Meistere den Prozess der Videobearbeitung: Vom kreativen Briefing zum fertigen Projekt

1. Willkommen beim Kurs!: Endlich, fertig. Videobearbeitung kann eine sehr entmutigende Aufgabe sein. Wo fängst du mit Schüssen an? Wählen Sie aus, welche Bearbeitungen Sie verwenden? Musik, Soundeffekte, Farbengeschichte. Sie möchten, dass diese Bearbeitung gut ist? Nein, du wolltest großartig sein. Aber es kann überwältigend werden. Hier. Lasst uns das Intro rollen. fragte nach dem Postproduktionsprozess und dem Start Ihrer Projekte bis zum Ende, während meiner Karriere, hatte ich die Möglichkeit, ihn zu verbessern oder meinen eigenen Bearbeitungsprozess zu finden, analysieren und sich die Zeit zu nehmen sect Filmemacher und Redakteur Cooper Kanada. In dieser Klasse werde ich den Postproduktionsprozess aufschlüsseln und praktische Schritte bereitstellen, die Sie für Ihr eigenes Projekt anwenden können. Sie lernen, wie Sie sich auf die Bearbeitung vorbereiten, warum sie bestimmte Clips über andere auswählen und wo sie anfangen und auch wohin sie gehen sollen. Ich werde dir Bearbeitungstechniken beibringen. 2. Kursprojekt: Vielen Dank, dass Sie meine Klasse genommen haben. Ich freue mich, Sie hier zu haben. Wir werden viel Spaß haben, viel lernen und ein tolles Projekt erstellen. Unser Klassenprojekt ist ungefähr eine 30-Sekunden-Motivationsbearbeitung. Seien Sie geduldig. Beurteilen Sie nicht jeden Tag durch das Büro, um zu lesen. Aber durch die Samen, die Sie geplottet haben. Tag entschlossene Dunkelheit wird dich bedecken. Ihr werdet kämpfen, um das Licht zu sehen. Halte die Hoffnung fest. Dein Tag wird kommen. Das Filmmaterial für unser Klassenprojekt war ursprünglich für ein anderes Projekt gedacht, das wir gedreht haben. Und wir haben es nie benutzt, weil die Dinge in eine andere kreative Richtung gingen . Es war eine Arbeit in Arbeit, und ich entschied, dass ich es auf dieses Klassenprojekt zuschneide. Ich habe ein zusätzliches Voice-Over dafür bekommen und eine kurze kleine Geschichte erstellt. Ich würde sagen, dass dieses Projekt eher eine kreative Bearbeitung ist, da es in Bezug auf das, wie die fertige Bearbeitung aussehen kann, mehrdeutig ist. Und das ist wirklich großartig daran. Müssen Sie dieses Projekt keineswegs identisch mit dem Projekt machen, das ich erstellt habe? Sie können alle Clips verwenden, die Sie wollen und so viel oder so wenig von der Voice-Over verwenden , wie Sie wollen. Sie können den Ton vollständig ändern. Du kannst es zu einem Horrorfilm machen, wenn du willst. Und ich freue mich, zu sehen, was du damit machen könntest. Was ist großartig an diesem Projekt ist, dass Sie so viel oder so wenig Arbeit tun können , wie Sie möchten, wenn Sie Ihre Bearbeitungsfähigkeiten flexiblen möchten, tun Sie das, wenn Sie an Sounddesign oder Farbe im Besonderen arbeiten möchten, gehen Sie dafür. Wenn Sie feststellen, dass Sie Probleme mit einem der Prozesse auf dem Weg haben, tun Sie einfach Ihr Bestes, um etwas da draußen zu bekommen, einen groben Schnitt, eine Arbeit in Bearbeitung, alles wird Ihnen helfen, ein besserer Editor zu werden und auch die -Prozess für Sie. Es ist auch wichtig, sich daran zu erinnern, dass Sound-Design , Tonmischung, Farbkorrektur, all diese Dinge. Sie sind spezialisierte Jobs, auf die wir uns für ihr ganzes Leben konzentrieren und perfekt und beherrschen werden. Als Redakteur wird von Ihnen erwartet, dass Sie all diese Dinge erledigen können. Denken Sie also daran, dass wir alles tun, aber wir tun es nicht auf das gleiche Niveau wie jemand, der sich auf diese Fertigkeit konzentriert. Es braucht viel Übung. Es braucht viel Geschick, also verprügel dich nicht, hab nur Spaß. Ich möchte, dass Sie in der Lage sein, diesen Prozess zu übernehmen und ihn auf jedes Projekt anzuwenden, an dem Sie arbeiten. Sie können das in einer UA tun, um kreativ zu sein. Und ich bin nur hier, um Sie zu ermutigen und durch diesen Prozess zu führen. Sie müssen eine Art von Bearbeitungsprogrammen haben, um dieses Projekt abzuschließen. Ich werde Premier Pro verwenden, um zu demonstrieren, und ich empfehle, dass Sie dieses Programm verwenden. Aber wenn Sie ein anderes Programm verwenden möchten, können Sie, vor allem für die allgemeinen Prozesse, die Sie lernen werden , und einige andere große Ideen, die wir diskutieren. Einige der Lektionen, aus denen Sie die großen Ideen ziehen können, aber schließlich werden Sie sie mit einigen Filtern oder Prozessen in Premiere Pro anwenden , die in einem anderen Programm möglicherweise nicht genau identisch sind. Es ist auch ratsam, dass Sie die technischen Fähigkeiten der Bearbeitung haben , bevor Sie dieses Projekt starten. Jetzt werde ich über Prozesse in den verschiedenen Phasen der Bearbeitung unterrichten, aber ich werde nicht unbedingt ins Detail gehen wie man eine Sequenz erstellt oder durch die Panels navigiert. Wenn Sie beispielsweise ein Projekt haben, an dem Sie gerade arbeiten, empfehle ich Ihnen, daran zu arbeiten und sicherzustellen, dass Sie zur Überprüfung gepostet haben oder einen oder zwei Satz schreiben , der erklärt, wie Sie die gewonnenen Lektionen auf Ihren eigenen Prozess anwenden. Nachdem Sie diesen Kurs absolviert haben, hoffe ich, dass Sie nicht von den unerwarteten Schwierigkeiten in Ihrem Projekt entmutigt sind, unabhängig von dem Problem, das Sie konfrontiert sind, Sie können einfach wieder zum Prozess zurückkehren und sich gut darüber fühlen, was Ihre Bearbeitung läuft am Ende zu sein. Beginnen wir mit der ersten Phase des Prozesses, indem wir Einschränkungen für unsere Bearbeitung schaffen. 3. Das Kreative-Briefing: In diesem nächsten Schritt des Prozesses werden wir einige Zeit damit verbringen, uns auf die Schaffung von Einschränkungen für unser Projekt zu konzentrieren. Dieser Schritt ist so wichtig, weil er uns hilft, unsere Bearbeitung abzubilden und uns Zeit und potenziellen Aufwand spart. Sagen wir hypothetisch, dass Sie für eine Surffirma arbeiten. Und diese Surffirma hat eine Reihe von genial servieren Footage und hat Sie damit beauftragt, ein Video daraus zu erstellen. Man sagt, man kann tun, was man will. Du denkst, ehrfürchtig, ich habe totale kreative Freiheit. Man schaut sich das ganze Material an und weiß nicht, wo man anfangen soll, man weiß nicht, was man tun soll. Was ist der Sinn? Nun, das ist das Problem. Sie haben keine festgelegten Einschränkungen, um Ihre Entscheidungen zu leiten. Erstellen von Richtlinien für Ihr Projekt Was als kreativer Brief bekannt ist. Und je nach Unternehmen oder Projekt, haben Sie vielleicht einen kreativen Brief oder Sie vielleicht nicht, aber es ist immer noch Ihre Aufgabe, diesen kreativen Brief für sich selbst zu erstellen oder Einschränkung fördert Kreativität und ermöglicht es uns, unsere Bemühungen zu konzentrieren. Lassen Sie uns also voran gehen und einige Einschränkungen für unser Projekt schaffen. Die allererste und wichtigste Frage, die man beim Start eines Projekts stellen muss, ist warum? Was ist der Sinn? Was ist Ihr Geschäft Zweck für das Projekt oder die Arbeit? Es ist ein kurzer Auszug aus einem größeren Projekt. Also, was ist der Sinn davon? Nun, als ich diesen Kurs zum ersten Mal fand, dachte ich, dass dieses Material als inspirierendes Stück verwendet werden kann. Meine Absicht wäre also, das Publikum zu inspirieren. Und diese Absicht wiederum kann uns helfen, den Zweck des Projekts zu entdecken. Vielleicht möchten wir die Menschen daran erinnern, dass die kleinsten Dinge im Leben und die langsamsten Dinge im Leben den größten Einfluss haben können. Dann müssen wir natürlich auch unsere Stimme überlegen, die der Patient nicht urteilt. Jeden Tag durch die Halle Faust Sie lesen, aber durch den Samen Bestand Sie planen und bleiben bestimmt. Dunkelheit wird dich bedecken. Sie werden kämpfen, um das Licht zu sehen, aber halten Sie die Hoffnung mit der Zeit, Ihr Tag wird kommen. K, Denken wir hier vielleicht das Ziel ist es, Menschen zu ermutigen, auch wenn sie in einem rauen Ort sind, mit einer harten Zeit, kämpfen. Dass es Teil des Wachstumsprozesses ist. Ausdauer wird es ihnen schließlich erlauben, als stärkere Person aus ihm herauszukommen. Okay, jetzt kennen wir unseren Zweck. Wir wollen diese Botschaft überbringen. Und die Art und Weise, wie wir das tun, ist zu versuchen, das Publikum etwas zu fühlen. Und das machen wir durch den Ton des Films. Der beabsichtigte Ton zielt darauf ab, etwas zu spüren. Das lässt mich am Rand meines Sitzes sitzen, herzklopfend, aufregend. Dies auf der anderen Seite, macht mich Angst. Es schleicht mich raus, es macht mir Angst. Und dann ist das ein leichtgewichtiger und Wohlfühlfilm, der mich inspiriert. Du könntest die Worte, den Ton und die Stimmung, die synonym zusammengeworfen werden, heilen . Und in dieser Klasse werde ich die Worte Stimmung und Ton zu einem gewissen Grad austauschbar verwenden, aber es ist wichtig zu beachten, dass sie nicht ganz das Gleiche sind, aber sie sind beide wichtig. Stellen Sie sich vor, ein Gespräch mit jemandem zu führen Der Ton ist, wie man ihnen etwas sagen könnte. Man könnte etwas wütend oder empathisch sagen. Und wie Sie die andere Person durch Ihren Ton fühlen, ist die Stimmung, die Sie schaffen. Es könnte sie traurig, verrückt, wütend, glücklich, inspiriert als Geschichtenerzähler, als Redakteure haben wir die Kontrolle über den Ton des Films, aber wir haben nicht immer die Kontrolle über die Stimmung, die er für alle schafft, die ihn beobachten. Ich komme mit ein paar Absichten. Als ob ich möchte, dass sich das Publikum inspiriert fühlt. Ich möchte, dass sie sich ermutigt fühlen. Ich möchte, dass sie sich hoffnungsvoll fühlen. All diese Absichten sind großartige Möglichkeiten, sich emotional mit dem Publikum, mit dem allgemeinen Zweck unseres Films zu verbinden . Es ist dieser Ton, den wir etablieren wollen, der hilft, das Publikum emotional zu verbinden. Der Ton und der Gesamtzweck des Films gehen schon hier Hand in Hand. Dies gibt uns einen großen Vorteil, die Geschichte zu erzählen. Sie können diese Absichten und den allgemeinen Zweck unserer Bearbeitung verwenden, um alle Entscheidungen von hier an zu bearbeiten. Und das ist das Wichtigste, um so früh wie möglich zu nageln. Ein weiteres Beispiel dafür ist aus dem Film empfehlen für einen Traum. Nachdem ich das fertig gesehen habe, war ich versteinert und es hat mich dazu gebracht, keine Art von Drogen jemals berühren zu wollen. Der Gesamtton des Films, Es ist sehr dunkel. Es ist unglaublich, wie sie in der Lage sind, diese Isolation zu spüren, während Sie den Film anschauen. Es gibt viele Bearbeitungsentscheidungen, die zu dieser Stimmung beitragen, die der Ton geschaffen hat. Aber eine besondere Technik, die wirklich zu diesem Gefühl der Isolation hinzugefügt , war die Verwendung von Split-Screen. Selbst in der Szene, in der Harry mit Marion spricht, sind sie im selben Bett. Sie haben diesen intimen Moment, diese intime Unterhaltung. Und doch spürst du diese unglaubliche Trennung zwischen den Charakteren und es ist beunruhigend zu beobachten. Nehmen Sie nun die gleiche Szene und stellen Sie sich vor, wenn sie keinen Split-Screen hätten, würden Sie sie auf eine völlig andere Weise anzeigen. Die Klangformen, Musikentscheidungen, Tempo, Rhythmus, Soundeffekte. Es ist die emotionale Verbindung zum allgemeinen Zweck des Films. Ohne den Ton ist der Zweck irgendwie nutzlos. Es gibt viele verschiedene Interpretationen dieses Films und Ideen, was der Zweck dieses Films ist. Aber jede dieser Interpretationen kommt durch den Ton des Films und die Art und Weise, wie es die Menschen emotional beeinflusst. Ihr seid alle aus Filmen gekommen, die unterschiedliche Emotion empfinden. Und im besten Fall wird uns der Film verändern. Und ja, viele Aspekte gehen in das ein. Aber als Redakteure hilft jede Bearbeitung, die wir machen, entweder dabei, diese emotionale Verbindung zu schaffen, einen tieferen Einblick in die Geschichte zu geben, Sie mit ihrem Zweck zu verbinden, oder sie bringt Sie aus der Erfahrung heraus. Das nächste, was zu beachten ist, ist, was ist die Geschichte? Und was ich mit dem Wort der Geschichte meine, ist die chronologische Reihenfolge, der Anfang, die Mitte und das Ende. Und in unserem Fall bearbeiten wir einen Gärtner, der ein Loch graben, einen Samen schnappen, ihn in das Loch legen, den Samen mit Schmutz bedecken und dann schließlich den Samen bewässern. Also haben wir einen einfachen Anfang, Mitte und Ende, nichts Erdenerschütterndes. Wir haben auch einen Anfang, Mitte und Ende mit unserem Voice-Over. Dieses Projekt ist ziemlich einfach, aber in vielen Projekten können sie mehrdeutig sein. Möglicherweise haben Sie viele Aufnahmen, viele Szenen, und Sie müssen entscheiden, was für Anfang, Mitte und Ende am wichtigsten ist. Dies wird Ihnen helfen, Ihre Aufnahmen stark einzuschränken. Eine weitere äußerst hilfreiche Einschränkung ist zu verstehen, wie lange Sie fertig bearbeiten können. Sie können die Länge eines Projekts von Anfang an bestimmen. Sie werden eine viel bessere Zeit haben, innerhalb dieser Einschränkung zu arbeiten. Längenbeschränkungen können Ihnen helfen, Musik besser zu wählen. Wenn Sie wissen, dass ein Projekt ungefähr auf der 1-Minuten-Marke steht. Sie können versuchen, Musik zu finden, die für diese Minute oder fünf Musik geeignet ist , die Sie möglicherweise auf diese Minute reduzieren können. Ich liebe auch die Zeitbegrenzung denn wenn ich weiß, dass ich nur dreißig Sekunden Filmmaterial füllen muss, kann ich wirklich wählerisch über die Clips sein, die ich auswähle. Ihre Zielgruppe kann auch eine effektive Möglichkeit sein , Ihr Projekt in die richtige Richtung zu führen. Früher arbeitete ich in der Produktion für eine Möbelfirma, bei der das Zielpublikum die geschäftige Mutter zwischen 28 und 34 Jahren war. Einige Unternehmen werden sehr tief in diese Charakterprofile eingehen und sehr spezifisch darüber sein , welche Art von Zielgruppe sie anstreben. Und das ist großartig, weil es dir wirklich helfen kann entscheiden, welche Clips für das Publikum am besten geeignet sind. Genauer gesagt, die Zielgruppe kann die Musikauswahl beeinflussen, Rhythmus und Tempo, die Länge des Gesamtstücks, wirklich wirkt es sich auf das ganze Stück. So zum Beispiel, im Zeitplan, Es gibt eine langsamere Tempo insgesamt, spielerische Musik und Soundeffekte. Es gibt einen größeren Schwerpunkt auf der Bearbeitung von Kontinuität, die wir in der Lektion über den Videobearbeitungsprozess gehen werden. Die Episoden sind nur 20 Minuten lang. Der Gesamtton ist positiv und fröhlich. Du würdest keine Kindershow auf die gleiche Weise hinzufügen, wie du eine Show wie Breaking Bad bearbeiten würdest. In Breaking Bad ist das Tempo auf die Geschichte ausgerichtet. Die Musikauswahl ist auch story-gesteuert und tongesteuert. Es wird weniger Wert auf die Bearbeitung gelegt. Kontinuität. Episoden sind 60 Minuten lang, und der Gesamtton ist dunkel und es komödiantisch, Es ist dunkel komödiantisch. Haben Sie eine gute Vorstellung davon, wer Ihre Zielgruppe ist, oder helfen Sie auch, Ihre Projekte entsprechend zu gehen. Okay, also für unser Projekt, lass uns einfach hypothetisch die Zielgruppe hier einfallen. Wir versuchen, Menschen mit diesem Stück zu ermutigen. Also schätze ich, unser Publikum wird ein paar Leute sein , die einige Schwierigkeiten durchgemacht haben. So wahrscheinlich älter, aber es könnte auch jünger sein. Vielleicht von den 18- bis 25-Jährigen. Vielleicht versuchen wir, Kinder zu ermutigen, die gerade aus der Highschool kommen. Sie wissen nicht, was sie mit ihrem Leben machen sollen. Und sie brauchen etwas Ermutigung. Vielleicht sind sie verärgert, dass es in ihrer Karriere nicht so schnell passiert. Unsere Zielgruppe kann zwischen 18 und 25 Jahre alt sein. Und das ist eine inspirierende und hoffnungsvolle Botschaft für diejenigen, die fest sitzen, als ob sie nicht wissen, was sie mit ihrem Leben tun sollen. Wenn wir das sagen, wollen wir einfach auf den 18-25-jährigen Bereich zielen, männlich, weiblich, 18 bis 25. Ein weiterer wichtiger Aspekt ist, wo der Film gezeigt wird? Wird auf YouTube, Facebook, Instagram, Tiktok im Fernsehen sein. All diese verschiedenen Plattformen können die Bearbeitung eines Films beeinflussen und eine andere Art und Weise mit Facebook und Instagram, oft Menschen werden nicht einmal Audio aktivieren. Das könnte sich also auf die Art und Weise auswirken, die Sie bearbeiten Dies kann die Art und Weise beeinflussen, wie Sie Audio verwenden oder kein Audio verwenden. Und natürlich wird es die Gesamtlänge des Projekts beeinflussen, wie Sie den Ton des Projekts mischen, unabhängig davon, ob Sie wirklich über Broadcast-sicher sorgen müssen, die Art und Weise, wie Sie das Projekt liefern, die Datei und Kodak Entscheidungen, sind alle recht unkompliziert. Einschränkungen müssen beachtet werden, um es überhaupt auf diesen Plattformen veröffentlichen zu können. Was ich wirklich liebe, ist, diese Einschränkungen kreativ zu verwenden. Ich habe dieses Beispiel hier wirklich geliebt. Dieses Unternehmen stellte ihre Anzeigen auf YouTube und sie hatten das Wissen, dass die Anzeige nach einer gewissen Zeit übersprungen werden könnte. Sie bauten ihre Anzeige um dieses Wissen herum, Sie bauten ihre Anzeige um dieses Wissen herum dass, wenn sie nicht die Aufmerksamkeit des Publikums erregen, -Zielgruppe überspringt die Anzeige, sobald die Schaltfläche „Überspringen“ verfügbar ist. Danken Sie mir nicht. Danke an die Ersparnisse. Du kannst diese Geico-Anzeige nicht überspringen, weil sie schon über geico ist. 15 Minuten könnte sagen, 50 Prozent oder mehr auf Kfz-Versicherung. Ich weiß, dass es hier nicht viel Bearbeitung gibt, aber dies ist ein großartiges Beispiel dafür, wie Kreative die Plattform und Zeitbeschränkungen auf kreative Weise nutzen können . Das sind also die grundlegenden Richtlinien, die ich durchgehe, wenn ich mich nähere und bearbeite. Diese Richtlinien helfen Ihnen, Ihre Bearbeitung enorm einzugrenzen und ermöglichen Ihnen, sich stärker auf Ihre Arbeit zu konzentrieren. Aber denken Sie daran, dass der Zweck Ihrer Geschichte und die emotionale Verbindung zum Publikum am wichtigsten ist. Gehen Sie weiter und beenden Sie Ihren eigenen kreativen Brief und denken Sie daran, dass Sie es nicht genau so machen müssen. Sie können Ihre eigenen Einschränkungen hinzufügen, was auch immer Sie denken, könnte helfen, den Fokus und Zweck Ihrer Geschichte zu gestalten. Dateiorganisation wird als nächstes zusammengefasst. 