Vom Fotografen zum Filmemacher: Alles, was du wissen musst – in 16 Minuten

1. Kurs-Einführung: Sie sind ein Fotograf, der ins Filmemachen gehen möchte. Als jemand, der dort war, weiß ich, wie einfach es ist, sich von allen Ausrüstungsabteilungen und vielen Planungsprogrammen, die Sie in Filmteams sehen, eingeschüchtert zu fühlen . Nun, ich habe gute Neuigkeiten für dich. Als jemand, der sich mit dem Fotografieren auskennt, kennt man bereits die meisten wichtigen Dinge, um Filme zu machen. Es gibt nur ein paar andere Dinge, die Sie lernen müssen, um von Bild zu Film zu gehen , und Sie können all dies in weniger als einer Stunde lernen. Im Gegensatz zu anderen Filmkursen, die von Boden Null mit Kamera-Basics beginnen, ist dieser Kurs für Fotografen gedacht, die bereits wissen, wie man manuelle Belichtung komponiert und verwendet. Ich werde Ihnen Schritt für Schritt alles beibringen, was Sie in der Kinematographie, Audio, Schnitt und Fotoplanung benötigen , um den Fotografen zum Filmemacher Übergang zu machen. Diese Lektionen stammen aus meiner jahrelangen Arbeit als professioneller Filmemacher in der Branche und alle Lektionen sind so konzipiert, dass sie anwendbar sind und direkt auf den Punkt kommen. Am Ende dieses Kurses haben Sie alle Kenntnisse, die Sie brauchen, um Filme zu machen. Glauben Sie mir, diesen Übergang zu machen, ist viel einfacher, als Sie denken. Lasst uns loslegen. 2. Die drei Hauptunterlagen in der Kamera: Tauchen wir direkt in die Kameraabteilung ein, wo wir uns drei Hauptbereiche des Unterschieds zwischen Fotografie und Film anschauen werden. Dies sind Belichtung, Bildstabilisierung und Kamerabewegung. Um für ein Bild beim Filmen manuell zu belichten, sind die Prinzipien die gleichen wie in der Fotografie. Sie haben drei Elemente, die das Belichtungsdreieck umfassen: Blende, Verschlusszeit und ISO. Beim Filmen gibt es zwei wichtige Unterschiede im Auge zu behalten. Der erste Unterschied ist jedoch die Bildrate. Das ist in der Fotografie zu finden, aber es ist ein entscheidendes Element beim Filmen, denn ein Film ist im Grunde eine Reihe von Fotografien, die über einen kurzen Zeitraum abgespielt werden. Bildrate ist im Grunde, wie viele Bilder oder Fotos Ihre Kamera pro Sekunde aufnimmt. Sie legen die Bildrate fest, bevor Sie die anderen Elemente des Belichtungsdreiecks festlegen. Je höher die Bildrate, desto abgehackter wird Ihr Film aussehen. Einige Filme, wie Saving Private Ryan, verwenden kreativ eine höhere Bildrate, um den Film stotternd aussehen zu lassen. Bei Filmbildern beträgt die Standard-Bildrate jedoch 23,97 oder 24 Frames pro Sekunde. Dies gibt Ihnen eine natürliche organische Bewegungsunschärfe, die Sie im Kino finden. 3. Shutter: Der nächste wichtige Unterschied ist die Verschlusszeit. Beim Filmen ist die Verschlusszeit mit der doppelten Bildrate fixiert. Wenn Sie 24 Bilder pro Sekunde aufnehmen, stellen Sie Ihre Verschlusszeit auf 148 Sekunde ein. Da Sie Ihre Verschlusszeit beim Filmen nicht ändern können, macht das ND-Filter einem unglaublich nützlichen Werkzeug, da Sie die Verschlusszeit in Ihrem Bild nicht zu dunkel erhöhen können. Wenn Sie Ihre flache Schärfentiefe beibehalten möchten, müssten Sie einen ND-Filter aufsetzen. Also beim Filmen, um die Belichtung einzustellen, würden Sie zuerst die Bildrate und dann die Verschlusszeit einstellen, die konstant bleiben würde, die konstant bleiben würde, dann stellen Sie die Blende und ISO entsprechend, unter Berücksichtigung, Videokameras haben in der Regel eine natives ISO oder optimales ISO, das vom Kamerahersteller bestimmt wird, um den maximalen Dynamikbereich zu erhalten. 