Musik in Logic Pro X: Quickstart

1. Intro: Willkommen in meiner Klasse, Musizieren in Logic Pro ten, Quickstart. Mein Name ist David und ich bin Musikproduzent und Sounddesigner. Und seit einem Jahrzehnt lebe und arbeite ich in China. Ich mache seit mehr als 25 Jahren Musik als Gitarrist. Und ich denke immer noch, dass es nichts Schöneres gibt vor einem Live-Publikum zu spielen. Aber in den letzten Jahren habe ich auch Musik für Fernseh- und Videospiele wie This Trap produziert Fernseh- und Videospiele , die ihr jetzt hören könnt. Und einige andere mögen diese. Das Coole daran ist, dass so ziemlich jeder es tun kann und es wirklich ganz einfach ist, damit anzufangen. Deshalb habe ich diesen Kurs gemacht, um dir zu zeigen wie ich dir den Einstieg in das Musizieren in Logic Pro ten erleichtern kann. Schnell. Wir werden uns die Grundlagen der Logik ansehen. Wie man Courts bildet, wie man Akkordfolgen, Melodien, Grundlinien, Drohnen macht. Wie man die verschiedenen Elemente deiner Seele richtig mischt , wie man sie benutzt. Das sind Plug-ins wie Reverb, EQ und Kompressoren. Und wie man einen Song mastert, um einen professionellen Sound zu bekommen. Das Beste ist, dass Sie all dies tun können, ohne Erfahrung mit Logic Pro oder einer anderen Musikproduktionssoftware zu haben. Und ohne irgendwelche Musiktheorie zu kennen oder irgendwelche Musikinstrumente spielen zu können. Dieser Kurs richtet sich an alle, die anfangen möchten , Musik mit logischen Inhalten zu machen. Sei es, weil du eine Karriere als Produzent beginnen möchtest oder Beats machen möchtest, oder weil du einzigartige Musik für deine TikTok- und YouTube-Videos machen möchtest . Oder wenn Sie einfach nach einem neuen kreativen und lohnenden Hobby suchen , müssen Sie keine teure zusätzliche Ausrüstung oder Plugins von Drittanbietern oder ausgefallene Beleuchtung oder ähnliches kaufen Plugins von Drittanbietern oder . All dies können Sie einfach mit Ihrem Computer und einer Kopie von Logic Pro Tem tun. Also, wenn du bereit bist, deine eigene Musik in professioneller Qualität zu machen , sehe ich dich in meiner Klasse. 2. Arbeitsbereich: Hallo, danke, dass du an meinem Kurs teilgenommen hast. Ich weiß es wirklich zu schätzen , dass du hier bist. den ersten Lektionen konzentrieren wir uns nun auf die Grundlagen von Logic Pro 10. Denn am Anfang kann es sich ein bisschen überwältigend, ein bisschen einschüchternd anfühlen . In dieser Lektion werden wir uns also den Workspace selbst ansehen. Wir werden uns ansehen, wie man Tracks erstellt. Wir spielen ein paar verschiedene Instrumente vor. Wenn Sie also ein neues Projekt in Logic Pro ten starten, ist dies die erste Option, die zur Verfügung steht. Wählen Sie einen Track-Typ. Jetzt wird es wahrscheinlich standardmäßig auf Audio geschaltet, was sehr, wenn Sie ein externes Mikrofon verwenden oder eine Tastatur anschließen, etwa so. Wir werden die Instrumente verwenden , die mit Logik einhergehen. Also fahren Sie fort und klicken Sie auf der linken Seite auf Softwareinstrumente. Sie sich vorerst keine Gedanken über diese Einstellungen Sie können auf Erstellen klicken und schon haben Sie Ihren ersten Track erstellt. Hier können wir also den Logik-Workspace sehen. Auf der rechten Seite hast du hier deine Titelliste. Hier tauchen deine verschiedenen Instrumente, deine Tracks oder deine Songs auf. Hier drüben. Dies ist eine Zeitleiste. Hier erscheinen die Notizen, die Sie aufnehmen. Auf der linken Seite. Das ist die Bibliothek. Hier wählst du für ein Probespiel verschiedene Instrumente aus. Und dieser mittlere Teil ist der Inspektor , den wir uns etwas später ansehen werden. Hier wählen Sie Dinge wie Effekt-Plug-ins aus, um den Sound der Dinge später zu ändern. Jetzt können Sie diese beiden Regionen ein- und ausschalten, um mehr Platz zu erhalten. Dieser schließt die Bibliothek, dieser schließt den Inspektor. Diese dritte Schaltfläche ist nützlich. Dies ist die Schaltfläche für die Schnellhilfe. Wenn Sie das überall dort einschalten wo Sie den Mauszeiger zeigen, erhalten Sie in diesem Feld einige Informationen. Es wird dir also sagen, was die verschiedenen Tasten bewirken. Das ist wirklich nützlich, wenn Sie zum ersten Mal anfangen. Du hast also deinen ersten Track und deine ersten Instrumente. Du wirst hören wollen, wie es klingt, damit du es vorhören kannst. Wenn Sie nun ein Midi-Keyboard haben können Sie es durch Drücken der Tasten hören. Aber wenn Sie kein Midi-Keyboard haben, machen Sie sich keine Sorgen, Sie können Command plus k drücken und es wird das sogenannte Musical Typing aufgerufen. Nun, das ist wie ein winziges, winziges Stück Tastatur. Und Sie können sehen , dass die Tasten hier die Buchstaben Ihrer Computertastatur haben. Wenn ich also ein paar andere Computertasten drücke, kann man die Noten spielen hören. Und wenn Sie eine Oktave herunterschalten möchten, können Sie die Z-Taste verwenden. Und x wird nach oben wechseln. Die Tab-Taste wird sich wie das Sustain-Pedal auf einem Klavier verhalten . Also, wenn ich einen Akkord spiele , der nachhaltig ist, aber vielleicht ist es kein Klavier, nach dem wir suchen. Wir können in die Bibliothek gehen, wir können anfangen, uns ein paar andere Instrumente anzusehen. Sagen wir eine Basis. Vielleicht möchte ich schreiben, dass Studio Base passiert ist. Hör zu, ein bisschen zu hohe Tonhöhe hat sich wieder nach unten verschoben. Oder ein Liverpool-Bass wird zu Paul McCartney-ähnlicher Stimmung gehen. Aber du willst wahrscheinlich mehr als ein Instrument und mehr als ein Instrument haben, dann brauchst du einen anderen Track. Um einen neuen Track zu erstellen. Sie können diese Plus-Taste drücken. Hier. Sie werden sehen, dass wir wieder von Anfang an die Möglichkeit haben , einen Spurtyp auszuwählen. Ich werde wieder ein neues Softwareinstrument entwickeln. Und es wird den Standardpatch aufrufen , dieses klassische E-Piano. Und ich kann durch einfaches Anklicken zwischen den verschiedenen Instrumenten, verschiedenen Tracks wechseln . Aber es gibt noch ein anderes wirklich nützliches Instrument , das irgendwie in der Logik versteckt ist und ich weiß nicht warum. Es heißt Alchemie-Synth. Also werde ich Ihnen eine andere Art der Instrumentenauswahl zeigen und Ihnen den Alchemie-Synth zeigen. Also werde ich weitermachen und die Bibliothek schließen. Und ich werde einen neuen Track erstellen. Diesmal klicke ich anstelle des Standard-Patches auf leeren Channel-Strip und erstellt. Jetzt haben wir eine leere, eine leere Spur. Du kannst nichts hören , wenn ich die Tasten drücke. Und anstatt die Bibliothek zu benutzen, gehe ich runter zum Inspektor und klicke auf Instrumente. Und es wird dieses Menü hier aufrufen. Wenn Sie nun Instrumente von Drittanbietern haben, wenn Sie anfangen, einige Bibliotheken mit unterschiedlichen gesampelten Instrumenten zu kaufen , werden sie hier unten angezeigt. Es ist irgendwie versteckt, es ist schwer, es zuerst zu finden. Wir werden uns nur auf diejenigen konzentrieren , die mit Logik einhergehen. Also oben hier siehst du Alchemie, klicke auf Stereo. Und hier ist der Alchemie-Synth. Nun, das ist ein wirklich mächtiges kleines Gefühl , das mit Logic Pro Tem einhergeht. Und es hat eine ganze Reihe verschiedener Voreinstellungen. Sie können hier 3.299 sehen, also viele verschiedene Sounds, die vor sich gehen, und Sie wählen mit diesem Menü auf der rechten Seite zwischen ihnen . Wenn ich also nur das erste innerhalb des Instruments auswähle, gibt es verschiedene Voreinstellungen. Sie haben sich eingewählt. Wenn ich also hier unten auf eine dieser Knöpfe klicke, gehen wir zu Stottern, Gesangsmelodie. Sie haben diese verschiedenen Voreinstellungen also bereits für dich ausgewählt, aber du kannst trotzdem herumspielen. Sie können mit diesen Einstellungen herumspielen. Du kannst es nicht kaputt machen. Hat ein Experiment gemacht, sieh nach, welche Geräusche du finden könntest. Es ist ein Filter durch andere Instrumente. Sie haben diese verschiedenen Kategorienabschnitte. Wenn ich also nach einem Pad gesucht habe, klicke ich auf Pads. Ich kann nach Unterkategorie oder Genre filtern. Lass uns ein, ein Ambient-Pad nehmen. Etwas Komplexes über den Wolken, das sollten sie also nicht. Und wieder gibt es verschiedene Variationen. Versuchen wir es mit diesem reichen Blei. Also eine ganze Reihe verschiedener Geräusche , die man in der Alchemie finden kann. Und nehmen wir an, du findest einen, den du magst, aber er ist nicht der richtige für den Song, an dem du gerade arbeitest. Was Sie tun können, ist, ihm eine Bewertung zuzuweisen. Das bedeutet nun, dass du später zurückkommen und die verschiedenen Sounds, die du dir bereits angehört hast , filtern kannst . Die, die du magst oder nicht mochtest, und du kannst sie schnell wiederfinden. Oder Sie können diese Suchfunktion verwenden wenn Sie nach einem bestimmten Sound suchen. Jetzt sollten Sie sich im Logic Pro Ten-Workspace also etwas sicherer fühlen . Und du weißt, wie man Tracks erstellt, und du weißt, wie man Instrumente vorspielt. Also die drei wichtigsten Erkenntnisse aus dieser Lektion. Jetzt, wo Sie mit dem Arbeitsbereich von Logic Pro Tem besser vertraut sind, schauen Sie sich um. Es gibt alle möglichen anderen Features und Funktionen, über die wir nicht gesprochen haben. Sie könnten einige von ihnen nützlich finden. Versuchen Sie, die Schaltfläche für die Schnellhilfe zu verwenden, um mehr über die verschiedenen Funktionen in Logic Pro zu erfahren. Und versuche, einige Tracks zu erstellen, deinem Projekt zusätzliche Trachs hinzuzufügen oder einige andere Instrumente hinzuzufügen. Versuche, ein paar Sounds zu finden, die du gerne für die Erstellung eines Songs verwendest. In der nächsten Lektion werden wir uns ansehen, wie Sie das Tempo einstellen, wie Sie die Buchhaltung festlegen und wie Sie mit der Aufnahme von Instrumenten in Logic Pro ten beginnen können . Wir sehen uns dort. 3. Aufnahme: In unserer letzten Lektion hast du dich also mit dem Vorspielen verschiedener Instrumente und dem Erstellen von Tracks befasst . Inzwischen bist du wahrscheinlich bereit, Musik in Logic aufzunehmen. In dieser Lektion werden wir uns also die Taktarten ansehen, das Tempo mithilfe des Metronoms festlegen und beginnen mit der Aufnahme in Ihre Projekte. Wir werden uns auch die Zyklen ansehen, sodass du anfangen kannst, Loops mit deiner Musik in Gang zu bringen, um dir den Aufbau verschiedener Instrumentenebenen zu erleichtern . Um in Logik aufzunehmen, müssen Sie lediglich diese rote Aufnahmetaste oben oder die R-Taste auf Ihrer Computertastatur drücken, oder die R-Taste auf Ihrer Computertastatur drücken um die Aufnahme zu starten. Sie können sehen, dass der Abspielkopf tonnenweise anfängt, nach rechts zu schrubben. Und um die Aufnahme zu beenden, können Sie einfach die Leertaste oder die Stopptaste drücken , um sie abzuspielen. Du hast schon wieder die Leertaste. Wenn du jetzt einen Song schreibst, wirst du über das Tempo entscheiden wollen. So schnell oder so langsam ist es. Und Sie können das Tempo mit diesem Wert hier ändern , wenn Sie klicken und nach oben ziehen, sodass Sie es erhöhen, klicken und nach unten ziehen können . Sie können es verringern. Hier das Tempo, du musst das Metronom einschalten, und das ist mit der Metronomtaste hier erledigt. Wenn ich jetzt also auf Play drücke, kannst du dieses Tempo hören. Und ich kann es erhöhen oder verringern. Wenn Sie hier doppelklicken, können Sie einen bestimmten Wert festlegen. Jetzt wird das Projekt standardmäßig in 44 Mal fertig sein. Die meiste Musik ist heutzutage in 44. Wenn Sie jedoch etwas anderes machen möchten, z. B. einen Walzer in 34, können Sie die Taktart ändern, indem Sie hier in das Panel klicken. Und dann kannst du hier nach oben scrollen, hier sind einige Standard-Taktarten, oder du könntest eine benutzerdefinierte eingeben , wenn du dich ein bisschen anders fühlst. Jetzt, weil es nicht einfach ist, die Aufnahmetaste zu drücken und dann sofort Ihre Hände an der richtigen Stelle zu haben , um mit dem Spielen aufzuhören. Es gibt die sogenannte Zählfunktion. Wenn Sie also diese Taste hier markieren, Sie jetzt, wenn Sie auf Aufnahme drücken hören Sie jetzt, wenn Sie auf Aufnahme drücken, 1 Takt des Tempos, bevor die Aufnahme beginnt. Und das gibt dir Zeit, deine Hände an Ort und Stelle zu dich fertig zu machen und auch ein Gefühl für das Tempo zu haben, als ob jemand mitzählt , um einen Song zu beginnen. Wenn ich jetzt auf Aufnahme klicke, erhältst du standardmäßig eine Zählung von einem Takt. Wenn Sie jedoch länger möchten, können Sie mit der rechten Maustaste klicken und sich für mehr frühere Buchhaltung entscheiden. Nun, wenn du, wie ich, kein sehr selbstbewusster Keyboarder bist . Ein wirklich nützlicher Trick ist, wenn Sie dieses Tempo auf etwas Langsameres einstellen. Wenn ich das also auf 100 runtersetze, nimmst du es in einem langsamen Tempo auf. Und nachdem Sie aufgenommen haben, können Sie das Tempo