Klassische Musik: Grundlagen Teil 3 und 4

1. Einführung: In diesem dritten Abschnitt des Kurses werden wir einige Begriffe behandeln , die aufzeichnen und die wichtig sind. Ich höre klassische Musik. Ich habe bereits einige davon benutzt, daher ist es gut, besser zu verstehen, was wir in den letzten Vorlesungen behandelt haben. Es wird ein ziemlich informativer Teil sein. Es wird Begriffe geben, es wird Kriege geben, es wird Informationen im Allgemeinen geben, nicht so viel Musik und tut mir leid, danach, Bruckner, das mag nicht mehr so aufregend erscheinen. Immer noch. Es ist, es ist, es ist eine gute Zeitinvestition und es wird in Zukunft Zeit sparen. Lassen Sie uns direkt darauf eingehen. Der erste Begriff, den wir lernen müssen, ist Bewegung. Was ist eine Bewegung Ich habe dieses Wort heute schon mehrmals benutzt. Wir können Bewegung als Unterstück definieren. Die meisten klassischen Musikstücke sind ziemlich groß und in mehrere, normalerweise drei oder vier, aber nicht immer kleinere Stücke unterteilt normalerweise drei oder vier, . Das bedeutet, dass sie nicht ohne Unterbrechung von Anfang bis Ende gehen. Andererseits sind sie in kleinere unterteilt. Warum wurde das erfunden? Denn in der Barockzeit ist ein ganzes Stück, das, wie viele Barockstücke, zehn, 15 Minuten dauern kann , eine durchschnittliche Integration. Ohne dass sich das Tempo-End änderte fühlte sich der Charakter langweilig an , nicht anziehend, anziehend. Deshalb wurde ein Stück , das z. B. 10 Minuten lang war und statt 10 Minuten schnell oder langsam war, in drei kleinere Stücke aufgeteilt, wobei war, in drei kleinere Stücke aufgeteilt die übliche Formel schnell, langsam, schnell galt. Also dieses eine Stück zu verschiedenen Zeitpunkten mit verschiedenen Eigenschaften. Mehr Krankheiten, mehr Material, und das gesamte Musikerlebnis war abwechslungsreicher und interessanter. Je mehr Zeit für den Anspruch des einzelnen Satzes aufgewendet wurde, desto mehr Aufmerksamkeit, mehr Raum, und die Stücke begannen, an Dauer zu gewinnen. Deshalb werden wir, wenn Concerto, diese Worte später sehen. Ein Barockkonzert dauert z. B. im Durchschnitt 10 Minuten. In der klassischen Zeit würde dieselbe Art von Komposition 20 bis 30 Minuten dauern, bis wir uns daran erinnern, wenn wir uns der Vier-Minuten-Marke nähern und so weiter. Weil die einzelnen Sätze immer wichtiger werden , erfordern sie, sie, sie erfordern, dass die Komponisten jedem von ihnen eine ziemlich große Aufmerksamkeit widmen wollen ihnen eine ziemlich große Aufmerksamkeit , und sie verlängern die Lebensdauer jedes einzelnen von ihnen. Nun, Bewegung ist etwas, das wir oft sehen werden. Schumann, es war der erste Satz des gesamten Konzerts in gebrochener Luft. Es war das Ende des ersten Satzes der Symphonie. Das ist also im Grunde alles vorbei. Dann. So etwas wie Schalter gehört nicht wirklich zum Basics-Thema. Aber ich habe es vorhin erwähnt, als ich über Romantik sprach. Ich denke, es ist fair zu erklären, was das für Sie bedeutet. Die Ausdrücke, absolute Musik und Programmmusik. Iss eine Pizza. Im Allgemeinen musste in der klassischen Musik eines der beiden sein. Was sind sie? Absolute Musik ist also das generische Musikstück , das eigentlich keinen Bezug zu etwas anderem hat. Die Musik um der Musik willen, Schuhmaske, Klavierkonzert, Bruckner-Sinfonie und jede der Bruckner-Sinfonien. Absolute Musik. Weil sie, sie, sie sind, der musikalische Inhalt ist alles, worauf es ankommt. Wir brauchen keine Inspiration, außer der Literatur , zu etwas anderem. Es ist nur die Musik für sich. Und Musik ist das Endziel. gibt es keine Interferenzen, Interferenzen, Interferenzen anderer Künste Programmmusik gibt es keine Interferenzen, Interferenzen, Interferenzen anderer Künste oder anderer Disziplinen , ist das Gegenteil der Fall? Ein Stück Programmmusik ist immer inspiriert. Beschreibt oder erzählt die Geschichte. Die Geschichte stammt aus etwas anderem, das nicht musikalisch ist, z. B. ist der Hybrid, wie wir im vorherigen Kurs gesehen haben, ein Stück Programmmusik. Ich musste dir die Geschichte der Inspiration durch die Fingerhöhle erzählen. An der Fingerhöhle, die Madison auf seiner Reise hatte. Es ist ein Stück über einen Ort. Ein Ort ist musikalisch gesehen nichts. Die Musik bezieht sich darauf. Das macht Programmmusik zu einem Stück Programmmusik kann eine Geschichte erzählen. Es ist also erzählerisch, kann von einem Gedicht inspiriert werden. Es versucht also, den Inhalt des Gedichts mit dem Ton und so weiter auszudrücken . Ich habe es im Kapitel über die Romantik erwähnt, weil in der Romantik die Verwendung von Programmen immer wichtiger wird. Es war ehrlich gesagt immer da. Aber in der Romantik, der Romantik, übernimmt es die Oberhand. Und obwohl Musik absolut ist, ist Stahl immer noch sehr wichtig und wird immer der größte Teil der Musik sein, Musikproduktion , Programmmusik ist da und gewinnt an Bedeutung. Wir werden in diesem 19. Jahrhundert viel davon finden. Lassen Sie uns nun den Hauptteil dieses Abschnitts vorstellen, in dem es um die wichtigsten und gängigsten Genres geht den Hauptteil dieses Abschnitts vorstellen, dem es um . Genres Ich habe vor dem Filmen die Aussprache dieses Wortes geübt , aber mein italienischer Mund macht wirklich keinen großzügigen Eindruck. Aber was ist ein vertagtes Genre? Es ist eine Art Stück. Jedes Stück hat unterschiedliche Eigenschaften. Und jedes Stück gehört zu einer Kategorie, die hauptsächlich auf den Instrumenten oder Stimmen basiert hauptsächlich auf den Instrumenten oder , die an dem Spiel beteiligt sind. Die Bildung eines Stücks, die Reformation der Spieler, definiert also Reformation der Spieler, definiert also die Identität des Stücks. Wir werden uns in den zukünftigen Vorlesungen die kommenden Vorlesungen ansehen . Die häufigsten und die Merkmale der wichtigsten Genres der klassischen Musik. Sie haben wahrscheinlich schon einige davon in Ihren Ohren. Symphonie, Konzert, Sonate, das sind ziemlich berühmte Wörter, wenn Sie sich ein bisschen für klassische Musik interessieren, wenn Sie es nicht sind, werden wir sie sehen. Also keine Probleme. Bevor wir also nacheinander auf sie eingehen, ist es wichtig, jetzt zu lernen, dass alle Genres zu einer von zwei Hauptkategorien gehören. Diese Kategorien sind Kammermusik und Gesamtmusik. In der Kammermusik geht es um kleine Formationen. Also eine Handvoll Instrumente mit gemischten, vielleicht ein paar Stimmen, von denen die Instrumente stammen, da sie gleich sind. Zu diesem Zweck ganze Musik. Andererseits müssen die Features, große Formationen und natürlich in einem großen Saal aufgeführt werden. Deshalb hat es diesen Namen. Jetzt verstehen wir uns auch, und das wird für den Inhalt der Timeline, den wir zuvor behandelt haben, sehr wichtig sein. Wenn Sie es nicht ausgecheckt haben, tun Sie es bitte. Der Zeitplan ist das Wichtigste. Und weil wir uns mit dem kulturellen Kontext identifizieren müssen, um wirklich zu verstehen, warum einige Großzügige auf eine bestimmte Weise entwickelt haben. Also lass uns gehen, lass uns ins Eta gehen. Wir beginnen mit den kleinen Formationen, um schrittweise den größeren Formationen zuzuwenden. Also beginnen wir mit Kammermusik. 