Musikkomposition: Grundlagen des Songwriting

1. Einführung: Hallo. Mein Name ist Jason Rivera. Ich bin ein Multi-Instrumentalist und Komponist. Du könntest mich online unter www dot Jason Rivera music dot com finden. Ich habe geschrieben und gespielt auf Unzählige Aufnahmen haben gegenüberden USA gegenüber als Performer, und ich hatte das Glück, für einige der besten Lebensorchester der Welt hier in Los Angeles zu schreiben und zu dirigieren . Ich liebe es, Musik zu schreiben, weil es eine universelle Sprache ist, und es erlaubt mir, mich auf eine Weise auszudrücken, die ich nicht in der Lage bin, mit Worten auszudrücken. Musik ist ein wunderschönes und unendliches Thema, und ich arbeite jeden Tag daran, mein musikalisches Handwerk zu verfeinern, weil ich aufrichtig glaube, egal wie gut du bist, was du tust, es gibt immer mehr zu lernen. Und je mehr Sie Ihr Handwerk verfeinern, desto besser sind Sie in der Lage, sich durch Ihre Musik auszudrücken. Diese Klasse ist ein Crashkurs zu den Grundlagen des Songwritings und Komponierens. Mein Ziel ist es, dir die Werkzeuge zur Verfügung zu stellen, die du brauchst, um deine eigenen Songs oder Kompositionen zu schreiben . Ich hoffe, dass diese Klasse Ihnen helfen wird, Ihr musikalisches Material zu organisieren und zu verfeinern und Sie auf den Weg zu bringen , Ihre eigene Musik zu schreiben. 2. Deine Aufgabe: in dieser Klasse. Ich werde Sie durch die Grundlagen des Schreibens eines Songs oder einer Komposition führen, die Themen, die wir über unsere Schnüre, Melodien, Texte und Orchestrierung und Arrangement abdecken werden Melodien, . Ich werde Sie durch diese Themen führen und Ihnen Tipps und Techniken geben , die Sie in Ihrer eigenen Musik ausprobieren können. Für Ihre Aufgabe nehmen Sie die Techniken, die ich Ihnen zur Verfügung stelle, und erstellen Sie Ihren eigenen Song und laden dann Ihre Ergebnisse auf Soundcloud, YouTube oder Dropbox hoch und posten Sie einen Link zu Ihrer Datei in der Projektgalerie. Deine Aufnahmen müssen nicht Hi Fi sein. Ich ermutige euch, nicht Arbeit, Schreiben oder Aufzeichnungsprozess zu sein und euren Instinkten zu vertrauen. Das Ziel dieses Auftrags ist es, Sie dazu zu bringen, einige neue Ideen zu schreiben und auszuprobieren und die Ergebnisse mit Ihren Klassenkameraden zu teilen , damit wir alle als Schriftsteller zusammen wachsen können. 3. Akkorde: Okay, also reden wir über Akkorde. Zuallererst, was sind Schnüre? Ein Hof ist eine Kombination von musikalischen Tönen. Eine sehr häufige Art von Gericht ist es, an einem Drei-Tonen-Akkord zu versuchen. Triaden bestehen aus einer Route, der Note, von der die Schnur 1/3 die dritte Note nach oben der Skala von der Wurzel, und 1/5 die fünfte Note nach oben die Skala von der Wurzel. Zum Beispiel hat das C-Hauptgericht seine Wurzeln. Siehe 1/3 E uh, das ist die dritte Note auf der Skala von C und 1/5 G, die die fünfte Note auf der Skala von C. Court Progressionen sind eine Folge von Akkorden in der Zeit und bieten die Grundlage für Schreiben eines Liedes oder eines Komposition, ein paar breite Pinselstrichkommentare auf Courts, oder dass große Akkorde wie der C-Dur-Akkord hell und fröhlich klingen und kleine Akkorde wie der d-Moll-Akkord düster klingt. C-Dur