SKIZZIEREN NATURE: Grundlagenkurs für Anfänger | Sarah Burns | Skillshare
Suchen

Playback-Geschwindigkeit


1.0x


  • 0.5x
  • 0.75x
  • 1x (normal)
  • 1.25x
  • 1.5x
  • 1.75x
  • 2x

SKIZZIEREN NATURE: Grundlagenkurs für Anfänger

teacher avatar Sarah Burns, Painter / Photographer / Youtuber

Schau dir diesen Kurs und Tausende anderer Kurse an

Erhalte unbegrenzten Zugang zu allen Kursen
Lerne von Branchenführern, Ikonen und erfahrenen Experten
Wähle aus einer Vielzahl von Themen, wie Illustration, Design, Fotografie, Animation und mehr

Schau dir diesen Kurs und Tausende anderer Kurse an

Erhalte unbegrenzten Zugang zu allen Kursen
Lerne von Branchenführern, Ikonen und erfahrenen Experten
Wähle aus einer Vielzahl von Themen, wie Illustration, Design, Fotografie, Animation und mehr

Einheiten dieses Kurses

    • 1.

      1-Einführung

      3:00

    • 2.

      1.1 Festlegung von Absichten

      7:04

    • 3.

      1.2 Malerei am Standort

      13:03

    • 4.

      1.3 Finde deinen Stil

      4:21

    • 5.

      2.1 Drawing

      12:58

    • 6.

      2.2 Sketchbook

      5:08

    • 7.

      2.3 Vereinfachte Formen Teil 1

      24:20

    • 8.

      2.3 Vereinfachte Formen Teil 2

      13:35

    • 9.

      2.4 Value

      5:36

    • 10.

      2.5 Einführung in die Komposition

      11:57

    • 11.

      2.6 Einführung in die Perspektive

      13:28

    • 12.

      3.1 Einführung in die Farbtheorie

      13:48

    • 13.

      3.2 Bemalen Grundlagen

      10:15

    • 14.

      3.3 Demo: Watercolor

      12:38

    • 15.

      3.4 Demo: Aquarellbäume

      15:10

    • 16.

      3.5 Demo: Plein Air Aquarell

      8:13

    • 17.

      3.6 Demo: Gouache Wald

      15:02

    • 18.

      4 Kursprojekt

      2:29

  • --
  • Anfänger-Niveau
  • Fortgeschrittenes Niveau
  • Fortgeschrittenes Niveau
  • Jedes Niveau

Von der Community generiert

Das Niveau wird anhand der mehrheitlichen Meinung der Teilnehmer:innen bestimmt, die diesen Kurs bewertet haben. Bis das Feedback von mindestens 5 Teilnehmer:innen eingegangen ist, wird die Empfehlung der Kursleiter:innen angezeigt.

2.592

Teilnehmer:innen

16

Projekte

Über diesen Kurs

In diesem Kurs lernst du:

  • Übliche Materialien für die Skizzierung der Natur innerhalb und außerhalb
  • Einfache Skizziertechniken
  • Formen in der Landschaft vereinfachen
  • Grundlagen der Aquarellfarbe
  • Grundlagen der Skizzierung von Felsen, Bäumen und anderen natürlichen Elementen
  • Einführung in die Farbtheorie, Zusammensetzung und Perspektive
  • Mehrere real
  • Und noch vieles mehr!

Class

MODUL 1 - VORBEREITUNG

  • Lektion 1.1 Absichten festlegen und Erwartungen verwalten
  • Lektion 1.2 Malerei am Standort
  • Lektion 1.3 deinen Stil finden

MODUL 2 - ZEICHNEN DER LANDSCHAFT

  • Lektion 2.1 Grundlegende Techniken
  • Lektion 2.2 Sketchbook
  • Lektion 2.3 Vereinfachung von Landschaftsformen (Teil 1 & 2)
  • Lektion 2.4 Einführung in Wertstudie
  • Lektion 2.5 Einführung in Komposition und Design
  • Lektion 2.6 Einführung in die Perspektive

MODUL 3 - MALEN DER LANDSCHAFT

  • Lektion 3.1 Farbtheorie Grundlagen
  • Lektion 3.2 Aquarell & Gouache Grundlagen
  • Lektion 3.3 Demo #1 - Watercolor
  • Lektion 3.4 Demo #2 - Aquarellbäume
  • Lektion 3.5 Demo #3 - Plein air Aquarell
  • Lektionen 3.6 Demo #4 - Gouache Wald

Abschluss: Kursprojekt und Hausaufgaben Vorschläge

Mein Unterrichtsstil

Mein Ziel als Lehrerin ist es, dass die Schüler ein tieferes Verständnis des Themas abnehmen und nicht nur etwas kopieren, das sie auf dem Bildschirm sehen. Das „Warum“ verstehen ermöglicht es dir, dein Studium fortzusetzen und deine Techniken mit einem soliden Fundament zu entwickeln.

Willst du tiefer tauchen? Sieh dir meine weiteren ausführlichen Kurse zum Zeichnen und Malen der Natur an:

Triff deine:n Kursleiter:in

Teacher Profile Image

Sarah Burns

Painter / Photographer / Youtuber

Kursleiter:in

Hello! My name is Sarah. I'm a full-time artist and photographer living in the Highlands of Scotland. I moved here from Colorado, where my painting journey began. I specialize in landscape painting with watercolor and gouache. I also love drawing, acrylics, and oil painting. I'm one of those artists who likes to "do it all!" But what really gets me excited is painting or drawing outside. I love to hike and paint what I see. It is my primary focus and what truly drives me to create.

My days are spent painting and teaching others. I provide educational content on several platforms in addition to Skillshare, such as Youtube, Gumroad, and Patreon. I have also self published three books.

What makes my classes special? As a self-taught painter, I know the strugg... Vollständiges Profil ansehen

Level: Beginner

Kursbewertung

Erwartungen erfüllt?
    Voll und ganz!
  • 0%
  • Ja
  • 0%
  • Teils teils
  • 0%
  • Eher nicht
  • 0%

Warum lohnt sich eine Mitgliedschaft bei Skillshare?

Nimm an prämierten Skillshare Original-Kursen teil

Jeder Kurs setzt sich aus kurzen Einheiten und praktischen Übungsprojekten zusammen

Mit deiner Mitgliedschaft unterstützt du die Kursleiter:innen auf Skillshare

Lerne von überall aus

Ob auf dem Weg zur Arbeit, zur Uni oder im Flieger - streame oder lade Kurse herunter mit der Skillshare-App und lerne, wo auch immer du möchtest.

