Meistere Illustration: Grundlagen des Skizzierens, Kolorierens und der Farbe

1. Einführung: Ich denke, die Sache, die ich am meisten an der Kunst liebe, ist, dass es keine Regeln gibt. Sie können Ihre eigene Welt erschaffen, Ihre eigenen Geschichten. Sie können sein, was Sie wollen, durch das Medium, das Sie verwenden. Guten Tag, alle, ich bin Jazza, ich bin Künstler, Animator, Illustrator. der heutigen Klasse geht es darum, dich mit den Kernschritten zu befähigen, die ich gefunden und befolgt habe, die es mir ermöglicht haben, zu einem Ergebnis zu gelangen, das ich liebe. Wenn Sie eine abschließende Illustration sehen, dass jemand getan hat, die Sie bewundern, fühlt es sich an wie etwas, das Sie nie erreichen könnten, oder Sie können nicht sehen, wie sie dorthin kamen. Ich möchte zeigen, dass Sie unabhängig von Ihrem Stil diese Schritte auf Ihre eigene Art und Weise und in Ihrem eigenen Medium ausführen können , um die besten Ergebnisse für Sie zu erzielen. Nun, ich habe diese Klasse ein bisschen anders angegangen. Ich habe tatsächlich zwei endgültige Kunstwerke erstellt , die ich mit dir teilen werde, wie ich sie bekommen habe. Wir werden einige Dinge durchmachen, beginnend mit einer Diskussion über Stil, wir werden zu einer Ideenforschung übergehen, und wenn wir uns die Hände schmutzig machen, werden wir etwas skizzieren, wir werden einige Tinte arbeiten, sowohl grundlegende als auch fortgeschrittene, und dann werden wir in Farbe zu bewegen. Zu oft werden wir über die Angst vor dem nächsten Schritt oder die Einschüchterung des Ergebnisses, das wir erreichen wollen, aufgeholt , es hält uns an oder macht uns zu selbstkritisch. Obwohl jeder Künstler in einem anderen Stadium ist, wenn man den Spaß in diesem Prozess finden und das Gefühl einfangen kann , das Sie zu schaffen befähigt, dann gibt es keinen Halt. Wir beginnen mit ein bisschen zu Fuß, dann rennen, dann ein bisschen flattern, und dann fliegen Sie. Das klang wunderschön in meinem Kopf, ein bisschen blöd laut. Also denke ich, wir haben alles abgedeckt, was wir brauchen, als Einführung, ich denke, es ist Zeit, loszulegen. 2. Entdecke deinen Stil: Es gab nie einen Sinn in meinem Erwachsenenleben, als ich entschied, ich bin ein professioneller Illustrator. Es gab immer nur diese Abstufung aus der Zeit, in der ich sehr, sehr jung war, nur liebte Zeichnung und wurde, wer ich bin, anstatt etwas, das ich tun wollte. Als ich 2012 meinen YouTube-Kanal startete, konzentrierte er sich wirklich auf Kunst- und Animations-Tutorials. Im Laufe der Jahre hat sich YouTube als Plattform verändert und es ist viel mehr Entertainment-Fokus geworden, was für mich wirklich Spaß macht, auch zu tun. Aber ich habe auch viel gelernt, vor allem in den letzten Jahren, dass ich aufgeregt bin, zurück zu kommen und hart mit euch Jungs in diesem Kurs zu treffen , speziell um Illustration. Insbesondere Illustration ist eines der Dinge, die ich gefunden habe, eine der coolsten Möglichkeiten, Geschichten und Projekte zu entdecken, und Dinge, in die man eintauchen kann. Es ist der Ort, an dem Sie ohne Grenzen erkunden können. Es gibt keine falsche Antwort oder einen Fehler. Es ist wirklich nur ein grenzenloser Ort des Spaßes, aber bevor wir in ein bisschen praktische Sachen springen, möchte ich anfangen, indem ich über Stil spreche. Vernunft, dass es Menschen aller verschiedenen Fähigkeitsstufen und mit allen verschiedenen Medien und Stilen geben wird, die diese Klasse beobachten. Ich möchte wirklich nur von Anfang an sagen, dass es für alle ist. Der Prozess und die Schritte, die ich durchmache, gelten für Ihr Medium und für die Ergebnisse, die Sie erreichen möchten, unabhängig davon, auf welchem Niveau Sie sich befinden oder welchen Stil Sie haben. Nun, um das so effektiv wie möglich zu demonstrieren, werde ich zwei Kunstwerke durch alle Lektionen erschaffen. Nur um Ihnen zu zeigen, dass alle Dinge, die ich in den gleichen Schritten durchmache, in zwei verschiedenen Stilen angewendet werden können , um zwei dramatisch unterschiedliche Ergebnisse zu erzielen. Das erste Stück, das ich erstellen werde, wird viel mehr skurriler, einfacher, niedlich, lustig und leichtfertig sein. Die zweite, ich werde mich wirklich herausfordern. Meine Hoffnung ist, dass, wenn Ihr Stil anders ist, sogar von jenen beiden, die es sein wird, weil jeder einen anderen Stil hat, Sie sich immer noch ermächtigt fühlen und eine Menge der Dinge wegnehmen , die Sie auf Ihren Stil und auf Ihrem Fähigkeitsniveau anwenden können. Eine andere Sache, die ich nur anfassen wollte, wenn es um Stil geht, ist die Frage, die mir viel gestellt wird, : „Wie entwickeln Sie Ihren eigenen Stil? Wie hast du deinen Stil bekommen?“ Die Realität ist, dass wir oft andere Künstler als diese Komplettpakete sehen. Wir können ihren Stil und ihre Kunstwerke identifizieren, und wir sehen uns nicht als einen bestimmten Stil. Aber die Realität ist, dass wir alle einen einzigartigen Stil haben. Ich selbst habe nicht unbedingt das Gefühl, dass ich diesen einzigartigen Stil habe, aber ich wurde immer wieder von Leuten erzählt, die meine Illustrationen, Animationen, meine Videos ansehen, dass ich einen einzigartigen Stil habe, den sie mit mir identifizieren können. Es ist, als wäre das ganze Gras auf der anderen Seite grüner. Wir können klar sehen, was wir wollen, aber nicht notwendigerweise, was wir haben. Mach dir keine Sorgen darüber, wo du bist, denn wenn du ein Künstler bist, wirst du das für den Rest deines Lebens tun. Konzentrieren Sie sich stattdessen auf den Prozess und die Dinge, die Sie ergreifen können, um Sie zu stärken und Ihnen das Gefühl zu geben, dass Sie Vertrauen in jeden Schritt nehmen können , während Sie den nächsten Schritt zu tun. 3. Tools und Materialien: Sachen, die du brauchen wirst. Du wirst das nicht alles brauchen. Du wirst nicht das gleiche Zeug brauchen. Du hast vielleicht andere Sachen, du wirst wahrscheinlich andere Sachen haben. - Das ist in Ordnung. Sie werden in der Lage sein, durch die Schritte und den Prozess zu gehen und es auf sich selbst anzuwenden, egal ob Sie ein digitaler Künstler oder ein Maler sind, es spielt keine Rolle. Prozess wird der gleiche sein und zu einem Ergebnis kommen, auf das Sie stolz sind. Allerdings werde ich einige spezielle Materialien verwenden und sie sind ziemlich einfach zugänglich, und die meisten von Ihnen sollten in der Lage sein, etwas Ähnliches zu ihnen zu haben. In erster Linie ein Bleistift und Radiergummi. Nichts so schick, ein einfacher Radiergummi aus jedem stationären Laden oder Nachrichtenagentur. Ich habe einen Lieblings-Druckbleistift, aber Sie können Ihren Grundbleistift verwenden, den Sie schärfen. Es ist wirklich unkompliziert. Was Sie brauchen, um sicher zu stellen, ist, dass Sie die Fähigkeit haben, einen scharfen Bleistift zu halten, vor allem, wenn wir zu unserer raffinierten Skizze kommen. Eine stumpfe oder weiche Bleistiftspitze wird Ihre Skizzen weniger kontrolliert und ein wenig rauer und nebliger machen . Deshalb bevorzuge ich einen Druckbleistift, weil die Spitze ziemlich immer scharf ist. Wenn Sie das Gefühl haben, dass es an einem Ende etwas weicher oder stumpf wird, können Sie nicht einfach den Bleistift drehen und weitermachen. Aber wenn Sie einen hölzernen Bleistift mit einem Spitzer verwenden, ist das auch in Ordnung. Ich werde ein paar Tintenstifte benutzen. Nun, wenn ich Tintenstifte sage, sind das Fineliner. Sie sind sehr einfach, Sie können sie in einer ganzen Reihe von verschiedenen Marken bekommen. Ich verwende eine 0,2, eine 0,4 und eine 0,8. Grundsätzlich ist ein dünnes Medium und etwas kühner, aber selbst der kühne ist ziemlich dünn. All die Tinte Arbeit, die wir tun werden, wird hauptsächlich auf diesen ruhen. Dann für die erweiterte Tinte, wenn ich ein bisschen schick werde, mag ich diesen Stift wirklich. Das ist ein Tombow-Kalligraphie-Stift. Es ist wie ein Pinselstift, aber mit einer feinen und harten Spitze. Ich benutze das nicht eine riesige Menge, aber ich liebe es, wenn ich es benutzen kann, also werde ich das einfach einschließen. Dann verwende ich auch manchmal gerne etwas, den man Pinselstift nennt. Ich habe hier zwei Pinselstifte. Man nennt man eine kopische Gasenfude, ich denke, es ist, wie es ausgesprochen wird. Dies ist ein Pinselstift, der aus Borsten besteht. Die Spitze besteht aus allen einzelnen Fasern, die zu einem Punkt kommen und die Tinte durchfließen. Das fühlt sich ziemlich organisch an, als würdest du mit Pinsel und Tinte malen, was ziemlich cool ist, aber du musst es nicht tauchen. Aber dann, wenn Sie etwas etwas starrer und zuverlässiger mit einem Tombow Pinselstift wollen , ist dies doppelseitig und kann in verschiedenen Farben als auch kommen. Aber die Pinselspitze dieses Stiftes ist weich, behält aber auch seine Form und es ist ziemlich breit, so dass ich in großen Bereichen färben kann und eine Menge Linie, weiße Variation Kontrolle haben kann. Sie sind also die Dinge, die ich für die Grundlage meiner Illustration verwenden werde. Aber wenn es um Farbe geht, gibt es eine ganze Welt von Optionen für Sie da draußen. Am Ende des Tages kann ich nicht jedes Medium in dieser Klasse abdecken, also werde ich mein Bestes mit zwei Bleistiften und Alkohol-Markern geben. Ich weiß, dass ich mit meiner großen Sammlung von Kopien hier biege. Aber selbst mit einem Set von 12 oder 20 Alkohol-Markern, können Sie so ziemlich das gesamte Spektrum der Farben erhalten, um Ihr Stück herausragend zu machen. Dasselbe gilt für Bleistifte. Sie können alles, was wir durchmachen, mit dem Paket 12 Bleistifte anwenden. Das Tolle an beiden Medien ist, dass sie sich wirklich gut miteinander mischen, und Sie können neue und einzigartige Farben mischen und Kontrast durch Mischen und Schichtung schaffen. Aber am Ende des Tages, alles, was Sie wirklich brauchen, um an dieser Klasse teilzunehmen, und wirklich Bilder zu zeichnen, ist hoffentlich zumindest ein Bleistift und Radiergummi. Die Linie Zeug ist optional, und ich würde Sie ermutigen, ein paar Fineliner zu haben, und sicherlich etwas, auf das Sie sich ziehen können. Aber sobald Sie alles zusammen haben, schnappen Sie sich Ihre Begeisterung und Ihre Kreativität an und wir beginnen mit einigen coolen Illustrationen. 4. Brainstorming zu deinem Stück: Über die Bühne solltest du ziemlich bereit sein zu gehen. Sie kennen die Materialien, mit denen Sie für Ihre Illustration arbeiten werden. Sie werden begeistert sein, zu beginnen, also würde ich Sie ermutigen, Ihre Materialien zu greifen und sie vorübergehend wegzupacken, und schnappen Sie sich so etwas wie einen Laptop oder Ihr Smartphone oder einen Desktop oder kleine Enzyklopädien vom Dachboden, denn das erste, was Sie tun möchten, ist sich vorzubereiten. Ich weiß, was du denkst: „Jazza, ich habe mich schon vorbereitet. Ich habe meine Materialien. Können wir schon aufhören zu zeichnen? Ich dachte, das wäre die Illustrationsklasse.“ Es ist, aber Sie wären überrascht, wie wichtig es ist, Ihre Illustration wirklich zu durchdenken und zu planen, bevor Sie anfangen. Es ist extrem wichtig und hilft Ihnen, Probleme zu vermeiden , die später auftauchen könnten und auch Dinge entdecken , die wirklich verbessern und das Beste in Ihrer potenziellen Illustration hervorbringen können. Ich werde die Forschungs- und Explorationsphase in drei Ansätze aufteilen, die Sie annehmen könnten. Sie könnten einen oder mehrere von ihnen verwenden und sie miteinander mischen. Die erste ist die schnellste und einfachste, die viele von euch vielleicht mit einigen der einfachsten Illustrationen oder etwas, mit dem ihr wirklich nur anfangen wollt, und das ist einfach nur ein bisschen ein Brainstorming. Es ist wichtig, dies zu tun, weil Sie vielleicht feststellen, dass, wenn es etwas ist ein wenig mehr Erklärung hinter einigen Dingen hat oder vorher getan wurde, dies die Phase ist, in der Sie sich in einigen dieser Fallstricke fangen. Es ist auch die Phase, in der die Dinge, die die interessantesten Dinge über die Illustration oder den Charakter oder das gleiche sein könnten , identifiziert und verbessert oder in ein wenig mehr betrachtet werden können. Wie können Sie mehr aus diesen Dingen machen? Aus den beiden Illustrationen, die ich in meiner Klasse machen werde, wird die erste etwas einfacher sein. Ich brauche nicht wirklich viel zu recherchieren oder Stimmung Boarding für die beiden Kinder, die auf einigen Spielplätzen spielen. Ich werde nur ein paar Punkte, Spielplatz-Szene. Dies ist nur für mich selbst zu helfen, zu visualisieren, was ich gerade zeichnen werde , und wir können das mehr in der Brainstorming-Sitzung tun. Aber es kann einfach sein, dass sie, sagen wir, Alter 2-3 Jahre alte Kinder, bringt Sie darüber nachzudenken, Orte als auch. Ich habe die Möglichkeit, etwas wie einen Hinterhof oder einen öffentlichen Ort zu tun. Ich gehe in den Hinterhof, damit es sich etwas heimeliger anfühlt. Ich werde wirklich Primärfarben gehen. Das ist wirklich einfach. Dies ist die einfachste Sache, die Sie tun möchten, nur um sicherzustellen, dass Sie das Fundament abdecken, bevor Sie eintauchen. Wie ich schon sagte, gibt es drei Hauptwege, wie man sich dieser Forschungs- und Vorbereitungsphase nähern kann . Der erste ist der grobe Brainstorming, den wir gerade gemacht haben. Die zweite ist ein bisschen intensiver Forschung und Studie, was wir wirklich für diese Illustration nicht tun müssen. Aber die dritte, die ich für die meisten Illustrationen wirklich nützlich finde , in denen ich mich wirklich verirren werde, ist etwas zu tun, das als Moodboard bezeichnet wird. Hier können Sie beginnen, ein bisschen mehr von diesem visuellen Feedback-System zu integrieren , um einige Informationen oder Inspiration zu erhalten. Ich mag dies einfach tun, indem ich einfach zu Google Images komme und nach oben schaue, Kinder auf dem Spielplatz. Sie können dies in einigen Stockbild-Websites oder was auch immer tun. Das ergibt sich aus dem Ganzen, was die Leute früher getan haben, wie zum Beispiel Zeitschriften ausschneiden und sie auf Inspirationstafeln und so. Es ist im Grunde das. Nichts davon tut wirklich viel für mich. Aber wenn ich Kinder in Sandkasten schreibe. Das ist die Sache, die viel näher an das ist, woran ich denke. Zwei Kinder interagieren auf Augenhöhe. Was für eine helle farbige Dinge um sie herum, mit denen sie spielen. Ich mag das Protokoll hinter diesen beiden kleinen Mädchen, die hier spielen, also werde ich das einfach kopieren. Ich füge das buchstäblich nur als eine Idee in Photoshop ein. Ich kann auch Dinge wie nachschlagen niedlichen Cartoon-Kinder. Hier könnte ich Ideen für Stile bekommen, die zu dem passen, was ich will. Offensichtlich wird es eine Vielzahl von Möglichkeiten geben, niedliche Cartoon-Kinder zu zeichnen. Aber nur schauen, was andere Leute getan haben, können Sie Ideen für Proportionen oder Farbschemata geben , nur Attribute, die Sie denken, funktionieren wirklich gut, und ich mag diesen Anteil der Kinder, und ich denke, dass verheiratet den hellen Farben und diese Umgebung könnte wirklich cool sein. Selbst nach oben so etwas wie Sandkasten Spielzeug gibt eine visuelle Dinge, die ich einschließen kann, und eine Referenz, die ich gehen kann, wenn ich ein bisschen stecken, was ich das gleiche mit fühlen sollte. Das ist ziemlich einfaches Moodboard. Das würde ich als vollkommen angemessen bezeichnen. Es muss nicht ordentlich, ordentlich oder hübsch sein, und Sie müssen nicht jede Lücke in Ihrem Board füllen. Sie müssen es nur tun, bis Sie sich ermächtigt fühlen, loszulegen. Das ist unsere Spielplatzszene fertig. Aber was ist mit unserer Kampfszene? Nun, das wird einer sein, bei dem, ehrlich gesagt, ein paar Punktpunkte es wahrscheinlich nicht schneiden werden, besonders wenn es einen Kontext gibt, der etwas größer ist als die Illustration selbst. Sagen Sie zum Beispiel, die Kampfszene, die ich erstelle, ist für einen Kunden, einen Graphic Novel oder ein Buch hat, für das ich entweder ein Cover oder ein Werbestück mache. Nun, offensichtlich für diesen Kurs in meinem Illustrationsbeispiel, habe ich keine reiche Geschichte oder Charaktergesetz, die ich bereit habe zu verankern. Aber lassen Sie uns etwas tiefer improvisieren, als wir es mit unserer Spielplatzszene haben und sehen, wo wir es hinnehmen können. Offensichtlich wird die Illustration, die ich erstellen werde, ein Moment in der Zeit sein, zwei Menschen kämpfen in irgendeiner Weise, vor allem, weil ich es mag, Kampfszenen als meine Tasse Tee zu illustrieren, und auch eine Interaktion zwischen zwei Personen ist eine wirklich gute Möglichkeit, Ihre Dynamik in der Art und Weise zu üben , wie Charaktere miteinander interagieren. Mit meinen ersten Notizen über die Kampfszene habe ich nur ein wenig über die Welt geschleppt, zwei Kräfte haben seit Tausenden von Jahren Krieg geführt die edle Zivilisation von Delma'ar und die primitiven barbarischen Stämme Krogathars. Das ist ein neuer Kurs, den ich schreibe. Okay, ich bin kein Autor, aber das ist die Grundlage, mit der ich beginne, und unsere beiden Charaktere werden aus jeder dieser Gruppen stammen, einer der Delma'ar und der anderen der Krogathar. Bevor ich in das eintauche, recherchieren wir ein bisschen mehr. Erstens: Wurden diese Namen genommen? es sie in irgendeiner anderen Form? Der beste Weg, dies zu tun, ist einfach den Namen zu kopieren, fügen Sie ihn in Google ein. Was haben wir? Was ist Delma'ar? Delmar Privatkrankenhaus, Delmar als Ort. Es ist einfach anders geschrieben, und das könnte etwas problematisch sein. Das ist gut zu fangen, bevor wir viel Zeit widmen , um diesen Ort und diese Leute zu realisieren. Ich werde den Namen ändern, weil ich an dieser Stelle sogar daran gebunden bin. Sehen Sie, woher ich komme. Ich gehe mit Thunissia. Es gibt drei Ergebnisse, und nichts ist relevant. Fertig. Gehen wir mit Thunissia, und gehen wir zu einigen Punktpunkten, die ich für meine illustrierte Szene folgen kann. Ich werde meine Punktpunkte in zwei Gruppen aufteilen, eine für Charakter 1 und die andere für Charakter 2. Wir nennen das die Umwelt. Denn wirklich sollte die Umgebung als Charakter behandelt werden, und haben so viel Aufwand und Input oder Forschung daran getan wie alles andere in der Szene. Stellen wir uns vor, dass diese Szene eine illustrierte Darstellung eines Champions aus jeder dieser Gruppen ist , die in den Kampf kommen, damit die Menschen jeder Gruppe nicht in den Krieg ziehen müssen. Das ist eine Sache, nicht wahr? Ich glaube, es ist in einigen Fiktionen. Das ist der Champion von Thunissia. Er ist edel, trägt volle Plattenrüstung und kämpft mit einem großen Schwert. Der Name dieses Charakters kann Voth sein und er ist der Champion von Krogathar. Fangen wir an, dies ein bisschen zu formen. Er ist ein älterer Mann, aber auch der mächtigste Krieger, den die Stämme kennen, also schickten sie den alten Kerl. Er ist ein kämpferischer Krieger. An diesem Punkt habe ich das Gefühl, dass meine Entscheidungen beginnen sich ein wenig zu verjüngen und ich fühle mich, als wäre ich ziemlich nah an dem, was ich will. Also konnte ich nicht zum Mood Boarding übergehen, aber ich konnte auch denken: „Weißt du was? Es scheint nicht so originell zu sein.