Mustersammlungen und Portfolios: Was man tun sollte, was nicht, und welche Mythen es gibt

1. Einführung: Hi, ich bin Melissa Lee. Ich bin ein professioneller Illustrator und Oberflächendesigner. Und einige meiner absoluten Lieblingsdinge bei der Herstellung unserer Muster. Ich habe 2015 zum ersten Mal gelernt, wie man ein sich technisch wiederholendes Muster in ein sich technisch wiederholendes Muster in Adobe Illustrator erstellt, genau hier auf Skillshare. Ich habe jetzt ungefähr sieben Jahre Erfahrung in der Herstellung von Mustern und Musterkollektionen. Etwa drei Jahre Erfahrung bei der Einreichung eines Oberflächendesign-Portfolios und zwei Jahre Erfahrung als lizenzierter Stoffdesigner. Wenn Sie das nachrechnen und sicher denken. dauerte eine Weile, bis sie anfing , mit ihrer Musterarbeit Geld zu verdienen. Nun, du liegst nicht falsch. Dafür gibt es ein paar Gründe. Wie zum Beispiel meine verschiedenen Tagesjobs, die mich beschäftigen, das Leben im Allgemeinen, im Weg stehen, Kurse auf Skillshare machen viel Zeit in Anspruch nehmen. Aber die harte Wahrheit ist auch, dass ich mir selbst zwei Dinge in die Quere kam , die ich immer wieder sehe und die dazu führten, dass Planer von Überschwemmungen, einschließlich mir selbst, stagnierten und verloren Momentum oder Sammlungen und Portfolios. Insbesondere die Idee, dass sie in jeder Hinsicht absolut perfekt sein müssen in jeder Hinsicht absolut perfekt sein müssen , bevor Sie anfangen sollten Ihre Arbeit zu teilen oder Ihr Portfolio einzureichen. Weil ich so fokussiert war, wirklich besessen von der Idee , dass mein Portfolio auf eine bestimmte Art aussehen muss und sie jeden einzelnen Ratschlag befolgen müssen , den ich gelernt habe. einem T. Bei einem T. habe ich viel Zeit damit verschwendet mich entmutigt und überfordert zu fühlen und vor allem damit, meine Arbeit nicht so zu zeigen oder einzureichen, wie ich es hätte sein sollen. Als ich endlich entschied , dass genug genug ist. Und ich fing tatsächlich an, meine Arbeit einzureichen. Innerhalb eines Jahres habe ich einen Traum-Lizenzvertrag abgeschlossen. Mein Ziel in diesem Kurs ist es, Ihnen alles mitzuteilen , was ich im Laufe der Jahre in Bezug auf Musterkollektionen und Oberflächendesign-Portfolios gelernt habe im Laufe der Jahre in Bezug auf . Wenn Sie selbst Dutzende von Kursen belegen und aus praktischer Erfahrung stammen. Und glaub mir, ich habe viel gelernt. Bei meiner erstklassigen Mustergestaltung konzentrierte ich mich auf die technische Seite der Erstellung eines sich wiederholenden Musters in Adobe Illustrator. Es ist also eine sehr demolastige Klasse, während diese Klasse vorlesungsbasiert ist und sich auf die Do's, Don'ts und Mythen von Musterkollektionen und Portfolios konzentriert . Meine Hoffnung für diesen Kurs ist, dass er Ihnen helfen kann , die Art von Stagnation zu vermeiden , die ich auf meinem eigenen Weg zum Oberflächendesigner erlebt habe . Ich möchte, dass Sie diesen Kurs verlassen und sich motiviert fühlen Ihre Arbeit zu teilen und weiterhin Muster zu erstellen. Also lass uns anfangen. 2. Meine Zeitleiste: Wie viele Menschen sich darauf beziehen können. Ich habe das Zeichnen und jede Art von Kunsthandwerk immer geliebt . Ich werde erwachsen. Kunstunterricht, in dem der Spaß für mich in der Schule unterrichtet wird. Und das hat sich während des Studiums, wo ich Studiokunst studiert habe, und darüber hinaus bis jetzt nie geändert des Studiums, wo ich . Aber erst als ich etwas über Oberflächendesign und Muster erfuhr Oberflächendesign und Muster , dachte ich wirklich , ich könnte von Illustrationen leben. Ich hatte mich noch nie so begeistert oder motiviert gefühlt , eine kreative Karriere erfolgreich zu machen. Ich hatte ungefähr eine LKW-Ladung der Entschlossenheit. Und zum Glück hat mir das letztendlich gute Dienste geleistet. Aber ich hatte einige Straßenunebenheiten auf dem Weg. Deshalb möchte ich Ihnen eine detailliertere Zeitleiste meiner Reise zur Oberflächengestaltung zeigen . Im Frühjahr 2015 habe ich Skillshare gefunden und gelernt, wie man in Adobe Illustrator ein sich wiederholendes Muster erstellt. Ich habe mich schnell in das Erstellen von Mustern verliebt. Und dann verbrachte ich ungefähr drei Jahre damit, mehr Musterdesign-Kurse zu belegen hier Muster und Kollektionen herzustellen. Und sie lernen Illustrator, verwenden es aber nicht konsequent genug, um sich wirklich damit vertraut zu machen. Deshalb habe ich drei Jahre gebraucht. 2018 habe ich die erste Kollektion kreiert, von der ich dachte , dass sie mich und meinen Stil wirklich repräsentiert. Und dann habe ich noch zwei gemacht. Deshalb habe ich 2019 eine Menge Zeit damit verbracht, ein perfektes Portfolio zu erstellen und es drucken zu lassen, damit ich es endlich an Unternehmen versenden kann . Ich habe viel Zeit damit verbracht, nach Unternehmen zu suchen, für die ich werben wollte, und begann im Sommer 2019, sowohl ein gedrucktes gedrucktes Portfolio als auch ein digitales Portfolio per E-Mail zu versenden gedrucktes gedrucktes Portfolio . Im Oktober desselben Jahres ging ich zum Herbst-Quilt Market in Houston, Texas, und traf mich mit einigen verschiedenen Stofffirmen , um einigen verschiedenen Stofffirmen , um ihnen mein Portfolio zu zeigen. Ich habe keinen Lizenzvertrag bekommen. Sie sind so, als hätte ich es mir erträumt. Also verbrachte ich ungefähr einen guten Monat damit ziemlich entmutigt zu fühlen und mich selbst zu bemitleiden. Aber irgendwann hole ich mich wieder und fing wieder an, mich einzureichen. Trotz meiner Hintern verletzten Gefühle, werde fallen. Quilt Market war eine wundervolle Erfahrung und die ganze Nase, die ich dort und danach per E-Mail erhalten habe , sind unglaublich nett und ermutigend. Lassen Sie sich also nicht von meiner Erfahrung entmutigen, wenn Sie das auch versuchen möchten. Ich habe das Unternehmen entdeckt, Riley Blake auf der Messe entwirft. Und ich habe mich ziemlich sofort in ihre Kuration und ihre allgemeine Stimmung verliebt . Und sie wurden schnell zu einer der drei wichtigsten Stofffirmen. Natürlich waren sie einer der ersten Orte, an denen ich Arbeit eingereicht habe , nachdem ich nach Hause gekommen war und wieder angefangen habe, mich einzureichen. Ein paar Monate vergingen ohne Antwort, und ich nahm an, es war ein weiteres Nein. C'est la V Ich dachte, ich bin es gewohnt, es inzwischen zu wissen. Ich hatte vor, mich erneut bei ihnen und einigen anderen Unternehmen einzureichen , sobald ich neue Arbeiten hatte. Im Mai 2020 erhielt ich dann eine E-Mail von Riley Blakes Director of Design, in der ich gefragt wurde, ob ich noch daran interessiert , mich als neue Stoffdesignerin bei ihnen anzumelden Ich dachte, ich bin absolut still interessiert. Ja, bitte. Ich war natürlich sehr emotional und hatte einen glücklichen Schrei darüber. Deshalb habe ich im Juli 2020 meinen ersten Lizenzvertrag mit Riley Blake Designs unterzeichnet . Vom ersten Tag an. Mein Ziel war es, meine Musterarbeit auf Quiltstoffe und alles andere zu übertragen. Danach fühlt es sich an wie ein Bonus. Ich wollte wirklich wieder Nähen beginnen und Stoffdesigner zu sein hat mich ernsthaft motiviert wie nichts anderes jemals Gutes. Ich betrachte mich jetzt als Quilterin, wenn auch als sehr unerfahrene. Und es war eine absolute Freude und ein Knaller. Es zeigt nur, dass man nie weiß, wann man ein Ja bekommt. Das Timing stimmt vielleicht nicht sofort, aber es könnte in ein paar Monaten sein. Seien Sie also geduldig und versuchen Sie es weiter. Also jedenfalls kam meine erste Stoffkollektion für weitere 15 Monate nicht heraus. Es hängt wirklich vom Unternehmen und der Branche ab, aber ein Jahr von der Akzeptanz der Kunst bis zum Versand der Produkte ist in der Textilindustrie keine Seltenheit. Das bedeutet, dass ich meinen ersten Lizenz-Tantiemen-Check erst im Oktober 2021 erhalten habe . Ich fühlte mich in meiner Arbeit nicht sicher genug , um sie bis Ende 2018 den Unternehmen weil ich nicht ständig Muster erstellte und meine Fähigkeiten durch Übung für verbesserte diese vier Jahre. Und dann habe ich noch etwa sechs Monate gebraucht , um ein perfektes Portfolio zu erstellen. Ich benutze mein Portfolio, das nicht nach meinen hohen Standards fertiggestellt wurde , als Ausrede, um Einreichung meiner Arbeit viel länger aufzuschieben, als ich hätte sollen. fünf Jahre gebraucht, von dem ich anfing, von dieser Karriere zu träumen , bis zu meinem ersten Lizenzvertrag. Und über sechs Jahre , als ich meinen ersten Lizenz-Tantiemenscheck erhielt . Ich möchte nicht, dass du denkst , dass ich mich meine Zeitlinie schäme. Bin ich überhaupt nicht. Ich bin wirklich stolz darauf , dass ich, obwohl es so lange dauert, es nie ganz aufgegeben habe. Ich hatte meine Momente, meine Tage und manchmal Monate, in denen ich mich entmutigt fühlte und keine Kunstwerke schuf. Aber ich hatte so viel Leidenschaft und Ausdauer, dass ich es irgendwann geschafft habe. Das ist keine Schande. Wenn Ihre Zeitleiste meiner ähnelt, oder wenn Sie bereits im dritten oder vierten Jahr sind und das Gefühl haben, nicht viel Fortschritt gemacht zu haben. Das ist okay. Du bist kein Versager. Ich denke, es ist gut, sich der Möglichkeit bewusst zu sein , dass es lange dauern kann. Ich will nur nicht, dass du denkst, dass es für dich so lange dauern muss. Ich habe so viele Künstler, Freunde, die viel schneller Erfolg hatten, manche sogar innerhalb von sechs Monaten. Die Möglichkeiten sind also endlos. Deine Geschichte muss nicht so lange dauern wie gedacht. Aber ich hoffe du fühlst dich trotzdem ermutigt. 