Transkripte

1. 1-Einführung: [MUSIK] Wolltest du schon immer ein Reiseskizzenbuch oder ein Naturjournal starten oder wunderschöne und inspirierende Landschaften malen , wohin du auch gehst, aber du bist dir nicht genau sicher, wie du anfangen sollst? Wenn ja, bist du am richtigen Ort. Mein Name ist Sarah und ich bin eine Vollzeitkünstlerin, die in den schottischen Highlands lebt. Ich bin auf Landschaftsmalerei spezialisiert und skizziere seit Jahren die Natur und dokumentiere die Schönheit, die ich auf der ganzen Welt finde. Für mich ist das Skizzieren der Natur viel mehr als nur ein Hobby. Es ist ein großer Teil meiner persönlichen Freude und künstlerischen Praxis , die zu meiner größeren Arbeit hier im Studio beiträgt . Aber ich liebe es auch einfach durch meine alten Skizzenbuchseiten zu strömen. Sie bringen mir so viele erstaunliche Erinnerungen zurück. Wenn Sie Ihre künstlerische Reise alleine beginnen, kann dies sehr überwältigend sein. Welche Materialien brauchst du? Welche Fähigkeiten solltest du anfangen zu lernen? Wie verbessert man sich weiter? Nun, deswegen habe ich diesen Stiftungskurs absolviert. Es ist der perfekte Einsteigerkurs für alle, die ihre eigene künstlerische Reise beginnen möchten. In der Kunstschule beginnen Sie Ihr Studium oft mit einem ganzen Jahr, das den Grundlagen der Kunst gewidmet ist. Aber da die meisten von uns sehr beschäftigt sind, habe ich diesen Kurs entworfen, um Ihnen die Grundlagen dessen vorzustellen , was Sie für den Einstieg benötigen. In drei Stunden teile ich mit, was ich über fünf Jahre gedauert hat , um es selbst herauszufinden. Sie lernen eine Wissensgrundlage , die Ihnen noch Jahre dienen wird. Ich stelle Ihnen die Grundlagen des Skizzierens, der Aquarellmalerei, Farbtheorie, der Perspektive und vielem mehr stressfrei und ermutigend vor. In dieser Klasse geht es nicht nur darum das zu kopieren, was Sie auf dem Bildschirm sehen. Es geht darum, ein tieferes Verständnis dafür zu erlangen , wie Sie Ihre Welt aus der Perspektive eines Künstlers sehen aus der Perspektive eines Künstlers und diese in das Papier übersetzen können. Zusätzlich zu den Videolektionen können Sie einen Hausaufgabenführer herunterladen, können Sie einen Hausaufgabenführer herunterladen der Sie durch einen Schritt-für-Schritt-Prozess führt , um das, was Sie in diesem Kurs gelernt haben, zu nehmen und auf deine eigene Skizzenbuch-Reise. Außerdem erhalten Sie meine PDF-Anleitungen für den Einstieg in Aquarell und Gouache mit Details zu den verschiedenen Tools und Techniken, die Sie benötigen. Wenn Sie also bereit sind, Ihre künstlerische Reise zu beginnen, klicken Sie auf den untenstehenden Link und bereiten Sie sich auf ein Abenteuer vor. [MUSIK] 2. 1.1 Setting: [MUSIK]. Hallo, alle zusammen und willkommen. [GELÄCHTER] In dieser Lektion geht es darum dich auf diesen Kurs vorzubereiten und deine Absichten festzulegen. Bevor wir darauf eingehen, möchte ich Ihnen nur einen schnellen Überblick darüber geben , wer ich bin und warum ich das mache. Ich neige dazu, ein bisschen zu wandern, also werde ich das bearbeiten, so zerkleinern , dass es leicht zu verstehen ist und dass ich keine Zeit verschwende. Meine Malreise begann vor etwa sechs Jahren. Davor lebte ich in Denver und war in der Innenarchitekturbranche. Davor bin ich zur Schule für Innenarchitektur gegangen und davor bin ich zur Kunstschule gegangen. Ich hatte einen allgemeinen Abschluss in Zeichnen und Keramik und habe mich auch mit Grafikdesign verdoppelt. Ich hatte immer ein Auge auf eine künstlerische Karriere und ein künstlerisches Leben. Als ich in Denver lebte, führte ich außerdem ein Vollzeit-Fotogeschäft und spezialisierte mich auf Berggärten und Hochzeiten. Es war wirklich wundervoll. Aber als ich das Malen entdeckte, änderte sich alles. Es war auch die Zeit meines Lebens, in der ich versuchte, mehr nach draußen zu kommen und einfach in die Natur einzutauchen. Mir wurde klar, dass ich kein Stadtmensch bin. [GELÄCHTER] Ich lebte am Stadtrand von Denver , einer riesigen Stadt in Colorado, und es war einfach geistig und körperlich sehr schwer für mich. Je mehr ich in die Natur hinausstieg, fühlte ich diesen inneren Wunsch, sie einzufangen. Nicht nur mit einer Kamera oder einem Video oder so, sondern weil ich meinen Hintergrund beim Zeichnen hatte und mein ganzes Leben lang immer gezeichnet hatte, fühlte sich das für mich sehr natürlich an. Ich habe draußen angefangen zu skizzieren. Je mehr ich das tat, desto süchtig machender wurde es. [GELÄCHTER] Mir wurde klar, dass es einfach eine wunderbare Möglichkeit war, sich mit der Natur zu verbinden und mich mit dem zu verbinden, was mir wirklich wichtig war. Langsam fing ich an, Aquarelle zu integrieren. Ich habe mir ein kleines Aquarell-Set gekauft und bin im Sommer fast jeden zweiten Tag in den Botanischen Garten von Denver gegangen im Sommer fast jeden zweiten Tag in den Botanischen Garten von Denver . Das schneeballte einfach und ging weiter und dann kaufte ich ein Ölgemälde-Set und bin bis jetzt schnell vorwärts. Ich lebe in Schottland und Malen ist meine Vollzeitkarriere. Das ist mein Hintergrund. Der Grund, warum ich diesen Kurs gemacht habe, ist, dass ich in den letzten sechs Jahren, als ich meine Fähigkeiten und mein Geschäft weiter ausgebaut habe, immer mehr Leute hatte, die nur wissen wollten, wie ich ihre Reise beginnen kann so wie ich es getan habe. Wenn Sie keinen Hintergrund in der Kunst haben, kann es noch entmutigender sein. In den letzten Jahren habe ich viele Kurse und Tutorials veröffentlicht, aber dies ist das erste Mal, dass ich einen umfassenden Stiftungskurs absolviert habe einen umfassenden Stiftungskurs absolviert und er richtet sich an jemanden, der es nicht tut weiß genau, wo ich anfangen soll, wer vielleicht überhaupt keinen Hintergrund in der Kunst hat. Mein Ziel bei dieser Klasse ist es, Ihnen nicht nur die Grundlagen beizubringen, sondern Sie zu ermutigen, eine lebenslange Reise, eine lebenslange Beziehung zu sich selbst, zu Ihrer Kunst und dem Streben nach sich mit der Natur verbinden. Wenn Sie sich das ansehen, bin ich mir sicher, dass Sie es lieben, draußen zu sein oder es lieben, sich mit der Natur zu verbinden, und so wird Ihnen dies nur eine zusätzliche Möglichkeit geben , in die Natur einzutauchen und fange es und setze deinen eigenen kleinen künstlerischen Dreh drauf. Man kann es jetzt oder während des Unterrichts zu jedem Zeitpunkt oder nach dem Unterricht tun , aber eines der ersten Dinge, die ich vorschlage, ist, Ihre künstlerischen Ziele aufzuschreiben , und das kann alles sein, von dem ich lernen möchte, wie man zeichnet ein Baum [LACHEN] oder ich möchte in Bergen oder Flüssen oder was auch immer besser werden. Vielleicht möchte ich jeden Tag skizzieren oder ich möchte einmal im Monat draußen skizzieren. Jeder wird in einem anderen Tempo gehen und es wird sich im Laufe Ihres Lebens entwickeln. Dieser Kurs soll eine Einführung in alle Grundlagen sein. Aber auch hier wird diese Reise ein Leben lang dauern und ich möchte, dass du sie genießt. Ich sage das ständig, aber ich möchte dir nicht nur beibringen , wie man etwas kopiert, das du auf dem Bildschirm siehst. Der springende Punkt, die Art und Weise, wie ich diese Lektionen entworfen habe, besteht darin, eine gute Grundlage die Grundlagen zu schaffen, damit Sie diese Dinge nehmen und nach Ihren Wünschen optimieren können . Sie werden sich im Laufe Ihres Studiums definitiv weiterentwickeln , aber es soll ein kleiner Kickstarter sein, ein kleiner Funke, irgendwo, an dem Sie loslegen können oder wenn Sie bereits angefangen haben, vielleicht um dich auf die nächste Stufe zu bringen oder dir einfach zu zeigen, wie ich Dinge mache. [GELÄCHTER] Wir werden gleich in die Lektionen einsteigen, aber ich habe eine kleine Geschichte, die ich dir erzählen möchte. Als ich in der Kunstschule war, war ich Anfang 20 in meinen späten Teenagern. [GELÄCHTER] Ich hatte keine Ahnung was ich mit meinem Leben mache. Ich habe mich einfach darauf gefreut, Kunst zu machen. Es ist witzig, weil ich jetzt darauf zurückblicken kann , aber damals war ich einfach besessen davon, alles aufzunehmen. Ich habe in allem Unterricht genommen. Obwohl ich in Keramik und Zeichnen betonte, nahm ich Glasbläser und Möbeldesign und Lichtdesign. All diese verrückten Dinge und all das sich zu einer sehr wichtigen Lektion zusammengeführt, die einfallsreich sein soll. Wenn ich nicht weiß, wie ich etwas machen soll, finde ich einen Weg, es zu wissen. Ich werde einen Weg finden, es zu tun. [GELÄCHTER] Das erfordert Recherche. Das erfordert Zeit und viel Mühe. Aber das hat mir im Laufe meines Lebens gut gedient. Mein ganzes Leben lang habe ich mir so viele verschiedene künstlerische Fähigkeiten beigebracht , die auf diesem Konzept basieren , und das kannst du auch tun. Selbst wenn du gerade erst anfängst, möchte ich, dass du anfängst , einfallsreich zu sein. Ich möchte dir diese Lektion auch einflößen. [GELÄCHTER] Eines der besten Dinge, die Sie für sich selbst als Mensch und Künstler tun können , ist es, niemals aufzuhören zu lernen. Dies könnte Ihre erstklassige oder Ihre 20. Klasse sein, ich hoffe nur, dass es Ihnen hilft, zu jeder nächsten Phase zu gelangen , auf die Sie sich erhoffen. Aber wir können uns nicht nur auf das Ziel konzentrieren, wir müssen die Reise wirklich genießen. Wir wissen nie, wann diese Reise enden wird. Nicht morbide zu sein, aber es stimmt. Wir müssen jeden einzelnen Tag genießen, jedes Mal, wenn wir unser Skizzenbuch abholen oder auf die Leinwand malen. Dort ist das wahre Glück im Leben. Ich hoffe, dieser Kurs macht dir Spaß und du lernst viel. Lasst uns anfangen. 3. 1.2 Malen auf dem Standort: [MUSIK] zuerst Was ist zuerst Plein Air? Malen auf Plein Air, wie die Franzosen sagen würden, ist einfach draußen malen und im Freien zu malen. Die Impressionisten taten dies, um wahre Farbe und Licht in der Landschaft zu beobachten . Damals konnten Künstler nur lernen, wie man malt, was tatsächlich in der Natur passiert. Das Licht verändert sich ständig und die Vorteile des Malens im Freien sind zahlreich. Es ist nichts falsch daran, aus Referenzfotos zu malen . Wir machen es ständig, besonders wenn das Wetter nicht zu unseren Gunsten ist, aber Fotos Einschränkungen haben. Zuallererst sind Kameras Maschinen. Wenn Sie ein Foto machen, entscheidet die Kamera, was mit den vorliegenden Informationen zu tun ist. Es versucht, alles so gut wie möglich im Detail festzuhalten , aber wenn Sie keine klassischen Filmfototechniken verwenden , ist es wirklich schwierig festzuhalten was tatsächlich vor Ihnen liegt besonders wenn es um Beleuchtung geht. Die meisten Kameras werden heutzutage Farben übersättigen, und sie werden auch unsere Highlights und Schatten entweder unter oder überbelichten. diesen Bereichen ist ein Teil der Magie und wie wir unsere Bilder wirklich zum Leben erwecken können. die Auswirkungen von Licht im Freien auf Plein Air persönlich zu untersuchen ist sehr wichtig, die Auswirkungen von Licht im Freien auf Plein Air persönlich zu untersuchen. Ich verstehe es, es ist eine Herausforderung draußen zu malen. [GELÄCHTER] Es ist sehr demütigend. Auch wenn Sie ein sehr kompetenter Maler im Studio sind, ändert sich alles in dem Moment, in dem Sie nach draußen gehen. Aber ehrlich gesagt, manchmal ist es gut, sich demütig zu fühlen. Aber mein bester Rat ist, es einfach langsam anzugehen und zu versuchen, nicht in die Denkweise zu kommen , jedes Mal, wenn Sie nach draußen gehen, ein Meisterwerk produzieren zu müssen . Stattdessen möchte ich einfach in die Natur eintauchen und versuchen, kleine Farbnoten einzufangen. Dies kann beinhalten, nur einige Farben zu mischen , die ich vor mir sehe , und es auf ein kleines Musterblatt zu legen oder es könnte versuchen, eine Szene zu malen. Aber meistens geht es nur um das Skizzieren, um ein bisschen weiter in meinem Verständnis zu kommen, und später im Studio kann ich das Gelernte anwenden. Wenn ich vor einem Computermonitor sitze und auf ein Referenzfoto starre, versuche ich an den Moment zurückzudenken, als ich draußen war, und versuche mich an die wahren Farben zu erinnern, die ich gesehen habe, besonders in der Highlights und Schatten, in denen die Kamera tendenziell liegt. Um mich zu ermutigen, öfter nach draußen zu gehen und zu malen, behalte ich eine Tasche in der Nähe der Tür. Ich nenne es meine Paint-Go-Tasche, was bedeutet, dass ich es einfach schnappen und gehen kann. Es enthält alles, was ich für einen Skizziertag im Freien brauche . Diese Strategie war für mich ein Game Changer. Ich bin die Art von Person, die Dinge überdenkt, und wenn ich darüber nachdenke , wie schwer es ist, draußen zu malen oder vielleicht wo meine Materialien sind, werde ich einfach Ausreden machen, damit ich es nicht tue. Die Tasche ist immer an der Tür da und nennt meinen Namen und sagt: „Komm schon, lass uns gehen.“ Denn im Laufe der Jahre, als ich immer mehr draußen zu malen begann, sah ich eine drastische Verbesserung meines Verständnisses von Farbe und Licht und meiner Fähigkeit , es zu malen. Ich weiß also, wie wichtig das ist, aber manchmal brauche ich nur ein wenig Ermutigung. [MUSIK] Beginnen wir mit meinem primären Setup, was bedeutet, dass ich fast täglich alles mitbringe . Dies ist mein Anlauf-Setup , wenn ich draußen male. Zu dieser Zeit in meinem Leben zeichne ich mit verschiedenen Medien, male mit Aquarell und Gouache und manchmal Tinte. Mein Ziel bei diesem Setup ist es, von allem ein bisschen zu haben. Zuerst klingt es vielleicht so, als wäre das verrückt, das wird viel zu viel sein, aber lass mich es dir zeigen. Es ist eigentlich sehr überschaubar. Das heißt, wenn ich draußen bin die Stimmung für ein bestimmtes Medium trifft, ist es sofort bereit zu gehen. [MUSIK] Das Wichtigste zuerst : Verlasse niemals das Haus ohne Sonnencreme oder Snacks. Ich behalte auch einen Lappen oder ein Papiertuch und benutze das am Ende mehrmals. Dieser faltbare, wasserdichte und thermische Sitz hat meinen Hintern buchstäblich so oft gerettet . Oft laufe oder wandere ich meilenweit, bevor ich einen Platz zum Malen finde. Ich möchte also keinen großen Stuhl herumtragen, auch wenn er einer dieser Campingstühle ist , weil das nach einer Weile schwer wird. Mein Rucksack ist nichts ausgefallenes. Tatsächlich denke ich, dass es ungefähr 15 Pfund im Verkauf war , als ich es gekauft habe, und jetzt ist es eingestellt. Aber ich habe tatsächlich ein paar Optionen für Rucksäcke. Wenn ich meine Kameraausrüstung mitnehme und meine Drohnenszenen filme, bringe ich normalerweise meinen anderen professionelleren Kamerarucksack mit , der auch viele Kunstbedarf hineinpassen kann. [MUSIK] Ich verwende eine wirklich billige Bambusbürstenrolle , um meine Pinsel zu schützen, aber auch um sicherzustellen, dass ich sie wirklich einfach finde, wenn ich draußen male und meine Pinsel sich ständig ändern. Also werfe ich, welche ich an diesem Tag benutzen möchte , in meine Pinselrolle, bevor ich rausgehe. Das Gleiche gilt für meine Zeichenutensilien. Ich behalte gerne mindestens einen von jedem. Also ein Bleistift, ein Stift, ein Pinsel, ein weißer Marker oder möglicherweise ein Pinselstift oder ähnliches. Ich habe zwei meiner Lieblingszeichenutensilien gekauft, also kann ich immer eins in meiner Tasche und eines im Studio haben. Ich behalte auch ein paar Klammern oder Klammern in meinem Rucksack weil ich meine Seiten gerne umfalte oder zusammenhalte, wenn es wirklich windig ist. Dieser nächste könnte etwas weniger bekannt sein. Es wird Sucher genannt und wird verwendet, um eine Komposition einzugrenzen. Ich benutze es gerne hauptsächlich, wenn ich Urban Sketching mache , weil es viel komplizierter erscheint. Also hebe ich es einfach hoch und bewege es bis ich mich auf eine Komposition einlasse , die mir wirklich gefällt. [MUSIK] Jetzt auf das lustige Zeug. Sprechen wir über Farbe und Paletten. Jetzt ist das das persönlichste Ding aller Zeiten. Nehmen Sie es also mit einem Salzkorn und ich werde von keinem Unternehmen gesponsert. Alle meine Empfehlungen stammen also aus jahrelanger Erforschung und Praxis und Versuch einer Menge verschiedener Setups. Ich kann ehrlich sagen, dass seit ich angefangen habe, den Portable Painter und den Portable Painter Micro zu verwenden , mein Plein Air-Erlebnis so viel besser geworden ist und hier ist der Grund. [MUSIK] Ich bewege mich viel , wenn ich draußen male. Manchmal setze ich mich für eine Minute, zwei Minuten, fünf Minuten, 10 Minuten oder mehr als eine Stunde hin. Es variiert je nach Wetter und Standort und genau wofür ich da draußen bin. Manchmal mache ich nur schnelle kleine Farbnoten oder schaue mir bestimmte Formen an, und dann gehe ich zur nächsten Seite. Also brauche ich ein Setup, das sehr, sehr portabel ist. Diese kleinen tragbaren Maler werden treffend genannt. Sie sind so unglaublich schnell und einfach einzurichten und wiegen fast nichts. So macht es die ganze Erfahrung für mich viel zugänglicher. [GELÄCHTER] Ich brauche ehrlich gesagt mehr Zeit, um einen Platz zum Sitzen zu finden und all meine Sachen aus meiner Tasche zu holen , als meinen tragbaren Maler einzurichten und mit dem Malen zu beginnen. Was ich in einem Gouache-Setup suche, ist meinem Aquarell-Setup sehr ähnlich. Es muss leicht sein, sehr schnell und einfach einzurichten. Nach unzähligen Experimenten habe ich endlich ein Setup gefunden, das mir wirklich gefällt. Sie erinnern sich vielleicht daran, dass ich diese luftdichte Aquarell-Palettenbox für meine Gouache benutzt habe. Es gab eine Zeit, in der dies das perfekte Setup für mich war , weil ich mehr Farben in einem einzigen Gemälde verwendet habe. Heutzutage male ich nur mit einer begrenzten Palette und dafür gibt es viele Gründe, über die ich in vielen meiner Videos spreche. Diese Palettenbox ist für mich größtenteils übertrieben. Stattdessen bringe ich einfach 5-8 Tuben Gouache mit und verwende sie frisch aus der Tube, was so ideal für die Art ist, wie ich Gouache verwende. Aber natürlich brauche ich etwas, um die Gouache zu mischen , wo diese kleine Palette ins Spiel kommt. Dies sind nur zwei Kunststoffstücke, die zu einer luftdichten Palette zusammenpassen. Wenn du willst, kannst du einen Stay-Wet Schwamm und Palettenpapier hinzufügen , aber ich mische einfach direkt auf den Kunststoff, weil ich, wie ich bereits erwähnt habe, gerne viel herumfahre. Ich bin also nie so lange genug an einem Ort , um den Schwamm und das Papier zu brauchen. Eine andere Sache, die sich sehr ändert , sind meine Skizzenbücher. Ich probiere ständig neue Skizzenbücher, neue Papiere, verschiedene Größen und Formen aus. Aber größtenteils behalte ich immer ein oder zwei in meiner Tasche. Wenn ich mich in ein Skizzenbuch verliebe , kaufe ich ein paar davon. Da ich gerne eine Vielzahl von Medien verwende, behalte ich normalerweise immer ein kaltgepresstes, heißgepresstes und ein gemischtes Medien-Skizzenbuch in meiner Tasche. Ich habe auch ein Mini-Zeichenbrett, das ich auf die Größe geschnitten habe , um mir eine stabilere Oberfläche zu geben. Wie viel wiegt das Ihrer Meinung nach? Es nimmt nur etwa drei Kilogramm oder etwa sechseinhalb Pfund ein. Das ist alles, was ich für einen ganzen Tag voller Plein Air Malen und Skizzieren brauche . [MUSIK] Aber was ist Tagen, an denen ich noch weniger Energie habe oder einfach nur einen kurzen Spaziergang durch die Nachbarschaft mache ? Hier kommt diese super stylische Bauchtasche ins Spiel. Normalerweise trage ich es wie eine Umhängetasche und kann es nach vorne schwingen, um meine Vorräte zu greifen. Ich habe dafür gesorgt, ein wasserdichtes zu kaufen , damit ich mir keine Sorgen machen musste , dass meine Skizzenbücher ruiniert werden, wenn ich im Regen gefangen bin, was in Schottland ziemlich üblich ist. Für dieses Kit habe ich eine reduzierte Version dessen, was ich dir zuvor gezeigt habe. Dies ist mein kleines Hahnemuhle vier mal sechs Zoll graues Papier-Skizzenbuch. Ich bringe einfach ein paar meiner Lieblingsutensilien mit diesem kleinen Pinselclip an die Außenseite und wähle einfach einen Pinsel und einen oder zwei Stifte, die ich mitbringen möchte. Für Farbe verwende ich den Portable Painter Micro. All dies kann in meiner Hand gehalten werden , damit ich stehen und skizzieren kann, was sehr praktisch ist wenn ich nur schnelle Spaziergänge mache. Aber am wichtigsten ist, dass alles sehr leicht und einfach einzurichten und zu verstauen ist. [MUSIK] Nichts davon ist in Stein gemeißelt und ich nehme manchmal ein ganz anderes Setup heraus , nur um die Dinge zu verwechseln. Außerdem denke ich, dass ich mich ständig weiterentwickle und meine Bedürfnisse werden sich im Laufe der Zeit ändern. Zum Beispiel nehme ich meine Ölgemälde-Vorräte nicht mehr nach draußen. Der Hauptgrund dafür ist , dass die Art und Weise, wie ich gerne mit Ölen arbeite, mit Palettenmessern viel größer ist mit Palettenmessern viel größer und ich viel Platz zum Mischen brauche, und ich nehme mir gerne Zeit und schichten Dinge auf und geh davon weg und komm nach einer Weile wieder darauf zurück. Es ist einfach eine ganz andere Arbeitsweise. Aber ich zeige Ihnen schnell mein Ölgemälde-Setup für diejenigen unter Ihnen, die daran interessiert sind. [MUSIK] Ich nenne das mein großes Setup , weil es viel mehr Zeit und Mühe kostet. Egal, ob ich mit Ölen oder Gouache oder was auch immer male, eine Pochade-Box ist wirklich großartig, um alles zu enthalten, was Sie für eine Malsitzung benötigen. Die meisten von ihnen haben Stauraum im Inneren, sodass Sie ihn einfach schließen und loslegen können. Ich habe zwei Pochade-Boxen. Man ist ziemlich groß und wiegt fast sechs Pfund von selbst. Aber es ist ein tolles Kit. Aber ich benutze es nur, wenn ich in der Nähe meines Autos campiere oder male , weil ich mit diesem definitiv nicht wandern werde. Meine kleinere Pochade-Box und die, die ich am häufigsten verwende, ist die Guerilla Painter Sechs-mal acht Zoll Thumbox. Dieses Ding ist so robust, es etwa 3,5 Pfund oder 1,7 Kilogramm wiegt. Aber lass mich dir sagen, dieser kleine Kerl hat im Laufe der Jahre viel überlebt. Ich habe dieses Ding Wasserfälle und Klippen heruntergeworfen und es hat so viel überlebt und meine Malerei und Vorräte darin geschützt. Obwohl es auf dem Markt erstaunliche Pochade-Boxen gibt , die ich gerne ausprobieren würde, lohnt es sich einfach nicht, so viel Geld in ein Kit zu investieren , das ich nicht oft verwende, weil ich wieder viel mehr davon bin ein tragbarer Künstler, wenn ich draußen bin. Aber in den seltenen Fällen, in denen ich weiß , dass ich eine Weile an einem Ort sitzen werde, ist es schön, eine Pochade-Box zu haben, all Ihre Materialien aufstellen zu können all Ihre Materialien und einfach eine stabilere Oberfläche zu haben. Es hat Jahre gedauert, bis ich meine Materialien aufgebaut habe und Dinge gefunden habe, von denen ich glaube, dass sie mir auf meiner Reise wirklich geholfen haben , anstatt mich zu behindern. Ich habe im Laufe der Jahre viel Geld für Dinge verschwendet , die ich wirklich nicht brauchte, nur weil ich gesehen habe, wie andere Künstler sie benutzt haben. Deshalb ermutige ich dich , klein anzufangen. Ein Skizzenbuch, ein Stift, ein Bleistift, ein kleines Aquarell-Set. Du brauchst wirklich nichts zu ausgefallenes. Zuerst werden Sie sich wahrscheinlich darauf konzentrieren, nur die Gewohnheit aufzubauen, nach draußen zu gehen. 4. 