Schreibe dein Drehbuch: Das Handwerk von Story, Struktur und Skript

1. Einführung: Ich bin Joshua Dickinson und Drehbuchautor. Ich habe als Schauspieler angefangen und jetzt schreibe ich auch und dirigiere. Ich unterrichte seit fünf Jahren Filmproduktion und Beratung über die Drehbücher. Ich habe wirklich bemerkt, wie das Aufbrechen des Prozesses in wirklich einfache Schritte Menschen hilft, ihre Ideen zu klären und zu gehen, ich hatte diese Idee und ich denke darüber nach, vielleicht auch zu schreiben. Los geht's, ich habe ein fertiges Drehbuch unbemannt. Ich habe diese Klasse als Leitfaden für diesen Prozess geschrieben. Wir gehen zurück und schauen uns das Drehbuchlayout an, aber wir gehen irgendwie weiter zurück und denken über Geschichten und was sie sind, wie sie funktionieren, wie man eine Idee nimmt und sie zu einer wirklich effektiven Geschichte macht. Wie Sie eine wirklich gute Log-Zeile für diese Geschichte bereitstellen , so dass Sie es auf eine wirklich kurze, prägnante Art und Weise aufschlagen können, dann brechen Sie diese Geschichte in Struktur. Sie können Drei-Akt-Struktur und Fünf-Akt-Struktur erhalten. Wie du all diese Ideen nimmst und ein Beat-Board daraus machst. Du schreibst alle Ereignisse deiner Geschichte auf. Dann zerlegst du das in Szenen. Denken Sie darüber nach, wie wir eine wirklich gute Szene strukturieren, wie wir effektive Aktionen und Dialog schreiben, und dann Tipps, wie Sie Ihren ersten Entwurf schreiben, bevor Sie zweite Entwürfe, dritte Entwürfe und Feedback zu bekommen. Wenn ich lerne, möchte ich, dass die Dinge wirklich klar sind. Ich habe mein Bestes getan, um sicherzustellen, dass jede Klasse der nächste Schritt in diesem Prozess ist. Wenn Sie ein Drehbuch haben, das Sie schreiben möchten, können Sie den Klassen folgen und hoffentlich bis zum Ende haben Sie Ihr fertiges Drehbuch. Ich kann genauso schlimm sein wie jeder andere, der darüber spricht, zu schreiben und es tatsächlich zu tun. Meine Hoffnung ist, dass jemand diese Klasse sieht und anstatt zu denken, oh ja, ich komme irgendwie dazu, das eines Tages zu schreiben. Zieht einfach den Kaffee an, bekommt einen Stift und Papier und fängt an zu schreiben. 2. Drehbücher: Nach Wochen des Sklavierens an einer Tastatur ist es unglaublich aufregend, das fertige Drehbuch in der Hand zu halten. Immerhin ist das die Sache, die Sie versuchen zu machen. Dies ist das Endprodukt. Es zu öffnen und alle Szenen und Charaktere, die Handlung und den Dialog zu sehen und zu wissen, dass deine Geschichte hier drin ist, ist ein unglaublich befriedigender Moment. Natürlich braucht es viel Arbeit, um hierher zu kommen, und wir springen ein wenig vor uns selbst, aber ich denke, es ist in diesem Stadium nützlich, einen Blick in ein Drehbuch zu werfen. Drehbücher haben ein wirklich bestimmtes Format, und jeder erfahrene Schriftsteller, Regisseur oder Produzent wird in der Lage sein zu erkennen, ob der Autor weiß, was er tut, nur indem er es sich anschaut. Um diesen mysteriösen Prozess zu entmystifizieren, werde ich diese sechs Regeln für die Formatierung von Drehbüchern durchschlagen, als erstes, was aus dem Weg kommt, Schriftarten. Jeder benutzt Courier. Vielleicht liegt das daran, dass damals jedes Drehbuch auf einer Schreibmaschine geschrieben wurde, und seitdem wollen die Leute nicht wirklich diesen Blick eines Drehbuchs sehen. Versuchen Sie nicht, die Köpfe der Menschen zu blasen, indem Sie Arial oder Comic Sans verwenden. Halten Sie sich an Courier und sehen Sie professioneller aus. Regel Nummer zwei, Szenenüberschriften. Diese sind immer in Großbuchstaben und linksbündig. Sie kommen in drei Teilen. Erstens werden Sie entweder INT oder EXT schreiben. Es steht für Innen oder Außen und sagt uns, ob die Szene drinnen oder draußen ist. Dies ist wirklich praktisch für die Crew, die einen Zeitplan zusammenstellen und verschiedene Arten von Ausrüstung an verschiedene Orte bringen müssen. Der zweite Teil Ihrer Szenenüberschrift ist der Ort, und dies sagt uns, wo die Szene stattfindet. Es könnte ein Auto oder ein Campingplatz oder eine Burg oder Kanarienmine oder so etwas sein. Der dritte Teil der Szenenüberschrift ist, ob es sich um Tag oder Nacht handelt. Lassen Sie einfach einen Bindestrich und schreiben Sie Tag oder Nacht, je nachdem, ob es Tag oder Nacht ist. Regel Nummer drei, Aktion, die linksbündig ausgerichtet ist, und hier finden wir eine Beschreibung von allem, was wir auf dem Bildschirm sehen werden. Wie die Charaktere aussehen. Wie der Ort aussieht. Jede Bewegung in der Szene. Die Requisiten, das Make-up und alles andere. Es ist alles in der Aktion gefunden. Aktion zu schreiben ist eine wirklich besondere Fähigkeit, und wir werden uns das später ansehen. Regel Nummer vier, Zeichen. Mittig ausgerichtet und in Kappen, das sagt uns, wer spricht. Regel Nummer fünf, Dialog, befindet sich in einer zentralen Spalte unterhalb des Zeichens. Das sagt uns, was der Charakter sagt. Regel Nummer sechs, in Klammern. Hier können Sie in Klammern setzen, wie ein Zeichen etwas sagt, wenn Sie nicht denken, dass es wirklich klar im Dialog ist. Sie können es entweder direkt unter dem Charakter oder in die Mitte eines Monologs setzen. Regel Nummer sieben, Übergänge. Dies ist rechtsbündig und in Großbuchstaben und wird Ihnen sagen, wie Sie von einer Szene zur anderen kommen. Dies ist Ihr Einblend- oder Ihr Schnitt zu. Persönlich würde ich diese eher sparsam verwenden. Übergänge haben mehr mit der Bearbeitung zu tun, also würde ich sie nur hinzufügen, wenn Sie denken, dass es grundlegend ist wie wir die Geschichte auf der Seite erleben. Es gibt viele kostenlose Websites, die Ihr Drehbuch für Sie formatieren, was Ihnen viel Zeit spart und Ihnen erlaubt, sich auf die Kreativität zu konzentrieren. Es gibt natürlich professionelle Drehbuchschreiben-Apps, aber sie können ziemlich teuer sein, und denken Sie daran, es ist der Inhalt, der wichtig ist, nicht das Programm, auf dem Sie es geschrieben haben. Das ist eine Drehbuchformatierung. Du weißt jetzt, wie dein Drehbuch aussehen sollte, wenn es fertig ist. Aber wie ich schon sagte, wir springen leicht vor uns selbst, weil es eine schreckliche Menge Arbeit zu tun gibt, bevor wir zu diesem fertigen Produkt kommen. Wir werden ein bisschen zurückspringen und wir werden über die Geschichte nachdenken. Weil deine Geschichte und dein Drehbuch nicht das Gleiche sind. Wir sehen uns in der nächsten Klasse. 3. Geschichten: Film ist ein visuelles Medium, um Geschichten zu erzählen und Menschen lieben Geschichten, egal ob wir Film und Fernsehen schauen, ein Buch lesen oder einen Podcast hören. Ich werde deine Freunde sehen, was sie am Wochenende gemacht haben, herausfinden aus ein paar davon, wie sie sich verlobt haben oder jemanden fragen, der unterwegs ist, ob sie sich schließlich gefunden haben. Wir lieben es, eine Geschichte erzählt zu werden. Wir wollen wissen, was passiert ist, wie es passiert ist, und was am wichtigsten ist, was als nächstes passiert ist? Geschichten, wie eine erstaunliche fast hypnotische Wirkung auf uns. Es lohnt sich, eine Pause einzulegen, um über sie nachzudenken. Die Geschichte ist in unserer DNA, es ist etwas, was wir tun, das kein anderes Tier tut. Bienen machen Bienenstöcke, Biber bauen Dämme, Menschen erzählen Geschichten. Von den frühen Tagen des primitiven Homo Sapiens, Geschichten haben es uns ermöglicht, zusammenzuarbeiten, unsere Ideen zu teilen und zu überleben, sei es Geschichten über die Jagd oder Verteidigung unserer Familien, oder über epische Landschaften auf der Suche von Lebensmitteln und Unterschlupf. Geschichten waren eine Möglichkeit, Ideen zu vermitteln, die uns dabei helfen, durch die Außenwelt zu navigieren. Aber Menschen haben auch eine komplexe innere Welt. Wie wir über unser Leben denken und fühlen, spielt eine große Rolle bei den Entscheidungen, die wir treffen und die Art und Weise, wie wir uns verhalten. Wenn ich dir eine Geschichte über etwas erzähle, das mit mir passiert ist und wie ich damals dachte und fühlte. Sie werden einen besseren Einblick in die Gründe haben, warum ich die Entscheidungen getroffen habe und wie ich danach darüber gefühlt habe. Vielleicht sind das Dinge, die Ihnen helfen können, Dinge, über die Sie in der Zukunft nachdenken können. Oder vielleicht hattest du gerade dieses Gefühl selbst. Diese