4. Bildstabilisierung: Sie uns nun mit der Belichtung in Schach LassenSie uns nun mit der Belichtung in Schachüber den zweiten großen Unterschied zwischen Fotografie und Film sprechen, die Bildstabilisierung ist. Weil Sie eine Kontinuität von Frames erstellen, indem Sie Emotion Bild, halten Sie Ihre Aufnahmen stabil und stabil ist unglaublich wichtig, es sei denn, Sie sind absichtlich für den Handheld-Look gehen. Sie dazu sicher, dass Sie Ihre Kamera auf einem Stativ halten und nivellieren. für Aufnahmen, die sich bewegen oder einem Motiv folgen, Verwenden Siefür Aufnahmen, die sich bewegen oder einem Motiv folgen,einen Schieberegler oder einen Gimbal , der jedes Schütteln, das Ihre Kamera erlebt, elektronisch kompensiert. 5. FOKUS: Der letzte Hauptunterschied zwischen Fotografie und Filmemachen im Kinematographiebereich liegt im Fokus. Dies ist wahrscheinlich einer der schwierigsten Teile des Filmemachens und deshalb werden die ungesungenen Helden des Kinos, genannt Fokusabzieher, speziell für diesen Job eingestellt. Vor allem, wenn Sie Objektive mit höheren Brennweiten verwenden und daher dünnere Ebenen fokussieren. Ihre Motive zu behalten, besonders während sie sich im Fokus bewegen, kann besonders schwierig sein. Hier sind ein paar Tipps: Erstens, wissen, in welche Richtung Sie konzentrieren Ringdrehungen, um den Fokus näher oder weiter zu halten. Zweitens üben Sie, den Fokus ein paar Mal einzustellen, bevor Sie mit dem Rollen beginnen. Drittens gibt es auch eine Funktion, oder die meisten Kameras heutzutage als Fokuspeaking bezeichnet, die skizziert, welcher Bereich Ihres Rahmens im Fokus steht. Einfach einschalten und es wird Ihnen helfen. 6. Unterschiede im visuellen Storytelling: Nun, da wir die Belichtung angesprochen haben, werfen wir einen Blick auf einen anderen Bereich, die Drehplanung und die Hauptunterschiede zwischen Fotografie und Filmemachen. Im Gegensatz zu Fotografie, die Aufnahmen in der Zeit eingefroren nimmt. Beim Filmen nehmen Sie wirklich eine Sequenz von Bildern auf, die im Laufe der Zeit wiedergegeben werden. Sie müssen Ihre visuelle Geschichtenerzähler-Denkweise optimieren, um die Rolle der Zeit zu berücksichtigen. Denken Sie wirklich darüber nach, wie Sie Ihre Aufnahmen verknüpfen können, um Kontinuität zu schaffen , damit wir Ihre Geschichte nicht als eine Sequenz von separaten Aufnahmen sehen, sondern als eine glatte und kontinuierliche. Hier sind zwei Tricks, die Sie bei Ihrer Shotplanung beachten sollten, die Kontinuität schaffen. Eins, Nahaufnahmen. Der größte Fehler, den ich bei Anfänger-Filmemachern gesehen habe, ist die Aufnahme aller Aufnahmen als Wide Shots oder Mid-Shots, um Berichterstattung zu erhalten, aber nicht genug Nahaufnahmen. Nicht nur die Nahaufnahmen sehen kinematischer und geben wichtige Details zu Ihrer Szene oder Ihrem Charakter. Sie dienen auch einer entscheidenden Funktion, um ein Gefühl der Kontinuität zu schaffen , wenn Sie zwischen zwei Schüssen schneiden. Schlüssel zum Mitnehmen. Stellen Sie sicher, dass Sie mindestens 50 Prozent aller Ihrer Aufnahmen als Nahaufnahmen aufzeichnen. Zwei, Schusslänge. Ein weiterer Fehler, den ich bei Anfänger-Filmemachern sehe, ist das Drücken der Aufnahmetaste rechts, wenn die Hauptaktion stattfindet und kurz nachdem die Hauptaktion gestoppt ist. Dies macht die Aufnahmen jedoch oft zu kurz, um sie für eine reibungslose Bearbeitung zu verwenden. Halten Sie Aufnahmen stattdessen mindestens 10 Sekunden für die Bearbeitung von Ziehpunkten bei. Dadurch haben Sie genug Zeiten in Ihrer Aufnahme, um wirklich coole Übergänge in der Bearbeitung wie langsame Auflösungen zu erstellen. Drittens, Dreharbeiten für die Edit. Ich denke, diese Denkweise ist wirklich das, was Filmemacher auszeichnet. Obwohl es Zeit braucht, diese Denkweise zu erwerben, können Sie jetzt mit der Entwicklung beginnen. Shooting für die Bearbeitung bedeutet im Grunde, dass