Musik abmischen – Professioneller Sound

1. Einführung in professionelle Mischen: Hey, Freunde und Musikmacher Mike hier und jetzt ist es Zeit für Sie, das Wesentliche zu lernen Ihre Musikproduktionen zu mischen, um einen professionellen Sound zu bekommen. Fangen wir an. Was bedeutet es also, deine Musik gut in überschüssiger Essenz zu mischen? Musik zu mischen ist eigentlich sehr unkompliziert. Das übergeordnete Ziel ist es, eine gute Balance aus der Gesamtproduktion zu schaffen. Sie tun dies, indem Sie alle einzelnen Tracks mischen und verschiedene Techniken verwenden, um ihren eigenen einzigartigen Raum zu nennen. Im letzten Mix streben Sie danach, eine gute Trennung zwischen jeder einzelnen Spur in Ihrem Projekt zu erhalten , so dass sie jeweils ihren eigenen Platz haben, ihre eigene Domain im Mix. Ja, Tracks überlappen sich miteinander. Das ist nur natürlich, weil eine totale Trennung im Grunde unmöglich ist. Aber wenn Sie alle Techniken, die Sie in diesem Kurs lernen, addieren, können Sie eine bessere Trennung zwischen den Tracks erstellen, was zu einer höheren Klarheit für alle Instrumente und Sounds in Ihrem Mix führt. Stellen Sie sich ein Restaurant vor, das voll von Leuten ist, die um Sie herum reden. Der Gesamtklang wird wie ein großes Roll-Off-Rauschen sein. Sie werden in der Lage sein zu hören, dass es viele Leute sind, die reden, aber nicht wirklich individuelle Gespräche. Diese Analogie ist wie eine schlechte Mischung in einer Musikproduktion, viele Instrumente und Tracks, die miteinander kämpfen, was einen großen, schlammigen Klang erzeugen wird . Aber sagen wir, Sie hatten einen Lautstärkeregler für jede Person in diesem Restaurant. Nehmen wir an, Sie könnten sie im Stereo-Raum anders schwenken. Es nur ihre Stimmen mit e que und Filterung automatisieren Lautstärke. Verwenden Sie Kompression, um die Audio-Balance und Seele zu zähmen. Nun, dann hättest du die Kontrolle über alle Gespräche, damit du sie genug trennen könntest, um hören zu können , worüber sie reden. Das ist eine Analogie dafür, worum es bei gutem Mischen geht. Erstaunlich. Jetzt wissen Sie, was Sie in der Lage sein werden, zu tun, wenn Sie grundlegende Techniken aus dem Mischen von Musik lernen . Es ist Zeit, dass du die Kontrolle über deine Musik hast. Lernen Sie die wahre Power Off, Mischen Praxis die oder um Ihre Fähigkeiten zu verbessern. Werde zum Meister deiner Musikproduktionen. Ich könnte, und ich sehe Sie in der nächsten 2. Mike's 10-Tipps zum Malen: Hey, Freunde und Musikmacher Mike hier und in diesem Video, werde ich dir meine Top 10 Tipps geben oder Musik professionell mischen. Alles klar, ich werde ziemlich schnell gehen, aber du kannst immer wieder zuschauen. Tipp eins. Konzentrieren Sie sich auf das Gesamtbild. Beim Mischen von Musik dreht sich alles um das Endergebnis. Das große Ganze. Deshalb rate ich Ihnen, den Großteil Ihrer Zeit auf Dinge zu konzentrieren, die einen großen Einfluss auf das Gesamtbild haben . Wie die Gruppenkanäle, zum Beispiel, Tipp, um viele kleine Änderungen vorzunehmen. Mein persönlicher Leitfaden ist es, viele kleine Änderungen im ganzen Mix vorzunehmen. Erhöhen Sie den Parameter hier ein bisschen, reduziert dort ein wenig. Drastische Veränderungen auf einzelnen Instrumenten in der Regel Sound Bett, so dass mit dem Geist aufbrechen viele kleine Veränderungen neigen dazu, die natürlichste klingende und professionelle gemischte Spitze zu produzieren . Drei. Mischen Sie zuerst den Kern. Was ist der Kern? Nun, es ist im Grunde der absolute Schwerpunkt Ihrer Musik. Die wichtigsten Elemente, wenn Sie so wollen. Normalerweise sind es Dinge wie Drums, Bass und Leadmelodie oder Gesang. Wenn du zuerst diese ausgewogenen und gemischten gut bekommst, wird der Rest deiner Tracks viel einfacher sein. Tipp Vier. Setzen Sie diese Scheinwerfer in die Mitte. Betrachten Sie Ihre Musik als Theaterbühne und Ihre Instrumente als Schauspieler. Sie werden immer Hauptdarsteller haben, die die wichtigsten Scheinwerfer auf sie haben, und ebenso werden Sie Instrumente und Klänge in Ihrer Musikproduktion haben, die mehr Aufmerksamkeit erfordern. Sie geben ihnen das, indem Sie sie in der Mitte platzieren, also entscheiden Sie, welche Klänge in Ihrem Mix oder die Hauptdarsteller. Tipp Fünf. Mischen Sie zuerst mit Ihren Ohren. Das Wichtigste für Sie als Musikkomponist und Produzent oder Ihre Ohren. Lernen Sie, wie Sie sie verwenden, um instinktiv Musik, Instrumente und einzelne Zellen zu hören und kleine Änderungen vorzunehmen, während Sie aktiv mit Sorgfalt zuhören. Widerstehen Sie der Versuchung, eine Analyse zu verwenden, um einen Spektrumanalysator zu mögen. - Onley. Verwenden Sie technische Tools wie diese, um Ihre Instinkte zu bestätigen. Tipp sechs. Verwenden Sie Referenzspuren. Finde veröffentlichte populäre Musik in einem ähnlichen Stil wie dein Track und dient als Orientierungshilfe . Diese sind bereits professionell gemischt. In der Tat kann das Hören und Analysieren von professionell gemischter Musik eine gute Möglichkeit sein, Ihre Ohren zu trainieren . Vielleicht neigt Ihre Musik dazu, zu viel niedrigeres Ende oder vielleicht zu wenig hohe Frequenzen . Tipp Sieben. Lernen Sie Ihr Zimmer und immer noch Sie Monitore. Jeder Raum fügt seinen akustischen Fingerabdruck zu dem hinzu, was Sie hören, wenn Sie Ihre Studio-Monitore hören . Deshalb sollten Sie viel Musik in Ihrem Studio und auf Ihren Monitoren hören, damit Sie den Klang aus dem Raum und Ihren Lautsprechern lernen. Tipp Acht. Kalibrieren Sie Ihre Niveaus. Unsere Ohren reagieren sehr unterschiedlich auf verschiedene Lautstärkepegel, was beeinflusst, wie wir die Frequenzen hören und die Balance in der Musik hören. Deshalb sollten Sie Ihre Studio-Monitore auf ein bestimmtes Niveau kalibrieren, so dass Sie Ihre Musik immer mischen, während Sie mit einem vordefinierten Sound-Low überwachen. Suchen Sie einfach nach kalibrieren Sie Ihre Studio-Monitore auf Google und voll von einem der Leitfäden, um Tipp neun zu finden. Überprüfen Sie Ihre Stereo-Balance und moralische Fähigkeit. Es ist wichtig zu wissen, dass viele Menschen Ihre Musik auf einem moralischen System hören, wie auf kleinen Geräten wie Smartphones, Tablets usw. während des Mischvorgangs. Es ist wichtig, dass Sie Ihren Mix in Monophon jeder Zeit auf dem finalen Mix überprüfen, sollte eine gute Stereo-Balance haben und auch gut klingen, sogar auf einem moralischen System. Tipp 10 mischen sich zu einem speziellen Lautstärkepegel. Ich mache meine Musik immer so, dass die endgültige Produktion ein dediziertes durchschnittliches Lautheitniveau hat . Sie werden viel bessere Mixe erzeugen, wenn Sie nicht zu stark von der Lautstärke beeinflusst werden. Oft täuschen wir uns selbst, indem wir denken, dass eine Veränderung besser klingt, wenn sie einfach lauter klingt. Ich empfehle, einen Loves Meter zu verwenden, der an Ihrem Master-Stereo-Ausgang steckt und direkt zu Beginn Ihres Mischvorgangs entscheidet , welcher durchschnittliche Lautheitspegel. Sie werden die attraktiven mischen, zum Beispiel minus 14 liebt. Ok, das waren meine Top-Tipps oder Mischen Sie Ihre Musik professionell. Ich hoffe, einige dieser Bänder haben Sie mehr auf Ihren eigenen Mischprozess aufmerksam gemacht. Jetzt gibt es nur eine Möglichkeit, Ihre Mixing-Fähigkeiten zu verbessern, und das ist, viel Musik zu mischen. Nichts schlägt Lernen. Indem wir das tun. Achten Sie darauf, einige der Dinge zu implementieren und auszuprobieren, die Sie aus meinen Tipps lernen, dann macht jede Woche so viel Musik wie möglich. Mein Name ist Mike, und wir sehen uns in der nächsten 3. Das 5D-Leinwand Musik: In diesem Video erfährst du mein spezielles Konzept aus professioneller Abmischung von Musik, die auf der fünf D-Leinwand der Musik basiert, und du oder der Maler, der Musik versus Malerei mischt. Dies ist ein Konzept, das ich entwickelt habe, um professionelles Mixen zu unterrichten, und es ist auch eine großartige Leitlinie, um den Rücken Ihres Geistes zu haben, wenn Sie an Ihrem Mix arbeiten. Es basiert auf der Analogie aus der Malerei. Und mach dir keine Sorgen. Sie müssen nicht Leonardo da Vinci sein, um Ihre Musik in eine professionelle Produktion zu mischen, aber ich glaube, dass die Malanalogie großartig ist, um einen Sinn aus Perspektive zu entwickeln. Aus der Musik. Der Maler hat strenge Grenzen zu arbeiten, wenn er seine Kunst in der Größe der Leinwand, die Pinsel und die Werkzeuge verwenden die Farben, die er mit seinem Gaumen produzieren kann. Aber auch innerhalb dieser Grenzen