. Und übrigens, SIE müssen nicht nur Skizzen sein. Sie können auch farbige Acetatfolien sein. Zum Beispiel haben meine Charaktere Salze und solche haben viele Details. Anstatt sie also jedes Mal von Grund auf neu zeichnen zu müssen , habe ich sie einfach gezeichnet und coloriert , sodass ich sie einfach kopieren und einfügen kann ohne sie jedes Mal von Grund auf neu zeichnen zu müssen. Und ich kann sogar Teile davon verwenden und sie an meine Bedürfnisse anpassen. Und das gilt nicht nur für Arten oder Waffen, sondern du kannst das auch für jeden Gegenstand deiner Charaktere tun , der Details enthält und das Zeichnen und Färben in jedem Fall einige Zeit in Anspruch nehmen kann einzelnes Panel. Du kannst das also auch separat zeichnen und ausmalen. Und dann können Sie es einfach verwenden um wiederholt auf Ihren Panels zu arbeiten. Oder Sie können auch Pinsel verwenden. Um dir ein Beispiel zu zeigen, mein Charakter Sacramento hat eine Perlenkette. Perlenkette ist Teil des Haarcharakterdesigns. Und wenn ich diese Perlenkette und jedes Panel zeichnen will , macht mich das auf Dauer wirklich wahnsinnig. Also habe ich gerade einen Pinsel entworfen, den ich problemlos verwenden kann. Das heißt, ich kann meinem Charakter so viele parallele Ebenen geben , ohne mir darüber Gedanken machen zu müssen. Es gibt so viele Möglichkeiten , deine Pinsel herzustellen. Was ich Ihnen zeigen möchte, wie ich dieses spezielle gemacht habe, es war sehr einfach und unkompliziert zu machen. Ich habe eine Parallele auf eine separate Leinwand gezeichnet und sie coloriert und dann diese Ebenen zusammengeführt , sodass sich die Perle auf einer Ebene befindet. Und dann habe ich Registermaterial und dann Bild bearbeitet. Und ich habe es Perlenkette genannt. Und dann stelle ich sicher, dass ich hier die Verwendung für die Pinselspitzenform übernehme und einen Ort zum Speichern dieses Bildes auswähle. Also speichere ich es unter Bildmaterial und Pinsel und klicke dann. Okay. Jetzt gehe ich zum Deklarationstool und dann zur linierten Linie. Du siehst hier drüben, dass es so viele Pinsel gibt , die du zur Dekoration verwenden kannst. Was ich getan habe, war zu dem Pinsel mit gepunkteten Linien gegangen und habe mit der rechten Maustaste darauf geklickt und ihn dupliziert, nennen wir es eine Perlenkette. Und dann klicke ich auf den Schraubenschlüssel. Dann gehe ich zur Pinselspitze und wähle Material aus und klicke hier auf diese Schaltfläche. Jetzt suche ich nach dem scheinbaren Nicholas. Einfach parallel tippen. Ich kann schon alle Perlen sehen, die ich habe. Also wähle ich dieses aus , das wir gerade gespeichert klicke darauf und dann auf Okay. Und da habe ich es. Der zusätzliche Schritt, den ich gemacht habe, war, die Pinselgröße so einzustellen , dass sie durch den Stiftdruck beeinflusst wird. Der Mindestwert ist also 49 oder 50. Und jetzt ist mein Pinsel gebrauchsfertig. Es war so einfach und leicht zu machen. Natürlich ist die Herstellung von Pinseln eine große Welt für sich, und das würde den Rahmen dieses Kurses sprengen. Aber natürlich kannst du immer verschiedene Dinge erkunden und ausprobieren. Und wenn Sie keine Zeit zum Erkunden haben, nutzen Sie einfach einen Browser, um die Clip Studio Paint-Assets zu durchsuchen. Und von dort finden Sie viele interessante Dinge zum Herunterladen. Stellen Sie Säurefolien her und nutzen Sie Materialien, egal ob schwarz-weiß oder farbig. Sie werden es auf lange Sicht sicherlich sehr zu schätzen wissen. Jetzt haben wir es satt, über Techniken zu sprechen , um die Geschwindigkeit beim Skizzieren zu erhöhen. Ab dem nächsten Kapitel werden wir also unsere Skizzen ausrichten und ausmalen. In der nächsten Lektion werden wir also darüber sprechen, wie Sie Liniengrafiken für Ihre Panels erstellen können. 11. 3-1 Lineart: Nachdem wir mit der Skizzenphase fertig sind, ist es an der Zeit, unsere Paneele auszurichten. Aber bevor wir damit beginnen, möchte ich den Unterschied zwischen Vektorebenen und Rasterebenen erläutern , den ich in den vorherigen Lektionen mehrfach erwähnt habe . Unter dem Ebenenfenster müssen wir neue Ebenenschaltflächen erstellen. Eine sagt eine neue Rasterebene und die andere sagt neue Vektorebene. Lassen Sie mich Ihnen den Unterschied zwischen den beiden an einem Beispiel zeigen . Nehmen wir an, ich habe zwei Kunstwerke. Die linke Ebene wird auf der Rasterebene gezeichnet, und die rechte Ebene wird mit einer Vektorebene gezeichnet. Jetzt sehen beide Linienwerke auf dieser Ebene gut aus. Sie sehen aus, als hätten sie eine gute Qualität und es gibt kein Problem. Das Problem tritt jedoch auf , wenn Sie die Größe dieser beiden vergrößern. Also wenn ich z. B. beide Linien dimensioniere, funktioniert das. Die auf der rechten Seite behält ihre Gleichheit bei, da sie aus einer Vektorebene besteht . Aber der auf der linken Seite hat, wie Sie sehen, wirklich an Qualität verloren und ist verpixelt geworden. Das liegt daran, dass eine Rasterebene auf Pixelbasis arbeitet, während eine Vektorebene auf Vektorbasis arbeitet , eine Art mathematischer Basis ist. Aus diesem Grund würde ich generell sagen, dass es besser ist auf der Vektorebene zu arbeiten, wenn es um Linienkunst geht. Vector Layer kommt auch mit Clip Studio Paint mit weiteren tollen Funktionen, die das Erstellen von Liniengrafiken zum Kinderspiel machen. Darüber werden wir gleich sprechen, Darüber werden wir gleich sprechen wenn wir unser Panel ausrichten. wir nun den Unterschied zwischen den Ebenen verstanden haben , beginnen wir mit dem Einfärben dieses Panels. Ich ändere die Farbe der Skizzenebene indem ich auf diese Schaltfläche klicke, und verringere dann ihre Opazität ähnlich wie ich es in der Skizzenphase getan habe. Und ich erstelle eine neue Vektorebene. Und ich wähle meine Linienbildfarbe, um den Stil einheitlich zu halten. Ich habe in meiner gesamten Geschichte dieselbe Farbe für die Liniengrafiken verwendet gesamten Geschichte dieselbe Farbe für die Liniengrafiken und sie nur durch eine wirklich notwendige Farbe geändert. Aber als Grundfarbe verwende ich für meine Linienkunst eine dunkelviolette Farbe. Was den Pinsel angeht, habe ich zwei Pinsel, die ich benutze. Manchmal verwende ich diesen scharf bearbeiteten Stift , den ich auch in der Skizzenphase verwendet habe. Manchmal verwende ich diesen Smooth Web Tone Pen, bei dem es sich auch um einen Pinsel handelt, den ich entworfen habe. Es hängt von meinen Bedürfnissen und dem Gesehenen ab. In letzter Zeit verwende ich hauptsächlich den Smooth Web Tune Pen. Und ich behalte den scharfen Arbeitstone-Stift für Actionszenen oder Szenen, die etwas Härte und Linienführung erfordern. Sie finden beide Pinsel, die zum Herunterladen verfügbar sind , auf den Clip Studio Paint-Assets. Wenn du nur nach meinem Namen cluvious suchst, habe ich sie dort verfügbar gemacht. Also habe ich mich für diese Szene entschieden , Smooth Web Don't Pen zu verwenden. Was die Pinselgröße angeht, habe ich keine bestimmte Pinselgröße. Ich ändere es einfach so , dass es zu meiner Skizze passt und probiere es aus, bis ich das Gefühl habe eine passende Pinselgröße ausgewählt zu haben. Das Umdrehen der Leinwand hilft sehr beim Strichzeichnen und auch beim Drehen der Leinwand. Mit diesen Schaltflächen, die wir in der Befehlsleiste hinzugefügt haben, können Sie die Leinwand nach links und rechts drehen . Oder Sie können auch die Schaltflächen und das Navigatorfenster verwenden. Aber wie gesagt, ich habe das hier in der Befehlsleiste platziert , weil es mir leichter fällt, meine Leinwand während der Fahrt zu drehen. Und auch die Umkehrung der Forschungsrotation ist eine nützliche Schaltfläche, um Ihre Ansicht schnell auf die ursprüngliche zurückzusetzen . Sie beim Zeichnen Ihrer Strichgrafiken Drücken Sie beim Zeichnen Ihrer Strichgrafiken nicht zu fest auf Ihren Pinsel. Das wird dazu führen, dass Sie sich britische steife Linien einfallen lassen. Halte stattdessen deine Hand leicht. Mache die Linienzeichnung und mehrere schnelle und leichte Striche. Es hilft auch, Ihre Linien nicht zu sehr zu vergrößern da Sie sich wirklich in die kleinsten Details verlieren können , die wirklich keine Rolle spielen. Funktioniert also immer gezoomt. Wenn du zoomen musst und nur ein bisschen hineinzoomen musst, um dir das Zeichnen bestimmter Dinge zu erleichtern, z. B. ich, wenn du die Gesichtszüge zeichnest. Was die Pinselgröße angeht, variiere ich die Pinselgröße nicht, aber ich spiele mit ihr durch den Stiftdruck, weil meine Pinseleinstellungen so eingestellt sind, dass sie einen Mindeststiftdruck von Null haben . Das heißt, je leichter ich drücke, desto dünner ist die Linie, je stärker ich drücke, desto dicker ist die Linie. Ein wirklich wichtiger Tipp bei der Strichzeichnung ist, immer den Umriss oder den Umfang des Objekts und die dicke Linie zu haben den Umriss oder den Umfang des . Aber alle Details, die Sie hineinlegen, zeichnen Sie sie in einer kleineren Pinselgröße. ZB. Ich reduziere meine Pinselgröße, um die Zähne und die Zunge zu zeichnen und kleinere Pinselgrößen. Dies verleiht Ihrer Linienkunst eine schöne Abwechslung und lässt sie interessanter und dynamischer aussehen. Ich verstecke die Skizzenebene hin und wieder, um zu sehen, wie meine Linienkünstler zusammenkommen, und zoome auch heraus. Eine wirklich interessante Funktion von Vektorebenen ist die einfache Möglichkeit, zusätzliche Linien mit einem sogenannten Vektor-Radiergummi zu entfernen zusätzliche Linien . Wenn ich den Vektor-Radiergummi verwende und diese Teile übermale, werden sie sofort gelöscht, weil mein Vektor-Radiergummi so eingestellt ist, dass er sich überschneidende Linien entfernt. Es gibt ein Vektorproblem, das bereits im Clip Studio Paint enthalten ist. Sie können mit den Einstellungen herumspielen. Ich stelle meine Einstellungen so ein, dass sie hier schwach sind, und dann klicke ich auf diese Schaltfläche und übe einfach Druck aus. Und stellen Sie dann sicher, dass dies ausgewählt ist. Bis zur Kreuzung ausradieren. Jetzt komm einfach und lösche alle sich überschneidenden Teile. Aber seien Sie vorsichtig, manchmal könnten Sie einige wichtige Details Ihrer Linienkunst verlieren , wenn Sie den Vektor-Radiergummi verwenden. Also, als ich zum Beispiel diese kleine Linie gelöscht habe, habe ich jetzt aufgrund der Linien eine andere Dicke. Also mache ich das einfach rückgängig. Und wenn ich das loswerden will, dann nehme ich einfach einen normalen Radiergummi und lösche ihn. Aber wie dem auch sei, das ist extrem. Normalerweise mache ich das nicht für meine Web Two in Line Art, ich habe einfach herausgezoomt gearbeitet und nur die Linien gelöscht , die auch dann offensichtlich aussehen, wenn sie herausgezoomt sind. Sie könnten auch einfache Schattierungen vornehmen, während Sie Ihre Linien erstellen. Das ist eine nette Abwechslung zu deiner Linienkunst. Ein paar schattige, extrem schattierte Bereiche wie die Coroners und Stellen mit extremen Farbtönen unter dem Haar, man kann sehen, wie es etwas Tiefe verleiht. Ein weiterer nützlicher Tipp für die Liniengestaltung ist, sich immer daran zu erinnern, wo Ihre Lichtquellen sind. Also z. B. wird meine Lichtquelle irgendwo auf dieser Seite oben sein . Also behalte ich das im Hinterkopf. Wenn ich eine Szene mit starker Beleuchtung habe, kann ich mit meiner Liniengrafik herumspielen , indem ich die Linien, die zur Lichtrichtung zeigen, dünn und die Linien, die dem Licht entgegengesetzt sind, festlege. Richtung, um der dickste Knopf in dieser Szene zu sein, extrem gehe ich nicht. Ich habe nur leicht die Bereiche im Schatten, die etwas dicker als die in den Lichtrichtungen. Beachten Sie, wie ich die Details der Haare und eine kleinere Pinselgröße zeichne . Manchmal zeichne ich die Augen auf eine separate Ebene, nur für den Fall , dass ich ihre Position später ändern oder sie verändern möchte , dass ich ihre Position später ändern . Und ich kann natürlich auch jedes Teil auswählen , das ich will, und es einfach transformieren. Ohne sich Gedanken über diese Gleichheit , da es sich um eine Vektorebene handelt. Ich mache das manchmal mit den Augen. Was ich aber auch tun kann, ist die Stabilisierung von hier aus zu erhöhen , damit meine Hand weniger vom Zittern betroffen ist und ich sauberere Kurven zeichnen kann. Wenn Sie die hier verfügbare Stabilisierungsoption nicht sehen, gehen Sie zu den Einstellungen und klicken Sie unter Korrektur auf das Symbol neben Stabilisierung , damit Sie es sehen können. Ich werde die Stabilisierung wieder auf 11 reduzieren oder den Himmel und den wackeligen Weg. Und mit ein paar anderen Strichen ein bisschen angepasst. Also wiederhole ich dieselben Schritte immer wieder bis ich mein gesamtes Kunstwerk ausgerichtet habe. Ich zeichne auch die Augenbrauen auf derselben separaten Ebene mit den Augen , damit ich sie später problemlos nach Belieben bearbeiten kann. Wie Sie sehen, ist es viel einfacher, sie auf diese Weise zu bearbeiten , als wenn sie am selben Tag oder auf der gesamten Liniengrafik wären . Während ich die Liniengrafik zeichne, ich ständig die Control-Z-Tasten sowie die EE-Taste gedrückt, um den Radiergummi schnell aufzurufen. Wenn Sie in solchen Fällen die sich überschneidende Linie nicht löschen können, machen Sie einfach eine weitere kleinere Linie und jetzt können Sie beide problemlos löschen. Du kannst auch Teile unter dem Hals teilen, da sie extrem schattiert sind. Und alle Muskeldetails des Körpers lassen sie wachsen und dünnere Linien. Lassen Sie uns jetzt ein wenig über die Funktionen der Vektorebenen sprechen . Wenn wir auf einer Vektorebene zum Objektwerkzeug gehen, können wir jeden Strich, den wir auf unserer Liniengrafik ausgeführt haben, separat auswählen . Und wenn wir darauf klicken, können wir es ziehen oder seine Größe ändern, es drehen oder Transformationseinstellungen darauf anwenden. Es gibt so viele Möglichkeiten. Wir können auch die Pinselgröße für jeden von ihnen und auch die Farbe ändern. Wenn wir alle einzeln ausgewählt haben und wenn wir nichts ausgewählt haben , aber immer noch im Objektwerkzeug sind und wir die Farbe ändern. Dann ändert es die Farbe des Ganzen. Die Augen haben sich nicht verändert, weil ich sie auf einer separaten Vektorebene habe. Sie können auch die Pinselgröße für alles ändern , ohne etwas auszuwählen. Dies ist manchmal nützlich, z. B. wenn Sie die Linien zu dick gemacht haben und sie dünner machen möchten. Oder im Gegenteil, du möchtest etwas dicker werden. Und auch im Objektwerkzeug sehen Sie Kontrollpunkte für jede Linie, wie wir es zuvor getan haben, sowie die Sprechblasen und Panels. So können Sie alle Linien und Kontrollpunkte bearbeiten. Es ist nützlich, um manchmal bestimmte Striche zu korrigieren, z. B. möchte ich diese Kurve hier schließen. Ich kann einen weiteren Strich machen, um ihn zu schließen , oder diesen Strich auswählen und mit den Kontrollpunkten herumspielen , sodass ich ihn einfach schließen kann. Das sind nun die Optionen unter dem Objektwerkzeug. Denken Sie jedoch daran, dass wir unter den richtigen Zeilenwerkzeugen auch andere Optionen haben. Wir haben die Kontrollpunktoption, über die wir bereits gesprochen haben, um Kontrollpunkte hinzuzufügen, sie zu löschen oder zu verschieben. Ich möchte diese anderen interessanten Vektorwerkzeuge vorstellen , z. B. haben wir die Pinch-Vektorlinie. Wenn Sie dies ausgewählt haben, kann es ein wenig ähnlich wie das Liquify-Tool funktionieren. Man kann damit bestimmte Vektoren kneifen, obwohl es nicht einfach zu kontrollieren ist, würde ich sagen. Aber manchmal hilft es, bestimmte Kurven zu korrigieren. Sie können die effektive Reichweite reduzieren, sodass Sie mit den kleineren Bereichen herumspielen können. Sie können die Pinch-Stufe auch verringern. Aber normalerweise stelle ich es auf die höchste Stufe und spiele mit dem Effektbereich herum. So kann ich z. B. mit diesem Tool die Krümmung seiner Haare leicht anpassen . Es gibt das vereinfachte Vektorlinien-Werkzeug, das Ihnen hilft, Ihre Linie zu vereinfachen. Ich mache einfach eine kurze wackelige Linie. Wenn wir die Anzahl der Kontrollpunkte überprüfen, gibt es jetzt viele. Wenn wir jedoch die vereinfachte Vektorlinie verwenden, können Sie sehen, wie sie die Anzahl der Vektorlinien wirklich reduziert hat . Dies ist manchmal nützlich, um bestimmte wackelige Linien zu korrigieren. Es gibt die Connect-Vektorlinie. Und ich denke, dieser hilft getrennte Vektorlinien zu verbinden, wenn ich ihn z. B. auf diesen Haarsträhnen verwende, dann sind die Haarsträhnen miteinander verbunden. Und nachdem ich sie angeschlossen habe, kann ich die Kontrollpunkte einfach an das Objektwerkzeug anpassen. Es gibt auch die richtige Linienbreite, was sehr hilfreich ist. Wir haben vorhin in den Sprechblasen darüber gesprochen. Wenn ich also die verdickte verwende, also das Verhältnis, wie dick meine Linien sein sollen, dann kann ich leicht mit der Dicke der Linien herumspielen . Und die schmale würde die Dicke der Linien verringern. Durch die Skalierungsbreite wird die Breite des Pinsels vergrößert. Die Verkleinerung der Breite würde die Breite des Pinsels verringern. Und die feste Breite, ich denke, du kannst jede beliebige Breite einstellen und dann über deine Striche streichen und sie dann auf diese bestimmte Breite ändern. Es gibt auch die Redraw-Vektorlinie. Wenn Sie dieses Werkzeug verwenden, können Sie Ihre Vektorlinie neu zeichnen und nach Belieben korrigieren. Ehrlich gesagt war dieses Tool für mich nicht sehr einfach zu bedienen, aber es ist gut zu wissen, aber es gibt auch die Redraw-Vektorlinienbreite, Sie die Breite Ihrer Linien einfach ändern können der Sie die Breite Ihrer Linien einfach ändern können. Es eignet sich also gut zum Hinzufügen von Schatten, wie wir bereits erwähnt haben, wenn extreme Lichtverhältnisse herrschen. Diese Tools sind manchmal sehr nützlich und können Ihnen eine Qual ersparen , anstatt alle Linien neu zeichnen zu müssen. Aber ehrlich gesagt verwende ich die meiste Zeit beim Zeichnen meiner Webmelodie nicht all diese Tools, weil ich nur Linie, Linie, Linie auf der linken Seite oder Panel verwenden muss . Es gibt nicht genug Zeit, um sich so vielen dieser Details zu beschäftigen, aber es ist gut, diese Tools zu kennen und sie trotzdem im Hinterkopf zu behalten. Ein weiterer wichtiger Tipp, den ich geben möchte ist der, der die Zeilen macht. Er kann dieses Gefühl von Tiefe hinzufügen indem er mit der Dicke spielt, z. B. hier drüben, diese Hand hier drüben, ist sie näher an der Kamera? also für alles, was näher an der Kamera ist, Zeichnen Sie also für alles, was näher an der Kamera ist, mit einer größeren Pinselgröße damit es sich anfühlt, als ob es tatsächlich knallt und sich der Kamera sehr nahe kommt. Wenn ich also herauszoome und die Skizze deaktiviere, können Sie sehen, wie diese Variante die Linienkunst interessanter aussehen lässt. Und reduzieren Sie dann die Dicke , je weiter Sie sich von der Kamera entfernen. Das Gegenteil trifft hier zu. Dieser Arm ist weiter von der Kamera entfernt. Also werde ich meine Pinselgröße reduzieren, während ich ihn ausrichte, um ihm ein gewisses Gefühl von Tiefe zu verleihen. Je näher die Dinge an der Kamera sind, desto dicker sehen sie aus und desto mehr Details haben sie. Und je weiter sie sind, desto dünner und weniger Details. Um Ihnen ein Beispiel für Tiefe zu geben Dies ist eines der Panels , die ich zuvor gemacht habe. Wie Sie sehen können, hat der Charakter, der am weitesten tendiert, die dünnsten Linien. Die Linien werden dicker je näher sich der Charakter dem Bildschirm nähert. Diese Figur hat also die dicksten Linien und die meisten Details in ihren Haaren , weil sie der Kamera am nächsten ist. Obwohl dieses Panel nicht farbig ist, können Sie das Gefühl von Tiefe allein an den Linien selbst spüren. Jetzt ist nur noch ein bisschen übrig, bis ich diese Liniengrafik fertigstelle. Also werde ich es ein bisschen beschleunigen. Halskette angeht, habe ich einen Pinsel, den ich aus dem Clip Studio Asset Sell heruntergeladen habe , sofort verwende ihn um die Halskette zu zeichnen und alle zusätzlichen Teile zu löschen. Und das ist der Sache wegen. Ich kopiere es einfach, füge es aus meinem Asset-Sheet ein und transformiere es entsprechend, damit es zu meiner Szene passt. Auf diese Weise musste ich es nicht von Grund auf neu zeichnen. Die Zeilen für dieses Panel sind fertig. Manchmal, wenn meine Skizze so sauber aussieht wie diese, habe ich eine Phase der Liniengestaltung komplett übersprungen und sie einfach ein wenig mit dem Radiergummi bereinigt , um Zeit zu sparen. Und auch das dynamische Aussehen der Skizzen lässt die Paneele manchmal interessanter aussehen. Es ist also absolut in Ordnung, Schritte zu springen und sich etwas Zeit zu sparen. Während ich aufräume, ziehe ich die Linien neu , die meiner Meinung nach zurückgezogen werden müssen. Und da hast du es. Ich habe das Strichbild so schnell fertiggestellt , weil die Skizze sauber war. Und jetzt kann ich sofort mit dem Ausmalen dieser Strichkunst beginnen. Und mach dir keine Sorgen, die Qualität ist völlig in Ordnung. den meisten Fällen werden Sie nicht in der Lage sein, den Unterschied zwischen einem Strichbild in Ruhe und einem skizzierten Stück zu erkennen, z. B. dieses Panel, das ich hier habe, es sieht wirklich toll aus, wenn es verkleinert wird. Das war eigentlich eine Skizze, die ich sofort aufgeräumt und coloriert habe. Sie werden diese skizzenhaften Linien nur sehen, wenn ich hineinzoome und Ihnen die Details aus der Nähe zeige. Aber die meisten Leute werden das sowieso nicht sehen. Web-Töne lese ich generell auf kleinen Bildschirmen. Und die meisten dieser Details werden mit bloßem Auge wirklich nicht sichtbar sein. Also so viel wie möglich , um dir Zeit zu sparen. Wenn Sie feststellen, dass Sie saubere Skizzen gezeichnet haben, bereinigen Sie sie einfach ein wenig und machen Sie daraus auch Liniengrafiken. Bevor wir anfangen, die Farben auszufüllen. der nächsten Lektion werden wir zunächst über grundlegende Konzepte von Farben und Farbarmonie sprechen . 12. 3-2 Farben und Farbharmonie: Jetzt, wo wir mit dem Skizzieren und Auskleiden der Teile fertig sind, werden wir uns mit Farben befassen. Aber bevor wir das tun, möchte ich zunächst über Farben im Allgemeinen sprechen und Ihnen wichtige Grundlagen vorstellen, die Ihnen helfen, Farben und Farbharmonien besser zu wichtige Grundlagen vorstellen, die Ihnen helfen, verstehen. Fangen wir also mit dem Farbrad hier an. Sie können sehen, wie die Farben auf dem Farbrad auf organisierte Weise verteilt sind . Im Allgemeinen können wir dieses Farbrad in zwei Hälften unterteilen . Wir können die Farben auf dieser Seite als warme Farben und die Farben auf dieser Seite als kühle Farben bezeichnen . Das Mischen und Kombinieren warmer und kühler Farben in Ihre Illustration sorgt für einen schönen Kontrast und lässt die Farben das Auge interessanter und ansprechender aussehen. Wir werden später mehr darüber sprechen. Aber im Allgemeinen ist es gut, beim Schattieren Ihres Kunstwerks auf die kühlen Farben zu achten. Also, wenn deine Grundfarbe gelb ist , ist es eine tolle Idee, zwei Schritte zu springen und orange zu schattieren, anstatt nur eine dunklere Farbe zu verwenden. Lassen Sie mich Ihnen zur Veranschaulichung die Farben hier zeigen. Nehmen wir an, das ist das Gelbe. Normalerweise würde man eine dunklere gelbe Farbe wählen , um es zu schattieren. Wie du siehst, sieht das nicht so interessant aus. Wenn wir jedoch dasselbe Gelb wählen und es stattdessen mit Orange schattieren, es stattdessen mit Orange schattieren, sorgt das für ansprechendere Farben. Und das gilt für all die verschiedenen Farben, z.B. Farbton Rot oder Orange mit Lila, Farbton Gelb, Grün mit reinem Grün, schattiertes Grün, reines Grün mit Blau. Aber wir müssten es etwas dunkler machen. Sie sehen also, so können wir interessante Kombinationen finden. Wie dem auch sei, wir werden später mehr über diese Konzepte sprechen , wenn wir unsere Charaktere schattieren und Hintergründe vornehmen und die Beleuchtung und Farben für unsere Szenen anpassen. Aber lassen Sie uns über diese drei wichtigen Konzepte zum Verständnis von Farben sprechen . Das erste Konzept ist der Farbton, und im Grunde sind es nur die verschiedenen Farben. Zum Beispiel ist Rot ein Farbton, Gelb ist ein Farbton, Grün ist ein Farbton und so weiter. Also im Grunde genommen , indem Sie den Farbton ändern, ändern Sie die Farbe. Das zweite Konzept ist Sättigung. Und um es auf das Einfachste, Schlimmste zu bringen , es geht im Grunde darum, wie grau die Haarfarbe ist. Zum Beispiel hier ist dies der höchsten gesättigten Farbe , weil sie die hellste Farbe ist. Aber die Farbe hier ist reines Grau und sie hat die niedrigste Sättigung. Wenn Sie Farben wählen , die etwas weniger gesättigt sind, wirkt Ihr Werk normalerweise etwas weniger gesättigt sind, wirkt Ihr Werk natürlicher, sodass Sie den Raum haben, Ihrem Kunstwerk hellere Dinge hinzuzufügen Ihrem Kunstwerk hellere Dinge indem Sie die am stärksten gesättigte Farbe verwenden. Farben. Schließlich der Wert, der manchmal als Helligkeit oder Helligkeit bezeichnet wird. Es geht im Grunde darum, wie hell und dunkel deine Farbe ist. Also z. B. hier ist die hellste Farbe weiß. Und geht dann in Rosa über , um die rote Farbe zu erreichen, die die Grundfarbe ist. Und dann geht es in Schwarz über, was die dunkelste Farbe ist. Das gilt also für jede Farbe. Je höher der Wert, desto heller ist die Farbe, desto niedriger der Wert, desto dunkler ist die Farbe. Unter dem Farbfenster hier drüben. Wenn Sie zu diesem Fenster gehen, lassen Sie mich es hierher ziehen und vergrößern damit wir es klarer sehen können. Das sind also die drei Konzepte , über die ich gerade gesprochen habe. Wenn wir die rote Farbe wählen, können wir den Farbton von hier oben, dem oberen Schieberegler, verschieben. Wir können das L ändern, das ist die Helligkeit oder den Wert von hier aus. Wenn ich nach rechts ziehe den höchsten Wert und erhalte Weiß. Wenn ich nach links ziehe, ist das der niedrigste Wert und ich erhalte Schwarz. es wieder in die Mitte bringe, wird es wieder in die Farbe gebracht, die ich ursprünglich hatte. Der letzte Schieberegler ist der Sättigungsschieber. Wenn ich nach links ziehe, wird die Farbe grauer, bis sie ganz am Ende reines Grau erreicht. Ziehe ich es zurück, dann wird meine Farbe wieder gesättigt und wieder hell. Es ist gut, mit diesen Schiebereglern hier herumzuspielen und Ihre Farben schnell zu ändern . Oder Sie können auch mit den Farben aus dem Farbrad selbst spielen . Also indem du den Schieberegler hierher verschiebst, den Farbton änderst, indem du diese beiden Richtungen hier durchgehst und mit dem Wert spielst. Das ist also der hellste , der weiß ist und dann blau wird. Und wenn ich es dann in diese Richtung ziehe, wird es schwarz, was der niedrigste Wert ist. Und mit der Sättigung kann horizontal gespielt werden. Also das ist z.B. das hellste Blau, aber wenn ich es nach links ziehe ändert sich die Sättigung. Und wie Sie sehen können, geht die Farbe in Richtung Grau, bis es rein grau wird. Ich habe mein Farbrad übrigens auf dreieckig eingestellt , weil ich es auf diese Weise nützlicher fand. Die Software wird jedoch normalerweise mit der quadratischen Ansicht geliefert, was sich nicht so sehr unterscheidet. Sie ändern den Wert hier, indem diese Anweisungen durchgehen. Und dann änderst du stattdessen die Sättigung vertikal. Und dann ist das alles dasselbe Schwarz. Ich glaube schon. Es gibt einen leichten Unterschied in der Sättigung, wie Sie hier sehen können. Aber ich denke, die Farbe selbst ändert sich nicht. Es ist immer noch rein schwarz. Aber trotzdem wechsle ich zu dieser Ansicht, weil ich sie für meine Bedürfnisse besser geeignet fand. Es steht Ihnen frei, das zu verwenden, was Sie bevorzugen. Du kannst auch mit den Farben herumspielen und sie schnell bearbeiten, indem du zu „Tonwertkorrektur “, „Farbton“, „ Sättigung“, „Helligkeit“ gehst . Also nochmal, diese Schieberegler sind genau wie die, die wir gerade erklärt haben. Wenn Sie den Farbtonregler ändern, wird der Farbton der Farbe geändert. den Sättigungsregler nach links ziehen , wird die Farbe gräulicher. Und wenn Sie es nach rechts ziehen, wird es heller oder weniger gräulich. Und schließlich die Leuchtkraft , also der Wert für Helligkeit oder Helligkeit. Das ist ein anderer Name dafür. Wenn Sie es also nach links ziehen, wird die Farbe dunkler, bis sie zu reinem Schwarz übergeht. Und wenn du es nach rechts ziehst, wird die Farbe heller, bis sie ganz rechts rein weiß wird. Es ist also ein sehr praktisches Tool , wenn Sie Ihre Farben schnell anpassen möchten , während Sie eine Vorschau sehen. Sie können dieses Menü auch aufrufen, indem Sie Strg und U auf Ihrer Tastatur drücken. Lassen Sie uns zum Schluss dem Farbrad Schwarz hinzufügen , um über bestimmte Farbkombinationen zu sprechen. Um dein Kunstwerk oder Charakterdesign interessant zu gestalten. Es gibt bestimmte Dinge, die Sie tun können , um Farben harmonisch aussehen zu lassen. Die erste Sache ist die Verwendung von Farben aus demselben Farbton selbst. So können Sie Ihr Stück z. B. farblich harmonisch aussehen lassen , indem Sie nur gelbe Töne verwenden. Wir können also verschiedene Farben von diesem Gelb wählen. Sie würden immer noch gut zusammen aussehen. Wenn es sich um ein einfarbiges Stück handelt, wissen Sie, diese Kombinationen werden als einfarbig bezeichnet und Sie können perfekt ein homogenes, monochromatisch aussehendes Kunstwerk erstellen . Nun, ich wähle nur Farben aus einem Farbton. Um Ihr Stück interessanter aussehen zu lassen, ist es jedoch gut, nebeneinander liegende Farben zu wählen, die als analog bezeichnet werden. Wir können also Farben aus diesen drei auswählen und sie würden immer noch gut aussehen. Und das Gleiche gilt für alle drei analogen Farben. Es ist einfach, ein interessant aussehendes Stück herzustellen indem Sie sich auf Farben konzentrieren, die nahe beieinander liegen. Ich finde das besonders nützlich bei der Charaktergestaltung. Z. B. habe ich diesem Konzept gefolgt. Warum ist mein Charakter Saqqara designt? Also habe ich ihr braune Haare gegeben, die unter die Farben Orange und Rot fallen, da das Braun im Grunde ein dunkles Orange ist. Und ich gab ihr eine pinke Adresse, die diesen Farben immer noch analog ist. Und es liegt irgendwo zwischen Rot und Lila. Und das Gleiche gilt für meinen Charakter, den Dickey. Ich habe ihm hier ein blaues Violett gegeben, das unter diese Farbe fällt. Und ich habe ihm ein grünes Hemd gegeben, das unter diese Farbe fällt. Und ich habe ihm dunkelblaue Hosen gegeben , die unter diese Farbe fallen. Sie sind harmonisch. Und wenn man sich durch die Farbe bewegt sieht leicht Gelb mit Grün immer noch gut aus. Also habe ich es für sein Unterhemd ausgewählt. So sind die Farben harmonisch. Aber es gibt auch andere interessante Farbkombinationen, z.B. gibt es die komplementären Farben, die Farben, die sich auf dem Farbkreis gegenüberstehen , z.B. das ist normalerweise nett und Beschattung und Beleuchtung. Wenn ich also Licht hinzufügen möchte, lasse ich es gelblich aussehen. Und für die Farben mache ich sie violett. Das kann aber auch für andere Farben gelten und könnte auch wirklich bei der Charaktergestaltung helfen, z.B. am Farbkreis kann ich erkennen, dass Orange das Gegenteil von Blau ist. So kann ich anhand dieser beiden Farben ein interessantes Charakterdesign erstellen . Außerdem passt rötliches Orange zu Grün und Lila zu Gelb und Grün. Sie können natürlich mit den Farben, Werten und der Sättigung herumspielen, damit sie harmonischer aussehen. Und es gibt auch die Triadenkombination, die eine solche Kombination auf dem Farbkreis bildet . So passt beispielsweise Gelb hervorragend zu Rot und Blau, die im Grunde die Grundfarben sind. Aber auch Orange würde mit Violett und Grün gut aussehen. Das ist nicht meine Lieblingskombination, aber es funktioniert trotzdem. Zum Beispiel funktioniert lila mit grün und funktioniert mit gelb. Dies ist also eine weitere Methode, um harmonische Farben aufzunehmen. Es gibt natürlich auch andere Kombinationen, die Sie aus dem Farbrad zeichnen können. Aber ich denke, die, die wir behandelt haben sind wirklich die wichtigsten und am wahrscheinlichsten zu verwendenden und auch am einfachsten zu kontrollierenden. Ehrlich gesagt, die Welt der Farben ist unglaublich. Und ab und zu, wenn du experimentierst und übst, findest du so viele interessante Dinge , die du mit ihnen machen kannst. Und hoffentlich gehen wir in diesem Kurs auf einige dieser interessanten Dinge ein , die Sie tun können. der nächsten Lektion beginnen wir damit, die Grundfarben oder die flachen Farben unserer Charaktere zu füllen . 