d-Moll. Die meisten Gerichtsprogressionen haben eine Mischung aus Court Typen in ihnen, wie Major und Moll Akkorde. Aber das ist nur die Spitze des Eisbergs. Je nach Stil Ihres Schreibens können Sie erweiterte, verminderte oder siebte Akkorde verwenden , um einige Optionen zu nennen. Um zu beginnen, über Ihr Projekt zu schreiben, werde ich Ihnen einen Gerichtsprogression zur Verfügung stellen, mit dem Sie arbeiten können, und hier ist es ein Minor bis d-Moll. Zu sehen, große t-e-moll und zurück zu den a-Moll schreiben Kernprogressionen ist ein Thema, über das ich weitergehen könnte. Wenn Sie mehr darüber erfahren möchten, wie Sie eine ursprüngliche Gerichtsprogression entwickeln können, sagte ich: Ich schaue nur meine andere Klasse an. Erstellen Sie eine Gerichtsprogression in einem wichtigen Schlüssel. Diese Klasse ist ein tiefer Einstieg in die Schaffung eines originellen Gerichtsfortschritts mit Variationen. Jetzt werde ich Ihnen ein paar Tipps geben, wie Sie Ihr Gericht etwas interessanter klingen lassen können. Eine Technik besteht darin, Arpeggios zu verwenden, wenn Sie Ihre Schnüre spielen, zum Beispiel, eine andere Möglichkeit, Variation hinzuzufügen, besteht darin, mit dem Rhythmus zu experimentieren, den sie verwenden. Beispielsweise können Sie jedes Gericht viermal pro Takt als Viertelnote spielen, oder Sie können jeden Akkord viermal pro Takt spielen, mit Viertelnoten in der linken Hand und achten Noten in der rechten Hand. Uh, das ist wirklich nützlich in einem Pre-Chor oder Chor-Sektion eines Songs, um die Illusion zu geben, dass die Musik schneller bewegt hilft Fähigkeit Energie in Ihrem Stück. Eine andere Technik, die Sie verwenden könnten, um den Klang Ihrer Schnüre zu variieren, besteht darin, Akkord-Inversionen zu verwenden wenn Sie Accord invertieren. Im Wesentlichen drehen Sie es auf den Kopf, indem Sie die untere Note oben platzieren. Als Beispiel gehen wir zurück zu unserer C-Dur-Triade. Wir haben Wurzelposition, wo das Meer am Boden für die erste Umkehrung ist. Wir haben das Meer inaktiv aufgezogen, und jetzt ist das dritte e, äh, auf der Unterseite der Schnur. Die für die zweite Umkehrung. Wir bewegen das dritte e nach oben inaktiv und jetzt die 50 G's auf der Unterseite. Das sind also drei verschiedene Positionen, um das gleiche Gericht zu spielen. Sehen Sie Major, und wie Sie hören können, ändert sich die Qualität des Gerichts, wenn Sie eine andere Position einnehmen, alle Gerichte könnten auf diese Weise umgedreht werden. zum Beispiel Gehen wirzum Beispielzurück zum Gerichtsprogression für Ihr Projekt. Eine Möglichkeit, diese Gerichte zu spielen, ist mit einer Moll- und Wurzelposition zur d-Moll und zweite Umkehrung mit dem Heu unten auf die C-Dur und der zweiten Inversion mit dem G unten nach der e-Moll und der ersten Inversion, auch mit das G an der Unterseite. Verwendung dieser Inversionen in diesem Beispiel macht das Spielen der Court-Progression in meiner linken Hand viel effizienter, aber es ändert auch die Farbe der Court-Progression. Hören wir uns die Court-Progression an, indem wir alle Gerichte in Routenposition zuerst nutzen. Und jetzt hören wir es noch einmal, mit den Umkehrungen, die ich gerade beschrieben habe. Das ist also das Ende unserer Unterrichtsstunde. Ich hoffe, das war hilfreich für dich, und ich freue mich darauf, zu hören, was du mit deinem Stück machst. 