kann ein Gemälde zu einem wahren Meisterwerk werden. Die tausenden von einzelnen Pinselstrichen, alle Farbschichten und das Bild und die Mischung von Farben arbeiten zusammen, um das endgültige Gemälde zu bilden . Welche Morde haben Sie den Eindruck, wenn Sie stehen und das letzte Gemälde an der Wand beobachten ? Jeder ergänzende Rahmen. Jetzt vergleichen wir diese beiden Musik. Wie beim Malen haben Sie Einschränkungen, die auf der Physik und den Regeln der digitalen Domäne basieren, die die Audioaufnahme Ihrer fertigen Produktion ausmachen. Ein Beispiel für eine solche Einschränkung ist das menschliche Gehör. Es gibt keinen Grund, Musik außerhalb der Reichweite zu machen, die unsere Ohren hören können. Ihre Mission ist es, Ihre Musik innerhalb des Bereichs und der Grenzen zu malen, die Sie für Audio und Sound zur Verfügung haben . Wenn Sie also Musik mischen, können Sie sich als ein großer Maler vorstellen, ein Leone Ackerbau DaVinci. Aber für Musik, also was ist die fünf D-Leinwand der Musik? Nun, es ist keine Farbe oder Farben, aber im Vergleich zu einem physischen Gemälde, haben Sie tatsächlich eine größere Domäne in der Musik, um Ihre endgültige bescheidene Ton zu malen. Ich nenne das die fünf D-Kameras der Musik, die für die fünf Dimensionen steht. Wenn Sie Ihre Musikproduktion mischen, lassen Sie uns durch sie eine nach der anderen Dimension einmal die erste Dimension gehen, um Ihre Musik in ihrer Zeit zu malen . Wenn Sie zwei verschiedene Sounds haben, können Sie sie genau zur gleichen Zeit spielen lassen, oder Sie können sie leicht voneinander ausrichten und Sie können sie sogar vollständig in der Zeitdimension trennen . Die Zeitdimension hat den stärksten Einfluss auf die Trennung zwischen Instrumenten und Klängen im Mix. Die größte Kontrolle über die Zeit liegt in der Arrangierungsphase, die zumeist vom Komponisten betreut wird. Aber er kann, zum Beispiel, eine Zeile Audio alle Medienspuren, nachdem die Stücke als Produzent und Mischtechniker beendet. Und natürlich machen viele Musikmacher heutzutage alles selbst, vom Komponieren über das Arrangieren bis hin zum Produzieren und Mixen. Selbst leichte Abweichungen im Timing können einen großen Einfluss auf die Klarheit und Trennung zwischen den Spuren haben. Zum Beispiel, nehmen wir an, Sie müssen perkussive Zonen, die genau zur gleichen Zeit beginnen. Sie können einfach eine von ihnen etwas früher in der Gier Ihres D W und die andere etwas später in der Gier ziehen . Nun haben die beiden Zellen eine gewisse Trennung in Timing aus dem Startpunkt für perkussive Klänge. Es kann eine Angelegenheit von Milli Sekunden sein, um diese Trenndimension zu Frequenz zu erstellen. Die zweite Dimension der fünf D-Leinwand der Musik ist Frequenz. Sie sind auf den Bereich des menschlichen Gehörs beschränkt, um Ihre Musik in der allgemeinen Regel zu malen ist 20 Hertz bis 20.000 Hertz oder 20 Mörder. Kurz: 20 Hertz ist der niedrigste Bassklang, den Menschen im Durchschnitt hören können, und 20.000 Hertz sind die höchste Frequenz. Wir können die Musik Erde aufnehmen, aber besteht aus 12 Noten, die über mehrere Oktaven verteilt sind . Jede Note stellt eine andere Grundfrequenz dar, die von der niedrigsten Basis zur höchsten Tonhöhe reicht. Und beim Komponieren und Arrangieren von Musik ist es sehr wichtig zu wissen, wo in diesem Frequenzbereich all Ihre Instrumente und Sounds in der Mischphase platziert werden. Ich glaube, dass die Frequenzanpassungen, die Sie an jedem Instrument und Track vornehmen, eines der wichtigsten Elemente sind, über die Sie in der endgültigen Leinwand Ihrer Musikproduktion steuern können. Sie haben mehrere Werkzeuge zur Verfügung als Mischingenieur, wie Equalizer, Hi Paul und Low Post Filtering, Multi Bad und Kompression etc. Bemaßung auf drei Ebenen. Die dritte Dimension, die Sie in der fünf D-Leinwand von Musik haben, ist Ebene oder Lautstärke, wenn Sie so wollen, da wir im digitalen Bereich arbeiten. Wenn Sie Ihre Musik mischen, Sie durch die Grenzen außerhalb der digitalen Audioskala die Lautstärke begrenzt, was bedeutet, dass die Lautstärke zu jedem einzelnen Zeitpunkt durch einen digitalen Wert beschrieben wird. Und dieser Wert hat ein Dach auf absoluter Spitzenniveau, die Ciro Dezibel ist. Nichts kann über dieses Limit gehen, und wenn Sie es versuchen, wird es nur die Audioform direkt auf diesem Spitzenniveau abgeschnitten. Wie sein Samurai-Schwert oder noch besser Analogie ist es, der DD zwei Publikumsskala als ein Glas Wasser zu denken . Sie können Onley eine begrenzte Menge Wasser in diesen Glanz gießen, bevor es voll ist. Der Vollglanz stellt Null Dezibel in der digitalen Audioskala dar. Wenn Sie versuchen, mehr Wasser hinein zu gießen, wird das Wasser an den Rändern verschütten und Schlamassel erzeugt. Aber die eigentlichen Mädchen werden immer noch die gleiche Menge Wasser darin haben. Wenn Sie Ihre Musik mischen, können Sie Ihre Instrumente und Sounds so ausbalancieren, dass sie mehr oder weniger scharf sind, indem Sie den Pegel von allen Tracks anpassen . Dies wird hauptsächlich durch die Verwendung all dieser Pegelfehler im Mixer getan, aber er kann auch verwenden, um, wie dynamische Kompression, Sightseeing, Kompression, Begrenzung usw., um sowohl den Peakpegel zu formen sowie den durchschnittlichen Level aller einzelnen Tracks in deinem Mix. Dimension vier. Panning In den alten Zeiten der Musik wurde alles in Mono aufgenommen, und tatsächlich gibt es immer noch Geräte, die Onley heute im Modell platzieren. Ich weiß, es ist schrecklich, aber leider stimmt es. Natürlich kommt das beste Hörerlebnis der Musik durch Hinzufügen der Dimension von Stereo- oder sogar Surround-Sound, in einigen Fällen Platzierung der Instrumente von links nach rechts oder, im Fall aus, Surround sogar von vorne nach hinten. Für diese verwenden Sie einen Schwenkknopf in Ihrem Mixer, und es ist sehr wichtig zu lernen, wie Sie diese Dimension verwenden. Wenn Sie zwei Instrumente haben, die viel miteinander kämpfen, wie ein ruhiges Klavier und eine Rhythmusgitarre, zum Beispiel, wenn Sie zusammen spielen, werden Sie hören, wie viel sie konkurrieren, was drastisch verringert die Trennung und Klarheit jedes Instruments. Aber indem Sie einfach Variation in der Panning-Dimension hinzufügen, werden Sie die Trennung und Klarheit sehr verbessern, also lassen Sie uns etwas Schwenken auf der Rhythmusgitarrenspur sowie der Comm Piano-Spur machen, sie in separate Richtungen drehen und Wenn man sich das auf einer Stereoanlage anhört, könnte man die verbesserte Trennung zwischen Rhythmusgitarre und ruhiger Klavierspur deutlich hören . Allerdings sollten Sie sich bewusst sein, dass, wenn Sie persönlich da auf die Spur auf einem moralischen System, zum Beispiel auf einem Radio, einem Telefon , etc, dass Trennung nicht vorhanden sein wird. Verlassen Sie sich also nicht auf das Schwenken allein. Dimension 5 Space Die letzte und fünfte Dimension von der Leinwand der Musik ist Raum, und mit dem Raummeine ich den und mit dem Raum akustischen Raum. Alle Audio kann verschiedene Grade in Arten von akustischen Räumen haben. Klang eingebettet in den Klang. Zum Beispiel wird Ihre Stimme in einem Badezimmer im Vergleich zu einem Schlafzimmer sehr unterschiedlich klingen. Dies liegt an dem Unterschied in Audioreflexionen im Raum, der Raumgröße Materialien usw. Der musikalische Begriff für diese ist Nachhall oder Reverb für kurz. Jetzt beim Mischen, können Sie diese Tatsache verwenden, um Trennung zwischen Spuren zu schaffen, indem Sie verschiedene Grade und Stile von Hall-Sound auf verschiedenen Spuren anwenden , weil Variation Kontrast schafft, was wiederum macht es für unser Gehirn einfacher trennen Sie jeden Ton. In der Tat sollten Sie sich an das Wort Kontrast erinnern. Es ist Teil der Essenz der Musikproduktion und -mischung. Vergleichen Sie diese beiden Gemälde wieder im Jahr. Niedriges Objekt im Gemälde wird noch mehr auffallen, wenn es vor einem blauen Hintergrund platziert wird . Denn wenn Sie eine Farbtheorie kennen, wissen Sie, dass blau und gelb oder was als Komplementärfarben bezeichnet wird, was bedeutet, dass sie auf den gegenüberliegenden Seiten voneinander in der Farbe real sind. Grundsätzlich ist das Kontrastverhältnis zwischen den Farben so hoch wie möglich. Wenn Sie also einen sehr trockenen Klang haben, der minimalen Reverb bedeutet, wird es sich noch stärker auf druckvoll konzentrieren, wenn es gleichzeitig mit einem Sound mit einer hohen Menge an Fluss gespielt wird. Erstaunlich. Jetzt haben Sie die sehr