4. Dateiorganisation ist alles!: der großartigen Datei- und Ordnerorganisation ist es schneller, wenn Sie nach Assets für Ihr Projekt suchen. Und es macht das Projektmanagement, über jeden Zweifel viel einfacher. Das ist nur meine Meinung, aber mit meinen Projekten möchte ich mehr Ordner in meinem Hauptprojektordner haben, was die Notwendigkeit für mehr Unterordner eliminiert und es mir ermöglicht , mit weniger Klicks zu den Dateien zu gelangen, die ich brauche. Ja. Bei komplexeren Projekten benötigen Sie mehr Unterordner. Aber ich strebe immer weniger Klicks an, um zu der Datei zu gelangen, die ich brauche, um zu gelangen. Dies erhöht die Geschwindigkeit, um den Vermögenswert zu bekommen, und ich muss zu bekommen und es reduziert auch die Kopfschmerzen, die vom Kochen so viel kommt. Dasselbe gilt für die Verwaltung von Projektordnern. Versuchen Sie, die minimalen Klicks zu halten, die Sie benötigen , um eine Art von Organisation aufrechtzuerhalten. Je weniger Ordner, meiner Meinung nach, desto besser. Mit Nummern können Sie Ihre Ordner in der von Ihnen bevorzugten Reihenfolge organisieren. Verwendung von Zahlen hilft auch, eine Hierarchie für Ihre Ordnerstruktur zu erstellen. Wenn ich hier keine Zahlen hätte, wäre alles in alphabetischer Reihenfolge. Gehen Sie voran und ändern Sie die Zahlen, wenn Sie es vorziehen. Sie können die Ordner ändern, wenn Sie es vorziehen, was für Sie am sinnvollsten ist. Eine gute Möglichkeit, Ihre Projektdateien oder Exportdateien zu benennen, ist, das Datum einzuschließen. So zum Beispiel, mit diesen Projektdateien, Ich habe 210 515, das entspricht 202105 für mich und 15 für den Tag. Also jedes Mal, wenn ich an diesem Projekt arbeite, wenn es ein neuer Tag ist und ich krank und Fortschritte gemacht habe, speichere ich als und füge das Datum ein. Dies ermöglicht es mir, die aktuelle Version der Bearbeitung zu verfolgen, an der ich gerade arbeite. Wenn ich zurückgehen muss und sagen muss, okay, was zum Teufel habe ich am 15. Mai gemacht? Ich kann das tun. Dasselbe gilt für Sequenzen innerhalb Ihres Projekts. Ich mache bedeutende Fortschritte. Ich kopiere Einfügen, füge das aktuelle Datum hinzu. Auf diese Weise ist die ganze Arbeit, die ich an diesem Tag mache, in dieser Sequenz in sich geschlossen. Wenn ich zurückgehen muss, kann ich wieder dorthin gehen. Es ist zerstörungsfrei. Auch wenn ich innerhalb des gleichen Tages bedeutend genug Fortschritte mache und ich das Gefühl habe, ich möchte nur Sequenz sichern. Ich gehe voran und kopiere das einfügen, behalte das gleiche Datum und füge den Buchstaben b hinzu. Wenn ich es wieder mache und ich mehr Fortschritte mache, habe ich den Buchstaben C. Vielleicht hast du eine Idee, die du ausprobieren willst, aber du willst nicht zerstören Sie Ihre aktuelle Sequenz. Wenn Sie das tun möchten, können Sie Einfügen kopieren und dann ALT am Ende des Datums selbst schreiben. So können Sie sehen, dass es sich um eine alternative Sequenz handelt. Sie können diese alternative Sequenz erkunden. Und wenn es funktioniert, großartig, kopieren Sie es und machen Sie es zu Ihrer Hauptsequenz. Wenn es nicht großartig ist, lassen Sie es als geordnete Sequenz. Was ist großartig daran? Es ist zerstörungsfrei. Sie können Bearbeitungen an Ihrer Sequenz testen ohne sich Gedanken darüber zu machen, dass Sie die bereits geleistete Arbeit zerstören. Ich habe meine eigene Ordnerstruktur in den Download aufgenommen. Wenn Sie das gerne verwenden möchten, gehen Sie vor, aber Sie sind nicht verpflichtet, dies zu einem T zu folgen. Erstellen Sie Ihre eigene Ordnerstruktur. Denken Sie daran, dass weniger Klicks Sie Kopfschmerzen sparen, meiner Meinung nach mag ich es besser, wenn es hilfreich ist. Verwenden Sie Nummern, um eine Hierarchie in Ihrer Ordnerstruktur zu erstellen. Und schließlich verwenden Sie das Datum innerhalb des Namens Ihrer Projektdateien oder -sequenzen als zusätzliche Sicherung, um Fortschritte zu sehen und einfache, zerstörungsfreie alternative Routen in Ihrem Bearbeitungsprojekt zu ermöglichen . Ich weiß, dass Dateiorganisation super mühsam sein kann, aber bitte versuchen Sie Ihr Bestes, um jetzt zu organisieren, damit Sie es später nicht bereuen. 5. Die besten Clips für deine Story auswählen: Es ist Zeit, unser Filmmaterial auszuwählen. Wenn wir unser Filmmaterial auf die besten Clips beschränken, werden wir effizienter , wenn wir mit der ersten Bearbeitung beginnen. Dies ist der erste Schritt, um alle Aufnahmen in seiner Gesamtheit zu überprüfen. Die Art und Weise, wie ich dies mache, ist, alle meine Clips in eine Sequenz zu setzen, zu überprüfen. Und wie ich Teile von Clips oder vollständige Clips sehe , die ich mag und denke, wird gut mit der Geschichte funktionieren. Ein schneiden Sie diese Teile aus und setzen Sie sie auf der zweiten Spur, während immer noch Zugriff auf alle Aufnahmen ist im Wesentlichen wie ein Pre-Edit. Bearbeiten Sie alle Clips, von denen Sie denken, dass sie für das Projekt nicht funktionieren , und legen Sie die Klippen beiseite, von denen Sie denken, dass sie am besten funktionieren. Sobald Sie das Filmmaterial überprüft haben, haben Sie eine mentale Informationsbank, auf die Sie bei Änderungen zurückgreifen können. Wenn du aus irgendeinem Grund entscheidest, dass ein Schuss nicht funktioniert, kannst du immer wieder in die Sequenz gehen und sagen: Oh ja, ich erinnere mich, dass wir diesen anderen Schuss haben, der auch dafür funktionieren könnte. Du kannst schnell zurückgehen, Schuss bekommen, ihn hineinwerfen. Kein Problem. sich während des Überprüfungsprozesses, Fragen Siesich während des Überprüfungsprozesses,welche Clips am besten zu der Geschichte passen? Und um zu klären, wann ich das Wort Geschichte benutze, umfasst es die was oder chronologische Reihenfolge. Das y, das ist der Gesamtzweck, die Bedeutung der Nachricht. Und wie das Was und das Warum verbunden sind, das ist durch Ton und Stimmung, oder wie die Geschichte beabsichtigt, Sie fühlen. Funktioniert dieser Clip besser als dieser Clip, um die Geschichte zu erzählen? Es kommt wirklich alles darauf an. Wenn wir wissen, was und warum der Geschichte und wie wir wollen, dass das Publikum fühlt. Der Prozess des Kommissionierens von Clips wird viel einfacher sein. Es könnte nur auf diese beiden Aufnahmen zur Geschichte kommen , aber welche Aufnahme ist eigentlich besser? Ist der Schuss auf der linken Seite besser als der Schuss auf der rechten Seite? Ist diese Nahaufnahme auf der linken Seite besser als diese Nahaufnahme auf der rechten Seite. Manchmal ist die Qualität eines Shots auf eine schlechte und unbrauchbare Weise unscharf. Vielleicht ist es zu wackelig oder der Weißabgleich ist schrecklich. In diesen Fällen würde ich es beiseite legen und es nicht verwenden, aber lösche es auch nicht. Behalten Sie es einfach in Ihrer Auswahl-Zeitleiste. Wenn Sie am Ende Ihres Projekts feststellen, dass Sie Schwierigkeiten haben, Berichterstattung zu finden und Sie keine andere Wahl haben, als diesen Schuss zu verwenden, dann wäre dies die Zeit, die Sie verwenden würden. Es gibt auch eine überraschende Zeit, dass ich unbrauchbare Clips verwendet habe. Und ein Shooting, fand ich eine Aufnahme, die die Kamera Peitschen passieren, um das Licht, dachte ich. Okay, das ist Müll. Ich benutze das nicht. Legen Sie es beiseite. Aber schließlich habe ich es im Projekt verwendet, weil es ein visuelles Interesse hinzugefügt hat. Jetzt, wenn ich Musikvideos wie diese mache, werde ich darüber nachdenken und ich werde absichtlich versuchen, einige Peitschenpfannen vorbei an Lichtern und anderen Objekten zu bekommen . Ich habe etwas Raum zum Experimentieren innerhalb der Bearbeitung. Hören Sie sich diesen kurzen Soundbiss an oder die Dunkelheit wird Sie decken. Für mich klingt die Performance gut, aber ich fand heraus, dass sie nicht so gut wie möglich zur Geschichte passte. Also bat ich Mike, die Voice-Over Künstler, einen zweiten Take mit einer Richtung zu machen , einen strengen Morgen zu geben. Und das hat seine Leistung ziemlich verändert. Dunkelheit wird dich bedecken. Nachdem ich diese Aufnahme gehört hatte, mochte ich die Stimmung wirklich. Aber ich fühlte mich wie das Ende der Stimme hier drüben. Es fühlte sich ein bisschen gezwungen an. Alles, was ich tat, war, die Mehrheit der zweiten Stimme zu behalten und den Teil der Performance zu schneiden, den ich nicht mochte. Ich habe es durch den ersten Take ersetzt. Dunkelheit wird dich bedecken. Ich fand, dass dieser Soundbiss miteinander vernetzt, wähle die beste Leistung aus beiden nehmen und wiederum die Geschichte und ihren Zweck. Die Besten. Dunkelheit wird dich bedecken. Dunkelheit wird dich bedecken. Dunkelheit wird dich bedecken. Entschlüsselung und Schauspielerleistung kann eine sehr subjektive Sache sein, und wir haben nicht genug Zeit, um tief in das einzutauchen. Aber jetzt, fragen Sie sich, klingt es gut für Sie? Kommuniziert es klar Teile der Geschichte, die Sie überblicken möchten? Klingt es authentisch? Klingt es echt? Wir sehen in 3D, aber auf einem Computer-Monitor, Alles ist in 2D. Bilder mit großer Tiefe haben diese 3D-Qualität zu ihnen. Sie können die Tiefe in einem Bild identifizieren, indem den Kontrast anderen und die Helligkeit und Dunkelheit des Bildes, oder Kontrast und Farbe betrachten. Sie können sich auch die Perspektive ansehen, welche Linien Sie durch den Rahmen führen. Es erzeugt keine Perspektive einen eindeutigen Vorder-, Mittel- und Hintergrund. Sie können die Tiefe auch durch die Schärfentiefe der Aufnahme identifizieren, d. h. nur die Teile des Bildes, die sich innerhalb eines akzeptablen Fokus befinden. Und einfache Möglichkeit, zu identifizieren, ob ein Rahmen Tiefe hat, besteht darin , nur auf die Schichten des Rahmens selbst zu schauen. Gehen Sie zurück zu unserem Projekt, hier sind einige Beispiele. In dieser Aufnahme haben wir einen klaren Vordergrund und einen klaren Hintergrund. Dies wird mit einem verschwommenen Hintergrund erstellt und der Vordergrund ist scharf fokussiert. In dieser Aufnahme hier haben wir drei Schichten im Vordergrund. Der Boden ist unscharf. Der Saat ist im Mittelgrund fokussiert und der Hintergrund ist unscharf. Die Tiefe wird auch durch Perspektive erzeugt. Der Schusswinkel ist niedrig zum Boden, was ihm mehr Tiefe verleiht. Wenn Sie den Winkel der Aufnahme erhöhen, sagen wir zum Beispiel in diesem Schuss hier, bekommen wir nicht so viel Tiefe aus der Perspektive. Der Großteil der Tiefe ergibt sich aus dem Kontrast, der zwischen dem helleren Hautton und dem dunkleren Schmutz entsteht . Das bedeutet nicht unbedingt, dass dieser Schuss schlimmer ist als der andere. Sie hielten nur verschiedene Geschichten. Und wieder, Geschichten, der wichtigste entscheidende Faktor hier. Hier haben wir zwei Aufnahmen, die die gleiche Geschichte erzählen. Der Gärtner ist weiß im Dreck von seinen Händen. Nach dem Blick auf diese beiden Frames, Ich habe das Shuttle gewählt und lachte, weil die Tiefe ist viel größer als Perspektive auf der linken Seite ist in einem anderen Winkel, Erstellen eines Vordergrunds mit den Finger und Händen, und Mittelgrund mit Armen und der Hose, und ein Hintergrund mit dem Laub. Die Perspektive der Aufnahme auf der rechten Seite ist eher eine Profilaufnahme, nur zwei separate Ebenen erzeugt. Der Hintergrund auf der linken Aufnahme schafft auch mehr Kontrast zu den Hauttönen. Dann der Schuss auf der rechten Seite. Beide Schüsse große Tiefe durch Schärfentiefe. Der Hintergrund ist nicht scharf, während der Vordergrund fokussiert ist. Bewegung innerhalb eines Rahmens kann visuelles Interesse erzeugen. Dies könnte die Bewegung einer Kamera oder die Bewegung einer Aktion innerhalb des Rahmens selbst sein. Der Vorteil eines Shots mit Bewegung gegenüber einem statischen Schuss ist , dass er die Fähigkeit hat, das Auge von einer Bearbeitung zur nächsten zu führen. In dem Fall, dass ich zwei verschiedene Aufnahmen mit identischen Winkeln habe, ist eine statisch, aber die andere hat Bewegung. Ich würde höchstwahrscheinlich diejenige mit Bewegung wählen. Es sei denn, die statische Aufnahme erzählt die Geschichte besser. Der Kamerapan von links nach rechts schneidet mit dieser Aufnahme mit ähnlicher Bewegung gut. Dasselbe gilt für diese beiden Schüsse. Ein Schuss hat viel weniger Bewegung als der andere, der für Sie interessanter aussieht. Außerdem haben wir den Vorteil, die Bewegung innerhalb des Rahmens zu verwenden , die das Auge des Betrachters von einem Teil des Rahmens zum anderen lenken kann und dabei helfen kann, diese Aufnahme mit einem anderen Schuss mit ähnlicher Bewegung zu verbinden . Manchmal verlassen Sie sich vielleicht nur auf Gefühl für einige dieser Aufnahmen. Du fühlst vielleicht, dass sich dieser hier besser anfühlt. Ich weiß nicht warum, aber es fühlt sich einfach besser an. Ich werde es wählen. Das ist völlig in Ordnung. Jedes Mal, wenn Sie Filmmaterial überprüfen, verfeinern Sie Ihr Auge auf die kleinen Details. Sie können besser bestimmen, welches Filmmaterial am besten funktioniert und wie es mit der Bearbeitung insgesamt funktionieren könnte. Danach könnte er entdecken, oh ja, dass der Schuss subtile Fackel drauf hat. Das ist, was der Ton des Stückes und etwas mit einem Fackel fühlt sich optimistisch an. Und das ist es, was ich will. Was großartig ist, ist, dass das alles zerstörungsfrei ist. Sie können immer zurückgehen und einen Clip verwenden, von dem Sie dachten, dass er ursprünglich nicht funktionieren würde. Um zusammenzufassen, die Überprüfung aller Aufnahmen gibt Ihnen die Chance, es geistig in Ihrem Kopf zu verankern, so dass Sie darauf ziehen können und später, Benutzerprojekte Geschichte, um Ihre Aufnahmen auf die besten Clips einzugrenzen. Sie können auch die besten Clips ermitteln, indem Sie sich die Qualität des Clips, die Leistung eines Akteurs, ob der Clip über Bewegung, Tiefe verfügt und was der Clip insgesamt zu kommunizieren versucht. Und wenn es effektiv ist, das zu tun. In der perfekten Welt hätten Sie all diese Attribute in einem Clip. Die nächsten Schritte für dieses Projekt besteht also darin, Ihre Clip-Auswahl in den ausgewählten Ordnernamen einzugrenzen . Du wirst sehen, dass ich diesen Prozess bereits für dich erledigt habe. Wenn Sie es vorziehen, diesen Prozess auf eigene Faust zu machen, was eine großartige Idee ist, dann machen Sie das jetzt. In der nächsten Lektion lernen wir, wo Sie mit der Bearbeitung beginnen und wo Sie gehen können. 6. So stellt man jeden beliebigen Videotyp zusammen: Toll, du hast deine Auswahl ausgewählt, aber wo fängst du an? Zu wissen, wo Sie anfangen und wohin Sie gehen sollen, wird Ihnen helfen Ihr Vertrauen zu steigern und das Rätseln wegzulassen. Zu wissen, wo man anfangen soll, kann ziemlich unkompliziert sein, aber nicht einfach, wenn es um skriptbasierte Projekte geht. Kann zusammen mit dem Skript folgen, das Footage einstecken und von Anfang bis Ende gehen, bis Sie eine grobe Baugruppe haben. Aber wenn es um unskriptbasierte Arbeiten geht, kann es ein bisschen schwieriger sein zu wissen, wo man anfangen soll. Mich selbst. Diese Frage, welches Element am deutlichsten erzählt eine Geschichte? Zum Beispiel, in Musikvideos, die Musik ist, was die Geschichte antreibt, weil oft die Musik ist die Geschichte. Die Musik hilft Ihnen, Ihre Bearbeitungen zu informieren. Ein weiteres Beispiel in dokumentarischer Arbeit, die Erzählung wird von den Interviews angetrieben. Also, sich auf das gesprochene Wort zu konzentrieren, ist, wo Sie anfangen möchten. Wie in diesem Projekt hier war mein Hauptziel, sich zuerst auf die Erzählung zu konzentrieren, das so genannte Radio-Edit zu haben, wo man einfach daran festhält, die Interviews zu bearbeiten. Das Bild an dieser Stelle ist nicht wichtig. Sie können diese Interviews sogar bearbeiten, ohne den Befragten zu sehen. In einigen Fällen haben Sie möglicherweise keinen Voiceover oder Dialog oder ein Skript, dem Sie folgen müssen. In diesem Fall können Sie mit Eclipse beginnen und sie in einer groben Assembly anlegen, wobei die Storys Anfang, Mitte und Ende als Leitfaden verwendet werden. Nachdem Sie also eine grobe Baugruppe Ihrer Clips erstellt haben, können Sie beginnen, die Voice-Over und die Clips miteinander zu verbinden , damit sie etwas besser übereinstimmen und etwas zu dieser Rolle fließen. In diesem Prozess arbeiten wir mit der Bearbeitung, um eine grobe Gliederung unserer Geschichte durch Visual und VoiceOver zu erhalten. Erstens, sobald wir unsere grobe Bearbeitung sowohl visueller als auch Voice-Over haben, können wir anfangen, nach passender Musik zu suchen. Es gibt ein paar Denkschulen, wenn es um das Bearbeiten mit Musik oder ohne Musik geht. Einige Redakteure ziehen es vor, sofort einen temporären Track zu legen und auf die Musik zu schneiden, was meiner Meinung nach in einigen Fällen in Ordnung ist, andere ziehen es vor, die Szene ohne Musik trocken zu schneiden. Der Gedanke hier ist, dass, wenn man die Szene zuerst mit Visuals und Dialogen arbeiten kann , die Musik sie verbessern wird, anstatt sich auf die Musik zu verlassen, damit sich die Szene richtig anfühlt. Es gibt Momente, in denen Sie gerade diesen Gedanken haben. Ich muss zuerst mit Musik schneiden. Vor allem, wenn Sie die Montage Sequenz mit einer Vielzahl von Clips schneiden, kann die Musik wirklich helfen, Struktur zu behandeln und die Bearbeitung insgesamt enthalten. In anderen Bearbeitungen können Sie entscheiden, überhaupt keine Musik bis zum Ende hinzuzufügen. Ich würde vorschlagen, dass Sie sich zuerst darauf lehnen, die Szene trocken zu schneiden , sobald Sie eine grobe Bearbeitung haben und