Mischen - Lerne ALLES, um deine Karriere zu beginnen

1. Einführung: Hi, und der normale Produzent produziert von music.com. Und willkommen zu meinem Skillshare Mixing-Kurs. Sie lernen alles, was Sie über das Mischen von den Tools zu den Techniken wissen müssen. Wir werden alles behandeln und mit Übungsdateien und Full-Mix-Übersichten üben. Dieser Kurs ist ein Kapitel meines Sieben-Kurses, in dem ich den gesamten Musikproduktionsprozess vom Songwriting über Arrangement, Aufnahme, Mixing, Mastering und Business abdecke vom Songwriting über Arrangement, Aufnahme, Mixing, Mastering und Business abdecke praktiziert auch. Links zu den Übungsdateien finden Sie im Projektbereich und wir erhalten Aufgaben, wenn sich die Klasse im gesamten Kurs entwickelt Sie erhalten auch mehrspurige Ordner mit Songs aus verschiedenen Genres, denen du deine Fähigkeiten üben kannst. Gehen Sie unter die Haube und schauen Sie sich professionelle Produktionsansätze an. Produktion von Musik ist darauf ausgerichtet, Menschen dabei zu helfen ihre lebenslange Reise als Musikproduzent zu beginnen, egal ob es darum geht, Ihre eigene Musik produzieren oder andere zu produzieren. Dieses Programm hat viel zu bieten und Sie können gerne anfangen, music.com zu produzieren , um mehr darüber zu erfahren. Aber jetzt tauchen wir die Mischkunstform ein und lernen, wie man in den Musikproduktionsprozessen von Anfang bis Ende inszeniert . Ich bin positiv. Du wirst viel von diesem Kurs lernen. Wir sehen uns drinnen. 2. Was ist das Mischen: Der Mischprozess muss in erster Linie Ziele beenden, um die Songs klar und schön zu machen. Die zweite besteht darin, sich mit technischen Nebenwirkungen im Zusammenhang mit dem Aufnahmeprozess und den technischen Anforderungen der Plattformen zu befassen technischen Nebenwirkungen im Zusammenhang mit dem Aufnahmeprozess und den technischen Anforderungen der , auf denen der Song später gespielt wird Das erste Ziel könnte klingen offensichtlich, aber es ist wichtig zu beachten, dass ein großartiger Song mit einer Rasteranordnung und Aufnahme durch einen beschissenen Mix vollständig zerstört werden kann . Die Mischbühne hat einen starken künstlerischen Einfluss auf die Songs, da sie die Dynamik, das Gemüter und die Schwerpunkte der Lieder steuert . Das zweite Ziel ist etwas komplexer. Die Leute hörten Musik auf viele verschiedene Arten. Ohrhörer in ihren Autos, Telefonlautsprecher, Laptops. Wenn Sie möchten, dass Ihre Produktion auf all diesen Geräten gut klingt, müssen Sie deren Grenzen verstehen und innerhalb dieser Grenzen arbeiten , um Ihre Ziele zu erreichen. Wir haben also bereits über digitale Volumes gesprochen, und wir wissen, dass 0 dBFs die digitale Lautstärkegrenze ist. Das scheint relativ einfach zu sein, aber es gibt noch viel mehr, da unterschiedliche Frequenzen zwei verschiedene Volumina zusammenfassen und unsere Ohren Frequenzen je nach Lautstärke in unterschiedlich erhalten je nach Lautstärke in unterschiedlich was sie gespielt werden. All diese Technikalitäten und vieles mehr werden in diesem Kapitel erklärt. Ich möchte darauf hinweisen, dass wir den Mischprozess verstehen und damit experimentieren, wir geben Ihnen ein besseres Verständnis Arrangement auch, da die beiden Hand in Hand gehen. Selbst wenn Sie also keine Lust haben , Mixing-Ingenieur zu werden , empfehle ich, sich auf dieses Kapitel zu konzentrieren und so viel wie möglich über das Mischen zu lernen. In diesem Kapitel wird es im Vergleich zu früheren Aufgaben mehr Aufgaben geben. Und ich werde oft darauf hinweisen , dass ich empfehle, die Aktien-Plug-Ins Ihrer DAW vor ausgefallenen Drittanbietern zu verwenden Aktien-Plug-Ins Ihrer DAW . Der Grund dafür ist, dass Plugins von Drittanbietern aufgrund ihrer auffälligen Benutzeroberfläche sehr ablenken können und etwas Zeit mit dem grundlegendsten Kompressor oder EQ investieren , werden Sie tatsächlich fokussierter machen der Anzahl der Simulationen und Plugins, die wir haben. Es ist leicht, sich zu verirren. Daher schlage ich vor, die grundlegendsten Tools zu beherrschen, die Sie haben, und erst dann Ihre Toolbox zu erweitern. Abgesehen davon werde ich klassische Werkzeuge vorstellen, die Grundnahrungsmittel der Mischkunst sind, da sie als Mischingenieur und Produzent wichtig sind als Mischingenieur und Produzent Es gibt einen Ordner für Mischübungen Sie sollten herunterladen , die Dateien enthält, die Sie in eine neue Sitzung importieren und entsprechend den Zuweisungen arbeiten können. Bevor wir jedoch mit dem Mischen beginnen, möchte ich mit dem Vormischen beginnen, also dem Bearbeiten und der gemischten Vorbereitung, da das Mischen ein künstlerischer Prozess ist, nicht verwandte Aufgaben vorher erledigt werden ermöglichen es Ihnen, beim Mischen vollständig verschlungen zu werden . 3. EQ Teil 1: Equalizer oder EQs und Short oder Tools, die das Volumen der Frequenzen innerhalb einer Spur ausbalancierten . Sie sind nützlich, wenn unangenehme Frequenzen gedämpft, angenehme Frequenzen angehoben oder das Timbre einer Spur vollständig verändert werden müssen gedämpft, angenehme Frequenzen angehoben oder . Eq ist die Unterteilung des Frequenzspektrums in Bänder oder Filter. Es gibt drei Haupttypen von Bens Glocke, hohes oder niedriges Regal und hohe oder tief geschnittene Glockenbänder werden auch als Peak-Filter bezeichnet und werden verwendet, um einen Frequenzbereich um den umgebenden Frequenzbereich zu erhöhen oder zu dämpfen einen Frequenzbereich um den umgebenden Frequenzbereich eine bestimmte gewählte Frequenz. Der Warteschlangenparameter definiert, wie groß der Bereich um die gewählte Frequenz sein wird, was bedeutet, wie viele Frequenzen von der EQ-Bewegung beeinflusst werden , die Sie machen. Der Parameter db pro Oktave definiert, wie scharf oder glatt die Glockenform sein wird. Regale oder Bänder, die alle Frequenzen über oder unter der von uns gewählten Frequenz beeinflussen die alle Frequenzen über oder . Ein niedriges Regal wirkt sich auf alle niedrigeren Frequenzen aus, und das hohe Regal beeinflusst alle Frequenzen oberhalb des Warteschlangenparameters verändert die Resonanz oder Neigung um die gewählte Frequenz und die db pro Oktave formt die Schärfe des Filters. Niedrige und hohe Schnitte sind Filter, die alle Audiofrequenzen unter oder über der ermittelten Frequenz abschneiden die alle Audiofrequenzen . Diese Filter werden auch als Tiefpass oder Hochpass bezeichnet, was anfangs etwas verwirrend, aber auch ziemlich selbsterklärend ist . Der Tiefschnitt- oder Hochpassfilter führt dazu, dass hohe Frequenzen passieren oder mit anderen Worten die niedrigen Frequenzen abschneiden, während der Hochschnitt- oder Tiefpassfilter den niedrigsten Durchgang lässt und den höchsten schneidet. Eine wichtige Sache in Bezug auf die niedrigen und hohen guten Filter ist, dass sie die Dämpfung nicht mit der von Ihnen ausgewählten Frequenz starten , sondern stattdessen den Ort anzeigen, an dem es bereits einen gibt drei dB Dämpfung. Der Warteschlangenparameter wird die Resonanz des Filters an der Frequenzposition formen . Und der dB pro Oktave wird bestimmen, wie steil der Filter sein wird. Der Parameter db pro Oktave wurde im Synthesesegment im Kapitel vor der Produktion erklärt . Aber falls Sie das Kapitel nicht gesehen oder das Kapitel vor einiger Zeit fertiggestellt haben. Hier ist ein kurzer Überblick über die Frequenz ist eigentlich eine Anmerkung, dass, wenn eine Oktave verdoppelt wird, der einfachste Weg, dies zu visualisieren, in der Mitte ein ist. Die mittlere a ist Grundfrequenz ist 440 Hertz, und so das obige ist es 880 Hertz und der ein darunter 220. Wenn wir also über das dB pro Oktave und Filter sprechen, konzentrieren wir uns darauf, wie viel Dämpfung oder Boost auftreten wird, wenn wir die Frequenzen erreichen Oktave. Wenn ich zum Beispiel einen Low-Cut-Filter bei 100 Hertz mit einer Neigung von 18 db pro Oktave um 50 Hertz setze, wird es eine Dämpfung von 18 dB geben. Es gibt noch ein paar gebogene Bandpass, die nur einen bestimmten Frequenzbereich und eine bestimmte Neigung hinterlassen, was sich auf die hohen und niedrigen Frequenzen in gewisser Weise auf Regalweise auswirkt . Der letzte Parameter ist die Ausgangsverstärkung, da sich das Gesamtvolumen einer Spur ändert , wenn wir die Frequenzen Wir müssen die Prozessspur mit der unverarbeiteten Spur abgleichen . Dafür gibt es zwei gute Gründe. Die erste besteht darin, unsere Gewinn-Inszenierung gesund zu halten. Und der zweite und wichtigere ist, dass wir wirklich hören können, ob die Verarbeitung, die wir durchgeführt haben gut oder schlecht für die Quelle war. Denken Sie daran, lauter lässt uns glauben, dass die Dinge besser klingen. Wenn wir also AV-Audio haben, ist es wichtig sicherzustellen, dass die Pegel gleich sind , um die Wirkung unserer Arbeit wirklich zu beurteilen Das Frequenzspektrum ist grob einige Regionen unterteilt, in einige Regionen unterteilt, Subbass, das liegt zwischen 20 und 60 Hertz-Basis, zwischen 60 und 250, niedrig Mitte, zwischen 252500, Mitteltöner, zwischen 502 Tausend Hertz. Ich bin endet zwischen zweitausend und viertausend, Präsenz zwischen vier und sechs K und Brillanz von sechs K nach oben. In der Praxis werden diese Begriffe flüssiger in der Berufswelt verwendet , was bedeutet, dass sich Ingenieure nicht so sehr auf bestimmte Zahlen konzentrieren, so sehr wie auf die Energie des Frequenzbereichs, lassen Sie es wichtig, sie zu wissen, da Sie häufig auf sie stoßen werden , bevor Sie zum nächsten Segment übergehen. Mache diese Übung. 4. EQ Teil 1 – Aufgabe: Öffnen Sie die Übungsdateien des Kurses und importieren Sie die String-Kanäle in eine Sitzung, fügen Sie den parametrischen EQ Ihrer DAW und experimentieren Sie so, wir beginnen mit der Dämpfung. Nehmen Sie also sowohl einen Hochpassfilter ein niedriges Regal bei 150 Hertz ein. Probieren Sie verschiedene Steigungsvarianten an beiden Filtern aus und spielen Sie mit dem Low-Shelf. Beachten Sie die verschiedenen Ergebnisse und Optionen, die die beiden Filter bieten. Fragen Sie sich selbst, klingt das eine natürlicher als das andere? Klingt der Track überhaupt besser? Und nachdem Sie ein paar Minuten mit dem Experimentieren investiert haben, legen Sie einen Bandfilter ein und sehen Sie, wie sich das von den beiden unterscheidet. Führen Sie dann den gleichen Vorgang mit einem Tiefpassfilter, hohen Regal und einem Bandfilter auf den hohen Frequenzen durch. Nachdem Sie damit fertig sind, experimentieren wir mit Shelf-Boosts und vergleichen Sie sie mit Filtern, platzieren Sie das Regal um zehn K und heben Sie fünf dB an einem anderen Glockenfilter gleichzeitig an Frequenzen und wechseln Sie zwischen den beiden, spielen Sie mit den Rechnungen Q herum und gewinnen Sie und hören Sie sich die subtilen Unterschiede an, hören Sie sich die subtilen Unterschiede diese beiden Filter haben. Und dann geh einfach wild und experimentiere , wie du willst, wenn du mit diesen Übungen fertig bist, importiere den Overhead-Kanal, schleife ihn und gehe wieder dieselben Übungen durch. 5. EQ Teil 2: Wir möchten, dass sich unsere Mixe in jeder Hörumgebung gut übersetzen , dass sich unsere Mixe in jeder Hörumgebung gut EQs werden uns zusammen mit anderen Mischwerkzeugen dabei helfen, wenn wir sie verwenden, um eine Präsenz innerhalb eines Frequenzbereichs zu schaffen innerhalb eines Frequenzbereichs existiert in allen Abhörgeräten. Dieser Bereich ist der mittlere Bereich. Mobile Lautsprecher und Telefone spielen keine sehr niedrigen oder sehr hohen Frequenzen. Wenn Sie also am Ende Elemente in einem Lied mischen, das nur im niedrigen oder hohen Extrem existiert, werden sie auf vielen Geräten nicht hörbar sein . Ein gutes Beispiel dafür kann eine Basis sein , die eine sehr laute hat Grundfrequenz im Vergleich zu den Obertönen können Sie den Grundfrequenzbereich mit einem Regalfilter leicht reduzieren , was wiederum Ihre Obertöne lauter macht , wenn Sie ihn kompensieren . der Gewinnverlust, dieses neue innere Gleichgewicht wird sicherstellen, dass das Instrument eine stärkere Präsenz im mittleren Bereich hat, wenn es gefordert wird . Eine andere gängige Praxis bei der Verwendung eines EQ heißt Sweeping, nämlich das Anheben eines schmalen Glockenfilters und das Suchen nach Frequenzen , die auffallen und reduziert werden müssen. Dies ist eine sehr nützliche Praxis, kann aber auch sehr problematisch sein, da eine Frequenzerhöhung um 20 dB auf keinen Fall gut klingt. Gehen Sie nicht zufällig auf die Suche nach Resonanzen, sondern wenn Sie Resonanzfrequenzen hören, die Sie stören, pfeifen oder singen die Frequenzen Tonhöhe. Und sobald Sie sich diesen Pitch auswendig gelernt haben und wissen, wonach Sie suchen, fangen Sie an zu jagen. Dies verhindert, dass Sie Dinge finden, nach denen Sie nicht suchen , und Ihre Quelle mit unnötigen Kerben ruinieren . Dies waren technische oder Reparaturzwecke von EQ, aber in EQ kann auch verwendet werden, um Schienen zu schmeicheln. Wenn Sie einen bestimmten Frequenzbereich ansprechender finden als andere, können Sie sie verbessern und mit den Quellen spielen Holz, zum Beispiel können Sie die Atmosphäre der Gesangsleistung betonen mit einem Hochregalfilter. Warum also war ihr Fleur de Stride, als Eugen, der mich in dieser Welt geführt hat, einen Schweinekopf an einer Schnur einer E-Gitarre oder eines Basses aufwertete. Den hölzernen Tamper auf einem Trommelstock, der auf die Felge trifft, klarer zu haben. Sie können EQ auch aus stilistischen Gründen verwenden, z. B. das Filtern sowohl der hohen als auch der niedrigen Frequenzen um einen Telefoneffekt zu erzeugen. Mischen ist ein komplexes Rätsel, das eine breite Perspektive erfordert. Wenn Sie an einem Track arbeiten, sollten Sie immer bedenken, welche Rolle es in der Anordnung spielt und wie es auch mit den anderen Elementen interagiert. Eine gute Möglichkeit, diesen Fokus aufrechtzuerhalten, besteht darin, sich davon abzuhalten , an Solo-Tracks zu arbeiten. sich einen Track in Kontexten anhören , werden Sie versichern, dass Sie Ihre Perspektive nicht verlieren und unnötig überarbeiten. Und andere ähnliche Probleme , die EQs lösen, werden Schlamm genannt, was sich auf niederfrequente Ansammlungen bezieht , die zu einer unklaren Mischung führen. Einige Ingenieure haben einen niedrigen Schnitt auf Kanälen, die nicht unbedingt im Low-Register spielen , nur um sicherzustellen, dass keine niederfrequenten Informationen aus unerwarteten Faktoren hinzugefügt werden . Dies ist besonders relevant, wenn Sie mit Aufnahmen aus Heimstudios arbeiten. Da etwas so Einfaches wie ein Lastwagen, der an einer Klimaanlage oder einem Kühlschrank vorbeifährt , Geräusche verursachen kann , ohne dass Sie Schnittfrequenzen zwischen 30 und 80 Hertz bemerken , ist in diesem Fall von Vorteil. Und in einigen Fällen möchten Sie vielleicht sogar höher gehen, aber stellen Sie sicher, dass Sie dabei die grundlegenden Frequenzen der Tracks nicht schädigen die grundlegenden Frequenzen der Tracks nicht schädigen Die Verwaltung des Low-Ends in einem Mix ist eine der schwierigsten Aufgaben der Mischtechniker, der weiß, wie viel oder wie wenig EQ Zeit brauchen wird. Als allgemeine Richtlinie ist Mein Rat weniger mehr, aber seien Sie bereit, alles zu tun, um Ihre Spur dorthin zu bringen, wo Sie ihn wollen. Es gibt eine laufende Diskussion darüber, ob digitale EQs besser dran sind, um Frequenzen zu reduzieren oder sie auf additive Weise zu entschuldigen , kann sich ebenfalls als nützlich erweisen. Die Verwendung digital nur reduktiv verwendet wird, erfordert einen anderen Ansatz. Anstatt beispielsweise ein hohes Regal zu verwenden, um die hohen Frequenzen der Spur zu verbessern, fügen Sie ein niedriges Regal hinzu und reduzieren alle Frequenzen bis zu dem Punkt, den Sie hervorheben möchten. Ich ermutige Sie, beide Ansätze auszuprobieren und herauszufinden, was für Sie am besten klingt und funktioniert. Aber in diesem oder anderen Fall ist eine gute Angewohnheit, mit der man Schritt halten muss, der Level-Matching. Wenn Sie am Ende Ihren Track-Level gesenkt oder erhöht haben, machen Sie den Gewinn in der Ausgabe fest. So können Sie das verarbeitete und unverarbeitete Signal ABAB und stellen sicher, dass Sie helfen, es zu beschaffen und es nicht zu ruinieren. 6. EQ Teil 2 – Aufgabe: Wie Sie sehen können, sind EQs ein sehr leistungsfähiges musikalisches Werkzeug, mit dem Sie aufgenommenes Material entweder formen oder stilisieren können dem Sie aufgenommenes Material entweder formen . In dieser Segment-Aufgabe beginnen wir mit dem in eine neue Session importierten Akustikgitarrenkanal und hören ihm zu. Diese Gitarre hat sehr starke Resonanzen im Low-End, wenn bestimmte Noten treffen, dies muss ausgeglichen werden. Öffnen Sie also die parametrischen EQs Ihrer DAW und behandeln Sie sie so, wie Sie es für geeignet halten. Jede EQ-Bewegung, die Sie machen, hat einen Preis und Sie müssen die Geschenke und Ticks verwalten. Ich gebe Ihnen einen kleinen Tipp und sage Ihnen, dass , die es mir gelungen ist, die Probleme mit Bändern zu lösen, die nicht mehr als 2,5 dB abschwächen. Lassen Sie uns als nächstes an der Stilisierung arbeiten und nicht repariert werden. Nimm einen beliebigen Kanal aus dem Ordner und mach ihn schön. Wenn es die Gitarre ist, verbessern Sie vielleicht, wo der Peak trifft und wenn es der Gesang ist, vielleicht die luftigen Frequenzen in der Performance. Wenn Sie sich für eine Violine entscheiden, verbessern Sie vielleicht den Holzmanipulation oder den Bose-Tamper. Tun Sie dies zunächst auf additive Weise. Finden Sie heraus, welcher Filter am besten zum Job passt. Und wenn Sie dieses Ziel erreichen, versuchen Sie dies mit anderen Filtertypen. Stellen Sie sicher, dass Sie während des Spiels im Level-Matching sind , damit Sie sich nicht selbst täuschen. Und nachdem Sie mit den Ergebnissen zufrieden sind, die Sie erreicht haben, fügen Sie ein anderes direkt darunter ein und versuchen Sie, die Wanderung mit dem reduktiven EQ AB zum Ergebnis zu machen mit dem reduktiven EQ AB und sehen Sie, was für Sie besser klingt was sich natürlicher anfühlt und überlege, was auch für dich intuitiver war, erforschte diese beiden Ansätze und hab Spaß. Im nächsten Segment stelle ich verschiedene Arten von Angeklagten vor und zeige einige wichtige Emulationen, die Sie sicherlich durchgehen werden um Ihnen zu helfen, sich mit dem Stapleton der Branche vertraut zu machen. 7. EQ und Demonstration: Der Parameter wird im vorherigen Segment erwähnt , es gibt nur Hinweise, aber nicht jeder AQ gibt Ihnen die Möglichkeit, mit ihnen herumzuspielen. Der EQ, den ich benutzt habe, heißt parametrischer EQ. parametrischen EQs können Sie die Mittenfrequenz, Amplitude q und manchmal sogar mehr Parameter bestimmen , wie wir gerade mit dem Fab-Filter pro Q gesehen haben, der klassischeren Form eines parametrischen EQ, wird Knöpfe verwenden. und wir werden den gleichen Trick machen, der ein bisschen anders aussieht. Eine andere Art von EQ ist der halbparametrische EQ, dem Sie die Mittenfrequenz und Amplitude bestimmen können , aber nicht den Cue. Oft variiert das Q, wenn sich der Gewinn der Frequenz ändert, dies wird jedoch vom Designer vorgegeben. Eine dritte Art von EQ ist der grafische EQ , der Ihnen eine bestimmte Anzahl von Bändern auf einer bestimmten Anzahl von Frequenzen , die Sie entweder erhöhen oder dämpfen können, um wie der halbparametrische EQ zu schmecken , um wie der halbparametrische EQ zu schmecken Die Hinweise sind vorgegeben und ändern sich entweder mit den Lautstärkemanipulationen oder bleiben gleich dynamisch beschuldigt, reagieren Sie auf das eingehende Audio und bleiben nicht vollständig statisch. Diese Funktion ist großartig, da der Effekt einer EQ-Bewegung nicht unbedingt in einem ganzen Song stimmt. so dynamische Verarbeitung könnte eine Menge Automatisierungsarbeit ersparen, über die wir in einem anderen Segment sprechen werden, eine lineare Phasenentschuldigung oder eine potenzielle Lösung für einen Nebeneffekt, der manchmal erscheint aus dem traditionellen EQ-Design. den meisten EQs werden Sie unsere Mindestphasen-EQs erfüllen, was impliziert, dass sie leichte Zeitverzögerungen haben, die wiederum zu leichten Phasenverschiebungen führen , die je nach Frequenz, Filtertyp und Verstärkung variieren . Dies wird als Verschmieren bezeichnet, und es ist wahrscheinlicher, dass es passiert, wenn aufdringliche EQ-Bewegungen wie sehr enge Schnitte oder Hochpassfilter verwendet werden, wenn ein Verschmieren nicht wünschenswert ist Linearer Phasen-EQ ist praktisch weil sie alles rechtzeitig halten und damit Probleme verhindern. Der Nachteil ist, dass sie eine höhere Latenz erzeugen als andere EQs und die Transienten abschwächen können. Dieses Tool hat also seine Tugenden und Kompromisse. Verwenden Sie es bei Bedarf, aber kennen die Konsequenzen, wenn es um analoge Entschuldigung oder Emulationen analoger EQs geht . Wir müssen verstehen, dass ein großer Teil des Charakters des EQ von seiner Schaltung und seinem Design stammt. Einige beschuldigen, Röhren in ihrer Schaltung zu haben und geben dem Audio ein wenig Sättigung der Röhren. Einige sind solide und infolgedessen sehr saubere, irgendwie sehr bunte Transistoren die ihnen ihren eigenen einzigartigen Ton verleihen. Obwohl moderne EQs praktisch grenzenlos sind, stehen klassische EQs aus gutem Grund immer noch an vorderster Front beim Mischen . In diesem Sinne möchte ich Ihnen ein paar klassische EQs zeigen. Sie werden sicherlich viel sehen, wenn Sie tiefer in das Mischen eintauchen. Ich erkläre ihre Logik, da einige von ihnen nicht zu intuitiv sind. Aber bevor wir beginnen, möchte ich Ihnen ein paar grundlegende Symbole vorstellen, die Ihnen helfen, einen neuen EQ zu ein paar grundlegende Symbole vorstellen, die Ihnen umgehen, auch wenn Sie diesmal nicht damit vertraut sind, einen glockenförmigen Filter markiert. Dies markiert ein niedriges Regal. Dies ist der Ort, das ist ein hohes Regal. Dies ist ein Wanderer und dies ist das Phasenfußzeichen. Beginnen wir mit dem parametrischen SSL-EQ. Dies ist ein britischer EQ mit vier Bändern, die in den Standardforen oder Low Shelf, High Shelf und Mittelklasse-Glockenbändern sind. Einige Emulationen haben nur einen lokalen Filter und einige haben auch einen weiteren Aufstiegsfilter. Die beiden Mittelklasse-Glockenbänder haben einen akuten Knopf, wodurch der EQ vollständig parametrisch ist. Und die High-End-niedrigen Regale haben einen Knopf, der sie in Bell-Filter anstelle von Regalen mit vorgegebener Warteschlange verwandeln kann Bell-Filter anstelle von . Hier ist die SSL-Untätigkeit. Montagabend. Meine Abendspaziergänge. Meine Abendspaziergänge, meine Abendspaziergänge, mein abendlicher Strohhalm. Der nächste klassische EQ ist der Neve 1073. Dieser halbparametrische EQ ist auch britisch und ist sehr berühmt dafür , Teil unzähliger einflussreicher Aufzeichnungen mit denen wir alle vertraut sind. Dieser EQ verfügt über ein hohes und niedriges Regal Dans ein Mittelklasse-Glockenband und einen Hochpassfilter. Die Frequenz des hohen Regals ist auf 12 K festgelegt . Das niedrige Regal hat vier wählbare Frequenzen. Das Mittelklasse-Glockenband hat sechs Frequenzen, aus denen Sie mit einem festen Q wählen können. Interessant über diesen EQ ist , dass der lokale Filter ein wenig Resonanz hat, was ein kleines Stück hinzufügt Boost am gewählten Frequenzpunkt. Dies kann verwendet werden, um eine Quelle zu mästen und gleichzeitig die wirklich niedrigen Frequenzen in anderen klassischen Navy Q zu filtern die wirklich niedrigen Frequenzen in ist der 1081 , der ein weiteres Glockenband im mittleren Bereich hat, mehr Frequenzen für jedes Band bis Q, Optionen für die mittleren Glockenbänder sowie die Option, die Regalbänder in Bell zu ändern. Und schließlich ein hochkohlenhydratreicher Filter. Hier sind die 10731081 in Aktion. Frau E Abend, Montagabend Stromalzellen. Meine abendlichen Spaziergänge. Meine abendlichen Spaziergänge. Meine abendlichen Spaziergänge. Ms. E Abend. Der nächste dQ ist der API, Fünf-Sechzehntel grafischer EQ. Dies ist ein amerikanischer EQ mit zehn Bändern, die in Oktaven springen, was bedeutet, dass die Frequenzen von Band zum nächsten verdoppelt werden . Die Warteschlange verengt sich, wenn der Boost extremer wird, was diesen EQ oder einen sehr musikalischen und angenehmen Klang ergibt. Diese Funktion findet sich auch auf APIs, halbparametrischen EQs, bei denen es sich um 55855 dB handelt. Sie haben vielleicht bemerkt, dass der 550 B eine andere Fledermaus hat, aber die Häufigkeit liegt bei den beiden EQs sind ebenfalls geringfügig unterschiedlich, so dass sie unterschiedlichen Zwecken dienen. Beide bieten die Möglichkeit, die High-End-Low-Bänder von Regal zu Gürtel zu wechseln . Und 550 a hat auch einen Bandpassfilter, der etwas unter 50 Hertz und über 15 k schneidet etwas unter 50 Hertz und über . Die Frequenzen werden mit dem inneren blauen Knopf und der Verstärkung durch den äußeren weißen Knopf gewählt . Hier sind die API fünf sechzig, fünfundfünfzig in Aktion. Das letzte klassische Q wird das Pooldeck sein. Dieser Röhren-EQ wurde 1951 entworfen und wurde aufgrund seines einzigartigen Klangs und seiner Eigenschaften zu einem Klassiker seines einzigartigen Klangs und seiner Eigenschaften Die niedrigen Frequenzen können mit zwei Regalfiltern manipuliert werden, die dämpfen und erhöht sich gleichzeitig erzeugt daher eine einzigartige Filterform , die sonst nicht erreicht werden kann Das nächste Band ist glockenförmig und kann verwendet werden, um ausgewählte Frequenzen zwischen 316 k zu erhöhen . hat auch einen Bandbreitenknopf, der die Warteschlange ist. Sie können die Glocke beliebig so einstellen, dass sie sehr scharf oder sehr breit ist. Schließlich gibt es ein hohes Regal, das nur zur Dämpfung verwendet werden kann. Dieser seltsam aussehende, unintuitive EQ war ein großer Teil einiger Käfer und Motown-Aufnahmen sowie unzähliger anderer historischer Produktionen. Hier ist das Pooldeck in Aktion. Es gibt noch viel mehr EQ, über die man lernen muss, aber diese wenigen sind eine gute Einführung in die analoge EQ-Welt. Sie benötigen nicht alle diese EQ-Typen, wenn Sie anfangen möchten, Bestands-Plug-Ins zu mischen, die in der Regel mehr als genug sind. Die Emulationen machen mehr Spaß, haben aber nichts damit zu tun, Fähigkeiten als Mixer zu erwerben. abgesehen sind sie interessant, da sie dazu beigetragen haben , die Kunstform so zu entwickeln, wie wir sie kennen. Vertrautheit ist also nützlich. Jetzt möchte ich zwei Tests vorstellen, einen für dieses Segment und einen zum Abschluss des EQ-Thema. 