3. PI: Warum Design In Kollektionen?: Warum also überhaupt in Kollektionen entwerfen? Zunächst einmal sind Kollektionen der Eckpfeiler von Branchen wie Stoff, Schreibwaren- und Papierhandwerk sowie Wohnkultur. Das Entwerfen und Sammeln eröffnet Ihre Arbeit also so viele Möglichkeiten, dass sie sonst vielleicht nicht hätte entstehen können, obwohl nicht alle Branchen unbedingt Sammlungen benötigen, können Art Directors wählen Sie ganz einfach Drucke aus Ihrer Sammlung aus. Sie Ihre Arbeit in einer Reihe von Themen anbieten, erhalten Endbenutzer, Kunden oder Art Director einen umfassenden Überblick darüber, wer Sie als Künstler sind , und hilft ihnen auch, Ihre Fähigkeiten als Künstler besser zu erkennen. Design und Sammlung helfen Ihnen Künstler, Ihre Fähigkeiten auf vielfältige Weise zu entwickeln. Wenn Sie eine Kollektion nach der anderen entwerfen, müssen Sie im Wesentlichen Farbe, Komplexität, Zusammensetzung und Ausgewogenheit verstehen , was wiederum eine sehr zusammenhängende und ausgefeilte Präsentation ermöglicht . Es macht auch einfach richtig Spaß und ist lohnend. Es ist so erfreulich, wunderschöne Kunstwerke zu sehen wunderschöne Kunstwerke zu , die so perfekt zusammenpassen. Es gibt Ihnen die einzigartige Gelegenheit, eine Geschichte zu erzählen und Ihrer Arbeit Bedeutung zu verleihen. Jetzt, da wir die Vorteile der Arbeit in Sammlungen verstanden haben , sprechen wir wie 4. PI: Die Dos Don'ts und Mythen des of in Sammlungen: Es gibt viele Möglichkeiten Musterkollektionen zu erstellen. Und es gibt nicht so viele feste Regeln, wie Sie vielleicht denken. Es gibt viele widersprüchliche Informationen, die meiner Meinung nach die Tatsache, dass es keine festen Regeln gibt und dass es immer Ausnahmen für die meisten gibt, wenn nicht alle, Ratschläge, die Sie möglicherweise erhalten. Natürlich geben die Menschen Ratschläge auf der Grundlage ihrer eigenen Erfahrungen und darauf, was für sie am besten funktioniert hat. Da es also so viele verschiedene Erfahrungen gibt , die die Menschen gemacht haben, ist es sinnvoll, dass es einige unterschiedliche Vorstellungen darüber gibt, was funktioniert und was nicht. Lassen Sie das aber eher ermutigend als entmutigend sein? Denn das bedeutet wirklich, dass es so viele verschiedene Möglichkeiten gibt, als Künstler und speziell als Oberflächendesigner erfolgreich zu sein . Es gibt nicht nur einen Weg mit strengen Regeln, die Sie befolgen müssen, um Ihre Arbeit sichtbar oder lizenziert zu bekommen. Ich verstehe definitiv, ob sich diese Nachricht Sie etwas frustrierend oder überwältigend anfühlt, weil es unglaublich hilfreich sein kann, eine Reihe von Richtlinien zu haben. Und ich bezweifle, dass ich dort sein würde, wo ich heute bin, wenn ich die von meinen Mentoren festgelegten Weisheiten und Richtlinien nicht befolgt hätte . Es ist nicht so, dass es bei der Oberflächengestaltung keine Best Practices gibt. Nur dass die meisten von ihnen flexibler sind , als Sie vielleicht annehmen. Ich werde einige allgemeine Richtlinien durchgehen was eine gute Mustersammlung ausmacht. Und dann gehe ich auf einige Gründe ein warum einige dieser Richtlinien flexibel sind. Eine Mustersammlung umfasst in der Regel sieben bis 12 Muster, die auf einem Thema oder einer Geschichte basieren. Alles andere als das wird als Minisammlung betrachtet. Sammlungen haben normalerweise einen Namen, ein Logo, Namen für jedes Muster und eine Kurzgeschichtenbeschreibung oder über die Linie. Ausgewogene Kollektionen umfassen in der Regel acht bis 18 Farben. Dazu später mehr, es ist jedoch nicht zwingend erforderlich, aber viele Branchen erfordern mehrere Farbmöglichkeiten. Da Bolzenstoff mein Hauptproblem ist, habe ich alle meine Musterkollektionen zunächst immer in mindestens zwei Farbkombinationen hergestellt meine Musterkollektionen zunächst immer in . Sie möchten nicht nur sicherstellen, dass jedes Muster einen ausreichenden Kontrast hat, sondern auch, dass die gesamte Kollektion über genügend Kontrast verfügt. Es sollte ein Gleichgewicht zwischen komplexen und einfachen Designs bestehen. Sammlungen sollten also einige Hero- oder Focal-Point-Drucke, einige Koordinaten und Symbolverleiher enthalten einige Hero- oder Focal-Point-Drucke, , und darüber werde ich später auch mehr sprechen. Schließlich sollte es eine Mischung aus kleinen, mittleren und großen Mustern geben. 5. PI: Größe der Sammlung: Schauen wir uns zuerst die Sammlungsgröße noch einmal an. Eine vollständige Mustersammlung umfasst in der Regel sieben bis 12 einzigartige Muster. Es scheint ein wenig Uneinigkeit darüber zu geben, ob sieben oder acht Muster die gesamte Sammlung ausmachen. Aber ich habe so viele Kollektionen gesehen , die aus nur sieben Mustern bestehen, die anscheinend als vollständige Sammlungen bezeichnet werden. Meiner Meinung nach ist sieben also genauer als acht. Aber Ihre Laufleistung kann davon abweichen und das ist in Ordnung. Eine Sammlung von sechs oder weniger würde jedoch sechs oder weniger würde definitiv als Mini-Kollektion betrachtet werden. Etwas, über das sich viele Leute Gedanken machen, ist die Frage ob sie immer vollständige Sammlungen erstellen sollten oder nicht . Ich hatte selbst mit dieser Idee zu kämpfen. Ich habe genau für Kollektionen mit jeweils zehn bis 12 Mustern angefertigt. Und ich liebe es, wie die meisten von ihnen geworden sind. Aber nach meiner Erfahrung ist es durchweg stressig und überwältigend, so viele Muster in einer Sammlung zu erstellen. Alles zur gleichen Zeit. Ich habe festgestellt, dass ich mitten in der Erstellung einer vollständigen Sammlung eher ungeduldig werde. Und oft juckt es mich , zu einem anderen Thema überzugehen. Ich stellte auch fest, dass ich manchmal Muster überstürzte, weil ich wirklich eine bestimmte Anzahl von Mustern in einer Sammlung erreichen wollte , damit ich zu einem anderen übergehen konnte. Im Laufe der Zeit wurde mir klar, dass es für mich besser ist, eine starke Mini-Kollektion zu haben als eine große Sammlung mit einigen schwächeren Rush-Mustern. Was ich also getan habe, ist, dass ich dazu übergegangen bin , Mini-Kollektionen mit drei bis fünf Mustern zu erstellen. Und dann, weil ich gerne eine Reihe von Optionen habe , aus denen Art Directors auswählen können. Ich werde sie oft Wochen oder sogar Monate später noch einmal besuchen und sie ergänzen. Oder einmal mochte ein Art Director, mit dem ich zusammengearbeitet habe, eine von neun Mini-Kollektionen und bat mich, noch ein paar Drucke dafür anzufertigen. Zu diesem Zeitpunkt habe ich diese spezielle Sammlung noch einmal besucht. Dieser Workflow hilft mir, produktiver zu sein und mich viel weniger überfordert zu fühlen. Es ermöglicht mir auch, eine größere Vielfalt von Themen schneller in meinem Portfolio zu vertreten , als ich es sonst getan hätte. Am wichtigsten ist jedoch, dass es für mich einfacher ist, eine Sammlung zu beginnen , wenn ich weiß, dass ich nur ein paar Muster erstellen werde , verglichen mit zehn bis zwölf. Und der Start ist für mich immer der schwierigste Teil. Ein Ratschlag, den ich geben möchte, ist, nach Dingen zu suchen , die den Start eines Projekts erleichtern. Wenn auch nur ein bisschen. Wenn Sie sie gefunden haben, behalten Sie diese Praktiken bei und integrieren sie in Ihren regulären Arbeitsablauf. Der Trick besteht darin, herauszufinden, welcher Workflow für Sie als Einzelperson am besten geeignet ist. Ich habe im Monat mehrmals versucht, eine vollständige Mustersammlung zu erstellen im Monat mehrmals und stellte fest, dass es mir zu stressig war, das die ganze Zeit zu tun . Ich fühle mich viel wohler und wohler in meiner heutigen Arbeitsweise Design und Kollektionen können auch sehr branchenabhängig sein , wie ich bereits erwähnt habe. Wenn Ihr Herz beispielsweise auf die Stoff- oder Scrapbooking-Industrie gerichtet ist , ist es eine gute Idee, in Kollektionen zu entwerfen, aber viele Stofffirmen sind auch offen für viele Kollektionen. Ich gehe später näher darauf ein, aber ich habe einen Lizenzvertrag mit einem Stoffunternehmen abgeschlossen, bei nur fünf Muster plus eines weiteren, das sie auf der Website gesehen haben, eingereicht wurden. Aber das sind immer noch nur sechs Muster. Das ist immer noch eine Mini-Kollektion. Das Erstellen einer großen Sammlung ist nicht unbedingt erforderlich auch nicht für jeden. Es ist die Aufgabe eines Art Directors, das Potenzial des Kunstwerks einer Person zu erkennen, unabhängig davon, wie viele Muster Sie in eine Sammlung aufgenommen haben. 6. PI: Ist es wichtig, einen Branchenfokus zu haben?: Sollten Sie eine Vorstellung von dem Endprodukt oder den Produkten haben , um zusammenhängendere Kollektionen zu erstellen? Oder sollten Sie zuerst Muster erstellen und dann entscheiden , wo sie passen? Dies ist eine Frage, die an erster Stelle steht , die Art Huhn oder Ei. Meiner Meinung nach glaube ich nicht wirklich, dass es eine richtige oder falsche Antwort gibt. Es ist schwer zu sagen, weil ich denke, ein oder zwei Branchen zu studieren , in denen Sie Ihre Arbeit sehen möchten, und zu entscheiden, ob es sich nicht um Sammlungen oder nur eigenständige Muster handelt, und lassen Sie dies so angehen. Muster machen. Ich denke, das kann sehr hilfreich sein. Wenn Sie sich für eine bestimmte Branche interessieren, dann möchten Sie wahrscheinlich versuchen, Ihre Arbeit mit Blick auf diese Branche anzugehen . Ich bin Stoffdesigner und habe gelernt, dass geworfene Wiederholungen für Dinge wie Schüttgüter nützlich sind. Weil Solisten und vor allem Filter es sehr hilfreich finden , ungerichtete oder multidirektionale Drucke zu haben . Deshalb denke ich auf jeden Fall an solche Dinge, wenn ich an neuen Stoffkollektionen arbeite. Aber damit habe ich erst angefangen, als ich eher ein fortgeschrittener Designer war. Und bis ich Erfahrung als lizenzierter Stoffdesigner hatte, heißt das nicht, dass Sie sich nicht für eine Branche entscheiden und sich von Anfang an wirklich darauf konzentrieren sollten . Weil ein solcher Traum extrem motivierend sein kann. Es war sicherlich für mich. Ich wollte meine Arbeit an Schüttgütern. Erstens, weil ich wieder mit dem Nähen anfangen wollte. Und zweitens, weil mir die Idee sehr gut gefallen hat, dass meine Kunstwerke auf etwas abgebildet sind, mit dem sich andere Künstler und Handwerker kreativ ausdrücken können. Ich hatte Recht, denn all die großartigen Projekte zu sehen , die Menschen mit meinem Stoff machen , ist eines der lohnendsten Dinge in meiner Karriere. Aber es kann so einfach sein, Dinge zu überdenken, besonders wenn man ein Anfänger ist. Ich denke, dass sich Anfänger wirklich mehr darauf konzentrieren sollten , nur eine Arbeit zu machen. Erstellen Sie eigenständige Muster, erstellen Sie Kollektionen in jeder Größe, zu der Sie sich zum Experimentieren inspiriert fühlen. Verbringen Sie viel Zeit damit, alles zu machen, was Sie machen möchten. Und dann können Sie dann einen Schritt zurücktreten. Schauen Sie sich Ihre Arbeit und Ihre Erfahrungen an, die Sie dabei gemacht haben. Und suchen Sie nach dem, was für Sie einfacher war , was am besten funktioniert hat, was Ihnen gefallen hat und was nicht usw. Ich glaube, dass eine vorhandene Musterarbeit Ihnen helfen kann, einfacher zu analysieren, wo Sie denken Ihre Arbeit würde passen und von dort aus weitergehen. Wenn Sie eine bestimmte Branche im Sinn haben, können Sie so lange arbeiten, bis Sie das Gefühl haben, dass sie gut in diese Branche passt . Ich habe auch auf meiner eigenen Reise eine Menge eigenständiger Muster, Kollektionen und Mini-Kollektionen erstellt. einen Stil fand, fühlte ich mich wirklich gut und zuversichtlich, mich an Stofffirmen zu wenden. Speziell. Wie ich schon sagte, ich glaube nicht wirklich , dass es eine richtige oder falsche Antwort gibt. Ich denke, wenn die Konzentration auf eine Branche Sie motiviert, sollten Sie sich dafür entscheiden. Aber wenn es das Gegenteil bewirkt, wenn es dich in irgendeiner Weise lähmt , dann konzentriere dich nur darauf, Kunstwerke zu machen. Und irgendwann werden Sie an einen Punkt gelangen, an dem Sie besser erkennen können , wo es passt. 