13. 3-3 flache Farben: In Ordnung, jetzt sind wir bereit, die Grundfarben für unser Panel zu füllen . Was ich zunächst mache, ist, alle Linienkundebenen auszuwählen und sie auf das Ordnersymbol zu ziehen , um sie in einem Ordner zu platzieren. Oder ich kann auch zu Ebene gehen, Ordner erstellen und Ebene starten. Oder ich kann das auch tun, indem ich mit der rechten Maustaste klicke und Ordner erstellen und Ebene einfügen auswähle . Auf diese Weise befinden sich alle meine Liniengrafiken in einer Gruppe. Um die Grundfarben schnell auszufüllen, klicke ich hier drüben auf diese Schaltfläche, die als Referenzebene für die gesamte Gruppe festgelegt wird . Referenzebene ist im Grunde die Ebene , auf die sich meine Tools beziehen, wenn ich sie verwende. Jetzt erstelle ich eine neue Ebene und gehe zum Füllwerkzeug. Es gibt dieses tolle Tool, das ich von den Clip Studio-Assets heruntergeladen habe von den Clip Studio-Assets heruntergeladen Sie finden es hier. Ich füge den Link für dich in die Unterrichtsnotizen ein. Sobald Sie dieses Tool heruntergeladen haben, wählen Sie eine beliebige Farbe aus. Normalerweise bevorzuge ich graue Farbe. Und was ich tun werde, ist, den Charakter so zu umgeben , dass er seine Silhouette füllt. Sobald ich das getan habe, ist mein ganzer Charakter gefüllt. Ich fand diese Methode am einfachsten, um Charaktere voneinander zu trennen und zu wissen, wie viel Platz sie genau einnehmen, besonders wenn man einen Hintergrund hat. Wenn Sie die Silhouette des Charakters füllen, können Sie die flachen Farben wirklich problemlos ausfüllen. Im Gegensatz dazu, wenn Sie sie nacheinander mit dem normalen Schaufelwerkzeug füllen . Sobald du die Silhouette deines Charakters ausgefüllt hast, wirst du feststellen, dass einige Teile gefüllt und einige Teile gelöscht werden müssen. Beginnen wir also damit, die zusätzlichen Teile zu löschen. Ich entscheide mich für das Auto-Select-Tool oder das Magic One-Tool. Und hier findest du drei Untertools. Aber wir müssen diese verwenden und andere Ebenen auswählen , damit wir unsere Auswahl treffen können, während wir uns noch auf der Silhouette-Ebene selbst befinden. Also dieses Tool, ich habe es auf seinen Standardeinstellungen belassen, mit Ausnahme der Flächenskalierung. Ich habe es auf acht gesetzt. Also wähle ich diesen zusätzlichen Teil aus, den ich löschen möchte. Indem du darauf klickst. Ich habe es ausgewählt und kann auf diese Schaltfläche klicken, um es zu löschen, oder auf der Tastatur auf die Schaltfläche Löschen klicken oder zu Bearbeiten > Löschen gehen. Sobald ich fertig bin, drücke ich diese Taste, um die Auswahl zu deaktivieren. Ich kann den Radiergummi auch verwenden, um bestimmte Teile zu löschen , die ich nicht möchte. Jetzt wurde dieser Teil nicht mit der Silhouette ausgewählt. Und der Grund ist, dass es eine Öffnung gibt. Es kann also entweder die Liniengrafik selbst schließen oder Sie können sie mit einem Pinselwerkzeug schließen. Ich werde dasselbe Crisp Web Two in Pen verwenden , von dem ich Ihnen zuvor erzählt habe. Und ich habe die Lücke geschlossen. Und jetzt kann ich zu meinem Füllwerkzeug zurückkehren und es erneut auswählen. Und jetzt ist es gefüllt. Wenn ich hineinzoome, finde ich vielleicht einige Bereiche, die nicht in Ordnung aussehen. Also werde ich diese Teile einfach löschen und reparieren, was ich kann. Machen Sie sich auch hier nicht zu viele Sorgen über diese kleinen Details da die meisten Leute sie sowieso nicht sehen können. Damit haben wir die Silhouette des Charakters problemlos gefüllt. Jetzt erstelle ich eine neue Ebene und schneide sie auf die Silhouette-Ebene. Eine Ebene ist abgeschnitten. Im Grunde befindet sich alles auf dieser Ebene innerhalb unserer Basisebene, z. B. ist diese Ebene abgeschnitten, sodass sie den durch meine Silhouette-Ebene definierten Bereich nicht kreuzt . Aber wenn ich den Ausschnitt entferne , kann ich die gesamte Ebene sehen. Aus diesem Grund hilft das Abschneiden der Ebene wirklich beim Färben innerhalb der Grenzen. Jetzt fange ich an, die Farben auszufüllen . Ich fülle zuerst die Haut, weil sie unter allem steht. Um die Haut zu füllen, verwende ich einfach die CRISPR-Arbeit, keinen Stift, um sie auszufüllen. Jetzt erstelle ich eine neue Clip-Ebene und möchte dieses Mal die Haare färben. Ich gehe zurück zum gleichen Füllwerkzeug und wähle die Haarfarbe. Verwenden Sie jetzt erneut das gesamte Werkzeug und wählen Sie nur die Haare aus, um sie zu sammeln. Wenn wir nun hineinzoomen, hat es einen tollen Job gemacht, außer dass wir einige Teile reparieren müssen. Ich werde diesen Teil mit dem Chris Webb Tone Pen ausmalen. Und ich verwende das Magic One-Tool, um alle Bereiche auszuwählen , die nicht farbig sein sollten, um sie zu löschen. Und jetzt drücke ich auf Löschen. Wenn ich die Liniengrafik entferne, sieht man, dass das Tool auch das Auge gefärbt hat. Also werde ich einfach die Linienkunst wieder aktivieren und alles löschen , was sichtbar sein kann weil mir der Rest egal ist. Und lösche auch die Ecken, die zerschnitten wurden. Das Tool und repariere alles zusätzliche, was gelöscht wurde. In den meisten Fällen bleibt das Haar die oberste Schicht aller flachen Farbschichten. Deshalb erstelle ich eine neue Ebene darunter. Und auf dieser Schicht färbe ich die Augen und den Mund. Ich färbe beide auf derselben Ebene, damit ich leicht weiß, wo sich alles befindet, weil es wie ein System ist, dem ich für alle Charaktere folge. Normalerweise benenne ich bei Illustrationen jede Ebene um, z. B. würde ich diese Ebene als Haar bezeichnen, dann diese Ebene als Gesicht und diese Ebene als Haut. Aber seitdem ich angefangen habe, mit Melodien zu zeichnen, weil in jedem Panel so viele Ebenen involviert sind. Ich habe einfach aufgehört, sie zu benennen , und habe angefangen, diesem System zu folgen , damit ich schnell erkennen kann , was meine Ebenen sind. Gehen wir nun zurück zur Gesichtsebene. Ich möchte die Zähne und die Rückseite des Mundes färben. Ich gehe wieder zur Füllebene zurück, wähle aber ein anderes Ebenenwerkzeug, das standardmäßig im Clip Studio Paint enthalten ist. Und ich wähle die Farbe z.B. für die Rückseite des Mundes und fülle sie aus, um sie zu färben. Bevor wir weiterreden, wollte ich nur ein wenig über das Füllwerkzeug sprechen. Ich habe auch alle Einstellungen so gelassen , wie sie in ihrer Standardeinstellung sind, mit Ausnahme der Flächenskalierung, der Flächenvernichtung für das Füllwerkzeug Ich habe sie auf 20 Prozent erhöht, was der Maximalwert ist. Und ich habe es auf den dunkelsten Pixel eingestellt. Ich kann mich nicht erinnern, welche die Standardeinstellung war, aber das sind meine Einstellungen. Und ich möchte dir den Unterschied zeigen. Wenn ich die Flächenskalierung deaktiviere und diesen Bereich erneut fülle, dann kannst du beim Vergrößern sehen, dass die Füllfarbe unter unserer Liniengrafik nicht wirklich farbig war. Aus diesem Grund sehen einige transparente Pixel vielleicht nicht so auffällig aus, aber manchmal kann es die Qualität Ihres Kunstwerks wirklich beeinträchtigen , wenn Sie es verkleinern oder verkleinern. Aus diesem Grund ist die Aktivierung von Bereichen, Kelvin für mich in den Feldwerkzeugen sehr wichtig habe ich meine Erfahrung Färben und Clip Studio Paint deutlich verbessert. Also werde ich den Mund auffüllen. Und jetzt kannst du sehen, dass ich keine weißen Pixel habe, sondern unfarbige Pixel. Jetzt benutze ich einfach meinen Stift, um den zusätzlichen Teil zu färben. Und ich werde auch die Zähne färben. Auf die gleiche Weise, indem Sie es mit dem Stift füllen und fixieren, falls etwas repariert werden muss. Jetzt erstelle ich eine neue Ebene unter dem Gesicht. Und mit einer weißen Farbe. Das Augenweiß ist der weiße Teil des Auges. Zuerst zeichne ich einfach einen Umfang. Sobald das entschieden ist. Dann gehe ich zurück zum gleichen Füllwerkzeug und wähle es aus und fülle. Wählen Sie alle zusätzlichen farbigen Teile aus, füllen Sie sie aus und löschen Sie sie. Als nächstes färbe ich sein Hemd. Also erstelle ich eine neue Ebene. Und färbe das Shirt auch auf die gleiche Weise. Färben Sie alle fehlenden Teile und löschen Sie alle Extras. Ich werde eine weitere Schicht unter seinem Shirt auftragen, weil er darunter ein weiteres Hemd mit gelber Farbe hat. Also werde ich das auf einer anderen Ebene spüren. Ich gehe zurück zur Ebene des grünen Hemdes und verwende das Bucket-Tool „Andere Schichten empfehlen“ und fülle diesen Teil seines Shirts aus. Aber abhängig vom Schwert kommt mir im Weg und es erlaubt mir nicht, es richtig zu färben. Also gehe ich zurück zu meinem Referenzordner und deaktiviere das Schwert und die Halskette. Und ich werde es wieder färben. Also konnte ich es jetzt ganz einfach ausmalen. Aber wie du siehst, gibt es hier unter der Halskette einige grüne Stellen weil sie auch in der Referenzebene waren , als ich das Shirt koloriert habe. Also kann ich sie einfach löschen obwohl sie nicht wirklich sichtbar sind. Aber manchmal ist es gut , alles aufzuräumen. Ich habe diesen anderen Teil des gelben Hemdes vergessen. Jetzt repariere dieses Shirt von hier aus. Schließlich erstelle ich eine neue Ebene unter allem außer über der Haut. Und Farbe. Das hängt davon ab. Auch auf derselben Ebene. Ich färbe die Uhr. Jetzt sind alle flachen Farben des Charakters gefüllt. Aber ich möchte dir von diesem Teil erzählen. Es ging also sehr schnell für mich, die Grundfarben des Charakters zu füllen , da ich alle Farben hier in meiner Palette oder meinem Farbset gespeichert habe. Ich rate dir auch dringend, eine solche Liste für deine Charaktere zu erstellen , da du so viel Zeit sparst und du nicht zu deinem Charakterblatt oder anderen Panels zurückkehren musst deinem Charakterblatt oder , um auf die Farben zu verweisen. Der Weg, dies zu tun, ist normalerweise dass Farbsets in dieser Vorschau enthalten sind, dem Standardfarbset und unserem Set hier mit all den anderen farbigen Fenstern. Finde dieses Farbsatzfenster und ziehe es für mich. Ich habe es gezogen und unter den Navigator auf dieser Seite gelegt, damit es leicht darauf zugreifen kann. Und wenn Sie es nirgends finden können, gehen Sie zum Fensterfarbset. Jedenfalls. Um ein neues Farbset für sich selbst zu erstellen, klicken Sie auf das Schraubenschlüsselsymbol und dann auf Neues Set erstellen. Und nenne es, wie du willst. Ich nenne es Web-Tone, nur um dieser Lektion willen. Dann klicken Sie auf Okay. Sie werden also sehen, dass Sie jetzt ein neues Farbset mit Ihrer Dropbox haben . Dann wird Ihr Farbset standardmäßig mit transparenten Farben geliefert. sind also alles transparente Farben. Und übrigens, transparente Farben sind im Grunde wie ein Radiergummi , den gibt es auch hier. Wenn Sie sehen, habe ich die Vordergrundfarbe und die Hintergrundfarbe, und ich habe diese transparenten Farben ausgewählt. Also wenn ich das ausgewählt habe und es auf den Haaren verwende, hat es z.B. genauso funktioniert wie ein Radiergummi. Diese transparente Farbe ist also sehr praktisch, da sie jeden Pinsel in einen Radiergummi verwandelt. Aber wie dem auch sei, dann wird dein Set mit transparenten Farben geliefert. Und um Ihre Farben hinzuzufügen, klicken Sie einfach mit der rechten Maustaste. Und du kannst entweder Farbe hinzufügen, wodurch eine neue Farbe hinzugefügt wird und alles vorangetrieben wird. Sie können mit der rechten Maustaste auf die Farbe klicken, um sie zu löschen. Anstatt Farbe hinzuzufügen, können Sie auch mit der rechten Maustaste klicken und die Farbe ersetzen , sodass nichts verschoben wird. So wie ich mein Farbset zusammengestellt habe ich für jeden Charakter die Hautfarbe, die Hautschattierungsfarbe als die Haarfarbe und die Haarschattierungsfarben hinzugefügt die Hautschattierungsfarbe als . Die Haare heben Farben hervor als die Farben der Augen, die Farben des Mundes, die Farben ihres Hemdes usw. Und ich habe zwischen jedem Zeichen ein transparentes Farbtrennzeichen angebracht, um es einfacher zu machen , zwischen den Farben zu unterscheiden. Oder ich kann auch die transparente Farbe wählen und weitere Farben hinzufügen. Auf diese Weise kann ich meine Charaktere nach Zeilen trennen. Diese Farben sind also für ein Zeichen und diese Farben für ein anderes. Und füge transparentere Farben , um die anderen Zeichen zu trennen, und so weiter. Es liegt ganz bei Ihnen, die Farben so anzuordnen , wie Sie es für möglich halten. Übrigens gibt es auch eine Sache, über die ich sprechen möchte. Nehmen wir an, mein Charakter hatte das gestreifte Hemd. Und ich möchte die Streifen auf seinem Shirt zeichnen , ohne die Grenzen zu überschreiten. Der einfache und einfache Weg, dies zu tun besteht darin, zur Hemdebene zu gehen, die diese ist, und auf diese Schaltfläche zu klicken , um transparente Pixel zu sperren. Jetzt ist die Ebene gesperrt. Also alles, was ich darauf zeichne bleibt innerhalb seiner Grenzen. Es ist der Funktionsweise von Clip-Ebenen sehr ähnlich, außer dass Sie auf der Ebene selbst zeichnen können , ohne die Grenze zu überschreiten. Dies ist der schnelle Weg, Details zu deinem Charakter hinzuzufügen , ist abgeschlossen. Abschließend möchte ich über die Gruppenpanels sprechen. Wenn Sie mehrere Charaktere in einem Panel haben, können Sie ihre Silhouetten voneinander trennen, jede für sich. Aber um ehrlich zu sein, habe ich festgestellt, dass das Ausfüllen der flachen Farben länger dauert. Also habe ich angefangen, alle Charaktere und Silhouetten auf einer Ebene zu füllen und dann ihre Skins auf einer Ebene färben und alle anderen Details so weit wie möglich auf einer Ebene einzufärben. Ich habe festgestellt, dass diese Methode viel mehr Zeit in Anspruch nimmt, wenn es um Gruppenpanels geht. Es ist also gut, das im Hinterkopf zu behalten. Nachdem wir mit dem Verknüpfen der Grundfarben fertig sind , werden wir in der nächsten Lektion über das Färben der Haare und Augen sprechen und darüber, wie man alles andere für die Schattierung des Charakters vorbereitet. 14. 3-4 Farben von Haar und Augen: Lass uns jetzt über den spaßigen Teil sprechen, Augen und Haare färben. Augen zu färben, gibt es also unzählige Möglichkeiten, sie zu färben, und jeder Künstler hat seinen eigenen Stil. Es liegt also ganz bei Ihnen, wie Sie sie färben möchten. Aber ich würde sagen, versuche es so einfach wie möglich zu halten und habe vorgegebene Schritte, um sie zu färben. Ich zeige dir, wie ich die Augen und meinen Comic coloriert habe. Und vielleicht möchten Sie dasselbe anwenden, oder Sie könnten es als Inspiration nehmen , um Ihren eigenen Stil zu entwickeln. Deshalb habe ich dieses I-Panel ausgewählt, um es Ihnen auf anschauliche Weise zu erklären. Was ich zuerst tun werde, ist die Ebene durch das Schloss transparenter Pixel zu sperren. Und ich wähle eine dunklere Farbe als die Grundfarbe. Und ich färbe den oberen Teil des Auges und eine kurvige Form, um die Rundheit des Auges anzuzeigen. Übrigens, für diesen Schritt verwende ich immer noch den Crisp Web Two in Stift für welche Töne, um Zeit zu sparen Sie können die Augen unverändert lassen und erst abgeschlossen werden, indem Sie eine neue Ebene darüber erstellen eine neue Ebene darüber die Linienkunst-Ebene und mit einer weißen Farbe. Nur um die Lichtreflexion am Auge hinzuzufügen, könnten Sie eine oder zwei haben. Normalerweise entscheide ich mich für eine große 1.1 Art von ovaler Form. Ich gebe den Augen meines Charakters gerne etwas mehr Tiefe. Ich habe nur noch eine dunklere Farbe. Ich werde die Lichtreflexe für eine Weile verstecken, um es dir zu zeigen. Die dunklere Farbe. Ich schattiere den oberen Teil des Auges und zeichne dann eine Pupille. Dann mache ich mit einer kleinen Pinselgröße einfach diese Art von Kratzern, um den schattierten Teil des Auges von dem unschattierten Teil des Auges zu definieren . Und ich nehme dieselbe Farbe, die ich im ersten Teil verwendet habe. Mit einem feineren Pinsel. Ich füge diese Striche hinzu, um dem Auge mehr Details zu geben. Und zum Schluss wähle ich eine hellere Farbe. Mit einem großen Pinsel. Ich füge Glanzlichter am unteren Rand des Auges hinzu. Das sind also meine Schritte, um die Grundfarbe des Auges zu färben. Sie können auch noch ein bisschen weiter gehen und Lichtreflexion hinzufügen, indem Sie z. B. eine pinke Farbe mit dem Airbrush verwenden. Ich gehe zum Airbrush-Tool und wähle den Soft-Airbrush. Dann kann ich die Oberseite einfach ein bisschen mit einer pinken oder blauen Farbe bestreichen . Aber das ist ein zusätzlicher Schritt wenn Sie die Augen glänzender machen möchten. Wie auch immer, ich aktiviere die Lichtreflexionsschicht wieder. Jetzt werde ich die Liniengrafik ein wenig einfärben , damit das Auge interessanter aussieht. Also gehe ich zur Line-Art-Ebene und sperre sie. Und was ich tun werde, ist die Farbe dieses Basis-Eichler zu wählen . Ich wähle schnell Farben aus, indem ich die Alt-Taste drücke und dann auf die Farbe klicke, die ich ausgewählt habe. Nochmals mit einer weichen Airbrush, einer leichten Airbrush auf dieser Unterseite des Auges. Damit es weicher aussieht. Die Oberseite auch. Ich wähle die dunkle Farbe und Airbrush, um alles in London zu machen. Ich verwende auch eine Art von leuchtendem Rosa-Rot. Und mit der Airbrush verwende ich Airbrush in der Größe der Augen. Ich finde, dass sie dadurch interessanter aussehen. Schließlich werde ich unter dem Auge eine Ebene für das Augenweiß erstellen, was wir in der letzten Lektion gemacht haben. Aber lass es uns noch einmal für dieses Panel machen. Der letzte Schritt, den ich für die Augen mache, ist, diese Ebene zu sperren und eine graublaue Farbe zu wählen. Und dann werde ich das Auge mit dem Crisp Line Tool einfach von oben schattieren. Also habe ich das mit einem Crisp Web Two in Pen gemacht, aber manchmal mache ich es auch mit einem Airbrush. Aber ich ändere die Einstellungen des Airbrush ein wenig. Also habe ich die Härte irgendwo hier oder hier gesagt, um es schwieriger zu machen. Und dann Airbrush, um dem Auge ein weicheres Aussehen zu verleihen. Das war's zum Färben der Augen. Aber speziell in diesem Panel und in den meisten Panels und meinem aktuellen Kapitel reagieren die Charaktere stark emotional. Wenn sie also so stark reagieren, färbe die Augen nicht wie ich es hier tue. Aber ich lasse die Augen einfach nur der Pupille überlassen. Und vielleicht ein leichter Farbverlauf an den Grundfarben des Auges, der den Charakteren einen schockierenden Look verleiht und die Szene intensiver erscheinen lässt. Deshalb sind die Augen in meinem Panel hier auch klein, weil der Charakter schockiert ist. Also, was ich für seine Augen tun werde , ist, dass ich einfach einen Schüler hinzufüge. War die dunkelste Farbe meiner Eisschilde. Und ich kann auch den helleren Farbton verwenden. Und wenn der Airbrush-Klingelton wieder auf „Sanft“ eingestellt ist , können Sie die oberen Augenpartien leicht mit Airbrush bestreichen , um ein weicheres Aussehen zu erzielen. Ich werde auch die Augen mit derselben bläulich-grauen Farbe formen . Gehen wir nun zu den Haaren über. In diesem Schritt werde ich die meisten Merkmale meines Charakters nicht wirklich schattieren , da ich das im nächsten Schritt tun werde , den ich dir in der nächsten Lektion zeigen werde. Aber in diesem Schritt bereite ich all diese Grundfarben vor , damit sie interessanter aussehen wenn ich die Formen später hinzufüge. Was ich mit Prepared meine, ist, den Charakter leicht mit Airbrush zu versehen, damit die flachen Farben weniger flach aussehen und ihnen eine Art Farbverlauf hinzufügen. Ich wähle also das Airbrush-Werkzeug aus, stelle es auf die weichste Härte ein und vergrößere es. Und ich wähle die Farbe der Haarform meines Charakters. Und während ich die Schicht betrachte, bürsten Sie wahrscheinlich die unteren Seiten der Haare meines Charakters mit Airbrush . Um ihm einen Gradienten-Look zu verleihen. Auf der Oberseite wähle ich die Glanzfarbe und verwende leicht Airbrush. Wie Sie sehen können, hat das Haar jetzt mehr Dimension. Für dunkelhaarige Charaktere. Ich gehe noch einen Schritt weiter und wähle eine orange oder rosafarbene Farbe, eine helle Farbe, die etwas dunkler ist als die Haut. Und die Airbrush die Haare oben auf dem Gesicht. Dadurch sieht das Haar aus, als würde es verblassen und es zeigt die Haut darunter. Ich kann einen zusätzlichen Schritt machen und auch die Schattierungsfarbe des Haares verwenden und einfach das Haar auf der Rückseite färben , um es nach hinten zu drücken und ihm mehr Tiefe zu verleihen. Mit diesem einfachen Schritt fühlt sich dieses dunklere Haar an, als ob es auf dem Rücken wäre. Und dieser hellere fühlt sich an, als wäre er auf der Vorderseite. Und jetzt nehme ich auch die Haut und sperre die Ebene und wähle die Hautschattierungsfarbe. Und auch mit der Airbrush. Bürsten Sie die Gesichtsränder leicht mit der Airbrush. Um diese Art von Airbrush zu vermeiden, z. B. wenn es sich an den Rändern überlappt. Ich kann einfach die automatische Auswahl oder das Zauberstab-Werkzeug verwenden und den gewünschten Teil auswählen und gleichzeitig sicherstellen, dass meine Linienkundebene als Referenzebene festgelegt ist. Und jetzt kann ich Airbrush verwenden, ohne das Gesicht zu beschädigen. Ich verwende Airbrush auch ein bisschen um die Nase und manchmal auch um die Wangen. Ein Airbrush, der Rest der Haut. Ich kann auch den Durchschnitt aller anderen Kleidungsstücke ermitteln. Manchmal mache ich das und manchmal überspringe ich es. Aber lass uns das für die Szene machen. Für beide Shirts. Airbrush, auch für die Hose. Ich gehe Nike Airbrush. Das ist also alles für diesen Schritt. Wir haben noch keine größeren Schatten hinzugefügt, da wir in der nächsten Lektion alle Charaktere in einem einzigen Schritt schattieren werden . 15. 3-5 Quick Shading: Jetzt können wir weitermachen und anfangen unseren Charakteren Schatten hinzuzufügen. Für diesen Schritt wähle ich zunächst alle Ebenen aus, die ich bisher habe, von der Liniengrafik der Figur bis zur Silhouette. Wählen Sie alles aus und legen Sie sie in einen Ordner. Und dann erstelle ich eine neue Ebene und schneide sie in den Ordner. Und ich ändere den Ebenenmodus, um zu multiplizieren. Und ich wähle normalerweise eine blasse, hellviolette Farbe. Und mit dem Chris Webb Don't Pen kann ich problemlos meinen gesamten Charakter gleichzeitig auf nur einer Ebene schattieren . Jetzt aktiviere ich für dieses Panel den Hintergrund, den ich bereits dafür vorbereitet habe , nur um die Gesamtbalance der Farben zu überprüfen und mich an die Richtung der Lichtquelle zu erinnern. Bisher mein Panel, die Lichtquelle ist oben. Alle Formen befinden sich also an der Unterseite des Charakters. Beim Schattieren habe ich festgestellt, dass es zunächst sehr nützlich ist, die Hauptbereiche, die schattiert sind, nur grob zu blockieren zu sehen die Hauptbereiche, die schattiert sind, nur grob zu blockieren, um das Gesamtgleichgewicht der Farben und Ihnen hilft, Ihre Schatten besser zu platzieren sich mit den kleinen Details und den großen Rohblättern zu beschäftigen. Und dann passe ich jeden von ihnen an. Da die Halskette springt, würde es einen kleinen Abstand zwischen dem Objekt und der Form geben. Jetzt habe ich die Hauptschatten festgelegt und jeden Teil separat angepasst und die Farben bereinigt und mehr Details hinzugefügt und sie verfeinert. Dazu öffne ich also die Gruppe, die all meine Ebenen enthält. Und dann drücke ich die Strg-Taste auf meiner Tastatur. Während ich die Strg-Taste gedrückt halte, klicke ich auf die Haarschicht. Auf diese Weise habe ich nur die Haarschicht ausgewählt und kann so viel schattieren und löschen, wie ich möchte, ohne etwas zu beeinträchtigen , das sich außerhalb der Haargrenze befindet. Sie können auch eine Auswahl aus der Ebene erstellen , indem Sie mit der rechten Maustaste auf die Ebenenminiatur klicken und dann zur Auswahl aus der Ebenenerstellungsauswahl wechseln. Ich zoome hinein und fange an, diese Blätter anzupassen. Für diesen Schritt verwende ich den Crisp Web Tone Pen und den Radiergummi, um die Blätter zu fixieren. Wenn Sie arbeiten möchten, während Sie vergrößert sind. Ich möchte aber auch sehen, wie die Diskussionsteilnehmer zusammenkommen , ohne ständig ein- und auszuzoomen . Dann füge einfach eine weitere Ansicht hinzu. Sie können das tun, indem Sie zu Fenster, Leinwand, neues Fenster gehen. Und jetzt können Sie dieses neue Sichtfenster ziehen, das im Grunde ein Duplikat dieses Fensters ist. Sie können aber unterschiedliche Ansichten haben. Wenn Sie es ziehen, können Sie die Ansicht einfach so anpassen , dass Sie beim Anpassen Ihrer Schatten das gesamte Bild sehen können . Sie können die Leinwand auch drehen um die Form leicht anzupassen, insbesondere für kurvige Bereiche wie das Haar. Auch das Umdrehen der Leinwand erleichtert das Ausmalen. Ich bleibe generell bei Herztönen oder Zellschattierungen in weißen Paneelen. Aber manchmal mag ich es, Dinge ein bisschen zu verwischen oder zu vermischen. Und das Tool, das ich dafür verwende, ist dieses Aquarell-Tool, das ich von den Clip Studio-Assets heruntergeladen habe . Deshalb verwende ich dieses Tool manchmal nur leicht, um einige Kanten meiner Farben leicht zu verblenden und die Dinge etwas glatter aussehen zu lassen. Ich verwende auch dieses seitliche Pinselwerkzeug , das ich ebenfalls von Clip Studio Acids heruntergeladen habe, um die Kritzeleien hinzuzufügen , die entlang der Rundheit des Kopfes folgen . Nur um dem Haar mehr Details hinzuzufügen und es interessanter aussehen zu lassen. Jetzt, wo die Haare fertig sind, möchte ich anfangen, diese Haut zu färben. Aber wenn ich nur die Hautfarbe aus ihrer Ebene auswähle, dann sehe ich, dass die Auswahl nicht für die Haut geeignet ist, nur weil ich die Haut von Hand mit einem Pinselwerkzeug färbe , sodass sie unter allem fließt . Um also nur die Haut auszuwählen, gehe ich einfach zurück zur Haarauswahl und klicke auf diese Schaltfläche, um den ausgewählten Bereich umzukehren. Jetzt ist die Auswahl umgekehrt und alles außer den Haaren ist ausgewählt. So kann ich die Formen der Haut leicht anpassen , ohne mir Sorgen machen zu müssen , dass sie die Formen ruinieren , die ich bereits für das Haar gemacht habe. Und ich verwische unsere Mischung auch im Schatten der Nase. kann ich entweder mit dem Wasserwerkzeug machen , das ich dir gerade gezeigt habe, oder ich kann auch das Unschärfe-Tool verwenden, das du hier unter den Blend-Tools findest. Und wählen Sie dieses Unschärfewerkzeug und streichen Sie es einfach leicht darüber, um Ihre Farben zu verwischen. Ich verwische auch den Schatten, der durch den Kopf entsteht, weil der Kopf ein bisschen weit vom Körper entfernt ist. Je weiter das Objekt ist, desto verschwommener ist der Schatten. Ich habe auch den Kinnrand etwas geteilt , um dem Gesicht mehr Dimension zu verleihen. Und ich kann es auch leicht verwischen , damit es glatter aussieht. Sie können das Lasso-Füllwerkzeug auch verwenden, indem Sie zu diesem Abbildungswerkzeug gehen und dann Lassofüllung auswählen. Mit der Lasso-Füllung. Sie können einfach einen beliebigen Bereich auswählen und füllen. Auf diese Weise können Sie schnell und präzise Farben hinzufügen. Aber natürlich braucht es eine gewisse Genauigkeit , damit Sie es beherrschen können. Ich benutze es nicht ständig, aber manchmal finde ich es nützlich, es zu benutzen. Ich werde die Ketten hier nur ein bisschen reparieren , weil sie für die Farben der Halskette unvollständig waren . Das ist also Springen. Dann kann ich auch darauf hinweisen, dass ich dafür die Airbrush verwenden kann, indem ich Farben so weich statt hart mache. Anstatt den weichen zu verwenden, verwende ich jedoch den harten mit der geringen Größe der Bezahlung der Farben. Und auch die Form für das Schwert. Wenn ich die Kanten korrigieren möchte, kann ich einfach die transparente Farbe wählen , um mein Werkzeug auf einen Radiergummi umzustellen und diese Teile zu löschen , damit diese Form dem Schwert ähnelt. Ich sagte die J-Tastenkombination zum schnellen Umschalten zwischen transparenter Farbe und Vordergrundfarbe. Ich werde die Laken auch ein bisschen verwischen. Ich habe auch die V-Taste als Abkürzung für die Unschärfe. Da ich die gleichen Schritte vorerst wiederholen werde, werde ich den Vorgang etwas beschleunigen. Nun, ich könnte jedes Teil für sich auswählen so wie ich es mit den Haaren gemacht habe. Ich finde, dass das nicht immer notwendig ist. Das Haar ist wie der empfindlichste Teil und benötigt zumindest für mich die meiste Liebe zum Detail. Deshalb habe ich es selbst ausgewählt. Aber ich finde, dass ich es schaffe, die Naht komplett mit der Haut zu schattieren , ohne dass ich sie einzeln auswählen muss. Wenn Sie mit der Aufnahme fertig sind, klicken Sie auf diese Schaltfläche, um die Auswahl zu deaktivieren. Klicken Sie auf Ihrer Tastatur auf Control D. Jetzt können Sie Ihr Panel so lassen, wie es mit diesen Formen ist, oder Sie können einen zusätzlichen Schritt machen und eine neue Ebene hinzufügen und sie erneut ausschneiden und ihren Modus so einstellen erneut multipliziert und eine weitere Schattierungsebene hinzugefügt eine weitere Schattierungsebene um Ihrem Panel mehr Tiefe zu verleihen. Aber für mich habe ich die meiste Zeit damit aufgehört, weil es mehr Zeit und Mühe kostet und ich die Anzahl der Schritte, die ich für jedes Panel mache, reduzieren möchte . Ich mache diesen Schritt nur für Szenen von großer Bedeutung. Aber nehmen wir an, ich war nicht überzeugt, wie die Farben aussehen. Und ich möchte mit der Farbe der Schattierung herumspielen. Ich kann Strg-U drücken, um Helligkeit der Farbtonsättigung zu erhöhen, und den Farbton ziehen. Um mit den Schattierungsfarben herumzuspielen, z. B. habe ich herausgefunden, dass diese Farbe für meinen Charakter hier besser aussieht, normalerweise damit dein Charakter besser mit dem Hintergrund verschmilzt, ist wählen Sie besser eine Farbe , die zu Ihrem Hintergrund passt. Wenn ich also den Ebenenmodus meiner Schattierung dort wieder auf Normal ändere , um die neue Farbe zu sehen, dann kann ich sehen, dass die neue Farbe eine graurosa Farbe ist , anstatt die, die ich gewählt habe. Und für meinen Charakter sieht es besser aus. Und insgesamt gefällt mir wirklich, wie es aussieht, außer den Haaren und auch der Hose. Mir gefällt nicht, dass es wie eine warme Farbe aussieht. Also möchte ich das ändern. Das lässt sich am schnellsten ändern , indem du die Haarschicht auswählst und dann Strg-U drückst und mit dem Farbton herumspielst. Ich kann den Wert auch verringern und ihn dunkler aussehen lassen und mit der Sättigung herumspielen. Dies ist eine sehr nette Möglichkeit, Ihre Farben schnell anzupassen und sie interessanter aussehen zu lassen. Wenn ich das rückgängig mache, sehe ich den Unterschied, die Farbe, es sieht lebendiger aus. Jetzt mache ich dasselbe mit der Hose. Ziehe es einfach ein wenig in Richtung der bläulichen Farben. Sie können Ihre Schattierung dort auch interessanter gestalten, indem Sie auf der Schattierungsebene nachschauen und interessanter gestalten, indem Sie auf der Schattierungsebene nachschauen einen Airbrush wählen und eine helle Farbe wählen, z. B. hellorange. Dann bürstet die Softair Kanten deiner Formen leicht mit der Airbrush? Wenn ich sie alle wieder zum Normalzustand bringe, dann kannst du sehen, dass ich einen Farbverlauf erstellt habe. Also werde ich das an den Rändern der Formen hinzufügen , um ihnen ein weicheres Aussehen zu verleihen und ihnen ein sonnenbeschienenes Aussehen zu verleihen, da die Sonne von oben scheint. Und ähnlich kann ich auch eine kühlere Farbe verwenden, z. B. dieses Hellblau. Und ich kann auch bestimmte Teile der Farben mit Airbrush bürsten, besonders in den schattierten Bereichen, damit sie dunkler aussehen. Und interessanter. Wenn wir uns dort unsere Beschattung ansehen, sieht es jetzt so aus. Aber wie du siehst, haben wir den gesamten Charakter auf eine interessant aussehende Art schattiert und dabei nur einen verwendet. Übrigens, ich habe bereits erwähnt, dass, wenn ich die Strg-Taste drücke und die Hautebene auswähle, alles ausgewählt wird. Und ich kann die Haut einfach alleine haben. Aber ich kann mit dieser Auswahl herumspielen. Ich kann Auswahlen hinzufügen sie einfach mit den Tasten Shift und Alt erkennen. Wenn ich also z. B. die Strg-Taste gedrückt halte, während ich die Umschalttaste gedrückt halte und auf die Haarebene klicke, dann wird der Handler mit meiner Auswahl ausgewählt. Wenn ich es jedoch aus meiner Auswahl entfernen möchte, halten Sie die Strg-Taste und auch die Alt-Taste gedrückt und klicken Sie auf die Haarebene. Jetzt kannst du sehen, dass ich die Auswahl der Haarschichten losgeworden bin . Und ich kann dasselbe tun, um auch die Hemden loszuwerden , da sie auf der Haut liegen. Und jetzt kannst du sehen, dass meine Hautschicht von selbst ausgewählt wurde. Beispiel kann ich zu meinen Formen zurückkehren und mit ihrer Farbe herumspielen , wenn ich sie anders aussehen lassen möchte. Aber ich denke, ich werde die Farbe so lassen, wie sie ist. Um dieses Panel fertigzustellen, dem Haar nur noch Glanzlichter hinzufügen. Dazu erstelle ich eine neue abgeschnittene Ebene sowohl über der Gruppe als auch über der dortigen Schattierung. Und ich ändere diesen Ebenenmodus, um ein Leuchten hinzuzufügen. Und das liegt an der Farbe der Haare. Und ich kann den Pinsel verwenden, um die Highlights selbst hinzuzufügen. Wieder mit Kratzern und dabei der Form des Kopfes gefolgt , wie ich es früher mit diesen Farben gemacht habe. Aber um Zeit zu sparen, gibt es dieses wirklich praktische Bürstenpaket für Haarsträhnen , mit dem Sie Ihren Charakteren sofort Highlights hinzufügen können . Hier. Ich habe es von den Clip Studio Assets bekommen und werde den Link auch für Sie hinterlassen. Die, die ich am liebsten verwende, sind nicht die Pinsel selbst, aber sie enthält auch ein paar Curve Tools. Und ich verwende dieses gerne, um dir zu zeigen , wie das Kurvenwerkzeug funktioniert. Ich klicke einfach irgendwo hier hin und ziehe dann , während ich immer noch meinen Stift gedrückt halte. Lassen Sie dann los und passen Sie die Krümmung der Kurve an. Die Pinselgröße sieht groß aus, also werde ich sie etwas reduzieren. Also nochmal, ich halte die Taste gedrückt und lasse dann los, um meine Krümmung anzupassen. Du könntest das zwar auf einen Schlag machen. Mir gefällt nicht, wie das aussieht, weil ich der Rundheit des Kopfes folgen möchte. Ich mache das in zwei Schritten. Ich mache es zuerst auf der rechten Seite und dann auf der linken Seite. Auf diese Weise kann ich ihre Formen besser kontrollieren . Und wenn ich sie weiter anpassen möchte, z. B. möchte ich, dass sie immer noch der Krümmung des Kopfes folgen. Diese Seite hier drüben sieht gut aus, aber diese Seite entspricht nicht der Krümmung, die ich habe. Ich wähle es mit dem Lasso-Werkzeug aus und verwende das Mesh-Transformationswerkzeug, um es einfach und schnell anzupassen es besser an die Krümmung meiner Charaktere anzupassen. Die Farbe sieht zu lebendig aus, der Stil reduziert nur die Opazität. Ich fand z. B. 33 gut genug. Ich kann auch die transparenten Pixel sperren und einen Airbrush und vielleicht wahrscheinlich Airbrush mit einer anderen Farbe verwenden vielleicht wahrscheinlich Airbrush mit einer anderen Farbe um es interessanter aussehen zu lassen und den Farben einen Farbverlauf hinzuzufügen. Du kannst auch verrückt werden mit den Farben und verschiedenen Dingen. Aber ich behalte es so wie es ist. Das sieht gut genug aus. Also sind wir endlich fertig mit der Schattierung unseres Panels. Im nächsten Kapitel werden wir endlich anfangen, über Hintergründe zu sprechen. In der nächsten Lektion werden wir also zunächst über die Prinzipien der Perspektive sprechen . 