1.3 Finde deinen Stil: Eine der häufigsten Fragen, die ich bekomme ist, wie finden Sie Ihren Kunststil? Ich sage es ungern, aber ich habe eine der schlimmsten Antworten. Ich sage den Leuten immer, dass du deinen Stil nicht findest. Dein Stil ist schon in dir. Die einzige Möglichkeit, Ihren Stil hervorzuheben um es herauszufinden, besteht darin, die Arbeit zu erledigen. Es ist, die Zeitmalerei nach dem Malen einzulegen. Der Grund dafür ist, dass im Laufe der Zeit, je mehr Gemälde Sie machen, desto offensichtlicher wird es, wie Sie malen oder zeichnen möchten, was bedeutet, welche Werkzeuge Sie gerne verwenden oder nicht, wie Sie benutze sie gerne oder benutze sie nicht. Wenn wir wachsen, ahmen wir oft verschiedenen Stilen nach, die wir online oder in Büchern sehen, und dadurch erkennen wir, ob es uns gefällt oder nicht. Jeder kann lernen , etwas zu kopieren , das er online oder in einem Buch gefunden hat. Aber wenn Sie Ihren inneren künstlerischen Stil, Ihre innere Ästhetik, wirklich ausdrücken möchten Ihren inneren künstlerischen Stil, Ihre innere Ästhetik, , müssen Sie sich eine sehr wichtige Frage stellen. Was ist dein Warum? Dein Warum treibt dich an. Es ist das, was Sie begeistert, den Bleistift oder den Pinsel aufzunehmen und mit dem Erstellen zu beginnen, egal ob es sich um Porträts oder Tiere oder städtische Skizzen oder Landschaften handelt, Sie müssen darauf zugreifen innerer Brennstoff, der Ihr Feuer durch all die vielen Stunden des Studiums durchlaufen würde , die es erfordert. Für selbstgeführte Künstler oder Künstler, die keine Kunstschule besuchen oder eine lange Ausbildung absolvieren, ist es wirklich wichtig, dies zu nutzen, da es Ihnen helfen wird, Ihren Kurs zu gestalten des Studiums. Es wird Ihnen wahrscheinlich Hunderte von Stunden Fokus ersparen wenn Sie einen zielgerichteteren Selbststudienplan haben und wenn Sie bereits wissen, was Ihr Stil ist und wohin Sie ihn bringen möchten, dann ist das großartig. Aber für diejenigen unter Ihnen , die keine Ahnung haben, habe ich einige praktische Ratschläge. Öffnen Sie Ihre bevorzugte Anwendung zum Speichern von Fotos. Für mich ist das Pinterest. Es ist so einfach zu stöbern und wirklich coole neue Dinge zu finden. auch immer, was ich gemacht habe, war ein Album namens Inspiring Artwork zu kreieren und im Laufe von ein paar Monaten fing ich an, Dinge zu retten, die einfach wirklich herausgesprungen und mich im Moment inspiriert haben. Nach einer Weile ging ich rein und schaute mir an, was ich hatte. Mir wurde klar, dass dies sehr aufschlussreich war. Die Antwort lautet in den Zahlen. Der Großteil der Kunstwerke, die ich gespeichert habe, war extrem ausdrucksstark und manchmal ziemlich abstrakt. Ja, es gibt ein paar Ausreißer hier und da, aber wenn ich mir die Mehrheit ansehe und alles destilliere, was ich sehe, war es so offensichtlich, was meine innere Ästhetik mich anschrie. Es heißt Sarah, sei einfach ausdrucksstark, sei du selbst und so habe ich angefangen, das zu ändern, was ich studiert habe. Ich denke, es ist wichtig, Realismus und Kunstrollen und all das zu studieren all das , und deshalb bist du hier in dieser Klasse. Aber ich habe viel mehr angefangen zu experimentieren. Ich fing an, meine künstlerischen Beine zu strecken, wenn du willst. Ich fing an, meine Liebe zu fast abstrakten Landschaften anzunehmen . Je mehr ich mich mit dem beschäftigte, was sich wirklich wie ich anfühlt, begann ich Gleichgesinnte anzuziehen, Menschen, die nicht nur meinen Stil, sondern auch meine Denkweise liebten und das ist großartig für das Geschäft, aber vor allem Ich bin wirklich glücklich. Jeden Tag wache ich aufgeregt auf zu kreieren und das liegt daran, dass ich nicht versucht habe, mich dazu zu zwingen , in einem bestimmten Stil zu malen. Ich erlaubte mir die Zeit zu experimentieren, zu sehen, was ich mochte und nicht mochte , und als ich mich im Laufe der Zeit kennenlernte, klar, was meine wahren Leidenschaften sind, wohin ich mit meiner Kunst gehen möchte, was ich gerne kreiere und teile. Der springende Punkt dieser Geschichte besteht nur darin, Sie zu ermutigen, nicht mehr in ein bestimmtes Etikett oder eine Schachtel zu passen in ein bestimmtes Etikett oder eine , und sich einfach selbst kennenzulernen. Lassen Sie sich die Zeit haben zu erforschen und zu experimentieren. Je mehr Sie sich selbst kennenlernen und wovon Sie sich von Natur aus angezogen fühlen, desto mehr Klarheit haben Sie in Ihrem Studium. Das bedeutet, dass Sie jedes Tutorial von jedem Künstler ansehen und die Stücke auswählen können jedem Künstler ansehen und die Stücke auswählen , die auf Sie zutreffen und was Sie gerne tun. 5. Grundlagen des Zeichnens: [MUSIK] Um anzufangen, brauchst du etwas Papier. Ich benutze nur Computerpapier , weil es wirklich billig und leicht zu finden ist. [GELÄCHTER] Etwas zum Zeichnen wie einem Druckbleistift oder Ihrem Lieblingsutensil, einem Radiergummi, etwas Tee und Ihrer Fantasie. Für die Zwecke dieser Lektion werde ich Holzkohle verwenden, nur weil sie weniger reflektierend ist und ich nicht möchte, dass ihr Schwierigkeiten habt zu sehen, was ich mache. Sprechen wir zuerst über das Liniengewicht, denn jedes Utensil wird ein anderes Liniengewicht haben, was bedeutet, wie dick oder dünn die Schnur ist. Ich liebe es, mit Druckbleistiften zu zeichnen, aber wenn man sich die Spitze anschaut, sieht man, dass es winzig ist. Vergleichen Sie das mit meiner Holzkohle, und Sie können sehen, dass die Holzkohle mir ein viel vielseitigeres Liniengewicht geben kann . Linienstärke ist bei der Landschaftszeichnung wichtig, da eine dicke Linie eine Schattenkante anzeigt und eine dünne Linie eine Markierungskante anzeigt, oder zumindest mache ich das gerne. Zeichnen wir also einfach eine Grundform, um dies zu demonstrieren. Nehmen wir an, unsere Lichtquelle kommt von oben rechts, das bedeutet, dass die untere linke Seite im Schatten liegt. Ohne eine Schattierung zu machen, kann ich dies anzeigen, indem ich die untere linke Kante verdunkle. Ich benutze eine wirklich dicke dunkle Linie mit starkem Druck auf das Papier. Wenn es dann näher an der oberen rechten Seite kommt, lasse ich es wirklich leicht und dünn bleiben. Mit sehr minimalem Aufwand können wir anfangen, Licht auf unsere Formen zu vermitteln. Einer der Gründe, warum es wirklich praktisch ist und Spaß macht, einen Kohlestift oder sogar einige Graphitstifte zu verwenden , ist, dass Sie technisch gesehen so viel Material haben, mit dem Sie arbeiten können. Du hast nicht nur den Tipp, du hast auch diese lange flache Seite. Lassen Sie uns also ein Beispiel machen. Wenn ich nur die Spitze benutze, kann ich eine schöne, gleichmäßige Linie bekommen, oder ich kann anfangen, sie leicht zur Seite zu drehen und sie etwas dicker zu machen, oder ich kann diese ganze Kante entlang der Oberfläche drücken von der Zeitung und bekomme eine schöne dicke Linie. Wenn Sie einen Druckbleistift oder einen Stift haben , bei dem es nur eine winzige Spitze ist, können Sie dennoch einen ähnlichen Effekt erzielen. Wir haben unseren Kreis sehr chaotisch. Oben rechts bekommt das Licht, also wird das einfach so bleiben. Aber dann unten links müssen wir diese Linienstärke fälschen, indem wir diese ausfüllen. Jetzt können wir wieder reinkommen und das schön dünn machen. Ich habe die Dicke ein wenig übertrieben, damit du immer noch sehen kannst, da sie viel leichter ist als die Holzkohle, aber du hast die Idee. Wie können wir das Liniengewicht in einer Landschaft zu unserem Vorteil nutzen? Zeichnen wir einen Felsen, der in etwas Gras sitzt. Wenn ich angeben möchte , dass ein Felsbereich hervorgehoben ist, verwende ich sehr dünne Lichtlinien und in meinen Schattenbereichen verwende ich dunkle Linien sowie Risse und Spalten und dergleichen. Ich werde keine Softshading oder Blending verwenden; ich werde nur Linie und Schraffur verwenden, über die wir bald sprechen werden. Hier sitzt mein kleiner Stein im Gras. Indem er diese Linien einfach viel dicker und dunkler macht, sowie einige dieser Risse und Muster auf dem Felsen, einen kurzen Blick das Licht sehen, wird der Betrachter auf einen kurzen Blick das Licht sehen, das auf diese Seite trifft. Wenn Sie es dann weiter gehen möchten, können Sie ein wenig Schraffur hinzufügen. Sie müssen also nicht alles mit perfektem Mischen und Schattieren erledigen. Sie können eine Form der Kurzschrift wie diese verwenden , um Ihr Thema klar zu kommunizieren, jedoch in einem Bruchteil der Zeit. Jetzt habe ich einen Stift mit einer Spitze von einem Millimeter und man sieht, dass die Linien relativ dick sind. Es ist sehr wichtig, Ihr Tool und die Arten von Markierungen kennenzulernen , die Sie erstellen können. Manchmal macht es mir Spaß , mich selbst herauszufordern. Ich gehe mit einem Stift raus und das ist alles, womit ich arbeiten muss. Also muss ich dieses Tool wirklich gut kennen , um mein Ziel erreichen zu können. Nehmen Sie ein paar Zettel oder eine Seite in Ihrem Skizzenbuch und spielen Sie einfach mit den Arten von Markierungen, die Sie erstellen können. Vergleichen wir den Graphit mit dem Stift. Noch ein klumpiger Kreis. Aber auch hier müssten wir diese dickere Linie auf der linken Seite vortäuschen. Tun wir so, als wäre dies nur ein Klumpen Platon, da es definitiv kein perfekter Kreis ist. Es ist wirklich schwierig, einen perfekten Kreis zu zeichnen, also mach dich nicht auf dich selbst, wenn du damit zu kämpfen hast. Ich habe keine Ahnung, wie ich das so kreisförmig gemacht habe. Wie auch immer, ich bevorzuge definitiv eine sehr stilisierte Art zu skizzieren. Ich neige dazu, eine Version von Schraffuren , die wie parallele Linien ist. Viele parallele Linien. Wenn ich noch einen Schritt weiter gehen möchte, ist es einfach, den Winkel leicht zu ändern und zu kreuzen. Natürlich kann ich das so lange fortsetzen, wie es nötig ist, um den Grad der Schattierung darzustellen, den ich anstrebe. Sagen wir, wir haben wieder einen Stein. Wenn ich diesen Stein beschatten würde, könnte ich so etwas machen. Dies ist wieder eine sehr Kurzversion des Skizzierens. Diese Linien sind alle parallel, sie gehen alle in die gleiche Richtung, und die Nähe zeigt an, wie viel Schatten es gibt. Wenn ich die Linien wie dort verteile, ist es ein bisschen leichter und dann ist der weiße Bereich natürlich mein Highlight. Ich kann das in jeder Form machen. Aber der springende Punkt ist es, Ihnen einfach zu zeigen, dass Sie es im Grunde nicht übertreiben müssen. Wenn Sie draußen malen, skizzieren Sie unterwegs, manchmal haben Sie Minuten Zeit, manchmal haben Sie Minuten Zeit um festzuhalten, was Sie einfangen möchten, Sie haben keine Stunden. Daher wird es sehr nützlich sein, in relativ kurzer Zeit Wege zu finden, um zu kommunizieren relativ kurzer . Wenn Sie noch einen Schritt weiter gehen und kreuzen möchten , um es etwas detaillierter zu machen oder Schatten ein bisschen mehr anzuzeigen, gehen Sie einfach in die entgegengesetzte Richtung. Es gibt auch eine lustige Sache, die man tun kann , Konturschraffur genannt. Sagen wir, das ist der Umriss unseres Rocks. Anstatt meine Linien so perfekt gerade zu machen, würde ich anfangen, sie um die Oberfläche zu krümmen. So etwas, und das ist eine sehr extreme Version, würde ich sagen. Aber zurück mit verschiedenen Blickwinkeln, also hab einfach Spaß damit. Geh einfach mit ein paar Formen spielen und fange an, sie zu schattieren. Irgendwann werden Sie sich mit einer Art Kurzschrift begnügen, die Sie lieben und die Sie wirklich angenehm finden. Wir gehen zurück zu unserer Kohle-Seite, damit ich einige weiche Blended Shading demonstrieren kann . Los geht's. Was ich normalerweise gerne mache, ist, die große Kante meines Graphits oder meiner Holzkohle zu verwenden , was auch immer ich verwende, und fülle so viel wie möglich mit diesem größeren Bereich aus. Mein Finger übt hier Druck auf den Bleistift aus. Ich werde einfach versuchen, eine schöne gleichmäßige Menge Graphit auszufüllen , um damit zu beginnen. Machen Sie sich keine Sorgen, wenn Sie außerhalb Ihrer Leitungen gehen, können Sie dies später jederzeit anpassen. Es ist keine Tinte. [GELÄCHTER] Vermeiden Sie es, die Spitze zu verwenden , da die Spitze mehr Druck auf das Papier ausübt und eine vollere Linie bildet, die später möglicherweise nicht entfernt werden kann oder nicht. Ich verwende hier oben leichteren Druck weil ich weiß, dass das mein Highlight sein wird. Meine Linien gehen immer noch in die gleiche Richtung, aber wir werden das in einer Sekunde ändern. Ein bisschen härterer Druck hier, um es dunkler zu machen, und leichter Druck, um das Highlight zu zeigen. Wenn Sie möchten, können Sie sofort zurückkommen und die Kanten mit einem Radiergummi aufräumen , oder das können Sie am Ende tun. Ich werde es nicht anfassen, weil es einfach überall verschmiert, aber ich werde mein Papier auf diese Weise um 90 Grad drehen. Ich übe wieder mehr Druck auf die Schattenseite aus und erinnere mich daran, dass dies mein Highlight ist. An diesem Punkt drehe ich vielleicht einfach mein Papier in jede Richtung und versuche, verschiedene Blickwinkel zu bekommen und einfach ein bisschen mehr von diesem Schatten auszufüllen. Zu jeder Zeit geht meine Hand in eine Diagonale in die gleiche Richtung weil ich tatsächlich an meinem Ellbogen schwenke. Ich benutze mein Handgelenk nicht wirklich so, es bewegt sich tatsächlich dort, wo mein Ellbogen ist. So kann ich auf diese Weise sehr gleichmäßige Markierungen bekommen, anstatt chaotischeren Druck und Winkel zu haben, wenn ich versuche, mein Handgelenk zu benutzen. Wenn Sie noch einen Schritt weiter gehen möchten, können Sie ein Papiertuch verwenden, das um Ihren Finger gewickelt ist, und Sie können es mischen. Ich benutze eine kleine Kreisbewegung. Dann kannst du mit einer anderen Ebene wieder reinkommen und diese kontinuierlich aufbauen. Es liegt an dir, es so weit zu bringen, wie du willst, aber das ist die allgemeine Idee für die weiche Schattierung. In Anspruch nimmt definitiv viel mehr Zeit in Anspruch, aber Sie können wirklich coole Ergebnisse erzielen. Einige Leute fragen sich vielleicht: „Nun, woher wussten Sie, wo Sie das Highlight hinstellen müssen und wo Sie den Schatten hinstellen müssen?“ Das kommt aus der Beobachtung aus dem Leben. Wenn du damit üben musst, sieh dir noch mehr Sachen an. Schau nicht nur hin, beobachte [LACHEN] und starre es an und versuche wirklich zu bemerken wo das Licht am hellsten trifft, wo sich die Schatten zu bilden beginnen, wo sie am dunkelsten werden. Du kannst eine Orange oder einen Apfel vor dich legen sie aus verschiedenen Blickwinkeln anzünden und auf diese Weise anfangen zu üben. Aber wirklich, wenn Sie Ihre interne visuelle Bibliothek einfach mit allen möglichen verschiedenen Formen und unterschiedlicher Beleuchtung füllen Sie Ihre interne visuelle Bibliothek einfach mit allen möglichen verschiedenen Formen und unterschiedlicher , ist Ihr bester Lehrer. 6. 2.2 Sketchbook: [MUSIK] Ich bin fest davon überzeugt , dass mein Skizzenbuch der Hauptgrund dafür ist , dass ich in den letzten Jahren so schnell wachsen konnte wie ich es getan habe. In dieser Lektion teile ich meine Skizzenbuchgewohnheiten und spreche darüber, warum es wichtig ist, so oft wie möglich ein Skizzenbuch bei dir zu haben . Ich habe vielleicht ein wenig Besessenheit mit Skizzenbüchern. Ich sehe es aber nicht als eine schlechte Sache an. Skizzenbücher sind ein Ort zum Experimentieren, um zu erforschen, ohne Angst davor zu haben, beurteilt zu werden. Meistens wird niemand jemals sehen, was sich in Ihrem Skizzenbuch befindet es sei denn, Sie möchten es tun. Die Auswahl eines Skizzenbuchs ist so persönlich. Für mich fühlt es sich gleichbedeutend mit dem Kauf von Kleidung an. Die Größe und Form und gleichmäßige Farbe des Papiers hängt davon ab, welche Bedürfnisse Sie als Künstler haben. Dies ist ein Skizzenbuch , das ich selbst mit meinem Lieblings-Aquarellpapier gemacht habe . Ich habe nicht den besten Job mit der Bindung gemacht, aber es entspricht meinen Bedürfnissen. Ich neige dazu, bestimmte Materialien in bestimmten Skizzenbüchern aufzubewahren. Mit einem Skizzenbuch, das wirklich schönes, hochwertiges Aquarellpapier enthält , neige ich dazu, mich in viele verschiedene Medien zu verzweigen , die eher für gemischte Medien verwendet werden , obwohl die meisten Leute mir folgen In den sozialen Medien sehe ich meine Bilder nur wirklich. Die meiste Zeit damit verbracht zu üben, viele verschiedene Materialien zu verwenden, daher ist es entscheidend für mein damit verbracht zu üben, viele verschiedene Materialien zu verwenden, Wachstum als Künstler, diese in meinen Skizzenbüchern frei zu erforschen . Es gibt dieses Ding, das ich getan habe , was andere Künstler getan habe, nämlich das Starten eines Skizzenbuchs aufzuhalten , weil sie nur Angst haben, es zu vermasseln. Ich war viele Male dort. Die Art und Weise, wie ich darüber hinwegkomme , besteht darin, die ersten Seiten zu verwenden , um viele verschiedene Materialien zu testen. Das ist nicht nur wirklich, wirklich nützlich, sondern wird auch zu Ihrer Referenz für die Zukunft Ihres Skizzenbuchs. Jedes Mal, wenn Sie dort arbeiten, möchten Sie zu einem neuen Medium wechseln, Sie können sich einfach schnell Ihr Referenzblatt ansehen und sehen, wie sich dieses Material verhalten wird. Dies ist eine großartige Möglichkeit, die Angst zu überwinden, Ihre erste Seite zu vermasseln , da diese Referenzseiten chaotisch sind [GELÄCHTER]. Es gibt ihm einen Zweck, der über etwas hinausgeht, das hübsch aussieht. Zwei meiner Lieblingsbeschäftigungen, die man skizziert, sind Steine und Bäume. Dieses Skizzenbuch ist diesen beiden Themen gewidmet. Wenn wir es auf einer Seite öffnen, ist dies der Felsabschnitt [LACHEN]. Ich nannte es The Many Secret Lives of Rocks. Sie haben ihre eigene Sprache. Das ist einfach voller Experimente, versucht verschiedene Formen zu zeichnen, hat einfach viel Spaß damit, denn warum nicht? Aber vieles davon ist damit ich üben kann, all die verschiedenen Facetten von Felsen zu zeichnen und zu schattieren. Es passiert nicht einfach über Nacht. Es hat lange gedauert, bis ich an diesen Punkt gekommen bin. Etwas, das ich sehr empfehle, ist ein kleines Skizzenbuch wie dieses bei sich zu tragen, es in dein Auto zu legen , damit es immer unterwegs ist. Wenn Sie irgendwo 15 Minuten auf einen Termin warten , können Sie ihn einfach herausziehen und mit dem Skizzieren beginnen. Je mehr du es tust, desto mehr baust du dein Muskelgedächtnis auf. Die meisten davon stammen nur aus der Phantasie. Ich beginne mit einer Symbolform und versuche von dort aus zu visualisieren was in 3D im Raum passiert, aber wieder, das ist seine eigene Fähigkeit , die mit der Zeit einhergeht, die mit Übung einhergeht. Ich verbringe auch viel Zeit am Fluss und balanciere gerne Steine. Es ist eine herausfordernde Aktivität, aber ich finde es sehr entspannend. Eines Tages, als ich da draußen war, fing ich einfach an, sie zu skizzieren. Wenn wir das Skizzenbuch umdrehen, drehen wir es um, wir haben den Baumbereich und ich nannte es The Many Ways of Trees und ihre Träume. Genau wie bei den Felsen geht es so sehr ums Experimentieren. Oft zeichne ich damit nur eine sehr lockere Geste eines Baumes zu zeichnen, fast als würde ich Gestenfiguren zeichnen. Manchmal bringe ich das in den Wald und ziehe aus dem Leben und manchmal es nur aus der Fantasie und ich fordere mich wirklich gerne heraus, mit meinen Bäumen kreativ zu werden. Etwas, das ich mache, um Bäume zu zeichnen, ist, diese sehr einfachen Formen zu machen und dann zu versuchen , sie auf 3D-Weise zu rendern. gerade mit einer einfachen S-Form anfangen, Was kann ich gerade mit einer einfachen S-Form anfangen, um das so aussehen zu lassen, als hätte es etwas Volumen? Oft kann man mit meinen Bäumen das Skelett meiner Skizze bis zur Endphase sehen . mir persönlich nichts aus, all diese kleinen Richtlinien sehen zu können, ich mag es in der Tat. Sie können auch den Schraffurstil für parallele Linien sehen , von dem ich Ihnen erzählt habe. Hol dir ein kleines Skizzenbuch, mach es zu deinem besten Freund. (GELÄCHTER) 7. 2.3 Vereinfachte Formen Teil 1: [MUSIK] Alles in der Landschaft kann in sehr einfache Formen zerlegt werden. Wenn Sie anfangen, diese Formen in Ihrer Umgebung zu sehen, bereiten Sie sich darauf vor, sie zu zeichnen. Die Grundlage unserer Gemälde, insbesondere bei der Verwendung von Aquarell, werden starke Zeichenfähigkeiten sein. Ich stelle mir diese Formen gerne als Skelett unseres Gemäldes vor. Wenn das Gemälde gute Knochen hat, kann es sein Thema viel besser kommunizieren. In dieser Lektion zeige ich Ihnen, wie ich Formen in der Landschaft vereinfache. Aber wenn Sie mehr Details zum Zeichnen oder Malen von Bäumen oder Felsen wünschen , habe ich zwei weitere vollständige Klassen zu diesen Themen. Aber jetzt fangen wir mit den Grundlagen an. Hallo an alle aus dem sehr kalten Nordosten Schottlands. [GELÄCHTER] Für diese Lektion werde ich Sie durch meinen Prozess führen, werde ich Sie durch meinen Prozess führen um draußen herumzulaufen und Objekte wie Steine oder Äste zu betrachten und sie bis zu ihrem Kern zu vereinfachen , vereinfacht geometrisch formen. Wir werden Computerpapier und einen Sharpie benutzen. Der Grund, warum ich die grundlegendsten Vorräte verwende ist, dass ich das Gefühl habe, dass es sehr wichtig ist , wenn du anfängst , die Angst zu vermasseln. Wenn Sie ein teures Skizzenbuch verwenden, ein teures Zubehör, wird das manchmal allein Sie aufhalten. Zusätzlich zu einem Sharpie, mit einem Marker, kannst du [LACHEN] nicht löschen, also musst du sofort deine Angst loslassen, ein schlechtes Zeichen zu machen oder eine Linie zu durcheinander zu bringen. Denken Sie daran, dass Sie jedes Mal, wenn Sie einen Fehler machen , daraus lernen. Wenn Sie Hinweise auf Fehler auf Ihrer Leinwand oder Ihrem Papier haben , ist dies nur eine Lektion Sie beim nächsten Mal besser machen . Ich laufe einfach um mein Haus herum laufe um den Hof herum. Wenn Sie in einer Stadt leben, können Sie in einen örtlichen Park gehen oder einfach die Straße entlang gehen und einen ruhigen Ort abseits von Menschen finden. [GELÄCHTER] Es gibt keine Entschuldigung, egal was passiert. Sie können nach draußen gehen und einen Felsen oder einen Zweig finden und skizzieren. Mal sehen, was wir finden können. Ein paar Meter von meiner Tür entfernt, das ist ein Stein. [GELÄCHTER] Lassen Sie es uns skizzieren. Wenn ich mich hinsetze, um diesen Stein zu zeichnen denke ich zuerst darüber nach , mit welcher geometrischen Grundform ich anfangen würde. Wäre es ein Kreis oder ein Würfel oder so? In diesem Fall sage ich etwas abgeflachte Kugel oder Kreis. Das ist in seiner grundlegendsten Form. Damit fange ich an. Sie können jedoch sehen, dass der Boden dieses Felsens auf dem Boden liegt, er ist flach. Es ist kein Ball, der herumrollt. Wir können dies vereinfachen, indem wir den Boden abflachen. Schon sieht es viel mehr wie der Felsen aus, aber wir können sehen, dass es einige Winkel auf dem Felsen gibt , die etwas flacher oder sogar wie eine Vertiefung haben . Versuchen wir dies langsam Schritt für Schritt. Auf der linken Seite sehe ich, dass es dort eine kleine flache Kante gibt. Das ist das erste, was ich tun werde, also werde ich diese Kante abflachen. Die Vorderseite des Felsens kommt auf mich zu und dann wieder zurück. Es gibt eine Ecke, die vorne sehr abgerundet ist. In diesem Fall würden wir diese flache Linie ein wenig zu uns bringen diese flache Linie ein wenig zu uns und dann würden wir sie zurückschicken. Wenn es zurückgeht, ist diese rechte Seite wieder etwas abgeflachter. Anstelle einer runden Kante würde ich es etwas flacher aufbringen. Dann ist die Oberseite des Felsens ziemlich flach und es hat eine etwas abgerundete Verjüngung dazu. Ich werde nicht ganz flach gehen, aber das werde ich ein bisschen abrunden. Wie finden wir heraus, wo wir es schattieren müssen, um ihm ein besseres 3D-Look zu verleihen? Nun, da die Sonne diesen Felsen nicht direkt trifft und es keine super starken Highlights oder Schatten gibt, kann ich das einfach für mich selbst entscheiden. [LACHEN] Wo immer es hier drüben ein bisschen Schatten auf dieser Seite gibt, kann ich das einfach wählen, da meine Schattenseite und diese obere rechte Seite meine Highlight-Seite sein wird. Wenn Sie an die Skizzierstunde zurückdenken, habe ich Ihnen meine Strategie für das Schraffieren gezeigt, die wie diese parallelen Linien oder das Crosshatching ist, was dasselbe tut, aber übertrieben geht man im Gegenteil Richtung. Es liegt an dir zu entscheiden, wie du es schattieren willst. Aber ich verwende meine normale Methode und füge den Schatten auf dieser linken Seite hinzu. Zuerst werde ich in einer dieser ersten Schicht liegen. Eine Sache, die ich merke, ist der obere Rand des Schattens , denn der Felsen hat diese große flache Spitze. [GELÄCHTER] Es verjüngt sich in Richtung dieser vorderen Ecke. Meine Schattierung wird schräg in Richtung dieser vorderen Ecke verlaufen. Auf der Unterseite dieser rechten Felsseite befindet sich auch ein bisschen Schatten . Das werde ich da drüben fortsetzen . Wir haben eine grundlegende Rock-Form. Wenn wir ihm noch mehr Charakter verleihen oder es etwas detaillierter gestalten möchten noch mehr Charakter verleihen oder , können wir mehr Schattierungen oder Kreuzschattierungen hinzufügen oder eine können wir mehr Schattierungen oder Kreuzschattierungen hinzufügen der Linien und andere Markierungen zeichnen, die wir sehen. Vielleicht hätte ich hier einen kleinen Schatten weil es hier im Felsen einen kleinen Sprung gibt. Vielleicht gibt es eine unterbrochene Linie, die hier und da über den Felsen reist , weil es viele Risse auf diesem Felsen und viele interessante Muster gibt. Obwohl es ein leichter Stein ist, sieht man das, wenn man genau hinschaut. Wenn Sie möchten, können Sie es genau so belassen , das Grundformular. Dies wäre unser sehr vereinfachter Rock. [GELÄCHTER] Mal sehen, was wir sonst noch herausfinden können. [NOISE] Wir haben einige Zweige, die wir zeichnen könnten. Wir haben noch einen Stein, eigentlich ein Haufen Steine hier unten. Lasst uns ein paar dieser Steine aufstellen und zeichnen. Ertragen Sie mich mit der Beleuchtung, denn wenn ich mein Papier anhebe wird es das Video etwas dunkler machen, und wenn ich es senke, wird das Video viel heller. Zunächst müssen wir entscheiden, welchen Rock wir zeichnen werden. Einer der Felsen, der mir wirklich auffällt, ist dieser, weil er viele coole Formen hat. Aber das erste, was mir auffällt, ist dieses große flache Top. Es hat auch einige flache vertikale Kanten auf beiden Seiten und hier einen großen Sprung. In diesem Fall ist es ein bisschen sinnvoller, es als Würfel und Würfel zu betrachten , auf den wir herabschauen. Das erste, was ich tun würde, ist einen Würfel zu zeichnen , nur um mir einen Ausgangspunkt zu geben. Wenn wir mit einem Würfel anfangen, wäre das mein Basiswürfel. Oh mein Gott, das ist so schief. [GELÄCHTER] Wenn Sie mit dem Zeichnen von Würfeln nicht sehr vertraut sind, können sie sich zunächst etwas kompliziert anfühlen. Ich habe einige Vorlagen bereitgestellt, die Sie sich ansehen und sogar verfolgen können , nur um loszulegen. Aber wie Sie sehen können, ist die Vorderseite dieses Würfels ein großes flaches Quadrat, und dann gehen die Seiten und die Oberseite ein wenig in die Ferne zurück. Aber das Problem damit, dass dies mein Ausgangspunkt ist, ist, dass dieser Stein größtenteils kein großes vorderes Quadrat hat , auf das wir starren. Wenn überhaupt, hat die Spitze des Felsens Vorrang und damit sollte ich anfangen. Was ich stattdessen tun würde, ist einen Würfel zu zeichnen, auf den ich hinunterschaue. Denken Sie daran, machen Sie sich keine Sorgen, wenn Ihre Zeilen alle chaotisch sind , denn dies ist nur Übung. Ich schaue auf diesen Würfel runter. Also ja, wir hätten solche Kanten. Dies ist ein bisschen besserer Ausgangspunkt für meinen Rock. Eine wirklich hilfreiche Sache ist es zu versuchen es in 3D vorzustellen, damit Sie sich vorstellen können, dass Sie dies durchschauen können, wenn Sie möchten, können Sie gepunktete Linien darin zeichnen. Wie ich dieses Quadrat mit den 3D-Linien gezeichnet habe, habe ich mir diese Form angeschaut und auf die Höhe dieser Linie geschaut, und ich habe diese, die Höhe dieser Linie, gezeichnet . Ich habe das hier kopiert, aber ich habe es in einer gepunkteten Zeile gemacht. Dies ist ungefähr die gleiche Höhe wie diese, und sobald ich das getan habe, könnte ich einfach die Leitungen verbinden und die Leitungen verbinden. Da sind wir los. Ich weiß, dass nicht jeder diese Weise an Formen und die Umwelt denkt. Ich denke, es liegt nur an meinem Hintergrund im Design. Ich denke oft architektonischer über Dinge nach. Dies hilft mir, Dinge zu visualisieren. Aber wenn du das nicht brauchst, ist das in Ordnung, du kannst es überspringen. Aber wir benutzen die Form als Inspiration. Fangen wir mit der Spitze an. Ich kann sehen, dass die Hinterkante des Felsens nicht schräg ist, er ist diagonal. Diese Diagonale geht also nach links, diese leicht nach rechts. Fangen wir mit der Hinterkante und sie ist nicht ganz flach, aber wir beginnen mit einer vereinfachten Version. Ich kann sehen, dass die ganze Spitze dieses Felsens kein perfektes Quadrat ist, sondern hier einen weiteren Divot hat und [LACHEN] einrücken, wo er gebrochen wurde und zurück zu dieser hinteren Ecke winkt. Es gibt jedoch ein paar Lippen, ein paar Kanten, die ich nicht ignorieren möchte. Es sieht so aus. Wir haben diese Kanten und dann winkelt es zurück. Dann kommt es irgendwie raus und dann runter und diese Seite hier drüben ist etwas gerader. Dieser ist ein bisschen geradeaus und dieser kommt raus und runter. Dann konnte ich sehen, wo sich diese Kante nach hinten neigt. Es gibt eine Linie, hier gibt es einen Bereich. Hier gibt es ein großes flaches Gesicht , das ich festhalten möchte, das so aussieht. Es gibt ein bisschen eine Diamantform hier. Ich mache das und verbinde sie einfach. Dies ist eine sehr vereinfachte Version. Wenn wir wollen, können wir versuchen, weitere Linien und Facetten hinzuzufügen. Mach wie viele du brauchst , um es zu verstehen. [GELÄCHTER] Aber um das zu rocken, wie ich sagen würde, ist, um dies eher wie einen Stein aussehen zu lassen, werde ich ihn wieder zeichnen, aber ich werde die Kanten ein wenig aufrauen. Jetzt benutze ich das als Leitfaden und ich werde aufrauen. Ich zeichne diese Topform wieder, aber ich mache es ein