erneut erhöhen. Das bedeutet, dass Sie nicht so schnell Keyboard spielen müssen , wie Sie möchten. Fertig. Also lass uns das jetzt versuchen. Versuchen wir, etwas mit einem langsameren Tempo aufzunehmen und es anschließend zu beschleunigen. Also werde ich auf Rekord klicken. Ich höre auf. Okay, also wenn wir uns das nochmal in diesem Tempo anhören, 120. Und das war viel einfacher zu spielen, weil es auf der Aufnahme nur mit 100 Schlägen pro Minute statt 120 abgespielt wurde . Jetzt, wo wir Musik aufgenommen haben, können wir sie zyklisch durchlaufen, wir können sie immer wieder in Loops wiederholen. Und dazu können wir diese Zyklustaste verwenden, oder wir können in diesen Bereich klicken, oder Sie können die C-Taste auf Ihrer Tastatur verwenden. Was Sie also sehen können, ist, dass dieser Bereich beleuchtet ist. Und das bedeutet, dass dieser Teil immer wieder wechseln wird. Und wir können das ändern oder wir können die Region ausdehnen. Ich mache es 8 bar. Wenn wir jetzt auf Play drücken, wird es einfach wiederholt über diesen 8-Balken abgespielt. Wir könnten oben weitere Instrumente hinzufügen. Also werde ich den gleichen Sinn hinzufügen, aber vielleicht mit einem anderen Preset. Vielleicht so hell. Und das ist ein Rekord. Drücken Sie einfach die Aufnahmetaste. Jetzt wirst du feststellen, dass es noch nicht ganz rechtzeitig ist. Ich hatte das Metronom nicht an. Ich habe die Taste nicht im richtigen Moment gedrückt. Also können wir das korrigieren. Wir müssen es nicht noch einmal aufnehmen. Wir können es mit dem Editor korrigieren. Sie können darauf zugreifen, indem Sie entweder auf diesen Clip doppelklicken oder hier auf diesen kleinen Button klicken. Jetzt können wir die Noten sehen, die ich gespielt habe. Und Sie können die Zeitleiste sehen. Sie können die Balken auf der Oberseite sehen. Wenn ich das ändern wollte, kann ich sie buchstäblich einfach in die richtige Position bringen. Wenn ich die falschen Noten getroffen hätte. Es bewegt sich wieder an den richtigen Ort. Etwas anderes, was Sie tun können wenn Sie es rechtzeitig schaffen möchten, ist, diese Notizen zu markieren. Sie können den Quantisierungsbutton hier verwenden. Das wird nun bewirken, dass die Note an die nächsten Beats oder Fragmente eines Beats gebunden wird . In diesem Fall ist es also eine Sechzehntelnote. Wenn ich jetzt Q drücke, kannst du sehen, dass sie alle ein bisschen angestoßen sind, also im Takt. Sei jetzt vorsichtig mit der Quantisierung denn wenn du es zu oft machst, wenn alles zu perfekt auf den Beats ist, klingt es nicht wirklich natürlich. Es klingt nicht nach einem echten Menschen. Es ist also nützlich, um die Dinge dem Takt näher zu bringen. Und um das zu tun, können Sie die Stärke der Quantisierung reduzieren . Auf diese Weise wurde das Timing Ihrer Notizen bei 100% festgelegt , aber es wird sie korrigieren. Nehmen wir an, wenn wir etwa 50 Prozent erreichen und dann wird es genauer sein, aber es wird nicht zu roboterhaft sein. Hören wir uns das noch einmal an und hoffentlich wird das jetzt mehr Zeit haben. Ich glaube immer noch nicht, dass es ganz richtig ist. Also, was ich tun werde, ist , das zu ändern. Lass es uns noch einmal versuchen. Eine weitere wirklich nützliche Funktion von Logic Pro Tem, die ich mit Ihnen teilen möchte , ist die Aufnahmeaufzeichnungsfunktion. Jetzt ist es irgendwie versteckt in der Speisekarte. Wenn Sie jedoch nach oben gehen und mit der rechten Maustaste auf diese Menüleiste klicken und Anpassen wählen. Hier hast du Capture-Recording. Und wenn Sie das überprüfen, werden Sie feststellen, dass Sie neben der ersten eine zweite Aufnahmetaste haben. Und das heißt, sagen wir mal, du hast etwas auf dem Keyboard gespielt, dir hat gefallen, wie es klang, aber dann dachtest du, ich habe es verpasst. Ich habe nicht aufgenommen , dieser Button wird sich an die Dinge erinnern , die du gerade gespielt hast. Wenn ich also ein weiteres Instrument hinzufüge, um das zu demonstrieren, lassen Sie uns einfach einen Lead- und einen 70er-Synth nehmen. Und nehmen wir an, ich spiele an den Schlüsseln herum. Und vielleicht mag ich den Klang davon. Ich drücke diesen Knopf und du kannst sehen, was ich gerade gespielt habe. Lass mich diese Trucks stummschalten. Diese werden verfügbar, dann kannst du sie bearbeiten, du kannst sie verschieben, du kannst sie in deinen Sound einfügen, wirklich leistungsstarkes Feature. Jetzt wissen Sie also, wie man in Logic Pro Ten aufnimmt. Und Sie kennen sich besser mit dem Metronom aus, das das Tempo mithilfe der Taktartfunktionen vorgibt. Was ich Ihnen empfehlen würde, ist, die Aufnahmefunktionen zu verwenden , und Logic Pro bekommt ein wenig Übung. Stellen Sie das Metronom ein, stellen Sie die Taktart ein, verwenden Sie die Zählung, wenn Sie live spielen möchten , und gewöhnen Sie sich daran, die Zyklusregion zu verwenden , damit Sie ein Musikstück haben können spielt wiederholt in einer Schleife, sodass Sie beginnen können, zusätzliche Ebenen hinzuzufügen. Jetzt bist du also so gut wie bereit, deinen eigenen Song zu machen. Aber du sitzt vielleicht da und denkst, nun, das ist toll, David, aber ich bin kein Musiker. Ich habe keine Musiktheorie. Ich weiß nicht, wie man solche Gerichte macht. In der nächsten Lektion werde ich Ihnen eine wirklich einfache Möglichkeit zeigen Akkorde in Logik einzugeben , die Sie nicht sein müssen, Sie müssen kein Musikexperte sein. Du musst kein Musiker sein oder Keyboard spielen. Sonst noch etwas? 4. Akkorde: In dieser Lektion werde ich Ihnen eine andere Methode zeigen, wie Sie Noten in Logik umsetzen können, ohne auf einer Tastatur zu spielen, sei es auf einer physischen Tastatur oder auf Ihrem Computer. Ich werde dir etwas namens Poured Codes zeigen, dem du Akkorde aufbauen kannst, ohne irgendwelche Musiktheorie zu kennen. Und dann werde ich dir zeigen, wie du diese Akkorde ein bisschen natürlicher, ein bisschen menschlicher klingen lassen kannst diese Akkorde ein bisschen natürlicher, ein bisschen menschlicher klingen , als ob sie wirklich von einem Musiker gespielt worden wären. Lassen Sie uns also gleich loslegen und anfangen, einige Notizen einzugeben. Du siehst, ich habe etwas Cello aus der Bibliothek geladen. Ich werde nur die Bibliothek verstecken und ich werde den Inspektor verstecken. Wir haben also ein bisschen mehr Platz. Und dann klicke ich in der Timeline mit der rechten Maustaste und wähle Midi-Region erstellen. Und das gibt uns ein Leerzeichen, um mit der Eingabe einiger Notizen zu beginnen , die nur ein Byte lang Ich klicke darauf und ziehe sie heraus. Jetzt haben wir also 4 Bar. Und dann klicke ich auf den Editor, um diesen Abschnitt mit dem Namen Piano Roll aufzurufen unten diesen Abschnitt mit dem Namen Piano Roll aufzurufen. Ich werde die Größe ändern, damit wir sehen können, was vor sich geht . Dann die Linke. Sie können die Klaviertasten sehen und die Note C ist bei jeder Oktave markiert. Wenn Sie auf diese Noten klicken, können Sie sie abspielen hören. Um der Timeline eine Notiz hinzuzufügen. Ich werde die Befehlstaste drücken und gedrückt halten und dann klicken. Sie können also hier sehen, dass eine Notiz erstellt wurde. Ich werde das einfach abkürzen. Sie werden also feststellen, dass wir hier zwei kleine Tooltipps haben. Jetzt zeigt die auf der linken Seite, was Ihr Linksklick mit der Maus bewirken wird. Die auf der rechten Seite zeigt, was passieren wird , wenn Sie die Befehlstaste gedrückt halten und dann klicken. In diesem Fall verwende ich also das Bleistiftwerkzeug, das mich dazu bringt, die Notizen einzuzeichnen. Hier, wenn ich noch ein paar Notizen hinzufüge. Und links von hier kannst du die Geschwindigkeit sehen. Die Geschwindigkeit gibt an, wie hart oder wie leise die Note gespielt wird. Wenn ich auf die erste Note klicke, kann ich das ändern und die Geschwindigkeit erhöhen? Sie können sehen, wie sich die Farben ändern, um uns zu zeigen, dass eine höhere Geschwindigkeit jetzt schwieriger wird. Bei diesem werde ich die Geschwindigkeit reduzieren. Jetzt kannst du den Unterschied hören. Versuchen wir also, einen Akkord hinzuzufügen. Ein Akkord ist nur eine Gruppe von Noten zusammen. Wir beginnen mit einem C-Dur-Akkord. Unser Stammknoten wird also C sein . Also werde ich weitermachen und hier klicken. Und jetzt haben wir das C, das sind die Wurzelknoten. Wenn Sie sich nun die von mir bereitgestellten Kabelcodes ansehen, werden Sie feststellen, dass ein Dur-Akkord den Code 047 hat. In diesem Fall sind also unsere Wurzelknoten C Null. Und jetzt werden wir von hier aus die Warteschlangen zählen. Das ist also Null, hier ist 123,4. Also werde ich hier eine Notiz erstellen. Und dann füge ich eins um sieben hinzu. Das ist also 4567. Und hier haben wir die Noten, den Akkord von C-Dur. Lassen Sie uns diesen Code also etwas länger machen. Ich werde diese Notizen einfach herausziehen. Versuchen wir nun , das in einen Moll-Akkord umzuwandeln. Und wir können anhand der Codecodes erkennen, dass ein Moll-Akkord Null ist, drei Siebtel. Also könnte ich diese Notiz hier einfach ändern . Wir haben die Null. Das ist 4,7, weil das wichtig ist. Ändern Sie es in Minor, indem Sie es auf drei ändern. Also jetzt wird das ein c-Moll-Akkord sein. Mit diesen Codecodes können Sie also nahezu jeden Code einprogrammieren , den Sie für eine Akkordfolge in Logic Pro benötigen . Lassen Sie uns also eine wirklich einfache und gemeinsame Vier-Akkordfolge zusammenstellen , die in C-Dur, a-Moll, F-Dur, G-Dur geht . Das erste, was ich tun werde, ist diesen c-Moll-Akkord wieder in einen Dur umzuwandeln. Also statt 037 nehmen wir 047. Also werde ich das jetzt einfach klicken und ziehen. Jetzt brauchen wir hier einen, einen Moll-Akkord. Also werde ich das Peeling hierher bringen. Um also herauszufinden, dass A für unsere Nullposition notiert, zähle ich von C. Wenn wir also nur die weißen Tasten zählen, haben wir C, D, E, F, G, Also ich weiß, dass das ein ist. Und ich gehe um eine Notiz hinzuzufügen, die Null ist. Es ist minderjährig. Also 037, wir haben 01234567. Und ich kann überprüfen, ob es sich um einen Minderjährigen handelt, indem , ziehe und markiere und dann hier auf der linken Seite nachschaue, ich klicke, ziehe und markiere und dann hier auf der linken Seite nachschaue, um zu erfahren, was das Gericht ist. Jetzt habe ich C-Dur, A-Moll. Ich füge ein F-Dur hinzu. Scrollen wir hinüber, damit wir sehen können, dass der Schlüssel einfacher ist. Wir haben also C, D, E, F. Also hier ist die Null. 1234567. Und dann wird g von da oben einfach OneNote sein. Wenn das also F ist, ist die nächste weiße Note g01 234567. Wir können überprüfen, dass das ein G-Dur ist. Wenn wir uns diese Sequenz angehört haben , denken Sie daran, dass ich Ihnen bei den Code-Codes nur den Grundakkord gebe. Sie geben dir drei oder vier Notizen. Nun, in einem Akkord, so wie ein Musiker ihn spielen mag, könnten sie einige dieser Noten verdoppeln. Also zum Beispiel dieses erste C-Dur, vielleicht haben wir ein weiteres C hier oben. Wir hätten also vier Notizen drin. können also jederzeit zusätzliche Noten hinzufügen, solange sie sich innerhalb des Kabels befinden oder diese Noten neu positionieren. Vielleicht möchtest du diese Notiz von diesem G nach unten verschieben Sie könnte stattdessen hier stehen. Und das würde uns einen etwas anderen Sound geben. also gerne auf diese Weise mit den Akkorden herumspielen , sodass Sie unterschiedliche Stimmen erhalten. Nun, an dieser Codesequenz ist nichts auszusetzen, aber sie klingt im Moment nicht besonders natürlich. Und das liegt daran, dass alle Noten dieselbe Länge und alle Noten dieselbe Geschwindigkeit haben. Also werde ich ein paar Änderungen vornehmen. Das erste, was ich tun werde, ist, zu sehen, wie diese C-Note im zweiten und dritten Takt wiederholt wird. Also werde ich die löschen. Und dann werden wir diesen FirstNode ausdehnen. Es dauert länger. Jetzt wähle ich als Nächstes alle Noten aus oder drücke Command und a. Und dann gehe ich zu den Funktionen. Ich gehe zu Middy Transform und runter, um zu humanisieren. Dadurch wird dieses Menü hier angezeigt. In diesem Menü werden nun einige verschiedene Funktionen zufällig ausgewählt. Zuallererst wird also die Position jedes Knotens zufällig bestimmt, also die Geschwindigkeit jeder Note, ob hart oder wie weich sie ist. Und es wird die Länge zufällig bestimmen. Jetzt habe ich es so eingestellt, dass sie nur um einen kleinen Betrag zufällig ausgewählt werden. Sie können mit diesen Einstellungen herumspielen , um sie mehr oder weniger drastisch zu gestalten. Aber wir haben alle Notizen ausgewählt. Wenn ich also auf „Nur bedienen“ klicke, wirst du feststellen, dass alle Noten ihre Geschwindigkeit und ihre Dauer und Position leicht verändert haben . Wenn wir diese Progression jetzt spielen, wird sie menschlicher klingen. Jetzt kennen Sie also eine andere Möglichkeit, Musik in Logic Pro zu integrieren, ohne dass Sie ein Musikinstrument verwenden müssen. Und Sie wissen, wie Sie die Noten manipulieren in denen Sie entweder gespielt oder programmiert haben. Nun die wichtigsten Dinge, die Sie aus dieser Lektion mitnehmen können, wie man Notizen in Logik eingibt. Wie man Akkordcodes benutzt, um diese Noten zu Akkorden zusammenzubauen. Und dann, wie man diese Noten und Akkorde manipuliert , damit sie natürlicher klingen. In der nächsten Lektion werden wir uns einige gängige Akkordfolgen ansehen . Wie du einen Akkord in den nächsten, in den nächsten fließen lassen und es wie ein gutes Musikstück klingen lassen kannst. 