wichtigen Konzepte gelernt, um Ihre Musik professionell zu mischen, die fünf Dimensionen von der Leinwand der Musik. Also erinnere dich an diese fünf Dimensionen. Schreib sie auf. Nehmen Sie sich einen Moment Zeit, um wirklich Litton, sinken Sie hinein und verwenden Sie sie als Leitfaden. Die fünf Dimensionen der Kanonen der Musik, Zeit, Zeit, Frequenzpegel Panning und Raum. Denn wenn Sie Ihre Musikproduktionen mischen, Sie oder in der Tat, die Leonardo da Vinci oder Musik, ich könnte, und ich sehe Sie in der nächsten 4. Die Music: in diesem Video lernen Sie eine sehr wichtige Regel über das Mischen von Musik in Bezug auf andere Produktionsschritte beim Erstellen eines letzten Musikstücks. Reparieren Sie es nicht in der Post. Ich werde diese mit einer anderen Analogie erklären. Und dieses Mal ist von der Filmindustrie, weil ein Film sagte, ist ein sehr hektischer Ort und Fehler werden die ganze Zeit gemacht. Diese Tatsache hat einen Cle sie Phrase geschaffen, der so oft verwendet wird, wenn es keine Zeit gibt , zu korrigieren. Der Fehler auf Set wird es im Post beheben, was bedeutet, dass sie es dem Postproduktionsteam überlassen, um zu versuchen, es zu lösen. Natürlich sind die Postproduktions-Jungs davon so müde, aber es ist Teil des Prozesses geworden, also akzeptieren sie es nur für das, was es ist. Nun, Mischen von Musik und Mastering für diese Angelegenheit oder die letzten Etappen in einer Musikproduktion. Also, wenn Sie Ihre Musik mischen, sind Sie im Wesentlichen im gleichen Schritt wie die Postproduktions-Jungs. Für Filme ist das Musizieren eine Kette von Aufgaben. Es beginnt mit einer Idee, die mit dem Kompositionsschritt weitergeht, dann zum Aufnehmen von Instrumenten und Sounds als Arrangieren und dann Mixen. Und schließlich ist die Beherrschung jeder Kette nur so stark wie ihr schwächstes Glied. Sie sollten die Dinge nicht in der Post reparieren, was bedeutet, die Misch- und Mastering Stufe. Wenn du deine eigene Musik mischst, hast du die volle Kontrolle. Und selbst wenn Sie Ihre Musik nicht machen, können Sie oft den Künstler kontaktieren und Änderungen vorschlagen, um eine Aufnahme zu verbessern. Das Arrangement , etc. Es ist immer besser, Dinge früher in der Kette zu korrigieren. Lassen Sie mich Ihnen ein Beispiel geben. Wenn Sie eine Vokalaufnahme haben, die zu hell klingt, anstatt sie mit EQ zu korrigieren, können Sie in der Mischstufe, die wir die Postproduktionszustände nennen können. Es ist viel besser, verschiedene Mikrofone auszuprobieren, bis Sie es besser finden, eines, das zu diesem Sänger und Song passt. Und in manchen Situationen möchten Sie vielleicht den Sänger ganz auswechseln. Lassen Sie mich ein weiteres Beispiel machen. Nehmen wir an, Sie haben während eines Teils Ihres Songs zu viel los. Nun, anstatt zu versuchen, das Chaos und Schlamm in der Mischphase zu korrigieren, ändern Sie es stattdessen im Arrangement und im Kompositionsprozess. Also denken Sie daran, Musikproduktion ist eine Kette von Schritten, die alle wichtig sind und mit Sorgfalt behandelt werden müssen . Hetzen Sie nicht durch jede Etappe, weil es sich negativ auf das Endergebnis auswirkt. Eine weitere wichtige Sache zu erinnern ist, dass diese Kette nicht statisch ist. Als Musik-Schöpfer können und sollten Sie zu jedem Port Ihrer Kette hin und her springen, um Änderungen und Verbesserungen vorzunehmen. Lassen Sie keinen Schritt einem anderen überlegen werden. All diese Schritte alle von gleicher Bedeutung. Denken Sie daran, die Kette der Musikproduktion, und Sie werden eine viel einfachere Zeit haben, Ihre Musik zu mischen, um einen professionellen Sound zu erreichen. Mein Name ist Mike, und wir sehen uns im nächsten Video. 5. Dimension 1 – Zeit: In diesem Video werde ich verschiedene Möglichkeiten erklären, um Ihre Musik mit der ersten Dimension aus der Leinwand der Musikzeit zu mischen . Warum beginnen wir mit der Zeit als erste Dimension auf der Leinwand der Musik? Einfach, denn wenn Sie Instrumente und Sounds rechtzeitig trennen, schaffen Sie die beste Trennung zwischen ihnen. Normalerweise wird diese Dimension aus dem Malen Ihrer Musik darin im Komponieren und Arrangieren einer Musikproduktion getan . Aber Sie haben auch Möglichkeiten, eine zeitliche Trennung im Mischprozess zu schaffen. Nehmen wir ein praktisches Beispiel. Wenn Sie eine Kickdrum und eine Bassdrum zur gleichen Zeit spielen, alle Lasten, die sie gemalt und zum gleichen Zeitpunkt gespielt werden, werden wir schwere Konflikte zwischen ihnen haben, und beide Tracks verlieren Klarheit als Ergebnis. Nehmen wir an, Sie haben einen Kick Drum Beat in 44 bedeutet vier Beats pro Takt und eine Grundlinie, die ein gerades Acht Beat Muster spielt. Jede andere Bassnote wird mit der Kickdrum kollidieren, und das niedrige Spektrum in Ihrer Musikproduktion wird schlammig und unkontrolliert. Aber wenn Sie stattdessen komponieren und anordnen, dass die Kick Drum Hits und Baseline Noten vollständig getrennt in der Zeit sind, ist die Hälfte Ihres Mischauftrags bereits erledigt. beispielsweise Wenn Siebeispielsweisedie Bassnoten auf den Off-Beats auf Lee abspielen, klingen die Kick Drum Hits klar und die Bassnoten haben weiterhin ihren Fokus . Aber Sie wollen vielleicht nicht, um die Basis Onley zwischen den Kick Drum Hits zu halten. Nun, ein netter Trick besteht darin, einfach die Basisspur auszurichten, um die Noten etwas früh auszulösen. Wir sprechen hier über Milli Sekunden, nur um den ersten Angriff von den Basisnoten hören zu lassen , bevor der Angriff von den Kick Drum Knoten. Und das ist etwas, was Sie in der Mischphase tun können, auch wenn Sie nicht die Kontrolle über den Komponier- und Arrangierungsprozess haben. In einigen Fällen können Sie diese zweite Spur sogar ein wenig später in der Gier drücken, um noch mehr Trennung hinzuzufügen. Aber für die Kick-Trommel möchte man sie normalerweise an das Gitter binden lassen. Lassen Sie mich Ihnen eine praktische Demonstration zeigen. Eine Möglichkeit, Ihre Spuren im Raum auszurichten, besteht darin, einfach einen Clip im Sequenzer auszuwählen, Fangen zu deaktivieren und dann einfach mit der Maus zu ziehen, entweder nach links oder zum Richtig. Aber ich habe festgestellt, dass der beste Weg, um Spuren im Raum mit der meisten Kontrolle und Präzision leicht neu auszurichten , die Verwendung einer Funktion ist, die die meisten DWS hat, wo Sie die gesamte Spur automatisch ausrichten können, indem Sie eine Verzögerung hinzufügen, die sowohl positiv als auch negativ, je nachdem, in welcher Richtung Sie auf die Spur schieben möchten. Dies kann unterschiedlich sein, abhängig von Ihrem D W. Aber in der Logik, wählen Sie einfach die Spur, die Sie Linie möchten, und gehen Sie dann zum Track Inspector hier drüben und finden Sie eine Funktion namens DeLay ist unter mehr hier, und Sie können diese Verzögerung entweder positiv oder negativ machen. Lassen Sie mich Ihnen zeigen, was passiert, wenn ich hier und ah, im Sequenzer eine hohe Wert-Einstellung verwende . Die Tracks sind immer noch perfekt auf die Gier ausgerichtet und synchron miteinander, aber jetzt werden Sie die Bassspur hören, die die Noten viel früher spielen. Wegen dieser Verzögerung habe ich hinzugefügt, so dass Sie die Verzögerung manuell einstellen können, indem Sie mit dem Mund nach oben oder unten ziehen, wenn Sie die linke Maustaste gedrückt halten oder etwas mit Ihrer Computer-Tastatur schreiben. Oder Sie können diesen Button hier benutzen, um die tatsächlichen Notenwerte und was sie in Ticks sowie in Mili Sekunden entsprechen zu sehen. Nehmen wir an, wir wollen es früher um eine vollständige 16. Noten schieben, die 240 Ticks sind, was 136,4 Millisekunden entspricht. Hören Sie sich jetzt an, wie sich der Track anhört. Wie Sie hören können, klingt der Bass völlig aus der Zeit, weil ich ihn wirklich hart nach links im Raster geschoben . Aber wenn Sie sich für ein moderateres Sitzen entscheiden, wie zum Beispiel, das ist etwa 20 Millisekunden tun, was gleich zwei, eine 96 Note und 40 dauert jetzt werden Sie eine zusätzliche Trennung zwischen der Kicktrommel und der Bass , der Ihre Basis zupfen Sound bringen kann. Und das wird immer noch eng in der Mischung klingen. Also lasst uns zuhören. In der Tat ist es durchaus üblich, dass Bassisten Verbündeten Italien früh im Startfeld platzieren. Nun lassen Sie uns ein weiteres Beispiel machen, wenn Sie einen Rhythmusgitarrentrack und eine ruhige Klaviertatsache gleichen Zeit spielen und in etwa dem gleichen Bereich neben dem Frequenzspektrum konkurrieren