bisschen gezackter. Vereinfachen Sie das einfach. Jetzt haben wir wieder keine starken Highlights oder Schatten, also werde ich dieses Mal meine eigenen Regeln ausdenken. Ich werde mir vorstellen, wie die Sonne aus dieser Richtung kommt. Wenn das der Fall ist, würde die Sonne auf diese Spitze treffen, sie würde hier ein bisschen treffen, aber diese ganze Seite wird im Schatten liegen. Eine wirklich unterhaltsame Möglichkeit, diese Schraffiertechnik anzuwenden, über die ich gesprochen habe , wo Sie all diese parallelen Linien haben , ist, dass Sie folgen können , Sie können sie richtungsvoll verwenden. Wenn ich eine vertikale Fläche habe, kann ich eine vertikale Schraffur verwenden. Wenn ich eine diagonale oder horizontale Form habe, kann ich denselben Winkel verwenden. Durch diese einfachen Richtungslinien können wir anfangen, die Richtung oder die Facetten auf dem Felsen zu kommunizieren . Es könnte hier unten ein bisschen Schatten geben und ein bisschen hier. Wenn ich weniger Schatten vermitteln möchte, spreize ich meine Zeilen einfach ein bisschen mehr auseinander. Ich lasse die Oberkante in Ruhe weil ich tatsächlich oder vielleicht ein kleines bisschen Schatten hinzufüge. [GELÄCHTER] Zerbrich es ein wenig. Du kannst total mit den Richtungen der Linien spielen. Das ist die Grundlagen, wie ich das in die vereinfachten Formen aufteilen und langsam den Realismus in Richtung einer Felsform aufbauen würde. Jetzt schauen wir uns ein paar Äste an. Ich wende mich buchstäblich nur nach rechts und wir schauen uns diesen Baum an. Ich liebe diesen Baum. Meine Katzen lieben es auch. Wie Sie sehen können, haben sie angefangen, es genau dort zu kratzen. Eines der coolen Dinge an diesem Baum ist, dass mehrere Stämme aus der Wurzelbasis herauskommen . Betrachten wir dies als unser erstes Beispiel. Für Bäume denke ich an Zylinder, anstatt über Quadrate oder Kreise über Quadrate oder Kreise nachzudenken. Mit Zylinder meine ich diesen sehr vereinfachten Zylinder. Dies ist die Form, die ich immer im Auge behalten werde. Diese langen Röhren sind mir am ähnlichsten Baumstämmen und Ästen. Um zu beginnen, wenn wir uns das ansehen, können wir sehen, dass es eine einzigartige Basis gibt und mehrere Stämme aus verschiedenen Winkeln herauskommen . Eines der ersten Dinge, die Sie tun können um Sie zu erden, ist, über die Basis nachzudenken , und viele Baumstämme Sie daraus ziehen möchten. Um das zum nächsten Schritt zu bringen, würde ich Rohre oder Zylinder zeichnen , wie Sie sie sehen möchten. In seiner grundlegendsten Form können wir es so sehen. Wie würde ich diese vereinfachte Form auf die nächste Stufe bringen? Wenn man sich das anschaut, sieht man natürlich , dass diese ziemlich abgewinkelt sind, sie sind ziemlich ausgebreitet, während der Baum selbst ein bisschen vertikaler ist. liegt daran, dass man aus diesem Blickwinkel nicht alle Stämme sehen kann. [GELÄCHTER] Dieser Hauptkofferraum hier ist auf der Vorderseite und dann hast du einen hier, der ein bisschen dahinter steckt und dann gibt es einen , der hinter all denen steckt. In der Tat müssten wir einen Hauptstamm haben und dann wären die anderen etwas zurückgeblieben. Um das zu tun, würde ich mit einem Hauptstamm beginnen und sie ein bisschen mehr zusammen zerquetschen, damit Sie die Basis dieses Stammes nicht mehr sehen können. Es ist hinter dem Hauptkofferraum. Dann wird es hier einen geben , den du nicht einmal alles sehen kannst. So, obwohl das offensichtlich extrem vereinfacht ist. Aber wir haben genommen, was wir vorher hatten , war ziemlich ausgebreitet und wir haben es ein wenig zusammengequetscht und wir haben den Winkel etwas vertikaler gemacht. Um dies auf die nächste Stufe zu bringen und ihm vielleicht etwas Schattierung zu geben, würde ich versuchen, den eigentlichen Umriss dieses Baumes zu sehen. Statt nur perfekte Zylinder sehe ich, dass es eine etwas raue Kante gibt. Hier und da gibt es ein paar Klumpen. [GELÄCHTER] Die Wurzeln unten gehen zur Seite und in den Boden. Eines der ersten Dinge, die ich tun würde, ein bisschen mehr von einer gezackten Kante zu zeichnen , um diese klumpige Form darzustellen. Dann würde ich es unten ausgehen lassen, etwas unten. Man kann das wirklich übertreiben und es macht Spaß , super übertriebene Wurzeln zu zeichnen. Dann würden wir den Baumstamm dahinter ein wenig verklumpfen. Lassen Sie es uns einfach halten und damit beginnen. Ich denke, wir hätten hier unten auch eine kleine Lippe an dieser Wurzel, aber sie ist hinter dem Hauptbaum. Ich kann hier sehen, dass es auf der rechten Seite des Baumes ein Highlight gibt, sodass die linke Seite des Baumes mehr im Schatten liegt. Man sieht, dass dies keine vollkommen gerade Linie ist. Ich lasse es viel Abwechslung haben. Sie sind ziemlich nah beieinander, weil es dort eine ordentliche Menge Schatten gibt. Dieser hat ein gewisses Highlight, aber es ist nicht so viel. Also würde ich diesen in mehr Schlüpfen abdecken. Auch hier konzentrieren wir uns nicht darauf, etwas perfekt zu machen. Wir schauen uns einfach die Grundform an und versuchen, Dinge schnell und einfacher zu erfassen. Ich füge hier ein bisschen Crosshatching hinzu, um das zu verdunkeln. Los geht's, ein sehr einfacher Baumstamm. Wenn du die Baumstämme hinzufügen willst, die dahinter liegen, liegen diese alle im Schatten. Ich würde wahrscheinlich so etwas machen , wo das Ganze im Schatten liegt. Nur um wirklich zu betonen , dass es in den Schatten weit zurück ist. Wenn Sie nur zwei Werte haben , nämlich Weiß und Schwarz, tun wir dies, um es zu vereinfachen. [GELÄCHTER] Wir treffen sehr starke Entscheidungen über Highlights und Schatten. Jetzt schauen wir uns die Zweige an. Schauen wir uns diesen Hauptzweig hier an. Schauen wir uns das an und ein paar davon , die von der Seite kommen. Denken wir zuerst über diesen Hauptzweig nach. Wieder einmal werden wir uns das als einen Zylinder oder eine Röhre vorstellen . Ich werde es in dieser leichten Diagonale zeichnen. Wenn Sie Ihnen helfen möchten, die Winkel der Dinge herauszufinden, ist es ein wirklich nützlicher Tipp, Ihren Pinsel oder Ihren Bleistift hochzuhalten und den Winkel davon anzupassen. Halten Sie Ihren Stift oder Ihren Bleistift hoch und ohne mein Handgelenk zu bewegen, würde ich das an meinem Papier halten. Jetzt weiß ich, dass dies der Blickwinkel ist. Meine Hand wird gegen das Papier gedrückt, also hat es sich nicht bewegt. Aber jetzt weiß ich, dass dies der Winkel ist, den ich brauche. Es gibt einen. [GELÄCHTER] Wir haben einen einfachen Zweig gemacht, der davon abgeht. Wie Sie sehen konnten, habe ich im Grunde mit einem Zylinder angefangen. Wenn Sie möchten, können Sie die Enden darauf zeichnen und versuchen, sich das als Zylinder vorzustellen. So. Wir haben diese Filiale abgehauen. Es ist in Ordnung, wenn Ihre Linien Ihre anderen Linien durchlaufen, denken Sie daran, dass dies nur Übung ist um Formen zu vereinfachen. Sie können versuchen, dies auch als Röhre vorzustellen , damit es eine abgerundete Kante hat , da es am Hauptzweig befestigt wird. Als es auf uns zukam, könntest du es dir als Röhre vorstellen. Sie können dies weiterhin für alle Zweige tun. Sie können beliebig viele hinzufügen. Wenn sie sich auf der Vorderseite des Zweigs befinden, der dir zugewandt ist, könntest du eine kleine Kurve sehen , an der sie anhängen. Wenn sie auf der Rückseite des Zweigs sind, werden Sie das nicht sehen, weil sie hinter dem Zweig kommen. [GELÄCHTER] Natürlich, wenn Sie eine tatsächliche Zeichnung machen, würden Sie diese Linien nicht zeigen, die durch den Zweig gehen. Sie würden es sehr leicht skizzieren und am Ende, wenn Sie alles einfärben oder malen, würden Sie diese Linie, die durch den Zweig geht, offensichtlich nicht einschließen . Ich sehe, dass es am oberen Rand der Zweige ein bisschen Highlight gibt, rechts. Die Unterseite wird etwas dunkler sein. In diesem Fall würde ich die Schraffur alle darunter hinzufügen. Ich würde diesen Zweig vorerst überspringen. Ich müsste wählen, welche Seite des Zweiges einen Schatten hat. In diesem Fall hat die rechte Seite ein Highlight, also würde ich auf der linken Seite etwas Dunkelheit hinzufügen , aber das meiste davon ist in Highlight. Das Gleiche gilt für diesen. Nur ein bisschen. Normalerweise schlüpfe ich einfach ein, wenn ich Zweige zeichne , die dahinter liegen. Wenn wir uns diesen Zweig ansehen, können wir sehen, dass er sich sehr gut zusammendreht. Alle Kiefernnadeln oder -blätter, was auch immer, sind nach rechts. Wenn ich das zeichne, schaue ich mir an, wie das horizontaler ist, und dann geht es fast vollständig vertikal. Es krümmt sich genau hier hoch und dann ist es völlig vertikal. Es ist fast wie die Form eines F. Es geht hoch und dann geht alles nach rechts oder nach rechts. Um das zu vereinfachen, habe ich meinen Hauptzweig und dann kommt dieser kleine gekrümmte Zweig so auf. Sobald es ziemlich hoch ist, fängt es an, sich nach rechts zu biegen. Alle kleinen Zweige machen das Gleiche. Diese haben sogar ihre eigenen kleinen Zweige und so weiter. Aber um all dieses Laub zu vereinfachen, zeichne ich es in Gruppen, anstatt hier zu stehen und jedes einzelne Detail zu zeichnen. Da diese stachelig sind, sind es keine wirklich großen alten Blätter, ich würde sie mir so ansehen. Sehr vereinfachte Nadellaufen. Sie gehen alle nach rechts. So. Du kannst so viele zeichnen wie du willst. Wir können der Unterseite dieses Zweigs etwas Schatten hinzufügen . So versuche ich Formen in der Landschaft zu vereinfachen. Aber lasst uns zurück ins Studio gehen und ein bisschen mehr darüber reden. 8. 2.3 Vereinfachte Formen Teil 2: Ich überzeuge diese Grundlagen oft und versuche, meine Fähigkeit, grundlegende Formen in der Landschaft zu sehen, weiter auszubauen . Wie beginne ich mit einem Würfel oder Kreis oder einer Kugel oder einem Zylinder und verwandle diesen dann in ein glaubwürdigeres Objekt. Wenn es darum geht, glaubwürdige Objekte zu erstellen, ist Schattierung eigentlich ziemlich wichtig. Wenn Sie es auf die nächste Stufe bringen möchten, empfehle ich wirklich, alle Arten von Schattierungen zu üben . Eine wirklich lustige Übung ist es, das Schattieren mit Markern zu üben. Was ich mache, ist ein Highlight, einen Mittelton und einen Schattenton zu bekommen . Ich erlaube mir auch nicht, sie miteinander zu vermischen. Was ich tun muss, ist darüber nachzudenken, was ist mein Highlight und Mid-Ton und Schatten. Diese Begriffe beziehen sich auf das Spektrum von Licht zu Dunkel. An einem Ende haben wir unsere dunkelsten Dunkelheiten, was unser Schatten ist. Die Mitte dieses Abschnitts ist der Mittelton und der hellste Bereich ist unser Highlight. Sie können diesen Abschnitten einen beliebigen Ton oder jede Farbe zuweisen, da sie am Ende alle relativ zueinander sind. Ich kann schon vorhersehen, dass einige Leute das beobachten, die denken, Mann, das ist so ein seltsamer Stil oder ein sehr lockerer, klobiger Stil. Das ist nicht jedermanns Tasse Tee, was ich vollkommen verstehe. Ich bin mir sicher, wenn du anfängst, mehr Kurse zu diesem Thema zu sehen , wirst du alle möglichen Stile finden und irgendwann wird einer bei dir Resonanz finden. Anstatt sich darauf zu konzentrieren, wie meine Endergebnisse aussehen, möchte ich, dass Sie tiefer über den Prozess nachdenken. Wie können Sie die grundlegenden Formen und die grundlegenden Arten der Schattierung in einen Stil integrieren die grundlegenden Arten der Schattierung , der wirklich zu Ihnen passt. In dieser Klasse konzentrieren wir uns offensichtlich auf die sehr minimalen grundlegenden Schritte, die Sie zum Zeichnen von Felsen und Bäumen unternehmen müssen. Es gibt so viele andere Dinge in der Landschaft, die wir lernen müssen aber der Grund, warum ich mich insbesondere auf Felsen und Bäumen schärfe, ist, weil man versteht, wie man sie zeichnet, man kann lernen , so ziemlich jedes Element in der Landschaft zu zeichnen. Alles beginnt mit grundlegenden Formen. Obwohl ich Ihnen in einer Weile beibringen werde, wie man Steine und Bäume malt, möchte ich auch darauf hinweisen, dass es so viele andere Möglichkeiten gibt , dies zu tun. In der anderen Klasse, die ich über Steine habe, das ist der Stil, den wir abdecken, und das ist der Stil, den wir in der Baumklasse abdecken. Aber alles kommt von der gleichen Technik die Formen in der Landschaft zuerst zu vereinfachen. Lassen Sie uns damit mehr über Bäume sprechen. Wenn es darum geht, Bäume zu zeichnen, halte ich die Dinge gerne viel fließender und organischer. Ich fange mit einer Gestenlinie an. Damit meine ich, ich versuche einfach, eine sehr weiche fließende Linie ohne harte oder peinliche Winkel zu erstellen . Dies wird der Stamm oder der Mittelpunkt sein, von dem aus alle Zweige wachsen werden. Ich verwende Sort-S-Kurve für meinen Stamm aber wenn ich eine Kiefer zeichnen würde , die sehr groß und gerade ist, würde ich definitiv eher eine gerade Linie verwenden. Wahrscheinlich würde es aber immer noch nicht perfekt machen. Manchmal stelle ich mir sogar vor, dass meine Bäume wie Menschen so wie die Äste Arme sind, die bis zum Himmel reichen. Sobald ich die Grundform oder die zugrunde liegende Struktur meines Baumes herausgefunden habe, kann ich die Haut so hinzufügen, wie ich es [LACHEN] nenne, aber im Grunde bedeutet dies die tatsächliche Form des Baumes und des bellen und all die anderen kleinen Details. Die meiste Zeit versuche ich, dem Umriss meines Baumes etwas Textur oder Rauheit zu verleihen Textur oder Rauheit zu , da die Rinde normalerweise etwas rauer ist. Ja, es gibt glatte Bäume, aber das trägt nur dazu bei, etwas mehr Charakter zu verleihen. Wenn ich diese Linien zeichne, mache ich mir keine großen Sorgen, etwas perfekt zu machen. Ich möchte, dass die Dinge sehr organisch aussehen, manchmal etwas seltsam. Denn wenn du rausgehst und durch den Wald spazierst, wirst du so viele verrückt aussehende Bäume finden. Ehrlich gesagt denke ich manchmal, je verrückter, desto besser, also neige ich dazu, meinen Stift oder meinen Stift ziemlich schnell zu bewegen . Dies zwingt mich, schnell Entscheidungen zu treffen und keine eine Linie oder einen Bereich zu überdenken. Denn wenn ich das mache, neige ich dazu, die Dinge peinlich und steif aussehen zu lassen. Man sieht manchmal, dass ich Richtlinien für mich selbst einzeichne , wie etwa zu zeigen, wie rund etwas ist oder vielleicht die Textur der Rinde oder einen der großen Risse in einem Baum betone die Textur der Rinde oder . Natürlich ein bisschen Schlüpfen hier und da für einige der schattenhafteren Bereiche. Wenn Sie möchten, dass dies im endgültigen Bild sichtbar ist, verwenden Sie einen Marker oder eine wirklich dunkle Linie aber Sie könnten das alles auch mit einem sehr leichten Stift machen. Wenn Sie es dann übermalen, ist es kaum sichtbar. Verwenden Sie also so viele oder so wenige Linien, wie Sie benötigen, um sich selbst zu helfen, die Form und die Details des Baumes wirklich zu sehen . Schauen wir uns schnell die Form der Äste an. Ich visualisiere sie immer als Röhren. Der einfachste Weg, um zu beginnen, besteht darin, den Start- und Endpunkt zu zeichnen und sie dann zu verbinden, aber normalerweise sind unsere Zweige nicht perfekt gerade. Zeichne ein paar Punkte und übe, sie zu verbinden. Je mehr Sie üben, die Zweige auf diese Weise zu visualisieren , desto seltener müssen Sie die zugrunde liegende Struktur für sich selbst zeichnen , aber wenn Sie ganz neu im Zeichnen von Bäumen sind, finde ich, dass diese Übung hilft wirklich, die Komplexität einer großen Masse von Zweigen abzubauen. Genau wie beim Würfel und dem Felsen können wir üben, die Highlights und Schatten zu machen. Wenn wir uns vorstellen, dass die Sonne wieder oben links ist , wird die hervorgehobene Seite näher an der Sonne sein und die Schattenseite befindet sich auf der anderen Seite des Zweigs. den Stamm und die Zweige als Röhren vorstellen wird es etwas einfacher machen , wenn es um die Schattierung geht. Wenn Sie feststellen, dass diese Methode zu Zweigen führt , die etwas zu steif aussehen, können Sie die Spiralmethode oder die Slinky-Methode ausprobieren. Ich fing an, einen großen alten Wirbel zu zeichnen und diesen mit der Haut oder der Rinde des Baumes zu skizzieren. Ich finde, dass dies eine wirklich großartige Möglichkeit ist, große alte verdrehte Äste wie auf einer Eiche zu zeichnen . Dies führt zu einigen wirklich funky Ergebnissen [NOISE] und es kann Ihnen wirklich helfen, sich zu lockern und die Dinge etwas organischer aussehen zu lassen und dieses steife Zweig-Syndrom zu vermeiden. Wie gesagt, müssen Sie irgendwann nicht für jede einzelne Zeichnung all diese Arbeit durchlaufen . Aber mit diesen Übungen zu beginnen, ist eine wirklich großartige Möglichkeit, dieses Wissen, dieses ganze Konzept, in deinen Kopf zu verfestigen . Ich ermutige Sie wirklich, auf diese Details zu achten , wenn Sie nach draußen gehen. Wenn du das nächste Mal irgendwohin gehst, halte Ausschau nach Felsen, Bäumen und Ästen. Fangen Sie an, die kleinen Details zu erfahren, die Sie sehen. Je mehr Sie Ihre interne visuelle Bibliothek füllen, desto besser werden Sie. Wir wissen, dass Bäume nicht nur Stämme und Äste sind, sondern vor allem etwas los ist. Die Blätter oder das Laub oder das Baldachin, wie auch immer Sie es nennen möchten. Wir machen eine einfache Übung, damit Sie, wenn Sie draußen gehen und einen Baum sehen, den Sie zeichnen möchten, mit einfachen Formen beginnen und dann langsam das Detail aufbauen können . Wir beginnen mit einer Eiche, die normalerweise einen großen Stamm hat, sich in verschiedene Stücke teilt. Fangen wir mit drei Boxen an. Sie im ersten zwei Zeichnen Sie im ersten zwei oder drei überlappende Kreise. Zeichne dann ein paar Ovale darunter , die sich mit einem einzigen Punkt verbinden. Sie können dies entweder erneut im zweiten Feld zeichnen oder einfach das erste Feld als Referenz verwenden. Aber dieses Mal möchte ich, dass Sie, anstatt dieselben einfachen Formen zu wiederholen , einige scharfe Linien zeichnen , die diese Kreise umreißen. Versuchen Sie dann, einen organischeren, natürlich aussehenden Stamm zu zeichnen , diese ursprünglichen Ovale darstellt. Du siehst, dass ich mir einen zusätzlichen Zweig hinzugefügt habe. In der dritten Box werden wir dies ein bisschen mehr verfeinern und ein bisschen Schattierung hinzufügen aber wir werden es immer noch einfach halten. Ich verwende diese einfache Richtungsschraffur, die ich dir früher gezeigt habe , um die Schatten darzustellen. Wenn ich mir vorstelle, dass die Sonne über dem Baum liegt , werden die Schatten unter den Blättern oder auf der Unterseite des Baldachins erscheinen . Dasselbe am Stamm und den Zweigen. Es gibt zumindest einige große Schatten, die von der Überdachung oben auf den Baum fallen . Sie können diese Methode verwenden mit sehr einfachen Formen zu beginnen und langsam zu einer detaillierteren Zeichnung zu arbeiten , bevor Sie mit dem Malen beginnen. Dies kann Ihnen helfen, sich mit den Bäumen vertraut zu machen , die Sie betrachten und einige Übungsläufe mit der Komposition sowie Schatten und Highlights zu machen . Wie hell und dunkel etwas ist oder die Werte werden so wichtig sein, wenn wir anfangen zu malen. daran zu gewöhnen, diese schnellen kleinen Studien und Wertskizzen zu machen, wird später sehr hilfreich sein. Ich zeige dir, wie ich meine Blätter zeichne. Normalerweise beginne ich mit einer Katzenaugenform oder vielleicht einer leicht abgeflachten Zitrone [LACHEN]. Wenn ich Laubhaufen zeichne, versuche ich viele verschiedene Formen und Größen herzustellen. Ich möchte nicht, dass irgendetwas zu einheitlich aussieht oder merklich ein einzelnes Muster wiederholt. Aber selbst mit ein paar dieser einfachen sich überlappenden Formen können wir schnell eine Ansammlung von Blättern darstellen, können wir schnell eine Ansammlung von Blättern darstellen aber manchmal gehe ich nicht einmal so detailliert ein. Anstatt jedes einzelne Blatt zu zeichnen, zeichne ich diese schnörkeligen Cluster, die ich im Grunde nur die Form all dieser einzelnen Blätter skizziere . Ich werfe vielleicht ein paar Zeilen oder Kreise und mache es einfach ein bisschen aufzulösen. Sie müssen nicht jede einzelne Leitung verbinden. Sie können dort viel Platz lassen denn wenn Sie dies malen, werden dies nur Vorschläge für den Umriss der Blätter sein und den Schmerz oder die Farben, die Sie hinzufügen, den Rest erklären. Zeichnen wir einen sehr einfachen Baum zusammen. Wir beginnen mit unseren Gestenlinien und zeichnen die Äste, die sich von diesem Mittelpunkt aus nach oben und außen bewegen . Wie Sie sehen können, habe ich meinen Bleistift ziemlich schnell bewegt und ich habe nicht wirklich viel vom Papier gehoben , also bekomme ich viele skizzenhafte verbundene Linien. Dies ist nur die zugrunde liegende Struktur und wir werden oben etwas Tinte machen. Um die obigen Blätter darzustellen, zeichnen wir zunächst einige sehr einfache Kreise. Der richtige Begriff für diese riesige Blattfläche über dem Stamm ist übrigens diese riesige Blattfläche die Krone des Baumes. Die Krone des Baumes ist oft viel breiter als die Basis oder der Stamm des Baumes. Jede Art von Baum ist anders, wie Sie sehen werden, je mehr Sie aus Lebens- oder Referenzfotos zeichnen. Wenn ich anfange, mit meinem Stift zu zeichnen, versuche ich ihn ein bisschen locker zu halten. Noch einmal versuche ich zu vermeiden, steife, peinlich aussehende Zweige zu machen. In gewisser Weise versuche ich mich selbst mit der Richtung zu überraschen , in die ich die Zweige fließen lasse. Ich habe eine allgemeine Vorstellung davon, wohin sie gehen sollen, aber im Moment versuche ich wirklich, es unvorhersehbar zu machen. Im Allgemeinen versuche ich einfach, viele perfekte Winkel zu vermeiden. Einige der Zweige werden aus der Vorderseite des Stammes kommen und einige von ihnen werden zurückliegen. Wie ich bereits erwähnt habe, müssen wir nicht hier sitzen und jedes einzelne Blatt in die Krone des Baumes zeichnen , aber mit dem darunter liegenden Kreis oder die Anleitung, die ich gezeichnet habe, kann ich anfangen, einige der Blätter zu platzieren und verbinden Sie diese dann auf vereinfachte Weise. Dies geschieht nicht nur um den äußeren Teil der Krone, sondern auch nach innen, wo die Äste in die Krone hinaufgehen. Einige dieser vereinfachten Blätter befinden sich hinter den Ästen und einige von ihnen sind oben auf dem Zweig gezeichnet , wo sie hinter den Blättern verschwinden. Ich neige dazu, meine Formen zwischen kreisförmiger und stacheliger zu wechseln . Es hängt nur davon ab, welche Art von Baum ich zeichne und wie grob er aussehen soll. Ich verwende meine Marker , um zu demonstrieren, wie ich die Werte in dieser Studie sehen würde. All diese Blätter , die ich hinter den Ästen gezeichnet habe , werden ein bisschen beschattet. Es muss zunächst nicht der dunkelste Bereich sein, wir können mit unserem Mittelton beginnen. Hinzufügen von ein paar einfachen Markierungen in die Krone des Baumes wird dazu beitragen, dass die Krone etwas voller aussieht. Dies sind nur einfache Markierungen die den Umriss nachahmen, den ich benutzt habe. Denken Sie nun an die kleine Studie zurück, die wir zuvor gemacht haben, denken Sie darüber nach, wie die Blätter oben einen Schatten auf die Zweige werfen. Da unsere Baumstämme ohnehin oft dunkler sind als die oben genannten Blätter, verwende ich dort eher eine dunklere Farbe und dunklere Werte. Mit einem dunkleren Grau kann ich anfangen, einige dieser Schatten hinzuzufügen. Wenn es um Werte geht, ist alles relativ. Sie vergleichen ständig einen Wert mit einem anderen Wert. Wenn ich darüber nachdenke, wie die Blätter eines Baumes oft viel leichter sind als der Stamm, möchte ich nicht, dass reines Weiß am Stamm verbleibt. Wenn ich den Stamm ein wenig verdunkle, werden die Blätter oben viel heller aussehen. Eine gute Hausaufgabe besteht darin, ein paar verschiedene Arten von Bäumen mit der einfachen Methode zu zeichnen . Für eine Kiefer beginne ich vielleicht mit einer Kegelform statt mit einem Kreis, und der Stamm wird viel gerader sein. Da Kiefern Kiefernnadeln haben, verwende ich eine andere Art von Markierung, wenn ich den Baldachin zeichne. Anstelle dieser abgeflachten Zitronen oder [LACHEN] kreisförmigen Blätter werde ich lange stachelige Markierungen zeichnen. Dies ist nur eine super einfache, vereinfachte Methode zum Zeichnen von Kiefernnadeln. Das Hinzufügen von etwas Schatten unter diesen Markierungen wird dazu beitragen, dem Baldachin Tiefe zu verleihen. Noch einmal unter der Krone füge ich etwas dunkleren Schatten auf den Stamm. Dies zwingt den Stamm im Weltraum rückwärts und es fühlt sich an, als würde er unter dieser großen Krone sitzen. Dies war eine lange Lektion und wir haben viel abgedeckt, aber dies ist eine der wichtigsten Lektionen , die alles andere tun werden. Ich ermutige Sie wirklich , eine Reihe von Seiten in Ihre Skizzenbücher zu füllen und diese Techniken zu üben. Wenn es hilft, habe ich einige Vorlagen und Fotos von allem, was ich getan habe, in die Klassenressourcen aufgenommen allem, was ich getan habe, in , damit Sie darauf verweisen können. 9. 