8. EQ – Aufgabe: Erstens ist nur relevant, wenn Sie eine analoge Emulation in Ihrer DAW haben oder wenn Sie ein Plugin von Drittanbietern haben, importieren Sie zunächst eine Spur und fügen drei verschiedene analoge Emulationen ein und finden Sie heraus welche Bänder jeweils bieten, welche Frequenzen sie manipulieren lassen und welche Steuerelemente Sie über die Bänder haben, die Einschränkungen, die einige analoge Ausrüstung sich bringen , sind tatsächlich das, was sie so einzigartig macht. Versuchen Sie also zu bemerken, was jeder zu bieten hat , nachdem die Schnittstellen herausgefunden haben, vergleichen Sie die Emulationen, auch wenn die Bänder nicht auf die gleichen Frequenzen fixiert sind, erhöhen das hohe Regal um drei dB und dann a, B, drei Reaktionen. Vergleichen Sie dann die niedrigen Bänder, vielleicht auch die mittleren Bänder, die Filter und denken Sie daran, was jedes analoge Zahnrad zu bieten hat , wird es Ihnen leichter machen , sich daran zu erinnern, wenn Sie es brauchen. Je tiefer du gehst, desto mehr wirst du wissen. Nachdem Sie mit der Recherche der ersten drei fertig sind, können Sie dasselbe mit einer anderen Charge tun. Die zweite Aufgabe besteht darin , den Rhythmusbereich eines Songs zu mischen, also Schlagzeug und Bass. Bisher enthalten alle EQ-Aufgaben, die Sie erhalten haben, nur einzelne Tracks. Aber wie bereits erwähnt, ist eine Mischung ein komplexes Rätsel und die Arbeit im Solo ist nicht der richtige Weg. Laden Sie also einen der Songs aus den Multi-Track-Ordnern herunter und versuchen Sie, den Rhythmusbereich davon zu mischen, egal ob es sich um eines der Elektronenstücke oder eines der akustischen Stücke handelt, den Rhythmusbereich wird Frequenzen haben die von der niedrigsten bis zum höchsten reichen. Es ist ein guter Anfang. Beachten Sie das Low-End und beginnen Sie damit herauszufinden, ob Sie die Basis mit Unterfrequenzen reinigen , um sie für den Kick oder umgekehrt zu belassen . Dann beachte den mittleren Bereich. Wie interagiert die Basis sozusagen Fleisch mit den snare oder höheren Tönen des Kicks als der höchste, der Track, der glänzende oder relativ dunkle Hüte fordert . Beachten Sie, wie sich verändernde Frequenzen auf das Gefühl des Groove und die Emotionen auswirken , die das Lied mehr als alles andere vorhersagt. Im Voraus. 9. Kompressoren Teil 1: Kompressoren sind Werkzeuge , die es uns ermöglichen, den Dynamikbereich oder die Hüllkurve einer Schiene zu ändern . Der Begriff Dynamikbereich bezieht sich auf den Volumenabstand zwischen den weichsten und lautesten Punkten einer Strecke und der Hüllkurve ist das Verhalten der Lkw. Mit anderen Worten, Kompressoren helfen uns die Lautstärke unserer Tracks zu kontrollieren und können zum Zähmen und Auswuchten verwendet werden , damit sie besser in der Mischung oder auf andere Weise sitzen, um die Dynamik und lassen die Dinge tatsächlich hervorstechen. Mehr. Kompressoren haben nur sehr wenige Parameter , die miteinander zusammenarbeiten. Diese Parameter sind Schwellenwert, nämlich der Füllstand, in dem der Kompressor den Kompressionsprozess startet. Angriff bestimmt, wie lange Kompressor benötigt wird, um mit dem Komprimieren zu beginnen, sobald die Lautstärke der Spur den Schwellenwert überschritten hat. Die Freigabe bestimmt, wie viel Zeit es in Anspruch nimmt Kompressor, um eine Verstärkungsreduzierung von 0 dB zu erreichen, nachdem die Lautstärke unter das Schwellenwertverhältnis fällt . Dies ist, wie viel Kompression auftritt, sobald es eintritt. Zum Beispiel bedeutet ein Vier-zu-Eins-Verhältnis , dass alle vier Dezibel die den Schwellenwert überschreiten, nur einen dB zum Ausgangssignalknie hinzufügen , was ist, wie weich oder schwer der Übergang in kompression wird sein. Ein weiches Knie führt dazu , dass das Verhältnis allmählich ansteigt, wenn das Signal den Schwellenwert erreicht. Während das Härten bedeutet , dass das Verhältnis nur so funktioniert, wie es ist, sobald der Schwellenwert überschritten wird, kompensiert die Ausgangsverstärkung den Pegelverlust aus dem Kompressionsprozess und lässt uns das Signal anpassen . Und schließlich wird der Side-Chain-Filter, der dem Kompressor mitteilt, welche Frequenzen bei der Analyse des eingehenden Audios ignoriert werden sollen, eine schnelle Angriffszeit unsere Transienten abflachen, was zu weniger Dynamik führt. Und langsame Angriffszeiten werden die Transienten akzentuieren. Langsamer Angriff und wird auch verwendet, um eine sanfte und transparente Kompression zu erreichen . Ich schwöre, ich habe heute Abend nicht als Mönch gesprochen. Ich schwöre, ich habe heute Abend nicht als Mönch gesprochen. Schnelle Release-Zeiten können den Schwanz oder das Ambiente der Tracks erhöhen und die Aufregung der Tracks steigern. abgesehen kann es zu Verzerrungen führen und ein bisschen Chaos verursachen, wenn es unangemessen umgesetzt wird. Langsame Release-Zeiten können sozusagen zu einer natürlicheren Klangkompression und engeren Geräuschen führen sozusagen zu einer natürlicheren Klangkompression und engeren Geräuschen , können aber auch das Signal ersticken , wenn es nicht mit dem Track-Rhythmus atmet. Kompressoren haben eine Detektorschaltung, die das eingehende Audio anhört und dann die Kompression entsprechend auslöst. Der Sergeant-Filter wird verwendet, um das Audio zu formen, das in den Detektor ankommt um zu steuern, was die Kompression auslöst, summieren unterschiedliche Frequenzen zwei verschiedene Volumina und die niedrigen Frequenzen summieren sich zur höchsten Energie und können einen Pumpeneffekt erzeugen zur höchsten Energie und können einen Pumpeneffekt erzeugen, der nicht angenehm ist. Wenn Sie also LKWs mit niederfrequenter Energie komprimieren , die Sie den Kompressor nicht auslösen möchten. Sie können die niedrigen Frequenzen vom Detektor filtern und den Kompressor nur auf die höhere Frequenzenergie reagieren lassen. Hören wir uns ein Beispiel an. Beachten Sie, was passiert, wenn ich den Filter anhebe. Wie Sie wahrscheinlich gehört haben, die Pumpkosten durch die niedrigen Frequenzen reduziert und der Gesamtpegel, auf den der Kompressor mit niedrigerem reagiert . Dies macht den Kompressionsprozess einfach genauer und verhindert diese unerwünschten Pumpgeräusche. Es ist wichtig zu beachten, dass die Kompressorenparameter alle zusammenarbeiten und nicht wirklich alleine stehen. Sehen wir uns das in der Praxis an. Ich werde einen sehr visuellen Kompressor benutzen , um den Schulleiter queer zu machen. Aber denken Sie daran, dass wir beim Mischen mit unseren Ohren arbeiten und nicht mit unseren Augen. Nehmen wir den Gesangsspur aus den Mischübungsdateien als Beispiel. Ich schwöre, ich habe nicht gesprochen, da das Mikrofon heute Abend gedreht wird. Das erste, was Sie tun müssen, wenn Sie Audio komprimieren möchten , ist herauszufinden, was Sie erreichen möchten. Also höre ich das Wort Ich und das Mikrofon, oder ein bisschen rauspumpen. Und ich möchte sie mit dem Rest der Strecke ausgleichen . Stellen Sie Ihren Kompressor als Ausgangspunkt auf ein Verhältnis von acht zu eins mit schnellen Angriffs- und Release-Zeiten und einem harten Knie. Lassen Sie uns nun den Schwellenwert senken, während die Falle spielt. Und hier, wenn die Kompression anfängt, schwöre ich, dass ich nicht gesprochen habe, da das Mikrofon heute Abend gedreht wird. Ich schwöre, ich habe nicht gesprochen, da das Mikrofon heute Abend gedreht wird. Wie wir hinzufügen, habe ich nicht gesprochen, da einige heute Abend Spin sein könnten. Ich bringe die Schwelle weiter, als es gefordert ist. So können wir die Kompression extrem hören und die nächsten Parameter einwählen , um unsere Bedürfnisse leichter zu erfüllen. Fangen wir mit dem Angriff an. Wir werden den Angriff langsam öffnen und hören wo er die vorübergehenden oder anfänglichen Gipfel auflistet, durchkommen und ihn anpassen, bis wir einen Angriff erreichen. Wir hätten gern das Geräusch eines Schwörens. Ich habe heute Abend nicht als Mönch gesprochen. Ich schwöre, ich habe nicht gesprochen, da das Mikrofon heute Abend gedreht wird. Wie wir hinzufügen, habe ich nicht gesprochen, da sie heute Abend vielleicht Spin sein könnten. Nachdem wir unsere Angriffszeit festgelegt haben, werden wir herausfinden, dass die Veröffentlichung die Freigabe verlangsamt, bis wir hören der Kompressor mit unserer Quelle bewegt und seine Dynamik nicht erstickt. Da, wie ich bereits erwähnt habe, das Ziel, auf das wir hinarbeiten ist das Ziel, auf das wir hinarbeiten, ein ausgewogener und natürlicher Klang, wie wir hinzufügen, nicht gesprochen hat, da es heute Abend Spin sein könnte. Ich schwöre, ich habe nicht gesprochen, da das Mikrofon heute Abend gedreht wird. Ich schwöre, ich habe nicht gesprochen, da sie heute Abend vielleicht Spin sein könnten. Nachdem wir den Angriff hatten und das loslassen, können wir herausfinden, welches Verhältnis wir für unsere Komprimierung wünschen. Beginnen wir mit zwei zu eins und erhöhen langsam das Verhältnis, um zu sehen, welche Auswirkungen es auf die Quelle hat, zusammen mit Interaktion mit den Angriffs - und Freigabeparametern. Ich schwöre, ich habe nicht gesprochen, da das Mikrofon heute Abend gedreht wird. Ich schwöre, ich habe nicht gesprochen, da das Mikrofon heute Abend gedreht wird. Ich schwöre, ich habe nicht gesprochen, da das Mikrofon heute Abend gedreht wird. Ich schwöre, ich habe nicht gesprochen, da das Mikrofon heute Abend gedreht wird. Wenn Ihr Kompressor Ihnen die Möglichkeit gibt , mit dem Knieparameter zu spielen, können Sie ihn vor oder nach dem Einstellen des Schwellenwerts einstellen, dann wird der Zugang zum vollen Kompressionsverhältnis geglättet und es kann helfen Reaktion der Kompressoren auf eingehendes Audio zu verfeinern. Jetzt, da wir diese Parameter haben denen wir den Schwellenwert anpassen können, wundern Sie sich nicht, wenn einige Einstellungen verfeinert werden müssen , denn wie ich bereits erwähnt habe funktionieren alle Parameter in Verbindung. Und die Tatsache, dass der Schwellenwert angepasst wird , könnte bedeuten, dass weitere Anpassungen vorgenommen werden müssen. Ich schwöre, ich habe heute Abend nicht als Mönch gesprochen. Ich schwöre, ich habe nicht gesprochen, da das Mikrofon heute Abend gedreht wird. Ich schwöre, ich habe heute Abend nicht als Mönch gesprochen. Ich schwöre, ich habe heute Abend nicht als Mönch gesprochen. Ich schwöre, ich habe heute Abend nicht als Haupt-Spin gesprochen. Der letzte Schritt wird darin bestehen den Füllstandsverlust mit der Ausgangsverstärkung auszugleichen, die Kompressoren werden eine Verstärkungsreduzierung haben. Wir verwenden manchmal als GR markiert, das zeigt Ihnen, wie viel Pegel reduziert wird. Ich empfehle jedoch, das verarbeitete und unverarbeitete Signal zu hören und die Lautstärke zwischen dem Werkzeug einzustellen , da die Komprimierung verschiedene Formen der Pegeländerung verursachen kann . Ich schwöre, ich habe nicht gesprochen, da das Mikrofon heute Abend auch gedreht wird . Ich habe nicht gesprochen, da das Mikrofon heute Abend gedreht wird. Ich schwöre es. Ich habe nicht gesprochen, da das Mikrofon heute Abend gedreht wird. Ich schwöre, ich habe heute Abend nicht als Haupt-Spin gesprochen. Das Einstellen des Kompressors auf diese Weise ist eine sehr gute Vorgehensweise, bis Sie das Gefühl haben, sich um das Thema gewickelt zu haben. Beginnen Sie mit einem niedrigen Schwellenwert und schnellen Angriffs - und Freigabezeiten legen Sie den Angriff als das Release-Verhältnis und den Schwellenwert fest. Passen Sie die Einstellungen an den endgültigen Schwellenwert an und passen Sie schließlich die Ausgangsverstärkung an, um den Pegelverlust auszugleichen. 10. Kompressoren Teil 1 – Aufgabe: Die Aufgabe für dieses Segment besteht darin, die Parameter der Kompressoren zu untersuchen und zu sehen, wie sie interagieren. Versuchen Sie, die Akustikgitarre oder die Bassnummer zu komprimieren , um sie aus den Übungsdateien zu verfolgen , und komprimieren Sie sie mit der Absicht, die Dynamik stabil zu machen. Verwenden Sie Ihren Lagerkompressor und versuchen Sie auf verschiedene Weise, etwa fünf dB Kompression zu erreichen . Versuchen Sie, einen schnellen Angriff mit einer sehr hohen Schwelle zu haben , die vielleicht gut klingt, möglicherweise die Schwelle senken, aber den Angriff verlangsamt. Sehen Sie, wie sich das Verhältnis auf beide Einstellungen auswirkt. Beachten Sie, dass Änderungen, die Sie vornehmen, auch einige Anpassungen an anderen Parametern erfordern . Und stellen Sie sicher, dass der Truck noch atmet und sich nicht erstickt fühlt. Sie nach ein paar Minuten Experimente , vor dem Kompressor einen korrektiven EQ durchzuführen und zu sehen , wie sich das verhält. Veränderung der harmonischen Balance wird auch die Dynamik in bestimmten Szenarien verändern. Experimentiere damit und sieh dir an, wie es in der Praxis aussieht. Im nächsten Segment werden wir weiter erklären, wie man den Kompressor benutzt und erfahren, wie er künstlerisch eingesetzt werden kann. 11. Kompressoren Teil 2: Das letzte Segment, die Parameter des Kompressors, wurden erklärt und wir haben die Kompression verwendet, um das Niveau einer Schiene zu steuern. In diesem Segment möchte ich zeigen und erklären, wie Kompressoren auch Umschlag, Charakter und Ton gestalten können . Zum Beispiel ist dies der gleiche Track mit zwei extremen Beispielen, nur um einen Punkt zu machen. Aber obwohl, wie ich bereits erwähnt habe, alle Parameter zusammenarbeiten und können nicht wirklich alleine stehen. Man kann mit Sicherheit sagen, dass die Angriffs- und Freigabeparameter den Haupteinfluss auf den Ton des Kompressors haben werden. Genau wieder, Perspektive, Sie sollten wissen , dass der schnelle Angriff in der analogen Welt etwa 20 Mikrosekunden beträgt und eine schnellere Freigabe bei etwa 50 Millisekunden angesehen wird . Kompressoren mit zehn Millisekunden Angriffszeiten gelten als relativ langsam und Freigabezeiten können den Bereich von 1 Sekunde überschreiten. Digitale Kompressoren können Ihnen manchmal noch schneller und langsamer arbeiten, wenn Sie sie benötigen, schnelle Release-Zeiten, wir bringen Aufregung und Einstellung anziehen können, während langsame Release-Zeiten halten Sie Ihren Track enger und geschmeidiger. Schnelle Release-Zeiten können bei instabiler Leistung helfen kann verwendet werden, um das Timbre einer Spur zu ändern oder einfach nur ein Problem zu sein. Achten Sie also auf diesen Parameter. Eine langsame Freigabe bedeutet, dass die Komprimierung eine Weile aufrechterhalten wird , was dazu beitragen kann, die Spur zu reinigen und den nächsten Transienten zu glätten. Aber Sie müssen sicherstellen, dass es mit dem Tracks Groove liest , da es auch den Sound ersticken kann , wenn er zu lang ist. Beachten Sie also noch einmal, wie sich Ihre Veröffentlichung auf das Audio auswirkt , und beachten Sie, ob es funktioniert, Ihre Absichten nicht. Das gleiche Prinzip gilt für Angriffszeiten. Relativ schnell führt zu aggressiven Tönen, während langsame Steuern natürlicher und sanfter klingen, wie EQS-Kompressoren entweder für Paararbeiten oder stilistisch verwendet werden können entweder für Paararbeiten oder stilistisch Hinzufügen von Charakter und Ton zu Tracks. Werfen wir einen Blick auf ein paar Beispiele und sehen, wie sie zum Spielen kommen. Hier ist eine Akustik-Gitarre. Nehmen wir an, ich möchte seine Transienten akzentuieren und mehr Einstellung einführen . Sie werden gerade genug angreifen, um die Transienten durchzulassen , bevor die Kompression eintritt und eine schnelle Veröffentlichung setzen. Der Kompressor wird also wieder auf Verstärkungsreduzierung von 0 dB zurückkommen, bevor das nächste Trendeinkommen neben dem dynamischen Effekt, den die Kompression auf die Strecke hatte. Beachten Sie, was es mit dem Tracks-Charakter macht. Es fühlt sich energischer an und bringt es stärker voran. Hier ist der Snare-Track. In diesem Fall möchte ich, dass die Geisternotizen hörbarer sind, weil sie für die Gruppe wirklich wichtig sind. Also werde ich einen Schwellenwert des Kompressors festlegen , um die lauten Treffer abzuschwächen, und ich werde schnell loslassen, damit die Geisternotizen von der Komprimierung befreit sind. Nächstes Beispiel ist die Stringspur. Ich möchte, dass dieser Abschnitt ausgeglichener aber immer noch dynamisch ist. Also werde ich einen relativ langsamen Angriff und mittelfristige schnelle Freigabe einführen, um ihn einzurichten, aber mit der Komprimierung nicht auf Audible. Beachten Sie, dass der Abschnitt sozusagen stärker zusammengeklebt klingt, da die Dynamik zusammenarbeitet, obwohl digitale Emulationen es schaffen, den Charakter klassischer analoger Kompressoren zu vermitteln. Sie reagieren immer noch ein bisschen anders auf Audio, besonders wenn es eine Menge Verstärkungsreduzierung gibt. Wenn sie also im digitalen Bereich arbeiten, verketten Ingenieure manchmal mehrere Kompressoren nacheinander. Jeder komprimiert nur ein bisschen damit der endgültige Effekt glatt klingt. Wie Sie sehen können, haben Kompressoren oder ein sehr musikalisches Werkzeug und emotionale Auswirkungen wie jedes andere Werkzeug, das wir verwenden. Es ist vielseitig einsetzbar, da es für dynamische Steuerung, etwas Verzerrung, sogar EQ in gewisser Weise und zur Verbesserung der Emotionen verwendet werden kann, wenn es benötigt wird. 12. Kompressoren Teil 2 – Aufgabe: Diese Segmentzuweisung besteht darin, künstlerisch zu komprimieren, die Tracks zu nehmen, die ich in diesem Segment verwendet habe , und selbst mit ihnen zu experimentieren. Versuchen Sie, sie aggressiver zu machen, und versuchen Sie dann, dass sie sich weicher fühlen. Seien Sie sich der emotionalen Auswirkungen bewusst. Technische Details haben eine nachdem Sie mit der Gitarre, den Saiten und der Snare fertig sind, gehen Sie zum anderen Quellmaterial und zur Übungsmappe über. Im nächsten Segment werden wir die verschiedenen Arten von Kompressoren und die Unterschiede zwischen ihnen durchgehen die verschiedenen Arten von . 13. Kompressortypen: Das letzte, was man sich vorher mit einem Kompressionsthema vertraut machen Kompressionsthema die verschiedenen Arten von Kompressoren, da einige nicht so intuitiv sind wie andere, ich zeige und erkläre, wie man einen Kraftstoff benutzt und hoffentlich erspare dir etwas Verwirrung, wenn du ihnen selbst begegnet. Digitale Kompressoren können normalerweise vollständig optimiert werden. Sie sind auch sehr sauber und machen sie zu einem guten Werkzeug für alles. Praktisch der Kompressor, den ich bei den Demonstrationen im vorherigen Segment verwendet habe bei den Demonstrationen im vorherigen Segment verwendet , ist mein DAWs-Aktien-Plugin. Es gibt jedoch viele Plugins von Drittanbietern, die einige sehr nützliche Funktionen enthalten. Fet steht für Feldeffekttransistor. Diese Kompressoren können aufgrund ihrer Transistorschaltung eine sehr schnelle Angriffszeit erreichen aufgrund ihrer Transistorschaltung eine sehr schnelle Angriffszeit und können für alles verwendet werden, von Gesang, Bayes, Rule Max oder alles andere, schnell und erfordert Bereinigen Sie Angriffseinstellungen. Der 1176 ist der berühmteste FAT-Kompressor und Sie werden wahrscheinlich auf viele Emulationen dieses klassischen Mischwerkzeugs stoßen . Der 1176 hat einen festen Schwellenwert. Um mit dem Komprimieren zu beginnen, müssen Sie den Quellenpegel mit dem Eingangsknopf in den Schwellenwert drücken Quellenpegel mit dem Eingangsknopf in und dann die Lautstärke mit dem Ausgangsknopf ausgleichen. Der 1176 ist Attack reicht von 20 Mikrosekunden bis 800 Mikrosekunden bis zu Freigabebereichen von 50 Millisekunden bis 1,1 Sekunden. Und wichtig zu wissen ist, dass die Angriffs - und Release-Parameter nicht intuitiv sind. Die höchste Zahl steht für den schnellsten Angriff und die niedrigste Zahl stellt die langsamste dar. Das letzte coole Feature des 1176 sind die alle Tasten im Modus, auch als britischer Modus bezeichnet, standardmäßig, wenn ein Verhältnis für den Kompressor gewählt wurde, wird das zuvor gewählte Verhältnis deaktiviert. Britische Ingenieure entdeckten jedoch , dass alle Verhältnisse in der Kompressorenreaktion eine leichte Verzerrung und extreme Angriffs- und Freigabezeiten sind der Kompressorenreaktion eine . Dies gibt viel Charakter und kann verwendet werden, um einen zusätzlichen Aufregung zu geben. Optische Kompressoren haben ein interessantes Design. Das Audio, das durch den Kompressor fließt, durchläuft ein Lichtelement, das auf und ab leuchtet, wenn sich der Eingangspegel um das Element ändert Es gibt eine optische Zelle, die dämpft das Audio, wenn die Freude stärker wird, haben diese Kompressoren langsame Angriffs- und Freigabezeiten und gelten als weich und warm. Optische Kompressoren eignen sich gut für Quellen, die langsame Dämpfung benötigen, wie bestimmte Gesang-, Basis- oder Stringabschnitte. L2 ist der berühmteste Kompressor und hat auch viele Emulationen. Sie werden sicherlich auf DLA stoßen, um zwei Neben hat, Spitzenreduktion, die wie ein Schwellenwert-Regler und eine Verstärkung wirkt , was der Ausgangspegel ist. Im Allgemeinen hat das LA-Zwei-Wege-Verhältnis ein weiches Knie im durchschnittlichen Verhältnis von 41, durchschnittlichen Angriff von zehn Millisekunden. Und um Phasen freizugeben, erfolgen 50 Prozent der Veröffentlichung rund 60 Millisekunden. Und die zweiten 50 Prozent können zwischen einer und 15 Sekunden dauern . Aber all diese Parameter, die ich gerade erwähnt habe, schwanken tatsächlich je nach dem Audio durch den Kompressor kommt. Wie Sie sehen können, ist der LQA, obwohl es sehr einfach zu bedienen ist, tatsächlich ein sehr komplexer und musikalischer Kompressor. Röhrenkompressoren leben und ihre Schaltung und erzeugen die gewünschte Wärme, die als charakteristischer Röhrenklang gilt . Diese Kompressoren eignen sich hervorragend für bestimmte Gesang, String-Sektionen und jedes Quellmaterial, das Röhrentöne verwenden kann. Der berühmteste Kompressor in dieser Kategorie ist wahrscheinlich das Fairchild, das 20 Röhren enthält. Dieser Kompressor verfügt über einen Eingang, einen Schwellenwert-Regler und das, was der Designer als Zeitkonstanten bezeichnet hat, denen es sich um verschiedene Kombinationen von Angriffs- und Freigabeparametern handelt . Die Tech-Zeiten liegen zwischen 200 und 800 Mikrosekunden und Freigabezeiten liegen zwischen 300 Mikrosekunden und 25 Sekunden. Wenn Sie im Extremfall die Emulation des Fairchild-Kompressors kaufen , lesen Sie das Handbuch. Da dieser Kompressor sehr einzigartig ist und viel zu bieten hat, steht VCA für spannungsgesteuerten Verstärker. Die Art und Weise, wie diese Kompressoren gebaut werden, gibt ihnen die Möglichkeit, sowohl sehr schnell als auch langsam zu sein. Aufgrund dieser Flexibilität werden sie oft im Masterbus oder auf Trommeln verwendet, werden sie oft im Masterbus oder auf Trommeln verwendet wobei das beste Beispiel der SSL-Buskompressor ist , der eine Vielzahl von Angriffs- und Release-Zeiten unterschiedlich ist. berühmte VC-Kompressor ist der dvx 1 Sechstel , der in Bezug auf die Optionen sehr einschränkend ist. Da das SSL flexibler ist, wird es oft im Masterbus verwendet. Wo ist der DP? Dx ist aufgrund seines sehr schnellen und aggressiven Angriffs ein klassischer Punch Enhancer für Schlagzeug. Multibandkompressoren sind eigentlich mehrere Kompressoren in einer Einheit, die über den Frequenzbereich unterteilt sind. Dies gibt uns die Möglichkeit, bestimmte Bereiche unterschiedlich zu komprimieren oder nur einen bestimmten Bereich anstelle der gesamten Spur zu komprimieren , es gibt analoge Multibandkompressoren, aber sie werden nicht so häufig emuliert. Sie sehen also hauptsächlich digitale Kompressoren wie die Wellen C4 oder C6 und den Fed-Filter Pro und B. Wenn Sie eine dieser Emulationen haben, experimentieren Sie mit ihnen. Eine Vielzahl von gibt Ihnen viel kreative Freiheit, aber auch viel zu lernen. Ich schlage vor, dass Sie verschiedene Arten von Kompressoren lernen , besteht darin, einen Kompressor auszuwählen und nur diesen zu verwenden , um Ihre Komprimierungsziele zu erreichen. Tun Sie das zumindest für eine Weile und lernen Sie ihre Fähigkeiten sowohl als dynamisches Werkzeug als auch als emotionaler Verstärker kennen. nach ein paar Tagen oder einer Woche konsequenter Nutzung Wechseln Sie nach ein paar Tagen oder einer Woche konsequenter Nutzung zu einem anderen Kompressor und lernen Sie diesen gründlich kennen. Dies zwingt Sie dazu, Ihre Werkzeuge tiefer zu experimentieren und zu kennen , als nur ein paar zufällig auszuwählen und mit ihnen zu arbeiten. 