“ Wenn ich meine eigene Idee, meine eigene Illustration oder meine eigene Welt kreiere , mache ich persönlich gerne etwas anders oder zumindest auf eine Weise, an die ich nicht sofort denke. Denn am Ende des Tages, wenn Sie Dinge tun, die Sie zum ersten Mal denken, werden Sie nicht mit vielen neuen, originellen Ideen kommen, die mich zu einem kleinen Element bringt, das ich gerne in diese Phase einführen manchmal zufällige Ideengenerierung. Eine gute Möglichkeit, nicht nur den Druck abzuziehen, sondern auch einige wirklich coole Sachen einzuführen, ist es, eine Münze zu drehen oder die Würfel zu rollen, buchstäblich. Also Münze, Würfel, wünschte, ich hätte das funktioniert. Es ist wirklich einfach. Nehmen wir an, Sie stützen sich nicht auf ein bestimmtes Werk der Fiktion, und Sie versuchen nur, eine coole Geschichte oder Szene zu erstellen. Eine Möglichkeit, wie ich mich der Illustration so nähere, ist eine Münze zu drehen und zu sehen, ob Davin oder Voth der Protagonist ist ist, für den wir uns versichern. Köpfe, Davin ist ein guter Kerl, Schwänze Voth ist der gute Kerl. Köpfe, Davin ist der gute Kerl. Davin ist unser Held, Voth ist der Bösewicht. Hier ist ein interessanter. Wir könnten eine Perspektive haben, wer der Held ist. Wir wissen nicht, wer gewinnt. Das könnte auch interessant sein. Also Köpfe, Davin gewinnt, Schwänze Voth gewinnt. Tails, der böse Kerl ist an der Spitze, Davin zu besiegen. Alles bereit, Sie können sehen, wie super schnell nur das Umdrehen einer Münze die viszerale Realität der Illustration, die wir erstellen werden. Was wir machen, hat plötzlich ein wirklich klares Bild , nur durch ein bisschen Zufall. Es macht super Spaß. Wo Sie die Würfel einbeziehen könnten, ist, wenn es ein wenig mehr grau als schwarz und weiß ist, sagen wir die Umgebung, zum Beispiel. Würfelzeit. Sechs, oben auf einem Turm. Klingt gut. Ich werde es dort lassen. Ich denke, das gibt mir wirklich alles, was ich brauche, um ein Moodboard zu machen, denn es ist ziemlich klar in meinem Kopf. Jetzt muss ich nur einige Dinge sehen, die dieser Klarheit entsprechen. Ich möchte die Szene ein bisschen setzen. Bevor ich zu Charakteren komme, schauen wir uns ein paar barbarische Städte an. Ich mag die Idee, dass es viele Holzstrukturen, Scheunen, Seile gibt. Sorry, ich sehe nicht viel von dem, was ich mag, das ist der nächste bisher, aber ich könnte einfach meine Suche verfeinern und Holzturm hinzufügen. Das ist ziemlich cool. Plötzlich, nur wenn ich die Suche verfeinere, mag ich das als visuelle. Ich füge das in mein Stimmungsbrett ein. Wirklich so, das fängt sicherlich das Gefühl ein, nach dem ich suche. Das ist cool für den Turm. Was ist mit der Stadt? Ich bin auf der Suche nach etwas wirklich zusammengekoppelt und ziemlich rau und rustikal aussehend. Vielleicht, wenn ich versuche, ein barbarisches Schlachtfeld zu suchen, primitive Stadt. Es bewegt sich wirklich nur durch Suchbegriffe, bis Sie beginnen, die Idee zu sehen, wonach Sie tatsächlich suchen. Dies ist eigentlich das engste bisher, was gut ist, aber es ist nicht großartig genug. Aber unter verwandten Bildern, können Sie beginnen zu sehen, dass es ein wenig näher an die Sache, die ich betrachte. Ich denke, das reicht für die Umwelt. Schauen wir uns an, was wir über unsere Helden finden können. Nun, ich mag dieses Bild, es ist nicht so, wie ich Davin vorstelle, aber es ist die volle Notlage Ästhetik und wirklich edler Krieger mit einem großen Schwert. Ich werde das auf mein Stimmungsbrett setzen, nur für die Rüstung, die ich denke, ist eine wirklich coole Sache, um Inspiration zu gewinnen, nicht kopieren, sondern bezieht sich auf, wenn ich ein bisschen verloren in bestimmten Elementen, also würden wir gerne etwas Inspiration. Selbst das, um ehrlich zu sein, ist wirklich alles, was ich in einem Moodboard brauche. Ich habe wirklich das Gefühl, an diesem Punkt habe ich ein großartiges Fundament gelegt. Ich habe einige wirklich spannende visuelle Referenzen, von denen ich einige Ideen und Inspiration bekommen kann. Jetzt sind wir bereit, Stift auf Papier oder Bleistift auf Papier zu legen , weil wir skizzieren. Tinte kommt später. 5. Beginne mit deiner Skizze: Endlich legen wir unseren Bleistift auf Papier. Aber Sie werden feststellen, dass es offensichtlich ein bisschen einen schrittbasierten Buildup-Ansatz gibt, in dem ich diese Klasse festgelegt habe. Das ist einfach, weil das der Ansatz ist, den ich befolge und ich denke, dass es am vernünftigsten ist. Die Realität ist das Zeichnen etwas wirklich Cooles kommt mit viel Druck, und je mehr Sie wollen, dass es gut aussieht, desto mehr Druck Sie auf sich selbst ausüben, desto mehr Druck Sie auf sich selbst ausüben, und manchmal kann das eine Barriere sein, weshalb ich diese Prozess wirklich hilfreich. Diese grobe Skizze, die Brainstormskizze, werde ich in dieser Lektion behandeln, und das ist wirklich eine Möglichkeit, sich zu lockern und den Druck abzubauen. Ich werde nur meinen Bleistift, einen Farbstift und meinen Radiergummi verwenden, und das ist alles, was ich für meine Illustrationen und die Brainstorm-Skizzierphase verwenden werde. Wir beginnen mit ein bisschen Brainstormskizzen für Alcuta. Eine etwas stilistisch einfache Illustration. Ich werde den Prozess des Brainstorm-Skizzierens mit dir aufschlüsseln. Dann, wenn wir das durchgemacht haben und es sind Thumbnails, wenn wir zu dem komplexeren und ehrgeizigeren Bild kommen, haben Sie eine Idee, was ich tue, wenn ich mehr in ein bisschen mehr anspruchsvolle Brainstorm-Skizzen -Prozess. Denken Sie nun daran, mit diesen beiden Illustrationen Brainstorming Skizzen-Sitzungen, meine Stummschaltung ist offen zur Seite, so kann ich es referenzieren und einfach einige Ideen bekommen und mich visuell und ästhetisch daran erinnern, was ich vorhabe. Ich wirklich, ich werde nur anfangen, indem ich kritzeln. Ich muss nicht ordentlich sein, ich muss nicht ordentlich sein. Ich habe keinen Druck, dass ich überhaupt etwas tun werde , das dem, was mein Endergebnis sein wird, es sei denn, du siehst, ich bin wirklich kritzelig hier. Jetzt könnten wir uns festziehen, während wir gehen. Ich weiß, es ist eine schreckliche Skizze, aber ratet mal was? Es spielt keine Rolle. Wenn überhaupt, ist es gut, dass ich einfach den Bleistift runtergesteckt und etwas Schreckliches gezeichnet habe, damit ich denken kann: „Weißt du was? Es wird nicht viel schlimmer als das, lasst uns einfach weitermachen.“ Ich werde anfangen, nur über die Proportionen der Charaktere nachzudenken , die ich zeichnen möchte. Ich denke an große Stirn und ich bin fertig, ob ich große Augen oder kleine Augen will, also werde ich mit beidem. Der allgemeine Ansatz ist wirklich, wenn Sie einen Gedanken oder einen Zweifel oder eine Frage haben, legen Sie es einfach visuell. Möchte ich eine zweidimensionale Gesichtsform oder etwas dreidimensionales machen? Möchte ich sprudelnd oder ein bisschen mehr blockig werden? Das Tolle daran ist, dass es sowohl als Exploration als auch als Walmart fungiert. Wenn Sie Brainstorming durchführen, finden Sie, dass Sie natürlich nur ein bisschen schärfer und, ein wenig raffinierter und ein wenig klarer mit jeder Linie, die Sie zeichnen. Die andere Sache, die Sie bemerken werden, ist, dass ich zuerst alles vereinfachen werde. Ich ziehe keine Augen, Nase oder Details. Ich beginne mit der breiten Geometrie sehr grob. Dies ist universell für jede Art des Skizzierens, egal ob raffiniert oder grob. Ich bringe nicht die Details ein, wenn ich eine grobe Vorstellung von der Form oder Proportionen habe und wohin ich von dort hingehen möchte. Wenn sich etwas richtig anfühlt, jagen Sie es, wenn es sich einfach nicht richtig anfühlt, machen Sie weiter. Es gibt wirklich keinen Grund, Ihre Zeit zu verschwenden. Es konzentriert sich nur auf das, was sich richtig anfühlt und das zu entwickeln. Ich fange an, einige Ideen zusammenzukommen, aber sie sind auch im selben Bereich, wie ich zu zeichnen neige. Der große Teil dieses Prozesses ist, dass Sie anfangen können, außerhalb Ihrer Komfortzone zu schieben , weil es keinen falschen Weg gibt, um es zu gehen, und Sie könnten Dinge entdecken, die funktionieren, weil Sie sie noch nicht ausprobiert haben. Ich werde diese ganze Seite nur anderen Dingen widmen. Vielleicht zeichne ich ein Gesicht mit völlig starren Winkeln. Nun lasst uns einen Charakter mit völlig lächerlichen Proportionen machen. Augen sind so groß wie der Kopf fast wie Invader Zim aussieht. Kleiner Mund, große Ohren, tiefer im Kopf, große sprudelnde Augen. Das ist eigentlich nicht so schlimm, wir sind nicht einmal mit Haaren an den Seiten des Kopfes fertig, das sieht ziemlich cool aus. Ich werde wirklich abgerundet mit diesem hier. Wirklich kleine runde Wangen, große Stirn, kleine sprudelnde Haarbüschel. Vielleicht werde ich für diesen einfach ultra simpel gehen. Kleine Punkte für die Augen, winziges kleines [unhörbares], kleine Nase, kleiner Mund. Um ehrlich zu sein, ist es eigentlich mein Favorit bisher. Ich denke, der wirklich vereinfachte Ansatz beginnt, dieses sprudelnde niedliche, unbeschwerte Gefühl oder eines in meiner Illustration zu erfassen , also ist dies die Richtung, in die ich gehen möchte. Wenn ich so über eine meiner groben Skizzen fühle , dann bringe ich meinen Farbstift ein, denn was ich eigentlich gerne mache, ist einfach einen kleinen Schuppen dahinter zu zeichnen und das einzufärben. Beinahe meine kleine Skizze umrahmt. Dies ist mehr nur, um meinem Denkprozess eine Verkörperung zu geben, mehr für mich als alles andere Wenn ich also meine Skizzen durchschaue, kann ich deutlich sehen, wo ich die Dinge gerahmt oder identifiziert habe, die ich fühle, funktioniert am besten. Fangen wir an, diese beiden Charaktere mit dieser Ästhetik im Sinn zu gestalten. Du wirst bemerken, dass ich immer noch Quant kritzeln skizziere, aber meine Zeilen werden etwas sicherer. Es ist nicht so, dass ich mich auf etwas Besonderes niederlasse, aber der Stil und das Gefühl dessen, was ich zu erfassen versuche, fängt an, Gestalt anzunehmen. Infolgedessen sind meine Zeichnungen natürlich auch. Ich sage mir nicht, weniger kritzeln zu zeichnen, aber natürlich bin ich, denn ich finde meine Füße in der Ästhetik, die ich wirklich genieße. Ich fühle mich, als wäre ich an einem Ort voller Klarheit und Zuversicht, dass ich zu ein paar Thumbnails übergehen kann. Nun, das ist ein wirklich einfacher Prozess, und es ist der gleiche Ansatz und Stil wie Sie Brainstorm-Skizzen, außer es ist im Kontext der Konstruktion des Bildes selbst. Der beste Weg, um Thumbnails zu machen, ist buchstäblich vier Seiten auf einer Seite zu zeichnen. Auf diese Weise zwingen Sie sich, in ein wenig mehr von einem geschlossenen Bereich zu arbeiten, und wenn Sie sich schön und rau halten lassen, wissen Sie, dass Sie ein paar weitere Versuche vor sich haben, also wenn Sie sich ein wenig mehr mit dem einen entspannen dass du drauf bist. Der erste sollte immer fasziniert sein kommt in den Sinn. Wenn Sie eine Illustration haben, die Sie bereits bereit sind, Chancen zu schaffen, wenn Sie in dieser Phase des Prozesses sind, haben Sie bereits ein Bild im Kopf. Für diese erste Illustration ist dies die grobe Komposition, die ich in meinem Kopf hatte, als ich das erste konzeptualisierte tun ein niedliches einfaches kleines Bild von zwei Kindern spielen in der Sandgrube. Von Tom Bild mit ihnen nebeneinander in einer ziemlich symmetrischen Szene, vielleicht etwas im Hintergrund wie ein Zaun, vielleicht ein kleines Kuschelhaus hier hinten. Vielleicht ein kleines Schaukelset oder etwas im Hintergrund und ein kleiner Hund hier drüben an der Seite. Indem ich da rauskomme und es dann einfach runterlege, lässt ich das erste, was ich in meinem Kopf hatte, freilassen. Ich bin fertig, ich habe das versucht, lass uns etwas anderes versuchen. Vielleicht gehen wir mit diesem Schuss viel näher. Im Wesentlichen die gleiche Framing, aber dieses Mal sind wir von einem Mittelschuss der beiden Kinder. Ich werde die Aktion zwischen diesen beiden Charakteren in all meinen verschiedenen Thumbnails die gleiche halten , die das Mädchen hilft, den Eimer zu füllen, den der Junge hält. Lassen Sie uns für diesen einen etwas anders im Hintergrund gehen. Vielleicht fügen Sie leicht abgewinkelte Perspektive im Hintergrund hinzu, anstatt nur alles flach zu halten. Wenn ich etwas schaffen möchte, das Sie zieht, in ein bisschen mehr oder fühlt sich ein bisschen mehr wie eine Szene einer kleinen Kinder-TV-Show oder so etwas. Das könnte der Ansatz sein, den ich annehmen werde. Vielleicht möchte ich es sogar noch mehr vereinfachen. Was, wenn wir zu unserer ursprünglichen Idee zurückkehren und alles außer den bloßen Notwendigkeiten ausziehen. Vielleicht ist für diesen Daumen jetzt der Fokus ein wenig näher in und auf den Charakteren. Wir wollen die Umgebung, aber lassen Sie uns es wirklich einfach halten und im Grunde nur auf die Hintergrundelemente anspielen. Vielleicht gibt es nur einige einfache Formen, die einem Schaukelset ähneln könnten, aber wir werden nicht einige Details hinzufügen, wir werden nur einige einfache Silhouetten haben. Dann für unser letztes Beispiel, lassen Sie uns im Moment wirklich ein wenig weiter schieben mit all unseren Beispielen. Es ist vorne mit der zweistelligen Seite an Seite. Lass es uns ein bisschen auswechseln. Lassen Sie uns unseren Jungen hier im Vordergrund haben, und er könnte in diese Richtung blicken. Ich vermisse Tom, wir haben eine Perspektive geschaffen. Wir haben den kleinen Jungen und den Hund im Vordergrund, der dem Mädchen in der Mitte zugewandt ist, und vielleicht können wir im Hintergrund ein paar Formen haben, die auf den Hinterhof anspielen, in dem sie sich befinden. Wir machen ein Thumbnail Skizzen, möchten Sie vielleicht mehr erkunden und schieben Sie sich weiter in verschiedene Richtungen. Dies ist ein ziemlich unkompliziertes Konzept und ich fühle mich, nachdem ich all diese durchgemacht habe, muss ich dieses mögen. Mein vereinfachter Hintergrundansatz, ein bisschen mehr Fokus auf die Charaktere, aber Komplimentierung der vereinfachten Stall, die wir mit den Charakteren machen, indem wir den Hintergrund vereinfachen, vielleicht sogar in einem stilistisch über den oberen Weg. Ich habe ein Thumbnail, ich werde aus unserer raffinierten Skizze folgen. Ich habe einen stilistischen Ansatz. Ich habe es nicht in Stein gesetzt, aber ich habe genug Klarheit und Zuversicht, um auf einer raffinierten Skizze voranzukommen, wo ich feststellen kann , dass 10 Prozent an Klarheit verloren, um ein Bild genau das zu machen, was ich will. Ich werde dies auf die Seite setzen und ich werde zu Ihnen bekommen, die Verfeinerung Skizze dieser später in der nächsten Lektion, aber es ist Zeit, auf eine etwas kompliziertere Charaktere zu bewegen und zu sehen. Obwohl beide Stücke in Komplexität und Ästhetik völlig unterschiedlich sein werden, ist der Ansatz, das Endergebnis zu erhalten, genau das gleiche. Ich beginne meinen Prozess mit einem Brainstorming, der Davin, dem Meister von Tunesien, skizziert . Es gibt sehr wenig, was ich über ihn weiß. Ansonsten ist er ein Protagonist, er ist edel und trägt Rüstung. Ich hielt meine Brainstorm-Skizzen wirklich locker und spielte mit so vielen visuellen Zuschauern herum, wie ich konnte, und versuchte nur, diese Kästchen abzuhaken. Ich begann, indem ich mich auf das Gesicht konzentrierte, und als ich das Gefühl hatte, dass ich eine anständige Grundlage für unseren heroischen Charakter hatte, ging ich zu einigen Körperteilen und Rüstungsstücken. Nun, an dem Punkt, an dem Davins Eigenschaften und Proportionen und Kostüme sich anfühlten, als würde das zusammen formen, ging ich zu einer vierten Figur über. Beginnend mit ein paar alten barbarischen Gesichtern, fand ich tatsächlich, dass