2.4 Value: [MUSIK] Bevor wir über Komposition sprechen, sprechen wir über Werte. Denn letztendlich sind Werte das Wichtigste in unseren Zeichnungen und Gemälden, und ohne die Bedeutung von Werten zu verstehen können wir nicht hoffen, Komposition zu verstehen. Jetzt wissen Sie das wahrscheinlich schon, aber Werte in Bezug auf Kunst bedeuten, wie hell oder dunkel etwas ist. Wir neigen dazu, darüber in Form eines Spektrums nachzudenken , von Ihrem hellsten bis zu Ihrer dunkelsten Dunkelheit. Dies kann je nachdem, welche Materialien Sie verwenden, variieren. Im Fall dieser Zeichnung haben wir hier unsere dunkelste Dunkelheit und unser hellstes Licht ist eigentlich das Papier. Alles dazwischen befindet sich in einem Spektrum zwischen diesen beiden. Etwas, das ich wirklich nützlich finde, ist eine Notan-Skizze zu machen. Notan ist ein japanisches Wort, das helldunkle Harmonie bedeutet. Wenn wir skizzieren, versuchen wir, die perfekte Balance von Licht und Dunkel zu finden . Dies ist eine wirklich großartige Übung, besonders wenn es darum geht, die Komposition unserer Zeichnungen und Gemälde zu gestalten . Aber ein Referenzfoto zu machen und es in eine einfache Schwarz-Weiß-Zeichnung zu verwandeln , kann eine Herausforderung sein. Ich benutze dieses Foto, das ich im Auto gemacht habe, als Beispiel. Manchmal hilft es, unsere Referenzen zu entsättigen. Reden wir darüber, davon zu gehen. Werte können helfen zu kommunizieren , was in einer Zeichnung wichtig ist. Das menschliche Auge wird vom Kontrast angezogen. Die Hauptsache, an die ich denke, wenn ich meine Wertestudien mache, ist, zieht dieser Bereich das Auge an oder nicht? Denn letztendlich ist das wichtig. Als Künstler erschaffen wir unsere eigene kleine Welt auf unserem Papier und wir haben die Macht, die Aufmerksamkeit unseres Betrachters dorthin zu lenken, wo wir wollen. Natürlich müssen wir wissen, was unsere Absichten sind. In diesem Fall fühlte ich mich wirklich von den schönen Linien angezogen , die mich zurück in die Landschaft führten. Um dies in meiner Zeichnung festzuhalten, konzentriere ich mich darauf, diese Linien zu erstellen, sei es durch Büsche, Bäume, Zäune oder den Farbunterschied in den Feldern selbst. In der Notan-Skizze haben wir jedoch zwei Werte, schwarz oder weiß oder in diesem Fall grau. Sich zu zwingen, die Dinge in diese beiden Werte zu vereinfachen , wird dazu beitragen, eine wirklich starke Wertstruktur im endgültigen Gemälde zu schaffen . Diese schnellen Notan-Skizzen zu machen, ist auch eine großartige Gelegenheit, mit verschiedenen Kompositionen zu spielen. Zum Beispiel ändere ich hier den Winkel der Linien, die mich zurück in die Landschaft bringen. Auf dem Referenzfoto sind sie viel horizontaler, was in Ordnung ist, aber ich fand es nicht so interessant. Um alles in diese beiden Werte zu vereinfachen , schiele ich meine Augen auf die Referenz. Dies reduziert die Sättigung, wodurch eine gewisse Ablenkung beseitigt wird. Es vereinfacht alle Formen und Werte. In meinem Kopf übersetze ich das, was ich als dunkle Formen sehe, in reines Schwarz und alles, was leichter ist, wird durch die Farbe des Papiers oder meinen hellen Wert dargestellt . Notan-Skizzen sollen schnell und locker sein und die Werte vereinfachen. Von hier aus können wir noch einen Schritt weiter in eine detailliertere Wertstudie gehen. Jetzt verwende ich eine Kombination aus dem Referenzfoto und meiner Notan-Skizze. Wenn mir etwas in der Notan-Skizze nicht gefallen hat, ist jetzt meine Chance, es zu ändern. Ein kurzer Tipp ist, dass alles in der Ferne tendenziell etwas weniger kontrastig ist. In unserer Werteskala könnten Dinge in der Ferne irgendwo in die Mitte fallen. Wenn Schwarz unser dunkelstes Dunkel ist und Weiß unser hellstes Licht ist, wird der Mittelgrund tendenziell ein Mittelgrau sein. Noch einmal muss eine Wertstudie wie diese nicht detailliert beschrieben werden. Sie können sehen, dass ich eine sehr einfache Form verwende Dinge mit vertikalen Linien für meine Bäume zu skizzieren und im Vordergrund zu skizzieren und zu schattieren vertikalen Linien für meine Bäume , wenn ich die Gräser mache, vielleicht kann ich ein bisschen mehr gebrauchen diagonale oder sogar horizontale Formen. Mein Ziel bei einer Wertstudie ist es, mir einen Leitfaden oder eine kleine Karte dafür zu geben einen Leitfaden oder eine kleine Karte , wie ich Dinge malen werde. Während ich das mache, denke ich über die Farben nach, die ich später auf diese Bereiche anwenden werde. Aber natürlich spreche ich über Farbe, sobald wir in den Malunterricht einsteigen. Ab jetzt in der Skizze habe ich so ziemlich bei einem mittleren Grau und natürlich dem Weiß des Papiers geklebt . Das Auge mag aufgrund dieser diagonalen Linien bereits durch die Landschaft fließen , aber ich kann besser darauf lenken, das Auge dorthin zu lenken , wo ich mehr Fokus haben möchte. Wenn ich anfange, die Vordergrundgräser zu verdunkeln und ihnen mehr Kontrast und einen tieferen Wert zu geben, wird das Auge dorthin gezogen. Ein sehr häufiger Anfängerfehler oder vielleicht nur eine Lektion, ich auch durchgemacht habe, ist, dass wir dazu neigen, nicht genug Dunkelheit zu verwenden, genug Kontrast, entweder in unseren Aquarellen oder in unseren Zeichnungen. Es gibt ein Zögern , das passieren könnte. Aber je mehr du dich dazu drängst, diese dunkleren Dunkeln auszuprobieren, desto mehr wirst du belohnt. Probieren wir das hier aus. Lassen Sie uns in diesen Vordergrundbereichen noch dunkler werden und sehen, was für einen Unterschied das ausmacht. Ich drehe meinen Bleistift auf die Seite, um eine breitere Markierung zu erhalten, und ich verwende viel mehr Druck, um diesen Graphit wirklich auf die Seite zu legen. Plötzlich steht unser Vordergrund im Mittelpunkt. Dieser intensive Kontrast erregt unsere Aufmerksamkeit. Es ist besonders auffällig, wenn man das Vorher und Nachher vergleicht. 10. 2.5 Einführung in die Komposition: Es ist sehr hilfreich , die Regeln zu kennen bevor Sie sie brechen oder Ihre eigenen erfinden. Beginnen wir mit der Drittelregel, denn ich denke, dass dies am zugänglichsten und am einfachsten zu verstehen ist zugänglichsten und am einfachsten zu verstehen und am einfachsten in einem Ihrer Kunstwerke zu verwenden ist. Hier ist ein klassischer Anfängerzug. Übrigens bin ich in diesem Fall der Anfänger. Dies ist eine meiner früheren Landschaften. In dieser Szene steht der Wasserfall im Mittelpunkt. Ich habe den Wasserfall direkt in die Mitte gestellt. Das machen die meisten Anfänger so ziemlich , weil unser Verstand so funktioniert. Der Mittelpunkt des Gemäldes oder des Fotos ist das Wichtigste. Nun, das kann es sein. Eines der Probleme dabei ist jedoch, dass es ein statischeres Gemälde erzeugt. heißt, unser Auge konzentriert sich auf das Zentrum und hat keinen Grund , woanders hinzugehen. Es ist eine sehr natürlich bequeme Komposition für menschliche Augen, einfach an einem Ort zu bleiben. Wenn Sie jedoch versuchen, ein dynamischeres Gemälde zu erstellen , bei dem das Auge des Betrachters in der gesamten Szene bewegen soll , können wir einige Tricks verwenden. Die Drittelregel bedeutet einfach, dass die Leinwand sowohl horizontal als auch vertikal in Drittel unterteilt ist . Idealerweise möchten Sie etwas Fokus, ein wichtiges Element, das dort fällt, wo sich diese Linien kreuzen. Es gibt vier Bereiche, die passieren könnten. Wie Sie sehen können, habe ich in diesen Bereichen nichts von Bedeutung. Versuchen wir, Dinge ein wenig zu beschneiden und zu bewegen und zu sehen, ob wir das schaffen können. Einschneiden von etwa der Hälfte des Gemäldes gab mir dieses Ergebnis. Jetzt fallen der Wasserfall und die Bäume unten links in diese Kreuzungen. Wenn wir sie nebeneinander vergleichen, können wir einige wichtige Unterschiede erkennen. Im ersten Bild auf der linken Seite wird der Großteil der Leinwand von allem anderen als dem Fokus aufgenommen. Manchmal ist das in Ordnung. Aber in diesem Fall gibt es viele Elemente, die die Aufmerksamkeit aus dem Fokus nehmen. Zum Beispiel haben wir im Vordergrund eine riesige Fläche von Gräsern und Feldern, ohne dass viel los ist. Am Himmel passiert etwas Interessantes mit dem Zickzack der Berge, aber das ist auch der Fokus und schickt unser Auge vom Rand der Leinwand nach oben. Die neue beschnittene Komposition bietet dem Betrachter etwas mehr Richtung. Ob sie es wissen oder nicht, sie werden davon gesteuert, wie Elemente nebeneinander erscheinen. Zum Beispiel wiederholen sich diese starken vertikalen diagonalen Elemente auf sehr einheitliche Weise. Darüber hinaus verlässt die Mehrheit dieser sich wiederholenden Muster nicht an einer Stelle aus der Leinwand, so dass das Auge tendenziell im Mittelbereich und im Fokus bleibt . Während ich über die Drittelregel sprach, haben Sie vielleicht gehört, wie ich dort ein paar andere Begriffe wie Muster und Bewegung werfen würde. Es gibt so viele verschiedene Aspekte der Komposition. Es ist wirklich schwierig , ein einzelnes Element zu verbessern, weil sie alle eine wichtige Rolle spielen. Aber lasst uns über eine andere sprechen, die ich sehr ansprechbar finde, nämlich tonale oder kontrastreiche Komposition. In diesem Fall spreche ich von Kontrast wie im Licht und was dunkel ist. Wenn sich ein helles und ein dunkles Element treffen, entsteht ein hoher Kontrast. Dies ist sehr attraktiv für das menschliche Auge. Dies ist ein Gemälde, das ich vor ein paar Jahren gemacht habe, es ist eigentlich ein Remake meines allerersten Landschaftsgemäldes. Aber wie auch immer, als ich dieses Gemälde gemacht habe, dachte ich nicht wirklich über Komposition nach wie an Farbe. Eines der wirklich coolen Dinge, die ich jetzt merke, ist jedoch , dass diese Elemente aufgrund all der Übung, die ich gemacht hatte , zu jeder Zeit im Hinterkopf waren. Sie kamen durch mein Unterbewusstsein heraus. Wenn ich dieses Bild seziere, gibt es definitiv einige Fehler, die ich beheben könnte und wahrscheinlich jetzt viel besser machen könnte. Aber lassen Sie uns über einige der Funktionsweise der Komposition sprechen. Wenn Sie den ersten Blick auf das Gemälde werfen, ging Ihr Auge wahrscheinlich direkt den Himmel oder vielleicht einige der großen Felsformationen. Wenn du anfängst, deine Augen wandern zu lassen, siehst du einige der subtilen Details im Vordergrund. Vielleicht bemerken Sie sogar das Zickzack-Muster, das Sie vom Vordergrund zurück in die Ferne führt. Aber selbst wenn wir die Farbe von diesem Gemälde entfernen, das attraktivste Stück, der Fokus, liegt das attraktivste Stück, der Fokus, auf der hohe Kontrast , bei dem diese Felsformationen auf die Wolken treffen. Deshalb wird das Auge so stark dorthin gezogen. Wenn man das mit der Farbe kombiniert, ist es noch leistungsfähiger. Wenn wir in die Malstunde kommen, werde ich über die Farbtheorie sprechen, ich erwähne kostenlose Farben. Kostenlose Farben fallen auf die gegenüberliegende Seite des Farbrads und sie sind sehr attraktiv, wenn nebeneinander platziert werden. Ich meine nicht, dass sie wunderschön sind, ich meine, dass sie das Auge anziehen. Aber wie Sie sehen können, ist es schwierig, über ein Element des Designs oder der Komposition zu sprechen , ohne über etwas anderes wie Farbe zu sprechen. in der Landschaftsmalerei Wenn wir in der Landschaftsmalerei über tonale Komposition sprechen, ist es wichtig zu verstehen, dass jede Farbe einen Eigenwert oder einen Ton hat. Einige Farben sind dunkel, und wenn diese Farben neben anderen dunklen Farben platziert werden , haben sie scheinbar einen sehr niedrigen Kontrast. Ich nutze diese Idee im Vordergrund. Meine Farbauswahl ist in Bezug auf den Tonwert sehr ähnlich und erzeugen daher nicht so hohen Kontrast und ziehen das Auge genauso an. Sie fragen sich vielleicht, was ist mit der Drittelregel? Ich dachte, das sei wichtig. Nun, all diese Regeln oder Konzepte sind nur Werkzeuge. Sie helfen Ihnen dabei, dynamische Kompositionen zu erstellen , wenn Sie sie benötigen, aber Sie müssen sich nicht religiös an eine der Regeln halten. Lassen Sie uns dieses Gemälde jedoch so beschneiden, dass es der Drittelregel entspricht und sehen, was wir denken. Aber bevor wir das tun, nehmen Sie diese weitläufige Landschaft auf. Im Moment stehen Sie weit weg von diesen Felsformationen, Sie können viele Details im Vordergrund sehen, Felsen und Gräser, und Sie nehmen diesen großen, weitläufigen Himmel auf. Wenn wir uns so einschneiden, dass die Gesteinsformation an einer dieser Kreuzungen befindet, entsteht eine sehr erfreuliche Komposition. Wir verlieren jedoch ein bisschen von expansiven Gefühl , das wir zuerst hatten. Es ist einfach etwas , woran ich denken könnte , als ich das Originalgemälde entworfen habe , um eine etwas dynamischere Landschaft zu schaffen. Die Felsformation fällt nicht nur auf eine dieser Kreuzungen, sondern die Horizontlinie folgt die gesamte Länge dieser Linie. Dies schafft eine schöne angenehme Balance. Der große, helle, schöne bunte Himmel nimmt den Großteil des Gemäldes auf, aber das wird durch die dunkleren, kontrastreicheren Elemente an dieser Kreuzung im Endergebnis ausgeglichen kontrastreicheren Elemente an . Ich bin mir sicher, dass einigen von euch das Originalgemälde besser gefällt und andere mögen diese abgeschnittene Version. Wie wir wissen, liegt Schönheit im Auge des Betrachters. So viele Menschen hängen an dem Konzept, die perfekte Komposition zu kreieren, auf. Oder sie denken über die Geometrieregeln der Komposition nach, wie die Drittelregel oder den goldenen Mittelwert. Für einen Anfänger können diese Regeln entmutigend und einschränkend sein und etwas von der Freude nehmen, die Sie beim Erstellen empfinden , weil Sie sich Sorgen machen , es nicht richtig zu machen. Es gibt Hunderte, wenn nicht Tausende von Büchern zu diesem Thema geschrieben. Obwohl sie hilfreiche Tools sein können, gehe ich dieses Thema gerne ganz anders an. Anstatt über Kompositionsregeln nachzudenken, versuche ich einfach, eine Szene zu erstellen , die das Auge in Bewegung hält. Ich kann verschiedene Methoden wie Farbe, Kontrast, Skalierung anwenden, und wenn ich es richtig mache, kann ich den Blick auf jeden Punkt auf der Seite lenken, aber hauptsächlich denke ich darüber nach, wie das Auge durch das Gemälde lenken kann und behalte es in Bewegung. Ich möchte nicht, dass die Augen von jemandem ohne Grund in einem Bereich stecken bleiben. Für mich dreht sich alles um Balance. Aber wenn Sie mehr Kunst erstellen und sehen, und das ist wichtig, Kunst zu betrachten, werden Sie sensibler für erfolgreiche Kompositionen. Anfangs mag es etwas zufällig erscheinen, aber oft trifft ein Künstler während des Malprozesses Dutzende von Entscheidungen um ein angenehmes Gleichgewicht zu schaffen. Schauen wir uns ein paar Beispiele an und ich erkläre das, während wir gehen. Mein Ziel bei diesem Gemälde war es, eine weitläufige Landschaft zu schaffen und den Blick durch das Gemälde zu ziehen , wie von Ihnen oder dem im Auto, der auf der Reise geht. Die Namensstraße ins Nirgendwo verrät diese Idee, aber ich musste immer noch Design verwenden , um den Punkt zu vermitteln. Um das Auge durch das Gemälde zu bewegen, entschied ich mich für eine verdrehte windige Straße, die in Wirklichkeit genau so ist , wie es im Hochland ist. Insgesamt führt Sie diese Straße vom Vordergrund des Gemäldes und durch den ganzen Weg nach hinten und darüber hinaus. Ich ahme diesen Effekt nach, indem die Berge auch in die Ferne verblassen lasse. Aber ich verwende auch Perspektive und Skalierung. Die Berge werden kleiner , wenn sie in die Ferne zurückgehen und die Straße auch kleiner und dünner wird . Value spielt auch eine Rolle in diesem Design. Der Himmel ist hell mit diesen nebligen Wolken, und diese Helligkeit wird im Vordergrund nachgeahmt genau dort, wo Sie das Gemälde auf die Straße betreten. Während es in den kleinen Tälern steigt und fällt und in die Ferne geht , gibt es auf jedem dieser Berge oder Hügel ein kleines Highlight . Die Verwendung von Wert auf diese Weise und das Erstellen dieser wiederholbaren Formen hilft das Auge zurück in die Ferne zu führen. Etwas, worüber ich auch gerne nachdenke, ist, dass ich nicht möchte das Auge des Betrachters aus irgendeinem Grund vom Rand der Seite fliegt . Manchmal kann dies passieren, wenn Sie einen großen offenen Raum an einer der Kanten lassen einen großen offenen Raum an einer der oder keinen offensichtlichen Weg haben , auf dem ihr Auge wieder in den Fokus kommt. In diesem Gemälde liegt der Schwerpunkt eigentlich auf negativem Raum. Es geht darum, dass Licht durch den Wald strömt. Ich verwende diese starken hellen Sonnenstrahlen in einer Diagonale, um das Auge des Betrachters durch das Gemälde zu bewegen. Aber um das Auge des Betrachters in diesem Raum zu behalten, verdunkle ich die Ränder des Gemäldes mit diesen starken dunklen Bäumen. Diese starken vertikalen Elemente wirken dieser diagonalen Bewegung der Sonnenstrahlen entgegen. Wenn sich das verbindet, bekommt man einen schönen Fluss zwischen allen Elementen des Gemäldes. Ich weiß, dass das Nachdenken während eines einzigen Gemäldes ziemlich überwältigend sein kann , besonders auf den ersten Blick. Aber bitte wisse, dass es nicht alles auf einmal passiert. Im Laufe der Zeit, je mehr Gemälde Sie machen, desto mehr Gemälde sehen Sie und je mehr Sie in einem Gemälde entdecken, was Sie mögen werden diese Dinge dabei natürlicher. Hier sind die Wertestudien über die wir gesprochen haben, nützlich. Nutze sie als Gelegenheit , verschiedene Kompositionen zu erforschen. Versuchen Sie, Bäume in verschiedene Bereiche zu legen und sehen Sie, was das bedeutet. Lässt es dein Auge durch das Gemälde fließen oder bleibst du an bestimmten Elementen hängen? Diese kleinen Übungsläufe sind großartig, bevor sie in ein Gemälde springen. Aber denken Sie daran, Sie lernen mit jedem Bild, also wissen Sie einfach, dass Sie im Laufe der Zeit besser werden. 11. 2.6 Einführung in die Perspektive: [MUSIK] Wir werden uns auf zwei Arten von Perspektiven für Landschaften konzentrieren , von denen eine eine lineare Perspektive und die andere atmosphärische Perspektive sein wird, auch bekannt als Luftperspektive. Wir sprechen in der Farbstunde in Modul 3 über Luft- oder Atmosphärenperspektive , aber ich gebe Ihnen den kurzen Überblick, damit Sie eine Idee haben. Grundsätzlich ist die atmosphärische Perspektive die Wissenschaft, die erklärt, warum Elemente, die weiter von uns entfernt sind, blau, wertvoller, weniger detailliert, manchmal sogar verschwommen erscheinen können . Es hat damit zu tun, wie sich Farbe durch die Landschaft bewegt und mit der Atmosphäre interagiert. Zwischen uns und diesen entfernten Elementen ist viel los. Wenn es um das Zeichnen geht, können Sie dies tun, indem diese entfernten Elemente leichter und weniger detailliert halten. In der Malerei können wir dies noch einfacher darstellen, da wir unsere Farben stärker zum blauen Ende des Spektrums neigen können . Aber auch hier werden wir in der Farbstunde darüber sprechen. lineare Perspektive ist viel technischer. Es gibt drei Arten von linearer Perspektive, einen Punkt, zwei Punkte und drei Punkte. Wenn Sie einen formellen Bildungskurs absolvieren, werden Sie wahrscheinlich viel Zeit damit verbringen , diese Fähigkeit zu entwickeln. Ich weiß, dass das alles sehr technisch klingen wird, aber ich gebe Ihnen Beispiele für alles. Ein grundlegendes Verständnis von all dem zu haben, ist wirklich alles, was nötig ist, um loszulegen. Ich empfehle dringend , dass Sie einige Zeit in Ihrem Skizzenbuch verbringen , um diese zu erkunden. Es ist wichtig, die Grundlagen der Perspektive zu verstehen , bevor wir uns mit der Landschaft befassen. Wie wenn es darum geht, Schatten zu malen, fallen diese Schatten zu jeder Zeit von der Sonne ab. Wir können die Perspektive verwenden , um die Winkel zu verstehen , in die die Schatten fallen können. Wenn die Sonne hinter einigen Bäumen liegt, können wir einige Richtlinien erstellen, die helfen, zu bestimmen, wo die Schatten fallen werden. Während Landschaften etwas verzeihender sind, wird es besonders wichtig sein, die Grundlagen der Perspektive zu verstehen , wenn es um urbanes Skizzieren geht. Das Wunderbare ist , dass Sie, selbst wenn Sie keine Richtlinien oder Lineale oder ähnliches verwenden, dennoch glaubwürdige Perspektiven und interessante Gemälde schaffen können . Über diese grundlegenden Regeln für ein, 2 und 3 Punkte hinaus haben wir etwas anderes sehr Wichtiges mit Perspektive, und das ist Größe. Die Größe spielt in diesem Fall eine Rolle. Werfen wir einen Blick auf diese alte Illustration als Beispiel. Stellen Sie sich vor, Sie laufen durch den Wald und stoßen auf dieses verzauberte Hexenhäuschen. Wenn Sie sich dem Mondtor nähern, hören Sie ein Kätzchen in den Blättern in der Nähe rascheln und riechen etwas, das über dem Feuer bröstet. All diese kleinen Details, die ich aufgenommen habe , erzählen einen Teil einer Geschichte, aber ich musste die Perspektive verwenden , um dies etwas glaubwürdig zu machen. Das Konzept, wie groß oder klein Objekte im Vergleich zueinander sind , hat lange gedauert, bis ich selbst herausfand , und erst als ich einen Figurzeichnungskurs nahm , wurde mir klar , dass Bedeutung davon. Wenn Sie jemals eine menschliche Figur gezeichnet haben, dann wissen Sie, dass die Hand so groß ist wie das Gesicht, und wenn sie näher am Betrachter ist wie vor der Figur, wird sie noch größer erscheinen als manchmal der ganze Körper. In Landschaften ist es das Gleiche. Hier haben wir dieses Feuer und wenn wir das Feuer mit der Größe des Hauses und der Entfernung vergleichen , offensichtlich im wirklichen Leben wäre ein Feuer offensichtlich im wirklichen Leben nicht größer als ein Haus oder zumindest nicht diese Art von Feuer, Eine Katze wäre auch nicht so groß wie die Tür, aber kleine visuelle Hinweise wie diese, selbst in einer Fantasielandschaft, werden wirklich dazu beitragen, die Geschichte zu erzählen und glaubwürdiger zu machen. Wenn wir über Perspektive sprechen, müssen wir verstehen, was eine Horizontlinie ist und was ein Fluchtpunkt ist. Eine Horizontlinie ist eine imaginäre Linie, die in der Ferne existiert. Es ist im Grunde unsere Augenhöhe in einer bestimmten Szene. In diesen Zeichnungen repräsentiere ich das mit dieser rosa Farbe. Unser Fluchtpunkt existiert an der Horizontlinie. Ein-Punkt-Perspektive haben wir einen einzigen Fluchtpunkt. Zeichnen wir das in die Mitte unserer Horizontlinie, um zu beginnen. Da die Horizontlinie vorschreibt, wie wir die Szene betrachten, unter die Horizontlinie zeichnen es sich anfühlen, als würden wir über ihnen stehen und auf sie herabschauen, wenn wir Dinge . Wenn wir Dinge über die Horizontlinie zeichnen, wird es so aussehen, als würden wir auf die Objekte starren. Wenn wir Dinge vor unsere Horizontlinie zeichnen oder Dinge, die sich kreuzen, wird es so aussehen, als wir sie direkt anstarren. Zeichnen wir ein paar Kisten als Beispiele. Mit einer Ein-Punkt-Perspektive finde ich es am einfachsten, mit dem Zeichnen der Vorderseite eines Objekts und in diesem Fall die Vorderseite der Box zu beginnen . Lassen Sie uns unten und dann oben und dann vor der Horizontlinie zurückgreifen , damit Sie den Unterschied in diesen Perspektiven erkennen können . Als nächstes verwenden wir ein Lineal und verbinden alle Ecken dieser Objekte mit dem Fluchtpunkt. Ich verwende eine grüne Farbe, damit es offensichtlich ist, dass dies unsere Richtlinien sind. Ein schneller Tipp, um dies schnell und einfach zu machen , ist es, Ihren Bleistift auf den Fluchtpunkt zu legen, das Lineal gegen die Bleistiftspitze zu drücken und dann die andere Ecke mit dem Lineal auszurichten und die Linie. Jetzt können wir die Seiten unserer Kisten zeichnen. Unter Verwendung der Richtlinien, die ich gerade gezeichnet habe, verwende ich eine vertikale parallele Linie, um die Rückseite der Box zu erstellen und dann eine Verbindung zur Vorderseite herzustellen. Ich verwende die gleiche Methode oben, obwohl die Oberseite offensichtlich eine horizontale Linie sein wird . Versuchen Sie es nur zum Spaß mit einer gepunkteten Linie, um die Rückseite der Box zu zeigen , als würden wir uns die Box mit Röntgenaufnahmen ansehen. Da ich alle Seiten der Box ziemlich gleich tief gemacht habe , sieht es eher wie ein Würfel aus, aber was ist, wenn wir etwas Länglicheres wollen? Ziehen Sie einfach die Rückseite der Box weiter weg, näher an den Fluchtpunkt. Die gleiche Methode kann angewendet werden, wenn wir eine sehr dünne Box wünschen. Ziehe die Rückseite der Box näher an die Vorderseite der Box. Sie können sehen, dass Sie, wenn sich das Objekt vor der Horizontlinie befindet, den oberen oder unteren Teil des Objekts nicht wirklich sehen können. Es ist, als würden wir das Objekt geradeaus anschauen. Wie wär's mit einem Zylinder? Beginnen wir mit einem Kreis, und mit unserem Lineal werden wir die Richtlinien überspringen. Wir platzieren das Lineal an der oberen Kante und am unteren Rand dieses Kreises und zeichnen es so weit nach unten, wie wir es wollen. Wenn wir es länger wollen, werden sie näher an den Fluchtpunkt gebracht und wir werden dieselbe Krümmung am Ende der von uns gezeichneten Linien nachahmen . Ich schattiere es ein, damit du dir eine Vorstellung davon machen kannst, wie rund es ist [NOISE]. Wir können diese Methode für jede gewünschte Form verwenden. Lasst uns versuchen, etwas wirklich Verrücktes zu zeichnen. Verwende etwas mit Kurven und Punkten, und dann werden wir sehen, wie wir uns mit ihnen verbinden können. Um es einfacher zu machen, verbinde ich normalerweise zuerst die Außenkanten, und dieses Mal zeichne ich sie bis zur Horizontlinie, um die seltsame Form wirklich zu betonen. [GELÄCHTER] Ich zeichne meistens Linien, wo immer es einen Punkt gibt. Wenn ich eine gekrümmte Form oder eine gekrümmte Kante habe, muss ich nicht immer eine Linie zeichnen, manchmal kann dies rein mit Schattierungen dargestellt werden, die ich Ihnen in einem Moment zeigen werde. Hier zeige ich ein bisschen Schattierung, anstatt eine durchgezogene Linie zu zeichnen, und es hat den Punkt, dass es sich um eine weiche gekrümmte Kante handelt. [NOISE] Jetzt wird die Zwei-Punkte-Perspektive etwas schwieriger, aber es macht viel Spaß. Mit Zwei-Punkte-Perspektive haben wir normalerweise eine Ecke eines Objekts, die uns gegenübersteht. Wir sehen uns in einer Sekunde was ich meine. Zeichnen wir diesmal zwei Fluchtpunkte, einen an jedem Ende unserer Horizontlinie. Ich zeichne kastenförmige geometrische Formen und zeichne eine unten, oben und wieder vor die Horizontlinie. Um dies einfach zu halten, beginnen wir mit nur einer einzigen Zeile die jede dieser Formen darstellt. Lassen Sie uns als Nächstes einige Richtlinien zeichnen , die vom oberen und unteren Rand dieser Linien zu beiden Fluchtpunkten reichen. Wenn es einfacher ist, die Dinge gerade im Kopf zu halten , kein Wortspiel beabsichtigt, [LACHEN] versuche zuerst alle Richtlinien auf einen Fluchtpunkt zu ziehen zuerst alle Richtlinien auf einen Fluchtpunkt und dann auf die andere Seite zu wechseln. Genau wie zuvor werden wir zuerst die Seiten unserer Kisten zeichnen . Anhand unserer Richtlinien zeichnen wir die parallelen Linien erneut und verbinden diese dann mit der vorderen Ecke. [NOISE] Versuchen Sie, diese parallelen Linien auszubreiten und sehen Sie, wie weit Sie zurück in die Ferne gehen können. Es erzeugt eher eine längliche Kante. [NOISE] Lassen Sie uns einige Richtlinien erstellen uns helfen , unsere Formen zu vervollständigen. Zuerst verbinde ich die rechte Seite meiner Box mit dem linken Fluchtpunkt. [NOISE] Dann verbinde ich die linke Seite meiner Boxen mit dem rechten Fluchtpunkt. Jetzt kann ich einfach die Form verfolgen, die ich gerade gemacht habe. [NOISE] Wieder einmal können Sie sehen, dass Objekte vor der Horizontlinie nicht wirklich oben oder unten zeigen. Lassen Sie uns nun zur Drei-Punkte-Perspektive übergehen, die komplizierteste, aber derjenige , die zum meisten Realismus führen wird. Ich klebe ein Stück Papier auf die Rückseite dieses Papiers, um mir mehr Platz zu geben, um den oberen Fluchtpunkt weiter weg zu schaffen . Du wirst in einer Sekunde sehen, was ich meine. Wir können mit einer Zwei-Punkte-Perspektive beginnen, indem zwei Fluchtpunkte an beiden Enden unserer Horizontlinie zeichnen. Dann fügen wir so weit wie möglich einen weiteren Fluchtpunkt weit oben hinzu. Für diese Demo zeichne ich einen Turm. Ich möchte damit beginnen, den Boden meines Turms zu zeichnen, und um es wirklich einfach zu halten, mache ich nur ein kleines Zeichen für die vordere untere Ecke meines Turms, und dann zeichne ich meine Richtlinien von dieser vorderen unteren Ecke des Turms bis zu den Fluchtpunkten , die an meiner Horizontlinie existieren. Dann benutze ich meinen dritten Fluchtpunkt und verbinde der unteren vorderen Ecke meines Turms. Nach diesen Richtlinien kann ich nun die Basis meines Turms zeichnen. Wo auch immer diese aufhören, verbinde ich diesen Punkt dann mit meinem dritten Fluchtpunkt. Es sieht fast aus wie eine Weihnachtsbaumform. Dann kann ich die hintere Kante meines Turms zeichnen. Ich ziehe es nicht bis zum dritten Fluchtpunkt, ich halte kurz und zeichne auch die Mittellinie oder die vordere Ecke meines Turms. Die Spitze dieser Linie wird ein bisschen größer sein als die, die ich gerade gezeichnet habe. Um die Oberkante unseres Turms zu finden, beginnen wir mit unserem Bleistift ganz oben in der vorderen Ecke, die wir gezeichnet haben, und verbinden ihn mit dieser unteren Fluchtpunkte und dann verfolge diese Richtlinie, um die obere Kante zu erstellen. Hier sehen Sie, dass ich einige überschüssige Linien über den oberen Teil meines Turms habe , das lag daran, dass ich ein bisschen vorangekommen bin und zuerst nicht alle meine Richtlinien gezogen habe. Im Laufe der Zeit wird es viel einfacher, die verschiedenen Perspektiven ohne die Richtlinien zu zeichnen , und man kann viel Spaß haben und manchmal sogar übertreiben, aber diese Regeln kommen normalerweise ins Spiel spielen Sie, wenn Sie Gebäude oder Zäune oder eine andere geometrische Form in Ihrer Landschaft sehen. Wenn es um Bäume und andere organische Formen geht, ist es viel verzeihender. 