4. Melodie: Okay, als Nächstes ist unsere Lektion über Melodie. Beginnen wir mit der Definition einer Melodie. Eine Melodie ist ein Siris von Noten, die sich in der Zeit bewegen. Eine nach der anderen Melodie kann viele verschiedene Formen annehmen. Zum Beispiel kann es eine Melodie sein, wie in der Popmusik, ein Thema, das eine Melodie ist, die sich im Laufe eines Werkes entwickelt, wie zum Beispiel in der Symphonischen Musik. Ein Motiv, das aus zwei kleinsten Noten bestehen kann und zusammengefügt werden kann, um Phrasen zu einer langen, melodischen Linie oder Basislinie zu machen . Es ist hilfreich, Melodie als singenden Teil der Musik zu betrachten. Schauen wir uns einige Tipps an, um gute Melodien zu schreiben, wenn Sie eine Melodie schreiben. Es ist wichtig, sich der Schnüre bewusst zu sein, die unter sich gehen, anstatt nur die Würfel zu rollen und zu hoffen, dass Sie etwas einfallen, das gut klingt. Dies wird Ihnen einen soliden Platz geben, um zu beginnen. Eine Möglichkeit, den Ball zum Rollen zu bringen, ist die Zehe. Lassen Sie Ihre Melodie die Route oder das dritte jedes Gerichts benutzen, während sich der Verlauf des Gerichts bewegt . zum Beispiel Wenn wirzum Beispielauf dem a-Moll-Akkord sind, können Sie Ihre Melodie auf der Note starten. A Dies hilft, den Schlüssel zu etablieren, in dem Sie sind in und festigt die Gerichtsprogression. Was ich dort tat, war, als ich die Akkorde änderte, ich spielte die Wurzel der Schnur, gefolgt von der dritten des Hofes. Indem ich das tat, spielte ich auf Lee-Noten, die aus dem Band kamen, das damals spielte. Diese Noten werden als Vierteltöne bezeichnet. Jetzt können wir anfangen, etwas Geschmack hinzuzufügen, indem wir Noten und unsere Melodie verwenden, die nicht in dem Gericht wir spielen, sind. Dabei ist es hilfreich, sich der ein paar Dinge bewusst zu sein. Zuerst versuchen und halten Sie Ihre Melodie in Schritten bewegen, Zum Beispiel. Äh, was ich dort tat, war, dass ich immer noch die Route oder Drittel jedes Akkords benutzte und meine Melodie als sich die Court-Progression änderte. Aber ich bewegte die Melodie durch einige Noten, die nicht in den Kordeln waren. Diese Noten werden als nicht-Kerntöne bezeichnet. Außerdem bewegte ich meine Melodie meist in Schritten, was die Melodie in schöner Form gibt. Ein weiterer nützlicher Tipp ist die Sängerin Melodie laut, während Sie daran arbeiten. Dies wird dazu beitragen, Ihre Melodie musikalischer zu machen. Wenn Sie zum Beispiel ein Cello haben, das Ihre Melodie spielt , muss der Cellist nicht so atmen, wie es ein Holzblasspieler tut. Aber angesichts Ihrer Melodie hilft der Atem, ihm Form und Phrasierung zu geben. Ein weiterer Tipp, um Ihrer Melodie Form zu geben, ist, Wiederholungen beim ersten Mal durch Ihre Gerichtsprogression zu verwenden . Du sagst deine Melodie beim zweiten Mal, wenn du die Court-Progression durchspielst. Sie wiederholen die Melodie, aber mit einer kleinen Variation, die die Sätze wiederholt, hilft der Melodie im Kopf des Zuhörers zu bleiben , zum Beispiel, ja. - schließlich Versuchen Sie schließlich ,Ihre Melodie aktiv zu bewegen, während Ihr Song fortschreitet. , Dies ist ein einfacher Trick, aber es hilft, Abwechslung hinzuzufügen und dem Song einen Aufzug zu geben, während es sich aufbaut. sind also ein paar Tipps für den Aufbau einer Melodie auf deinem Hoffortschritt, und du kannst hören, dass eine Songstruktur bereits Gestalt annimmt. 