7. PI: Komplexität der Sammlung von Herden, Koordinaten und Blendern: Stellen Sie sich vor, Ihre Kollektionen so zu gestalten , als ob Sie Stil und Outfit wären. Alles passt zusammen. Leila Rogers sollten Musterkollektionen in der Regel ein ausgewogenes Verhältnis zwischen komplexen und einfachen Designs aufweisen . Sie sollten einige Hero- oder Focal-Point-Drucke, einige Koordinaten und einige Blender enthalten . Hero Prints sind die Stars der Kollektion. Sie stehen im Mittelpunkt. Sie sind in der Regel die größten und maßstabsreichsten, komplexesten und detailliertesten und zeigen in der Regel Ihren Stil am visuellsten. Dies sind die Muster, die die Aufmerksamkeit des Betrachters geweckt und auf sich gezogen haben. Sie bilden den Grundstein für den Rest der Eltern indem sie eine Geschichte erzählen oder ein Thema präsentieren. Und sie halfen dabei, alle Drucke zusammen zu zeichnen. Koordinieren Sie Drucke, unterstützen und koordinieren Sie sie mit den Hero-Drucken. Sie helfen beim Nachschlagen und unterstützen das Gesamtthema. Und sie sind im Allgemeinen weniger detailliert zusammengesetzt als ein Heldenprint, aber detaillierter als ein Mixer-Druck. Koordinaten haben normalerweise weniger Farben als normalerweise auch in einem Hero-Druck enthalten sind. Und sie runden eine Sammlung wirklich ab. Blender Prints machen genau das, was der Name schon sagt Sie verschmelzen die gesamte Kollektion miteinander. Sie haben typischerweise einen kleineren Maßstab, sind am wenigsten komplex und zusammengesetzt und verwenden normalerweise nur zwei bis drei Farben , die oft tonal sind. Ich glaube, dass Mixer den größten Teil der Arbeit leisten, wenn es darum geht, eine Sammlung wirklich ins Gleichgewicht zu bringen. Ohne Mixer kann eine Sammlung visuell als zu beschäftigt wirken. Was Mixer also tun, ist, dass sie dem Auge einen Platz zum Ausruhen bieten , wenn Sie eine ganze Sammlung ansehen. Tupfen, Streifen und Königreiche sind also alle wirklich gute Beispiele für Blender. Dieses Konzept von Helden Koordinaten und Mixern kann manchmal Menschen zum Stolpern bringen, da es wirklich sowohl von Ihrem Stil als auch davon abhängt , wie alle Muster innerhalb einer Kollektion funktionieren , Koordinaten und Mixern kann manchmal Menschen zum Stolpern bringen, da es wirklich sowohl von Ihrem Stil als auch davon abhängt, wie alle Muster innerhalb einer Kollektion funktionieren . und nebeneinander. Es ist also alles relativ. Drucke werden in Bezug auf die anderen sie umgebenden Drucke beurteilt . Wenn du wie ich bist und einen detaillierten, komplexen Stil mit vielen verschiedenen Motiven hast , dann sollten deine Heldendrucke natürlich die komplexesten und detailliertesten Muster innerhalb der Kollektion sein die komplexesten und . Wenn Ihr Stil jedoch minimalistischer ist, müssen Sie nicht unbedingt superkomplexe Hero-Drucke haben. Ich habe viele schöne, erfolgreiche Kollektionen gesehen , bei denen alle Drucke als Koordinaten und Blender klassifiziert werden könnten als Koordinaten und Blender wenn sie in einer anderen Sammlung existierten. Zum Beispiel hat Club Road eine wunderschöne Kollektion namens Love Struck With Paintbrush Studio-Stoffe , die meiner Meinung nach in diese Kategorie fällt. Die Beschreibung der Kollektion lautet: Wir haben unser Match mit der ersten Kollektion von CLIA Broads getroffen, Loves Struck, inspiriert von der Magie des Feuers. Diese täuschend einfache abstrakte Kollektion ist perfekt für all Ihre DIY-Heimdeck- oder Nähprojekte. Diese mächtige Streichholz-Kollektion hat sechs Drucke in einer warmen und kühlen Farbgebung erhältlich sind Sicherheit verblüffen werden. Auf diese Weise kategorisiere ich die Drucke in dieser Kollektion, nur weil ich sie mir ansehe Der Strike-Druck fühlt sich hier wie der Haupt- oder Hauptdruck an. Und dann denke ich auch, dass der Hello You-Druck auch ein Held ist. Während sich der Rest wie Koordinaten und Blender anfühlt. Nachdem ich die Beschreibung gelesen hatte, fühlte ich mich in meinen Annahmen ziemlich bestätigt und habe all das nur anhand von Bildern aufgegriffen . Diese Kollektion funktioniert, weil all die schönen Muster so wunderbar zusammenpassen. Aber es gibt immer noch eine gewisse Abwechslung und Komplexität. Selbst wenn Sie einen minimalistischeren Stil haben, haben Sie immer noch Heldendrucke im Vergleich zu den anderen Designs. Der wichtigste Punkt, den Sie daraus ziehen möchten , ist, dass Sie, wenn Ihr Stil minimalistischer ist, diese Qualität akzeptieren. Sie müssen nicht versuchen, sich dazu zu zwingen, etwas Komplexeres zu machen, als es sich für Sie richtig anfühlt. Wenn das nicht ein echtes Spiegelbild der Art von Schönheits- und Kunstwerken wäre der Art von Schönheits- und Kunstwerken , die Sie in die Welt bringen möchten. Ein letzter Ratschlag, den ich in Bezug auf Komplexität geben möchte , ist zu versuchen , Hero-Drucke mit dem Wissen zu erstellen, dass die Erstellung viel Zeit in Anspruch nehmen kann. Dieser Druck heißt Buzzing Meadow und ist einer der Heldendrucke in meiner Harmonie-Kollektion. Es ist mit Sicherheit komplex, was die Erstellung sehr zeitaufwändig machte. Ich gehe meinen Prozess der Erstellung dieses Musters in meiner ersten Musterklasse genauer durch, falls Sie neugierig sind. Aber um es kurz zu machen, ich habe viel Zeit damit verbracht, Blumenabschnitte zu erstellen, sie zu gruppieren und die Wiederholung während des gesamten Prozesses immer wieder zu testen . Wenn Sie einen detaillierteren oder maximalistischeren Stil haben und eine Wiederholung hören, wissen Sie , dass es lange und viel Versuch und Irrtum dauern kann , bis es richtig ist. Für mich fühlt es sich weniger frustrierend an, wenn es unweigerlich etwa 10 Millionen Wiederholungstests braucht unweigerlich , um es perfekt zu machen. Ihre Laufleistung kann variieren, aber ich teile diesen Rat trotzdem gerne mit, nur für den Fall, dass einige von Ihnen hier Drucke als am schwierigsten zu erstellen empfinden. Und andere werden Mixer-Prints tatsächlich als am schwierigsten empfinden . Früher hatte ich selbst Probleme mit Mixern, weil ich eher mehr hinzufügen möchte, sei es Farbe oder Motive oder was auch immer. Das ist. Ein Grund, warum die Arbeit in Sammlungen so wertvoll ist, weil es Sie als Künstler wirklich erweitert und Ihnen hilft , diese Fähigkeiten aufzubauen. Jetzt mache ich wirklich gerne Mixer, weil es sich wie eine schöne Abwechslung von den super zeitaufwändigen Heldenabdrücken anfühlt eine schöne Abwechslung von den super , die ich mache. 8. PI: Um Motive zu wiederholen oder nicht zu wiederholen?: Etwas anderes, mit dem Designer oft zu kämpfen haben, ist die Frage, ob es in Ordnung ist, Motive über mehrere Muster innerhalb einer einzigen Kollektion hinweg zu wiederholen . Ich erinnere mich , dass ich vor Jahren gelernt habe, dass man das vermeiden sollte. Und ich habe in den verschiedenen Communities, die im Laufe der Jahre Teil von ihnen waren , viele Rückmeldungen gesehen den verschiedenen Communities, die im Laufe der Jahre Teil von ihnen waren , , die dasselbe nahelegen. Tatsache ist aber, dass ich sehe, dass in lizenzierten Sammlungen ständig Motive musterübergreifend verwendet werden. Ich sehe es so oft , dass ich angefangen habe suchen und es aus Gewohnheit zu bemerken. So sehr, dass ich mir ziemlich viele Kollektionen vorstellen kann ziemlich viele Kollektionen vorstellen in denen das stimmt. Ich stimme zu, dass es im Allgemeinen eine bewährte Methode ist, ein besonders auffälliges Motiv nicht über Muster hinweg zu wiederholen. Aber ich denke, dass es mehr als in Ordnung ist, dies mit weniger prominenten Motiven zu tun. Und selbst das ist keine feste Regel. Es wird nur etwas schwieriger wenn das Element, das Sie wiederholen, ein besonders auffälliges Heldenmotiv ist , wenn Sie so wollen. Dies ist eine Stoffkollektion , die ich mit Riley Blake Designs namens Harmony lizenziert habe. Und dieses kleine Blumenmotiv wiederholt sich sowohl über ein Heldenmuster als auch über eine Koordinate hinweg. Im Heldenmuster gibt es eine Menge anderer Blumenmotive, die es umgeben. Während in der Koordinate diese besondere Blume der Stern ist. Ich habe auch ein sehr einfaches Beat-Design, das sich über drei separate Patterns zu Helden und einem Blender wiederholt . Das b ist der Star des Mixer-Drucks, aber nicht die beiden Helden. Diese beiden Muster stammen von Corinne Wells und sind Teil ihrer wunderschönen Kollektion namens Rocky Mountain Wild, ebenfalls mit Riley Blake-Designs. Wenn ich mich nicht irre, dies genau die gleiche Wiederholung mit allen gleichen Motiven. Der Unterschied besteht darin , dass die Koordinate nur zwei Farben verwendet und verkleinert wird, während die Hauptversion des Helden viel bunter ist und einen deutlich größeren Maßstab aufweist. Ich denke, das ist eine wirklich clevere Verwendung einer schönen Wiederholung. Und es funktioniert perfekt, weil diese beiden Drucke innerhalb der Sammlung immer noch einen ganz anderen Zweck erfüllen, obwohl sie dieselben Motive verwenden. Es ist ein perfektes Beispiel für das, wovon ich gesprochen habe. Manche Designer denken vielleicht nicht daran, so etwas auszuprobieren , weil sie sich Sorgen machen, eine Regel zu brechen. Aber Muster können absolut Motive teilen, solange Sie sicherstellen, dass alle innerhalb einer Sammlung einen anderen Zweck erfüllen . 