5. Akkordfolgen: Also, als wir uns das letzte Mal Akkordcodes angesehen haben, wie man Akkorde zusammensetzen kann , indem man einfach eine Folge von Zahlen hochzählt. In dieser Lektion werden wir uns die Akkordfolgen ansehen. Wir werden ein wenig in die Musiktheorie eintauchen. Mach dir keine Sorgen, lass dich nicht einschüchtern. Es wird alles sehr einfach präsentiert. Sie können das Handzettel verwenden, das ich zur Akkordfolge bereitgestellt habe . Und wir werden uns ansehen, wie man etwas wirklich Musikalisches macht. Ein Musikstück hat also normalerweise mehr als einen Akkord. Und Akkorde können in Familien zusammengefasst werden , die als Schlüssel bezeichnet werden. In dem Beispiel aus unserer letzten Lektion mit den Codecodes haben wir also unserer letzten Lektion mit den Codecodes mit einem Akkord in C-Dur begonnen. C-Dur ist der erste Akkord in der Tonart C-Dur. Und es gibt sechs weitere Akkorde in dieser Tonart, die wir verwenden können, und wir können sie in verschiedenen Reihenfolge zusammenfügen , um eine Progression zu erzielen. Nun, am Ende dieser Lektion, ohne Anführungszeichen, haben wir tatsächlich Fortschritte gemacht. Wir hatten einen C-Dur-Akkord, gefolgt von einem a-Moll-Akkord, gefolgt von F-Dur, gefolgt von G-Dur. Eine andere Art, das zu sagen , ist, dass wir den einen Akkord hatten , gefolgt von den Sechs-Akkorden, gefolgt von den Vier-Akkorden, gefolgt von den Fünf-Akkorden. Jetzt könntest du dieselbe Progression in einer anderen Tonart verwenden . Und das einzige , was sich ändern würde, wären die Akkorde , die du benutzt hast. Dieselbe Progression in der Tonart D-Dur. Unser erster Code wird d sein . Ein zweiter Akkord wäre h-Moll, oder ein dritter Akkord wäre G-Dur. Und unser vierter Akkord wäre ein Dur. Und es hätte den gleichen Klang, aber es wäre in einer anderen Tonart. Eine Sache, die Sie beachten sollten, ist , dass, obwohl Sie in einer Dur-Tonart sind, immer noch einige Moll-Akkorde enthalten. Und das gilt für Moll-Tonarten , bei denen Moll-Tonarten eine Dur-Quadsim haben werden. Und es ist die Beziehung zwischen diesen verschiedenen Arten von Klängen, die jeder Taste ihren eigenen Geschmack verleihen. Eine andere Sache, die Sie vielleicht bemerken , ist , dass, wenn wir den einen Akkord, den Zweiakkord usw. nennen , diese mit einer römischen Ziffer geschrieben werden. Wenn es also ein Dur-Akkord ist, wird es eine großgeschriebene römische Ziffer sein. Und wenn es ein Moll-Akkord ist, wird es in Kleinbuchstaben geschrieben. Es gibt auch diesen eigenartigen am Ende des siebten Akkords hier , der verkleinert ist. Sie müssen sich keine Gedanken darüber machen, was vermindert bedeutet. Es geht immer weiter in die Musiktheorie. Aber sei dir nur bewusst, dass du diesen kleinen Kreis über den Sechs sehen wirst . Eine weitere Sache , die Sie beachten sollten, ist, dass jede Durtonart mit einer Molltonart verwandt ist und umgekehrt. Wenn wir uns also diese Dur-Tonart hier von C ansehen und wir uns diese Akkorde ansehen. Und wenn wir uns nun die Molltonarten ansehen, werden Sie feststellen, dass die erste Tonart in dieser Liste eine Molltonart ist. Nun, das ist das relative Moll von C-Dur. Und Sie werden feststellen, dass diese sieben Akkorde tatsächlich dieselben Akkorde sind. Wir haben a-Moll, B-Moll, C-Dur, D-Moll. Schauen wir uns C noch einmal an. Wir haben die gleichen Akkorde. Es ist nur so, dass sie in einer anderen Reihenfolge erscheinen. Etwas, das Sie in diesen Charts, die ich zusammengestellt habe, bemerkt haben diesen Charts, die ich zusammengestellt habe , ist, dass einige der Akkorde in dieser pinkfarbenen lila Farbe hervorgehoben sind . Jetzt sind die hervorgehobenen Akkorde nur die Hauptakkorde der Tonart. Das sind also die wichtigsten Akkorde. Sie sind diejenigen , bei denen Sie wahrscheinlich beginnen oder enden möchten. Sie sind diejenigen , die innerhalb der Tonart den größten Effekt haben . In der Dur-Tonart können Sie also sehen, dass es die 14,5 Akkorde sind, Molltonarten. Es sind die drei, die sechs und die sieben Akkorde. Es ist auch durchaus üblich, dass eine Tonart, eine Progression in einer bestimmten Tonart , im ersten Viertel beginnt dem ersten Akkord endet. Und es gibt verschiedene emotionale Effekte von einem Vierakkord zu einem Akkord oder von fünf Akkorden zu einem Akkord übergeht . Also, wie benutzt man diese Tabellen? Nun, als Erstes müssen Sie sich für eine Dur- oder eine Molltonart entscheiden. Nehmen wir an, ich möchte eine Molltonart. Jetzt wähle ich meinen Grundakkord, meinen einen Akkord. Also nur der Einfachheit halber, ich sage minderjährig. Ein Minor ist mein Schlüssel. Jetzt werde ich mir die verschiedenen Progressionen ansehen . Wählen wir also eine kleine Progression , die mit einem Akkord beginnt. Und wir haben einen hier unten. Wir haben, äh, 154,1. Wenn ich das also zurück an meinen Tisch nehme, kann ich sagen, dass ich einen 1a5a4 und einen Eins habe. Also würde ich wieder A-Moll, E-Moll, D-Moll, wieder A-Moll sagen . Nun, das sind sie nicht, alle Akkordfolgen haben gekostet, es gibt Tonnen mehr. Oder du musst nach gängigen Akkordfolgen suchen . Und du wirst jede Menge Ergebnisse mit unterschiedlichen Akkordfolgen für berühmte Songs erhalten. Es gibt auch ein ziemlich lustiges Video von einer Gruppe namens Axis of Awesome. Sie haben auf YouTube ein Video über eine Progression mit vier Akkorden oder ein Lied mit vier Akkorden. Und im Grunde ist es eine musikalische Darbietung, bei der sie alle Arten von Songs spielen , mit denselben vier Akkorden, derselben Vier-Akkord-Progression, weil diese gesamten Popmusik so häufig vorkommen. Eine weitere Sache, die Sie nützlich finden könnten, um Ihre eigenen Akkordfolgen zu erstellen , ist diese Tabelle, die Tabelle der üblichen Routenverläufe. Nun, dies ist eine Analyse der Musik und der Frage , wohin Akkorde gehen, nachdem sie mit einem bestimmten Akkord begonnen haben. Wir haben also einen Startcode in dieser ersten Spalte. Es gibt also sieben verschiedene Akkorde in einer Tonart, mit der man beginnen könnte. Und dann sind hier die verschiedenen Wahrscheinlichkeiten dafür, welcher Akkord bei der Analyse der meisten Musikstücke als nächstes kommen könnte. Wenn Sie also mit einem Akkord beginnen , folgt normalerweise der Vier-Akkord oder der Fünf-Akkord. Aber manchmal folgen darauf die Sechs-Akkorde. Und sehr selten folgt darauf der zweite oder dritte Akkord. Sie können dies also verwenden , um Ihre eigenen Akkordfolgen zu erstellen , je nachdem, wie zugänglich wie häufig Ihre Progression klingen soll. Möchtest du, dass es sehr poppig klingt, etwas, das sich die Leute anhören können und die Entwicklung erkennen? Oder möchtest du etwas machen, das ein bisschen links ist, ein bisschen komisch. Sie können diese Tabelle verwenden, um zu sehen, welche Akkorde einem bestimmten Akkord am wahrscheinlichsten oder am wenigsten folgen. Jetzt weiß ich, dass das eine Menge Informationen sind, die man auf einmal aufnehmen muss. Was ich betonen möchte ist Sie sich all das nicht merken müssen. Du musst nicht alles wissen. Es ist nur als Bezugspunkt für dich da, wenn du versuchst, einige Akkordfolgen zusammenzustellen . Jetzt bin ich sowohl Gitarrist als auch Musikproduzent. Meine Musiktheorie ist, wie viele Gitarristen, wahrscheinlich meine Schwachstelle. Und das ist in Ordnung. Denn solange man weiß, wie man ein paar Courts zusammenstellt , die gut zusammen klingen, kann man etwas Musikalisches machen. Was können Sie also mit diesen Informationen machen? Nun, wie ich schon sagte, du musst nicht alles auswendig lernen. Probiere einfach ein paar andere Progressionen aus. Holen Sie sich ein Gefühl für die, die Sie mögen. Vergiss die, die du nicht magst. Experimentiere einfach, indem du verschiedene Akkordfolgen zusammensetzt . Du könntest versuchen, eine Progression nach der anderen zu platzieren , sodass du etwas entwickeln kannst , das etwas abwechslungsreicher ist. Du willst nicht in einem endlosen Zyklus derselben vier Akkorde stecken bleiben . Und du kannst mit deinen eigenen Fortschritten experimentieren. Verwenden Sie die Tabelle der Wurzelverläufe als Leitfaden. Wähle einen Akkord, wähle eine Tonart und fange an, einige Codes der Reihe nach zusammenzusetzen. Als nächstes schauen wir uns Melodien an. Und ich werde dir ein paar kleine Hacks zeigen , mit denen du es einfacher machen kannst , eine Melodie über die Akkordfolge zu schreiben . 6. Melodien: Fangen wir mit einem kleinen Experiment an. Ich möchte, dass du an ein berühmtes Musikstück denkst. Ich möchte nur, dass du an ein berühmtes Musikstück denkst und es für einen Moment im Kopf behältst. Nun, ich wette, dass das, woran Sie denken, die Melodie dieses Musikstücks ist, der Haken oder die Hauptgesangslinie oder die Hauptinstrumentlinie. Und das liegt daran, dass Melodien normalerweise der wichtigste Teil eines Songs sind . In dieser Lektion zeige ich dir eine wirklich einfache Methode, eine Melodie zu deiner Akkordfolge zu erstellen und sicherzustellen, dass sie in derselben Tonart ist, in der du die richtigen Noten spielst. Ich schreibe ein kleines Musikstück für ein RPG-Spiel. Und ich habe eine Akkordfolge zusammengestellt. Es ist in h-Moll. Und ich habe eine Progression zusammengestellt, die 1765 reicht. Wenn ich das auf eine Schleife stelle, können wir es uns anhören. Du siehst also, dass ich das schon vermenschlicht habe. Ich habe gezeichnet, ich habe das nicht mitgespielt. Ich habe das mit den Notizen eingezeichnet. Und ich habe die Länge der Noten geändert, ich habe die Geschwindigkeit geändert einige davon über die Akkorde hinweg abstrahiert. Es klingt natürlicher. Und ich habe auch ein Instrument für die, für die Melodie ausgewählt . Ich habe mich dafür entschieden , weil es so klingt. Viel Echo da, viel Delay, viel Hall, weil ich etwas wollte , das ein bisschen rätselhaft klingt. Nun zur Melodie, ich möchte, dass sie länger als 4 Takte ist. Ich mache eine achttaktige Melodie. Das Erste, was ich tun werde, ist, diese Akkordfolge so zu wiederholen, dass sie zweimal abgespielt wird . Wenn ich also hier mit der Maus fahre, kannst du sehen, wenn wir dieses kleine Looping-Icon haben, ich kann klicken und ziehen, das ist raus. Da haben wir's. Wir haben eine komplette Schleife. Wir haben zwei Schleifen. Die Progression zweimal 8 bar. Und als Nächstes möchte ich versuchen, eine Melodie zu schreiben. Aber ich werde nicht die Tasten spielen. Ich werde diese Melodie nicht spielen. Ich werde die Melodie mit dem Bleistiftwerkzeug einzeichnen. Und meine Musiktheorie ist nicht sehr gut. Das kann also ein bisschen herausfordernd sein. Deshalb werde ich mit Ihnen einen Hack teilen, der Ihnen hilft zu wissen, welche Notizen Sie verwenden können und welche nicht. Das Erste, was ich hier tun werde, ist diesen Track zu duplizieren. Ich werde das duplizieren, da ich das tun muss Ich drücke Befehl D, oder ich könnte auf diese Schaltfläche zum Duplizieren klicken. Und du wirst sehen, dass ich diesen Synth dupliziert habe. Was ich mache, ist mit der rechten Maustaste zu klicken und ich werde eine Midi-Region erstellen. Jetzt kannst du sehen, dass ich einen Balken ohne Noten habe. Hier drin. Ich wähle den Tonbereich aus, den ich für meine Melodie verwenden werde. Nehmen wir an, ab etwa C3 aufwärts werde ich diesen Titel auch einfach stummschalten. In einer Minute wirst du sehen, warum. Also werde ich eine Notiz eintragen. Ich werde jeden Knoten im Notenbereich, den ich für meine Melodie spielen möchte, mit Bleistift einzeichnen. Okay, wenn ich es tun würde. Nun, du siehst den Grund, warum ich das stummgeschaltet habe, damit du dir nicht all diese Notizen anhören musstest. Also drücke ich jetzt Command a, um sie alle auszuwählen. Und ich habe all diese Knoten hervorgehoben. Das ist jetzt nutzlos. Das wird furchtbar klingen. Was ich tun werde, ist diese Skalenquantisierung zu verwenden , weil ich den Schlüssel kenne, weil ich ihn ausgewählt habe. Ich entschied mich für eine Progression in h-Moll. Auf dieser Skala quantisiere ich also B. hier unten. Ich wähle natürliches Nebenfach. Und Sie können sehen, was es getan hat, ist, dass die Noten geändert wurden, sodass er alle Noten losgeworden ist, die nicht in diese Tonleiter, in diese Tonart gehören. Jetzt habe ich die Noten der natürlichen B-Moll-Skala und sie sind alle da. Aber das nützt nicht viel , denn das wird einfach jeder