Idee zu teilen, ist ein Weg, Empathie aufzubauen. Es ist eine Art, sich gegenseitig zu verstehen. Es hilft uns, freundlich über uns selbst und über alle anderen nachzudenken. Gute Geschichten erhöhen die Einfühlungsvermögen. Geschichten machen die Welt wirklich zu einem besseren Ort. Als Storytelling-Medium. Film hat eine Menge Werkzeuge zur Verfügung. Die frühesten Geschichtenerzähler mussten ihre Geschichten rund um ein Lagerfeuer erzählen. Aber mit moderner Technik sind wir in der Lage, eine Geschichte zu machen und sie wie in der Gegenwart vor dem Publikum spielen zu lassen. Dies bedeutet, dass das Publikum in der Lage ist, die Handlung zu erleben , anstatt es aus zweiter Hand erzählt zu werden. Wir sind viel mehr in der Lage, unseren Unglauben aufzuhalten und uns völlig in das, was auf dem Bildschirm passiert, zu engagieren. Mit moderner Technologie können wir Soundeffekte, Musik und immer mehr umwerfende Spezialeffekte bearbeiten , hinzufügen . Das bedeutet, dass wir in der Lage sind, das logische linke Gehirn zu umgehen und das rechte emotionale Gehirn anzugreifen. Film ist wirklich das mächtigste Geschichtenerzählermedium. Was genau ist eine Geschichte? Wie definieren wir es? Woraus besteht sie? Was macht es zu einer guten Geschichte, die es wert ist, zu erzählen und nicht nur etwas, das passiert ist? Wir schauen uns das in der nächsten Klasse an. 4. Protagonist, Ziel & Hindernis: Was macht eine Geschichte aus? Wenn ich dies in meinen Klassen frage, sagen die Leute normalerweise einen Anfang, eine Mitte und ein Ende, oder einen Antagonisten oder eine überraschende Wendung. Das sind wirklich gute Antworten, Dinge, die Sie definitiv einschließen können. Aber wenn wir es gleich zurückziehen, gibt es drei Dinge, die wir grundlegend brauchen, um eine Geschichte zu machen, einen Protagonist, ein Ziel und ein Hindernis [NOISCH]. Das erste, was wir brauchen, um eine Geschichte zu sein, ist ein Protagonist. Dies ist Ihre Hauptfigur, Ihre zentrale Figur. Sie haben eine sehr wichtige Sache, die sie tun müssen, und das ist, [Lärm] zu ändern. Dies ist, was wir den Charakterbogen oder die Charakterentwicklung nennen. Das ist nicht nur eine oberflächliche Veränderung wie einen Haarschnitt. Das bedeutet, dass sie sich von innen ändern müssen. Sie müssen ihr Verhalten ändern, sie müssen ihre Überzeugungen über die Welt ändern. Der Protagonist beginnt die Geschichte mit einem Fehler, einem Glauben an die Welt, die sie in einer bestimmten Weise verhalten. Während sich die Geschichte entfaltet, ändert sich ihr Verständnis über die Welt und diese Veränderung ist, wer sie im Inneren sind, beeinflusst die Entscheidungen, die sie treffen und die Art und Weise, wie sie sich verhalten. Im Wesentlichen haben sie bis zum Ende ihren Fehler überwunden. Nehmen wir zum Beispiel an, wir haben eine Figur , deren Fehler darin besteht, dass sie unglaublich selbstzentriert sind. Vielleicht liegt das daran, dass ihr Glaube an die Welt ist, dass jeder nur für sich selbst bestimmt ist. Warum sollten sie sich also anders verhalten? Im Laufe der Geschichte könnten wir sehen, wie sie einige großzügigere Menschen treffen, in diesem Fall sehen sie die Freude, die sie bringen, und entscheiden, ihre Wege zu ändern. Sie haben ein neues Verständnis über die Welt erreicht und so haben sie ihr Verhalten verändert. Auf der anderen Seite könnten sie Menschen treffen, die noch egoistischer sind als sie. Sie erleben den Schmerz, den das verursachen kann, deshalb haben sie beschlossen, ein besserer Mensch zu werden, weil sie ein anderes Verständnis der Welt erreicht haben und daher ihr Verhalten in ähnlicher Weise ändern. So oder so, wir haben gesehen, dass Protagonisten diesen Glauben getestet, verändert haben , und infolgedessen haben sie ihr Verhalten verändert. Es gibt auch Geschichten, in denen sich Protagonisten nicht ändern. Sie werden Tragödien genannt, und die Charaktere enden normalerweise tot. Diese Geschichten erinnern daran, dass unsere Fähigkeit, sich zu ändern, das ist, was uns am Leben hält. Festhalten an Überzeugungen, von denen Sie wissen, dass sie falsch sind, kann gefährlich sein. Keine Veränderung entspricht dem Tod. Erinnere dich daran. Es ist wichtig, dass sich die Protagonisten nicht allzu leicht ändern. Im wirklichen Leben ändern wir unsere Überzeugungen nicht am Huttropfen. Es ist wirklich unglaublich schwer, jemanden dazu zu bringen, seine Überzeugungen zu ändern. Es bedeutet zuzugeben, dass du falsch liegst, was psychologisch sehr schmerzhaft ist. Um unsere Geschichten glaubwürdig zu machen, müssen wir unsere Charaktere dazu zwingen, sich zu verändern. Wir tun das mit den anderen beiden Wesentlichen Geschichte, Ziel und Hindernis. Das Ziel ist es, was der Protagonist zu erreichen versucht. Es ist Aufgabe, den Protagonist und die Macht der Geschichte zu treiben. Das Publikum will herausfinden, ob wir das Ziel erreichen wollen oder nicht, und so wird es bis zum Ende weiter beobachten, um zu sehen, ob es mit Erfolg oder Misserfolg endet. Also muss Frodo den Ring zerstören. Katniss muss die Hauptstadt stürzen und Marlin muss Nemo finden. Das Ziel hat eine starke Wirkung auf uns. Wie oft hast du immer einen Film gesehen , nur um herauszufinden, was am Ende passiert ist. Wir können die Wirkung eines Ziels sehen. Wenn Sie sich Musikvideos ansehen, sind diejenigen, die immer wirklich effektiv sind, diejenigen mit einer mächtigen Geschichte und Erzählung, die sie treiben. Aber nehmen Sie ein Ziel weg, und was bleibt Ihnen übrig? Eine Montage eines Pop-Stars, die in Zeitlupe traurig aussieht. Diese Musikvideos halten unsere Aufmerksamkeit nicht auf sich. Aber diejenigen mit Geschichte, das sind diejenigen, die wir bis zum Ende beobachten. Aber wenn ein Ziel zu leicht zu erreichen ist, wird es ziemlich langweilig. Zum Beispiel brauchte ich heute Milch, also ging ich in den Laden, ich konnte sie im Gang finden. Ich konnte dafür bezahlen, und dann ging ich nach Hause. Das war keine Geschichte, die es wert war, zu erzählen. Es fehlen die spannenden Teile der Geschichte, die die Hindernisse sind. Hindernisse sind alles, was dem Protagonisten in den Weg kommt, um ihr Ziel zu erreichen und ihre Funktion in der Geschichte ist es, Konflikte zu schaffen. Konflikt ist das, was Drama antreibt. Wenn Sie jemals mit einer Szene zu kämpfen haben, dann besteht die Wahrscheinlichkeit, dass es nicht genug Konflikte gibt. Sobald Sie Konflikte einführen, wo jemand etwas will und etwas sie stoppt, haben Sie eine viel interessantere Szene. Hindernisse treten in drei Formen auf. Die physische Welt der Geschichte, die Nebenfiguren und die Protagonisten Fehler. Die physische Welt der Geschichte enthält alle Hindernisse, die dem Protagonisten in die Quere kommen, um dieses Ziel zu erreichen. In einem Horrorfilm könnte es ein Spukhaus sein, das alle Fallen enthält, die von einem Verrückten gelegt wurden. In einem Science-Fiction-Film könnte es die giftige Atmosphäre und fremde Pläne eines neuen Planeten sein. In einem ausgefallenen Film könnten es die magischen Objekte und die seltsame Burg sein, die der Protagonist erforscht. In einem Rom-com könnte es ein Brunnen sein, der voller Kaffee ist, der nur darauf wartet, auf Sie verschüttet zu werden bevor Sie in das nächste Meeting gehen oder ein Taxi Sie davon abhält, zum Flughafen zu gelangen. In einem Raubfilm basieren diese Filme buchstäblich auf einer immer schwierigeren Reihe von Hindernissen, die Sie freischalten, überspringen oder einbrechen müssen. Wir sind noch nicht einmal zur vierten Dimension gekommen, Zeit. Wenn Sie jemals Schwierigkeiten haben, Konflikte in eine Szene zu bringen, setzen Sie ein Zeitlimit darauf. Hurra! Unterstützende Charaktere sind auch Hindernisse für den Protagonist zu überwinden. Dies könnte der Antagonist sein, der normalerweise der Hauptschurke oder der Hauptgegner des Protagonisten ist. In einem Superheldenfilm oder einem Spionagefilm ist es normalerweise einfach herauszufinden, wer der Bösewicht ist, und deshalb werden sie der Antagonist sein. In einer Rom-com oder einer Kumpel-Komödie, ist es eigentlich in der Regel das romantische Interesse oder der Freund des Protagonisten, der der Hauptgegner ist, der sie dazu zwingt, ihr Verhalten zu ändern, indem er eine schwierige Person ist, um zu sein. Unterstützende Charaktere kommen auch in Form von Verbündeten und Feinden. Feinde versuchen, den Protagonist davon abzuhalten , ihr Ziel zu erreichen, während Verbündete ihre Protagonisten ermutigen könnten , Dinge zu tun, die sie in ihrer üblichen Komfortzone nicht tun würden. Die wichtige Sache zu erinnern, ist, ob sie Feinde oder Verbündete sind, die anderen unterstützenden Charaktere gibt es als Hindernisse, um Druck auf den Protagonist zu setzen, um zu ändern. Die Veränderung des Protagonisten sollte für Sie als Schriftsteller das Wichtigste sein, denn in diesem Wandel verborgen ist das, was Sie der Welt sagen. Es ist das Argument, das du machst, die Idee, die du zu kommunizieren versuchst. Die Veränderung des Protagonisten ist das Thema Ihrer Geschichte, so Thema ist, was wir als nächstes betrachtenmüssen betrachten nächstes [MUSIK]. 