9. PI: Farbpaletten für Kollektionen: Ausgewogene Kollektionen umfassen in der Regel acht bis 18 Farben. Es sollte ein paar Neutrale geben. Denken Sie also an Cremes, Seifen, Grau- und Brauntöne und Schwarztöne. Ich finde oft, dass es ziemlich nützlich ist, mehrere Schattierungen derselben Farbe zu haben. In dieser Sammlung habe ich also ein paar Purpur, ziemlich viele Rosa und Grün und so weiter. Sie sollten immer dunkle und helle Farben verwenden, um sicherzustellen, dass ein großer Kontrast vorhanden ist . Sie möchten nicht nur sicherstellen, dass jedes Muster einen ausreichenden Kontrast hat, sondern auch, dass die gesamte Kollektion über genügend Kontrast verfügt. Ähnlich wie die Komplexität ist auch die Farbe relativ. Was in einer Sammlung als dunkle Farbe angesehen werden kann , könnte ein Mittelton oder eine helle Farbe und eine andere sein. In dieser Kollektion betrachte ich das Pflaumenviolett und das Jägergrün als dunkle Farben. Dann ist diese Art von satter Terrakottafarbe in dieser Farbgebung dunkel. Die Himbeerfarbe ist ein mittlerer Ton, auch eine zu dunkle Farbe. Ich denke, das Wichtigste, an das Sie sich erinnern sollten , ist, dass Ihre Farben einen ausreichenden Kontrast bieten sollen. Der Stoffhersteller , mit dem ich zusammenarbeite kann pro Muster 18 Farben drucken. Zitieren Sie mich dazu nicht, aber das scheint ein Industriestandard zu sein. 18 ist eine ziemlich verbreitete Zahl, die ich höre. Ich möchte jedoch betonen, dass einer der häufigsten Fehler, den wir als neue Designer machen, darin besteht, zu viele Farben in einer Kollektion zu verwenden. Fordere dich wirklich heraus, deine Farbpalette so weit wie möglich einzuschränken . Wenn Sie die Farbpaletten von erfahreneren und ausgereifteren Oberflächendesignern beobachten , werden Sie feststellen, dass die meisten von ihnen ziemlich begrenzte Paletten verwenden, manchmal mit insgesamt nur sechs oder acht Farben. Ich benutze allerdings tendenziell mehr als das. Ich verwende ungefähr 151 Colorway und insgesamt 21 bis 22 Farben. Aber das sind drei Farbgebungen. Es gäbe also weniger Farben, wenn ich einfach müsste. Dieses Muster wird lebende Wand genannt und ist wahrscheinlich das komplexeste Muster, das ich je gemacht habe. Als ich dieses Muster für diesen Kurs überarbeitete, war ich ziemlich überrascht festzustellen , dass es nur neun Farben hat. Es sieht fast so aus, als würde es mehr als das nutzen, zumindest für mich. Aber sicherlich sind dies die einzigen Farben, die in dieser sehr komplexen großen Wiederholung enthalten sind. Dies lässt sich schnell herausfinden indem Sie das Rechteck auswählen, auf das es angewendet wurde. Gehen Sie zu einem der drei Farbfelder und klicken Sie auf die Musterwiederholung und ziehen Sie sie auf Ihre Zeichenfläche. Und dann, wenn es noch ausgewählt ist, klicken Sie auf Neue Farbgruppe. Klicken Sie auf. Okay, und es wird sie alle in dein Farbfelderbedienfeld einblenden. Das habe ich in meiner anderen Klasse einfach nicht geteilt. Und es ist eine gute Möglichkeit herauszufinden welche Farben ein bestimmtes Muster hat. Ich denke, es ist hilfreich, sich dessen bewusst zu sein dass Sie Schattierungen, Töne oder Farbtöne derselben Farbe einbeziehen können . Und Sie müssen nicht unbedingt alle in Ihrer Farbpalette zählen oder alle im Rest der Sammlung verwenden . Damit meine ich, dass man manchmal ein Motiv hat, das mehrere Töne derselben Farbe erfordert. Wenn Sie sich also für ein Aquarell oder einen malerischen Look entscheiden, benötigen Sie häufig drei bis fünf Töne derselben Farbe. Dieses Muster hier stammt von Bonnie Christine , einer meiner Mentorinnen und Mentorin und Lehrerin für Tausende anderer Menschen. Und wenn Sie ihre Kurse auf Skillshare nicht überprüft haben, müssen Sie das auf jeden Fall tun. Diese Blumen wurden also durch Einscannen von Aquarellbildern geschaffen . Und sie benutzte, glaube ich, fünf Rosatöne für die Blütenblätter und vier oder fünf Grüntöne für die Blätter. Mit der cremefarbenen Hintergrundfarbe und dem Gelbgold in den Staubblättern gibt es technisch gesehen allein in diesem Muster etwa 13 Farben . Im Rest dieser Kollektion verwendete sie jedoch nur vielleicht zwei der Rosa- und zwei der Grüntöne. Ihre gesamte Farbpalette ist also immer noch ziemlich begrenzt. Das wahrscheinlich häufigste Feedback, das ich zu Musterkollektionen gegeben habe , ist, dass eines oder mehrere der Muster mehr Kontrast benötigen. Wenn sich zwei Farben, die zu ähnlich sind und Wert sind, berühren, ist es schwierig, sie visuell zu unterscheiden. Sie möchten nicht, dass Ihr Betrachter blinzeln muss , um einige der Motive zu sehen. Wenn Sie also versuchen, bei einer bestimmten Anzahl von Farben innerhalb einer vorhandenen begrenzten Farbpalette zu bleiben bei einer bestimmten Anzahl von Farben . Und Sie machen sich Sorgen, dass Sie einer Ihrer Farben einen weiteren Ton oder eine weitere Nuance hinzufügen könnten. Um ein Kontrastproblem zu beheben. Mein Rat ist, sich darüber nicht so viele Gedanken zu machen und nicht zuzulassen, dass es diese Farbänderung diktiert. Ich habe mir immer Sorgen gemacht, die Anzahl der Gesamtfarben in der Palette ständig zu erhöhen. Nachdem ich jedoch einige Erfahrung in der Zusammenarbeit mit einer Stofffirma gesammelt habe, habe ich festgestellt, dass es wichtiger ist , sicherzustellen , dass die Farben einen ausreichenden Kontrast haben , als dass sie erzeugt werden sicher, dass Sie technisch gesehen nur eine bestimmte Anzahl von Farben in einer Sammlung verwenden , solange ein Muster nicht mehr als 18 Farben enthält, im Allgemeinen der Siebdruck Hersteller können es möglich machen. Unternehmen nehmen ohnehin oft kleinere Farbänderungen vor, und sie haben immer mit mir zusammengearbeitet, um sicherzustellen , dass die Farben funktionieren und dass es nicht zu viele gibt. Abgesehen davon wollte ich Sie nur noch einmal daran erinnern, dass es , Ihre Hauptfarben einzuschränken eine wirklich gute Vorgehensweise ist, Ihre Hauptfarben einzuschränken, mit der einen Ausnahme sind verschiedene Töne oder Schattierungen. wenn nötig. Ich hoffe das ergibt Sinn. Ich weiß einfach, dass es etwas ist, das ich über mich selbst gestresst habe. Deshalb wollte ich darüber sprechen um hoffentlich Stress für andere zu lindern . 10. PI: Sammlung von Farbvarianten: Lassen Sie uns jetzt über Farbwege sprechen. Wie ich bereits erwähnt habe, habe ich immer alle meine Musterkollektionen und mindestens zwei Farbkombinationen erstellt, da ich immer das Herz gelegt habe, Stoffdesigner gelegt habe meine Musterkollektionen und zu werden. Ich versuche immer, meine erste Farbgebung fertigzustellen , bevor ich zur zweiten übergehe. Aber manchmal lasse ich mich mitten im Entstehungsprozess der Kollektion von einer Farbidee inspirieren mitten im Entstehungsprozess der Kollektion von einer Farbidee . Und ich lande auf etwas, das ich am Ende in einer zweiten Farbgebung verwende. Also das ist in Ordnung. Aber es kann sehr hilfreich sein, eine Farbgebung wirklich festzulegen, bevor Sie zu einer zweiten übergehen. Übrigens erfahren meine Farbpaletten des gesamten Kollektionserstellungsprozesses oft eine Menge Änderungen. Und das ist auch völlig okay. Manchmal denkt man, man hätte von Anfang an einen perfekten Gaumen. Und wenn Sie dann Muster erstellen, wird klar, dass Sie einige Änderungen vornehmen müssen. Die Stofffirma , mit der ich zusammenarbeite hat drei Farbstellungen pro Kollektion. Also musste ich einen dritten Farbweg für sie erstellen , bevor ich meine Illustrator-Dateien einschaltete Ich war wirklich begeistert, das zu tun, aber ich wusste auch einfach nicht wirklich, was ich tat. So sah meine erste Stoffkollektion Harmony ursprünglich aus. Ich habe Riley gemochte Designs mit nur fünf dieser Muster in dieser ersten Farbgebung eingereicht . Denn zu der Zeit verlangten ihre Einreichungsrichtlinien genau das, was sie verlangten, nur fünf Muster. Dann wollten sie auch diesen Bienenstock drucken, ich nicht wirklich in die Einreichung der fünf Muster aufgenommen hatte. Und später baten sie mich, einen weiteren Mixer mit Bienen zu machen. Das ist also ein Gesamtüberblick auf die drei Farbgebungen, die ich mir für die letzten sieben ausgewählten Muster ausgedacht habe . Ich gab sie ab und teilte dem Designdirektor mit, dass ich zu 100% offen für alle Farbänderungen sei , die sie vornehmen möchten. Also haben sie sich damit bei mir gemeldet. Also haben sie diesen geändert. Dieser und dieser. Ich denke, weil ich mehr Blau in meinen ursprünglichen Mustern hatte , hatte ich es im Kopf, dass ich dieses Blau behalten musste. Ich fühlte mich daran gebunden. Ich schätze schon. Jetzt fühlt es sich für mich wild an, dass ich nicht einmal daran gedacht habe, es los zu werden. Es war jetzt keine Option für mich, weil ich nicht offen dafür war, es zu ändern, sondern weil ich nicht daran gedacht habe. Zum Glück hat das Kreativteam Riley Blake Designs zu Recht erkannt, dass es eine zusätzliche Farbe handelt, die nicht mehr wirklich da sein musste. Also kreierten sie diese wunderschöne salbeigrüne Version mit einem Grün, das bereits in der Kollektion existierte , und den Gaumen etwas mehr einschränkten. Ich liebe diese grüne Version zwei absolut, also bin ich so froh, dass sie das gemacht haben. Wie auch immer. Ich denke, dass es eine gute Entscheidung war, diese beiden Honigfarben zu wechseln und mehr von dieser tiefgelben Ockerfarbe zu haben dieser tiefgelben Ockerfarbe . Ich glaube, sie haben auch das Pink in diesem B Blender von einem Babyrosa in ein pfirsichfarbenes Rosa geändert das Pink in diesem B Blender von , wie ich es hier drüben habe. Noch einmal, die Farben etwas mehr einschränken. Und dann mit diesem Wabendruck haben sie diesen in das Lila-Grau geändert. Mit etwas mehr Erfahrung wurde mir klar, dass diese beiden Versionen zuvor viel zu ähnlich waren, was dazu führte, dass sie innerhalb der Sammlung denselben Zweck erfüllten. Wenn sie also Seite an Seite in einem Geschäft wären, bräuchte niemand beides, oder? Das ist eine gute Frage , die Sie sich stellen sollten. Tragen beide Farbversionen desselben Drucks etwas anderes zur Kollektion bei, wenn Sie eine zweite Farbgebung erstellen beide Farbversionen desselben Drucks