14. Expanders / Tore: Die Parameter, die Sie in diesem Segment erfüllen werden, sind die gleichen wie bei den Kompressoren, einem zusätzlichen Parameterbereich Gegensatz zu Kompressoren Expandern oder werden tatsächlich verwendet, um den Dynamikbereich um um die ruhigen Teile einer Strecke noch niedriger zu machen. Das Audio über dem Schwellenwert bleibt gleich, und das darunter liegende Audio wird entsprechend dem, was Sie in den Bereichs- und Verhältnisparametern gewählt haben, gedämpft . Der Bereichsparameter begrenzt den Grad der Dämpfung, die der Expander einführt. Und das Verhältnis bestimmt , wie stark Dämpfung auftreten wird. Die Angriffs- und Release-Zeiten definieren, wie schnell oder langsam der Expander von funktioniert, genau wie in einem Kompressor. Hier ist ein Beispiel für einen Expander in Aktion. Noise Gates sind einfach Expander mit extremen Einstellungen , die das Audio unter dem Schwellenwert für Stille abschwächen, die Bereichs- und Verhältnisparameter werden abgeflacht und dann werden die Attack- und Release-Parameter verwendet um den Effekt anzupassen und ihn natürlich klingen zu lassen. Noise Gates werden hauptsächlich zum Bereinigen von Schienen verwendet, was sehr nützlich ist, da bei starker Verarbeitung einer Spur überschüssiges Rauschen in der Strecke verbessert wird. Mit einer saubereren Spur können Sie das Audio so oft verarbeiten, wie Sie möchten, ohne den unglücklichen Effekt der Verstärkung unerwünschter Geräusche. Das Noise Gate an nahen Magnettrommeln ist sehr nützlich, da es Ihnen mehr Kontrolle geben kann und einen Kanal hat, der vollständig als Drum-Kanal funktioniert, ohne Auswirkungen darauf zu haben Drum-Kanal funktioniert, ohne Auswirkungen , wie laut andere Trommeln sind. abgesehen ist es wichtig anzumerken, dass manchmal Umgebungsgeräusche und Mike-Blutungen von Multi-Modell-Instrumenten tatsächlich hilfreich sind. Benutzen Sie also nicht nur Tore für sauberere Lkw. Beachten Sie, ob seine Wirkung hilft oder nicht, und verwenden Sie Entsprechend. Ich persönlich benutze Expander nicht viel, aber ich finde Noise Gates sehr nützlich beim Mischen, experimentieren mit diesen Tools und finde heraus, was für dich funktioniert. Die Essays oder Kompressoren , die sich auf den hohen Bereich des Frequenzspektrums konzentrieren und zur Steuerung der Geschwister S-Sounds und Kaugeräusche verwendet werden zur Steuerung der Geschwister S-Sounds und Kaugeräusche , können in Tracks auftauchen und in gewisser Weise etwas unangenehm sein und der Ester ist gekommen, um dieses Problem zu lösen, wenn Sie mit dem DSR arbeiten erstes müssen Sie finden, wo die Frequenzen Sie sind. Dies wird sich vom Sänger, Sänger und von Dr. Mike ändern und wird auch je nach Kontinent variieren. Möglicherweise brauchen Sie einen ds oder für die Essays und einen anderen für die beiden Geräusche mehr. Manchmal klingt es den Ester zu haben, die Last über dieselben Geschwister zu teilen dieselben Geschwister natürlicher, den Ester zu haben, die Last über dieselben Geschwister zu teilen, als eines zu haben ich arbeite allein. Sobald Sie den Frequenzbereich gefunden haben in dem die Wüste arbeiten soll, müssen Sie den Bereich definieren, nämlich die maximale Dämpfung mit der die d'Azur arbeiten muss. Einige der Gefahren werden dort aufhören, und einige werden mehr Parameter haben , um mit dem Schwellenwert oder noch mehr Bandtypen zum Erkennen der Geschwister im Audio zu spielen oder noch mehr Bandtypen zum Erkennen der Geschwister im Audio . übertreibe ja, da dies eine ähnliche Sensation hervorrufen könnte wie Listen, die deinen Sänger verärgern könnten. Ich schwöre, ich habe nicht gesprochen, da das Mikrofon heute Abend gedreht wird. Obwohl sie einfach klingen mögen, sollte es mit Delikatesse behandelt werden. Dsrs können auch verwendet werden, um Resonanzen in Tracks zu reduzieren, die es nicht sind. Gesang kann auf Gitarren, Streichern oder jedem Kanal verwendet werden , der eine hochfrequente Resonanz hat . Limiter sind Kompressoren mit sehr hohen Verhältnissen, die die Audiosdynamik begrenzen , tendenziell auf ein Verhältnis und darüber gelten bereits als einschränkend. Und es gibt Limiter, die in einem Verhältnis von 100 zu eins und bis zu unendlich zu eins arbeiten . Diese Limiter werden als Brickwall-Limiter bezeichnet und werden verwendet, um den Spitzenwert zu senken und damit das Gesamtniveau zu erhöhen. Wenn das, was ich gerade gesagt habe, Sie verwirrt, kehren Sie zurück zum Segment Pegel und Metering-Typ im Kapitel Aufzeichnungstheorie. Kurz gesagt, das Gesamtniveau einer Strecke steigt, wenn der Dynamikbereich reduziert wird. Stellen Sie sich vor, Ihr Audio wird an die Decke geschoben. Der leiseste Teil Ihres Audios steigt, wenn Sie den Pegel nach oben schieben. Und das erste, was zu erreichen ist, sind die Gipfel. Je mehr Sie drücken, desto lauter wird das Audio auf Kosten Ihres Dynamikbereichs, da die Gipfel bereits ihre Grenzen erreicht haben und jetzt durch die Obergrenze eingeschränkt sind. Beachten Sie, wie die LU AFS-Pegel steigen wenn ich das Audio stärker in den Limiter gedrückt habe. Es ist wichtig zu beachten , dass Ziegelmauerbegrenzer die Wellenformen aufgrund der extremen Kompression verändern und digitale Verzerrungen verursachen können , die hörbar sind . Im Allgemeinen sollten Sie mit diesen Tools vorsichtig sein , da sie sehr extrem sind. Limiter werden oft in der letzten Mastering-Phase im Master-Bus verwendet , können aber auch auf bestimmten Strecken verwendet werden , bei denen ihre Peaks reduziert werden müssen, wie Akustikgitarren oder Betrunkene. 15. Expanders / Gates – Aufgabe: Nimmt Nerven Nummer drei und versuche es zu expandieren und selbst zu bekommen. Wenn Sie verwirrt sind, Sie zum Anfang des Segments zurück und schauen Sie noch einmal zu, aber versuchen Sie es logisch zu verstehen . Dann ist das S, der Gesangstrack, die Sänger, Geschwister sehr stark und muss gezähmt werden, stellt aber sicher, dass Sie es nicht übertreiben und ihren Klang haben, als würde sie auflisten. Nehmen Sie schließlich einen der Mixe aus dem Mixins-Ordner und beschränken Sie sie. Sehen Sie, was passiert, wenn Sie zu hart drücken, mit den Angriffs- und Freigabezeiten herumspielen und sehen, wie sich das auf die Limiter auswirkt. Und dann versuche, ein Ergebnis zu erreichen, das tatsächlich stimmt. 16. Sättigung: Die Sättigung bezieht sich entweder auf milde oder extreme Formen der Verzerrung und ist eines der kreativsten Werkzeuge des Mischers. Die Sättigung kann durch Überlastung einer Rohrschaltung, Transistorstromkreises, Bandvorbereitung von Blütenblättern und auf viele andere Arten erreicht werden. Im Wesentlichen verändert die Verzerrung eine Wellenform und verändert ihren harmonischen Gehalt. Und es kann in jedem Maße an jeder Quelle für eine milde Klangformung oder vollständige Zerstörung verwendet werden. Viele dieser Schaltkreise oder Verzerrungsforen wurden modelliert, um diese zeitlichen Manipulationen in der Box, der Bedeutung und dem Computer zu haben diese zeitlichen Manipulationen in der Box, der . Und so können wir auch in den heutigen sauberen digitalen Tagen einige analoge Klangtöne hinzufügen, können wir auch in den heutigen sauberen digitalen Tagen einige analoge Klangtöne hinzufügen selbst wenn wir mit sauberen, modernen Geräten arbeiten. Beginnen wir mit ein bisschen Theorie und kommen dann zu den praktischen Klängen und Verwendungen der Sättigung. Die Sättigung fügt Ihrem Signal Frequenzen oder mit anderen Worten oder mit anderen Worten Harmonischen hinzu. Es gibt sogar Ordnungsharmoniken und Oberwellen der ungeraden Ordnung, manchmal als Oberwellen zweiter, dritter Ordnung angesehen werden. Sogar ordnende Oberwellen werden sogar ein Vielfaches einer Frequenz sein. Zum Beispiel, wenn wir eine Sinuswelle haben, die eine einzelne Frequenz hat , die bei 100 Hertz spielt. es mit gleichmäßigen Oberwellen sättigen, erzeugen Sie eine Frequenz in 200 Hertz als 400, 600 und so weiter. Oberwellen der ungeraden Ordnung werden ein Vielfaches ungerader Zahlen sein. Die Obertöne, die aus der Sättigung entstehen, werden also dreihundert, fünfhundert, siebenhundert und so weiter betragen. Da die meisten Audiodateien, die Sie verwenden, haben wir viel mehr als eine Frequenz. Die Berechnungen werden viel komplexer sein, aber die Mathematik ist nicht so wichtig wie zu verstehen , dass das Sättigen oder Verzerren der Spur Frequenzen in der Spur erzeugt und ändert, die Sie ändern. Sogar Ordnungsharmoniken werden manchmal als angenehmer angesehen als Oberwellen mit seltsamer Ordnung. Ich persönlich gebe kein **** und empfehle, sie beide zu experimentieren und zu verwenden. Jetzt lasst uns die Praktikabilität besorgen. Hier ist ein sauberer Gesang. Ich schwöre, ich habe nicht gesprochen, da das Mikrofon heute Abend gedreht wird. Hier ist der gleiche Gesang mit milder Sättigung. Ich schwöre, ich habe nicht gesprochen, da das Mikrofon heute Abend gedreht wird. Und hier ist es mit extremer Sättigung. Ich schwöre, ich habe nicht gesprochen, da ein Mönch zu mir gedreht wird. Sehen wir uns die Wellenformen dieser drei Beispiele an. Da Sie die Spitzeninformationen und die Form der Wellenform oder mit anderen Worten die Dynamik und den harmonischen Inhalt der Spur sehen, habe ich mich komplett verändert. Hören wir uns nun verschiedene Arten der Sättigung an und versuchen, den Tonunterschied zu bemerken. Dies ist Röhrensättigung. Ich schwöre, ich habe nicht so gesprochen wie gedacht, ich drehe mich zu mir. Dies ist die Bandsättigung. Dies ist die Transformatorsättigung. Ich schwöre, ich habe nicht gesprochen, da es heute Abend Spin sein könnte. Hören dieser empfindlichen Variationen zwischen den verschiedenen Gesättigten kann eine Weile dauern. Aber wenn Sie Ihr Ohr trainieren und geschmackvoll verwenden, können Sie Töne erreichen, die weder mit EQs noch mit Kompressoren erreichbar sind , da die Sättigung nicht nur vorhandene Frequenzen manipuliert, aber auch neue erzeugen, Sättigung verändert auch die Dynamik und kann verwendet werden um Peaks zu kontrollieren und das Gesamtniveau der Spuren zu erhöhen. Zum Beispiel ist hier die snare. Hier sind also die Spitzenwerte. Aber beachte, was passiert , wenn ich leicht verzerrte. Die Peakpegel sind niedriger, aber die Lautstärke fühlt sich gleich an. Verzerrung kann entweder als stilistisches Holzformwerkzeug oder als fortschrittlicher EQ oder Kompressor verwendet werden stilistisches Holzformwerkzeug oder als fortschrittlicher EQ oder , so dass es viel Spaß macht. Nehmen Sie sich also Zeit und spielen Sie mit Verzerrung herum und lernen Sie wie und wann. Dies kann verwendet werden, um tonale Ziele zu erreichen , die EQs und Kompressoren nicht können. 17. Sättigung – Aufgabe: Öffnen Sie ein Verzerrungs- oder Sättigungs-Plug-In, das Sie in Ihrer DAW auf der snare Nummer eins Track, der Akustikgitarrenspur und der Gesangsspur aus den Übungsdateien haben, beginnen Sie damit, sie leicht zu verzerren und zu bemerken was passiert mit ihren Spitzenwerten und Ton erhöht die Sättigung allmählich. Und beachten Sie, was mit dem Ambiente passiert oder Mike führt die Transienten an, wie klar die Informationen sind und wenn Sie einen Punkt erreichen , an dem der Lkw vollständig zerstört ist, stoppen und zurücksetzen die Verzerrung von einem nach dieser langsamen Experimentphase bei einem EQ, bevor die Verzerrung an einem Riemenfilter eingesteckt wurde und beginnt, sie zu bewegen. Heben Sie es langsam schrittweise in den niedrigen Frequenzen an und sehen Sie, wie die Sättigung oder reagiert. Dann hebe es in die Mitten und sieh es wieder an, dann hebe es wild an. Da die Verzerrung die Harmonischen entsprechend dem eingehenden Audio hinzufügen wird , führt das Anheben tiefer Frequenzen ebenfalls zu zusätzlichen hohen Frequenzen. Das letzte Experiment besteht darin, nach der Sättigung einen EQ hinzuzufügen und zu sehen welche Manipulation dies bietet. Viel Spaß. 18. Kanalstreifen: Channel-Strips sind einfach ein Kanal von einer Konsole. Sie bestehen normalerweise aus einem Vorverstärker, einem dynamischen Abschnitt, der aus einem Expander ODER-Gate und einem Kompressor und einem EQ . Alles in einem Streifen ist sehr einfach und nützlich in Bezug auf den Arbeitsablauf. Und auch heute haben wir Channel-Strips von bestimmten Konsolen emuliert , die jede Komponente modellieren und ihren Charakter verleihen. Moderne Plug-In-Unternehmen verfügen sogar über modulare Channel-Strips, in denen Sie jedes Modul anpassen und auswählen und sich Ihren eigenen benutzerdefinierten Channel-Strip erstellen können. Der SSL-Channel-Strip sieht also so aus. Und Sie können sehen, dass wir hier einen Filterbereich haben, den dynamischen Abschnitt hier. Dies ist der Kompressor, in dem Sie den Verhältnisschwellenwert und die Freigabe einstellen können . Diese Schaltfläche steuert den Angriff und wird entweder schneller Angriff oder ein langsamer Angriff eingestellt. Und das ist der Expander ODER-Gate, das Sie mit diesen drei Knöpfen einstellen können. Hier haben Sie die berühmte SSLD q, bestehend aus niedrigem und hohem Regal, das in Bell-Filter und auf mittlere Glockenbänder umgestellt werden kann . Wie Sie hier sehen können, können Sie entweder den dynamischen Abschnitt ein- oder ausschalten und den Kompressor oder die Expander gezielt ein- oder ausschalten. Und hier haben Sie die Möglichkeit, EQ, den dynamischen Seitenkettenknopf, ein- oder auszuschalten . Wir verwenden den EQ, den Sie in diesem Abschnitt erstellt haben , und senden ihn an die Seitenkettenschaltung oder genauer die Detektorschaltung des Kompressors. Wenn das, was ich gerade gesagt habe, für Sie nicht klar war, habe ich ein Video, das die tiefe Kompression abdeckt, in dem ich erkläre, welche Seitenkette und die Detektorschaltung im Kompressor ist. Oder zuletzt die vordynamische Taste oder ändern Sie den Signalfluss innerhalb des Kanalstrips und platzieren den EQ vor den dynamischen Abschnitt. Standardmäßig verläuft der Signalfluss wie folgt. Sie haben den Vorverstärker, die Eingänge gehen zum dynamischen Abschnitt , der dann zum EQ-Abschnitt, dann zum Filterabschnitt und schließlich zum Ausgabe-Fader wechselt dann zum Filterabschnitt . Dies bedeutet einfach, dass das Audio vom Pre-Empt zum EQ geht. Und dann dynamischer Abschnitt. Werfen wir nun einen Blick auf einen anderen Channel-Strip von Lindell Audio. Und mal sehen, wie die Logik, die wir gerade von der SSL gelernt haben, mit diesem Plugin zum Spiel kommt. Hier haben wir den Vorverstärkerbereich , der über einen Eingangs - und Ausgangsknopf verfügt wir für die Sättigung, einen hohen Boost oder einen niedrigen Boost und einen Hochpass-Tiefpassfilter verwenden können . Als nächstes haben wir den Kompressor. Dies ist 1176. Es hat auch einen Ein- und Ausgang, nicht die Möglichkeit, mit langsamen, mittleren und schnellen Angriffs- und Release-Zeiten herumzuspielen . Und der trockene nasse Knopf auch. Dieser Kompressor zwei verfügt über einen Sergeant-Filter , über den Sie in meinem vorherigen Video erfahren können, ein paar Verhältnisse zur Auswahl und die Option zu entscheiden, wie stark jede Seite der Stereoanlage die andere beeinflusst. Schließlich haben wir ein Protokoll AQ, über das Sie auch in meinen EQ-Typen Erklärtes Video erfahren können. Und Sie haben die Möglichkeit, mit diesen Pfeilen mit dem Signalfluss zu spielen . Jetzt, da wir die Logik verstehen, lasst uns herumspielen und sehen, wie das zum Handeln kommt. Verwenden wir eine Schleife aus meinem kommenden Musterpaket, die Sie auch zuerst erhalten, wenn Sie sich bei meiner E-Mail-Liste anmelden. Das ist also die Schleife unverarbeitet. Fangen wir an, damit herumzuspielen. Alles. Lösen Sie den Kompressor und den Akut. Und wir fangen mit dem Preamps-Bereich an. Ich kann von leichter Sättigung zu ziemlich extremer Sättigung übergehen , wenn ich will. Lasst uns nun zum Kompressor übergehen. Gehen Sie weiter zum EQ. Wie Sie sehen können, es sehr nützlich, alles in einem Paket einzustellen ist es sehr nützlich, alles in einem Paket einzustellen, für den Workflow. Schauen wir uns einen letzten Channel-Strip an, nur um die Informationen in unser Gehirn einzufügen. Dies ist der API-Channel-Strip von UID und der Signalfluss geht einfach von oben nach unten und von links nach rechts, Sie haben den Pre-Empt-Abschnitt, der durch den Filter geht zum Expander-Gate dann zum Kompressor und dann zum EQ und zuletzt zum Ausgangsfader. Hier haben Sie also den Eingabebereich, der aus einem Mikrofon und einem Line-Eingang besteht, den Sie hier ändern können Sie können Ihr Audio mit diesen Reglern sättigen. Sie haben ein Pad, das den Pegel Ihres Audios dämpft , und einen Low-Cut-Filter. Und schließlich ein Phasen-Knopf, ein Tiefpass-Hochpassfilter , den Sie hier eingreifen und auch an die Seitenkette senden können . Dann den klassischen dynamischen Abschnitt, Sie haben den Gate-Expander hier. Sie haben diese Knöpfe am Kompressor, die Ihr Knie von schwer zu weich wechseln und die Kompression von neu zu alt, die , wenn ich mich richtig erinnere, den Kompressionstyp von oben ändert, den Kompressionstyp von oben ändert wenn ich mich richtig erinnere Kompression auf Abwärtskompression. Und das coole Feature , das Sie hier eingefügt haben, ist, dass Sie vom fünfundfünfzig, fünfundsechzig EQ wechseln können , hier haben Sie auch den predynastischen Knopf, der den Signalfluss und die dynamische Seite ändert . kette. Obwohl sie am Ende des Tages unintuitiv erscheinen mögen , sind Channel-Strips ziemlich einfach zu verstehen. Wenn Sie also das nächste Mal einen Channel-Strip sehen, seien Sie nicht entmutigt oder verwirrt. Versuchen Sie einfach, den Signalfluss zu verstehen oder Module innerhalb des Streifens ein- und auszuschalten. Und um zu verstehen, ob der Channel Strip Ihnen spezielle Funktionen bietet , die für ihn einzigartig sind. 19. Reverb Teil 1: Nachhall sind zahlreiche Reflexionen eines Geräusches, das unsere Ohren erreicht, nachdem wir eine oder mehrere Oberflächen getroffen Die Länge und das Timbre dieser Reflexionen geben uns einen Hinweis auf die Größe des Raums. Der Klang ist n, und das Material dem der Raum aus Hall-Einheiten besteht, gibt uns die Möglichkeit ein Gefühl von Raum um Tracks zu schaffen, die wir gemischt haben, indem nachahmen, wie Räume und Materialien auf Klang reagieren. Es gibt viele Möglichkeiten, Nachhall zu erzeugen, und jeder Weg hat ihren eigenen einzigartigen Ton und Charakter. Da die Aufnahme in einer Kathedrale oder einer Konzerthalle ein bisschen mühsam ist, fanden Studios interessante Lösungen bevor digitale Reverbs erfunden wurden. Eine Hallkammer war die erste, war einfach ein Raum, der aus Beton oder einem anderen reflektierenden Material gebaut wurde, in dem ein Lautsprecher und ein Mikrofon enthalten sind. Audio wurde an den Lautsprecher gesendet, aufgrund seiner reflektierenden Natur im Raum diffundiert und über die Mikrofone aufgenommen. Berühmte Studios hatten Kammern , die ihnen ihren ikonischen Klang gaben. Und heutzutage werden viele dieser Kammern in Plugins emuliert und digitale Hardware wird sich verstecken, wenn wir hineingehen. Plattenhall oder eine andere Lösung die durch große, aber dünne Metallbleche erzeugt wird. Ein Fahrer vibrierte das Flugzeug entsprechend dem Audio , das an es gesendet wurde. Und die Vibration wurde dann mit zwei Tonabnehmern mit Federhallern aufgezeichnet , die den gleichen Ansatz verwenden, aber anstatt eine Metallplatte zu vibrieren, ist es eine Metallfeder, die unweigerlich eine unverwechselbare verschiedene Töne. Diese Reverbs haben einen stilistischen Stempel auf Geschichte der Rockgitarren und werden immer noch als Teil vieler Gitarrenverstärker und Blütenblätter gebaut . Digitale Reverbs erschienen in den siebziger Jahren und wir sind darauf programmiert, ein Raumgefühl zu schaffen , indem wir das eingehende Signal mit vielen schnellen Verzögerungen und Filtern verzögern, die der Reflexion eines Raums ähneln. Diese versuchten nicht, einem bestimmten Raum nachzuahmen. So erhielten verschiedene Algorithmen unterschiedliche Charaktere und wir konzentrieren uns nicht darauf, so real zu klingen wie erfreulich oder schmeichelhaft. Heutzutage haben wir die Computerleistung, um tatsächlich zu modellieren, wie Räume nachhallen und so wurden Faltungshebel erfunden. Diese Hall verwenden Impulsantworten, bei denen es sich um Audioprofile eines Raums von Algorithmen erstellt wurde , die analysieren, wie der Raum auf Audio reagiert, und wählen Sie Go. Moderne Modellierungen für Plug-In- und Hardware-Unternehmen bieten uns eine Vielzahl von Reverb-Typen zur Auswahl, von Konzerthallen und Arenen zwei Bädern und Küchen. Die meisten Reverb-Typen können mit Long oder Short des Gehäuses verwendet werden . Aber natürlich werden Pauls Höhlen und Kammern länger sein als Räume. Die Parameter, die Sie in den meisten Reverbs finden, sind beispielsweise die Vorverzögerung, nämlich die Zeit, die eine Einheit benötigt, bevor sie den Zerfall oder die Zeit des Nachhallprozesses startet, was bestimmt, wie lange die Flussbetten und ein trockener, nasser oder Mix-Regler, mit dem Sie das ursprüngliche Signal, das das trockene ist, mit dem Hall mischen das das trockene ist, können, der das Nasssignal ist. Der Parameter vor der Verzögerung ist nützlich, wenn Sie eine Unterscheidung zwischen der Quelle und dem Fluss erstellen möchten. Hier ist eine Quelle, die ohne Vorverzögerung an einen Hall gesendet wird, die sich verstecken wird, wenn wir hineingehen und wahr sind. Aber geh Dan Gesetz jetzt mit etwas Vorverzögerung, wird sich verstecken, wie wir hineingehen und wahr werden. Aber unser Ziel ist der Gesang auf diese Weise unterscheidbarer, da der Hall die anfängliche Audioquelle nicht verschmiert. Dies ist etwas, was ich in bestimmten Fällen möchte und möglicherweise nicht in anderen abhängig vom Musikstil , an dem ich arbeite , und der Quelle, mit der ich arbeite, wird die Zerfallszeit durch das Ziel definiert , das ich erreichen möchte. Als Faustregel erzeugt ein langer Fluss der Zeiten oft ein Gefühl von Distanz und kurzen Hall Zeiten, in denen wir ein Gefühl von Raum schaffen, gehen und kauen. Wir gehen rein und gehen. Grob gesagt wird der Fall unter 1 Sekunde als kurz angesehen. Und wie Sie gesehen haben, als der kurze Hall verlobt war, hat er die Quelle wirklich ins All gebracht. Der lange Hall hatte einen ähnlichen Effekt, betonte jedoch Granger mehr als das Feld eines bestimmten Ortes. Sends und Retouren werden in einem anderen Segment angezeigt. Aber ich möchte kurz erwähnen, dass der trockene nasse Knopf , der als Mix erscheinen könnte, verwendet wird, wenn ein Hall auf eine Spur eingeführt und nicht dorthin geschickt wird, wenn sich der Fluss auf einer Hilfsspur befindet Er sollte 100% betragen nass. Das Gleichgewicht zwischen dem trockenen und nassen Signal kann sich darauf auswirken, wie lange Sie Ihren Hall haben möchten , wenn Sie sich entscheiden, den Hall relativ laut und offensichtlich in Ihrem Mix zu haben. verkürzen Sie Ihre Zerfallszeit, damit die Quelle nicht verschmiert. Es gibt nicht richtig oder falsch, so viel wie es Absicht gibt. Das Genre, Ihre Arbeit, Ihr persönlicher Geschmack wird die Entscheidungen bestimmen, die Sie treffen. Das einzige, worauf ich hinweisen möchte, ist, dass das Mischen wieder ein Rätsel ist und Änderungen an einem Ort möglicherweise Anpassungen an anderen Parametern erfordern Anpassungen an anderen Parametern Sie treffen könnten, und Reverbs sind Größe, was sich ändert die Größe des Programms, des Raums und erzeugt Variationen sowohl im Ton als auch im K der Reverb-Diffusion, was verändert, wie reflektierend der von Ihnen programmierte Raum ist. Und so wie der verschmolzene Hall früh reflektiert wird, was ändert, wie weit und/oder laut die ersten Reflexionen mit dem Rest der Reverb BQ-Filter verglichen werden , normalerweise hohes oder niedriges Regal oder Schnitte, mit denen Sie entweder den Ton des Hall weiter formen oder Frequenzen herausnehmen , die möglicherweise mit anderen Elementen in der Mischung kollidieren. Jeder Hersteller kann seine eigenen persönlichen Ergänzungen hinzufügen. Schauen Sie sich also Dinge im Handbuch nach und Casey sieht alles, was Sie nicht kennen. 20. Reverb Teil 1 – Aufgabe: Die heutige Aufgabe wird es sein, eine gewisse Vertrautheit mit verschiedenen Reverb-Typen zu erlangen . Sehen Sie, welche Reverb-Plugins Sie in Ihrer DAW haben, und fügen Sie sie aus dem Übungsordner in den Overhead-Kanal ein, stellen Sie sie alle auf aus dem Übungsordner in den Overhead-Kanal ein, 20% nass oder so ein und hören Sie ihnen eins nach dem anderen zu. und Dimensionen, die sie erstellen, fügen dann 20 Millisekunden vor Verzögerung hinzu, AB das zur 0 Millisekunde vor der Verzögerung und versuchen Sie bemerken, welche Auswirkungen es hat oder welche Transienten klarer verschiedene Texturen und Dimensionen, die sie erstellen, fügen dann 20 Millisekunden vor Verzögerung hinzu, AB das zur 0 Millisekunde vor der Verzögerung und versuchen Sie zu bemerken, welche Auswirkungen es hat oder welche Transienten klarer sind. Unterschied überhaupt, wenn Sie damit fertig sind, stellen Sie die Vorverzögerung wieder auf 0 ein und ändern die Zerfallszeit auf 1,5 Sekunden, gehen Sie die Reverb-Typen erneut mit den gleichen Hörrichtlinien durch , und ändern Sie dann die Vorverzögerung auf 20 Millisekunden und hören Sie erneut zu. Die dritte Aufgabe besteht darin, den Reverbs zuzuhören und sie mit dem trockenen Signal zu sein. Dies wird Ihr Ohr wirklich darauf konzentrieren wie der Hall die Quelle tatsächlich verändert. Wenn Sie damit fertig sind, experimentieren Sie mit verschiedenen Mengen an trockenen nassen Prozentsätzen, den k-Zeiten und dem Privileg, Ihr Verständnis zu vertiefen. 