Knoten sein. Es wird furchtbar klingen. Also, was ich tun werde, ist, diesen Mittelteil herauszuziehen. Ich werde es wiederholen. Ich werde es so schleifen , dass es 8 bar lang ist, sodass wir vier Loops haben. Wir haben fünf und wir ignorieren den ersten. Wir haben vier Wiederholungen. Wir gehen, wir haben acht Wiederholungen. Also, dieser Top-Track mit dem Cello ist, ich werde das einfach weitermachen. Also werden wir diesen ersten Balken ignorieren. Wir beginnen mit dem zweiten Balken. Also wähle ich jetzt den Titel aus, auf dem meine Melodie erscheinen soll. Und ich klicke mit der rechten Maustaste, um eine Midi-Region zu erstellen. Und ich werde das so ausdehnen , dass es 8 bar lang ist. Er bemerkte den Cursor hier. Dies dient zum Ändern der Länge der Midi-Region. Wenn du es oben anlegst, ist das für Looping. Okay, jetzt bin ich bereit, ein paar Notizen darin zu schreiben. Aber ich möchte diese Notizen sehen, die ich unten gemacht habe. Ich werde die Umschalttaste gedrückt halten und auch auf diese Region klicken. Wenn ich jetzt nach oben scrolle, wirst du sehen, dass ich es sehen kann. Die Geisternotizen des Chats, den ich zuvor erstellt habe , zeigen mir alle Notizen , die in dieser Skala verfügbar sind. Das wird also wie ein Leitfaden dienen. Wenn ich auf diese klicke, passiert nichts, sie werden einfach im Hintergrund angezeigt. Aber ich kann Notizen hinzufügen und darüber hinaus, und ich kann es als Leitfaden verwenden , wo ich Notizen platzieren kann. Also werde ich das jetzt als Leitfaden verwenden und versuchen, eine Melodie zu schreiben. Ich werde diesen Abschnitt beschleunigen, da Sie normalerweise ein wenig Zeit damit verbringen würden , Notizen einzufügen und anzupassen, wie lange sie die Dinge ändern. Also werde ich das beschleunigen, damit du nicht herumsitzen und auf mich warten musst. Also hören wir uns an, was wir haben. Okay, das ist also eine ordentliche Statistik. Und jetzt kann ich diese Ghost Notes loswerden , die da im Hintergrund waren. Ich lösche einfach diese Region, lösche diesen Track. Ich werde beide hervorheben und sie zurück zum ersten Balken verschieben. Sie werden also sehen, dass Ghost Notes eine wirklich nützliche Methode sind schnell eine Melodie in der richtigen Tonart zu schreiben, indem Sie die richtige Skala verwenden, die zu Ihrer Akkordfolge passt, aber ohne dass verstehe die Theorie dahinter, wirklich, wirklich nützlicher kleiner Hack. Nun, was das Schreiben einer Melodie angeht, wären ein paar Tipps, es ist immer gut, große Sprünge in der Melodie zu haben. Also habe ich mit diesem großen Sprung von der ersten Note zu den zweiten Knoten begonnen . Und dann kommt es wieder runter. Und das bildet nur den h-Moll-Akkord. Aber dieser große, große Sprung in der Melodie macht Melodien immer ansprechender. Ein weiteres gemeinsames Merkmal guter Melodien ist ein Anruf- und Antwortmuster. Wenn du dir diese Melodie aufmerksam anhörst ist es tatsächlich dasselbe, das zweimal wiederholt wird. Dieselbe Phrase oder Idee wiederholte sich also zweimal, aber die letzten beiden Töne, das zweite Mal, waren etwas anders. Das ist also kalt, Anruf und Antwort werden als Antwort bezeichnet. Es ist auch eine gute Idee, einige Leerzeichen in deiner Melodie zu lassen . Du willst nicht bei jedem Beat eine Notiz haben. Du willst nicht einfach überall Notizen werfen. Lassen Sie Leerzeichen, lassen Sie Lücken zwischen Ihren Notizen. Habe einige andere Notizen länger als andere, manchmal auch lange Haftnotizen. anderen Fällen spielen die Noten sehr kurz und schnell bei dieser Art von Abwechslung zu Ihren Melodien, und das macht sie so viel interessanter. Du siehst also, dass die Verwendung von Ghost Notes eine sehr effektive Methode ist, schnell und einfach eine Melodie zu schnell und einfach deiner Kernentwicklung zu komponieren. Nun gibt es ein paar Dinge, die ich empfehlen kann, um eine gelungene, einprägsame Melodie zu schreiben. Versuchen Sie es mit der Anruf- und Antwortstruktur. Wenn Sie also 8 Takte Melodie haben, lassen Sie dieselbe viertaktige Melodie zweimal wiederholen, aber beim zweiten Mal ändern Sie vielleicht das Ende oder variieren Sie das Bit in der Mitte. Versuche, es wie ein Gespräch zwischen zwei Personen zu machen. Deshalb heißt es Call and Response. Vergiss nicht, Sprünge zwischen den Noten in deine Melodie einzubeziehen . Wenn du die Skala als Grundlage verwendest, als Grundlage für deine Melodie, möchtest du nicht, dass sie wie jemand klingt, der einfach auf der Skala rauf und runter rennt, möchtest du nicht, dass sie wie jemand klingt, der einfach auf der Skala rauf und runter rennt, sie wird musikalischer, melodischer. Wenn Sie große Sprünge zwischen den Noten haben, die Sie wählen. Denken Sie daran, zwischen den Notizen Abstand zu lassen. Du brauchst nicht zu jedem Beat oder jedem halben Beat eine Notiz . Beinhaltet Leerzeichen, habe einige Notizen, die länger sind als die anderen. Manche Noten kommen schneller, manche Noten, die bei dieser Art von Abwechslung langsamer kommen. Und es wird dazu beitragen, dass Ihre Melodien interessanter und damit einprägsamer werden . Jetzt hast du also eine Akkordfolge und eine dazu passende Melodie. Das nächste Puzzleteil, das wir hinzufügen werden , ist eine Grundlinie, und das werden wir in der nächsten Lektion tun. Wir sehen uns dort. 7. Basslinien: Grundlinien variieren je nach Art der Musik, die Sie schreiben. Manche Arten von Musik haben die Grundlinie, fast wie eine Melodie für sich. Und in dieser Lektion wirst du Katzen befreien. In dieser Lektion werde ich dir eine wirklich schnelle und effektive Methode zeigen , wie du anhand deiner Akkordfolgen die Grundlinie festlegen kannst. Ben, er wird sich uns anschließen. Sobald Sie eine Akkordfolge eingerichtet haben, ist es wirklich einfach, schnell eine einfache Grundlinie hinzuzufügen. Es ist dein Lied. Das erste, was Sie tun möchten, ist einen neuen Track zu erstellen. Ich habe bereits die Basis ausgewählt, die ich wollte. Es ist also ein Alchemie-Synthesizer und ich habe ihm eine Bewertung gegeben , damit ich ihn später leicht finden kann. Wenn ich auf dieses Feld klicke. Dunkler schwerer Sockel. Los geht's. Ich fand das ein ziemlich interessantes Geräusch. Also werde ich dir zeigen, wie es klingt. Wirklich dunkel, sehr tief. Jetzt werde ich nur noch auf die Akkordfolge klicken, um diese Grundlinie diese Grundlinie zu erstellen. Ich halte die Optionstaste gedrückt. Ich klicke und ziehe es runter zu meiner Rennstrecke. Jetzt möchte ich nicht, dass die Basis Akkorde spielt. Also all diese Notizen hier, ich werde sie loswerden. Ich werde einfach die Stammknoten verlassen. Also, wenn ich diese hervorhebe und die letzten beiden lösche. Wenn wir uns nun diese Grundnoten mit dem Rest des Songs anhören , werden Sie feststellen dass die dritte Note nicht wirklich, sie ist nicht wirklich beißend. Das hören wir nicht rein. Und das liegt daran, dass wir es in unserer Akkordfolge natürlicher gemacht haben , indem wir diese Noten überlappen. Und das funktioniert für das Cello, aber auf der Basis funktioniert es nicht. Also werde ich diese Knoten hervorheben. Ich werde es nur reduzieren. Am Ende gab es einmal ein bisschen Platz. Jetzt können wir sie klarer hören. Okay, also als wirklich einfache Grundlinie, das ist in Ordnung, aber versuchen wir es ein bisschen interessanter zu gestalten. Also wähle ich die zweiten Noten und halte dann die Umschalttaste gedrückt und wähle die vierte Note aus. Jetzt gehe ich hier zum Menü Bearbeiten. Dann in diesem Drop-down-Menü klicke ich auf Transponieren. Ich wähle plus 12 Halbtöne, das ist also eine Oktave höher. Das heißt, es wird dieselben Töne es wird nur eine höhere Tonhöhe geben. Jetzt wird sich die Basis also zwischen diesen sehr tiefen Tönen um eine Oktave höher bewegen . Und es wird ein bisschen anders klingen, ein bisschen interessanter, so. Da hast du es also. Das ist eine wirklich schnelle und effektive Methode aus deinem Kernfortschritt eine Grundlinie zu machen. Denken Sie also daran, kopieren Sie Ihre Akkordfolge und fügen Sie sie auf Ihre Bassinstrumentenspur ein. Sie können die Noten getrennt von den Grundnoten entfernen, die Grundnoten dort belassen, und das wird die Grundlage für Ihre Grundlinie sein. Und dann füge diesen Notizen etwas Abwechslung hinzu. Sie können Notizen dazwischen hinzufügen. Sie haben also eine Walking-Bass-Linie, oder Sie könnten die Noten einfach um eine Oktave nach oben oder unten verschieben, wie wir es im Beispiel getan haben. Jetzt nimmt unser Song wirklich Gestalt an. Du hast eine Akkordfolge, du brauchst Melodie und du musst zur Grundlinie gehen. Der nächste Teil, den wir hinzufügen werden, ist das Schlagzeug. Ich werde Ihnen eine wirklich unterhaltsame Möglichkeit zeigen Logic Pro ten um Schlagzeug zu erweitern. Wir sehen uns in der nächsten Lektion. 8. Schlagzeug: gibt es mehrere Möglichkeiten, einen Schlagzeugtrack zu erstellen Logic Pro ten gibt es mehrere Möglichkeiten, einen Schlagzeugtrack zu erstellen. Aber in dieser Lektion werde ich dir zeigen , was meiner Meinung nach am unterhaltsamsten und auch unterschätzten Weg ist . Und das nutzt die Drummer-Funktion. Der Grund, warum ich es so cool finde, ist es simuliert, wie man als Musikproduzent in einem Studio mit einem Session-Drummer wirklich arbeiten würde als Musikproduzent in einem Studio mit einem Session-Drummer wirklich arbeiten . Und damit meine ich, du würdest nicht da sitzen und dem Schlagzeuger genau sagen , welche Trommel er bei welchem Beat schlagen soll. Du versuchst jedem Schlagzeuger auf der Welt zu sagen , wie man Schlagzeug schlägt. Sie werden nicht sehr zufrieden mit dir sein. Also logisch, was es dir als Optionen gibt , mit dem Drama zu sprechen. Es ist wie ein Gespräch. Sagen wir, ich möchte, dass dieser Abschnitt komplexer ist, oder ich möchte, dass dieser Abschnitt etwas weniger Hi-Hat hat. Es gibt Ihnen die Möglichkeit, die Trommeln zu manipulieren und sie so klingen zu lassen wie Sie möchten, ohne jeden einzelnen Schlag der Medikamente programmieren zu müssen . Lass uns reinspringen und einen Blick darauf werfen, um ein Drama zu kreieren. Alles was ich tun muss, ist einen neuen Track zu machen, Drummer auszuwählen, auf Erstellen zu klicken und dann die Bibliothek, ich habe andere Informationen. Ich habe einige Genres auf der linken Seite. Auf der rechten Seite von jedem Genre habe ich einige Mugshots von verschiedenen Schlagzeugern, und wenn ich mit der Maus über sie fahre, erhalte ich eine Beschreibung ihres Stils. Also hier ist Gavin, Indie-Rocker. Und ganz unten habe ich verschiedene Drum-Kits, aus denen ich wählen könnte. Sie alle haben ihr eigenes Standard-Schlagzeug , das zu ihrem Sound passt. Also, wenn ich hier eine Vorschau von Gap sehe, lassen Sie mich sie einfach auswählen. Und auf der linken Seite und bei den Bearbeitungen gibt es verschiedene Rhythmen, die dieses Drama haben kann. also Wenn ich also mehr Kontrolle darüber haben möchte , kann ich dieses X-Y-Raster verwenden , um zwischen lauter und leiser zu wechseln. Und komplexer und einfacher. Schau dir an, wie sich die Wellenform hier oben verändert, während ich die Komplexität anpasse und wie laut sie ist. Ich könnte das Schlagzeug austauschen, während er spielt. Also könnte ich nach Manchester wechseln und herkommen. Ich kann die verschiedenen Elemente auswählen, die sie spielen sollen und wie oft ich möchte, dass er sie spielt. Gehen wir zurück zum Brooklyn-Kit. Auf der rechten Seite habe ich diesen Stil hier. So viele Filme wird er spielen. Also, wie viele kleine Trommelrollen machen sie? Das heißt, es ist der Swing. Also wie jazzig, wie vor oder nach den Perlen Er mich erwischt hat. Und ich kann wählen, ob es sich um 16. Noten oder Achtelnoten handelt. Wenn ich unten auf Details klicke, kann ich zu diesem Punkt näher eingehen. Wenn ich also möchte, dass sie mehr oder weniger Ghost Notes spielen, möchte ich, dass es sich mehr Druck oder Zug anfühlt. Und ich kann wählen, wie er die High Hats hier benutzt. Okay, eine Sache, die hier sehr nützlich ist, ist, dass Sie vielleicht herumspielen und vielleicht den Sound oder die Lautstärke, Weichheit und Komplexität haben , die Sie mögen. Aber dann willst du zu einem anderen Schlagzeuger wechseln. Wenn du zu einem anderen Schlagzeuger wechselst, werden diese Einstellungen zurückgesetzt, aber du kannst das hier und die Beat-Presets ändern. Wenn ich darauf klicke, kann ich sagen, dass die Einstellungen beibehalten werden, wenn ich Dramen ändere , oder Drum-Kits beibehalten, wenn ich Dramen ändere. Also könnte ich beide hervorheben. Wenn ich jetzt das Drama ändere, könnte ich mich für einen ganz anderen Schlagzeuger entscheiden. Lass uns auf den Tod losgehen. Jetzt spielt er immer noch das Brooklyn-Kit und er spielt immer noch mit dieser Anleitung , die ich dem vorherigen Drama gegeben habe. Eine weitere coole Sache , die ich tun kann, um den Sound zu ändern, ist, wenn ich in