etwas anderes zur Kollektion bei, wenn Sie desselben Drucks etwas anderes zur ? Wenn einem Kunden oder Ladenbesitzer beide Optionen angeboten würden, würde er beide kaufen wollen? Wenn sie sich zu ähnlich sind, ist die Antwort sehr wahrscheinlich , dass sie nur eine auswählen würden. Sie möchten sicherstellen , dass jeder Druck irgendeine Weise benötigt wird. Indem sie diesem einen Mittelton-Hintergrund geben, diese beiden Drucke nun automatisch eine andere Mission innerhalb der Sammlung. Das Kreativteam von Riley Blake Designs hat mir geholfen Farben beider Kollektionen, die ich bisher bei mir habe, fertigzustellen , was für mich eine wirklich wunderbare Lernerfahrung war . Eindeutig. Ich teile das gerne mit, weil ich es beruhigend finde zu wissen, dass Ihre Farben nicht absolut perfekt sein müssen , um eine Lizenz zu erhalten. Und dass die meisten, wenn nicht alle Unternehmen mit Ihnen zusammenarbeiten, um Farbgebungen fertigzustellen. Jetzt möchte ich mir diese beiden Farbgebungen genauer ansehen und darüber sprechen, warum sie funktionieren. Denken Sie daran, wenn Sie mehr als einen Calloway erstellen , ist es in Ordnung, zunächst bei zwei zu bleiben und nur einen dritten zu erstellen, wenn ein Unternehmen Sie nach einem fragt. Ich möchte nicht, dass Sie einen erstellen zusätzliche Arbeit für dich selbst. In Calloway One habe ich zwei dunkle Farben, die lila und die braune, die ich in der gesamten Kollektion verwendet habe. Immer wenn ich einen wirklich klaren Kontrast brauche. Ich habe einige Mitteltonfarben und die Farben Rot, Orange, Grau und Purpur. Dann ziemlich ein paar hellere Töne. Ich habe ungefähr vier neutrale Farben in den Cremes, Rouge und auch Grau und Braun. In der zweiten Farbgebung habe ich so ziemlich nur unterschiedliche Schattierungen des dunklen Grüns für alle meine Darks verwendet . Im Bienenstock-Print gibt es also tatsächlich ein oder zwei weitere Grüntöne, die ich in der Farbpalette nicht herausgezogen habe. In diesem Calloway gibt es weniger neutrale Farben, nur die Farben Grau, Rouge und Creme. Aber das ist okay, weil sie den Job gut machen. Ich denke, es gibt auch eine cremefarbene Farbe , die ich in der Palette nicht herausgezogen habe. Das ist in den Ohren und in den Waben. Ich betrachte es nicht wirklich als Teil der gesamten Farbpalette weil es nur dazu da ist, den Kontrast dort zu erzeugen , wo ich ihn brauche. Aber selbst wenn diese Farbe enthalten ist, sind es in dieser Farbe immer noch nur 16 Farben. Die längeren Rechtecke sind die Farben, die in beiden Farbgebungen verwendet werden. Es ist eine gute Idee, mehrere der Farben von der ersten bis zur zweiten Farbe zu übertragen . Denn dadurch fühlen sich die beiden Farbgebungen ausgewogen und zusammenhängend an. Im Allgemeinen möchten Sie, dass sich Ihre zweifarbigen Methoden so anfühlen, als ob sie gut aufeinander abgestimmt und gleichzeitig unterschiedlich sind. Stellen Sie sich das wie eine gesunde Partnerschaft oder Ehe vor. Sie passen gut zusammen, aber Sie sind immer noch zwei getrennte Personen. Mein Vorschlag ist, einige oder alle Neutralen zu übernehmen und auch einige der Primärfarben aus der ersten Farbgebung als Sekundärfarben in der zweiten Farbgebung zu bringen einige der Primärfarben aus der ersten Farbgebung Sekundärfarben in der zweiten Farbgebung zu dann einzuführen ein paar neue Farben insgesamt. Also die Sternfarben der ersten Farbgebung oder die Purpur und Pfirsiche. Während die Sterne der zweiten Farbgebung eindeutig die Grüns sind. Aber die neutralen Farben, Gold - und Pfirsiche, die geteilt werden, ermöglichen es beiden Farbgebungen , wirklich verwandt auszusehen. Jetzt möchte ich meine dritte Farbgebung wieder aufrufen. Weil die ersten dritten Farbgebungen im Wesentlichen dieselbe Farbpalette mit vielleicht ein oder zwei Unterschieden haben. Und dann werden bestimmte Farben in der einen etwas stärker zur Geltung gebracht als in der anderen. Ich denke jedoch, dass diese beiden Farbgebungen weitaus ähnlicher sind , als allgemein empfohlen wird. Ich wollte darüber sprechen, weil ich denke, dass es wichtig ist, darauf hinzuweisen, wenn es Ausnahmen von den Regeln gibt. Normalerweise möchten Sie nicht, dass Ihre Farben so ähnlich aussehen, aber manchmal ist es in Ordnung, dies zu tun. Und manchmal haben ganze Kollektionen nur eine große Farbgebung. Diese schöne Kollektion heißt Blue Gene und ist von Christopher Thompson. Mit Blau in fast jedem Farbton , da dies ein großer Teil des Themas selbst ist. Ich sehe neue Designer häufig, dass sie in vielen Drucken dieselbe Hintergrundfarbe verwenden. Ich erinnere mich an einen Fall, in dem jemand, der dieselbe Hintergrundfarbe für Muster in zwei Farbgebungen verwendet der dieselbe Hintergrundfarbe für Muster in hat, für Felder wie eins zu viele für mich, insbesondere zweifarbige Methoden. gibt es nur ein Beispiel für dieselbe Hintergrundfarbe dieser Sammlung gibt es nur ein Beispiel für dieselbe Hintergrundfarbe , die für 3D-Drucke verwendet wird. Dies ist eine Sammlung von drei Farbgebungen. Dafür ist also mehr Platz. Aber selbst mit drei Farbgebungen würde ich nicht vier Drucke mit derselben Hintergrundfarbe einschließen . Lustigerweise gibt es in dieser Kollektion auch drei gleiche Hintergründe, wobei die anderen Hintergrundfarben nur ein oder zwei Muster beanspruchen. Auch hier ist meine am häufigsten verwendete Hintergrundfarbe in dieser Sammlung auch lila. Ich wusste wirklich nicht, dass ich mich so für dieses Pflaumenviolett interessiere, bevor ich so viele Kunstwerke gemacht habe. Eine letzte Sache in Bezug auf Farbe, die ich teilen möchte ist, wenn Sie für eine bestimmte Branche entwerfen. Und wenn diese Branche Siebdruck verwendet, möchten Sie sicherstellen, dass alle Elemente Motive derselben Farbe sind wobei eine Farbgebung denselben Elementen der anderen Farbgebung entspricht . Beim Siebdruck wird für jede einzelne Farbe ein Bildschirm geschnitten. Wenn sie also übereinstimmen, können dieselben Bildschirme zwischen den Farbgebungen verwendet werden. So entsprechen zum Beispiel die pinken Herzen auf der Zeichenfläche a den lila Herzen der Zeichenfläche B und den weißen Herzen von Zeichenflächen. Sehen. Sie können jedoch die Farben von einem Calloway zum nächsten reduzieren . In dieser ersten Farbgebung sind die Herzen mehrfarbig, während in der zweiten, dritten Farbgebung die Herzen alle einfarbig sind. Sie müssten für die zweiten beiden Farbgebungen keinen weiteren Bildschirm schneiden , da sie immer noch dieselben Bildschirme verwenden können , die für die mehrfarbige Version geschnitten wurden. 11. PI: Eine kurze Anmerkung zu Pantone-Farben: Wenn Sie es nicht wissen, ist Pantone zunächst ein globales Farbsystem, ist Pantone zunächst ein globales Farbsystem entwickelt wurde , um das Färben weltweit zu vereinfachen. 1962. Pan-Tone setzt den Standard für Farbmanagement durch ein standardisiertes Nummerierungssystem, das es Künstlern, Unternehmen und Herstellern ermöglicht , Farben viel einfacher miteinander zu kommunizieren. Es gibt zwei Pantone-Systeme. Das Grafiksystem wurde für Druck und Verpackung entwickelt, und das Mode- und Heimsystem wurde für Textilien, Bekleidung und Haushaltswaren entwickelt . Ich sehe viele neue Designer sich Sorgen machen, ob sie ein Pantone-Farbfächerdeck kaufen müssen , und wenn ja, welches? Die sind teuer. Sie möchten also sicher sein, dass Sie den richtigen finden. Lassen Sie mich Ihnen nur sagen, Sie sich darüber keine Sorgen machen müssen, bis ein Unternehmen Sie auffordert Ihr Kunstwerk in Pantone-Farben umzuwandeln. Wenn es sich bei diesem Unternehmen um ein Stoffunternehmen handelt, möchten Sie das Mode- und Heimsystem erwerben. Wenn es sich bei diesem Unternehmen um ein Grußkartenunternehmen handelt, möchten Sie das Grafiksystem erhalten. Wenn du dir immer noch unsicher bist, frag einfach höflich und sie werden dir sagen, welches Fandeck du bestellen musst. All das gesagt, ich wurde noch nicht gebeten, Pantone-Farben zur Verfügung zu stellen mit denen ich lizenziere. Ich bestellte das Mode- und Heimfandeck, sobald ich meinen Lizenzvertrag mit Riley unterschrieben habe Designs, weil ich es aus persönlichen Gründen wollte und weil es ziemlich cool ist, die Farben selbst anpassen zu können und einen Teil der Arbeit für sie zu erledigen. Aber sie haben mich nicht darum gebeten. Also mach dir darüber bitte keine Sorgen. Wenn Sie es jemals benötigen, können Sie es einfach bestellen. 12. PII: Physische oder digitale Portfolios: Lohnt es sich, Beides zu senden?: Wenn Sie Ihre Arbeit nicht veröffentlichen, geben Sie den Leuten nicht die Möglichkeit, Sie und höher zu finden. Du. Denken Sie daran, wie ich innerhalb eines Jahres , als ich angefangen hatte, meine Arbeit einzureichen, einen Traumlizenzvertrag abgeschlossen habe. Nun, ich habe das mit nur fünf Mustern in einem 11 x 8,5 Zoll großen PDF geschafft . Kein ausgefallener Schnickschnack, kein Titelbild oder Inhaltsverzeichnis, kein gedrucktes Portfolio gesendet. Nur eine höfliche, kurze E-Mail, in der ich mich vorstelle, mit Links zu meiner Website und Instagram und einem PDF mit fünf vollen Seiten voller Muster. Die Designdirektorin für Designs für das rechte Bein erzählte mir, dass ihr im Team die Mini-Kollektion, die ich eingereicht habe, sowie einige Muster aus einer anderen Kollektion, die ich auf der Website hatte, sehr gut gefallen Mini-Kollektion, die ich eingereicht habe, sowie einige Muster aus habe. Also haben sie definitiv einen Blick auf meine Website geworfen wahrscheinlich meine gesamte Arbeit beschäftigt. Aber ich möchte, dass Sie das mitnehmen , ist, dass sie nur in die fünf Muster verliebt waren , die ich ihnen ursprünglich mitgeteilt habe , um den Rest meiner Arbeit zu untersuchen. Das ist also ein netter Übergang zu der ersten Sache , über die ich in Bezug auf Oberflächendesign-Portfolios sprechen möchte . Das ist die Frage der physischen oder digitalen Portfolios und ob es sich lohnt, beide zu versenden. Ich bin bei der Sache irgendwo mittendrin. Ich glaube nicht, dass es hier eine richtige oder falsche Antwort gibt. Als ich 2019 anfing, mich an Unternehmen zu wenden, habe ich, wann immer möglich, sowohl ein digitales als auch ein physisches Portfolio gesendet , es sei denn, dies ist in den Einreichungsrichtlinien angegeben , um nur