2. Sonate und Suite: In der vorigen Vorlesung habe ich gesagt, dass wir uns auf die Zeitabschnitte beziehen werden , um zunächst die Entwicklung und die Entstehung der verschiedenen Genres zu verstehen . Ich muss sagen, dass Barack in dieser Hinsicht ein bisschen problematisch ist. Warum? Weil es in diesem Sinne und vielen anderen, vielen anderen Seiten ein bisschen anarchisch ist. Es gab nicht viel Kommunikation zwischen verschiedenen Teilen Europas. Was bedeutet, dass auch die Namen der Genres willkürlich waren, sie, es gab keine übliche Art, die Stücke zu benennen. Das heißt, wenn ein Autor das Konzert ursprünglich in Deutschland oder Frankreich als etwas bezeichnet hat, könnte es auch anders benannt werden. Und das ist etwas, das ein bisschen rätselhaft ist. Im Klassizismus. Wir haben die erste Standardisierung der Zeitschriften und vieler von ihnen, die dann bis in die Neuzeit, in der wir in diesen Zustand versetzt und vom Klassizismus kodiert wurden, als prominente , wichtigste Standardisierung herausstellte. Während des Klassizismus, noch im Barock, haben wir bereits etwas, das geboren wurde und das im Grunde die gesamte Musikgeschichte überdauern wird. Das wichtigste, eines dieser Genres ist das. Also, was ist die Sonate? Sonate ist ein Stück von sehr geringen Ausmaßen , was die Formationen angeht, wer spielt, spielt es. Es ist ein Stück für ein oder zwei Instrumente, das in drei oder vier Sätze unterteilt ist, Januar, aber das ist keine feste Zahl. Ich sage nicht, bitte achten darauf, dass jedes Stück für ein oder zwei Instrumente eine Sonate sein muss. Es gibt andere, andere Nebengenres, vor allem, würde ich sagen, besonders in der Romantik und auch Barak. Das sind keine Sonaten und Stahl zeichnet diese kleine Formation aus, ein oder zwei Instrumente. Stahl auf jeden Fall. Die Sonate ist immer für ein oder zwei Vorfälle gedacht. Wenn Sie das Wort Sonate sehen, müssen Sie damit rechnen. Nun, diese Sonate überdauert die ganze Musikgeschichte, natürlich hat sie sich im Laufe vieler Jahrhunderte verändert. Er wird von Autoren komponiert und verwendet. Im Barocksensor. Normalerweise haben wir ein Melodieinstrument, das oft die Geige ist, das aber nicht unbedingt evaluieren muss. Dabei handelt es sich um eine Kampagne, bei der es sich um ein harmonisches Instrument handeln könnte, bei dem es sich um ein Tasteninstrument handeln könnte. Manchmal ist das Tasteninstrument, wird durch ein weiteres verstärkendes Tiefinstrument verdoppelt, aber das ist nicht immer da. Dann ist die Sonate für echte Instrumente. Wenn es für einen ist, haben wir meistens ein Tasteninstrument. Später ändert sich die Sonate für zwei Instrumente ein wenig. In der klassischen Zeit, von Beethoven. Die beiden Instrumente gewinnen die gleiche Bedeutung. Ist keine solide Liste mit der Begleitung. Aber wir haben meistens, wiederum immer noch, das Klavier ist, meistens gibt es ein Tasteninstrument und die eine melodische Geige, Cello oder irgendein anderes, ehrlich gesagt, die auf der gleichen Bedeutungsebene sind. Das ist wichtig, denn wenn Sie, wenn Sie Bach-Sonate hören , ist das expressiv völlig anders. Und die Balance zwischen den beiden Instrumenten, wobei ein romantisches Instrument, wenn Klavier und das andere sind, das gleiche Gewicht haben. Sozusagen. Bevor wir mit den Hauptgenerälen weitermachen , von Unterricht ist für Unterricht in, am, möchte ich noch eine weitere barocke Kammermusik erwähnen, Januar, die hauptsächlich in der Kategorie Kammermusik ist. Nicht immer. Ist es. Das Süße. Süß ist voll und ganz Barak. Tut es nicht, es stirbt mit Barak. Wenn du das Wort süß kreuzt. In einer anderen Zeit, besonders in der Spätromantik, bedeutet das etwas, Leute. Also lass dich bitte nicht verwirren. Es tut mir leid, dass in der klassischen Musik manchmal dieselben Wörter für verschiedene Dinge verwendet werden. Aber deshalb müssen wir präzise sein. Barocksuite ist ein in mehrere Sätze gegliedertes Musikstück , das die Eigenschaft hat , dass jeder Satz ein Tanz ist. Das heißt nicht, dass es getanzt werden soll. Gar nicht. Die Suite ist nur zum Zuhören gedacht. Es ist