sie miteinander. Nun, man kann sich immer fragen, beide Tracks gleichzeitig spielen sollen? Um damit zu beginnen? Vielleicht pendeln Sie das Klavier, während die Gitarre das Comping und den Rhythmus für den Track bereitstellt und dann zum Klavier wechseln und die Gitarre in einem anderen Abschnitt des Tracks stummschalten. Grundsätzlich verwenden Sie das Prinzip des Arrangierens. das jedoch beim Mischvorgang Betrachten Siedas jedoch beim Mischvorgangals eine Option. Wenn Sie zwei Tracks haben, die stark miteinander konkurrieren, ist eine bestimmte Frequenzdomäne der nächste Tipp, den ich habe, den Fokus im Laufe der Zeit jeder Produktion zu wechseln , weil das Mischen im Allgemeinen über die Auswahl geht. Aber der Zuhörer sollte sich darauf konzentrieren, welche Tracks die vier Runde nehmen sollten und welche im Hintergrund zur Unterstützung stehen sollten. Nehmen wir an, die Gitarre kommt zuerst in die Spur und dann das Klavier. Nun, einen Trick, den ich persönlich benutze, um Trennung zu schaffen. Die Zeitdimension verwendet hier, um den Fokus zwischen zwei konkurrierenden Instrumenten zu wechseln, nicht durch Stummen oder Schneiden. Zwei völlig trennen sie in der Zeit, aber um das Level auf jedem Track zu automatisieren, um Onley zu wählen, eine von ihnen als Vordergrund zu jedem einzelnen Punkt in der Zeit Also, wenn das Klavier kommt in zweiter hier, Ich automatisieren die Rhythmusgitarre, um in Lautstärke für diesen Abschnitt zu gehen, und in einem anderen Abschnitt konnte ich zurückschalten, um wieder auf die Gitarre zu konzentrieren. Also automatisiere ich die Levels auf beiden Tracks entsprechend. Die Zeitdimension für das Mischen und Erzeugen von Trennungen beschränkt sich nicht auf das Anordnen , Stummen, Schneiden und Einstellen von Ebenen. Wie ich in den vorherigen Beispielen erwähnt habe, können Sie in der Tat alle Arten von Automatisierung auf verschiedenen Parametern den Grad vor dem Hintergrund auf konkurrierenden Instrumenten in Ihrem Mix anpassen . Grundsätzlich verwenden Sie verschiedene Zeitpunkte, um sich auf verschiedene Sounds und Instrumente in Ihrem Mix zu konzentrieren . Sie jedes Mal, wenn Sie ein neues Instrument oder einen neuen Sound in Ihrem Track einführen, ÜberlegenSie jedes Mal, wenn Sie ein neues Instrument oder einen neuen Sound in Ihrem Track einführen,auf welche Instrumente Sie den Fokus im Mix einstellen können, damit das neue Instrument deutlich zu hören ist. Der Grund, warum diese Werke großartig sind, ist, dass unsere Ohren und Gehirn bereits die alten Instrumente verarbeitet haben , Also, obwohl wir den Fokus auf sie reduziert haben, werden wir sie immer noch deutlich hören, weil das Muster und die Anwesenheit von ihnen bereits von unserem Geist verarbeitet. Alles klar, lassen Sie uns die wichtigsten Punkte zusammenfassen, die Sie einmal gelernt haben, ist die einzige mächtigste Dimension um Trennung zwischen Instrumenten und Klängen zu schaffen. Indoor-Mix, um die meiste Kontrolle über die Zeitdimension ist im Komponieren und Arrangieren Prozess durch Trennen, wenn Noten ausgelöst werden, sowie Anordnung von Abschnitten, in denen Instrumente spielen oder nicht spielen drei in Mixen. Sie können die einzelnen Spuren oder Abschnitte immer so ausrichten, dass sie leicht früh oder spät im Raster sind. Um eine Zeittrennung beim ersten Angriff hinzuzufügen, Portieren Sie die Instrumente in Ihrem Mix aus. Vier. Sie können auch Stummschaltung und neu angeordnete Abschnitte von Instrumenten während des Mischvorgangs abschneiden, um Konkurrenz zu vermeiden. Und fünf, Sie können die Macht der Automatisierung verwenden, um nur bestimmte Parameter, wie Pegelschwenk-Filter und e que im Grunde den Fokus für die Spuren in Ihrem Mix zu verschieben . Erinnere dich daran. Sie können in zwei Richtungen auf Lee gehen. Entweder schieben Sie das Instrument zurück in den Mix, was bedeutet, dass Sie sich weniger darauf konzentrieren, oder Sie ziehen es nach vorne, was bedeutet, dass sich der Hörer mehr darauf konzentriert. Herzlichen Glückwunsch. Du hast jetzt gelernt, wie man die Zeit gut in der Musik steuert. Das liegt daran, dass Zeitmaschinen in meinem lokalen Speicher immer noch nicht verfügbar sind, jetzt Maßnahmen und Praktiken ergreifen und eine zeitliche Trennung hinzufügen, wenn Notizen oder ausgelöst werden, zwischen Spuren für verschiedene Abschnitte in Ihrem Projekt wechseln und fokussieren Schieben und Ziehen von Instrumenten an die Rückseite oder Vorderseite Ihres Mixes mittels Automatisierung. Ich kann Ihnen versprechen, dass dies extrem leistungsfähig ist, um bessere und professionellere Mixe zu schaffen . Ich könnte, und ich sehe dich im nächsten Video. 6. Dimension 2 – Frequenz: in diesem Video werde ich Ihnen verschiedene Möglichkeiten beibringen, Musik mit dieser zweiten Dimension aus der Leinwand der Musik-Frequenz zu mischen . In Ordnung, also nannte ich diese Dimensionsfrequenz, aber wie Sie wahrscheinlich wissen, Frequenz und Tonhöhe oder verwandt in Musik, haben Sie mehrere Oktaven, um Ihre Musik und Klänge zu komponieren. Das bedeutet, dass Sie, wie bei der Zeitdimension, wie bei der Zeitdimension,die größte Kontrolle über die Verteilung von alten Instrumenten und Klängen über den Frequenzbereich haben , wenn Sie sich im Komponier- und Arrangierungsmodus befinden, im Grunde Sie versuchen, eine Balance aus allen Instrumenten und Sounds in Ihrem Mix zu schaffen, um den gesamten Frequenzbereich zu füllen , ohne in einem bestimmten Bereich zu überladen. Nehmen wir an, Sie zum Beispiel haben zum Beispielzu viel im mittleren Bereich vor sich, was ziemlich üblich ist. Nun, wenn Sie komponieren, können Sie zum Beispiel Instrumente nach oben oder unten eine Oktave transponieren, um den Cutter in einem bestimmten Frequenzbereich zu reduzieren . Oder Sie können ein Instrument einfach während einer bestimmten Passage in Ihrem Track stummschalten. Denn eine Regel des Mischens ist, dass jedes Mal, wenn Sie etwas wegnehmen, die verbleibenden Dinge automatisch mehr Leistung und Klarheit erhalten. also geht es nicht darum, die Ebenen zu erhöhen. Meistens geht es darum, andere Elemente in der Mischung zu entfernen oder zu reduzieren. Nun, wenn Sie ein Beitrag der Komposition und Arranging-Modus sind, können Sie viel in der technischen Mischmodus sowie Ihre besten Freunde hier oder die Equalizer auf den Filtern tun. Sie können EQ-Verwendung und Filter auf grundsätzlich jeder Spur in Ihrem Projekt verwenden. Wenn Sie mischen, um den Ton und die Frequenz zu formen, biegen Sie alle diese Spuren ab, so dass jede Spur ihren eigenen Raum und Brennpunkt in der Frequenzdimension erhält . Lassen Sie mich Ihnen ein praktisches Beispiel geben. Nehmen wir an, Sie haben eine Kick-Trommel und eine Basis, die miteinander kämpfen. Ihre Rolle in der Mischstufe besteht darin, sicherzustellen, dass diese beiden Spuren oder hörbar und deutlich in der Mischung. Das bedeutet, dass Sie kreative Entscheidungen treffen müssen, wenn Sie den Ton und den Brennpunkt dieser beiden Spuren prägen . Hier ist eine Möglichkeit, wie Sie arbeiten können. Beginnen Sie mit einem Parametric Equalizer auf der Kickdrum, sagte es zu einem schmalen Band und wischen mit einem großen Schub in Dezibel über die unteren Frequenzen bis Sie einen guten klaren Daumen finden, die die grundlegende Stampfen aus der Kickdrum markiert. Nehmen wir an, Sie finden es bei etwa 120 Hertz. Dann wählen Sie einen bestimmten Equalizer, Plugging, den Sie verwenden möchten, um den Sound von der Kick Drum zu formen und steigern ein paar Dezibel auf 120 Hertz auf diesem Kick Drum Track. Dann fügen Sie ein e que auf der Bassspur, wo Sie das genaue Gegenteil tun, Reduzierung um ein paar DB, alle 120 Hertz. Dann gehen Sie auf die Bassspur und machen Sie die e que swiper Methode auf sie als auch. Nehmen wir an, Sie finden wieder ein gutes, fundamentales eigenes mit etwa 60 Hertz. Verwenden Sie eine E que Boost auf 60 Hertz auf der Bassspur und dann auf dem Kick Drum Track, Sie tun das Gegenteil, machen einen kleinen Schnitt auf 60 Hertz von ein paar Dezibel. Dies ist im Grunde die Essenz der Mischung in der Frequenzdimension, Auswahl eines Brennpunkts für eine bestimmte Spur, Erhöhung es ein wenig auf diesem Brennpunkt auf konkurrierenden Spuren auf der gleichen Frequenz ein wenig zu schneiden . Dies wird Veteranen Trennung zwischen den Spuren zu schaffen. Noch eine Sache. Ein Instrument muss nicht nur einen Brennpunkt haben. Zum Beispiel möchten Sie einen weiteren Brennpunkt auf der Kick-Trommelspur