5. Thema: Veränderung deines Protagonisten ist das Thema deiner Geschichte und alles in deiner Geschichte sollte auf diesem Thema basieren. Die Orte, die Zeichen, die Objekte, alle sollten eine Beziehung zu diesem Thema haben. Was ist das? Thema ist die Moral der Geschichte. Es ist ein Urteil darüber, wie wir unser Leben leben sollen. Filme beschäftigen sich mit Themen, auf die sich ihre Zielgruppe beziehen wird: Familie, Zuhause , Freunde, Erwachsen, Trauer, Dinge, die wir alle haben oder alle erfahren werden. Das Thema ist, was der Schriftsteller zu diesem Thema sagen will. Es ist die Ansicht des Schriftstellers und es ist in der Entwicklung des Protagonisten verkörpert, in ihrem Charakterbogen, wenn sie sich von der entgegengesetzten Ansicht zur Ansicht des Schriftstellers auf das Thema ändern . Nehmen wir den König der Löwen als Beispiel. Das Thema im König der Löwen ist, dass unsere Verantwortung wichtiger ist als unsere individuellen Wünsche. Zu Beginn des Films wünscht Simba, auf den Elefantenfriedhof zu gehen, trotz der Tatsache, dass ihm gesagt wurde, es nicht zu tun. Dies führt zu einer Reihe von Ereignissen, bei denen Mufasa ihn vor den Hyänen retten muss. Die Hyänen schließen sich mit Scar zusammen, um Mufasa in einer Stampede zu töten. Simba glaubt, das sei seine Schuld wegen Narbe und er rennt davon. Er trifft sich mit Timon und Pumbaa, die ihm beibringen, dass Sie im Leben keine Verantwortung übernehmen sollten. Sie laufen über einen Baumstamm, der „hakuna matata“ singt. Es bedeutet keine Sorgen für den Rest Ihrer Tage. Simba ist sehr glücklich, so zu leben, bis Nala auftaucht. Sie erzählt ihm, dass der Stolz verhungern wird, wenn er nicht zurückkehrt und Scar herausfordert und seine Familie, den Stolz und den Lebenskreis vor dem sicheren Tod bewahrt. Es ist wieder der Tod. Es ist immer der Tod. Es ist nicht ungewöhnlich, dass das Thema früh von einem Archetyp oder Führer erklärt wird , der sich um den Protagonist kümmert. Nehmen Sie einen Punkt, wenn Sie diese Zitate erkennen , die uns genau sagen, was das Thema des Films ist. Mit großer Macht kommt große Verantwortung. Warum fallen wir? So können wir lernen, uns selbst abzuholen. Benutze die Kraft Luke. Das letzte vielleicht ein bisschen kryptisch, aber es funktioniert. Lukes Jedi Training geht es darum, loszulassen und seinen Instinkten zu vertrauen. Bewegen Sie sich weiter. Es ist wirklich wichtig, Ihr Thema zu kennen, weil es Ihnen hilft, einen Konflikt in Ihrem Skript zu entwickeln. Wenn es sich bei Ihrem Thema um Verantwortung handelt, es keinen Sinn, Hindernisse zu haben, die sich nicht auf dieses Thema beziehen. Nehmen wir an, Sie haben ein Thema, Ruhm bringt Ihnen kein Glück. Welche Arten von Hindernissen werden nützlich sein? Locations wie Fernsehstudios, Bühnen mit Publikum, Umkleideräume, ausgefallene Restaurants, unterstützende Charaktere wie Agenten , Fans, andere Prominente und sie haben das Gegenteil. Wenn Ihr Charakter Ruhm sucht, wie würden sie an einem isolierten Ort ohne Empfang reagieren, wo niemand sie erkennt? Reise Ihres Charakters verkörpert das Thema, so dass Sie sicherstellen müssen, dass die Hindernisse mit denen sie in Kontakt kommen, sie zwingen, verschiedene Ansichten über dieses Thema zu haben. Schriftsteller nutzten auch Symbolik, um sich mit dem Thema zu beschäftigen. Ein Symbol ist eine Metapher, die etwas über das Thema ausdrückt. In Titanic wird das Juwel, das Rose gegeben wird, das Herz des Ozeans genannt. Es wurde auf dem Schiff gelassen, als es sank und ihre wahre Liebe, Jack, ertrinkt. Jahre später, als sie eine alte Frau ist, wird es von Tauchern erholt, aber sie nimmt es und wirft es zurück in den Ozean. Ihr Herz ist immer noch bei Jack. Es ist nicht sehr subtil, aber es ist sehr effektiv und ich weinte. Thema braucht immer einige ernsthafte Gedanken über. Es ist oft der schwierigste Teil, mit Ihrer Geschichte zu kommen. Ziele und Hindernisse sind einfach zu finden. Aber das Ausarbeiten Ihres Themas, was Sie über ein bestimmtes Thema sagen möchten, das ein wenig schwieriger sein kann. Aber früh zu trainieren ist wirklich wichtig , weil es jeden Aspekt Ihrer Geschichte beeinflussen wird. Okay, jetzt verstehen wir, wie Geschichten funktionieren. Jetzt müssen wir speziell darüber nachdenken, wie Geschichten auf dem Bildschirm funktionieren. 6. Visuelles Storytelling: Film ist ein visuelles Medium. Ich möchte die Bedeutung des Klangs im Kino nicht unterspielen, aber wir achten mehr auf das, was wir sehen, als das, was wir hören. Für den Drehbuchautor bedeutet dies, dass ihre Worte bewegte Bilder beschreiben müssen. Bisher haben wir über Geschichten gesprochen und wie sie funktionieren. Jetzt müssen wir insbesondere darüber nachdenken, wie Geschichten auf dem Bildschirm funktionieren. Weil Film ein visuelles Medium des Geschichtenerzählens ist, erhält das Publikum die Erzählung durch die Bilder, die sie sehen. Deshalb lautet die goldene Regel für Drehbuchautoren: „Show, sag es nicht.“ Wenn ich ein Drehbuch öffne und nur Seite für Seite des Dialogs sehe, weiß ich schon, dass etwas nicht stimmt. Lange Dialogszenen funktionieren wirklich gut auf der Bühne, weil das Publikum dort die Erzählung durch die Worte erhält, die sie hören. Aber im Film achten wir mehr auf die Bilder als auf den Dialog. Wenn wir ein Drehbuch öffnen, sollten wir viel Action sehen. Dies hat einen großen Einfluss darauf, wie wir unseren Protagonist verstehen. Anstatt einen langwierigen Monolog zu haben, genau beschreibt, was im Kopf des Charakters vor sich geht, müssen wir verstehen, wie sie durch ihre Handlungen denken und fühlen, insbesondere die Entscheidungen, die sie treffen, wenn sie reagieren auf Hindernisse. Angenommen, ein älterer Mensch fällt auf der anderen Straßenseite über. Was macht dein Protagonist? Überstürzen sie sich und helfen sofort? Oder versuchen sie wegzugehen? Lachen sie grausam? Oder gehen Sie vorbei und tun Sie so, als würden Sie helfen, während Sie heimlich ihre Handtasche stehlen? All diese Aktionen erzählen uns etwas über deinen Charakter und wer sie sind. Wir lernen, ob sie freundlich oder unbesorgt, grausam oder manipulativ sind. Jede Handlung enthüllt uns etwas darüber, wer dieser Charakter ist. Deshalb konnten Stummfilme rund um die Welt reisen. Alle Komplexitäten von Charakter und Plots konnten durch Aktion, durch Verhalten auf dem Bildschirm kommuniziert werden. Es wurde nicht von verschiedenen Sprachen zurückgehalten. Deshalb ist es so wichtig, wirklich herausfordernde Hindernisse für Ihre Charaktere zu schaffen. Wir finden heraus, wer die Menschen wirklich sind, wenn sie unter Druck stehen. Wenn die Dinge Ihren Weg gehen, ist es sehr einfach, angenehm und angenehm zu sein. Aber wenn es hart wird , dann findet man heraus, wer jemand wirklich ist. Wenn Sie darüber nachdenken, Hindernisse für Ihre Charaktere zu schaffen, wählen Sie Hindernisse, die wirklich herausfordernd sind , die sie wirklich testen und zeigen, wer sie wirklich unter der Maske sind. Ein Hinweis zum Erstellen interessanter Charaktere, es ist in der Regel viel interessanter, einen Charakter zu erstellen, der sich in einer ungewöhnlichen Weise verhält, jemanden, der in einer Bibliothek schreit, eine Warteschlange springt oder ein Auto in der Mitte einer Autobahn parkt. Diese Dinge sind alles interessanter, weil sie abnormal sind. Es ist die Anomalie, die Charakter schafft, und niemand ist normal. Wir können uns alle auf dieses Gefühl beziehen, etwas seltsam zu sein. Ich bin nicht normal. Bin