21. Reverb Teil 2: Reverbs mögen einfach erscheinen, aber es gibt mehr, als nur die Morde und einfache Praktiken festzulegen , in gewisser Weise ein wichtiger Teil Ihres Arrangements sein können, und einige Links zu erstellen, die nimm deinen Zuhörer auf eine emotionale Reise. Zum Beispiel ist hier der Unterschied zwischen einem trockenen Übergang in einem Song und einem sorgfältig verarbeiteten. Verschiedene Arten von Reverb haben unterschiedliche tonale Texturen, wie wir es im letzten Segment gesehen haben, und können verwendet werden, um eine Vielzahl von Zielen zu erreichen. Wie bei den meisten Techniken, die wir besprochen haben, werden Sie Ihren eigenen Ansatz entwickeln, da Sie tiefer in die Musikproduktion oder die Mischwelt eintauchen werden . Aber was jetzt angeht, versuch es. Schau dir deine Produktion an oder mischt wie ein Theaterstück. Verstehen Sie, wer die Hauptfigur oder die Nebenfiguren ist und was ist die Szenerie oder das Setting der Performance? Reverb wird beim Erstellen der Szenerie hilfreich sein. Werfen wir einen Blick auf ein Arrangement und sehen wie dieser Ansatz zur Praxis kommt. Lasst uns aus dieser Stadt verschwinden. Saisonale Vögel, der Teer droht zu ertrinken. Komm schon, steh auf. Das Lied beginnt damit, dass der Ping-Sound auf der rechten Seite als Hauptfigur fungiert. Das Intro enthält eine melodische Schleife auf der rechten Seite und verschiedene perkussive Elemente , die unterschiedlich geschwenkt sind und auf verschiedenen Ebenen an einen Raum-Hall gesendet werden . Im Intro scheint die melodische Schleife die Hauptfigur zu sein, aber wenn die Gesangsbasis und die Straßen hereinkommen, beginnt der Zuhörer zu verstehen dass es tatsächlich ein Teil der Szenerie ist. Lasst uns aus dieser Stadt verschwinden. Saisonaler Vogel, während der Gesang die Hauptfigur und die Basis und die Straßen oder sekundäre Merkmale ist die Hauptfigur und die Basis und die , ist der Gesang zentral, hallt sehr leicht auf, um das Gefühl zu erzeugen , dass es sich um ein ein Teil des Raums, der dem Zuhörer am nächsten ist, wird alles nehmen, was sich wie zu Hause anfühlt. Und die Basis und die Straßen werden überhaupt nicht zum Hall geschickt, da sie niedrige Reichweite haben, das Gefühl der Nähe des Gesangs nicht überwältigt . Wie Sie sehen, liegt mein Fokus darauf, welche Gefühle oder Empfindungen die Töne erzeugen, anstatt welches Werkzeug verwendet wird, um zu verstehen, welche Erfahrung Sie für Ihren Zuhörer und langsam erstellen möchten für Ihren Zuhörer und langsam erstellen finde auf die eine oder andere Weise einen Weg dorthin. 22. Reverb Teil 2 – Aufgabe: als Übung und als heutige Aufgabe Wählen Sie als Übung und als heutige Aufgabe ein paar Songs oder ein Album aus, das Ihnen gefällt, und achten Sie darauf, wie Hall in ihnen verwendet wird. Wie lang oder kurz ist der Hall, wie viel Hall gibt es überhaupt und in welche Szenerie bringt er dich? Diese Fragen helfen Ihnen zu verstehen, warum diese Entscheidungen getroffen wurden. Und nachdem Sie sich ein paar Songs mit diesen Fragen angehört haben , versuchen Sie selbst mit dem Hall zu experimentieren die Tracks aus dem Übungsordner verwenden. Hier sind ein paar Aufzählungspunkte , um Ihre Experimente zu leiten. Sehen Sie den Effekt, den minimale Mengen an Reverb über den Ton einer Spur haben. Beachten Sie Anpassungen, die Sie möglicherweise vornehmen müssen, wenn Sie die Menge des eingeführten Reverbs ändern. Wenn ich zum Beispiel eine Spur trockener mache, muss ich den Verfall vielleicht länger machen. Versuchen Sie zu hören, wie sich der E-Warteschlangenhall auf den Hall und die Quelle auswirkt. 23. Verzögerung: Verzögerung oder Echo, ist ein Effekt , der den Ton wiederholt, der durch ihn kommt, aber lassen Sie sich nicht von der Einfachheit täuschen denn dies ist ein sehr leistungsfähiges Werkzeug, das bei der Schaffung von Raumstil und interessante Texturen in deinen Mixen. Es gibt zwei grundlegende Parameter , die in einer Verzögerung berücksichtigt werden müssen. Erstens, Verzögerungszeit, die definiert wie viel Zeit zwischen dem ursprünglichen Signal und dem Echo liegt . Und zweitens, Feedback, das bestimmt, wie viele Wiederholungen die Verzögerung haben wird. Die meisten Delay-Plugins geben Ihnen die Möglichkeit, Ihre Verzögerung mit dem Projekttempo zu synchronisieren und den Echo-Effekt mit dem Song zu erzielen. Sie können dies auch manuell tun und die Verzögerung um Millisekunden festlegen. Die Verzögerung wird ab 30 oder 40 Millisekunden als separates Audiostück hörbar sein. Wenn Sie niedrigere Verzögerungszeiten verwenden, kommt es zu einer Phasenverschiebung, da die beiden Wellenformen so nah sind und ein Chorusing-Effekt eingeführt wird. Ich schwöre, ich habe nicht gesprochen, da das Mikrofon heute Abend gedreht wird. Ich schwöre, ich habe nicht gesprochen, da es heute Abend Spin sein könnte. Der Feedback-Regler sendet den Ausgang des Geräts im Wesentlichen zurück an den Eingang und ihn durch den Verzögerungsschaltung zurück, wodurch der Effekt eine weitere Wiederholung hinzugefügt wird. Dieser Parameter kann als Wiederholungen bezeichnet werden und kann je nach dem Effekt, den Sie erzeugen möchten, leicht in unterschiedlichem Maße verwendet den Sie erzeugen möchten, leicht in unterschiedlichem Maße werden. Verschiedene Verzögerungen geben Ihnen verschiedene Möglichkeiten, den Klang der Verzögerung anzupassen, wie in lokalisieren Filter, Q, Hall, Sättigung und Modulation, die im nächsten Segment erklärt werden. Diese werden verwendet, um den Ton oder die Textur der Verzögerung zu formen und Ihnen zu helfen , zwischen dem unterschiedlichen Ambiente zu unterscheiden, wenn Sie verschiedene Verzögerungen erzeugen, ein paar Konfigurationen haben und wir verwenden ein Quader von Klangspielzeug, der viele hat. Sie können es auf eine einzige Verzögerung einstellen, bei der es sich um einen Monokanal handelt, Ihr Audio-Tool wiederholt, oder Stereoverzögerung, bei der es sich um zwei Kanäle handelt, die nach links und rechts geschwenkt und separat konfiguriert sind, um mit Ihrem Delay Ping-Pong , bei der es sich auch um eine Zwei-Kanal-Konfiguration handelt, die zuerst nach links gesendet und dann an den roten Kanal gesendet wird, wodurch ein Ping-Ponging-Effekt zwischen den beiden Lautsprechern und rhythmisch entsteht, der auf einen Rhythmus reagiert, den Sie vorgegeben haben, bevor digitale Verzögerungen die Audiowelt kamen, wurde analoges Band verwendet, um ein Signal zu verzögern , das mit Klebeband gesendet gab ein bestimmtes Holz Das verzögerte Signal, das bis heute begehrt ist , werden Einheiten wie Duplex und Roland Space Eco häufig in modernen Produktionen verwendet und von vielen Plug-In-Unternehmen emuliert. In einer anderen altmodischen Verzögerungseinheit befindet sich der Cooper time q , der tatsächlich einen Gartenschlauch enthält der das Signal verzögert. Es gibt zwei haben auch einen sehr ikonischen Klang und werden immer noch auf vielen Platten verwendet. Dann kamen digitale Delay-Einheiten in Form von Gitarrenpedale und vielen Plugins an, einige von ihnen sind einzigartige Designs und einige von ihnen modellieren spezifische Einheiten mit ihrem Ton und ihren Funktionen. Verzögerungen können auf verschiedene Arten verwendet werden, um zu stilisieren, Raum zu schaffen, oder als tatsächlich ist ein gutes Beispiel für eine stilistische Verwendung einer Verzögerung ein Trick aus den sechziger Jahren, der als Slapback- oder Slap-Verzögerung bezeichnet wird. Schlagverzögerungen haben eine einzige Wiederholung mit einer schnellen Verzögerungszeit zwischen 4120 Millisekunden, die oft auf Gitarren und Gesang verwendet wurde und bis heute verwendet wird wenn Sie eine Nostalgie erstellen möchten referenz in Produktionen. Oft werden Verzögerungen verwendet, um ein Gefühl von Raum auf andere Weise als Hall zu erzeugen . Zum Beispiel ist hier ein trockener Gesang und wahr. Aber unser Ziel dann, hier ist der Gesang, der zu einer Pingpong-Verzögerung geschickt wird, wird sich verstecken, da wir hineingehen und wahr sind. Aber unser Ziel dann mag es sich ein bisschen unwirklich anfühlen, aber in der Mischung kann es milde verwendet werden, um eine stimmliche oder überlebensgroße Präsenz zu geben . Glasur kann auch verwendet werden, um ein paar Effekte zu erzeugen , die wir auf bestimmte Teile der Leistung hinweisen werden. Es kann auch Dynamik und Groove durch Ihren Mix hinzufügen und schönes Chaos erzeugen , wenn Sie das Gefühl haben, dass dies nötig ist. Das erste Beispiel, das ich Ihnen zeigen werde, ist eine Technik namens Delay Throws. Nachdem Sie Ihre Verzögerung eingestellt haben, können Sie Audio senden, wenn Sie möchten, dass eine Phrase, die durch Automatisierung wiederholt werden soll verdeckt wird, wenn wir hineingehen und wahr werden. Aber unser Ziel, die Automatisierung wird dann in einem eigenen Segment erklärt. jedoch aus diesem Beispiel die Betrachten wir jedoch aus diesem Beispiel die Automatisierung als den Prozess der Änderung eines bestimmten Parameters im Laufe eines Liedes. Zum Beispiel, wie viel ein Kanal zu einer Verzögerung gesendet wird. Sie können also ein paar Verzögerungen für Verzögerungswürfe verwenden. Hier ist ein Beispiel, das etwas übertrieben ist. Nur um der Demonstration willen werden wir uns verstecken, wie wir hineingehen und wahr werden. Aber unser Ziel. Ein weiterer Effekt ergibt sich aus einem Nebeneffekt, Bandverzögerungen hatten, wenn Sie mit der Geschwindigkeit des Bandes herumspielen würden . Dies mag bekannt klingen und die Prozesse spielen einfach mit der Geschwindigkeit der Verzögerung ab, sobald Audio durch ihn kommt, ein 3D-Effekt, den Sie als Wählen in extremer Menge an Feedback erzeugen können , bis die Verzögerung erreicht völliges Chaos, wir werden in den Baum gehen. Wenn du das mit den Geschwindigkeitsschwankungen kombinierst, kannst du wirklich coole Töne erzeugen und viel Spaß haben. Ich werde den letzten Effekt vorstellen, den Sie mit Verzögerungen erzeugen können, und er wird als Haas-Effekt bezeichnet, der ein psychoakustisches Phänomen verwendet, das aufzeichnet, wie unser Gehirn lokalisiert wird. Lassen Sie mich hier zeigen, was passiert, wenn ich eine Mono-Quelle nehme, eine Stereoverzögerung darauf einfüge und eine Seite um nur zehn Millisekunden verzögere , während wir hineingehen. Und diese Technik wird hauptsächlich verwendet, um ein Mono- oder Stereo herzustellen, aber dies kann auch auf Stereoquellen verwendet werden, um einen sich erweiternden Effekt und eine leichte zeitliche Verschiebung zu erzeugen. Das Letzte, worüber wir jetzt sprechen müssen , da wir mit der Funktionsweise einer Verzögerung vertraut sind , ist, wie man sie in unseren Mixes einrichtet. Sie müssen ein Level haben, das Ihre Verzögerung durchläuft , um den Ton festzulegen. Fangen Sie also damit an, ein gesundes Niveau zu senden und diese wenigen Dinge zu bemerken. Der Rhythmus der Verzögerung muss mit dem Groove des Instruments, das Sie beeinflussen, und mit dem Songs Groove arbeiten des Instruments, das Sie beeinflussen . Beachten Sie, wenn die Verzögerung das Gemischte verstopft und schlammig macht, kann dies durch Filtern der niedrigen Frequenzen der Verzögerung oder durch Absenken des Feedback-Parameters gelöst werden . Viele Wiederholungen, dann muss das aus der Verzögerung entstandene Ambiente der Szenerie und dem emotionalen Effekt entsprechen , den Sie in Ihrem Mix erzeugen möchten. Wie im Reverb-Segment erwähnt, , den empfehle ich, den Sende-Fader auf minus unendlich zu senken und langsam Rum nach oben zu senden bis Sie anfangen, die Verzögerung zu hören. Wenn Sie die Verzögerung nur verwenden, um Ambiente zu schaffen, könnte dies der richtige Ort sein, an dem Sie anhalten können. Wenn Sie jedoch möchten, dass die Verzögerung einen dominanteren Effekt hat, gehen Sie weiter und stellen Sie einfach sicher, dass die Spur nicht überwältigt wird , wenn Sie die Verzögerung für das geltende Feedback verwenden . Beachten Sie einfach, dass Sie drücken das Feedback nicht zu lange oder zu weit, weil es einfach unangenehm wird. Spielen Sie mit dem Feedback-Regler herum , damit er angenehm fließt. Der Zeitknopf zum Erstellen der Tonhöhen-Variationen. Hier ist ein Beispiel, damit Sie dies in Aktion sehen können. 24. Verzögerungen – Aufgabe: Öffnen Sie Ihr Trainingsprojekt und legen Sie Ihr Stock-Delay-Plug-In in den Akustikgitarren Lassen Sie das Plugin mit minimalem Feedback Breite von 20%, stellen Sie die Verzögerungszeit auf 160 Millisekunden ein und filtern Sie die hohen Frequenzen ab zehn k. Spielen Sie nun den Track ab und AB die Quelle mit und ohne Verzögerung. Experimentieren Sie für ein paar Minuten mit dieser Schlagverzögerung und spielen Sie mit dem hohen Filter, dem Trocken-Nass-Balance und dem Feedback herum , um zu sehen, wie sich die beiden auf die Verzögerung auswirken, fügen Sie eine Ping-Pong-Verzögerung auf den Gesang ein verfolgen, stellen Sie das Projekttempo auf 90 Seiten/Minute und die Verzögerungszeit sowohl auf den rechten Ping als auch den linken Pong zu Viertelnoten setzen Sie den Mix-Regler, aber Sie hören sich bitte den Track an, bei dem er eingelegt ist. Ändern Sie dann die Verzögerungszeit 2,5 Noten und entscheiden Sie , welche mit der Gesanggruppe besser funktioniert , filtern Sie die hohen Frequenzen und sehen Sie, ob es besser funktioniert, ich empfehle wirklich zu folgen Diese Praxis Schritt für Schritt, weil sie Ihnen zeigt, warum und wie dieses angeblich einfache Tool durchdacht werden sollte, nachdem Sie mit diesen Praktiken fertig sind, sollten Sie versuchen , die in dieses Segment weil sie sehr viel Spaß machen und sehr nützlich sein können. 25. Modulation: Der Begriff Modulation bezieht sich auf eine Gruppe von Effekten, die einen modulierenden Parameter enthalten. Sie haben vielleicht von Phasern, Flanschern, Chören, Zittern und Vibratos gehört . Und in diesem Segment werde ich erklären, wie sie produziert werden und wie sie nützlich sind. Kurse duplizieren ein Signal, das um fünf bis zehn Millisekunden verzögert und über das Originalsignal abgespielt wird. Die Nähe zwischen den beiden Wellenformen erzeugt aufgrund der Form , die die Aufhebung hat, Phasing und damit eine Frequenzunterdrückung , die als Kammfilterung bezeichnet wird . Schließlich wird die Verzögerungszeit des duplizierten Signals durch einen LFO moduliert , der zwei Dinge erzeugt. Die erste ist eine weitere Variation der Phasenbeziehung, und die zweite ist ein Gefühl der Tonhöhenvariation aufgrund eines Phänomens, das als Doppler-Effekt bezeichnet wird. Das beste Beispiel für den Doppler-Effekt ist die wechselnde Tonhöhe einer Krankenwagensirene, wenn sie an Ihnen vorbeikommt und wegfährt. Die Tonhöhenvariation beruht auf der Änderung der Entfernung oder Geschwindigkeit der Schallwelle für einen Hörer Die Hauptparameter auf dem Kurs die Rate, die die Geschwindigkeit des LFO steuert , die verursacht die Tonhöhenmodulation und Tiefe oder Intensität, die praktisch ein trockener, nasser Regler ist , der steuert, wie dominant der Effekt ist. Dieser Effekt ist auf ein paar Arten sehr beliebt und nützlich. Erstens als spürbarer Effekt auf Quellen wie Gitarren oder Keyboards. Und wenn es sich um eine Stereo-Konfiguration handelt, wird eine milde Verwendung einen psychoakustischen Effekt erzeugen , der die Dinge breiter klingen lässt. Darüber hinaus kann es auch auf einer Monoquelle verwendet werden , um ein Gefühl von Stereo zu erzeugen. Wird sich verstecken, wie wir hineingehen und wahr sind, aber geht Dan Gesetz. Flansche erzeugen auch eine Kammfilterung , indem sie das eingehende Signal duplizieren, verwenden jedoch kürzere Verzögerungszeiten, die eine größere Frequenzunterdrückung verursachen. Und eine sehr ausgeprägte Tom-Flangung wird die höheren Frequenzen dramatischer beeinflussen die höheren Frequenzen als die niedrigeren Frequenzen, während das Coursing in den unteren Bereichen etwas deutlicher Früher wurde ein Bördeln erzeugt, indem zwei Audiosignale über ein Bandgerät platziert und an andere Maschinen gesendet wurden. Eine dieser beiden Sekundärmaschinen wurde verlangsamt , indem ein Finger auf die Bandwalzenkante gelegt wurde, die als Flansch bezeichnet wird. Dann wurden die beiden Signale auf eine andere Maschine summiert und mit dem Effekt wiedergegeben. Es gibt einen zusätzlichen Parameter für die Geschwindigkeit und Tiefe der Flanscher, nämlich Rückkopplung. Dadurch wird das effektive Ausgangssignal zurück an den Eingang gesendet , wodurch eine tiefere Bördelung entsteht und ein einzigartiger metallischer Ton sich verdeckt, wenn er hineingeht. Oh, Phaser verarbeiten das Audio genau auf die gleiche Weise wie Flansche, aber bei einigen Durchgangsfiltern ändern diese Filter nicht die Lautstärke der Frequenzen, ihre Position, dass, aber um die Phase um diese gewählten Frequenzen herum zu ändern, die Steuerelemente für Rate, Tiefe und Rückkopplung gleich. Und einige Phasoren haben möglicherweise einen zusätzlichen Pol - oder Bühnenknopf , der bestimmt, wie viele Filter der Phasor mit der Marke hat. Die letzten beiden Modulationseffekte unterscheiden sich von den ersten drei da sie das Audio nicht durch Duplizierung und Phasenänderung manipulieren , sondern indem sie die Quelle so beeinflussen, wie sie ist, Tremolo ändert die Lautstärke der Quellen nach oben und unten, und Vibrato ändert die Tonhöhe von Audios nach oben und unten. Diese Effekte werden klassisch auf Gitarren verwendet, können aber sehr cool sein, wenn alles, was sich praktisch verstecken wird , da wir hineingehen und wahr werden. Aber geh Dan Law. 26. Modulation – Aufgabe: Setzen Sie die Modulationseffekte nacheinander den E-Gitarren-Kanal ein und erkunden Sie sie trocken, um zu sehen, was sie hinzufügen, wenn sie mild sind und was sie dann hinzufügen, wenn sie extrem sind. Nachdem Sie mit der E-Gitarre fertig sind, probieren Sie sie auch auf der Gesangsspur, dem Overhead-Track und dem Basstrack aus. Wenn Sie danach das Energie-Experiment mit allen Dateien haben, die Sie in der Übungsmappe haben. 27. AUTOMATISIERUNG: Automatisierung wurde zuvor als Änderung unseres Parameters mit dem Verlauf des Liedes erwähnt . Es kann verwendet werden, um Volumes, Sends und verschiedene Einstellungen für Kanäle und Plugins zu verfeinern . Und wir fügen Ihren Mixen Dynamik und Tiefe hinzu. Automatisierungen können entweder mit der Spur durchgeführt oder mit dem Cursor programmiert werden. Jede DAW wird ihre eigene Art haben, Automatisierung zu schreiben. Ich werde nützliche Ansätze und Techniken zur Automatisierung auf Pro Tools demonstrieren nützliche Ansätze und Techniken zur , die Sie dann in jeder Software verwenden können. Volume, Automatisierung kann auf verschiedene Arten nützlich sein. Die erste und offensichtliche ist die Änderung des Gesamtpegel der Audiospuren. Bestimmte Instrumente benötigen möglicherweise Lautstärkeanpassungen in bestimmten Teilen des Liedes. Dies kann auf eine breite Weise geschehen indem die Lautstärke des gesamten Tracks geändert wird. Und auf eine definiertere Weise , wo Sie wirklich Bar für Bar gehen und die Lautstärke nach oben oder unten ändern können. Auf diese Weise können Sie melodische Linien hervorheben oder abschwächen , die nicht wie bestimmte Wörter oder Atemzüge in der Gesangsspur durchlaufen wie bestimmte Wörter oder Atemzüge in der oder schneiden und die Renditen beeinflussen , wenn Sie möchten die extremen Übergänge. Effekte wie Verzögerungen und Reverbs können entweder auf einer Spur oder auf einer Hilfs- oder Effektspur eingefügt werden , Audio per Satz an sie gesendet wird. die Wirkung auf eine Hilfsspur haben , haben Sie die Möglichkeit, dort ein Plug-In bei vielen Lkw zu verwenden dort ein Plug-In bei vielen Lkw um viel CPU-Leistung zu sparen. Die von der Audiospur gesendete Lautstärke wird Sand genannt und die Lautstärke auf der Effektspur wird als Return bezeichnet. Effekte müssen nicht während des gesamten Liedes statisch bleiben und können automatisiert werden , um der Dynamik und den Emotionen anzupassen , die das Arrangement zu erzeugen versucht. Hier sind ein paar Beispiele dafür, wie Sendautomatisierungen im Mix verwendet werden können. Die Möglichkeit, Parameter für Plugins zu automatisieren, öffnet eine große Tür für Kreativität ebenso wie bei der Organisation, da Sie dadurch die Notwendigkeit erspart, neue Plug-Ins zu öffnen oder zu duplizieren verfolgt, um sie anders zu verarbeiten. Hier sind ein paar Beispiele dafür in Aktion. Wenn Sie die Spur stumm schalten möchten, können Sie die Lautstärke entweder auf minus unendlich senken oder die Stummschaltfläche verwenden. Das Stummschalten wird optisch ohne Platz für Fehler erscheinen. Abgesehen davon ist völlige Stille nicht sehr natürlich klingen und manchmal stummschalten, indem das Niveau nahe minus Unendlichkeit gesenkt wird, aber keine vollständige Stille wird vorzuziehen sein, sich ändern und Track Spanning kann kreativ wie in der Tat verwendet werden und kann auch verwendet werden, um den Ort eines Tracks im gesamten Song zu verfeinern. Zum Beispiel, wenn es einen Vers mit einer geschwenkten Akustikgitarre gibt, richtig, der einem Gesang entspricht. Aber in der Brücke ist die Gitarre Löschinstrument. Ich kann es zentrieren und frontaler machen. Eine andere Sache , die beim Schwenken wichtig ist , ist, dass manchmal aufgrund der Phasenbeziehungen zwischen den Kanälen das Gefühl haben als ob es besser in der Mischung in einem ein gewisser Ort im Panorama. Es lohnt sich also, die Pfannentöpfe herumzuspielen und zu hören, wo der Track am besten passt. Automatisierung hat eine künstlerische Seite und auch eine technische Seite. Ich benutze den Cursor, um empfindliche Lautstärkebewegungen wie Gesang, Geschwister und Feinabstimmungswörter zu automatisieren , um in der Mischung hervorzuheben. Auf der anderen Seite schreibe ich Automatisierung mit den künstlerischen Bewegungen mehr als mit den technischen, wie das Schreiben den Hall oder Verzögerungen, und das Modulieren von Parametern innerhalb eines Effekts, weil es ist einfach lustiger und musikalischer wenn Sie es spielen und es wie ein Musiker machen ein Instrument spielt, wenn Sie Fader fahren möchten Sie müssen die Touch-Automatisierung auf Ihrem Truck aktivieren. Sie können die beiden Ansätze auch kombinieren indem Sie Fader schreiben und danach die empfindlichere und genauere Arbeit mit einem Cursor ausführen. Effekte Sends, Panning oder Plugin-Automatisierung sind normalerweise Teil des Sounds und Charakters der Tracks. Daher kann es wie jeder andere Prozessor angesehen werden und es kann in frühen Phasen der Volumenautomatisierung eingeführt werden, andererseits sollte das Letzte sein, was Sie in der mix, weil die Volumenautomatisierung den Fader repariert und Sie ihn nicht frei bewegen lässt bis Sie die letzten Phasen des Mixes erreicht haben. Diese Flexibilität ist etwas notwendig. Daher schlage ich vor, dieser Richtlinie zu folgen. Wenn Sie nicht wissen, wie Sie in Ihrer DAW automatisieren sollen, finden Sie heraus, wie Sie Automatisierungsparameter sehen und wie Touch-Automatisierung aktivieren können, um diese Segmentaufgaben zu erledigen. 28. Automatisierung – Aufgabe: Diese Schreibtische mögen klein erscheinen, aber wenn Sie diese Dinge in Ihren Mixen machen, werden sie genauer und ihnen Leben geben und Ihnen auch Arrangements dienen. Automatisieren Sie zunächst Lautstärke der Akustikgitarren mit Ihrem Cursor. Lkw können manchmal eine Volumenautomatisierung benötigen , auch wenn sie komprimiert sind. Und dies wird ein gutes Beispiel für einen Fall wie diesen sein. Beachten Sie jedoch , dass wir keine Opfer für die Audioqualität bringen , nur um uns Zeit zu sparen. Gehen Sie also zu kleinen Details und stellen Sie sicher, dass es großartig klingt. Öffnen Sie als nächstes ein Reverb-Effekt-Medikament und einen Delay-Effekt-Track, stellen Sie sie auf musikalische Weise ein, automatisieren Sie, wie viel und wann Gitarristen und zu ihnen, Sie können damit beginnen, einen Schlag in einer Bar mit einem Cursor und reite dann den Sand, während du dir den Track anhörst, versuche es musikalisch und schön zu machen automatisiere dann einen Plugin-Parameter. Es können Reverb- oder Verzögerungszeit-EQ-Parameter und sogar Kompressionsparameter sein. Dies ist bei bestimmten DAWs einfacher und für andere schwieriger. Aber welche Software Sie auch für sich selbst gewählt haben, wenn Sie wissen, dass Sie Ihre Mischmöglichkeiten praktisch endlos machen . Erfahren Sie also, wie Sie dies tun, bevor Sie zur letzten Aufgabe übergehen, automatisieren, stumm schalten und schwenken, wie Sie mit dieser Möglichkeit vertraut sein möchten . 