haben, um den anfänglichen Treffer Port Off the Sound auszudehnen , was eine viel höhere Frequenz ist. Nehmen wir an, Sie finden einen netten Teil von dem Angriff. Klingt von der Kicktrommel, um etwa zwei Kilohertz zu sein. Nun, dann fügen Sie einen weiteren Brennpunkt zu dieser Frequenz hinzu und machen den EQ. Du steigerst wieder gegen Rinder-Routine. Ein allgemeiner Rat, den ich gerne bei der Verwendung e que geben möchte, ist vorsichtig zu sein, wie viel Sie sich bewerben. Es klingt in der Regel am besten in kleinen Dosen. Deshalb funktioniert das Boosten ein wenig auf einer Spur, während ein wenig auf einem anderen Track reduziert wird. Was ist mit Filtern? Nun, Filter oder im Grunde, jeder Sie Pisten an beiden Enden des Frequenzspektrums. Ein Tiefpfostenfilter ist eine Steigung in der höheren Frequenz, und das lässt die unteren Frequenzen Beiträge und ein Hochpassfilter ist das Gegenteil, lassen die höheren Frequenzen Impuls. Sie können auch festlegen, wie steil die Neigung ist, indem Sie den abgeschnittenen Filter in Dezibel pro Eichenband einstellen. Ich rate, vorsichtig mit sehr steilen Hängen zu sein, weil es, wie bei schweren Gleichungen, wie bei schweren Gleichungen,leicht den natürlichen Charakter über einen Klang wegnehmen kann. - Hoch. Post-Filter sind sehr gut, um unnötige Low zu entfernen und in einem Sound rumble, der diese Basis nicht hinzufügen muss. Viele Produzenten und Mischingenieure setzen tatsächlich ein bisschen aus Filterung auf allen Tracks außer der Kickdrum und Bass, weil diese alle Instrumente, die das sehr niedrige Ende von der Frequenzdimension in der Musik auf der entgegengesetzten Spektrums können Low-Post-Filter ideal sein, um Härte und Biss in einem Instrument zu reduzieren und es im Grunde ein wenig zurück in den Mix zu schieben. Eine gute Möglichkeit, einen klaren Stimmklang in einem Mix zu erhalten, ist, ein wenig Low-Post-Filterung auf grundsätzlich allen Tracks zu verwenden , außer den Lead-Vokal-Coping-Instrumenten wie Wiederbeleben es alle kommen Klavier-Backing-Strings usw. muss nicht viel hohe Frequenz haben Informationen überhaupt , weil ihr Zweck hauptsächlich darin besteht, im Hintergrund zu sein und die höhere Frequenzdomäne ist was unsere Ohren tendenziell mehr zu konzentrieren. Wenn Sie also ein Instrument oder einen Ton wieder in den Mix schieben möchten, eine Möglichkeit darin, einige seiner hohen Frequenzen zu reduzieren. Erstaunlich. Nun haben Sie gelernt, wie Sie Ihre Musik in der Frequenzdimension malen können, wie zum Beispiel die Instrumente und Klänge in Tonhöhe im Allgemeinen beim Komponieren und Arrangieren ausbalancieren . Reduzieren Sie Unordnung und verpassen Sie in einem bestimmten Frequenzbereich, indem Sie zum Beispiel Spuren in eine andere Oktave transponieren oder sogar einen Abschnitt eines Instruments mit e que und Filter stummschalten , um alle einzelnen Spuren in der Mischung zu jeder haben ihren eigenen Raum und Brennpunkt oder Brennpunkte. Es ist sehr wichtig, dass Sie lernen, wie Sie alle Tracks in Ihrem Projekt über den vollen Frequenzbereich ausbalancieren . Bitte denken Sie daran, dass Sie eine große Auswahl an Oktaven haben, in die Sie Ihre Musik malen können. Mein Name ist Mike, und wir sehen uns im nächsten Video. 7. Dimension 3 – Ebene: In diesem Video erfahren Sie, wie Sie Ihre Musik in der dritten Dimension von der Leinwand der Musik mischen, die Ebenen ist. Wenn du jemals in einer Band gespielt hast, hast du wahrscheinlich eine Lektion über die menschliche Natur gelernt. Jeder scheint immer das Niveau von seinem Instrument und unerfahrener Musik erhöhen zu wollen . Auch Komponisten und Produzenten fallen in diese Reise, weil nicht alles gleichzeitig laut sein kann . Lassen Sie mich Ihnen eine Analogie geben. Nehmen wir an, Sie fühlen ein Stück Papier mit Text. Nun, was sollte der Fokus für den Leser sein? Das ist deine erste kreative Entscheidung, die du treffen musst. Die nächste ist, auf welche Weise sollten Sie sich konzentrieren. Eine der gebräuchlichsten Wege ist natürlich mit Schlagzeilen. Natürlich kann nicht jeder Satz eine Schlagzeile sein, denn das ist lächerlich und würde gar nichts praktisches Gutes tun. Eine andere Möglichkeit, Aufmerksamkeit zu lenken, besteht darin, einige ausgewählte Wörter oder Gruppen von Wörtern wieder fett zu markieren . Wenn Sie den gesamten Text auswählen und ihn fett machen, würde der eigentliche Zweck der Ausrichtung des Fokus besiegen . Dies sind also extreme Beispiele, um zu veranschaulichen, was Sie als Mischtechniker tun. Der entscheidende Punkt, an den Sie sich erinnern müssen, ist, je mehr Instrumente und Sounds Sie versuchen, sich zu jedem einzelnen Zeitpunkt zu konzentrieren . Die Listenleistung, die sie haben, zum Beispiel, gehen zurück auf das Stück Papier mit Text. Wenn Sie nur eine einzige große Überschrift am oberen Rand der Seite haben und der Rest des Textes einfache Absätze sind, wird diese Überschrift einen super starken Fokus haben. Je mehr Schlagzeilen oder je mehr Wörter Sie fett markieren, desto weniger Auswirkungen haben sie jeweils. Als Mixing-Ingenieur haben Sie die Macht und Verantwortung, die Levels von jedem einzelnen Track so zu setzen , dass der Hörer von der vollen Musikproduktion führt. Was oder die Schlagzeilen Ihres Tracks und was in Fettdruck markiert werden sollte, ist eigentlich eine der natürlichsten und musikalischen Möglichkeiten, Musik schnell und effizient zu mischen. Hier ist ein Fall, in dem ich sehr empfehlen, zu lernen, Ihre Ohren zu benutzen. Ich fahre diese Fehler, ohne auf die Audiometer oder andere Analysetools zu schauen, aber zuerst, denken Sie daran, aber zuerst, denken Sie daran,alle Ebenen mit einer hohen Menge an Spielraum zu sitzen, bevor Sie mit dem Mischen beginnen. Der Fachbegriff dafür wird in der Inszenierung gewonnen. Dies bedeutet, dass das Niveau jeder Spur so anpassen, dass es viel Platz hat, um das Niveau zu erhöhen , bevor Sie in die rote. Dies bedeutet, dass er den Pegel von allen Spuren vor dem Kanalfader so eingestellt, dass er mit dem Mischvorgang beginnt. Wenn alle Ausfälle auf die Standardposition eingestellt sind, die bei manchen D. W Null ist , haben Sie die Möglichkeit, den Eingangspegel aller Spuren direkt im Mixer oben anzupassen . Es heißt „Spiel hier in Reason“. In anderen d. A. Ws müssen Sie tatsächlich ein Gain-Plugging als ersten Insert-Effekt auf alle Spuren einfügen, um den Gain-Staging-Prozess durchzuführen. Aber das Ziel ist es, sicherzustellen, dass Sie beginnen, mit einer guten Menge an Spielraum auf jeder Strecke zu mischen , und ich persönlich mag es, mit allen Tracks beginnen, die ungefähr den gleichen durchschnittlichen Peak Level um minus 20 Dezibel haben , . Also setze ich einfach alte Kanalausfälle zurück und verwende dann einen Gain Plugging oder Eingangsverstärkung am Mixer, um jede Spur einzustellen, bis das Messgerät ungefähr minus 20 Dezibel für die Spitzenabschnitte von jeder Spur anzeigt . Wenn es spielt, stellen Sie sicher, dass Sie zuerst die Abkühlung der Musik ausbalancieren und alles andere um sie herum mischen . Das coole für die meisten Musik sind die Drums, die Basis und die Leadmelodie, Motiv oder Haken. Diese Elemente sollten in der Regel die meisten Fokus und Leistung in Ihrem Mix haben. Wenn Sie diese Kernelemente ausgewogen haben, sollte der Rest leichter folgen. Dann beginne ich normalerweise mit dem Balancieren der Levels von allen Gruppenkanälen. Und danach gehe ich in der Regel durch alle verbleibenden Tracks nacheinander, fahre die Misserfolge, benutze meinen Instinkt und Ohren nur manchmal halte ich sogar meine Augen geschlossen, wenn ich die Levels setze . In der Tat ist mein Hauptratschlag beim Mischen der Levels, musikalisch zu mischen. Technisch gesehen nicht richtig. Diese Fehler mit deinen Ohren, um dich zu führen Groß. Jetzt haben wir gelernt, die musikalischste und instinktivste Dimension der Musik zu mischen, die Ebenen ist. Es geht darum, zu entscheiden, was als Schlagzeilen gesetzt werden soll und was fett markiert werden soll. Grundsätzlich, was Sie in der Mischung vorwärts ziehen wollen, drücken alle rückwärts. Du bist auf dem Fahrersitz, der Regisseur der Musikproduktion. Sie müssen die kreativen Entscheidungen treffen, die die Aufmerksamkeit des Zuhörers lenken, und Littles ist Ihr Weg zum Werkzeug dafür. Also ergreifen Sie jetzt Maßnahmen und üben Sie das Reiten auf diesen Levels. Ich empfehle dringend zu versuchen, sogar die Augen zu schließen, wenn Sie Ebenen mischen wirklich lernen, wie man von Ihrem Instinkt zu mischen, mit den Ohren auf weg, es ist Sound Sie arbeiten mit einem Doktorand. Mein Name ist Mike und wir sehen uns im nächsten Video. 