16. 4-1 Perspektive: Da wir in diesem Kapitel beginnen werden, über Hintergründe zu sprechen, ist es sehr wichtig, zuerst über die Prinzipien und Grundlagen der Perspektive zu sprechen. Es gibt zwei wichtige Konzepte , die Sie kennen sollten, wenn es um die Perspektive geht. Die erste ist die Horizontlinie, oder auch Augenhöhe genannt. Und der zweite ist der Fluchtpunkt. Grundsätzlich sehen unsere menschlichen Augen, wenn wir Objekte im Weltraum betrachten, nicht so aus, als hätten sie die gleiche Größe. Aber wir können mit unseren Augen sehen, dass Objekte mit der Entfernung an Größe verlieren. Deshalb ist das gesamte Konzept der Perspektive für unsere Augen relevant. Die Augenhöhe ist im Grunde die tatsächliche Höhe der Augen des Betrachters. Wir betrachten ein Objekt, oder es wird auch Horizontlinie genannt , weil es verwendet werden kann, um auf eine physische oder visuelle Grenze zu verweisen , die diesen Kerl vom Land oder vom Meer trennt. Und der Fluchtpunkt ist im Grunde der Punkt, auf den alle Linien hinführen, sodass alles in diese Richtung verschwindet. Lassen Sie mich ein Beispiel zeigen , um die Dinge zu vereinfachen. Nehmen wir an, wir haben ein Quadrat , das ich als Würfel zeichnen möchte. Da ich also dieses Quadrat mit seinen vier Ecken gezeichnet habe, werde ich, um es perspektivisch zu zeichnen, Linien von jeder seiner Ecken ziehen, die zum Fluchtpunkt führen. Das ist also die erste Zeile. Dies ist die zweite und dies ist die dritte. Und lassen Sie mich das auch auf eine neue Ebene zeichnen. Dies ist die vierte Zeile. Ich werde die Opazität reduzieren da sich diese Linie hinter dem Objekt befindet. Wenn ich nun meinem Würfel etwas Dicke geben möchte, kann ich einfach hier eine gerade Linie und hier eine weitere gerade Linie zeichnen und hier eine weitere gerade Linie und den Rest der Linien ausradieren. Und jetzt habe ich einen Würfel , der sich im Weltraum befindet. Und weil es über der Augenhöhe ist, kann ich den unteren Teil dieser Box sehen. Ich lösche diese vierte Zeile, denn wenn dieser Würfel undurchsichtig ist, werde ich diese vierte Linie nicht sehen. Aber wenn es ein transparenter Würfel war, dann kann ich die Linie einfach noch einmal ziehen und dann eine gerade Linie von unten zu dieser diagonalen Linie und diese Linie dann von hier bis hier fortsetzen. Und jetzt kann ich sehen, dass ich einen transparenten Würfel habe. Ich kann einfach den Rest der Zeilen löschen. Ich kann ein weiteres Beispiel unterhalb der Horizontlinie machen. Wenn ich das Objekt größer zeichne als es näher an der Kamera sein wird, lass mich Linien zum Fluchtpunkt ziehen. Und dann schneide es ab, um eine Schachtel zu bekommen, und lösche dann diese zusätzlichen Zeilen. Jetzt habe ich eine größere Box, die näher an der Kamera liegt, weil sie größer ist. Und ich kann die obere Oberfläche des Würfels sehen, weil sie sich unter der Horizontlinie oder unter meiner Augenhöhe befindet. Wenn ein Objekt auf der Horizontlinie selbst gezeichnet wird, sehen wir weder die obere noch die untere Fläche. Denn wie du siehst, werden sie beim Zeichnen übereinander kollidieren. Und wenn wir diese Box ausschneiden und es sind diese zusätzlichen Linien, dann können wir entweder in der oberen oder unteren Oberfläche der Box sehen unteren Oberfläche der , weil sie sich auf Augenhöhe befindet. Da es in diesem Fall nur einen Fluchtpunkt gibt, wird dies als Einpunktperspektive bezeichnet. Wenn wir einen weiteren Fluchtpunkt hinzufügen, wird dies zu einer Zwei-Punkt-Perspektive. Und um ein Beispiel zu zeichnen, wiederum mit dem Würfel, werde ich hier unter dem Horizont eine gerade Linie zeichnen. Und ich werde diese Seite mit beiden Fluchtpunkten verbinden . Und dann schneide ich es ab. Und weil ich es hier abschneide, werde ich wieder Linien von den Ecken ziehen und sie mit dem Fluchtpunkt verbinden um meinen Würfel zu vervollständigen. Und ich lösche die zusätzlichen Linien, um meinen Würfel fertigzustellen. Übrigens wird es viel, viel einfacher, Dinge perspektivisch zu zeichnen, wenn Sie Vektorebenen verwenden, weil Sie die zusätzlichen Linien so schnell und einfach löschen können die zusätzlichen Linien so schnell und einfach löschen , wie ich es gerade getan habe. Aber wie du siehst, sieht der Würfel hier irgendwie schief aus. Und das liegt daran, dass die Fluchtpunkte nahe beieinander liegen. Um Objekte natürlicher aussehen zu lassen, müssen wir nur die Fluchtpunkte trennen und mehr Abstand zwischen ihnen haben. Ich werde jetzt ein neues Feld über der Horizontebene zeichnen , nachdem ich meine Fluchtpunkte angepasst habe. Und wie du siehst, sieht der Würfel jetzt, wo ich die Fluchtpunkte distanziert habe, natürlicher aus . Wenn wir einen weiteren Fluchtpunkt hinzufügen, sagen wir hier oben. Dann wird daraus eine Drei-Punkte-Perspektive. Wenn wir unsere Würfel noch einmal zeichnen, ziehe ich zunächst eine gerade Linie vom Fluchtpunkt aus. Verbinde dann die Seiten mit den horizontalen Fluchtpunkten. Um nun die Abmessungen meines Würfels zu definieren, werde ich keine vertikalen Linien zeichnen wie ich es mit der Zwei-Punkt-Perspektive getan habe, sondern diese vertikalen Linien werden stattdessen schräg. Ich verbinde sie mit diesem Fluchtpunkt hier drüben. Und dann verbinde ich diese zusätzlichen Koronare wieder mit den horizontalen Fluchtpunkten und lösche die zusätzlichen Linien. Und wie du siehst, habe ich einen Würfel gezeichnet, aber er sieht so schief aus, weil er sehr nahe an diesem dritten Fluchtpunkt ist. Lassen Sie mich also noch einmal einen Würfel zeichnen. Aber ich ziehe die Augenhöhe nach unten, um mehr Abstand zwischen den drei Fluchtpunkten zu haben . Also lass uns das nochmal machen. Ich fange mit einer geraden Linie an. Zeichne dann Linien, die sich mit den horizontalen Fluchtpunkten verbinden. Und jetzt werde ich mich mit diesem dritten Fluchtpunkt verbinden. Verbinde die anderen Ecken oder die unteren Ecken mit horizontalen Fluchtpunkten. Wie Sie sehen können, ist diese Abkühlung jetzt viel geringer , da der Abstand zwischen den Fluchtpunkten größer ist . Dies sind also die wichtigsten Grundlagen der Perspektive, die Sie kennen müssen. In dieser Klasse. Wir werden uns nicht wirklich damit befassen Hintergründe von Grund auf neu zu zeichnen , da das sehr zeitaufwändig ist und es eine eigenständige Kunstform ist. Und was die Künstler angeht, wollen wir unseren Prozess so schnell wie möglich gestalten. Deshalb werde ich die Erklärung bis zu diesem Zeitpunkt beibehalten . Aber wenn Sie mehr wissen möchten, fordere ich Sie auf jeden Fall auf , mehr darüber zu lesen , damit Sie mehr erfahren können. Und vielleicht kannst du in deiner Freizeit auch das Skizzieren mit Perspektive üben in deiner Freizeit auch das Skizzieren mit Perspektive , damit du besser verstehst, wie Hintergründe funktionieren. Aber eine letzte Sache, die ich in dieser Lektion erwähnen möchte , ist , dass Clip Studio Paint mit einem perspektivischen Lineal geliefert wird, sodass Sie Linien nicht manuell zeichnen müssen , wie wir es in dieser Lektion getan haben. Ich möchte Ihnen zeigen, wie Sie dieses perspektivische Lineal verwenden können. Gehen Sie einfach zum Ebenenlinealrahmen und wählen Sie dann „ Perspektivisches Lineal erstellen“. Von hier aus können Sie einfach eine Punkt- oder Zweipunkt- oder Dreipunktperspektive auswählen . Und da wir jetzt bereits über die Drei-Punkte-Perspektive sprechen , werde ich jetzt die Drei-Punkte-Perspektive wählen. Sie können wählen, ob wir das Lineal auf einer neuen Ebene erstellen oder ob es auf Ihrer aktuellen Ebene erstellt werden soll. Ich behalte es einfach auf der aktuellen Ebene. Jetzt habe ich dieses Linealsymbol hier drüben, genau wie das ist, was wir mit dem Symmetrie-Lineal hatten. Wenn ich nicht möchte, dass sich das Lineal auf dieser Ebene befindet, kann ich es einfach anklicken und auf eine andere Ebene ziehen. Und so kannst du dein Lineal ganz einfach übertragen. Aber wie dem auch sei, mit dem perspektivischen Lineal können Sie sehen, dass wir drei Fluchtpunkte haben. Dies ist der erste Fluchtpunkt, und dies ist der zweite und dies ist der dritte. Und diese Linien sind wie Richtlinien für den Fluchtpunkt. Sie können sie also ändern, wie Sie möchten. Jetzt können Sie das perspektivische Lineal auf zwei verschiedene Arten anpassen , indem Sie entweder die Position der Fluchtpunkte ändern. ZB. Ich möchte diesen Fluchtpunkt so ziehen , dass er über diesem Punkt liegt. Aber wenn ich es so ziehe, wie es jetzt ist, kann ich es nicht wirklich bewegen. Der Grund dafür ist, dass diese Option auf fester IP-Ebene angekreuzt ist. Also wie das Fixieren der Augenhöhe, deshalb ist alles gesperrt. Wenn Sie das perspektivische Lineal jedoch an Ihre Szene oder Ihr Kunstwerk anpassen möchten , deaktivieren Sie das Häkchen. Und jetzt, wenn ich auf den Fluchtpunkt klicke, kann ich seine Position leicht ändern. Also werde ich es über diesen Fluchtpunkt setzen. Und ich werde diesen Fluchtpunkt ziehen , um ihn zu überholen. Und endlich habe ich diesen letzten Fluchtpunkt. Ich ziehe es hierher. Und ich kann den Winkel dieser Richtlinien ändern , indem ich auf den Kreis in der Mitte klicke. Das ist also ein Weg. Aber eine andere Möglichkeit ist, sagen wir, ich hatte nur die Zeichnung des Objekts und möchte wissen, wo die Fluchtpunkte für dieses Objekt existieren. Dazu kann ich mit diesen Handles herumspielen, sind diese Richtlinien durch diese blauen Punkte. Und wenn Sie mit dem Winkel und der Positionierung dieser blauen Punkte herumspielen , ändert sich, wie Sie sehen können, die Platzierung des wie Sie sehen können, die Platzierung des Fluchtpunktes. Wenn ich mit diesen Richtlinien herumspiele, kann ich mein perspektivisches Lineal leicht an mein Objekt anpassen. Es kann einige Zeit dauern, alles anzupassen , und manchmal kann es ziemlich schwierig werden, aber es ist sehr hilfreich, die Perspektive Ihres Bildes zu bestimmen , wenn Sie sie nicht wissen. Jetzt, wo ich das Perspektivlineal angepasst habe, kann ich einfach jedes Objekt oder beliebige Linien zeichnen, und sie folgen immer noch perspektivischen Linien und Fluchtpunkten, die ich angepasst habe. Und auf diese Weise wird es weniger mühsam, perspektivisch zu zeichnen ohne jedes Mal mit geraden Linien und Fluchtpunkten suchen zu müssen . Das Letzte, worüber ich sprechen möchte, ist, dass die Horizontlinie nicht immer horizontal sein muss. Sie können die Horizontlinie jederzeit drehen und Objekte zeichnen und sie mit Fluchtpunkten verbinden. Ihre Objekte werden aber auch gedreht, wenn Sie die Horizontlinie drehen. Die Drehung der Horizontlinie trägt dazu bei, dies noch dramatischer zu machen. Es ist also ein interessantes Konzept, das Sie beim Zeichnen Ihrer Szenen berücksichtigen sollten. Zum Beispiel ließ das Drehen der Horizontlinie in diesem Panel von mir die Szene interessanter aussehen, als wenn sie nur horizontal wäre. Es ist also eine gute Sache, diesen Schritt des Storyboardings Ihrer Panels zu beachten diesen Schritt des Storyboardings Ihrer Panels zu beachten , bevor Sie überhaupt mit dem Skizzieren beginnen , damit Sie Ihre gesamte Szene darauf aufbauen können. der nächsten Lektion werden wir über Techniken sprechen, Ihren Panels Tiefe verleihen können, ohne wirklich die Perspektive zu verwenden, sondern indem Sie einfach mit den Formen der Objekte in Ihrer Szene herumspielen . 17. 4-2 Techniken zum Hinzufügen von Tiefe: Während wir wachsen, versuchen wir, den dreidimensionalen Raum auf der zweidimensionalen Leinwand vorherzusagen den dreidimensionalen Raum auf der . Daher kann es manchmal schwierig sein, Ihrem Kunstwerk ein echtes Gefühl von Tiefe zu verleihen. Es gibt jedoch eine Reihe von Techniken, die leicht dazu beitragen können, ein Gefühl von Tiefe zu vermitteln und Ihre Tafeln oder Kunstwerke interessanter aussehen zu lassen. In dieser Lektion werde ich über sechs dieser Methoden sprechen . Lassen Sie uns sie also nacheinander angehen und jeweils Beispiele zeigen. Die erste Technik besteht darin, die Objektgröße zu variieren. Nehmen wir an, diese drei Wände haben die gleiche Größe. Der Ball, der der Kamera am nächsten ist, ist der größte Einblick. Der Ball, der am weitesten von der Kamera entfernt ist, hat die kleinste Größe. Um Ihnen ein Beispiel zu geben, schauen Sie sich dieses Panel an. Die Charaktere gehen nach unten. Die Figur , die der Kamera am nächsten ist, hat also die größte Größe, und die Figur, die am weitesten von der Kamera entfernt ist, hat die kleinste Größe, seit sie oben ist. der zweiten Technik geht es um die Linienstärke, über die wir bereits in der Phase der Liniengestaltung gesprochen haben. Wenn wir also die Linien des Objekts, das der Kamera am nächsten ist dicker machen und die Linien der Objekte, die weiter dünner sind, dann können wir sofort ein Gefühl von Tiefe spüren. Und um Ihnen ein Beispiel zu geben, schauen Sie sich dieses Panel an. Die Figur, die der Kamera am nächsten steht, hat die dicksten Linien. Nun, je weiter wir von der Kamera entfernt sind, desto dünner wird das Liniengewicht. Die dritte Technik besteht darin, die Objektdetails zu variieren. Das Objekt, das der Kamera am nächsten ist, hätte also mehr Details als die weiter entfernten Objekte. Schauen Sie sich z. B. dieses Panel an. Die Figur , die der Kamera am nächsten ist, hat sowohl dicke Linien als auch mehr Haardetails, dann die weiter entfernten Charaktere. Wenn wir uns das also ansehen, befinden sich diese beiden Charaktere irgendwie in der Mitte. Sie haben also irgendwie mehr Details als dieser Charakter, der am weitesten zurückliegt. Er hat kaum Details über Drohnen außer dem permanenten Charakterdesign des Büros. Die vierte Technik besteht darin die Schärfentiefe zu variieren. In diesem Beispiel können wir dies also in drei Komponenten unterteilen. Das nächstgelegene Objekt befindet sich im Vordergrund , in diesem Beispiel die Blätter. Das Objekt in der Mitte ist der Charakter und ist er in der Mitte platziert. Und die am weitesten entfernten Objekte werden Hintergrund genannt. Indem wir also eine Tiefenschärfe einführen, können wir uns auf unseren Charakter konzentrieren, der den Mittelweg darstellt. können wir tun, indem wir das Objekt, das der Kamera am nächsten ist , verwischen . Indem wir diese Blätter verwischen, können wir das Gefühl haben , dass sich diese Blätter so nah an der Kamera befinden , dass sie unscharf sind. Und unser Fokus würde auf dem Charakter des Mittelgrunds liegen. Ähnliches kann umgekehrt gemacht werden. Zum Beispiel möchte ich hier, dass mein Fokus auf dem Vordergrund selbst liegt. Der Vordergrund ist am einfachsten scharf, aber der Mittelgrund ist etwas verschwommen. Der Hintergrund ist die Unschärfe aller. Wenn ich mir diese Szene ansehe, richtet sich mein Fokus direkt auf die Blätter. Ich verwende besonders gerne die Tiefenschärfe-Technik, wenn Serien von Wäldern mit viel Laub zeichne. Ich mag es sehr, Pflanzen am nächsten zu verwischen und sie manchmal dunkler zu färben als den Rest der Szene. Um den Eindruck zu vermitteln, dass sich diese Objekte in der Nähe der Kamera befinden und die Beleuchtung hier etwas dunkler ist, sodass der Fokus der Augen in Richtung Mittelgrund gerichtet ist. Die fünfte Technik besteht darin, mit einer Helligkeit zu spielen. So können wir unsere Szene interessant aussehen lassen , indem wir die Objekte, die am weitesten von der Kamera entfernt sind , am dunkelsten und die Objekte, die näher an der Kamera sind, heller machen. Ich verwende diese Technik gerne. Auch wenn ich Waldszenen mache, z. B. dieses Panel hier drüben, habe ich zwei Bäume, die der Kamera am nächsten sind, und sie sind heller als alles, was im Hintergrund ist. Die Bäume und das Laub werden dunkler. Um dieses Gefühl von Tiefe zu vermitteln, dass diese Kraft dunkel und tief ist, und dass dies nur die Vorder - und die Nahseite von ihr ist. Die letzte Technik besteht darin, mit der Farbtemperatur zu spielen, die auch als atmosphärische Perspektive bezeichnet werden kann. Dies ist ein Effekt, den wir täglich mit unseren eigenen Augen sehen können . Wenn Sie nach draußen gehen, können Sie feststellen die Farbe umso wärmer ist, je näher die Objekte an Ihren Augen sind . Aber je weiter sie sind, desto kühler ist ihre Farbe. Und natürlich neigen Objekte aufgrund des Einflusses der Atmosphäre dazu, sich der bläulichen Farbe zuzuwenden , je weiter sie entfernt sind. sich in diesem kurzen Beispiel, das ich hier gemacht habe Schauen Sie sich in diesem kurzen Beispiel, das ich hier gemacht habe, den Farbrad an, während ich die Farben auswähle. Die Farbe der am nächsten gelegenen VC-Blätter ist warm gelb und grün. Aber das Gras hier drüben ist kühler grün und die Farbe wird kühler, je weiter sie sind, bis sie zu Lewis werden. Und das führt zu einem Gefühl von Tiefe. Ich verwende diese Technik sehr gerne, wenn ich einen Hintergrund oder den Himmel habe, der z.B. diese Szene hier in meinem Panel zeigt , obwohl sie gut genug aussieht, so wie sie hier ist, wenn ich mit einer bläulichen Farbe Airbrush aufgetragen habe, dann kann ich sofort das Gefühl der Atmosphäre spüren. Und das Gleiche gilt für die Gebäude hier hinten. Ich habe sie bläulich gemacht, um das Gefühl der Atmosphäre zu vermitteln. Diese Technik ist auch nützlich, wenn Sie Szenarien haben, insbesondere wenn Sie Berge haben , die sehr weit von Ihrer Szene entfernt sind , z. B. die Berge hier hinten. Berge sind zwar natürlich und nicht blau, aber sie haben eine warme braune Farbe oder vielleicht eine grüne Farbe. Da sie so weit weg sind, verleiht ihnen Lew dieses Gefühl von Tiefe und wir können verstehen , dass sie so weit von unseren Augen entfernt sind. Denken Sie also an diese Techniken, wenn Sie Hintergründe für Ihre Szenen erstellen. Sie können Ihre Muster auf jeden Fall interessanter aussehen lassen. Wie Sie sehen, benötigen sie nicht viel Aufwand, aber sie können Ihre Szene wirklich verändern und sie im Handumdrehen interessanter aussehen lassen. der nächsten Lektion werden wir darüber sprechen, Hintergründe aus Graustufen zu malen, um auf ihre Werte zu konzentrieren, und darüber, wie man sie von Schwarzweiß in eine farbenfrohe Version verwandelt . 18. 4-3 Gemälde von Greyscale: Bevor wir beginnen, Objekte und 3D-Modelle zur Erstellung unserer Hintergründe zu verwenden , möchte ich Ihnen zunächst eine grundlegende, aber wichtige Technik vorstellen, die Sie üben sollten, nämlich das Malen in Graustufen von konzentriert sich nur auf Werte. Ich würde sagen, dass diese Technik zwei wichtige Ergebnisse liefert. Das erste ist, dass es Ihnen hilft Werte und Kontraste besser zu verstehen. Da du dich nur auf Schwarzweiß konzentrierst und zunächst keine Farben verwenden musst, hilft dir diese Technik , dein Verständnis dafür zu verbessern, wie du Hintergründe besser gestalten kannst. Da Sie auf einfache Weise interessant aussehende Hintergründe mit toller Beleuchtung und Kontrast erstellen interessant aussehende Hintergründe mit können , möchte ich über das zweite Ergebnis sprechen. Wie Sie in den nächsten Lektionen sehen werden, verwenden wir Bilder, Pinsel und 3D-Modelle, um unsere Hintergründe zu erstellen. Aber manchmal sind Sie möglicherweise nicht in der Lage, genau die richtigen Ressourcen zu finden , die Sie für Ihre spezifische Szene benötigen. Vor allem, wenn es sich um ein etabliertes Bild handelt, bei dem Sie den Fokus Ihrer Leser auf die Umwelt selbst lenken möchten um ein etabliertes Bild handelt, bei dem Sie den Fokus Ihrer Leser . Das Üben dieser Malmethode würde dir helfen, wenn du in einer solchen Notlage bist. Dann diese Lektion, ich habe eine Szene, die mich in Schwierigkeiten bringt, ich zeige dir, wie ich mich damit zurecht komme. Die Szene, die ich zeichnen möchte, ist eine unterirdische Höhle mit einem Glied unten und Sonnenlicht, das durch das Dach fällt. Ich hatte es in meiner Storyboard-Phase grob skizziert. Ich habe also eine Vorstellung von der Komposition, der ich auf dieser Aufnahme folgen möchte , aber ich habe auch einige Referenzbilder auf unsplash.com nachgeschlagen. Ich habe nach einer unterirdischen Höhle gesucht. Und nachdem ich mir die folgenden Bilder angesehen hatte, habe ich die folgenden vier Bilder aufgenommen. Ich werde die Bilder so anordnen , dass ich sie alle vier sehen kann. Während ich arbeite. Ich werde jedes Bild etwas verkleinern , damit ich die vollständige Ansicht sehen kann. Ich habe beschlossen, diese beiden auf diese Seite zu nehmen , damit ich meine Arbeit in Canvas und im Mittelpunkt habe. Jetzt wechsle ich für jedes dieser Bilder in den Graustufenmodus. Gehen Sie dazu zum Bild selbst und klicken Sie unter Ebeneneigenschaften unter Ausdrucksfarbe auf dieses Drop-down-Menü und wählen Sie Grau. Jetzt ist das Bild in den Graustufenmodus übergegangen. Ich mache dasselbe für die anderen drei Bilder. Okay, jetzt habe ich alles in Graustufen und ich habe meine grobe Skizze. Ich werde es nur ein bisschen anpassen. Bring das runter. Da ich möchte, dass der Leser beim Lesen darin scrollt und nicht das vollständige Bild auf einmal sieht. Jetzt, wo ich mit dieser Komposition zufrieden bin, gehe ich zu meinem Panel. Jetzt fange ich an, meine Szene in Graustufen zu malen. Im Grunde genommen, wenn ich mir den Farbkreis ansehe , wähle ich hier einfach Farben von dieser Seite, ausschließlich Schwarz-Weiß, überhaupt keine Farben. Oder du kannst auch zu den Schiebereglern gehen und die Farben steuern, um deine Anmut einfacher auszuwählen, je nachdem, was für dich passt. Ich wähle eine dunkelgraue Farbe. Ich wähle meinen Hintergrund aus und fülle ihn aus. Aus Bearbeiten, Ausfüllen. Ich werde nur die Opazität etwas reduzieren , damit ich die Skizze hier in einer sehr hellgrauen Farbe sehen kann . Ich markiere den Ort des Sees. Ich markiere auch den Ort für was auch immer diese Dinger sind, Blöcke von Felsen. Und mit einem weiteren helleren Grau konzentriere ich mich hier auf die Öffnung an der Oberfläche. Jetzt werde ich die Opazität wieder auf 100 Prozent bringen. Und ab diesem Zeitpunkt werde ich mir die Bilder ansehen, die ich habe. diesem Bild hier kann ich also sehen, dass der Kontrast sehr hoch ist und die Farbe hier unser Grau ist. Also wähle ich Dunkelgrau und kehre zu meiner Szene zurück und ändere den Hintergrund auf dieselbe dunkle Farbe wie bei Bearbeiten, Konvertieren in Zeichnen und Färben. Und ich kann auch sehen, dass die Oberseite weiß gestrichen ist. Also werde ich darauf zurückkommen und es mit Weiß bemalen , anstatt das hellere Grau beizubehalten. Aber ich werde ein bisschen davon behalten nur damit ich keine scharfen Kanten habe. Ich werde die beiden Ebenen zusammenführen und ab jetzt an einer Ebene arbeiten. Das Wichtigste in diesem Schritt ist, einfach in den Hauptfarben zu schauen und dann können wir anfangen, weitere Details hinzuzufügen. Mir wurde klar, dass mir, da ich einen See auf meinem Bild habe, ein Referenzbild mit dem See fehlt. Also habe ich ein anderes Referenzbild mit einem See gesucht. Ich stelle es auch auf Graustufen. Und ich werde es hier drüben haben, statt dieses Bild, da es diesem sehr ähnlich sah, werde ich mich für den Wert des Sees auf dieses Bild beziehen . Und ich male es hier drüben. Für diese Szene. Ich werde keinen perspektivischen Linealen oder irgendetwas anderem vom Bein aus folgen. Ich male einfach Sachen und lasse sie überzeugend aussehen. Es ist also eine Sache von Versuch und Irrtum. Ich werde mich so lange anpassen, bis ich ein Ergebnis erreicht habe, mit dem ich zufrieden bin. Schnapp dir weiter Farben. Wir schauen uns Referenzen an und stellen meine Szene zusammen. Um Farben besser kontrollieren zu können, können Sie sie auch auf einer neuen Ebene hinzufügen und dann die Deckkraft verringern. wollte z. B. ein helleres Grau, aber ich wusste nicht genau, wie ich es von hier bekommen sollte. Auch das Herumspielen mit Ebenen hilft also sehr, um Verlaufseffekte zu erzielen. Klicken Sie auf die Schaltfläche Auf die untere Ebene übertragen und wiederholen Sie dasselbe für diese Farbe. Ich lasse das Oberteil rockiger aussehen. Lass uns jetzt etwas Licht auf einer neuen Ebene hinzufügen, ich klicke auf den Soft-Airbrush mit einer sehr großen Größe, einen leichten Airbrush hier drüben. Weil das Licht von dort kommt. Ich kann die Opazität etwas reduzieren. Aber jetzt fangen wir an, irgendeine Form von Gradient zu haben. Und das Gleiche mache ich für den See, aber ich werde zuerst Airbrush mit einem mehrschichtigen Datenverlauf zum See verwenden. Und dann gehe ich zurück und füge wieder Weiß hinzu. Da der See von Sonnenlicht beleuchtet wird , das von oben kommt. Ich werde diese Ebenen ein bisschen verstecken und weiter malen. Jetzt werde ich versuchen, die Szene besser zu definieren. Wie Sie sehen können, sieht die Szene langsam interessanter aus, obwohl sie im Grunde nur aus Kritzeleien besteht . Aber man kann irgendwie erkennen, was vor sich geht. Ich versuche jetzt, die Felsen zu definieren. Auch hier muss nichts perfekt sein, solange wir es versuchen, das ist alles, was zählt. Und wenn wir an einer bestimmten Technik interessiert sind , können wir sie natürlich genauer studieren und mit der Zeit mehr lernen. Ich setze hier einfach einen Platzhalter für meine Charaktere für den Größenvergleich ein. Weil dieser Ort sehr groß und sie super klein sind. Ich möchte mich also daran erinnern, dass ich das alles bisher nur mit dem einfachen Rundpinsel mache . Natürlich können Sie jede Art von Pinsel verwenden, die Sie mögen. Ich versuche nur, die Hauptformen herauszufinden , um es aussehen zu lassen. Ich wünsche mir. Um ehrlich zu sein, habe ich noch nie Malerei studiert. Ich male nur aus Beobachtung und aus dem , was ich im Laufe der Zeit gesehen habe. Aber natürlich können Sie dem Erlernen dieser Technik viel Zeit widmen viel Zeit widmen , wenn Sie lernen möchten, wie man richtige Hintergründe malt. Aber natürlich, was die Künstler angeht, ich meine, wir haben sowieso in jedem Kapitel viel zu zeichnen. Es ist also fast unmöglich, in jedem einzelnen Kapitel deine Hintergründe auszumalen in jedem einzelnen Kapitel wenn du einen Upload-Zeitplan einhalten möchtest. Aus diesem Grund ist, wie ich bereits erwähnt habe, das Üben dieser Technik gut für Ihr allgemeines Verständnis. Und es ist hilfreich, wenn Sie nicht wissen, was Sie mit Ihrer Szene anfangen sollen. Und nachdem ich den Umgang mit den Assets und den nächsten Lektionen vorgestellt habe, können Sie natürlich den Assets und den nächsten Lektionen vorgestellt habe, beide Techniken miteinander kombinieren. Wir können also mit einer Graustufe malen und dann Bilder darauf legen und dann, weißt du, mischen und anpassen, bis der Hintergrund gut genug aussieht. Ich aktiviere meine Zutaten wieder und sehe, wie es bisher aussieht. Da das Licht von oben kommt, muss ich hier oben weitere Highlights hinzufügen. Also deaktiviere ich die Farbverläufe wieder und arbeite daran, Highlights rund um diesen Bereich zu erstellen. Die Lichter sollten oben und die Schattierung unten sein. Und ich glaube, ich möchte, dass es so aussieht, als wäre es eine tiefere Höhle, die hineingeht. Also habe ich diesen riesigen Klecks hinzugefügt und gerannt und ihm mehr Dunkelheit gegeben, um Tiefe anzuzeigen. Zurück zu den wichtigsten Highlights. Ich gehe immer wieder hin und her. Aber ich hoffe, du kannst sehen, wie es zusammenkommt. Auf einer neuen Ebene mit reduzierter Deckkraft verwende ich nun dieselbe Farbe, die ich für die Glanzlichter verwendet habe, aber um hier hellere Farben einzuführen. Und ich nehme jetzt diese Farbe aus dem See und reduziere auf einer neuen Ebene die Opazität und male einfach ein bisschen. Beachten Sie, dass all dies nur mit einem standardmäßigen Rundpinsel gemacht wurde . Ich werde jetzt zum Pinsel und zum Wasserwerkzeug wechseln und anfangen, etwas zu mischen , nur damit die Dinge besser aussehen. Ich wähle nach und nach Farben aus und male, um alles besser miteinander zu vermischen. Sie