Sie im Kopf haben, wie die Aufnahme verwendet werden kann, wenn Sie es schießen. Selbst wenn Sie nicht sicher sind, was passieren wird, vielleicht schießen Sie eine Ente, zumindest halten Sie Ausschau, wenn Sie nach potenziellen Aufnahmen filmen , die Ihre Bearbeitung viel glatter machen. Kritisch denken und was ich nenne, kritisch fühlen die Schüsse, die Sie bekommen. Überprüfen Sie, ob Sie zumindest eine gute Einführungsaufnahme haben, die den Zuschauern ein Gefühl von Ort und Zeit geben wird. Abschlussaufnahme, Übergangs-Aufnahmen und Nahaufnahmen. Glauben Sie mir, diese Fertigkeit wird automatischer, wenn Sie sie üben. Eine weitere gute Möglichkeit, diese Denkweise zu entwickeln, ist es, Ihren Lieblingsfilm mit ausgeschaltetem Ton zu sehen. Betrachten Sie kritisch die Reihenfolge der Aufnahmen und die Funktion jedes Shots. Sehen Sie, wie sie der Geschichte dienen. Dies wird Ihnen helfen, intuitiv ein Gefühl davon zu bekommen, welche Arten von Aufnahmen benötigt werden, um eine überzeugende Geschichte zu erzählen. 7. Einführung in Audio: Der letzte große Unterschied zwischen Fotografie und Filmemachen ist also Audio. In der Branche haben wir ein Sprichwort, das heißt: „Audio ist der König des Videos.“ Das bedeutet, dass die wahrgenommene Qualität Ihres Films stärker von der Qualität Ihres Audiosignals beeinflusst wird, als von der Qualität Ihrer Grafik. Also zuerst werde ich Ihnen beibringen, wie Sie Ihre Mikrofone verwenden, um großartig klingende Audioaufnahmen aufzunehmen. Dann werde ich dir beibringen, wie du deinen Audio-Aufnahmeraum verbessern kannst und schließlich zeige ich zwei wesentliche Tricks, die du brauchst, um dein Audio in der Bearbeitung zu glätten. 8. Hochqualitativer Ton: Um das lav mic zu benutzen, ist es einfach. Klemmen Sie es um das Brustbein, sechs bis acht Zoll unter dem Mund, und richten Sie das Mikrofon nach oben. Achten Sie darauf, kein Tuch, Schmuck oder Haar um es herum Mikrofon haben , denn diese können gegen das Mikrofon stoßen und den Klang dämpfen. Um aufzuzeichnen, was von Ihrem lav mic gesagt wird, benötigen Sie einen externen Recorder. Um den externen Recorder zu verwenden, stellen Sie zunächst sicher, dass Sie eine Speicherkarte im Inneren haben. Dann legen Sie lav mic, und stellen Sie das Aufnahmeformat auf WAV 48 Kilohertz, 16 Bit, das ist eine höhere Qualität Datei, dann die MP3. Als nächstes bemerken Sie Ihre Audiomesser. Dies zeichnet den Dezibelbereich oder die Lautstärke dessen auf, was von Ihrem Mikrofon aufgenommen wird. Sie möchten, dass Ihre Audiopegel zwischen negativen sechs und negativen 12 Dezibel springt. Um Ihre Audiopegel einzustellen, führen Sie einen Test mit Ihrem Betreff vor der Hand durch. Sagen Sie ihnen, dass Sie die Audiopegel überprüfen werden. Fragen Sie sie, wie ihr Tag verlief, und drücken Sie die Auf- und Abwärtstasten auf der Seite des Recorders, bis die Audiopegel zwischen negativer 12 und negativer Sechs springen. Im Zweifelsfall ist es sicherer, den Ton im unteren Dezibelbereich zu halten, da es fast unmöglich ist, zu laute Geräusche zu reparieren. Wenn Ihre Sounds jedoch zu niedrig sind , hören Sie statisch. Um ein Schrotflintenmikrofon zu verwenden, ist es einfach. Schließen Sie einfach das Mikrofon in Ihre Kamera ein und schalten Sie es ein. Wenn Sie an einem windigen Tag draußen schießen, stellen Sie sicher, dass Sie das Mikrofon mit einem Windpuffer abdecken , der wie ein Katzenschwanz aussieht. Sie können den Audiopegel Ihres Schrotflinten-Sounds und Ihrer Kamera einstellen. Stellen Sie einfach sicher, dass es nicht die roten Markierungen in Ihrem Kamera-Audiomesser trifft. 