8. Dimension 4 – Panning: Jetzt ist es Zeit, die Welt von Stereo-Sound zu betreten, indem Sie verschiedene Möglichkeiten lernen, Musik zu mischen, indem Sie die vierte Dimension aus der Leinwand von Musik , die Schwenken ist , Alles klar verwenden, die Schwenken ist, Alles klar, also müssen Sie zuerst lernen , dass Sie sich nicht auf diese Dimension verlassen können. Alle anderen vier Dimensionen von der Leinwand der Musik werden übersetzbar sein, um immer Musik zu hören. Aber leider nicht alle Geräte, die Menschen verwendet, um Musik oder in Stereo zu hören. In der Tat gibt es unglaublich viele Geräte, die es in Mono gibt, besonders kleine Geräte und mehr Gallengeräte. Und selbst wenn sie oder in Stereo, es ist ein sehr schlechtes, freundliches Stereo-Bild. Denn Stereo-Sound ist abhängig von der physikalischen Entfernung zwischen dem linken und rechten Lautsprecher in Bezug auf den Hörer. Grundsätzlich erstellen Sie ein Dreieck zwischen Ihnen und den beiden Lautsprechern. Jetzt können Sie verstehen, warum so viele Geräte oder in Mono oder was ich Minimal-Stereo-Sound nenne . Vor diesem Hintergrund sollten Sie sicherstellen, dass Ihr Mix eine gute Trennung zwischen den Instrumenten und Sounds hat , auch ohne Stereoanlage. Deshalb empfehlen viele Produzenten, Ihren Mix in Mona hin und wieder während des Mischvorgangs zu überprüfen , also lasst uns etwas über die Grundlagen des Stereo-Sounds lernen. Stereo ist eine Möglichkeit, einen Sound in einem Feld von links nach rechts zu platzieren. Dies geschieht mit einem Konzept namens Schwenken. Wenn eine Spur in der Mitte schwenkt, bedeutet dies, dass sie gleiche Mengen an Audiosignal an den linken Lautsprecher als rechten Lautsprecher sendet . Mischen in dieser vierten Dimension bedeutet im Grunde, die einzelnen Spuren im Stereo-Raum zu trennen , indem sie anders schwenken. Stereo-Sound hat eine große Kraft, um Tiefe zu Ihrer Musik hinzuzufügen. Bei Stereo scheint die Musik nicht von den Lautsprechern selbst zu stammen, sondern von einer unsichtbaren Bühne vor Ihnen. beispielsweise Wenn Siebeispielsweiseeinen Modellton auf einer Stereoanlage wiedergeben, zahlen beide Lautsprecher genau denselben Sound, was den psycho-akustischen Effekt deaktiviert hat. Machen Sie den Klang scheinen von einem Punkt direkt in der Mitte der beiden Lautsprecher zu kommen, obwohl die Realität ist, dass beide Lautsprecher oder spielen den gleichen Ton. Das ist es, worum es bei Stereo-Sound geht. Platzieren Sie Ihre Sounds in einer unsichtbaren Bühne vor Ihnen hier sind einige Richtlinien für das Mischen in Müsli eins. Halten Sie den Kern Ihrer Musik in der Mitte. Die größte Kraft kommt von den Klängen, die scheinbar aus dem imaginären Mittelpunkt stammen durch Stereo-Sound erzeugt wird. Ein Grund dafür ist, dass Sie mehr fokussiert in der Mitte haben und auch, dass Sie mehr physische Schallenergie haben, die von beiden Lautsprechern kommt. Die Empfehlung ist also, Kick Drum, Snare Drum, Snare Drum, Bass und Lead Vocals gerade in der Mitte geschwenkt zu halten. Zwei weitere Schwenkgleichheiten drücken in den Mix zurück. Je mehr man etwas schwenkt, desto weniger Leistung und Fokus wird die Strecke haben, was im Grunde bedeutet, dass man sie wieder in den Mix schiebt. Drei. Doppelte Tracking entspricht mit der wahren Leistung von Stereo. Haben Sie schon einmal von Double Tracking gehört? Nun, es ist eine Technik, die Stereo-Sound verwendet, um einen viel größeren und leistungsfähigeren Klang zu erzeugen. Achten Sie darauf, die Notizen, Timing, Groove und alles so nah wie möglich auf Ihren Aufnahmen zu bekommen. Dann schwenken Sie eine Spur ganz links und den Durchschnitt der vier. Im Moment haben Sie eine doppelte Tracking-Performance gemacht, die am häufigsten für Double Tracking oder für Lead Vocals sowie Rhythmusgitarre verwendet wird, vor allem schwere Gitarrenriff und Coming Tracks. Verwendete diese Technik so ziemlich die ganze Zeit. Vier. Niedrige bis hohe Mona zu Stereo. Grundsätzlich haben die unteren Frequenzen eine geringere Stereotrennung. In der physikalischen Welt des Klangs können wir nicht einmal hier, wo die niedrigsten Frequenzen herkommen. Deshalb können Sie einen Subwoofer praktisch überall im Raum platzieren. Denn je niedriger die Frequenz, desto länger ist das Wellenlängenfett für den Klang, weshalb Bassfrequenzen im Anschluss so leicht durch Wände reisen. Also, wie wenden Sie dieses Wissen auf Ihre Mischung gut an? Grundsätzlich besteht eine Richtlinie darin, weniger Stereo-Trennung in der Basis und im unteren Bereich Ihrer Tracks in Ihrem Projekt und MAWR Stereo-Trennung in den hohen Mitten und Schwierigkeiten zu haben, die Ihren Sound öffnen . Geben Sie ihm mehr Tiefe und Dimension, während die Lebensmittelproduktion klingen eng und fokussieren weil die Tiefen hauptsächlich in der Mitte fünf Stereo mit breit oder schmal gehalten werden. Ich habe einen letzten fortgeschrittenen Tipp für Sie bezüglich Stereo-Informationen in einem einzelnen Track. Beginnen Sie mit der Suche nach Hysterie mit Kontrolle Pugin oder vielleicht haben Sie Ihre D W bereits in Ihrem Mixer eingebaut . Denn das Schwenken ist nur ein Teil von der Stereo-Trennung. Sie können auch auf jeder einzelnen Spur in Ihrem Projekt wählen, wie breit die Stereofelder sein sollten , indem Sie eine Spur erstellen, weniger Steri haben, mit dem Sie es im Wesentlichen wieder in den Mix schieben. Erstaunlich. Sie haben nun gelernt, wie der Stereo-Sound ausgeschaltet wird, wie er funktioniert und wie er in Ihren Mischprozess implementiert wird. Sie haben sogar meine Top-Richtlinien und Bänder zum Schwenken und Stereo-Trennen, die ich selbst für professionelles Mixen verwende, jetzt Maßnahmen ergreifen und ALS üben. Dieses Konzept haben Sie gerade gelernt, wie Sie Stereo und Schwenken in Ihrem Misch-Workflow verwenden , um wirklich diese zusätzliche Tiefe und Trennung in Ihren Musikproduktionen hinzuzufügen. Mein Name ist Mike, und wir sehen uns im nächsten Video. 9. Dimension 5 Raum: Jetzt ist es Zeit für Sie zu lernen, wie Sie den Strom aus der fünften und letzten Dimension zu verwenden, um Ihre Musik in zu malen, wenn mischen, das ist Raum, alle Aufnahmen von Instrumenten und Klänge schweren Sinn für Raum in ihnen. Denn physische Geräusche werden von der akustischen Umgebung beeinflusst, in der sie alle den Fachbegriff geschaffen haben. Denn dies ist Nachhall oder Reverb kurz, Der Hall sagt unserem Gehirn die Entfernung zum Klang, wie groß die Räume und sogar bis zu einem gewissen Grad, die Materialien und Dimension aus dem Raum. Wenn Sie eine Orchesteraufnahme hören, hören Sie den Ton von einem Ganzen, in dem sie aufgenommen wurde. Wie können Sie Reverb praktisch beim Mischen verwenden, um mehr Raumtrennung für Ihre Musik zu schaffen ? Nun, lassen Sie mich es Ihnen beibringen. Es gibt jetzt einen Reverb, Raumgröße und Menge. Er kann verschiedene Hall Raumgrößen sowie Höhe aus Wit Level für verschiedene Fax in Ihrem Projekt verwenden , wenn Sie Ihre Musik mischen, dies wird die Titel in den drei D Tiefe Raum trennen. Je größer die Flussbuchten, was einen längeren Verfall des Klangs bedeutet. Je weiter zurück Sie es in den Mix auf die gleichen Ziele schieben. Wenn Sie das Nass-Trocken-Verhältnis erhöhen. Hi, dein Witz-Level bedeutet mehr Platz. Der Begriff trocken bezieht sich auf Ihren Klang, bevor er von einem Hall beeinflusst wurde, was bedeutet, dass Sie überhaupt kein Gefühl von Raum in ihm hinzugefügt haben. Auf dem Begriff wit level bedeutet die verarbeitete Ausgabe aus dem Fluss. zum Beispiel Wenn Siezum Beispieleinen orchestralen ganzen Hall auf einem Sound verwenden, wird es bei dem mehr Witzsignal, das Sie mit dem trockenen Signal mischen, desto geräumiger und entfernter wird der Klang. Das Extrem ist, alles zu 100% zu gehen, was bedeutet, dass Sie nur die Profis hören werden, die aus dem Hall selbst in die entgegengesetzte Richtung. Wenn Sie wollen, macht ein Instrument oder Gesang mehr fokussiert und in Ihrem Gesicht, die Liste, Hall oder Raum, die Sie hinzufügen sollten. In der Tat, einige Instrumente. Sie wollen uns wahrscheinlich trocken halten, da Sie ihnen diesen engen, fokussierten und druckvollen Charakter geben können . Ein weiteres Beispiel für eine wirklich trockene Aufnahme, was minimales Raumgefühl bedeutet, ist ein Voiceover für einen kommerziellen Filmtrailer etc. Wenn