können es natürlich in diesem Stadium belassen, aber Sie können es weiter verfeinern. Es ist eine ganz persönliche Präferenz. Ich werde es noch etwas verfeinern, bevor zur Färbephase übergehe. Ich kann Ihnen zeigen, wie Sie dieses Bild auf einfachste und schnellste Weise von Graustufen in zwei Farben Graustufen in zwei Farben aufnehmen können. Hi hat die Multiplikationsschicht des Sees aktiviert und ich werde die Teile hier, die sich außerhalb des Sees selbst befinden, mit einem weichen Radiergummi löschen Teile hier, die sich außerhalb des Sees selbst befinden, mit einem weichen Radiergummi . Und ich füge es zusammen. Jetzt kann ich den Rand dieser Felsen definieren. Ich definiere diese Kanten mit einem dunkleren Wert und ich definiere sie mit einem etwas helleren Wert. Das ist für die Beleuchtung da. Ich habe es nicht weiß gemacht. Ich werde versuchen, mit den Mischmodi zu spielen. Ich werde z. B. versuchen, den Glow Blending Mode hinzuzufügen und schauen, wie ich auf diese Weise mehr Licht oder mehr Kontrast bekommen könnte . Das macht den See besser. Auch die Spitze der Höhle. Also werde ich diesen Teil einfach sanft löschen. Außerdem füge ich eine neue Ebene mit Add the Glow hinzu und füge dem See selbst einige Wasserlinien hinzu , damit er wie eine Wasseroberfläche aussieht. Ich habe auch diese Wasseroberflächenbürste. Ich werde es hier benutzen, aber wie du siehst, ist es groß. Also gehe ich rüber und reduziere die Partikelgröße und male wieder. Ich mache das auf einer neuen Ebene, damit ich ihre Deckkraft kontrollieren kann. Auch diese neue Ebene ist im Leuchtmodus eingestellt. Wir können es mit dem Wasserwerkzeug ein wenig mischen. Um es weniger lebendig zu machen. Ich füge einer neuen Ebene etwas mehr Glanz hinzu. Ich werde ein bisschen mehr Klebstoff auf die Mitte auftragen, damit es bei einem sonnenbeschienenen Feld Null oder mehr ist. Ich gehe hier auch wieder ganz oben hin. Und ich werde diesen Pinsel aus einer Sammlung verwenden , über die ich in der nächsten Lektion sprechen werde wenn wir darüber sprechen, wie man Naturszenarien erstellt und die entsprechenden Pinsel verwendet. Ich werde sie verwenden, um der Sonate einige Pflanzen hinzuzufügen, da ich das bei Synthase auf natürliche Weise gesehen habe und ich habe sie gefunden. Gib mir eine wirklich nette Berührung. Also werde ich die Ebene sperren und den Durchschnitt der weißen mit etwas Grau berechnen und ich werde es ertragen, die grauen mit etwas Weiß zu bürsten und so weiter. Auf einer neuen Ebene füge ich dunkle hinzu. Um der Szene etwas mehr Tiefe zu verleihen, wie Sie sehen können. Wir könnten sie vielleicht auch ein bisschen verwischen . Nur ein bisschen. Ich könnte diese Szene noch weiter verfeinern, aber lassen Sie uns jetzt darüber sprechen, wie wir das von der Graustufe zur Farbgebung übertragen können. Die wirklich einfachste und schnellste Methode besteht darin, eine Gradientenkarte hinzuzufügen. Er kann das tun, indem er dort eine Korrektur von ihrer neuen Verbindung , der Gradientenkarte, hinzufügt. Ich klicke auf eine zufällige davon. Aber wenn Sie mit den Verlaufskarten nicht vertraut sind, projiziert es im Grunde mit den Verlaufskarten nicht vertraut sind, projiziert es alle Farben, die Sie hier haben, auf den Farbverlauf. Es projiziert sie auf der Grundlage der Werte, die Sie in Ihrer Szene festgelegt haben. Ich werde nach einer suchen, die für meine Szene gut aussieht. Ich dachte daran, der Szene eine bläuliche Atmosphäre zu verleihen. Sie können Ihre eigenen Verlaufskarten erstellen oder sie auch von Clip Studio Assets herunterladen. Persönlich finde ich es viel einfacher, vorgefertigte herunterzuladen und zu verwenden , als eigene zu erstellen. Nehmen wir an, ich entscheide mich für diesen. Ich kann noch weitere Anpassungen vornehmen indem ich jede Farbe anpasse. Also z. B. möchte ich, dass die dunkelste Farbe noch dunkler aussieht. Ich werde es dunkler machen und nachschauen. Das ist zu dunkel. Nur um ein bisschen damit zu spielen. Ja, ich denke, das sieht besser aus. Ich werde ein bisschen mit den Farben herumspielen und sehen. Ja, das entspricht dem Bild, das ich mir vorgestellt habe. Butter. Ich möchte, dass die Highlights gelblich aussehen. Die Spitze. Ich setze den zusätzlichen Kontrast die hellste Farbe auf Weiß für den zusätzlichen Kontrast die hellste Farbe auf Weiß. Und ich füge hier eine weitere Farbe hinzu und stelle sie auf sehr helles Gelb ein. Vielleicht ist das zu hell. Etwas wie das hier. Okay? Okay, jetzt, da wir die Gradientenkarte haben, war dies eine sehr schnelle Methode zum Ausmalen, aber wir können auch weitere Dinge tun, z. B. da die Verlaufskarte als Korrekturebene hinzugefügt wurde. Wenn ich es also deaktiviere, kann ich immer noch meine Schwarz-Weiß-Version sehen. Also kann ich es so oft deaktivieren und wieder aktivieren, wie ich möchte. Ich werde versuchen, mit verschiedenen Mischmodi herumzuspielen , um zu sehen, was besser funktioniert. Sie können dies tun, indem Sie jeden Mischmodus einzeln anklicken und ziehen. Oder du legst einfach deine Maus darauf und bewegst die Maus einfach mit deinem Mausrad. Und überprüfen Sie schnell, wie es aussieht , ohne es immer wieder öffnen zu müssen. Das sind also einige sehr unterschiedliche Looks. Ich glaube, dieser gefällt mir am besten. Wenn Sie die Ebene der Gradientenkarte in den Farbmodus versetzen, bleiben Ihre Werte erhalten und nur die Farbe wird hinzugefügt. Das ist also eine Methode. Wir können immer noch ein bisschen mehr mit unserer Szene herumspielen . ZB füge ich eine neue Ebene hinzu und wähle mit einem Airbrush eine hellgelbe Farbe aus. Leicht Airbrush auf der Oberseite , damit es sich wie Sonnenlicht anfühlt. Und ich kann den Mischmodus ändern. Ein weiterer Trick ist, wie Sie sehen, das vollständige Bild jetzt in einem bläulichen Ton. Aber was ist, wenn du ein bestimmtes Teil mit einem anderen Farbset einfärben lassen möchtest, z. B. möchte ich die Farben der Beine etwas ändern. So kann ich zur Ebene Gradient Map gehen und auf die Maske klicken. Und wenn ein Bereich vorhanden ist, kann ich dafür den Effekt der Gradientenkarte löschen Ich verwende einen weichen Radiergummi , damit die Kanten nicht leicht sichtbar sind. Was ich für diesen Teil tun möchte, ist, dass ich eine andere Gradientenkarte einführen möchte, z. B. sagen wir, ich möchte diese spezielle Gradientenkarte. Ich wähle es aus und klicke auf Okay. Und auf der Maske dieser neuen Verlaufskartenebene klicke ich darauf und klicke auf die Schaltfläche Löschen oder auf Löschen bearbeiten. Und jetzt mit einem Airbrush male ich einfach hier drüben. Und wie Sie sehen, aktivieren Sie die Gradientenkarte nur auf dem See selbst. Und jetzt kann ich speziell zu dieser Gradientenkarte zurückkehren und andere Gradientenkarten ausprobieren andere Gradientenkarten ausprobieren bis ich mit den Ergebnissen zufrieden bin. Wenn die Verlaufskarte nicht richtig aussieht, kannst du sie hier von unten umdrehen. Ich glaube, das gefällt mir besser. Und das ist noch nicht alles, was du tun kannst. Sie können immer noch neue Ebenen hinzufügen und mit dem Mischmodus herumspielen. Kapitel sechs werden wir mehr über Farbanpassungen sprechen. Wir werden also ausführlicher über all diese Farbanpassungen sprechen . Ich kann sagen, dass mein Panel fast fertig ist. Es muss nur ein bisschen aufgeräumt und dann kann ich es als erledigt betrachten. Ich würde Ihnen dringend empfehlen, diese Methode auszuprobieren, jede natürliche Szene, die Sie interessiert aufzunehmen und sie in Graustufen umzuwandeln. Und versuche zuerst, es so neu zu erstellen , wie es eigentlich aussieht, nur um Werte zu üben und den Dreh mit dieser Methode zu bekommen. Und danach können Sie versuchen, Ihren eigenen Hintergrund aus verschiedenen Referenzbildern zu erstellen Ihren eigenen Hintergrund aus , wie ich es hier getan habe. In der nächsten Lektion werden wir insbesondere über natürliche Szenen sprechen und darüber, wie man Pinsel und Bilder verwendet, um eine überzeugend aussehende natürliche Szene zu erstellen. Und der geringstmögliche Aufwand. 19. 4-4 natürliche Szenen: Okay, jetzt ist der spannende Teil gekommen, nämlich aus der Kombination von Bildern und Pinseln professionell aussehende, hochwertige Hintergründe aussehende, hochwertige Hintergründe zu machen, die wir als Hilfsmittel bezeichnen werden, um diese großartig aussehen zu lassen Hintergründe mit möglichst geringem Zeit- und Arbeitsaufwand. Wenn ich sage, Vermögenswerte kombinieren liegt das daran, dass jeder Teil dieser Hintergründe im Grunde etwas ist , das ich selbst hinzugefügt und kombiniert habe, um die volle Aufrichtigkeit zu erzielen. Wenn es also um Assets geht, gibt es Pinsel und Bilder, und es gibt kostenlose und kostenpflichtige Assets. Zunächst zeige ich Ihnen die ersten empfohlenen kostenlosen Assets , die Sie sofort von Clip Studio Paint-Assets erhalten können . Die ersten sind diese Bäume oder Büsche, Pinsel. Sie eignen sich hervorragend, um Ihrer Szene auf einfache Weise Laub hinzuzufügen. Der zweite ist dieser vorgefertigte farbige Schieber mit einem Pinsel. Damit kannst du deiner Szene ganz einfach und schnell Laub hinzufügen, ohne dir Gedanken über Farben machen zu müssen, da sie sofort einsatzbereit sind. Der dritte ist dieser echte Schatten, ein Pinsel, den Sie mit einem Multiplikationsmodus auf einer neuen Ebene hinzufügen können , um sofort den Schattierungseffekt zu erzielen. Oder Sie können es auch mit einer transparenten Farbe verwenden und damit einige Teile abwischen, sodass Sie den Eindruck ob Licht zwischen den Baumblättern kommt. Die vierte ist diese Grasbürste. Es ist sehr praktisch, um schnell Gras hinzuzufügen und gleichzeitig die Farbe selbst zu ändern. Und der fünfte sind diese Baumstempelpinsel, denen Sie ganz einfach einen Baumstamm erstellen können , ohne Gedanken darüber machen zu müssen, die Textur selbst hinzuzufügen. Schließlich sind diese vorgefertigten Wolkenpinsel sehr praktisch, um Ihrer Szene schnell Wolken hinzuzufügen , ohne sie selbst zeichnen zu müssen. Natürlich gibt es noch viel mehr Assets, aber diese, die ich dir gezeigt habe, unser bestes Starterpaket, um ein komplettes Szenario aus Laub erstellen zu können . Bisher sind diese nur aus dem Clip Studio Asset Store. Sie können auch Inhalte von Drittanbietern herunterladen. Zum Beispiel liebe ich dieses Set mit Laub und aggressiven Pinseln, das vom Künstler Devin L. Kurtz hergestellt wurde, wirklich. Du kannst diese Pinsel kostenlos herunterladen, indem du hier Null eingibst und dann auf Ich will das klicken. Oder wenn du die Künstler auch unterstützen möchtest, dann kannst du hier einen Preis nennen. Diese Aggressionen sind also unglaublich. Ich verwende sie ständig speziell für Gras. Sie können ganz einfach zwei Grafiken und Blätter malen , die fantastisch aussehen und Ihre Szene sofort füllen und sie besser aussehen lassen , ohne viel Aufwand zu investieren. Die Pinsel, die ich in der vorherigen Lektion verwendet habe , stammen aus derselben Packung. Sie finden sie übrigens unter immergrünen Pinseln. Es wird auch mit Blumenstock und solchen Sachen geliefert. Ich kann diese Unterdrückungen nur empfehlen. Sie sind wirklich unglaublich. Nun, das ging um das freie Vermögen. Aber für mich finde ich manchmal nicht wirklich immer das , was ich genau brauche, in Pre-Assets. Ich schaue mir andere Quellen an und manchmal nach meinem Vermögen. Eines der Vermögenswerte, die ich gekauft habe und das ich wirklich mag, ist diese kleine Baumbürste. diesem Pinsel können Sie ganz einfach einen schnellen Wald erstellen. Jetzt benutze ich es normalerweise nicht mehr so wie es ist. Ich nehme immer noch meine Änderungen vor. Ich liebe auch Disciplines of Brush Set sehr. Es wird mit mehreren Pflanzenbürsten geliefert, egal ob es sich um vier Dreier handelt, einige Bodendetails mit etwas Gras und dergleichen. Dies ist eines meiner Lieblingspakete, das ich häufig verwende , wenn ich meiner Szene mehr Pflanzen hinzufügen möchte. Und ich liebe auch die beiden Pakete Image-Assets, die ich auch gekauft habe. Die erste ist für Bäume und Bäume mit Felsen, im Grunde normal aussehende Bäume. Und der zweite hat Felsen und Felsen mit dem Gras. Diese beiden Sets haben mir wirklich geholfen, diese professionell aussehenden Hintergründe zu erstellen diese professionell aussehenden Hintergründe und gleichzeitig den Prozess sehr schnell zu gestalten. Das ist also nur das Zusammenmischen von Bildern. Schließlich habe ich auch eine Sammlung von Himmelsbildern gekauft, in vier Ausführungen erhältlich sind. Eine für sonnige Tage, eine für unseren Nachthimmel , vier Sonnenuntergangshimmel und die letzte für bewölkten Himmel. Wenn Sie zu Beginn keine Assets kaufen können, machen Sie sich keine Sorgen Clip Studio Paint enthält einige kostenlose Bild-Assets, die Sie im Materialfenster abrufen können . Clip Studio Paint enthält einige kostenlose Bild-Assets, die Sie im Materialfenster abrufen können. Gehen Sie unter Bildmaterial zur Abbildung und dann werden Sie sehen , dass es einige Bauelemente, einige Werkzeuge, einige Blumen und Pflanzen sowie den Mond gibt, egal ob Vollmond oder Halbmond und sogar ein Regenbogen. Und auch einige Effekte. Und du kannst weitere unter dem Farbmuster finden und dann zum Hintergrund gehen. Dann die Natur. Verschiedene Verkleidungen findest du hier. Sei es ein regnerischer Himmel, ein Sonnenuntergang, bewölkter Himmel oder ein Tag - und Nachthimmel. Und es gibt auch künstliche. Hier gibt es vorgefertigte Hintergründe , die Sie sofort so verwenden können, wie sie sind. Und natürlich gibt es noch viele, viele weitere Assets, die Sie von einem Clip Studio-Assets herunterladen können . Also nochmal, schauen Sie es sich auf jeden Fall an und stöbern Sie darin und Sie werden hoffentlich viele kostenlose Dinge finden, die Sie mit S4 erledigen können, den Websites, von denen Sie Vermögenswerte kaufen können. Ich habe in diesem Kapitel eine vollständige Lektion gewidmet, um über all die verschiedenen Orte zu sprechen von denen ich mein Vermögen erhalte. Sie werden also in dieser Lektion Ihre Antwort finden können. Okay, ich möchte dir zeigen, wie man aus Assets eine Szene erstellt. Ich möchte hier eine Waldszene erstellen. Und ich habe eine kurze Skizze des Waldes gemacht, nur um eine Vorstellung von der Perspektive und der Komposition zu bekommen, nach der ich suche, auch wenn sie sehr schlecht ist, aber es ist eine Erinnerung an das Bild das war nicht mein Kopf. In dieser Komposition suche ich also nach einer gewissen Perspektive. Ich möchte also einige Anleitungen haben, aber ich möchte nicht, dass mein Führer ein perspektivisches Lineal ist, weil das eine organische Sache ist und ein zukünftiges Lineal dir hilft, gerade Linien zu zeichnen. Was ich also tun kann, ist dieses Tool namens Vanishing Point zu verwenden , das ich von den Clip Studio-Assets heruntergeladen habe , das ich von den Clip Studio-Assets heruntergeladen habe. Indem ich auf eine beliebige Stelle klicke, kann ich sofort einen Fluchtpunkt generieren , sofort mit den Richtlinien geliefert wird. Dies ist hilfreich , wenn Sie schnelle Richtlinien benötigen, damit Sie die Grenzen nicht selbst ziehen müssen. Ich werde das nach oben bewegen, bis ich das Gefühl habe , dass es zu meinen Linien hier in der Szene passt. Die Linie kollidiert jetzt mit dieser roten Linie. Und das bedeutet, dass ich für dieses Praktikum bereit bin. Zentrieren Sie es ein wenig und passen Sie diese Position mit dem Verschiebewerkzeug an, während Sie es über die Pfeiltasten auf meiner Tastatur steuern . Es sieht gut aus. Jetzt lösche ich diese roten Linien. Und jetzt können wir mit dem Einrichten der Szene beginnen oder eine neue Ebene erstellen. Und ich möchte den Baum in diesem Pinsel verwenden, den ich habe, aber ich möchte ihn nicht verwenden und es ist eine Pinselform. Ich verwende stattdessen seine Bildform. Und ich kopiere diese Bäume und füge sie meine Szene ein, damit ich ihre Platzierung besser kontrollieren kann. Ich wähle beide aus und ändere ihre Größe ein wenig. Mit der Skalenrotationstransformation. Ich lege einen auf diese Seite und einen anderen auf diese Seite. Aber ich ziehe es runter , sodass sie beide auf demselben Boden sind. Und jetzt werde ich mich wieder verwandeln. Aber ich ändere den Modus von Free Transform zur Perspektive. Und ich werde dafür sorgen, dass es den perspektivischen Anleitungen folgt , die ich habe. Das Gleiche gilt für diesen Baum auf der linken Seite. Es wurde irgendwie ausgeschnitten, lösen, erneut einfügen und die Größe ändern. Und ich werde die perspektivische Transformation erneut durchführen. Ich versuche, den Baumstamm den perspektivischen Linien folgen zu lassen , aber sie müssen nicht perfekt sein weil die Natur zufällig ist und man mit Zufälligkeit so viel durchkommen kann und Unregelmäßigkeiten. Um ehrlich zu sein, die meisten Szenen, die ich erstelle, haben normalerweise keinen Fluchtpunkt, aber ich wollte ihn in dieser Lektion vorstellen. Das heißt, es ist gut, es zu wissen und im Hinterkopf zu behalten , falls Sie der Perspektive besser folgen möchten. Ich verstecke jetzt meine Skizze. Da ich die Guides habe und der Baum jetzt passt, werde ich ihre Positionen ein wenig anpassen. Jetzt verwende ich auf einer neuen Ebene das Pinselformat, um der Szene dahinter schnell einige Pinsel hinzuzufügen. Und ich passe das auch mit dem Tool zur perspektivischen Transformation an. Ich kann diesen Begriff Pinsel , den ich Ihnen zuvor vorgestellt habe, auch verwenden , um mehr Bäume hinzuzufügen und gleichzeitig diesen perspektivischen Linien zu folgen. Bevor ich weitermache, möchte ich nun den Boden vom Himmel aus ermitteln. Also erstelle ich zuerst eine neue Ebene und wähle eine Farbe aus diesem Diagramm hier drüben aus. Und ich übermale einfach, um meine Grundfläche zu bestimmen. Ich nehme ein Himmelsbild und füge es hinter alles ein. Platziere es oben. Sagt, das Himmelsbild ist nicht lang genug. Ich möchte den Hintergrund einfärben, also doppelklicke ich auf das Papier hier drüben. Und ich wähle die hellste Farbe von diesem Typen. Und klicken Sie auf Okay, wenn ich jetzt die Bäume entferne, können Sie sehen, dass es einen Himmel gibt und dann eine Farbänderung des Adverbs, aber diese Änderung wird nicht sichtbar sein , da meine Bäume ihn bedecken. Falls ich möchte, dass es diesen Hals verlängert und einfach Airbrush verwendet, indem ich Farben aus der Szene selbst aussuche. Und dann setze den fehlenden Unterricht mit den Pinseln fort, von denen ich dir zuvor erzählt habe. In dieser Phase nehme ich eine schnelle Farbanpassung vor, um den Look zu sehen, für den ich mich irgendwann entscheiden möchte . Also das Erste, was ich tun werde, ist dieser Typ zu dunkel für mich aussieht. Ich möchte, dass es heller wird, also gehe ich zu Bearbeiten, Tonkorrektur und dann zu Farbtonsättigung, Luminanz. Und dann werde ich das abschwächen und die Sättigung etwas erhöhen. Und vielleicht eher in Richtung Cyanblau umgewandelt. Das sieht besser aus. Dieser Farbwechsel war dauerhaft. Es verändert mein Bild komplett. Aber wenn ich das nicht will, wenn ich nicht sicher bin, ob ich einen dauerhaften Farbwechsel möchte, dann kann ich das tun, indem ich dort eine Korrektur verwende, die wir in der letzten Lektion verwendet haben. Gehen Sie dort zur Ebenenkorrektur, und dann finden Sie hier alle Optionen zur Farbanpassung. Ich wähle wieder eine Hue Saturation Luminosity. Und ich nehme dieselbe Farbanpassung vor, die ich gerade gemacht habe. Und klicken Sie auf Okay, jetzt sind alle Anpassungen auf der neuen Ebene. Ich muss mir keine Gedanken darüber machen die Farben meines Bildes dauerhaft zu ändern. Ich komme jetzt ins Gras. Ich wähle Farben aus dem Gras , das mit den Bäumen selbst kommt. Mit diesen aggressiven Pinseln , von denen ich dir erzählt habe, blockiere ich etwas Gras und ich möchte, dass das Gras hinten dunkler aussieht als vorne. Ich verwende diese dunkle Farbe für die Rückseite und verwende einen Farbübergang , den ich dank der Transparenz des Werkzeugs dazwischen wählen kann , und dann ein bisschen mehr malen. Eine wichtige Sache beim Malen von Gras ist jedoch , ein Gefühl von Tiefe zu vermitteln. Haben Sie immer das weiter entfernte Gras mit weniger Details. Und je näher es der Kamera kommt, desto mehr Details fügen Sie hinzu. Z. B. habe ich diesen soliden, aggressiven Pinsel , der zu nah am Bildschirm gut aussehen würde. Aber wenn ich es hier hinten benutze, gibt mir das zu viele Informationen. Und wie wir in der ersten Vorlesung über Tiefe besprochen haben, je weiter die Dinge sind, desto weniger Informationen haben sie und desto weniger Details haben sie. Deshalb behalte ich die detaillierten Pinsel immer in der Nähe und die weniger detaillierten Pinsel für die weiter entfernten. Was unsere Farben angeht, lasse ich sie im Hintergrund kühler und im Vordergrund wärmer werden. Wenn ich möchte, dass dieser Bereich heller wird, kann ich z. B. mit diesem helleren Gelb oder Grün malen. Aber das ist nicht der Look, den ich in dieser Szene anstrebe. Ich möchte immer noch Farben mischen und kombinieren und verfolgen und sehen, wie sie aussehen. Wenn du eine Farbe auswählen möchtest, du aber verwirrt bist, dann erstelle immer eine neue Ebene und füge diese Farbe hinzu und reduziere dann die Opazität, um zu sehen, wie sie aussieht. Und Sie können auch den Ebenenmodus ändern und sehen, ob Sie etwas finden, das Ihnen gefällt. Zum Beispiel hat mir dieses wärmere und dunklere Grün gefallen, also werde ich es in der Szene hier verwenden. Ich werde eine neue Ebene über allem erstellen und diesen Aggressor hinzufügen , der näher am Bildschirm liegt , sodass er alles bedeckt , was sich hinten befindet. Ich werde den Pinsel etwas verkleinern, während ich den Rest des Grases bemale , damit der Übergang zur Entfernung hin erfolgt. Ich kann es auch nach oben ziehen weil ich denke, mit unserer Perspektive würde es besser aussehen, aber ich muss es noch einmal bürsten, da es jetzt beschnitten ist. Also werde ich das löschen. Bürsten Sie es erneut. Aber oben. Ich kann auch die Pinselform variieren , damit sie interessanter aussieht. Ich ändere die Farbe ein bisschen. Es ist zu gesättigt. Ich fühle. Jetzt gehe ich zurück zu den beiden Bäumen, die ich ursprünglich hinzugefügt habe. Dieser Baum sollte vor diesem Baum stehen, aber wie Sie sehen können, können wir den Unterschied zwischen ihnen nicht wirklich erkennen. Also, was ich tun werde, ist, eine neue Ebene über dem Baum auf der rechten Seite zu erstellen und sie daran zu befestigen. Und dann benutze ich einen Airbrush und wähle irgendwo hier irgendwo eine coole Farbe, Beispiel eine graublaue Farbe. Und ich stelle den Ebenenmodus auf Multiplizieren ein. Und leicht Airbrush. Siehst du jetzt den Unterschied? Aber die Farbe ist zu hell, also denke ich, dass ich die dunklere Farbe hinzufüge. Nur ein bisschen. Ich lösche den oberen Teil mit einem weichen Radiergummi. Aber ich möchte auch die Bäume hinten trennen. Also werde ich wieder eine neue Ebene erstellen. Und so der Ebenenmodus zum Multiplizieren und dann Airbrush mit dieser dunkleren Farbe. Jetzt habe ich vor, ich möchte, dass der Wald zur Tiefe hin dunkler wird. Wenn Sie jedoch nach rotem Licht für eine Szene suchen, können Sie eine neue Ebene über diesen Bäumen erstellen. Und sagte den Ebenenmodus zu vielleicht, lass uns versuchen, das Leuchten hinzuzufügen und vielleicht eine hellere grüne Farbe zu wählen. Und Airbrush. Airbrush, alles. Wie Sie sehen können, gibt uns dies diese Waldszene. Wenn wir diesen Kerl verstecken und diesen Hintergrund wieder weiß machen, wird das noch interessanter aussehen. Wenn wir also hineinzoomen wird das noch interessanter aussehen , dann sieht das schon nach einer schönen Szene aus. Und wir können auch mit den Farben herumspielen und die Farben gegen Ende kühler werden lassen . Aber das ist nicht der Look, den ich jetzt anstrebe. Ich gehe in einen Wald, der in der Tiefe dunkler wird. Also füge ich eine neue Ebene hinzu und wähle eine Farbe aus einem dieser dunklen Baumpinsel aus. Einfach mit einem harten Pinsel bürsten und diese Teile entfernen. Und jetzt füge ich eine neue Ebene über den Baumstämmen hinzu. Und ich werde das Laub von Pinseln verwenden , die ich dir zuvor gezeigt habe. Dieses Leaf-Paket. Ich wähle Farben von den Bäumen auf der Rückseite und fülle die fehlenden Bereiche aus. Ich wähle eine dunklere Farbe und füge ein paar Nuancen hinzu. Ich wähle mehr dunkle Farben aus dem Hintergrund selbst, aber ich verschiebe ihn zu den kühlen Farben und verdunkle ihn ein wenig. Wir können so dunkel werden wie eine Farbe, die Schwarz sehr nahe kommt. Wenn wir schwere Tiefen einführen wollen. Ich lege diese Schichten hinter allem. Mir ist aufgefallen, dass diese schwarze Farbe am Ende etwas warm war, also werde ich das durch etwas ändern, das cooler aussieht. Etwas wie das hier. Jetzt füge ich auch Laub hinzu, aber am Boden verwende ich dafür den Abstand zu einem Schattenpinsel und reduziere jetzt die Partikelgröße und den Pinsel. Ich werde es vorerst hinter allem stellen. Dann mache ich die Farbe etwas wärmer und putze das nähere Laub. Bei diesem Tool ist das Häkchen für die zufällige Farbeinstellung aktiviert. Wenn Sie unter Farbjitter auf das Schraubenschlüsselsymbol klicken, können Sie sehen, dass der zufällige Pinselstrich aktiviert ist. Aus diesem Grund erhalten wir verschiedene Farben, die auf dem Kunstwerk basieren. Wenn du das ausschalten möchtest, dann entferne einfach das Häkchen. Und jetzt färben wir mit derselben Farbe, die Sie ausgewählt haben. Ich benutze manchmal beide. Es hängt wirklich von dem Effekt ab, den ich anstrebe. Sie können gerne experimentieren, aber ich mache die Farben jetzt manuell, also teste ich sie nebenbei. Die Farben sind also grüner geworden und jetzt werden sie wärmer. Im Vordergrund. Verwenden Sie eine hellere Farbe. Für das nähere Laub. Ich gehe zurück zum Pinsel mit Blattdetails und entscheide mich für eine Walmart-Farbe, ungefähr so. Weil ich dem Laub hier einige Highlights hinzufügen möchte . Aber diese Farbe ist zu stark. Also erstelle ich eine neue Ebene und reduziere die Opazität und schaue, welche Farbe ich mir einfallen lassen kann. Ich werde mit der Farbe herumspielen und sie wärmer, gelblicher machen . Und das Gleiche möchte ich für die Beschattung tun. Ich übertrage das, was ich in dieser Laubschicht habe, nach unten und male erneut mit einer dunkleren Farbe, um zu sehen, wie es aussieht. Dann füge alles zusammen. Wenn ich das nun weiter verfeinern möchte, kann ich Farben aus dem Highlight selbst auswählen und diese Bereiche etwas mehr streichen , um das Gefühl zu erwecken , dass die hervorgehobenen Blätter liegen über den schattierten. Ich kann an einigen Stellen etwas mehr Dunkelheit hinzufügen , um mehr Abwechslung zu erzielen. Und die Farben. Es macht so viel Spaß, mit Laub herumzuspielen. Ich kann auch einige weitere Details zu denen auf der Rückseite hinzufügen , indem ich einfach eine neue Ebene erstelle und sie auf den Multiplikationsmodus setze. Und ich nehme etwas sehr helles Graugrün und pinsel diese Pinsel darüber. Sie können den Unterschied bereits erkennen. Wir sind fast fertig, außer dass ich mit den Bäumen an der Vorderseite nicht zufrieden bin. Ich möchte sie deutlicher machen, besonders diese Frontseite. Ich werde versuchen, dort eine neue Korrektur hinzuzufügen. Wahrscheinlich entscheide ich mich diesmal für eine Farbbalance. Ich gehe zu Ebene, neuer Korrekturebene und dann zu Color Balance. Ich klicke auf Okay und dann auf die Farbbalance-Ebene zu diesem Baum. Und dann öffne ich es wieder. Im Menü „Farbbalance“ kann ich mit den Farben der Halbtöne, Schatten und Glanzlichter herumspielen . Also möchte ich z. B. jetzt mit den Highlights herumspielen. Ich möchte sie gelblicher machen. Also ziehe ich diesen Pfeil zur gelben Seite. Wie Sie sehen können, knallt der Baum jetzt ein bisschen. Ich werde es auch mit der roten Seite versuchen. Nur um zu sehen, wie es ist. Das Gleiche gilt für Halftone. Ich werde versuchen, mich ein bisschen für Magenta zu entscheiden, aber es sieht nicht gut aus. Vielleicht etwas Rot. Und die Schatten. Ich ziehe in Richtung Grün. Dieser Baum knallt jetzt besser als zuvor. Ich kann diese Farbbalance-Ebene kopieren indem ich mit der rechten Maustaste klicke, sie dann duplizieren und auf diesen anderen Baum ziehen. Und ich kann mit der Opazität herumspielen, sie z.B. ein bisschen reduzieren. Ich kann auch mit ihrer Positionierung herumspielen. Eine letzte Sache, die ich tun möchte, ist eine neue Ebene über allem zu erstellen. Und ich wähle diese Himmelsfarbe. Und ich werde eine Airbrush verwenden und die Größe dieser Airbrush auf ungefähr diese Größe erhöhen . Und wahrscheinlich Airbrush an den Rändern der Bäume. Und vielleicht auch die Bereiche dazwischen. Und ändern Sie dann den Ebenenmodus auf Bildschirm. Oder manchmal verwende ich Hard Light, je nachdem, was Ihren Bedürfnissen besser entspricht. Ich denke, der Bildschirm sieht gut genug für die Sünde aus. Das hat also einen atmosphärischen Effekt gehabt. Sie können auch hinter diesen Bäumen mit Airbrush arbeiten, z. B. lassen Sie uns hier Grau, Blau und vielleicht leicht Blau und vielleicht leicht Airbrush nehmen, um uns einen Dunst-Look zu geben. Wir können auch hellere graue Farben verwenden und sehen, wie es aussieht. Dies gibt uns einen Dunst für alles, was sich hinter diesen Vorderbäumen befindet. Wir können also sagen, dass dieses Szenario in diesem Panel als abgeschlossen betrachtet werden kann. Natürlich können Sie weitere Assets hinzufügen, sie besser verfeinern, aber ich hoffe, das war ein guter Überblick darüber, wie Sie mit diesen großartigen Tools, die wir bei der Anwendung der Konzepte haben, schnell einen Hintergrund erstellen können diesen großartigen Tools, die wir bei der Anwendung der Konzepte haben, . wir haben gelernt, einen überzeugend aussehenden Hintergrund zu erstellen. der nächsten Lektion werden wir Assets und 3D-Modelle verwenden , um künstliche Szenen von künstlichen Strukturen zu erstellen. 20. 