es begann sich in Ordnung zu fühlen, hat einen guten Fluss, Rhythmus. Dann füge die Musik hinzu. Wenn Sie bestimmte Momente haben möchten, die durch die Musik akzentuiert werden, können Sie die Bearbeitung von dort verfeinern. Bisher haben wir mit Visuals angefangen, die Clips, dann haben wir die Voice-Over integriert und dann begannen wir, die Musik hinzuzufügen. Jeder Teil dieses Prozesses erfordert einige Anpassungen. Nachdem Sie zum Beispiel Voice-Over hinzugefügt haben, müssen Sie die Finsternis und die Voice-Over anpassen, damit sie besser zusammenpassen. Und dann, wenn Sie die Musik haben, werden Sie höchstwahrscheinlich anpassen, um sicherzustellen, dass sie alle harmonisch zusammenpassen und gut zusammenpassen. Dies ist auch Teil des Prozesses und es ist sehr wichtig, dass Sie sich nicht an der Bearbeitung halten. Sie möchten sich mit der Bearbeitung ändern, während sie sich entwickelt. Also, wenn Sie Ideen haben, haben Sie keine Angst, sie auszuprobieren, und haben Sie keine Angst, Ihre Sequenz komplett zu ändern. Stellen Sie einfach sicher, dass Sie eine zusätzliche Sequenz erstellen, damit sie zerstörungsfrei ist. Sie sind nicht auf diese bestimmte Bestellung beschränkt. Manchmal, wenn ich an einer Radiobearbeitung für viele verschiedene Arten von Interviews arbeite. Ich kann es völlig müde werden und ich muss nur noch etwas anderes tun. Oder es könnte einen bestimmten Moment in einer Bearbeitung geben, bei der ich mich nicht ganz sicher fühle , oder ich kann nicht wirklich sehen, wohin die Bearbeitung gehen wird. Und an diesem Punkt könnte ich entscheiden, dass ich lieber an Visuals arbeite oder vielleicht suche ich nach Musik, die für die Szene geeignet ist. Manchmal wird eine kleine Erkundung helfen, Sie wieder auf den richtigen Weg mit einem Interview oder einem bestimmten Teil der Geschichte arbeiten. Dies kann Ihnen wirklich helfen, Vertrauen zu gewinnen und Ihnen helfen, in dem Projekt engagiert zu bleiben. Als Redakteure waren Fühler, nicht Roboter, Benutzerintuition. Wenn es sich richtig anfühlt, einen Musikversuch vorzulegen, dann tun Sie es. Oder wenn Sie etwas Zeit damit verbringen möchten, an Grafiken zu arbeiten und herauszufinden, wie das funktionieren könnte, bearbeiten Sie insgesamt, dann tun Sie das. Der Prozess beinhaltet die Einnahme alternativer Routen. Manchmal ist der einzige Weg durch das Projekt, einen Umweg zu machen, um mit einer Idee zu experimentieren, und dann zu erkennen, dass es funktioniert. Oder entdecken Sie vielleicht eine andere Idee, die Sie nur entdecken konnten , wenn Sie diese erste Idee ausprobieren. Sie keine Angst, sich vom Weg abzuwenden, wenn Sie sich feststecken oder uninspiriert fühlen. Werfen wir nun einen Blick auf den Gesamtprozess. Wo fangen wir an und wohin gehen wir mit der Montage? Wir beginnen mit den Visuals, fügen die Voice-Over hinzu und fügen dann die Musik hinzu. Sie sich keine Sorgen darüber, wie lange die gesamte Montage sein wird. Beginnen Sie mit der Arbeit an der Bearbeitung, bis es chronologisch sinnvoll ist. Wenn Sie an einem anderen Projekt wie einem Musikvideo arbeiten, beginnen Sie mit der Musik. Und an einem Dokumentarfilm zu arbeiten. Beginnen Sie mit dem Voiceover und dem Dialog. In unseren kommenden Lektionen werden wir uns weiter mit diesen nächsten Phasen des Bearbeitungsprozesses befassen. Dies wird mehr Sinn machen, wenn Sie durch mehr Lektionen bekommen. Sobald Sie eine grobe Struktur haben, passen Sie Ihre Aufnahmen, Voiceover und Musik durch jeden Bearbeitungsgang an, konzentrieren Sie sich auf das Tempo und den Gesamtrhythmus. Arbeiten Sie an dem Zweck, Ton, ich verfolgen und bewegen, und bearbeiten Sie Kontinuität. Je nachdem, mit wem du arbeitest. Dies ist vielleicht ein guter Zeitpunkt, um eine schnelle Bearbeitung zur Überprüfung zu exportieren. In der letzten Editierphase sind die Anpassungen, die Sie einige Visuals, Voiceover und Musik vornehmen werden minimal. Sie können damit beginnen, Grafiken hinzuzufügen, aber natürlich können Sie diese bei Bedarf früher hinzufügen. Sie beginnen, auch an Ihrer Soundscape zu arbeiten, was mehr Anpassungen erfordert. Auch hier sind diese Anpassungen notwendig, um sicherzustellen, dass sich alle Elemente harmonisch anfühlen und ein gutes Tempo und Rhythmus aufrechterhalten. Zu diesem Zeitpunkt können Sie eine weitere Bearbeitung zur Überprüfung absenden, Anpassungen vornehmen, erneut überprüfen dann die endgültige Bild-Sperrgenehmigung erhalten, was bedeutet, dass sich bei der Bearbeitung nichts hypothetisch ändern sollte. Aber wieder, es ist nie zu spät, Revisionen hinzuzufügen, wenn Sie unbedingt müssen. Dies ist, wenn Sie an der Farbkorrektur und Farbkorrektur arbeiten. In einigen Fällen können Sie, wenn Sie mit dem Protokollmaterial arbeiten, möglicherweise bereits früher in diesem Prozess Lose hinzufügen oder Farbkorrekturen vornehmen. Aber das sind Aufgaben, die Sie irgendwie wollen, dass es gesperrt bearbeiten, so dass Sie effizienter sind und nicht Farbkorrektur- und Farbkorrektur-Clips , die Sie gerade in der Feinbearbeitung löschen werden. Und schließlich, wenn alle glücklich sind, ist es an der Zeit, das Endprodukt zu liefern. Bitte denken Sie daran, dass dies nur Richtlinien sind. Jeder Prozess, jedes Team, jeder an der Produktion beteiligte Fachmann wird den Prozess insgesamt verändern. Also hoffe ich, dass diese Lektion nicht wütend für diejenigen ist, die einen bestimmten Weg wollen. Es gibt hier keine 100% richtige Antwort. Aber was ich nicht sagen kann, würde ich vorschlagen, dass du mit der Erzählung anfängst. Ist es Visuals, das Voice-Over, der Dialog, die Musik. Was treibt die Geschichte an? Beginnen Sie damit zuerst und holen Sie dann den groben Anfang, Mitte und das Ende auf die Timeline. Wenn Sie es gewohnt sind, Musik zu schneiden, versucht, die Szene zuerst trocken zu schneiden und dann fügen Sie die Musik danach. Wenn Sie extrem fest sind und Sie nicht sehen können, wohin das Projekt geht. Versuchen Sie, zuerst nach Musik zu suchen, gehen Sie zur Lektion über Musik und wählen Sie Musik für Ihr Projekt aus. Denken Sie daran, dass Sie, egal in welchem Teil des Prozessors, immer kleine Anpassungen vornehmen müssen , um die Elemente miteinander zu verbinden und sie zusammenhängend zu fühlen. Gehen Sie weiter und beginnen Sie Ihre erste Bearbeitung. Fügen Sie die Visuals hinzu, fügen Sie die Voice-Over hinzu, aber gehen Sie nicht zu weit voraus, denn in der nächsten Lektion werden wir den Videobearbeitungsprozess durchlaufen , der Ihnen bei der ersten Bearbeitung hilft. 7. Der Bearbeitungsprozess: In dieser Lektion werde ich meinen eigenen Videobearbeitungsprozess durchlaufen und Ihnen die Gründe geben, warum ich bestimmte Bearbeitungen vornehme. Und ich hoffe, dass dies Ihnen helfen wird, Ihren eigenen Prozess zu verbessern und zu verfeinern. Ein großer Grund, einen Schnitt zu machen, ist einfach für Geschichte. Ich mochte den Schuss, der den Boden aussah. Vielleicht fangen wir hier mit dem Boden an. Also gehen wir hin. Ich denke, das ist genug Zeit. Wir bekommen die Vorstellung von dem, was wirklich passiert, Sie brauchen nicht einen Clip länger als nötig sofort loslegen zu lassen. Ich verstehe. Ok. Es ist eine Hand, die in den Boden kommt und es reibt den Boden, Sie sehen, dass Sie den Punkt des Clips ziemlich schnell bekommen. Es ist auch toll, mit dieser Aufnahme zu beginnen ist, dass es unsere breiteste Aufnahme ist, so dass es uns die meisten Kontexte für die Szene gibt. Wir können sehen, dass wir in diesem Gartenbereich sind. Es gibt etwas Laub. Es gibt uns ein Gefühl für die Umwelt. Und in einigen Fällen ist es wichtiger, Schüsse zu erstellen als andere. Und in diesem Fall ist es vielleicht nicht so wichtig, weil Sie den Kontext der Szene klar sehen können , ohne dass so viele Informationen benötigt werden. Eine weitere Faustregel beim Schneiden für Story ist, dass Sie normalerweise zu einem Schuss schneiden möchten, irgendeine Art von neuen Informationen über die Szene, den Charakter oder die Geschichte selbst enthüllt . Manchmal entscheiden Sie sich, keine Informationen zu offenbaren, die die Zielgruppe wünscht. Das könnte daran liegen, dass Sie versuchen, den Ton Ihrer Bearbeitung zu unterstützen. Du bist also wie eine Farbe mit deiner Leinwand. Diese Auswahlsequenz und diese Sequenz sind Ihre Leinwände mit all Ihren Farben. Und du gleitest einfach über alle Farben und versuchst herauszufinden, welche Clips wir schneiden wollen, um sie zu testen. Vielleicht mischen Sie ein paar Clips zusammen und sie funktionieren nicht, aber das ist in Ordnung. Du machst einfach weiter und probierst weiter aus. Und ich werde diesen Prozess weiter durchlaufen bis ich die ganze grobe Geschichte zusammengefasst habe. Ich kenne diese Anzeige bereits, es wird nicht gut funktionieren sei denn, wir haben etwas von der Aktion stark ausgeschnitten. Das bedeutet also, dass nur weil diese Hand auf die Kamera zurückkommt , nicht bedeutet, dass wir auf die Hand zurückschneiden müssen. Bewegen Sie sich zurück. Ich meine, das könntest du, aber in diesem Fall, glaube ich nicht, dass wir es wollen. Ich denke, wir wollen vielleicht sogar aufhören, eine schnelle Bearbeitung machen. Und dann beginnt das Graben. Ich meine, ich denke, das funktioniert sogar. Dies wird also Editierkontinuität genannt , wo Charaktere und Objekte in Relation zueinander in einer Sequenz von Aufnahmen stehen. In Shot One Cutting zu SHA2 haben wir Bearbeitungskontinuität, da die Hand von Schuss zu Schuss zwei nicht in ihren physischen Raum springt. Aber in Schuss zu diesem Schuss drei, haben wir eine ganze Reihe von Aktionen ausgeschnitten, um Kontinuität zu brechen. Man sieht nie, dass die rechte Hand reinkommt und anfängt, das Loch zu graben. Stattdessen schneiden wir diese Aktion aus und wir schneiden direkt zu beiden Händen, die in das Loch graben. Also schneiden wir hier eine Menge Action aus. Wenn ich die Aktion logisch von Punkt A nach Punkt B zu Punkt C schneide, ging das Publikum, um genau zu verstehen, was los ist. Und manchmal ist das sehr wichtig, aber andere Male ist das nicht. Unser Gehirn kann die Aktion ausfüllen, die wir nicht sehen, die Aktion, die fehlt. Wir können auch die Bearbeitungskontinuität verwenden, um die Aufmerksamkeit auf bestimmte Bearbeitungen zu lenken. In dieser kurzen Sequenz hier, bei diesen drei Schnitten, folge ich nicht der Bearbeitungskontinuität. Dies ist für Tempo Entscheidungen und um die Geschichte schnell vorwärts zu bewegen. Dann bei diesem Schnitt hier wähle ich, um die Bearbeitungskontinuität zu folgen. Ich schneide nichts von der Aktion aus. Und ich denke, es lenkt mehr Aufmerksamkeit auf diesen Schnitt und hier möchte ich die Aufmerksamkeit lenken, nämlich auf den Samen. Sieh ihnen zu, wie mein Auge dem Kleinen folgt. Und dann direkt in den nächsten Schuss. Mein Auge ist schon im Großen und Ganzen die Grabaktion und es ist schon ein glattes, dass es schon. Also lasst uns einfach diesen Weg gehen und das Loch graben. Du brauchst sie nicht mal. Auch hier wollen wir nur so lange auf der Aufnahme verweilen, wie wir das Publikum brauchen, um zu verstehen, was vor sich geht. Und ich denke nicht immer nur darüber nach, wo etwas im Rahmen steht und darüber nachdenke, wie es sich bewegt. Und das ist der Grund, warum ich nach Bewegung innerhalb des Rahmens suche und warum eine priorisierte Bewegung im Rahmen unserer statischen Aufnahme. Ich hätte gerne die Bewegung hier, und deshalb wählte ich diesen Schuss über den Schuss. Also im Grunde zu versuchen, ist die Bewegung von einem Frame zum nächsten zu folgen. Ich habe versucht, die Bearbeitung zu erstellen, genau als der Samen auf meiner Hand zurückkam. Aber jetzt versuche ich, einen Weg zu finden, um es mit der Bewegung von rechts nach links funktionieren zu lassen. Mal sehen, wie das funktioniert. Irgendetwas funktioniert hier nicht. Es ist nicht flüssig. Es ist auch sehr wichtig, sich daran zu erinnern, dass dies Experimentieren erfordert. Das dauerte eine Weile, um herauszufinden, wie man die Bewegung und die Augenspur zum Laufen bringen konnte und machte viel Experimentieren mit verschiedenen Clips. Also bleiben Sie einfach dran, bis Sie etwas bekommen, das für Sie funktioniert. Die Hände gehen von rechts nach links, verdrehen und auch ein folgt durch in diesem Schuss hier. Jeder Schuss enthüllt etwas Neues. Dieser Schuss enthüllt diesen Teil des Samens. Dieser ist vielleicht unnötiger, aber wir bekommen immer noch einen anderen Winkel des Samens zu sehen. Und dann zeigt dieser hier den breiteren Schuss, sich im Grunde von diesem Schuss mit dem Pflanzen des Samens verbinden wird. Also denke ich schon einen Schritt voraus. Zurück zum Schneiden für die Geschichte. Ich habe diesen Schuss hier abgeschnitten, weil er überflüssig war. Und obwohl es einen anderen Teil des Samens zeigte, war es einfach nicht genug, um die Geschichte in irgendeiner sinnvollen Weise voranzutreiben. So hat es am Ende geschnitten. Ein weiteres Beispiel hier. Von hier nach hier, ohne Bewegung, sieht die Aufnahme einfach zu ähnlich aus, aber es ist auch anders genug, dass sie nicht konsistent aussieht. Sehen Sie, dass der Sitz in diesem Winkel zugewandt ist und dann in diesem Schuss in diesem Winkel zugewandt ist. Wenn Sie also von diesem Schuss zu diesem Schuss schneiden, ist der Winkel des Samens zu unterschiedlich und wird dann schräg. Um das zu beheben, können wir einfach damit beginnen, dass ein Teil des Bodens sofort in den Rahmen kommt. Also sind wir nicht von dem Schuss verarscht. Unser Blickfang fängt in der Bewegung, die hereinkommt. Da der Boden hier inkrementell fällt, können wir vielleicht einige knifflige Bearbeitungen vornehmen, damit wir die Bewegung am Laufen halten können. Das funktioniert nicht. Versuchen wir es. Lassen Sie uns versuchen, hier zu gehen, weil der ganze Samen, es bewegt sich an dieser Stelle. Also lasst uns diesen Schnitt hier versuchen. Also hört der Samen auf und bewegt sich dann wieder. Das ist, was mich gerade vermasselt. Und ich sehe, es hört auf und dann geht es zurück und geht wieder. Vielleicht folgen wir dieser Bewegung hier. Versuchen Sie, das zu beheben. Lass es uns ein bisschen reinstecken. Lasst uns das versuchen. Das könnte funktionieren. Im Moment ist es nur eine grobe Bearbeitung. Wir können definitiv herausfinden, wie wir das beheben können, oder Sie können in unsere Auswahl zurückgehen und einen anderen Schuss wählen. Das ist also ein Einblick in meinen Prozess, wenn ich eine erste Bearbeitung zusammenstelle, eine Coverstory, die nicht meine Begrüßung mit einem Clip übertrieben. Neue Informationen bei Bedarf aufdecken. Verwenden Sie die Story, um zu entscheiden, welchen Clip ich als nächstes verwenden könnte. Auch über die Bearbeitung Kontinuität nachzudenken ist wichtig, um die gesamte Aktion von etwas in einer Sequenz von Aufnahmen einzubeziehen. Oder können wir die Action ausschneiden? Bewegung innerhalb eines Rahmens? Kann jemandes Auge von einem Schuss zum anderen ziehen. Berücksichtigen Sie auch die Bewegung physikalischer Objekte innerhalb der Szene und wie sie von einem Schnitt zum nächsten fließen. Einige von euch fragen sich vielleicht, was mit dem Tempo und dem Rhythmus ist. Und ja, das ist wichtig, und das halte ich auch für. Wenn ich editiere, wird das wichtiger du mit Voice-Over Soundeffekten und Musik durchmachst, denn das trägt zum Tempo und Rhythmus des Stücks bei. Wenn Sie mehr Tipps zu Tempo und Rhythmus wünschen, habe ich in den Notizen unter der Schritt- und Rhythmusstunde meiner anderen Klasse über Videobearbeitungstechniken verlinkt . Denk über diese Dinge nach, während du deinen Schnitt machst. Du musst nicht all diese Dinge auf einmal erledigen. Während der Montage können Sie mehrere Durchgänge durchführen und sich auf jede dieser Dinge konzentrieren , während Sie jeden Durchgang durchlaufen, wenn Sie dies noch nicht getan Fahren Sie fort und beenden Sie Ihre erste Montage oder den groben Schnitt mit Bild und Voice-Over. Jetzt ist ein guter Zeitpunkt, um Musik zu Ihrem hinzugefügten hinzuzufügen. In der nächsten Lektion werden wir darüber sprechen, wie man großartige Musik auswählt. 