sie diese Gesangsspuren aufnehmen, stellen sie sicher, dass sie den Hall im Aufnahmeraum so weit wie möglich minimieren. Deshalb klingen diese Aufnahmen so, als würde die Person direkt in Ihrer Nähe stehen. Hören Sie sich dieses Beispiel einer trockenen Gesangsaufnahme an, gefolgt von einer Aufnahme mit Reverb hinzugefügt. Dies ist eine trockene Gesangsaufnahme. Dies ist eine Gesangsaufnahme mit Reverb. Jetzt habe ich einen River Plug in diesen Rhythmusgitarren-Trick geladen, den ich verkauft habe. Also hören Sie, was passiert, wenn ich den Hall trocken zu nass Verhältnis erhöhen, von sear Prozent, was bedeutet total trockenen Klang vielleicht irgendwo in der Mitte, was ein sehr geräumiger und entfernter Klang sein wird. Ich werde jetzt die Strecke spielen. Nun, wenn ich solo bin, würde die Rhythmusgitarre dieses ganze kleine Stück wieder hören, Sie werden in der Lage sein, das ruhige Klavier als Fokus für den Hörer übernehmen zu hören, da es im Grunde trocken ist im Vergleich zu die Rhythmusgitarre, die jetzt sehr weit entfernt ist und vier zurück in der Mischung. Lasst uns mal zuhören. Ordnung, das war also ein sehr extremes Beispiel, nur um den Hauptpunkt für Sie zu veranschaulichen, nämlich dass wenn Sie einem Sound Reverb hinzufügen, Sie ihn wieder in den Mix drücken, je größer und nass die Flussbasis, Je weiter hinten Sie das Instrument drücken, was wiederum den Fokus auf andere Spuren anpasst, die trockener sind und vorne in Ihrem Mix schön zu hallen, die wichtigsten Elemente eines Hall oder dieser Größe auf der nassen Ebene, die Größe wird gemessen, wie lange der Reverb Taylor ist, bevor er vollständig ausblendet. Auf der Bedrohungsstufe ist einfach, wie viel von den Profis aus dem Hall ausgegeben wird, die Sie mit dem Trockensignal mischen . Nun, es gibt 1/3 Element des Flusses, aber das ist sehr wichtig, um den Angriff aus dem Hall-Sound zu gestalten. Und es nennt sich die Pre Dele. Grundsätzlich fügt es eine sehr kurze Verzögerung des nassen Signals vom Hallausgang im Vergleich zum ursprünglichen Trockensignal hinzu. Was das in der Praxis bedeutet, ist, dass der anfängliche Angriff Ihres Klangs trocken bleibt. Lassen Sie mich eine kleine Geschichte mit Ihnen teilen, um Ihnen zu helfen, das Konzept vor Verzögerung im Fluss zu verstehen . Nehmen wir an, Sie sitzen mitten in einem großen Orchesterloch vor Ihnen. Du hast das Orchester. Wenn sie eine Note treffen, hören Sie den Klang von den Instrumenten im Orchester etwas vor dem Hall aus dem Ganzen. Dies liegt daran, dass der Klang Zeit braucht, um zu reisen , und wenn sie eine Note spielen geht der Ton in alle Richtungen direkt auf Sie und auf die Regeln im Herbst. Durch die Distanz, vom Orchester zu Ihnen ist kürzer als der Abstand vom Orchester zu hüpfen auf die Kugeln und dann zu Ihnen kommen. Also, das ist einfach Physik, die Sie in Ihrem Fluss verwenden können. Schließen Sie sich mit der Funktion „Pre-Delay“ an. In der Tat, wenn Sie einen ganzen Fluss laden, präsentieren Sie ihn. Wahrscheinlich haben Sie bereits eine Vorverzögerungszeit eingerichtet, weil es sich um den natürlichen Zustand handelt. Wie du gerade aus meiner kleinen Geschichte lernst. Jetzt ergreifen Sie Maßnahmen und nutzen Sie diese fünfte Dimension, um Ihre einzelnen Spuren in Ihrem Mischprojekt zu platzieren , verschiedene Raumgrößen zu verwenden, sehr das Nass-Trocken-Verhältnis und angepasste Vorverzögerungszeiten an verschiedenen Fluss-Plug-Ins. Verwenden Sie auf verschiedenen Spuren in Ihrem Projekt. Sie können Ihre Tracks nicht nur im Stereo-Raum platzieren, sondern auch im Drei-D-Raum, den Sie mit Ihren Marken erstellen. Mein Name ist Mike, und wir sehen uns im nächsten Video. 10. Arbeitsschritt mischen: in diesem Video werde ich meine persönliche Mixing-Arbeit niedrig mit Ihnen teilen. Es gibt viele Möglichkeiten, eine Mahlzeit zu kochen, aber ich denke, dass Sie sich inspirieren lassen und Ideen bekommen, wie Sie Ihr eigenes System erstellen können, um Ihre Musik professionell zu mischen. So fange ich an. Schritt eins organisierte das Projekt wie das Kochen von Speisen. Es wird viel einfacher sein, und Sie werden keine Zeit verschwenden, wenn Sie sicherstellen, dass Sie alle Zutaten zu Hause haben und auch, dass Sie sie auf Ihrer Küchenbank vor seinem Punkt setzen. Wie übersetzt sich das zum Mischen von Musik? Nun, Dinge wie das Bestellen Ihrer Tracks und Benennen sie richtig mit Kanalgruppen, um die Effizienz zu erhöhen , sicherzustellen, dass alle Tracks oder korrekt geroutet werden, und im Grunde das komplette Projekt starten, so dass es sehr klar und strukturiert bevor Sie in die Mischstufe eintauchen. Schritt, um das Projekt wie Kochen aufzuräumen, beginnend mit einer sauberen Küchenbank und Onley. Die Zutaten, die Sie verwenden werden Ihnen helfen, eine Menge, Also, bevor ich anfangen zu mischen, Ich gehe durch das gesamte Projekt, um alle Spuren und Sounds zu entfernen, die nicht in der endgültigen Mischung verwendet werden , entfernen Sie auch, oder zumindest reduzieren unerwünschte Geräusche durch Schneiden von Anschlüssen oder, zum Beispiel, Reduzierung von Atemgeräuschen. Dann gehe ich durch alle Aufnahmen, um zu sehen, dass sie richtige Schicksale sowie Kreuzschätze haben um plötzliche Klicks, Pops und Stopps zu vermeiden . Ich habe durch alle Audioaufnahmen sowie Medien-Clips gehört, um sicherzustellen, dass alle Auftritte oder von hoher Qualität auf, dass es keine Audio-Artefakte in ihnen, wie zum Beispiel, digitales Clipping, PLO Siebe , Hintergrundgeräusche , etc. Da ich meine eigene Musik mache, kann nur ich mich entscheiden, zurück in die Aufnahmephase zu gehen, um Audioaufnahmen oder Medienauftritte zu remake . Schritt drei Requisite Rogaine Staging auf allen Kanälen, die ich immer tun. Die richtige Gain-Inszenierung auf allen Spuren gewinnen. Staging ist ein sehr wichtiger Schritt, wenn Sie in der digitalen Domäne mischen, da Sie eine begrenzte Menge außerhalb des Spielraums haben , bevor das Audio geschnitten wird. Also, wie machst du das? Nun, Sie passen die Pegel auf jeder Spur vor dem Kanalfader an, um sicherzustellen, dass jede Spur eine großzügige Menge an Spielraum hat . Ich persönlich habe es so eingerichtet, dass jeder Kanal um minus 20 Behinderungen oder so schaut, wenn der Channel Fader noch in seiner Ausgangsposition ist. Was natürlich natürlich Null ist. Diese Menge an Kopfraum zu ersparen, ist eines der Geheimnisse des professionellen Mischens, denn beim Mischen geht es um Knochen. Nein, das Gesamtniveau kann man und schießen immer entscheiden, die endgültige Lautstärke in der Merced während der Bühne, nicht in der Mischung. 11. Workflow Schritt 2 – der Rough Mix: In diesem Video werde ich meine Art teilen, den ersten Entwurf aus dem Mix zu erstellen , den ich als grobe Mischung bezeichne. Machen Sie eine grobe Mischung sollte extrem schnell sein, so dass er sich zwingen wird, Ihre Instinkte und Ohren für Ihren ersten Entwurf nach Spiel Inszenierung und Einrichtung aller Kanäle, um gleiche Peak-Levels um minus 20 Dezibel zu haben. Das Gleichgewicht der Mischung wird sein. Das Chaos beginnt jetzt, wo die echte Mischung beginnt. Also hier sind die Schritte. Ich persönlich benutze eine sitzende grobe Ebene für alle einzelnen Kanäle. Das erste, was ich mache, ist einen groben Sweep durch alle einzelnen Kanäle zu machen, um einen groben Startlevel für den Mix zu erhalten . Ich mache dies, indem ich die Kanäle gruppenweise durchgehe. Das bedeutet, dass ich die eine Gruppe zu einem Zeitpunkt verkaufte, schritt die groben Levels für die Tracks innerhalb Gruppe, dann gehe ich zur nächsten Gruppe und so weiter, bis ich diese beiden einzelnen Kanäle innerhalb des Projekts gemacht habe . Also berühre ich die Gruppenkanalausfälle überhaupt nicht in dieser Phase zwei sitzende grobe Levels für alle Gruppenkanäle. Sobald die Gruppen ihre interne Balance eingestellt haben. Es ist Zeit, die Gruppen gegeneinander zu balancieren. Und hier, dachte ich immer, mit dem kühlen aus der Strecke zuerst. In den meisten Fällen sind dies die Trommeln und Percussion Gruppe, die basierte Gruppe und die Leadgruppe, zum Beispiel Lead Vocals, Hooks , Melodien , etc. im Grunde die treibende Kraft und den Fokus Ihrer Musik. Sobald diese Hauptgruppen gegeneinander ausgeglichen wurden, gehe ich durch den Rest der Gruppenkanal-Fehler und in den meisten Fällen reduzierte das Niveau davon , um den Fokus auf den Kern der Musik zu erhöhen. Dann habe ich diese anderen Gruppenschalen untereinander ausbalanciert, bis ich grobe