4-5 Künstliche Hintergründe: Lassen Sie uns jetzt über künstliche Hintergründe sprechen. Es gibt drei Dinge, die ich mache, wenn ich einen künstlichen Hintergrund erstellen muss. Ich verwende entweder ein 3D-Modell und die Software SketchUp und mache meine Bearbeitungen und Clip Studio Paint. Oder verwenden Sie ein 3D-Modell direkt in CLIP STUDIO PAINT. Und mache auch meine Änderungen. Oder verwenden Sie eine Kombination aus beidem. Holen Sie sich ein Bild aus einem SketchUp 3D-Modell und fügen Sie 3D-Modelle und Clip Studio Paint selbst hinzu, um das zu vervollständigen, was im Hintergrund fehlt. In dieser Lektion möchte ich Ihnen erklären, wie ich diese Methoden anwende, und Ihnen wichtige Hinweise geben, wie Sie Ihre Hintergründe bearbeiten können , damit sie so 2D wie möglich aussehen. Lassen Sie uns zunächst über SketchUp sprechen. Sketch Off als 3D-Modellierungssoftware. Und es ist sehr beliebt bei Grep Two und Creators, weil Sie 3D-Modelle erstellen und verwenden können , die wie 2D-Kunstwerke aussehen, wodurch sie sich gut für die Drohnen-Kunststile eignen. Die Software, die ich hier verwende, ist SketchUp Pro , die Desktop-Version, aber sie enthält auch eine Webversion, die Sie auch ausprobieren können. Ich bin mir jedoch nicht sicher, ob es mit schweren Dateien umgehen kann. wie folgt vor, um durch Ihr 3D-Modell und SketchUp zu navigieren . Verwenden Sie das Mausrad , um Ihre Szene zu vergrößern und auch zu verkleinern. Halten Sie das Mausrad gedrückt und klicken Sie darauf, um Ihre Szene zu drehen. Halten Sie die Umschalttaste auf Ihrer Tastatur und das Mausrad gedrückt. Du kannst deine Szene durchblättern. Sie finden diese Anzeige- und Navigationstools auch hier oben in der Werkzeugleiste. Aber ich finde, dass die Verwendung von Tastenkombinationen viel schnellere Alternative ist. Wenn Sie sich also für die Aufnahme entscheiden , die Sie für Ihre Szene mögen, um das Bild mit hoher Qualität zu exportieren, gehen Sie zu Datei. Exportieren Sie 2D-Grafik. Wählen Sie dann Ihren Zielordner und benennen Sie Ihre Datei und wählen Sie das gewünschte Bildformat. Ich entscheide mich generell für PNG , weil es das qualitativ hochwertigste Bildformat ist. Um mit der Auflösung Ihres exportierten Bildes herumzuspielen . Gehen Sie zu den Optionen und wählen Sie von hier aus die gewünschte Breite und Höhe aus. Normalerweise wähle ich eine große Größe, um eine gute Qualität zu garantieren. Je größer das Bild, desto besser ist die Qualität, die Sie haben werden. Weil meine Zeichenfläche schon groß genug ist, wenn Sie sich erinnern, ist sie 2.400 Pixel breit. Also nehme ich normalerweise etwa das Doppelte dieser Summe, nur um eine höhere Qualität zu garantieren. Aber je höher die Bildgröße, desto länger dauert der Export natürlich . Stellen Sie also sicher, dass Sie unsere Größe wählen, Ihr Computer umgehen kann, und stellen Sie sicher, dass Sie diesen transparenten Hintergrundtipp haben wenn Sie ein 3D-Modell eigenständig exportieren , ohne mit der Ihr Computer umgehen kann, und stellen Sie sicher, dass Sie diesen transparenten Hintergrundtipp haben, wenn Sie ein 3D-Modell eigenständig exportieren, ohne Hintergrund, sodass Sie ihn einfach in Clip Studio Paint eingeben können. Zum Beispiel, wenn ich ein eigenständiges 3D-Modell wie dieses habe und das Haus nur alleine ohne jeglichen Hintergrund exportieren möchte . Zuallererst muss ich sicherstellen, dass dahinter alles transparent ist. Also gehe ich zu Bearbeiten und deaktiviere dann Himmel und auf den Boden, falls es verfügbar war. Wenn ich mein Bild exportiere, nachdem ich meine Zielumbenennung ausgewählt habe, stelle ich sicher, dass ich einen transparenten Hintergrund habe und klicke auf Okay und dann auf Exportieren. Und jetzt, wenn ich mein Bild und Clip Studio Paint geöffnet habe, ist es perfekt transparent und ich kann es problemlos verwenden und in meine Szenen integrieren. Wenn Sie nun ein Panel mit Zeichen und Hintergrund haben , sollte dieses zuerst mit den Zeichen oder dem Hintergrund beginnen . Persönlich würde ich es meistens vorziehen, zuerst die Hintergrundaufnahme zu exportieren und dann die Charaktere so zu skizzieren , dass ihre Größe und Winkel zur Szene passen. Nehmen wir an, Sie möchten das Gegenteil tun. Sie haben zuerst Ihre Charaktere skizziert, und jetzt möchten Sie eine Hintergrundaufnahme machen. Sie können natürlich manuell versuchen, den Winkel einzustellen und hin und her zu schauen , um zu sehen, ob der Winkel für Ihre Szene richtig aussieht. Aber es könnte ziemlich mühsam werden , immer wieder hin und her zu gehen. Und es könnte frustrierend werden , weil Sie mehrere Aufnahmen machen müssen , um es richtig zu machen. Zum Glück gibt es für Windows-Benutzer eine sehr nette kleine Software, Sie kalte Füße installieren können, oder? Sobald Sie es installiert haben, können Sie es verwenden, um die Fenster Ihrer Software transparent zu machen . Lassen Sie mich Ihnen zeigen, wie ich es nutzen werde. Ich gehe zu Clip Studio Paint, zoome in mein Panel und versuche, es zu zentrieren. Und dann öffne ich das SketchUp-Fenster darüber. Und da ich die Software erneut installiert habe, halte ich die Strg-Taste und die Umschalttaste gedrückt und klicke auf eine beliebige Zahl 1—9, um die Transparenz des SketchUp-Fensters anzupassen. Also wenn ich es auf neun habe, ist das am wenigsten durchsichtig. Und wenn ich es drauf habe, ist es am transparentesten. Normalerweise entscheide ich mich für fünf, da das zu 50 Prozent transparent ist. Auf diese Weise kann ich sowohl das 3D-Modell als auch die Skizze klar sehen . Jetzt, da das SketchUp-Fenster transparent ist, kann ich das 3D-Modell problemlos an die Szene anpassen , die ich habe, und an die Skizzen, die ich gemacht habe. Sobald ich fertig bin, werde ich es wieder auf eine höhere Opazität bringen. Ich weiß nicht warum, aber ich kann die Opazität des Fensters nicht wieder auf 100 Prozent bringen . Also ich gehe normalerweise wieder zu 90 Prozent zurück und ich schätze, ich arbeite immer noch ziemlich einfach mit der Software , weil alles sichtbar ist. Wenn Sie jedoch eine hundertprozentige Opazität wiederherstellen möchten, können Sie Ihre Datei bei dieser Aufnahme speichern und SketchUp schließen und dann erneut öffnen, sodass Sie die 100-prozentige Opazität speichern. Aber wie dem auch sei, ich werde es bei 90% belassen. Und da wir über den Export von Bildern gesprochen haben, möchte ich über etwas anderes sprechen. Nehmen wir an, ich möchte die Liniengrafik dieser Aufnahme anstelle der vollfarbigen Version erkunden . Das kann ich einfach tun, indem ich zum Stil Gesichter anzeigen gehe und dann verdeckte Linie auswähle. Jetzt kann ich nur die Linien des Hauses sehen. Also kann ich diese Line Art-Version selbst exportieren. Und wenn ich die Farbversion ohne die Linien erkunden möchte , kann ich Folgendes tun. Gehe zu „Gesichter anzeigen“, „Stil“, „Mit Texturen schattiert“. Kehren Sie dann wieder zum Kantenstil anzeigen zurück und entfernen Sie Kanten. Gehen Sie auch zurück zu Entfernte Profile im Edgy-Stil anzeigen , damit Sie diese Einstellungen schneller abrufen können. Sie können diesen Stil speichern, indem hier zum Stilfenster gehen. Ich nenne es Farben und schreibe eine kurze Beschreibung davon. Und dann klicke ich auf diesen Button, um einen neuen Stil zu erstellen und ihn zu speichern. Das Gleiche gilt für die Sichtlinien, auf die ich zurückkommen werde. Ich benenne es als Zeilen und gebe ihm eine Beschreibung und speichere es dann. Jetzt kann ich problemlos zwischen den beiden wechseln , ohne diese Schritte jedes Mal ausführen zu müssen. Wenn Sie die Dicke Ihrer Linien anpassen möchten, gehen Sie zu Bearbeiten. Und unter diesen Randeinstellungen können Sie mit diesen Zahlen und Profilen herumspielen, sie z. B. zu drei oder zu eins machen. Spielen Sie mit diesen Zahlen herum, bis Sie die gewünschte Dicke erhalten. Ich kopiere und füge diese Aufnahmen hier als Farben und als Liniengrafik in die Szene ein. Aber meine Liniengrafiken sehen in dieser Aufnahme zu dünn aus, also kann ich sie einfach duplizieren, indem ich mit der rechten Maustaste auf die Ebene klicke und sie dann zu dieser Schaltfläche zusammenfüge. Und wenn es nicht dick genug ist, kann ich diesen Button hier drüben verwenden, den Randeffekt-Button, dieser Button fügt allem in deiner Ebene einen Rand hinzu. Ich reduziere das auf eins und wähle meine Linienbildfarbe und färbe sie ein. Auf diese Weise habe ich schnell das Gewicht der Linien angepasst , was ich normalerweise nicht bevorzuge, weil die Linien zu dick erscheinen, jetzt entferne ich sie. Ich exportiere die Linien nicht immer getrennt von den Farben. Ich mache es nur, wenn ich muss, wenn die Linien des 3D-Modells zu schwarz sind und ich das Gefühl habe , dass sie den weichen Look ruinieren , den ich anstrebe. Also nochmal, es ist ein optionaler Schritt. Schließlich ist das Letzte, worüber ich in SketchUp sprechen möchte , das Anpassen des Kamerawinkels. Wir können es zwar sicherlich manuell mit unseren Händen machen . Wenn Sie z. B. eine Frontaufnahme machen möchten, ist es vielleicht nicht so einfach, es manuell richtig zu machen. Bisher haben Sie einige Standardwinkel , die in SketchUp gespeichert wurden. Er kann sie anpassen, indem er zur Kamera geht. Dann Standardansichten. Da ist die Oberseite, da ist die Vorderseite und die Rückseite links, rechts und ISO und so weiter. Nehmen wir an, Sie möchten eine Aufnahme mit einer Zwei-Punkt-Perspektive machen . Denken Sie daran, dass in der Zwei-Punkt-Perspektive die vertikalen Linien gerade sind. Aber bei dieser Aufnahme kann ich sehen, dass die vertikalen Linien schräg sind. Um diese Szene an eine Zwei-Punkt-Perspektive anzupassen, wechseln Sie zur Kamera und dann zur Zweipunktperspektive. Und jetzt erhalten Sie die zweistufige perspektivische Ansicht. Ich möchte Ihnen zeigen, wie Sie Änderungen für dieses Haus vornehmen können. Machen Sie daraus einen interessant aussehenden Hintergrund. Also werde ich einen bestimmten Winkel wählen, z. B. diesen Winkel, aber ich stelle ihn als Zwei-Punkt-Perspektive ein. Ich kann die Schatten des Sonnenlichts auch aktivieren indem ich zu Schatten anzeigen gehe. Und im Schattenfenster kann ich die Tageszeit anpassen. Und auch damit werden die Schatten an den Sonnenwinkel angepasst. Ich kann auch den Tag des Jahres ändern, da der Sonnenwinkel an den Tagen des Jahres unterschiedlich ist . Ich kann auch die Intensität einstellen, wie dunkel die Schatten und wie schwach das Sonnenlicht ist. Schließlich möchte ich vor dem Exportieren meiner Aufnahme nur die Transparenz dieser Fenster ändern. Sie sind transparent und ich kann die Einblicke des Hauses sehen. Aber das wird es mir nicht leicht machen, sie zu bearbeiten. Also gehe ich zu Styles und dann zu Bearbeiten und dann zu den Gesichtseinstellungen. Und unter den Gesichtseinstellungen auf der Zecke Materialtransparenz. Und jetzt ist der Wind nicht undurchsichtig geworden. Also endlich ist mein Schuss fertig. Ich exportiere es in ein Bild und importiere es in Clip Studio Paint und kopiere es, füge es auf meine Leinwand ein und platziere es an einer beliebigen Stelle. Jetzt möchte ich diese Szene abschließen. Ich werde das nur verwenden, um Ihnen zu zeigen, wie Sie die 3D-Modelle verwenden und wie Sie dies für die gesamte Szene tun. Ich beginne damit, ein Himmelsbild hinter dem Haus zu importieren . Ich kann auch die Version verwenden, die mit Clip Studio Paint selbst geliefert wird , und ihre Größe ändern. Also entscheide dich für das, was du willst. Aber ich habe Lust, diesen zu benutzen. Als Nächstes möchte ich den Baum hinzufügen. Also ziehe ich diesen standardmäßigen Clip Studio Paint-Baum und platziere ihn hier drüben. Das ist der Baum, der diese Seite des Hauses bedeckt. Jetzt möchte ich Wände hinzufügen , die das Haus umgeben. Ich habe also ein 3D-Modell, das ich aus den Clip Studio-Ressourcen heruntergeladen habe . Ich werde es in meine Szene ziehen. Jetzt kann ich den Winkel der Wand manuell einstellen und sie mit dem Haus platzieren. Es gibt eine genauere Methode, dies zu tun, weshalb du mit dem Perspektivlineal herumspielen solltest. Sie dazu mit der rechten Maustaste auf das Lineal neben der 3D-Ebene und klicken Sie auf Lineale anzeigen. Und jetzt können Sie sehen, dass das Perspektivlineal dieses Objekts angezeigt wird. Ich werde es ein wenig drehen , damit wir die Linien besser sehen können. Jetzt möchte ich das perspektivische Lineal anpassen, aber es gibt auch ein Raster und ich möchte es ausblenden, damit ich meine Linien richtig sehen kann. Also klicke ich hier auf das Linealsymbol. Und entfernen Sie unter dem Objektwerkzeug hier die X-Z-Ebene und deaktivieren Sie auch die feste Augenhöhe damit die Position unserer Fluchtpunkte geändert werden kann. Jetzt können Sie sehen, dass sich auch der Winkel des Objekts ändert, wenn wir mit diesen Linien herumspielen . Jetzt passe ich meine Fluchtpunkte anhand der Richtlinienmethode an, die ich dir in der perspektivischen Lektion gezeigt habe . Und ich werde das Haus als Referenz für meinen Blickwinkel verwenden. Ich werde die Opazität der Wand verringern und den Baum entfernen , damit ich besser sehen kann. Dieser Prozess kann manchmal frustrierend sein , ich mache es nicht immer, um ehrlich zu sein, aber ich mache es, um Ihnen diese Methode zu zeigen , damit Sie sie anwenden können , wenn Sie Szenen haben , die perfekte Perspektive. Um zu überprüfen, ob Ihre Perspektive zusammenpasst, oder? Wenn Sie diese Richtlinien umgehen, sollten sie an allen Linien im gleichen Winkel ausgerichtet sein . Und bis jetzt finde ich, dass es gut aussieht. Ich werde auch die Lügen auf dieser Seite überprüfen. Diese Seite muss angepasst werden. Das sieht gut genug aus. Jetzt starte ich mit der Opazität der Wand und doppelklicke darauf und aktiviere den Baum wieder. Und ich werde mich trotzdem innerhalb der Szene bewegen. Wie Sie sehen können, wenn ich es bewege, befindet sich jetzt ein Schatten darunter , der darauf hinweist, dass es schwebt. Also klicke ich einfach auf diesen Button, um ihn zu erden. Und anstatt zu diesem Symbol zu wechseln, kann ich seine Position einfach mit diesen Pfeilen ändern . Auf diese Weise. Ich kann es leicht anpassen und gleichzeitig auf dem Boden belassen. Aus diesem Grund werde ich die Position der Bäume ein wenig anpassen , weil ich den Abstand zwischen der Wand und dem Haus verringern möchte . Da ich das Perspektivlineal angepasst habe, kann ich einfach eine weitere Wand ziehen und mit dieser Stelle herumspielen mit dieser Stelle herumspielen und die Wolle weiter um das Haus herum sitzen lassen. Ich habe hier auch eine Mauer aufgestellt. Irgendwas fühlt sich nicht an der Wand an. Es passt nicht wirklich zu meinem perspektivischen Lineal. Und das ist ein Problem, das ich noch nicht herausgefunden habe, aber ich werde den Winkel manuell anpassen , um ihn besser an die Szene anzupassen. Ich kann mit der Drehung der Wand in den Einstellungen unter Zuordnen herumspielen . Ich werde mit dem Weitwinkel herumspielen. Das ist ein Problem, das ich nicht verstanden habe. Auflösung, ausländische Clip Studio Paint. Manchmal ist der Snap zwischen dem 3D-Modell und dem perspektivischen Lineal kaputt. Selbst wenn ich das Perspektivlineal anpasse, ändert sich das 3D-Modell jetzt nicht. Um dieses Problem zu lösen, kann ich einfach mit dem Fluchtpunkt-Tool, das ich Ihnen in der vorherigen Lektion gezeigt habe , einen Fluchtpunkt hinzufügen Fluchtpunkt-Tool, das ich Ihnen in der vorherigen Lektion gezeigt habe , einen Fluchtpunkt . Also werde ich einen platzieren und ihn ziehen, damit er hier ist. Und duplizieren Sie es und ziehen Sie es an die Spitze dieses anderen Fluchtpunktes. Und jetzt habe ich fast die gleichen perspektivischen Rasterlinien. Jetzt füge ich die letzte Wand hinter dem Haus und ziehe sie nach oben und drehe sie. Für diesen mache ich es manuell. Wie Sie gesehen haben, kann es zeitaufwändig sein. Also deaktiviere ich das Lineal an den vorherigen Wänden und Zoom und in den Einstellungen unter Zuordnen werde ich wieder ein bisschen mit dieser Drehung herumspielen , damit sie zu meiner Perspektive passt Richtlinien. Das sieht also gut genug aus. Ich möchte diesem Haus ein Tor hinzufügen. Ich ziehe das Gate-3D-Modell, das ich auch von Clip Studio Assets heruntergeladen habe, und seinen Kamerawinkel ein wenig, damit es dem der Wand entspricht. Ich aktiviere das Perspektivlineal und entferne die feste Augenhöhe und wir verschieben das Raster der X-Z-Ebene. Nur das perspektivische Lineal, das dem der Mauer entspricht , die andere Justizposition zuweisen um es so zu verschieben, dass es sich vor dem Haus befindet. Und ich werde es auch manuell ein wenig drehen , damit es meinem perspektivischen Raster entspricht. Auch hier müssen Sie nicht so detailliert vorgehen. Wir machen das nur, um einen perfekt aussehenden Hintergrund zu erstellen. Aber meistens habe ich diese Schritte einfach übersprungen und die Szene mit den Augen gemacht . Wir sind fertig mit dem 3D-Teil, Aldehyd, den Fluchtpunkten. Ich dupliziere diese Ebene hier und verstecke die Originalkopie. Und ich klicke mit der rechten Maustaste und rastere diese Wände dort , um daraus ein Bild zu machen. Weil ich diesen zusätzlichen Teil mit dieser Farbe von dieser Wand hier löschen möchte diesen zusätzlichen Teil mit dieser . Ich erstelle eine neue Ebene hinter dem Haus und fülle diesen Raum hinter dem Haus manuell aus. Jetzt füge ich der Szene etwas Gras hinzu , indem ich eine neue Ebene erstelle , die sich unter allen Wänden und auch unter dem Haus befindet. Mir ist aufgefallen, dass die Mauer hier drüben einen Schatten hat, der auf die Oberseite geworfen wird , weil sie sich unter dem Boden befindet. Wenn ich es auf dem Boden platziere, den Boden hier, aber ich möchte die Dinge jetzt einfach schnell mit dem Objektwerkzeug unter Lichtquelle anwenden erledigen dem Objektwerkzeug unter Lichtquelle anwenden , nur um die geworfenen Schatten vom Boden zu entfernen, um den Schatten oben zu entfernen. Jetzt erstelle ich mit dem Verlaufswerkzeug hier eine neue Ebene unter meinem Himmel. Ich wähle den Vordergrund- bis Hintergrundverlauf. Und ich wähle meine Farbe aus dem Vordergrund aus, um diese zu sein. Und ich wähle meine Farbe und den Hintergrund so , dass sie sehr hell oder babyblau sind. Und jetzt zeichne ich einen Farbverlauf, um die leeren Bereiche zu vervollständigen. Und ich werde eine neue Ebene über dem Himmel erstellen. Und mit der Cloud oder Pinseln wähle ich Farben aus diesen Wolken aus. Und nur um schnell noch ein paar Wolken hinzuzufügen. Ich kann jetzt eine neue Ebene über dem Haus und den Bäumen erstellen und die Farbe des Himmels verwenden. Ich mache dasselbe wie in der letzten Lektion. Ich mache Airbrush über beiden und sage diesen Modus auf Bildschirm oder hartes Licht. Hartes Licht sieht besser aus. In diesem Fall möchte ich die Farben des Hauses anpassen, da sie grau sind und ich möchte, dass sie bläulicher aussehen. Also gehe ich dort zur Ebenenkorrektur und dann zur Farbbalance. Mit der Farbbalance. Ich passe die Schatten an und mache sie zu LU, nur den Halbton und mache daraus vielleicht Cyan oder vielleicht ein bisschen Magenta und ein bisschen Blau. Und die Höhepunkte. Vielleicht kann ich sie ein bisschen gelblich machen. Aber ich möchte das nur auf das Haus anwenden , also schneide ich diese Ebene ab. Jetzt hat sich also nur das Haus verändert. Ich mache dasselbe für die Wände. Ich werde dort eine neue Korrektur vornehmen. Farbige Balance. Ich klicke auf Okay und schneide es ab und passe dann die Farben an. Gelbe Glanzlichter, Schatten, bläulich, Halbton, auch bläulich. Dann dupliziere ich das und platziere es auch über dieser anderen Wandebene. Jetzt werde ich dem Gras mit den aggressiven Pinseln, die ich dir in der letzten Lektion gezeigt habe, Textur verleihen . Ich nehme die Änderung der Pinselspitzenfarbe , um beim Malen eine Vielzahl von Farben zu haben. Jetzt möchte ich die Fenster ein wenig austauschen , um sie interessanter zu machen. Ich gehe zur Hausebene und gehe zu Auswählen, wähle dann den Farbumfang und klicke dann auf diese Schaltfläche und dann auf die blaue Farbe der Fenster. Damit du mit diesem Tool alles auswählst , was mit diesem Blau gefärbt ist. Und ich möchte auch das andere Blau hinzufügen. Also werde ich dieses Symbol hier verwenden, um es der Auswahl hinzuzufügen und diese Farbe auch wieder zu mögen. Jetzt sind die meisten meiner Fenster ausgewählt. Und wenn ich ganz spezifisch sein möchte, dann kann ich wirklich hineinzoomen und diese letzte Farbe auswählen. Jetzt sind die meisten meiner Fenster ausgewählt und klicken. Okay. Jetzt kann ich sehen, dass einige der oberen Teile des Hauses zwei ausgewählt wurden, aber wir werden sie meistens nicht überstreichen. Also werden sie nicht auftauchen. Ich erstelle jetzt eine neue Ebene über dem Haus. Und mit einem Airbrush wähle ich eine Farbe, die grünlich, hellblau ist . Und ich setze diese neue Ebene in den Multiplikationsmodus. Und die Airbrush als wahrscheinlicher Airbrush verwenden. Einige Teile der Fenster. Ich bürste den oberen Teil , weil es der schattierte Teil ist. Wenn ich die Auswahl deaktiviere, können Sie sehen, dass die Fenster vorher und nachher jetzt interessanter aussehen, aber ich gehe zurück zur Auswahl und erstelle eine neue Ebene und verwende eine sehr hellblaue Farbe. Oder vielleicht kann ich von hier aus die Farbe des Himmels wählen. Ich kann mehrere Teile der Fenster mit Airbrush versehen, damit sie interessanter aussehen. Sie sich also das Vorher und Nachher an, ein Gefälle macht die Fenster Ihrer Gebäude wirklich interessanter. Ich werde nur die Farben anpassen, z. B. für diese Multiplikationsebene, ich möchte sie weniger lebendig machen, die Sättigung reduzieren und die Helligkeit erhöhen. Und vielleicht kann ich es ziehen, um es oben auf der Farbbalance-Ebene zu platzieren. Und das Gleiche gilt für die Highlight-Ebene. Ich kann es hierher ziehen. Und vielleicht kann ich diesen Ebenenmodus auch ändern, um glühendes oder weiches Licht hinzuzufügen . Hartes Licht. Sie können experimentieren und sehen , welches besser funktioniert. Ich finde Overlay sieht gut aus. Im Vergleich zum Haus sieht es ziemlich blass aus. Also erstelle ich eine neue Ebene über dem Baum, schneide sie ab und ändere ihren Modus, um zu multiplizieren. Und dann wähle ich auch ein weniger gesättigtes, helleres Blau. Und ich werde einige Teile des Baumes mit Airbrush bürsten. Ich wähle auch eine dunklere Farbe und mehr Airbrush. Und die Tastenseite. Und mit einem weichen Radiergummi lösche ich alle Teile, die meiner Meinung nach zu stark schattiert sind. Das ist also das Vorher und Nachher. Jetzt schaut dieser Typ ziemlich leer hinter meinem Haus aus. So kann ich ganz einfach die Skyline aus den Standard-Eclipse-Studiomaterialien und sie hinter mein Haus und meine Regeln und alles andere als vor diesem Typen stellen. Und ich werde ein bisschen herauszoomen und die Größe ändern und es mit dem Verschiebenwerkzeug verschieben und die Größe erneut ändern. Und ich bringe es vor die Wolken. Natürlich würden diese Gebäude viel besser aussehen, wenn ich das Haus von vorne sehen würde. Da sie für unseren unterschiedlichen Kamerawinkel gezeichnet wurden Kamerawinkel gezeichnet , werde ich sie einfach hier platzieren, um den Hintergrund auszufüllen. Und wenn ich den Hintergrund auch mehr füllen möchte , kann ich ein 3D-Modell aus der Kollektion verwenden , die ebenfalls mit dem Clip Studio Paint geliefert wird, indem ich zu 3D gehe, dann Hintergrund, dann Gehäuse . Und ich kann dieses Wohngebiet ziehen. Und das Gleiche auch. Passen Sie auch diesen Winkel an und passen Sie ihn an den Gesamtwinkel der Aufnahme an. Aber ich werde es wieder zu schnell machen , nur um den Hintergrund zu füllen. Und ich kann diese Ebene duplizieren und hierher verschieben, um diesen Raum hier zu füllen. Ich kann diese 3D-Modelle entweder unverändert lassen oder einige Änderungen an ihnen vornehmen. Zum Beispiel kann ich die Lichtquelle entfernen , damit sie weniger detailliert aussehen. Ich finde, dass 3D-Modelle manchmal weniger 3D aussehen, wenn die Lichtquelle bewegt wird. Übrigens, die Häuser und Gebäude sehen jetzt bläulich aus und verblassen mit der Atmosphäre, weil wir bereits eine Schicht aufgetragen und mit einem Airbrush versehen haben, mit einem Hartlichtmodus. Aber wenn ich diese Airbrush-Schicht entferne, dann kannst du sehen, dass ihre Farben lebendig sind. Dies zu aktivieren hat wirklich dazu beigetragen, sie in die Atmosphäre einzuspeisen, und das kann sie mehr Airbrush ermöglichen, indem eine abgeschnittene Ebene über beiden erstellt und sie möglicherweise auf hartes Licht oder Bildschirm eingestellt wird. Nochmals, was auch immer besser aussieht, und lassen Sie sie noch mehr aus, um den Fokus auf das Haus zu lenken , das ich hier habe. Natürlich kannst du auch andere Änderungen vornehmen, z. B. können wir eine neue Ebene über allem und mit einer gelben Farbe hinzufügen und vielleicht kannst du ein bisschen Sonnenlicht mit der Airbrush versehen. Und wir können verschiedene Ebenenmodi ausprobieren, z. B. versuchen wir es mit hartem Licht oder vielleicht mit weichem Licht oder Overlay-Bildschirm oder Add to Glow. Das Leuchten ist zu stark, aber dann wünscht man sich einen sehr sonnigen Tag. Ich denke, ich entscheide mich für Overlay. Mir gefällt es am besten. Und ich kann weiter Airbrush verwenden um dieses sonnenbeschienene Gefühl zu vermitteln. Und ich kann die Opazität auch reduzieren, wenn sie zu lebendig ist. Diese Szene ist fast fertig. Wenn wir es uns von hier aus ansehen, können wir immer noch andere Dinge hinzufügen, wie einen Bürgersteig oder Straßenlaternen oder ähnliches. Aber ich werde es an dieser Stelle belassen , denn wirklich ausführlich über Hintergründe zu sprechen und sie zu bearbeiten, bräuchte einen eigenen Kurs, da es so viel zu besprechen gibt. Aber eine letzte Funktion, von der ich Ihnen erzählen möchte , ist eine Funktion , die nur in der X-Version von Clip Studio Paint verfügbar ist , mit der Linien aus 3D-Modellen extrahiert werden. Nehmen wir zum Beispiel an, ich wollte hier die Linien der Wände extrahieren. Dann gehe ich zu dieser Wandebene und klicke unter dem Ebeneneigenschaftsfenster auf diese Schaltfläche hier drüben, die Linie extrahieren ist. Wenn Sie darauf klicken, sehen Sie, dass Sie eine Vorschau der Linien Ihrer Ebene erhalten . Es gibt so viele Einstellungen für dieses Tool, aber ich habe meine auf die folgenden gesetzt. Wenn Sie mit dem Aussehen zufrieden sind, klicken Sie auf Ebene zwei konvertieren, Linien und Töne, und geben Sie diese Zahlen ein, wenn Sie ähnliche Ergebnisse wie Wein erhalten möchten. Und dann klicken Sie auf Okay. Sobald Sie auf Okay klicken, wird eine neue Gruppe gebildet. Einer hat den Umriss oder die Linien Ihres Bildes. Die zweite hat die Bildschirmtonnen deiner Ebene. Und der dritte ist voll von dem Ganzen. Wenn es also Linien extrahiert, wird sofort das 3D-Modell oder das Bild, das Sie zuvor hatten, am höchsten angezeigt. Also aktiviere ich es wieder und gehe zurück zur Ebene und entferne die Option Linie extrahieren , um mein Bild wieder zu erhalten. Und ich aktiviere das in einem neuen Ordner. Aber ich lösche die Tonebene , weil ich sie nicht benötige. Und ich lösche auch die Füllebene , weil ich sie in diesem Fall nicht benötige . Tun Sie das. Ich habe so schnell und einfach Konturen für mein Bild bekommen. Wenn ich die Farben dieser Kontur ändern möchte, kann ich die Ausdrucksfarbe der Ebene unter Ebeneneigenschaft von Grau auf Farbe ändern . Und ich kann die Farbe wählen, die ich möchte, z. B. wähle ich die Farbe meiner Liniengrafik und gehe dann zu Bearbeiten, Zeichnen konvertieren und färben. Und jetzt wurde meine Wand mit der Farbe koloriert, die ich gewählt habe , um Landkriegslinien mit deinem Hintergrund Du kannst die Opazität reduzieren und vielleicht den Ebenenmodus ändern, um zu multiplizieren. Und vielleicht passen Sie auch die Farben der Ebenen an und sehen Sie, wie es aussieht. Sie können Lügen nicht nur aus Bildern, sondern auch aus 3D-Modellen extrahieren . Wenn wir also zu den Häusern auf der Rückseite gehen, können wir ihre Linien auch auf ähnliche Weise extrahieren. Also klicke ich auf Konvertieren und dann auf Okay und verstecke auch die Gliederung und verstecke die Füllung. Und jetzt habe ich nur die Umrisse der Häuser. Dies ist eine sehr nützliche Funktion, die ich häufig verwende, insbesondere für Hintergründe von Innenräumen. Zum Beispiel war dieses Bett ein 3D-Modell, das ich in Linien umgewandelt habe , damit es so aussieht, als ob das Kissen auch 3D war. Und diese Schubladen waren auch in 3D. Und der Laden war auch ein 3D-Modell. Aber durch Extrahieren der Linien konnte ich sie leicht in ein 2D-Bild umwandeln. Und ich habe Änderungen vorgenommen, und so habe ich diese ganze Szene konstruiert. Abschließend und bevor ich diese Lektion beende, wollte ich nur über den Tipp sprechen, hilfreich sein kann, wenn Sie Ihrem Hintergrund Charaktere hinzufügen möchten Ihrem Hintergrund Charaktere wie Sie sie richtig platzieren können. Jetzt können Sie natürlich die Clip Studio Paint 3D-Figuren verwenden die Clip Studio Paint 3D-Figuren und ihre Winkel entsprechend anpassen , sodass sie zur Szene passen. Aber wenn du es mit freier Hand zerkratzen möchtest, dann fand ich es sehr hilfreich, diese Schritte zu befolgen, besonders für sitzende Charaktere. Zeichne grundsätzlich dort, wo sich die Unterseite deines Charakters befinden würde. Und dann zeichne ihre Füße auf den Boden und verbinde sie dann. Und so kannst du deinen Charakter ganz einfach platzieren und ihn schön auf dem Stuhl sitzen lassen. Derselbe Tipp war auch für betrunkene Charaktere, die auf einem Fahrrad saßen, sehr nützlich . Ich habe das wieder getan, indem ich zuerst die Unterseite des Charakters und dann die Füße gezeichnet habe. Und dann verbinde die beiden. Ich werde nur den Hintergrund transparenter machen. Sie können klarer sehen , was vor sich geht. Ja. Ich habe den Boden und die Füße platziert. Und ich lege auch die Hände auf das Fahrrad. Und jetzt verbinde einfach die Dinge miteinander. Natürlich hilft Ihnen die Verwendung von Referenzen auch sehr dabei den Doktortitel zu erhalten, und manchmal ist dies notwendig. Aber auch dies ist ein gutes Tool, um Ihre Charaktere schnell und einfach auf Objekten zu platzieren. Ich hoffe, Sie fanden all diese Tipps hilfreich. Und jetzt ist wirklich genau der richtige Zeitpunkt für Sie, all die Tools zu erkunden, wir besprochen haben, und damit zu beginnen, Ihre fantastisch aussehenden Hintergründe zu erstellen. In der nächsten Lektion werde ich Sie über nützliche Websites informieren, auf denen Sie viele nützliche Assets herunterladen können , von denen es sich 3D-Modelle oder Pinsel oder Bildmaterial handelt. 21. 