12. 3.1 Einführung in die Farbtheorie: [MUSIK] Value erledigt die ganze Arbeit und Farbe erhält den ganzen Kredit. Aber warum ist das so? Warum ist Farbe so mächtig? Nun, das ist ein riesiges Thema für sich und etwas, das Sie wahrscheinlich jahrelang alleine studieren könnten , aber ich werde Ihnen eine Einführung in die Farbtheorie geben , die zumindest bekommen wird Du hast auf deinem Weg des Skizzierens der Natur angefangen. Aber lassen Sie uns schnell darüber sprechen, wie Farbe unsere Wahrnehmung der Welt um uns herum verändern kann . In der Designwelt haben wir untersucht, wie Bewohner in einem Raum von den von Ihnen gewählten Farben beeinflusst werden. Wenn Sie intensive Energie oder Leidenschaft hervorrufen möchten, verwenden Sie Rot. Wenn Sie Ruhe und Harmonie und ein Gefühl von Ruhe hervorrufen möchten, verwenden Sie Blues und Greens. Aber wenn es um das Malen von Landschaften geht, möchten Sie einerseits genaue Farben mischen und schöne Weise darstellen, was vor Ihnen liegt oder Sie möchten Ihre eigenen Farben verwenden , die Sie ausmachen kreiere deinen eigenen Stimmungssinn oder erzähle eine bestimmte Geschichte. Oft werden Künstler in Fantasy-Artworks oder Bilderbuch-Illustrationen eine Vielzahl von Farben verwenden , die in der realen Welt niemals zu finden wären, aber sie verwenden Farbe, um ihre Geschichte zu erzählen. Sprechen wir darüber, wie man Farben in einer Landschaft mischt. Hast du das jemals gesehen? Es ist ein Farbrad, und viele Leute haben verschiedene Versionen dieses Rades gemacht und Sie können eine Menge davon im Internet finden . Diese ist insbesondere so organisiert, dass eine Idee repräsentiert wird, die in der Landschaftsmalerei äußerst wichtig ist . Es gibt etwas, das als Temperatur in Farben bekannt ist. Ohne hier zu wissenschaftlich zu werden, bezieht es sich im Grunde darauf, wie warm oder wie cool eine Farbe ist. Wie Sie vielleicht wissen, besteht jede Farbe aus verschiedenen Wellenlängen, und diese Wellenlängen prallen Dingen in unserer Umgebung ab und treffen unsere Augäpfel. So nehmen wir wahr, welche Farbe das sind sie. Wenn wir das natürliche Farbspektrum nehmen und es in eine Radform oder einen Kreis wickeln , bekommen wir das. Warum habe ich auf Rot, Gelb und Blau hingewiesen? Nun, diese werden als Vorwahlen bezeichnet. Primärfarben bedeuten nur die Farben , aus denen jede andere Farbe des Spektrums gemischt werden kann. Wenn Sie Rot, Gelb und Blau auf Ihrer Palette haben , können Sie so ziemlich jede Farbe mischen. Es gibt viele verschiedene Gelbtöne, viele verschiedene Blaue und viele verschiedene Rottöne. Sie können sehen, dass Sie, wenn Sie Rot und Gelb mischen , Orange, Gelb und Blau erhalten , was Ihnen Grün, Blau und Rot verleiht Ihnen Lila, und es gibt so viele Variationen innerhalb dieser Mischungen , die Sie erstellen können. Zurück zum Farbrad über warme und kühle Farben, wie Sie sehen können, sind Rot und Gelb auf der warmen Seite und Blau ist auf der kühlen Seite. Wenn es um die Farbmischung geht, je mehr Blau Sie zu einer Mischung hinzufügen, desto kühler wird die Farbe. Je mehr Gelb du hinzufügst, desto wärmer. Es wird jedoch etwas verwirrender, wenn man zwei Gelbtöne nebeneinander vergleicht, eines ist warm und eines kühl oder zwei Rottöne, ein kühles Rot und ein warmes Rot. Aber wenn Rot auf der warmen Seite des Spektrums ist, wie kann es als cool angesehen werden? Nun, Farbe ist immer relativ. Wenn Sie also zwei Rottöne miteinander vergleichen, wird einer von ihnen wärmer erscheinen und einer wird cooler erscheinen. Es ist einfach die natürliche Art, wie unsere Augen funktionieren. Wir vergleichen immer Farben. Wenn Sie jemals jemanden über ein warmes Blau oder ein kühles Blau sprechen hören , ist dies der Grund. Normalerweise liegt ein warmes Blau daran, dass ein bisschen mehr Rot darin eingemischt ist. Es erscheint uns immer noch blau, aber es hat ein bisschen mehr Rot. In einer Landschaft werden Sie sich größtenteils darum kümmern, die Farben zu verwenden , die zwischen den Vorwahlen liegen, sehr selten benötigen Sie eine reine Primärfarbe. Manchmal sieht man dies in künstlichen Gegenständen oder Blumen oder Tieren, aber viel häufiger verwenden wir gedämpftere Töne oder Grautöne oder Brauntöne, und das führt mich dazu, wie Sie es verwenden können die Farbkarte, um herauszufinden, welche Farben Sie mischen müssen. Einer der Gründe, warum Menschen ein Farbrad herstellen oder kaufen und es in ihrem Studio oder draußen bei sich behalten , ist , dass sie schnell eine Farbe betrachten und auf die gegenüberliegende Seite des Farbrads schauen können die gegenüberliegende Seite des Farbrads schauen und sehen Sie, welches kostenlos ist. Kostenlose Farben fallen auf die gegenüberliegende Seite des Rades. Rot und Grün sind Komplimente. Wenn sie nebeneinander stehen, lassen sie sich gegenseitig lebendiger erscheinen. Es gibt eine Vibration, die zwischen ihnen passiert. Es ist ein faszinierendes Thema für sich selbst, man kann darüber lesen. Aber hier, lasst uns ein kleines Experiment machen. Ich möchte, dass du dich auf diesen weißen Punkt konzentrierst. Während ich rede, starre es einfach so hart du kannst an. Versuche nicht zu blinzeln und versuche zu sehen, ob es sich bewegt. Nun, der weiße Punkt selbst bewegt sich nicht, aber Sie haben vielleicht das Gefühl Ihre Augen ein bisschen zu jittern beginnen. Manche Leute sagen, dass ihre Augen auf einer Minutenskala zucken, aber das ist nur eine natürliche Schwingung, die passiert. Fast fertig, starre weiter auf den weißen Punkt und er ist weg. Jetzt sehen Ihre Augen wahrscheinlich einen kleinen Schatten, wo der weiße Punkt früher war. Was ist der Sinn dieses Experiments? Ehrlich gesagt wollte ich euch nur zeigen, dass hinter den Kulissen so viel mehr passiert, was wir als Menschen kaum wahrnehmen können. Wenn Sie tiefer in die Farbtheorie und das Spektrum und all diese erstaunlichen Themen eingehen möchten , empfehle ich Nathan Fowkes auf schoolism.com. Er ist jemand, der mich umgehauen hat, als ich anfing, etwas über Farbe zu lernen. Aber jetzt tauchen wir zurück in die Landschaftsmalerei ein. ist äußerst nützlich, Ihre kostenlosen Farben zu kennen. zwei Ergänzungen miteinander mischen, erhalten Sie eine viel gedämpftere Version dieser Farbe. Wenn Sie mehr gedämpfte Grüns malen möchten, fügen Sie ein bisschen Rot hinzu. Nicht zu viel, nur ein winziger Hinweis und das wird diese Lebendigkeit automatisch senken. Es wird ein viel angenehmeres Grün erzeugen, ein viel natürlicheres Grün als ein superhelles Grün direkt aus der Tube. Haben Sie jemals bemerkt , dass Objekte weit entfernt in der Ferne unserer Landschaften wie Berge oder Wälder, was immer näher am Horizont liegt dazu neigen, etwas blauer oder verschwommener aussehen? Es sieht einfach anders aus als das, was uns näher liegt. Dies ist die sogenannte atmosphärische Perspektive. Im Laufe der Geschichte wurde dies auch als Luftperspektive bezeichnet. Aber ich wollte es atmosphärische Perspektive nennen Sie daran zu erinnern, dass das, was in der Atmosphäre um uns herum vor sich geht , einen großen Unterschied in den Farben macht , die wir sehen. Wellenlängen springen zwischen den Objekten und unseren Augen. Wenn sie weiter durch die Atmosphäre reisen müssen, manchmal Teilchen und andere Dinge im Weg. Dies ist besonders an einem nebligen oder nebligen Tag übertrieben. Das Wasser in der Luft verhindert physisch, diese Wellenlängen weit weg in der Ferne zurück zu unseren Augen reisen . Italienische und europäische Renaissancekünstler waren die ersten, die dies in ihren Gemälden verwendeten. Sie erkannten, dass sie, um dieses Aussehen einer weitläufigen Landschaft zu erreichen , nicht nur eine lineare Perspektive verwenden mussten, wie groß oder klein Objekte im Vergleich zueinander sind, aber sie mussten ihre Farben mit Bedacht benutzen. Sie können in den fernen Elementen ihrer Bilder sehen, dass es weit weniger Kontrast, weniger Sättigung gibt und die Farben neigen sich mehr zum blauen Ende des Spektrums. Ich werde später in den Maldemos etwas mehr darüber sprechen . Nehmen wir an, wir haben einen braunen Ball , der unseren Baum darstellt. Dieses Braun ist die lokale Farbe oder die tatsächliche Farbe des Baumes. Unser Baum ist draußen. Wir haben einen Himmel und wir haben etwas schönes grünes Gras, und wir haben auch eine Sonne, eine Lichtquelle und es ist eine glückliche kleine Sonne. Diese Sonne scheint auf unseren Baum und schafft ein Highlight. In diesem Highlight sieht man, dass es etwas wärmeres Braun ist, ein bisschen leichter. Es hat einen Effekt, der unsere lokale Farbe verändert hat, und es wirft auch einen Schatten auf das Gras. Die Sonne scheint auf diesem Gras und es wird all diese grünen Partikel überall abprallen, und diese grünen Partikel werden und diese grünen Partikel werden aufprallen und von unserem Baum reflektieren. Wir nennen das Bounce Light, aber es hört dort nicht auf. Die Sonne sendet auch Licht durch den Himmel und diese blaue Farbe wird auch herumhüpfen auf unsere Oberfläche des Baumes werfen. Wir bekommen etwas von diesem blauen Licht unserer lokalen Farbe abprallt und ihm einen kleinen blauen Farbton verleiht. Dies geschieht nicht nur bei direktem Licht, es kann auch in einer Umgebungslichtszene wie in der Dämmerung oder bei Nacht geschehen , wenn es keine direkte Lichtquelle gibt, sondern das Licht am Himmel leuchtet. Es prallt immer noch all diese Farben rundherum, und diese Farben werden auf unsere lokale Farbe geworfen und diese Farben werden auf unsere lokale Farbe geworfen, sie leicht tönen und von allen Objekten oder Oberflächen in der Nähe abprallen Bereich wie das Gras. Natürlich können Sie diese Regeln nach Bedarf für Ihre Landschaft biegen und optimieren , aber die Verwendung von aufgepralltem Licht kann unseren Gemälden wirklich viele Interessen und Tiefe verleihen. Unabhängig von Ihrer lokalen Farbe können Sie immer noch mit dieser Idee spielen. Hier habe ich ein Dunkelblau als Grundfarbe verwendet, und dann springe ich diese schattigen Töne auf der Schattenseite herum und warme Töne auf der hellen Seite. Ich weiß, dass das alles viel zu tun ist. Lassen Sie es uns vorerst ein wenig wieder auf die Erde bringen und über das Mischen von Farben sprechen. Ich zeige dir ein paar Farbkarten, die das Leben so viel einfacher machen. Denn ohne wirklich zu wissen, welche Farben wir mit den Röhren mischen können, die wir besitzen, werden wir Schwierigkeiten haben, eines dieser Farbkonzepte in unseren Landschaften anzuwenden . Das erste, was Sie tun sollten, wenn Sie Farbe kaufen , ist ein Musterblatt zu machen. Dies ist eine einfache Übung, um herauszufinden, welche Farben Sie besitzen. Manchmal ist die auf der Tube gedruckte Farbe nicht so, wie sie auf Papier aussieht und die Namen können oft täuschen. wird sehr wichtig sein, ein Musterblatt als Referenz zu haben , bis Sie sich mit Ihren Farben vertraut machen. Irgendwann wird es zur zweiten Natur und Sie müssen diese nicht so oft referenzieren. Musterblätter zeigen uns, wie unsere Farbe direkt aus der Tube aussieht. Dies ist ein guter Ausgangspunkt, um sich an Ihre Farben zu gewöhnen , bevor Sie überhaupt in das Mischen springen. Um mehr Vielfalt dessen zu sehen, was mit einer Farbe direkt aus der Tube möglich ist , lasse ich das Papier normalerweise zuerst nass und verwende dann auf einer Seite schweres Pigment und lasse es langsam bluten und am anderen Ende verdünnter werden. Ich kann sehen, wie es aussieht, sehr pigmentiert und sehr verdünnt. Ich mache genau das Gleiche für meine Gouache. Sobald ich meine Musterblätter habe, ist es Zeit für etwas Farbmischung. Ich habe eine Art von Farbmischtabelle , die ich mehr liebe als jede andere Art und tatsächlich eine der nützlichsten ist. Es nennt sich eine zweifarbige Grafik. Getreu seinem Namen bedeutet dies, dass wir zwei Farben miteinander mischen, aber auf eine Weise, die uns die große Auswahl an Mischungen zeigt die große Auswahl an Mischungen wir zwischen diesen beiden Farben erreichen können. Wir beginnen mit einer Farbe auf einer Seite. Das ist Quinacridon Magenta. Die zweite Farbe, die ich verwende, heißt Anthrachinonblau. Ja, ziemlich verrückter Name, aber es ist ein wirklich schönes tiefes Blau. Ich beginne auf einer Seite mit hauptsächlich Magenta und jedem einzelnen Pinselstrich, ich habe nur ein kleines bisschen Blau eingeführt. Während ich mich auf die rechte Seite arbeite, füge ich immer mehr Blau hinzu und schließlich wird der letzte Pinselstrich reines Blau sein. Auf dem Weg dorthin kann ich die Farbe verdünnen, wenn ich noch mehr Abwechslung sichtbar haben möchte , weil wir dies in unseren tatsächlichen Gemälden machen. Das übergeordnete Ziel ist es, ein schönes Spektrum zwischen den beiden Farben zu haben und so viel Abwechslung wie möglich zu zeigen. Wenn dir das ein bisschen zu viel ist, kannst du so etwas Kleines machen. Das ist meine Reiseversion. Es sind nur ein paar Farben, aber schauen Sie sich die große Auswahl an Farben an, die ich mischen kann. das zur Hand habe, wenn ich draußen bin, besonders an der Küste, wo ich ständig versuche, eine Vielzahl von Farben zu mischen, benutze ich das ständig. [HINTERGRUND] 13. Grundlagen der Malerei: Wenn ich draußen male, bin ich Hybrid-Maler. Ich verwende Aquarell und Gouache austauschbar und verwende eine Vielzahl anderer Materialien wie Bleistift, Stift, Tinte und Marker. Meine Philosophie ist es, alles zu verwenden was nötig ist , um die Arbeit zu erledigen. Ich arbeite gerne schnell und ausdrucksvoll, daher bevorzuge ich Wassermedien, wenn ich draußen male weil sie sehr tragbar sind und schnell trocknen. Für die Zwecke dieses Kurses spreche ich über diese Materialien. Wenn es um meine Materialien geht, verwende ich gerne ein minimales Setup mit maximaler Qualität. Ich kaufe die maximalen Qualitätsvorräte, die ich mir leisten kann, aber ich brauche keine Tonne verschiedener Farben oder jede Menge verschiedener Pinsel. Ich bevorzuge eigentlich eine begrenzte Auswahl an Farben und ein oder zwei wirklich schöne Pinsel und wenn ich irgendetwas spritze, wird es mein Papier sein, denn Papier macht einen großen Unterschied in Leistung. Wenn Sie jemals billiges Aquarellpapier verwendet haben und Schwierigkeiten hatten, selbst die grundlegenden Techniken zu machen, ist es nicht Ihre Schuld. Papier macht tatsächlich einen großen Unterschied mit Aquarell. Die Hauptsache, an die Sie sich erinnern möchten, ist, dass das beste Aquarellpapier aus 100 Prozent Baumwollfasern hergestellt wird . Dies macht das Papier saugfähiger und je nach Unternehmen und wie es das Papier fertigstellt, wird es viel besser funktionieren und es Ihnen ermöglichen, jede Technik, die Sie sich vorstellen können, mit Aquarell durchzuführen. Verschiedene Techniken umfassen Nass - und Glasur- und Trockenbürste. Ich werde über diese Techniken sprechen, damit Sie sich eine bessere Vorstellung davon machen können , wie Sie die Materialien verwenden können, wenn Sie draußen sind. Aber lasst uns zuerst über Paletten sprechen , denn Sie brauchen eine davon , wenn Sie draußen malen. Sie können zurückgehen und sich alle Materialien ansehen, die ich gerne in der vorherigen Lektion über die einfache Luftmalerei verwende. Aber lassen Sie mich schnell erwähnen, dass sich meine Vorräte ständig weiterentwickeln. Ich probiere immer neue Dinge aus und im Laufe der Zeit wurde mir klar, dass einige Dinge , die früher gut für mich funktionierten, mir nicht mehr dienen. Ich versuche einfach offen darüber zu bleiben und benutze das, was mir im Moment passt. Im Studio verwende ich diese faltbare Silbenpalette, die 18 Farben enthält und da ich gerne meine eigenen Farben mische, sind ein paar davon auf dieser Palette tatsächlich meine benutzerdefinierten Mischfarben. Sie können etwas Geld sparen, wenn Sie die Grundfarben kaufen und Ihre eigenen Grüns, Violett und Orangen mischen . Ich gebe dir einen kurzen Überblick über die Vorräte , die ich gerne im Studio verwende. Normalerweise habe ich eine Handvoll Pinsel aller [LACHEN] verschiedenen Formen und Größen. Normalerweise verwende ich gerne runde und spitze Pinsel für Aquarell und die flacheren Pinsel für Gouache. Aber manchmal ändere ich das. Es ist auch sehr nützlich, einige Papierhandtücher oder wiederverwendbare Lappen zu haben einige Papierhandtücher oder wiederverwendbare Lappen , um Ihre Pinsel abzuwischen und beim Malen etwas überschüssiges Wasser aufzusaugen. Sie können sogar alte Cut-up-T-Shirts verwenden. Wir brauchen irgendeine Art Wasserschiff. Ich benutze das gleiche seit vier Jahren und natürlich unsere Farbe und unser Papier. Wenn Sie Aquarell oder Gouache verwenden , die in einer solchen Pfanne getrocknet werden, ist es sehr hilfreich, etwas Wasser darauf zu werfen , damit es vielleicht fünf, 10 oder sogar 15 Minuten weich werden kann vielleicht fünf, 10 oder sogar 15 Minuten bevor du anfängst zu malen. Ich versuche es nicht in Wasser zu ertränken, aber ich muss genug benutzen, damit es es vollständig bedeckt und in dieses Pigment eindringen kann. Hochwertige Aquarelle können nass und immer wieder wiederverwendet werden. Ich bin zwischen den Malsitzungen jede Nacht trocken und ich nasse es am nächsten Tag wieder und es ist bereit zu gehen. Die erste Technik, die ich demonstrieren werde, ist nass bis nass und speziell wie man einen Farbverlauf erzeugt. Wir würden einen Farbverlauf im Hintergrund unserer Bilder verwenden , besonders am Himmel. Für diese Art von Dingen verwende ich gerne meinen iPad-Halter und neige das Papier in einem Winkel von 45 Grad nach oben. Dies ermöglicht es dem Pigment, auf natürliche Weise mit der Schwerkraft nach unten zu fließen und es erzeugt einen weicheren Gradienten. Eine typische Faustregel bei Aquarell ist, dass die Farbe überall fließen möchte, wo das Wasser ist. Egal, ob Sie das Papier zuerst nass machen oder Aquarell ablegen und mehr hinzufügen möchten, wo immer sich der Rand des Wassers befindet, die Farbe möchte hineinfließen. Für einen Farbverlauf habe ich gerne etwas Wasser auf dem Papier , damit die Farbe sofort fließen kann und einen wirklich weichen Effekt erzeugen kann. Aquarell trocknet leichter, und einer der häufigsten Anfängerfehler und nicht einmal nur für Anfänger, ich mache es immer noch manchmal, nicht genug Pigment zu verwenden. Wenn Sie anfangen, Ihre Pigmentpfütze zu mischen , bevor Sie sie verwenden, scheint es, als würde sie wirklich hell sein. Aber sobald es getrocknet ist, merkt man oft, dass es nicht ganz genug war. Aber hier kommt die Praxis ins Spiel. Bevor ich in ein Gemälde springe, mache ich einen solchen Übungslauf, bei dem ich übe, meine Pfützen zu mischen und wirklich zu bemerken, wie sie auf der Palette aussehen , bevor ich es auf das Papier auftrage. Auf diese Weise bin ich besser informiert, wenn ich in mein letztes Bild springe . Ich zeige dir tatsächlich, was mit einem Farbverlauf nicht zu tun ist. In der Regel wollen wir ein bisschen schneller arbeiten. Wenn wir unsere Farben nicht schnell genug ineinander legen, werden wir am Ende drei separate Farben haben , die nur miteinander sortiert werden. Dies kann natürlich für bestimmte Dinge nützlich sein. Aber an einem Himmel wollen wir normalerweise keine großen Farbsträhnen wie diese sehen, aber das ist eine großartige Lernübung. Lass es uns nochmal richtig machen. Diesmal benetze ich mein Papier nicht vor , weil ich zeigen möchte , dass du diesen Effekt trotzdem erzielen kannst , ohne das zu tun. Dieses Mal beginnen wir mit einer Farbe und führen langsam die nächste Farbe in jeden Pinselstrich ein. Nachdem ich mein Gelb niedergelegt habe, werde ich langsam anfangen, das kleinste bisschen Rosa einzuführen und ein oder zwei Pinselstriche zu machen und dann ein bisschen mehr Rosa und mache noch ein oder zwei weitere. Ich werde diese Strategie über den gesamten Verlauf hinweg fortsetzen und mich nur darauf konzentrieren, meine Farbe langsam einzuführen. Dies wird am Ende zu einem viel glatteren Gradienten führen . Es braucht etwas Übung und Gewöhnung. Aber machen Sie noch einmal ein wenig Übungslauf wie diesen, bevor Sie in ein letztes Gemälde springen und es wird viel besser dran sein. Ein kurzer Ratschlag ist, zu versuchen, die Farbe nicht zu stören, sobald Sie einen Pinselstrich beendet haben. Sie können ein oder zwei Mal über dieselbe Stelle gehen, aber nicht, wenn sich die Pigmente im Papier festsetzen. Wenn ich an diesem Punkt zurückgehen und versuchen würde, alles anzupassen, was ich getan habe, würde ich am Ende Streifen und allerlei seltsame Flecken und Dinge bekommen, die ich nicht will. Aber Sie können sehen, dass der Farbverlauf, den ich beim zweiten Mal gemacht habe , etwas glatter ist. Aber das rosafarbene Rot und das Blau sind optisch immer noch ein wenig merklich getrennt, was nicht ideal ist, also würde ich auf jeden Fall darauf achten, wenn ich das in einem echten Himmelsgemälde mache. Ich verwende diese spezielle Technik eigentlich nicht für Steigungen, wenn ich meinen Himmel male, ich bevorzuge es, etwas lockerer und ausdrucksvoller zu sein. Ich liebe es, das Pigment schnell fließen zu lassen und natürlich auf dem Papier zusammenbluten zu lassen. Diese Spontaneität liebe ich an Aquarell. Lass uns einen Gradienten machen, den ich gerne an meinem Himmel mache. Dieses Mal fange ich von unten an und arbeite mich nach oben. Der Grund ist, dass dies zu einem viel aktiveren Pigmentfluss führen wird. Schwerkraft macht hier ihr Ding und weil Sie bereits etwas Pigment ablegen, wird alles, was Sie darauf und darüber legen, in diesem Fall schnell über das Papier fließen. Denn denken Sie an diese Regel, die ich gesagt habe, wie Aquarell gerne fließt, wo es schon nass ist. Ja, das sieht man hier auf jeden Fall bei der Arbeit. Ich wurde auch etwas dunkler, weil ich weiß, dass meine Farbe viel leichter trocknen wird. Sie können bereits sehen, wie viel leichter und mehr Pastell die beiden verbleibenden Beispiele sind. Jetzt für eine trockene Pinsel-Technik, die eine meiner Lieblingsmethoden ist interessante Texturen zu erzeugen. Was ich an nassen Medien liebe , ist, dass man diese schöne weiche Farbe mit einer rauen und kontrastreicheren Farbe kombinieren kann diese schöne weiche Farbe mit . Um eine trockene Pinselstruktur zu erzeugen, versuchen wir, zu erzeugen, versuchen wir eine perfekte Balance zwischen genügend Pigment auf unserem Pinsel und nicht genug Wasser schaffen, so dass bei einem Pinselstrich nur die Pigment löst sich ab. Grundsätzlich lässt man den Pigmentstaub über die Oberfläche dieses rauen Papiers , da es weniger Wasser gibt es nicht sofort in die Fasern eindringt. Es sitzt ein bisschen mehr oben. Dies ist übertrieben, wenn Sie sehr raues oder kaltgepresstes Papier verwenden , das eine Menge Textur auf der Oberfläche hat und wenn Sie viel Trockenpinsel zusammenschichten, können Sie so interessant erstellen Auswirkungen. Für mich kombinieren die interessantesten Aquarellbilder eine schöne Balance dieses weichen Nasses nasser und trockener Pinselstruktur. Wie bereits erwähnt, verwende ich gerne Gouache und Aquarell zusammen. Es gibt einige Zusätze , die Gouache undurchsichtig machen und vollständig matt trocknen, so dass sie keine Reflexion hat, was ideal für Illustrationsarbeiten ist, die fotografiert oder gescannt werden müssen , und verwandelte sich später in ein digitales Bild. Aber es sieht auch persönlich einfach so schön aus. Für mich ist es fast so, als würde man sich flüssige Pastelle ansehen , wenn das eine Sache wäre. Da Aquarell und Gouache ein ähnliches Bindemittel haben, können sie leicht gemischt werden. Normalerweise beginne ich gerne ein Gemälde mit Aquarell oder einer verdünnten Version von Gouache, wenn ich mein Aquarell nicht bei mir habe. Wenn ich dann die Tiefe der Szene aufbaue, füge ich weiterhin dickere und dickere Gouache hinzu. Es ist großartig, um Details und so viele interessante Texturen hinzuzufügen , und wie gesagt, ich liebe es einfach, wie Gouache aussieht, wenn sie trocknet. Die nächsten Lektionen sind unsere Demos in verschiedenen Situationen, in denen ich Aquarell oder Gouache oder beides verwenden kann, damit Sie sehen können, wie viel Abwechslung wie möglich ist. Natürlich werde ich, während ich die Demos durchgehe, auch über all die anderen Dinge sprechen, die ich in den vorherigen Lektionen erwähnt habe . Lasst uns reinspringen. 14. 