eine zu senden digitale Kopie. Wie ich bereits erwähnt habe, habe ich ziemlich viel Zeit damit verbracht, mein Portfolio für die Oberflächengestaltung zu entwerfen und zusammenzustellen. Ich habe zwei Versionen gedruckt. Die erste in diesem Bogenschützen-Format, damit ich diese wunderschöne handgefertigte, ausgefallene Version mit Stoff aus Spoonflower und meinem gestickten Logo kreieren kann ausgefallene Version mit Stoff aus . Die zweite Version in einem eher standardmäßigen Magazinformat, die ich bei Blurb-Büchern bestellt habe. Ich habe ungefähr 25 bestellt. Ich glaube, sie kamen auf etwa sieben oder 8 Dollar pro Buch. Ich habe sie speziell gedruckt , damit ich sie an Unternehmen weitergeben kann. Ich habe vor dir gepitcht und fühle mich nicht so wertvoll, sie nie wieder zu sehen. Auf Autotext. Sie können Fachbücher oder Zeitschriften für etwa drei bis 5 Dollar für, glaube ich, 24 Seiten drucken lassen. Ich denke, wenn ich diesen Weg noch einmal gehen würde, würde ich sicherstellen, dass mein Portfolio nur 24 Seiten hat oder was auch immer die maximale Anzahl von Seiten ist, damit es als nächstes etwas günstiger wird . Zeit. Tipp Nummer eins: Wenn Sie planen, ein physisches Portfolio zu drucken, sollten sich die Dimensionen und Preise verschiedener Formate und Größen ansehen Preise verschiedener Formate und , bevor Sie mit der Gestaltung Ihres digitalen Portfolios beginnen. Auf diese Weise können Sie es in dem von Ihnen ausgewählten Format entwerfen . Und Sie müssen es nicht neu formatieren, um es zu drucken. Ich habe versehentlich eine meiner Seiten in der falschen Seitengröße formatiert , also habe ich viel Zeit damit verschwendet, sie neu zu formatieren. Ich habe es bereits in zwei Größen entworfen weil ich wollte, dass meine schicke buchgebundene Version in einem anderen Format als die Magazinversion vorliegt. Also musste ich es in drei Größen formatieren , anstatt nur in den beiden, die ich geplant hatte. Seien Sie also einfach mit dem richtigen Format oder den richtigen Formaten vorbereitet dem richtigen Format oder , wenn Sie Ihr Portfolio erstellen. Autotext-Bücher sind übrigens großartig. Ich war sehr zufrieden mit der Qualität und man kann ihre Preisgestaltung nicht übertreffen. Ich habe ein PDF mit allen Empfehlungen meines Portfolios beigefügt , die Sie auf der Registerkarte Projekte und Ressourcen herunterladen können . Wenn Sie sich fragen, welches Programm Sie zum Erstellen eines Portfolios verwenden sollten, können Sie das Portfolio in Illustrator erstellen , wenn Sie mit InDesign nicht vertraut sind. Aber ich würde es nicht unbedingt empfehlen, weil ich meinen eigenen Illustrator gebaut habe. Und selbst mit einem Computer mit 32 Gigs RAM wurde mein Portfolio Illustrator-Dokument super riesig und begann zu verzögern und es wurde wirklich schwierig, damit zu arbeiten. Wenn Sie Illustrator verwenden, würde ich vorschlagen, einige Seiten in separaten Dokumenten zu erstellen , anstatt 20 bis 30 Zeichenflächen in einem Dokument mit einer Reihe von Mustern zu haben. Das ist ein schneller Weg, um ein übermäßig großes Dokument zu erstellen , mit dem man nur schwer arbeiten kann. 123 oder vier Seiten pro Dokument sind also viel überschaubarer. Von dort aus können Sie sie als PDFs oder JPEG exportieren und mit der Vorschau-App auf einem Mac oder mithilfe von Photoshop oder Adobe Acrobat zu einer PDF-Datei kombinieren mit der Vorschau-App auf einem Mac oder mithilfe von Photoshop oder Adobe Acrobat zu einer PDF-Datei . Ich habe mein schickes Portfolio erstellt, um etwas wirklich Schönes zu haben , das ich auf Messen mitnehmen und potenziellen Mitarbeitern zeigen kann. Ich habe es 2019 zum Fulfill-Markt gebracht und 6% gezeigt. Also Unternehmen, und es hat mir sehr gut gedient. Ich habe auch sechs oder sieben meiner Portfolios im Magazinformat an dieselben Unternehmen verschenkt meiner Portfolios im Magazinformat an und den Rest 2019 an verschiedene Unternehmen und Branchen verschickt . Ich bereue nichts davon. Ich hatte jedoch beschlossen , dass ich mich in Zukunft hauptsächlich auf mein digitales Portfolio verlassen werde. Ich habe ziemlich viel Geld und Zeit für den Druck und Versand meiner Portfolios aufgewendet . Und der einzige Lizenzvertrag, den ich in dieser Zeit abschließen konnte, war mit einer einfachen digitalen Einreichung und einem Link zu meiner Website ausgefallen . Ich habe beschlossen, lieber etwas Geld zu sparen und mehr Zeit für die Erstellung als für den Versand physischer Portfolios aufzuwenden. Meiner Erfahrung nach ist es genauso wahrscheinlich, dass Sie durch digitale Einreichungen Chancen erhalten wie durch das Versenden physischer Portfolios. Das war's. Ich mag es, ein physisches Portfolio nur für mich selbst zu haben und um es den Leuten zu zeigen, wenn ich in Zukunft auf mehr Messen gehe , plane ich, aktualisierte Portfolios von einem Unternehmen namens Artefaktaufstand oder verschwommene Bücher wieder. Aber ich habe vor, immer nur ein wirklich schönes Exemplar drucken zu lassen, das ich nicht verschenken werde. Es besteht auch die Möglichkeit, einfach einen Drei-Ring-Binder zu verwenden , in dem Ihre Muster und Kunstwerke sauber und schön präsentiert werden. Das ist eine wirklich großartige Option. Ich weiß, dass es bei vielen Menschen wunderbar funktioniert hat. Ein weiterer Vorteil ist , dass Sie ganz einfach alte Kunstwerke herausnehmen und ein neues Kunstwerk platzieren können ganz einfach alte Kunstwerke herausnehmen und ein neues Kunstwerk platzieren und/oder Ihr Portfolio kuratieren , je nachdem, mit wem Sie sich treffen, Ihre Lektüre mit einem Tapetenfirma können Sie beispielsweise festlegen, dass nur die Kunstwerke aufgenommen werden, von denen Sie glauben, dass sie gut in die Tapetenindustrie passen . Wenn Sie für Dean billigere physische Kopien ausprobieren und diese an Unternehmen versenden möchten billigere physische Kopien ausprobieren und , wenn Sie sich darüber freuen, dann entscheiden Sie sich auf jeden Fall dafür. Ich weiß, dass das für viele Menschen Wunder bewirkt hat, aber wisse einfach, dass man das nicht muss, um erfolgreich zu sein. 13. PII: Was solltest du in deinem Portfolio einschließen?: Ich sehe, dass viele Leute mit der Frage zu kämpfen hatten was Sie in Ihr Musterdesign-Portfolio aufnehmen sollten. Ist es in Ordnung, eigenständige Muster und Mini-Kollektionen aufzunehmen ? Oder sollten Sie warten, bis Sie zwei oder drei vollständige Sammlungen haben zwei oder drei vollständige Sammlungen bevor Sie mit der Einreichung beginnen? Sollten Sie mindestens 100 Muster haben , bevor Sie mit dem Absenden beginnen? Die kurze Antwort lautet, dass es mehr als in Ordnung ist, viele Sammlungen als eigenständige Muster aufzunehmen. Wenn Sie sie lieben, passen sie zu Ihrem Stil und Sie möchten sie lizenziert sind. So einfach ist das. Sie benötigen keine 100 Muster. Mein Portfolio hat nur etwa 30, und ich denke, meine Website hat immer noch weniger als 50. Denken Sie daran, ich habe einen Lizenzvertrag mit einer Minisammlung von nur fünf Mustern abgeschlossen. Ich denke, solange Sie haben, sagen wir zehn bis 15 solide Portfolioteile , bei denen Sie sich wirklich gut fühlen. Sie haben genug, um sich an Unternehmen zu wenden. Wenn Sie in Mini-Kollektionen arbeiten, dieses Format der Präsentation eines Heldendrucks mit ein bis zwei Koordinaten eine beliebte Art der Präsentation. Sind es nicht. Viele Künstler verpacken ihre Oberflächendesign-Kunstwerke auf diese Weise zu großem Erfolg. Das hängt natürlich von der Branche ab, aber viele Unternehmen kaufen ohnehin oft nur ein oder zwei Muster gleichzeitig. Nochmals, nein, wenn Sie jemand sind, der gerne in vollständigen Sammlungen arbeitet, dann entscheiden Sie sich dafür. Daran ist nichts falsch. Natürlich. Es ist einfach nicht unbedingt notwendig. Ich möchte einen äußerst hilfreichen Ratschlag geben, den ich von Bonnie Christine gelernt habe. Und dazu gehören nur Arbeiten, die Sie kaufen möchten oder zumindest versucht wären, sie zu kaufen, wenn Sie sie in einem Geschäft sehen würden. Dies gilt sowohl für Sammlungen als auch für Portfolios. Würde ich das kaufen oder fühle ich mich großartig dabei? Sind immer gute Fragen , die Sie sich stellen sollten. Wenn die Antwort nein lautet, sollten Sie entweder das Muster, bei dem Sie sich nicht sicher sind, wegwerfen oder daran arbeiten, es in ein Ja umzuwandeln. Ich wartete darauf, mich an Unternehmen zu wenden, bis alle Muster in meinem Portfolio oder Ja für mich waren. Also wartete ich, bis ich mich in meiner Musterarbeit sicher fühlte. Obwohl ich lange gebraucht habe, um dorthin zu gelangen, bin ich froh, dass ich gewartet habe, weil ich dadurch all die unvermeidlichen Ablehnungen erhalten habe , die ich erhalten habe und die Sie erhalten werden, wenn Sie anfangen, Ihre Arbeit zu erledigen. Daran führt kein Weg vorbei. Das machte es für mich viel einfacher, mit diesen Ablehnungen umzugehen. Ich glaube, ich konnte erkennen , dass es nicht um die Qualität meiner Arbeit ging. So sehr es auch um Timing oder Geschmack oder Begleitung ging, nicht um die Suche nach Arbeit in meinem Stil oder um eine Reihe von Dingen , die nichts mit meinem Wert und meinen Fähigkeiten als Künstler und Designer zu tun haben . Wenn du liebst, was du erschaffst, ist das das Wichtigste. Wenn ich den Prozess überstürzt und schon einmal mit dem Versand meines Portfolios begonnen hätte , fühlte ich mich bei meiner Arbeit wirklich gut . Ich vermute, dass ich mit viel mehr Zweifeln an meinen Fähigkeiten als Designer zu tun gehabt hätte. Ich empfinde natürlich immer noch manchmal Zweifel und Unsicherheit, da das für uns Künstler wirklich nur natürlich ist. Ich hatte immer noch ein Imposter-Syndrom. Ich bitte immer noch um Feedback von meiner kreativen Community sowie von meiner Familie und meinen Freunden. Ich brauche diese Bestätigung immer noch oft von anderen. Aber trotz dieser Zweifel wusste ich letztendlich, dass meine Kunstwerke wunderschön waren , und ich musste nur die richtigen Leute finden , die sich mit ihr verbinden und ihr Potenzial erkennen würden . Ich wusste dass ich geduldig sein und weiter durchhalten musste . Und irgendwann wäre das Timing für mich richtig. Ich hatte recht. Ich könnte nicht glücklicher darüber sein, wie sich die Dinge bei einem Stoffdesigner für mich entwickelt