die Bibliothek gehe und hier im Inspector auf die Kits oder ein ausgewähltes Drumkit klicke . Ich kann die Teile des Kits austauschen. Ich habe die Wahl zwischen verschiedenen Kick-Drums oder vielleicht möchte ich die Snare stimmen. Ich habe die ganze Kontrolle über die Kits. Bleiben wir bei diesem Schlagzeuger. Ich bleibe bei Todesfällen. Wir werden das Kit wechseln. Ich nehme ein Fallenset, das besser für ihn geeignet ist. Okay, lassen Sie uns eine Vorschau anzeigen. Okay, das ist also interessant, was ich als Nächstes machen werde, ist, dass ich es im Kontext dieses Songs ausprobieren werde . Also werde ich die Bibliothek schließen, uns mehr Platz geben. Ich werde das Solo aufheben. Ich werde das Schlagzeug nach der Einführung reinbringen lassen. Ein bisschen auch. Okay, jetzt habe ich etwas , das ich für okay halte. Ich werde eine zweite Region hinzufügen. Beachten Sie, dass diese Region getrennt ist. Ich kann, ich kann den Rhythmus dabei ändern. Also könnte ich das etwas lauter und vielleicht etwas komplexer machen . Ich werde die Füllungen erheblich erhöhen. Und du kannst im nächsten Abschnitt des Songs sehen, dass es ruhig ist. Also werde ich eine weitere Region gründen. Ich werde das verkleinern. Dieser. Ich möchte, dass es viel einfacher und viel weicher ist. Aber ich möchte, dass es ein großes Ende hat . Vielleicht. Ich füge die Füllungen hinzu und halte dann die Wahltaste gedrückt und ziehe sie an das Ende des Feldes. Jetzt hören wir mal zu. Ich denke tatsächlich, dass ich diesen Abschnitt in etwas wesentlich anderes ändern möchte . Also werde ich ihn bitten, einen anderen Beat zu kaufen. Mal sehen, wie das klingt. Ja. Sie können also sehen, dass dies ein sehr schneller Weg ist um mit dem Zusammenstellen von Schlagzeugen zu beginnen. Und du hast viel Kontrolle über den Sound. Ich kann diese Steuerung noch weiter sagen, weil dieses Instrument hier, Sie werden sehen, dass es ein kleines Drop-down-Menü hat. Und das ist ein sogenannter Track Stack. Also eigentlich besteht dieser eine Track aus vielen verschiedenen Teilen. Und jeden dieser Teile kann ich bearbeiten. Ich kann den Gewinn ändern, ich kann das Gleichgewicht ändern. Und hier im Inspector könnte ich beliebige Plugins hinzufügen. Ich wollte den Klang jedes einzelnen Teils dieses Instruments ändern . Es ist also ein wirklich mächtiges Tool um den Sound Ihres Schlagzeugs zu bearbeiten. Wir müssen auch hier nicht aufhören, denn wenn wir mit diesem Schlagzeugsound zufrieden sind, kann ich ihn in Midea umwandeln, und dann habe ich die Kontrolle über jede einzelne Note. Um das zu tun, werde ich einen weiteren Track erstellen. Und ich muss Instrumente aufsetzen. Es wird dieselbe sein, diese Falltür. Gehen wir also zum Bibliotheks-Schlagzeug. Runter zum Boden. Da haben wir's. Jetzt markiere ich dieses Audio und ziehe es nach unten auf den Track unten. Jetzt wirst du sehen, dass all diese Noten in Midi umgewandelt wurden . Ich habe also die Kontrolle über die einzelnen Sounds. Wenn ich also eine höhere Geschwindigkeit haben möchte, könnte ich diese Geschwindigkeit einfach erhöhen. Das gibt mir wirklich die ultimative Kontrolle über das, was als Session-Drama begann . Es fühlte sich an, als hätte ich es einfach abgegeben und es macht sein eigenes Ding. Tatsächlich hat es mir ein Framework gegeben , um jede einzelne Note, jeden einzelnen Sound in diesem Schlagzeug zu ändern . Es ist ein wirklich mächtiges Tool. Ein kurzer Hinweis, wenn Sie ein herkömmliches Drum-Kit verwenden, ist, dass es nicht auf die gleiche Weise wie die Drum Machines mit einem Track-Stack geliefert wird. Wenn ich also hier nachschaue, gibt es kein Drop-down-Menü , mit dem ich die einzelnen Teile des Kits anpassen kann. Darauf kann ich zugreifen. Ich muss hier nur zum Ende dieser Liste gehen. Und ich wähle Hersteller-Kits aus. Und Sie werden dieselben traditionellen Drum-Kits finden, aber das Plus am Ende. Und das wird die erweiterten Kits laden . Und hier siehst du, dass es sich um einen Track Stack handelt und ich habe die Kontrolle über jeden einzelnen Teil des Kits. Wenn Sie also wirklich wählerisch sind, was Ihr Schlagzeug angeht, möchten Sie wirklich die vollständige Kontrolle über alles haben. So kann man darauf zugreifen. Auf diese Weise können Sie die Drama-Funktion verwenden, um den Schnabel für Ihren Song zu erstellen und ihn dann so zu manipulieren , dass er nur Ihrem Geschmack entspricht, und Sie können ihn in Midi umwandeln, sodass Sie eine besonders feine Kontrolle haben. Wenn es etwas gibt , das du ändern möchtest oder etwas , das du hinzufügen möchtest. Also wichtige Dinge, die man daraus mitnehmen sollte. Finde den richtigen Drummer für deinen Song. Es gibt verschiedene Dramen für verschiedene Genres. Wählen Sie also die aus, die der Art von Musik passt, die Sie machen. Oder wenn Sie etwas Ungewöhnliches machen möchten, wählen Sie eines aus einem anderen Genre, mischen Sie die Dinge ein wenig durch. Denken Sie daran, zusätzliche Regionen zu erstellen und die Schlagzeugmuster zu variieren , damit es realistisch klingt. Ein echter Schlagzeuger spielt nicht überall in einem Song denselben Rhythmus, dieselben Beats. Auch wenn die Änderungen subtil sind, erhöhen sie das Interesse. Dadurch klingt dein Schlagzeug realer. Wenn Sie nach einer sehr guten Kontrolle Ihres Schlagzeugs suchen, denken Sie daran, Ihre Schlagzeugspur in Midi umzuwandeln. Sobald Sie mit der Anpassung fertig sind, können Sie die Producer-Kits verwenden, sodass Sie jedes Element der Kits extrem fein steuern können, wie es klingt und welche Effekte Sie darauf anwenden möchten. Jetzt hast du also alle Grundlagen , wie man einen Song macht. Sie können eine Akkordfolge erstellen, Melodien als Grundlinie am Schlagzeug. Als Nächstes behandeln wir, wie Sie diese Elemente zusammenbringen, wie Sie sie mischen, Effekte verwenden und Automatisierung einsetzen können , damit es wirklich professionell klingt . Wir sehen uns in der nächsten Lektion. 9. Abmischung: Jetzt, da du viele verschiedene Instrumente in deinem Song hast , ist es an der Zeit, über das Mischen nachzudenken. Nun, das Mischen kann fast so aussehen , als wäre es eine der dunklen Künste. Vor allem, wenn Sie sich Tipps zur Musikproduktion auf Instagram, YouTube oder anderswo angesehen haben Tipps zur Musikproduktion auf . Aber was wir tun werden , ist, uns wirklich mit den Grundlagen des Mixens zu befassen. So kannst du schnell und einfach dafür sorgen, dass dein Song mit den richtigen Pegeln gut klingt . Wir werden uns auch das Panning ansehen. Also Instrumente innerhalb des Mixes positionieren. Und ich werde Ihnen einige Tricks mit der Automatisierung zeigen , damit Sie wirklich kreativ werden können. Beim Mixen geht es vor allem darum, die Pegel deiner Tracks oder Instrumente im richtigen Verhältnis zueinander zu halten. Sie benötigen jedoch einen Bezugspunkt für das Gesamtniveau des gesamten Mixes. Nun, wenn du hier im Inspektor nach unten schaust, hast du zwei Lautstärkemesser und zwei Thetas. Also auf der linken Seite, Sie werden sehen, dass das Cello ist, auf der rechten Seite ist der Stereo-Ausgang. Bei den Stereo-Ausgängen wird dies der Pegel des gesamten Mixes sein. Und ich möchte , dass das für die Spitzenwerte zwischen minus drei und minus sechs dB liegt. Nun, dieses Level zu haben, wird es mir viel leichter machen , Schritt zu meistern. Das wird mir etwas Kopffreiheit geben. Das erste, was ich tun werde, ist hier zu den Audioeffekten zu gehen. Ich gehe zur Messung über. Und ich werde den Pegelmesser auf meinen Stereo-Ausgang stellen. Und das wird mir die Höhepunkte des Ganzen, des gesamten Songs zeigen . Solange das also zwischen minus sechs und minus drei liegt, ist das gut, wenn ich mein Mastering mache. Wenn das geklärt ist, können wir anfangen, den Song zu mischen. Das erste, was ich dir empfehle , ist zu entscheiden , welche Instrumente oder welcher Track , welche Instrumente oder welcher Track der Hauptteil deines Songs sein soll. Welcher Teil trägt also den emotionalen Inhalt oder die Bedeutung? Worauf soll sich der Zuhörer konzentrieren? Und weil dieses Musikstück ein Hintergrundtrack für ein Videospiel ist , werde ich die Akkordfolge in diesem Song, That's the Yellows , verwenden . Ich habe Cello als meinen Hauptinhalt, meinen wichtigsten emotionalen Inhalt für den Song und alle anderen Tracks ausgewählt meinen wichtigsten emotionalen Inhalt für den Song . Ich werde darauf aufbauen, damit sie relativ auf dem richtigen Niveau sind. Also werde ich meinem Cello auch einen Pegelmesser hinzufügen. Das ist also auf der linken Seite des Inspektors. Ich werde unter diesen Kanal-EQ klicken. Und weil ich die Pegelanzeige kurz vor meiner letzten Version verwende, werde ich hier eine Pegelanzeige für meine Mitmenschen hinzufügen. Bei meinen Hauptinstrumenten möchte ich, dass der Spitzenwert irgendwo zwischen -18 dB minus drei dB liegt, je nachdem, welchen Musikstil Sie spielen und was das Instrument ist. Also werde ich mir dieses Cello anhören. Das Cello ist auf sich allein gestellt und auf diesem Messgerät sehen, wo sie sich befinden. Sie können sehen, dass sie irgendwo bei minus neun dB ihren Spitzenwert erreichen, und das ist in Ordnung. Ich werde die anderen Tracks so einstellen, dass sie so klingen, dass sie relativ zu den Gelbtönen richtig klingen . Also lass uns zuhören. Wenn die anderen Instrumente kommen. Sofort. Das kannst du hier, du musst nicht einmal auf diesen Pegelmesser schauen. Sie haben wahrscheinlich bemerkt, dass es seinen Höhepunkt über Null erreicht. Aber man kann hören, dass die Basis zu laut ist. Also wähle ich den Bass-Track aus. Und ich gehe zurück und höre zu. Und während ich zuhöre, werde ich den Lautstärkemesser hier unten im Auge behalten . Und ich werde diesen Fader anpassen , um den Pegel der Basis anzupassen. Okay, ich denke, das ist viel besser, denn jetzt fühle ich, dass die Basis da ist. Ich würde es vermissen, wenn es weg wäre. Aber es ist nicht so sehr in deinem Gesicht. Die Basis ist nicht der Hauptteil dieses Songs, also brauche ich nur seine Präsenz im unteren Bereich, aber ich möchte mich nicht überwältigen. Also werde ich weitermachen und auch die Pegel der anderen Instrumente anpassen, angefangen von hier aus mit diesen Staccato-Apps. Sie haben wahrscheinlich bemerkt, dass die Ops ein bisschen laut waren und Leadline, ich fand es ein bisschen leise. Also habe ich sie entsprechend angepasst , sodass sie direkt in der Mischung sitzen. Nun, wenn wir wieder hierher gehen und zuhören und einen Blick auf unseren Pegelmesser insgesamt werfen, um zu sehen, wo der Höhepunkt ist. Wir können also sehen, dass uns etwas Freiraum für das spätere Mastering gibt. Ich glaube, ich möchte diese Trommeln auch etwas leiser stellen. Ich werde mir den Schlagzeugtrack anhören und anpassen. Beachten Sie also, dass es sich empfiehlt, den gesamten Song zu hören und gleichzeitig den Lautstärkemesser im Auge zu behalten . Versuchen Sie nicht, es nur mit den Augen oder Ohren einzustellen, nutzen Sie beide Sinne. Und Sie haben wahrscheinlich Online-Referenztabellen gesehen , die Ihnen sagen, dass Ihre Kickdrum eine bestimmte Zahl von dB haben sollte und der Gesang eine andere Zahl sein sollte. Und deine Falle ist das und was auch immer. Nun, das sind okay als Ausgangspunkte. Denken Sie daran, dass verschiedene Genres unterschiedliche Sounds haben werden. Dein Song sollte wie dein Lied klingen. Identifizieren Sie also das Hauptinstrument, die Hauptspur, stellen Sie den Pegel zwischen minus drei und -18 dB ein, je nachdem, was Ihrer Meinung nach am besten klingt. Und dann stelle die anderen Tracks so ein, dass sie dazu passen. Auf diese Weise machst du dein einzigartiges Musikstück auf dem richtigen Level. Sobald du deine Level ungefähr dort hast , wo du sie haben willst, kannst du anfangen, mit der Balance oder dem Panning zu spielen. So weit nach links oder rechts klingt ein bestimmtes Instrument. Sie können das mit diesem Stil hier steuern. Sie können es nach links und rüber nach rechts verschieben. Wenn ich das also von Anfang an spiele, kann ich das Cello bewegen. Wenn Sie mit der rechten Maustaste auf dieses Steuerelement klicken, können Sie die Art der Balance auf Stereo Pan ändern, wodurch Sie ein breiteres Stereo-Gefühl erhalten. Die unterhaltsamste Version, ich denke, die unterhaltsamste Einstellung für die Balance ist, wenn Sie das Binomial-Panel wählen. Und das verwandelt die Steuerung in einen kleinen Radarbildschirm. Wenn Sie darauf doppelklicken, wird dieses Steuerelement geöffnet. Auf diese Weise können Sie nun wählen, wie weit die Richtung, in der ein Track klingen soll , entfernt und auch wie breit er sein soll. Wenn ich also noch einmal spiele und anfange, das zu manipulieren kannst du sehen, dass du sehr viel Kontrolle über die Direktionalität, die Breite des Sounds für jede Spur hast. Was ist also, wenn Sie die Lautstärke während des Songs ändern möchten ? Du möchtest, dass