es ihm einen langen Mohawk oder einfach nur ein paar Haare an der Spitze seines Kopfes, die vor seinem Gesicht fließen könnte, könnte das Drama der Szene hinzufügen, vor allem, wenn die Turm ist ziemlich hoch. Ich wollte windig und instabil aussehen. Das Haar dieses Charakters war wahrscheinlich eine Möglichkeit, das zu kommunizieren, sowie ihn ein wenig geheimnisvoller und drohender aussehen zu lassen. Ich fand, dass als etwas primitivere Herangehensweise an Voths Kostüm vorteilhaft war, besonders wenn man bedenkt, dass der Stamm, der aus kommt, viele Holztürme hat. Es liegt daran, dass seine Kleidung wahrscheinlich nur aus Leder und Pelzen besteht. Gelegentliche Metallstücke können sein, aber viel mehr Seile und Tiere und Wraps und all das Zeug. Bevor man zu den Thumbnails übergeht, muss natürlich der Turm selbst ein bisschen wie ein Charakter gehandelt werden. Wie viel Platz ist auf dem Turm? Welche Form ist das? Wie sieht die Silhouette aus? Was sind die Proportionen? All diese Dinge werden dazu beitragen, wie intensiv die gleichen Felder und wie die Kultur der [unhörbaren] Menschen aussieht. Nun, es war Zeit, zu den Thumbnails zu gehen. Ich habe deutlich gemacht, dass ich mich für eine Herausforderung vorbereitet hatte. Mein erstes Thumbnail war wirklich flach und ich näherte es auf diese Weise, im Grunde begann ich sicher und immer extremer von dort. Es war im Grunde in unserer Ebene Front auf Blick aus der Perspektive der Spitze des Turms, sah Voth ragte über Davin. Mein zweites Thumbnail, ich wurde ein bisschen ehrgeiziger und dachte, ich würde ein bisschen eine Perspektive von unterhalb der Registerkarte haben und nach oben schauen, als ob Davin im Begriff wäre, von der Kante geschoben zu werden, was deutlich machen würde, dass er verliert. Thumbnails 3 und 4 sind, wo ich wirklich angefangen zu fühlen, als würde ich so dynamisch. Der dritte ist mehr aus der Perspektive von Davin, dass unter der Schlacht Szene und wird von Voth dominiert. Während ich das Gefühl hatte, dass dies eine wirklich coole Perspektive für die Szenen und ich wusste nicht, dass dieser Typ ein bisschen zu MD war, und ich hatte nicht wirklich das Gefühl, dass wir an der Spitze des Turms waren. Thumbnail 4, Ich fühle mich, als ob ich angefangen habe, alle Elemente zusammenzukommen zu sehen. Voth wird sich etwas unserer Perspektive zuwenden, da er die Acts bereit hält, einen letzten Streik auf Davin zu nehmen. Die Szene, die wir sehen, erlaubt uns zu sehen, dass Davin verliert. Er wird vom Turm abgeschlagen werden, und wir können auch über den Rand des Turms sehen, wo ich geplant habe, viele andere Stadtelemente des barbarischen Stammes zu haben , und vielleicht auch einige dieser Stämme, die Voth anfeuern. Ich habe plötzlich das Gefühl, nachdem ich diesen ganzen Prozess durchgemacht habe, etwas zu haben, an dem ich mich verankern und mit Klarheit arbeiten kann. Speziell Thumbnail 4, ich habe wirklich das Gefühl , ich habe eine Szene, die viel Einfluss haben wird. Jetzt, da wir alle diesen Prozess durchlaufen haben, haben wir alles, was wir brauchen, um mit unserem endgültigen Kunstwerk zu beginnen. Behalten Sie Ihre groben Skizzen als Referenz bei, wenn Sie mit der Vorderskizze beginnen. Aber an diesem Punkt, jetzt, wo wir bereit sind, unsere vordere Skizze zu starten, können wir uns mit dem letzten Stück Zeit nehmen. Ich sehe euch alle in der nächsten Lektion. 6. Verfeinern von Skizzen: In dieser Lektion beginnen wir unser letztes Stück. Es ist immer noch skizziert wie in der letzten Lektion, aber Sie werden feststellen, dass es ein bisschen anders sein wird. Zuallererst werde ich viel langsamer gehen und ich werde viel leichter zeichnen. Zweitens werde ich diesen kleinen Kerl viel mehr zeigen, indem ich einen Radiergummi benutze. Nun, nur weil wir an der Skizze arbeiten, die unser letztes Stück wird, bedeutet das nicht , dass wir keinen Raum für Flexibilität oder Experimente verloren haben. Es gibt noch ein bisschen Platz zum Spielen, aber es ist nur eine andere Art des Spiels. Es ist etwas langsamer und methodischer. Deshalb ist der raffinierte Skizzenprozess physikalisch sehr unterschiedlich. Es ist eine viel leichtere Skizze, einfach weil Sie vor allem ein zielgerichtetes Ergebnis erhalten visuell zu arbeiten, wenn Sie auf Ihre Tinten aufleuchten. Aber zweitens, weil es das Löschen einfacher und sauberer macht. Was Sie nicht tun wollen, ist, wirklich grobe eingekerbte Skizzenlinien zu haben , wie die, die wir getan haben, die dann schwer zu löschen sind. Je mehr Sie löschen, desto mehr Papier ziehen Sie langsam auseinander oder erstellen Sie diese Mikrorissen, die bedeuten, dass Sie schließlich Ihr Papier zerstören, oder Sie bekommen einfach diese dunklen Geisterflecken in Ihrer Skizze. Bevor wir anfangen, kommt die ganze Arbeit, die Sie bisher gemacht haben, hier wirklich ins Spiel. Ich habe meine Referenzbilder in meinem Mood-Board da drüben auf meiner Seite, und direkt vor mir habe ich meine Thumbnails und meine Charakterskizzen, auf die ich verweisen kann, wenn ich mit meinem letzten Stück losgehe. Also werde ich das in zwei oder drei Stufen durcharbeiten. Die erste ist wie eine grobe Komposition. Hier bin ich wirklich leichtgewichtig und du wirst das kaum vor der Kamera sagen. Ich kann es kaum persönlich sehen. Sie setzen wirklich leicht Dinge wie Ihre Horizontlinie, Charakterpositionen ein. Du wirst bemerken, selbst die Art, wie ich den Bleistift halte, ist ganz anders. Als ich hier skizzierte, war es ziemlich fest und in Richtung der Spitze des Bleistiftes und wirklich rau. Hier drüben bin ich wirklich locker und leicht. Wirklich lasse ich die Breite des Bleistifts selbst die Markierungen machen. Nach meinen Thumbnails habe ich zwei Charaktere, die ungefähr um diese Position herum sein werden. Ich werde den Kopf zuerst für jeden zeichnen. Jetzt können sich diese ändern, deshalb ziehe ich wirklich Licht und ich werde nur anfangen, Geister dort zu spielen, wo ihre Posen sind. Dann nur einige Richtungslinien wie, auf welche Weise stehen sie? Ich werde eine Linie in der Mitte haben, um zu zeigen, in welche Richtung sie auf einer horizontalen Ebene gerichtet sind und entweder nach oben gekrümmt werden, wenn sie nach unten schauen, um zu sehen, wo sie auf der vertikalen Achse schauen. Vielleicht haben Sie diesen Kerl, der auf den Eimer hinabschaut , der gefüllt ist, erzeugt nur ein bisschen einen Unterschied, eine Variation in ihren Highlines. Das ist das Wesentliche, das getan wurde. Also werde ich den Rest des Stückes einfach mit Dingen füllen, die das ausgleichen oder Kompliment ergänzen. Also versuche ich jetzt mit dem zu spielen, was ich mit dem Horizont machen will, und ich weiß, dass ich etwas hinter diesen Charakteren will. Damit es wie ein Hinterhof aussieht, fühle ich mich, als könnte ein Zaun helfen, aber es könnte auch etwas schaden. Aber ich kann immer noch experimentieren und Dinge ausprobieren. Also werde ich nur sehr locker in eine horizontale Linie auf einer Ebene setzen , die ich denke, ich könnte einen Zaun wollen. Also, das ist meine Zaunlinie, aber ich will sie ein wenig zerbrechen. Es ist nur langweilig, wenn es nur der Zaun ist. Also werde ich nur einige Formen in den Hintergrund stellen und ich werde nicht zu verrückt damit sein. Ich möchte nur die Szene beglückwünschen. Offensichtlich bin ich noch nicht da, aber das ist ein wirklich schöner Ort, um zu beginnen, um es dann zu definieren und mehr Details hinzuzufügen. Also, jetzt gehe ich zurück zu den Themen des Stückes. Die beiden Charaktere insbesondere, Ich werde anfangen, die Silhouetten ein wenig mehr zu formen und beginnen, ein wenig von den Details des Ausdrucks, ihre Kleidung zu setzen . Ich werde nicht zu verrückt oder zu fest gehen, aber Sie werden feststellen, dass meine Linien beginnen, ein wenig fester zu werden und ich kann auch einige der verwirrenden Konstruktion löschen, während ich gehe, um es aufzuräumen. Das erste, was ich merke, bevor ich in die Details des Kopfes zu tun, ist für diese interaktive Pose, sein Kopf ist eigentlich ein wenig zu weit zurück. Es ist, als ob sein ganzer Körper nach vorne lehnt und diesen Eimer hält und es sieht ein bisschen aus, als würde er mit dem Kopf zurückziehen. Bevor ich also reingehe und die Details mache, gehen wir einfach rein und positionieren das neu. In Ordnung, das sieht für mich etwas natürlicher aus. Also werde ich anfangen, die Details dieses Charakters zu machen. Beginnend mit seinem Ausdruck, der das Wichtigste ist, um direkt auf das Gesicht eines Charakters zu bekommen. Es ist das Fenster zur Seele, und die Seele dieses Kindes ist sehr glücklich, dass er rauskommt und seinen Eimer ablegt. Es sind die Kleinigkeiten, nicht wahr? Also werde ich einfach durch den Rest der Szene gehen und die Dinge ein bisschen mehr definieren, aber das Wichtigste, was ich tun und richtig machen muss, ist das, was ich bereits habe. Außerdem wird es anderswo nicht viel Detail geben. Also bin ich in dieser Phase sehr zufrieden mit meiner raffinierten Skizze meines Kitty Piece hier. Ich denke, das macht wirklich Spaß. Es fängt genau das Gefühl und die Atmosphäre ein, die ich wollte. Es ist nicht über die Spitze detailliert im Hintergrund. In der Tat wird es noch einfacher, wenn wir in der nächsten Lektion zur langen Arbeit kommen. Aber bevor wir das tun, werde ich das beiseite legen und ich werde diesen ganzen Prozess wieder mit einem völlig anderen Stil und intensiverem Ansatz durchlaufen . Der Prozess, den ich mit meinem zweiten Stück folgen werde, ist derselbe, aber die Art und Weise, wie es sich entfaltet, wird ein bisschen anders sein. Vor allem, weil es viel mehr einen Fokus auf Realismus und Drama gibt, und es braucht viel mehr Durcheinander und Feinabstimmung, um etwas natürlich und organisch und epischaussehen zu natürlich und organisch und episch besonders wenn Sie etwas mit mehr realistische Proportionen und einen ehrgeizigen Winkel, die ich hier zu tun versuche. Sie werden feststellen, dass ich durch Ebben und Flüsse gehen, konzentriert sich auf die Hauptfigur im Vordergrund, dieser barbarische Charakter, weil ein Großteil der Richtung des Bildes wird auf seine Bewegung fokussiert werden. Alles hängt wirklich davon ab, ob ich seinen Blickwinkel richtig kriege und dieses Gefühl der Bewegung, als würde er seinen letzten Schlag zu unserem Protagonist machen. Hier gibt es ein paar Probleme. Zunächst einmal möchte ich Ihnen sein Gesicht zeigen, sowie das Gesicht unseres Protagonisten, aber dabei muss ich ihn wirklich etwas vom Protagonisten abgewandt haben. Die Art und Weise, wie ich versuche, das zu umgehen, ist, dass er sich zurückhacken oder sich verdreht, in Vorbereitung auf seinen letzten Schlag. Aber diese verdrehte Anatomie Pose ist wirklich schwierig, natürlich aussehen zu lassen, aber das ist okay, weil es wirklich kein Druck ist. Ich füge nicht viele Details hinzu und sobald ich sehen kann, dass am Ende des Tages diese Poseam Ende des Tagesnicht organisch aussehen wird, werde ich wieder anfangen. Schließlich fand ich eine Pose, von der ich fühlte, dass sie arbeitete. Er ist weg von den Protagonisten, die bereit sind, seinen letzten Streik zu machen , ohne unbedingt wie eine Seifenoper auszusehen, wenn die Charaktere gegenüberstehen und miteinander reden, und es sieht wirklich unnatürlich aus . Ich mag diese Pose, weil ich das Gefühl habe, dass er sich wirklich für einen letzten Streik verdreht, aber wir bekommen eine wirklich gute Sicht auf ihn und sein Design und sein Gesicht, was für mich wirklich wichtig war, zumindest den Prozess zu demonstrieren der Anfang bis zum Ende hier. Jetzt, da ich mit der Vordergrundfigur zufrieden bin, die einen großen Teil des Bildes einnimmt, fühlt es sich ein wenig riskant in den Hintergrund zu setzen , wenn ich nicht wirklich weiß, was am besten funktionieren wird. Jetzt, wenn ich sage, ich weiß nicht, was am besten funktionieren wird, werde ich es wirklich so nähern, wie ich es in ein Thumbnail Skizzen setzen. Aber an diesem Punkt machen kleine Anpassungen wie der Winkel oder die Perspektive der Plattform, auf der sie sich befinden, die Pose oder die Position der Protagonisten der Winkel oder die Perspektive der Plattform, auf der sie sich befinden, die Pose oder die Position der Protagonisteneinen großen Unterschied. Ich nahm den Druck ab, indem ich nur ein Foto von dem Bild, das ich bisher habe, und ging zurück in meinen skizzenhaften Modus, indem ich nur auf meinem Handy ein paar Variationen von dem, was funktionieren könnte. Meine dritte Variante, fühlte ich mich wirklich dynamisch. Ein wirklich hoher Blick auf die Plattform mit unserem Helden klammernd und rückwärts klettert, vielleicht gerade zurückgefallen, aber potenziell in der Lage, sein Schwert aufzuheben und sich zu verteidigen. Dann wissend, wie ich mit Zuversicht vorwärts gehen wollte, füllte ich den Rest meiner raffinierten Skizze aus. machte es einen Schritt nach dem anderen und füllte mich durch, bis ich fand, dass die Dinge, die ich fühlte, wirklich gut funktionierten und dann nur auf diese verdoppelt. Schließlich nahm meine raffinierte Skizze Gestalt an und an dieser Stelle füllte ich den Hintergrund ein wenig, fügte mehr Perspektive und ein Gefühl von Maßstab und Umfang hinzu, indem ich einige Türme weiter in den Hintergrund legte, um Ihnen irgendwie zu zeigen, was die Die barbarische Stadt sieht aus. Anstatt den Hintergrund mit einer Menge zu füllen, ich dachte, dass sie die Szene mit zu viel Detail schlammig machen könnte, dachte ich, es wäre wirklich cool, Rauch und sogar Flammen im Hintergrund zu haben , als ob die Stadt brennt. Das einzige, was noch übrig war, zu meinem Vordergrundcharakter zurückzukehren und viel mehr Details hinzuzufügen. Insbesondere, wo die Outfit-Elemente gingen, wo die Seile waren binden Bits zusammen, und sogar Kratzer, Narben und dicht über den Charakter und seine Amour. Also nach all unserer Forschung und Brainstorming, und jetzt unsere raffinierte Skizze Weg von zwei Kunstwerken bereit, eingefärbt zu werden. Sie sind sehr unterschiedliche Stile und extrem unterschiedliche Ergebnisse, die eine völlig andere Atmosphäre und Gefühl vermitteln. Aber für mich, sie beide einfach wirklich cool und lustig. Also bin ich wirklich glücklich mit diesen, was bedeutet, dass es an der Zeit ist, mit der Tinte fortzufahren. Indem ich das mache, werde ich diese aufteilen, beginnend mit meiner Kätzchen-Illustration hier. Ich werde dies ein bisschen langsamer durchgehen und einige der Kernfarbenelemente durchgehen , die helfen werden, Ihre Stücke hervorzuheben , wenn Sie Linienarbeit verwenden. Danach tauchen wir tief in die Nitty-Gritty ein und bekommen einige echte Details, Texturen und Kontraste, die mit unseren Tinten in diesem Stück geschehen. Wir sehen uns in den nächsten Lektionen. 7. Einfärbung deiner Skizze: Alles klar alle, es ist Zeit, unsere ersten der beiden Kunstwerke zu drucken, die ich heute durchmache, und das ist ein Punkt, an dem viele Künstler, einschließlich ich, ein bisschen nervös werden. Sehen Sie bis zu diesem Punkt könnten wir immer zurückgehen, und Tinte ist eines jener Dinge, wo, wenn es unten ist, gut sicherlich fühlt sich an, als gäbe es kein Zurück und es gibt Möglichkeiten beheben oder zu optimieren oder einige Fehler mit Tinte zu reparieren. Aber der Grund, warum wir den Prozess durchlaufen haben , den wir bisher durchgemacht haben, ist, dass wir uns erlaubt haben , ein Setup für Gewissheit wie möglich zu sein, so dass, wenn wir den Tintenstift ablegen, wir eine wirklich klare Anleitung zu genau wissen, wohin es gehen soll. Es gibt also nicht viel Rätselraten. Jetzt beginnen wir einfach mit diesem ersten Stück, wir werden nur drei grundlegende Fineliner in drei verschiedenen Größen verwenden. Alle Fineliner werden in Ordnung sein, und diese sind genau wie ein leichter, mittlerer und ein leicht schwerer Fineliner. Ich habe 0,2, 0,4 und 0,9. Tinten können eine Möglichkeit sein, Kontrast und Tiefe in Ihrem Stück zu schaffen, selbst mit einfachen Linien, nur durch die Art und Weise, wie Sie sie platzieren und wie Sie es nähern. Also fangen wir mit unserem mittleren Stift an, meinem 0,4, und ich werde meine beiden Hauptfiguren und meinen Hund umhergehen. Dies ist ein ziemlich unkomplizierter Prozess. Ich bin buchstäblich nur über all die Arbeit, die ich getan habe, ich habe so viel Rätselraten entfernt, weil ich eine Menge durch die raffinierte Skizzenphase erkundet habe, und ich bin sicher, dass Sie von den Staaten sagen können, dass es ein bisschen Muster passiert mit den Schritten, die wir machen. Jeder Teil des Prozesses verleiht dem nächsten mehr Sicherheit, Vertrauen und Struktur. Jetzt, da ich mit Tinten fortfahre, weil ich all diese Arbeit in mein Brainstorming meiner endgültigen Skizze gesteckt habe, zeichne ich nur mit meinen Tintenstiften. Wenn Sie mit Ihrem Tintenstift zeichnen, gibt es keinen richtigen oder falschen Weg, um eine Markierung auf dem Papier zu machen, aber es lohnt sich, daran zu denken, dass es natürlicher ist den Stift zu Ihnen zu ziehen, anstatt ihn aus mehreren Gründen wegzuschieben. Wenn du den Stift wegschiebst, gibt es mehr Kraft auf die Feder des Stiftes, und du kannst nicht wirklich sehen, was du gerade gezeichnet hast , da er unter deiner Hand ist, wenn du ihn zu dir ziehst, du kannst viel mehr Kontrolle haben, sowohl weil Sie Ihren ganzen Arm verwenden können, und dann können Sie auch alle Details bekommen und Sie Genzeichnung mit