haben, für eine meiner besten Stofffirmen. Und wer weiß, ob das passiert wäre, wenn ich nicht gewartet hätte? Mein einziges Bedauern und ich zögere, es sogar als Bedauern zu bezeichnen , weil sich das wie ein zu starkes Wort anfühlt. Aber ich glaube , dass ich etwas schneller hätte mehr Schwung gewinnen können, wenn ich angefangen hätte einzureichen, sobald ich mich mit meiner Arbeit gut gefühlt habe und nicht gewartet hätte, bis ich eine perfekte hatte . makelloses Portfolio mit all den ausgefallenen Schnickschnack , die mir damals so wichtig vorkamen. Der Designdirektor von Riley Blake Designs erzählte mir, dass sie an einigen Drucken in einer anderen Kollektion interessiert waren einigen Drucken in einer anderen Kollektion interessiert , die ich auf meiner Website hatte, was so aufregend war. Ich wollte jedoch teilen, da diese Sammlung mehrere Änderungen durchlief , bevor sie fertiggestellt wurde. Sie baten mich, den Hauptdruck von diesem auf diesen zu ändern. Sie waren sich dieser Heldenabdrücke nicht sicher. Also habe ich es von diesem zu diesem geändert, um es von einem Streifen zu einem viel dynamischeren Muster zu machen. Und glücklicherweise, nachdem ich das getan hatte, entschieden sie, dass sie es tatsächlich drucken wollten. Sie waren daran interessiert, einige der Mixer zu drucken , die ich bereits hergestellt hatte, baten mich um einen weiteren. Also habe ich diesen Mixer gemacht. Mein Punkt ist, dass Art Directors oft mit Ihnen zusammenarbeiten, um eine Sammlung fertigzustellen. Wenn Sie sich also von den schönen, perfekten Kollektionen , die Sie sehen, eingeschüchtert fühlen , wissen Sie einfach, dass viele von ihnen durch die Zusammenarbeit enorm verbessert werden . Und die Künstler haben oft geholfen. Egal, ob Sie warten möchten bis Sie dreifache Kollektionen haben, oder Sie ein Portfolio voller wunderschöner Mini-Kollektionen und eigenständiger Muster zusammenstellen möchten. Ich denke, der wichtigste Faktor ist, dass Sie sich bei Ihrer Arbeit gut fühlen und das Gefühl haben sie Sie wirklich als Künstler repräsentiert. 14. PII: Eine kurze Anmerkung zu Trends: Ich bin keineswegs ein Trendexperte. Ich werde nicht ausführlich darüber sprechen. Aber mein Gefühl bei Trends ist, dass ich nur zwei Trends kreieren werde , wenn es etwas ist, das ich bereits illustrieren Ich beschäftige mich nicht zu sehr mit ihnen, um ehrlich zu sein. Ich mache mir zum Beispiel keine Gedanken darüber, nach der Pantone-Farbe des Jahres zu entwerfen , es sei denn , es ist eine Farbe, zu der ich mich bereits hingezogen fühle. Sobald der Pan-Ton die Farbe oder die Farben ankündigt, kann ich manchmal, wenn es sich um die Farbe oder die Farben ankündigt, kann ich manchmal, eine Farbe handelt, die bereits in meiner Arbeit vorhanden ist , versuchen , diese auf Instagram oder meiner Website ein bisschen mehr zu zeigen . Aber sonst mache ich mir darüber nicht allzu viele Sorgen. Wenn es ein Trendthema gibt , das mich wirklich anspricht , dann werde ich es sicher entwerfen. Aber ich hätte es wahrscheinlich sowieso schon irgendwann entworfen. Wenn ein Unternehmen mich gebeten hat, etwas zu kreieren, das einen Trend darstellt, oder wenn ich bereits eine Arbeit habe, die zwei Trends sind, dann werde ich natürlich darauf hinweisen, dass Arbeit oder Arbeit daran arbeitet, etwas für sie zu schaffen, wenn ich dazu inspiriert bin. Aber meine allgemeine Philosophie in Bezug auf Trends ist ziemlich entspannt. Es belastet mich zu sehr, um über sie nachzudenken. Deshalb würde ich lieber nur meine psychische Gesundheit schützen und das schaffen, was ich schaffen möchte. Es ist auch wirklich schwierig, den Überblick über Trends zu behalten, besonders wenn Sie ein Anfänger sind und sozusagen versuchen, Ihren Fuß in die Tür zu bekommen. Weil es so lange dauert, bis Produkte gedruckt werden und tatsächlich in die Regale kommen. Es ist schwierig, Ihre Arbeit schnell genug in diese Regale zu bringen , es sei denn, Sie haben bereits eine bestehende Beziehung zu einem Lizenzunternehmen. Und selbst dann hängt es von der Branche ab und davon, wie schnell das Produkt gedruckt werden kann. Es gibt auch eine Menge immergrüner Trends. Mit anderen Worten, erscheint in Motiven , die so ziemlich immer beliebt sein werden. Einfach aus meinem Kopf, es gibt Weihnachten und Halloween. Geburtstage. Katzen, Hunde, Eulen, Blumen natürlich. Sukkulenten und Kakteen, Gangnam-Pflanzen, Tupfen , tropische Pilze, Söhne , Monde und Sterne usw. usw. Das sind also Themen , die wir immer verkaufen werden. Die Leute werden nie aufhören , Blumen zu wollen. Ein Tipp, den ich habe, ist, wenn Sie sich jemals festgefahren fühlen und wahrscheinlich ziemlich einfach Listen mit immergrünen Designtrends online finden können, wenn Sie Listen mit immergrünen Designtrends online finden etwas googeln. Und dann können Sie aus der Liste auswählen, um Ihr nächstes Designthema zu entwickeln. Und es wäre automatisch im Trend. Es gibt viele Designer , die Trends unterschiedlich sehen und viel Erfolg hatten , indem sie sie genauer verfolgt haben. Aber ich gehöre nicht zu ihnen. Also kann ich wirklich nicht darüber sprechen. Wenn Sie jedoch neugierig sind, mehr zu erfahren, empfehle ich Ihnen, hier auf Skillshare zu suchen, da ich mir sicher bin, dass es hier viele Lehrer gibt, erfahrenere Ratschläge zu Trends geben können. 15. PII: Wie Bekommst du deine Arbeit auffallen?: , wenn Sie bereit sind, es zu zeigen Wie wird Ihre Arbeit wahrgenommen, wenn Sie bereit sind, es zu zeigen? Ich werde ein paar Absätze aus Leila Rogers lesen , ist Interview und Ausgabe 49 des Uppercase Magazine, in denen ihr wenig Ratschläge gibt wie man Arbeit in der Oberflächengestaltung bekommt. Zitieren Sie, sobald Sie eine Reihe fabelhafter Bilder haben , veröffentlichen Sie sie auf Ihrer Website, veröffentlichen Sie sie auf Instagram und Pinterest und beginnen Sie, Unternehmen zu kontaktieren. Sie können Unternehmen finden, indem Sie die Produkte, die Sie bereits besitzen, übergeben oder Namen von Herstellern finden. Besuchen Sie Ihre Lieblingsgeschäfte und notieren Sie sich die Namen der Hersteller von Produkten, die Sie lieben. Dann recherchieren Sie auf deren Website , an wen Sie Ihre Kunst senden können. Einige Unternehmen haben Richtlinien für Einreichungen auf ihren Websites. Oder rufen Sie die Firma an und sagen Sie einfach: Hallo, ich bin ein Künstler Illustrator oder Designer, Ihre Wahl. Und ich würde gerne Arbeit an den Art Director schicken oder an jeden, der neue Kunstwerke lizenziert. Hier ist die Zauberformel. Fügen Sie all diese Personen zu Ihrer Mailingliste hinzu. Machen Sie immer mehr großartige inspirierte Arbeiten und senden Sie Ihre Arbeit weiter. Das ist keine sofortige Sache. Es braucht Zeit und Engagement. Aber wenn du wirklich, wirklich willst, dass es passiert und du den obigen Prozess befolgst, werden wir es schaffen. Sie werden eine brillante Karriere und ein Zitat haben, ich denke, das fasst diesen laufenden Prozess so wunderbar und prägnant zusammen. Tatsache ist, dass Sie die Arbeit erledigen müssen, aber es muss nicht alles auf einmal sein. Denken Sie daran, wenn Sie sich überfordert fühlen, teilen Sie Ihre Forschung in kleinere, besser überschaubare Teile auf. Versuchen Sie Ihr Bestes, um sich nicht im Gesamtbild zu verfangen, und machen Sie nur einen einfachen, kleinen Schritt nach dem anderen. Es kann aus verschiedenen Gründen beängstigend sein, Ihre Arbeit online zu teilen . Vielleicht sind Sie selbstbewusst und haben Angst vor dem, was ein Art Director oder auch nur ein zufälliger Fremder im Internet sagen könnte. Vielleicht haben Sie Angst, dass Ihre Arbeit kopiert wird. Dies sind alles Gefühle, mit denen sich die meisten Menschen meiner Meinung nach identifizieren können. Und es ist okay, sie zu fühlen. Aber du willst dich nicht von dieser Angst beherrschen lassen. Wenn Sie Ihre Arbeit nicht mit der Welt teilen, wie werden Sie sie jemals vor die Augen der Menschen bringen , die sie sehen müssen. Ich habe Freunde, die von Traumfirmen allein über ihre Instagrams kontaktiert wurden . Dies bedeutet nicht unbedingt, dass Sie Social Media Vorrang vor Ihren Kunstwerken einräumen sollten . Sicher nicht, aber ich benutze es und teile meine Arbeit ziemlich regelmäßig. Also nimm es von mir. Das Risiko, Ihre Arbeit zu teilen , lohnt sich, die Belohnung. Es erfordert Arbeit, Zeit und Mut, aber mit genügend Geduld und Ausdauer werden Sie es schaffen. 16. PII: Portfolio: Wie Sie sicher schon verstanden haben , glaube ich, dass die meisten Regeln viel flexibler sind , als wir annehmen, dass es viele verschiedene Möglichkeiten gibt , als Oberflächendesigner erfolgreich zu sein. Es gibt jedoch eine Reihe von Richtlinien, von denen ich glaube, dass sie so ziemlich immer befolgt werden sollten. Und das sind Best Practices, um Muster innerhalb eines Portfolios zu präsentieren, sei es auf Ihrer Website, in einer digitalen PDF-Datei oder in einem gedruckten Portfolio. Fügen Sie zunächst keinen Strich oder Rahmen um Ihre Musterquadrate oder -rechtecke ein. Es kann vom Muster ablenken oder manchmal verwirrte Zuschauer. Ist es Teil des Musters selbst oder nicht? Wenn Sie Ihre Muster auf einem sauberen weißen Hintergrund ohne Rand präsentieren , werden sie zu den Stars der Seite. Und genau das willst du. Sie möchten, dass Ihre Muster und die Modelle, die Sie mit Ihren aufgetragenen Mustern versehen können , von selbst hervorstechen. Wenn Sie ein Sammlungslogo hinzufügen, stellen Sie sicher, dass die Schriftart oder die Texte des Logos der Star des Logos sind und dass die verwendeten Motive, falls vorhanden, den Text unterstützen und nicht den anderen herum. Wenn Sie mehrere Farbgebungen einer Kollektion in Ihr Portfolio aufnehmen , stellen Sie sicher, dass der Maßstab und die Positionierung jedes Musters in allen Farbgebungen konsistent sind. Sie möchten, dass es für Art Directors einfach ist, das Schwestermuster in der zweiten Farbgebung zu finden. Wenn es darum geht, Ihre Muster auf einer Website zu präsentieren, haben Sie etwas mehr Freiheit, da Sie nicht durch die Größe und das Format einer digitalen PDF-Datei oder eines physischen Portfolios eingeschränkt sind. Das heißt, alle Richtlinien, über die ich gerade gesprochen habe, gelten weiterhin. Dies ist meine Portfolio-Seite und auf diese