5. Songtexte: Okay, wir einen Blick auf das Lyrik-Schreiben. Ich habe im Laufe der Jahre Texte zu mehreren Songs geschrieben und geschrieben, aber da mein musikalischer Output hauptsächlich auf Instrumentalmusik konzentriert ist, werde ich dieses Video zu einem schnellen Überblick machen. Es ist gut, sich bewusst zu sein, dass ihre verschiedenen Ansätze zum lyrischen Schreiben, zum Beispiel, und das Lied wie die Beatles, Lucy in the Sky. Die Texte sind extrem visuell und voller Metapher, während in John Lennon Solowerken zum Beispiel ein Song wie Imagine the Lyrics viel direkter und auf den Punkt kommt. Beide Ansätze sind gültig. Es liegt an Ihnen zu entscheiden, wie Sie Ihre Geschichte durch Ihre Texte erzählen möchten. auch Machen SieauchIhre Recherche. Wer sind deine Lieblingssongwriter und Lyriker? Finden Sie ihre Noten, studieren Sie sie und schauen Sie sich an, wie die Worte mit den Melodien und der Musik zusammengesetzt werden . Hören Sie, Zehe viel Musik und auch viel lesen. Einer meiner liebsten zeitgenössischen Texter ist Thom Yorke. dem, was ich verstehe, studierte er Literatur in der Hochschule und zeigt sich wirklich in Hysterie. Sogar diese Texte sehen auf dem Papier ganz einfach aus, wenn man sie mit seiner Stimme , seinen Melodien und seiner Musik zusammenstellt . Sie nehmen ein Leben im Sinne ihres eigenen. Das bringt noch einen. Nein, Sie müssen möglicherweise Ihre Texte ändern und anpassen, nachdem Sie sie laut gesungen hören. Was auf Papier funktioniert, weiß nicht, dass es einen musikalischen Kontext funktionierte. Ein weiterer Tipp ist, dass einige Autoren zuerst ihre Texte schreiben und dann eine Melodie, oder umgekehrt. Es gibt niemanden richtigen Weg, es zu nähern, wenn es um den Block des Schriftstellers geht, und das gilt, ob Sie Texte oder Musik schreiben. Ich habe aus meiner Erfahrung herausgefunden, dass der beste Weg, dies zu überwinden, darin besteht, buchstäblich durch den Block zu gehen, etwas auf Papier oder in eine Aufnahme zu legen und dann eine Pause davon zu machen, gehen, eine Tasse Kaffee zu machen das Schlimmste und manchmal das einschüchternde Ding als leere Seite. Also leg einfach etwas runter. Selbst wenn sein Bewußtseinsstrom, könntest du immer später zurückkommen und ihn verfeinern. Lassen Sie sich nicht einschüchtern. Nimm einen Riss darauf, und je mehr du es machst, desto besser wirst du es erreichen. Ich freue mich auf Ihre Songtexte 6. Orchestrieren und Arrangement: okay für unsere letzte Lektion, Schauen wir uns Orchestrierung und Arrangement. Dies ist ein weiteres massives Thema, und irgendwann kann ich eine Klasse speziell dafür widmen. Aber mein Ziel für jetzt ist es, Ihnen eine Einführung zu geben und Ihnen einige Tipps und Hinweise zu geben, damit Sie einige dieser Konzepte auf Ihre eigenen Stücke anwenden können. Orchestrierung im traditionellen Sinne ist das Schreiben oder Anpassen von Musik für ein Live-Orchester bei