8. Tolle Musik auswählen: Die Auswahl großartiger Musik kann Ihre Geschichte zum Leben erwecken, den Rhythmus und den Rhythmus Ihres Projekts unterstützen und dabei helfen, Ihre Bearbeitung insgesamt zu strukturieren. Es ist also wichtig zu wissen, wie man großartige Musik erkennt. Für diese Lektion werde ich artless verwenden, um zu erklären, wie ich Musik wähle Sie können jeden Musikdienstleister verwenden, den Sie bevorzugen. Ich benutze hauptsächlich Kunstlisten und Epidemic Sound. Viele dieser Musik-Abonnementdienste ermöglichen es Ihnen, sich für eine 30-Tage-Testversion anzumelden. Sie können also voran gehen und das tun und eine Wasserzeichenspur herunterladen, die Sie in Ihrer eigenen Bearbeitung verwenden können. Ich habe auch ein paar Websites aufgelistet, die Sie für kostenlose Musik verwenden können, die Sie für persönliche und kommerzielle Projekte verwenden können. Wie immer. Der Zweck der Geschichte, die ich zur Orientierung zu erzählen versuche. Sie erinnern sich an dieses Diagramm hier von weniger als drei, der Ton ist unsere emotionale Verbindung zum Zweck unserer Geschichte. Und Musik leistet einen tollen Job, um eine emotionale Verbindung zu schaffen. ist es so wichtig, dass wir uns bemühen, Musik zu wählen , die zum Ton unseres Projekts passt und dafür sorgen, dass sie großartig ist. Wir wollen inspirierende Stimmung und Ton erreichen, und vielleicht sogar ein wenig dramatisch. Wenn wir uns für Musik entscheiden, möchten wir offen bleiben und Tracks herunterladen, von denen Sie glauben, dass sie funktionieren könnten. Vielleicht nicht, aber das ist in Ordnung. Wir werden mehr Musik auswählen, als wir brauchen und sie dann von dort mit einem dieser Online-Musikanbieter einschränken . Der beste Weg, um zu beginnen, ist die verfügbaren Tags zu verwenden, um Ihre musikalischen Entscheidungen einzugrenzen. Wir sind nicht wirklich besorgt über das Video-Thema oder die Instrumente innerhalb des Tracks. Wir sind vor allem besorgt über die Stimmung und das Genre, weil der Akt das Ergebnis des Tones unseres Projekts ist, wie wir wollen, dass unser Publikum sich fühlt. Und das Genre kann auch in unserem beabsichtigten Ton helfen. Anstatt auf alle diese Tags zu klicken, die gelten, wie wenn wir auf erhebend geklickt, oh ja, es ist total episch. T2. Und es ist mächtig und aufregend, glücklich und lustig. Das wird dich nirgends bringen. Wenn Sie zu viele Tags auswählen, werden unsere Optionen zu sehr eingeschränkt. Diese Optionen funktionieren für das Projekt, an dem wir gerade arbeiten, nicht. Versuch, die Tags auf ein oder zwei oder drei max einzugrenzen. Schauen wir uns an, was wir hier erschaffen wollen. Also denke ich, es wird ein bisschen dramatisch sein. Vielleicht versuchen wir, zwei aufzuheben. Lassen Sie uns versuchen, dass das Genre wird auch helfen, unsere Entscheidungen einzugrenzen. Denn ich weiß schon, dass dieses Stück nicht gut mit Blues-Musik, Rockmusik, ohne Singer-Songwriter funktionieren wird , nein, wir wollen nicht, dass unser Voice-Over mit der Sängerin konkurriert. Also brauchen wir Musik, die keinen Sänger drin hat. Hip Hop, nein, Urlaub, nein, es bedeutet nicht, dass diese Genres nicht für Ihr Projekt funktionieren. Wenn Sie ein Genre sehen, das den Ton passen kann, dass Sie gehen für, ausgewählte Kinofilme. Dies ist ein tolles Etikett. Wählen Sie sofort aus. Wir wollen das Publikum mit auf eine Reise nehmen. Und wenn Sie auf das filmische Tag klicken, gibt es Ihnen mehr musikalische Optionen, die diese natürliche Geschichte haben als natürliche Reise bereits in der Musik. Ein interessanter Anfang, Mitte und Ende. Und die Musik nimmt Sie mit auf eine Reise durch verschiedene Klangschichten, Instrumente. Und das Lied als Ganzes hat einen Ton und eine Stimmung dazu. Hier ist ein Beispiel für ein Lied, von dem ich denke, Sie auf eine Reise mitnimmt. Und du siehst, dass ich den Song in Segmente zerlegt habe. Und die Schnitte, die ich auf diesem Track gemacht habe, sind entweder neue Instrumente, die eingeführt werden, verschiedene Arten von Rhythmus, eine andere Art von Gefühl oder Stimmung. Und er ändert sich in der Intensität, sogar eine andere Art von Effekt. Und ich bin sicher, dass es andere Attribute zu Musik gibt, die professionelle Musiker chiffrieren können, aber so breche ich einen Track als Redakteur auf. Hier haben wir also ein Beispiel dafür, dass ein neues Instrument eingeführt wird, eine Gitarre und einen Bass, Cello, ich glaube, ich bin mir nicht sicher, was das ist. Dieses Segment führt auch ein neues Feld und eine neue Stimmung ein. Und zuerst haben wir dieses Klavier und es gibt dir diese Art von gewissem Gefühl und nur ein wanderndes Gefühl für mich. Und dann, wenn die Gitarre und der Bass oder was auch immer das ist kommt und sich fast exotischer anfühlt, als wären wir irgendwo angekommen. Sie können das so interpretieren, wie Sie wollen. Aber es ist wichtig, dass wir feststellen, dass es eine Veränderung des Tones gibt. Es gibt eine Veränderung in der Stimmung. Hier ist ein Beispiel für die Veränderung der Musik und Rhythmus. Und was ich damit meine, ist die Menge der Perlen gespielt PRE Maßnahme. Können Sie also nicht wissen, was eine Maßnahme ist? Hören Sie einfach auf dieses Segment oder die Anzahl der Beats steigt. Es gibt also mehr Noten, die pro Maß dieses Tracks gespielt werden, was ihn interessanter macht. Diese Veränderung macht sie unberechenbar. Hier ist ein Beispiel, wie Spezialeffekte die Musik verändern können. Hören Sie sich das an und sehen Sie, ob Sie es hören können. Hast du das gehört? Hast du diese subtile Veränderung im Nachhall gehört? Die Musik klang, als wäre sie näher bei dir. Und dann änderte der Musiker den Track, indem er den Hall vergrößerte. Es fügte etwas Geräumigkeit hinzu. Es fühlt sich an, als wären wir an einem anderen neuen Ort angekommen. Dieser Effekt fügt auch zu der Geschichte hinzu, die den Ton ist, es fügt zur Reise dieses Tracks hinzu. Und schließlich gibt es Intensität. Hören Sie sich diese Änderung der Intensität von Molkerei intensiv Serin nennen. Die Intensität eines Tracks kann durch die Anzahl der Instrumente auf einmal gespielt werden, die Anzahl der Beats zu einem bestimmten Zeitpunkt und auch wie laut der Teil des Tracks ist bestimmt werden. Hier ist ein Beispiel für Musik, die in einigen Fällen einen Zweck haben könnte, aber in der Mehrzahl der Male würde ich wahrscheinlich keine Musik wie diese verwenden. Ich habe die Strecke auf die gleiche Weise wie die vorherige unterbrochen. Was ich sofort bemerkt habe, war, dass es keine Veränderung im Beat gibt. Es gibt keine Veränderung im Ton. Es gibt keine Änderung in der Intensität, wirklich, außer dem Intro. Die einzigen Veränderungen, die tatsächlich in diesem Lied auftreten, sind entweder neue Instrumente eingeführt oder Instrumente weggenommen werden, und die seltsame subtile Veränderung der Akkordprogression, das Fehlen dieser anderen Elemente in dieser Musik macht uns verfolgen ein bisschen vorhersehbarer und nicht die beste Wahl für Storytelling. Es gibt keine Nuance im Ton, fühlt sich die ganze Zeit wie ein Ton an. Ein sehr hilfreicher Tipp hier, schauen Sie sich die Wellenformen an, wenn Sie Musik betrachten. Beim Vergleich beider Beispiele können Sie sofort erkennen , dass die Wellenformen völlig unterschiedlich sind. Nur Gipfel und Täler in diesem hier. Während in diesem überhaupt, das gleiche. Hören Sie sich Ihre ersten Eindrücke an. Ok? All das hört sich auch sehr gut an. Wenn Sie eine gewisse Stimmung von der Strecke bekommen, zunächst, Chancen sind, dass andere Leute könnte das gleiche Feld von dieser Spur als auch bekommen. X-Akten. Klingt nach einer Art Kriminalshow. Ok. Das klingt nach einer Fantasie. Genau da. Es klingt wie Herr der Ringe oder so. Und dann sehe ich das Fantasy-Tag. Es ist nicht das richtige Genre für uns. Das ist irgendwie interessant, ziemlich dramatisch. Wenn es dem Ton entspricht, machst du es, großartig. Probieren Sie es aus. Eine schnelle Möglichkeit zum Hinzufügen Ihres Titels besteht darin, das Audio im Musik-Abonnement-Service wiederzugeben, als Tab zurück zum Bearbeitungsprogramm , Play zu drücken und dem Patienten zuzuhören. Urteilen Sie nicht, ändern Sie den Tag im Büro, um die Bibel zu setzen. Sie hat schon viel getan. Ich sehe, dass es funktioniert. Es ist dramatisch, es fügt etwas hinzu. Es selbst. Wir werden das retten. Manchmal werden Sie von Tracks überrascht sein, die sich nicht ganz richtig anfühlen. Aber dann, als er sie in das Video sah, konnten sie funktionieren. Die Zellen sind sehr dramatisch. Aber zum Teufel, wir werden nur versuchen, vorzusprechen. Es tötet Raffhalter. Seien Sie geduldig. Nicht urteilen. Jeden Tag durch die Halle Fisch FUV, aber durch die Blätter, die Sie geplottet haben. Und okay, es könnte funktionieren. Bleiben Sie entschlossen. Dunkelheit, Clavey U, du wirst kämpfen, um das Licht zu sehen. Gehen Sie zu o , Sie werden Sie aktualisieren. Ok. Ich dachte nicht, dass dieses Medikament überhaupt funktionieren würde, aber tatsächlich kann es, es kann, es kann sehr gut funktionieren. Und vor allem, wenn man das Crescendo dort gesehen hat, passierte es gleich am Ende der 29 Sekunden sowieso ungefähr, aber mit etwas Optimieren, können Sie es wahrscheinlich ausschalten. Gehen Sie weiter und finden Sie Musik, testen Sie ein paar verschiedene Optionen. Und wenn Sie die Musik zu Ihrer Bearbeitung hinzufügen, denken Sie daran, dass Sie das Timing Ihrer Bearbeitung anpassen werden. Sie könnten einige andere Inspiration für die Musikauswahl bekommen und das wird die Art und Weise ändern, wie Ihre Bearbeitung ist, und das ist großartig. Lassen Sie es Ihre Bearbeitung noch mehr gestalten. Denken Sie daran, dass der Bearbeitungsprozess abgeschlossen ist und verläuft. Daher muss jedes neue Element, das Sie der Story hinzufügen, in Ihre aktuelle Bearbeitung integriert werden und Ihre Bearbeitung bereit ist, entsprechend anzupassen und zu ändern. Um zusammenzufassen, versuchen Sie nur ein paar Tags auszuwählen. Beginnen Sie mit Genre und Stimmung. Identifizieren Sie großartige Musik, indem Sie sich die Änderungen in Instrument, Rhythmus, Ton, Intensität und Effekt anhören und stellen Sie sicher, dass der Track Sie tatsächlich emotional bewegt. Benutzer erste Eindrücke mit den Tracks. Achten Sie auch darauf, sie zu Edition. Und wenn Sie Zweifel haben, probieren Sie es einfach aus. Es tut nicht weh. Gehen Sie weiter und suchen Sie nach Musik für Ihr eigenes Projekt. Und in der nächsten Lektion lernen wir, was es bedeutet, mit Absicht zu bearbeiten. 9. Mit Gusto bearbeiten: Wir möchten jederzeit im Hinterkopf behalten, wie unsere Bearbeitung das Publikum fühlt. Wie fühlt sich dieser Schnitt das Publikum an? Was ist mit dem hier? Wie können alle Schnitte in Ihrer Bearbeitung das Publikum insgesamt fühlen, unabhängig davon, ob Sie erfolgreich in Verbindung mit der Zielgruppe sind oder nicht, Sie müssen immer noch jede von Ihnen vorgenommene Bearbeitung rechtfertigen. Andernfalls, was ist der Sinn, überhaupt eine Bearbeitung an erster Stelle zu machen? Also zum Beispiel, genau hier, wenn der Gärtner den Samen in das Loch legt, genau da, dieser Schnitt, ist super einfach, aber es hat auch viel mit dem allgemeinen Zweck des Stückes zu tun , das wir inspirieren wollen, wir versuchen zu ermutigen, wir versuchen, diese hoffnungsvolle Botschaft zu schaffen. Und eine Möglichkeit, dies zu tun, ist, unseren Helden Charakter zu betonen, der die Samen ist. Es ist sehr zentrierter Schuss, der Stabilität darstellen kann. Und es ist auch das erste Mal, dass du das Loch mit nur dem Samen darin ausgegraben siehst. So legt viel mehr Wert auf diesen Moment. Außerdem habe ich zur Lektion über den Bearbeitungsprozess zurückgekehrt, was die Bearbeitungskontinuität war und wie ich die Bearbeitung der Kontinuität für diesen Schnitt verwendet habe, insbesondere um die anderen Bearbeitungen zu kontrastieren, die nicht den Regeln der Kontinuität folgen. Und ich tue das und versuche, mit dieser Bearbeitung mehr Bedeutung zu schaffen. Ich habe auch einen sehr subtilen digitalen Zoom verwendet, um hervorzuheben. Konzentrieren Sie sich auf die Szene von ihm mehr. In der Klanglandschaft selbst. Ich habe diese Explosion hinzugefügt, die eher nach einem Basis-Hit klingt. Um den Tropfen eines Samens zu betonen. Ich habe ein bisschen länger auf dem Schuss gehalten. Also musste ich diese Frames tatsächlich ein paar Mal kopieren , um die Aufnahme ein bisschen mehr zu verlängern. Verweilen auf dem Schuss verändert das Tempo fügt ein bisschen mehr Spannung und Drama hinzu. Und dann haben wir endlich unser Voice-Over, bleiben Sie entschlossen. Bleiben Sie entschlossen, was die Botschaft unseres Stückes ist , das wir ermutigen oder zu inspirieren versuchen. Ich möchte auf diese Botschaft aufmerksam machen. Daher ist der Zeitpunkt, wann dieser VoiceOver auftaucht, wichtig. Das Publikum, das sich fühlt, als wären sie der Samen selbst, sie sind in dieser Position. Der Sitz befindet sich ganz allein in der Mitte des Rahmens. Wir wissen, dass es passieren wird, es wird abgedeckt sein. Vielleicht gibt es ein bisschen Angst um das, aber die Spracherinnerung, bleib bestimmt. Wir wissen, warum wir das tun. Wir wissen, dass wir diese Transformation durchmachen werden. Es wird nicht einfach sein, aber es gibt gute Dinge am anderen Ende. Also ich weiß, das klingt irgendwie lächerlich, aber das hilft mir immer, eine Bearbeitung vorzunehmen und einen guten Grund für die Bearbeitung zu haben , die die Bearbeitung rechtfertigen. Ich habe einen Grund. Ich hoffe, es trifft das Publikum auf die beabsichtigte Weise. Also all diese Gründe, mit der Bearbeitung Kontinuität, die in diesem Moment geschnitten, die Basis traf die verlängerte anhaltende Aufnahme, der Voice-over Tag bestimmen digitalen Zoom. All diese Bearbeitungen sind ein Versuch, das Publikum auf diese Position beziehen zu lassen, um die Aufmerksamkeit auf den Zweck der Geschichte zu lenken. Viel Zeit, wenn ich Änderungen vornehme, denke ich, wie fühlt sich das an? Ich spreche sogar laut und mit den Worten, ich habe das Gefühl, dass dieser Schnitt diese Gefühle verwendet , die mir helfen können, sich mit der Emotion des Schnitts zu verbinden und mir helfen, meine Bearbeitungsmöglichkeiten zu rechtfertigen, um sicherzustellen, dass Zweck wird mit jeder einzigen Wahl, die ich treffe, gefühlt und gesehen. diesem Grund müssen wir uns auf diese Absichten verlassen. Unsere Absicht für die Bearbeitung ist dies. Es bedeutet nicht, dass das Publikum diese Bearbeitung auf diese Weise erhalten wird, aber Sie haben die Macht, Ihre Bearbeitung zu rechtfertigen und zu versuchen, diesen Zweck herauszuziehen, und haben eine größere Fähigkeit, das Publikum mit dem allgemeinen Zweck zu verbinden. Ein weiteres Beispiel hier, Fades sind in der Regel dafür bekannt, dass sie verwendet werden, um einen Zeitablauf zu erstellen. Ich fühlte, dass dies aufgelöst würde die beste für diesen Moment funktionieren, die Auflösung ist ein fließender Übergang von den Flecken von Schmutz fallen Spiel lösen sich auf die Wassertröpfchen, der Schmutz und das Wasser kontrastiert einander und sie beide haben unterschiedliche Bedeutungen. Das Publikum kann die Bedeutung schaffen, die sie daraus wollen, und es kann subtil sein. Es ist vielleicht nicht einmal so offensichtlich. Aber die Idee ist, dass ich das im Sinn hatte, um den Schnitt zu rechtfertigen. Ich versuche zu zeigen, dass sich mit der Zeit die Flecken von Schmutz, der Schmutz, der den Samen bedeckt, schließlich in nährendes Wasser verwandeln wird, was die Hoffnung darstellt. Die Hoffnung, die dich durch die tiefen dunklen Zeiten führt. Halte die Hoffnung fest. Wenn Sie das Wort Hoffnung hören , dann können Sie das Wasser vollständig sichtbar sehen. Es gibt keine Veränderung der Deckkraft, weil ich wirklich die Hoffnung auf die Situation in diesem Moment betonen wollte . Halten Sie sich an der Hoffnung fest. Ich habe auch beschlossen, das Regengeräusch zu verstärken, um diese Symbolik mehr hervorzuheben. Ich habe für jede einzelne Bearbeitung versucht, um meine Gründe für den Schnitt zu rechtfertigen. Ich habe versucht, jede einzelne Bearbeitung durch Emotion zum Zweck zu machen. Nicht jede Bearbeitung wird so funktionieren, aber ich habe es versucht, das sind nur ein paar Beispiele aus meiner Bearbeitung. Und wer weiß es? Vielleicht haben Sie auf eine ganz andere Weise interpretiert. Das ist in Ordnung. Alles, was wirklich wichtig ist, ist, dass jede Bearbeitung, die Sie vornehmen, gerechtfertigt sein muss. Du versuchst immer darüber nachzudenken, wie sich das Publikum in diesem Moment fühlen wird. Und wenn es dem Zweck Ihres Projekts dient. Und dann, was großartig ist, ist, wenn jemand anderes Ihr Projekt überprüft, kann er bestätigen, ob Ihr beabsichtigter Ton herüberkommt oder nicht. Der Zweck deiner Bearbeitung sollte immer im Vordergrund deines Geistes stehen. Denken Sie über Ihre eigene Bearbeitung nach und wie Sie mit jedem Schnitt oder jeder Gruppe von Schnitten Bedeutung erstellt haben. Dies könnte bedeuten, dass Sie Schnitte machen, damit ein anderer Schnitt eine Bedeutung hat. Dies ist auch die Artistik der Bearbeitung und es braucht Zeit und Übung. Das ist es, was mich wirklich aufgeregt über die Bearbeitung insgesamt. Viel Spaß beim Erstellen eines Zwecks mit Ihrer Bearbeitung. Und denken Sie daran, dass Sie mit jeder Bearbeitung, die Sie machen, Bedeutung machen können. In der nächsten Lektion werden wir in Audio-Mixen eintauchen. 