Tanzmusik. Ohne einen Tänzer. Tanzmusik, die wie jedes andere Musikstück einfach gehört und genossen werden soll . Normalerweise ist die Suite ein Kammermusikstück. Das heißt für eine kleine Formation, aber nicht immer, zum Beispiel Johann Sebastian Bach eine Handvoll großartiger Suiten für Orchester geschrieben . Es bedeutet also einen größeren. Bevor ich weitermache, muss ich auch sagen, dass in einer Baraka die Grenze zwischen Kammermusik und der gesamten Musik nicht das ist. Das ist Trunk, so wie es später ist. Warum? Denn dieser Unterschied , der nicht nur in den Zahlen liegt sondern auch in der Denkweise und der Konzeption, insbesondere der Kammermusik, war nicht wirklich da. Und weil Barockorchester normalerweise nicht so groß sind, liegen sie ein bisschen dazwischen. Das sind sie, sie werden oft das Kammerorchester genannt. Orchester, das etwas zwischen der ganzen Energie und der Kammerformation ist. Vielleicht eine Formation von zehn bis 20 Personen. Außer wenn es um Kurse geht. Also viele Stimmen dann muss das Orchester natürlich größer sein. Aber normalerweise für rein instrumentale Musikorchester und niemals, dass wir uns einlassen. Es tut mir leid, das war, das war vielleicht ein bisschen verwirrend. Weil Barack es leider ist, das Wichtigste, was wir in diesem Vortrag behandelt haben ist das Wichtigste, was wir in diesem Vortrag behandelt haben, die Sonate. Bitte denken Sie an die Sonate, diese für ein oder zwei Instrumente aufgeteilt in 34, normalerweise Sätze. Das ist, das ist das Wichtigste, an das man sich erinnern sollte. Alles andere wird Sinn machen, je mehr Erfahrung wir mit dem Hören klassischer Musik sammeln . Generell würde ich mir das zu diesem Teil passende Beispiel nicht anhören das zu diesem Teil passende Beispiel da wir diese Hausmeister oft treffen werden und es jetzt nicht bindend ist, jede Vorlesung zu verlängern. Zwei Minuten Musik reinzustecken, nur um der Sache willen, klingt so. Nun kommen wir zu dem sehr wichtigen Konzept der klassischen Kammermusik, das in kultureller Hinsicht etwas Echtes oder Süßes ist. Das ist die süßeste kleine Schokolade, eine sehr, sehr nette Sache und etwas, das ihr die gegeben hat, großartige Musik zu produzieren und ihr die Chance gegeben hat, großartige Musik zu produzieren. Wir sehen es jetzt. 3. Klassische Kammermusik: Wie bereits erwähnt, während der klassischen Zeit. Wir befinden uns also in der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts, Kammermusik gewinnt eine völlig neue Bedeutung. Vor allem, oder zumindest ausgehend von der Stadt, in der ich lebe. Y, y, in Wien. Etwas Neues beginnt. herrschten ganz besondere und einzigartige soziale Bedingungen Hier herrschten ganz besondere und einzigartige soziale Bedingungen, wobei die Beziehung zwischen den einfachen Leuten, der Bevölkerung und der Musik genüsslich Beziehung zwischen den einfachen Leuten, der war. Hier in Wien gab es eine beispiellose Anzahl von Amateurmusikern. So viele, viele, viele tausend Acht , Hunderte, wahrscheinlich Tausende von Menschen, die keine professionellen Musiker waren, genossen es, in ihrer Freizeit Musik zu spielen . Und Musik wurde als exquisites und sehr effektives soziales Instrument angesehen . Es war ganz normal, einen Abend mit Freunden zu verbringen und nach dem Abendessen zusammen Musik zu spielen. Es wurde als Teil der sozialen Rituale angesehen eine gute Zeit miteinander zu verbringen. Dies wiederum führt zu einer sehr hohen Nachfrage nach Kammermusik in diesen Jahren. Und aus diesem Grund hat der große Komponist, dem wir heute schon mehrmals begegnen, Franz Joseph Haydn, mit einem der wichtigsten Begründer des Klassizismus in der Musik, diese neue Art der Kammermusik geschaffen, die auf die Bedürfnisse dieses speziellen Publikums eingeht