3.3 Demo: Watercolor: [MUSIK] Für diese erste Demo verwende ich mein Etchr Cold Press Skizzenbuch, das ziemlich grobes Papier hat. Es gibt eine Menge Textur auf diesem Papier. Wie ich bereits erwähnt habe, ist es viel einfacher, wirklich schöne, trockene Pinseltexturen zu bekommen , wenn man ein raueres Papier hat. Wenn es darum geht, Steine zu malen, verwende ich gerne Kaltpressepapier. beim Malen mit Aquarell immer daran, dass der hellste Wert, mit dem wir arbeiten müssen, die Farbe des Papiers ist. Sie müssen diese Farbe des Papiers durchscheinen lassen , wenn Sie hervorheben möchten. Normalerweise beginne ich meine Steine, indem ich etwas Farbe nach unten lege und andere Farben berühre , damit sie blutet und zusammen fließt. Felsen haben viele Farbabweichungen. Sie also mit einer mehrfarbigen Schicht wie dieser beginnen, ist der erste Schritt, um einen Teil dieses Realismus zu erreichen. Da dieses Papier zu 100 Prozent Baumwolle besteht, ich genug Zeit, um mit meinen Schichten zu spielen. Ich kann wieder reinkommen und Dinge glätten oder mehr Farbe hinzufügen, aber eine Sache, die ich gerne mache, ist mein Papiertuch so leicht auf der Oberfläche des Aquarells zu berühren leicht auf der Oberfläche des Aquarells und etwas von der Farbe aufzunehmen. Hier siehst du, wie ich den oberen Rand der Felsen berühre und es gibt ihm ein bisschen Highlight. Wenn du genau hinsiehst, siehst du immer noch ein bisschen Farbe darunter, wo ich es mit dem Papiertuch aufgehoben habe . Das liegt daran, dass einige Farben färbender sind als andere. In dem Moment, in dem Sie sie auf das Papier legen, färben sie diese Papierfasern. Dies ist etwas, das Sie im Laufe der Zeit lernen und viele Tests in Ihren eigenen Gemälden machen. Sie werden herausfinden, welche Farben das tun und welche nicht. Die andere Technik, die ich gerne mit Steinen verwende, ist die Verglasung. Also lassen wir das trocknen und dann machen wir eine weitere Schicht darüber. Das wird viel leichter trocknen als es gerade aussieht, was Sie in einem Moment sehen werden. Dann können wir mit der zweiten Schicht beginnen, die Tiefe in den Schattenteilen des Felsens aufzubauen . Aber zuerst werde ich ein paar Grasfarben um die Felsen herum anfassen . Ich habe nur ein bisschen gewartet, bis die Farbe getrocknet ist, sie fängt jetzt an, sich in die Fasern einzutauchen. Aber wenn ich die Farbe des Grases hinzufüge, blutet es nur ein kleines bisschen in meine Steine. Der Zeitpunkt dafür ist natürlich wichtig. Wenn du nicht willst, dass es überhaupt in deine Felsfarbe blutet , musst du etwas länger warten. Aber ich mag es, dass meine Steine ein bisschen Interaktion mit allem haben , was in der Nähe ist. In diesem Fall sitzen sie also auf dem Boden, sie sitzen auf dem Rasen. Mir gefällt die Tatsache, dass es zusammen bluten wird. Während wir die zweite und sogar dritte Schicht der Felsstruktur machen, wird sie die Tiefe aufbauen und wird sie die Tiefe aufbauen und die Felsen so aussehen lassen, als würden sie auf dem Gras sitzen und nicht nur ein Teil von der Boden. Als Referenz werde ich die drei Farben fallen lassen , die ich bisher in diesem Gemälde verwendet habe. Dies ist eine wirklich großartige Übung wenn Sie anfangen, damit Sie sich daran erinnern können, was Sie verwenden, um etwas zu malen. Sobald die Farbe trocken ist, kann ich die zweite Schicht auf den Felsen machen. Ich möchte hier keine zu dunkle Farbe verwenden, ich werde tatsächlich eine sehr ähnliche Farbe wie die erste Ebene verwenden . Aber das Coole ist, dass es exponentiell dunkler und dunkler wird, sobald du anfängst, Aquarell zu schichten . Die darunter liegende Farbe wird ein wenig durchscheinen zur Farbe und den tieferen Werten beitragen. Das ist die Magie der Verglasung. Wenn Sie an die Zeichenstunde zurückdenken in der wir über das Zeichnen von Felsen gesprochen haben, möchte ich sicherstellen, dass ich eine Seite auswähle , die meine Highlight-Seite sein wird, und dann wird natürlich die andere Seite die Schattenseite. Ich lege mehr von der zweiten Farbe auf die Schattenseite und in der Nähe der Felsbasis. Ich muss keine großen, schweren, soliden Pinselstriche verwenden. Ich kann Kleinen gebrauchen, die hier und da zerbrochen sind. Tatsächlich denke ich, dass dies dazu beiträgt, dem Realismus zu verleihen. Jetzt, da wir eine kleine Studie aus dem Weg haben, möchte ich Ihnen zeigen, wie ich dieses Zeug in eine größere Szene zusammenfüge , damit Sie ausgehen und ein Feld oder sanfte Hügel mit Felsen malen möchten oder was auch immer es ist, Sie haben eine Strategie im Kopf. Das Wichtigste zuerst: Beginnen Sie mit einer grundlegenden Skizze. Wenn Sie mit den einfachen Blockstrukturen oder Zapfen oder Kugeln beginnen müssen , was auch immer Ihnen hilft, diese Steine zu ziehen, tun Sie es einfach. Machen Sie sich keine Sorgen darüber, wie seltsam es aussieht und zeichnen Licht genug , damit Sie die endgültige Struktur oben zeichnen können , und es spielt auch keine Rolle ob der Bleistift am Ende durchscheint. Wenn es nur eine solche Studie ist, denke ich, dass es tatsächlich hilfreich ist, die Linienarbeit später zu sehen weil sie mich daran erinnert, was ich zeichnen musste, um das Gemälde zu erledigen. Ich denke, das sind später tatsächlich wertvolle Informationen. Sie können sehen, wenn ich diese Steine skizziere, meine Hand bewegt sich ziemlich schnell und der Hauptgrund dafür ist, dass ich es nicht überdenken möchte. Immer wenn ich mich hinsetze, um Steine oder Bäume zu zeichnen oder irgendetwas, das organischer ist , zeichne ich die gleichen Formen, die gleichen Größen und alles sieht sehr steif aus, wenn ich zu viel über meine Linien nachdenke zeichne ich die gleichen Formen, die gleichen Größen und alles sieht sehr steif aus, und unnatürlich. Ich lasse den Bleistift einfach fließen, und wenn ich hier und da zusätzliche Linien habe, ist es in Ordnung. Sie können diese einfach löschen oder ignorieren, wenn Sie malen. Aber die Hauptsache, an die wir bei Aquarell denken , ist, wo unsere Highlights sein werden , denn das Papier ist unsere Highlight-Farbe. Das ist das hellste, was wir in dem Gemälde kriegen können. Sie von Anfang an darüber nach, wo das Licht in der Szene ist. Welche Seite des Felsens wird die Highlight-Seite sein? Diese bleiben die helleren Bereiche und Sie können langsam die Dunkelheit um sie herum aufbauen. Ich verwende eine Mischung aus Blau, ein bisschen Rosa und ein bisschen Schwarz. Also bekomme ich einen gräulichen Ton und meine erste Schicht ist sehr mit Wasser verdünnt. Nachdem ich diese Grundfarbe gemalt habe, werde ich hier und da einige Variationen mit der gleichen Farbe berühren , nur ein bisschen weniger Wasser, damit Sie sehen können, dass es etwas dunkler ist. Ich lasse das zusammen fließen und bluten , weil ich diese natürliche Variation will. Während ich das mache, erinnere ich mich , dass es leichter trocknen wird, also mache ich mir noch nicht unbedingt Sorgen um die Highlight - und Schattenseite. Das wird nur die Unterschicht sein, und ich male später die Schatten. Denken Sie vorerst nur darüber nach, eine schöne Variation der zugrunde liegenden Farbe zu erhalten. Die Felsen können hier und da variieren. Sie müssen nicht alle genau die gleichen Farben haben. Selbst Felsen, die nahe beieinander liegen, stimmen nicht immer überein. Um zu vermeiden, dass eine harte Linie an der Basis der Felsen liegt, verwende ich einen sauberen Pinsel und fege eine Linie darunter und lasse diese Farbe abbluten. Es wird einfach dahin verblassen , wo das Gras sein wird, und es ist sehr leicht, also wird es keine Rolle spielen. Es macht sehr viel Spaß, mit verschiedenen Farben in unseren Felsen zu spielen . In diesem Fall habe ich beschlossen, ein bisschen warmen Ton hinzuzufügen. Ich mische ein kleines bisschen von meinem verdünnten venezianischen Rot ein. Die Pigmente bluten langsam zusammen und setzen sich ab, wo sie wollen, und ich denke, hier kann man wirklich anfangen zu sehen, wie diese Textur durchscheint. Ich benutze eine Heißluftpistole, um den Trocknungsprozess zu beschleunigen, und ich werde das Video tatsächlich etwas beschleunigen, damit Sie sehen können , wie viel Wertverschiebung es von nass zu trocken gibt. Noch einmal mache ich kleine Farbnoten, um mich daran zu erinnern , welche Farben ich früher gemalt habe. Jetzt, da die Unterschicht meiner Steine trocken ist, ist es Zeit für das Gras. Ich verwende ein sehr verdünntes Grün und male um meine Felsformen herum. dies zu tun, braucht es ein wenig Sorgfalt, aber mit einem schönen spitzen Pinsel ist es ein bisschen einfacher. Es ist in Ordnung, wenn ich die Felsen hier und da ein wenig überlappe , aber ich möchte besonders sicherstellen, dass ich mich nirgendwo überlappe, was ein helles Highlight auf den Felsen sein wird. Aber trotzdem arbeite ich ziemlich schnell daran, hier ein paar nette kaputte und ausdrucksstarke Noten zu bekommen . Sie können sehen, dass ich bis zum Grund des Felsens male , und diese grüne Farbe überlappt sich ein wenig von der Grundfarbe der Felsen. Denken Sie daran, als ich meinen Pinsel unter den Felsen fegte und diese Farbe ausbluten ließ und ins Nichts verblassen habe, deshalb. Es erzeugt einen schönen Fluss zwischen der Felsfarbe und dem Boden. Hier und da berühre ich etwas mehr Pigment oder variiere das Pigment leicht, indem ich vielleicht wärmere Töne wie Gelb oder kühlere Töne wie Blau hinzufüge Gelb oder kühlere Töne wie und einfach versuche, diese große Grasfläche aufzubrechen. Ich füge besonders gerne Gelb und Orangen zu meinen Grasfarben hinzu , um sie ein wenig aufzuhellen und sie sich etwas wärmer anfühlen zu lassen, als würde die Sonne auf das Gras fallen, und dann gehe ich dem mit Blues im Grün auf der Schattenseite der Felsen. Ich mache ein bisschen davon in der ersten nassen Schicht, also ist es ein Nass-In-Nass-Effekt, und sobald das getrocknet ist, kann ich mit noch schattenhafteren Tönen zurückkommen und diese Tiefe aufbauen. Eine Sache, die ich über die nasse nasse Schicht erwähnen möchte , ist, dass Ihre Farben möglicherweise zu stark miteinander bluten, wenn Sie eine Tonne Wasser verwenden . Es ist eine gute Balance zwischen genug Pigment und genug Wasser, damit die Farbe fließt, aber nicht über Bord geht, so dass Sie einfach ein großes, wässriges Durcheinander haben. In Bezug auf meinen Pinselstrik-Stil verwende ich einen sehr spitzen Pinsel und fege die Farbe nach oben, um Grashalme nachzuahmen. Jetzt werde ich diesmal die großen Felsformen mit etwas mehr Schatten aufbrechen , indem ich ein sehr verdünntes Schwarz verwende. Es ist im Grunde reines Grau. Ein Teil dieser zugrunde liegenden Farbe wird durchscheinen, insbesondere je verdünnter das Pigment ist, aber ich möchte Sie davor warnen Schwarz in Ihren Gemälden zu verwenden. Schwarz ist in Ordnung und es ist eigentlich eine wirklich großartige Mischfarbe, aber es entsättigt und neutralisiert Ihre Farbe automatisch . Wenn Sie die Sättigung senken oder gedämpfte Töne erzeugen möchten, ist dies perfekt. Aber wenn Sie nur versuchen, Ihre Werte zu verdunkeln, daran, dass Sie etwas von dieser Sättigung verlieren werden . Sie können ein dunkleres Blau oder Violett oder sogar Rot oder eine Vielzahl dieser Farben verwenden , die miteinander gemischt werden um Ihre Werte zu verdunkeln, anstatt nur Schwarz. Aber in diesem Fall wollte ich mit einer neutraleren Farbe wählen. Mein Ziel bei diesen Pinselstrichen ist es, diese festen Formen einfach aufzubrechen und den Felsen etwas mehr Dimension zu verleihen. In dieser Szene kommt das Licht von hinten links, daher befindet sich der Großteil meiner Schattenfarbe vorne rechts. Ich könnte das Gemälde wahrscheinlich hier lassen und damit zufrieden sein, aber ich zeige dir noch eine Ebene. Jetzt können Sie sehen, wie leicht diese Schicht getrocknet hat. Ich denke, dieses Bild könnte von einer weiteren Schattenschicht profitieren . Insgesamt wird dies meine Gesamtschicht auf dem Felsen auf drei Schichten bringen . Diesmal verwende ich eine bläuliche, schwärzliche, gräuliche Farbe, sehr verdünnt, aber ich werde sie nur dort fokussieren, wo ich meine dunkleren Dunkeln haben möchte. Zum größten Teil wird es unten rechts auf dem Felsen sein oder wo der Felsen das Gras berührt, und dies wird dazu beitragen, die Felsen ein bisschen mehr zu erden. Denn im Moment schwimmen sie nur und mischen sich etwas zu sehr ins Gras. Weil ich diesen zusätzlichen Schritt gemacht habe und den Felsen weitere dunkle Schatten hinzugefügt habe, denke ich, dass es dazu beitragen wird, den Gräsern, die sich direkt neben dem Felsen befinden, etwas mehr Schatten zu verleihen. So wird ein Schatten direkt unter dem Felsen auf den Boden geworfen . Ich verwende die gleiche grüne Farbe wie am Anfang, aber diesmal ein bisschen mehr Pigment, etwas weniger Wasser, damit es etwas dunkler wird. Ich möchte nicht, dass meine Gräser dunkler sind als die Felsen selbst, ich möchte der Szene nur etwas mehr Tiefe verleihen. Auch hier verwende ich eine trockene Pinsel-Technik und staube dieses Pigment über das Papier, damit diese Textur des Papiers durchscheinen kann, was tatsächlich sehr gut für Gräser funktioniert. Dann sind wir ziemlich fertig. Wenn du das selbst ausprobierst, empfehle ich, mit einem Felsen, vielleicht zwei Felsen, zu beginnen und dann langsam die Komplexität deiner Szenen aufzubauen. Es gibt viele Schritte und es wird mit der Zeit einfacher werden, aber es kann zunächst ein bisschen überwältigend sein. Ja, ich beginne gerade mit einer sehr einfachen Szene, um den Dreh aus diesen Schritten herauszuholen und langsam diese Bürstenmeile aufzubauen. 15. 3.4 Demo: Watercolor: [MUSIK] Für diese Demo möchte ich, dass Sie an die Lektion über die Vereinfachung von Formen in der Landschaft zurückdenken . Mit Kreisen oder Quadraten zu beginnen, ist der einfachste Weg. Aber bei Bäumen benutze ich öfter als keine Kreise. Beginnen wir damit, einen Kreis zu zeichnen. Wir werden versuchen , uns unsere Lichtquelle oder die Sonne oben links vorzustellen. Aus diesem Grund wird der Schatten nach unten rechts nach unten geworfen. Ich werde in meinem Schatten schattieren, nur mit meiner vereinfachten Version des Schraffierens mit den parallelen Linien, die ich Ihnen zuvor gezeigt habe. Wir geben ihm einen kleinen Kofferraum und ja, mir ist bewusst, dass das im Grunde wie ein Lutscher aussieht. Dann verwenden wir diese Form als Leitfaden, um unseren Baum daneben zu zeichnen. Anstatt diesen Kreis zu zeichnen, verwenden wir die vereinfachte Version unseres grünen Baldachins. So spitz zulaufende, schnörkelige Linien, die sich um die kreisförmige Form wickeln. Anstatt unten rechts einen soliden halbmondschattigen Bereich zu machen, verwende ich einen gebrochenen Schatten. Ich versuche mir sehr anschaulich vorzustellen, wo all diese Blattgruppen sein würden. Indem es hier und da ein bisschen zerbricht , gibt es ihm ein bisschen mehr Realismus. Natürlich ist dies eine super vereinfachte Version, aber ich möchte nur, dass ihr einfach anfängt und dann arbeiten wir uns in Richtung Realismus vor. Wenn ich den Kofferraum ziehe, gebe ich ihm auch ein paar zusätzliche Zweige. Diese Art von schneller Skizze ist perfekt, bevor Sie in ein Gemälde springen, nur damit Sie die Gesamtformen des Baumes herausfinden können . Als Nächstes springen wir ins Gemälde und folgen der gleichen Strategie. Auf der linken Seite machen wir unseren vereinfachten Kreis mit dem Halbmondschatten, und rechts machen wir unseren Baum mit etwas mehr Details. Aber natürlich ist es immer noch sehr vereinfacht. Zuerst werde ich in meiner Highlight-Farbe liegen, die ein warmes Grün ist. Mit warmem Grün meine ich einfach, dass es viel mehr Gelb gibt als Blau in dieser Mischung. Man sieht, dass es ein helles, fast olivey, gelbliches Grün ist. Dann werde ich ein bisschen von meinem schattigen Grün anfassen, das viel mehr Blau enthält. Aber ich werde das nur rechts und unten anfassen . Ich lasse das einfach auf natürliche Weise zusammenbluten. Ich verwende die gleiche Strategie auf dem Baum auf der rechten Seite. Diesmal werde ich natürlich dem schrocken Rand des Baumes folgen, [LACHEN], also wird es kein perfekter Kreis sein. Ein kurzer Tipp zum Bemalen dieser vereinfachten, belaubten Vordächer ist die Verwendung der Pinselspitze für die spitzen Kanten, die spitzen Seiten der Blätter. Ein runder Pinsel mit etwas Punkt ist perfekt für einen Baum, da Sie die Spitze verwenden können , die viel schärfer und viel spitziger ist, um diese spitzen Blattformen zu erzeugen. Aber die Basis der Bürste, der fette Teil der Bürste, hält viel Wasser und Pigment, sodass Sie nicht ständig nachladen müssen. Sie können also sehen, dass ich normalerweise die Spitze meines Pinsels auf den äußeren Rand dieses Kreises dieses Baumes zeige , um diese spitzen Blattformen zu erzeugen. Der fette Teil des Pinsels bleibt nahe der Mitte dieses Kreises. Für meinen Schatten werde ich noch einmal ein bisschen mehr Blau hineinmischen, damit es kühler wird und ich bleibe an der rechten und unteren Kante. Es ist verlockend, viel Schatten hinzuzufügen, aber denken Sie daran, dass er in Ihre andere nasse Farbe bluten wird. Versuchen Sie also zunächst ein bisschen eingeschränkt zu sein und sehen Sie, wie schnell es fließt. Wir wollen immer noch etwas von diesem hellen, warmen Grün am Ende durchscheinen. Ich werde nicht darauf warten, dass das trocknet bevor ich meinen Stamm male, weil ich persönlich mag, wenn der Baum in den Stamm fällt. Aber Sie möchten vorsichtig sein, wenn Sie dies tun , denn wenn Ihr oberer Bereich, wenn Ihr Grün noch sehr nass ist, könnten Sie möglicherweise einen Großteil des Braunes in diesen Baum bluten lassen. Es ist wichtig, dass Sie Ihr Papier kennen und wissen, wie nass es ist, wenn Sie dies tun. Ich beginne mit etwas englischem venezianischem Rot , einem sehr orangefarbenen Rot, und ich füge ein bisschen Lila hinzu, nur um es leicht stumm zu schalten. Dann male ich das auf und lasse es natürlich trocknen. Wenn Sie Ihre Farbe dazu ermutigen möchten in eine bestimmte Richtung zu fließen, können Sie auch Ihr Papier anheben und kippen. Lass uns das Gleiche mit einer Kiefer machen. Beginnend mit einer sehr vereinfachten Kegelform und dann dem Zeichnen einer stacheligen, schrocken Version davon, werden wir die Form des Baumes angeben, genau wie ich es in der vereinfachten Form gezeigt habe Lektion , als ich über Bäume sprach. Diesmal fange ich für Farbe mit einem etwas kühleren Grün an. Dies liegt vor allem daran, dass sich die immergrünen Bäume etwas mehr auf die kühlere Seite des Grüns lehnen, wenn Sie den Farbunterschied zwischen Laubbäumen gegenüber immergrünen Bäumen beobachten Sie den Farbunterschied zwischen Laubbäumen gegenüber immergrünen . Ich verwende Diopside Genuine als Basisgrün und es ist ein wirklich schönes Grün in der Mitte der Straße. Aber wenn ich meine Schatten hinzufüge, mische ich diesmal mein dunkleres Blau ein, das Anthrachinonblau genannt wird. Es wird ihm diesen wirklich tiefen schattigen Ton geben. Für den Baum rechts verwende ich erneut die Spitze meines Pinsels, um diese stacheligen Äste zu erstellen. In diesem Fall ist es eine sehr vereinfachte Version von Tannennadeln. Meine Pinselstriche beginnen tendenziell von der Mitte des Baumes aus und fächern sich dann nach außen und breiter zur Basis hin. Hier und da muss ich mehr Pigment aufnehmen , aber wenn ich das mache, versuche ich schnell zu arbeiten, damit er sich leicht in den alten einfügt, wenn ich den neuen Pinselstrich hinzufüge. Der Vorteil von 100% Baumwollfaserpapier besteht erneut darin, dass Sie ein bisschen länger mit Ihren Farben spielen, mit Ihren Wäschen und Pinselstrichen spielen können. Es trocknet nicht sofort und es gibt Ihnen am Ende nicht so viele Probleme mit so viele Probleme mit sichtbaren Pinselstrichen, obwohl ich erwähnen werde, dass dies eigentlich auch eine Stilwahl ist . manche Leute sehen gerne einzelne Pinselstriche. Aber wenn Sie diesen sehr weichen Farbverlauf haben möchten, sollten Sie 100% Baumwollpapier verwenden. Kaltgepresstes Papier ist auch ein bisschen verzeihender. Heißgepresstes Papier zeigt tendenziell mehr Pinselstriche, auch wenn es 100% Baumwolle ist. Es ist nur etwas, das beachten sollten, wenn Sie Ihr Papier kaufen. Was ist mit einer Szene mit vielen Bäumen, die sich ziemlich berühren oder überlappen? Dies ist eine Art von Szene, auf die ich in Schottland ständig stoße und ich liebe es, Felder zu malen, die von Bäumen gesäumt sind. Zuerst zeige ich Ihnen, wie ich das zu einer Baumgruppe vereinfachen würde , und dann zeige ich Ihnen ein bisschen ausgezoomter , was ich in einer Szene tun würde, in ich das Feld male und die Bäume säumen die Ränder des Feldes. Ich fange mit den gleichen kreisförmigen Formen an. Hier und da kann ich eine Kiefer hineinwerfen, die natürlich eher eine Kegelform hat, und ich könnte versuchen, die Form leicht zu variieren als würde ich sie abflachen oder ein wenig zerquetschen. Aber das Wichtigste ist , dass sie sich überschneiden. Wenn es etwas einschüchternd ist, eine große Baumgruppe zu machen, fangen Sie vielleicht einfach mit zwei und fügen Sie dann noch einen und dann noch einen hinzu. Fangen Sie also sehr klein, ganz einfach und arbeiten Sie sich dann auf eine Reihe von Bäumen hin , die sich überlappen. Lerne auch aus meinem Fehler und gib dir ein bisschen mehr Platz, um deine Bäume zu zeichnen. Ich habe meine Bäume hier an den Rand meiner Seite gequetscht, aber es ist okay, es hat am Ende geklappt. Ich finde, dass es viel einfacher ist, die Vordergrundbäume und dann die Hintergrundbäume zu zeichnen , denn dann weißt du, wo du deine Linien stoppen musst, damit sie nicht durch die Vordergrundbäume fließen. Aber wenn es um das Malen geht, male ich zuerst meine Hintergrundbäume. Ich glaube nicht, dass es einen besseren Weg gibt, ich habe es in beide Richtungen gemacht, aber es funktioniert einfach besser für mich. Es ist nur so, dass ich gerne weiß, wo meine Hintergrundbäume sein werden, bevor ich in meine Vordergrundbäume male. Möglicherweise stellen Sie jedoch fest, dass es viel einfacher ist , zuerst Ihre Vordergrundbäume zu malen. Ich schlage vor, beides auszuprobieren und zu sehen, welches besser für dich funktioniert. Seit ich mit meiner Kiefer angefangen habe, habe ich ein bisschen kühlere grüne Farbe verwendet, und dann berührte ich den Schattenton , der wieder mein kühler Blauton war, und ich ließ das bluten und fließen im Hintergrund. Eine Sache, an die man sich erinnern sollte, ist , dass Aquarell eher leichter trocknet. Wenn Sie Ihren Schattenton einsetzen und dann super leicht trocknet, kann er immer noch in Ihrer Szene funktionieren. Es ist eigentlich schön, Hintergrundelemente weich und in der Ferne verblasst zu haben . Wenn Sie jedoch Wert und Kontrast zu Ihrem Vorteil verwenden , müssen Sie, wenn dieser Hintergrundbaum etwas dunkler ist, damit der Vordergrundbaum dagegen auftaucht, müssen Sie etwas mehr hinzufügen Pigment. Sie müssen ein bisschen mutiger sein und sicherstellen, dass Sie ersten Wäsche genügend Pigment hinzufügen. könntest du immer wieder reinkommen und deine Schichten mit einem weiteren Farbwasch verdunkeln , aber ich persönlich mag es, alles auf einmal zu erledigen. Ich liebe es einfach, wie dieser weiche Beschnitt aussieht, ohne wieder reinzukommen und damit zu spielen. Wenn ich jemals einen Fehler mache oder die Dinge nicht dunkel genug mache, benutze ich es einfach als gelernte Lektion und mache weiter. Apropos Weitermachen, ich benutze eine Heißluftpistole, um diese erste Schicht zu trocknen, ich benutze eine Heißluftpistole, um diese erste Schicht zu trocknen, damit die Farbe nicht in diese Hintergrundbäume blutet, wenn ich meine Vordergrundbäume mache. Für meine Vordergrundbäume beginne ich mit einem warmen Grün und werde in diesem gesamten Bereich malen , der derzeit leer ist. Ich versuche vorsichtig zu sein, dass den Hintergrundbaum nicht überlappt, aber es passiert nur, weil ich schnell gearbeitet habe. Es wird einen leichten Umriss geben denn wenn sich diese Farben überlappen und übereinander trocknen, verdunkeln sie ihre Werte, und es passiert nur etwas, das passiert, wenn Sie es sind besorgt darüber, müssen Sie an diesen Rändern sehr vorsichtig sein. Ich möchte diese Gelegenheit auch nutzen, um meine gewonnenen Lektionen zu besprechen. In dieser Szene habe ich persönlich nicht viel Tiefe vor sich. Es ist in Ordnung für eine schnelle Skizze, und es ist etwas, das ich tun würde, um Farbnotizen zu machen, wenn ich draußen bin oder einfach nur um mir eine Entschuldigung dafür zu geben , bei schönem Wetter zu malen, aber wenn es so ist kommt zum Realismus oder zur Schaffung einer Szene , die viel schöne Tiefe hat , sie ist ein bisschen flach. Eine Sache, die ich tun könnte, um zu beheben, ist , mit mehr Farbschichten zurückzukehren und den Kontrast oder die tieferen Farben ein bisschen mehr aufzubauen , nur um den Vordergrund von der Hintergrund ein bisschen mehr, und wenn ich das täte, würde ich wahrscheinlich ein sehr verdünntes Ultramarin oder ein Blau verwenden , egal welches Blau du hast. Nur weil ich persönlich denke, dass Schatten schön sind, wenn sie einen kleinen blauen Farbton haben. Aber wenn du anfängst, geht es nur darum, es langsam zu machen. Wenn Sie sich entscheiden, die Farbe weiter in Ihr Gemälde zu berühren, tun Sie es nach und nach. Beobachten Sie, wie die Dinge trocken sind und wie dunkel oder hell die Dinge trocknen, wie viel Wasser Sie in jedem Pinselstrich haben. Das sind die Dinge, die dir helfen werden, nach jedem einzelnen Bild voranzukommen. Eine Sache, die ich getan habe, um Vordergrund und Hintergrund etwas mehr zu trennen, ist, ein bisschen mehr Sättigung in den Vordergrundbäumen hinzuzufügen , besonders in den Baumstämmen, sie sind viel wärmer und heller und gesättigter. Apropos gelernte Lektionen: Ich habe das Gefühl, dass dies eines der wichtigsten Dinge ist , die Sie tun können , wenn Sie als Künstler wachsen, ein Gemälde fertigstellen und mentale Notizen machen oder sogar physisch über das, was du gelernt hast. Die Vor- und Nachteile des Gemäldes und der Erfahrung machen ich nach den meisten meiner Bilder. Zurück zu diesem Gemälde. Jetzt werden wir eine leicht verkleinerte Version dieser Szene machen , damit Sie sehen können, wie ich mich einer vereinfachten Landschaft nähern würde , in der ich ein Feld mit vielen Bäumen habe und wann ich sagen Sie vereinfacht, ich meine wirklich vereinfacht. Oft, wenn ich draußen bin und das schon oft gesagt habe, habe ich ein paar Minuten. Ich sitze vielleicht 5-10, 15 Minuten dort und bevor ich es weiß, hat sich das Licht verändert. Wenn ich ein sonniges Feld malen möchte, arbeite ich schnell. Wenn ich am Ende mehr Zeit habe und ich noch ein Bild machen kann , dann großartig. Aber manchmal bekomme ich diese Chance nicht. Es gibt zwei Dinge, auf die ich mich auf diese Szene konzentrieren würde. Man wäre zu vereinfachen wie viele Felder ich habe und wie die Bäume aussehen. Zum größten Teil würde ich viele Bäume zusammenreißen, aber sie sind so weit weg , dass ich ihnen auf keinen Fall so viele Details hinzufügen werde. In gewisser Weise werden sie fast nur zu kleinen Blobs. Wenn ich es zeichne, sieht es aus wie kleine Kieselsteine, die auf einem Hügel sitzen. In dem Gemälde kann ich ihm etwas mehr Kontext geben , indem ich am Himmel male. Mit sehr verdünntem Ultramarinblau werde ich lange horizontale Pinselstriche einkehren, aber achten Sie darauf, um die Baumformen herum zu malen. Dies ist hauptsächlich so , dass ich, wenn ich möchte, einige Highlights an diesen Baumrändern malen kann , einige Highlights an diesen Baumrändern und mir keine Sorgen um die Lackverglasung über der blauen Farbe machen kann. Ich werde auch eine Vielzahl von warmen und kühlen Grüns auf den Feldern selbst einkehren , und normalerweise verwende ich ein warmes Grün für ein Feld und dann ein kühles Grün für das Feld daneben, nur um betonen die Tatsache, dass es sich um separate Felder handelt. Es ist eine sehr häufige Sache hier in Schottland. Sie sehen diese hellgrünen Felder neben dunkelgrünen Feldern. Dann warte ich, bis das trocknet. Dann fange ich mit einem viel kleineren Pinsel an, in die Baumgruppen zu legen. Ich kann entweder ein dunkleres Grün verwenden und dann etwas warmes Grün hinzufügen, oder ich kann mit einem helleren Grün beginnen und dann etwas kühles Grün hinzufügen. Meine Pinselstriche sind schnell und sehr locker. Ich versuche nichts zu überdenken, ich versuche nur, es sehr organisch aussehen zu lassen. Wenn du wirklich detailliert gehen willst, kannst du sogar winzige kleine Baumstämme einmalen, und manchmal füge ich lange geschwungene Schatten oder sogar Schafe hinzu. Es hängt ganz davon ab, wie detailliert ich gehe. Aber hoffentlich bekommen Sie inzwischen die Idee, dass Sie einfach mit diesen sehr vereinfachten Formen beginnen diesen sehr vereinfachten Formen und langsam die Tiefe aufbauen können. Um Ihnen noch mehr Ideen oder Inspiration zu geben, hier sind einige meiner Postkartenbilder ich in der Vergangenheit gemacht habe, in denen ich diese Baumgruppen an den Rändern von Feldern hervorgehoben Baumgruppen an den Rändern von Feldern manchmal etwas detaillierter und einige sind fast abstrakt. 