10. Richtlinien zur Abmischung: In dieser Lektion werden wir einige allgemeine Audio-Mixing-Richtlinien durchlaufen. Das Verständnis dieses Prozesses wird dazu beitragen, die Qualität Ihrer Klanglandschaft zu verbessern. Das Ziel einer Klanglandschaft ist es, das Publikum in die Geschichte zu ziehen und dabei erfolgreich zu sein, muss die Klanglandschaft die Bearbeitung verbessern. Befreien Sie sich von allen möglichen Ablenkungen. bedeutet vor allem, alle Klicks und Pops aufzuräumen. Für mich, Es ist zur Gewohnheit geworden, zwei Millisekunden Audio Fades zu den Ins und Outs von jedem Stück Audio hinzuzufügen . Dadurch werden schnell reibungslose Übergänge zu Ihrem Audio erzeugt. Ich werde hier ein paar wirklich allgemeine Richtlinien für Audiopegel durchgehen. Also nehmen Sie das mit einem Körnchen Salz. Du musst deine Ohren benutzen. Und für jedes Projekt wird es anders sein. Dieses Projekt, meiner Meinung nach, ist es ein bisschen heißer als andere gemischt, was bedeutet, dass ich mein Audio näher an die maximale Spitze schmeiße, was ich nicht für jedes Projekt tue. Eine andere Sache im Auge zu behalten, nicht Spitze vorbei 0 Dezibel oder Sie werden Ihr Audio verzerren , weil die Stimme ist so integraler für unsere Geschichte, Es ist sehr wichtig, dass wir hören die Stimme klar, knackig, nicht gedämpft, prägnant. Egal was, wir werden sicherstellen, dass die Stimme über der Musik und den Soundeffekten klar ist. Beurteilen Sie nicht, jeden Tag in der Halle Fischschmuck, Ich mag meine Stimme über Peeking von minus 12 bis minus 6. Es gibt Zeiten, in denen es sogar bis zu minus drei erreichen kann, aber es geht nicht darüber hinaus. Schneller Tipp: Verwenden Sie den Multiband-Kompressor mit einer Broadcast-Voreinstellung. Dies komprimiert den Ton, gibt dem Voiceover einen gleichmäßigeren Klang, betont bestimmte Frequenzen in der Stimme und konzentriert den Klang der Stimme über, so dass es druckvoller und klarer und klarer. diese Weise können Sie Ihre Musik und Soundeffekte auch etwas mehr ankurbeln , ohne die Klarheit im Mix zu verlieren. Wenn Sie Effekte mehrerer Audioclips anwenden, versuchen Sie es auch, den Audiospur-Mixer auf diese Weise zu verwenden. Wenn Sie Anpassungen vornehmen, können Sie sie an allen Clips gleichzeitig vornehmen, anstatt jeden einzelnen Audioclip in einem Zeit. Was ich liebe, ist, dass dies Richtlinien sind, also musst du nicht unbedingt daran festhalten, besonders wenn deine Geschichte es verlangt. Ich liebte die Show Geist Hunter, und ich fand vor allem ihre Wahl, um die Stimme zu halten ist niedriger als die Musik in dieser Bar Szenen fesselnd, Sie müssen wirklich zuhören. Und wenn du im wirklichen Leben mit einer Live-Band an diesem Ort wärst, würdest du wahrscheinlich nicht in der Lage sein, die andere Person so gut über die Musik zu hören. Also gefällt mir, wie sie das benutzen, um die Geschichte zu erzählen und sie sich realer anfühlen zu lassen. Aber was sie auch taten, war das Hinzufügen von Untertiteln. Wenn es keine Untertitel gibt, kann das Publikum lesen, was es sagt. Wenn sie nicht fangen die tatsächlichen Worte von dem, was sie sagen, ist es ihnen erlaubt, die Mischentscheidungen auf den Realismus der Geschichte ausgerichtet halten. Das ist nur meine Meinung, aber werfen Sie einen Blick auf diese Szenen, wenn Sie eine Chance haben. Im Gegensatz zu den speziell gemischten Szenen im Geisterjäger, erfordert die komplexe Geschichte und Visuals der Mieter Ihre volle Aufmerksamkeit. Ich verstehe, dass Christopher Nolan dem Publikum und immersive Erfahrung vermitteln wollte , und er glaubt wirklich an das Kino. Also sollte dieser Film in Kinos gesehen werden, und ich hatte keine Chance, in Kinos zu sehen, also musste ich im Fernsehen schauen. Und ich fand, dass ein Teil des Dialogs über die boomende Musik schwer zu verstehen war und der hohe Dynamikbereich mich dazu veranlasst, das Audio während der ruhigen Momente hochzudrehen und es während der lauten Momente abzuschalten. Schließlich entschied ich mich, mit Untertiteln zu sehen, die auch mit den komplexen Visuals konkurrierten. Und es wurde schwieriger, der Geschichte zu folgen, die mich am Ende aus der Erfahrung nahm. Später entschied ich mich, sie Szenen, Kopfhörer an zu sehen und die Mischung war unglaublich in meinen Kopfhörern. Also, was ist die Moral der Geschichte hier? Obwohl die meisten Filme und TV-Sendungen Stimmen über dem restlichen Ton klar halten, Sie nicht immer die Regeln befolgen, müssen Sie nicht immer die Regeln befolgen, sondern auch überlegen, wo und wie Ihre Bearbeitung angezeigt wird. Stellen Sie einfach sicher, dass Sie das glückliche Medium finden , das zur Geschichte passt, ohne Ihr Publikum zu frustrieren. Für Soundeffekte werde ich darauf abzielen, die Pegel von etwa minus 20 bis minus acht zu halten . Und einige Effekte können sogar bis zu minus drei gehen. Das ist das Ziel für mich mit Sound, ist es, die Bearbeitung zu ergänzen und das Publikum tiefer in die Action und die Geschichte zu lenken. In der nächsten Lektion werde ich noch einige Tipps zu Soundeffekten durchgehen, da es ein großer Teil einer großartig klingenden Soundscape ist. Die Musik mag die Soundeffekte, auch, Sie haben es erraten. Es muss das Publikum in die Geschichte hineinziehen. Und was Musik wirklich gut funktioniert, ist der Ton des Projekts verbessert. Ich werde darauf zielen, meine Musik hochzufahren und zwischen minus 20 Dezibel bis minus 10 Dezibel zu erreichen. Und in einigen Fällen die Musik und sogar bis zu minus drei Dezibel kommen. Wenn die Geschichte verlangt, wird die Musik meistens dazu dienen, die Momente zwischen unserem Voice-Over auszugleichen und unser Publikum bis zum Ende des Stückes zu führen. Wenn die Voiceovers vorhanden sind, neige ich dazu, die Musik zu ducken oder zu tauchen, um die Stimme klar zu halten. Jeden Tag in der Halle Fischschmuck, je nach Szene, müssen Sie vielleicht öfter ducken oder tauchen als nicht, wenn Sie Momente ohne Voiceover oder konkurrierende Soundeffekte und Musik haben und einen tollen Job zu füllen die Leere. Wenn wir einen Moment MC verlassen oder wo es keinen Dialog oder Soundeffekte gibt, kann es klingen, als ob ein Fehler in der Mischung gemacht wurde. Das heißt nicht, dass du keine ruhigen Momente in deiner Musik haben kannst, sondern nur darauf abzielen, darüber absichtlich zu sein. In diesem Teil des Mixes möchte ich, dass es die Musik heruntertaucht, um den Regen zu betonen, der die Hoffnung symbolisiert. In diesem Fall werde ich die Musik nach unten tauchen, um den Hörer von der Musik zum zunehmenden Klang des Regens zu führen . Also hier ist eine Zusammenfassung. Verwenden Sie Audio-Fades, um Klicks oder Pops in Ihrem Audio zu vermeiden. Die Stimme sollte sauber und klar sein, über andere Geräusche verstanden werden. Ziel, Ihren Dialog um minus 12 bis minus sechs Dezibel zu halten. Versuchen Sie es, den Multiband-Kompressor zu verwenden. Es ist eine großartige Möglichkeit, Ihre Stimme schnell und einfach auf die nächste Ebene zu bringen. Soundeffekte sind in der Regel für mich, etwa minus 20 bis minus 8 Dezibel. Wieder ergänzen sie die Bearbeitung, ziehen das Publikum in die Action, betonen bestimmte Geschichtenmomente. Die Musik um minus 20 Dezibel bis minus 10 Dezibel. Musik und wirklich profitieren Sie den Ton Ihres Stückes. Wir wollen, dass jedes Element von Audio, Dialog, Soundeffekte , Musik, alle einander und die Bearbeitung insgesamt ergänzen. In der nächsten Lektion werden wir also alles über Soundeffekte in unserer Klanglandschaft sprechen. 11. Eine fesselnde Soundscape erstellen: Ähnlich wie bei Musik können Soundeffekte das Publikum in die Action ziehen , die auf dem Bildschirm passiert. Daher ist es wichtig zu wissen, welche Soundeffekte Sie auswählen und wie Sie sie an Ihre Geschichte anpassen können. Die Art und Weise, wie ich mich dem Sound-Effekt-Auswahlprozess nähern möchte. Gehen Sie durch meine Sequenz, identifizieren Sie, wo Soundeffekte passen und welche Art von Sound mit der Aktion funktionieren könnte. Die Art und Weise, wie ich dies mache, ist, einfach Marker zu legen und alle Soundeffekt-Ideen auszuschreiben , die ich für einen bestimmten Punkt in der Timeline habe. Die Nähe der Kamera zu einem Charakter oder Objekt verändert die Klangqualität, die Lautstärke und die Wahl des Klangs. In diesem Schuss aus der Ferne sehen wir, wie der Kopf sich gegen den Schmutz reibt. Und anstatt die Schmutzgeräusche zu hören, weil es so weit weg ist, wird das Ambiente der Szene überwältigen. So können Sie in diesem Beispiel hören, Ich habe beschlossen, es zu verstärken, die Vögel und das Ambiente statt der Schmutz. In einem Schuss wie diesem, wo wir näher an das Thema sind, haben wir ein bisschen mehr Freiheit und koppeln dieses Audio. Ich hatte sogar die Idee, dass ich so etwas wie das Bauen von Trümmern Soundeffekten oder wie eine Rockrutsche oder so etwas verwenden könnte . Die Sounds müssen nicht unbedingt alle realistisch klingen. Sie müssen nur richtig klingen für die Action, die Szene und die gesamte Geschichte. Verwendung eines Soundeffekts, der für die Szene möglicherweise nicht realistisch ist, wird mehr herausragen und kann nützlich sein, wenn Sie versuchen, die Aufmerksamkeit auf bestimmte Momente der Geschichte zu lenken. Diese Momente werden das Publikum hoffentlich tiefer in die Geschichte und in ihre Bedeutung ziehen . Verwenden Sie diese, um herauszufinden, welche Teile der Geschichte Sie hervorheben möchten. Hören Sie sich diese Klanglandschaft an, die ich erschaffen habe. Ich habe die Musik und die Stimme stummgeschaltet, damit Sie die Soundeffekte wirklich hören können. Welche Rolle spielen sie im Zweck der Geschichte. Ich weiß, dass jeder eine andere Idee hat. Was für eine Art Soundscapes klingt gut für sie und was sie bevorzugen. Aber meine Absicht mit der Klanglandschaft war es, eine Vielzahl von Soundeffekten zu verwenden , um die Aufmerksamkeit auf unseren Helden zu lenken, die der Samen ist, habe ich eine Vielzahl von Hits, Wünsche, Auswirkungen verwendet , um die Bewegungen des Samens zu verstärken. Betonen Sie die Abdeckung dieses Teams mit dem Schmutz. Lass es ein bisschen erschreckender klingen. Boone Ring. Bringen Sie die Aufmerksamkeit auf die Nahrung des Wassers, den Regen, und lassen Sie diesen Übergang in die Vögel wieder zwitschern, was das Leben des Samens, die Zukunft davon zeigen soll. Es geht also um die Geschichte des Samens, alles um den Zweck dieses Samens. Ich betone nur diese Momente und denke darüber nach, wie kann ich Aufmerksamkeit auf den Zweck dieses Projekts lenken? Es ist sehr wichtig, eine voll klingende Klanglandschaft zu erhalten. Und wirklich, worauf es ankommt, ist die Nutzung einer vollen Palette von Frequenzen, Niederfrequenz-Sounds und Hochfrequenz-Sounds. Und Sie können dies tun, indem Sie mehrere Soundeffekte zusammen schichten , die entweder hohe Frequenzen sind niedrige Frequenzen, oder Sie können die Frequenz mit einem Filter manipulieren. Dies zu tun, indem mehrere Ebenen von Soundeffekten hinzugefügt werden, ist eigentlich ziemlich einfach. Ich werde nach einem Soundeffekt suchen, der funktioniert und hohe Frequenzen aufweist. Und dann werde ich auch auf niedrigere Frequenz-Sound-Effekte schauen , die auch für die gleiche Aktion funktionieren. In diesem Segment habe ich hier eine Kombination aus hochfrequenten Klängen und niederfrequenten Klängen verwendet . Der George bestreut Hochfrequenz-Sound. Die Hände zusammen bürsten umfassen eine Kombination aus Hochfrequenz- und Mittelhochfrequenzen. Hier ist eine niedrigere Frequenz. Schließlich habe ich ein paar Whoosh Soundeffekte hinzugefügt, um den Schnitt von schwarz zu den Händen zusammenbürsten hervorzuheben, hier haben wir einen mittleren Hochfrequenzwunsch. Und diese tiefe Wäsche und Push bedeckt unsere niedrigen Frequenzen. Und dann wieder, alle diese Soundeffekte pürieren zusammen. Gehen wir zurück zu dem Dreck, der über diesen Saatabschnitt der Bearbeitung fällt, damit ich Ihnen zeigen kann wie dieser Teil ohne Frequenzanpassungen klingt. Bevor ich irgendwelche Effekte angewendet habe, war es ein bisschen ein Durcheinander von Klängen. Und nach dem Einstellen der Frequenzen klingt es so. Ich werde dieses kurze Segment mit zwei verschiedenen Soundeffekten verwenden , um zu veranschaulichen, wie man Frequenzen manipuliert. In diesem Fall lassen Sie uns einfach unsere zweite Spur stummschalten. Lassen Sie uns diesen ersten Track hier anhören, um ihn einfach zu halten. Unsere Top-Track wird Hochfrequenz sein und unsere niedrige Strecke wird niederfrequent sein. Und wir haben schon viel von dieser Hochfrequenz in diesem Soundeffekt. Also werde ich es überhaupt nicht anpassen. Lassen Sie uns jetzt die zweite Audiospur anhören. So kann man schon hören, dass es sehr hohe Frequenz klingt. Es ist ein Kompliment, der hochfrequente Soundeffekt auf der ersten Schicht, wir wollen ein bisschen mehr von den niederfrequenten Klängen in dieser einen herausziehen. Um das zu tun, werde ich den parametrischen Equalizer verwenden, der ein Audioeffektfilter ist. Alle Steuerelemente für parametrische Equalizer-Effekte der Warteschlange bearbeiten den Effekt. Und wir können das von links nach rechts lesen und die linke Seite haben wir unsere niederfrequenten Geräusche, und auf der rechten Seite haben wir hochfrequente Geräusche. Wenn wir es wiedergeben, können Sie alle niederfrequenten Geräusche auf dieser Seite und Hochfrequenz-Sounds auf dieser Seite sehen. Hier werden ziemlich viel mehr hochfrequente Geräusche hervorgehoben. Und was ich am parametrischen Equalizer mag, ist, dass Sie sehr spezifisch mit verschiedenen Frequenzen bekommen können . Und es gibt eine Menge Dinge, die du damit machen kannst. Aber weil wir uns nur darauf konzentrieren, niedrige und hohe Frequenzen zu erzeugen, können wir alle diese Intervalle hier deaktivieren. Nur halten sind Hoch- und Niederfrequenznoten. Wenn Sie einfach auf einen dieser Punkte klicken und ziehen, können Sie nicht über minus 15 dB hinausgehen oder das Low End oder High End auf Verletzungsskala übergeben. Eine Möglichkeit, darüber hinaus zu kommen, besteht darin, die Zahlenschieber zu verwenden. Und wir werden diese Hochfrequenz komplett abschalten. Und wir werden diese niederfrequente, schön und hoch kurbeln. Also erfassen wir nur diesen Teil der Frequenzen hier. Also lasst uns das mal anhören. Schon. Sie können hören, ich nehme viel mehr von den niederfrequenten Klängen auf. Aber ich denke, ich möchte das sogar noch ein bisschen weiter drängen. Und lassen Sie uns das noch etwas anpassen. Wir werden auch diese Frequenzen abschneiden und uns nur auf die niedrigen, niedrigen Frequenzen konzentrieren. Allerdings würden Sie ein schönes Basis-E-Feld dazu bekommen. Und jetzt, wenn wir unseren hochfrequenten Soundeffekt und unseren niederfrequenten Soundeffekt kombinieren , erhalten wir eine schöne volle Bandbreite an Frequenzen und unseren Sounds. Und das habe ich mit all den Soundeffekten gemacht. Ich habe hohe Frequenzen und niedrige Frequenzen ausgesucht. Und ich habe diese Frequenzen benutzt, um eine voll klingende Klanglandschaft zu schaffen. Um zusammenzufassen, betrachte ich bei der Suche nach Soundeffekten die Nähe des Sounds zur Kamera. Wenn Sie weiter weg vom Geschehen sind, das Ambiente vielleicht übernehmen. Wenn Sie näher an der Aktion sind, haben Sie definitiv mehr Freiheit und schaffen Geräusche, die nicht so realistisch für die Aktion sind, aber sie werden richtig für die Szene klingen. Und in der Tat ist es wichtiger, Fakten zu finden, die direkt auf die Handlung oder die Szene in der Geschichte klingen , anstatt genau zu klingen. Dies gilt auch für den Zweck unserer Geschichte. Der Rock-Slide-Effekt ist möglicherweise nicht genau für unsere Szene, aber es klingt richtig für mich und es funktioniert mit der Geschichte. Und schließlich ist es so wichtig, einen vollen Klang zu schaffen, ein Musikbett mit niederfrequenten Soundeffekten und hochfrequenten Soundeffekten zu erstellen. Und stellen Sie sicher, dass Sie auch einen Frequenzeffekt wie den parametrischen Equalizer verwenden , um den gewünschten Sound zu erzielen. Nehmen Sie diese Tipps und Ideen und haben Sie Spaß beim Erstellen Ihrer eigenen Soundscape. In der nächsten Lektion werden wir Loudness-Standards besprechen. 12. Richtlinien zur Lautstärke: Nachdem wir eine vollständige Mischung erreicht haben, nach unseren allgemeinen Audio-Mixing-Richtlinien, ist es an der Zeit, einige letzte Verbesserungen zu machen, um sicherzustellen, dass unsere Lautstärke ist, dass ein angemessener Pegel für die beabsichtigte Plattform oder mit dem Loudness Radar, können wir die durchschnittliche Lautheit unserer gesamten Bearbeitung messen. Dies ist wichtig, weil es uns die Informationen gibt, die wir benötigen, um sicherzustellen, dass die Lautstärke unserer Bearbeitung dort ist, wo wir es wollen, wenn Sie für Web-Broadcast- oder Kinoausgaben. Das Festhalten an einem Standard ist eine gute Möglichkeit, sich zu entwickeln ein System, das Sie jedes Mal folgen können. Daher bleibt jede Ihrer Bearbeitungen konsistent. Um die lateinische Kapitulation sie zu verwenden, öffnen Sie den Audiospur-Mixer und wir werden den Effekt auf unsere Master-Track anwenden. Und natürlich ist die Master-Track, wo alle Audio ist Ausgabe 2. Alles, was hier angewendet wird, wird auf jede einzelne Audiospur angewendet. Gehen Sie zu Special click Loudness Radar schrieb, wenn wir mit der rechten Maustaste und bearbeiten, es wird geöffnet und Sie sehen dieses ausgefallene Radar. Sofort. Sie können hier sehen, dass wir eine Liste von Voreinstellungen haben, die ein großartiger Ort ist, um zu beginnen, abhängig davon, wo Ihre Bearbeitung schließlich zu leben wird, wird der entscheidende Faktor für die Einstellungen, die Sie einwählen müssen. Unterschiedliche Sendeanstalten haben unterschiedliche Anforderungen an Lautheit und Peaks. Und wenn Sie Assets liefern, wird ein Sender normalerweise eine Art Spezifikationsblatt haben , das alles enthält, was Sie brauchen, um sie mit zu versorgen. Dazu gehören auch die Anforderungen an die Lautstärke. Der Lautheitsstandard wird in liebt I'll UFS gemessen, was Lautheitseinheiten, Full-Scale oder Elch AFS Lautheit K gewichtet relativ zu Full-Scale liebt und LCF S sind im Wesentlichen die gleiche Sache. Sie werden beide in absoluter Skala gemessen und sind beide gleich eins. Werfen wir einen Blick auf diese Voreinstellungen. Wir haben ATSC, das häufig in Nordamerika verwendet wird. Wenn wir hier auf Einstellungen klicken, sehen wir die Änderungen, die zusammen mit ihren Voreinstellungen angewendet werden. Und Sie können hier auch sehen, dass die Ziellautstärke minus 23 ALK AFS beträgt. Hier haben wir die europäischen Rundfunkstandards. Ziel-Lautstärke ist minus 23 Elliot von S, also etwas lauter. Und dann haben wir hier TRB 32, das ist die japanischen Broadcast-Standards. Und das ist auch bei minus 24 Elch AFS. Und dann haben wir Cinema, das ist minus 24. Messung der Lautheit unterscheidet sich von der Messung von Spitzen. Ihre Audiometer misst Spitzen, Ihren Peak Audio. Während das lauteste Radar die durchschnittlichen Niveaus misst. Für das Web, die allgemeine Richtlinie ist, bleiben auf minus 16 LK IFS wird die ATSC Preset für unseren Ausgangspunkt verwenden. Und das ist für Nordamerika Broadcast-Standards. Klicken Sie auf den Schieberegler, und ziehen Sie ihn auf minus sechs. Und wir ändern unsere Radargeschwindigkeit auf eine Minute. Und der Grund dafür ist, dass unser Projekt nur etwa 40 Sekunden beträgt. Die Radargeschwindigkeit bestimmt also, wie viel auf unserem Radar angezeigt wird. Und nehmen Sie auch unseren Spitzenindikator und ziehen Sie das auf 0 Dezibel, denn für das Web wollen wir einfach nicht, dass es Spitzenpass 0 ist. Es gibt keine allgemeine Anforderung, was der maximale Peak sein muss. Seien Sie geduldig. Beurteilen Sie nicht jeden. Okay, also sind wir ziemlich laut. Wir sind bei minus 14. Ich habe auch keine Spitzen bemerkt. Die Peak-Anzeige leuchtet auf, wenn die Spitzen hinausgehen, was Sie gesagt haben, der Peak-Indikator 2. Da es also auf 0 gesetzt ist, ist nichts Pfade 0 mit Spitzenwert, so dass wir keine Verzerrung riskieren. Das Tolle an diesem Loudness Radar ist, dass es uns eine visuelle Darstellung der Lautheit gibt . Und wir können sehen, dass es ziemlich konsequent ist. Aber dann wird es hier etwas lauter. Also