Franz Joseph Haydn, mit einem der wichtigsten Begründer des Klassizismus in der Musik, diese neue Art der Kammermusik geschaffen, . Also, wie ist diese Kammermusik? Zuallererst ist Kammermusik natürlich eine Reihe von Formationen. Es beginnt mit der Sonate , am häufigsten, der kleinsten mit einem oder zwei Instrumenten und geht bis zu acht, ungefähr acht Instrumenten. Stahlstücke für sechs oder mehr Instrumente sind vor allem in den klassischen Jahren nicht sehr verbreitet . Warum? Weil sie die praktischen Probleme verursachen. Nicht alle Zimmer. Kammermusik wurde in, in, privat, privat, in Privathäusern gespielt . War groß genug für so viele Instrumente und auch für das Publikum, das natürlich sehr klein war. Und es war auch nicht einfach, so viele Musiker zu finden , um ein Stück zu spielen, 468 Instrumente. diesem Grund waren die bevorzugten Formationen drei oder vier Instrumente. Es war eine beachtliche Zahl, ein guter Kompromiss zwischen den praktischen Bedingungen und dem Reichtum der Möglichkeiten, die diese Formation bot. Deshalb die beiden großen Genres der klassischen Kammermusik. Und diese beiden Generäle blieben auch für die Romantik wichtig, die Romantik. Und weiter das Klaviertrio, das heißt Klavier, Geige und Cello, und vor allem das Streichquartett. Das Streichquartett ist das Kammermusikgenre schlechthin das wichtigste. Die Formation mit vier Saiteninstrumenten, d. h. echten Violinen, einer Viola und einem Cello, ist nach Ansicht der Komponisten perfekt geformt, da sie das Stimmband an tiefe Männer und zwei weibliche an hohe Stimmen erinnert . Die beiden Violinen sind souverän, Alt, und die beiden Viola und Cello, Tenor und Bass, sie tragen männliche Stimmen. Und so entsteht ein Bild der Perfektion von tief bis hoch, wobei die erste Geige, die die höchste ist, das Kind, das die niedrigste ist, die extreme Rollen spielte. Und die zweite Geige, die leiser spielt als die erste. Die Viola, das sind die inneren Teile, deckt das gesamte Klangspektrum ab und klingt wie ein großes Instrument, denn der Klang von Streichinstrumenten ist sehr ähnlich, obwohl er von unterschiedlichen Köpfen stammt. Und das ist, das fühlt sich an wie endlose Möglichkeiten. Und dann ein perfektes Instrument. Nun, was sind die Merkmale der klassischen Kammermusik. Sie sollen perfekt zu der Umgebung passen, in der sie gespielt wurden. Klassische Musik, Kammermusik, klassische Kammermusikstücke Pantomime, ein hochraffinierter, höflicher, eleganter, mit T und kluger Konversation. Wie eine Quelle bei einem gesellschaftlichen Ereignis, wenn eine Gruppe die Gruppe der sich unterhaltenden Stimmen ist, haben wir eine Gruppe von Instrumenten , die einen ganzen Sommer lang gesund sind, nicht im moralischen Sinne gedacht, aber dann in einer angenehmen und rasanten Konversation. Aus diesem Grund sind die Rollen der Instrumente gleichwertig. Es gibt kein wichtigeres Instrument als eine Antwort. Ebenso, wenn es ist, wann, für Menschen, Gewohnheit, miteinander sprechen. Haydn, Stahl hat die Angewohnheit , der ersten Geige mehr Bedeutung beizumessen als den anderen drei. Er war aber auch Geiger. Aber von Mozart an den vier Instrumenten und mit anderen Formationen, immer noch, um so älter. Die Anzahl der Instrumente hat die gleiche Bedeutung. Das ist eine typische, sehr klassische Sache. Das Gespräch ist, obwohl es raffiniert ist und obwohl es kein Nachbar ist, vulgär, oft ein bisschen frivol. Warum? Weil es eine exquisite Art ist, Zeit miteinander zu verbringen. Es darf nicht erhaben sein. Es darf nicht unvergesslich sein. Gar nicht für den klassischen rationalistischen Geist. Das ist nicht erforderlich. Diese Idee oder dass jedes Kunstwerk einzigartig sein muss, sehr bedeutungsvoll sein muss, einprägsam sein muss, ist ein typischer