29. Mischtechniken Teil 1: In den kommenden Segmenten möchte ich ein paar Mischwerkzeuge und -techniken vorstellen , die Sie wieder sehr nützlich finden werden, meisten dieser Segmente, wenn Sie nach jeder vorgestellten Technik aufhören werden und investiere ein paar Minuten, um damit zu experimentieren. Von allen Techniken, die ich vorstellen werde, nur um Plugins von Drittanbietern zu benötigen , die Sie möglicherweise besitzen oder nicht. Selbst wenn Sie diese Plugins nicht besitzen, ist es immer noch sehr vorteilhaft, sie zu kennen und verstehen, wie sie dem Mischprozess dienen. Wie der Name schon sagt, ist die parallele Komprimierung der Prozess des Komprimierens parallel zur ursprünglichen unkomprimierten Spur. Sie können entweder Ihre Spur duplizieren und eine komprimieren lassen oder eine Hilfsspur erstellen auf der ein Kompressor eingelegt ist. In diesem Fall müssen Sie Ihren Track an den Vorfader senden , damit der Grad der Variationen die Komprimierung nicht beeinträchtigt. Einige Kompressoren haben einen Mix-Regler, der das unkomprimierte Signal mit dem komprimierten Ihnen den Ärger erspart. Genau wie bei normaler Komprimierung kann die parallele Kompression entweder zur Akzentuierung der Dynamik oder zur Begrenzung verwendet werden. Großer Unterschied, die ursprüngliche Spur als Teil der Gesamtmischung zu haben . Wenn Sie Ihren Parallelkompressor mit einem langsamen Angriff einstellen, erhalten Sie einen transienten Enhancer , den Sie dann nach Geschmack mischen können. Wenn Sie es auf einen schnellen Angriff eingestellt haben, werden die Transienten zerquetscht und der Kanal wird nur zu einem allgemeinen Levelverstärker, da das Level, in dem Sie ihn platzieren, die niedrigste Stufe dass die Strecke erreichen wird. Hier ist ein Beispiel für die beiden Ansätze. Parallelkompressor kann auch verwendet werden um mehrere Kanäle und sogar die gesamte Mischung zu komprimieren , nur um das Gesamtniveau zu erhöhen und das Gemischte sozusagen miteinander zu kleben. Und zusätzliche nützliche Parallelverarbeitung ist Verzerrung. Sie können eine Verzerrungseinheit einrichten und Audio an sie senden, genau wie jede andere Effektspur , um Tracks zu beschleunigen und ihren harmonischen Inhalt zu verbessern. Bei der Verwendung von Parallelverzerrungen ist wichtig , dass aufgrund der Änderung des harmonischen Inhalts auch die Wellenform ändert und Phasenbildung auftreten kann. Überprüfen Sie also Ihre Phasenbeziehungen nach der Verarbeitung Normalerweise habe ich einen EQ vor der Verzerrung, damit ich das Audio, das in die Verzerrungseinheit kommt, und einen weiteren schneiden kann die Verzerrungseinheit kommt, und einen weiteren schneiden nach der Flip-Phase, falls erforderlich, und bei Bedarf weiter zu verarbeiten. Eine solche Komprimierung ist der Prozess, einen Kompressor auf einer Spur auszulösen , indem Audio von einer anderen Spur gebracht wird . Bassdrums werden bei der Wiedergabe sehr häufig an solchen Weihrauch und harmonischen Elementen solchen Weihrauch und harmonischen Elementen verwendet. Zum Beispiel. Diese Technik ist in EDM- und Pop-Tracks sehr beliebt, kann aber in akustischen Mischungen verwendet werden um mehr Platz zwischen Instrumenten mit überlappenden Frequenzen zu schaffen Instrumenten mit überlappenden Frequenzen oder als kreatives Werkzeug, Sie kann Platz für den Gesang schaffen, indem Sie einen Kompressor auf die Wiedergabe setzen, wobei er beim Eintreffen des Gesangs leicht komprimiert wird. Sie können auch eine Bassspur komprimieren, wenn der Kick trifft, um Ihre niedrigen Frequenzen zu halten und zu überprüfen, dass jeder Kompressor seine eigene Möglichkeit hat, die Seitenkette auf einen externen Ausgang einzustellen . Und sobald Sie das sortiert haben, müssen Sie nur die Quelle senden, um sie auszulösen. Der Begriff Telefonfilter bezieht sich auf einen aggressiven Schnitt sowohl hoher als auch niedriger Frequenzen an einer Quelle, einem Signal führt, das klingt, als würde es über ein Telefon kommen. Es gibt keine harten und schnellen Regeln dafür, wo genau die Filter platziert werden müssen. Und Sie können Ihren Telefonfilter mit Spitzen und Kerben weiter anpassen oder Spitzen und Kerben weiter anpassen oder ihn einfach an Ihre Quellenanforderungen anpassen. Ich schwöre, ich habe nicht gesprochen, da das Mikrofon heute Abend gedreht wird. Ich schwöre, ich habe nicht gesprochen, da das Mikrofon heute Abend gedreht wird, diese Verarbeitung kann während des gesamten Mixes statisch bleiben oder und aussteigen, um Ports zu betonen oder Dynamik zu erzeugen. Manchmal möchten Sie, dass Ihr Hall lang klingt, aber nicht die gesamte Länge des Schwanzes hat , um zu verhindern, dass Ihre Mischung schlammig wird. ein Noise Gate nach Ihrem Hall stellen, erhalten Sie das Privileg, den anfänglichen Verfall einer langen Geschichte zu haben, aber das einzige zu schneiden, ist es nicht mehr notwendig. 30. Mischtechniken Teil 2: Wenn Ihr Mix einen sehr deutlichen Hall hat, kann das Senden eines kleinen Verzögerungssignals dazu beitragen, ihn dem Ambiente näher zu bringen, auf das Sie hinarbeiten. Sie können auch versuchen, Reverbs auf Verzögerungen oder andere Effekte zu senden , die Sie eingerichtet haben , und sehen, was passiert. Stellen Sie einfach sicher, dass Sie keinen Kanal versehentlich an sich selbst senden . Andernfalls erhalten Sie eine Feedback-Schleife, Trigger oder Drum-Ersatz-Plugins, die eingehendes Audio analysieren und ein ausgewähltes Sample aus der verfügbaren Bibliothek auslösen . Sie können sie verwenden, um eine Schlagzeugspur vollständig zu ersetzen oder parallel zum ursprünglichen Kanal als tonale Unterstützung zu arbeiten parallel zum ursprünglichen Kanal als tonale Unterstützung MS steht für Midside, wie Sie sich vielleicht aus dem Aufnahmekapitel erinnern. Und MCQs geben Ihnen in der Tat die Möglichkeit, die Signale der Mitte und der Seite einer Spur separat zu verarbeiten . Midside-Verarbeitung wird oft sehr leicht verwendet, da diese EQ ziemlich starke Phasenverschiebungen erzeugen und die Modellkompatibilität Ihres Mixes beeinträchtigen. DC-Warteschlangen können in gemischten oder Stereospuren auf Gruppenspuren oder sogar im gesamten Mix verwendet werden , um Signale zu bereinigen und die Breite zu erhöhen. Einige DAWs haben möglicherweise diese Funktion in ihren Aktien-Plug-Ins, aber die meisten wollen. Sie benötigen also möglicherweise ein Plug-In eines Drittanbieters, wenn Sie Gitarrenpedale oder eine externe Effekteinheit haben Gitarrenpedale oder eine externe Effekteinheit und Ihre Schnittstelle über mehr als zwei Ausgänge verfügt. Du kannst sie tatsächlich in deinem Mix verwenden. Erstellen Sie einen Send, der an eine freie Ausgangsbuchse weitergeleitet wird. Verbinden Sie diese Ausgangsbuchse mit dem Gerät und zeichnen Sie Ihre Verarbeitung dann auf eine neue Spur auf. Wenn Sie Gitarrenpedale verwenden, benötigen Sie möglicherweise eine Rampeneinheit, um das Signal wieder auf niedrig Z umzuwandeln. Aber selbst wenn Sie keine besitzen, sollten Sie es trotzdem ausprobieren und sehen, ob der Ton Sie haben erreichen oder zufriedenstellend. 31. Vorabmischung Teil 1: Dieses Segment wird auf Pro Tools demonstriert, aber die Praktikabilität spielt keine Rolle wie der Ansatz. Also bleib herum. Unabhängig von Ihrer DAW sprechen wir über den Import, Bearbeiten der Zeit von Audiospuren und dann über Fades, Cross-Fades, das Kompilieren von Audio, das Bearbeiten von Workflow-Tipps Kompilieren von Audio, und das Mischen von Vorlagen. Wenn Sie eine Spur mischen, die Sie nicht erstellt haben, stellen Sie sicher, dass Sie die Tonabtastrate kennen und öffnen Sie ein Projekt entsprechend. Wenn Sie Audio von einer anderen Abtastrate in Ihre DAW importieren , wird entweder eine Konvertierung durchgeführt, von der Sie das Audio speichern oder das Audio mit der falschen Geschwindigkeit wiedergeben können. Wenn Sie den Track persönlich produzieren, speichern Sie unter und benennen Sie ihn. So etwas wie bla, bla, Bearbeitungen können Sie bearbeiten, da Sie wissen, dass Sie immer zurückgehen können, indem Sie einfach die saubere Sitzung aus der Vorproduktionsphase öffnen Bearbeitung ist genauso wichtig wie das Aufnehmen und Mischen. Also beeile dich nicht drdurch. Der Groove oder das Gefühl eines Liedes hat einen großen Einfluss auf die Art und Weise, wie der Hörer es wahrnimmt. Wenn Sie möchten, dass das Lied den Hörer auf eine bestimmte Weise bewegt , können Sie erstellen, dass es während der gesamten Bearbeitungsphase einige Bearbeitungsansätze gibt, die sich durch die Ästhetik des Liedes ändern, an dem Sie arbeiten am. Pop-Produktionen werden normalerweise zu 100 Prozent des Rasters bearbeitet. Während in den Songs oder R & B mehr Schwankungen zwischen den Beats haben, der Groove des Liedes verloren. Wenn du einfach alles durch das Raster schnappst, ist es wichtig, mit deinen Ohren und jetzt mit deinen Augen zu arbeiten deinen Ohren und jetzt mit deinen Augen wenn du es hinzufügst, um die Dinge musikalisch fließen zu lassen, anstatt genau zu bearbeiten Rhythmus kann entweder durch Schneiden und Bewegen des Audios oder durch Verziehen des Audios erfolgen des Audios oder durch Verziehen , wird die Wellenform so bleiben, wie sie ist, aber die Audiospur ändern. Verziehen hingegen ändert die Wellenform, lässt die Spur jedoch intakt. Die beiden Techniken haben ihre positiven und negativen und werden daher unter verschiedenen Umständen eingesetzt. das Schneiden und Verschieben von Audio entsteht entweder eine Lücke oder eine Überlappung von Audio, die ein Crossfade benötigt. Verziehen erfordert keine Kreuzverblendungen, aber die Manipulation der Wellenform selbst könnte zu hörbaren Artefakten führen. Obwohl sich die Algorithmen für Audio-Warping immer verbessern. Als Faustregel habe ich versucht, meine Wellenformen bei der Bearbeitung durch Schneiden, Bewegen und Kreuzverblassen beizubehalten bei der Bearbeitung durch Schneiden, Bewegen und Kreuzverblassen Es könnte ein bisschen mehr Arbeit geben, aber es wird besser klingen und meiner Meinung nach es ist die Mühe wert. Ich verwende Warping, wenn ich ein Instrument mit harmonischem Inhalt bearbeite , das gekreuzt werden kann, ohne dass es auffällt. Dies ist normalerweise bei Instrumenten der Fall , die lange Noten aufrechterhalten, aber dies passiert selten. Und ich schätze, dass ich 99% der Zeit Audio durch Schneiden bearbeite. Ein anderes Szenario, in dem ich Warping verwenden werde , ist, wenn ich eine Schleife importieren muss , die sich nicht vom Tempo meines Projekts unterscheidet . Wenn dies passiert, wird es während der Vorproduktionsphase sein, wie im Beat-Making-Segment erwähnt, Sie beim Bearbeiten versuchen, mit ausgeschaltetem Raster zu arbeiten. Dies wird sicherstellen, dass Sie sich die Musik wirklich anhören. Und hier ist es, wenn überhaupt, etwas abseits, anstatt es visuell zu analysieren, denn das Raster ist sehr nützlich und kann verwendet werden, um klare Bezugspunkte zu erzeugen. Wichtig zu beachten ist, dass Sie beim Bearbeiten eines Instruments, das mit mehreren Mikrofonen aufgenommen wird, die Tracks zusammenfassen und so bearbeiten sollten , als ob es sich um eine einzelne Spur, Fades oder eine schnelle Lautstärke handelt ändert sich, ein Fade-In. Wir bringen das Audio von der Stille auf die Lautstärke des Tracks. Ebenso ein Fade-Out. Wir bringen die aktuelle Lautstärke der Tracks zum Schweigen. Fades können auf viele Längen und Formen zugeschnitten werden, sodass Sie sie so natürlich oder unnatürlich klingen lassen , wie Sie möchten. Der Grund, warum Fades wichtig sind, liegt darin wenn Audio in der Mitte eines Zyklus geschnitten wird, ein digitaler Klick oder Pop stattfindet. Das Audio ein- oder ausblenden. Dieses Problem gelöst, Cross-Fades werden verwendet, wenn Sie einen Übergang zwischen zwei Audioclips erstellen möchten. Der erste Clip wird ausgerüstet während der zweite verblasst ist, was bei korrekter Arbeit einen reibungslosen Übergang erzeugt, da Fades die Lautstärke der Spur verändern. Es ist wichtig zu beachten, dass Sie es nicht sein sollten Anpassen von Transienten oder anderen Audiostücken , die wichtig sind, so wie sie sind. Selbst wenn Sie die automatische Fading-Funktion Ihrer DAW verwenden, gehen Sie vorbei und stellen Sie sicher, dass Sie nicht etwas ausgeblendet haben, das wie kompiliert oder kurz gesagt bleibt Kompieren kombiniert Audio von einigen einigen nimmt eine Aufführung auf. Dies ist ein sehr nützlicher Prozess , der Ihnen die Möglichkeit gibt, die besten Teile aus jedem Ihrer Zecken zu nehmen die besten Teile aus jedem , wenn Sie ein Instrument zusammenstellen Sie sollten über die kleinen Dinge nachdenken, die ein Teil sind von seinem Charakter und stellen Sie sicher, dass sie nicht ausgelassen werden. Ein gutes Beispiel dafür ist, dass Sie beim Kompilieren von Gesang bemerken müssen, dass Sie Ihrem kompilierten Track die Atemzüge hinzufügen . Sie sollten auch bemerken, dass Sie Essays nicht auslassen und so weiter. Während des Kopiervorgangs können Sie jedoch mit der Reinigung Ihrer Spuren beginnen und Mundgeräusche oder überschüssige Audiostücke auslassen Mundgeräusche oder überschüssige Audiostücke , die unerwünschte Geräusche aufweisen. Wenn Sie korrekten Gesang oder ein anderes Instrument aufheben müssen , tun Sie dies vor dem Mischen, tun Sie dies vor dem Mischen, egal ob es sich um eine manuelle Korrektur oder ein Auto-Tune-Plug-In handelt, das das Mischen beenden muss um diese zu erstellen Korrekturen könnten Ihre Konzentration unterbrechen und Ihre Stimmung töten. Tracks können unerwünschte Geräusche aufgezeichnet werden, entweder durch fehlerhafte Ausrüstung oder durch Stromprobleme , die beim Nachverfolgen der Musik aufgetreten sind. Wenn dies der Fall ist, sollten Sie die Tracks bis zu dem Punkt schneiden , an dem nur relevantes Audio gehört werden kann. Dies ist auch nützlich , wenn das Rauschen schwach ist denn wenn Sie eine Verarbeitung auf einer Spur haben, wird dies sehr offensichtlich. Es ist also besser, sich mit diesen Problemen zu befassen , bevor Sie mit dem Mischen von Phasenbeziehungen beginnen , und Multimedia-Instrumente können einen großen Unterschied in der Aufnahmephase machen Wir tun so viel wie möglich um die Phasenkorrelation sicherzustellen. Aber durch den Computer können wir die Genauigkeit erheblich verbessern und daher bessere Quellen zum Arbeiten erhalten. Wenn Sie die Tracks nicht aufgenommen haben, sollten Sie sicherstellen, dass mehrspurige Instrumente gesunde Phasenbeziehungen haben , die das Low-End oder die Holztrommeln nicht schädigen , das klarste Beispiel ist, da Es gibt viele Mikrofone in unterschiedlichen Entfernungen, ich halte meine Bassdrums gerne positiv, damit der Ton den Lautsprecher nach außen schiebt, wenn er danach trifft. Ich stelle sicher, dass dies bei den Gemeinkosten und der Bassdrum in der Nähe von Mike der Fall ist . Ich verwende das als Bezugspunkt und gehe Spur für Spur, um sicherzustellen, dass diese Anfangsphasenkorrelation funktioniert. Einige Leute hielten dort an, was fair ist. Aber wenn du willst, kannst du etwas tiefer gehen. Dies sind die Bassdrum-, Snare - und Overhead-Kanäle eines Drumsets. Sie können sehen, dass die Phase in diesem Bassdrum-Hit in allen Tracks positiv ist, also befinden sie sich in Phase. Aber wenn Sie hineinzoomen, können Sie sehen, dass das Schließen meines Kanals etwas früher erscheint als in den Gemeinkosten. Dies ist sinnvoll, da das Nahmikrofon physisch näher an der Bassdrum liegt und daher die Schallwellen schneller empfängt. Es gibt Plugins, die automatisch die Kompensations- und Zeitunterschiede vornehmen. Wenn Sie jedoch keinen Zugriff auf diese Plugins haben, können Sie das Audio einfach zurückziehen und die beiden Phasen ausrichten. Die Unterschiede können alles sein, von subtil bis gar nicht subtil. Aber selbst diese geringfügigen Unterschiede machen das Audio besser zusammen und ersparen Sie vor unnötiger Verarbeitung. Es ist mir jedoch wichtig zu bemerken, dass es in der Audiowelt kein Richtiges gibt. Wenn Sie also den Sound der weniger genauen oder sogar außerhalb der Phase mögen , entscheiden Sie sich dafür. Das einzige, was ich empfehle, ist, sich zu bemühen , beiden zuzuhören, bevor ich mich für das eine oder andere entschieden habe. Dies ist relevant, wenn Sie Tracks an einen Mixing-Ingenieur senden. Es ist wichtig, dass Sie Ihre Tracks vom selben Ausgangspunkt aus rendern , da es zweifelhaft ist, dass sie erraten können wo ein bestimmtes Audiostück soll sein. Selbst wenn es viel Stille und Anziehung gibt, müssen Sie es rendern und die Dateien exportieren wissen, dass der Mischingenieur keinen Raum für Fehler hat , wo Dinge passieren sollen wenn Sie alleine, aber in einer anderen Software mischen, ist dieser Prozess weiterhin erforderlich. Dieser Schritt kann jedoch übersprungen werden , wenn Sie in derselben DAW mischen Mischen ist ein sehr intuitiver Prozess. Daher ist es äußerst wichtig, die Kontrolle über die Sitzung zu haben . Gut organisiert zu sein, wird Ihre Arbeit viel einfacher und angenehmer machen und daher wahrscheinlich besser, wenn Sie einen Song mischen, den Sie nicht produziert haben, stellen Sie sicher, dass sich die Tracks befinden eine Bestellung, mit der Sie vertraut sind und einfach und intuitiv beschriftet werden, damit wir Tracks leicht finden können , wenn Sie danach suchen. Ich mag es auch, Marker und Loop-Auswahlen im Projekt zu haben , die mich wissen lassen , wo ich im Song bin und es mir ermöglichen, schnell einen bestimmten Teil zu finden. Das sind Dinge, die ich sicherstelle, dass sie da sind und klar sind, bevor ich anfange zu mischen. Schließlich, wenn Sie eine Mischvorlage haben, ist dies auch der richtige Zeitpunkt, um sie zu importieren und sicherzustellen, dass alles ordnungsgemäß geroutet wird. Wir werden ausführlicher über das Mischen von Vorlagen sprechen. Weiter in diesem Kapitel. 32. Vorabmischung Teil 2: Hier sind ein paar Tipps, um Ihren Bearbeitungsprozess besser und schneller zu gestalten. Stellen Sie sicher, dass Sie sich die Zeit nehmen, um herauszufinden, wo sich die von mir erwähnten Funktionen in Ihrer DAW befinden und welche Verknüpfungen mit der Wellenformgröße gespielt werden, wird Ihnen helfen , die feinen Details der Audiospur zu bemerken wie Atemzüge, Geräusche und andere leise Informationen, die schwer zu hören sind, wenn sie mit einer unveränderten Wellenform gespielt werden. Ein- und Auszoomen haben Sie die Möglichkeit, genauere Änderungen vorzunehmen, da Sie wirklich genau bestimmen können wo Sie das Audio beeinflussen. Wenn Sie sich mit wirklich feinen Details vertraut machen möchten, benötigen Sie einen vollständigen Überblick das Audio, an dem Sie gerade arbeiten. Neben dem Einzoomen können Sie den Track vergrößern, an dem Sie gerade arbeiten. Es benötigt also mehr Platz auf Ihrem Bildschirm, da Abrufen von Audio wahrscheinlich ein großer Teil Ihrer Bearbeitung ist. Es ist wichtig, effektiv und effizient auf dieses Tool zugreifen und dieses Tool verwenden zu können effektiv und effizient auf dieses Tool zugreifen und dieses Tool verwenden zu können, während Sie viele Audiodateien bearbeiten Es ist fast sicher, dass Sie viele Fades verwenden werden, was ewig dauern wird, um sie manuell zu tun. diese Verknüpfung verwenden, können Sie viel schneller arbeiten, wenn Sie ein Audiostück ausschneiden und möchten, dass es am nächsten Bit im Raster einrastet. Sie können diese Verknüpfung verwenden anstatt Dateien mit der Maus zu ziehen, Sie können entscheiden, wie viele Beats das Raster in einer Leiste angezeigt wird. Dies ist nützlich, wenn Sie an Beats der 16. Note oder an einer anderen Maßnahme arbeiten . Aber manchmal möchten Sie auch weniger visuelle Informationen auf Ihrem Bildschirm damit Sie Ihre Rasterauflösung schnell ändern können , wenn Sie Audio bearbeiten . Manchmal müssen Sie zwischen Beats sein, Wenn Sie herausfinden, wie Sie schnell springen können, zwischen dem automatischen Einrasten am Raster und dem freien Cursor hilft Ihnen dabei. 33. Vorabmischung – Aufgabe: Die Aufgabe für heute besteht darin, ein Projekt zu erstellen, es zu bearbeiten und es für das Mischen im R&B-Ordner vorzubereiten Es gibt einen Ordner namens unbearbeitetes Schlagzeug, importiert den gesamten Song mit dem Schlagzeug und beginnt mit der Vorbereitung. Ich würde mit der Phasenkorrelation beginnen und dann die Zeit und den Groove bearbeiten , wenn Sie das Gefühl haben, dass sie benötigt werden, stellen Sie sicher, dass Sie jede Bearbeitung verblassen oder verblassen, und stellen Sie sicher, dass sie verblassen. Geh nicht über Transienten hinweg. Versuchen Sie schließlich, die in diesem Segment genannten Tipps zu verwenden , um Ihre Arbeit zu verbessern. 34. Überwachung Teil 1: Sie überwachen die Pegel oder mit anderen Worten, wie laut Ihre Lautsprecher zwei wichtige Auswirkungen haben. Das erste bezieht sich auf ein Phänomen, das zuerst durch die Fletcher Munson-Kurven beschrieben wurde und nun genauer durch die gleichberechtigten Lautstärke-Konturen beschrieben wird . Diese Graphen zeigen die Empfindlichkeit des menschlichen Ohres gegenüber verschiedenen Frequenzen in verschiedenen Niveaus. Wie Sie sehen können, sind unsere Ohren alles andere als linear, und wenn sich die Pegel ändern, ändert sich auch die Frequenzwahrnehmung. Wir reagieren sehr empfindlich auf die mittleren Frequenzen und unsere Empfindlichkeit gegenüber niedrigen Frequenzen steigt, wenn die Pegel höher werden. Dies wirft eine sehr wichtige Frage in Bezug auf unsere Arbeit auf, denn wenn wir einen Mix zuschneiden, klingt das Wissen anders. Wenn es in verschiedenen Bänden gespielt wird. In welchem Volumen sollten wir mischen? Meine Antwort ist das Mischen aller Volumes, aber schauen wir uns das genauer an. Sie sollten sich an einen bestimmten Startpunkt für Ihren Lautstärkeregler gewöhnen und sich damit vertraut machen. Dieser Ausgangspunkt soll Ihnen ein angenehmes SPL-Volumen geben, wenn Sie mit dem Anheben von Fadern beginnen. Das wird sich auch mit gesunden Spitzenwerten auf der Straße ergeben. Zum Beispiel weiß ich mit meinem Setup, wenn ich den Lautstärkeregler an dieser Position stelle und den Kick Drum-Fader anhebe um minus zehn dBFs zu treffen. Es wird sich im Raum wohl fühlen und es wird etwa 85 dB SPL sein. Wenn Kanäle hinzugefügt werden, werden die Pegel steigen. Zehn dB sind genug Spielraum für Sie, um zu mischen, ohne sich Gedanken über das Ausschneiden machen zu müssen. Stellen Sie sicher, dass Sie die Anfangspegel einstellen während Sie den lautesten Teil des Songs hören. Sie werden also nicht überrascht sein, dass sich das Level vom Arrangement ändert , nachdem diese erste Balance zusammengestellt Sie können zwischen dem lauten Hören des Mixes springen und ihn leise anhören, ihn leise anhören, und stellen Sie sicher, dass es in jedem Szenario funktioniert, es wird anders sein und das ist in Ordnung, aber stellen Sie sicher, dass es nicht minderwertig ist , wenn Sie die niedrigen Frequenzen fein abstimmen möchten, erhöhen Sie die Lautstärke auf etwa 85 dB SPL, denn wie wir in der Grafik gesehen haben , sind sie dort am flachsten. Die zweite wichtige Sache Überwachung des Niveaus ist die Ermüdung der Ohren. Unsere Ohren und Gehirne arbeiten ständig und nutzen sich tagsüber ab, besonders wenn Sie in großen Mengen zuhören. Hier wird Müdigkeit zu einer Veränderung in der Art und Weise führen, wie wir hohe Frequenzen und Dynamik wahrnehmen, was uns wiederum dazu bringen wird, falsch zu machen. Mischbewegungen, Ohren, Ausdauer werden mit der Zeit zunehmen, aber selbst erfahrene Ingenieure machen Pausen während der Mischtage und hören auf zu arbeiten wenn sie bemerken, dass ihre Ohren müde sind. Beachten Sie sich also , dass die Arbeit an einem Mix zehn Stunden am Tag Sie nicht zu einem hingebungsvollen Fachmann macht, sondern Ihre Arbeit tatsächlich schädigt , da Sie ab einem bestimmten Zeitpunkt nur Ihrem Mix schaden werden. Alle 45 Minuten oder eine Stunde ein paar Minuten anzuhalten , hilft bei Ermüdung der Ohren und der Wiedererlangung Perspektive auf das, was Sie bereits erreicht haben. Sie sollten auch Ihren Arbeitstag beenden. Wenn Entwürfe, von denen du dachtest, dass sie großartig klingen würden, erschienen plötzlich langweilig und flach. Je höher die Lautstärke, die Sie überwachen, desto schneller werden Ihre Ohren müde. Die Tatsache, dass wir einen Lautsprecher haben können , der verschiedene Elemente als der andere Lautsprecher spielt , könnte uns eine einfache Möglichkeit geben , es zu vermeiden, schwierig zu arbeiten. Obwohl Schwenken und Panorama großartige künstlerische Werkzeuge sind, kann es von Vorteil sein, Ihren Mix auf Mono zusammenzufassen denn wenn beide Lautsprecher die gesamte Session spielen, können Sie wirklich hören, ob Ihr Mix geräumig ist oder überladen. Ein weiterer Grund, warum das Hören in Mono von Vorteil ist , ist, dass Ihr Mix von einem Telefon oder einem mobilen Lautsprecher aus in Mono gespielt werden kann. Wenn Sie möchten, dass Ihr Mix unter diesen Umständen gut übersetzt wird, müssen Sie sicherstellen, dass dies der Fall ist. Mischstudios verfügen normalerweise über ein paar Monitore, da jeder Monitor seine eigenen Eigenschaften und seinen eigenen Charakter hat und Referenzmischungen sicherstellen , dass er sich in einer Vielzahl von Konfigurationen gut übersetzt. Sie können an einem kostengünstigen Monitor mit voller Bandbreite arbeiten und dann auf einen günstigeren Monitor springen, sowohl Höhen als auch Tiefs fehlen. Um zu erkennen, dass etwas im Mitteltöner noch nicht genau stimmt, werden diese kleinen Mittelklasse-Monitore oft als **** Box angesehen und werden in professionellen Studios auf der ganzen Welt eingesetzt. Zusätzliche Monitore sind sehr nützlich, wenn Sie mischen, aber sie sind Luxus, den sich nicht jeder leisten kann. Ausgleichen Ihres Tracks und das Abhören über Ihr Telefon, Laptop, Lautsprecher oder ein beliebiges Lo-Fi-Setup ist ebenfalls sehr hilfreich und sollte auch dann durchgeführt werden, wenn Sie ein paar Monitore in Ihrem Studio haben . Es gibt auch Plug-Ins wie den Mixed Checker, Ihnen ein paar Algorithmen verschiedener billiger Lautsprecher bietet. Du kannst deinen Mixin überprüfen. 