Ihrem Handgelenk finden. Jetzt werden Sie feststellen, dass es ein paar Punkte gibt, an denen ich keine Linie gezeichnet habe, wie die Unterseite der Beine und die Unterseite der Schaufel, weil ich den Hintergrund und einige Requisiten mit dem letzten Filzstift zeichnen werde , Also verlasse ich die nur, bis ich zu dem hier bin. Ich werde jetzt zu dem kleinen Jungen gehen, und während es nervös sein kann, dass einige Künstler anfangen, mit Tinte zu arbeiten, gleichzeitig, wenn Sie den Druck abnehmen oder Ihre Denkweise darüber anpassen können, wie es sich anfühlt, um zu arbeiten es oder befähigen Sie sich, indem Sie vorher so viel wie möglich vorbereiten, kann dieser Prozess tatsächlich wirklich Spaß machen. Es kann eines der befriedigendsten Dinge sein, weil Sie das Gefühl haben, dass Sie es langsam enthüllen. Sie werden feststellen, dass ich manchmal von dem, was ich skizziert habe, abirre, und das liegt daran, dass, obwohl ich Tinte mache, ob ich es glaube oder nicht, es gibt immer noch ein gewisses Gefühl, sich zu bewegen. Auch wenn Sie Tinten sind, stellen Sie immer noch sicher, dass Sie sich etwas Raum geben , um ein bisschen herum zu spielen. Also, das kommt zusammen, ich bin ziemlich glücklich damit. Ich bin bereit, zur Kiste zu gehen, aber ich habe gerade einen kleinen Fehler gemacht wo in meiner Skizze Sand in den Eimer fallen lassen wird, und ich habe eine Linie dort drüben gezogen. Es passiert mit Tinte, es passiert die ganze Zeit. Du arbeitest das nur um und ich komme später darauf und zeige dir, wie ich das überwinde, wenn ich zu meinem dünneren Fineliner komme. Aber ich werde mit diesem 0.4 mit dem Cogee hier abschließen. Ich bin ziemlich glücklich damit. Jetzt gehe ich zu meinem dünneren Fineliner, meinem 0,2, und ich werde den ganzen Hintergrund mit diesem dünneren Fineliner sein, und ich werde es auch ein bisschen anders machen. Mit einem 0,4 sind alle Linien wirklich sauber, klar und solide. Mit einer 0,2 werde ich skizzenhaft sein. Nicht skizzenhaft in, dass gehen hin und her über den gleichen Bereich mit dem gleichen Stift, aber mehr, dass ich wirklich leicht und ich lasse die Art und Weise der Stift selbst tun die meisten der Arbeit. Denken Sie daran, hier mit einem Sand, ich habe diese Lücke nicht verlassen, kein Problem. Ich zeichne nur in den Eimer, um zu zeigen, dass der Sand da reingeht, vielleicht ein paar kleine Punkte da drin und das reicht. Also, während Sie vielleicht daran denken, dass so etwas ein großes Problem ist, hatte ich offensichtlich Pläne, Sand da reingehen zu lassen. Ich kann immer noch den gleichen Effekt erzielen, indem ich darum arbeite und einfach nur über den Tellerrand denke und ein bisschen entspannte. Aber natürlich ist der beste Weg, um diese Fehler überhaupt zu vermeiden , sich zurückzulehnen und alles so weit wie möglich aufzunehmen. Nun funktioniert der skizzenhafte Look mit wirklich entspannten leichten Neigungen besonders gut mit dem Sand und in der Tat kann ich mich ein wenig wackelig machen lassen und die Linien brechen, aber selbst mit den Requisiten halte ich immer noch Dinge wirklich locker, sagen wir mit dem Ball hier, ich lasse einige Lücken in meinen Linien, nur halten es wirklich entspannt, keine Sorge um kleine Shakes. Jetzt fangen wir an, die Lücken ein wenig zwischen den Charakteren und dem Hintergrund zu schließen , indem wir einfach diese Lichtlinien zeichnen, wo sie den Boden treffen, auf dem sie sich befinden, und Sie können sehen, dass sie in ihre Umgebung einfügt obwohl sie mit stilistisch unterschiedlichen Linien gezeichnet sind. Also, das ist der ganze Sand fertig. Nun, ich habe dieses Protokoll hier, was ich mit der gleichen Zeile tun könnte. Ich gehe eigentlich zurück zum 0.4, nur weil ich möchte, dass es ein wenig mehr Trennung zwischen diesem Mittelgrund und dem Hintergrund hinter ihnen gibt. Also mache ich nichts drastisches, und in der Tat halte ich meine Zeilen immer noch ziemlich entspannt und locker, mache sie nicht so fett wie ich diese Charaktere gemacht habe, aber ich möchte nur, dass diese Zeile ein wenig stärker erscheint, um einige Kontrast und folgen entlang meines Horizonts. Jetzt, da ich von 0.2 zurück bin, kann ich ein wenig von dieser Holzmaserung hinzufügen, die in skizziert sind. Alles klar, jetzt sind wir auf dem hinteren Hintergrund und ich werde was ich mit diesem Licht 0,2 gemacht habe, noch weiter nehmen. Ich werde das Papier kaum berühren und ich werde nur für wirklich leichte, verrückte Linien gehen. Lücken und kleine Shakes sind in Ordnung, ich versuche nur, es so leicht und sanft wie möglich zu machen. Es ist fast ein bisschen ein Umgebungseffekt, wie halb Dinge in der Ferne, weniger sichtbar als Dinge in Ihrer unmittelbaren Gegenwart. Ich verwende meine Linien, um diesen Effekt zu erzeugen. Nun, mit den Wolken, könnte man denken, okay, es sind Wolken, ich brauche wahrscheinlich keine festen Linien und das stimmt. Ich werde es kaum berühren, in der Tat werde ich die Breite des Stiftes die ganze Zeichnung machen lassen und ich werde nur zulassen, dass dies wirklich ungleichmäßig und organisch diese fast gepunktete Linie um, wo ich skizziert habe die Wolke. Alles in allem bin ich ziemlich glücklich darüber, wie das zusammenkommt. Nun, ich werde in einer Minute auf die 0,2 zurückkommen nur um ein paar kleine Texturen hinzuzufügen, aber bevor ich das mache, werde ich noch mehr Trennung zwischen unserem Fokus und allem anderen schaffen , indem ich zu unserem 0.8 gehe, unserem dickeren Fineliner. Damit werde ich einfach die Silhouette der Charaktere verfolgen , die im Fokus stehen. Ich werde zu meinem wirklich sogar soliden Stil des Zeichnens zurückkehren. Aber ich werde nicht in die Details oder das Innere der Charaktere einbrechen. Ich bin buchstäblich um den äußeren Rand zu verfolgen und das ist kaum Verdickung des Charakters. Der Vorteil davon ist auch, dass es Ihnen erlauben kann, die Dinge ein wenig aufzuräumen. Manchmal werde ich diesen Schritt vier nach der Farbe speichern, denn wenn Sie zum Beispiel Alkohol-Marker verwenden und Sie an einigen Stellen über die Ränder gehen, können Sie diese Kanten bereinigen, indem Sie mit einem dickeren Stift zurückkommen und einfach um die draußen. Sie können auch einige Entscheidungen rückgängig machen, zum Beispiel hier, als ich die Haare zeichnete, habe ich ein Spliss gemacht, das normalerweise gut aussehen würde, aber mit diesem Stil war ich wirklich für Einfachheit. Also werde ich diese Wahl rückgängig machen, indem ich eine dicke Linie darüber ziehe, und genau so habe ich sie rückgängig gemacht und die Form der Haare dort vereinfacht. Also, das sind Haare, ich bin nicht zu den Details gegangen oder sogar, wo der Kopf die Arme überlagert oder so etwas, ich gehe einfach um die anderen Ränder und ich werde dasselbe mit dem kleinen Jungen machen. Jetzt, während ich meinen dickeren Stift habe, werde ich tatsächlich gehen und füllen einige der Details, die ich möchte, zum Beispiel, die Augen. Ich werde diese schwarz mit nur kleinen Punkten von Highlights an den Rändern machen und ich werde dies verwenden, um die inneren Öffnungen des Mundes zu füllen. Das ist wirklich zusammengekommen und ich bin fast fertig mit meiner Tinte. Ich gehe eigentlich zurück zu meinem 0.2, meinem kleinen Kerl und ich werde dies verwenden, um nur kleine Blüten von Textur und Detail hinzuzufügen , nicht über die Spitze, denn offensichtlich konzentriert sich der Stil hier auf Einfachheit. Aber mit so etwas wie Sand müssen wir wirklich einige kleine Punkte hinzufügen, kleine Einkerbungen, um dem Betrachter mitzuteilen, dass dies tatsächlich Sand ist. Nun, wir wollen nicht überall Punkte in dem Stück setzen , das zu beschäftigt und hässlich aussehen wird, aber ich wähle nur eine Seite im Allgemeinen, ich gehe mit der linken Seite von kleinen Sandhügeln, und ich bin nur setzen in ein paar Punkte, ein paar kleine Kreise. Gelegentlich in der Mitte werde ich eine Gruppe von ein paar Punkten machen, nur um das Auge daran zu erinnern, dass dies alles die gleiche Substanz ist. Wir haben so etwas wie diese Dips, aus denen sie ausgegraben sind. Ich kann nicht wirklich viele Punkte da drin machen. Es wird ein bisschen seltsam aussehen, aber ich werde nur einige einfache Linien alle in die gleiche Richtung machen , wirklich bestimmte flache Linien genau wie diese. Dies wird Schraffur genannt, und das ist eine Art der Schattierung. Wenn ich dann dieses Tempo betrachte, cool wie es bisher ist, genieße ich es wirklich. Mein Auge kämpft darum, zwischen dem Hintergrund im Hinterhof und dann der Sandgrube zu unterscheiden , und das Ding, das die beiden trennt, ist der Baumstamm. Was ich also tatsächlich tun kann, um dieses Protokoll als Trennfaktor zu embolden , ist, dasselbe wieder zu tun, diese einzelne Schraffurlinie den ganzen Weg hindurch. Nun, ich werde nicht den ganzen Weg bis zum Anfang des Protokolls gehen. Ich werde es behandeln, als ob es ein Highlight auf dem Baumstamm von einer Ladung vom sonnigen Tag oben gibt. Viel wirst du diese Linie beginnen, die etwa ein Viertel des Weges von oben auf dem gleichen Winkel schraffiert , es ist kein bestimmter Winkel, ich mag es nur in diesem Winkel zu tun, weil ich Rechtshänder bin und ich kann natürlich in diese Richtung ganz leicht ziehen, und ich werde nur versuchen und halten, dass konsequent den ganzen Weg über, und einfach so, beendete ich meine Linie Arbeit für mein Kitty Stück. Ich bin wirklich glücklich damit. Die coole Sache über die Art und Weise, wie ich es angegangen ist, obwohl ich gerade drei einfache Stifte verwendet habe, können Sie wirklich klar sehen, gibt es einen Vordergrund, einen Mittelgrund, und einen Hintergrund. Es gibt nur noch eine Sache, um dieses gefärbte Kunstwerk fertig zu nennen, nämlich meine Konstruktionslinien zu löschen. Stellen Sie sicher, bevor Sie dies tun, geben Sie es ein paar Minuten vollständig trocknen, da Tinte nass untergeht. Stellen Sie nur sicher, dass Sie es ein wenig zuerst testen , um sicherzustellen, dass Sie keine Flecken bekommen, und dann, wenn Sie sicher sind, können Sie löschen oder Sie Konstruktionslinien. Ich liebe das, ich bin wirklich glücklich damit und es ist bereit für Farbe. Nun, es ist in diesem Stadium, Ich empfehle, wenn Sie gehen, um Ihre Tinte Kunstwerk, dass Sie es scannen, es lohnt sich, nur so können Sie vielleicht versuchen, einige Experimente mit Farbe leichter, aber auch, dass Sie eine Sicherung nur für den Fall Dinge gehen schrecklich schief. Das ist es für meinen Prozess während der Tinte auf dieser Illustration. Als nächstes werde ich die Tinte auf meiner komplizierteren und komplexeren Illustration machen. Wenn Sie den Prozess genossen haben zu sagen, wie viel sie mit drei einfachen Finelinern tun kann, werden Sie die nächste Lektion lieben, wo wir in einige unsitty gritty, spannende Dinge, die Sie mit etwas Tinte tun können, Texturen Effekte, alle Arten von Zeug. Aber das ist für eine andere Lektion, und ich werde dich dort sehen. 8. Einfärbung von komplexen Figuren: Die Party ist kurz davor, wirklich anzufangen. dieser Lektion werden wir einige fortgeschrittene Freihandtechniken durchführen. Die Dinge, die wir bereits behandelt haben, auf die wir in dieser Lektion ein wenig weiter eingehen werden , sind Dinge wie das Erstellen von Tiefe, Verwenden unserer Freihandwerkzeuge und das Erstellen von etwas Texturen. Aber etwas, an dem wir auch hier arbeiten werden ist das Hinzufügen von Intensität und die Akzentuierung des Stils. Als nächstes möchte ich meine Materialien bekommen und ich benutze die gleichen drei Stifte wie das letzte Mal für eine Mehrheit davon, aber es gibt ein paar zusätzliche Stifte, die ich vorstellen werde. Eine, die ich wirklich liebe, ist diese. Es ist ein Kalligraphie-Stift von Tombow und es ist eigentlich genau wie ein harter Pinselstift. Es ist fast irgendwo zwischen einem Pinselstift und einem feinen Liner. Lassen Sie mich Ihnen visuell den Unterschied zwischen all diesen zeigen. Wir haben eine 0,2, ein 0,4 und ein 0,8. Die sind ziemlich unkompliziert. Die Unterschiede zwischen ihnen sind leise subtil, aber offensichtlich. Dieser Kalligraphie-Pinselstift ermöglicht es mir, die gleichen Effekte wie alle drei zu erhalten, aber in dem einen Stift. Je härter ich drücke, desto mehr Druck kann ich ausüben und einen wirklich dicken Schlag bekommen. Das Tolle ist, ich kann einige Druckschwankungen bekommen und hier einige wirklich einzigartige, interessante Striche erzeugen. Also das erste, was wir tun werden, ist unser vordergrund barbarischer Charakter hier. Jetzt werde ich mich dem sehr ähnlich nähern wie ich meine vorherige Skizze gemacht habe. Ich werde ein wenig mutiger mit meinen Zeilen auf diesem Charakter sein. Im Mittelgrund werde ich ein wenig einfacher gehen und die Dinge ein wenig weiter in den Hintergrund schieben. Ich werde viel mehr mit feinen Linien und Texturen gehen. Also werde ich mit meinem 0,4 Stift beginnen, und ich werde anfangen, um die großen Bereiche und Kanten zu gehen, wie dieses Schulterpolster hier. Nun, an manchen Stellen, improvisiere ich. Zum Beispiel, wenn es eine Abnutzung oder eine Beule gibt, könnte ich nur eine kleine Beule vorstellen, die ich später einen Kratzer hinzufügen kann. Dann wirst du bemerken, dass ich davon weitermachen werde. Ich werde die Details darin nicht ausfüllen. Ich werde das eigentlich mit meiner 0,2 machen. Ich trenne Bereiche der Geometrie. Ich begann mit dem Schulterpolster, weil es sehr visuell kommandierend war und es vor den meisten Dingen war, aber ich werde tatsächlich losbrechen von ihm und kommen zu dieser Hand hier. Jetzt gehe ich zum Handschuh. Wir haben hier etwas Textur mit dem Fell, das ist auf der Außenseite dieses Leders, und ich halte meine Linien ziemlich locker, denn um eine Textur zu schaffen, muss ich sicherstellen, dass ich das Gefühl dieser Textur eher einfange . als nur Linien um die Shapes zu zeichnen, die sie sind. Vor allem bei diesem Fell fühlt es sich etwas flauschig und grob an. Apropos Beschneidung, jetzt haben wir Seil um sein Handgelenk. Dann arbeite ich langsam nur rückwärts. Nun, obwohl dieses Bild entmutigender zu Tinte ist, gibt es immer noch Raum für Experimente. Am Ende des Tages ist es detaillierter und spannender. Ich könnte das Gefühl haben, dass ich die Dinge hier oder da hinzufügen möchte. Wie im Bizeps-Bereich, ich fühle mich wie es wird, um das dreidimensionale Aussehen seines Arms zu verbessern, sowie fügen Sie einige Details, um den Charakter, indem einige Stahlring um seinen Bizeps gewickelt. Ich werde das nur zeichnen. Es gibt nichts in meiner Skizze, das mir sagt, was ich dort tun soll, aber ich vertraue nur meinen Instinkten, ziehe einfach etwas hinein, das ein Stahlband sein könnte und mache das einfach den ganzen Weg herum. Dann werde ich hier die Muskeln ziehen. Ich denke, das funktioniert eigentlich ziemlich gut. Ich habe das Gefühl, dass es den Arm nach vorne bringt und dafür sorgt, dass wir wissen, dass dieses Schulterpolster ein wenig hoch ist und der Arm noch weiter hochgehoben wird , weil wir versuchen zu zeigen, dass der Arm, der die Axt an der Vorderseite hält, so weit ist vorwärts, wie wir visuell machen es aussehen können. Apropos weit nach vorne in unserem Bild zu sein, das ist der vorrangige Bereich unseres Bildes dieses barbarischen Charakters, aber das ist das Vertuschen des Gesichts. Nun, das Gesicht ist etwas, dem wir besondere Aufmerksamkeit schenken werden. Ich werde nicht die Details des Gesichts zeichnen, wie die Augen und Nase mit diesem 0.4. Ich werde tatsächlich zu meinem 0.2 wechseln nur weil es mir ein wenig mehr Details und Flexibilität gibt. Augen, Nase und Mund, vor allem in detaillierten Bildern wie diesen, sind Bereiche, die Sie nicht mit dicken Linien schlammig machen wollen. Es ist besser, dünn anzufangen, und wenn Sie dann den Ausdruck und die Dinge richtig bekommen, wenn Sie denken, dass Bereiche dicker sein müssen, können Sie mit einem dickeren Stift zurückgehen und aufleuchten. Ich werde jetzt wirklich ehrlich zu dir sein. Mit diesem linken Auge bin ich nicht zu 100 Prozent zufrieden. Ich habe das Gefühl, es ist ein wenig zu weit nach links und ein wenig zu niedrig. Es ist nicht das Ende der Welt. Keine Sorge, wir können eine Tinte Magie benutzen, um diese ein wenig an einem Ort zu schieben, und wir können dieses andere Auge tatsächlich in die entgegengesetzte Richtung bewegen. Was ich eigentlich tun werde, ist Tinte unter dem Auge, verdicken Sie das einfach, und ich werde ein wenig Masse auf der rechten Seite hinzufügen. Ich werde hier drüben das Gegenteil tun. Ich werde den rechten unteren Bereich runterdrücken. Genau so, und es ist sehr subtil und wir können das später mit unserer Schattierung ausgleichen, aber ich schiebe das nur mit dickeren Linien. Offensichtlich ist es im Moment ein bisschen viel, aber das Wichtigste ist, dieses Gleichgewicht zu finden. Es ist ein bisschen ein Fehler, aber Sie werden feststellen, dass, sobald die ganze Tinte da drin ist und das ganze Bild zusammenkommt, es ein Nicht-Problem sein wird. Aber nur indem Sie die Linien in bestimmte Richtungen schieben, können Sie die Proportionen tatsächlich leicht umformen, obwohl Sie mit Tinte arbeiten. Ich habe alles getan, was ich mit der 0.2 tun möchte. Ich werde zurückkommen und Textur und schattieren das Gesicht und die Haare mit dem 0,2 leichter, aber ich gehe einfach zurück zu meinem 0,4 und gehe zurück auf die festen Bereiche der Masse in meinem Bild zu