ich nicht. „ Show, sag nicht“ ist auch eine gute Regel, um Charaktergeschichten oder Informationen zu enthüllen , die wir in der Handlung kennen müssen. Was wir vermeiden wollen, ist der expositionelle Dialog. expositionelle Dialog ist, wo die Charaktere etwas erklären, das wirklich zum Nutzen des Publikums und nicht wirklich für die Charaktere im Film ist. Vermeidung eines expositionellen Dialogs durch das Zeigen von Informationen ist schwieriger, aber es ist viel angenehmer für das Publikum. Wir haben das Gefühl, dass wir das Puzzleteil selbst zusammenstellen, anstatt nur Dinge erzählt zu werden. Zeig uns. Wie sieht das Innere deiner Charaktere nach Hause aus? Was ist in ihrem Kühlschrank? Welches Foto haben sie an ihrer Wand? Gibt es ungewöhnliche Objekte, die sie herumtragen , die für sie von besonderer Bedeutung sind? Das Publikum genießt es. Wir fühlen uns gerne wie ein Detektiv, der Beweise zusammenzieht. Geben Sie uns diese Beweise in Bildern und nicht Zeugenaussagen, um die Analogie etwas zu dehnen. All dies sind Möglichkeiten, Informationen visuell an ein Publikum zu kommunizieren. Ich bin sicher, dass Sie selbst viele Ideen haben werden. Ok. Wir haben uns alle Komponenten angesehen, die wir brauchen, um eine Geschichte auf dem Bildschirm funktionieren zu lassen. Lassen Sie uns darüber nachdenken, wie wir eine Idee nehmen und sie fertigen, um bereit für eine Geschichte auf dem Bildschirm zu sein. In der Filmindustrie nennen wir diesen Prozess Entwicklung. 7. Entwicklung & Logline (Kursprojekt 1): Als ich anfing, Filme zu machen, war das größte Problem, das ich nicht wusste, wie ich meine ehrlich gesagt erstaunlichen Ideen in ein erfolgreiches Drehbuch verwandeln konnte. Ich würde anfangen, auf eine leere Seite zu schreiben und feststellen, dass es wahrscheinlich [unhörbar] wäre , weil die Idee nicht vollständig ausgearbeitet wurde. Jetzt, wenn ich eine Idee habe, durchführe ich sie durch einen Prozess namens Entwicklung. Eine Idee kann in vielen Formen zu uns kommen. Manche Leute sehen Bilder, andere denken an Charaktere oder Situationen. Für manche Leute stellt es sich eine Zeitspanne oder eine Aktionssequenz vor. Vielleicht lesen Sie einen Artikel oder eine autobiographische Geschichte. Die Liste dessen, was eine Idee inspirieren kann, ist endlos. In der Filmindustrie ist die Entwicklungsphase, wo man eine Idee nimmt und alle Knicke ausbügelt, was die Geschichte so stark wie möglich macht, bevor man ein einziges Wort eines Drehbuchs schreibt. Wie nehmen wir eine Idee und fertigen sie in eine Geschichte? Zuerst müssen Sie herausfinden, welchen Teil der Geschichte Sie haben, und dann herausfinden, welche Teile Sie benötigen. Denn wie wir gesehen haben, erfüllen verschiedene Teile der Geschichte unterschiedliche Funktionen. Indem Sie herausfinden, was Sie haben, können Sie die anderen Teile der Geschichte, die Sie benötigen, basierend auf ihrer Beziehung zueinander. Welchen Teil der Geschichte haben Sie? Ist es ein Protagonist, ein Ziel, ein Hindernis oder ein Thema? Das ist nicht immer so einfach, wie es klingt. Es ist wirklich wichtig, mit sich selbst klar zu sein, welchen Teil der Geschichte Sie haben. Sobald Sie wissen, welchen Teil der Geschichte Sie haben, können Sie sich einige wichtige Fragen stellen, um herauszufinden , was die anderen Teile der Geschichte sein sollten. Wenn Sie einen Protagonist haben, was ist ihr Boden und wie werden sie sich ändern? Wenn Sie bemerken, können Sie sich eine Kombination aus einem Ziel und Hindernissen vorstellen , die sie zwingen, sich zu ändern. Fragen Sie sich: „Für welchen Job wären sie am wenigsten qualifiziert?“ dies fragen, können Sie an ein Ziel denken, das sie zwingen wird, sich zu ändern. Wenn Sie mit einem Ziel angefangen haben, wer wäre der schlechteste Protagonist für dieses Ziel? Wer würde es am schwierigsten und herausforderndsten finden? Was wäre also? Wie müssten sie sich ändern? Dann wähle Hindernisse auf ihrem Weg, die diese Veränderung erzwingen werden. Wenn Sie ein Hindernis haben, welches Ziel würde es im Weg stehen? Wer ist der Protagonist, der dieses Hindernis am schwierigsten zu handhaben finden würde? Wie müssten sie sich ändern, um erfolgreich zu sein? Wenn Sie mit dem Thema begonnen haben. Denken Sie an einen Protagonist, der am meisten von diesem Thema lernen würde. Denken Sie an ein Ziel, das sie in Konflikt mit Hindernissen würde , die sie zwingen würden, zwischen verschiedenen Ansichten zu diesem Thema zu wählen. Denken Sie daran, dass der Charakter uns zu dem führt, was Sie wollen, um Ihre abschließende Argumentation zu diesem Thema sein. Es ist gut, mit jemandem zu beginnen, der im Grunde den entgegengesetzten Standpunkt hat. Sie können beginnen, vertraute Fragen auftauchen zu sehen, egal wo Sie begonnen haben. Sobald Sie eine Idee haben, müssen Sie sie dekonstruieren, damit Sie wissen, welche Teile der Geschichte Sie haben und welche Teile Sie dann ausfüllen müssen. Sie suchen, um einen fehlerhaften Protagonist zu schaffen, der ein Ziel hat, der Hindernisse konfrontiert wird, die sie gezwungen, sich zu ändern. Diese Veränderung wird das Thema Ihrer Geschichte sein. in diesem Stadium richtig zu machen, ist so wichtig, weil es jedes einzelne Wort beeinflussen wird, das Sie schreiben. Um Ihre Idee zu klären und Ihre Geschichte so stark wie möglich zu machen, schreiben wir etwas, das die Branche für jedes Projekt erwartet. Eine Logline. [ MUSIK] Die Filmindustrie ist voller beschäftigter Leute und Leute, die gerne beschäftigt aussehen. Eine Logline ist eine wirklich gute Möglichkeit Ihre Story-Idee in kürzester Weise zu kommunizieren. Nur von der Chance, dass Sie den Produzenten oder Regisseur auf einer Party oder in einem Aufzug treffen. Ihre Logline muss alles, was er über Ihre Geschichte wissen soll, in einer kurzen und sehr ansprechenden Weise kommunizieren . ich es gehört habe, sollte ich verstehen, wer der Protagonist ist, welches Ziel sein wird, welche Hindernisse sie haben werden, und eine grobe Vorstellung über das Thema, das Sie erforschen werden. Hier sind einige Beispiele [MUSIK]. Sie können aus diesen Beispielen sehen, dass eine Logline Ihnen drei der wichtigsten Story-Elemente sehr deutlich erzählt, der Protagonist, Ziel und Hindernisse. Wenn Sie ein wenig darüber nachdenken, werden Sie herausfinden, was das Thema ist. Jetzt bist du dran. Wir befinden uns in der Entwicklungsphase. Ich möchte, dass Sie Ihre Idee nehmen, herausfinden, welchen Teil der Geschichte Sie haben und welche Teile der Geschichte Sie brauchen. Beginnen Sie, viele Ideen zu generieren, schreiben Sie sie alle auf, erarbeiten Sie, was sie Ihnen in Bezug auf Standorte, unterstützende Charaktere, Hindernisse bieten. Stellen Sie sicher, dass Sie eine Entscheidung über Ihr Genre getroffen haben. Stellen Sie sicher, dass Sie Hindernisse wählen, die Konflikte schaffen, die für einen Horrorfilm und keine Komödie richtig sind . Wenn es das ist, was dich machen wird. Sobald Sie mit all diesen Ideen gekommen sind, müssen Sie beginnen, Entscheidungen über die Geschichte zu treffen, die Sie erzählen werden. Letztendlich kommt das auf deinen kreativen Instinkt zurück. Das Schreiben eines Drehbuchs dauert sehr lange. Welche Version Ihrer Geschichte möchten Sie die Zeit mit dem Schreiben verbringen? Welches funktioniert am besten? Welches sind Sie natürlich angezogen? Sobald Sie alle Story-Elemente ausgewählt haben? Jetzt ist es an der Zeit, deine Logline zu schreiben. Machen Sie es einfach, klar und ansprechend, und dann gehen Sie und erzählen Sie es den Menschen, sehen Sie, ob sie interessiert sind. Professionelle Drehbuchautoren verbrachten viel Zeit damit, Loglines zu erstellen und sie dann zu testen. Das Schreiben eines Drehbuchs dauert sehr lange. Idee, Ihre Story-Idee auszuarbeiten und dann zu ist eine wirklich guteIdee, Ihre Story-Idee auszuarbeiten und dann zuprüfen, ob Leute interessiert sind, bevor Sie Wochen, vielleicht Monate oder sogar Jahre mit der Arbeit an Ihrem Drehbuch [MUSIK] verbringen . Es ist Zeit für Klassenprojekte, und das erste, was ich sehen möchte, ist Ihre Logline. Sie können ein praktisches Logline-Arbeitsblatt aus dem Abschnitt Projekt und Ressourcen unten herunterladen. Wenn Sie fertig sind, vergessen Sie nicht, es für Feedback hochzuladen. ( MUSIK) Nehmen wir an, wir haben