kann ich wieder in den Mix gehen und versuchen, mehr von einer gleichmäßigen Lautheit zu bekommen. Jetzt ist unser Ziel, uns ein minus sechs OK AFS zu geben. Und der Weg, das zu tun, ist, nun, es gibt eine Reihe von verschiedenen Möglichkeiten, wie wir das tun könnten. Aber ich würde den harten Limiter verwenden. Und der Grund dafür ist, dass der harte Limiter zwei verschiedene Dinge macht. Lasst uns darauf klicken. Erstens, es schränkt das Audio ein. Sie garantieren also, dass das Audio nicht über eine bestimmte Grenze hinausgeht, die Sie festgelegt haben. Und Sie können auch den Eingangs-Boost ändern, wodurch das Gesamtaudio erhöht oder das Gesamtaudio mit diesem Schieberegler verringert wird. Wenn Sie also Audio haben, die nicht laut genug ist, können Sie es um eine bestimmte Menge an Dezibel erhöhen , um zu dem Niveau zu gelangen, das Sie erreichen möchten. Aber in unserem Fall müssen wir es um eine bestimmte Menge an Dezibel senken. Also, wenn Sie das auf minus 16 Dezibel bringen wollen, müssen wir dies um 1,4 Dezibel reduzieren. Klicken Sie also mit der rechten Maustaste auf den harten Limiter und nehmen Sie den Eingangs-Boost um 1,4 Dezibel herunter. Und wir werden das auch von Peak auf Peak umstellen. Und der Grund dafür ist, dass der wahre Pegel ist , wo der maximale Pegel unseres Audiosignals trifft. Es kann nicht vorbei an dem gehen, was wir hier auf dieser Leiter zeigen. Wenn es sagt, ein echter Gipfel und der wahre Gipfel ist wie ein Gipfel, aber nach meinem Verständnis, ist es genauer und ich bin mir nicht sicher, warum wir echte Spitze und Spitze brauchen und nicht nur echte Spitze haben. Aber so ist es. Grundsätzlich, wenn du Peak verwenden willst, riskierst du immer noch die Chance, dass einige Schurkenspitzen dein festgelegtes Limit überschreiten könnten. Egal, was jedes Signal daran hindert, Ihr festgelegtes Limit zu überschreiten. Und in unserem Fall sind das minus 0,1 Dezibel. Ich werde das Radar noch einmal laufen, das zurücksetzen und wir werden sehen, wo wir landen. Boom, da geht's. Wir sind bei minus 16 Programm-Lautstärke. Nur die Verarbeitung unseres Audio mit dem harten Limiter wird uns den Rest des Weges dorthin bringen. wir so, als ob das ausgestrahlt wurde. Was würden wir tun? Ich habe Spezifikationen von CBC heruntergeladen. Ich komme aus Kanada. stellen uns also vor, dass wir etwas für CBC liefern. Und hier haben wir dieses riesige Dokument voll von technischen Spezifikationen, die wir folgen konnten und in das ist unser Audio enthalten. Und sieh dir das an, wir haben Audio Lautheit hier. Hier steht minus 20 Dezibel True Peak max. Das bedeutet also, dass wir nicht über minus2 hinausgehen können. Gehen wir zurück zu unseren Einstellungen. Wir können diesen Spitzenindikator jetzt 2 minus 2 DDNTP einstellen. Dies wird uns für Peking Vergangenheit minus2 zeigen, eine Programm-Lautstärke von minus 24 Elch AFS und ein Plus minus 2 ALU bedeutet, dass wir innerhalb von zwei Lautheitseinheiten von minus 24 LK IFS sein könnten, aber es ist kein Problem. Wir können Minus 24 treffen. Lassen Sie uns das auf minus 24 zurücksetzen. Unser Radar hat sich verändert, also ist es jetzt außerhalb der Grenzen dessen, was wir für die Sendung brauchen. Da wir unser Audio von minus 16 ausbalanciert haben, können wir einfach wieder in unseren harten Limiter zurückkehren. Wir haben wahre Spitze ausgewählt und wir werden dies auf minus2 setzen , weil wir nicht wollen, dass es minus 20 dB TP übergeht. Und wir nehmen unseren Input-Boost um weitere acht Dezimalpunkte. Wenn wir das in weiteren acht runter nehmen, sollten wir auf minus 24 sein. Also, was ist das? Das ist minus 9,4. Jetzt ist es Radar das. Und dort haben Sie nicht gelesen minus 24 Elch AFS und nichts ist Spitze hinter minus2 DDNTP. Um zusammenzufassen, ist das Messen der Lautheit anders als das Messen von Spitzen. Die Audiometer misst Spitzen, während das Lautheits-Radar die durchschnittlichen Pegel misst. Für das Web. Sie können sich an ein Minus 16 Lautheitsziel halten, aber stellen Sie sicher, dass Sie nicht den Höhepunkt 0 für die Übertragung übersteigen. Und beziehen Sie sich auf das technische Datenblatt von welchem Sender Sie Ihr endgültiges Projekt liefern 2. Und in unserem Beispiel blieben wir auf minus 24 ALK AFS und minus 20 dB TP. Der wahre Höhepunkt ist die genauere Version von Peek. Verwenden Sie True Peak, um sicherzustellen, dass Sie nicht über das Limit hinausgehen. Wir verwenden den harten Limiter, weil es Ihre Audio begrenzt und es ermöglicht Ihnen auch die Gesamtausgangsverstärkung mit der Eingangs-Boost-Leiter anzupassen. Also, wenn Sie zu heiß sind, ein wenig abgewandt, um zu dieser Ziel-Lautheit zu gelangen. Und wenn du zu leise bist, stell es hoch, damit du wieder zu dieser Ziel-Lautstärke kommst. Wenn Sie eine Menge Variation in Ihrem Loudness Meter sehen, Gold zurück in Ihren Mix und stellen Sie sicher, dass alles in Ordnung klingt und nicht den Höhepunkt erreicht. Und es ist innerhalb der allgemeinen Audio-Mixing-Richtlinien von weniger als 10. Tolle Arbeit. Wir haben den Audio-Teil dieser Klasse abgeschlossen. Als nächstes werden wir über Farbkorrektur sprechen oder wie man genaue Helligkeit und Kontrast erreichen kann. 13. Helligkeit und Kontrast anpassen: Bevor Sie Ihrem Footage einen Blick hinzufügen, ist es wichtig, dass wir die richtige Luminanzstufe erhalten. In dieser Lektion werden wir uns darauf konzentrieren, wie Sie genaue Helligkeit und Kontrast erzielen können. Wenn Sie mit der primären Farbkorrektur beginnen, benötigen wir einige Farbkorrekturwerkzeuge, Lumetri Color und unsere Bereiche. Wenn Sie diese Panels nicht geöffnet haben, gehen Sie zu Fenster, Lumetri-Farbe und beschränken Sie Ihre Bereiche, die sich direkt hier befinden. Wenn das Lumetri-Bedienfeld geöffnet ist, folgt die Auswahl. Play-Kopf-Option wird aktiviert, wo immer Ihr Spielkopf ist, es wird automatisch den Clip auswählen, der es über ist. Ich bin kein großer Fan davon. Also gehe ich zur Sequenz. Auswahl deaktivieren Folgt Spiel Kopf, und da haben Sie es. Jetzt wird der Clip nicht mehr automatisch ausgewählt. Werfen wir nun einen Blick auf unsere Bereiche. Also hier haben wir eine Reihe von Bereichen. Bereiche sind hier, um uns zu helfen, die Werte von Illuminanz, Farbe und Sättigung in unserem Bild zu messen . Lassen Sie uns hier nicht zu überwältigt werden. Deaktivieren Sie einfach alle diese außer Wellenform. Und alles, was ich tue, ist mit der rechten Maustaste auf das Fenster Lumetri Scopes zu klicken, um dieses Menü zu erhalten. Kann auch auf diesen kleinen Schraubenschlüssel klicken, um dieses Menü zu bekommen. Stellen Sie also sicher, dass Sie nur Wellenform ausgewählt haben. Und wir werden den Wellenformtyp in Luma ändern, da der erste Schritt in der Farbkorrektur darin besteht, genaue Luminanzpegel zu erreichen. Und wenn wir unsere Wellenform als Luma auswählen, messen wir nur die Helligkeit des Bildes. Es gibt keine Farbwerte. All diese kleinen weißen Partikel hier im Wellenformmonitor entsprechen den Luminanzwerten aus unserem Bild. Also diese Band hier ist der Dreck. Der Schmutz füllt den größten Teil des Rahmens und das sitzt zwischen zehn und 20 IRI. Also, was denkst du, ist das? Genau hier, in dieser Gegend? Nun, das ist dieses Blatt. Dieses Blatt sitzt zwischen 20 und 50 IRE. Und dann können Sie dieses dunklere Laub sehen, das hier in diesem Bereich ist. Und was denkst du, ist das? In unserer Hand? Und wenn wir es wiedergeben, können Sie sehen, dass es irgendwie so ist als ob diese Partikel animiert werden, wenn sich die Hand bewegt. Eine sehr einfache Möglichkeit, zu identifizieren, welcher Teil des Bildes mit welchem Teil auf der Wellenform übereinstimmt , besteht darin, zu den Effektsteuerelementen zu gehen. Wählen Sie eine Maske aus. Gehen Sie zurück zu Ihren Lumetri-Bereichen, und Sie können dann klicken und die Maske über das Bild ziehen , werden nur Teile angezeigt, die maskiert sind. Also ja, da ist unser Blatt, da ist das dunklere Laub. Und dann ist da unsere Hand. Da ist unser Hautton, der den ganzen Weg dorthin geht. Dies wird sehr hilfreich sein, wenn wir versuchen, alle Elemente mit unserem Bild auf die richtige Luminanz zu bringen. Wenn Sie mit dem Lesen von Wellenformen neu sind, gehen Sie durch die restlichen Clips und versuchen Sie zu ermitteln , welche Werte welchen Teilen des Bildes entsprechen. Und dann schnappen Sie sich Ihre Maske und finden Sie heraus, wie nah Sie waren, um falsch zu sein. Was ich als Referenz für genaue Luminanzpegel verwende, ist das Zonensystem. Diese wurde von Hänsel Adams und Fred Archer erstellt, um die optimale Filmbelichtung und -entwicklung zu bestimmen. Es ist für Schwarz-Weiß-Print-Fotografie, aber ich benutze dies auch als Referenz für die Belichtungszeit für Video und in der Postproduktion, wenn meine Belichtungsschieber eingestellt werden. So können die 0 bis zehn auf dem Zonensystem 0 bis 100 auf unserer IRE Skala entsprechen. Schauen wir uns das an und passen Sie es grob an das Zonensystem an. Und natürlich haben Sie immer noch den Benutzer, den ich unter diesen Umständen bestimmt gestoppt habe, unter diesen Lichtverhältnissen mit diesen Elementen im Rahmen sehen so aus. Also schiebe ich und ziehe Schieberegler, bis die Dinge in den richtigen Bereichen landen. Sie können sehen, dass ich mit meinem Kontrast beginne und ich langsam meine Glanzlichter und Schatten in die richtigen Luminanzwerte einbringe. Also beginnt sich die Wellenform ein wenig zu erweitern und ich versuche nicht, das Detail in den Schatten zu zerquetschen, noch versuche ich, die Glanzlichter zu schneiden. Es geht darum, so viele Informationen im Bild wie möglich beizubehalten. Sie könnten versucht sein, die Schatten nach unten Schmutz zu bringen weil es mehr Kontrast und natürlich, dass fügt mehr Schlag. Und es ist irgendwie befriedigend, ein kontrastreiches Bild zu sehen, aber vermeiden Sie dies in diesem Stadium. Versuchen Sie, den Schmutz auf der richtigen Ebene zu bekommen, was bedeutet, dass Sie die Schatten nicht zerquetschen, nur weil der Schmutz dunkel ist. Es bedeutet nicht, dass es bei 0 IRE sein muss. Dann werfe ich hier eine Maske, überprüfe die Werte, überprüfe die Hauttöne. Hauttöne sehen ein bisschen heiß aus, also ziehe ich sie ein bisschen zurück in die etwa Landing Zone 6. Und die Highlights der Hauttöne könnten möglicherweise in Zone 7 schieben. Und wenn es Hauttöne im Rahmen sind, priorisiere ich normalerweise zuerst die Ebenen der Hauttöne, und das ist eine andere Art und Weise, wie das Niveau des Meeres ist, indem ich auf die Hauttöne innerhalb des Rahmens schaue. Und manchmal werde ich einfach die Ebenen der Hauttöne überwachen und alles andere fallen lassen, wo ein Männchen herum, der Dynamikbereich der Hauttöne in diesem Schuss ist sehr breit. Es geht von 10 IRI bis 70 IRE. Also in diesem Fall, und in den meisten Fällen, schaue ich auf die Highlights der Haut und bringe die Ebenen an, wo die Highlights sein sollten. Als Editor werden Sie viele verschiedene Arten von Hauttönen korrigieren. Und sie kommen in einem breiten Spektrum an Beleuchtungsstärke und unterschiedlichen Beleuchtungssituationen. Also oft benutze ich diese Richtlinien, aber ich frage mich auch, das angesichts der Lichtverhältnisse natürlich aussieht? Sieht das realistisch aus für die Geschichte und die Welt, in der wir leben. Auch in der Luminanzphase versuchen wir nur, genaue Helligkeit und Kontrast in jedem unserer Aufnahmen zu erhalten , so dass sie durchgehend konsistent aussehen. Sie können jederzeit zwischen den einzelnen Frames wechseln, um die Anpassungen zu überprüfen. Die Verwendung der Vergleichsansicht ist jedoch eine viel einfachere Möglichkeit, sicherzustellen, dass alles übereinstimmt. Um dies zu tun, überprüfen Sie auf der Registerkarte Color Wheels und Match. Wählen Sie unseren Clip aus. Also wollen wir diesen Clip mit unserem ersten abgleichen. Klicken Sie auf Vergleichsansicht. Und du bekommst beide Clips direkt nebeneinander. Eine weitere schnelle und einfache Möglichkeit, die Vergleichsansicht zu erhalten , ist, zu Ihrem Schaltflächen-Editor direkt hier zu gehen. Die Vergleichsansicht ist dieses Symbol hier, klicken Sie und ziehen Sie auf Ihre Schaltflächenleiste und Sie sind alle gut zu gehen. Nun, ich liebe besonders die Vergleichsansicht, dass Sie Bereiche auch vergleichen können. Also haben Sie eine sehr klare Sicht auf, okay, kühnere Schatten stehen hier nicht ganz auf. Es ist also einfach genug, um ein paar Dinge zu verändern. Und dann sehen unsere Highlights etwas heißer aus. Und dieser Rahmen im Vergleich zu unserem Rahmen auf der linken Seite, und ich bevorzuge die allgemeinen Hautton-Highlights hier als ich hier. Vielleicht bringe ich diese nur ein bisschen runter. Also nehme ich die Highlights runter. Ich werde die Belichtung sogar nur ein bisschen runternehmen. Und wieder, ich passe nur meine Schieberegler an, bis ich ein allgemeines Level bekomme, das unserem ersten Schuss entspricht. Es scheint also, dass wir einen ähnlicheren Vergleich von Frames haben. Luminanz weise. Dies ist ein kälterer Rahmen als dieser. Die Luminanzstufen können in jedem Frame fast anders aussehen. Aber sobald Sie Ihren Weißabgleich, Farbton und Sättigung in der nächsten Lektion anpassen, werden die Aufnahmen viel gleichmäßiger aussehen. Deshalb ist es so wichtig, immer Ihren Bereichen zu vertrauen. Normalerweise korrigiere ich gleichzeitig Luminanz und Farbe. Wenn du das machen willst, kannst du das tun, nachdem du dir die nächste Lektion angesehen hast. Aber auf jeden Fall, wenn Sie durch jeden Clip gehen und die Luminanz zuerst anpassen möchten, ist es eine großartige Übung und es ist eine großartige Möglichkeit, sich auf einen Aspekt der Farbkorrektur zu konzentrieren . So, um zusammenzufassen, Benutzer Wellenform Monitor, um die Luminanzwerte auf ihre genauen Pegel einzustellen. Verwenden Sie eine Maske, um eine genauere Ablesung Ihrer Luminanzwerte zu erhalten. Das Zonensystem ist eine hervorragende Referenz bei der Anpassung der Beleuchtungsstärke. Aber denken Sie daran, Ihr bestes Urteil darüber zu nutzen, was gut aussieht, was real aussieht, was natürlich aussieht, und vergessen Sie nicht die Lichtverhältnisse, die alles verändern. In einigen Fällen ist es wichtiger, dass jeder Clip über die gesamte Sequenz hinweg konsistent ist. Durch eine konsistente Basis wird der Farbkorrekturprozess oder das Hinzufügen eines Looks viel einfacher. Wenn Sie sich also entscheiden, dass Ihre Hautton-Highlights bei 70 IRE liegen werden, stellen Sie sicher, dass die Highlights der Hauttöne in jedem Frame am Ende um 70 IRE liegen. Und denken Sie auch daran, dass wir nur versuchen, die meisten Informationen wie möglich zu speichern. Fallen Sie nicht in die Falle, dass Sie Ihre Schatten bis zu 0 und Ihre Highlights bis zu 100 ziehen . Es sei denn, Sie haben rein schwarz oder reines Weiß im Rahmen. Wenn das Ziel ist es, so viele Details in den Schatten und Glanzlichter wie möglich beizubehalten. Gehen wir zur nächsten Lektion, in der wir unsere Farben korrigieren werden. 14. Farbanpassung: wir nun die richtige Beleuchtungsstärke erreicht haben, ist es an der Zeit, sich auf die Farbgenauigkeit zu konzentrieren. Wenn Sie eine farbgenaue Basis erhalten, geben Sie uns einen guten Platz, um beim Hinzufügen von Fernbedienung zu beginnen. Die Farbkorrektur ist auch Teil unseres primären Farbkorrekturprozesses. Und dafür müssen wir einen Blick auf den Vektorbereich werfen. Seit der letzten Lektion haben wir den Wellenform-Monitor verwendet. Lassen Sie also einfach den Vektorbereich, Sie können entweder den Schraubenschlüssel verwenden oder mit der rechten Maustaste auf das Lumetri-Fenster und wählen Sie Vector Scope YUV. Und lassen Sie uns eine Wellenformluma abwählen, damit wir eine größere Sicht auf den Vektorbereich erhalten. Der Vektorbereich zeigt uns verschiedene Farbtöne und wie gesättigt diese Farbtöne sind, die Farben, die durch diese Felder und Buchstaben dargestellt werden, die durch diese Begrenzungslinie hier verbunden sind. Je weiter die Partikel von der Mitte des Vektorbereichs entfernt sind, desto gesättigter sind die Farben, je näher sie an der Mitte sind, desto weniger gesättigt dort. Wenn ich also meinen Sättigungsschieberegler einstelle, können Sie die Sättigung sehen und auf Schwarzweiß hinabnehmen. Es gibt keine Farbe auf unserem Vektorbereich. Wir kurbeln diese Sättigung auf. Diese Partikel bewegen sich weiter von der Mitte weg. Begrenzungslinie stellt Broadcast-sicher für SD-Video dar, die 75 Prozent Farbsättigung ist. Nun, da wir in HD arbeiten, können wir über diese Linie und diese Boxen auf der Außenseite gehen, die 100% Sättigung darstellen , um Ihre Sättigungsniveaus legal zu halten, Sie wollen nicht über diese äußeren Boxen hinausgehen, aber für Web tut es nicht wirklich wichtig. Aber wieder, für das Web werden Sie nicht wollen, um über diese Farben gehen sowieso, weil Sie nichts gewinnen, indem Sie über 100% Farbsättigung hinausgehen , wenn Sie für eine genaue Farbe innerhalb einer Aufnahme anpassen. Das erste, was ich tun werde, ist den Weißabgleich anzupassen. Der Prozess der Anpassung des weißen Ausgleichs entfernt unrealistische Farbstiche und unser Bild. Alles im Rahmen, das rein weiß sein soll, wird also weiß erscheinen, wenn er unter dem Computermonitor betrachtet wird. Es gibt also ein paar Möglichkeiten, wie wir einen genauen Weißabgleich, Treibstoff-Weißkarte oder eine 18-prozentige Graukarte bekommen können . Sie können einfach Ihren Weißabgleich-Selektor greifen. Klicke und voila, du hast deinen Weißabgleich. Oder wenn Sie es manuell tun möchten, können Sie eine Maske auswählen. Stellen Sie sicher, dass nur der weiße Teil angezeigt wird. Wechseln Sie zu Ihrem Vektorbereich. Und man kann hier sehen, dass dieses Weiß eigentlich leicht in Richtung Gelb und Rot lehnt. Wenn wir also etwas mehr Blau hinzufügen, bringen wir es ein bisschen runter und dann vielleicht ein bisschen zu viel Grün da drin, das zu viel Blau, bis Sie es so