konzentrieren . Ich will mich noch nicht allzu mit den Details beschäftigen. Ich habe jetzt die meisten unserer barbarischen Charakter hier blockiert. Ich werde tatsächlich zu meinem 0,2 feinen Liner zurück, und Sie werden feststellen, dass es ein paar Bereiche gibt die mit Details wie dem Schulterpolster, einigen der Lederbereiche, dem Haar, aber auch der Axt. Ich habe nicht die Außenseite der Ränder der Axt gezeichnet, was selbst offensichtlich ein sehr solides Objekt ist, aber ich habe das verlassen, weil ich helfen möchte, Bewegung zu verwenden. Hier können wir ein bisschen fast wie ein Unschärfe-Effekt verwenden , den wir mit Tinte erstellen können. Um dies zu tun, werde ich zunächst zu meinem dünneren Stift zurückkehren, einfach weil, wenn etwas verschwommen ist, es weniger fest ist, also wird das Gehen mit einem dünneren Stift helfen, diesen Effekt zu erzeugen, und dann werde ich beginnen, den Umriss meiner Axt zu zeichnen, aber ich werde nur einige Lücken zu hinterlassen. Also gehe ich sehr leicht um den Umriss der Axt, aber ich mache es fast in kleinen Strichen, gehe den ganzen Weg herum fülle es nicht absichtlich aus. Nun, was ich tun werde, ist sicherzustellen, dass ich das mit Zuversicht mache. Ich gehe zurück zu meinem Bleistift und mappe die Bewegung auf. Wenn er so herumwirrt, möchte ich nur ein paar Zeilen in diese Richtung machen. Wenn mir das gut anfühlt, was es tut, dann habe ich einige Richtlinien, die ich so befolgen kann. Ich werde jetzt 0,2 zurück bekommen. In diese Richtung werde ich nur ein paar verschwommene Linien hinzufügen. Einige von ihnen können ziemlich lang sein, einige können kurze Kleinen sein. Nur um die Bewegung zu brechen, folgen wir dieser Richtlinie, die wir erstellt haben, und wir können sogar einige anderen Bereichen der Axt hinzufügen , nur um zu zeigen, dass es mehr ist als nur die Klinge selbst, die sich bewegt, sogar seine Hand. Aber wir folgen dem Leitfaden, den wir bereits eingerichtet haben. Wir können wenigstens ziemlich grob damit sein. Wir können über bestimmte Bereiche gehen, wieder, einige lange, einige kurze, einige über die ganze Richtung der Axt, aber es ist ziemlich zufällig. Genau so hat diese Axt eine Menge Bewegung zu sich. Nun, wenn Sie der Silhouette etwas Kraft hinzufügen wollen, können wir zurück zu unserem 0,4 gehen und einfach einige der Bereiche der Kante, die nicht von dieser Linie eingedrungen sind, nur um sicherzustellen , dass das Auge weiß, wo der Umriss der Axt ist. Wir gehen nicht über alle Linien, nur dafür gesorgt, dass die Silhouette etwas Klarheit hat. Damit bin ich sehr zufrieden. Das sieht sicher so aus, als ob er es bewegt und herumschwingt. Nun, mit meiner 0,2, werde ich in einige dieser Bereiche gehen, wie das Schulterpolster, die Haare, das Leder, und ich werde einige Details hinzufügen. Ich werde wirklich entspannt sein, wie ich es mache. Ich bin sehr zufrieden mit dem, wo er ist. Wir sind noch nicht fertig, aber ich will dort nichts übertreiben. Ich möchte das Gleichgewicht des Bildes finden. Um das zu tun, werde ich den Rest mit einem ähnlichen Ansatz durchgehen. Dann können wir uns das Ganze ansehen und bessere Möglichkeiten finden, Kontrast, Tiefe und Trennung zwischen diesen Elementen hinzuzufügen . Ich bin fast bereit, weiterzumachen, aber bevor ich es tue, und jetzt, wo die Tinte trocken ist, werde ich die Konstruktionsskizze unter dem barbarischen Charakter löschen. Jetzt werden Sie feststellen, dass es ein wenig dunkel und schlammig aussieht , wo die Konstruktionsskizzen sind. Wenn Sie es löschen und Ihnen nur die Tinte zeigen, sieht es viel sauberer aus. Es ist wirklich klar, ob es irgendwelche Bereiche oder Details gibt , die Sie verpasst haben, die es wert sind hinzuzufügen. Das vereinfacht also wirklich das, was ich ansehe. Ich bin wirklich glücklich damit. Es sieht ziemlich episch aus, und es gibt mir auch viel Vertrauen, auf die nächste Stufe zu gehen. 9. Einfärbung von aufwendigen Umgebungen: genieße meinen Mittelgrund mit meinem Protagonist in der Plattform, werde ich mich an den 0,2 feinen Liner halten, was nur bedeutet , dass es ein wenig weniger schwer sein wird als der Vordergrundcharakter, aber ich werde es wirklich auf die gleiche Weise nähern, im Vordergrund zu Hintergrund arbeiten, beginnend mit unserem Protagonist, weil er der wichtigste Teil ist. 0,2 ist der dünnste Stift, den ich hier vorbereitet habe. Aber ich habe einen dünneren Stift, und ich werde ihn holen. Das ist ein 0,05. Wo das unsere 0,2 ist, das ist bei 0,05. Sie können nebeneinander sehen, sie sind nah, aber das ist fein und detailliert genug, dass ich viel mehr Flexibilität haben werde , wenn es um die Details des Gesichts geht. ich zusammenkomme, habe ich meinen Mittelgrund aufgeraubt. Ich werde anfangen, ein paar Dinge zu tun, um es noch schicker zu machen , als es anfängt zu schauen. Lassen Sie uns zuerst den Mittelgrund beenden, indem Sie ein wenig Textur hinzufügen. Nun ist die coole Sache, diese quadratische Plattform mit den Brettern in diese Richtung zu haben , unbeabsichtigt, aber glücklicherweise, es schafft diese Aktionslinien, die in Richtung des bevorstehenden Untergangs richten. Das ist mein guter Freund, Bob Ross, nennt es gerne einen glücklichen Unfall, aber wirklich ziemlich cool. Wir werden das betonen, indem wir meine 0,05 hier bekommen. Ich werde anfangen, einige Holzmaserung wirklich leicht hinzuzufügen, nur Linien folgen hier entlang. Wählen Sie einfach ein paar zufällige Stellen, nur um Bretter in Richtung ihrer Perspektive hinzuzufügen. Jetzt werde ich die Länge all dieser Bretter mit nur ein paar Wellenlinien hinauf gehen. Manchmal füge ich einen Knoten im Holz hinzu, aber sonst wird es ziemlich zufällig sein. Aber diese werden zu diesem Gefühl der Bewegung beitragen, die darauf gerichtet ist, wohin die Handlung geht. Nun, die andere Sache, die diese Textur tut, abgesehen davon, diese Aktionslinien zu betonen, ist, dass sie die Charaktere von der Plattform trennt, was wirklich sehr effektiv ist. Jetzt werde ich diesen Schritt weiter gehen und noch mehr Trennung schaffen , indem ich meinen Kalligraphie-Stift bekomme und die Umrisse herumgehe, die äußere Silhouette unseres barbarischen Charakters. Dann werde ich meine 0,4 bekommen und das gleiche um einen Protagonist machen. Fangen wir mit dem Barbaren an. Nun wird dies ein wenig anders sein als die einfache Tinte, die wir getan haben. Wir gehen um den äußeren Umriss herum, aber wir werden auch in einigen überlappenden Bereichen gehen , nur um sicherzustellen, dass wir Tiefe hinzufügen. Die andere Sache ist auch, weil wir den Kalligraphie-Stift verwenden, werden wir in manchen Bereichen dicker und in anderen dünner werden. Ich fange mit der Axt und der Hand an. Dies wird ziemlich dick sein, weil dies der prominenteste und verkürzte Bereich des Charakters ist. Ich werde mit der Axt folgen und dünner werden, wenn wir weiter weg sind. Das ist mein barbarischer Charakter. Jetzt, mit meinem 0,4, werde ich um den Protagonist und nur die Ränder der Plattform gehen . Jetzt, da ich diese Umrisse gemacht habe, können Sie sehen, dass ich eine recht anständige Trennung zwischen Vordergrund und Mittelgrund geschaffen habe . Die Textur der Bretter hilft wirklich auch, die Charaktere selbst hervorzuheben. Jetzt gehen wir in den Hintergrund. Ich werde meine 0,2 und meine 0,05 nehmen. Jetzt möchte ich in den Hintergrund gehen. Ich will nicht so viel tun, dass ich die ganze Szene beschäftigt mache. Es ist schon viel passiert und es funktioniert ziemlich gut. Ich werde mich auf zwei Dinge konzentrieren. Erstens, ich werde die Türme und einige der Spikes herausstechen. Zweitens, Ich werde die Atmosphäre, und die Szene, und Tiefe durch Hinzufügen ein wenig Rauch, und Wolken, und Staub im Hintergrund. Bevor wir mit den Türmen beginnen, die im Mittelpunkt stehen werden, bin ich eigentlich bei meinem 0.05 und werde nur einige sehr raue Wolken zeichnen. Die werden einfach über alles sein, was ich gerade zeichne. Der Grund, warum ich das zuerst zeichne, ist, weil einige der Türme durch Bereiche der Wolken gezogen werden und es wird sich ändern, wie ich sie zeichnen werde. Wo zum Beispiel die Wolken vor den Objekten liegen, die ich zeichne, werden sie hinter dem Rauch silhouettiert. Es wird anders gezeichnet. Aber wo immer sie dahinter sind, werden die Linien natürlich dicker und alles wird klarer. Der Rauch bewegt sich alle mit dem Wind in die gleiche Richtung. Ich werde das alles so schieben. Ich werde später mehr hinzufügen, aber ich beginne gerade mit ein paar Grundlagen, die ich als ein bisschen eine Anleitung verwenden kann , die sich vorwärts bewegt. Ich werde zu meiner 0,2 gehen. Ich werde anfangen, die Spitzen von Spikes und Türmen zu zeichnen. Hier können wir anfangen, ein bisschen Phantasie zu bekommen. Wir können unserem Hintergrund etwas mehr Tiefe hinzufügen, ohne zu viel Geschäftigkeit oder Detail hinzuzufügen. Wir können den Effekt dieses Rauchs und Ambiance auch noch verstärken, indem wir auf unseren dünnsten feinen Liner wechseln und einfach nur dort schattieren, wo Formen wären. Nehmen wir an, wir wollen zum Beispiel auf eine Turmstruktur dahinter anspielen. Wir haben vielleicht eine andere Form als das, was wir haben. Kleines Dach, eine kleine quadratische Spitze hier drüben. Aber das ist mehr in den Rauch getaucht. Ich werde weiter in Richtung unserer vertikalen Perspektive schattieren. Wenn mehr Linien überqueren, werde ich mehr von diesem Winkel gehen und den ganzen Weg über, werde ich in Richtung dieses Winkels verlaufen. Genau so gibt es die Illusion, dass es hinter den Wolken eine Form gibt. Dass ich einige Rauchschichten hinzufügen kann, indem ich hier schattiere, aber diese Lücke in der Mitte verlasse, sogar noch ein paar Federn, ein bisschen Staub hinzufüge. Wir können das auch nutzen, um die Strukturen, die wir angefangen haben, wie dieser Turm hier fortzusetzen. Wenn wir tiefer in den Rauch gehen, können wir beginnen, unsere Schattierung hinzuzufügen. Je dichter die Struktur ist, desto näher an der Linie sollte zusammen sein, so dass sie ein wenig dicker aussieht. Je dicker der Rauch ist, desto dünner sind die Linien. Das ist auch ein bisschen zu spielen hier, nur bringen Sie es nahe genug, dass das Auge denkt, Sie hätten es genagelt. Ehrlich gesagt, ich bin wirklich zufrieden mit dem Hintergrund. Ich glaube nicht, dass es sonst noch etwas braucht. Ich habe nicht viel gemacht, aber ich will wirklich nicht viel tun. Ich denke, was ich getan habe, ist genau das, was ich tun wollte. Fügen Sie dieser barbarischen Atmosphäre hinzu, der Rauch trägt zu der Intensität und der Umwelt und all dem guten Zeug bei. Aber jetzt sind wir wieder da, wo wir uns auf unsere Charaktere konzentrieren wollen, was uns zu dem allerletzten bringt, was ich mit Tinten anfassen möchte, was Schattierung ist. Wir werden eine Menge davon mit Farbe machen. Ich will nicht über die Spitze gehen, aber es gibt einige Bereiche, die sicherlich etwas Aufmerksamkeit brauchen. Zum Beispiel, unter seinem Fell hier, sollte das ziemlich vollständig schattiert sein, aber ich möchte die Textur hinzufügen. Ich werde nur mein Bild drehen und einfach, mit meinem Kalligraphie-Stift, dick zu dünn in schneller Folge, aus unter der Kapsel heraus. Das wird nur das Gefühl erzeugen, schattiert zu sein, aber auch ein bisschen wie ein Farbverlauf. Ich werde einen gleichmäßigeren Stift nehmen, sagen wir meine 0,2. Es gibt einige Bereiche, in denen ich einfach komplett schattieren möchte, wie dieses zerrissene Tuch. Ich möchte, dass dies eine Textur und ein Material ist, das in den Hintergrund geschoben wird und eine vertraute Konsistenz hat, wo immer es erscheint. guter Letzt Zuguter Letztmöchte ich ihm nur noch ein wenig Tiefe verleihen. Um dies zu tun, werde ich bei meinem 0.2 bleiben und ich werde nur einige wirklich dünne Linie Schattierung unter den Augenbrauen hier hinzufügen . Das wird sich unter den Augen verdunkeln. Es wird ihn ein wenig bedrohlicher und intensiver aussehen und es hat den zusätzlichen Effekt, dass etwas versteckt, dass kleine Linie Fehler hatte ich vorher, und nur in der Regel geben seinem Gesicht ein wenig mehr Form. Ich werde das Gleiche um sein Gesicht machen. Wählen Sie einfach ein paar Bereiche, die ich vertiefen möchte und schieben Sie eine Weile ein wenig, und fügen Sie einfach etwas von dieser Schattierung hinzu, nur um das Los ein wenig herum zu schieben. Auch hier werden wir viel mehr mit Farbe tun, wenn es um Beleuchtung geht. Aber manchmal ist es wirklich hilfreich, Linien zu verwenden, um Dinge herumzuschieben. Zum Beispiel ist dies in der Zunge die Innenseite des Mundes. Ich brauche das nicht, um herausstechen zu können. Ich werde nur meine Linien verwenden und wirklich eine Menge Detail in das, und wirklich feine Linien, um das zu schattieren. Da haben wir es. Dies ist mein abgeschlossenes extrem cooles Kunstwerk eines Kampfes auf der Spitze eines barbarischen Turms. Jetzt könnte ich so glücklich sein, wie es ist, und ich bin sehr glücklich damit. Davon abgesehen, ich werde dies auch scannen, nur damit ich ein Backup habe, aber es ist Zeit, zum Hauptereignis weiterzugehen; Farbe. 10. Auswahl deines Farbschemas: In dieser Lektion werden wir experimentieren und ein bisschen Brainstorming mit den Farben machen. Dann werden wir in unserer nächsten Lektion diese Farben anwenden. Nun, wie Sie sich vorstellen können, werde ich das nicht auf meinem Handy machen, viele Werke. Ich werde das zur Seite bringen, und hier gibt es einen weiteren Vorteil, wenn Sie Ihr Kunstwerk einscannen. Weil ich sie gescannt habe, konnte ich sie duplizieren und vier von ihnen auf eine Seite setzen, was mir erlaubt, nur ein paar verschiedene Optionen zu haben und ein bisschen ein Spiel zu haben. Beginnen Sie mit einigen klugen, sicheren Vermutungen und gehen Sie dann ein wenig außerhalb meiner natürlichen Instinkte, um zu sehen, ob ich etwas Cooles zum Arbeiten finden kann. Jetzt haben wir hier zwei sehr unterschiedliche Kunstwerke. Es versteht sich, dass wir, wo Sie zwei verschiedene Ansätze mit Farbe haben, den gleichen Prozess durchlaufen werden, um ein Endergebnis zu erzielen, aber die Medien selbst werden anders sein. Für mein actiongeladenes komplexes Stück werde ich meine Farbauswahl Marker verwenden. Dann für dieses Stück, meine skurrilen glücklich gehen glückliche kleine Kinder im Spielplatz Stück, werde ich mit einigen Buntstiften. Wir beginnen mit dem Farbschema, das Ihnen zuerst in den Sinn kommt. Wenn wir das aus dem Weg kriegen, lässt das Raum für Experimente. Wie Sie sehen können, ist es ein wirklich entspannter Prozess. Mach dir keine Sorgen um Texturen, mach dir keine Sorgen darüber, dass du in den Linien bleibst. Dies ist nicht ich verfeinert Färbeprozess. Es geht wirklich nur darum, die Farben herunterzuschlagen und zu sehen, wie die Dinge zusammen aussehen, und eine gute Balance zu finden. Genau wie unsere Thumbnail Skizzen und unsere Brainstorms skizzieren, ist dies eine Brainstormfärbung. Nun, wenn ich zum Thumbnail Nummer 3 komme, versuche ich, mit einigen neuen Elementen oder Ideen zu experimentieren. Zum Beispiel, im Hintergrund hier habe ich ein bisschen wie ein Sonnenaufgang, und ein bisschen eine dunkle Straftat, einige breitere Farben in der Schaukel Set und Kaffeehaus, und in diesem Fall die Illustrationen ganz einfach. Nachdem ich drei Thumbnail-große Farbbeispiele gemacht habe, habe ich eine ziemlich klare Vorstellung davon, was ich denke, funktioniert, und versuche, eine Zusammenstellung dieser Dinge in das vierte Thumbnail zu erstellen, was meiner Meinung nach ziemlich gut geworden ist. Etwas von einem einfachen blauen Farbverlauf am Himmel, [unhörbar] beim Mädchen und [unhörbar] beim Jungen. Im Allgemeinen sind die Farben im Hintergrund und in der Umgebung viel weicher als die auf den Charakteren und den Requisiten. Insgesamt fühlte ich mich wie Nummer vier, so ziemlich traf die [unhörbaren] auf den Kopf. Ich werde sehr zuversichtlich sein, mit diesem Farbschema in meinem letzten Stück voranzukommen. Jetzt auf eine anspruchsvollere Illustration. Ob Sie es glauben oder nicht, der Prozess ist ziemlich genau der gleiche. Es ist chaotisch, es ist ziemlich zufällig, in den Farben zu schlagen, die Ihnen im ersten Terminal in den Sinn kommen, und dann beginnt zu experimentieren. Der einzige Unterschied zwischen diesem und der einfachsten Abbildung ist, dass es noch ein paar Dinge zu beachten gibt, insbesondere Beleuchtung, Schattierung, und ich denke, man könnte einige Spezialeffekte sagen. Zum Beispiel haben wir etwas Rauch und Feuer im Hintergrund, und wir möchten vielleicht damit spielen, wie das Licht von der Haut reflektiert und wie Schatten in der Szene tanzen können. In Thumbnail 2, Ich ging ein wenig extremer, als ich vielleicht haben sollte, mit wirklich brachte gelbe Felgenbeleuchtung um die Ränder des Charakters mit Blick auf den Hintergrund, und einige harte heiße Highlights in die entgegengesetzte Richtung. Das war ein bisschen extrem, aber es hat mir gesagt, dass ich damit spielen könnte. Ich habe nur falsch mit ihm gespielt. Ich mochte jedoch, wie der Horizont aussah. Der wellenförmige orangefarbene und gelbe Rauch trennte den Vorder- und Mittelgrund beim Aufstellen der Szene vom Hintergrund. Für Thumbnail 3 entschied ich mich, mit viel neutraleren Drehungen im Vordergrund und im Mittelgrund zu experimentieren , mit der Idee, dass ich, sobald ich all diese Dinge in einer Weise, mit der ich