die Geschichte alles ausgearbeitet und unsere Logline ist startklar. Ich bin bereit, mit der Eingabe zu beginnen. Noch nicht. Zwischen der Geschichte und dem Drehbuch müssen wir die Struktur ausarbeiten. ( MUSIK) 8. Struktur: Okay, also haben wir unsere Geschichte und unsere Log-Zeile. Sind wir nun bereit, eine leere Seite zu öffnen und mit der Eingabe zu beginnen? Nicht ganz. Zwischen der Geschichte und dem Drehbuch müssen wir uns die Struktur ansehen. Aristoteles, der alte griechische Philosoph, der als erster darauf hinwies, dass eine Geschichte einen Anfang, eine Mitte und ein Ende brauchte . Diese Beobachtung gilt heute und hat sich im Laufe Zeit zur Standardstruktur für die Filmindustrie entwickelt. Es wird als Drei-Akt-Struktur bekannt, und es sieht so aus: eine horizontale Linie und zwei vertikale Linien. Dies ist die Form, auf die unsere Geschichte fallen kann. Drei Abschnitte genannt drei Akte, geteilt durch zwei Linien, die Wendepunkte in der Geschichte genannt werden. Akt eins nennt man das Setup. Akt zwei ist der Konflikt und Akt drei ist der Höhepunkt und die Lösung. Der erste Wendepunkt wird als Anstiftung bezeichnet. Die zweite nennt sich die Krise. Lasst uns diese eins nach dem anderen nehmen. Akt Eins ist das Setup. Dort treffen wir Ihren Protagonisten. Wir finden am Anfang der Geschichte heraus, wer sie sind, und vor allem herausfinden, was ihr Fehler ist. Diese Szenen zeigen uns ihre Welt und wie sie sich damit verhalten. Es könnte ihren Job, ihre Freunde, Liebesleben und Familie umfassen . Dies ist Ihr Protagonist in ihrer normalen Welt und wir sehen, wie ihre aktuellen Überzeugungen ihr Verhalten beeinflussen. Der erste Wendepunkt ist der anstachelende Vorfall. Dies ist die Veranstaltung, die die Protagonistin in der Verfolgung ihres Ziels auslöst. Dies ist, als Frodo den Ring gegeben wurde, als Katniss freiwillig ihre Schwester retten und die [unhörbare] vermisst wird. Es sollte nicht zu lange dauern, bis wir hierher kommen. Richten Sie den Protagonist schnell und übersichtlich ein und kommen Sie dann direkt zum Anstachelung Vorfall. Im zweiten Akt, Konflikt, verfolgt der Protagonist das Ziel, Hindernisse auf dem Weg zu treffen. Diese Hindernisse zwangen sie, sich zu ändern und sie dazu zu bringen, ihren Glauben über die Welt zu bewerten. Der zweite Wendepunkt ist die Krise. Hier befindet sich der Protagonist am tiefsten Punkt des Films und sie glauben, dass alles verloren ist. Es ist am zweiten Wendepunkt, dass die Protagonistin Lage ist, ihre Überzeugungen zu reflektieren und zu ändern, sich in Akt drei mit einem neuen Verständnis der Welt bewegen. Akt drei, Höhepunkt und Auflösung, wo der Protagonist mit diesem neuen Verständnis bewaffnet ist, geht auf den Höhepunkt der Geschichte und entweder gelingt oder scheitert ihr Ziel zu erreichen. In der Entschließung finden wir heraus, was dem Charakter passiert, jetzt haben sie dieses neue Verständnis, und wir binden auch alle losen Geschichtenfäden. Wenn es nicht sofort klar ist, wie Ihre Geschichte in diese Struktur passt, würde ich vorschlagen, zurück zu Ihrer Log-Zeile zu gehen und wirklich auf Ihre Protagonisten Ziel, Hindernis und Thema schauen. Die Story-Struktur ist so konzipiert, dass die Grundlagen der Geschichte schön und ordentlich darauf passen können und Ihnen eine Möglichkeit geben, zu verstehen, was passieren sollte, wenn in der Geschichte. Wenn Sie deutlich sehen können, wo Ihre Geschichte in diese Struktur passt, dann sind Sie bereit, weiterzumachen. Jeder Akt hat eine bestimmte Struktur. Werfen wir einen Blick auf die Tat. 9. Akte (Kursprojekt 2): Was ist ein Akt? Ein Akt ist eine Vorgehensweise, die der Protagonist verfolgt, um dieses Ziel zu erreichen. Man kann sich das wie ein Unterziel vorstellen. Zum Beispiel, wenn Sie einen Raub abziehen möchten, müssen Sie zuerst das Team aufbauen. Wenn du ein Superheld sein willst, musst du zuerst mit deinen Kräften trainieren. Wenn du den Todesstern in die Luft sprengen willst, brauchst du zuerst einen Piloten, der dich von einer Tatooine abnimmt. Sobald ein Protagonist eine Vorgehensweise abgeschlossen hat oder diese Vorgehensweise nicht mehr möglich ist, trifft der Protagonist einen Wendepunkt und wird dann zu einem neuen Akt gedreht. Die dreiteilige Struktur unserer Geschichte, die Einrichtung, der Konflikt und die Lösung, wird in jedem Akt repliziert. Es ist hilfreich, es wie ein Dreieck zu denken. Jeder Punkt stellt das Setup, den Konflikt und die Auflösung dar, die diagonale Linie auf dem Weg nach oben stellt die steigende Aktion dar, und die diagonale Linie auf dem Weg nach unten stellt die fallende Aktion dar. Mit einer Vorgehensweise im Hinterkopf bewegen sich die Protagonistin zu diesem Unterziel, finden die meisten Konflikte auf dem Höhepunkt des Dreiecks, dann reagieren sie und reagieren auf ihren Erfolg oder Misserfolg in der fallenden Aktion. Wir haben gesehen, dass wir einen Akt oder eine Vorgehensweise haben, bei der der Protagonist ein Team für einen Raub aufbaut. In der steigenden Aktion, die Protagonist geht um die Einstellung seiner Teammitglieder für den Raub, Treffen der meisten Konflikt an der Spitze, vielleicht jemand weigert sich, beitreten oder muss zuerst aus dem Gefängnis brechen. In der fallenden Aktion, sobald der Protagonist das Team hat, musste er sie für den Job trainieren. Auf dem Höhepunkt und der Auflösung ist klar, dass das Team für den Raub bereit ist und sie einen Wendepunkt treffen , wo sie eine neue Vorgehensweise verfolgen müssen, den Raub selbst durchführen. In jedem Akt Ihrer Geschichte sollten Sie die Ursache der Aktion kennen, die Ihr Protagonist verfolgt. Was versuchen sie zu erreichen? Schon im ersten Akt vor dem Anstiftung sollte der Protagonist im damaligen normalen Leben eine Handlungsweise verfolgen. Der dritte Akt hat den Höhepunkt auf seinem Höhepunkt, die steigende Aktion ist der letzte Schub auf das Ziel, und die fallende Aktion bindet die Geschichte danach. Der erste und der dritte Akt sind normalerweise am einfachsten zu erarbeiten. Der zweite Akt ist ein wenig schwieriger, nicht nur weil er ein wenig länger ist, sondern auch, weil hier der Protagonist allen Hindernissen begegnen wird, die sie dazu führen, sich zu ändern. Der Höhepunkt des zweiten Akts wird als Mittelpunkt bezeichnet, und es ist in der Regel ein wichtiger Moment für den Charakter. Danach gibt es kein Zurück mehr. Es ist die Kombination der aufsteigenden Aktion in der ersten Hälfte, in der der Protagonist das Ziel verfolgt, und danach reagieren sie meist auf Ereignisse. Wie bei jedem großen Problem ist es immer eine gute Idee, es zu brechen, und es gibt verschiedene Ansätze, dies mit dem zweiten Akt zu tun. Einige Leute teilen es in zwei mit dem Mittelpunkt in der Mitte und erarbeiten die aufsteigende und fallende Aktion. Andere, ich selbst eingeschlossen, teilen diesen zweiten Akt gerne in drei, was Ihnen eine Fünf-Akt-Struktur gibt. Der Vorteil einer Fünf-Akt-Struktur bedeutet, dass Sie die Reise Ihres Protagonisten genauer verfolgen können. In dieser neuen Fünf-Akt-Struktur ist der zweite Akt, wo der Protagonist in der Lage, mit diesem neuen Verständnis unter neuem Verhalten zu experimentieren. Hier können Superhelden neue Kräfte ohne Konsequenzen ausprobieren. Im dritten Akt erfährt der Protagonist, dass dieses neue Verhalten Konsequenzen hat, entweder sie oder jemand, der ihnen nahe steht, verletzt wird. Das bedeutet, dass sie sich in Akt vier wieder in ihr altes Verhalten zurückziehen. Dies verursacht jedoch noch mehr Probleme und führt zur Krise. Am zweiten Wendepunkt erkennen sie, dass sie diesen neuen Glauben annehmen müssen, dieses neue Verhalten, unabhängig davon, wie schmerzhaft es ist, um das Ziel zu erreichen. Ich mag die Fünf-Akt-Struktur sehr, weil sie dich dazu zwingt, darüber nachzudenken, wie der Protagonist entwickelt, während er verschiedene Handlungsweisen verfolgt. Das ist, was ein Akt ist und wie sie funktionieren. Jetzt können Sie zu Ihrer Geschichte zurückkehren und herausfinden, was in jedem Akt passiert, welche Vorgehensweise Ihr Protagonist verfolgen wird, um dieses Ziel zu erreichen. Es ist Zeit für unser Projekt der zweiten Klasse, und dieses Mal möchte ich Ihre Struktur sehen. Sie können ein praktisches Struktur-Arbeitsblatt aus dem Abschnitt Projekte und Ressourcen unten herunterladen , sowohl die Struktur von drei als auch fünf Akten abdeckt, und wenn Sie fertig sind, vergessen Sie nicht, es für Feedback hochzuladen. Sobald Sie Ihre Acts in all Ihren Handlungsweisen ausgearbeitet haben, werden Sie bereit sein, sich die Story-Beats anzusehen. 