einstellen. Jetzt können Sie hier sehen, dass wir weniger Sättigung auf unserer weißen Karte , die weiß sein soll, haben, die weiß sein soll,was keinen Farbwert hat. Daher muss es sich vor und nach in der Mitte des Vektorbereichs befinden. Sie brauchen auch nicht unbedingt eine weiße Karte. Wenn Sie keine weiße Karte hatten, Lassen Sie uns dies zurücksetzen. Sie können etwas im Rahmen auswählen, das weiß ist. Wir können sogar auf den weißen Planer klicken, aber er lehnt sich etwas stärker in Richtung Blau. Verwenden Sie diese Technik also mit Vorsicht. Wenn Sie keine Weißabgleich-Karte oder irgendetwas , das im Rahmen als Referenz weiß ist, haben. Keine Sorge, Sie können auch die Hauttöne betrachten. Also werden wir nur die Hauttöne maskieren. Wir werden auch einige dieser Highlights hier bekommen. Wir gehen zurück in unsere Zielfernrohre. Jetzt ist unser Weißabgleich ziemlich genau. Und die Art, wie Sie sagen können, ist durch diese Linie hier, es nennt sich die Hauttonlinie. Solange sich Ihre Hauttöne hier, die wir maskiert haben, in dieser Linie nach oben bewegen. Du bekommst genaue Hauttöne. Es spielt keine Rolle, mit welcher Art von Hautton Sie es zu tun haben. Alle genauen Hauttöne landen auf dieser Linie. Es gibt ein bisschen mehr von den Hauttönen lehnt sich zu grün und gelb. So könnten wir unseren Farbton etwas mehr in Richtung Magenta anpassen. Und es scheint sogar ein bisschen warm zu sein. Vielleicht zu viel Sättigung, wenn du das magst, ist das in Ordnung. Aber wenn wir versuchen, eine genauere Basis zu bekommen, könnten wir das nur ein bisschen runter nehmen, nur ein bisschen. Mal sehen, wohin das uns führt. Also lassen Sie uns ein Vorher und Nachher sehen. Es ist also ein bisschen warm, ein bisschen gelb, man sieht ein bisschen von dem gelben Grün. Wir schalten das Ding ein und jetzt bekommen wir ein bisschen mehr Magenta und Blau. Vielleicht magst du nicht so viel davon, also finden wir etwas dazwischen. Und da hast du es. Wir haben einen genaueren Weißabgleich, der diese Hauttöne im Rahmen verwendet. Werfen wir einen Blick auf einen Rahmen innerhalb unseres Projekts. Ich werde einen neuen Lumetri-Farbeffekt hinzufügen nur damit ich dies ein bisschen besser demonstrieren kann. Wir haben unsere Luminanzanpassungen bereits abgeschlossen. Also werde ich einen neuen Lumetri-Farbeffekt hinzufügen und die Farbe anpassen. So können wir vorher und nachher sehen. Maske. Und eine Sache zu beachten, dass Sie nicht alles perfekt so maskieren müssen. Wie die ganze Hand perfekt. Du brauchst das nicht zu tun. Werfen Sie einfach eine Maske auf und stellen Sie sicher, dass Sie eine breite Palette von Hauttönen greifen müssen nicht perfekt sein. So können Sie sehen, dass wir uns ein bisschen auf das Gelb stützen. Also nehmen wir dieses Zelt einfach in Richtung Magenta. Die Wärme der Szene scheint etwas langweilig. Es könnte also nur ein bisschen dauern und sich über eine Linie bewegen, nur ein bisschen mehr. Da gehen wir. Lassen Sie uns das abwählen und werfen Sie einen Blick. Also, weil diese Aufnahme auf dem gleichen Objektiv gefilmt und hat eine ähnliche Einstellung wie diese Aufnahme. Und ich habe Hauttöne in diesem Schuss. Und ich konnte den Weißabgleich korrigieren. Ich kann mit der rechten Maustaste kopieren und dann mit der rechten Maustaste auf diesen Clip klicken und Attribute einfügen. Wählen Sie die Lumetri-Farbe aus. Jetzt haben wir einen Rahmen, der schon wirklich gut aussieht, weil wir alle Informationen aus dieser Aufnahme nehmen und sie auf diese anwenden. Seien Sie vorsichtig, denn wenn die Aufnahmen unterschiedliche Weißabgleich oder Filme auf verschiedenen Kameras und Objektiven haben , werden Sie wirklich wollen, um in jeder dieser Aufnahmen einzeln wählen. Ein weiteres äußerst hilfreiches Werkzeug beim Anpassen des Weißabgleichs ist die Verwendung der RGB-Parade. Die RGB-Parade zeigt den roten Kanal, den grünen Kanal und den blauen Kanal in unserem Bild. Und Sie können sofort hier sehen, wenn wir uns dieses Bild ansehen, haben wir insgesamt ein bisschen mehr Rot und der blaue Kanal ist etwas abgeschwächt. Das zeigt also, dass es ein bisschen eher ein warmes Bild ist. Und das Tolle an der RGB Parade ist, dass wir sofort sehen können, ob die Dinge irgendwie auch farblich aussehen. Wenn wir also auf diese Weise gedreht haben, um den falschen Weißabgleich zu erwärmen, wenn es nicht schon offensichtlich ist, können wir sehen, dass es ein warmes Bild ist, aber wenn man einen Blick auf die RGB Parade nimmt, kann man sofort sehen, dass es wärmeres Bild ist. Und wenn wir es zu kalt fotografieren, können Sie sehen, dass es mehr Blau im Bild gibt, dann gibt es Rot und Grün. Nur durch einen Blick auf die RGB Parade. Lasst uns das zurücksetzen. Wir können die RGB-Parade verwenden, um dieses Bild auszugleichen. Und da wir einen Farbchecker in diesem Rahmen haben, können wir einfach eine Maske über den Farbchecker werfen. Gehen Sie zurück zu unseren Lumetri Scopes. Und Sie können sofort die Schatten, die Mitteltöne und die Glanzlichter sehen , die unserem Farbdetektiv entsprechen. Wenn wir nur die Farbe betrachten, können wir die Farben entsprechend mit den Schatten, Mitteltöne und Glanzlichtern anpassen . Also lass uns hier sehen. Lassen Sie uns versuchen, sich anzupassen und mehr blau zu werden. Das sieht ziemlich gut aus. Aber Sie können in diesem Fall sehen, die Einstellung der Temperatur und der Tönung nicht genug ist , um dieses Gleichgewicht in unseren Schatten, Mitteltönen und Lichtern zu erhalten . Sie müssen also in Kurven oder Farbräder gehen, um ein ausgewogeneres Bild zu erhalten. Wir haben nur ein bisschen zu viel Blau im Highlight hier, also nehmen wir das nur ein bisschen runter. Da gehen wir. Natürlich. Lassen Sie uns versuchen, die Schatten ein bisschen mehr zu passen. Wir haben ein bisschen mehr Rot im Schatten. Klicken Sie also auf den roten Kanal, drehen Sie das nur ein bisschen ab. Also jetzt haben wir unsere rot, grün, blau, auch in den Schatten, bekommen mehr sogar in den mittleren Tönen und mehr sogar in den Highlights. Sehen wir uns an, wie das aussieht, wenn wir unsere Maske abnehmen. Also haben wir unsere Vorher und Nachher. Es ist also insgesamt etwas ausgeglichener. Vielleicht nicht, aber wir können uns von dort weiter anpassen. Nachdem Sie also eine allgemeine Weißabgleichkorrektur erhalten haben, können Sie dort anhalten oder in Ihre RGB-Parade gehen. Und genauer gesagt wählen Sie die Farbe innerhalb der Schatten, Mitteltöne und Glanzlichter. Wir können sehen, indem wir die RGB Parade öffnen, das Rot im Schatten etwas höher ist als das Blau und das Grün. Und tatsächlich, wenn man es sich anschaut, gibt es ein bisschen wie ein Rotwurf in den Schatten. Und ich bin mir ziemlich sicher, dass das passiert ist, weil ich zu viel Schatten in meinen Hauttönen maskiere und da viel Dreck an meinen Händen ist. Der Vektorbereich zeigte also mehr Töne innerhalb des Schmutzes an, was zu mehr Rot in den Schatten führte. Aber wir können zu unseren Kurven gehen, auf das Rot klicken und unsere Schatten nur ein wenig nach unten nehmen. Und dann gibt uns das ein gleichmäßigeres Bild in unseren Schatten, indem Sie davor und danach klicken, können Sie definitiv diesen roten Cast sehen. Bevor wir diese Anpassung vorgenommen haben. Wir haben das mit Hilfe des RGB aus unseren Schatten geworfen sekundäre Farbkorrektur gebetet. Wir beschäftigen uns mit individuellen Farbauswahlen. Hier können wir einige feine Anpassungen vornehmen. Ich fühle mich ziemlich gut darin. Aber ich habe bemerkt, dass das Laub in unserem Rahmen für mich fast ein bisschen gelb aussieht. Also, wenn wir uns unsere Reichweite ansehen, meine ich, es ist super subtil, okay? Ich bin total wählerisch hier, aber wenn wir wollten, dass das etwas grüner aussieht. können wir tun. Um einzelne Farben zu beheben, kann ich in meine Farbtonsättigungskurven gehen, die Farbkorrektur Hue vs Hue verwenden und ermöglicht es Ihnen jede Farbe im Spektrum auf jede andere Farbe zu ändern, die Sie wollen. Also wähle ich diese Pipette hier aus. Klicken Sie auf das Blatt. Das sind unsere Anker ist genau hier. Und während Sie auf den Mittelpunkt klicken und ziehen, können Sie sehen, dass sich die Farben ändern. Wir könnten nur in Richtung dieser Farbe essen, die etwas grüner wird. Und ich sehe, du siehst, dass es sich ein bisschen mehr so biegt. Also könnte ich diese Anker öffnen passen. Also erfasse ich mehr von dem Spektrum dieser Farben im Blatt. Es ist also ein anderes Blau. Nun, lassen Sie uns etwas näher an Grün. Das ist sehr unauffällig, okay, du musst das nicht tun. Einige Kameras haben unterschiedliche Farbverzerrungen und beheben diese. Sie möchten dafür in Ihre sekundäre Farbkorrektur gehen. Also kommen wir etwas näher an Grün. Schauen wir uns das einfach an. Also der Gesamtrahmen, wenn ich es abwähle, Blätter sehen ein bisschen grüner aus, fast blies sogar. Nimm das einfach ein bisschen zurück, nur eine Kerbe und lass uns noch mal sehen. Ja. Ja, das ist großartig. Deshalb kann es auch vorteilhaft sein, einen Farbchecker und einen Rahmen zu haben. Denn in diesem speziellen Profil, auf dem ich das gefilmt habe, kann man sehen, dass die Farbe Grün auch ein bisschen gelb ist. Sie können hier auf dem Geltungsbereich sehen, und es geht zwischen gelb und grün. Es zielt nicht ganz auf das Grün ab. Also, wenn ich das anpassen wollte, könnte ich den Hue vs Hue wieder verwenden. Wählen Sie die Pipette aus. Klicken Sie auf die Farbe, und klicken Sie und ziehen Sie, bis ich näher an die grüne Farbe komme. Wenn er abwählt, dass du mich wirklich sehen kannst, bevor es grün aussieht. Aber als er korrigierte, ist es, oh, eigentlich ist es, wie es mir jetzt näher an Grün sieht als vorher. Es ist also sehr subtil, aber man kann den Unterschied sehen. Sekundäre Farbkorrektur ist eine gute Möglichkeit, diese Farben noch mehr zu wählen. Um zusammenzufassen, ist es großartig, wenn Sie eine Weißabgleich-Karte haben, können Sie den Weißabgleich-Selektor verwenden, aber ich würde vorschlagen, sogar den weißen Bereich zu maskieren und Ihre Temperatur und Tönung manuell anzupassen. Und auch Benutzervektorbereich, um Ihre Hauttöne anzupassen und sicherzustellen, dass sie auf dieser Hauttonlinie landen. Öffne die RGB-Parade, damit du ein allgemeines Gefühl für die Balance deines Bildes bekommen kannst. Die Verwendung der RGB-Parade ist eine gute Möglichkeit, Farbprobleme in Ihrem Bild zu beheben. Verwenden Sie die Funktion Attribute kopieren, um Ihren Workflow zu beschleunigen. Und schließlich, wenn Sie etwas merkwürdiges mit einzelnen Farben bemerken, können Sie eine Kurven Hue vs Hue Korrektur verwenden, um diese Farben zu etwas mehr wählen , das nach Ihren Wünschen oder genauer ist. Nehmen Sie sich Zeit, um Ihre Farben zu korrigieren. Werfen Sie Ihre Sequenz und stellen Sie sicher, dass sie in allen konsistent sind. In der nächsten Lektion werden wir die Attribute eines Looks besprechen. 15. Attribute des Looks: Das Aussehen in der Farbqualität Ihrer Bearbeitung kann zum Ton Ihres Projekts beitragen und als praktische Möglichkeit dienen, Tiefe in Ihrem Bild zu erstellen. Bei der Farbkorrektur geht es um die Genauigkeit innerhalb der Luminanz, des Kontrastes und der Farbe. Bei der Farbkorrektur geht es darum, einen Gesamtlook auf unser Filmmaterial zu schaffen , der eine emotionale Reaktion hervorrufen könnte. Bei der Erstellung eines Looks verändern wir und Bilder leuchtenden Kontrast, Farbe und Textur. Schneller Haftungsausschluss, wir berühren nur die Oberfläche hier. Ich bin kein Pro-Coloristen. Die Sticks, viel Übung und Geschick und es gibt eine Menge Möglichkeiten, Farbe kann das Publikum beeinflussen, das ich noch lerne. Aber mit dem Gesagten würde ich so bestimmen, wie ich meinen Aufnahmen einen Blick geben kann. Siehst du den Ruf nach einem hellen und fröhlichen Look, oder dunkel und launisch. Ozark. Ist es ein Paradebeispiel, um die Luminanz nach unten zu nehmen, um den dunklen Ton der Show zu entsprechen. Während in vielen Komödien, die Bump up, die Luminanz und die Sättigung, um den helleren Ton des Genres passen. Ein kontrastarmer Look. Zehn sorgen für ein einheitlicheres, subtileres, sogar authentisches und natürlicheres Gefühl, während Details in den Glanzlichtern und Schatten erhalten bleiben. Ein kontrastreicher Look kann Ihrem Bild einen Schlag verleihen, das Auge zeichnen und eine größere Trennung zwischen den Glanzlichtern und den Schatten erzeugen. Sie kann auch bis zu den Extremen gebracht werden, indem die Details in den Schatten zerquetschen oder Glanzlichter zuschneiden. Nun wieder, in den Farbkorrektur-Lektionen, habe ich gesagt, Details pflegen , Schatten nicht zerquetschen oder Lichter schneiden. Nun, jetzt sind wir im Farbkorrekturprozess, bei dem die Regeln gebrochen werden können. Sie können Schatten zerquetschen oder Glanzlichter schneiden. Vergewissern Sie sich, dass es mit Ihrer Geschichte funktioniert. Die zerschmetternden Schatten in der Szene von Kill Bill Volume 2 tragen wirklich zum Grit und zur Gewalt bei. Es gibt eine Menge Wissenschaft und Gedanken, hinter denen Farben hervorrufen, welche Art von Emotionen alle verwendet werden, um verschiedene Dinge an ein Publikum zu kommunizieren. Das Hinzufügen von blauen Farbtönen kann ein stimmungsvolles, trauriges Gefühl erzeugen. Wärmere. Ein hoffnungsvolleres, optimistisches Gefühl. Aus dem Film Rey regieren, seine Frau della heiraten. Die Farben neigen sich mehr zu wärmeren Tönen, wenn die Zeit vergeht, und wir verblassen zur nächsten Szene. Sie können sehen, dass die Farben D sättigen mehr zu blauen Farbtönen neigen. Sogar in der RGB Parade kannst du die Verschiebung sehen. Und auch der Gesamtkontrast nimmt immer so leicht ab. 16. Arbeiten mit einem Team: Als Redakteur gibt es technisch so viel zu bedecken, dass es leicht ist, die Soft Skills zu übersehen, die notwendig sind, wenn man innerhalb eines Teams arbeitet. Welche Stärkung dieser Fähigkeiten wird Ihnen helfen, auf dem Niveau zu bleiben, ein besserer Mitarbeiter zu sein und letztendlich eine bessere Bearbeitung zu erzielen. Nachdem Sie endlose Tage an einem Projekt gearbeitet haben, senden Sie endlich eine Bearbeitung zur Überprüfung, oder Sie denken, wie das perfekt ist, nichts sollte sich ändern. Es ist einfach, in diese Denkweise zu kommen. Aber wenn Sie eine erste Bearbeitung absenden, tun Sie Ihr Bestes, um sich von bestimmten positiven Ergebnissen zu lösen. In der Tat wäre es gut. Erwarten Sie Revisionen, egal wie gut Sie denken, die Bearbeitung ist. Wenn du irgendeine Art von Kritik oder Feedback erhältst, nimm dir Zeit, sie zu absorbieren. Ihre erste Reaktion könnte sein, es abzulehnen und zu sagen, sie nicht wissen, wovon sie reden, oder vielleicht nehmen Sie es persönlich. Und die Wahrheit ist, dass sie vielleicht nicht recht haben. Das Feedback könnte das Projekt noch verschlimmern. Aber oft aus meiner eigenen Erfahrung, als ich so dachte, und ich war vielleicht ein bisschen defensiv. Und nachdem ich die Kritik durchleuchtet habe, war ich in der Lage, diese erste Reaktion, die ich hatte, vorbei zu sehen und den konstruktiven Teil dieses Feedbacks zu nehmen und die Bearbeitung noch besser zu machen. Weißt du was? Ich mag diesen Revisionsvorschlag nicht wirklich und ich denke, es ist großartig, aber ich würde sagen, behalten Sie es für sich selbst, erstellen Sie eine andere Version, senden Sie ihnen zwei Versionen. Eine Version mit einer vorgeschlagenen Revisionen, die sie zur Verfügung gestellt haben, und dann eine zusätzliche Version mit Ihren eigenen Ideen, die auf diese vorgeschlagenen Revisionen verbessern könnten. Sie könnten entscheiden, dass Hey, du fügst Werke besser hinzu. Oder sie könnten sagen, Hey, mir gefällt, was du dort getan hast. Vielleicht können Sie diese Ideen in die ursprüngliche Bearbeitung bringen. Betrachten Sie sich selbst als Problemlöser. Dies hilft mir, mich davon zu trennen, Revisionen persönlich als Editor zu übernehmen , der diese Entscheidungen an den Problemlöser getroffen hat, der alle Probleme innerhalb der Bearbeitung beheben kann. Dies befähigt mich, meine kreativen Problemlösungskräfte zu nutzen, um ein Projekt zu treffen. Okay, du starrst es seit Monaten an, während jemand der es zum ersten Mal überprüft, frische Augen hat. Das ist ein Geschenk. Sie bekommen, um die Bearbeitung zu sehen und haben ihre eigenen ersten emotionalen Antworten auf Ihre Bearbeitung. Vielen Dank für diese und arbeiten Sie dann auf Lösungen. Denken Sie daran, dass die Geschichte und ihr Zweck größer ist als Sie und Ihre Bearbeitung. Je mehr Sie anstreben, desto größer ist die Bearbeitung, desto mehr Leute, mit denen Sie für 1D gearbeitet haben und auch darauf abzielen. Es ist Klischee, aber wenn Sie Ihr Ego aus der Lösung herausnehmen ermutigt andere, das gleiche zu tun, indem es aus dieser Sicht kommt, ermutigt alle, sich davon zu lösen, Kredit für einen bestimmten Teil zu nehmen und sich auf die Arbeit als Team, um sich darauf zu konzentrieren, die bestmöglichen Ergebnisse zu erzielen. Dies erfordert jahrelange Praxis, und deshalb ist es auch wichtig, an sich selbst zu arbeiten. Lesen Sie nicht nur Bücher über Schnitt und Filmemachen. Lesen Sie Bücher darüber, wie Sie sich selbst verbessern. Lesen Sie Bücher darüber, wie man besser zuhört, wie man Feedback nimmt, wie man sich selbst verbessert und Kommunikationsfähigkeiten verbessert. Ich bin in den Fluren dieser Ebene geleitet, aber mit Erfahrung habe ich gelernt, ein besserer und schnellerer Problemlöser zu werden. Es hat den Menschen geholfen, mehr Vertrauen in mich und die Arbeit zu gewinnen, die ich mache. Und wirklich ist es nur dieser Zyklus, um weiterhin Lösungen und andere Probleme anzubieten , die auftauchen, gehen Sie einfach wieder mit einer positiven Problemlösungseinstellung an sie. Und das nächste Mal, wenn Sie Feedback zu allen Änderungen erhalten, nehmen Sie einige dieser Tipps und probieren Sie sie aus. Die nächste Lektion ist Zeit für das Ende des Projektmanagements. 