35. Monitoring Teil 2: Wenn Audio in einem unbehandelten Raum abgespielt wird, können sich Frequenzen ansammeln oder aufheben. Dies bedeutet im Wesentlichen, dass das Audio, das Ihre Ohren erreicht , nicht das eigentliche Audio ist , das aus den Lautsprechern kommt. Und da Sie nicht mischen können, was Sie hören können, ist die Überwachung in gewisser Weise das Wichtigste, worum Sie sich kümmern müssen. Hier sind ein paar Informationen , die sehr wichtig zu wissen sind und die Ihnen helfen Ihr eigenes Mixing-Studio einzurichten. Und das Mischen passiert. Der Begriff Sweet Spot bezieht sich darauf, wo Ihre Ohren bei Ihrer Arbeit sein werden, und es sollte die flachste Audioänderung für die Tonaufnahme sein, die aus dem Raum selbst kommt, in dem Sie Ihre Monitore platzieren Der Raum und wie Sie sich vor ihnen positionieren sich vor ihnen haben einen größeren Einfluss auf das, was Sie hören. Hier sind ein paar Richtlinien zum Einrichten Ihres Sweet Spots. Ihre Monitore sollten so eingestellt sein, dass ein gleichseitiges Dreieck mit Ihrer Hörposition entsteht . Oder mit anderen Worten, dass der Abstand zwischen Ihnen und jedem Monitor dem Abstand zwischen den Monitoren selbst entsprechen sollte . Stellen Sie Ihre Monitore zwischen zwei Wänden , die aus dem gleichen Material bestehen, und vor der konsequent gebauten Wand. Die nächste Richtlinie besteht darin, Ihre Monitore in verschiedenen Abständen von der Rückwand, den Seitenwänden und den Decken zu platzieren , um zu verhindern, dass Frequenzen extrem ausgewählt Es wird auch hilfreich sein die Höhe der Lautsprecher über oder unter der Mitte der Räume. Jeder Raum hat seine eigenen Resonanzfrequenzen aufgrund seiner Form, Größe und des Materials, aus dem er hergestellt wurde, wenn Sie einen ersten Platz für den Start Ihrer Räume finden möchten. Akustische Behandlung a schlägt vor, Ihre Lautsprecher auf einen Ständer zu stellen und einen Song zu spielen, von dem Sie glauben gut genug kennen, um Audioänderungen zu bemerken und sicherzustellen, dass Ihre Ohren auf der Höhe von Twitters oder zwischen Twitter und Warfarin ist die Höhe. Setzen Sie sich zentriert zwischen den beiden Wänden, die Sie für Ihren Sweet Spot gewählt haben , und kreieren Sie mit den Lautsprechern das gleichseitige Dreieck. Spielen Sie das Lied an diesem Punkt auf moderatem Niveau und versuchen Sie zu bemerken, wie erfreulich oder auftauen die aktuelle Distanz ist. Bewegen Sie dann die Lautsprecher rückwärts oder vorwärts im Raum und wiederholen Sie den Vorgang, bis Sie einen Ort finden, an dem Sie das Gefühl haben, dass er neutral ist, Ihr Sweet Spot sein wird. Wenn Sie sich in einem kleinen Raum befinden, beachten Sie, dass Sie sich vom Zentrum der Räume fernhalten sollten, da dies bei Frequenzkonflikten am problematischsten ist. Professionelle Mischstudios verfügen über eine akustische Behandlung , die sicherstellt, dass der Raum das Audio, das aus dem Lautsprecher und in unsere Ohren kommt, nicht beeinträchtigt . Wenn Sie das Privileg und den Zugang zu einer behandelten Einrichtung haben , empfehle ich dringend, dort und nicht zu Hause zu mischen. Aber wenn Sie anfangen und noch trainieren müssen, bevor Sie die Leute genug aufladen, um sich diese Studios leisten zu können, sollten Sie Ihr Zimmer so schnell wie möglich akustisch behandeln . Jedes Zimmer benötigt eine andere Behandlung. Es ist also praktisch unmöglich, eine harte und schnelle Regel zu geben , die für alle Räume gilt. Aber hier sind Dinge, die Sie wissen sollten und Ihnen bei der grundlegenden akustischen Behandlung Ihres Zimmers helfen der grundlegenden akustischen Behandlung Ihres und Sie hoffentlich näher an den Punkt Ihrer Karriere bringen können, an dem Sie genug verdienen können um einen Fachmann einzustellen, um die Arbeit zu erledigen. Die akustische Behandlung besteht aus Absorption und Diffusion. Absorbierende Materialien sind entweder akustische Schäume oder Akustikplatten, die mit dichter Steinwolle gefüllt sind, oder dünne Glasfaser-Telefone helfen dabei, mittlere bis hohe Frequenzen zu absorbieren, sind aber nicht sehr hilfreich mit niedrigen Mitten- und Bassfrequenzen. Der Zweck der Diffusion besteht darin, Schallwellen zu streuen und ihre Energie zu verbreiten , anstatt sie zurück zu reflektieren und sie im Raum widerspiegeln zu lassen. Dies führt zu einer angenehmeren Reflexion und einem besseren Stehraum mit weniger Spitzen und Resonanzen, die Ihren hörenden Sweet Spot hüpfen und verändern. nächste wichtige Information ist, dass sich die Basis tendenziell in Ecken aufbaut. diesem Grund brechen viele Bassfallen normalerweise die Eckform und Mischräume sind selten quadratisch. Basisfrequenzen sind nicht so gerichtet wie hohe Frequenzen, was bedeutet, dass sich hohe Frequenzen nicht hauptsächlich in die Richtung ausbreiten , in die sie projiziert werden. diesem Grund wird der Ton stumpfer, wenn Sie vor Ihrem Lautsprecher stehen, anstatt sich hinzusetzen, wenn Sie an der Seite Ihres Lautsprechers stehen, wird er sogar stumpfer. Und wenn Sie hinter den Lautsprecher gehen, hören Sie hauptsächlich tiefe Frequenzen. Diese Basisfrequenzen die von der Rückseite Ihres Lautsprechers springen, springen von der Wand in den Raum und Ihre Ohren zurück. Daher ist es auch ein wichtiges Element , um Ihr Zimmer zu behandeln. Beginnen Sie zunächst mit der Behandlung der ersten Reflexionen des Raumes, bei denen es sich um die Wände von rechts und links von Ihrem Lautsprecher handelt, sowie die Rückwand und die Decke darüber die Referenten. Diese ersten acht Züge werden den größten Unterschied ausmachen und sind definitiv ein großartiger Ausgangspunkt. Wenn Sie hören, dass es einen Bedarf gibt und Sie sich diese durch Bassfallen leisten und sie in die Ecken für die Seitenwände und die Decke legen können, können Sie Schaum verwenden, aber wie bereits erwähnt, sie nicht so nützlich sein Basisfrequenz. Sie können entweder ein Akustik-Panel kaufen oder selbst mit einem beliebigen DIY-Tutorial auf YouTube bauen . Es kann Spaß machen und Ihrem Heimstudio eine sehr persönliche Note verleihen. Bei dieser minimalen Behandlung würde ich generell vorschlagen, Platten mehr als Schaum zu verwenden , da sie im Allgemeinen effektiver sind. Stellen Sie jedoch sicher, dass Sie das absorbierende Material in einer Höhe platzieren, die den Lautsprecher in die Mitte legt das absorbierende Material in einer Höhe platzieren, die , das Ergebnis mit mehr Absorption entsteht. Mein erstes Heimstudio-Setup bestand aus zwei DIY-Panels rechts und links neben den Lautsprechern. Ein schweres Panel hinter den Lautsprechern, das tiefe Frequenzen bewältigen konnte, zwei dreieckige Basisfallen in den beiden Ecken hinter den Lautsprechern und ein paar Schaumstücke, auf die geklebt wurden eine Holzplatte und hing mit einer Neigung von der Decke. Zuletzt habe ich mich an Diffusoren hinter mir und die gleiche Höhe wie mein Kopf gesetzt , in der Hoffnung, dass die Frequenz von der Rückwand kommt , besser durch den Raum projiziert wird. Dies war kein ideales Mischstudio, aber es führte definitiv zu einer besseren Überwachung und sicherlich großartig für die Zeit und den Ort, an dem ich in meiner Karriere war. 36. VORLAGE: Nachdem Sie erfahren haben, wie die Tools funktionieren, Aufbau eines Workflows und einer Logik hinter wird der Aufbau eines Workflows und einer Logik hinter Ihrem Mixing-Ansatz der nächste große Schritt sein. Ich persönlich habe viel Zeit in das Recherchen und Experimentieren mit Workflow- und Mixing-Ansätzen investiert Recherchen und Experimentieren mit Workflow- und . Und wir präsentieren jetzt Techniken und Konzepte, mit denen Sie experimentieren können, und sehen, was für Sie am besten funktioniert. Ich mische Vorlage ist ein gespeichertes Format, das Sie auf Ihre Bedürfnisse zugeschnitten haben und das Routing, Plugin-Einstellungen und visuelle Einstellungen für Ihre Sitzungen umfassen kann . Dies kann in jeden neuen Mix importiert werden , an dem Sie arbeiten, und bietet Ihnen eine gute, solide Grundlage, um mit Ihren ersten Präferenzen zu beginnen, die bereits vorhanden sind solide Grundlage, um mit Ihren ersten Präferenzen zu beginnen . Eine grundlegende Vorlage kann Busse oder Gruppenspuren für die Songs enthalten , musikalische Abschnitte mit Sends bereit für voreingestellte Effekte wie lange und kurze Reverbs und Verzögerungen, die alle vor dem Master weitergeleitet werden Bus, wenn diese wenigen Ox-Kanäle wichtig für die Sitzung sind, leiten Sie das Audio zu ihnen und dann können Sie loslegen. Aber das kann sogar noch weiter gehen. Wenn ich zum Beispiel weiß, dass ich beim Mischen tendenziell Trigger verwende, kann ich das Trigger-Plug-In als Teil meiner Vorlage sowohl für die Bassdrum als auch für Snare bereit haben , ich verwende eine parallele Verarbeitung wie Kompression oder Verzerrung ziemlich viel. Ich kann das auch als Teil meiner Vorlage festlegen. Und das wird mich davor bewahren, diese Kanäle jedes Mal zu öffnen und weiterzuleiten, wenn ich mische. Diese Anpassungen sind endlos und können so geformt und auf das zugeschnitten werden, was Ihre DAW zu bieten hat. Meine Mixing-Vorlage enthält Trigger, separate parallele Verarbeitung für die Bassdrum und Snare-Parallelverarbeitung für beide sowie zusätzliche parallele Verarbeitung zur gesamten Drum-Sektion, sowie zusätzliche parallele Verarbeitung zur wenn ich das Gefühl habe es wird benötigt, dann hat jeder Abschnitt seinen eigenen langen und kurzen Hall, lange und kurze Verzögerungen und anderen wird an ein Weidner-Plugin gesendet. Dann wird jeder Abschnitt zu einem eigenen Stammbus geleitet, was die Ausbeutung von Stämmen sehr einfach und schnell macht. Diese können alle an einen parallelen Kompressor und Hall gesendet werden, die immer da sind, aber ich benutze sie nur, wenn sie notwendig sind. Alle Vorbauten und die parallele Verarbeitung werden dann an einen Masterbus weitergeleitet , der bei Bedarf ebenfalls zur Verarbeitung bereit ist . Ich habe das im Laufe einiger Jahre gebaut, verändert und verfeinert . Und ich überzeuge immer noch ständig, wenn eine Idee oder Änderung in meinem Workflow auftaucht, wie ich einige Male darauf hingewiesen habe, Geschwindigkeit hält die kreativen Säfte am Laufen. Arbeit an einer eigenen Vorlage ist also die Zeit wert und investiert sie. Sie können jede Idee nehmen, die Sie mögen, und damit experimentieren , um zu sehen, wie sie zu Ihrem Mischworkflow passt. 37. Abmischung des Arbeitsablaufs: Workflow und Mixing beziehen sich sowohl auf Ansatz als auch darüber, wie Sie die Mischaufgaben aufteilen. Eines der ersten Dinge, über die Sie nachdenken sollten, ist, wie Sie Ihren Mix starten um ihn mit gesunden Levels zu beenden , ohne Ihren Master-Kanal zu kippen. Einige Ingenieure mögen es, einen Bezugspunkt zu setzen , wie ich bereits erwähnt habe, die Bassdrum und lassen sie etwa minus zehn DBFs treffen , zum Beispiel, da sie wissen, dass auch nach all den anderen Instrumenten kommen werden werden die Level immer noch unter 0 enden. Versuchen Sie, Mischungen mit Peak-Levels vor minus drei dBFs zu beenden . Es wird also genügend Spielraum für weitere Manipulation des Audios im Mastering-Prozess geben, falls erforderlich. Wenn das, was ich gesagt habe, nicht ganz klar ist, kehren Sie zurück zum Segment Pegel- und Messungstyp-Segment im Kapitel Aufzeichnungstheorie. Das erste Monitoringsegment im Mischnarr. Abgesehen davon, dass Sie über Ihre anfänglichen Levels nachdenken, müssen Sie darüber nachdenken, mit welchen Kanälen Sie gemischt beginnen. Es gibt auch ein paar Ansätze, wenn es um dieses Thema geht. Vielleicht haben Sie von Top-Down-Mixing gehört , was ein Ansatz ist , der vorschlägt Ihren Mix mit der Verarbeitung der Master - oder Gruppenbusse zu beginnen und Ihre Mischung mit breiteren Pinselstrichen zu versehen. sozusagen, und eine Makroperspektive. Der andere Ansatz, den wir beginnen werden , Titel für Track zu arbeiten, beginnt vielleicht mit den Songs. Leak-Kanal kann das Gesang oder ein anderes Instrument sein und erst dann Kanal für Kanal und Puzzleteil zusammenfügen . Auf diese Weise mischen viele Mixer tatsächlich den Rhythmusbereich, bauen die rhythmische Grundlage des Songs auf und gehen dann entweder zu dem Gesang oder einem anderen Kanal oder Abschnitt über, den sie für relevant halten. Jeder Ansatz hat seine Vor- und Nachteile. Das Mischen von oben nach unten ist schneller als das Mischen von unten nach oben. Bottom-up-Mischung gibt Ihnen mehr Vertrautheit mit den Sitzungs-Tracks und führt möglicherweise zu präziseren Anpassungen als die breite Verarbeitung, die mit dem Top-Down-Ansatz verbunden ist. Auch hier ist es sehr wichtig, alles im Kontext zu hören, da die Tracks sowohl musikalisch als auch mit ihren Phasenbeziehungen interagieren . Von oben nach unten könnte Ihnen also eine bessere Gesamtperspektive geben. Wie Sie sehen, gibt es kein Richtiges oder Falsches. Und ich kann nur diese Vor- und Nachteile und Ansätze teilen , die nützlich sein könnten, um das Beste aus beiden herauszuholen. Hier ist also eine Praxis, die ich in der Vergangenheit sehr nützlich fand und immer noch von Zeit zu Zeit verwende. Obwohl mein derzeitiger Misch-Workflow etwas flexibler ist, teilt die Praxis den Mischprozess in drei Phasen auf, korrigierend den Mischprozess in drei Phasen auf, , von oben nach unten und unten, beginnend mit allen Fader nach unten die anfängliche Korrekturstufe beginnt die anfängliche Korrekturstufe mit einer Bottom-Up-Art und Weise. Sie heben die Fader einzeln um ein anfängliches Guthaben zu erstellen. Aber man nähert sich dem mit der Mentalität eines Toningenieurs, noch nicht eines Mischingenieurs. Sie gehen über die Spuren und bemerken, wie Kanäle mit ihrer Phase und ihrem Ton interagieren, versuchen zu verstehen, welcher Kanaldienst, welcher Zweck, und versuchen verschiedene Balance-Variationen auszuprobieren. Fügen Sie Plugins ein, es sei denn, Sie sind sich sicher, ob sie benötigt werden und wenn Sie etwas fälliges einfügen. Denken Sie also, dass Sie eine Quelle erstellen , anstatt eine zu korrigieren. In diesem Stadium stelle ich auch meine Effekte auf die Schneiderei, Reverbs, Verzögerungen und Modulationssendungen an jeden Abschnitt des Songs ein. Dann, nachdem ich mit dem Erstellen dieser Quellen- und Effektpalette fertig bin , habe ich bereits eine gute Balance und bin mit den Sitzungsspuren sehr vertraut , wenn Sie dies bis zu diesem Zeitpunkt nicht getan haben habe ich bereits eine gute Balance und bin mit den Sitzungsspuren sehr vertraut, wenn Sie dies bis zu diesem Zeitpunkt nicht getan haben ist ein sehr guter Zeitpunkt, um eine Pause zu machen und Ihren Ohren etwas Ruhe zu geben, wenn Sie zurückkehren, was Ihnen einen Referenztrack gibt, Alyson, das wird Ihre Ohren neu kalibrieren und nachdem Sie Ihren aktuellen Mix und anderes Hören gegeben haben, Sie werden sicherer sein, die Busverarbeitung einzustellen , wenn Sie dies für notwendig halten. Dies beginnt die zweite Stufe von oben, unten. Es ist wichtig zu beachten , dass die Verarbeitung einer Gruppe oder eines Mixes sich vom Mischen einzelner Tracks unterscheidet, sowohl technisch als auch künstlerisch. Ein einfaches Beispiel wird sein, dass die Verarbeitung einer Gruppe einen leichteren, empfindlicheren Ansatz erfordert , da 0,5 dB-Änderungen in allen von Ihnen verarbeiteten Spuren auftreten in allen von Ihnen verarbeiteten Spuren und nicht nur in diesem Stadium Sie können auch die Entscheidung treffen, die parallele Verarbeitung für den gesamten Mix festzulegen parallele Verarbeitung für den gesamten Mix wenn Sie es mögen, dies schließt die Top-Down-Phase ab. Und so gehen wir zur letzten Etappe über, die mit einer sehr überraschenden Bewegung beginnt alle Audiofader zurück ins Minus Unendlichkeit zieht . Dies nach all den Bemühungen in den ersten beiden Phasen mag kontraintuitiv klingen, aber ich kann Ihnen sagen, dass dies eine erstaunliche Ergänzung zu meinem Misch-Workflow war . Und ich habe es manchmal mehr als einmal in einer Mischung wiederholt. Der Grund dafür ist, dass es so ist, als würde man in Bezug auf Ihre Perspektive von vorne anfangen , aber mit erstaunlichen Quellen, maßgeschneiderten Effekten und maßgeschneiderter Busverarbeitung für Ihre Sitzung was eine erstaunliche Basis ist , um ein Mixed zu beginnen. Wenn Sie mich fragen, während Sie die Tracks neu ausbalancieren, versuchen Sie es zu umgehen und ich umgehe , was Sie bereits in der ersten Phase getan haben , nur um sicherzustellen, dass diese Anpassungen tatsächlich helfen. Möglicherweise haben Sie das Bedürfnis , sie weiter anzupassen oder zu entscheiden, dass sie überhaupt nicht notwendig sind. Und nachdem Sie mit der zusätzlichen Verarbeitung fertig sind, machen Sie eine weitere Pause und spielen Sie den Song von Anfang an ab, stellen Sie das Gleichgewicht des ersten Teils genau so ein, wie Sie es wollen und spielen Sie dann die gesamte Fallenleselautstärke Automatisierung, Effects Sends Automatisierung ist etwas, was ich während des Mixes mache, weil es viel mit dem Ton und der emotionalen Bewegung zu tun hat , die der Song haben wird. Aber damit in der letzten Phase der Volumenautomatisierung finde ich in der letzten Phase der Volumenautomatisierung Effekte, Sends und Retouren. daran, dass sie nach dem Mastering etwas lauter werden. Nachdem ich das Gefühl habe, dass der Mix fertig ist, mache ich noch eine Pause und komme zurück und gebe das Lied und höre zu. Dies ist eine sehr interessante Position, da Sie entschieden haben, dass es erledigt ist und Sie bereit sind, es auszudrucken, aber Sie haben immer noch die Möglichkeit sie zu ändern, wenn Sie sich dafür entscheiden. Mein Vorschlag ist, ändere nichts. Deine Ohren sind bereits ermüdet und deine Perspektive ist längst vorbei. Komm morgen wieder dazu und hör es dir an , wenn du frisch bist. Dies fasst die wenigen Workflow-Ansätze Sie ausprobieren, experimentieren und herausfinden können , was für Sie angenehm ist und was Ihnen die besten Ergebnisse liefert , wenn Sie es geschafft haben zu kombinieren die beiden, bleib dran. 38. Speichern und Überarbeiten: Es gibt einige Dinge, die Sie beachten sollten wenn Sie den Export gespeichert und überarbeitet oder Mixe gespeichert haben, die Sie auf dem Laufenden halten und Ihnen möglicherweise viel Zeit sparen. Sie sollten ein Benennungssystem für sich selbst erstellen , um Ihre Arbeit zu verfolgen. Zum Beispiel nenne ich meinen ersten Mix, blah, bla, mix v1, v steht für Version. Und wenn ich den Mix überarbeite, nenne ich ihn als Erstes V1, 0.1, was bedeutet, dass es die erste Mix ist, erste Revision. Wenn ich mich dann entscheide, den Mix von Grund auf neu zu starten , nenne ich es V-Tool und starte die Revisionen von vorne , bla, macht V2 0.1 usw. Ein Benennungsschema zu haben und sicherzustellen, dass ich wie jedes Mal speichere, ist aus zwei Gründen wichtig. Erstens möchten Sie nicht wirklich immer wieder an demselben Projekt arbeiten da Sie vielleicht herausfinden, dass einer der frühen Mixe der beste war und Sie es nicht neu erstellen können. Sitzungen separat gespeichert haben können Sie Ihren Fortschritt sehen und manchmal können Sie bestimmte Elemente aus verschiedenen Versionen importieren und das Beste von wenigen verwenden. Der zweite Grund ist, dass Sie wissen möchten, wie oft Sie an einem Projekt für die Kunden gearbeitet haben und Ihre Datensatzüberarbeitungen ein wichtiger Teil der Mischphase sind , aber Ihre Preisgestaltung -Regelung kann eine bestimmte Anzahl von kostenlosen Revisionen enthalten. Wenn Sie diese Dokumentation haben, geben Sie wie viele Revisionen durchgeführt wurden und beurteilen Sie die Preisgestaltung entsprechend. mein Tor mischten, haben Sie sich auf so kleine Details konzentriert, dass es fast unmöglich ist, 100 Prozent der Arbeit auf einmal zu nageln . Revisionen sind ein wichtiger Bestandteil des Mischens, können aber auch ein gefährlicher Prozess sein. Es gibt einen Unterschied zwischen einem schlechten Mix, der ein anderes Ziel benötigt, und einer guten Mischung , die nur überarbeitet werden muss. Ein Kunstwerk ist nie wirklich fertig. Und deshalb müssen Sie sich den Revisionen nähern, da Sie wissen, dass Ihr Ziel darin besteht, den Song zu beenden Sie glauben , dass er fast vollständig ist. Wenn Sie enden, stimmt der Künstler zu, dass der Mix gut ist und nur ein paar Optimierungen benötigt. Ich schlage vor, den Song gemeinsam von oben anzuhören und eine Liste der Dinge zu erstellen , von denen Sie glauben , dass einen Verband brauchen, wenn Sie sich durchhören. Wenn Sie einen ganzen Tag damit verbringen, zu überarbeiten, haben Sie entweder eine gute Mischung ruiniert oder vielleicht sind Sie eine gute Mischung, also ist es nicht so gut. Glücklicherweise haben Sie das Projekt unter einem anderen Namen gespeichert, damit Sie zurückgehen und entscheiden können , was der Fall ist. Bevor Sie Ihren Mix exportieren, können Sie einen Limiter auf den Masterbus setzen und die Level des Mixes etwas höher schieben. Denn wenn wir mischen, liegen die Pegel unter 0 dBFs. Wir müssen es verbessern, damit der Kunde Ihren Mixed nicht mit einem fertigen gemeisterten Track vergleicht und frustriert ist darüber, dass die Level niedriger sind, aber den Limiter nicht zu hart zuschlagen weil es Ihren Dynamikbereich verändern wird. Und Sie möchten die Mischung und Steuern von vier bis fünf dB der Verstärkungsreduzierung beibehalten vier bis fünf dB der Verstärkungsreduzierung sollte das Maximum sein, das Sie durchlaufen, Ihren Namen zu den Exporten hinzufügen und sie so kennzeichnen , dass sie korrelieren wie Sie Ihre Sitzungen beschriften. Dies erspart Ihnen unnötige Verwirrung. Und schließlich nicht die Verarbeitung, die Sie dafür gemacht haben. Zum Beispiel bla, bla, kein Mann Mix, V1, 0,3 Limiter. Die Korrelation ermöglicht es Ihnen, bei Bedarf ganz einfach Ihren eigenen Trails zu folgen. Und wenn Ihr Name in die Datei eingebettet ist, ist sowohl eine gute PR als auch eine Möglichkeit, Ihre Zugehörigkeit zum Track zu beweisen. Wenn Sie leider irgendjemandem etwas beweisen müssen, wenn Sie die Datei exportieren, stellen Sie sicher, dass Sie mit der gleichen Abtastrate exportieren. Sie haben sich auch eingemischt, stellen sicher, dass Sie eine 24-Bit exportieren und als Stereo-Datei und nicht als Dual-Mono können Sie die begrenzte Datei sowohl in MP3 als auch in Wave exportieren. Manchmal brauchen Künstler den Mix, exportieren ihn als Stiele, bei denen es sich um separate Exporte für jeden Abschnitt handelt, Stiele werden oft für Playbacks in Live-Shows verwendet um remixte Versionen zu erstellen oder für Stamm-Master-Anforderungen, das ist ein Mastering-Prozess, der mit einem Lied arbeitet, das zwei Stämme geteilt ist. Anstatt mit einer Stereo-Datei zu arbeiten, haben Künstler möglicherweise unterschiedliche Anfragen darüber, wie sie ihre Stiele teilen möchten. Vielleicht brauchen sie die Bass- und Snaredrums getrennt von der ganzen Trommel. Stan, vielleicht stehen separate Effekte für den Gesang. Ich habe meine Vorlage auf eine Weise geplant, die leicht abzubauen ist, und ich nehme weitere Anpassungen vor, wenn sie benötigt werden. Sie können selbst entscheiden, ob das Drucken Stielen Teil Ihres Mischdienstes ist , der Ihrem Namen einen zusätzlichen Überlieferungsfaktor verleiht . Aber es ist ein Prozess , der einige Zeit und zusätzliche Arbeit in Anspruch nehmen kann . Es wird also eine zusätzliche Gebühr für den Stem-Export kommentiert. Wenn Sie Ihren Mix an einen Mastering-Ingenieur senden, sollten Sie in eine andere Datei ohne Limiter und die im Dateinamen angegebenen Projekteigenschaften exportieren ohne Limiter und die im Dateinamen angegebenen Projekteigenschaften . Zum Beispiel bla, bla, Nomaden-Mix V1, 0.32444,1. Dadurch werden sie wissen, wie sie ihr Projekt öffnen sollten um die Korrelation mit Ihrem Namensschema aufrechtzuerhalten mit Ihrem Namensschema aufrechtzuerhalten Sie können dann sowohl die unbegrenzte WAV-Datei als auch die begrenzte Datei senden eine Referenz, wenn Sie möchten, wie Sie Ihren Mix eliminieren können. Dies schließt das Mixing-Kapitel ab. Für das letzte Segment möchte ich also Mixe durchgehen. Ich habe Sie sowohl über die technischen Aspekte als auch die Denkweise besprochen sowohl über die technischen Aspekte als auch die und besprochen, die daran beteiligt ist. Die Kombination aller Theorie, über die wir gesprochen haben, mit der Praxis, sowohl in Bezug auf die technischen als auch die mentalen Ansätze , die angesprochen wurden, ist das Wichtigste , was man durchgehen muss. Also lasst uns dran kommen. 