10. Erzähltakte: Wir haben unsere Geschichte, die wir in eine Drei-Akt-Struktur zerbrochen haben, und jeder Akt hat jetzt eine Vorgehensweise. Jetzt müssen wir diese Taten mit den Ereignissen der Geschichte füllen, die wir Story Beats nennen. Dies ist eine wirklich lustige und kreativ aussehende Phase des Schreibprozesses. Ich würde raten, sich ein paar Haftnotizen oder einige Platte farbige Karten, um Ihre Geschichte Beats abbilden. Jeder Beat stellt ein Ereignis in der Geschichte dar und braucht vier Dinge: einen Titel, den Konflikt, die emotionale Veränderung und Noten. Der Titel sollte eine kurze Beschreibung dessen sein, was in diesem Beat passiert. Der Konflikt sollte den Konflikt im Takt umreißen; wer was will und wer versucht, sie zu stoppen. Der emotionale Wandel sagt uns, wie sich der Protagonist innerhalb der Szene verändert, um sicherzustellen, dass wir eine emotionale Veränderung haben. In den Noten füge ich alle Ideen ein, die ich für den Beat hatte; Linien, Action, alles andere. Wenn du anfängst, nimm all die großen Beats, an die du schon gedacht hast, runter. Der anstachelende Vorfall, der Mittelpunkt, die Krise, der Höhepunkt, diese Schläge, die Sie bereits kennen. Schreiben Sie diese auf und beginnen Sie dann, sie in Reihen zu platzieren, je nach den Handlungen, in denen sie sich befinden. Manche Leute machen das gerne horizontal, manche Leute machen es gerne vertikal, ich mache es horizontal und ich arbeite auch in fünf Akten, also werde ich fünf horizontale Reihen haben. Ich weiß, dass meine Anstiftung am Ende des ersten Akts kommen wird, also werde ich das hier drüben platzieren. Ich weiß, dass mein Mittelpunkt genau in der Mitte des Films kommen wird, also wird die Mitte von Akt 3 in der dritten Reihe und mein Höhepunkt in meinem fünften Akt passieren, so dass es gleich wieder in der Mitte sein wird. Dann wollen Sie jeden anderen Beat ausfüllen, den Sie möglicherweise können. Das ist aus einem Drehbuch, das ich vor ein paar Monaten geschrieben habe, also werde ich sie jetzt auslegen, und das Finale ist da. Das ist, was ich vorher getan habe, also war das leicht betrügt. Aber während du dein Beat-Board ausfüllst, hast du viele leere Räume und du wirst aus vielen verschiedenen Beats. Wenn man sich das anschaut, muss man sich ansehen, in welcher Handlung er sich befindet, welche Handlungsweise Ihr Charakter verfolgt und Beats in der Geschichte ausarbeitet, die diese Vorgehensweise erfüllen. Natürlich, mit der steigenden Aktion auf der linken Seite und der fallenden Aktion auf der rechten Seite, sollten Sie in der Lage sein, die richtigen Arten von Beats zu erstellen , die Ihrem Weg Ihrer Geschichte folgen. Wie viele Beatkarten brauchst du? Es hängt von der Person ab und was für Sie funktioniert. Persönlich habe ich festgestellt, dass neun Beatkarten pro meiner fünf Acts wirklich gut funktionierten. Eine ungerade Anzahl von Karten bedeutet, dass ich eine mittlere Karte habe, die den Höhepunkt, den großen Konflikt in jedem Akt darstellen kann , und ich weiß, dass ich auf der anderen Seite einen Wendepunkt treffen werde, der mich zum nächsten Akt zurückschicken wird. Normalerweise finde ich, dass ich im letzten Akt etwas weniger Karten habe, denn wenn ich die Lösung erreicht habe, möchte ich die Dinge einfach schön und schnell einpacken. Sobald ich mit dem Layout zufrieden bin und denke, dass jeder Beat an der richtigen Stelle ist, werde ich anfangen, durchzulesen und so viel Details zu jedem Beat hinzuzufügen, wie ich kann, also den Konflikt dort hinein, emotionale Veränderung und das Hinzufügen von Notizen Dialog oder Momente, die ich in diesem Beat sehen möchte. Es ist wirklich nützlich, weil du dann dein Beatboard durchlesen kannst , als wäre es ein erster Entwurf, der von Akt 1 bis zum letzten Akt weitergeht und den Rhythmus deines Drehbuchs spürst. zu tun ist wirklich hilfreich, weil man manchmal das Gefühl hat, dass ein Beat an einem falschen Ort ist so dass man ihn gegen einen anderen Beat tauschen kann und erkennen kann, dass Ihre Geschichte in einer anderen Reihenfolge besser funktionieren wird, oder Sie könnten erkennen, dass dieser Beat vor allem tatsächlich nichts zur Geschichte hinzufügt und Sie können es werfen. Eine weitere wirklich nützliche Sache, die Sie tun müssen, während Sie durchmachen, ist, darauf zu achten, wenn Sie unterstützende Charaktere einführen. Wenn Sie eine finden, schreiben Sie eine kurze Biografie über sie, erarbeiten Sie, wie sie ein Hindernis für Ihren Protagonist sind. Was ist ihre Beziehung zu dem Thema? All diese Informationen zu haben, wird wirklich nützlich sein , wenn Sie kommen, um Ihren Entwurf zu schreiben. In diesem Stadium, je detaillierter, desto besser. Wann ist ein Beat-Board fertig? Persönlich arbeite ich gerne so lange wie möglich auf dieser Bühne und füge immer mehr Details hinzu, bis es sich anfühlt, wenn ich noch mehr Details hinzufügen würde, könnte ich das Skript genauso gut beschreiben. Ich denke, es ist endlich an der Zeit zu sehen, wie wir ein Drehbuch schreiben. 11. Szenen: Szenen sind die kleinste Einheit in Ihrer Story-Struktur. Wie viele Sie brauchen und wie lange sie sind, hängt von Ihrer Geschichte ab. Wie stellen wir sicher, dass die Szene in Ihrer Geschichte funktioniert? Sie können beginnen, Ihre Szenen basierend auf Ihren Story-Beats zu schreiben. Manchmal haben Sie einen Schlag zu einer Szene. Manchmal haben Sie mehrere Beats zu einer Szene, und manchmal möchten Sie einen Querschnitt zwischen Szenen auf mehreren Beats. Jede Szene ist eine kleine Geschichte in sich selbst. Genau wie unsere Taten, hat es einen Aufbau, einen Konflikt und die Lösung. Bevor du anfängst, deine Szene zu schreiben solltest du wissen, was ein Charakter will, ,solltest du wissen, was ein Charakter will,was die Hindernisse sein werden und wie das Konflikte hervorbringt und wie sie sich bis zum Ende verändern werden. Das ist keine große Veränderung, wie man am Ende des Films sehen würde, sondern nur eine kleine emotionale Veränderung, die Teil der Reise ist. Sobald ich diese drei Dinge aufgeschrieben habe, werde ich alle anderen Ideen zeigen, die ich gesehen habe , und so habe ich alles Material, das ich brauche, damit ich anfangen kann, die Szene zu schreiben. Ein gemeinsamer Ratschlag für das Schreiben von Szenen kommt spät, verlassen Sie früh. Dies bedeutet einfach, alle langweiligen Bits loszuwerden. Wir brauchen also nicht zu sehen, wie der Charakter im Café ihren Kaffee auswählt, dafür bezahlen, darauf warten, ihre Abwechslung bekommen, sich hinsetzen, warten, bis andere Charaktere ankommen oder diese Art von Eröffnungsdialog, Du bekommst, hallo, wie geht's dir? Mir geht's gut. Vielen Dank. Wie du ja, mir geht's gut. Vielen Dank. Das können wir abdecken. Bringen Sie uns direkt in die Mitte des Geschehens. Und das Gleiche gilt für das Ende. Müssen wir immer sehen, wie der Charakter verlässt, oder können wir aus der Szene herausschneiden, sobald wir wissen, worum es in diesem Teil der Geschichte geht, gibt es einige gemeinsame Top-Tipps für das Schreiben von Szenen, die ich in unserer Klasse auf dem ersten Entwurf. Zuerst möchte ich einen genaueren Blick auf das Schreiben von Aktionen werfen. 12. Aktion: Okay, jetzt kommen wir dem Schreiben auf diese leere Seite sehr nahe. Jede Szene setzt sich aus Aktion und Dialog zusammen. Nehmen wir sie eins nach dem anderen. Die Aktion muss alles beschreiben, was das Publikum sieht passieren. „ Josh öffnet die Tür, setzt sich an seinen Schreibtisch, öffnet seinen Laptop und schreibt eine E-Mail.“ Diese Aktion ist einfach und klar, ich kann sehen, was passiert, ich weiß genau, was der Charakter tut, aber wir können es viel besser machen. Denk dran, Show, sag es nicht. Film ist ein visuelles Medium und wir wollen verstehen, was dieser Charakter denkt und fühlt durch ihr Verhalten, durch ihr Handeln. In einem Roman könntest du schreiben, was in Joshs Kopf vor sich ging. Er könnte zum Beispiel wütend sein : „Josh öffnet die Tür, er ist extrem wütend. Er setzt sich an seinen Schreibtisch, öffnet seinen Laptop und tippt eine E-Mail ein.