das Level deiner Herausforderung auf und ab geht. Oder du möchtest, dass sich die Direktionalität, das Schwenken eines deiner Tracks ändert. Das können Sie mithilfe von Automatisierung tun. Und Sie können auf die Automatisierung zugreifen, indem Sie die A-Taste auf Ihrer Computertastatur drücken . Und das wird deine Meinung dazu ändern. In der Automatisierungsansicht gibt es hier ein Drop-down-Menü , in dem Sie den Parameter auswählen können , den Sie ändern möchten, während der Song abgespielt wird. Nehmen wir zum Beispiel an, ich möchte, dass sich diese Basis ändert. Sie sind also in diesem Abschnitt des Songs, wo es nur die Apps gibt, den Bass und das Schlagzeug. Ich möchte, dass die Basis lauter wird. Ich klicke in diesen Bereich. Jetzt habe ich eine Linie, die mein Level anzeigt. Ich kann klicken, um Punkte zu erstellen, aber ich kann sie nach oben und unten ziehen, um das Level zu ändern. Eine bessere Möglichkeit, dies zu tun, Ihren gesamten Abschnitt zu ändern, besteht darin, die Befehlstaste gedrückt zu halten. Wählen Sie eine Region aus. Und jetzt kann ich klicken und es nach oben ziehen. Und jetzt wird es die Basis nur in diesem Abschnitt stärken , so wie diesem. Und eine wirklich unterhaltsame kreative Sache, die Sie tun können, ist die Kombination von Automatisierung mit binomialem Panning. Wenn ich hier diese Leadline wähle. Und wenn ich das ausgeglichene in ein binaurales Muster ändere, doppelklicke ich darauf. Jetzt gehe ich in der Automatisierung statt zur Lautstärke zum Hauptwinkel und wähle den binauralen Winkel. Das ist der Winkel, aus dem der Ton kommt. Was ich tun kann, ist hier Punkte zur Automatisierung zu erstellen. Und dann kann ich sie bewegen und der Winkel wird automatisch geändert. Das Panel. Ich verschiebe sie einfach, z. B. und jetzt hören wir uns diesen Abschnitt an. Sie können also Automatisierung in Kombination mit Panning und Lautstärke verwenden , um einige wirklich kreative, coole Effekte in sich zu erzielen . sind also wirklich Das sind also wirklich die Kernelemente für einen guten Mix. Und ich kann es nicht hoch genug betonen, die Hauptsache ist, herauszufinden, welche Instrumente oder Track der emotionale Hauptinhalt Ihres Songs ist, das ist der Teil, den Sie in den Vordergrund stellen möchten. Und dann den Rest des Songs um dieses Stück herum aufbauen. Definiere die Hauptelemente deines Songs. Welches Instrument oder welcher Track trägt also den wichtigsten emotionalen Inhalt? Konzentrieren Sie sich zuerst darauf und stellen Sie dann die Pegel der anderen Tracks darum herum entsprechend ein. Denken Sie daran, Panning zu verwenden, damit verschiedene Instrumente unterschiedliche Räume im Stereomix einnehmen können . Und vergiss nicht, die Automatisierung zu verwenden , damit du die Pegel während des Songs ändern kannst. Oder man könnte sogar die Position der verschiedenen Instrumente innerhalb des Mixes ändern verschiedenen Instrumente innerhalb des . In Kreisen der Musikproduktion ist es sehr selten , etwas über Mixing zu hören. Ohne etwas von Mastering zu hören, scheinen diese Worte immer zusammen zu sein. Aber die verschiedenen Schritte des Prozesses. In den nächsten Lektionen werden wir uns mit dem Mastering befassen , wie du deine Tracks schnell und einfach mastern kannst deine Tracks schnell und , damit sie professionell klingen. Und wir werden uns auch einige Effekte ansehen , die du vielleicht verwenden solltest, um deine Songs richtig aufzupeppen. 10. Hall: Bevor du zum Mastering-Schritt übergehst, gibt es ein oder zwei Plugins oder Effekte, von denen ich denke, dass sie für dich nützlich sein werden. Eines davon ist Reverb. Reverb ist ständig um dich herum. Es sind die Reflexionen der Geräusche, die du hörst. Denken Sie z. B. darüber nach, wie die Stimme einer Person in einem Besprechungsraum klingt , als wenn Sie sich in einer Kirche oder einem großen Saal befinden Die Klangqualität ist unterschiedlich und das liegt am Hall. Jetzt informiert Reverb Ihren Ohren oder Ihrem Gehirn über den Raum. Das ist ein Sound, in dem man ihn logisch verwenden kann , um einem Instrument seinen eigenen Raum zu geben , um es aus einem Mix herauszuholen oder um etwas Kreatives damit zu machen. Hier kannst du sehen, dass ich einen einfachen Klaviertrack in einem Projekt habe. Und das Erste, was man bemerkt, ist beim Inspektor hier, da sind diese beiden Busse. Das bedeutet, dass dieser Track alles, was gespielt wird, an zwei separate Tracks sendet gespielt wird, an zwei separate Tracks , die jeweils Auswirkungen auf sie haben. Wenn ich auf diesen klicke, siehst du, dass er einen Space Designer hat , der eine Art Reverb ist. Und ich bin hier der Boss, ein Chromosom hat, auf dem bereits ein Hall drauf ist. Weil die meisten Instrumente in Logic ihren eigenen Hall haben. Der Alchemy-Synth hat auch einen eigenen Reverb-Knopf auf der Oberfläche. Das Erste, was ich tun werde , ist, diese Busse auszuschalten , weil wir den Hall selbst machen werden, damit wir herausfinden können, wie ChromaVerb funktioniert. Um also einen Reverb hinzuzufügen, muss ich nur unter diese Plugins gehen, auf die Schaltfläche Leertaste klicken zu Reverb gehen. Ich wähle ChromaVerb und Stereo. Und hier ist die Standardeinstellung für ChromaVerb. Wenn ich auf Play drücke und diesen Effekt ein- und ausschalte, hörst du, was er macht. Und in diesem oberen Menü können Sie auf verschiedene Voreinstellungen zugreifen. Dies ist ein Schnellmenü hier, aber es wird die angezeigte EQ-Kurve nicht ändern. Es ist besser, über dieses Menü auf sie zuzugreifen. So könntest du gehen, du kannst sagen, ich will veranstalten, ich will Piano Concert Hall. Und es verändert auch diesen EQ repräsentiert den Raum, nach dem er klingen soll. Wenn ich also jetzt auf Play drücke, hörst du , dass es wie ein Konzertsaal klingt. Und hier unten ist eine grafische Darstellung. Sie können also jeden dieser kleinen Punkte sehen. Es ist wie ein Spiegelbild aus diesem Raum. Und du kannst die Frequenz sehen, nun ja, sie reflektiert. Wenn ich also das untere Ende reduzieren möchte, kann ich einfach darauf klicken. Sie können die Voreinstellungen mit den Steuerelementen hier unten weiter anpassen . Der Angriff wird also sein, wie schnell sich das Volumen oder die Dichte aufbauen. Die Größe steht für die Abmessungen des Raums, den Sie simulieren. Die Dichte gibt an, wie viele Reflexionen zurückkommen. Der Zerfall gibt an, wie schnell oder langsam der reflektierte Schall abfällt. Die Entfernung gibt an, wie weit Ihre Ohren von der Schallquelle, in diesem Fall vom Klavier, entfernt , in diesem Fall vom Klavier, sein sollen. Und auf der rechten Seite das Trockene und das Nasse. Dies sind die Pegel des Trockenen- und Nasssignals. Das Dry-Signal ist also ohne Hall und das Wet-Signal ist mit dem Hall. Und Sie können die Proportionen anpassen , um einen subtileren Effekt zu erzielen. Hier unten, das Pre-Delay, an, wie viel Verzögerung zwischen dem Originalton und den ersten zurückkommenden Reflexionen liegt. Wenn du auf diese kleine Schaltfläche für Musiknoten klickst, synchronisiert das die Vorverzögerung mit dem Tempo deines Tracks. Dann können Sie also einen Wert für die Länge der Note und die Dauer entsprechend wählen . Und dann das Gleiche hier mit dem Zerfall. Wenn ich auf diese Schaltfläche klicke, synchronisiert es den Zerfall mit der Geschwindigkeit, mit dem Tempo meiner Seele. Die Freeze-Funktion hier unten ist ziemlich interessant. Wenn du die Freeze-Taste drückst , je nachdem, was in diesem Moment abgespielt wurde oder der Code abgespielt wird, werden wir einfach unendlich reflektiert. Also werde ich zeigen, wie schwierig es ist, es zu erklären. Auf diese Weise können Sie dafür sorgen, dass ein Geräusch nachhallt und eine Drohne unter der Musik entsteht. Wirklich gut für Ambient-Tracks. Wenn du Hall verwendest, um eine Spur im Mix zu platzieren, daran , dass je mehr Hall du auf einer Spur hast, desto weiter hinten im Mix klingt sie, als wäre sie weiter entfernt. Die Instrumente, bei denen du etwas offener sein möchtest , wie deine Leadlines, sollten wahrscheinlich einen subtileren Hall haben, wohingegen deine Pads und deine Begleitung deine Saitengruppe sind. Wenn du dem mehr Hall hinzufügst, kann es sich anhören, als ob es weiter im Hintergrund wäre. Das ist also eine gute Faustregel für die Positionierung der Instrumente in Ihrem Mix. Bringen Sie Dinge voran , indem Sie nur einen subtilen Hall haben, einen sehr leichten Raumhall. Und du hast eher epische Hintergrundfarben. Sie haben sie im Hintergrund indem Sie ihnen mehr Hall geben. Wenn Sie nur versuchen, ein wenig subtilen Hall hinzuzufügen , damit ein Instrument irgendwie hervortritt. Eine wirklich gute Sache ist, eine Vorschau des Reverbs zu sehen und dann langsam das Wet-Signal zurückzuschalten bis Sie den Hall nur noch bemerken dieser Hall hier, dieser Hall. Jetzt ist es ein wirklich, wirklich subtiler Hall. Es wird seinem Klavier helfen, aus dem Mix herauszukommen. Wenn ich das abschalte, um den kleinen Unterschied zu hören. Sie können also sehen, dass ChromaVerb eine wirklich leistungsstarke und vielseitige Sache ist eine wirklich leistungsstarke und vielseitige Sache die Sie in Ihren Mixes verwenden können. Also hier sind einige Dinge, an die Sie sich erinnern sollten. viele oder die meisten Logikinstrumente bereits eine Art von Hall aufgebracht, normalerweise in einem Bus und normalerweise in Form eines Space Designers. Vielleicht möchtest du das anpassen, bevor du einen weiteren Hall hinzufügst oder ihn komplett abschaltest. Reverb kann verwendet werden, um einem Instrument zu helfen , aus dem Mix herauszukommen. Wenn Sie es auf diese Weise verwenden, gehen Sie subtil damit um. Weniger ist definitiv mehr In diesem Fall kann Hall auf niedrigeren Frequenzen deinen Mix matschig machen. Das bedeutet, dass dein Song unklar klingen kann, als würde er in all diesen widerhallenden niedrigen Frequenzen untergehen . Verwenden Sie den EQ in ChromaVerb , um zu versuchen, einen Teil des Low-Ends zu zähmen. Jetzt, wo du dich mit ChromaVerb auskennst, würde ich dir empfehlen, es auf einen Track zu legen, die Presets unerforscht zu haben und dann die Parameter nach deinen Wünschen zu optimieren. Denken Sie daran, dass diese riesigen Space Void-Reverbs am besten für mehr Ambient-Musikstile geeignet sind. Wir sehen uns in der nächsten Lektion. 11. EQ: Dq, oder Ausgleich, ist ein weiteres dieser Dinge, die dazu neigen, Menschen einzuschüchtern. Aber es ist nicht wirklich so kompliziert. Alles, was es ist, die Verstärkung auf bestimmte Frequenzen anzuwenden. Das heißt, bestimmte Frequenzen zu erhöhen oder bestimmte Frequenzen zu reduzieren, um den Gesamtsound zu formen. Es kann auf einzelne Instrumente oder Tracks angewendet werden, oder es kann auf den gesamten Mix angewendet werden. In dieser Lektion gehen wir direkt zu EQ über und ich werde Ihnen zeigen, wie Sie die verschiedenen Parameter steuern können . Um einen EQ zum Anziehen hinzuzufügen, müssen Sie zum Inspector gehen , zu Audio FX, runter zu EQ und Channel EQ Stereo gehen. Und es wird dieses EQ-Fenster hier aufrufen. Dieses EQ-Fenster zeigt Ihnen eine Linie, die die Frequenzen des menschlichen Hörens darstellt. Also von 20 Hz runter im Subbass bis 20.000 Hz. Jetzt, im wirklichen Leben, kann man 20.000 Hz nicht wirklich hören. Und 20 Hz ist etwas , das Sie mit größerer Wahrscheinlichkeit fühlen als hier. Aber all diese Frequenzen sind vertreten, weil sie wichtig sind, auch wenn man sie nicht hören kann, sie interagieren miteinander. Da es nützlich ist, die Kontrolle über sie zu haben, ist der Kanal-EQ in verschiedene Bänder unterteilt. Sie haben also all diese verschiedenen Symbole die die verschiedenen Bereiche repräsentieren, wie die Unterbasis, die Basis, die tiefen Mitten, die Medikamente und dann Ihre höheren Frequenzen. Du kannst die Steuerung der verschiedenen Bands - oder ausschalten, indem du oben auf diese Symbole klickst. Alles, was wir jetzt auf diesem Track spielen , können wir sehen. Wir, wir müssen die Frequenzen auf diesem Analysator sehen. Sie können also sehen, dass auch nur eine Note aus einer Frequenz besteht. Es ist ein Haufen verschiedener Frequenzen, die zusammenwirken. Und genau aus diesem Grund ist der EQ wichtig, denn Klänge bestehen aus Gruppen von Frequenzen oder Oberschwingungen, die interagieren und wie am Wochenende diese gesteuert werden, indem sie entweder verstärkt oder reduziert wird den Ton eines Klangs prägen. Um den EQ einzustellen, jedes dieser Bänder, über das Sie den Mauszeiger bewegen, leuchtet jedes dieser Bänder, über das Sie den Mauszeiger bewegen, auf und Sie können eine Reihe von Frequenzen sehen , die beeinträchtigt werden, wenn Sie den EQ nach oben oder unten ziehen. Wenn ich also klicke und diesen hier nach oben ziehe, kannst du sehen, dass ich diese Frequenzen irgendwo zwischen etwa 1 kHz und knapp 6 kHz verstärke . Aber wenn ich wollte, wären die