39. BirdSchool (Mach dich mit dem Song vertraut): Heilig und finde das Gelb um uns herum wie Kevin, wenn du Fragen vergeben hast. Heilig. Molly und mein Soda, schwimmende Farbe und Baby Yoda. Yoga, Meditation, Masturbation und Brotbacken haben eine gewisse Form. Problematische systematische Verwirrung leben in der Realität in Ihrem Körper. Und Triggerpunkt, den die Niere nicht kann. Mission versus Mangel, ein winziges, effizientes wie tiefes, ein giftiges Auto. Was ist wirklich der richtige Weg? Sagt es mir, was hat mich die Auswahl der Emotionen ertränkt? Erreichst du diesen Typen? Also sagte jemand, Blumen blühen wo sie sollen. Auch wenn Beton trocken ist, wenn alles fertig ist. Du könntest es abholen und dich niemals durch Schwerkraft lesen lassen es abholen und dich niemals durch Schwerkraft lesen , mit Formalitäten und Höflichkeiten und wie viel Angst oder du, wie viel vorbereitet. Genau dieses Ding wirst du weiter Aas machen. Weißt du, sie haben vernünftigerweise einen Plan, jemand zu Hause ist oder er zeigt, selbst wenn Beton trocken ist. Alles ist alles. Alles ist der Ereignishorizont sozusagen in einem staubigen Heu verloren als ****? Die Menschheit ist in der Gegenwart gestrandet. Einer visionären Zukunft beraubt. Eine Insel in einem Meer von zeitlosen, genauso wie die Gewinne, die Divination Records, Elektrolyte, Prokrastination kennen . Tradition plant den Weg. Es gibt nicht wirklich irgendeinen Ort, an den man hingehen kann. gab es nie. Die Mittel bis zum Ende, an das wir uns erinnern sollen, ist in der Tat ein ******. Unsere Konstellation, der Drang, kurz davor zu geschehen, in Richtung einer nostalgischen Zukunft zu neigen. Es wäre fast tragisch, wenn es nicht so witzig wäre. 40. Vogelschule – Übersicht über die Mischung: Jetzt, da wir mit dem Arrangement vertraut sind, können wir in den Mix eintauchen, ich werde noch einmal erwähnen , dass mein Ziel darin besteht , Sie Tools und Techniken auszusetzen. Möglicherweise sehen Sie also Plugins, mit denen Sie nicht vertraut sind. Die Namen der Plug-Ins werden im Segment erwähnt und Sie können sie nachschlagen, wenn einer von ihnen Ihre Aufmerksamkeit erregt. Es gibt ein paar Ansätze , wenn es um das Mischen von Trommeln geht. Die erste besteht darin, den Overhead und Mitbewohner für den Gesamtton der Trommeln verwenden und die engen Mikrofone nur für vorübergehende und milde Tonformung zu verwenden. Und der zweite Ansatz besteht darin, die engen Mikrofone für die dominante Tonformung der Drohnen zu verwenden und den Overhead und die Räume für gerade gestürzte Benutzer zu nutzen. Weil diese Keime für ein anderes Lied aufgenommen wurden , das unterschiedliche Sonics erfordert. Diese Trommeln nur für ihren Teil importiert, aber nicht wegen ihres Klangs, erforderten ziemlich viel, um sie dorthin zu bringen, wo ich sie haben wollte, und ein paar sehr nicht konservative Methoden. Die Hauptstrecke, die ich als Overhead benutzt habe , sind eigentlich die Räume, die ich nicht benutzt habe. Die Overhead-Jacke passte einfach nicht zu dieser Produktion. Und es klingt ursprünglich so. Und jetzt mit der Verarbeitung, ziemlich extrem, ich weiß, lasst uns das Schritt für Schritt durchgehen. Das erste, was ich getan habe , war hier den höchsten zu zähmen. Und anscheinend gab es eine Resonanz, die mich störte. Ich gehe davon aus, dass ich das danach eingefügt habe, ich habe diese Verzerrung eingefügt. Sie können feststellen, dass die Verzerrung viel Aggression mit sich bringt und sie irgendwie komprimiert. Ich benutze das eher als Kompressor. Umgehen wir den EQ vor Verzerrung und umgehen Sie ihn, während die Verzerrung eingeschaltet ist, um zu bemerken, was der Effekt ist. Die höhere Art von kommt heraus und es ist unausgewogen. Und mehr als alles andere denke ich, dass dies mehr als alles andere zu den R & B-Texturen passt . Dann gibt es eine Instanz von Müll, was eine weitere schöne Verzerrung ist und die Quelle filtert bevor sie zur Sättigung geht oder von der ich sehe, dass sie ziemlich gewalttätig ist und sie dann komprimiert. Okay, also hören wir uns das mal an. Der erste AQ kam wahrscheinlich nach dem Einlegen von Müll, weil die hohen Frequenzen wild sind und es wirklich Aggression hervorruft und völlig andere Emotionen von diesem Track quetscht. Dann habe ich einen Kurs eingefügt , der bei einem Overhead nicht sehr üblich ist. Aber mal sehen, was das bedeutet. Wie Sie vielleicht bemerkt haben, ist der Mix-Knopf auf 14 Prozent reduziert. Und was ich fühle, ist es mehr Dimensionalität und mehr Tiefe schafft. Es ist nicht wirklich auffällig, aber es macht immer noch einen sehr guten Job nach dem Kurs, ich lege einen Phasor. Das ist zweiunddreißig Prozent nass. Hören wir uns das an. Dies ist etwas auffälliger und erzeugt diese Bewegung im Frequenzspektrum , die wir fühlen und hören können. Und schließlich dieser DQ. Also filtere ich diese Frequenzen aus den Seiteninformationen, was bedeutet, dass alle meine Niedrigenergie in Mono sein werden. Dann filtere ich auch aus dem ganzen Panorama, 90 Hertz und darunter, und zähme die hohen Frequenzen. Hören wir uns das noch einmal an. Irgendwie spielt wieder herum, die Ästhetik, die zum Lo-Fi-R&B-Feld passt und wo das Kind im Raum platziert wird, fühlt sich anders an. Beachten Sie, dass es sich anfühlt, als wäre er näher bei uns und das Zimmer ist etwas kleiner. Und ich schicke in einen Weidner das Studio D, um mehr Dimensionalität zu schaffen. Hören wir uns das an. Das ist Bypass. Dies erweitert den Klang ist eigentlich ein weiterer Kurs. Ich benutze diesen Track nicht viel im ganzen Mix. Wie Sie sehen können, ist es Minus. 38,5 dB in den Versen und den Chören. Ich glaube, ich automatisiere es etwas höher, weil es mehr Symbole gibt. Aber in diesem Mix habe ich die engen Mikes und Trigger als Hauptelemente des Schlagzeugs verwendet . Also lass uns zum Kick gehen. Ich habe den aufgezeichneten Kick überhaupt nicht benutzt. Und der Grund ist, wie ich bereits erwähnt habe, dies für ein anderes Lied aufgenommen wurde, das ein anderes Gefühl und andere Töne erforderte. Also habe ich Trommelaustauscher benutzt. Dies ist mein aktuelles bevorzugtes Trigger-Plugin. Ich habe zwei Trigger-Samples eingefügt. Dies ist der erste. Und das ist die zweite. Beide zusammen. Hören wir uns nun an, wie dies mit der falschen Spur interagiert. Sie machen das schwere Heben und gleichzeitig gibt es eine parallele Kette der Basstrommel. Sie können sehen, dass diese beiden an diese beiden Hilfskanäle weitergeleitet werden an diese beiden Hilfskanäle und sie verzerrt werden und dann herausfiltern. Also lasst uns mit und ohne diese parallele Kette hören gibt es nur ein bisschen mehr Gewicht. Wir sind laut Snares. Es gibt dies und das und oh mein Gott, ich habe viel mit diesen engen Kanälen durchgemacht. Die ursprüngliche Snare ist das. Dies ist in jeder möglichen Phase verzerrt. Wir haben diesen speziellen Track tatsächlich durch einen solchen Vintage-Preempt aufgenommen . Es hatte keinen Lautstärkeregler oder Fader. Ich glaube nicht, dass ich es getan hätte , wenn ich es heute verfolgt hätte. Aber wie auch immer, das hat eine Menge Hi-Hat-Blutungen. Die Hi-Hat Beschnitt wurde durch diese Verarbeitung wirklich, wirklich akzentuiert und hatte einen großen Einfluss auf den gesamten Groove. Also habe ich anfangs alle Subfrequenzen abgeschnitten, die ohne triftigen Grund boomten, neun komprimiert mit diesem schönen Kompressor Lassen Sie uns einen AB-Test machen. Sie haben also vielleicht bemerkt, dass der hohe Hut dem Snares-Gipfel irgendwie näher kommt. Außerdem gibt es zwei snare Trigger. Der erste ist dies, und der zweite ist dies. Diese beiden Samples sind viel niedriger als die ursprüngliche snare. Diese vier Kanäle werden alle an diesen einen Snare-Bus weitergeleitet. Der Grund ist , dass ich, nachdem ich diese Balance zwischen diesen einzelnen Kanälen gemacht habe, nur einen Fader möchte, den ich als meinen Snare-Kanal betrachten kann. Was ich getan habe, ist zuerst, dieses schöne als Zell-Plugin einzufügen. Ich hebe also drei dB bei acht K an, aber mit einer Glocke ist die klassische SSL-Bewegung, acht k zu heben wobei das Regal, das ich benutze, den Bauch benutze, druckvoller war. Als nächstes wollte ich einen vorübergehenden Designer mehr Angriff. es mir noch einmal anhöre, liebe ich es nicht wirklich, aber es ist wirklich wichtig zu beachten , dass Signalketten zusammen aufgebaut sind. Wir könnten verstehen , was das tut erst wenn wir die gesamte Verarbeitungskette beendet haben. Dann gibt es diese Instanz von Saturn, die ein Multiband gesättigt ist. Dies ist ein warmer Typ. Dies sind alles alte Bänder und das ist auch O-Band. Ich verstehe, die Hauptsache, die ich gesättigt habe , ist dieses Low Mid-Band. Mal sehen, was das macht. Cool, gibt ihm viel Gewicht. Und die geliebte Skizzenkassette fühlt sich irgendwie an, als würde sie die Tonhöhe der Snare nach unten nehmen , sie gibt noch mehr Gewicht. Sie können sehen, dass ich die Qualität des Kassettenbandes ein wenig verschlechtere und das Signal langsam sättige, indem ich in die Schaltung drücke, die Substantive ein wenig nach unten gewählt werden. Dann noch eine Instanz von Müll, es gibt einige Filterung. Auch hier schwämpft Frequenzen und drückt hohe Frequenzen ein. Im Sättigungsmodul verwende ich die Bandsättigung, dann falte ich mich so sanft, 5,6 Prozent nass. Ich möchte mir anhören, was diese Faltung macht. Dies gibt ein gewisses Gewicht in den unteren Frequenzen und dann komprimiert. Hören wir uns alles an. Der Gesamt-Mix-Fader wird um etwa 50% gesenkt. Als nächstes dämpfe ich, ich denke, das sind die grundlegenden und einige Mittelbereichsfrequenzen. Hören wir uns das an. Gibt der Snare eine Art von Smack Berserk Verzerrung, die ich manchmal gerne als Kompressor verwende. Diese Art von bringt also den niedrigen Schlag zurück. Und wie Sie bis jetzt sehen können, haben wir noch ein Plug-In, aber es gibt immer dieses Spiel von zwei Schritten vorwärts, einen Schritt zurück in Richtung Vorwärts, einen Schritt zurück, einen Schritt zurück, und schließlich kommt es an wo wir es wollen. Schließlich gibt es diesen Omega-Transformator, einen neuen Transformator modelliert. Dann gibt es diese beiden Samples , die die snare ab und zu unterstützen. Hören wir uns das mal an. Es ist nur ein Beispiel für einen Klatsch, bei dem ich die niedrigen Frequenzen aus einer Zusammenstellung von Glasscherben gefiltert habe , von der ich viele der hohen Frequenzen und der niedrigen Frequenzen gefiltert habe. Es fügt nur eine weitere Textur hinzu. Schließlich wird dies zu einer Parallelverzerrung geschickt. Ich benutze die konservierte Verzerrung. Es gibt ziemlich Verzerrung EQ. Sie können sehen, dass ich hier einen dynamischen EQ verwende , der diese niedrigen Frequenzen immer dann nach oben schiebt wenn die Snare trifft, und , wenn die Snare trifft, und dann Verzerrung in der Warteschlange mit Filterung der niedrigen Frequenzen von die Seiten weil ich die Snares haben will, tiefe Frequenzen wirklich zentriert. Und das sind Frequenzen, die nichts mit Snares zu tun haben. Hören wir uns das eingefügt an. Es ist wirklich subtil, aber es fühlt sich einfach etwas gemischter an und es wird zu einer Verzögerung geführt. Hören wir uns an, was diese Verzögerung bewirkt. Ich habe gerade diesen Betrag geschickt, also ist er sehr, sehr sanft. Nur um ihm etwas mehr Dimensionalität zu geben. Hören wir uns diese Snare mit ihnen an, basierend auf Triggern. Ich schicke das ganze Schlagzeug an diesen Kompressor und es fügt sowohl Schlag als auch Gewicht hinzu. Die parallele Kompression macht ziemlich viel. Schließlich hatte ich die Bodenzunge, die auch ein Auslöser ist, die auch ein Auslöser ist, nicht das Gefühl , dass der ursprüngliche Boden der Absicht des Liedes dient. Das ist also der Trigger, den ich eingefügt habe. Das ist eigentlich von Steven Slate Trigger. Das letzte coole, was ich mit dir über das Schlagzeug teilen kann sind die Phis, die ich eigentlich noch nie zuvor gemacht habe. Es gibt dieses Aufhebens , das automatisiert ist. Schauen wir uns an, was diese Kraft im C-Teil macht. Sehr gewalttätig, sehr cool. Gehen Sie weiter zur Basis. Ursprünglich klingt es so. Nicht zu aufregend. Bevor ich etwas getan habe, habe ich ein Gate eingesetzt, das gerade das Geräusch von der Aufnahme gereinigt hat, und ein LA zu einem, was ein großartiger Kompressor ist, aber es sättigt auch irgendwie den Klang. Hören wir uns das mal an. Gibt ihm etwas mehr Charakter und dann habe ich es auf zwei Hilfskanäle aufgeteilt. Der erste behandelt die sehr niedrigen Frequenzen, die ich von der Basis haben wollte. Und der andere befasst sich mit den hohen Frequenzen. Fangen wir mit einem niedrigeren an. Also möchte ich wirklich, dass die Basis kontrolliert wird. Ich habe ein anderes LH eingefügt, was das tut, bringt ein Gitter. Ich liebe es wirklich, was das macht. Und schließlich ein Multiband-Kompressor, der mehr auf bestimmte Noten reagiert als andere. Und hilft mir wieder, die Basis an Ort und Stelle zu halten. Dann habe ich mit dem High Channel viel Spaß. Das erste, was ich mache, ist ein anderes Gate, weil ich das **** daraus verzerren und die niedrigen Frequenzen filtern werde . Dann schiebe ich das Jungfernhäutchen und filtere alle sehr hohen Frequenzen heraus. So klingt es. Dann habe ich das Studio D eingefügt, das die Quelle von Mono zur Stereoanlage übernimmt. Jetzt, da ich diese Kanal-Stereoanlage habe, verzerre ich das **** mit einer sehr, sehr extremen Einstellung. Dann füge ich diesen EQ ein, der mir hilft zu gestalten, wo die Energie ist. Also denke ich, dass diese Serie irgendwie für die Pads und die Trommeln gespeichert wurde . Also habe ich das gefiltert und mal sehen, was das macht. Hält die Energie etwas höher als die Skizzenkassette , von der ich sehe, dass ich den Eingang fahre. Es wird also mehr Sättigung hinzufügen, etwas mehr Aggression und dann die Höhen zähmen. Und setze einfach dort ein, wo ich den Fokus der Energie haben möchte. So sehr niedriges Fi. Und dann schicke ich es in ein anderes Studio, DT habe es noch breiter. Und mit dem besten Kanal viel Energie. Also nochmal, ohne Verarbeitung, hören wir uns das innerhalb des Tracks an und das Gelb um uns herum wie Kevin, 24-sieben. Sehr wimpy im Vergleich zu Heilung um uns herum wie Kevin , als er Fragen stellte. Viel Spaß. Die Akustikgitarren klingen am Anfang ursprünglich so. Und nach etwas Verarbeitung klingt so. Ich verwende das Dekapitat oder eine Einstellung, bei der es sich um eine Textskizzenkassette handelt, die eine andere Form von Band, Kassette und Reserven ist. Sie können also sehen, dass es drei verschiedene gesättigte Farben auf diesen beiden Kanälen gibt. Und dann etwas AQ. Das ist ziemlich wild. Mal sehen, was das macht. Macht es einfach etwas niedriger. Phi nimmt die Tiefs und Höhen heraus, verbessert den Mitteltöner. Das ist automatisieren. Oh mein Gott, Wow, was zum ****. Das ist ein wunderschönes, Mal sehen wo das ist, wo diese Automatisierung ins Spiel kommt. Stimmt's? Es gibt also diese Pause vor dem Kurs. Hier kommt diese Einstellung ins Spiel. Also haben wir dieses Geräusch am Anfang. Und in der Pause ist es das. Die E-Gitarre hat zunächst ein ziemlich beschissenes Geräusch, also musste ich sie eine Stufe hochschlagen. Das ist die wählerische Art von Gitarre. Ich habe Sketch Go Set eingefügt, das alte mit dem NR-Comp, ein sehr gewalttätiger Kompressor ist und sehr, sehr hell ist. Und ich habe etwas Wow und Flattern hinzugefügt, die Schwankungen in der Tonhöhe sind, die dieses Tool machen. Sehr lebendig als ein EQ. Verbessern Sie das Bild einfach so leicht. Diese Gitarren oder ich habe hier. Mal sehen, wie sie vorher klingen. Ziemlich wimpy. Was ich hier mache, ist ein EQ, nicht zu viel, etwas Sättigungskonsolensättigung. Und dann gibt es diesen Kompressor, angeblich einen Gitarren-Pedalkompressor. Und skizziere das noch einmal mit eingeschaltetem Kompressor. Und nach zwei Kompressionen und etwas Sättigung geht es von zwei aus. Sie können sehen, dass enorme Kompressionsmengen im Gange sind. Das sind die Ambient-Sachen aus dem Intro. Es gibt wirklich nichts zu Interessantes. Leichte Verzerrung. Weißt du, nicht viel, aber die interessanten Teile kommen auf diesen Weg. Dieser Weg klingt ursprünglich so. Und nachdem ich langsam daran gearbeitet habe. Was ich also getan habe, ist, die Höhen und Tiefen zu filtern, jede Menge Verzerrungen zu filtern und hier mit dem Ton zu spielen, was ihn ein bisschen hell macht. Viel Energie als eine andere Form von Verzerrung. Diese beiden sind warme Röhren. Dies ist gerechtfertigt, aber ich sättige das überhaupt nicht. Mal sehen, was das macht. Bringt mehr Energie in die niedrigen Frequenzen. Und dies bemerkt, wie dies viel näher klingt, wenn die hohen Frequenzen und niedrigen Frequenzen gedämpft werden und der Mitteltöner verbessert wird. Es fühlt sich sehr, sehr nah an. Dann schicke ich es zu einer gewissen Verzögerung, einige mehr nur für dich, um es zu hören. Und der Trick ist sehr schnell LA Times, aber ziemlich viel Feedback. Und ich habe etwas Zeit in die Suche nach dem richtigen Stil investiert und etwas Weidner, das Studio D, ich liebe dieses Plug-In. Beachten Sie, was dies tut ist eine Menge Pegel hinzuzufügen, aber auch die Stereo-Breite zu erhöhen. Dies ist das einzige, was wir im ersten haben, im Chor haben wir diesen Block. Was so angekommen ist. Toll klingendes Pad. Ich wollte nur ein bisschen schrittweise. Also ein weiterer Katheter, der das **** verzerrt. Fügen Sie viel Körnung hinzu, als die niedrigen Frequenzen und eine Beule am Jungfernhäutchen abzuschwächen . Dann gibt es die Suche und kommt vom Klavier. Und ich sehe, dass es nur auf einen ganz bestimmten Frequenzbereich reagiert . Nun, hören Sie sich an, wie die beiden in einem Moment interagieren. Ein weiterer automatisierter EQ automatisierte dies, um diesem mehr Leben und eine Skizzenkassette zu verleihen . Dies beeinträchtigt nur die Qualität, die es braucht , von sehr Hi-Fi zu sehr niedrigem Phi. Und jetzt schauen wir uns an, wie diese Kompression vom Klavier hilft. Dieser Mix gibt ihm einfach mehr Platz. Das Klavier hat nur einen EQ. Mal sehen, was das macht. Es ist nur ein bisschen flauschig ohne es und hat nur ein bisschen mehr Frequenzen damit. Das Mellotron hat auch nur einen einfachen EQ der die hohen Frequenzen filtert, weil wir sie dem Gesang und dem Schlagzeug überlassen und auch von der Bassdrum aus suchen wollen . Und jetzt hören wir uns an, wie alle Elemente der Wiedergabe im Kurs interagieren. Und bevor wir zum Lead-Vocals gehen, sprechen wir über den Solo-Sinn , der vor dem zweiten Vers in die Brücke kommt. Also haben wir diese beiden Geräusche. Also der erste Synth, ich filtere nur die Tiefs und Höhen. Und es bringt es davon bis dahin. Behält diesen Oberton und Check, dann mache ich das, was ein bisschen widersprüchlich erscheint, aber es ist eine ganz andere Filterform. Es ist, als würde ich das machen. Mal sehen, wie uns die zweite Filterung hilft. Mir gefällt, was es macht. Dann chorussiert, gemischt. Jetzt mit 43% der Achtziger-Vibes lässt dieses Band-Plugin die Dinge besser klingen, wenn es so weit wie möglich geschoben wird. Und schließlich eine gewisse Abschwächung der hohen Frequenzen. Dies durchläuft hingegen etwas mehr Verarbeitung. Es gibt diese seltsame EQ-Form , die ich gemacht habe, nachdem ich sie verzerrt habe. Es gibt also wieder eine Instanz von Müll ohne es klingt so. Es gibt ihm also ein paar Eier. Und wenn Sie es dann vor EQ machen und ich ihm sage, auf welche Häufigkeit ich eingehen möchte. Dies ist eine, wenn Sie vor dem EQ verzerren und postakut völlig andere Rollen erfüllen . Also dieser Vorakut sagte die Verzerrung, das ist es, was ich möchte, dass du sättigst. Und das postakute hat mir irgendwie geholfen, es mehr zu gestalten. Mit anderen Worten, Pre Cue ist Verhalten. Und postakut hilft dir, den Ton des Charakters zu formen , den du geschaffen hast. Ich wollte nur mehr Gewicht in den niedrigen Frequenzen als diese Transekte, was bei der Akzentuierung von Transienten hilft. Gehen wir zum Lead-Vocals und dann sprechen wir auch über die Verarbeitung des Backing-Vocals. Wie ich in der Arrangement-Phase erwähnt habe, ist der Leadstimme auf vier verschiedene Kanäle verteilt , die unterschiedlich verarbeitet werden. Sprechen wir zuerst über die saubere 1, die Quelle ist nicht allzu gut, um ehrlich zu sein, wurde aufgrund verschiedener Umstände und allein schlecht aufgezeichnet . Es klingt wie diese heilige Unendlichkeit überall um uns herum wie der Himmel. 24-sieben der Fragen. Es gibt viele niedrige Mitten. Es war wirklich schwer mit diesem Gesang umzugehen. Sie hat eine sehr hohe Stimme, also habe ich viele der tiefen Frequenzen gefiltert und dann angefangen, mich anzuziehen und zu lokalisieren. Wo sind diese Frequenzen , die Husten, Nasale, niedrige nasale Frequenzen sind . Das sind also die Frequenzen, die ich abgeschwächt habe , die Unendlichkeit um uns herum zu halten, wie der Himmel , 24-sieben der Fragen, 0,05 Prozent. Und dann ein Multiband-Kompressor, der etwas anpassungsfähiger ist und auf die Loman- und Bassfrequenzen reagiert . Hören wir uns diese heilige Unendlichkeit an. Du wirst um uns herum wie der 21. Himmel, Unendlichkeit um uns herum hält wie der Himmel, 24-sieben der Frage, wirklich sanft, etwas mehr Dämpfung. Und dann schiebe ich die hohen Frequenzen aber ich habe keine Dynamik. Wann immer sie also ein S- oder Sure-Sound hat, dämpft es ihn überall um uns herum völlig unendlich wie der Himmel. 24-sieben der Fragen, 0,05 Prozent antworten Wholly Moly heilige Molly und mein Soda. Dann gibt es diesen Altarjungen, der ebenfalls automatisiert ist und rein und raus kommt. Und wir hören uns das an, wenn es ankommt. Mehr AQ filtert diese fiesen niedrigen Frequenzen heraus diese fiesen niedrigen Frequenzen die überall um uns herum unendlich sind, wie Kevin, 24-sieben der Fragen, 0,05 Prozent Antworten. Es gibt diesen dynamischen EQ, der wieder ein bisschen lebendiger ist und nur dann auf Dinge reagiert , wenn sie erscheinen und nicht ständig. Lasst uns also keine Verarbeitung AB. Und bis zu diesem Zeitpunkt ist nur die Unendlichkeit um uns herum wie Himmel, 247, Keine Fragen. 0,05 Prozent Antworten, heilig, heilige Unendlichkeit, überall um uns herum wie der Himmel. 24-sieben der Fragen, 0,05 Prozent Antwort halten, um ehrlich zu sein, wenn sie besser aufgezeichnet worden wäre, hätte ich nicht all diese Verarbeitung durchführen müssen, aber lasst uns weitermachen und sehen, wie ich weiter angegangen bin das. Dann gibt es diesen LA nach LA, der wieder ein Kompressor ist, aber es hat einen wirklich coolen Ton. Heilige Unendlichkeit überall um uns herum wie der Himmel. 24-sieben der Fragen, 0,05 Prozent Antworten, kaum etwas zu tun, erreicht nicht einmal eine dB-Dämpfung, dann gibt es diese Verzerrung, die wenn man es anschaut, sieht es ziemlich wild, aber eigentlich ist der Mix-Knopf ganz unten und er ist automatisiert, wann immer ich einen Satz vorantreiben wollte , ich habe dies automatisiert und den Gesang und andere EQ verzerrt. Dies ist ebenfalls automatisiert. Dies geht während des Liedes auf und ab und gibt ihr viel Charakter und den Ester, weil ihre S überall um uns herum harte, heilige Unendlichkeit sind wie Kevin, 24-sieben der Fragen, 0,05% Antwort ist heiliger Moly in bestimmten Punkten kurz vor dem Zuhören, aber das ist es nicht. Dann gibt es diesen ganzen Bus, in dem all diese Gesang weitergeleitet werden und ihn nur ein bisschen innerhalb von 1176 komprimieren, dann gibt es insgesamt noch einen EQ, hauptsächlich die S anspricht und diese Frequenzen, die ich frage mich wie sie klingen. Ja, unangenehm. Und schließlich beruhigt, was ein großartiger EQ ist, Resonanzfrequenzen anspricht, die kommen und gehen, heilige Unendlichkeit, die Sie um uns herum werden, wie Kevin , 24-sieben von Fragen, 0,05 Prozent Antwort hält. Es hilft wirklich, sie zu behalten und mit dem Backing-Vocals zu überprüfen. Es ist sehr, sehr einfach, da beide Telefonfilter nur eine einfache Filterung sind. Ich wollte einfach nicht, dass sie den Mix in irgendeiner Weise überwältigen. Und verschiedene Gesang erhielten eine andere Art von Pflege. Sie haben jeweils eine andere Art von Klangtextur und das hilft dem Hörer, sich zu konzentrieren. Die Tatsache, dass sie sich vom Lead-Vocal unterscheiden , macht es einfach einfacher zu folgen. Es gibt also sehr, sehr verzerrte Art von Werbelibs. Und dann gibt es noch sauberere Ad-Libs. Und dann gibt es den Schrei. Das ist nur wir, die viermal dasselbe schreien. Ich habe die Pandemie einfach links und rechts verdoppelt und zu verarbeiten auf einen Bus ohne zu verarbeiten auf einen Bus gebracht, es klingt so. Dann habe ich etwas EQ gesetzt, etwas Verzerrung, sehr, sehr mildes Molekül. Und dann klang es so. Einfach Haltung und schickte es zu Hall, Kammerhall und Verzögerung. Und das hat es so klingen lassen. Ziemlich einfach. Alle diese Elemente in meiner Vorlage werden zu Stielen geführt. Nehmen wir an, es gibt 1012 Drum-Tracks. Ich folge ihnen langsam zu einem Drumbus, der den Vorbau speist. Und das Gleiche gilt für jedes Instrument. Es gibt also den Drum-Stamm, der auf Harmony-Stempel-Saiten, Backing-Gesang, Gesang und Gesangseffekten basiert. Nicht jeder wird verarbeitet. Hören wir uns einfach die Trommeln an und sehen, wie die Stammverarbeitung, die ein bisschen Sättigung ist, nur ein wenig Filterung der Unterfrequenzen. Und die Filterung der hohen Frequenzen wirkt sich auf den Trommellenstamm vorher schwach und ungemischt anfühlt. Und Sie können sehen, dass Sättigung ein wirklich, wirklich starkes Werkzeug ist . Ich benutze es mehr für das, was es in der Dynamik tut , als tatsächlich hörbare Sättigung zu erhalten. Aber mehr als alles andere ist das Coole, was ich hier zeigen möchte was diese sanfte Filterung für den gesamten Track macht. Es geht nicht über 1,5 dB. Es ist sanft, aber es macht tatsächlich ziemlich viel. Diese Dämpfung packt wirklich alles zusammen. Und etwas Erstaunliches, das ich durch das Mischen dieses Songs gelernt habe , ist, welche Auswirkungen die niedrigen Mitten auf das Gebiet der Nähe eines Instruments für den Hörer haben der Nähe eines Instruments für den Hörer Dadurch fühlt sich das ganze Kit näher als der Basisstamm hat ein bisschen Sättigung. Und ich filtere alle Sub-Frequenzen und lasse sie für die Bassdrum. Dies fügt etwas Charakter und Einstellung hinzu. Gleiches gilt für die Gitarrenstiele und beim Gesang gibt es ein bisschen EQ, ein kleines bisschen bei 18 k, ein kleines bisschen bei 2,5. Und ich benutze die Pre to Circuitry. Dies führt zu einer Vorverstärkersättigung und dann einige weitere Anpassungen. Nehmen wir an, sei diese Finity um uns herum wie Kevin 24-sieben der Fragen. Finity um uns herum wie Kevin 24-sieben Fragen. Nur ein bisschen heller und aufregender. Und dann ist etwas ziemlich Cooles, das ich gerne mache der parallele Hall zum ganzen Mix und der parallelen Kompression normalerweise, aber in diesem Fall verzerre ich tatsächlich den ganzen Mix parallel. Hören wir uns den Hall unten um uns herum an, als würde Kevin für sieben Fragen gewinnen. Vielleicht wirst du um uns herum wie Kevin für sieben Fragen gewinnt. Heiliger Moly. Mir gefällt, was das macht. Es ist ziemlich subtil. Manchmal funktioniert es, manchmal nicht, ich benutze das nicht immer und dann gibt es so schön gesättigt. Und lasst uns mit und ohne das Gelb um uns herum hören , wie Kevin für 7.05 gewinnt. Überall um uns herum wie Kevin. Kevin, keine Fragen. Mir gefällt wirklich, was das mit der Snare macht. Es fügt dem gesamten Mix irgendwie viel Gewicht hinzu. Dies fasst schließlich diesen gemischten Bus zusammen, der tatsächlich bereits meistert. Und das ist so ziemlich genau das. 41. Was du gibst – (Mach dich mit dem Song vertraut): Langsam. Du wirst dich zu oft wiederfinden. Sie geben es nicht auf. Die linke Seite, weil es ihnen egal ist. Was sie wissen, ist ziemlich schlimm. Solange wir noch sind, werden sie niemals Schreiben an den Wänden finden. Kümmere dich einfach was du gibst. Verlangsamt dein Herz. Du wirst dich zu oft wiederfinden. Am schnellsten, bring es nicht zurück. Sie werden feststellen, dass es nichts gibt , was Gewalt oder diesen Ort ist. Es macht nur etwas falsch, nicht nur Christen. Ich bin einfach so verwirrt. Es ist dir einfach wichtig, was du hörst. 