“ Das fühlt sich also hilfreich an. Wir verstehen, dass Josh extrem wütend ist, aber eigentlich ist es in einem Drehbuch völlig nutzlos, weil ich das nicht filmen kann. Ich kann nicht extrem wütend filmen. Jemand fühlt sich vielleicht sehr wütend auf der Innenseite, aber sie zeigen es vielleicht nicht auf der Außenseite. Also, was meinst du damit? Was ist ihr Verhalten? Was machen sie mit ihren Taten? Wir wollen den Charakter durch ihre Handlungen, durch ihr Verhalten verstehen. Deshalb ist es unglaublich wichtig, die Verben, die Aktionswörter, die Sie verwenden. Also öffnet Josh einfach die Tür auf neutrale Weise oder wirft er sie auf, schiebt sie auf, zwingt sie auf, stößt sie auf. Es gibt so viele Möglichkeiten, eine Tür zu öffnen und jede Art, wie Sie sie öffnen, zeigt uns, wie Sie sich fühlen. Mal sehen, ob wir die Aktion neu schreiben und Verben verwenden können, um diese Wut auszudrücken, ohne es tatsächlich sagen zu müssen. „ Josh wirft die Tür auf und knallt sie gegen die Wand. Er pflanzt sich in seinen Stuhl und hämmert an den Schlüsseln seines Laptops.“ Ich habe nichts darüber gesagt, wie sich Josh fühlt, aber es ist ziemlich klar, dass er nicht gut gelaunt ist. Wenn Sie also Ihre Aktion schreiben, sehen Sie, ob Sie ausdrücken können, wie sich Ihr Charakter mit dieser Aktion fühlt. Sie müssen uns auch Orte und Objekte beschreiben, damit wir sie visualisieren können. Schreiben Sie keine langen poetischen Absätze, sondern geben Sie uns kurze Beschreibungen, die uns ein bisschen ein Gefühl davon geben. Also sagen Sie, Sie versuchen, Josh Büro zu beschreiben: „Ein offenes Büro mit gefärbten Teppichen und kaputten Aktenschränken.“ Ich sage dir nur, was das Publikum sehen wird, füge keine langen Absätze darüber hinzu, wie sich alles anfühlt. Es ist in den Details, dass Sie das Gefühl eines Ortes kommunizieren können. Was ist mit Action-Szenen, Kämpfen, Tänzen, Jagdsequenzen? Es liegt an Ihnen, ein Gefühl der Aufregung in Ihren Worten zu schaffen. „ Er hält den Atem an, bewegt sich einfach nicht. Er hört zu, rasselt. Er schaut auf die halb geöffnete Tür, Rassel. Er startet sich übergeben die riesige Schlange. Es schnappt ihn an, die Reißzähne schneiden sein Bein, er kollabiert, dreht sich um, um die Schlange zu betrachten. Es ragt über ihm.“ Der Drehbuchleser möchte auf eine Reise mitgenommen werden und Oma diktiert den Rhythmus ihrer Leseerfahrung. Ein Komma hält einen Satz in Gang und es sieht eine Pause bezeichnen, ein doppelter Strich wird es beschleunigen. Grammatik ist wie ein Dirigent für den Rhythmus der Sätze. Probieren Sie es aus. Okay, das reicht beim Handeln. Du könntest damit einen Stummfilm schreiben, aber ich bin sicher, dass ich den Dialog betrachte und hilfreich wäre. 13. Dialog: Okay, ich sagte, wir haben genug über Taten gesprochen, aber Dialog ist Aktion. Dialog ist Handeln. Sprechen ist etwas, was wir tun, um zu bekommen, was wir wollen. Jedes Mal, wenn ein Charakter eine Linie des Dialogs hat, ist das etwas, was wir tun, um ein Ziel zu erreichen. Wenn Dialog Aktion ist und Handlung uns über ihren Charakter erzählt, bedeutet das, wie Charaktere den Dialog verwenden, sagt uns darüber, wer sie sind. Wenn Sie also einen Dialog schreiben, fragen Sie sich, was macht der Charakter mit diesem Dialog? Was machen sie mit ihren Worten? Sind sie charmant, angreifend, entlassen, kritisieren, ablenken? Wir können all diese Dinge mit Sprache machen. Wenn Sie also mit einer Linie des Dialogs kämpfen, fragen Sie sich, was ist der Charakter zu erreichen versucht und wer sind sie? Wie versuchen sie es zu erreichen? Um den Dialog zum Fluss zu bringen, brauchen Sie Konflikte. Um einen Blick darauf zu werfen, schreiben wir einen wirklich schlechten Dialog und sehen, wie wir ihn verbessern können. Amy, „Hey Ben, willst du ein Date mit mir machen?“ Ben, „Ja“. Amy, „Großartig, bis Freitag“. So schlimm, das tut wirklich weh zu schreiben. Okay, ich denke, wir können das verbessern. Erstens erinnern Sie sich an unsere Drei-Akt-Struktur. Wir haben unsere Einrichtung und wir kennen unsere Lösung, aber was wir vermissen, ist der Konflikt. Das erste, was zu tun ist, ist, das richtig zu machen. „ Tolle Präsentation heute.“ „ Warst du da drin?“ „Nein, aber alle reden darüber.“ „Sind sie?“ „ Ist es nur ich oder schleppt diese Woche wirklich? Ich wette, Sie haben große Wochenendpläne. Mit der Freundin am Freitag zum Abendessen?“ „Ich habe keins.“ „ Wirklich? Seltsam. Ich wollte mir dieses neue Arcade-Restaurant ansehen, wenn du mitkommen wolltest. Für Unternehmen.“ „ Ok. Sicher. Ich muss weglaufen. Ich werde dir später meine Nummer per E-Mail senden.“ „ Wir sehen uns Ben.“ Okay, es wird besser. Jetzt haben wir einen Konflikt. Amy ist schüchtern, deshalb findet sie es schwer, Ben zu nähern und ist resistent. Er ist unverbindlich einsilbig, er ist ein schwierigeres Hindernis, um zu umgehen. Was ich denke, es ist eine große Verbesserung ist, dass wir jetzt wissen, was Amy will, aber sie sagt es nie wirklich. Was sie will, ist im Subtext verborgen. Wir verwenden die Wörter, den Text und den Subtext, um zwischen dem zu unterscheiden , was die Leute sagen und was sie eigentlich bedeuten. Zum Beispiel, ich bin kalt, könnte eigentlich bedeuten, bitte, können Sie das Fenster schließen? Der Text wäre, ich bin kalt und der Subtext wäre, bitte, können Sie das Fenster schließen? Werfen wir einen Blick darauf, was der Subtext in dieser Szene sein könnte. Tolle Präsentation heute. Ich liebe dich. Warst du da drin? Ich habe dich da drin nicht gesehen. Jeder redet darüber. Nein, das ist peinlich. Sind sie? Nein, sind sie nicht. Ist es nur ich oder schleppt diese Woche wirklich? Ich wette, Sie haben große Wochenendpläne. Mit der Freundin am Freitag zum Abendessen? Vergiss, was ich gesagt habe. Haben Sie eine Freundin? Ich habe keins. Nein. Wirklich? Seltsam. Ich wollte mir dieses neue Arcade-Restaurant ansehen, wenn du mitkommen wolltest. Für Unternehmen. Brilliant, ich bin so erfreut. Werden Sie bitte zu diesem neuen Restaurant kommen würde an diesem Wochenende? Ich liebe dich. Ok, sicher. Ich muss weglaufen. Ich schicke Ihnen vielleicht später eine E-Mail. Das ist alles gut, aber nicht schrecklich. Ok, cool. Lass uns jetzt aufhören, darüber zu reden. Wir sehen uns Ben. Okay, sie redet am Ende immer noch mit sich selbst. Sie kommt als ein bisschen wie ein Pycho. Dieser Dialog wird keine Auszeichnungen gewinnen, aber er hat Konflikte und der Text verbirgt den Subtext, was ihn zu einer ziemlich erfolgreichen Szene macht. Okay, das war also Aktion und Dialog. Wir haben unsere Geschichte, wir haben unsere Struktur und wir haben unsere Acts, wir haben unsere Story Beats, wir haben unsere Szenen, die wir wissen, wie man Action und Dialog schreibt , damit wir bereit sind, den ersten Entwurf zu schreiben. 14. Erster Entwurf: Los geht's. Erste Entwürfe sind chaotisch, Sie müssen nur weitermachen. Das Ziel ist nicht, eine perfekte Version Ihres Drehbuchs zu haben das erste Mal ist es, einen kompletten Entwurf zu haben, den Sie zurückkehren und bearbeiten können. Wir haben viel über das Schreiben gesprochen, aber die Maxime ist wahr. Schreiben ist neu zu schreiben. Am Ende Ihres ersten Entwurfs hätten Sie so viel von Ihrem Plan wie möglich in ein Drehbuch umgewandelt , das Sie später zurückgehen und bearbeiten können. Hier sind meine Top-Tipps für die Arbeit an Ihrem ersten Entwurf. Nummer 1, bleib auf der Story. Halten Sie sich an den Plan. Beziehen Sie sich auf Ihre Geschichte zurück, Charaktere und Ereignisse nehmen ihre eigenen Lügen, und Sie werden einige dieser intuitiven Kreativität frönen wollen. Einige Ihrer besten Arbeit werden daraus kommen. Aber letztendlich müssen Sie bis zum Ende der Geschichte und manchmal wenn Sie diesen Denklinien zu weit folgen, wird es Sie so weit weg bringen, dass Sie nicht auf den Weg zurückkehren können. Verweisen Sie immer auf Ihren Plan und stellen Sie sicher, dass Sie auf der Story bleiben. Zwei, Konflikt. Jede Szene sollte Konflikte haben. Wenn eine Szene nicht das Gefühl hat, dass sie funktioniert, fragen Sie sich, was der Konflikt ist. Fügen Sie weitere Hindernisse hinzu, machen Sie die Dinge schwieriger für Ihre Charaktere. Ohne Hindernisse gibt es keine Entscheidungen, also gibt es keinen Charakter. Drei, mach