9. Sound: Für Ihre Audio-Aufnahmeumgebung möchten Sie idealerweise einen ruhigen Ort wählen. Bevor du dein Interview beginnst, höre auf konkurrierende Geräusche. Sie möchten sicherstellen, dass keine Geräusche aus Fenstern auftreten. Sie möchten Türen schließen, Elektrogeräte ausschalten, Mobiltelefone ausschalten, den Kühlschrank, die Uhren und die Klimaanlage ausschalten, was auch immer das ein subtiles Summen in Ihrem Audio hinterlässt. Eine andere Sache, auf die man achten sollte, ist Echo. Echo kommt von Klang, der auf harten Oberflächen herumprallt , wenn Sie von Ihrem Motiv zum Mikrofon reisen. Es klingt so: Am Anfang finde ich es hilfreich, einen Überblick über den gesamten Videoproduktionsprozess zu haben . Wie Sie sehen können, wässert es Ihren Klang. So ist die Aufnahme in einem Teppichraum mit weichen Oberflächen eine tolle Idee. Weil weiche Oberflächen das Echo absorbieren. Wenn das nicht möglich ist, können Sie versuchen, die harten Oberflächen wie Tische und Böden mit Teppichen, Kissen und dickem Stoff zu bedecken . 10. Essenzielle Audio für eine reibungslose Bearbeitung: Jetzt werden wir zwei zentrale Tricks in der Audioaufnahme lernen , um Ihre Bearbeitungen viel glatter auf der Straße zu machen. Nummer eins, Raumton. Ist ein leerer Raum völlig still? Wenn Sie allein sind, schließen Sie die Augen und hören Sie zu. Selbst wenn der Raum leise klingt, werden Sie hören, dass es immer noch ein unverwechselbares Geräusch in diesem Raum oder Drehraum. Obwohl der Ton niedrig ist, wird dieser Ton, oder wie wir Raumton nennen, nützlich sein, wenn Sie Schnitte im Bearbeitungsraum glätten möchten. Wenn Sie beispielsweise ein paar Wörter in einem Interview herausnehmen möchten, möchten Sie die Löschungen mit Raumton unterlegen, damit es natürlich klingt. Stellen Sie sicher, dass Sie 30 Sekunden Raumton aufzeichnen, bevor Sie mit dem Interview oder der Szene beginnen und direkt nach dem Ende der Szene beginnen, da sich der Raumton mit der Zeit ändern kann. Nummer zwei, klatsche am Anfang deiner Szene. Du kennst diese ikonischen Hollywood-Schiefer. Nun, Sie wissen vielleicht, dass sie die Aufnahme in der Szene markieren, was Filmeditoren dabei hilft, alles im Auge zu behalten. Aber diese Schiefer dienen auch einer weiteren entscheidenden Funktion, indem sie erlaubte Markierung erstellen, so dass Editoren Audio leicht mit Video und Post synchronisieren können. Key-Takeaway, klatschen Sie in den Anfang Ihrer Szene, um später eine einfache Audiosynchronisierung zu ermöglichen. 11. Schlussbemerkungen zum Kurs: Herzlichen Glückwunsch zum Abschluss dieses Kurses. Ich hoffe, dass Sie sich mittlerweile aufgeregt fühlen, da draußen zu gehen und den Fotografen zum Filmemacher Übergang zu machen. Wenn Sie noch Fragen haben, senden Sie mir bitte meinen Weg, da ich hier bin, um Sie zu unterstützen. Wenn Sie Ihr Filmschaffen und Storytelling weiterentwickeln möchten, schauen Sie sich bitte meine anderen Kurse auf meiner Lehrerprofilseite an, wie zum Beispiel meinen beliebten Power-Videobearbeitungskurs Adobe Premiere Pro in 45 Minuten. Das dauert die traditionelle Drei-Stunden-Klasse und verdichtet sie auf seine goldenen Essentials, so dass Sie am Ende mit polierter raffinierter Bearbeitung in einem Bruchteil der Zeit. Vielen Dank, dass Sie sich die Zeit mit mir genommen haben und ich wünsche Ihnen alles Gute für Ihre Filmreise. 12. Spannende Updates: Hey, alle, ich habe zwei spannende Updates. Die erste ist, dass ich eine Kurskarte erstellt habe, die alle meine Filmschaffungs- und Redaktionskurse nacheinander miteinander verbindet , Sie als Filmemacherin selbstbewusst vorankommen können. Das zweite Update ist, dass ich einen einminütigen Newsletter gestartet habe, kuratierte Inspiration und wertvolle Einblicke in das Filmemachen, Kreativität und die Kunst des authentischen Lebens zeigt . Schauen Sie sich diese beiden auf meiner Kursleiterseite an.