zufrieden war, experimentieren konnte, indem ich mehr extreme Farben und Hervorhebungen an der Spitze. Ich ging ziemlich extrem mit dem Hintergrund, die entweder zu verbessern, Ich war ein großer Fan von. Aber das Ziel mit um die Charaktere und die mehr orangefarbenen Farbtöne in den Schatten der Charaktere, fühlte ich mich wirklich gut funktioniert. Eine andere Sache, die ich fühlte wirklich gut funktioniert auch, ist das Hinzufügen von Schatten auf der Plattform, dass die Charaktere waren auf in der entgegengesetzten Richtung der Flammen unter ihnen, Hinzufügen der Intensität der Hitze und des Feuers, die Protagonisten könnten jetzt voll in sein. Ich versuchte, all das in einem vierten Thumbnail zusammenzufassen , um zu versuchen, all die Bits darzustellen, die ich mochte, und ich habe es nicht genau richtig verstanden, um ehrlich zu sein. Ich fühlte mich, als ob einige der Elemente ziemlich gut ausbalanciert waren. Aber im Allgemeinen neigt es dazu, dass es ein bisschen etwas in jedem Thumbnail gab , das ich wirklich mochte. In meinem ersten Experiment mochte ich das Farbschema des Protagonisten wirklich. Es fühlte sich edel, aber auch ein wenig bodenständig, und schön und Trauer. Ich wollte für diesen Begriff gehen, was ich bin. Im zweiten Experiment mag ich den Himmel im Hintergrund wirklich. Im dritten Experiment mag ich den Weg nach oben mit Schatten auf der Plattform, die von der Richtung der Flammen weggeschoben werden. Dann die vierte, ich mochte wirklich die Balance der Beleuchtung auf unserem barbarischen Charakter im Vordergrund, die goldenen Kanten und die heißen Orangenschatten. Nach dem Durchlaufen des gleichen Prozesses mit beiden meinen Illustrationen hier.. Auf der einen Seite habe ich eine Illustration, die eine ziemlich klare Richtung hat. Auf der anderen Seite habe ich ein paar Richtungen, die ich mag, die ich versuchen werde, in meinem letzten Stück zusammenzustellen. Zu einem Endergebnis zu kommen und davon voranzukommen, ist wirklich gut. Aber auch Sie müssen kein Farbschema oder Thumbnail-Test haben, das perfekt funktioniert, Sie können einfach die Elemente entdecken, die Sie gut mögen. Wenn Sie sich sicher genug fühlen, sich vorwärts zu bewegen, können Sie diese Stücke einfach nehmen und sie in Ihrer letzten Illustration zusammenstellen. So oder so, die nächste Stufe, die beinhaltet, das, was wir hier gelernt haben, zu nehmen und es auf unsere abschließende Illustration anzuwenden , wird sicherlich spannend sein. 11. Hinzufügen von Farbe mit Bleistiften: Ist es nur ich oder einfach nur sehr monumental? Wir haben eine intensive Reise gemacht, um zu diesem Punkt zu kommen , wo wir beide unsere Illustrationen Farbe hinzufügen werden. Es fühlt sich an wie eine große Sache, und es ist, aber zur gleichen Zeit, es muss nicht beängstigend sein ähnlich wie die Annäherung an Tinte ja, bis zu einem gewissen Grad gibt es ein Element, nicht in der Lage zu sein, rückgängig zu machen, was Sie hinlegen, und das kann beängstigend sein. Aber zur gleichen Zeit haben wir genug Vertrauen in unsere Experimente mit Farbe etabliert. Auch in der Zeit, die wir damit verbracht haben, die Illustrationen, die wir erstellen, kennenzulernen, dass wir in der Lage sein sollten, voranzukommen und den Prozess wirklich zu genießen. Beginnend mit einem etwas einfacheren Ansatz und mit meinen Farbstiften und dann mit einigen, ich denke, man könnte sagen, ein wenig anspruchsvollere Elemente mit diesem Stück. Denken Sie an Dinge wie dynamische Beleuchtung und Schattierung und Felgenlichteffekte und alle möglichen coolen Sachen. Darauf kommen wir später. Beginnen wir mit unserem farbigen Bleistift-Stück. Also werde ich für eine ziemlich flache Färbung Stil gehen, aber ich will nicht zu viel von der Bleistift-Textur zu zeigen, zumindest Linien der Schattierung. Um dies zu erreichen, schattiere ich wirklich Licht, halte zwischen den Linien und halte meine Streiks wirklich glatt und konsistent. Sobald ich das Gefühl habe, dass ich in eine kleine Ecke gefangen sein werde , wo nach mehr Druck angewendet wird, drehe ich einfach meinen Winkel, um mehr Konsistenz zu erhalten. Je mehr Erfahrung Sie mit den Bleistiften haben, desto mehr lernen Sie zu spüren, welche Form die Spitze der Mine unter Ihren Händen ist. Wenn es sich also ein bisschen stumpf anfühlt, drehen Sie den Bleistift, um eine schärfere Spitze nach unten zu bekommen, so dass Sie mehr Pigment auf dem Papier bekommen können. Es gibt also eine Ebene der flachen Farbe, aber ich werde tatsächlich von Anfang an hinübergehen und ich gehe diesmal in einem anderen Winkel nach unten als die erste Schicht, in der ich hinunterging. Ich gehe einfach so reibungslos wie möglich über die Gesamtheit der gleichen Farbfläche. Nun werden Sie auch bemerken, dass es in der Nähe der Ränder ein bisschen leichter ist, weil wir auch versuchen, nicht über die Ränder zu gehen, und dabei gehen wir nicht wirklich den ganzen Weg bis an die Ränder die ganze Zeit. So können Sie einfach zurück und fügen Sie ein wenig zusätzliche Liebe zu den Rändern dort. Nun ist es wichtig, über den Sortierstil und die Ästhetik nachzudenken, für die Sie gehen, und in diesem Fall möchte ich einige wirklich helle schöne, satte Farben mit unseren Hauptfiguren, dem Hund und der Schüssel. Mit allem anderen werde ich es halten, um ein oder zwei Schichten wirklich weicher, glatter Farben zu mögen . Dies ist die dritte Schicht dieses Mal, und ich bekomme eine ziemlich glatte, flache Farbe, ändere meine Richtung jedes Mal und halte meine Striche wirklich glatt. Aber wenn ich es so mache, bedeutet das, dass ich das Papier nicht in meiner ersten Ebene verbeulle und harte Texturen erstelle. Also, da hast du das ziemlich gut geformt, ich beende es jetzt und das ist meine vierte Farbschicht für die einzelne Farbe des Hemdes. Das ist ziemlich unkompliziert, wenn es um eine einzelne Farbe geht. Aber was ich demonstrieren werde, ist das Verschmelzen. Sorry, die Hauttöne, zum Beispiel, wenn es um Bleistifte geht, bin ich notorisch nicht großartig. Ich meine, für Charaktere wie diese, wenn ich eine pfirsichige Hauttöne wollte, das sind die Farben, die in den Stiften kommen und um das Pigment runter zu bekommen, müssen Sie am Ende ziemlich hart drücken, und das Endergebnis ist eigentlich ziemlich fade, oder zumindest denke ich es. Also, was ich gerne mache, ist, meine eigenen Farben zu mischen. Also habe ich drei Bleistifte hier. Ich habe ein hellrosa, ein mittelwarmes Braun und ein Gelb. Ich fange gerne mit dem Rosa an und mache, was ich mit dem roten Hemd gemacht habe. Aber über alle Hauttöne, erhalten Sie nur eine wirklich gleichmäßige Farbe eines sehr hellrosa. Also habe ich über die Haut dieses Charakters mit ein paar Mänteln der rosa gegangen, halten eine ziemlich viel mit genug Platz um einige mehr Farben hinzuzufügen, ohne dass es zu gesättigt. Also jetzt zu den wärmeren Braun, und ich werde das gleiche tun, aber dieses Mal wird noch leichter mit meiner Anwendung. Dies wird den Hautton ein wenig neutralisieren. Verwendung eines warmen Braun fügt dem Hautton ein wenig Tiefe und Wärme hinzu, macht es aber auch etwas erdiger und etwas weniger gesättigt. Der andere Vorteil der Arbeit mit mehreren Farben, wie ich für den Hautton hier tun, ist es Ihnen ermöglicht, in fünf, sechs, sieben Schichten zu arbeiten , im Gegensatz zu einem oder zwei. Dies mit mehreren Farben zu tun und mit Ihren Strichen in verschiedenen Ebenen und Richtungen zu arbeiten , am Ende glaube ich, dass Ergebnisse zu einem viel glatteren Ergebnis und eine lebendigere und variantenreiche Anwendung der Farbe. Also habe ich eine wirklich leichte Schicht von diesem warmen Braun gemacht. Jetzt werde ich zu meinem Gelb übergehen und ich kann nicht genug betonen , wie leicht du mit diesem Gelb sein musst. Es fügt der Haut nur ein wenig Leben hinzu. Aber denken Sie daran, es ist gelb in braun, also halten Sie es wirklich hell hier. Dies ist nur, um ein bisschen ein Leuchten hinzuzufügen, das ich finde, besonders mit einer skurrilen Illustration wie dieser, ist ziemlich schön. Jetzt habe ich mich gerade bemerkt, und es ist erwähnenswert, dass, wenn ich wirklich viele Anwendungen anwenden , die mit den Farbstiften geschnürt sind, ich den Bleistift ziemlich weit zurück halte und mir erlauben, wirklich leicht zu haben , aber schnelle und sehr schonende Anwendungen der Farbe. Ich weiß nicht, dass ich das Gefühl habe, dass es mir ein wenig mehr Kontrolle gibt, aber auch die Anwendung schön und subtil hält. Dieses Ergebnis in diesen Farbebenen ist meiner Meinung nach einfach wirklich cool. Also werde ich mich durch den Rest des Stücks bewegen und dasselbe tun. Wie Sie sehen können, wiederholt sich der Prozess so ziemlich. Schicht für Schicht, Hinzufügen von Farbe, gelegentlich werde ich in einem anderen Farbton oder einer anderen Farbe mischen , nur um den Ton in die Richtung zu bewegen, die ich will. Aber sonst, im Allgemeinen sind es etwa drei oder vier Schichten, wenn ich für eine wirklich starke Farbe, die ich für die beiden Hauptfiguren, den Hund und den Ball gehen . es in den Hintergrund kommt, bleibt mein Ansatz gleich, aber die Anwendung ist nur viel leichter. Also mache ich immer noch drei oder vier Schichten für jeden Abschnitt. Gelegentlich mischen andere Farben, aber ich richte einfach nicht so viel Druck aus. Wenn überhaupt, halte ich den Bleistift etwas weiter zurück. Meine Bewegung ist etwas breiter und ich versuche nur, eine Trennung in der Intensität zwischen dem Fokus des Stückes und einem weichen Hintergrund zu schaffen . Hier haben wir es, das erste von zwei fertigen Kunstwerken. Alles war ein Entdeckungsprozess, aber es war nicht 100 Prozent sicher, bis ich fertig war. Jetzt fertig, ich liebe es. Ich hoffe, Sie haben es genossen, mit mir zu kommen , um dieses Stück von Anfang bis Ende durch zu sehen. Apropos, es ist Zeit, zwei der beiden Stücke zu beenden. Wir sehen uns in den nächsten Lektionen. 12. Hinzufügen von Farbe mit Stiften: Wir haben meine Arbeit für mein ehrgeizigeres, dreckiges Stück hier. Ich habe meine Farbauswahl, die ich auf die Seite setzen werde, ist eine Referenz hier, einfach, weil ich nie auf einem Thumbnail angesiedelt, Ich habe eine Mischung von Dingen, die ich weiß, ich mag. Hier ist es wichtig, nochmals hervorzuheben, dass ich nicht weiß, was ich vorwärts mache. Ich weiß, was ich versuchen werde. Ich weiß nicht, ob es funktionieren wird, aber ich freue mich darauf, zu sehen, ob es so ist. Jetzt sind Marker sehr ähnlich wie Farbstifte. Wenn Sie in Ebenen arbeiten, verwenden Sie Überblendungen, um Farbmischungen zu erstellen. Das Fertigstellen dieses Stückes mit Farbe wird in seinem Ansatz ähnlich sein. Es wird nur ein bisschen mehr Zeit und Gedanken in Anspruch nehmen. Ich werde nur viel langsamer gehen, weil es offensichtlich noch viel mehr zu berücksichtigen gibt. Während ich mit den Markern arbeite, werde ich einige der Unterschiede zwischen diesen und den Bleistiften hervorheben. Die erste, die offensichtlichste ist, dass sie sehr stark sinken. Bleistifte nehmen viel Ermutigung, um die Pigmente auf dem Papier zu befestigen und einen wirklich gleichmäßigen Blick zu bekommen. Marker, auch die helleren Farben, wenn Sie sie in ein paar Strichen anwenden, gehen sie ziemlich stark nach unten. Dann, wenn Sie sie noch weiter oben darauf anwenden, um einen gleichmäßigen Blick zu bekommen, ist es ziemlich dunkel, wenn Sie fertig sind. Dies ist eine sehr helle Farbe. Wenn das ein Hautton ist, mit dem ich arbeite, ist das ziemlich dunkel für eine Basis. Ich neige dazu, mit dem Hautton zu beginnen, der so leicht wie möglich für den Ton ist , an dem Sie mit der Haut arbeiten. In diesem Fall hat unser Vordergrundcharakter ziemlich viel Hautton und unser Hintergrundcharakter ist ein bisschen eher ein Sepia und brauner Hautton. Ich werde nur ein paar leichte Basen für jeden dieser Hauttöne bekommen und die Grundfarben niederlegen. Die Art und Weise, wie ich hier Farbe anwende, wird sehr inkrementell und ich bedenke auch, was als nächstes kommt. Insbesondere in diesem Fall habe ich einige Lichteffekte, die ich um die Kanten hinzufügen möchte, die untere Kante auf der Vorderseite des Charakters, ein bisschen eine orangefarbene Hitze, und dann an den hinteren Rändern etwas gelb. Also werde ich eigentlich nicht den ganzen Weg bis zu diesen Rändern besonders färben, weil ich sicherstellen möchte, dass die Farben, die ich am Ende für diese Lichteffekte wähle, in weil ich sicherstellen möchte, dass die Farben, die ich am Ende für diese Lichteffekte wähle Lage sein werden, auf eigene Faust zu stehen, ohne sich mischen zu müssen oben auf dem Hautton, den ich gewählt habe. Sie werden bemerken, dass ich an einigen Stellen über die Ränder gehe, weil ich mit so einem hellen Ton arbeite, das spielt keine Rolle. Sobald ich in den Schatten komme, muss ich viel genauer sein, aber ich bin immer noch ziemlich entspannt. Also habe ich gerade die Highlights der Hauttöne gemacht. Ich werde zu den Mitteltöne übergehen, aber ich werde mich erst später um Schatten sorgen. Sie finden einen Hautton, Mittelton, das ist ziemlich gut. Mit Markern können Sie einige schöne Farbverläufe erstellen, indem Sie weiter verschmelzen. Sobald ich also meinen Mittelton abgelegt habe, kann ich zu meinem ursprünglichen Ton zurückkehren und diesen einmischen, um einen netten Mix zu kreieren. Der Alkohol wird sich auf der Seite mischen und sich zwischen Ihrem Mittelton und Ihrer hohen Linie mischen, was der Grund für die Liebe mit Alkohol Marker ist. Das sind alle Hauttöne in meinem Bild fertig. Wirklich, es ist ganz einfach, sich vorwärts zu bewegen. Ich mache das für jeden Abschnitt. Also, nur um so klar wie möglich zu sein, hier ist, wie ich alle Farben aufbaue. Ich lege nur diese flache Hervorhebungsfarbe lasse ein leeres Weiß an den Rändern , wo später etwas Licht reflektiert wird. Dann füge ich einen Mittelton hinzu, den ich in der Mitte und auf der rechten Seite verschmelze, um ein bisschen dreidimensionales Aussehen zu schaffen und die Szene so einzurichten, dass sie ein bisschen konsistente Beleuchtung hat. Ich werde das durch all die verschiedenen Abschnitte tun: die Alma, das Tuch, der Turm selbst, und der Hintergrund wird ein bisschen eine andere Bestie sein. Also werden wir das genauer behandeln, wenn wir es erreichen. Das kommt wirklich zusammen, aber wir sind noch nicht einmal zu den verrückten Sachen gekommen. Wir haben gerade einige Grundfarben in den Hauptbereichen aufgestellt. Jetzt werde ich vorwärts gehen und den Hintergrund ausfüllen. Ich werde es ziemlich rau und locker halten , denn am Ende des Tages ist es der Hintergrund, ich möchte es zurückschieben, den Fokus auf den Spaß behalten, aber wir werden anfangen, ein wenig Wärme zu integrieren. Bevor ich zu den feurigen Sachen komme, werde ich eigentlich nur einige flache Holzfarben für die oberen Bereiche der Plattformen und Spikes füllen . Wie ich bereits erwähnt habe, halte ich das ziemlich rau, weil ich in Rauch schichten werde und dann werde ich alles erweichen, mit nur Alkohol darauf gelegt später; sehr locker, Füllung in den oberen Bereichen, speziell die hölzernen Türme, die aus dem Feuer und Rauch stechen. Ich mache das alles nur mit der einen Farbe, den Seilen, den Plattformen und den Säulen, einfach weil ich einmal anfange, in all den Rauch und all die Feuereffekte zu schichten, na ja, wenn ich mir Zeit genommen habe, verschiedene Farben zu machen, du würde es nicht bemerken. Das reicht nur für die hölzernen Flächen. Jetzt werde ich anfangen, in den Rauch zu ziehen. Ich werde mit meinen Grauen beginnen und ich werde langsam die Hitze hinzufügen. 