17. Ende des Projektmanagements: Jetzt, nachdem Sie Ihre Bearbeitung abgeschlossen haben, ist Zeit für das Ende des Projektmanagements. Dazu gehört auch die Nutzung verschiedener Versionen Ihrer Bearbeitung für die Bereitstellung und Speicherung und Befolgen dieses Projektmanagements wird Sie vor zukünftigen Kopfschmerzen bewahren. Lassen Sie uns darüber sprechen, welche Art von Dateiexporten wir vier verschiedene Situationen benötigen. Der erste Exporttyp, den Sie durchführen möchten, ist eine Vollversion in voller Auflösung Ihres Videos. Von dort aus können Sie diese Masterdatei verwenden, um mehrere Codecs zu exportieren , um zwei verschiedene Plattformen hochzuladen. In den meisten Fällen ist eine schnelle Zeit für zwei bis HQ Dateityp einfach in Ordnung. Für 22 ist für tended video und ist am häufigsten. Wenn Sie ein Rohmaterial bearbeiten, das auf einer Kamera mit ProRes 4, 4, 4, 4, 4, 4, 4 Codec aufgenommen wurde. Wählen Sie dann ProRes 444, wie es für 12-Bit-Videos entwickelt wurde. Wenn Sie also mehrere Versionen exportieren, verwenden Sie diese Masterdatei, um diese Versionen aus zu exportieren. Wenn Sie nur eine andere Version für das Web exportieren, können Sie einfach direkt aus Ihrer Sequenz exportieren. Aber es ist immer gut, diese Master-Datei zu haben, weil Sie in der Zukunft nie wissen, dass Sie einen anderen Dateityp benötigen, oder Sie benötigen möglicherweise einen Clip von diesem hinzugefügt, um in einem Trailer oder Werbeartikel zu verwenden, oder Sie müssen Erstellen Sie eine neue Bearbeitung insgesamt. Also würde ich so weit gehen, um zu sagen, einen Master ohne Ihre Einstufungseffekte für Archivierungszwecke und zukünftige Bearbeitungen zu exportieren . Und dann auch exportieren und eine andere Master-Datei ohne Grafiken oder weniger Drittel, nur für den Fall, dass Sie Flexibilität für zusätzliche Projekte benötigen. Die häufigste Art von Kodak für Web ist H.264. In vielen Fällen laden Sie ins Web, so dass andere Ihnen Notizen geben können oder Sie tun es für die endgültige Lieferung. Klicken Sie auf H.264 und Sie werden sehen, es gibt eine Vielzahl von Voreinstellungen, die Sie verwenden können, wie YouTube, Vimeo und mein Favorit, das ist qualitativ hochwertig. Das einzige, was ich gerade in diesen Einstellungen getan habe, ist, als variable Bitrate zu exportieren , um mit einer Zielbitrate von 20 und einer maximalen Bitrate von 24. Beim Exportieren mit diesen Einstellungen wird die Exportzeit verlängert. Wenn Sie also ein längeres Projekt haben und sie schneller exportieren möchten, können Sie CBR verwenden. Der einzige Nachteil der Verwendung von CBR ist, dass es weniger effizient ist und die Größe im Vergleich zu Qualität optimiert. Die gesamte Dateigröße wird also größer, während die Qualität bei der von Ihnen gewählten Bitrate konstant bleibt. Wenn Sie beim ersten Durchlauf eine variable Bitrate wählen, führt Ihr Computer Berechnungen durch, um zu bestimmen, was die ideale Bitrate ist. Und im zweiten Durchgang passen wir die Bitrate an, je nachdem, wie viele Informationen der Computer in einem bestimmten Frame verarbeiten muss. In diesem Schuss haben wir nur den Vordergrund der Blätter, die sich bewegen. So passt sich eine variable Bitrate an, wie viele Informationen von Frame zu Frame verarbeitet werden müssen. Dies gibt uns eine kleinere Dateigröße, eine effizientere Dateigröße, aber es dauert länger. Bei kleineren Projekten. Sie werden das nicht so sehr bemerken. Aber mit den größeren Projekten, komplexeren Projekten, können die Exportzeiten einen Unterschied machen. ist Ihnen egal, wie groß die Datei verwendet wird. Konstante Bitrate, es ist schneller, aber mit größeren Dateigrößen, weil es nicht berücksichtigt , wo es Platz sparen kann. Wenn Sie eine effizientere Art der Codierung möchten, verwenden Sie die variable Bitrate mit, um die Auswahl zu übergeben. Dies wird mehr Zeit in Anspruch nehmen, um mit höherer Bitrate zu exportieren. So haben Sie größere Dateigrößen mit mehr abnehmenden Renditen für die Qualität. Wenn Sie jedoch feststellen, dass sich Ihr Bild in bestimmten Frames auflöst oder bestimmte Details verloren gehen, erhöhen Sie Ihre Bitrate bei Bedarf für ein saubereres Bild. Es kann einige Fälle geben, in denen Sie für verschiedene Broadcaster exportieren und in diesem Fall folgen Sie einfach dem Datenblatt, vorausgesetzt, es ist so einfach wie Plug and Play. Die endgültige Art des Exports wäre also für Stängel. Stems sind separate Sub-Mixe unseres Hauptmixes, zu denen Musik, Soundeffekte und Dialoge gehören. Sie können jede einzelne Audiospur einzeln exportieren oder nach Kategorie gruppieren, jede Spur einführen und dann eine WAV-Datei exportieren. Dieser Prozess des Exports von Stielen ist völlig in Ordnung, vor allem, wenn Sie es vorziehen, einzelne Audiodateien zu haben. Stellen Sie einfach sicher, dass Sie als WAV-Datei exportieren, da es sich um ein unkomprimiertes Audioformat handelt. Eine andere Möglichkeit, dies effizienter zu tun, besteht darin Stiele zusammen mit Ihrer Masterdatei zu exportieren. Jetzt haben wir unser finales Video für den Export bereit. Bevor wir etwas tun, lassen Sie uns die zusätzlichen Audio- und Videospuren aufräumen , die wir nicht benötigen. Klicken Sie also mit der rechten Maustaste auf die Spuren, löschen Sie Spuren. Überprüfen Sie die Videospuren löschen. Überprüfen Sie die Audiospuren löschen. Alle leeren Spuren ausgewählt. Wenn Sie auf OK klicken, werden alle nicht verwendeten Audio- und Videospuren gelöscht. Okay, also wollen wir unsere Masterdatei exportieren, die eine 42 HQ QuickTime-Datei ist. Wenn wir aus der Sequenz exportieren, erhalten wir nur zwei Audiokanäle, was uns nicht erlaubt, zu tauschen oder Audio in Stängel. Wir können unsere aktuelle Sequenz nicht anpassen, um als Multi-Channel-Master zu exportieren. Um dies zu tun, müssen wir eine neue Sequenz erstellen, die eine Reihe von Kanälen enthält , damit wir Stiele zusammen mit unserer Master-Datei exportieren können. Wenn das verwirrend ist, mach dir keine Sorgen, es wird viel mehr Sinn machen, wenn du diese Lektion durchgehst. Klicken wir also auf die Notiz, erstellen Sie eine neue Sequenz. Und wir werden die digitale SLR 10 ADP Preset verwenden weil es den aktuellen Einstellungen entspricht, die wir haben. Sie können auch das luftige 10 ADP Preset verwenden, wie es funktioniert. Tun Sie auch die lesen 10 ADP Sequenz funktioniert auch. Wenn Sie in 1280 von 720 bearbeiten, einfach sicher, dass Sie zu Ihren Einstellungen gehen, ändern Sie die Rahmengröße entsprechend. Wir werden unsere Sequenz in etwas umbenennen, das das Wort Master enthält , so dass Sie wissen, dass es Ihre Masterdatei ist und es Stiele enthält. Also nenne ich meine HD, den Gärtnermeister. Und nennen Sie es einfach etwas, das für Sie funktioniert. Also, in fünf Jahren wirst du genau wissen, was das ist und was es für 42 Hauptquartier bedeutet. Ich kann sogar Schärfe für QuickTime nennen. Also jetzt weiß ich, was die Masterdatei ist und wie Codec sie exportiert wird. Gehen wir also zu unserem Tracks Tab. Dies ist, wo wir unsere Master-Ausgabe von Stereo ändern können, was uns nur erlaubt, Kanäle von Audio zu einem Mehrkanal-Export. So können wir 32 Kanäle von Audio exportieren, wenn wir wollen. Wenn Sie die exportierte Masterdatei importieren, Ihnen 32 Audiokanäle zur Verfügung. Die Art und Weise, wie wir bestimmen, wie viele Kanäle wir brauchen, besteht darin, wie wir unsere Stängel zusammenfassen wollen. Sie können die Stiele in jeder Weise gruppieren, die Sie bevorzugen. Sie können alle acht Audiospuren exportieren, wenn Sie als einzelne Stiele möchten. Ich denke, das ist ein bisschen übertrieben, aber in einigen Fällen möchten Sie das vielleicht tun. Oder Sie können sie gruppiert in Voice-Over, Soundeffekten und Musik exportieren . Aber in meinem Fall möchte ich sie als Voiceover, Foley Soundeffekte, filmische Wirkung, Soundeffekte,Ambient-Sound-Effekte und Musik exportieren Foley Soundeffekte, filmische Wirkung, Soundeffekte, . Das sind fünf separate Gruppierungen, fünf getrennte Audiostiele. Um dies zu tun, brauchen wir zehn Audiokanäle, weil wir fünf verschiedene Gruppierungen haben und sie alle Stereo sind. Das sind insgesamt 10 Kanäle, da jede Audiospur einen linken und einen rechten Kanal dazu hat. Wenn Sie die Kanäle bereits benennen würden, können Sie einfach auf Laden aus Sequenz klicken und die Sequenz finden, aus der Sie Ihre Tracks laden möchten. Und es wird automatisch die Tracknamen hinzufügen. Sie können auch die Plus-Taste verwenden, um Spuren hinzuzufügen. Und das ist auch in Ordnung. Da ich meine Audiospuren in der Bearbeitung nicht benannt habe, benenne ich diese Titel in das um, was sie auf meiner Timeline darstellen. Wir wollen unseren Master-Ausgang von Stereo auf Multi-Channel umstellen. So haben wir die Möglichkeit zu bestimmen, auf welcher Spur jede dieser Gruppierungen beim Exportieren unserer Master-Datei sein wird. Und denken Sie daran, weil diese Stereo gepaart sind, wollen wir 10 Kanäle haben, fünf Stereo-gepaarte Gruppierungen gleich 10 Kanäle. Wenn Sie auf Ausgabezuweisungen klicken, sehen Sie hier, dass wir jede Gruppierung ihrer entsprechenden Spur zuweisen. Also ein Voiceover auf Tracks 12. Das ist also genau. Wir weisen unsere vollen Soundeffekte auf 34 zu. Also gehen wir durch jeden Einen und weisen ihn 34 zu. Und dann werden unsere filmischen Impact Soundeffekte zwei Spuren zuweisen. 56 sind Ambiente zugewiesen werden 78, und Musik wird zugewiesen werden 9 und 10. 1 und 2, Voice over 34, Foley Soundeffekte, 5 und 6, filmische Auswirkungen. 7, 8, Ambiente, 9 und 10 Musik. Also, das sind fünf separate Streams von Audio. Wir können unser Video auch auf die Anzahl der Tracks ändern, die wir brauchen. Also, weil wir hier sechs Videospuren haben, können wir das in sechs Treffer ändern, okay? Und es schafft eine neue Sequenz mit all ihren Audio schön hier benannt. Sechs Videospuren. Gehen Sie zu Ihrem endgültigen gesperrt, um zu bearbeiten, wählen Sie alle Kopien aus, und fügen Sie sie dann in Ihre neue Sequenz ein. Diese Sequenz ermöglicht es uns, mehrere Kanäle zu exportieren, weil wir sie geändert haben. Jetzt können Sie hier sehen, dass es 10 Audiokanäle sind. Und in unserer vorherigen Sequenz ist es nur Stereo. Und aus irgendeinem Grund können Sie die Kanalkonfiguration nicht ändern, nachdem Sie die Sequenz bereits erstellt haben. Deshalb schaffen wir diese neue Sequenz. Steuern Sie M oder Befehl M für den Export. Wählen Sie das QuickTime-Format aus. Für unsere Stammdatei 422 HQ. Klicken Sie auf die Registerkarte Audio und ändern Sie die Sample-Größe von 16 auf 24, da die Voice-Over, die Soundeffekte und die Musik, die wir alle in 24-Bit-Audio oder höher aufgenommen werden. Und dies ist eine empfohlene Spezifikation für die meisten Sendeanstalten. Und hier unten in der Audiokanal-Konfiguration, wenn wir nicht die Mehrkanal-Sequenz hätten, hätten wir nicht die Möglichkeit, mehr Audioströme hinzuzufügen. Jetzt, da wir 10 Kanäle haben, können wir fünf Streams von Stereo-Audio hinzufügen. Ändern Sie alle diese Audioausgänge in Stereo. Und denken Sie daran, jede dieser Gruppierungen bezieht sich auf das, was wir unsere Kanäle konfiguriert haben. Das wird uns fünf Stereo-gepaarte Tracks auf Export geben. Wenn du immer noch verwirrt bist, mach dir keine Sorgen, ich werde dir zeigen, wie es aussehen wird, nachdem wir unseren letzten Meister wieder importiert haben. Ich habe bereits einen Master-Exportordner erstellt, um unsere Master-Exporte zu speichern. Wird es wieder in unser Projekt importieren. Damit ich dir zeigen kann, wie es aussieht. Wenn wir klicken und ziehen Sie diese Masterdatei in unsere Sequenz. Sieh dir das an. Sie können fünf einzelne Audiospuren mit 10 Kanälen links und rechts sehen. Wer den Werbeaspekt des Projekts übernimmt, könnte man sagen, lieber andere Musik. Sie können das einfach jeden Tag an der Hall-Faust nehmen, die Sie lesen, oder sie können sagen, Hey, diese filmischen Effekte passen nicht wirklich zum Ton dieses Promo-Stückes, das vielleicht zu dramatisch ist. Also nehmen wir Mount nicht urteilen, jeden Tag an der Halle Fisch zu dir. Oder vielleicht sagen sie, Hey, ich möchte dieses Audio auf eine andere Weise mischen. Also lasst uns reingehen und lasst uns dieses Audio optimieren. Lassen Sie uns einige neue Filter hinzufügen. Und deshalb ist es auch wichtig, 24-Bit-Audio auszuwählen da es beim Bearbeiten viel flexibler ist als 16-Bit-Audio. Ich hoffe, Sie können den Vorteil sehen, eine Masterdatei mit mehreren Stielen zu exportieren. Um zusammenzufassen, exportieren Sie zuerst Ihre Masterdatei, und wenn nötig, war der Export auch Stängel. Sie können diese Masterdatei verwenden, um zusätzliche Versionen Ihrer Bearbeitung auf andere Plattformen Ihrer Wahl zuexportieren zusätzliche Versionen Ihrer Bearbeitung auf andere Plattformen Ihrer Wahl zu Je nach Komplexität Ihres Projekts, mit wem Sie arbeiten, kann die Menge der Exporte variieren. Möglicherweise verfügen Sie über eine Masterdatei mit Stielen, eine nicht abgestufte Version für Archivierungszwecke und zukünftige Bearbeitungen. Und vielleicht haben Sie sogar einen Export ohne Grafiken aus Ihrer Masterdatei Sie in H.264 für YouTube, Vimeo, Facebook, Instagram, was auch immer erkunden könnten . Auch deshalb ist es so wichtig, organisiert zu sein, weil Sie mit 20 verschiedenen Versionen Ihrer Bearbeitung, 20 verschiedenen Dateiformaten enden können . Und es kann irgendwie verrückt werden. Exportieren Sie Ihr Projekt und laden Sie es zur Überprüfung hoch, damit Sie Feedback erhalten können. Und wenn du es noch nicht fertig hast, ist das völlig in Ordnung. Sie können Werke in Bearbeitung hochladen. Oder wenn Sie es aus irgendeinem Grund nicht hochladen können, erklären Sie einfach in ein paar Sätzen, wie dieser Kurs Ihren Prozess beeinflusst hat. Das habe ich gern gehört. In der nächsten Lektion werden wir die letzte Zusammenfassung durchlaufen. 18. Abschließende Zusammenfassung: Ja, toller Job, durch alle Lektionen zu gehen und so weit zu kommen. Ich hoffe, Sie sind inspiriert, alles, was Sie gelernt und angewendet haben, auf Ihre eigenen Projekte zu nehmen . Okay, jetzt ist es Zeit für die letzte Zusammenfassung. Ein kreativer Brief führt die Bearbeitung und hilft dem Team, kreativ auf derselben Seite zu bleiben, der Zweck Ihrer Bearbeitung und der Ton, in dem Sie Ihre Geschichte erzählen, sind von größter Bedeutung. Stellen Sie sicher, dass Sie Ihre Dateien organisieren, tun Sie es, wie Sie es bevorzugen. Wenn Sie bereits ein System haben, das ist großartig. Andernfalls, je weniger Klicks, desto besser. Verwenden Sie Zahlen, um Hierarchie in Ihrer Ordnerstruktur zu erstellen und die Datumsangaben hinzuzufügen, die Ihre Projektdateien, Exporte und Projektsequenzen für zusätzliche Organisation oder die Auswahl von Clips können durch Ihre Storys, Zweck, beabsichtigten Ton, und es ist chronologische Reihenfolge. Verwenden Sie diese Kriterien, um Ihre Clips zu qualifizieren. Qualität, Leistung, Tiefe und Bewegung. Begann deine Bearbeitung mit dem Element, das deine Geschichte am deutlichsten erzählt, ist, dass das Filmmaterial, ist es das Audio aus deinen Interviews? Vielleicht ist es die Musik während des gesamten Prozesses. Experimentieren ist ein Muss. Nur so lange wie nötig an einem Clip hängen. Verwenden Sie Bewegung und ich verfolgt, um Ihre Bearbeitung fließt von Schuss zu Schuss zu halten. Und denken Sie daran, die Bearbeitungskontinuität zu verwenden, um zu Ihrer Bearbeitung beizutragen. Ziel, den Zweck Ihrer Story mit jeder Bearbeitungswahl zu unterstützen, die Sie treffen. Meiner Meinung nach ist dies der wichtigste und lustigste Teil der Bearbeitung und Storytelling. Verwenden Sie diese Kriterien bei der Auswahl von Musik, Variation und Instrumenten, Rhythmus , Ton, Intensität und Effekten. Nicht jedes dieser Kriterien muss vorhanden sein, aber stellt sicher, dass der Gesamtton der Musik Ihre Bearbeitung unterstützt. Eine tolle Klanglandschaft zieht Ihr Publikum in die Geschichte, zielt auf einen klaren, klingenden Dialog und schafft einen vollen Klang durch Sound-Effekt-Auswahl und Frequenzmanipulation. Denken Sie auch daran, Ihr Loudness Radar zu verwenden, um Probleme zu erkennen und zu finden, dass Lautheit Sweet Spot, Korrektor Helligkeit, Kontrast und Farbe mit Ihren Farbbereichen. Denken Sie daran, innerhalb des Farbkorrekturprozesses auf Genauigkeit zu zielen, fügen Sie dann einen Look hinzu, der Ihrer Geschichte zugute kommt. Danach wird die Arbeit mit einem Team dazu beitragen, Ihre Bearbeitung zu verbessern. Akzeptieren Sie Kritik mit Gnade. Denken Sie daran, Feedback ist ein Geschenk. Denken Sie auch daran, dass der Umgang mit Kritik und Feedback Praxis erfordert. Wenn Sie Ihre endgültige ging bearbeiten, exportieren, einen hochwertigen Master mit Stielen für die endgültige Lieferung. Dies wird auch beim Exportieren zusätzlicher Formate und Codecs verwendet. Darüber hinaus exportieren Sie einen Master ohne Effekte für Grafiken zur erneuten Bearbeitung und Archivierung. Jetzt ist es an der Zeit, Ihr fertiges Projekt hochzuladen. Wenn Sie Ihr Projekt noch nicht abgeschlossen haben, ist das in Ordnung. Sie können eine laufende Arbeit hochladen. Wenn Sie aus irgendeinem Grund Ihr Projekt nicht hochladen können, ist das auch in Ordnung. Sie können auch einfach ein paar Sätze schreiben, die erklären wie Sie das Gelernte auf Ihren eigenen Prozess angewendet haben. Wie hat sich Ihr Prozess verändert? Wie hat es sich weiterentwickelt? Ich freue mich, es zu hören. Bitte hinterlassen Sie eine Bewertung und empfehlen diese Klasse einem Freund oder einer Person, die Sie vielleicht von meinem Vorteil kennen. Bitte folgen Sie auch meinem Profil, wenn Sie in Zukunft weitere Kurse sehen möchten. Wenn Sie mehr erfahren möchten, habe ich mehr Kurse zum Thema Videobearbeitung und Filmemachen zur Verfügung. Nochmals vielen Dank, dass Sie meinen Kurs über den Videobearbeitungsprozess genommen haben. Denken Sie daran, Geschichte ist Ihr Führer. Ich sehe dir eine Probe.