4-6 Quellen für Assets: Okay, jetzt möchte ich mit dir darüber sprechen, wo ich das S für meinen Hintergrund herhabe, egal ob es sich um darüber sprechen, wo ich das S für meinen Hintergrund herhabe, egal ob es sich Bilder oder 3D-Modelle oder Pinsel handelt. Wenn ich nach einem bestimmten Asset suche, habe ich mehrere Websites und Plattformen, die ich überprüfe und durchsuche , bis ich die für meine Bedürfnisse am besten geeigneten Assets gefunden habe. In dieser Lektion möchte ich Ihnen diese Ressourcen vorstellen. Die Quelle Nummer eins, die ich in diesem Kurs mehrfach erwähnt habe , nämlich Clip Studio-Assets. Wie ich Ihnen bereits sagte, enthält Clip Studio Assets sowohl kostenlose als auch kostenpflichtige Assets. Sie können also immer zuerst die freien Vermögenswerte überprüfen, und wenn Sie nicht finden, wonach Sie suchen, können Sie die bezahlten Vermögenswerte überprüfen. Natürlich sind die Assets hier nicht nur für Hintergründe gedacht, sondern für wirklich alles, egal ob es sich um das Charakterdesign, unsere Effekte, unsere Gradientenkarten handelt, du kannst so viele tolle Dinge finden. Ich habe es mir zur Gewohnheit gemacht, es hin und wieder zu überprüfen und die Dinge herunterzuladen oder zu bookmarken , die mich interessieren. Das nächste Ziel, das ich wirklich liebe und das mir vor allem mit den Hintergründen meiner Webmelodie viel gerettet hat allem mit den Hintergründen meiner Webmelodie , ist ein Con 3D. Acorn 3D ist eine Asset-Website die speziell für Web Two und Entwickler entwickelt wurde. Sie bieten 3D-SketchUp-Modelle an, die hauptsächlich für Web to News erstellt wurden. Sie können so viele interessante Dinge mit unterschiedlichen Themen finden . Sie haben nicht nur SketchUp-Modelle, sondern auch 3D-Modelle und andere Formate. Und sie verkaufen auch Pinsel und Bildpakete und Soundeffekte und so viele Dinge, die sich als nützlich erweisen. Auf dieser Website finden Sie höchstwahrscheinlich genau das , wonach Sie suchen. Und übrigens, echo 3D arbeitet mit mir zusammen und gibt diesem Kurs ein kleines Geschenk. Als Teilnehmer können Sie unter meinem Namen cluvious einen Gutscheincode anwenden unter meinem Namen cluvious einen Gutscheincode und erhalten einen Rabatt von zwei Dollar auf Ihre Bestellung. Um Ihren Gutschein einlösen zu können, benötigen Sie ein Konto auf der Website. Sobald Sie sich registriert und angemeldet haben, gehen Sie zu meiner Seite, verwenden Sie Home und klicken Sie dann hier auf Gutschein einlösen. Wenn Sie ziemlich neugierig hier sind, klicken Sie auf Gutschein anwenden. Und sobald Sie das getan haben, können Sie es beim Auschecken anwenden. Die nächste wirklich nützliche Arbeit für ein Asset ist Store, ist diese Website namens BG Outlet, aber die Adresse der Website heißt Ginny x.com. Diese Website ist auf Japanisch, aber Sie können sie jederzeit mit dem Google-Übersetzer ins Englische übersetzen , damit Sie sich darin zurechtfinden. Diese Website hat auch viele 3D-Modelle, sei es in SketchUp oder anderen Formaten. Und es enthält auch tolle Bildanlagen von dieser Website. Insbesondere habe ich die Bilder von Bäumen, Felsen und Gras gekauft , die ich Ihnen in der Lektion Natürliche Szenarien gezeigt habe . Sie verkaufen auch einige ihrer Produkte auf dieser Standwebsite, die auch auf Japanisch ist, aber Sie können es jederzeit ins Englische übersetzen und sich zurechtfinden. Es gibt zwei weitere Websites , die Web Two-Assets verkaufen. Um ehrlich zu sein, ich persönlich habe sie nicht ausprobiert, aber ich möchte sie trotzdem für Sie erwähnen , weil Sie sie vielleicht nützlich finden. Der erste ist Pixel Dot sc. Sie scheinen auch einen Clip zu haben, Studio-Assets und SketchUp sowie Pinsel und Bildelemente. Sie können sich also ansehen, was sie haben. Und das zweite heißt 3D Web Two im Webshop, das auf Koreanisch ist, aber Sie können es auch ins Englische übersetzen und sich auf der Website zurecht finden. Sie scheinen hauptsächlich 3D-Modelle zu verkaufen , die speziell für SketchUp entwickelt wurden. Eine weitere Website, die ich vorstellen möchte sein Gum Road Gun Roared, ist wie ein digitaler Marktplatz , auf dem YouTuber ihre digitalen Produkte und Assets veröffentlichen können. Sie können also viele interessante Pinsel und Assets finden , wenn Sie nach Zeichnen und Malen suchen und dann nach Clip Studio Paint, ich habe bisher nicht versucht, eines davon zu kaufen, aber Foliage of Brushes Pack, das ich dir in der Lektion Natürliche Szenarien gezeigt habe, während ich auf dieser Website bin. Und Sie können definitiv so viele Dinge finden, nicht nur für Clip Studio Paint, sondern auch für andere Apps. Nehmen wir nun an, Sie suchen nach einem bestimmten 3D-Modell, konnten aber auf den vorherigen Websites nichts Nützliches finden . Dann gibt es andere Websites, auf denen ich Ihnen empfehlen würde, zu suchen. Der erste heißt Turbo-Squid. Sie können nach dem suchen, was Sie wollen. Ich suche z. B. nach Animus Cool. Dann können Sie das Format Ihres 3D-Modells wählen, z. B. werde ich nach SketchUp-Modellen suchen. Und Sie können sehen, dass sie mehr 3D-Modelle zum Verkauf anbieten, die auch sehr gut aussehen. Es gibt auch ein Sketchfab. Sie können hier auch 3D-Modelle finden und diese kaufen und verwenden. Aber ich denke, diese anspruchsvolleren 3D-Modelle müssen in einer 3D-Modellierungssoftware geöffnet werden. Dafür würde ich keine Software mehr als Blender empfehlen . Blender ist eine kostenlose Open-Source-3D-Modellierungssoftware. Und Sie können so viele Formate von 3D-Modellen öffnen. Ehrlich gesagt, Blender ist eine ganze Welt für sich. Und ich persönlich möchte mich damit befassen, weil es so viele interessante Dinge zu entdecken und zu tun gibt. Aber sagen wir, auch danach konntest du immer noch nicht die Umgebung finden, die du dir wünschst, dann kann ich eine letzte Option empfehlen, die mein letzter Ausweg ist, wenn ich wirklich nicht finde, was ich bin suche irgendwo anders, dass wir Game-Engines wie Unreal Engine und Unity verwenden werden . Beide Game-Engines haben ihre eigenen Vorzüge, Sterne, und beide haben wirklich erstaunliche und interessante 3D-Modelle. Viele von ihnen wurden speziell für Spiele entwickelt, es handelt sich also um realistische 3D-Modelle. Sie können aber auch einige cool aussehende Hintergründe und Umgebungen wie diese finden , z. B. im Unity Asset Store. Und diesen zum Beispiel , den ich im Unreal Engine Acids Store gefunden habe. Jetzt ist die Verwendung von Game Engines eine ganz andere Geschichte. Es würde wirklich den Rahmen dieses Kurses sprengen, aber es ist ein Weg oder eine Route, die ich Ihnen vorstellen wollte , damit Sie diese Option im Auge behalten. unglaublich, dass Sie immer offen sind, um neue Dinge zu entdecken und die Welt der Web-Zwillinge kennenzulernen wirklich unglaublich, dass Sie immer offen sind, um neue Dinge zu entdecken und die Welt der Web-Zwillinge kennenzulernen. Und du wirst feststellen, dass du während der Arbeit an deinem Comic deinen Horizont erweitern wirst. Es ist also wirklich, wirklich cool zu sehen, wie viel du dabei lernst , weil du zeichnest, ich habe geweint. Ich hoffe, Sie finden diese Ressourcen nützlich. Nachdem wir mit den Hintergründen fertig sind, im nächsten Kapitel werden wir im nächsten Kapitel den interessanten Teil der Stimmungsbildung in unseren Panels erledigen . In der nächsten Lektion werden wir also über Farbanpassungen sprechen. 22. 5-1 Farbanpassungen: Okay, wir werden endlich anfangen , über Farbanpassungen zu sprechen Das Anpassen der Farben nach dem Zeichnen und Färben kann deine Szene noch mehr verbessern und interessanter aussehen lassen. In dieser Lektion möchte ich näher auf die Farbanpassungsebenen eingehen, die wir in den vorherigen Lektionen leicht besprochen haben . Also, wenn Sie sich erinnern, gibt es im Grunde eine Anpassungsebene, die wir aus der Ebene hinzufügen können , und dann dort eine neue Verbindung. Und dann können wir all diese Optionen für Farbanpassungen sehen . Oder wir können die Farbanpassungen sofort auf der Ebene selbst hinzufügen sofort auf der Ebene , indem wir zu „Tonwertkorrektur bearbeiten“ gehen. Und dann haben wir die gleichen Einstellungen, aber das wird auf die Ebene selbst angewendet. Deshalb verwende ich generell die Korrekturebene, weil ich sie jederzeit entfernen und anpassen und damit herumspielen kann . Lassen Sie uns also die Korrekturoptionen untersuchen , die wir haben. Zuallererst haben wir den Helligkeitskontrast. Mit diesem können Sie die Helligkeit Ihrer Szene reduzieren oder erhöhen. Und du kannst auch mit dem Kontrast deiner Szene spielen. Persönlich verwende ich das fast nie in meinen Arbeitstone-Paneelen. Die nächste ist die Helligkeit der Farbtonsättigung, die wir bereits gesprochen haben. Sie können mit dem Farbton, der Sättigung und der Leuchtkraft der Farben in Ihrem Bild herumspielen . Ich benutze es selten dafür, es sei denn, es war für die Bearbeitung. Dieser Typ ist so, wie ich es dir in den vorherigen Lektionen gezeigt habe. Dann haben wir die Pasteurisierung, die die Farben einschränkt und den Farbverlauf eher wie Farbbrocken aussehen lässt . Stattdessen. Ich benutze diesen auch nicht, um ehrlich zu sein. Dann wird der Farbverlauf umgekehrt, wodurch die Farben invertiert werden. Dies ist ein wirklich cooler Effekt und kann für dramatische Zwecke verwendet werden, z. B. Essenz des Schocks in Ihrer Szene zu erhöhen. Ich finde es wirklich interessant. Sie können natürlich mit Opazität der Korrekturebene spielen und auch mit dem Ebenenmodus herumspielen. Um dir zu zeigen, was ich damit meine sieht gut aus für unseren Schockteen. Wenn wir hier den umgekehrten Gradienten anwenden, können Sie sofort spüren, dass der Schock intensiver geworden ist. Als nächstes haben wir eine Levelkorrektur. Also hier haben wir drei Pfeile. Wenn Sie den Pfeil auf der rechten Seite nach links ziehen , werden die hellen Teile meines Bildes heller. Wenn ich nach links ziehe, gehe ich zu dieser Seite Dadurch werden die dunklen Teile meines Bildes dunkler. Und wenn Sie den Zwischenbereich ziehen, z. B. sagen wir nach links , werden die dunklen Bereiche heller. Und wenn Sie es nach rechts ziehen werden die hellen Bereiche dunkler. Hier drüben haben wir diese beiden Pfeile. Wenn Sie diesen Pfeil ziehen, werden die hellen Farben meines Bildes zur grauen Seite gebracht. Wenn ich den schwarzen Teil in Richtung Grau ziehe, werden auch die dunklen Bereiche in Richtung Grau gezogen und sie werden heller. Wenn ich diese beiden Pfeile nahe beieinander bringe , wird mein Bild sie in eine gräuliche Version übertragen. Wenn ich hier drüben darauf klicke, sehe ich, dass ich das RGB gesteuert habe. Rot, Grün, Blau, was alle Farben in meinem Bild bedeutet. Ich kann Farben aber auch separat steuern, da die Farben auf dem Bildschirm aus roten, grünen und blauen Komponenten bestehen . So kann ich jedes einzeln bearbeiten. Wenn ich z. B. mit dem roten Kanal spiele, kann ich mehr Rötungen einführen und Rötungen abziehen. Und ich kann einige interessante Ergebnisse erzielen. Wenn ich damit herumspiele. Wenn Sie Farben anpassen, spielen Sie einfach mit den Schiebereglern bis alles richtig aussieht. Aber ich möchte mehr über Kanäle unter der Tonkurve sprechen . Die Tonkurve ist den Stufen sehr ähnlich, mit der Ausnahme, dass Sie Farben genauer oder detaillierter steuern können . Wenn wir also hier nachschauen, haben wir ein Diagramm, dass die I-Seite dieses Diagramms die hellen Farben und die linke Seite die dunklen Farben darstellt. Und in der Mitte haben wir die Mitteltöne. Indem ich Dinge nach oben ziehe, werde ich ihnen Leichtigkeit verleihen. Indem du sie nach unten ziehst. Ich füge ihnen Dunkelheit hinzu oder subtrahiere Helligkeit, indem ich hier auf Zurücksetzen klicke Ich kann zu meinem Ausgangspunkt zurückkehren. Das heißt, da ich die hellen Teile hier und die dunklen Teile hier habe, kann ich gut mit den Farben der Bilder herumspielen, z.B. wenn ich die Kurve hier nach unten ziehe, habe ich sie dunkel gemacht Farben dunkler, weil dies die dunkle Seite ist und gemischte Farben dunkler, wenn sie nach unten gezogen werden. Wenn ich das nach oben bringe, dann habe ich die hellen Farben heller gemacht. Und das Gegenteil kann auch funktionieren. Dadurch wird die helle Farbe dunkler und die dunklen Farben heller. Sie bewegen sich also irgendwie in Richtung Grau. Aber wir können es in einfachen Worten verwenden , um einige interessante Effekte einzuführen. Sie müssen wirklich nur damit herumspielen und sehen, welche Ergebnisse Ihnen gefallen. Ich persönlich finde die Tonkurve wirklich nützlich, um meinen Charakter mit dem Hintergrund verschmelzen zu lassen. Zum Beispiel sehen die Farben meiner Charaktere hier bläulich aus, aber der Hintergrund ist grün und gelblich. Und ich möchte seine Farben so anpassen , dass er sich besser in den Hintergrund einfügt. Also klicke ich auf Okay, und ich habe die Tonkurvenebene hier drüben. Ich schneide es in den Ordner mit den Ebenen meiner Charaktere. Und jetzt gehe ich mit einem Doppelklick wieder darauf zurück. Und ich möchte mit den Kanälen herumspielen anstatt mit allen Farben auf einmal. Wir haben hier also auch Kanäle. Wir haben Rot, Grün, Blau oder wir können alle Farben von der RGB-Seite aus steuern. Aber ich werde z. B. in Richtung Rot gehen. Es ist eine ähnliche Sache. Wenn ich nach oben ziehe, füge ich das zu meinem Bild hinzu. Wenn ich nach unten ziehe, werde ich noch subtrahieren und wenn ich Rot subtrahiere, erhalte ich Blau. Ich setze das zurück und zeige dir wie es für die anderen Farben ist. Wenn ich für Grün nach oben ziehe und dann das Grün hinzufüge, wenn ich nach unten ziehe, dann habe ich Grün subtrahiert, was mir rötliche Farben verleiht, aber ich würde eher eine magentafarbene Farbe sagen. Und schließlich werden bei einem Blau die Farben durch Ziehen nach oben in Richtung Blau bewegt, und wenn Sie sie nach unten ziehen, sie in Richtung Grün gebracht. Ich setze es zurück. Und ich möchte, dass meine Farben grünlich aussehen. Also subtrahiere ich das Blau von ihnen. Also passe ich meine Farben an. Die Kurve nach und nach herunterfahren und sehen, wie sie aussieht. Wie ihr so schnell sehen könnt, habe ich die Farben angepasst und es gibt jetzt interessantere und viel mehr Hintergrundbutter. Aber ich denke, ich werde den Lichtern auch etwas Rot hinzufügen, das hauptsächlich von den Schatten abgezogen wird. Und vielleicht füge mehr Blau zu den Schatten hinzu. Ich denke, der Charakter sieht jetzt viel besser aus als zuvor. Er passt besser zum Hintergrund. Wenn ich jedoch weitere Anpassungen vornehmen und diese Farben stärker verfeinern möchte und diese Farben stärker verfeinern , verwende ich eine weitere interessante Farbanpassungsebene, nämlich die Farbbalance. Wir haben das schon ein bisschen benutzt, aber ich werde es jetzt genauer besprechen. Klicke immer noch auf Okay und schneide es an meinen Charakter an, weil ich mich darauf konzentrieren möchte , zuerst die Farben meines Charakters anzupassen , bevor die Gesamtfarben. Also doppelklicke ich, um zum Menü zurückzukehren. Für das Farbbalance-Menü sind die Farben nun in drei Optionen unterteilt. Ich kann die Schatten bearbeiten, ich kann die Halbtöne bearbeiten und ich kann die Glanzlichter bearbeiten. Es ist immer standardmäßig im Halbtonmenü Die Halbtöne sind wie die Mitteltöne oder die allgemeinen Töne des Bildes. Ich fange nicht gerne zuerst damit an. Ich möchte zuerst mit Schatten beginnen. Und normalerweise nehme ich meine Schatten gerne ein bisschen in Richtung Blau und sehe, wie sie aussehen, und manchmal auch in Richtung Magenta. Aber für diese Szene sieht es nicht so gut aus. Ich glaube, ich muss sie in Richtung Grün bringen und vielleicht etwas Blau hinzufügen. also die Farben zu einer beliebigen Seite dieser Farben nehmen, fügen wir mehr Farbe hinzu. Wenn ich das also ziehe, wird Lesen zu meinen Schatten hinzugefügt. Wenn ich es über dich ziehe, wird Cyan zu meinen Schatten hinzugefügt und so weiter. Es ist ein sehr einfaches Konzept. Ich finde, er sieht jetzt gut aus, aber ich gehe zu den Highlights und füge mehr Gelb hinzu. Ich habe versucht, diesen Kontrast zwischen den Schatten und den Lichtern herzustellen . Normalerweise mag ich es, die Highlights mit warmen Farben zu belassen, die Schatten bei kühlen Farben. Also nehme ich die Lichter in Richtung des gelben Schrägstrichs, rot, manchmal grün und dann zu den Schatten. Ich bringe sie in Richtung Blau, um dieses Gleichgewicht zwischen kühlen und warmen Farben zu erreichen. Und dann kann ich endlich die Mitteltöne anpassen und sehen, wie sie aussehen. Dann klicken Sie auf Okay. Und ich kann das Vorher und Nachher sehen. Ich denke, es sieht jetzt besser aus, aber ich kann einfach die Opazität der Farbbalance-Ebene reduzieren . Und ich kann auch eine Farbbalance-Ebene für das gesamte Bild über allem in meinem Panel hinzufügen . In diesem Schritt ziehe ich auch die Schatten in Richtung Blau. Manchmal vielleicht Magenta oder Cyan, hin zu den kühlen Farben, im Grunde die Glanzlichter hin zu Gelb und vielleicht zu Rot. Aber auch hier wird es zu anschaulich. Ich zeige es nur, um es zu erklären. Kannst du das Vorher und Nachher sehen? Und Sie können jederzeit mit der Opazität herumspielen und sie so stark reduzieren, wie Sie möchten. Was die Farbanpassung der Binarisierung betrifft. Ich verwende es nicht wirklich, um einen Schwarzweißeffekt Ihres Bildes zu erzielen. Und das verwende ich in meinem Comic nicht besonders. Und schließlich die Ebene zur Farbanpassung der Gradientenkarte, über die wir bereits in der Lektion gesprochen haben, in der wir sie in Graustufenhintergründe in ihre farbige Version umwandeln . Ich mag es immer noch , manchmal mit den Gradientenkarten herumzuspielen und die Opazität zu reduzieren und mit den Mischmodi zu spielen , um zu sehen, welche Effekte ich erzielen kann. Es ging also um Farbanpassungsebenen, aber wir können auch Farbverläufe verwenden , um unserem Panel einen schönen Effekt zu verleihen. Und ich wähle mein Panel mit dem Marquee-Tool aus , sodass ich den Farbverlauf nur in diesem Bereich erstelle. Ich gehe zum Gradienten-Tool. Und ich kann jeden dieser Standardverläufe verwenden, die ich habe. Und ich halte die Umschalttaste gedrückt und erstelle einen Farbverlauf. Ich kann mit den Ebeneneigenschaften herumspielen. Wie Sie sehen, kann ich sehr interessante Ergebnisse erzielen, obwohl ich nur damit herumliege. Ich verwende besonders gerne hartes Licht oder weiches Licht oder Overlay. Dadurch kann Ihr Panel sofort interessanter aussehen. Nun, vielleicht ist es für dieses Panel nicht so offensichtlich , weil es irrelevant ist. Aber wenn ich dir dieses Panel hier zeige, sieht der Charakter mit dem Hintergrund gut aus. Aber nach dem Anwenden eines Verlaufs-Overlays sah das gesamte Panel interessanter aus. Ich habe hier ein Farbverlaufs-Overlay aufgetragen, von lila über orange bis gelb reicht. Und ich habe zwei Kopien davon gemacht. Einen von ihnen habe ich auf Color Burn gesetzt und bei einem von ihnen habe ich auf Linear Burn gesetzt . Und natürlich habe ich mir das ausgedacht, nachdem ich mit den Einstellungen herumgespielt und gesehen habe, was am interessantesten aussieht. Hier ist ein weiteres Beispiel für ein anderes Panel, das ich intensiver gestaltet habe, indem ich einen weichen Lichtverlauf hinzugefügt , der von dunklerem Blau bis Rot reicht , um dieses intensive Gefühl zu vermitteln und das Panel besser aussehen zu lassen wirksam. Versuchen Sie also, mit all den Optionen, über die ich gesprochen habe, herumzuspielen , und Sie werden sofort einen schönen Effekt auf Ihren Kunstwerken sehen . In der nächsten Lektion werden wir darüber sprechen, Ihren Panels Beleuchtung und Beschattung hinzufügen. 23. 5-2 Beleuchtung und Schattierung: In dieser Lektion möchte ich Ihnen zeigen, wie Sie Licht - und Schattierungseffekte so schnell hinzufügen können , dass Ihr Panel sofort interessanter aussieht Ich verwende dieses Panel als Beispiel. Ich möchte den Effekt vorstellen, dass dieser Typ aus dem Schatten auf einen sonnenbeschienenen Ort zukommt. Um diesen Effekt hinzuzufügen, habe ich eine neue Clip-Ebene erstellt. Und ich werde eine Farbe wählen , die hellviolett ist. Und mit einem normalen Pinsel werde ich z. B. sagen, den oberen Teil seines Kopfes überstreichen . Und dann ändere ich diesen Ebenenmodus, um zu multiplizieren. Vorher und nachher kann ich sofort spüren, dass es sich einen schattigen Teil und um einen sonnenbeschienenen Teil handelt. Ich kann das Unschärfe-Tool auch verwenden, indem ich hier rübergehe und Unschärfe auswähle. Mit diesem Tool kann ich dann die Ränder meines Schattens verwischen , da es sich um einen Schatten handelt, der von einem Kamin kommt. Wenn Sie es glätten, deutet dies darauf hin , dass es sich um eine ferne Lichtquelle handelt. Ich kann diese Ebene auch sperren und Airbrush verwenden. Nun, ich wähle eine sehr warme Farbe von hier drüben, z. B. eine hellrötliche Farbe. Und ich kann einfach den Rand des Farbtons mit einem Airbrush versehen, um einen Übergang zwischen der Schattierungsfarbe und der Sonnenlichtfarbe zu erhalten. Ich kann auch eine kühlere Farbe und die Schatten einführen , z. B. kann ich dieses blasse, dunklere Blau und Airbrush hier verwenden . Also meine Schattierungsebene sieht jetzt so aus, anstatt nur hellviolett zu sein, habe ich hier einen Hauch einer warmen Farbe am Rand und eine dunklere Farbübersicht eingeführt . Und ich kann noch mehr hinzufügen und es dann zurückbringen , um es zu vermehren. Das war also das Erste. Wir können den Lichteffekt auch dramatischer gestalten , indem wir eine neue Ebene über allem einfügen , ohne sie an der Figur abschneiden zu müssen und eine gelbliche Farbe wählen, gelbe Schrägstriche, Orange, so etwas. Mit einer Airbrush. Ich kann hier Airbrush verwenden. Und für Glanzlichter probiere ich die folgenden Modi aus , z. B. Color, Dodge, Dodge, The Glow, Hard Light, manchmal Overlay. Aber für diese spezielle Szene denke ich, werde ich eine gelblichere Farbe verwenden , die nicht so hell ist , und Airbrush verwenden und einstellen, dass sie mehr leuchtet, z. B. kann man das sofort dramatisch sehen eintretender Effekt oder hartes Licht. Dies sind meine Lieblingsebenenmodi. Wenn ich mich für hartes Licht entscheiden möchte, verwende ich eine etwas hellere Farbe. Dann kann ich auch eine neue Ebene erstellen und eine Kombination aus beidem verwenden. Also ein bisschen hartes Licht und ein bisschen Licht. Das gab mir also intensives Licht. Die Beleuchtung erfolgt in der Regel bei Tageslicht, ich verwende warme Farben für die Beleuchtung, z. B. von gelb bis rot. Und für die Schatten verwende ich kühle Farben von Violett bis Blau. Also wähle ich eine bläuliche Farbe, eine blasse, dunklere bläuliche Farbe wie diese. Und ich erstelle eine neue Ebene und stelle den Multiplikationsmodus ein. Und hier drüben auf der dunklen Seite Airbrush , um es dunkler zu machen. Mit diesen einfachen drei Schichten habe ich jetzt sofort diese interessante Beleuchtung eingeführt. Oder anstatt zu multiplizieren, kann ich auch hartes Licht und eine dunklere Farbe verwenden, da der Ebenenmodus Hard Light die Farbe, die Sie haben, quasi auf Ihre Farben projiziert. Wenn ich also eine dunkle, gesättigte Farbe wähle, kann ich diesen Effekt erzielen. Wenn ich das mit Multiplizieren vergleiche, fühlt sich Multiplizieren weniger lebendig an, aber Hard Light hat diese Lebendigkeit. Ich kann auch Linear Burn verwenden, unseren Color Burn. Sie können viel mit Ebenenmodi experimentieren und sehen was für interessante Dinge Sie sich einfallen lassen können. Und spielen Sie auch immer mit Opazitäten herum und schauen Sie, welche Effekte Sie erzielen. Natürlich können Sie die Gesamtbalance Ihres Panels mit dem Farbausgleichstool anpassen die Gesamtbalance Ihres Panels , indem Sie Lichter, Touren und gelbe Schatten, vielleicht in Richtung Blau, Magenta ziehen gelbe Schatten, vielleicht in Richtung Blau, und sehen, wie es interessanter aussieht . Ein weiterer cooler Effekt, den ich sehr gerne verwende, ist die intensive Beleuchtung, die sehr einfach hinzuzufügen ist. Also erstelle ich eine neue Clip-Ebene meinen Charakter und stelle diese so ein, dass sie multipliziert wird. Dann wähle ich die Farbe , für die ich mich entscheide, z. B. möchte ich vielleicht einen violetten Look mit einem Pinsel wählen. Ich kann einfach über meine Szene streichen und dann die Ränder der Figur löschen um anzuzeigen, dass es sich um Hintergrundbeleuchtung handelt , und habe diesen intensiven Lichteffekt. Nachdem Sie diese hervorgehobenen Bereiche abgezogen haben, können Sie sie erneut mit Ihrem Stift anpassen , wie wir es zuvor im Bereich Schattierung getan haben. Wenn du nicht direkt von deiner Schattenebene subtrahieren möchtest , kannst du eine Ebenenmaske erstellen, indem du dort auf deine Schattierung klickst und dann auf diesen Button hier drüben klickst, Erstellen Ebenenmaske und dann Sachen löschen. Unser Gemälde. Um es zurückzubringen, unabhängig von der Farbe, die Sie gewählt haben, wird es immer noch übermalt. Und Sie können auch einen weichen Radiergummi verwenden , um die Umgebung weniger intensiv zu gestalten. Das Schöne an Ebenenmasken ist, dass Sie mit der rechten Maustaste auf die Maske klicken und das Häkchen bei Maske aktivieren deaktivieren können . Das bedeutet also, dass alle Rennen auf der Maske selbst ausgetragen wurden. Sie können es also jederzeit problemlos bearbeiten, auch wenn Sie z.B. Änderungen an der Basisschattierungsebene vornehmen, z. B. können wir mehr Rot und etwas Blau einführen. Das bedeutet also meine Verschattung dort. Und im Moment sieht es so aus. Aber indem ich mit den Farben auf der Maske selbst herumspiele, kann ich sie so einfach bearbeiten. Und um die Beleuchtung noch dramatischer zu gestalten, kannst du eine weitere Ebene erstellen und ihren Modus so einstellen, dass er sich vervielfacht und vielleicht auch Airbrush im mittleren Teil des Charakters zeigt. Und um es noch intensiver zu machen, können Sie eine neue Clip-Ebene erstellen und ändern. Es geht eher darum, den Glanz hinzuzufügen und dann eine Farbe für unsere Highlights auszuwählen, z. B. diese orange Farbe. Und dann können Sie Highlights hinzufügen. Dies gibt das Gefühl, dass eine gelbe Hintergrundbeleuchtung vorhanden ist. Und natürlich können Sie Ihre Farben dunkler machen, um diesen Kontrast zu erhöhen. So sehen Ihre Highlights effektiver aus. Und spiele mit der Opazität des Highlight-Teils und so weiter. Es macht wirklich Spaß, mit den Farben und der Beleuchtung zu spielen. Das ist wirklich mein Lieblingsteil, weil ich sie am häufigsten verwendet So konnte ich diese Art von Beleuchtung kreieren. Ich verwende ähnliche Methoden, indem ich zuerst die Zeichen schattiere und dann Glanzlichter an ihren Rändern hinzufüge, wird dann die leuchtende oder harte Lichtebene hinzugefügt. In diesem Beispiel sind die Highlights blau. Also habe ich eine Cyanfarbe mit einem harten Licht am Rand des Charakters hinzugefügt . Und dann wurde eine Glow Dodge-Ebene hinzugefügt, ebenfalls mit derselben Farbe. Und dann habe ich hier eine Mehrfachschicht mit hellblauer Farbe hinzugefügt. Und so habe ich auch diese Kräfte mit Louis indem ich eine Glow-Docking-Schicht über der Power eingeführt habe. Außerdem habe ich diesen Charakter zu einer Kugel gemacht, indem eine Glow Dodge-Ebene über ihm , nur um diesen Effekt zu erzielen. Durch die Verwendung mehrerer Ebenen können Sie auch die Beleuchtung Ihrer Szene an die Tageszeit anpassen. Nehmen wir an, ich wollte die Beleuchtung hier so ändern , dass sie der des Sonnenuntergangs entspricht. Dann aktiviere ich meine Multiple Shading Layer, was ich bereits zuvor gemacht habe. Und jetzt klicken Sie auf Strg U , um die Helligkeit der Farbtonsättigung zu erhöhen. Und ich werde diese Multiplikationsschicht einfach orange oder rot färben. Und wie du siehst, habe ich sofort den Sunset Effect bekommen. Und wenn es Nacht war, dann kann ich das in so etwas ändern, diese blassbläuliche Farbe. Ich kann aber auch eine weitere Ebene einführen. Ich wähle diesen gesamten Bereich aus und fülle ihn aus und wähle eine sehr helle hellblaue Farbe. Dann bearbeite, fülle und stelle den Ebenenmodus so ein, dass er multipliziert wird. Und ich kann ein bisschen mit der Beleuchtung dieser Ebene herumspielen . Auch ohne die Schattierung schon durch das Auftragen einer Mehrfachschicht habe ich schon durch das Auftragen einer Mehrfachschicht den Look auf einen Nachtlook geändert. Und wenn ich diese Schatten aktiviere, erhalte ich eine Hintergrundbeleuchtung, die leuchtet. Es ist wirklich nicht so notwendig. Aber wie auch immer, mit nur einer Ebene können wir die Beleuchtung der Szene sofort ändern. Und schließlich, wenn es ein bewölkter Himmel war, kann ich eine Multiplikationsebene mit grauer Farbe aktivieren. Reduzieren Sie die Opazität ein wenig und führen Sie dort auch eine neue Korrektur ein. Und reduziere die Sättigung meines Charakters nur ein bisschen. Und weil diese Szene dann etwas zu blass aussieht, dann führe ich dort eine neue Korrektur ein und verwende Farbbalance und mache die Schatten vielleicht etwas bläulicher , nur um das zu beseitigen reiner grauer Look , ich persönlich verwende gerne graue Farben, die etwas getönt sind. So können Sie das Vorher und Nachher sehen. Mit denselben Tipps habe ich diesen Hintergrund , den wir zuvor von diesem Wald gemacht haben, von einer Sommerzeit, 02:00, du siehst aus, umgewandelt diesem Wald gemacht haben, von einer Sommerzeit, 02:00, du siehst aus , indem du einfach diesen wolkigen Keita-Hintergrund änderst und mache die Farbanpassungen, wie ich es dir gezeigt habe. Ich fordere Sie dringend auf, mit all den Tipps zu experimentieren , die wir bisher eingeführt haben. Sie werden Ihre Paneele auf jeden Fall interessanter aussehen lassen , indem Sie Beleuchtung und Schatten hinzufügen und die Farben anpassen. der nächsten Lektion werden wir darüber sprechen, Emotionen zu erzeugen, indem wir mit dem Aussehen des Textes herumspielen. 24. 5-3 Emotionen durch Text: Jetzt möchte ich darüber sprechen wie Sie die Emotionen Ihrer Charaktere besser vermitteln können , indem Sie mit dem Text ihrer Reden herumspielen . Ihre Schriftsprache ist sehr kraftvoll und ausdrucksstark und das Herumspielen mit der Form des Textes, der Größe und dem Gewicht kann wirklich unterschiedliche Gefühle gegenüber den Lesern hervorrufen. Deshalb werde ich einige nützliche Tipps durchgehen und Ihnen Beispiele zeigen , um die Idee besser umzusetzen. Zuallererst kann das Spielen mit der Form der Schrift, der Größe und der Dicke dazu beitragen, eine lautere Stimme hervorzurufen, z. B. sagt die Figur hier: Nun, ich frage mich wie. Aber weil ich dieses Wort wandernd und eine größere Schriftgröße gemacht habe, und ich habe auch ein dickes gemacht. Wenn du es jetzt liest, fühlt es sich an, als würde er es im Folgenden sagen, tu es nicht. Nun, ich frage mich wie. Herumspielen mit der Größe und dem Gewicht dieses Wortes hilft also , dieses Gefühl zu vermitteln. Das Gleiche hier drüben. Sie sagt, ja, ja, richtig. Aber ich habe das Wort Write it statisch gemacht , sodass es sich anfühlt, als würde sie ja, ja, genau hier drüben sagen . Sie sagt, wenn du nur wie normale Menschen mit mir sprichst, bekommst du diesen normalen Ton statt normal, weil das Wort normal hier metallisch ist. Dann sagt sie, anstatt mich anzuschreien, was auch in der größeren Schriftgröße ist, und ich habe es auch fett gemacht, um darauf hinzuweisen, dass sie ihren Tonfall erhöht während sie mit ihm kämpft. Wenn Sie auch mit den Schrifteigenschaften herumspielen kann ein bisschen das Schreien intensiver wirken lassen. Zum Beispiel sagt sie hier nein, nun, das funktioniert absolut. Wenn ich den Schnee kursiv mache, kann ich das Gefühl haben, effektiver zu sein. Und ich kann alles noch effektiver aussehen lassen indem ich meine Texte auswähle und zu den Eigenschaften des Unterwerkzeugs gehe. Und dann kann ich unter Schrift mit einem vertikalen Verhältnis herumspielen , indem ich es erhöhe. Erhöhen Sie auch die Größe des Textfeldes. Ich kann sie nicht noch übertriebener machen, noch mehr, wenn ich das vertikale Verhältnis erhöhen würde. Und natürlich kann ich immer noch mit der SKU herumspielen. Sie sehen also, diese kleine Manipulation hat den Text wirkungsvoller gemacht. Außerdem können wir mit der Schriftart herumspielen, um je nach Stimmung und Art des Charakters unterschiedliche Gefühle zu vermitteln je nach Stimmung und Art des Charakters unterschiedliche Gefühle . Zum Beispiel können wir für niedliche Charaktere eine niedliche Schrift verwenden und vielleicht auch mit flauschig aussehenden Sprechblasen. Dies unterscheidet den pH-Wert dieses niedlichen Charakters vom normalen Sprachgebrauch. Das ruft sofort dieses Gefühl eines anderen Charakters hervor. Wir können auch die Schrift ändern , um ein gruseliges Gefühl zu erzeugen. Zum Beispiel habe ich hier diese Schrift gewählt, die mir sehr gut gefällt und Feral heißt, um ein Gefühl von Gruseligkeit hervorzurufen. Als ob mein Charakter hier normal mit meiner üblichen Dialogschrift sprach . Aber dann wechsle ich plötzlich zu dieser Schrift, um auf ein Gefühl der Gruseligkeit hinzuweisen. Als würde er dieses Mädchen mit seiner Rede tragen. Er ist gruselig. Diese Änderung der Schrift hat also zu dieser Stimmungsänderung geführt. Außerdem verwende ich sehr gerne eine starke Schreischrift für Charaktere, die schreien, besonders auf böse Weise. Also verwende ich hier zum Beispiel diese Schrift namens Sean und Punk Custom, um dieses Gefühl hervorzurufen, dass der Charakter auf gruselige Weise schreit. Und ich erhöhe auch das vertikale Verhältnis, damit das Cremen noch wirkungsvoller und gruseliger aussieht. Manchmal kannst du die Rede auch von Hand schreiben, anstatt eine Schrift zu verwenden, da sie dadurch effektiver aussehen könnte. Zum Beispiel habe ich hier den schreienden Satz mit meiner Handschrift geschrieben , weil ich das Gefühl hatte, nicht die passende Schrift zu finden , um das Gefühl auszudrücken , das ich vermitteln wollte. Und auch hier in diesem Panel, das ich noch nicht abgeschlossen habe, ruft mein Charakter den Namen Saccharides. Und ich wollte , dass das sehr wirkungsvoll ist. Also habe ich das gemacht, indem ich die Briefe selbst handgeschrieben habe. Und ich finde, sie sind viel wirkungsvoller, als wenn ich nur eine normale Schrift verwenden würde. Ich denke, das kann auch sehr effektiv sein, um einen gruseligen Flaum hervorzurufen. Wenn du z.B. einen bösen Charakter zum Lachen gebracht hast, dann kannst du diese Art von Lachen einfach von Hand schreiben. Lass es gruseliger und unheimlicher aussehen. Für Handschrift und Pinsel. Ich kann dieses Pinselset , das ich von den Clip Studio Assets heruntergeladen habe, nur empfehlen . Es enthält viele interessante Pinsel, mit denen Sie so viele verschiedene Gefühle ausdrücken können. Probieren Sie es einfach aus, indem Sie es herunterladen. Natürlich gibt es viel, viel mehr Möglichkeiten. Die Welt des Textes ist wirklich unglaublich. Und ich fordere Sie dringend auf, mehr Comics zu lesen. Denn je mehr du liest, desto mehr interessante Dinge wirst du finden, desto mehr interessante Dinge wirst du anfangen, mit dir selbst zu entdecken. der nächsten Lektion werden wir über das Ausdrücken von Emotionen und Ihre Panels sprechen . 