13. Erzeugen von Effekten mit Farbe: Jetzt werde ich anfangen, in den Rauch zu ziehen. Ich werde mit einer Nummer 3 beginnen, die ein mittel- bis hellwarmes Grau ist und ich werde langsam meinen Weg zurück zu Nummer 1 arbeiten, was sehr leicht ist. Ich fülle nur die tieferen Bereiche der Wolke aus und ich puppe diesen Rauch nur sehr locker nach oben, die Einrückungsbereiche der Wolken auswähle, die ich verdunkeln möchte. Ich will, dass die Wolken dunkler werden, je höher wir sind, weil ich will, dass der Boden so aussieht, als wäre es ein Glühen mit Feuer. Das reicht für meine warmen Grautöne. Ich werde in ein wenig zu meinen Grauen zurückkehren, aber jetzt möchte ich anfangen, etwas Hitze zu setzen. Ich werde ein schönes, wirklich entsättigtes Hellgelb finden . Ich arbeite von unten auf der Plattform aus, was der unterste Teil der brennenden Stadt hinter ihnen ist. Ich schiebe nur so hoch und dann werde ich das langsam in die Wolken einarbeiten. Die Sache mit Wolken und Rauch ist, dass es aus Partikeln und Partikeln besteht, die Licht mit ihnen interagieren . Deshalb werden wir unseren Rauch von unten beschatten , weil das Feuer darunter ist. Ich bringe nur dieses Gelb ein und schiebe es gegen den Boden der rauen Wolken, die ich hingelegt habe. Ich kann damit ziemlich aggressiv sein, weil ich möchte, dass der gesamte Hintergrund ziemlich heiß ist. Ich fange an, das in all meine warmen Grautöne auszuarbeiten. Dies wird fast den gesamten Hintergrund füllen. Ich werde es nicht legen, nur halten Sie sich flach, weil ich möchte, dass einige helle Bereiche und etwas Raum, um noch heißere Farben zu legen. Wir beginnen die Hitze hier drinnen. Ich werde in eine wärmere Richtung gehen. Ich denke, ich möchte, dass die Kanten ziemlich hell sind und in Flammen aussehen, was bedeutet, wenn ich dunkler und gesättigter in die Hitze werde, werde ich in die Wolke gehen. Ich beginne in den tieferen Gebieten der Wolken, arbeite mich hoch und werde hier oben schwerer. Ich werde zwischen meinem Gelb und dieser Orange hin und her gehen und dann anfangen, sie zu mischen und dann jetzt miteinander zu mischen und etwas zwischen den beiden zu schaffen, während sie sich mischen. Ich werde mit so einer heißen Orange gehen. Das wird ziemlich dunkler, also werde ich hier ein bisschen majored sein, aber ich werde nur Bereiche zwischen den Wolken und mehr nach oben wählen , wo ich will, dass das Stück schwerer wird. Legen Sie einfach in einigen Versuchen, nur um den Wolken ein bisschen Form zu geben. Mit Alkohol Marker ist es gut, sich daran zu gewöhnen, zurück zu Ihren früheren Zeiten, speziell, wie Sie mischen von hell bis dunkel Schritt zurück zu der vorherigen Zeit, die Sie verwendet und überbrückt sie in einen Farbverlauf ist der beste Weg, um ein glattes Aussehen zu schaffen. Nun, ich bin fast fertig mit dem Hintergrund. Ich möchte nur ein bisschen auf dieser Intensität aufbauen. Ich werde das nur so aussehen lassen, als wäre schwarzer Rauch Styling, um je weiter wir von den Flammen entfernt sind. Dies macht einen extra kleinen Trick, um das heiße gerichtet nach unten und in Richtung der intensiven Kampfszene zu halten . Ich will nicht zu viel Intensität und Wärme weit weg von dort, wo ich will, dass die Leute suchen. Ich werde jetzt das Gegenteil machen und ich werde mir ein schönes heißes Gelb schnappen. Das ist ein säuregelb und ich werde hier um die Ränder gehen und wirklich grob bei diesen kleinen Leckagen. Ich zeige beinahe die Flammen an. In der Tat, lasst es uns tun. Fügen wir einfach ein paar Flammen hinzu. Ich flicke nur hoch und weg vom Rand der Plattform. Gehen Sie zurück zu meinem hellgelben und mischen Sie das in. Ziemlich großzügig mit meiner Mischung hier, nur um es schön und weich zu machen und zu sortieren, als ob es im Hintergrund verschwommen wäre. Ich werde einige Bereiche auswählen, um auch ein wenig Schatten hinzuzufügen , wegen der Intensität, die wir hier vor haben. Ich will nicht zu verrückt werden, aber ich denke, wenn ich diese Orange bekomme und ich werde einfach über einige Plattformen gehen , die klar in die entgegengesetzte Richtung des Lichts und der Flammen sein werden. Lassen Sie uns einfach ein wenig mehr Dimension, und das letzte, was ich im Hintergrund tun werde, jetzt, dass ich ziemlich glücklich mit dem Niveau der Wärme, die wir gehen, ist meine farblose Mixer bekommen, die, wenn Sie nicht an Alkohol Marker gewöhnt scheinen wie eine nutzlose Sache. Es ist buchstäblich nur Alkohol zu mischen und es scheint, als würde es wirklich nichts tun, aber es ist wirklich nützlich mit. Für so etwas wie all dieses Geschäft hier passiert, kann ich im Allgemeinen die mildern, ich denke, man könnte die Intensität, Sättigung und Textur des Hintergrunds sagen , indem man alles mit einem wirklich dicken Code von farbloser Mixer. Es verschmilzt nur die gesamte Tinte, die alle dort an der gleichen Stelle sitzt , zu einem kleinen Mix dort im Allgemeinen, und es zwingt alles, um die gleiche Textur zu halten. Leicht fleckige, leicht entsättigte, weit aussehende Textur, die fast wie ein Tiefenschärfe-Effekt wirkt. Es ist wirklich nützlich, etwas in den Hintergrund zu schieben. Nun, da der Hintergrund im Hintergrund ziemlich gut aussieht, lassen Sie uns den Vorder- und Mittelgrund wirklich hervorheben. Das ist es wert zu stoppen und nur kurz darüber zu reden , weil man sich dieses Stück ansehen und sagen könnte, dass das ziemlich gut ist. Ich nenne das ein fertiges Stück. Manche Leute könnten es. Dies ist der Punkt, an dem etwas wirklich intensives zu tun braucht viel Tapferkeit und Sie können sehr gut Ihr Kunstwerk ruinieren. Ich weiß nicht, was als nächstes passieren wird, aber es ist vielleicht nicht großartig. Aber zur gleichen Zeit habe ich gelernt, dass ich, indem ich diese Risiken einnahm und mit einigen meiner Entscheidungen wirklich gewagt bin, immer mehr eine Chance hatte, etwas zu bekommen, von dem ich extrem beeindruckt und stolz auf mich selbst für das Zeichnen bin . Versuchen wir es, und wir werden sehen, wo wir landen. Nun, ich habe beschlossen, das in zwei Bereiche zu trennen. Eins, gelb nach außen hin hin, woher diese Hitze kommt und wo sie alles sichtbar ist, und zwei, orange und eine dunklere heißere Farbe, die mehr auf die Perspektive des Betrachters gerichtet ist. Lassen Sie uns ein wirklich hellgelb bekommen und ich werde um all diese äußeren Kanten gehen , die auf die Wärmequelle zugewandt sind. Jetzt können Sie schon sehen, wie wichtig es ist, dass ich die Kanten hell und weiß gelassen habe, denn wenn ich mich in diesem Gelb mischen, ist es wirklich klar, wie absichtlich dieser Lichteffekt ist. Sie werden auch sehen, wie ziemlich schnell nur dies macht wirklich Sinn für das Bild, vor allem mit Bereichen wie diesem, wo wir einen blau getönten Amour haben. Wenn es zu blau ist, wo ich versuche, das Gelb zu mischen, wird es am Ende grün aussehen, was nicht der Effekt ist, den ich will. Was ich tun möchte, ist ein etwas intensiveres Gelb zu bekommen und ich werde nur über einige wirklich scharfe Kanten in den Bereichen gehen, die am meisten von dieser Lichtquelle getroffen werden. Dazu gehört auch die Plattform. Also gehe ich hier über die Ränder, nur um sicherzustellen, dass die Plattform sich anfühlt, als wäre sie auch gegen die Hitze. Nun, es ist wichtig zu wissen, wann ich aufhören soll , und das neigt dazu, eines der Dinge zu sein, mit denen ich kämpfe, weil ich ein wenig übererregt werde. Ich bin ziemlich glücklich damit und wo es ist. Das Letzte, was ich tun möchte, ist, den Schatten etwas Intensität hinzuzufügen und ich könnte dies wieder ein fertiges Stück nennen und wer weiß, wie das nächste Stück gehen wird, vielleicht ist dies der Ort, um aufzuhören. Aber ich möchte wirklich versuchen, den Schatten viel Intensität hinzuzufügen, indem einige heimere Farben verwende, in denen ich normalerweise einige Schattenfarben verwenden würde. Dies ist nur, dass hellorange, aber es anstelle von wo ich normalerweise Schatten setzen würde und gleichmäßig auf alle Farben, die ich hoffe, wird Titel in zusammen und fügen Sie ein Gefühl der Intensität. Nun, wenn wir es weicher machen wollen, sagen wir zum Beispiel auf dem Hautton, kann ich einfach zu meinen ursprünglichen Farben zurückkehren ein wenig zurückmischen. Ich behalte den Effekt, den ich hinzugefügt habe, aber es mildert nur die Anwendung sehr leicht. Ich bin ziemlich glücklich, wo der Barbar ist, und wie Sie sehen konnten, hat es einen ziemlich drastischen Unterschied gemacht. Er ist vor allem Gelb- und Orangen jetzt mit den ursprünglichen Farben drängen durch und prägen den Gesamtlook. Ich werde hier zu unserem Protagonist übergehen und ich werde dasselbe tun. Wieder konzentrieren sich auf die Bereiche der Schatten oder wo immer Schatten normalerweise geworfen werden würde, oder in die entgegengesetzte Richtung der gelben Lichter, die ich platziert habe und das Feuer hinter ihm nur in dieser Orange arbeiten. Das funktioniert also ziemlich gut, und dann nicht zuletzt sind sie auf der Plattform und ich habe der Plattform nicht die Schatten gemacht. Ich werde genau das Gleiche tun. Wo auch immer die Schatten der Plattform sind, ich arbeite in dieser Orange. Ich werde auch anfangen, ein bisschen eine Orange in einem Gradienten weg von den Flammen auf der gesamten Plattform aufzubauen . Es wird ein bisschen eine gleichmäßige Hitze über das ganze Stück hinzufügen , weil dies der einzige Bereich des Bildes ist , der nicht die gleiche Menge an Liebe und Wärme erhalten hat, und dann last but not least sind wir endlich am Ende dieses Stückes. Ich habe einen kleinen Trick, den ich gerne mache, nämlich schnappen Sie sich einfach einen weißen Gelstift und ich werde diesen einfach verwenden, um einige Kanten aufzuräumen oder etwas Akzentuierung hinzuzufügen. Besonders bei einem Stück wie diesem sollten wir viele Hot Spots haben, vor allem, je näher wir uns der Flamme nähern. Ich werde nur diesen Stift verwenden, um eine echte helle Kante und ein paar Punkte und Reflexionen direkt vor dem Feuer hinzuzufügen . Abgesehen davon, dass ein wenig Bereinigung und Intensität hinzugefügt wird, hilft dies auch, die Elemente wieder zu trennen. Denn jetzt, wo alles eingebettet ist und sich alles heiß und ähnlich anfühlt , könnte es sich ein bisschen flach anfühlen. Die letzten Schritte machen viel. Sie fügen nur eine Menge hinzu. Ob Sie denken, dass es funktioniert oder nicht, ist immer eine Frage Ihrer eigenen Meinung. Aber ich habe wirklich das Gefühl, was ich hier wollte, war eine heiße, intensive Kampfszene und ich fühle mich, dass wir das haben, und da haben wir es. Wir sind an unserem endgültigen Ziel angekommen. Zwei völlig unterschiedliche Kunstwerke, völlig unterschiedliche Stile, Intensitätsstufen, um Herausforderungen für mich persönlich zu schaffen und doch fühle ich mich so zufrieden mit beiden. Ich habe wirklich das Gefühl, dass ich mit jedem Kunstwerk etwas ganz Besonderes machen wollte, und ich konnte das erreichen, weil die Schritte, die ich durchgemacht habe, die ich mit dir geteilt habe. Ich hoffe wirklich, dass Sie sich ermächtigt gefühlt haben und Sie eine ganze Reihe von Tipps und Tricks bekommen haben , die Sie auf Ihren Prozess anwenden können . Ich hoffe wirklich, dass Sie sich selbst genossen haben und ich hoffe Sie genießen das Endergebnis meiner Kunstwerke, denn am Ende der Kunst geht es darum, Dinge zu machen, die Sie gerne sehen möchten, und ich hoffe, Sie haben es gern gesehen. 14. Letzte Gedanken: Wir haben es geschafft. Wir sind auf der Seite. Nun, ich wollte zum Schluss ein paar meiner Gedanken erzählen, denn am Ende des Tages ist diese ganze Sache eine Reise und du bist an einem Punkt auf deiner Reise. Ich möchte nur ein paar Perspektiven teilen, die ich auf meiner Reise als Künstler in verschiedenen Medien auf verschiedenen Plattformen gewonnen habe . Ich denke, das Wichtigste, was ich betonen möchte und Sie von meiner Klasse wegnehmen lassen möchte, ist ein Gefühl der Ermächtigung und des Vertrauens. Nicht, dass du es jedes Mal richtig machen wirst, aber dass du dich vorwärts bewegen wirst, und das war's. Wenn du vorwärtskommst, wirst du besser werden. Es bedeutet nicht, dass jedes Kunstwerk, das du machen wirst, perfekt sein wird. Das heißt nicht, dass man keine Fehler machen oder Kunstwerke ruinieren konnte. Das wird sehr viel passieren. Ich denke, es ist wirklich wichtig auf deiner Reise, dass du dich nicht in den Gefühlen der Angst oder Einschüchterung feststellst, für die wir alle anfällig sind. Aber stattdessen ersetzen Sie die Idee der Unsicherheit durch die Möglichkeit. Denn am Ende des Tages, ja, wir können nach vorne schauen und viele Unbekannte sehen. Wir wissen nicht, ob dieses Kunstwerk in Ordnung sein wird, oder ob wir es auf dem Weg durcheinander bringen werden. Aber es gibt jede Möglichkeit, dass du das Beste machen könntest, was du als Nächstes gemacht hast, auch wenn das Ding, das du gerade gemacht hast, nicht so gut war. Das ist eine Frage der Perspektive, vielleicht nicht so gut für Sie, könnte eine ganze Menge gut für jemanden sein, der auf Ihr Kunstwerk schaut. Hier ist eine Übung für Sie, um für eine Sekunde zu stoppen und denken Sie an die Top 3 Künstler in Ihrem Kopf, die Menschen, die Sie anstreben, wie zu sein und in Ihrem Stil zu emulieren. Denken Sie an die Kunstwerke von ihnen, die Sie gesehen haben, die Sie wirklich Hunger nach diesem Maß an Fähigkeiten gemacht haben . Für jedes Stück, das Sie von einem Künstler sehen, der Sie inspiriert, gibt es tausend, die Sie nicht sehen werden, dass sie dorthin gebracht haben. Ich bin sicher, vor allem für angehende Künstler, die diese Klasse durchgemacht haben, wirst du mich durch die Prozesse und die Schritte gehen sehen und dachte, ich sehe wirklich zuversichtlich aus, als ob ich weiß, was als nächstes kommt. Aber hier ist das Geheimnis. Ich weiß nie, was als Nächstes kommt. Für mich ist das der Spaß. Ja, es gibt Zeug, und es gibt jede Menge. Ich habe sie dokumentiert und auf YouTube abgelegt. Das ist ein Teil des Spaßes. Wenn Sie also die Möglichkeit annehmen und sich nicht um die Unsicherheit sorgen können, dann ist die ganze Welt plötzlich offen für Sie und Sie werden nur weiter und nach oben gehen. Wenn Sie eine Illustration als Ergebnis dieser Klasse gemacht haben, teilen Sie sie bitte in der Projektgalerie, damit ich und Ihre Mitschüler es sehen können. Wir können uns alle zurückernähren und einander aufbauen und uns gegenseitig helfen dem Weg zu verbessern und zu ermutigen. Ich möchte Sie ermutigen, mehr zu tun, als nur Ihr Endergebnis zu teilen. Es ist wirklich hilfreich für Leute, die Schritte zu sehen, die Sie gemacht haben. Wenn Sie Ihr Stimmungsbrett, Ihre groben Skizzen, Ihre raffinierte Skizze und dann den endgültigen Prozess teilen. Das wird wirklich hilfreich für andere Leute sein, um zu sehen, wie Sie zu Ihrem Ergebnis gekommen sind. Aber wirklich denke ich, dass es über umschließt und es ist alles, was ich denken kann, um in dieser Klasse zu teilen. Ich habe dir meine Seele ausgegossen, und ich hoffe, du hast die Ergebnisse genossen und du fühlst dich ermächtigt. Vielen Dank, dass du zu meiner Klasse beigetreten bist. Ich wünsche Ihnen alles Gute auf Ihrer kreativen Reise. Bis zum nächsten Mal sehe ich dich später. 15. Bonus: Projekt-Feedback von Jazza: Geben Sie jedem das ist ein bisschen ein Bonus-Video, das ich am Ende der Klasse hinzufüge. Zunächst einmal danke für die erstaunliche Antwort auf die Klasse. Ich bin unglaublich dankbar und durch Ihr Feedback und Ihre Einsendungen weggeblasen, was mich zweitens zu dem bringt, was wir hier tun. Ich werde einige Ihrer Klassenprojekt-Einreichungen durchgehen. Ich werde auf einige der Dinge hinweisen, die meiner Meinung nach wirklich stark in einigen dieser besonders herausragenden Einreichungen sind . Hoffentlich können wir alle in dieser Hinsicht voneinander lernen, werde ich von Ihnen lernen. Gleichzeitig möchte ich die Gelegenheit nutzen, vielleicht ein oder zwei Gedanken zu teilen, einen Punkt konstruktiver Kritik oder Feedback, um einige meiner Erfahrungen zu teilen, wie auch immer für Sie hilfreich sein könnte. Aber alles, was ich hinzufüge, ist ein Vorschlag oder etwas, das aus Erfahrung kommt, aber nur mit der Hoffnung, Ihre Kreativität auf die Art und Weise zu stärken , die ich im Laufe der Jahre gelernt habe. die gleiche Weise, wie Sie helfen, die Kreativität anderer Menschen zu stärken , indem Sie Ihre Projekte und die Dinge, die Sie auf dem Weg lernen, teilen . Ich wollte nur beginnen, indem ich denjenigen von euch, die Klassenprojekte eingereicht haben, für eure Tapferkeit und eure Begeisterung und für die Teilnahme an der Klasse danken Klassenprojekte eingereicht haben, für eure Tapferkeit und eure Begeisterung möchte. All das zählt so viel dazu, anderen aufstrebenden Künstlern zu helfen und Ihnen dabei zu helfen, sich auf Ihrer Reise zu entwickeln. Ich werde durch Klassenprojekte gehen, wie sie auf Skillshare eingereicht wurden. und wieder, wenn es etwas gibt, das ich speziell darauf hinweisen möchte, werde ich es in Photoshop öffnen, damit ich darauf zeichnen und ein paar Dinge hier und da skizzieren kann . Aber ich freue mich darauf, einige der explorativen Dinge zu teilen , die ihr in euren Klasseneinsendungen gezeigt habt. Kelly Unterwerfung, Nights Scrying. Zuallererst habe ich es geliebt, den Prozess deiner und so vieler anderer Menschen zu sehen . Die Art und Weise, wie Sie Ihre Gedanken teilen. Wenn ich Feedback geben würde, würde es darum gehen, diese Komposition ein wenig zu trennen das Auge an den richtigen Ort zu führen. Es ist sehr klar, wohin das Auge gehen muss, und wir können betonen, dass wir uns noch mehr hineinlehnen können. Der klarste Weg, dies zu tun, aus meiner Sicht darin, das Licht und die Schichten dieser Bäume in diesem Wald zu nutzen, um das Bild weiter einzurahmen. Nur um ein wirklich lockeres Beispiel zu geben, werde ich nur über diese vorderen Vordergrundbäume in einem soliden Schwarz in Photoshop malen. Ohne zu viel von der Mitte Boden oder sogar Hintergrund zu berühren, kann ich die Deckkraft nach unten bringen. Sie werden feststellen, dass es ziemlich viel dunkler ist, es gibt tatsächlich eine klarere Silhouette Hinweis darauf, dass die Formen Bäume sind, was auch hilft, das Auge und Gehirn sehr schnell zu verstehen, dass alles dahinter Bäume ist, ohne dort hinschauen zu müssen. Eine andere Sache, die ist, eine meiner Lieblings-Dinge zu tun ist, etwas namens Felgenbeleuchtung hinzuzufügen. Hier gibt es eine direkte Lichtquelle hinter einem Objekt, besonders wenn dieses Objekt ein Fokuspunkt ist. Sagen Sie zum Beispiel dieses Zeichen hier. Es ist ein wirklich visuell ansprechender Weg, um dieses Thema zu schärfen und aufmerksam zu machen. Das ist einfach, um Beleuchtung an der Kante hinzuzufügen, die am stärksten gegen diese Lichtquelle ist. Wir haben hier eine Lichtquelle, es ist dieser Mond hier am Himmel. Einfach durch Hinzufügen dieses Felgenlicht, eine wirklich scharfe Kante in diese Richtung. Es ist wirklich wichtig zu wissen, woher das Licht abprallen würde. Wir haben die Mitarbeiter hier, die nur mit den Bereichen des Bildes arbeiten, die von diesem Licht am stärksten betroffen wären. Es ist eine großartige Illustration, aber mit einigen einfachen kleinen