der Orchestrierung vorbestehender Musik. Die ursprünglichen Noten und Harmonien Luft bleiben intakt und werden überhaupt nicht verändert. Ein Arrangement als Reimaginierung eines bestehenden oder neuen Werkes. Arrangieren kann Harmonien ändern, das Tempo ändern und die Instrumentierung wählen. Orchestrierung und Arrangierung sind verwandt, aber sie sind für unsere Zwecke unterschiedlich. In dieser Klasse konzentrieren sich auf einige grundlegende Konzepte der Orchestrierung und Arrangement ob Sie mit einem Live-Orchester für Ihr Stück arbeiten werden oder nicht. Diese Konzepte können wirklich auf die meisten Schreibsituationen angewendet werden, wenn Sie es auf das Wesentliche aufschlüsseln . Die meisten Musik, besonders populäre Musik, hat zwei Hauptelemente. Eine Melodie und musikalische oder vokale Begleitung. Diese Idee sollte Ihnen helfen, Ihre Ideen zu organisieren und zu optimieren und hoffentlich das Reiten ein wenig einfacher und weniger überwältigend zu machen . In unserer letzten Lektion über Melodie hatten wir zwei Elemente. Eine Melodie mit Quarz als Begleitung. Ein weiterer Tipp im Auge zu behalten ist, Ihre Begleitung und Melodie und verschiedene Bereiche zu haben. Zum Beispiel, wenn Sie Ihre Begleitung unter dem mittleren C auf einem Klavier spielen, dann haben Sie Ihre Melodie auf einer höheren oder niedrigeren Oktave und so weiter. Und so halten Sie Ihre Begleitung aus dem Weg der Melodie und dem Beispiel, das ich dort gespielt habe. Meine Melodie war über dem mittleren C auf meiner Begleitung war unter Middle C. Eine andere Sache zu beachten ist, Ihre Melodie in einer lauteren Dynamik oder Lautstärke als Ihre Begleitung zu haben . Wenn du einen Song produzierst, könntest du dies durch Mix erreichen, aber es sollte auch bei der Aufführung und Aufzeichnung deines Songs berücksichtigt werden. Dies wird helfen, Ihre Melodie hervorzuheben und die Aufmerksamkeit des Zuhörers darauf zu lenken einen Brennpunkt zu schaffen. Ein weiteres Konzept im Auge zu behalten, vor allem beim Mischen anziehen, ist es, Ihnen für Ihre Elemente in Bezug auf Vordergrund Mittelgrund und Hintergrund zu danken. Normalerweise würde Ihre Hauptmelodie im Vordergrund stehen. Du bist rhythmische Elemente wie Gitarre und Schlagzeug in deinem Mittelweg, und alle Texturen, solche Synthesizer oder Ambient-Sounds wären wieder im Hintergrund. Wir versuchen, die Melodie in den Vordergrund zu stellen und ihr Prominenz zu verleihen. Außerdem ist es gut, Kontrapunkt in Ihrer Musik zu verwenden, und das ist ein weiteres massives Thema, das Sie buchstäblich Jahre mit dem Lernen verbringen können und kurz gesagt. Kontrapunkt ist die Beziehung zwischen musikalischen Elementen, zum Beispiel zu menschlichen Stimmen, die in Bezug auf die Akkorde und Skalen, die in der Musik geschehen, verbunden sind , aber unabhängig voneinander in Bezug auf die Noten sind treffen zu jedem bestimmten Zeitpunkt und ihre rhythmischen Werte. Das klingt vielleicht kompliziert, aber lassen Sie mich es zeigen und hoffentlich auf meinem ersten Akkord klarer machen. Meine Melodie, Meine rechte Hand ist ein wenig beschäftigt, so dass meine linke Hand, die Begleitung hält nur wieder ganze Noten auf dem nächsten Platz. Meine Melodie beginnt