weiter. Lassen Sie sich nicht auf Dinge halten, die nicht funktionieren. Irgendwann kannst du einfach einen Platzhalter verlassen. Ein Platzhalter könnte eine Aktionslinie sein, die beschreibt, was hier passieren soll. Sie haben nur noch nicht die perfekte Art, es zu schreiben, mitgebracht. Du könntest es in den Dialog schreiben. Nur, jemand sagt hier etwas, das heißt, du weißt, was dort passieren muss, aber vielleicht bist du noch nicht bereit, es zu schreiben. Schreib einfach etwas auf und mach weiter. Ich habe es bereits gesagt, aber Schreiben ist neu zu schreiben. Du wirst hierauf zurückkommen. Was Sie benötigen, ist ein vollständiger erster Entwurf, den Sie bearbeiten können. Erarbeiten Sie schließlich Ihren individuellen Schreibprozess. Die Menschen haben verschiedene Methoden, um ihr Schreiben zu erledigen. Du musst herausfinden, was für dich funktioniert. Manche Leute schreiben gerne von zu Hause aus, andere arbeiten lieber in einem Café. Die meisten Leute, die ich kenne, stehen gerne sehr früh auf und beginnen zu schreiben bevor die täglichen Unordnung Ablenkungen im Weg stehen. Persönlich wach ich gerne ziemlich früh auf, lege eine Kanne Kaffee an und beginne ab ca. 6:00 Uhr zu arbeiten, ich werde bis zur Mitte des Tages schreiben, bis ich müde werde, also vielleicht 2:00 oder 3:00 Uhr. An diesem Punkt wird mein Gehirn ausgebrannt und ich werde aufhören und es für den nächsten Tag verlassen. Am nächsten Morgen werde ich um 6:00 Uhr mit dieser Kaffeekanne und ich werde lesen, was ich am Tag geschrieben habe, bevor ich kleine Bits von Bearbeitungen mache, die ich gehe und das half mir, wieder in den Rhythmus der Geschichte zu kommen, und dann habe ich schreiben Sie einfach weiter bis Mitte Nachmittag. Ich mag es wirklich, einen ersten Entwurf zu schreiben. Du bist wirklich in der Lage, in einen kreativen Fluss zu kommen. Es kann manchmal auch unglaublich wahnsinnig sein und es ist unglaublich einsam. Gehen Sie auch und sehen Sie Freunde am Abend Ich werde empfehlen, dass. Das war's. Zeit zu gehen, schreiben Sie Ihren ersten Entwurf. Viel Spaß. Ich werde hier sein. Das ist alles, was ich dir sagen wollte, bevor du deinen ersten Entwurf schreibst, also kannst du entweder weggehen und das jetzt tun und zurück in die Klasse kommen oder du kannst dich mir anschließen, um zweite Entwürfe und Feedback neu zu schreiben. 15. Umschreiben & Feedback (Kursprojekt 3): Wenn Sie dies beobachten, nachdem Sie einen ersten Entwurf abgeschlossen haben, gut gemacht, das ist eine massive Errungenschaft. Der Filmprozess ist wirklich lang und es lohnt sich auf jeder Bühne zu feiern, also was als nächstes? Das erste, was zu tun ist, ist eine Pause zu machen. Du brauchst ein bisschen Abstand von deiner Arbeit, und ehrlich gesagt hast du es dir verdient. Gehen Sie raus und sehen Sie Freunde, gehen Sie ins Kino, lesen Sie Bücher, tun Sie, was immer Sie gerne tun möchten. Sie müssen ein wenig Abstand zwischen Ihnen und Ihrem ersten Entwurf legen. Es ist wirklich wichtig, denn wenn wir zu unserem ersten Entwurf zurückkommen, müssen wir in der Lage sein, ihn objektiv und leidenschaftlich zu analysieren. Sonst passiert eines der beiden Dinge. Das ist erstaunlich. Das ist furchtbar. Wir können unsere eigenen schlimmsten Kritiker sein und auch fast offensichtliche Fehler vergessen. Wie gehen wir voran? Umschreiben und Feedback. Nach Abschluss eines ersten Entwurfs? Ich würde eine Neuschreibung machen, bevor ich es für Feedback schicke. Dies gibt mir die Möglichkeit, Rechtschreib- und Grammatikfehler zu klären. Aber ich werde mir auch einige sehr wichtige Fragen stellen. Erstens, ist die Geschichte klar? Es dreht sich alles um Geschichtenerzählen. Wenn Sie Ihr Skript jemand einreichen und sie sich Zeit nehmen, es zu lesen und anfangen, sich in der Geschichte verloren zu fühlen, werden sie es niederlegen. Fragen Sie sich, wenn Sie lesen, ob die Geschichte klar ist, und wenn Sie sich nicht fragen, warum das ist: Fühlt sich die Szene so an, als ob sie zu lange läuft, müssen Sie etwas davon abschneiden oder haben Sie vielleicht zu viel Zeit weg von Ihrem Protagonist oder ihr Hauptziel? Frage 2: Ist die Entwicklung meines Protagonisten klar? Ist klar, wer sie am Anfang des Films sind und wie sie sich am Ende verändert haben? Wurde ihnen diese Veränderung gezwungen, indem sie mit Hindernissen in Konflikt geraten, oder haben sie sich ohne ersichtlichen Grund verändert? Frage 3: Ist die Aktion klar und prägnant? Beschreibt es, was das Publikum sieht : Sprich ich in 20 Worten, was ich in fünf sagen könnte? Wir wollen, dass der Leser durch das Drehbuch fliegt die Geschichte wirklich genießt, also stürme sie nicht in unnötigen Details herunter. Frage 4: Ist der Dialog notwendig? Ich frage mich immer, ob ich diesen Dialog unbedingt brauche und wenn ich es tue, kann ich ihn kürzer und schnapper machen? Wir wollen in der Lage sein, durch den Dialog genauso zu fliegen wie die Aktion, und ein guter, knackiger Einzeiler ist besser als ein riesiger Textblock. Ich schaue mir auch jede Zeile an, um sicherzustellen, dass ich Subtext anstelle von Text verwende. Frage 5, kann ich das abschneiden? Ich bin immer auf der Suche nach Dingen, die ich schneiden kann. Wenn es nichts zu der Geschichte hinzufügt, dann ist es weg. In meinem letzten ersten Entwurf schrieb ich 113 Seiten und mein zweiter Entwurf war 90 Seiten. Das sind 23 Seiten von Sachen, die für die Geschichte nicht notwendig waren, und es machte für eine viel glattere und angenehmere Lektüre. Sobald Sie dieses erste Rewrite abgeschlossen haben, ist es jetzt an der Zeit, die Leute dazu zu bringen, es zu lesen. Fragen Sie sie nach ihren Gedanken, was für sie ausgefallen ist. Dies ist ein wirklich verletzlicher Teil des Prozesses, aber es ist ein wirklich wichtiger. Jetzt ist die Sache mit Feedback. Die Leute sind viel wahrscheinlicher, die Dinge zu kennzeichnen, die sie nicht mochten, als die Dinge, die sie tun. Wenn Sie für eine Fahrt in einem Auto gehen, Sie bemerken die Beulen viel mehr als Sie die reibungslose Reise tun. Die Leute werden wahrscheinlich sagen: „Ja, ich mochte es aber“, und dann haben sie dich mit einer Kritikliste getroffen. Sie werden unspezifisch auf die Stücke sein, die sie mögen, aber sie werden wirklich schmerzlich spezifisch auf die Dinge sein, die sie nicht taten. Natürlich haben sie viele Ideen darüber, was du hättest tun sollen. Natürlich ist das alles in Ordnung. Es ist ein Teil des Prozesses. Einige ihrer Ideen werden großartig sein und man kann sie stehlen, oder sie kommen mit einer Kritik, die eine Idee auslöst , ist sogar besser als die, die man unabhängig hätte einfallen können. Aber was am wichtigsten ist, denken Sie daran, dass sie nicht immer Recht haben. Ich kann Ihnen das sicher garantieren. Niemand wird Ihre Skripte so sorgfältig lesen, wie Sie es geschrieben haben. Stellen Sie ihnen die Fragen, die Sie sich gestellt haben: Ist die Geschichte klar, können Sie es mir erklären, haben Sie meinen Charakter verstanden, können Sie mir sagen, wie sie sich verändert haben? Sobald Sie all dieses Feedback gesammelt haben, gehen Sie zurück und lesen Sie es selbst. Sehen Sie, welche Teile des Feedbacks Ihrer Meinung nach wahr sind und welche Ihrer Meinung nach Sie ignorieren können. Sobald Sie all das Feedback gesammelt haben, was wir Notizen nennen, können Sie weggehen und einen zweiten Entwurf schreiben. Dann können Sie diesen zweiten Entwurf nehmen und anbieten, wieder zu lesen, und Sie können Notizen zu diesem Entwurf sammeln und einen dritten schreiben, und Sie können Notizen zu diesem Entwurf sammeln und einen vierten und dann fünften, einen sechsten und einen siebten und einen siebten und einen achten, und eine neunte und ein Zehntel. Das wirft die Frage auf, wann ist ein Drehbuch fertig? gibt es eine sehr einfache Antwort. Das ist es nie. Du beendest nicht wirklich ein Drehbuch, du gibst es auf. Es ist Zeit für unser abschließendes Klassenprojekt. Ich werde Sie nicht bitten, Ihr fertiges Drehbuch hochzuladen , weil Sie die Rechte daran besitzen, und es könnte sehr wertvoll sein. Aber was ich gerne sehen würde, ist Ihre Lieblingsszene, eine Showcase-Szene aus Ihrem fertigen Entwurf, nachdem es durch einen ersten Entwurf und eine Neuschreibung war. Laden Sie es hoch, holen Sie sich Feedback. Ich würde es gerne sehen.