16. 3.5 Demo: Plein Air Air Color: [MUSIK] Ihre Fähigkeiten und Ihre Geduld werden auf jeden Fall getestet, sobald Sie draußen mit dem Malen beginnen. Ich persönlich mache es , weil ich die Natur liebe. Ich liebe es, in diese wunderschönen wilden Orte einzutauchen, und für mich ist es eine Möglichkeit, mich tiefer mit dem Land zu verbinden. Aber zugegebenermaßen kämpfe ich so sehr, wenn ich draußen male. Der Hauptgrund, warum es schwieriger ist vom Leben bis zum Malen draußen zu malen, ist zunächst, dass sich die Elemente ständig ändern. Das Licht wird sich innerhalb derselben Sitzung ändern, sodass sich die Sonne hinter einigen Wolken versteckt oder es fängt an zu regnen. Sie haben Wind und all diese Bewegung um sich herum, und Sie müssen auch das, was vor Ihnen liegt, nämlich 3D, in ein 2D-Gemälde auf dem Papier verwandeln. Du starrst diese Objekte vor dir an , die 3D sind, und du musst das irgendwie abflachen und alle Details und alle Farbinformationen destillieren. Treffen Sie eine Wahl, wie Sie diese Farbe mischen und auf das Papier legen. Lassen Sie uns aber über einige Erfolgsstrategien sprechen. Beginnend mit einigen Linienskizzen helfen einige Wertskizzen, Spielen mit verschiedenen Kompositionen und das erste Kennenlernen mit das Spielen mit verschiedenen Kompositionen und das erste Kennenlernen mit Ihrem Standort wirklich. Einer der größten Kämpfe, die ich finde, ist, dass sich das Licht verändert. Als ich das erste Mal hier ankam, war es hell und sonnig. Während der Malsitzung versteckte sich die Sonne eine Weile hinter einigen Wolken und gegen Ende kam die Sonne wieder heraus, so dass sich die Schatten und die Farben, die ich sah, ständig änderten. Mein größter Ratschlag, egal wo Sie malen oder wie das Wetter ist, ist, von Anfang an zu entscheiden, ob Sie bei dem bleiben was Sie sehen, wenn Sie es bekommen dort oder wenn du es irgendwann ändern willst. Wenn es bei Ihrer Ankunft sonnig ist, machen Sie eine sehr schnelle Skizze die die hellen Lichter, die Schatten und alles andere darstellt , und bleiben Sie während des gesamten Gemäldes dabei, egal was passiert. Machen Sie auch ein paar Referenzfotos von diesem Lichtzustand. Manchmal spare ich Zeit und überspringe einen Schritt. Wie Sie hier sehen können, habe ich mit einem Gemälde aus reinem violettem Pigment angefangen. Ich benutze dies, um im Grunde eine Wertstudie meiner Szene zu malen, nur ich bin in den dunklen Bereichen nicht super dunkel geworden. Es war eher eine Möglichkeit für mich, die wichtigsten Formen zu blockieren und darüber nachzudenken, wo meine Schatten sein würden. Ich habe ein bisschen Schatten auf den Felsen und ein bisschen auf dem Wasser und natürlich die Berge. Ich verwende auch sehr minimale Pinselstriche und werde nirgendwo im Bild sehr detailliert. Es geht mehr darum, die Bewegung des Wassers einzufangen, einige der Farben, die ich persönlich sehe, aber selbst dann übertreibe oder ändere ich sie ein wenig. Wenn ich über die verschiedenen Elemente in meiner Szene nachdenke, habe ich versucht, diese als Inspiration dafür zu verwenden , welche Arten von Markierungen ich mache. Vielleicht sind die Gräser und die Dinge, die um das Wasser herum wachsen , sehr weiche Bereiche, und ich lasse die Farben natürlich zusammen bluten. Die Felsen selbst werden etwas geometrischer sein. Sie werden härtere Kanten haben, und zum größten Teil wird auch ein bisschen mehr von meinem Schatten sein. Meine hellsten Bereiche des Gemäldes werden die Highlights auf dem Wasser sein, und da es ein Wasserfall ist und ich dieses Bewegungsgefühl einfangen möchte, verwende ich schnelle gerichtete Pinselstriche um die Bewegung des Wassers nachzuahmen. Aber vorher versuche ich nur, etwas von der Felsfarbe einzulegen. Das wird trocknen und dann komme ich später mit ein paar Schattenfarben darauf zurück . Um meinen Bergen etwas mehr Tiefe zu verleihen, verwende ich eine sehr vereinfachte Version von Schatten und Highlights. Auf der rechten Seite des Berges, wo er nach unten kaskadiert, füge ich ein bisschen dunkleres Violett hinzu. So die gleiche Farbe, nur ein bisschen mehr Pigment, und ich fege es nach links. Aber ganz oben und die linke Seite dieser Gipfel werde ich in Ruhe gehen. Das unter der Farbe wird ein wenig durchscheinen und das Aussehen eines Highlights auf dem Berg nachahmen. Die Mehrheit der Gräser im Tal ist erdiger, vielleicht etwas wärmer wie orangisches Gelb. füge ich der Basis der Bergfarbe ein bisschen hinzu, während sie nass ist , so dass sie nur eine weiche Blutung hat. Dadurch fühlt sich der Berg nur geerdeter und mit dem Vordergrund verbunden an. Da ich nass in nass arbeite und viele meiner Farben zusammen bluten, besteht das Potenzial, besteht das Potenzial schaffen, was die Leute als schlammigen Farben bezeichnen. Wenn Ihre Farben anfangen zu bluten und sich auf dem Papier zu vermischen und sich schließlich nur in Schlamm verwandelt, wie ein bräunlicher oder grauer Ton, verlieren Sie etwas von dieser Anfangsfarbe, etwas von der Lebendigkeit. Das ist definitiv eine Möglichkeit , wenn Sie nass in Nass arbeiten. Aber da ich mit meinem Papier besser vertraut bin, weiß ich, wie viel Pigment ich hinzufügen kann, wie viel Wasser ich hinzufügen kann, und stelle sicher, dass nicht alles nur blutet und zu einem großen Fleck wird. Nur wegen dieser Erfahrung weiß ich, was ich mit meinem Papier machen kann. Im Laufe der Zeit werden Sie das auch bei Ihren Lieblingszeitungen feststellen . Werfen wir einen Blick auf das sich bewegende Wasser. Wenn man genau hinschaut, wo der Wasserfall ist, sieht man, dass das Aquarell etwas grünlich ist, manchmal sogar ein wenig bräunlich. Es ist nicht nur blau, es ist nicht schwarz, es ist kein reines Weiß. Es gibt etwas Farbe dort. Ich füge ein bisschen von dieser Farbe hinzu, wo sich die Wasserfälle in meinem Gemälde befinden. Wie ich bereits erwähnt habe, ändere ich gerne die Farben, übertreibe die Farben in meinem Kunstwerk ein wenig, also verwende ich hier eine sehr stilisierte Farbpalette. Aber wenn Sie versuchen würden, dies realistischer zu malen, würde sich Ihr Aquarell wahrscheinlich mehr in Richtung Graublau neigen. Die Farbe des Wassers ist viel gedämpfter. In den Bereichen des sich schnell bewegenden Wassers sieht man etwas mehr Farbe, aber meistens sieht dieses Wasser etwas grauer aus. Wenn ich jemals Schwierigkeiten habe, die wahre Farbe oder die Werte in dem zu sehen , was vor mir liegt, besteht kleiner Trick darin, ein Objekt einer Farbe hochzuhalten , von dem Sie wissen, dass Sie es mischen können. Also entweder reines Weiß oder Schwarz oder sogar ein Mittelgrau, was auch immer es ist. Vergleichen Sie dann, was vor Ihnen liegt , mit diesem Objekt mit dieser Farbe. Es ist, als würde ein Lichtschalter ausgehen und Sie können aufgrund dieses Vergleichs plötzlich sehen , welche Farbe dieses Objekt hat. Aber ich wusste von Anfang an, dass ich ein sehr dunkles Blau als Schattenfarbe verwenden wollte , und ich verwende oft Blau oder Dunkelviolett oder dunkelbräunliches Rot als meine Schatten als mein dunkelster dunkler wird. Denn für mich ist es einfach interessanter, einen bunten Schatten zu haben . Ich werde diese dunklere Farbe auf die rechte Seite der Felsen auftragen , also auf die Schattenseite der Felsen und irgendwo auf dem Wasser, das nicht in voller Schnellbewegung ist. Wie wir in einer Kompositionsstunde besprochen haben, , wenn Sie das Auge des Betrachters auf sich ziehen möchten Kontrast ein großartiges Werkzeug, wenn Sie das Auge des Betrachters auf sich ziehen möchten. Wenn ich diese dunkle Farbe direkt neben den hellen Bereichen des sich bewegenden Wassers verwende , zieht dies das Auge auf sich. Wenn ich meine Farbe mische, mache ich es nach und nach. Ich möchte mit dem Kontrast nicht über Bord gehen , weil es schwieriger ist, ihn wegzunehmen, aber ich versuche mich daran zu erinnern, dass die Wasserfarbe etwas heller trocknet. Gerade jetzt habe ich der Schattenseite meiner Felsen ein bisschen Violett hinzugefügt der Schattenseite meiner Felsen ein bisschen Violett um ihnen ein bisschen mehr visuelle Trennung zwischen dem Wasser selbst zu geben . Der letzte Schritt besteht darin, einige der Büsche am Rande des Wassers zu verdunkeln . Dies wird dazu beitragen, sie in der Ferne von den Bergen zu trennen . 17. 3.6 Demo: Gouache Wald: Waldszenen sind komplex. Sie können sehr einschüchternd , weil einfach so viel los ist. Da ich Tonnen von Wäldern zeichne und male, ist es heutzutage etwas einfacher für mich. Ich dränge mich jedoch immer noch dazu, neue Szenen, neue Arten von Wäldern und Bäumen und verschiedene Kompositionen auszuprobieren neue Arten von Wäldern und Bäumen und , und ich fange immer genauso an. Ich benutze einen sehr leichten Bleistift, um meine Hauptbäume zu kartieren. Die meiste Zeit male ich am Ende meine Zeichnung und ändere viele Dinge vor dem Ende des Gemäldes. Aber das bringt mich zumindest dazu, anzufangen. Wenn es darum geht, Aquarell und Gouache austauschbar zu verwenden , müssen wir uns nicht allzu viele Sorgen um die Erhaltung unserer Highlights machen. Sobald ich meine allgemeinen Bäume und alles abgebildet habe, kann ich mit der Hintergrundebene beginnen. Manchmal male ich eine Farbe über das Ganze, also habe ich eine schöne Unterschicht, oder ich mache so etwas, wo ich einfach anfange, zuerst die helleren Bereiche zu malen. In diesem Fall ströme ich etwas helles Licht durch den Wald, und ich verwende ein helles gelblich-grün als helle Highlight-Farbe. Wenn es dann noch nass ist, fange ich an, mehr von dem schattenhaften Zeug einzumalen. Es ist eine Möglichkeit, mit der Platzierung meiner Haupthighlights und Schatten zu experimentieren der Platzierung meiner Haupthighlights und , da all dies bei Bedarf geändert oder vertuscht werden kann . Ich wollte dieses Bild wirklich besonders zeigen , weil es von Anfang an zeigt , wie wild und chaotisch es ist. Es zeigt, dass Sie in Ihren Gemälden spontaner sein können . Ich beschleunige es ein wenig, damit du siehst , wie chaotisch es ist. Dann bin ich bereit für meine erste Squash-Layer. Ich verwende Weiß, Zitronengelb, gebrannte Umbra, Quinacridon Magenta und preußisches Blau. Sehr begrenzte Palette, aber ich kann alles, was ich brauche, mit diesen Farben mischen. Wie geht man davon hin? Reden wir es langsam durch. Zuallererst hatte ich keine super klare Vorstellung davon, wie sich dieses Gemälde entwickeln würde, wenn ich mich hinsetzte, um es zu malen. Ich hatte nur eine Idee. Ich hatte die Idee, einen Weg zu malen, der von einem hellen sonnigen Teil des Waldes in einen dunkleren und gruseligeren Teil des Waldes führt einem hellen sonnigen Teil des Waldes . Um dies zu erreichen, würde ich warme Grüns im Vergleich zu kühlen Grüns verwenden . Auf der linken Seite , wo die Sonne durch den Wald fließt, habe ich viel mehr Gelb benutzt. Auf der rechten Seite, die viel dunkler und gruseliger ist, habe ich viel mehr von dem Blau benutzt. Wenn Sie an die Lektion über Farbmischung und Farbtheorie zurückdenken , habe ich ein wenig darüber gesprochen wie Sie viel mehr Kontrolle haben, wenn Sie eine begrenzte Palette verwenden . Dies ist ein perfektes Beispiel , da ich drei Primärfarben verwende , um die meisten Farben zu mischen, die Sie hier sehen. Diese drei Farben erscheinen zumindest irgendwo in jedem Teil des Gemäldes. Selbst wenn ich von hellem sonnigen Licht zu dunklem gruseligem Licht gehe , spielt es keine Rolle. Die Gesamtatmosphäre des Gemäldes wird sich immer noch verbunden fühlen. Ich besitze viele verschiedene Gelbe und Blau- und Rottöne. Hätte ich viele verschiedene Farben verwendet , um diese Farben zu mischen, könnte das ganze Gemälde schnell unzusammenhängend werden und ich würde etwas von dieser Harmonie verlieren. Reden wir über Strategie. Da ich meine kleine Skizze bereits gemacht hatte und wusste, wo die meisten meiner größeren Bäume sein würden und wie der Weg selbst ist, ging es nur darum , einige der Grundfarben dieses Majors einzulegen ist, ging es nur darum , einige der Grundfarben dieses Majors einzulegen -Elemente. Wenn ich anfange zu malen, wirst du sehen, dass ich die Hintergrundfarbe nur als großes grünes Durcheinander blockiere . Obwohl Gouache undurchsichtig ist und ich kein Element wie einen Baumstamm ummalen muss , mache ich es trotzdem, weil ich meine Gouache beim ersten Start sehr verdünnt verwende . Die ersten oder zwei Schichten werden mit Gouache verwässert, und wenn ich die Tiefe der Szene aufbaue, verwende ich weniger Wasser und mehr eine dicke Gouache-Schicht. Ich konzentriere mich mehr darauf, diesem Hintergrundbereich nur Abwechslung hinzuzufügen . Ich mache eine Vielzahl von Markierungen. Egal, ob sie Baumstämme oder Blätter oder Gräser oder Steine imitieren , es werden viele dünne Schichten übereinander liegen. Meine allgemeine Erfahrung mit Gouache ist, dass es viel schwieriger ist, mehr Gouache darauf zu legen, wenn man mit einer dicken Schicht beginnt . Im Gegensatz zu anderen Farbmedien ist Gouache nicht dauerhaft. Selbst in 10 Jahren, wenn Sie etwas Wasser auf ein Gouache-Gemälde fallen lassen, können Sie die Farbe reaktivieren und bewegen oder darin einmischen, und das ist eigentlich etwas, das ich daran liebe, dass Fähigkeit, mich so oft darin einfügen zu können, wie ich möchte, auch wenn ich Tage brauche, um ein einziges Bild zu machen. Aber die Pigmente selbst können färben. Wenn Sie es für die ersten paar Schichten mehr verwässert verwenden , färben Sie Ihr Papier im Wesentlichen , so dass es etwas schwieriger ist, Dinge zu bewegen. Deshalb verwende ich gerne dünnere Waschungen für meine Unterschichten, damit sie etwas dauerhafter sind, und ich kann leicht dickere und dickere Gouache darüber hinzufügen . Im Moment male ich um meine Bäume, aber du wirst später sehen, dass ich ihnen viel mehr Dunkelheit und schattige Töne und Tiefe hinzufüge . Dies ist auch eine Möglichkeit, schlammigen Farben zu vermeiden , wo ich sie nicht will. Grün und Rot sind Komplementärfarben. Sie stehen einander auf dem Farbrad gegenüber. Das heißt, wenn ich diese miteinander mische, werde ich je nach Pigmenten selbst braun oder sogar grau sein. hier in dieser Waldszene Wenn ich hier in dieser Waldszene einen soliden Grünblock als Hintergrundebene malte und diese Leerzeichen für die Baumstämme nicht verlassen habe, später als ich mit meinen bräunlichen Tönen zurückkomme, die sich ein bisschen mehr in Richtung Rot neigen, werde ich im Wesentlichen Rot auf Grün hinzufügen. Denn mit der Natur der Gouache wird es sich in sich selbst einfügen, diese Komplementärfarben werden sich vermischen und ich könnte mit Farben enden, die ich wirklich nicht will. Mein Brushstroke-Stil ist, naja, was ich als Chunky bezeichnen würde. Es ist ein Stil, den ich einfach liebe. Chunky Pinselstriche bedeuten, dass ich mich nicht darauf konzentriere , jedes einzelne Blatt oder jede Form zu malen, die ich sehe Ich verwende fette Markierungen, um die Dinge als Ganzes darzustellen. Ein einzelner Pinselstrich oder ein paar Pinselstriche zusammen werden einen Busch oder das Laub eines Baumes darstellen. Dies beinhaltet einen gewissen Glauben. Sie müssen dem Prozess vertrauen und aus Erfahrung wissen, dass es sich als sehr interessante Waldszene erweisen wird, wenn Sie beginnen, all diese verschiedenen Elemente zu schichten . Jetzt, da ich etwas mehr von diesem Hintergrund gemacht habe, kann ich anfangen, über diese Bäume nachzudenken. Ich fange mit sehr gedämpften Versionen meines Braunes, meiner lokalen Farbe an. Es ist ein gräulicher bräunlicher Ton. Es passieren auch alle anderen Dinge, wie Felsen und der Weg, beginnend mit der Grundfarbe der Felsen als nur einem sehr gräulich-blauen Ton. Zu wissen, dass ich später zurückkomme und ihnen einige moosige Texturen hinzufüge. Wenn ich die Schatten auf meinen Baumstämmen male, denke ich darüber nach, was das Licht in diesem Bereich noch mehr hervorbringen würde . Was würde diesen Kontrast verstärken, um dort Aufmerksamkeit zu erregen? Wenn ich ein bisschen von meinem preußischen Blau mit meinem Braun und sogar ein bisschen Rosa vermische, kann ich einen tiefen kühlen Ton erzeugen. Wenn ich eine wärmere Highlight-Farbe verwende, wird sie noch mehr auffallen. Je dunkler ich mit meinen Schatten gehe, desto heller werden die Highlights erscheinen. Um den gestörten Lichteffekt nachzuahmen , den wir oft im Wald finden, verwende ich einen warmen, neutralen Ton und staube ihn an bestimmten Bereichen über die Oberfläche der Rinde. Nicht über das Ganze hinweg, nur hier und da drin punktiert. Um einige der Schatten auf den Bäumen und Felsen einzumalen , verwende ich eine coole Version der Farben, die ich bereits benutzt habe. Ein kühles Grün für die Schatten auf dem Boden und ein kühles bläuliches Grau für die Schatten auf den Felsen. Vielleicht sogar ein bisschen Violett dort. Ich mache das Gleiche auf dem Weg, weil das Wegmaterial viel anders ist als das Gras. Es ist wie ein Rudel unten der Erde. Um diese visuelle Trennung mit etwas anderen Farben zu erreichen, hilft das wirklich. Sie können sehen, dass ich sehr leicht Farbe über den Weg staube. Es ist eine Anweisung, ihm einen sehr gebrochenen Pinseleffekt oder ein grobes Aussehen zu verleihen einen sehr gebrochenen Pinseleffekt oder ein grobes , verglichen mit einigen der darauf umgebenden Softwareelemente. Wie ich bereits erwähnt habe, ich sie neben einen dunklen Ton stellen, wenn ich möchte, dass meine Highlights auffallen muss ich sie neben einen dunklen Ton stellen, wenn ich möchte, dass meine Highlights auffallen. einen dunkleren Schatten hinzufügst ich meinen Baumstämmen auf der Seite, die von der Lichtquelle wegzeigt, einen dunkleren Schatten hinzufügst, wird der hervorgehobene Abschnitt wirklich herausspringen. Ich mache dasselbe für einige der Vordergrundelemente wie die Felsen, die näher am Betrachter liegen , und einige der Felsen an der Seite des Weges. Aber hier fange ich mit einer sehr schwärzlich-grauen neutralen Grundfarbe an, und dann komme ich mit einigen grünen Moosen und anderen Züchtern wieder darauf . Die linke Seite ist noch nicht fertig, aber ich werde auf der rechten Seite arbeiten , um ein vollständigeres Bild von meinem aktuellen Fortschrittszustand zu erhalten . Zunächst füge ich diesem Hintergrundbereich etwas mehr Dunkelblau hinzu. Ich werde später die Tiefe mit mehr Baumstämmen und anderen Dingen davor aufbauen . Anstatt nur eine dunkle Farbe oder Schwarz in meine Farbe zu mischen , um sie dunkler aussehen zu lassen, verwende ich eine verdünnte Version meines preußischen Blaues. Dies bedeutet, dass sich meine schattigen Töne immer noch sehr bunt und lebendig anfühlen werden , anstatt entsättigter zu sein, wenn ich Schwarz verwendet hätte. Ein kleiner Tipp, den ich über die Farbe in Waldwegen habe, ist, dass oft, wenn der Weg eher ein irdenes Material oder Schmutz ist , Kiefernnadeln, all so etwas, es ist nicht nur ein grüner Weg. Wenn Sie die Grundfarbe eines bräunlichen Tons haben, Verwendung eines violetten Tons als fühlt es sich bei Verwendung eines violetten Tons als Schatten wirklich lebendig an. Dadurch fühlt es sich leuchtender an. Ja, es ist ein Schatten, aber es hat immer noch viel Farbe im Leben und wenn Sie diese Farben persönlich studieren, werden Sie feststellen, dass diese Schatten oft bläulich-violett sind. Zeit für eine Kaffeepause. Lassen Sie uns beurteilen, wo wir sind. Bisher haben wir viele Schatten und Highlights begonnen, aber es gibt immer noch viel, was wir mit Details tun können und den Kontrast überall dort vorantreiben, wo wir einen Fokus ziehen wollen. Auf der rechten Seite, die schattenhafter sein wird, kann ich wirklich helfen , diese Bäume aus den Schatten herauszukommen , indem ich den Hintergrund verdunkle. Indem ich dies auf eine Weise mache, in der ich das Laub male, die Züchter, die sich hinter diesen Bäumen befinden, anstatt nur feste Markierungen, wirklich dazu beitragen, dass es sich eher wie ein voller Wald anfühlt ein sehr üppiger Wald. Wieder einmal verwende ich immer noch diesen klobigen Pinselstrich-Stil. Mein Pinsel bewegt sich ziemlich schnell über das Papier, aber das ist hauptsächlich so, dass ich vermeide, sich wiederholende Markierungen zu machen. Etwas, womit ich Probleme habe, ist, Dinge zu einheitlich zu machen, und das möchte ich in einer Waldszene wirklich vermeiden, besonders in einer, die sich sehr wild und überwuchert anfühlen möchte . Eine Strategie, damit der Wald üppiger und voller anfühlt , besteht darin, Variationen derselben Farbe zu verwenden, vielleicht ein Grün oder ein Blau, um viele überlappende Bäume zu schichten . Ob Pflanzen oder Bäume, es geht nur darum, diese verschiedenen Elemente langsam zu schichten. Es braucht viele Patienten. Ich gebe zu, dass ich ein großes Waldgemälde aufgegeben habe nachdem ich mich gerade so geärgert habe, wie lange es gedauert hat, dass ich meine eigenen Patienten üben muss. Aber wenn ich das tue, liebe ich die Ergebnisse immer. Eine schnelle Strategie für das Malen für andere Pflanzen besteht darin , mit einem zentralen Stiel oder einem zentralen Stiel zu beginnen und dann mit einem flachen Pinsel schnell kleine Markierungen zu machen, die die kommenden Farnblätter darstellen aus diesem zentralen Stiel heraus. Wenn Sie diese übereinander legen, können Sie wirklich einen Bereich Ihres Gemäldes ausfüllen und es sich sehr üppig anfühlen. Ich werde daran arbeiten, meinen Fokus wieder auf den Weg zu lenken. Um dies zu tun, füge ich den Seiten meiner Felsen einen Schatten hinzu , die sich in der Nähe des Weges befinden. Ja, Ihre Ansicht wird über das Gemälde fließen. Aber wo immer Sie diesen hohen Kontrast haben, es definitiv den Fokus auf sich ziehen. Diese ständige Balance aus dunklen Schatten und hellen Highlights liebe ich in einer Waldszene. nach kann ich etwas trockene Pinselstruktur über meinen Baumstämmen und meinen Felsen mit einer hellgrünen Farbe abstauben meinen Felsen mit einer hellgrünen Farbe abstauben und ihm das Lichtfunkeln verleihen. Wenn Sie an die Lektion der Farbtheorie zurückdenken , als ich über gepralltes Licht sprach, dies besonders Spaß in einer Waldszene. Wenn die rechte Seite meines Gemäldes schattenhafter ist und viel mehr Blautöne enthält, wirft das Licht auf die andere Seite des Gemäldes. Einen bläulichen Ton über die Schattenseite meiner hellen Bäume zu stauben , wird dazu beitragen , das Gleichgewicht von warm und kühl zu machen , und meine Schatten fühlen sich immer noch so an, als hätten sie viel Farbe und Leben für sie. Einer der letzten Schliffe, die ich für meine Bäume mache , ist mit einem sehr winzigen Detailpinsel, ich mache lange gewundene Linien mit einem Highlight oder einer Schattenfarbe. Dies zerbricht nur einige der größeren Farbstücke und verleiht der Rinde etwas mehr Tiefe. Als ich mich dem Ende dieses Gemäldes näherte, hatte ich das Gefühl, dass der Weg nicht ganz auffiel, also beschloss ich, ihm etwas mehr rosa-rote Töne hinzuzufügen. Ich habe es eingemischt, verwende aber auch etwas trockene Pinselstruktur. Grün und Rot sind Komplementärfarben. Jedes Mal, wenn sie nebeneinander erscheinen, fühlen sie sich gegenseitig ein bisschen lebendiger. Der Weg fiel natürlich auf, nachdem ich das getan habe. Aber erinnern Sie sich an die Idee der Zeichnungsverschiebung Nun, wenn ich das Bild ein wenig beschleunige, schau mal, wie dunkel der Weg wird, sobald er getrocknet ist. Vergleiche das damit. Sie können es während des ganzen Gemäldes sehen , dass dies passieren wird. Deshalb gehe ich gerne langsam und baue meine Schichten nach und nach auf. 18. 4 Kursprojekt: [MUSIK] Dieser Foundations Course hat eine Vielzahl von Themen abgedeckt. Ich weiß, dass das alles sehr einschüchternd sein kann, wenn du anfängst . Als Unterrichtsprojekt möchte ich Sie ermutigen, ganz einfach anzufangen. Das erste , was Sie tun müssen, ist, Ihr eigenes Natur-Skizzenbuch zu erstellen. Betrachte es als deinen neuen besten Freund. Nimm es überall hin mit. Dekoriere das Cover, schreibe ein paar inspirierende Zitate hinein und tu alles, was du tun musst. Aber am wichtigsten ist, versuchen Sie, ein paar Stunden pro Woche zum Üben zu nehmen. Ich habe diesen Spickzettel für Hausaufgaben gemacht , damit Sie die Schritte durchlaufen können, die ich Ihnen in dieser Klasse gezeigt habe , um Ihr Verständnis für die Landschaft zu entwickeln und sich so viel Zeit zu nehmen , wie Sie für jeden dieser benötigen themen. An einer Kunstschule ist es eigentlich ziemlich üblich, jedem dieser grundlegenden Themen mehrere Wochen zu widmen . Aber je früher Sie diese Liebe zum Lernen und Experimentieren entwickeln und wirklich anfangen , die Welt um Sie herum zu beobachten, desto angenehmer wird Ihre lebenslange Reise. Innerhalb des Hausaufgaben gibt es viele Vorschläge, um voranzukommen, sowie einige Vorlagen, mit denen Sie loslegen können. Vergiss nicht, ich habe unzählige Videos auf YouTube, die du dir kostenlos ansehen kannst. Alles über mein Planerabenteuer, wie ich es genieße, die Natur zu skizzieren und einige der Höhen und Tiefen auf dem Weg zu teilen. Wenn Sie sich entscheiden, eine Ihrer Hausaufgaben oder nur zukünftige Skizzen zu teilen , würde ich sie gerne sehen. Verwenden Sie also unbedingt meinen Hashtag SARAHBURNSTUTOR, denn ich überprüfe dies häufig in den sozialen Medien und es hellt meinen Tag wirklich auf. Wenn Ihnen der Unterricht gefallen und etwas gelernt hätte, würde ich mich sehr freuen, wenn Sie sich einen Moment Zeit nehmen würden, um auch eine Bewertung abzugeben. Ich lege auch ein paar Links in die Beschreibung für meine anderen Landschaftsklassen ein. Aber meine tiefste Hoffnung ist , dass Sie ausgehen und die Natur gerne skizzieren und nicht vergessen, die Reise zu genießen. [MUSIK]