Anpassungenversteht das Auge sehr schnell viel mehr darüber, versteht das Auge sehr schnell viel mehr darüber was vor sich geht, ohne die Illustration selbst zu verändern. Georginas Projekt. Ruined Faith, ist ein fantastisches Beispiel für den Aufbau einer Idee in etwas wirklich Solides. Zunächst einmal Online-Referenz und auch Ausgehen und Aufnehmen von Standortfotos. Je mehr Sie selbst in die Forschungsphase eintauchen können, desto mehr werden Sie durch den Prozess der Erstellung einer Illustration wirklich bereichert. Ebenso, wie Sie durch Ihre Skizzen und Ihre Idee Exploration und Verfeinerung gegangen sind, können Sie wirklich sehen, dass das Niveau des Engagements offensichtlich zu einem Maß an Zufriedenheit geführt hat, was absolut etwas ist, dass viele Studenten und ich kann von lernen. Du hast erstaunlich gut gemacht. Ich denke, mein einziger Punkt des Rückkopfes wäre, sich auf die Regel von Dritteln zu stützen, wenn es um eine Komposition wie diese geht. Vor allem, wenn es eine Menge Dinge gibt, auf die wir unsere Aufmerksamkeit lenken können. Die Regel der Drittel, für diejenigen von Ihnen, die es nicht wissen, ist im Grunde, wenn Sie irgendeine Bildkomposition haben und Sie sie in ein Gitter wie dieses teilen, in Drittel vertikal und horizontal, sollten sich die Punkte der meisten Interessen irgendwie schneiden wo sich diese Punkte befinden. Zum Beispiel, wenn Sie einen Horizont haben, wird es entweder hier oder hier am attraktivsten aussehen. Wenn Sie ein Thema haben, sehen sie entweder in der Mitte oder am Schnittpunkt zwischen diesen Linien und diesen Linien am besten aus. Der Grund, warum ich das anspreche, ist, wenn ich mir dieses Bild anschaue, ist schön, wie es ist, es fühlt sich an, als ob ich etwas oder das hier vermisse weil der Fokus ganz klar hier ist. Was dieser Charakter anschaut. Zwar gibt es viel Weiß in diesem Bereich visuell, es fühlt sich nur ein wenig außerhalb des Bildschirms an, wenn das Sinn macht. Einfach durch Zentrieren unserer Charaktere Position, müssen Sie nicht unbedingt oben und unten füllen. Sie können einfach das Bild davon erweitern. Nur indem Sie ein wenig mehr von dieser Information darüber, was das ist, ausfüllen. Ist es ein Grab oder ein Stein? Gibt es etwas, das er ansieht oder schauen wir ihn nur an, schauen in die Ferne? Wenn ja, können wir vielleicht etwas Raum für seine Kontemplation schaffen, um das Gefühl zu haben, dass sie hineinpasst. Aber in der Regel von Dritteln, macht es Sinn, ihn auf der linken Seite anstatt auf der rechten Seite zu setzen , einfach, weil hinter ihm eine Geschichte passiert und der Ort ist genauso ein Charakter wie die Charaktere. Brillantes Stück Wirklich gut zusammengesetzt und Komposition ist eines jener Dinge, die, ich bin sicher, dass einige von euch thematisch durch die Einträge sehen, die ich durchmache, ist ein wirklich cooler Teil der lenken Aufmerksamkeit der Menschen und machen ein Stück fühlen sich genau richtig. Catherine Cook. Tänzerin im Firelight, geht durch einen fantastischen Lernprozess bevor sie das letzte Stück eingereicht, was großartig ist. Danke, dass du das gezeigt hast. Ich liebe die Dynamik in deinem Stück. Ich liebe es, dass du etwas heiß und kalt hast und einen wirklich tollen Kontrast hast. Die Lichter sind wirklich hell, fast weiß, weil sie mit Blick auf die Flamme und die Dunkelheit sind fast schwarz, da wir die Dunkelheit des Raumes hinter den Charakteren sehen. Es gibt einige wirklich starke Elemente, die Sie gut genutzt haben. Ich denke, mein Feedback wird darauf ausgerichtet sein, den Fokus zu betonen. Einer der coolsten Tricks, um ein wenig Brennpunkt zu schaffen , besteht darin, die Dinge buchstäblich außer Fokus zu setzen. Ich werde dies sowohl im Hintergrund als auch im Vordergrund tun. Denken Sie daran, dass dies ein sehr lockeres Beispiel ist, aber wenn ich diese Elemente kopiere und einfüge, die ich gerade isoliert habe, diese. In Photoshop zu demonstrieren, füge ich nur ein bisschen eine Gaußsche Unschärfe hinzu. Ich werde nur eine leichte Unschärfe machen. Aber wie Sie sehen können, indem Sie nur diese leichte Unschärfe tun, wirkt es entgegen und schärft den Fokus. Ich bin mir bewusst, dass ich dies in Photoshop mache und du bist Stück ein traditionelles Kunstwerk ist. Aber mit dem gesagt, ich denke, es sind die scharfen Linien an den Rändern der Berge. Sie konnten mit den Aquarellen, diesen Flammen weich gemacht werden. Auch wenn man diese Materialien ineinander mischt, nur ein wenig lockerer in Bereichen geben, die nicht der Fokus sind, dazu beitragen, diesen verschwommenen Effekt zu erzeugen. Etwas, das hin und wieder wirklich viel Spaß macht, ist es, ein Element im Mega-Vollboden zu schaffen. Weil sie hier vor Flammen tanzt, könntest du, wenn du willst, wie ein paar Licks Flamme hinzufügen, die gerade vor allem sind. Direkt vor der Ansicht und der Kamera, leicht überlagernde Elemente. Vielleicht haben wir hier ein paar kleine Stücke oder vielleicht etwas Glut in der Luft. Hilft, ein Gefühl von Tiefe und Ambiente zu schaffen, ohne Komplikationen oder Details hinzuzufügen. Das letzte, was ich vorschlagen würde, ist die Felgenbeleuchtung. Ich liebe Felgenbeleuchtung, besonders hier oben, wenn wir in die dunkleren Bereiche kommen , wo die Charakterhaut und das Haar am meisten mit dem Horizont und dem Himmel vermischt. Sie müssen nicht einmal eine Lichtquelle zeigen, um auf eine Lichtquelle anspielen zu können. Aber nur mit einer wirklich einfachen dünnen kleinen Lichtkante in Richtung der vermeintlichen Lichtquelle, haben wir eine kleine weitere Trennung und ein wenig mehr Kontrast und Schärfe geschaffen. Es muss nicht einmal nur an den Rändern des Charakters sein. Es kann auf Teilen des Charakters sein, die ein wenig schlammig erscheinen , wenn sie mit anderen Teilen des Charakters verbunden sind. Wir haben die Haare und die Schulter hier. Sie können hier ein Felgenlicht setzen, das, wenn eine Lichtquelle in diese Richtung kommt, beide Flächen getroffen haben könnte. Einige wirklich einfache, einfache und super lustige kleine Werkzeuge, die ich hoffe, Sie werden nützlich in zukünftigen Illustrationen finden, die übrigens, schöne Illustration, wirklich gut gemacht. Samanthas Stück, Meet a Mermaid ist ein weiteres großartiges Beispiel den Prozess zu zeigen, zu einer Idee zu kommen, und auch einige zufällige generierte Ideen zu verwenden, um etwas Einzigartiges zu schaffen. Ich liebe es, dass sie die d20-Methode verwendet hat, eine meiner Lieblingsmethoden, vor allem als Liebhaber von Dungeons und Drachen, um zu deinen Ergebnissen und deiner Ideengeneration zu kommen. Es kann eine wirklich gute Möglichkeit sein,, wie Sie sehen können, etwas zu tun, an das Sie sonst vielleicht nicht gedacht haben und sich wirklich kreativ zu dehnen. Ich denke, mein Feedback, Samantha, wenn überhaupt, würde auf dem basieren, was ich als Dichte der Details bezeichnen werde. Ich denke, was ich hier beziehe, ist, sagen wir, ich werde nur diesen kleinen Bereich zuschneiden und kopieren und einfügen. Sie können sehen, dass die Ebene der Textur, die Ebene der Linie und der Kontrast in diesem bestimmten Abschnitt des Bildes auf einer bestimmten Ebene. Es ist ziemlich tief. Es passiert ziemlich viel in den Texturen und Farben. Ich glaube nicht, dass jemand, der das sieht , argumentieren würde , dass der Fokus dieses Stückes eigentlich diese Charaktere sind. Wenn ich sie von allem anderen isoliere, denke ich, es ist klar zu sehen, dass die Dichte dieser Texturen und dieses Kontrastes viel mehr im Hintergrund liegt als im Brennpunkt. Selbst wenn Sie das gleiche Farbschema beibehalten und Sie nicht zu viel geändert haben, wenn der Hintergrund ein wenig weniger Kontrast hatte oder die Charaktere ein wenig mehr hatten, würde das allein helfen, wieder zu verschieben [unhörbar] das Auge will gehen. Aber auf der anderen Seite liebe ich diese Detailgenauigkeit und Kontrast im Hintergrund, und ich mag, dass es eine etwas andere Ästhetik als die Charaktere gibt als der Hintergrund. Eine andere Möglichkeit, visuelles Interesse zu schaffen, besteht darin, einfach eine andere Farbe zu verwenden. Was das ist, liegt ganz bei Ihnen. Aber wir haben ganz einfach ein Stück, das mit viel Grün und nur ein bisschen Blau überwältigt ist. Das ist großartig und es funktioniert wirklich gut für das Gefühl, aber es könnte einfach wert sein, nur über den Brennpunkt Ihres Bildes wie diese Charaktere hier zu malen . Ich mache es nur mit einem einfachen Weiß. Offensichtlich sind diese Veränderungen digital sehr schnell und einfach, aber Sie können dies sicherlich auf unterschiedliche Weise im traditionellen Medium erreichen. Ich schalte dies nur in einen Farbmischmodus um, und wie Sie sehen können, das nur in einen Schwarz-Weiß-Push im Bild verwandelt, weil ich es weiß gemacht habe. Aber jetzt, wenn ich das Farb-Overlay in verschiedene Farben ändere. Wenn Sie sich das Gesamtbild ansehen, ist es eine großartige Möglichkeit, zu experimentieren und zu sehen, dass wir nicht nur schnell die Aufmerksamkeit aggressiv in den Mittelpunkt ziehen können , sondern wir können auch sehen, wie sich das auf das Bild auswirkt. Es könnte ein wenig wärmer oder einladend sein, wenn es golden ist, es könnte ein wenig lustvoll sein, wenn es rosa ist. Es könnte sich etwas kühl oder kalt anfühlen und ein wenig mehr mit dem Wasser und dem Meerjungfrau-Element binden , wenn es blau ist. Wir müssen nicht so flach gehen, aber ich versuche, so klar und einfach wie möglich zu zeigen, ist, dass selbst wenn Sie diese Detaildichte in den Bereichen halten wollten , in denen sie sich befinden, Farbe ist eine andere fantastische Art und Weise, um das Auge genau zu sagen, wo es aussehen soll. Isaacs Unterwerfung, Space Western Shootout. Zunächst einmal schätze ich sicherlich Ihre Wahl des Themas und ich weiß nicht, ich bin ein bisschen ein Sauger für Abenteuerlustige und wilde und verrückte und fantastische. Ich liebe nicht nur dein Ergebnis, sondern ich liebe auch, wie beim Sammeln von Ressourcen, du hast wirklich in jede Richtung verwandt gegangen, nicht nur für Space Western Dinge oder etwas in der Nähe, dass du klassische Western gegangen bist Sie haben nur Raum und fremd gegangen, Sie haben für mechanische Gegenstände oder Kostüme sowohl in Illustrationen als auch dann in Fotos gegangen. Dies ist ein wirklich fantastisches Beispiel dafür, wie weit und breit Sie mit Ihrem Moodboard gehen können und sollten , um so viel hineinzubringen und so viel Inspiration zu finden , um Ihr Stück zum Leben zu erwecken. Ebenso ist es toll zu sehen, dass Sie sich wirklich dehnen und so erfinderisch wie möglich sind, wenn Sie Ihre Charakterdesign-Phase durchlaufen und vor allem mit den Posen und der Framing, der Kompositionspielen und vor allem mit den Posen und der Framing, der Komposition . Jetzt ist es klar zu sehen, dass Sie mit den drei Thumbnails, die Sie nicht gewählt haben und die, die Sie getan haben, wirklich für Action-Abenteuer und ein bisschen Katastrophe gehen , weil Sie mit ein bisschen wie ein holländischer Jangle gegangen sind. Sie sind mit dieser leicht verzerrten Perspektive auf die Kamera oder die Perspektive des Betrachters gegangen . Was mich hier interessiert, ist vor allem in einer Szene , die wirklich davon profitieren wird, ein wenig verrückt zu sein. Sie könnten davon profitieren, sich wirklich zu dehnen und zu sehen wie verrückt Sie werden können und wie viel Sie dabei lernen können. Es könnte so einfach sein, wie ein letztes Stück oder Ihre Skizze zu nehmen , bevor Sie das letzte Stück machen, und drehen Sie sich vielleicht in die andere Richtung. Sogar das zu tun, das bringt ein gewisses visuelles Interesse hinzu. Spielen Sie eine Runde die Kanten ein wenig. Jetzt denken Post gibt es wahrscheinlich nicht eine ganze Menge, die Sie tun könnten, es müsste durch die Skizzenphase sein, wenn Sie ein wenig extremer gehen wollten, was, wenn Sie das tun wollten, denke ich, einer der besten Möglichkeiten, das zu tun, wird perspektivisch sein, denn im Moment haben Sie einen Charakter, der offensichtlich in diesem verkürzten Modus ist, wo es irgendwie wirklich in die Waffe gezogen wird. Infolgedessen schafft es diesen Sinn für fast eine vollständige Perspektive. Wenn Sie dieser Linie folgen, haben wir bereits diese Perspektive, dass, wenn wir dem folgen, wir ein wirklich klares, betontes Richtungsgefühl bekommen würden. Wenn Sie in diesem Sinne folgten diese Linien für den Hintergrund, aber immer noch auf diesem leicht niederländischen Winkel , die wahrscheinlich ein noch intensiveres Gefühl von Drama schaffen würde. Wenn du noch weiter gehen wolltest, kannst du das laufen, du könntest die Perspektive so biegen. Anstatt flache perspektivische Linien zu haben, haben Sie diese fast wie eine Fischaugenlinse, etwas, das die Szene um diesen Moment umhüllt, in den wir hineingezogen werden. Das kann eine wirklich lustige Art und Weise sein, Extremität hinzuzufügen. Wenn du dich noch weiter dehnen wolltest. Eine andere Sache, die Sie tun können, ist Abschnitte der Unschärfe zu erstellen, um Bewegung zu erzeugen. Wir können die Bewegung und das Chaos betonen ohne die Perspektive des Hintergrunds zu verändern. Ich habe diese Auswahl fast wie ein Ausbruch verschiedener Linien in dieser Perspektive getroffen. Wenn ich das kopiere und einfüge, könnte ziemlich einfach sein, wie das Verschieben des Platzes oder Dehnen dieses Abschnitts. Ich weiß, dass das ein wenig seltsam erscheint, aber wenn Sie beide auswählen und wenn Sie eine radiale Unschärfe erzeugen, arbeiten Sie offensichtlich digital, also lasse ich mich freier sein, ein paar digitale Tricks zu verwenden. Sie können eine Zoom-Unschärfe-Methode verwenden, und Sie können den Brennpunkt und die Menge ändern. Wie Sie sehen können, fügt es viel Intensität hinzu. Nun, das ist wie eine hohe Unschärfe, Sie könnten viel subtiler machen. Radiale Unschärfe lassen wir es auf sogar neun Punkte der Unschärfe senken. Es macht Sinn für die Art und Weise, wie ich diese Bereiche gelöst habe, und es erzeugt fast wie diesen Schütteleffekt, weil wir diese Trennung geschaffen und diese Linien ausgestreckt haben. Wir verlieren viele Hintergrunddetails, weshalb wir vielleicht andere Methoden verwenden möchten, um ein bisschen mehr von dieser Bewegung und Intensität zu erzeugen. Isaac ist sehr klar, Sie sind ein großartiger Künstler, und jetzt ist es Zeit, die Dinge, die Sie tun können , um dieses Ergebnis so weit wie möglich zu beeinflussen. Verwenden von Farbüberlagerungen und Filtern, um Dinge zu intensivieren. Hervorheben von Kanten, um ein extremes Gefühl von Drama zu schaffen. Mit dem Dodge and Burn Tool wirklich zu schärfen und Pop-Bereiche zu machen , die wirklich von der zusätzlichen Intensität profitieren werden. Auch um das Brennwerkzeug zu verwenden, um Bereiche im Hintergrund weg zu schieben, um den Fokus auf die Bereiche mit der meisten Schärfe und Kontrast zu halten . Der Punkt ist, ob es durch Herausfordern der Konstruktion der Szene und der Perspektive sein wird, oder indem Sie bestimmte Effekte oder Dinge, die Sie verwenden können, um das Ziel zu betonen , das Sie wollen, weil es wirklich klar, dass Sie schon so weit gekommen sind. Ich denke, das bringt uns an einen Ort, an dem wir viele Projekte erkundet haben. Ich bin sicher, Sie werden zustimmen, dass es so inspirierend ist, zu sehen welche Bereiche Menschen zu erforschen sind und was wir aus ihren Perspektiven und Ansätzen gewinnen können. Ich bin wirklich aufgeregt, einige dieser Klassenprojekte heute mit Ihnen geteilt zu haben und Erfahrung, sie selbst durchzugehen. Ich möchte mich bei allen bedanken, die bisher ihre Klassenprojekte eingereicht haben. Ich würde gerne jeden ermutigen, der sich das ansieht kein Klassenprojekt eingereicht hat, um es wirklich zu versuchen. Sie werden bemerkt haben, dass das verbindende Element zwischen all diesen Projekten darin besteht, dass Menschen, wenn sie sich selbst drängen und ihre Ideen erforschen, zu ihrem bestmöglichen Ergebnis kommen, was das Beste ist, was Sie als Künstler tun können. Aus einer Community-Perspektive, aus der Perspektive des Lernens, wenn Sie diesen Prozess mit anderen Menschen teilen, profitieren Sie nicht nur, sondern es ist auch eine unschätzbare Ressource für andere Menschen auf allen Ebenen , um zu erfahren wie ihre Kollegen und Kollegen lernen und wie sie diese Lektionen auf ihren eigenen Prozess anwenden können. Bitte nehmen Sie sich einen Moment Zeit, um die anderen Projekte zu dieser Klasse zu erkunden. Sie waren so viele, die ich leider nicht in dieses Video aufnehmen konnte. Sie sind alle so inspirierend und wirklich erhebend. Vor allem möchte ich Ihnen so sehr danken, dass Sie sich herausfordern , dass Sie Teil dieser Klasse sind, dass Sie mich unterstützt haben, diese Klasse unterstützt haben und dass Sie sich selbst herausfordern und Schritte unternehmen, um Ihre Reise auf das nächste Level zu bringen. Ich bin so dankbar, dass ich ein Teil davon gewesen und für die freundlichen Worte von Menschen, die sich als hilfreich fühlen, hoffe ich wirklich, dass es gewesen ist. Ich ermutige Sie, kreativ zu bleiben, viel Spaß auf Ihrer Reise zu haben, sich selbst herauszufordern, aber immer wieder auf die Möglichkeiten und die endlose Aufregung zurückzukommen, die Sie schaffen können. Die Welten und Geschichten, die Sie durch Ihre Kunst und Kreativität noch erzählen müssen. Vielen Dank für das Anschauen und bis zum nächsten Mal sehen wir uns später.