Verbote enger gewesen. Ich könnte zwei Finger auf das Trackpad legen und es einfach nach unten ziehen und das Band wird enger. Und wenn ich es breiter haben möchte, benutze ich zwei Finger und ziehe es nach oben. Als Faustregel gilt: Wenn du Frequenzen erhöhst, würdest du über einen breiteren Bereich boosten. Und wenn Sie Frequenzen reduzieren, wie hier in den tiefen Mitten, es wahrscheinlicher, dass Sie über ein schmales Frequenzband schneiden . Das nennt man einen chirurgischen EQ. Und du wirst feststellen, dass die Leute das oft in den unteren Mitten tun , um Mod N MIX zu reduzieren. Denken Sie daran, dass viele Instrumente in Logic Pro Ten bereits über einen EQ verfügen. Wenn ich hier also diese modernen Zeichenketten auswähle, siehst du im Inspector ein Vorschaubild. Und das zeigt Ihnen einen groben Blick auf den EQ, der bereits angewendet wurde. Wenn ich das von modernen Zeichenketten auf eine andere Art von Zeichenketten ändere . Gehen wir zu Roman Strings. Du wirst sehen, dass sich der EQ ändert. Es hat bereits einen anderen EQ eingewählt. Außerdem kannst du im Preset-Down für Schlagzeug, Keyboard und Gitarre auf Presets für verschiedene Instrumente zugreifen im Preset-Down für Schlagzeug, Keyboard und Gitarre auf Presets für verschiedene Instrumente . Unten findest du außerdem die Mastering-EQ-Tools . Eine, die ich als Gitarrist sehr nützlich finde , ist die Gitarre, sie hat einen Cleanup-Gitarren-EQ. Wenn ich also meine Gitarre logisch aufnehme, hat sie hier diesen Teil, der die tiefen Frequenzen unter etwa 60 Hz senkt. Das heißt, das 60-Zyklus-Summen , das Gitarren-Tonabnehmer haben, loswerden . Hier ist ein Beispiel dafür , wie du anfangen könntest , einen ganzen Song mit EQ zu versehen. Das ist also ein Song von einer Band namens The North Dimension, für den ich etwas Mastering mache. Ich empfehle dir wirklich, sie dir auf Spotify oder Apple anzusehen , wo auch immer du sie hörst. Dieser Track heißt Bloom. Und wenn ich von hier aus spiele, wirst du eine Vorstellung davon bekommen, was Sound das Genre hatte. Es hat also diesen wirklich coolen AT wird einfach schnell einen EQ hinzufügen , indem Sie einfach in dieses Thumbnail-Space Stereo klicken. Okay, es gibt also zwei Phasen, die du auf einem Track wie diesem durchmachen könntest. Der erste ist der korrigierende EQ. Also entferne irgendwelche Frequenzen oder Töne oder reduziere die Töne , die du nicht magst. Und dann ist der nächste Schritt ein süßender EQ, was bedeutet, die Frequenzen oder Bereiche zu verstärken , in denen Sie den Sound gerne ausschalten. Bei diesem Track habe ich das Gefühl, dass in den tiefen Mitten viel los ist und der Bass sehr basslastig ist und er sich ein bisschen matschig anhört. Aber ich mag diese Tasten und die gespenstischen Synthesizer-Glocken und Glocken wirklich lieber am oberen Ende. Ich würde also einen korrigierenden EQ anwenden und versuchen, einige Kerben in der Mitte nahe der Basis herauszuschneiden . Und dann würde ich das High-End im Großen und Ganzen leicht erhöhen. Also so etwas wie das. Ich drücke auf Play und fange an, den EQ zu manipulieren , damit du sehen kannst, was ich tun könnte. Sie können also sehen, dass es nirgends eine sehr drastische Kurve ist, aber es ist ein subtiler Unterschied , der das Durcheinander irgendwie reduziert. Und es bringt die Elemente des Songs zum Vorschein, die mir gefallen haben. Ich schalte es ein und aus, damit Sie den Unterschied hören können. Wenn du einen EQ wie diesen machst. Eine wirklich wichtige Sache, an die Sie sich erinnern sollten, ist, dass, wenn Sie das Gefühl haben , dass ein bestimmter Sound in einem Mix fehlt, Sie beispielsweise mehr von den oberen Frequenzen wollen, Sie möchten, dass mehr von den höheren Frequenzen durchscheinen. Manchmal geht es nicht nur darum, dieses High-End zu erhöhen, sondern es von anderen Bereichen des Spektrums zu nehmen. Es ist also eine gute Praxis, Dinge immer zu reduzieren, bevor Sie einen Boost starten. Es ist viel einfacher, mit dem Entfernen von Frequenzen zu beginnen. Sie können sich also anhören, was noch übrig ist als nur zu versuchen, überall Gas zu geben. einfach alles erhöhen, ist es viel wahrscheinlicher , dass Sie eine wirklich chaotische Mischung erhalten. Sie können also sehen, dass die Verwendung von EQ eine großartige Möglichkeit ist , Ihre Sounds wirklich unter Kontrolle zu haben. Ein paar wichtige Punkte , um sich an sie zu erinnern. Logik-Instrumente haben oft schon einen EQ und die Presets sind sehr nützlich. Verwenden Sie diese als Ausgangspunkt. Als Faustregel gilt: Wenn du Frequenzen senkst, solltest du mit dem Band am EQ schmaler sein. Und wenn du die Frequenzen erhöhst, kannst du etwas breiter sein. Und wenn Sie EQ verwenden und versuchen, ein klares Ziel vor Augen zu haben, was versuchen Sie dann zu erreichen? Du versuchst also, einen Mix weniger schlammig zu machen , wenn du versuchst, eine Snare Drum richtig HIT zu machen. Verwenden Sie EQ immer zu einem bestimmten Zweck. Wenden Sie es nicht einfach an, weil viele Leute darüber sprechen. Wenn du wie ich ein bisschen ein Physik-Nerd bist, dann wirst du feststellen, dass EQ ein wirklich faszinierendes Thema ist und ein wirklich faszinierendes Thema ist und etwas, mit dem es Spaß macht, einfach zu experimentieren. Aber Sie können das Handout verwenden, das ich zur Verfügung gestellt habe, um Ihnen den Einstieg zu erleichtern. In der nächsten Lektion werden wir uns mit einem weiteren dieser einschüchternden Themen befassen , nämlich Kompressoren. Wir sehen uns dort. 12. Kompressor: Es gibt unzählige verschiedene Kompressoren, alle mit unterschiedlichen Setups die für verschiedene Musikrichtungen geeignet sind. Aber in dieser Lektion werde ich Ihnen eine allgemeine Einstellung für eine der sieben Logikkomprimierungen zeigen . Es ist eine Methode, die Sie zum Kleben verwenden können Sie mischen es zusammen, damit es wirklich professionell klingt. Lassen Sie uns mit einer kurzen Erklärung beginnen was Komprimierung ist. Um es ein wenig zu entmystifizieren. Ein Kompressor nimmt lediglich die Spitzen deiner Wellenform in deinem Mix und reduziert so das Spiel. In der Zwischenzeit kann es die Verstärkung an den unteren Teilen der Mischung erhöhen. Diese Spitzen auf der Oberseite dieser Wellenform werden also nach unten gezogen. Und diese Mulden, die unteren Teile, werden verstärkt, wodurch Ihre Wellenform weniger dynamisch oder komprimierter wird. Und das ist eine gute Möglichkeit , deinen Mix besser zusammenklebend klingen zu lassen, wenn du möchtest. Es klingt so, als würden alle Instrumente zusammen spielen. Lassen Sie uns also einen Kompressor zum Stereo-Ausgang hinzufügen. Ich gehe zum Inspektor zu Audio Effects. Ich gehe zu Dynamik, Kompressor und Stereo. Und hier werden wir sehen, dass wir das Kompressorfenster haben. Jetzt werden Sie feststellen , dass es sieben von oben zur Auswahl gibt. Und das liegt daran, dass jedes davon eine, es ist wie eine Simulation eines echten Hardware-Kompressors. Denn früher verwendeten die Leute bei Türen wie Logic Pro Türen wie Logic Pro Hardware-Kompressoren. Jedes davon stellt also eine Simulation eines echten Hardware-Kompressors dar. Sie haben alle leicht unterschiedliche Sounds und einige von ihnen haben leicht unterschiedliche Bedienelemente. Aber der, auf den wir uns heute konzentrieren werden, ist der Vintage VCA. Und der Grund dafür ist, dass es sich nicht um einen transparenten Kompressor handelt. Es fügt einen bestimmten Sound hinzu, das gewisse wärmt, und viele Musikproduzenten mögen den von einem Kompressor, sie haben das Gefühl, dass er dem Mix eine gewisse Musikalität verleiht. Das erste, was ich mit der Einrichtung des Kompressors machen werde , ist, die automatische Verstärkung und die automatische Attack- und Release-Funktion auszuschalten . Also werde ich hier diesen Knopf drücken und auch diesen. Als Nächstes möchte ich sicherstellen, dass die Eingangsverstärkung hier links und die Ausgangsverstärkung rechts den gleichen Pegel anzeigen. Denn eines der Dinge an unseren Ohren ist dass wir wahrgenommen haben, dass lautere Geräusche besser klingen. Und wenn Sie oft ein Effekt-Plugin haben, wird es ein bisschen Verstärkung hinzugefügt und dann haben Sie das Gefühl es den Sound verbessert, obwohl Sie eigentlich nur ein bisschen hören lauter. Indem wir also sicherstellen , dass Eingang und Ausgang einen Pegel gewinnen, wissen wir, dass jede Änderung unserer Wahrnehmung, wie gut es klingt die Komprimierung und nicht auf ein erhöhtes Spiel zurückzuführen ist. Ich drücke auf Play und vergleiche diese, um Zähler zu gewinnen. Wir werden sehen, ob es das richtige Level ist. Okay, die passen ziemlich gut zusammen. Ich kann mich also damit abfinden die Parameter dieses Kompressors zu optimieren. Schauen wir uns diese Zifferblätter an und was sie bewirken. Schwellenwert hier ist der Wert , ab dem der Kompressor zu arbeiten beginnt. Und das Verhältnis ist der Grad der Komprimierung, der angewendet wird, sobald es zu wirken beginnt. Diese beiden Zifferblätter arbeiten zusammen. Ein niedriger Schwellenwert und ein hohes Verhältnis würden zu einer sehr starken Komprimierung führen. Und das ist nicht das, wonach wir suchen , wenn wir versuchen, die Mischung zu kleben. Hier auf der rechten Seite siehst du das Make-up-Zifferblatt. Da die Komprimierung nun die allgemeine Lautstärke verringert, die Verstärkung Ihres Signals durch das Drücken dieser hohen Punkte , wird die Verstärkung verringert. dem Einstellrad können Sie das komprimierte Signal wieder verstärken. Knie runter hier unten links zeigt, wie glatt der Übergang zwischen komprimiert und unkomprimiert sein wird. Und dann diese beiden hier, Attack und Release, wirklich wichtig, um den Sound deiner Kompression richtig zu machen. Attack gibt an, wie schnell der Kompressor beginnt , diese Spitzenwerte zu reduzieren, sobald er ausgelöst wird. Und Release ist die Geschwindigkeit, mit der es das Signal loslässt und es dekomprimiert. Diese beiden arbeiten auch sehr eng zusammen , um den Sound einzustellen. Wenn ich mit dem Komprimieren beginne, setze ich normalerweise den Schwellenwert auf 30. Ich habe ein Verhältnis von zwei zu eins. Ich werde das Make-up vorerst bei Null belassen. Ich nehme einen ordentlichen. Der Angriff, den ich auf 20 Millisekunden starten werde. Und die Version werde ich auf 100 wählen. Jetzt hören wir uns das an und ich schalte den Kompressor ein und aus und wir können sehen, wie er sich anhört. Als Nächstes möchte ich diese Version anpassen. Und ein wirklich guter Weg, das zu tun, ist, wenn du 60.000 durch das Tempo deines Songs teilst, du bekommst eine ungefähre Vorstellung davon wo deine Veröffentlichungszeit sein sollte. 60000/120, was mein Tempo ist, sind also 500. Also werde ich das auf knapp über 500 erhöhen, um die Veröffentlichung richtig zu machen. Und dann, während ich zuhöre, passe ich den Angriff an, um zu versuchen, die Sounds zu ändern und ein Gleichgewicht zwischen Attack und Release zu finden. Und ich werde die verschiedenen Parameter nicht weiter optimieren , bis ich mit der Komprimierung zufrieden bin. Woher weißt du also, ob deine Komprimierung richtig ist? Nun, das hängt wirklich alles vom persönlichen Geschmack und den Vorlieben ab . Eine gute Faustregel ist jedoch, dass Sie die Kompression stärker spüren sollten, als Sie sie hören sollten, wenn Sie die Komprimierung auf den gesamten Mix anwenden Sie die Komprimierung . Sie möchten nicht, dass Ihre Kompressionen den Sound Ihres Mixes radikal verändern. Sie möchten nur, dass es Ihrem Endergebnis ein bisschen mehr Glanz verleiht . Das ist also ein großartiger Ort, um Ihre Komprimierungseinstellungen zu starten. Und Sie können diese Parameter nach Ihrem Geschmack und dem Musikstil, den Sie machen , anpassen nach Ihrem Geschmack und dem . Hier sind einige wichtige Dinge, die Sie aus dieser Lektion mitnehmen sollten. Auch hier haben viele Instrumente in Logic und viele Instrumente von Drittanbietern bereits einen eingebauten Kompressor, sodass es möglicherweise nicht erforderlich ist, der Instrumentenspur einen zusätzlichen Kompressor hinzuzufügen . Überprüfen Sie dies, bevor Sie mehr Komprimierung hinzufügen. ein guter Ausgangspunkt für alle Logiken Kompressoren sind ein guter Ausgangspunkt für alle Logiken. Sie sind ein Verhältnis von zwei zu eins, ein Schwellenwert von etwa -30, ni von eins, Attack von 20 und Release-Wert von 100. Und vergessen Sie nicht, die Eingangs- und Ausgangsverstärkung aufeinander abzustimmen. Und was vielleicht am wichtigsten ist, überwinde nicht die Presse deiner Musik. Wenn du zu viel Kompression verwendest, verlierst du die Dynamik deines Songs. Nächstes Mal schauen wir uns eine wirklich einfache Mastering-Kette an . Und ich werde dir zeigen, wie du deinen Song aus der Logik nehmen und ihn dann mit dem Rest der Welt teilen kannst. 