Romantiker, der aus Beethoven hervorgegangen ist und vor allem von Romantikern hoch geschätzt wird. Hier. Hier befinden wir uns in einer anderen Art von Gesellschaft. Die Sicht auf Musik ist eine andere, und insbesondere die Sicht auf Kammermusik ist eine andere. Für den Klassiker. Klassische Intellektuelle. Und Künstler sind in diesem Sinne Intellektuelle. Frivol zu sein ist nicht unbedingt etwas Schlechtes, solange die Konversation klug und interessant ist und nicht in ein vulgäres Labor übergeht. Du kannst, du kannst unglaublich künstlerische Momente erleben, auch wenn du leichtfertig bist. Auch, weil sie alle ein bisschen frivol sind. Das ist der Geist der klassischen Kammermusik. Es ist das erste Publikum des Stücks. Während des Spiels sind die Musiker selbst dabei , die Spaß daran haben, zusammen zu spielen. Und normalerweise gibt es auch ein kleines Publikum, bestehend aus den anderen Gästen, den Familien und so weiter. Das ist die Umwelt. Wir sind dabei. In einem Raum wie diesem, in dem ich mich befinde, ist es leicht, in den Raum zu gehen, um Kammermusik zu spielen. Das ist dann der Geist von Beethoven an, wie bei vielen anderen Dingen, das beginnt sich zu ändern. Dieses Mal möchte ich Ihnen ein Beispiel geben, denn wie das klingt, denn wie das klingt ist wichtig, um zu verstehen, worum es wirklich geht. Hören wir uns also wie gewohnt noch einmal einen kurzen Auszug aus einem Streichquartett von Haydn an. Haydn schrieb mehr als 70 Streichquartette. Er ist der Meister des Streichquartetts. Und hör zu, wie das wirklich aussieht. Finde soziale Momente. Jetzt siehst du, du siehst mit Sicherheit, dass das wirklich einem Dialog ähnelt, einem Gespräch ähnelt und dass die Art der Frage-Antwort-Rhetorik hier so wichtig ist. Im Allgemeinen basiert Musik auf dem Frage- und Antwortmuster, der Aktion und der Reaktion, die für mich entscheidend sind. Aber hier ist wirklich alles da und verschwommen. Als zwei. Um das Bild zu vervollständigen, möchte ich natürlich die Tatsache erwähnen , dass das Klaviertrio und die Streichquartette die meisten Bezirksgerichte sind , die die wichtigsten Genres sind. Aber es kann viele andere mit jeder Mischung von Instrumenten geben. Es gibt wirklich keine Regeln. Wir haben ein Quintikum, das Geschlecht, dass ein Oktett aus 568 Instrumenten besteht. Sieben ist im Grunde nie da. Ich würde sagen fast nie. Und so ist das moderne Konzept der Kammermusik, dieses Board. Nun werfen wir einen Blick auf die Romantik und sehen kurz wie sich dieses Dielektrikum im folgenden Jahrhundert verändert. 4. Romantische Kammermusik: Geht weiter. Mit der Zeit verändert sich die Gesellschaft. Musik, Veränderungen, Kunst im Allgemeinen und die Auffassung von Kunst, um diese zu verändern, diese Art der Auffassung von Kammermusik, die wir in den klassischen Jahren vor allem in Wien gesehen haben , aber sie wurde natürlich exportiert, konnte nicht so lange Bestand haben. Im darauffolgenden Jahrhundert, im 19. Jahrhundert, diese Veränderungen, zuerst kommt Beethoven , der dieses Konzept einer raffinierten, aber ein wenig frivolen Konversation ablehnt , überhaupt nicht. Für die Beta jedes Musikstücks. Darauf zielt der Meister ab. Erhaben sein, unvergesslich sein, eine Geschichte von der ganzen Gemeinde erzählen und die ganze Welt umarmen. Das steht natürlich im Gegensatz zu dem , was da war, aber wir werden von vielen romantischen Komponisten als Vorbild ausgewählt werden, auch für die kleine Formation. Das mag natürlicher mit der Welt großer Formationen, großer Orchester und Kompositionen zu tun haben, die eine Klangmauer bilden und diese großartigen Ideen vermitteln. Aber immer noch Beethoven und einige seiner, einige seiner Bewunderer in der Romantik. Wir versuchen immer noch, dies zu erreichen, auch mit kleinen Zahlen. 