macht aus allen Gruppen habe . Drei Filter mit niedrigem Puls und hohem Nachteil. Bevor ich anfange, beschuldigte zwei Kanäle und Gruppen hinzuzufügen, füge ich immer zuerst Filter hinzu, und ich persönlich bevorzuge es, direkt auf den Gruppenkanälen zu starten, weil das den größten Effekt haben wird . Und ich möchte mich immer noch auf eine schnelle und grobe Mischung konzentrieren. So füge zum Beispiel ich zum Beispielnormalerweise Hochpulsfilter für jede Gruppe hinzu, außer der Trommelgruppe und der basierten Gruppe. Dann hatte ich Low-Post-Filter auf Kanalgruppen, die ich zum Beispiel ein bisschen zurück in den Mix schieben möchte, wie zum Beispiel Comping-Instrumentengruppen . Dann passe ich die Abschnittfrequenz und die Filterneigung von all diesen Filtern und auf jedem Gruppenkanal an. Denken Sie daran, dass ein Hochpassfilter verwendet wird, um herauszufiltern. Der Lewin auf einem Low-Post-Filter wird verwendet, um das High-End aus dem Frequenzspektrum herauszufiltern . Dies kann am Anfang wirklich verwirrend sein. Vier e Warteschlangen-Kanäle. Nach dem Hinzufügen und Einstellen aller Low-Pfosten- und Hochpassfilter, Ich fahre mit der mehr chirurgischen, um die Frequenzen von allen Spuren in der Mischung zu formen. Der Equalizer. Ich stelle sicher, dass ich die Boost-versus-Cut-Methode befolge, was bedeutet, dass ich für grundsätzlich alle Boosts tue. Ich versuche, einen entsprechenden Schnitt auf einem konkurrierenden Sound zu finden. Auf diese Weise kann ich viele kleine Anpassungen vornehmen, die alle addieren, um eine klare Mischung zu erstellen. Fünf. Schwenken. Die Einstellung der Stereoposition für alle einzelnen Spuren ist ein großer Faktor, um Trennung und Klarheit im Mix hinzuzufügen . Also, wie bei den Levels, mache ich einen groben Sweep mit den Schwenknormen auf allen einzelnen Muscheln. Ich neige dazu, die Gruppe zu verlassen Kanal Fader zentriert auf Onley tun das Schwenken für die einzelnen Kanäle. Ich behalte immer die Spuren, die ich die meiste Kraft und Klarheit haben möchte, auch in der Mitte. Wie die Kickdrum, die auf dem Leadvocals basiert. In der Tat, alles, was Sie herausragen und in der Front von der Mischung sein wollen, sollte gerade in der Mitte geschwenkt werden. Sechs Zeugnisse. Als nächstes füge ich alle in Zertifikaten auf Kanalbasis hinzu, Dinge wie Kompressoren, Verzerrungen, Plug Ins , de Guessers, etc. Da dies den Charakter, den Dynamikbereich und den Fokus auf die einzelnen Tracks drastisch verändert , muss ich auch die Pegel entsprechend an den Kanalausfällen anpassen. Sieben. Senden Sie Effekte. Das einzige, was ich persönlich verwendet Sand-Effekte für oder was gekühlt UIT-Effekte diese oder Effekte, die die Raumdimension der Spur verändert, was bedeutet rive Kräuter auf DeLay Effekte. Ich habe die Soundeffekte bereits in meiner Produktionsvorlage eingerichtet. In diesem Schritt muss ich einfach die Sendestufen auf jedem Kanal anpassen, den ich etwas Platz für acht Wiedergabe haben möchte und analysieren, nachdem ich eine komplette grobe Mischung aus der gesamten Produktion habe, höre ich es zurück. Während Sie mentale Notizen machen. Ich hörte Dinge wie schlechte Trennung zwischen konkurrierenden Tracks, Tracks, die zu hell klingen oder Bumi und sogar Tracks, die ich fühle, sind nicht notwendig, und Onley schafft ein Chaos in der nächsten. Dann gehe ich zurück zu den vorherigen Schritten und wiederhole sie und in einigen Fällen sogar Abschnitte stummschalten oder entfernte Spuren. Ich versuche zu stehlen, schnell zu arbeiten und meinem Instinkt zu folgen. Grundsätzlich möchte ich eine grobe macht in einer Stunde abgeschlossen haben. Dann gehe ich zur letzten Mischstufe, bei der die Feinabstimmung geht, sowie um die Implementierung spezieller Mischtechniken, um den Mix zu diesen Narren Profis zu bringen . 12. Workflow Schritt 3 – The Final Mix: In diesem Video werde ich Ihnen meine letzte Etappe aus Mischen meiner Musik beibringen, um die letzten professionellen Marken zu kreieren . In Ordnung. Also hier sind die Schritte, die ich in meiner letzten Mischstufe habe. Eine Feinabstimmung. Ich gehe durch jede Spur und mache kleinere Anpassungen, um Sie die Level-Filter IK verwenden Schwenken, Sand-Effekte und in Zertifikaten zu finden. Da ich schon früher eine grobe Mischung gemacht habe, werde ich hier keine großen Anpassungen vornehmen. Ich mache das auch für die Gruppenkanäle. Ich stelle sicher, dass ich immer noch eine gute Menge an Headroom auf jeder Strecke in der Mischung, was bedeutet, dass keine Spur in der Nähe der roten auf den Niveaumessern zur Automatisierung ist. Parameterautomatisierung ist wahrscheinlich der größte Unterschied zwischen den Beginn-Remixe auf den professionellen Mixen. Sie sollten sich besonders darauf konzentrieren, die Levels auf Kanäle zu automatisieren, die miteinander konkurrieren . Leiten Sie den Fokus für den Listener. Denken Sie daran, nicht jeder Ton kann eine Schlagzeile sein. Beim Mischen geht es um kreative Entscheidungen, was nach vorne gezogen oder nach hinten geschoben werden soll. Und Automatisierung ist ein großartiges Werkzeug für diese drei speziellen Produktionstechniken. Es gibt viele Tricks des Handels, die Sie als Mischtechniker, Kompression und EQ verwenden können . Ewing ist nur das Fundament. Zum Beispiel ist die Side Shane Kompression eine großartige Technik, um sicherzustellen, dass ein bestimmter Instrumentalklang klar und deutlich in der Mischung ist . Meistens ist es die Kicktrommel, die im Fokus steht, und die Basis wird automatisch komprimiert, um die Anwesenheit bei jedem Treffer oder der Kickdrum zu reduzieren . Aber Sie könnten überrascht sein, wie viel Wissenschaft in der Kompression heutzutage für jeden möglichen Musikstil verwendet wird , denn in seiner Essenz hilft Ihnen die Größenkomprimierung, die Automatisierung zu automatisieren. Ich neige auch dazu, Gefahrenkompression auf Trommeln und Perkussion zu verwenden, was im Grunde das UN komprimierte Audio mit dem stark komprimierten oder Sie vermischt. Dadurch werden die Trommeln hart getroffen, aber immer noch den authentischen offenen Klang zu halten. Ich verwende auch gerne transiente Shaper, um den Angriff zu kontrollieren und aufrechtzuerhalten perkussive Klänge, vor allem ein transienter Shaper, ist im Grunde eine spezielle Art von Kompressor, der den Zweck hat, herauszuholen oder zu wählen nach unten den anfänglichen Angriff sowie die Sustain over Sound. Das sind also meine wichtigsten Spezialproduktionseffekte, die beim Mischen von Seitenkettenkompression, paralleler Kompression und transienten Shapern für Pre-Mastering in der Pre-Mastering Phase verwendet werden. Ich konzentriere mich auf Lee auf die Gruppenkanäle hier. Ich bringe die großen Pistolen heraus, die High-End-Kompressor-Plug-ins und EQ verwenden, um die finale Politur aus der Mischung zu machen. Und wieder habe ich die Boost-versus-Cat-Methode verwendet, um etwas mehr Trennung zwischen den Gruppenkanälen hinzuzufügen . Ich benutze hier auch einen besonderen Leckerbissen, den ich mit dir teilen möchte, nämlich etwas zusätzliche Sättigung auf den coolen Gruppenkanälen deiner Musikproduktion hinzuzufügen. Grundsätzlich die Drum Group, die gegründete Gruppe und die Lead Group. Ich mache dies mit einem Insert-Effekt auf jedem außerhalb der Kerngruppen-Kanäle, normalerweise einige Vintage-Sättigung Plug in fünf Mastering Kette. Schließlich füge ich meine Mastering Kette zum Master-Stereo-Ausgang hinzu. Mastering ist nicht wirklich ein Port aus traditionellem Mixen, aber ich persönlich mag es, mein Mastering im gleichen Projekt wie der Mix zu machen. Allerdings aktiviere ich die Plug Ins nicht bis zum Ende. Meine Mastering Kette ändert sich von Spur zu Spur, aber hier ist die Master-Kette sind in der Regel als Ausgangspunkt Baukompressor für Licht verwendet . Ausgleich der Dynamik in der Mischung, wie viel hängt von der Stilspur, die ich produzieren e que. So formen Sie die Überschreitung. Tönen Sie die Produktion drei Stereo-Imager, um das High-End aus dem Frequenzspektrum zu öffnen , indem Sie die Geschichte ein Feld erweitern und das Low End steuern, indem Sie es in Richtung Zentrum drücken . Vier Limiter, um das Gesamtniveau der Produktion um ein paar Dezibel zu steigern. Wie viel hängt vom Stil der Musik ab und wie viel ich die natürlichen Transienten behalten möchte . Fünf Stufenmeter. Schließlich habe ich einen Meeting-Plug in, um den durchschnittlichen Lautstärkepegel im Standard-Lux-Messgerät im System zu analysieren .