25. 5-4 Bewegung ausdrücken: In dieser Lektion möchte ich nun darüber sprechen, wie man Bewegungen ausdrückt und das Gefühl vermittelt, dass sich die Charaktere in Ihren Panels bewegen. Es gibt mehrere Dinge, die Sie tun können , und wir werden sie nacheinander durchgehen. Der erste und schnellste Weg ist die Verwendung von Motion Blur. Ich füge zuerst alle Ebenen meines Charakters zusammen, indem ich sie alle auswähle. Sie dann mit der rechten Maustaste und wählen Sie „Ausgewählte Ebenen zusammenführen“. Und ich wähle alle aus und kopiere das. Dann mache ich den Vorgang rückgängig, um meine getrennten Ebenen beizubehalten. Und dann füge ich das, was ich kopiert habe , auf den Charakter ein. Und jetzt wähle ich den Charakter mit dem Marquee-Tool und gehe dann zu Filterunschärfe, Bewegungsunschärfe. Und auf diese Weise wird, wie Sie sehen , eine Bewegungsunschärfe angewendet, aber das ist nur eine Vorschau. So kann ich mit den Einstellungen herumspielen. Sie können mit dem Winkel der Bewegungsunschärfe spielen. Ich möchte, dass es so ist, da der Charakter von hinten zum Bildschirm rennt . Ich finde diese Art von Winkel gut. Ich kann auch mit der Richtung der Unschärfe herumspielen , z. B. jetzt ist sie auf Rückwärts gestellt, aber ich kann sie auch auf Vorwärts stellen. Das kann auch dazu führen, dass es in beide Richtungen geht. Ich finde, Rückwärts zu verwenden, ist in solchen Szenen am effektivsten, um darauf hinzuweisen, dass die Rückseite des Charakters verschwommen ist , seit er sich vorwärts bewegt. Der Vorwärts wird klarer sein als der Rückwärtsgang. Sie können auch mit der Stimmung der Unschärfe herumspielen. Es gibt eine Box, die wir jetzt haben, und es gibt eine glatte. Ich bevorzuge auch Box gegenüber Smooth. Sobald ich zufrieden bin, klicke ich auf Okay. Und dann möchte ich einige Teile dieser verschwommenen Ebene löschen , damit ich mehr von meinem Charakter darunter zeigen kann . Also, ich deaktiviere die Auswahl und erstelle dann eine Ebenenmaske. Und mit einem weichen Radiergummi lösche ich diese Seite meines Charakters, sodass ich darauf hinweise, dass die Unschärfe nur auf der Rückseite auftritt , und ich gebe dem Charakter ein Gefühl von Bewegung. Kannst du das Vorher und Nachher sehen? Es hat wirklich dieses Gefühl von Bewegung vermittelt. Und ich kann die Opazität auch etwas reduzieren , wenn es sich zu stark anfühlt. Eine andere Möglichkeit ist, das Unschärfe-Tool zu verwenden, z. B. habe ich diese beiden Tools für unscharfe Bilder, die ich von Clip Studio Paint-Assets heruntergeladen habe, und ich zeige Ihnen, wie sie aussehen. Es gibt also diese Geschwindigkeit der Unschärfe, und wenn ich sie über meinen Charakter auf der gewünschten Seite verwende , kann ich den Bewegungseffekt erzielen und ihn nur an den Stellen haben , die ich selbst haben möchte. Es ist ein sehr interessantes Unschärfe-Tool. Und in ähnlicher Weise sorgt der Unschärfeschock für eine andere Art von Unschärfe. Ich würde sagen, es funktioniert sowohl bei Schock als auch bei Bewegung. Mit diesem Tool kann ich also ein wenig ein Gefühl von Bewegung hervorrufen. Dann kann ich auch einige Teile löschen, die ich nicht möchte. Natürlich können Sie den Unschärfeschock auch verwenden , um ein Schockgefühl hervorzurufen und die Szene schockierender und intensiver aussehen zu lassen. Aber gehen wir zurück zu diesem Panel hier drüben. Ich kann einen weiteren Schritt machen. Und auf einer neuen Ebene kann ich mit einem Pinsel Stromlinien zeichnen, die anzeigen, dass der Charakter läuft. Und wieder werde ich diese Zeilen auf diese Seite legen. Aber wie Sie auf diesen Folien sehen können, sind sie freihändig und sehen nicht so toll aus. Was wir stattdessen tun können, können wir zum Linealwerkzeug gehen und ein spezielles Lineal auswählen und dann die parallele Linie und dann das Lineal und die gewünschte Linienrichtung wählen. Und jetzt geh zurück zum Stift und zeichne diese Stromlinien auf einfache Weise. Während wir diese Schritte anwenden. Ich habe mir dieses Ergebnis ausgedacht, das ich Ihnen zu Beginn der Lektion gezeigt habe . Du kannst auch noch einen Schritt weiter gehen und Effekte auf den Soundeffekt deines Panels anwenden , z. B. hier habe ich den Dash-Soundeffekt gemacht, aber diesen Soundeffekt habe ich auf eine andere Ebene kopiert. Ich habe auch eine Bewegungsunschärfe dafür gemacht. Und wenn ich mir die komplette Szene ansehe, kann ich sofort diese Bewegung spüren , die die Figur gerade ausführt. Sie können auch Stromlinien verwenden, um Bewegungen anzuzeigen. Und um das zu bekommen, gehe zum Figuren-Tool hier drüben. Und Sie werden sehen, dass es mehrere Optionen gibt. Wenn ich also dieses Tool auswähle, werde ich z. B. Stromlinien zeichnen. Und dann kann ich mit ihnen herumspielen, ihren Winkel mit dem Objektwerkzeug drehen. Und ich kann von hier aus auch mit ihren Einstellungen herumspielen , z. B. ihrer Länge, ihrem Winkel und ihrer Gruppierung, den Lücken zwischen ihnen. Und wenn ich mit den Kontrollpunkten spiele , kann ich noch mehr Linien einführen. Und ich kann dieser neu hinzugefügten Ebene mit verstreuten Bachlinien eine Ebenenmaske hinzufügen. Und mit einem weichen Radiergummi kann ich die Stellen löschen, die ich meinem Charakter nicht mehr zeigen möchte. Du findest auch einige vorgefertigte Streamlines in den Manga-Materialien unter der Effektlinie. Dann wählen Sie Speed Line. Sie werden sehen, dass Sie einige interessante Dinge hinzuzufügen haben. Sobald Sie nach einem solchen Bild gefragt haben, können Sie mit seiner Farbe herumspielen. Mach es weiß und mache dasselbe, lösche, was du nicht willst und so weiter. Es gibt auch andere Optionen als die Geschwindigkeitslinien. Da sind die gesättigten Linien , die zur Bildmitte hin verlaufen. Da sind die Seeigel-Blitzlinien. Und da ist noch der Schmetterlingsausschlag , der als Hintergrund für deine Charaktere verwendet werden kann. Z.B. Ich verwende hier die gesättigten Linien , da mein Charakter in der Mitte läuft. Also den ganzen Fokus auf ihn zu richten und das Gefühl zu vermitteln, dass er in Richtung Wald rennt . Für den Hintergrund. Der Hintergrund war ursprünglich so, aber ich habe alle Elemente meines Hintergrunds zusammen kopiert , wie ich es bei meinem Charakter zuvor getan habe, und dann mit dem Marquee-Tool eine Auswahl getroffen und dann zu Filterunschärfe, radiale Unschärfe. Und indem ich mit diesem X herumspiele, kann ich die Mitte der Unschärfe ändern. eine Auswahl Ihres Panels zu treffen ist es sehr wichtig , vorher Bei radialer Unschärfe ist es sehr wichtig , vorher eine Auswahl Ihres Panels zu treffen, damit Sie dieses X sehen und sich auf Ihren Klapppunkt konzentrieren können , um genau dort zu sein, wo Sie ihn haben möchten. Denn wie Sie sehen, ist diese Art von Unschärfe auf dem Computer etwas schwer und das Rendern dauert einige Zeit. Je mehr Sie also den Bereich Ihrer Auswahl eingrenzen, desto besser und schneller können Sie diesen Effekt erzielen. Ich kann auch mit der Effektebene meines Sohnes herumspielen und auch radiale Unschärfe darauf anwenden effektiver aussieht damit sie effektiver aussieht und der Bewegung des Charakters entspricht. Eine letzte Sache zu dieser gesättigten Linie Sie können es nicht nur aus den Bildern hier drüben abrufen, sondern es gibt auch ein Tool dafür, wie die Streamline-Tools, die ich Ihnen zuvor gezeigt habe. Hier gibt es das Werkzeug für gesättigte Linien, z. B. verwende ich eines davon und zeichne einen Kreis auf Stelle, auf die sich mein Effekt konzentrieren soll. Und dann habe ich die gesättigten Linien sofort gezeichnet. Und Sie können auch mit ihren Einstellungen herumspielen, wer das Objekt verwendet, ihre Anzahl erhöhen oder verringern und so weiter. Fühlen Sie sich frei, auch die anderen Tools zu erkunden. der nächsten Lektion werden wir darüber sprechen, mit Hintergründen zu spielen unterschiedliche Stimmungen hervorzurufen je nach emotionalem Zustand der Szene unterschiedliche Stimmungen hervorzurufen. 26. 5-5 5-5: Nun, im Allgemeinen sind die Panels von Web-Tunes auf einer weißen Leinwand oder einem weißen Hintergrund gezeichnet . Dies muss nicht immer unbedingt der Fall sein. Wir können immer nach unseren Wünschen mit der Hintergrundfarbe herumspielen . Persönlich habe ich nicht viel mit anderen Farben experimentiert . Was ich hauptsächlich auf den Wechsel zwischen Schwarz und Weiß konzentriert habe. Meine Comic-Panels sind also in der Regel weiß, wenn es eine normale Stimmung ist und nichts Ernstes vor sich geht. Aber ich bin auf einen schwarzen Hintergrund umgestiegen. Worauf ich hinweisen möchte, ein Gefühl von Mysteriosität , z. B. hier in der Nacht, oder Essenz von Mysteriosität, auch wenn Sie tagsüber sind. Indem man den Hintergrund schwarz macht, verändert sich quasi die gesamte Atmosphäre und die gesamte Atmosphäre dieser Paneele. Und ich verwende auch einen schwarzen Hintergrund, wenn ich eine traurige Hintergrundgeschichte oder einen traurigen Rückblick vorstellen möchte . Und auch, wenn der Kampf kurz vor der Tür steht, besonders wenn die Charaktere tiefe und intensive Gefühle zum Ausdruck bringen. Diese Panels wären nicht so effektiv wenn sie einen weißen Hintergrund hätten. Ich benutze es auch, wenn es eine ganze Kampfszene gibt oder sich alles falsch anfühlt. Zum Beispiel wird in diesem Kapitel von mir der Antagonist vorgestellt und es kommt zu einem Kampf zwischen ihm und den Hauptcharakteren. Deshalb habe ich das gesamte Kapitel und einen schwarzen Hintergrund beibehalten , um das Gefühl zu vermitteln, dass etwas nicht stimmt, anders ist und etwas Unheimliches bevorsteht oder passiert. Aber die Sache ist, ich ändere den Hintergrund nicht abrupt von Schwarz zu Weiß, sondern ich gehe einfach durch ihn hindurch, indem ich einen Farbverlauf verwende. Also habe ich hier zum Beispiel vom weißen Hintergrund gewechselt, indem einen hellen Hintergrund eingeführt habe, der in Richtung Grau und dann in Richtung Schwarz geht. Während der Leser krabbelt, ändert sich der Hintergrund für ihn. Es fühlt sich nicht abrupt an. Und anstatt einen Farbverlauf zu verwenden, können Sie auch Grunge-Pinsel verwenden, um diese Änderung vorzunehmen. Zum Beispiel benutze ich hier den Grunge-Pinsel, wenn der Charakter dabei ist , seine Wut loszulassen. Das bedeutet also, dass es kein sehr reibungsloser Übergang ist. Außerdem kann das Herumspielen mit den Hintergründen der Panels selbst den Hintergründen der Panels selbst dazu beitragen, je nach Stimmung in der Szene unterschiedliche Gefühle hervorzurufen . Eine dieser Möglichkeiten besteht darin , Stromlinien hinzuzufügen. Zum Beispiel wäre dieses Panel hier nicht so effektiv, wenn ich diese Stromlinien entfernen und sie als Farbverlauf beibehalten würde. Diese Stromlinien verstärkten das Gefühl eines Schocks oder der Kamera, die zum Gesicht des Charakters gerichtet war oder etwas Ähnliches. In ähnlicher Weise deutet die Verwendung eines Betablitzes für den Hintergrund auf eine Art Überraschung oder Erstaunen hin. Zum Beispiel habe ich hier eines der Bilder verwendet, die standardmäßig mit dem Clip Studio Paint geliefert standardmäßig mit dem Clip Studio Paint und ein bisschen mit den Farben herumgespielt. Sie können mit den Farben herumspielen, wenn überhaupt, indem Sie unter Ebeneneigenschaften mit der Ebenenfarbe spielen. Ich habe sie von Schwarz auf diese Farbe geändert, Ich habe sie von Schwarz auf diese Farbe geändert damit sie besser zum Ton meines Panels passt. Und dann habe ich eine Mehrfachschicht mit einem Airbrush aufgetragen und so habe ich es so aussehen lassen. Du kannst auch Geräusche im Hintergrund oder Ziele oder Grunge hinzufügen , z.B. hier in diesem Panel verwende ich diesen Pinsel, den du unter den Deklarationstools unter Schraffur findest . Sie können feststellen, dass dies in die Cloud geht, und indem Sie es verwenden, können Sie diesen Effekt erzeugen. Es gibt auch die Ziele von Brush. Es gibt auch die Friktionsbürste. All diese Pinsel haben wirklich dazu beigetragen, das Spannungsgefühl in die Szene zu bringen oder diese Figur darzustellen , die die Figur fühlt. Um dir zu zeigen, wie ich diesen Hintergrund konstruiert habe, habe ich zuerst einen Farbverlauf mit diesen Farben hinzugefügt. Und dann habe ich dieses Bild aus den Clip Studio-Assets importiert dieses Bild aus den Clip Studio-Assets , die Sie übrigens unter monochromatischen Mustern finden. Und dann kannst du alle verschiedenen Sorten finden. Es gibt Basics, die nur Grüntöne sind. Es gibt einen Gradienten, es gibt eine Schraffur. Es gibt Muster, die im Allgemeinen für Kleidung und solche Dinge verwendet werden. Aber da ist es, dass mir die Wirkung und das Gefühl sehr gut gefallen. Du hast helle Gefühle und du hast dunkle Gefühle. Und es gibt auch eine Textur , die mir sehr gut gefällt. Von der Textur habe ich diese doppelte Wolke bekommen und ihre Opazität verringert. Dann habe ich diesen grungy-Pinsel mit dunkler Farbe und Mehrfachebenenmodus hinzugefügt . Dann habe ich noch mehr Grungy-Pinsel mit einer violetten Farbe vom Hintergrund hinzugefügt . Dann habe ich mit demselben Pinsel eine Overlay-Ebene mit gelber Farbe auf das Panel aufgetragen. Schließlich verwende ich denselben Pinsel, ebenfalls mit weißer Farbe um das Aussehen des Panels zu vervollständigen. Verwendung dieser Texturen kann uns wirklich einige interessante Effekte bringen, z. B. in diesem Panel hier habe ich in diesem Panel hier zuerst diese Waldtextur verwendet und diese Farben geändert indem ich mit diesen Farben herumspiele hier drüben aus den Layer-Eigenschaften. Und dann habe ich diese Lärmlinien aufgetragen und gleichzeitig ihre Opazität etwas reduziert , um eine gewisse Spannung in der Szene zu erzeugen. Und dann habe ich auch einige grobe Linien auf den Charakter selbst aufgetragen , um dieses Gefühl von Sorge und Überdenken zu vermitteln und das Gefühl, verloren zu sein. Und falls ihr hier bemerkt, ich den Charakter nicht schattiert habe, um das Gefühl zu vermitteln, dass der Charakter sein Gefühl für seine Umgebung verloren hat und wirklich vereinfacht ist auf die grundlegenden Looks ohne jede komplizierte Schattierung, die dazu führen könnte, dass dieses Gefühl Gold verloren geht. Und ich habe auch einen weißen Umriss hinzugefügt, der den Charakter umgibt , um ihn ein wenig vom Hintergrund zu trennen . Und wenn ich das noch effektiver machen will , kann ich die Farben ganz entfernen und die Szene zu einem monochromen Look vereinfachen , um auf ein tieferes Schockgefühl hinzuweisen. Apropos vorgefertigte Hintergründe, ihr findet auch einige farbige, indem in den Materialien unter Farbmuster nachschaut, ihr findet Effekt und Gefühl, die auch hell und laut dunkel sind. Sachen, die ich in dieser Szene verwendet habe, z.B. ich benutze diesen Schock, um das Gefühl zu zeigen, dass sie sich streiten und Dinge zwischen ihnen explodieren. Endlich meine Lieblingshintergründe, nämlich der Hintergrund ohne Hintergrund. Im Grunde kann ich, indem ich den Hintergrund weiß lasse und dem Charakter Hintergrundbeleuchtung hinzufüge, das Gefühl vermitteln dass der Charakter in seine eigenen Gedanken versunken ist und alles vergisst über ihre Umgebung. Und ist auch nützlich , wenn der Charakter einen tiefen Monolog mit sich selbst hat. Und es hinterfragt, was passiert und solche Dinge. Aber ich benutze es auch gerne, um auf einen Schock hinzuweisen. ZB mein Charakter, er wurde angegriffen. Um anzuzeigen, dass sie angegriffen wurde und um es wirkungsvoller aussehen zu lassen, habe ich diesem Panel keinen Hintergrund hinzugefügt und nur Multiple hinzugefügt. Da drüben ist eine Geräuschtextur die das Gefühl vermittelt, als sei alles still geworden, als sie angegriffen wurde. Das folgende Panel auch. Der Charakter betrachtet dieses Wohlbefinden äußerst schockiert und hat einen ungläubigen Ausdruck in seinen Augen und ist sprachlos. Wenn wir diese Panels noch einmal durchblättern, können wir das Gefühl haben, dass die Zeit stehen geblieben ist oder sich verlangsamt hat , als diese Aktion stattfand. Wenn ich in diesen Panels keinen Hintergrund habe, werden meiner Meinung nach die Emotionen verstärkt, die ich durch sie vermitteln möchte. Also ja, deshalb sind es meine Lieblingshintergründe. Und es ist natürlich auch am einfachsten anzuwenden. Sie können diese Paneele so schnell fertigstellen. Führe einfach eine schnelle Schattierung für den Charakter durch und füge dann eine Multiplikationsebene hinzu und füge etwas Hintergrundbeleuchtung hinzu und fertig, fertig. also diesen Punkt erreicht haben, Wenn Sie also diesen Punkt erreicht haben, haben Sie hoffentlich ein Stadium erreicht, in dem Sie Ihr Kapitel fast abgeschlossen haben. Und alles was noch übrig ist, Ihre Bilder zu exportieren und sie schließlich online zu veröffentlichen. der nächsten Lektion werden wir darüber sprechen, wie Sie Ihren Comic exportieren können, um ihn für das Elektronenformat geeignet zu machen für das Elektronenformat geeignet , sodass Sie ihn problemlos hochladen können. 27. 6-1 Webtoons exportieren: Herzlichen Glückwunsch zum Abschluss Ihres Kapitels. In diesem Stadium sind Sie endlich bereit, es zu exportieren und zu veröffentlichen. In dieser Lektion gehen wir also darauf ein, wie Sie Ihre Bilder auf eine Weise exportieren können , die für das Web-Tune-Format, hauptsächlich für die Electron Canvas-Plattform, geeignet ist Web-Tune-Format, hauptsächlich für die Electron Canvas-Plattform, geeignet . Wenn Sie ein X-Benutzer sind, können Sie Ihr gesamtes Kapitel auf einmal in Bilder exportieren indem Sie zu Dateiexport mit Dune gehen. Und dann hier drüben, stellen Sie sicher, dass alle Seiten verwendet werden, oder Sie können den gewünschten Seitenbereich angeben. Normalerweise gehe ich für alle Seiten und Sie geben die Breite von hier aus an. Ich gebe die Breite mit 800 an. Denn wenn Sie sich an Kapitel eins erinnern, haben wir darüber gesprochen, dass die Richtlinien für die Größe der Elektronenleinwand Richtlinien für die Größe der Elektronenleinwand Höhe von 800 mal 1.280 Pixeln haben. Wir geben hier also nur die Breite an. die Höhe angeht, können wir sie jedoch über diese Einstellungen unter Dateiexporteinstellungen festlegen unter Dateiexporteinstellungen Wählen Sie diese letzte Option, teilen Sie vertikal und ändern Sie diese Zahl auf 1.280 Pixel. Dies zeigt Ihnen also die Anzahl der Dateien, die Sie erhalten werden. Schließlich können Sie von hier aus Ihr Ziel auswählen, an dem Ihre Dateien gespeichert werden sollen, und dann den Namen so festlegen, dass er der Nummer Ihres Kapitels oder Ihrer Episode entspricht. Und zum Schluss möchte ich über das Dateiformat sprechen. Da wir also unsere Dateien als Bilder speichern, haben wir zwei Formate, PNG und JPEG. Jpeg ist ein Format, das Bilder komprimiert. Indem Sie also die Qualität einstellen, können Sie festlegen, wie Ihre Bilder komprimiert werden. Wenn Sie Ihre Bilder in der höchstmöglichen Qualität speichern möchten , stellen Sie sie auf 100% ein. Oder Sie können diese Qualität verringern , um die Dateigröße zu reduzieren. Aber ich persönlich mag es nicht wirklich, in JPEG zu speichern weil ich bemerkt habe, dass beim Hochladen auf Web zwei in Canvas, selbst wenn Sie Ihr JPEG-Bild hatten in hoher Qualität gespeichert wird, da sie von JPEG-Format, Web Tone neigt dazu, sie weiter zu komprimieren. Sie neigen also dazu, etwas Rauschen auf Ihren Bildern zu sehen. Und ich mag es wirklich nicht, das zu sehen, weil ich besonders hart an der Qualität meines Comics arbeite und möchte dass auch meine Leser von dieser hohen Qualität profitieren. Also statt JPEG entscheide ich mich für das PNG-Format. PNG-Format behält die Qualität Ihrer Bilder bei, sodass Sie die höchstmögliche Exportqualität erhalten. Ich nehme ein PNG und du klickst auf Okay, um meine Web-Tune zu exportieren. Es kann einige Zeit dauern, wenn Sie alle Seiten auf einmal exportieren , da eine große Anzahl von Dateien verarbeitet wird. Also gib ihm etwas Zeit. Die Geschwindigkeit wird je nach den Spezifikationen Ihres Computers unterschiedlich sein . Sobald der Export abgeschlossen ist, sehen Sie alle Ihre exportierten Bilder in dem von Ihnen angegebenen Ordnerziel und ihre Folien und können hochgeladen werden. Jedes Bild hier hat die Abmessungen von 800 mal 1.280 Pixeln und sie sind alle im PNG-Dateiformat gespeichert. Wenn Sie jetzt die Pro-Version von Clip Studio Paint verwenden, können Sie Ihre Arbeit auch in Chapter auf die gleiche Weise exportieren , außer dass Sie jede Seite separat bearbeiten müssen. Nehmen wir zum Beispiel an, das ist die erste Seite deines Comics. Dann gehst du zu File Export Web Tune und speicherst es von hier, aber nenne es Kapitel 9.1, z. B. damit deine Dateien nicht durcheinander geraten. Das ist also 9.1 und dann speicherst du es. Und dann gehst du zu Seite zwei und exportierst es dann als 9.2 und so weiter. Es ist genau so. Zurück zu unseren exportierten Bildern Wir haben unseren Comic in der Tat in der höchstmöglichen Qualität gespeichert . Es gibt jedoch eine Sache. Wenn du deinen Comic auf F2 auf Canvas hochlädst, hast du eine Bildgrößenbeschränkung von 20 MB pro Kapitel. Das bedeutet, dass alle Bilder, die du in dein Kapitel hochlädst , maximal 20 MB groß sein sollten. In einigen Fällen kann die Gesamtzahl Ihrer Dateien höher sein. Zum Beispiel hat mein Kapitel hier insgesamt 20,8 MB. Das bedeutet, dass ich nicht alle Bilder so hochladen kann , wie sie sind. Wenn Sie nun Ihr gesamtes Kapitel im JPEG-Format speichern und gleichzeitig die Qualität verringern, können Sie höchstwahrscheinlich alle Bilder unter die 20-Megabyte-Grenze passen . Aber in meinem Fall lege ich, wie ich Ihnen schon sagte, Wert auf Qualität über alles. Deshalb möchte ich immer noch das PNG-Format hochladen, aber ich möchte meinen Vater ein wenig optimieren. Die Art und Weise, wie ich das umgangen habe, ist eigentlich ziemlich einfach. Ich werde mir alle Größen meiner Bilder einzeln ansehen . Also klicke hier mit der rechten Maustaste und stelle meine Ansicht auf Details ein. Dann klicke ich unter der Größe von u darauf, sodass ich meine Bilder anhand ihrer Größe in einem absteigenden Ordner anordne . Ich kann also sehen, dass alle meine Bilder in Ordnung sind , außer den vier besten Bildern. Dieser ist fast 2 MB groß. Apropos Web Two in Canvas, jedes Bild darf auch 2 MB nicht überschreiten. Selbst wenn Ihre Gesamtmenge weniger als 20 MB betrug, Sie aber ein Bild hatten , das mehr als 2 MB groß ist, müssen Sie es trotzdem verkleinern. Wie dem auch sei, wir machen das jetzt. Wie dem auch sei, ich überprüfe diese vier Bilder. Ich doppelklicke und überprüfe es. Dies ist ein Bild, das z. B. eine große Größe hat, und ich weiß, warum es eine große Größe hat, weil es in diesem Bild so viele verschiedene Pixel und so viele Farben gibt so viele verschiedene Pixel . Deshalb hat es eine größere Größe. Und das Gleiche gilt auch für diese Bilder. Lassen Sie uns dieses Problem mit diesen wenigen Dateien lösen. Wenn Sie ein X-Benutzer sind, schließen Sie zunächst die Seitenverwaltungsdatei und ziehen Sie dann diese eine Seite, die Sie optimieren möchten in Clip Studio Paint, um sie zu öffnen, und wechseln Sie dann zu Datei Export einzeln Ebene, und wählen Sie dann JPEG nur für dieses Bild, um es als JPEG zu speichern. Wählen Sie dann dasselbe Ziel , an dem Sie Ihre vorherigen Dateien gespeichert haben. Dann klicken Sie hier auf Speichern, ändern Sie einfach die Qualität auf 90 statt auf 100. Und dann klicken Sie auf Okay. Dies ist eine Vorschau des Bildexports. Ich klicke einfach auf Okay. Und jetzt, wenn ich meine Dateien überprüfe, habe ich ein neues Bild als JPEG mit einer Größe von nur 500 KB gespeichert , verglichen mit 1,8 MB vor der Komprimierung. Wenn ich also auswähle, dass mein Bild jetzt ohne das lästige Bild ist , dann habe ich die Gesamtzahl meiner Dateien auf 19,5 MB reduziert . Und das bedeutet, dass ich diese Bilder problemlos auf E2 und Leinwand hochladen kann . Wenn Sie die Qualität der beiden Bilder überprüfen möchten, können wir sie zum Vergleich nebeneinander stellen. Und wenn man sie so betrachtet, wie sie jetzt sind, ist es wirklich schwer zu sagen, welches das JPEG und welches das PNG ist, es sei denn, ich sehe mir den Titel der Datei hier an. Also das ist anscheinend die JPEG-Datei. Da wir es bei 90 Prozent der Qualität gespeichert haben, können wir den Unterschied zwischen ihnen wirklich nicht leicht feststellen . Selbst als ich es auf Web Tune hochgeladen habe , ist es nicht sehr auffällig die Qualität sinkt, da dieses Bild voller Rauschen und Pixel ist. Obwohl Epsilon Canvas die Qualität des Bildes leicht verringert hat , ist es nicht so sichtbar. Das bedeutet also, dass ich auf diese Weise die Qualität meines Kapitels erhalten konnte , indem alles in PNG hochlud und nur die Bilder komprimierte , die reduziert werden mussten. Jetzt, da alle unsere Kapitelbilder fertig sind, werden wir in der nächsten Lektion über wept auf Veröffentlichungsplattformen sprechen und darüber, wie Sie Ihre Serie veröffentlichen können. 28. 6-2 Webtoons veröffentlichen: Endlich sind wir da. Wir sind endlich bereit, auf diesen Button zu klicken und unseren Comic zu veröffentlichen. Lassen Sie uns also über die beiden wichtigsten Web-Tune-Publishing-Plattformen sprechen . Der erste ist auf Canvas mit Doing-Bereich für Self-Publishing-Ersteller. Und der zweite ist der Status, auch die Möglichkeit gibt Autoren auch die Möglichkeit gibt, ihre Comics zu veröffentlichen. Fangen wir also mit weinend auf Leinwand an. Natürlich müssen Sie vor allem auf der Website registriert sein , damit Sie veröffentlichen können. Und sobald Sie mit der Registrierung fertig sind und angemeldet sind, sehen Sie hier die Schaltfläche Veröffentlichen. Also klicken Sie hier drüben darauf , weil ich unveröffentlicht bin, bereits erstellt. Es zeigt mir meine Serie. Aber wenn du gerade erst anfängst, dann klicke auf Serie erstellen. Und weiter kannst du die Details für deine Geschichte festlegen. Ich zeige dir ein Beispiel meiner Geschichte, damit du eine bessere Idee für deine Leinwand hast. Sie können mit Miniaturbildern beginnen, eines im quadratischen Format und eines in einem vertikalen Format. Dieses quadratische Format muss 1080 x 1080 Pixel groß sein und darf nicht größer als 500 KB Es kann nur das JPEG- oder PNG-Format sein. Ebenso muss das vertikale Miniaturbild 1080 mal 1.920 Pixel groß und nicht größer als 700 KB sein . Nun zum Vorschaubild der Geschichte, basierend auf meinen bisherigen Erfahrungen, ich Sie dringend, nicht das zu tun, was ich hier gemacht habe, wo das Vorschaubild viele Charaktere hat , sondern sich darauf zu konzentrieren, einen zu zeichnen oder nur zwei Zeichen im Vorschaubild und maximal drei, würde ich sagen, und Sie haben eine Art Geschichte oder ein Gefühl in Ihrem Cover, weil das die Aufmerksamkeit des Lesers besser lenkt. Ich wusste nicht, dass ich mich bei der Erstellung meines Story-Covers einfach für den Animus-Stil entschieden habe, einfach für den Animus-Stil entschieden weil ich wirklich ein Poster erstellen wollte , wie es sich jeder für meine Geschichte wünscht. Aber wie auch immer, ich werde bald mein Thumbnail wiederholen und stattdessen zwei Charaktere in Nahaufnahme machen. Und spielen Sie mit der Beleuchtung und der Beschattung herum, denn das ist es, was die Aufmerksamkeit der Leser wirklich auf sich zieht. Also, nachdem du deine Thumbnails festgelegt hast, die Genres für deine Geschichte. Für mich habe ich Fantasy als Hauptgenre gewählt, aber es hilft auch, das zweite Genre festzulegen, insbesondere, dass die Fantasy-Einschreibungen und Comedy im Allgemeinen übersättigt sind mit Geschichten auf Web Don't Canvas. Das bedeutet also, dass ihre Konkurrenz sehr hoch ist. Indem ich also ein weniger gesättigtes Genre für meine Geschichte wähle, gebe ich ihr die Möglichkeit, beim zweiten Geschlecht mehr an der Spitze aufzutauchen , weil es dort weniger Konkurrenz gibt, aber dafür sorgt, dass das sekundäre Das Genre gilt immer noch für deine Geschichte. Und dann gib hier den Titel der Geschichte und die Zusammenfassung ein. Versuchen Sie, die Zusammenfassung Ihrer Geschichte ansprechend und ansprechend zu gestalten, damit der Leser Lust hat, Ihre Geschichte zu lesen und mehr zu erfahren. Und wenn Sie fertig sind und diese Informationen gespeichert haben, können Sie zu Ihrem Dashboard gehen. Und unter dem Dashboard kannst du auf Episode hinzufügen klicken. Geben Sie hier Ihren Kapiteltitel ein. Persönlich brauche ich meine Kapitel nicht. Ich habe sie gerade nummeriert. Und für das Vorschaubild muss die Größe des Vorschaubilds 160 mal 151 und nicht mehr als 500 KB betragen und nur JPEG oder PNG für das Kapitel-Thumbnail. Stellen Sie immer sicher, dass Sie eine interessante Aufnahme aus Ihrem Panel auswählen , die eine Art von Emotionen oder etwas vor sich hat , das Ihre Leser interessieren würde , wenn Sie auf diese Episode klicken und sehen, was vor sich geht. Persönlich mache ich gerne Nahaufnahmen der Gesichter meiner Charaktere, besonders solcher, die Emotionen hervorrufen. Sobald Sie also Ihr Kapitel-Thumbnail hinzugefügt haben, müssen Sie nur noch Ihre Kapitelbilder hochladen. Und das kann sehr einfach gemacht werden. Wählen Sie einfach alles von hier aus und ziehen Sie es per Drag & Drop. Oder Sie können die Dateien natürlich auch über diesen Button hier auswählen , um sie hochzuladen. Aber ich finde den Weg viel schneller. Sobald Sie mit dem Hochladen fertig sind, können Sie Ihre Bilder durch Ziehen und Ablegen neu anordnen. Natürlich werden sie die meiste Zeit der nach hochgeladen, aber manchmal werden sie nicht in der richtigen Reihenfolge hochgeladen. Also kann ich einfach auf die Bildnummern verweisen und sie so neu anordnen, dass alles okay aussieht. abschließend nach unten scrollst, kannst du hier eine Ersteller-Notiz hinzufügen, eine kurze Notiz zu deinem Kapitel. Du kannst dir hier eine Vorschau deines Kapitels ansehen, um es zu überarbeiten, bevor du es hochlädst. Also kann ich die mobile Vorschau ausprobieren. Ich scrolle hier rüber und überprüfe, wie das Tempo Ihres Kapitels aussieht. Wenn Sie das Gefühl haben, dass etwas nicht stimmt können Sie jederzeit zu Ihren Arbeitsdateien zurückkehren und den Abstand zwischen Ihren Panels anpassen usw. Sie können Fehler erkennen. Manchmal belauschen Sie , was Sie in der Zeichensoftware nicht erkennen können . Es ist also eine gute Idee, Ihre Dateien vor der Veröffentlichung hier zu überprüfen . Sie können auch auf Preview PC klicken , um eine Vorschau davon zu erhalten, wie es auf Computern aussieht. Wenn du dein Kapitel nicht sofort veröffentlichen möchtest, kannst du auf Entwurf speichern klicken. Oder wenn du deine Folge veröffentlichen möchtest, dann kannst du sofort auf diesen Button klicken um die Folge sofort zu veröffentlichen. Oder Sie können es planen, indem Sie auf „ Für später geplant“ klicken und das Datum pünktlich festlegen. Und ich klicke auf Episode veröffentlichen. Sobald du bereit bist deine Folgen im Dashboard zu überprüfen, gehe zu Folge bearbeiten. Und du kannst all deine Kapitel hier sehen. Und wenn Sie einen Entwurf haben, den Sie noch nicht veröffentlicht haben, wird er auch hier mit dem Status „ Entwurf“ angezeigt. Und Sie können jederzeit zur Bearbeitung zurückkehren, indem Sie auf die Schaltfläche Bearbeiten klicken. Ein letzter Hinweis zu Web Two in Canvas : Es wird dringend empfohlen, die ersten drei Kapitel Ihres Comics auf einmal hochzuladen die ersten drei Kapitel Ihres Comics , wenn Sie Ihren Comic veröffentlichen. Weil dies den Lesern die Möglichkeit gibt , mehr über Ihre Geschichte zu erfahren. Und sobald sie beim dritten Kapitel deiner Geschichte sind, werden sie von der App aufgefordert, deinen Comic zu abonnieren, falls sie das noch nicht getan haben. Das bedeutet also, dass Sie auf diese Weise mehr Leser gewinnen können . Ich persönlich wusste das erst später. Ich rate Ihnen dringend, diesen Rat zu befolgen, wenn Sie zum ersten Mal auf den Markt kommen, da dies Ihnen helfen kann, zu einem früheren Zeitpunkt mehr Leser zu gewinnen. Nun, das war für nass auf Leinwand. Tapas angeht, musst du ebenfalls angemeldet sein. Sobald Sie das getan haben, gehen Sie zum Dashboard und klicken Sie dann auf Neue Serie. Type US hat sowohl Comic als auch Roman, aber wir möchten die Comic-Option wählen. Und dann das Gleiche hier drüben. Sie müssen die Details Ihrer Serie ausfüllen. Nochmals, ich zeige dir als Beispiel die Details meiner Serie, du kannst den Titel deines Comics festlegen. Und das Schöne ist, dass Sie eine eindeutige URL für Ihre Geschichte festlegen können , sodass Sie diese URL einfach eingeben und die Leute weiterleiten können , dies zu tun und dann das Vorschaubild für Ihre Serie hochladen können. Ihre Anforderungen sind 300 mal 300 Pixel für das quadratische Vorschaubild. Und dann füge die Beschreibung deiner Geschichte hier ein. Und dann kannst du das vertikale Vorschaubild hochladen, das sie hier Buchcover nennen, und die Größe sollte 961.440 Pixel betragen. Tap us bietet dir auch die Möglichkeit, ein Serienbanner hinzuzufügen , das als Kopfzeile auf deiner Comic-Seite angezeigt wird. Die Bannerabmessungen müssen 1280 mal 460 Pixel betragen. Und du kannst den Banner-Link auch so einstellen , dass du Leute auf eine andere Website weiterleiten kannst, deine persönliche Website, z. B. I. Setze meine so ein, dass sie zu meinem YouTube-Kanal verlinkt. Und das Schöne ist , dass Sie auch ein benutzerdefiniertes Werbebanner haben können . Also z.B. habe ich hier ein Banner für meinen Patreon platziert und den Link des Banners eingefügt, um zu meiner Patreon-Seite zu gelangen. Und schließlich wählen Sie das Genre aus. Sie können bis zu drei Genres auswählen, aber eines als Hauptgenre festlegen. Also nochmal, ich habe meins als Fantasy gesetzt. Sie können auch Tags hinzufügen, die weitere Details zu den Elementen Ihrer Geschichte angeben. Also z. B. habe ich einen Thriller hinzugefügt, der moderne Fantasy, Elementarkräfte usw. sortiert . Sobald du deine Serie in deinem Dashboard erstellt hast, klicke auf diesen Plus-Button hier drüben , um eine neue Folge für deine Serie hinzuzufügen. Und das Gleiche noch einmal, füge den Titel deines Kapitels hinzu. Und du kannst deine Bilder auch per Drag & Drop ziehen, sodass sie hochgeladen werden. Und Sie können sie auch neu anordnen und ihre Bestellung überprüfen. Dann kannst du das Vorschaubild für dein Kapitel von hier hochladen . Die Abmessungen für das Miniaturbild hier sind jedoch 300 mal 300 Pixel. Stattdessen. Es gibt auch das Sheriff-Vorschaubild, das du anpassen kannst . Dadurch wird das erste Bild deines Kapitels aufgenommen und du kannst es nach Belieben bearbeiten. Für mich hier habe ich das Logo, also muss es nicht bearbeitet werden. Und schließlich haben Sie die Beschreibung und andere Einstellungen. Und wenn Ihre Dateien hochgeladen sind, können Sie auch eine Vorschau anzeigen, indem Sie zur Vorschau gehen und auch auf einem Handy oder Desktop. Wenn wir also auf Handy klicken, können wir die mobile Vorschau sehen. Wenn wir auf den Desktop klicken, können wir die PC-Vorschau sehen. Übrigens, tippen Sie uns an, die folgenden Grenzwerte sind anders und größer als bei WEP in Canvas. Ihr Bild darf maximal 10 MB groß sein und es gibt keine Höhenbeschränkung für das Bild. Sie müssen Ihre Bilder nicht wirklich in Scheiben schneiden. Aber da wir das schon gemacht haben, können wir die Dateien einfach so hochladen, wie sie sind. Eine Sache, die Sie jedoch beachten sollten, ist die Anzahl der Dateien, die Sie hochladen, bei Windeln begrenzt. Sie können also mehr als 60 Dateien hochladen. Wenn Ihr Kapitel also sehr lang wäre, könnten Sie am Ende eine Anzahl von Dateien von mehr als 60 haben. Vielleicht müssten Sie dann Ihre Bilder nicht wirklich in Scheiben schneiden und für jedes Bild eine höhere Höhe haben. Das war also alles, was die Veröffentlichung deiner Serie betraf. der nächsten Lektion werden wir darüber sprechen, wie Sie eine Zeile oder eine leere Version Ihres Comic-Kapitels speichern können . 