42. Was du gibst – Übersicht über die Mixen: Jetzt, da wir mit dem Arrangement vertraut sind, können wir in den Mix eintauchen, ich werde noch einmal erwähnen , dass mein Ziel darin besteht , Sie Tools und Techniken auszusetzen. Möglicherweise sehen Sie also Plugins, mit denen Sie nicht vertraut sind. Die Namen der Plug-Ins werden im Segment erwähnt und Sie können sie nachschlagen, wenn einer von ihnen Ihre Aufmerksamkeit erregt. Wie ich bereits erwähnt habe, ist dies der Kick des Songs, aber im Intro habe ich einen anders klingenden Kick , der zu einem ziemlich langen Hall geschickt wird. Und ich habe die niedrigen Frequenzen herausgefiltert , weil ich nicht wollte, dass es das Intro überwältigt. Und es klingt so. Die Verarbeitung, die ich hier gemacht habe, ist eine leichte Sättigung mit dem Omega-Transformator und ich habe die niedrigen Frequenzen gefiltert. Dieser Kanal durchläuft keine Verarbeitung von selbst, sondern wird an einen Bus weitergeleitet. Es gibt eine Side-Chain-Kompression von der Snare, und ich dämpfe die Subfrequenzen leicht. Hören wir an, wie das ohne diesen EQ klingt. Es fühlt sich einfach ein bisschen ausgeglichener an. Diese Unterfrequenzen überwältigen nur Ihren Masterbus und erfordern schließlich eine größere Begrenzung, wenn Sie meistern. Also habe ich mich gerade dafür entschieden, dies in der Mischphase zu tun. Der Grund, warum die Side-Chain-Kompression von der Snare kommt , liegt darin, dass der Basisbegriff vier auf dem Boden spielt. Wenn die Snare trifft, ist es einfach nicht so notwendig, all dieses Gewicht zusammen zu haben. Hören wir uns die Snares mit dem Kick an. Jetzt bemerken Sie vielleicht keinen großen Unterschied, wenn Sie sich das ansehen. Wenn wir jedoch zu unserem Masterbus springen und den Limiter entfernen, achten Sie darauf, wo die Spitzenwerte erreicht werden, wenn diese und die Komprimierung umgangen werden. Wir haben also minus 16,6 und jetzt, da wir die Side-Chain-Kompression haben, haben wir etwa eineinhalb dB an Lautstärke gewonnen. Und es gibt kein Gefühl von Kompression weil die Snare im Mittelpunkt steht. Dies wird dazu führen weniger Kompression vom Limiter in der Mastering-Phase kommt und einfach angenehmer wird. Ich denke darüber nach, beim Mischen zu meistern, besonders in elektronischen Produktionen. Reden wir über die Snares. Wir haben zwei Proben. Das erste klingt so und der zweite klingt so. Sie können feststellen, dass der erste unsere Hauptsnare und elektronisch ist. Und die zweite bringt irgendwie das Rasseln der Snares auf einer akustischen Trommel ein. Und ich zeige dir, wie ich dorthin gekommen bin. Das Originalbeispiel snare klingt so. Ich habe es mit dem Omega-Transformator-Modell n gesättigt, das einen Knave-Transformator emuliert. Dies gibt ihm viel Gewicht und unnötiges Gewicht. Also habe ich diesen EQ verwendet, der die Grundfrequenz der Snare ausbalanciert hat, und das führte anscheinend zu vielen hohen Frequenzen. Also habe ich die hohen Frequenzen ein wenig gefiltert. Hören wir uns an , was das macht. sich das anhören und solo hören, denken Sie vielleicht bei sich selbst, er hat die Schlinge ruiniert. Nun, in gewisser Weise hast du Recht, aber du liegst sehr, sehr falsch, weil niemand auf deinen Mix und Solo hört. Ich habe die Bassdrum spielen und die Rolle, die snare im Kontext des gesamten Songs spielt , erfordert nicht all diese niedrigen Frequenzen. Nach diesem EQ habe ich ein anderes Modell eingefügt und gesättigt oder welche Art von Fokus die Energie von höheren Mitteln auf etwas weniger höhere Minuten konzentriert die Energie von höheren Mitteln auf und sie noch mehr komprimiert. Mit dem zweiten Szenario mache ich etwas gewalttätiger, unverarbeitet, es klingt so. Und verarbeitet. Es klingt so. Ich erkläre in einer Minute warum, aber vorher erkläre ich, wie ich als erstes die hohen Frequenzen und diese schlechte Stimmung abschwächte. Dann habe ich es wieder leicht mit dem Omega n verzerrt . Ich gehe davon aus, dass ich das Plugin zu dem Zeitpunkt gekauft habe, als ich den Song gemischt habe. Also habe ich gerade so viel wie möglich damit experimentiert. Wie ich in der letzten Instanz des FirstName erwähnt habe, fokussiert er die Energie im Frequenzspektrum etwas niedriger. Als nächstes haben wir die erstaunlichen 1176. Ich benutze alle Tasten, den N-Modus , der extreme Komprimierung ist, und drücke den Eingang extrem. Es gibt also viel Schnappen, aber mehr als alles andere hält es das snare Rasseln länger und schafft so lange das K, das ich dann mit einem vorübergehenden Designer ausbalanciert habe. Was ich hier getan habe, ist das Anhaltende zu senken, weil es einfach zu lang war und mir nicht rhythmisch gedient hat. Hören wir uns die beiden Kanäle zusammen an und umgehen und umgehen die beiden dynamischen Prozesse. Man hört einfach diese etwas natürlichen hohen Frequenzen kommen. Und das Letzte, was zu beachten ist, ist, dass die erste Snare an Plate Reverb geschickt wird , der nicht zu kurz und dann gefiltert ist oder die NICU, ich schneide 130 nach unten ab, die marschierende Snare. Und der C-Teil ist etwas, das ich mit Midea programmiert und unverarbeitet habe. Es klingt so. Mit der Verarbeitung. Sie erinnern sich vielleicht, dass der Beginn des Seehafens sehr offen ist und es nicht viele Elemente gibt. Dieser lange Hall ist also irgendwie in Ordnung, aber wenn die Macht dichter wäre, hätte ich ihn in dieser Menge nicht zu einem so langen Hall geschickt . Das erste, was ich mache, ist, alle Frequenzen abzuschneiden und einige niedrige Mitten abzuschwächen. Dann sortiere ich es mit Müll. Müll ist eine ziemlich coole Verzerrungseinheit durch Isotop. Es gibt das Müllmodul , das Sättigung ist. Dann filtere ich es. Ich füge ein bisschen hohe Frequenzen hinzu und verwende einen Faltungshall. Es ist, als wäre das Geräusch in einem Helm aufgenommen worden. Und dann füge ich etwas Verzögerung hinzu. Hören wir uns an, was Müll macht. Es fügt also viel Aufregung hinzu und die Verzerrung komprimiert es irgendwie und die Geisternoten oder einfach nur deutlicher in der Mischung. Dann fange ich es wieder mit dem Kommutator an. Ich verwende den Pentose-Stil und verzerre ihn extrem, wähle aber den Mix-Regler nach unten. Dies bringt den Raumton von der Aufnahme hervor, dass ich einige Stufen Sättigung durchlaufen musste . Und im Allgemeinen verschlechtere ich nur ihre Audioqualität und erkläre in einer Sekunde warum. Ursprünglich klingen sie so. Das erste Plugin, das ich hinzufüge, ist gesättigt oder von einem Brainy, es leicht sättigt. Es macht es nur ein bisschen dunkler. Als nächstes benutze ich weiche Tuben, Klebeband und ich werde ziemlich viel sein. Es schneidet die Trends auch etwas mehr ab und bringt den Verfall langsam näher an die Schweine. Schließlich filtere ich alle hohen Frequenzen ab. Und wir werden verstehen, warum ich das nur in Kontexten gemacht habe. Hören wir uns das also an. Diese durchdringenden hohen Frequenzen dienen also nicht wirklich dem ganzen Vintage-Gefühl, das ich wollte. Sie wählen einfach zu viel aus. Und mit dieser Verarbeitung können sie besser in der Mischung sitzen. Ich versuche, keine Sachen zu soloieren, weil es dich wirklich von dem abziehen kann , was du tun musst. Und manchmal verschlechtert man beim Mischen etwas bis zu einem gewissen Grad, damit es Platz für andere Dinge lässt. Was den Absturz angeht, filtere ich nur ein paar Resonanzfrequenzen und dann verschieben sich die Rückwärtssnare und die Tonhöhe um ein Fünftel und verwende dieses Plugin, um so etwas wie einen Hall zu erstellen. Beachten Sie, wie der Ton ohne diesen Login und diese Breite ist. Ich weiß nicht wirklich wie und warum das das macht, aber es ist so. Sprechen wir jetzt über die Bassgitarre, die eine sehr interessante Verarbeitung durchläuft. Als wir an dieser Strecke arbeiteten, mieteten wir ein Studio, das eine schreckliche Basis hatte. Und ich musste es tatsächlich in der Mischphase automatisch abstimmen , weil es einfach nicht lange im Einklang bleiben würde . Und nach der automatischen Abstimmung habe ich zwei Base- und Emulationen eingefügt. Mal sehen, was jeder tut. Dies ist nur das erste. Und hier ist mit dem zweiten. Es gab ihm also mehr Einstellung und Konzentration, den Midrange-Angriff der Auswahl, wo ich ihn wollte. Und dann habe ich diesen Basiskanal in diese Hilfssendungen weitergeleitet . Der erste, den Sie vielleicht bemerkt haben, nenne ich es Basis niedrig und filtere alle hohen Frequenzen bis 150 Hertz. Der Grund, warum ich das mache, ist, dass meine Bassfrequenzen zentriert und kontrolliert und sauber und fokussiert sind. Und ich wusste, dass ich die hohen Frequenzen verzerren und an den Seiten haben wollte . Nach diesem Filter habe ich Multiband-Kompressor eingesetzt , der bestimmte Notizen mehr reagiert als andere und meine Basis behält und überprüft, hören wir uns das an. Sie haben vielleicht bemerkt , dass die Basisfrequenzen ohne sie einfach zu dynamisch waren. Und wie ich bereits erwähnt habe, wollte ich sie sehr fokussiert haben. Und schließlich habe ich gerade diese Frequenz abgeschwächt , die mich momentan verwanzt hat. Dann muss ich hohe Kanäle haben. Der erste ist für die Kurse und die anderen vier gegenüber dem Grund ist, dass ich zu Beginn des Songs einen Bass-Sound erstellt habe , der wunderbar funktioniert hat. Und dann ist es im Vers einfach überwältigt und erregt zu viel Aufmerksamkeit? Und es machte es schwer, dem Sänger zuzuhören. Fangen wir also mit dem in den Kursen an. Das erste, was ich getan habe, ist, die niedrigen Frequenzen zu filtern und diesen Bereich zu filtern, der die Wahl ist. Anscheinend hat es mir nicht zu sehr gefallen, aber man sieht, dass es sich um einen dynamischen EQ handelt und auf die Quelle reagiert wenn etwas einfach über Bord geht. Der Grund, warum dieser Filter nicht bei 150 Hertz liegt, ist anscheinend das nächste Plugin, das eine Emulation der Rattenverzerrung ist. Ich gehe davon aus, dass ich mit dem Filter herumgespielt habe, um zu formen, worauf die Verzerrung tatsächlich reagiert, was dass ich mit dem Filter herumgespielt habe , um zu formen, worauf die Verzerrung mit diesem Sound resultierte. Dann habe ich Nähte eingefügt, was ein großartiges Plug-In ist, das hilft, Resonanzen zu verwalten , die unangenehm, aber nicht statisch sind. Ohne ist es einfach außer Kontrolle geraten. Es ist ein bisschen zu wild. Und nachdem ich einen weiteren EQ eingefügt habe, wird der Filter diesmal um die gleiche Frequenz gelegt , in der ich die hohen Frequenzen und den niedrigen Kanal filtere die hohen Frequenzen und den niedrigen Kanal und den Bassklang weiter forme. Also denken Sie vielleicht wieder bei sich selbst, warum ruiniert er die Quelle? Der Grund ist, dass ich den niedrigen Kanal habe , der alle niedrigen Frequenzen enthält, die ich will. Ich brauche keine weiteren niedrigen Frequenzen im Kanal. Ich wollte nur hohe Frequenzen. Und das Letzte, was ich mache, ist, diese Mono-Quell-Stereo mit Microsoft zu erstellen . Und mit dem besten Kanal. Diese Abteilung der Bassgitarre ist ein wirklich cooler Trick. Und lasst uns durchgehen , was ich im Vs mache . Nur ein bisschen milder in diesem Kanal, die einzige Variante ist, dass es etwas mehr Verzerrungen gibt als der erste, aber es gibt viel mehr Filterung. Lassen Sie uns also hohe Frequenzen, die hart sind und den Platz vom Leadsänger einnehmen, dann dem BQ, einem weiteren EQ, der mehr der niedrigen Frequenzen filtert. Und Microsoft, das Letzte was an den Bassgitarren zu beachten ist , dass es an den bx 28th Spring Reverb gesendet wird , der automatisiert ist und nur am Ende des Songs erscheint. Wenn das Lied endet, endet es damit, dass die Bassgitarre ausfällt. Beachten Sie, was in diesem Fader passiert. Der Frühlingshall erzeugt sofort dieses Vintage-Gefühl und es ist diese Produktion wunderschön sortiert. Der Basssynth hat außer diesem Filter und einer leichten Dämpfung in 187 Hertz nichts los . Es besteht keine Notwendigkeit, irgendetwas Extremes zu tun. Segne dich nicht, mach es besser. abgesehen, tu alles, was du brauchst, um dorthin zu gelangen , wo du hin willst. Nun, die Gitarren, die eine sehr, sehr extreme Verarbeitung durchlaufen , wurden diese Gitarren direkt in das Audio-Interface aufgenommen und ohne solchen Verarbeitungssound. Ich weiß es. Das erste, was ich hier hinzugefügt habe, ist Gitarren-Rig, das das erste Modul hat, den orangefarbenen AMP- und Marshallschrank, das diesen Sound erzeugt hat. Dann eine Voreinstellung von Müll , der sehr, sehr gewalttätig ist, durchläuft einen weiteren Faltungshall und etwas Kompression und Verzögerung. Warum dann nicht eine weitere Verzerrung. Randnotiz, das ist Clipping, was eine andere Form der Verzerrung ist. Es gibt praktisch Verzerrungsgrade in dieser Verarbeitungskette. Und schließlich Frühlingshall, denn wieder suchen wir ein Vintage-Gefühl und es passt wunderbar dazu. Jetzt reden wir als Nächstes. Ich habe diese beiden Gitarren zu einem Bus geroutet, und ich habe es getan. Ich habe einige hohe Mitte hinzugefügt und alle Subfrequenzen gefiltert , denn wenn Sie etwas extrem gesättigt haben, führt dies manchmal dazu. Dies sind Frequenzen, die nur Platz von meinem Gesamtpegel nehmen und nicht notwendig oder hörbar sind. Also habe ich sie nach diesem EQ, den ich für die tonale Gestaltung verwendet habe, rausgeschmissen diesem EQ, den ich für die tonale Gestaltung verwendet habe, Ich verwende diesen EQ , den ich automatisiert habe, um diesen Effekt zu erzeugen. Und das Letzte , was ich tue, ist, den Stummschaltknopf zu automatisieren, um den Hall nicht zu zerfallen und diesen Vakuumeffekt zu haben. Die Automatisierung ist ein sehr wichtiger Bestandteil einer guten Mischung. Es gibt Mixe Leben, es erzeugt dynamischere Mixe und es ist etwas, das man etwas Zeit investieren und zur Gitarre übergehen sollte , was tatsächlich wie eine Gitarre klingt. Es ist schön aber etwas zweidimensional. Also habe ich diese Instanz einer 610-Emulation eingefügt. 610 ist eine legendäre Konsole, die von Bill Putnam, dem Gründer von Universal Audio, gebaut wurde . Diese Konsole hat Röhrenschaltung und obwohl ich nicht mit der analogen Konsole gearbeitet habe, liebe ich die Emulation. Sie waren egal wie nahe oder weit es von der ursprünglichen Sache entfernt ist. Was ich hier mache, ist ein ziemlich cooler Trick, bei dem ich viel Level in die Konsole schiebe und dann den Ausgang senke, damit ich die gesamte Schaltung fahre oder übertreibe und einige Verzerrungen erzeugt. Ich mag es wirklich, hören wir uns das an. Ich denke, sie haben wirklich gute Arbeit geleistet Röhrenverzerrungen zu emulieren. Es fühlt sich etwas dreidimensionaler an und bringt den Tonhöhenklang etwas weiter. Und dann komprimiere ich die Gitarre leicht mit dieser 1176 Emulation, zwei zu eins Verhältnis. Dies verbessert den Tonhöhenklang noch mehr. Aber etwas Interessantes, auf das ich hinweisen möchte , ist, dass ich die Veröffentlichung auf eine Einstellung gewählt habe , die gerade genug bleibt , damit sich der Sound nicht erstickt anfühlt, aber es dämpft diesen nervigen Tief, mittlere Frequenz, die einfach zu lange anhält. Versuche das zu merken. Es ist sehr subtil. haben Sie vielleicht bemerkt, dass Sie es vielleicht nicht bemerkt haben, aber mir gefällt wirklich, was das macht. Schließlich schicke ich es an einen Plattenhall , der es im Mix rückwärts schiebt. Wenn dies der einzige Truck in der Mischung wäre, würde ich lieber trocken sein, aber es spielt keine sehr wichtige Rolle. Also habe ich es nach hinten gedrückt, um vor den Mikrofonen Platz für alles zu lassen , was ich wollte . Weiter zum, da der Jumbo diesen EQ durchläuft , der im Wesentlichen Teil der gesamten Agenda ist , die Sie bereits im Schlagzeug getroffen haben, was die Dinge ein bisschen niedrig macht. Was ich davon ausgehe, dass hier passiert ist, ist, dass ich angefangen habe , die hohen Frequenzen mit dem hohen Regal zu rollen, und das führte dazu, dass ein paar Frequenzen herausgenommen wurden. Also musste ich diese etwas chirurgischer abschwächen. Wie ich angenommen habe, erniedrigt es es einfach und macht es ein bisschen mehr Fiction, aber auf kontrollierte Weise, die uns nicht die Ohren durchbohrt. Dann schicke ich es an einen digitalen Hall. Sie sind alle digital, aber dies ist eine Emulation des ersten digitalen Hall, eigentlich der EMT auf 50. Ich habe es ziemlich lange auf den Verfall gebracht. Dann schicke ich es an den Kurs und einen anderen Kurs, im Wesentlichen Makroverschiebungen, lasst uns es trocken hören und dann sehen, was die Auswirkungen haben. Großgeschworener, größer, breiter und mehr Vintage du der B3, ich benutze wieder das weiche Tube Tape, eine Halterung für die Basiseinstellung, aber dieses Mal habe ich es auf 15 IPS eingestellt, dann stehe ich in die Warteschlange es. Nicht viel. Jetzt, sehr dramatisch, nur mild formend dann diesen Ambient Lead Synth, verwende ich Sketch case2, das ein unglaubliches Plug-In ist, außer dass ich nur diesen Kassettenton hinzufüge, füge ich hinzu etwas Wow, was ist, das ist relativ langsame Schwankungen und Tonhöhe. Und dann filtere ich natürlich alle hohen Frequenzen. Wenn es also mit all diesen hohen Frequenzen unverarbeitet war , fühlt sich einfach dünn an. Und vier, und da die gesamte Hochfrequenz gefiltert wurde, sich der Klang im mittleren Bereich fühlte sich der Klang im mittleren Bereich etwas näher an. Dieser Ton wird an eine Pingpong-Verzögerung gesendet , die auf Achtelnoten eingestellt ist. Ich habe den Memory Men Style Santos gewählt und Cobol hat viele Stile zur Auswahl. Und ich suche. Ich habe versucht, sehr genau mit meinen Leuten Joyce zu sein, die Linie und der letzte Chor gehen ebenfalls durch Band und wird sowohl in den Höhen als auch in den Tiefen extrem gefiltert. Hören wir uns das unverarbeitet und verarbeitet an. Und so können Sie wieder sehen, dass der mittlere Bereich viel damit zu tun hat , wie nah oder weit Dinge anfühlen, bevor sich die Filterung anfühlt und wenn er gefiltert wird, sich immer stärker anfühlt. Es ist nicht unbedingt immer der Fall, aber in diesem Fall ist es definitiv die Linie im ersten Vers. Ich habe auch extrem Filter. Ich filtere auch diese Frequenzen, die anscheinend Resonanz und nervig waren. Und dann habe ich Müll eingelegt, dem ich den Klang vorsichtig mit Bandsättigung verzerre, dann die niedrigen Frequenzen filtert und leicht komprimiert habe. Hören wir uns diese Quelle an. Warum cooler? Ja, hohe Frequenzen werden überbewertet. Dann haben wir einen Kanal unverarbeitet. Ich schicke es nur an die beiden Kurse. Es ist nicht nötig, irgendetwas zu tun. Tu das nicht. Ich meine, ich mache hier eine extreme Verarbeitung, aber das liegt nicht daran, dass ich das verarbeiten möchte , weil ich das Gefühl hatte, dass die Quelle es brauchte, wenn ich nicht das Gefühl habe, dass ich nichts mache. Um zum nächsten Arpeggiator weiterzugehen, verwende ich die Sketch-Kassette wieder für ihren Brunnen und nur den Klang der Kassette, der die niedrigen Frequenzen filtert die hohen Frequenzen leicht dämpft oder gar nicht geringfügig, um es mit der Mikroverschiebung tatsächlich zu erweitern. Also nochmal, ich habe gerade die Quelle ruiniert um Platz für andere Dinge zu lassen, die passieren. Springe zum Backing-Vocals, wir über das veränderte Paar des Formanten. Das erste, was ich getan habe, ist, die niedrigen Frequenzen zu filtern und einige hohe Mitten in das Gerät zu stürzen, als nur die Formanten auf fast minus fünf zu wählen . Das hat dazu geführt. Dann drückte ein paar höhere Mitten und steckte Federhall ein. Dies bringt die Quelle in den Weltraum und sie ist wirklich flach, oder hat das eine gewisse Kompression mit dem 1176 gemacht? Sei immer noch dynamisch, aber kontrolliert als ich eingefügt habe und alle niedrigen Frequenzen ausgeschaltet habe. Was den verzerrten Gesang angeht, verwende ich Sand XAMPP , ein wunderschönes Stock-Plugin , das mit Pro Tools geliefert wird. Es hat die Premium-Sättigung im Gange. Und dann sind diese drei Niederfrequenzverzerrung, Mittelfrequenzverzerrung und Hochfrequenzverzerrung, dann ein Gesamtantrieb und dann ein niedriger und hoher EQ. Dies hat einen sehr spezifischen Ton und es ist wunderschön und es wird mit einer DSLR gefolgt , weil die Zoll - und S-Sounds einfach zu hart wurden. Und mal sehen, was das macht. Diese wurden an einen Plattenhall geschickt. Was ziemlich lang ist, und das ist es, nur Tonformung und Kontrolle. Dann lassen wir den Gesang schreien, mir nur wichtig, was du gibst, die mit sehr leichtem EQ verarbeitet werden, sie mehr als 2,4 dB Dämpfung. Dann haben wir Müll, der den Bejesus aus ihnen verzerrt, langsam die niedrigen Frequenzen filtert und die hohen Frequenzen drückt und etwas Verzögerung hinzufügt. Und schließlich ein paar S rein, um sicherzustellen , dass die Verzerrung uns nicht die Ohren abzieht. Schließlich wird es zu einer Tischtennis-Verspätung mit Viertelnotendrillingen und viel Feedback geschickt . Ohne jegliche Verarbeitung klingt es nach dieser Geste, was du mit der Klangformung gegeben hast. Es klingt so. Es gibt eine gewisse Verzögerung im Müllmodul, um Sie daran zu erinnern. Und mit einer Pingpong-Verzögerung hören wir uns an, wie das klingt und kontexte. Es ist nicht schrecklich offensichtlich und frontal. Es ist richtig eingerichtet. Reden wir über die Leadstimme. Es gibt ein großes Geheimnis in der Herangehensweise, die ich zu diesem Gesang kam . Wir hatten eine gute Leistung mit schrecklicher Aufzeichnung und ich musste entscheiden, ob ich mit dem Ansatz komme, es so Hi-Fi und groß wie möglich zu machen . Oder im Gegenteil, Ziel für ein geringes Gefühl. Und anstatt zu kompensieren, schmeicheln Sie einfach, was ich habe , und das ist der Ansatz, den ich wollte. Das erste , was ich getan habe, war auf den Näherungseffekt zu achten , der in der Aufnahme war. Überall gab es nur niedrige Mitten. Es war wirklich schwer damit umzugehen, um ehrlich zu sein, nachdem ich das ausgeglichen habe, habe ich eine andere Instanz von Ratten oder roh eingefügt. Hören wir uns an , was das macht. Verlangsamen Sie Ihren Herzschlag ist die Stadt der Toten. Du wirst dich zu oft alleine wiederfinden. Dies macht deutlich, dass die niedrigen Finanzmittel beabsichtigt und es eher eine stilistische Entscheidung als nur die Aufnahme zu ermöglichen, ist, als nur die Aufnahme zu ermöglichen, was die Leute nicht fühlen sollen wenn sie zuhören zu deinen Songs nach der Verzerrung dämpfe ich diese Frequenzen, die mich stören, und diese hohen Frequenzen, die einfach hart sind, nur geringfügig die mich stören, und diese hohen Frequenzen, ab. Und auch die niedrigen Frequenzen, die einfach nicht unbedingt dein Herz verlangsamen. Bead ist die Stadt der Toten. Du wirst dich zu oft alleine wiederfinden. Dies verhindert, dass die Verzerrung unsere Ohren durchbohrt. Und außerdem benutze ich beruhigt, um das überhaupt zu kontrollieren. Außerdem habe ich den Mix auf 81% gesenkt. Verlangsamen Sie Ihren Herzschlag ist die Stadt der Toten. Sie werden sich zu oft bekannt finden. Kontrolliertes Gleichgewicht. Es ist verzerrt, aber es ist nicht schrecklich. Und lasst uns das im Kontext anhören und sehen, wie es mit dem anderen Sound interagiert. Verlangsamt dein Herz. Du wirst dich zu oft wiederfinden. Sie geben kein ****. Weil es zur Szenerie passt, passt es zum Text, es passt zur Melodie und es funktioniert großartig. Jetzt möchte ich über Automatisierung sprechen. Hier sieht man, dass die harmonischen Instrumente ziemlich viel Automatisierung durchlaufen. Dies ist Volumenautomatisierung. Konkret, nachdem ich mit der Gestaltung des Klangs der Instrumente im Mix fertig bin , spiele ich den Song von Anfang an und balanciert. Und während das Lied spielt, versuche ich zu bemerken, was herausstößt und was sich einfach statisch anfühlt und mehr Bewegung braucht. Diese Volumenautomatisierung investiere ich ziemlich viel Zeit. Und wie Sie sehen können, werde ich hier sehr detailliert beschreiben, um sicherzustellen , dass der Gesang während des gesamten Liedes vorhanden ist . Und es gibt keine Essays oder Erbsen, die einfach auftauchen und meine Zuhörer nur nerven. Ich automatisiere auch den Effektsinn. Du siehst, dass ich hier diesen Reverb-Wurf habe. Hören wir uns diese Schrift an den Wänden an. Ich bin einfach so verwirrt. Ich versuche zu bemerken, wo entweder die Texte oder die Melodie mehr Spannung erfordern, und dann kann ich sie entweder an einen Fluss schicken, aber verzögern und ihnen mehr Leben geben. Meine ganze Mischung ist auf diese Stämme zusammengefasst. Es gibt die Sprünge nach unten basierend auf Gitarrenvorbau usw. Hier, wenn ich das Gefühl habe, dass es ein Bedürfnis gibt, beherrsche ich. Und in dieser Mischung habe ich nicht viel gemacht. Es gibt nur ein kleines E Q auf der Basis und etwas EQ auf dem Gesang, der ihn leicht formt. Und tatsächlich ist das Letzte, was passiert, bevor ich x durch meine Mastering-Kette geht meine Mastering-Kette geht diese beiden parallelen Kanäle, die parallele Verarbeitung für den gesamten Mix durchführen. Also habe ich eine Flussparallele, die ich in diesem Mix nicht verwende. Ich benutze manchmal, manchmal nicht. Es gibt diesen parallelen Kanal, der normalerweise für die parallele Komprimierung verwendet wird, aber in diesem Fall habe ich für parallele Verzerrungen verwendet. Es ist sehr, sehr subtil. Ich habe das Gefühl, dass es die Dinge etwas mehr an Ort und Stelle hält. Es fügt ein bisschen Energie hinzu. Und so habe ich gemischt, was du gibst. Ich hoffe, das war nicht so weit für dich. Kann diesen Song tatsächlich mit all seinen Dateien herunterladen und ihn selbst mit Songs aus anderen Genres mischen selbst mit Songs aus , auf denen Sie üben können. Lassen Sie es mich wissen, wenn Sie Fragen haben und wir sehen uns im Mastering Sediment. 43. SkillShaer Outro: Hey Leute, ich hoffe, dieser Kurs war aufschlussreich für dich. Es ist wirklich wichtig für mich zu bemerken, dass Wissen Sie nur so weit bringen kann. 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