13. Beherrschen: Du hast es also fast geschafft. Du bist nur einen Schritt davon entfernt , deinen eigenen fertigen Song zu haben. Und dieser Schritt ist das Meistern. Aber bevor wir gleich loslegen, gibt es noch ein paar Dinge, die es wert sind, erwähnt zu werden. Die erste ist das Mischen und Mastern verschiedener Disziplinen in der Musikindustrie. Diese beiden Aufgaben werden von verschiedenen Ingenieurtypen ausgeführt. Wenn du jetzt deine eigene Musik machst, wirst du wahrscheinlich beide Dinge selbst machen. Und wenn das der Fall ist, ist es wichtig, diese beiden Phasen voneinander zu trennen. Stellen Sie also sicher, dass Sie mit Ihrem fertigen Mix zufrieden sind , bevor Sie mit dem Mastering fortfahren. weitere erwähnenswerte Sache ist, dass Sie während des Masterings alle 20 bis 30 Minuten eine Pause einlegen sollten während des Masterings alle 20 bis 30 Minuten , um sich ein oder zwei Referenz-Tracks anzuhören. Referenz-Tracks sind einfach Songs demselben Genre wie der, den du gerade schreibst. Auf diese Weise können deine Ohren so eingestellt werden, dass, wenn du kreative Entscheidungen über den Sound deines Songs triffst, dieser für das Genre korrekt klingt, das zu diesen Dingen passt . Lass uns eintauchen. Also hier mastern wir den Track Bloom von The North Dimension. Und du wirst auf meinem Stereo Out-Bus feststellen, dass ich schon den Effektstil habe. Dann habe ich den Channel EQ , den EQ, als wir uns das vorher angesehen haben. Und ich habe hier einen Kompressor. Ich habe also den Vintage VCA, mit dem ich versuche, diese Sounds zusammenzufügen. Und es ist wichtig zu beachten, dass die Effekte , die Sie hier einfügen, die Plugins, die Sie in den Kanal einfügen den Sound in der Reihenfolge von oben nach unten ändern. Die Reihenfolge, in der Sie Ihre Effekte platzieren, wird also einen Unterschied machen. Jetzt gibt es viele Diskussionen zwischen den Leuten, ob sie wollen, dass der EQ vor dem Kompressor steht oder umgekehrt. Manchmal verwenden die Leute mehr als einen EQ und das hängt wirklich alles nur vom Geschmack ab. Aber ich habe zuerst meinen EQ und dann komprimiere ich danach. Die nächste Komponente, die ich unserer Mastering-Kette hinzufügen werde , ist optional. Aber ich denke, es ist wirklich nützlich, etwas über die Stereo-Streuung zu wissen . Also klicke ich unter den Kompressor. Ich gehe zu Imaging, Stereo Spread und Click Stereo. Und das wird diese Standardeinstellung aufrufen. Jetzt verteilt es Bänder, Frequenzbänder von Ihrem Track auf den linken und rechten Kanal, sodass Ihr Stereofeld verbessert wird. Diese Standardeinstellung ist zu extrem für das, was wir beim Mastern dieses Tracks suchen Wir wollen nur eine subtile Verbesserung, aber ich überspringe diesen Track und drücke Play, damit du hören kannst, was dieser Effekt tut es. Wenn ich also im Song weiter vorangehe und auf Play klicke, wirst du feststellen, wie das Stereofeld deines Tracks wirklich verbessert wird. Aber wie gesagt, ich möchte nicht, dass es so extrem ist. Also werde ich die Presets verwenden. Ich werde zur leichten Hochfrequenzstreuung übergehen , weil ich nicht möchte, dass sich das untere Ende zu stark ausbreitet. Im unteren Bereich wird alles zu schlammig klingen. Das ist also nur eine leichte Hochfrequenzstreuung und ich werde sie etwas weiter zurückdrehen. Also drücke ich erneut auf Play. Und ich werde das einfach reduzieren und vielleicht die Frequenzen ein bisschen verschieben. Indem Sie also subtile Mengen der Stereo-Spread-Effekte verwenden, können Sie Ihren Song verbessern und ihm ein bisschen mehr Glanz verleihen . Also verwenden wir einen EQ , um unseren Sound zu formen. Wir verwenden einen Kompressor, um Dinge zusammenzukleben. Und wir verwenden den Stereo-Spread , um das Stereofeld zu verbessern. Jetzt fügen wir unserer Kette zwei Komponenten hinzu, um sicherzustellen, dass unser Song die richtige Lautstärke hat. Zuerst fügen wir einen adaptiven Limiter hinzu. Also, unter Spread gehe ich zu Dynamics Adaptive Limiter, Stereo. Und darunter werde ich einen Lautheitsmesser hinzufügen. Und das ist in Metering, Loudness Meter. Jetzt habe ich also zwei Komponenten , die helfen werden, sicherzustellen , dass unser Song laut genug, aber nicht zu laut ist . Der Limiter wird dafür sorgen, dass unser Song ein bestimmtes Level nicht überschreitet. Und wir können dies nutzen, um zu verhindern, dass Verzerrungen eingeführt werden. Um es genauer zu machen, werde ich die True-Peak-Detektion einschalten. Es sucht also nach den Gipfeln unserer selbst. Ich doppelklicke auf die Decke und gebe -0.97 ein. Das wird uns eine Obergrenze von knapp unter Null dB geben. Und auf der linken Seite siehst du, dass wir hier wieder eine Anzeige haben, damit wir etwas Verstärkung einführen können , um das Level unseres Songs, unseres Songs zu erhöhen. Stellen Sie also sicher, dass es die richtige Lautstärke hat. Aber was ist die richtige Lautstärke? Nun, deshalb haben wir hier auf der rechten Seite einen Lautheitsmesser . Jetzt wird die Lautstärke in einer anderen Einheit gemessen als die Lautstärke, die in L UFS gemessen wird. Und das sagt uns, wie laut unser Lied im Laufe der Zeit wird. Also nicht nur die Spitzen, die lautesten Stellen unseres Songs, sondern auch, wie laut wir ihn fühlen, basiert auf einer Anhäufung von Lautstärke. Eine der besten Möglichkeiten, online einen Streit über Loudness zu beginnen , besteht darin, zu fragen, wie viele L UFS Sie beherrschen sollten, da viele Produzenten Ihnen sagen, dass Sie bis -14 beherrschen sollen. Und der Grund, warum sie dir das sagen, ist, dass Musik-Streaming-Plattformen wie Spotify und Apple Music alles leiser machen was lauter als -14 ist, unser UFS. Aber ein professioneller Mastering-Ingenieur wird Ihnen sagen , dass Dinge zwei minus neun L UFS gemeistert werden sollten. Also, was solltest du wählen? Nun, mach dir darüber keine allzu großen Sorgen. Wenn du auf -14 UFS masterst und dann deinen Song auf Spotify oder Apple Music veröffentlichst , klingt es gut. Wenn du dir Sorgen machst, dass dein Song im Radio läuft und im Radio läuft und leiser ist als der Song, davor oder danach kommt, dann ja, du kannst die zwei minus neun UFS maskieren, aber irgendwo zwischen diesen beiden Werten wird es dir gut gehen. Um den Lautheitsmesser zu verwenden. Sie drücken die Starttaste unten nach unten. Und dann spielst du deinen Song von Anfang bis Ende. Und Sie werden auf der rechten Seite feststellen, dass dies der Wert ist, der Ihnen die durchschnittliche Gesamtlautstärke Ihres Songs in EFS gibt. Das wird also hoffentlich am Ende deiner Strecke sein, -14 oder minus neun, je nachdem, welches du anstrebst. Wenn du feststellst, dass dein Titel zu laut ist, kannst du das Spiel am Limiter zurückwählen. Und falls du feststellst, dass dein Track insgesamt zu leise ist, kannst du das Spiel aber hier verbessern. Sie werden wahrscheinlich feststellen , dass Sie sich den Titel anhören und Ihr Spiel ein paar Mal anpassen müssen sich den Titel anhören und Ihr Spiel ein paar Mal anpassen , bis Sie die gewünschte Lautstärke erreicht haben. Sobald du mit der Lautstärke und allem anderen zufrieden bist und die Kette gemeistert hast, ist es an der Zeit, deinen Song aus der Logik herauszuholen und in ein Format zu bringen, das du mit anderen teilen kannst. Dazu musst du einen sogenannten Bounce durchführen . Um das Balance-Menü aufzurufen, drücken Sie Command und B. Daraufhin werden Ihnen diese Optionen angezeigt. Ich empfehle den Export als WAV-Datei, da dies eine bessere Qualität haben wird. Aber wenn Sie dieses Kästchen ankreuzen, können Sie es auch als MP3-Datei teilen. in den Einstellungen hier unten Behalten Sie in den Einstellungen hier unten den Modus in Echtzeit bei. Das bedeutet, dass dein Track in Echtzeit abprallt , während du ihn dir anhörst. Und das kann dazu beitragen, zu verhindern, dass sich MIDI-Fehler aufgrund von Computerproblemen einschleichen. Und zur Normalisierung wählen Sie entweder nur den Überlastschutz oder schalten ihn aus. Denn wenn du das einschaltest, wird dein Song etwas komprimiert. Und Sie haben die Komprimierung bereits selbst gewählt. Wenn du mit diesen Einstellungen zufrieden bist auf Okay klickst, wirst du aufgefordert, das Ziel auszuwählen , an das du diese Titel senden möchtest Dann können sie mit der ganzen Welt geteilt werden. Wenn du in einem Projekt arbeitest dem du viele Tracks sichtbar hast und nicht nur einen Mixdown-Track , wie ich hier arbeite. Dann ist es nützlich, die Stereospur zur Ansicht hinzuzufügen die Stereospur zur und dann von dort aus deine Grenzen festzulegen. Drücken Sie also die Umschalttaste und m, und der Stereo-Ausgang wird hinzugefügt. Und jetzt, wenn du diesen Titel auswählst und Command und B drückst, ist das der Track, den du abprallen lässt, und du kannst sicherstellen, dass du alles aufnimmst , um das Projekt zu verkürzen. Wenn Sie hier herauszoomen, befindet sich auf der rechten Seite ein Griff, Sie dann ziehen können , um auszuwählen, wie viele der Projekte Sie abprallen lassen möchten. Wenn dein Song ein langes Hall-Tail hat, lohnt es sich vielleicht diese Option hier mit Audio-Tail zu aktivieren. Auf diese Weise wird das Ende nicht unterbrochen, wenn du abprallst . Eine andere Möglichkeit, dies zu tun, besteht darin, Ihren Stereo-Ausgang auszuwählen, zur Automatisierung A zu drücken und auf Lautstärke zu klicken. Und dann kann ich hier einen Punkt wählen und stattdessen meine eigenen manuellen Fadeouts hinzufügen. Du kannst diese einfache Mastering-Kette verwenden, um dir Einstieg zu erleichtern und deinen Song professionell klingen zu lassen. Und später können Sie mit mehr Plug-ins experimentieren. Also einige wichtige Erkenntnisse. Denken Sie daran, Mixing- und Mastering-Schritte voneinander zu trennen. Verwenden Sie Referenzen, um sicherzustellen, dass Ihre Ohren gestimmt sind. Wenn Sie Plug-ins wie EQs oder Kompressoren verwenden, sollten Sie sie mit einem bestimmten Zweck verwenden. sie nicht nur ein, weil du das Gefühl hast, zwei zu haben. Und zu guter Letzt, aber vielleicht am wichtigsten: Machen Sie Ihr Niveau richtig. Sorgt dafür, dass dein Song nicht zu laut und nicht zu leise ist. Als nächstes kommt das Projekt. Du wirst schreiben, programmieren, einen Master mischen, deinen eigenen Song. Wann immer du bereit bist. Wir sehen uns dort. 14. PROJEKT: Du hast es bis hierher geschafft. Vielen Dank, dass Sie an meinem Kurs teilgenommen haben, und herzlichen Glückwunsch zum Abschluss. Jetzt ist es an der Zeit, das Gelernte in die Praxis umzusetzen. Aufgabe, die Sie projizieren, ist ziemlich einfach. Produziere ein komplettes Musikstück mit Logic Pro Tem. Jetzt stehen die Chancen gut, dass Sie während dieses Kurses Musik gemacht haben . Und es ist okay für dich, das für dein Projekt zu verwenden, oder du kannst etwas völlig Neues beginnen. Das Wichtigste ist, dass du einige oder alle Dinge, die du in diesem Kurs gelernt hast, verwendest Dinge, die du in diesem Kurs gelernt hast , um dein eigenes Musikstück zu machen. Und wenn sich ein ganzes Lied anfühlt, als wäre es zu viel, ist das in Ordnung. Sie können eine einfache Akkordfolge erstellen. Sie können eine Schlaufe mit acht Balken erstellen. Du könntest einen Beat als völlig okay machen. Das Wichtigste ist, dass Sie von einem leeren Projekt zu etwas Musikalischem übergehen . Es gibt ein paar Dinge, die ich zur Musikproduktion im Allgemeinen sagen möchte . Es ist wirklich einfach, an sich selbst zu zweifeln oder sich selbst zu hinterfragen und Dinge zu fragen wie, was ist, wenn ich nicht gut genug bin? Was ist, wenn jemand anderes bessere Musik macht als ich, besonders wenn all die Ersteller von Social-Media-Inhalten posten über: Oh, ich habe dieses Jahr sechsstellige Zahlen in der Musikproduktion gemacht oder versucht, dir zu verkaufen die Geheimnisse des Einbruchs in die Lizenzierung von Sync-Musik. Vergiss all das Zeug, konzentriere dich auf deine eigene Musik. Deine Musik ist so einzigartig wie du. Aber abgesehen von all diesen Dingen, lassen sich nicht von den Leuten einschüchtern, die versuchen, Ihnen Dinge in den sozialen Medien zu verkaufen. Und sie haben mit anderen Musikproduzenten zusammengearbeitet. Stelle ihnen Fragen, lerne neue Dinge , indem du Menschen unterstützt, die sich für dieselben Dinge begeistern wie du. Herstellung. Bei Musik geht es um persönlichen Ausdruck. Es geht nicht darum, Likes und Followern online zu verfolgen. Wenn Sie Ihr Projekt abgeschlossen haben, vergessen Sie nicht, es in der Projektgalerie zu teilen. Ich würde gerne hören, was Sie gemacht haben und würde alle Fragen beantworten , die Sie möglicherweise haben. Sie können auch zukünftige Kurse vorschlagen , die Sie zu Logic Pro Tem oder zur Musikproduktion besuchen möchten . Und zum Schluss vergessen Sie bitte nicht, eine Bewertung zu diesem Kurs zu hinterlassen. Wenn Sie etwas davon nützlich oder unterhaltsam finden , würde es mir wirklich helfen. Das ist dafür, dass du deine Zeit mit mir verbringst. Und viel Spaß beim Musizieren.