Weise zeigen sie meine Arbeit an der Oberflächengestaltung seit 2018, als ich meine Squarespace-Website zum ersten Mal erstellt habe. Ich habe oben ein rotierendes Banner. Und dann hier unten ist der Hintergrund weiß. Es gibt keinen Rahmen um eines der Muster und jedes doppelte Muster und eine andere Farbgebung sind auf den gleichen Maßstab eingestellt. Ich muss eigentlich ein Update bekommen, weil es einige ältere Muster gibt , die ich herausnehmen möchte , und einige neue , die ich einbauen möchte. Und dann kann ich diese nach Sammlung oder Thema organisieren. Ich habe mich noch nicht entschieden. Das heißt, es ist nichts Falsches daran deine Muster so zu präsentieren, ich möchte mich nur ändern. Aber diese Art der Musterpräsentation verwende ich seit 2018. Und ich habe ein paar Art Directors auf meine Website kommen lassen und mehr Muster von mir ausgewählt, um von dieser Seite aus lizenziert zu werden. Sie können dieses Format gerne verwenden, wenn es Ihnen gefällt. Aber wenn nicht, schlage ich vor, auf die Websites von Musterdesignern zu gehen , die Sie bewundern, und zu sehen, wie sie ihre Musterarbeit zeigen. Es kann wirklich überwältigend sein, eine Portfolio-Website zu erstellen. ist also äußerst hilfreich, Ideen von anderen Künstlern einzuholen. Ich selbst wurde von den Websites verschiedener Künstler inspiriert , zu denen ich aufschaue. Im Wesentlichen ist weniger oft mehr, wenn es um die Portfolio-Präsentation geht. 17. PII: Eine schnelle Notiz zu Print on Demand (POD) Sites: Auch hier bin ich keineswegs ein Experte für den Verkauf von Kunstwerken auf POD- oder Print-On-Demand-Websites. Aber ich habe einige Erfahrung und wollte kurz darüber sprechen. Ich erhalte monatliche Verkäufe auf Society Six, wohingegen meine Spoonflower- und Kunstkoffer seltener sind. Und das liegt daran, dass ich die meiste Zeit in mein Society-Six-Geschäft investiere . Das heißt, es ist immer noch nicht sehr lukrativ für mich, insbesondere für die Zeit, die ich für das Hochladen von Kunstwerken verbringe. Ich aktualisiere es nicht regelmäßig da ich lieber die Erstellung und Einreichung meines Portfolios bei Unternehmen, bei denen ich lizenzieren möchte, priorisieren Erstellung und Einreichung meines Portfolios würde. Einige Künstler machen sich auf POD-Sites wirklich gut, aber es erfordert viel Mühe und Zeit und persönliches Marketing. Im Allgemeinen handelt es sich bei den Käufern auf POD-Websites um Einzelpersonen. Ich habe von Unternehmen und Wiederverkäufern gehört , die Künstler auf Society Six gefunden und sie per E-Mail kontaktiert haben, um sie zu bitten, mit ihnen zusammenzuarbeiten. POD-Sites sind also keine schlechte Option, um Ihre Arbeit sichtbar zu machen. Denken Sie jedoch daran, dass es Tausende von Künstlern auf POD-Sites gibt . Daher kann es auch schwierig sein, sich von der Masse abzuheben. Dies soll Sie nicht davon abhalten, POD-Sites in Ihrem Unternehmen zu implementieren. Ich bereue nicht die Arbeit, die ich in den Fall Society Six und Arts gesteckt habe . Aber nur um Sie über die Realität zu informieren, ist ein Teil dessen, was an der Lizenzierung so großartig ist, obwohl Sie oft einen niedrigeren Tantiemenanteil haben, als auf POD-Websites, obwohl Sie oft einen niedrigeren Tantiemenanteil haben, als auf POD-Websites, dass das Unternehmen lizenziert mit, erledigt auch einen Großteil des Marketings für Sie. Sie haben normalerweise ein viel größeres Publikum. Und sie verkaufen nur Kunstwerke von etwa 40 bis 100 Künstlern gegenüber Tausenden von beispielsweise Society Six. 18. Einige Worte der Ermutigung: Mache Dinge, weil du willst, nicht weil du musst. Bonnie Christine, egal ob ich über Charakterdesign, Karikatur, Aquarelle oder Muster spreche . Ich erinnere meine Schüler und meine kreativen Bekannten und Freunde gerne und meine kreativen Bekannten und daran, sich daran zu erinnern, warum Sie das überhaupt tun. Es liegt daran, dass wir Kunst lieben, oder? Wir lieben es, Kunst zu machen. Wir lieben es kreativ zu sein. Wir wollen unsere kreativen Fähigkeiten verbessern. Nicht nur, weil wir unseren Lebensunterhalt verdienen wollen, sondern weil Kreativität an und für sich lohnend ist Ehrlich gesagt wünschte ich, sie müsste nicht ihren Lebensunterhalt verdienen. Aber leider sind wir in einem System gefangen, das uns zwingt, Geld verdienen zu müssen , um auf uns selbst aufzupassen. Aber ich werde nicht mehr auf meine Gefühle eingehen , keine Sorge. Der Punkt ist, ich denke, manchmal stecken wir so fest in all der Angst, kreativ zu sein. Wir werden so abgelenkt von dem Stress und der Sorge ob wir gut genug sind, um erfolgreich zu sein, was ist überhaupt Erfolg für uns? Dieses Projekt stellt sich nicht so heraus, wie ich es in meinem Kopf sehe, und so weiter. Wir werden von all diesen Negativen so abgelenkt , dass wir das Wahre vergessen. Warum. Warum sind wir hier? Warum folgen wir diesem Weg, wenn er sich manchmal oder oft so schwierig und verletzlich anfühlt ? Ja, die Antwort kann auch sein, dass wir eine erfüllendere Karriere anstreben oder von zu Hause aus arbeiten möchten. Aber der wahre Kern davon, der Grund, warum wir hier sind , ist, dass wir gerne Kunst machen, oder? Und alles andere ergibt sich aus ihnen. Versuche nicht aus den Augen zu verlieren, dass du gerne kreativ bist. Es kann eine große Herausforderung sein , während eines stressigen oder enttäuschenden Projekts motiviert zu bleiben . Manchmal, wenn ich mitten in einem dieser Projekte bin , ich einen Schritt zurück und sage: Okay, Melissa, denk daran, dass du es wirklich magst Kunst zu machen, beruhige dich und atme tief durch. Es lässt die Angst oder Sorge nicht ganz verschwinden, aber es hilft beim Boden. Und es erinnert mich daran, dass ich das durchstehen kann. Und dass es in jedem Kunstwerk oder Projekt, das wir machen, immer eine unordentliche Mitte gibt. Auch wenn etwas nicht so läuft, wie Sie es möchten, ist es nicht das Ende der Welt. Fahren Sie mit dem nächsten Projekt fort und versuchen Sie es erneut. Die Unterstützung ist riesig. Und deshalb ist mir Community so wichtig. Wie ich bereits erwähnt habe, habe ich Phasen von Selbstzweifeln und hatte mit dem Betrüger-Syndrom zu kämpfen. Und eines der Dinge, die mir am meisten geholfen haben, diese Gefühle zu überwinden, ist die Liebe, die Unterstützung, das Feedback und die Ermutigung , die ich von meiner kreativen Community und meinen Lieben bekomme . Vor allem aber habe ich einen Punkt erreicht, ich glaube , dass Sie auch alle in der Lage sein werden, ihn zu erreichen. Was bedeutet, dass ich letztendlich an mich selbst und die Macht der sich selbst erfüllenden Prophezeiung glaube . Wenn ich sage, dass es passieren wird und ich Mühe und Zeit gebe, werde ich es schaffen. Das ist eine Einstellung. habe Jahre gebraucht, um mich zu kultivieren und zu umarmen. Und manchmal ist es immer noch sehr schwer, aber seit ich angefangen habe, es anzunehmen, Dinge für mich passiert. Du wirst auch dort ankommen. Erlaube dir zu scheitern, bevor du erfolgreich bist , ist meine Art Karriere-Schlagwort, was hast du? Weil ich denke, es ist so wichtig, sich daran zu erinnern, dass Sie auf Ihrem Weg zum Erfolg scheitern werden und dass, das ist in Ordnung, und Sie sind in diesem Kampf nie allein. Erinnerst du dich an die vier P? Übung, Beharrlichkeit, Geduld und Ausdauer. Lassen Sie die Höhen und Tiefen Ihrer Stimmungen und Zweifel und Ihres Selbstvertrauens zu und seien Sie freundlich zu sich selbst in Bezug auf diese natürlichen Gefühle. Aber solange Sie diese vier Ps immer am Laufen halten, werden Sie Erfolg haben. 19. Vielen Dank!: Ich weiß, dass ich Ihnen ziemlich viel zum Nachdenken gegeben habe wenn Sie sich von all diesen Informationen überwältigt fühlen. Zunächst einmal ist das völlig verständlich. Es ist eine Menge aufzunehmen. Aber ich hoffe, dass Sie diese Lektionen mitnehmen können , ist, dass Sie kein perfekter Profi sein müssen kein perfekter Profi sein müssen , der auf Schritt und Tritt weiß, was er tut. Um erfolgreich zu sein. Es ist okay, Fragen zu stellen. Es ist okay, um Hilfe zu bitten. Es ist okay, wenn deine Farben nicht absolut perfekt sind. Sie müssen nicht all diese Informationen verinnerlichen und auswendig lernen. Erstens, weil Sie die PDFs herunterladen können , die ich für diesen Kurs erstellt habe. Und zweitens, weil Lernen ein Teil des Prozesses ist, auch wenn oder vor allem, wenn Sie ein Zitat werden, ohne Zitat professionell zu zitieren. Ich habe aus der Praxis so viel gelernt , dass mir das nicht bewusst war bevor ich meinen ersten Lizenzvertrag erhielt. Je mehr Sie üben, desto mehr Arbeit leisten Sie, desto mehr verinnerlichen Sie dieses Wissen und beginnen wirklich, für alle, die ich unterrichtet habe, einen sechsten Sinn und eine sechste Intuition zu entwickeln einen sechsten Sinn und eine sechste Intuition . Versuchen Sie also, die Dinge Schritt für Schritt anzugehen. Konzentration auf jeden kleinen Schritt nicht auf das Gesamtbild ist die wichtigste Sache , die mir geholfen hat, mich nicht ständig völlig überfordert zu fühlen. Für Ihr Klassenprojekt möchte ich, dass Sie einen Screenshot Ihrer aktuellen Arbeit oder einen Link zu Ihrem Website-Portfolio, Instagram oder Pinterest teilen Ihrer aktuellen Arbeit oder einen Link zu . Ich möchte auch, dass Sie uns mitteilen, was Ihr nächster Schritt sein wird. Wenn Sie noch keine Arbeit haben, die Sie teilen möchten , ist das in Ordnung. Geben Sie einfach ein oder zwei Sätze über Ihre nächsten Schritte ein. Und denken Sie daran, dass diese Schritte so einfach sein können wie das Senden einer E-Mail, Recherche nach einem Unternehmen oder das Skizzieren für fünf Personen. Konzentrieren Sie sich auf die kleineren, einfacheren Aufgaben, die letztendlich zu Ihren größeren Zielen führen werden. Wenn Ihnen dieser Kurs gefallen hat, hinterlassen Sie mir bitte eine Bewertung. Und wenn Sie über das, was ich hier poste, auf dem Laufenden bleiben möchten . Vergessen Sie nicht, auf die Schaltfläche Folgen zu klicken. Sie können mir auch bei Melissa Redesign auf Instagram folgen oder sich auf meiner Website für meinen Newsletter anmelden. Vielen Dank, dass du bei mir bist. Ich hoffe, Sie fanden diesen Kurs inspirierend und ermutigend. Ich wünsche Ihnen alles Gute und kann es kaum erwarten zu sehen, wohin Ihre Karriere Sie führt.