mit einer Art beschäftigter Phrase und hält schließlich an der Note F, wenn die melodische Statik, die linke Hand, dann bitte ein kleines absteigendes Achtel keine Typenfigur auf dem nächsten Platz wieder. Die Melodie ist in der rechten Hand etwas beschäftigt, so dass meine linke Hand eine ganze Note auf dem letzten Akkord spielt, die Melodien halten eine ganze Note. Also am Ende der Phrase spielt meine linke Hand eine kleine chromatische Gate-Note Figur, die zurück in den a-Moll-Akkord führt . Das ist eine wirklich grundlegende Intro, um Kontrapunkt, aber hoffentlich etwas, das Sie anwenden können, das mehr Klarheit und Interesse für Ihre Musik geben wird . Abschließend möchte ich die Songstruktur erwähnen. Dies ist wirklich ein Teil der Song-Schreiben und Komponieren, die einzigartig für jeden Autor und lehren Schreiben Situation ist . Aber wenn Sie brandneu in diesem Handwerk sind, möchten Sie vielleicht mit einer einfachen A b A B Struktur beginnen, ein abgeneigt sein und ein Chor sein. In diesem Beispiel hätten Sie Vers eins, gefolgt von einem Chor eins, gefolgt von Vers zwei, gefolgt von Chor . Und vielleicht wollen Sie diesen zweiten Chor zwei- oder dreimal so lang wie der erste Chor machen , so dass er auch wieder als Outro zu Ihrem Song funktioniert. Du könntest wirklich damit spielen, je nachdem, wie lange dein Song sein soll und wo du dein Stück mitnehmen willst. Zum Beispiel könnten Sie drei Verse anstelle von zwei haben oder eine Brücke nach Ihrem zweiten Chor hinzufügen. Aber wenn Sie nur Ihr erstes Crack out schreiben, möchten Sie vielleicht mit der ersten Struktur beginnen, die ich die A B A B Struktur erwähnt habe. auch, Bitte beachten Sieauch,dass es völlig in Ordnung ist, die gleiche Gerichtsprogression für die gesamte Länge eines Stückes zu verwenden . Viele Pop-Songs und Filmmusik beschuldigen diesen Ansatz verwendet. Stellen Sie einfach sicher, dass Sie das Interesse der Zuhörer durch Ihre Verwendung und Entwicklung von Melodie, Lyrics, Lyrics, Orchestrierung und Arrangement behalten. 7. Letzte Gedanken: Okay, also haben wir es den ganzen Weg durch diese Klasse über Song-Schreib-Grundlagen geschafft. Ich möchte Ihnen gratulieren, dass Sie es den ganzen Weg durchgemacht haben. Ich hoffe, dass Sie einige nützliche Tipps abgeholt haben, die Ihnen bei Ihrem Schreibprozess helfen. Und ich hoffe, du fühlst dich ein bisschen selbstbewusster, reinzuspringen und deine eigene Musik zu schreiben . Ihr Projekt für diese Klasse ist es, Ihre eigenen Songs oder Kompositionen zu schreiben. Wir sind durch alle Stufen gegangen. Ich habe Ihnen eine Akkordprogression gegeben, mit der Sie beginnen können, indem Sie Variation hinzufügen Dann fügen Sie Ihre Melodie und Songtexte hinzu, wenn Ihr Stück als Gesang darin. . Und schließlich werden Sie, ähm, Orchestrierung und Arrangier-Tipps verwenden , um Ihre musikalischen Ideen zu organisieren und Klarheit Tränenstück zu geben . Denken Sie daran, Ihre Aufnahmen auf Soundcloud, Dropbox oder YouTube hochzuladen und Ihre Links in der Projektgalerie zu posten. Am wichtigsten ist, denken Sie daran, Spaß mit diesem Prozess zu haben. Vielen Dank, dass Sie sich diese Video-Lektion angesehen haben, und ich freue mich darauf, Ihre Musik zu hören