29. 6-3 Raws und Blanks: In dieser Lektion möchte ich Ihnen zeigen, wie Sie eine leere Version Ihres Comics wie diese ohne Sprachblasen auf Soundeffekten speichern können eine leere Version Ihres Comics wie diese ohne Sprachblasen auf Soundeffekten speichern diese ohne Sprachblasen auf , um bei Ihren Dateien zu bleiben, falls Sie Ihre Bilder exportieren möchten ohne Text für Ihren persönlichen und beruflichen Werdegang als Künstler. Und ich möchte dir auch zeigen, wie du unsere eigene Version deines Comics mit nur einer leeren Sprechblase speichern kannst. Falls Sie Ihren Comic also in einer anderen Sprache veröffentlichen möchten , wenn Sie ihn an die Übersetzer senden möchten, müssen Sie ihnen diese Kopie zur Verfügung stellen. Ich werde Ihnen zeigen, wie Sie beides in sehr einfachen und schnellen Schritten tun können. Lassen Sie uns zunächst unsere eigene Version unseres Kapitels mit leeren Sprechblasen speichern mit leeren Sprechblasen da das sehr einfach und schnell geht. Aber bevor ich weitermache, möchte ich nur darauf hinweisen , dass Sie alle Texte oder Soundeffekte deaktivieren müssen alle Texte oder Soundeffekte deaktivieren , die Sie von Hand gemacht haben, z. B. auf dieser Seite hier habe ich diesen handschriftlichen Sound Effekt, also verstecke ich es einfach. Und auch hier habe ich diesen kleinen Kommentar von Hand geschrieben. Ich werde es auch verstecken. Und ohne etwas zu speichern, lassen Sie die Datei einfach geöffnet. Gehen Sie zu Ihrem Ordner oder Ihrer Verwaltungsdatei für X-Benutzer und gehen Sie zu Datei, exportieren Sie mehrere Seiten und klicken Sie dann auf Batch-Export. Wählen Sie Ihr Dateiziel, indem Sie auf diese Schaltfläche klicken, und wählen Sie Ihr Dateiformat. Normalerweise entscheide ich mich wieder für ein PNG-Format, um die Qualität zu erhalten, und benenne dann dein Kapitel. Ich werde es als Kapitel 13 behalten. Und für den Seitenbereich klicke ich auf Alle. Dann klicke ich unter diesen Einstellungen auf OK. Stellen Sie sicher, dass Sie auf den Text klicken, damit nicht alle Textebenen in Ihrem endgültigen Bild gespeichert werden. Das ist es wortwörtlich. Der wichtigste Schritt , den Sie tun müssen. Und dann behalte ich alles andere wie es ist, außer der Ausgabegröße. Ich ändere die Breite auf 800 , weil ich nicht möchte , dass sie sehr groß ist. Denn für andere Sprachen strebe ich hauptsächlich danach, online zu veröffentlichen , und denke nicht wirklich daran im Buchformat zu drucken später im Buchformat zu drucken, es sei denn, ich weiß wirklich, dass ich vielleicht später gedruckt habe und das Sprache, dass ich es in der Originalgröße behalte. Abgesehen davon setze ich es auf 800 Pixel und klicke dann auf Okay, es wird auch einige Zeit dauern. Hier gibt es große Dateien und sie werden Zeit brauchen, um einen Export zu rendern. Es ist also sehr einfach, für X-Benutzer zu exportieren. Aber auch hier können Sie für unsere Pro-Benutzer genau dieselben Schritte ausführen, aber die Batch-Exportoption steht Ihnen nicht zur Verfügung. Folgen Sie also einfach den gleichen Schritten, aber machen Sie es einzeln, indem Sie jede Seite manuell für sich speichern bis Sie alles gespeichert haben . Wenn ich jetzt meine Dateien überprüfe, stelle ich fest, dass ich die leere Version meiner Comics in einem Bildformat gespeichert habe die leere Version meiner Comics in einem Bildformat gespeichert , sodass die Übersetzer einfach reinkommen und diesen Strand anschließen können. Und wenn ich diesen Schritt mache, überprüfe ich ein letztes Mal, ob keine Hunderte und Texte übrig sind und alles leer und bereit für die Übersetzung ist . Wenn ich ein leeres Format ohne Sprechblasen oder Texte speichern möchte , öffne ich jede Seite meines Kapitels für sich. Und was ich auf jeder Seite machen werde. Ich verstecke einfach den Textordner und den Ordner für Soundeffekte. Wenn ich eins hätte, verstecke ich es für jede Seite, sodass nur noch die Bilder übrig bleiben . Ich werde diese Dateien nicht speichern. Ich werde sie so lassen, wie sie sind, aber ich gehe wieder zu meiner Seitenverwaltungsdatei. Und ich kann mir die Vorschau hier ansehen. Es gibt keine Sprechblasen, gibt überhaupt keine Luftballons, auch keine Soundeffekte. Von hier aus gehe ich zu Datei, exportiere mehrere Seiten, stapelweise und wähle das Ziel von hier aus. Aber was das Dateiformat angeht, wenn ich meine Zeilen sage, möchte ich, dass sie in der höchstmöglichen Qualität gespeichert werden. Also kann ich Bildformate wie PNG wählen. würde ich lieber nicht tun, weil ich manchmal lange Seiten habe, die eine Höhe von mehr als 30.000 Pixeln haben. Und alle Bilddateiformate unterstützen keine so langen Bilder. Und selbst das Photoshop-Dateiformat PSD unterstützt das nicht. Ich habe festgestellt, dass die Wahl des PSB-Formats am besten funktioniert . Es heißt Photoshop Big Document. Ich wähle dieses und welches Format, ich kann Bilder speichern, die größer als 30.000 Pixel sind. Also gehe ich zu PSP und klicke auf Kombiniertes Bild und exportiere das Bild. Auch hier gebe ich den Seitenbereich als alle an. Und dann klickt auf okay, hier drüben, ihr achtet auch immer noch darauf, dass nichts angekreuzt ist. Und was die Ausgabegröße angeht, möchte ich sie zu 100 Prozent sparen. Also wähle ich das Skalierungsverhältnis aus Originaldaten und setze es auf 100%. Und dann klicken Sie auf Okay. Auch dieser Batch-Export wird immer einige Zeit in Anspruch nehmen, besonders jetzt, wo ich mit voller Größe rendere. Also mache ich einfach etwas anderes, wenn ich diesen Schritt mache , um nicht das Gefühl zu haben, dass es so lange dauert. Und auch hier können Sie für Pro-Benutzer immer noch dieselben Schritte ausführen, dies jedoch für jede Seite einzeln tun. Sobald ich mit dem Exportieren fertig bin, schließe diese Dateien und speichere sie nicht, weil ich möchte, dass meine Comic-Seiten so bleiben, wie sie sind, nichts versteckt. Also mische ich , um nichts zu retten. Und wie ihr seht, sehe ich auch hier wieder die Sprechblasen, da ich meine Dateien nicht überschrieben habe. Und jetzt sehen meine exportierten Bilder wie folgt aus. Dort und PSP-Format. Und indem ich jede Seite einzeln geöffnet und überprüft habe, habe ich meinen Comic nur mit Bildern gespeichert, ohne Text, ohne Sprechblasen, einfach so, wie er ist , damit ich meine Kunstwerke für mein persönliches Archiv aufbewahren kann auch zum Teilen in sozialen Medien. Ich kopiere, füge sie ein und speichere sie, wann immer ich diese Bilder teilen möchte. Damit ist dieses Kapitel abgeschlossen. Ich hoffe, dass Sie inzwischen mit dem Wissen ausgestattet sind , das Sie benötigen um sich darin zurechtzufinden und auch Ihre eigenen Wege auf dieser Reise zu erkunden. Im nächsten Bonuskapitel möchte ich über Dinge und Aufgaben sprechen, möchte ich über Dinge und Aufgaben sprechen die nichts mit dem Zeichnen zu tun haben, aber für deine Gesamtarbeit im Bereich Web-Tune wirklich wichtig sind . In der nächsten Lektion werde ich also über das Sichern Ihrer Arbeit und Daten sprechen. 30. 7-1 Sichern deiner Arbeit: In Ordnung, lassen Sie uns über das Sichern Ihrer Dateien sprechen. Da Sie sehr hart an Ihrem Comic gearbeitet haben, sollten Sie sicherstellen, dass Sie die Dateien aufbewahren und an einem sicheren Ort aufbewahren , während Sie Kopien Ihrer Dateien erstellen und auf einem tragbaren Speicher speichern können . Festplatten, wie Flash-Disks, z. B. oder externe Festplatten. Ich habe auf die harte Tour eine sehr wichtige Lektion gelernt. Niemals physische Geräte angezogen. Ja, Sie können Kopien darauf erstellen, aber verlassen Sie sich nicht nur auf sie. Meiner Erfahrung nach habe ich innerhalb von fünf Jahren eine große Menge meiner Dateien zweimal verloren innerhalb von fünf Jahren eine große Menge meiner Dateien zweimal , weil ich sie an physischen Speicherplatten interessiert habe , die bei mir aus heiterem Himmel ausgefallen sind, einfach so, sie haben aufgehört arbeiten, ohne dass ich etwas tue. Aus diesem Grund habe ich mich nach dem zweiten Mal entschieden, stattdessen Cloud-Dienste zu verwenden Sie sind die Lösung und heutzutage die sicherste Option um Ihre Dateien zu erhalten. Natürlich können Sie weiterhin Kopien Ihrer Dateien auf physischen Speicherplatten speichern , aber ich empfehle Ihnen dringend , Ihre Dateien in der Cloud zu sichern. Sie können jeden Dienst Ihrer Wahl nutzen. Persönlich ist Google Drive mein Favorit. Ich habe gesagt, dass meine Dateien automatisch gesichert werden , sodass sie sofort nach dem Speichern sinken. Dadurch habe ich auch den Vorteil, dass ich jederzeit auf verschiedenen Computern arbeiten kann, da meine Dateien überall bei mir sind. So ist es einfach, zwischen Geräten zu wechseln. Ein weiterer Vorteil, der mit der Sicherung Ihrer Dateien in der Cloud einhergeht , besteht darin, dass Sie ältere Versionen Ihrer Dateien wiederherstellen können . Falls Sie also bei der Arbeit unerwünschte Änderungen vornehmen oder versehentlich etwas schief geht und Sie einige Daten und den Vorgang verlieren, können Sie einfach zu Ihrem Cloud-Dienst gehen und herunterladen eine frühere Version Ihrer Datei, bevor etwas schief gelaufen ist. Und das ist mir mehrfach passiert und hat mich vor unangenehmen Momenten bewahrt. Sagen wir mal. Ich empfehle Ihnen dringend , Ihre Dateien in der Cloud zu sichern. Und wenn dein Comic wächst und deine Dateien wachsen, schadet es nicht, in zusätzlichen Speicherplatz zu investieren , denn wie man so schön sagt, Vorsicht ist besser als Nachsicht. Das ist es also, was Sie brauchen , um Ihre Dateien zu sichern. In der nächsten Lektion werden wir über die Dokumentation Ihres Arbeitsfortschritts sprechen . 31. 7-2 7-2: Jetzt möchte ich mit Ihnen darüber sprechen , wie ich meinen Fortschritt für jedes Kapitel nachverfolgen kann, damit ich weiß, wie viel Arbeit ich pro Tag geleistet und wie lange es gedauert hat, bis ich das Kapitel abgeschlossen habe? Also mache ich das mit der Tabelle , die ich für mich selbst erstellt habe. Dieses Tabellengerät funktioniert im Laufe der Zeit. Die oberste Zeile hat also bereits das Datum und jede Zeile steht für ein Panel. diesem Grund habe ich dir gesagt, dass ich meine Panels nummeriere , wenn ich ihre Freunde in meiner Arbeitsdatei erstelle , damit ich sie leicht im Auge behalten kann . Also zum Beispiel hier in Kapitel 11 meiner Web-Tune, habe ich 38 Panels, also darf ich 38 Zeilen, jede Zeile für jedes Panel. Und auf diese Weise kann ich meine Fortschritte auf dem Panel mit jedem Tag verfolgen . Ich mache das, indem ich hier auf diesen Pfeil und den Status auswähle, in dem sich mein Panel gerade befindet. Das sind also die Phasen , die ich dokumentieren würde. Also dokumentiere ich Schriftzüge, Skizzen, Liniengrafiken , Grundfarben, Schattierung, Hintergrund und Finalisierung. Wie wir im Verlauf dieses Kurses gesehen haben, mache ich zuerst die Beschriftung. Deshalb ist die erste Spalte voller Buchstaben und wenn ich z. B. auf dem Panel skizziere, dann klicke ich hier und wähle eine Skizze aus, um zu wissen, dass ich an diesem Tag skizziert habe. Wenn ich meine Skizze zum Beispiel dienstags mache, würde ich sie an diesen beiden Tagen als Skizze behalten und diese dann erst ändern, wenn ich zur nächsten Phase übergehe. Das hilft mir, meine allgemeinen Fortschritte bei dem Kapitel zu sehen , z. B. Arbeit an Kapitel 11,14 Tage abgeschlossen, was wirklich der Idealfall ist. Und ich habe nicht jeden Tag gearbeitet. Ich habe sogar mein Wochenende hier dokumentiert. Ich kann mir vorstellen, dass dieses Kapitel rechtzeitig fertiggestellt wurde. Aber natürlich passiert das Leben manchmal und ein Kapitel kann viel länger dauern. Es ist also wirklich nur eine Möglichkeit für Sie zu sehen, wie lange Sie gebraucht haben , um Ihr Kapitel zu beenden. Ich habe eine leere Vorlage gespeichert , die ich in den Unterrichtsnotizen mit Ihnen teilen werde , damit Sie versuchen können, sie selbst zu verwenden. Was Sie tun müssten, ist Ihren Zeitrahmen festzulegen. Du kannst z.B. weitere Tage hinzufügen, indem du Spalten mit Control C kopierst und sie dann mit Control V einfügst . Und dann hier drüben steht, dass sie, denen du anfängst. Und dann einfach um es so zu ziehen , dass du Daten über all deine Spalten hast und die Anzahl deiner Panels von hier aus anpassen , z. B. wenn du 40 Panels hattest, dann einfach um auf die letzte Zelle zu klicken ziehen Sie es für 2Ls nach unten und kopieren Sie dann die URL und fügen Sie sie in diese beiden neuen Rollen ein. Und dann kannst du anfangen, deinen Fortschritt zu dokumentieren. Wenn ich das Panel als abgeschlossen markiert habe, möchte ich eine leere Zelle kopieren und sie dann über die restlichen Zellen einfügen. Dies ist ein zusätzlicher Schritt, den ich für mich selbst mache, damit ich leicht sehen kann, was ich abgeschlossen habe und was noch übrig ist. Ich färbe auch den Hintergrund der Zellen der Paneele, die ich fertiggestellt habe , so, dass mir die Leinwand angezeigt wird, an der ich gerade arbeite, z. B. hatte die erste Leinwand oder Seite meines Kapitels sechs Paneele. Also, indem wir all diese fertigen sechs Paneele mit derselben Farbe einfärben. Ich weiß, dass ich die erste Seite meines Kapitels beendet habe, und ich mache dasselbe für die zweite Seite, dritte Seite, vierte, fünfte und so weiter. Auch dies ist ein zusätzlicher Schritt , den ich gerne für mich selbst mache, aber ich wollte dir zeigen, wie ich meine Fortschritte im Auge behalte. Ich hoffe, Sie finden diese Tabelle nützlich, wenn Sie auch Ihre eigenen Fortschritte verfolgen möchten. der nächsten Lektion werde ich darüber sprechen, wie Sie Ihre Arbeitsmelodie bewerben können. 32. 7-3 Webtoons fördern: Lassen Sie uns nun darüber sprechen, Ihre geleistete Arbeit zu bewerben. jetzt auf Web Two in Canvas veröffentlichen , erhalten Sie vielleicht einige Leser, aber verlassen Sie sich nicht darauf, dass es Ihre Hauptquelle ist, da die Konkurrenz sehr hoch ist. Es ist also nicht leicht, bemerkt zu werden, es sei denn, Ihr Komma wird vom Web vorgestellt, zwei und Mitarbeiter und tauchen auf und sie empfehlen diese Abschnitte, dann werden Sie höchstwahrscheinlich keine nennenswerte Anzahl von Leser. Verlassen Sie sich nicht einfach darauf und warten Sie darauf, entdeckt zu werden. Nutzen Sie soziale Medien. Erstellen Sie sich selbst Profile in Ihren bevorzugten sozialen Medien und teilen Sie Ihre Arbeit. Gib dir einen Comic, eine Chance, mehr Menschen zu erreichen. Ich empfehle dringend, sich eine kleine Website zu erstellen , auf der Sie alle Ihre Links zusammenstellen können , sodass die Leute Ihr gesamtes Unternehmen auf einer Seite sehen können. Ich empfehle dir, eine Karte zu benutzen. Es ist eine kostenlose Website und Sie können eine interessant aussehende einfache Website mit Bildern und Links sowie gut aussehenden Schaltflächen erstellen eine interessant aussehende einfache Website mit Bildern , sodass Sie alles, was Sie tun , an einem Ort teilen können. Oder Sie können auch den Linkbaum verwenden, mit dem Sie eine einfacher aussehende Seite erstellen können. Wenn es um soziale Medien geht, habe ich einige Punkte, die ich mit Ihnen teilen möchte. Erstellen Sie zunächst einen Hashtag für Ihren Comic und geben ihn in Ihr Profil ein, da er anklickbar ist und sowohl Instagram als auch Twitter, sodass die Leute sofort darauf klicken und Ihre relevanten Beiträge dazu sehen können . Ich rate auch dringend, den Lepton Canvas-Hashtag und den linken Ton zu verwenden den Lepton Canvas-Hashtag und den linken , damit du andere Schöpfer entdecken und dich von anderen YouTubern entdecken lassen kannst. Ich mache das sowohl für meine Instagram-Posts als auch für Twitter. Also bei jedem neuen Beitrag, den iMac über meine Geschichte, achte ich darauf, meinen Hashtag zu verwenden und der Electron Canvas-Hashtag, der auch auf Canvas funktioniert hat, sind in den sozialen Medien wirklich aktiv. Sie organisieren viele Aktivitäten , an denen du teilnehmen kannst, und sie teilen die Werke der Schöpfer und helfen, sie zu bewerben. Es ist also wirklich eine gute Idee, ihnen in ihren sozialen Medien zu folgen , damit Sie Teil der Community werden und über ihre neuesten Entwicklungen auf dem Laufenden sind. Sie haben auch einen offiziellen Diskursserver für Canvas-Ersteller eingerichtet . Er kann diesem Diskursserver beitreten, sobald du mindestens drei Kapitel deines Comics veröffentlicht hast. Der Beitritt zum Server ist eine großartige Möglichkeit, andere Schöpfer zu treffen und wir stellen Verbindungen her. Sie können ein Mutuals und den Server erstellen. Und es bringt auch Leser aus den Kreativen dazu, sich Ihren Comic anzusehen. Und du kannst auch so viele tolle Schöpfer und Comics entdecken . Es ist also eine Win-Win-Situation. Sie können auch nützliche Tipps von der Community erhalten und auch die Möglichkeit haben, an ihren Workshops teilzunehmen. Sie sind sehr aktiv. Wenn Sie also solche Gemeinschaften haben möchten, dann kann ich sie Ihnen nur empfehlen. Abschließend möchte ich über die Art von Kommentaren sprechen, die in sozialen Medien geteilt werden sollen. Teilen von Bildern ist zwar großartig, aber sie erhalten nicht immer so viel Aufmerksamkeit wie kurze Videos, die heutzutage im Trend liegen. Mit kurzen Videos meine ich den TikTok-Stil von Videos, die für die Nutzung von Smartphones gemacht sind. So kannst du z.B. TikTok- oder Rails auf Instagram- oder YouTube-Shorts verwenden . Sobald Sie ein kurzes Video erstellt haben, verlieren Sie nichts, wenn Sie es in all Ihren sozialen Medien teilen , auch auf Twitter und Facebook. Einige Videos schneiden in bestimmten sozialen Medien möglicherweise besser ab als andere. Sie verlieren also nicht wirklich etwas es an mehreren Stellen veröffentlichen. Ideen für kurze Videoinhalte angeht, die ich empfehlen kann, gibt es mehrere trendige Dinge. Am einfachsten ist es, den Bildschirm aufzunehmen und ihn dann zuzuschneiden, ihn dann zu beschleunigen und im Zeitraffer hochzuladen. Sie können dies aber auch vor und nach dem Video machen. Lege deine Skizze auf das endgültige Bild und lösche es, um das endgültige Bild sichtbar zu machen. Sie können auch einfache Schritte in Echtzeit ausfüllen , während Sie zeichnen. Es ist also eine Art Tutorial, aber nicht wirklich. Es zeigt den Leuten deine Schritte und wie du Dinge tust. Und Sie können auch The Time Loves und Clip Studio Paint aufnehmen lassen. Zum Beispiel habe ich eine aufgenommen, während ich das Cover meiner Geschichte gezeichnet das Cover meiner Geschichte gezeichnet und sie dann extrahiert und veröffentlicht. Das können Sie in Clip Studio Paint ganz einfach tun, indem Sie zu Datei-Zeitraffer gehen und dann auf Zeitraffer aufnehmen klicken. Es zeichnet jeden Schritt auf, den Sie beim Zeichnen auf Ihrer Leinwand ausführen. Sobald Sie fertig sind, können Sie erneut zu Datei-Zeitraffer wechseln und dann auf Zeitraffer exportieren klicken , um ein Video Ihres Zeitrafferfilms zu exportieren. Und Sie können von hier aus mit den Einstellungen herumspielen und dann auf OK klicken, um sie zu speichern. Natürlich sind soziale Medien schwierig und ändern sich mit der Zeit ständig. Aber ich hoffe, diese Tipps können dir zumindest in der aktuellen Zeit weiterhelfen . Und ich rate Ihnen dringend, immer auf dem Laufenden zu sein und über die neuesten Trends auf dem Laufenden zu bleiben, damit Sie verstehen, was für Sie besser funktioniert. In der nächsten und letzten Lektion werden wir darüber sprechen, wie Sie Ihren Web-Tune monetarisieren können , damit Sie Ihrer Arbeit ein gewisses Einkommen erzielen können. 33. 7-4 Webtoons: Lassen Sie uns nun darüber sprechen, wie Sie Ihren Web-Tune monetarisieren und damit Einnahmen erzielen können. Nun, Web Two Moons monetarisieren, ist es immer noch die Pfeiltaste und der herausfordernde Weg? Es ist nicht unmöglich. Wie bei jeder Arbeit in sozialen Medien braucht es jedoch Zeit und Geduld, um sie aufzubauen. Deshalb ist es wirklich wichtig, nicht mit der Arbeit an Ihrem Comic zu beginnen , nur um Geld zu verdienen. Weil ein solches Ziel nicht ausreicht , um Sie auf Kurs und diese lange Reise zu halten, ist es wichtig, in erster Linie an Ihrem Web-Tune zu arbeiten , weil Sie dafür Leidenschaft haben und weil Sie es Vertrauen Sie mir, das ist es, was Sie trotz aller Herausforderungen, vor denen Sie stehen, weitermachen wird. Aber natürlich hilft es sehr, sich etwas auszuzahlen, zumindest für all die Mühe, die wir in unsere Arbeit gesteckt haben. Egal wie klein. In dieser Lektion möchte ich mit Ihnen einige Tipps und Ideen teilen derzeit verfügbar sind, um Geld zu verdienen , wenn Ihr Internet nicht funktioniert. Die erste Option besteht darin, den Web-Tune auf den Plattformen selbst zu monetarisieren den Web-Tune auf den Plattformen selbst Sowohl du als auch dann Tap haben uns ein Werbeeinnahmenprogramm, das YouTuber häufig können, sobald sie die Kriterien erfüllen. Wenn Sie in diese Programme aufgenommen werden und die Anzeige am Ende Ihrer Folgen erscheint, verdienen Sie Geld, indem Sie die Leser Ihren Comic lesen lassen . Die Höhe hängt vollständig von den Views ab, die Sie erhalten. Es wäre also kein nennenswerter Betrag wenn Sie nicht Hunderttausende von Views hätten. Aber wie gesagt, unser Motto ist alles besser als nichts. Um an die Adresse Ihres Programms auf Electron Canvas zu kommen , benötigen Sie 1.000 Abonnenten für Ihren Comic und 40.000 monatliche Seitenaufrufe für Ihre Serie, was ehrlich gesagt ziemlich schwierig sein kann. Es braucht deine Patienten damit. Ich würde sagen, lass es für eine Weile stehen, während du versuchst, für deinen Comic zu werben und lass ihn so weit wie möglich wachsen. Aber sobald Sie diese Anforderungen erfüllen, können Sie sich bewerben. Ihr Comic wird jedoch einem Überprüfungsprozess unterzogen , um sicherzustellen , dass es den Richtlinien der Dünen entspricht. Da vier tippen, wie Sie auch mit den Werbeeinnahmen Geld verdienen können , Voraussetzung dafür ist es nur, 100 Abonnenten für eine Ihrer Serien zu haben . Es ist also viel einfacher, uns darauf einzulassen. Aber das hat auch ein anderes nettes Monetarisierungssystem. Wenn Sie 250 Abonnenten für einen Ihrer Comics hatten und dann die Leserunterstützung aktivieren können. Die Support-Schaltfläche wird auf deinem Comic angezeigt. Leser können auf diese Schaltfläche klicken und Sie mit Tinte unterstützen , der Münzwährung auf Tap us. Wenn Sie Tinte erhalten, wird diese in den entsprechenden Betrag in Dollar umgerechnet. Das heißt, es wird in Geld umgewandelt , das Sie abheben können. Dieses System eignet sich hervorragend, um Unterstützung direkt von den freundlichen und unterstützenden Fans zu erhalten . Die zweite Möglichkeit der Monetarisierung , dass du eine Patriarch-Seite für deine Arbeit erstellen und Belohnungen anbieten kannst , die Leute erhalten können , sobald sie dein Patreon abonniert haben, z. B. du kannst exklusive Inhalte teilen und Early Access zu deinen Kapiteln und vielleicht auch zu anderen Belohnungen. Es ist gut, einen Blick darauf zu werfen , was andere YouTuber tun, um Ideen und Inspiration von ihnen zu erhalten. Das Schöne ist , dass Sie Patriotic Electron verbinden können . Die Canvas-Schaltfläche wird auf Ihrer Comic-Seite angezeigt, wo die Leute darauf klicken können und sofort zu Ihrer Patreon-Seite weitergeleitet werden. Die dritte Methode ist der Verkauf von Waren. Du kannst March of Your Comics-Charaktere und Marken- und Designprodukte kreieren , die du an Leute verkaufen kannst , die daran interessiert sind, bei dir etwas zu kaufen. Ich verwende Red Bubble am liebsten, da sie eine große Auswahl an Produkten haben. So kannst du viele interessante Produkte mit tollen Varianten deiner Comicfiguren gestalten . Und natürlich können Sie verschiedene Dienste wie printf full oder print ausprobieren , wenn ich z. B. nur nach Print-on-Demand-Diensten suche und Sie sehen, dass viele Optionen angezeigt werden. Schließlich können Sie das Layout Ihres Comics neu gestalten und dass es in einem Buchformat und ihn auf Diensten wie Amazon, k d p, veröffentlichen , was auch ein Print-on-Demand-Service ist, sodass Sie Sie müssen sich keine Gedanken über das Drucken von Kopien und Inventar und solche Dinge machen. Natürlich sind dies nicht die einzigen Möglichkeiten. Es gibt viele weitere Möglichkeiten, mit der allgemeinen Erstellung von Inhalten im Internet Geld zu verdienen . Ich wollte es in dieser Lektion spezifisch halten, mit Verschwendung, die in direktem Zusammenhang mit Ihrem Comic selbst steht. Beschränken Sie sich jedoch niemals und schauen Sie immer nach, was Künstler tun können, um ein Einkommen zu erzielen. Vor allem , wenn Sie daraus eine Arbeit machen möchten , die Sie in Vollzeit erledigen. Am wichtigsten ist jedoch, dass Sie nicht vergessen, Spaß zu haben und denken Sie daran, diese aufregende Fahrt zu genießen , bei der Sie Ihre Geschichte zum Leben erwecken. 34. Outro: Herzlichen Glückwunsch, du hast es endlich bis zum Ende dieses Kurses geschafft. Und inzwischen hoffe ich wirklich, dass Sie den ersten Schritt getan haben , um Ihren Traum Wirklichkeit werden zu lassen. Tatsächlich ist es kein Traum mehr, seit du angefangen hast, daran zu arbeiten . Du lebst jetzt den Traum, und das ist erst der Anfang. Dies wird eine erstaunliche Reise sein , die sowohl herausfordernd als auch lohnend ist. Gleichzeitig werden Sie feststellen, dass Sie durch das Zeichnen Ihrer Webmelodie aus Ihrer Komfortzone herauskommen und versuchen, neue Dinge zu lernen, von Ihrer Komfortzone herauskommen und versuchen, neue Dinge zu lernen denen Sie nie gedacht hätten, dass Sie sie zuvor tun würden. Und deshalb wirst du sehen, dass du als Künstler stark wachsen wirst. Meiner persönlichen Erfahrung nach ist es erst ein Jahr her, seit ich angefangen habe , meine Webmelodie zu zeichnen. Die Verbesserung, die Mäuse erlitten haben hat meine Erwartungen wirklich übertroffen. Ich bin nicht nur generell besser beim Zeichnen geworden, sondern auch meine Zeichengeschwindigkeit hat sich stark erhöht. Ich habe jahrelang digitale Illustrationen gezeichnet und für H brauchte ich durchschnittlich 5 Stunden oder mehr. Jetzt kann ich ähnliche Illustrationen mit besserem Abschluss in unsere 3 Stunden zeichnen , nur würde ich nicht bekommen, wenn ich Ihnen sagen würde, dass die Verbesserung meiner Fähigkeiten in diesem Jahr mehr wert ist als das, was ich habe in den letzten fünf Jahren insgesamt gelernt. Weil mein gezeichnetes Web-Tune für mich wieder zur Gewohnheit wurde , nachdem ich es früher nur ein paar Mal pro Monat geübt hatte, hat mich das selbst sehr herausgefordert. Andrew posiert und macht Hintergründe. Ich hätte nie gedacht, dass ich jemals in der Lage sein würde was ist die Macht der Leidenschaft? Und weil wir als Web to an Künstler jedes Kapitel mit Panels herausgefordert werden , die für uns nicht so angenehm zu zeichnen sind, aber wir müssen sie trotzdem zeichnen, damit die Geschichte erzählt wird in der so wie wir es uns in unseren Köpfen vorgestellt haben. Und so werden während dieses gesamten Prozesses unsere Grenzen mit jedem neuen Kapitel und jedem neuen Panel erweitert. Und ohne es zu merken, können wir unsere Schulen so sehr verbessern. Ich würde mich sehr freuen, wenn Sie mich auf meiner Verbesserungsreise begleiten und meine Geschichte verfolgen möchten mich auf meiner Verbesserungsreise begleiten und meine Geschichte verfolgen , so wie sie nur geht hat sich mit der Zeit entwickelt, auch Sie sind mehr als willkommen. Um meine Arbeit in meinen sozialen Medien und auf meinem YouTube-Kanal zu verfolgen, würde ich mich sehr freuen, Sie dort zu haben , und ich hoffe, dass Sie finden, was ich teile. Sie sind auch nützlich für dich. Ich freue mich sehr darauf, mich auf dieser Reise weiter zu verbessern und als Künstler weiter zu wachsen. Und ich bin wirklich hilfreich , dass Sie sich auch darauf freuen , Ihre eigenen persönlichen Reisen zu unternehmen. Vielen Dank, dass Sie an diesem Kurs teilgenommen haben und mich Teil Ihres kreativen Weges sein lassen.