24 Instrumente werden versuchen, wie ein Ocker zu spielen. Also mit der gleichen Stärke eines Orchesters und dem gleichen Rad, das Versorgung und Boden darstellt. Dies ist sicherlich eine Strömung der Kammermusik, die es in der Romantik gibt, aber nicht die Hauptströmung ist. Es gibt noch etwas anderes, das die raffinierte Konversation, die wir während des Klassizismus geführt haben, ersetzt . Und es ist die Suche, die Recherche für Teamocil. Das ist typisch für die Romantik. Musik, Kammermusik scheint für alle da zu sein, ein Konsumprodukt, das im Klassizismus sicherlich verkauft und konsumiert wurde. Wirklich. Das heißt es nicht, es war eine Art Kunst, ganz und gar nicht, aber es könnte größere Kunst sein, aber sie wurde trotzdem produziert, um vom Publikum verkauft und genossen zu werden. In der Romantik hört das wirklich auf. Die Romantik ist an sich schon militärischer. Der Kreis um den Künstler ist klein, Masse klein, weil man dieses Innenleben, die Kämpfe, die Fantasie und Vorstellungskraft der Romantiker verstehen kann die Kämpfe, die Fantasie und . Romantic weiß bereits, dass er für einige auserwählte Leute schreibt. Deshalb zielt auch Kammermusik in ihrer noch kleineren Größe darauf ab, eine intime Atmosphäre zu schaffen, innere Verbindung zwischen den Akteuren, die mehr sind als die Protagonisten der Hauptfiguren des Gesprächs. Sie sind die Stimme des Autors. Und dieses kleine, kleine, ausgesuchte Publikum. In Team into miasma ist der Begriff, den wir verwenden, um diese Tendenz zu definieren, die in unseren Werken so viele Meisterwerke hervorbringt unseren Werken so viele Meisterwerke , die wirklich atemberaubend sind. Chapin ist sich sicher, da die Produktion ausschließlich dem Klavier gewidmet ist. Also beherrscht nur ein Instrument das. Aber nicht nur Chapin, es gibt ein für die Romantik typisches Genre, das Intimität von ihrer besten Seite darstellt, ist die deutsche Hauptrolle. Blei bedeutet auf Deutsch Sänger. Und das ist Elite. Ein Lied für eine Stimme, die männlich, weiblich oder was auch immer sein kann. Normalerweise kann dieselbe Hauptrolle von einem Mann oder einer Frau gesungen werden. Es ist in Ordnung. Es ist also nicht einer Stimme gewidmet, insbesondere einem Klavier. Klavier oder Kombinieren und die Stimme singt ein einfaches Lied. Viele dieser romantischen Intimitätsstücke sind kleiner. Alles, was ich während des Klassizismus erwähnt habe, vom Streichquartett bis zum Klaviertrio, die in der Romantik weitergehen, zwei, sind in Sätze unterteilt, normalerweise für. Was bedeutet, dass es sich um ziemlich große Stücke handelt. Immer noch. Selbst in der Atmosphäre unseres Gesprächs, die wir während des Klassizismus und der Romantik gesehen haben , werden sie immer größer. Wir haben also Streichquartette von Schubert, die etwa 50 Minuten lang sind mit Bramson, Spätromantik. Große Stücke, 35, 40 min, alle, mit allen Sätzen, mit der Dauer aller vier Sätze. Warum? So viele andere Stücke, die verschiedene Namen haben, wir sehen sie und die Hauptrolle unter ihnen nicht. Sie haben nicht mehrere Bewegungen in sich. Sie sind nicht in kleinere Teile aufgeteilt. Sie sind nur eine, normalerweise ein paar Minuten länger. Stück, 3 min, 4 min bis CS6 oder so ähnlich. Sie sind als risikogepaart geflüsterter emotionaler Ausdruck gedacht , was auch durch die Wahl eines Punktes unterstützt wird. Weil ein Anführer versenkt ist und wir deshalb Worte haben, zielt die Hauptrolle darauf ab eine Verbindung herzustellen, eine starke Verbindung zwischen musikalischem und poetischem Ausdruck. Es ist ein eigenständiges, sehr poetisches Genre, und es ist typisch. Deutsches Blei ist wirklich deutsch. In anderen Ländern gibt es Opern, die sich Vokalmusik schnappen. Die Oper gehört natürlich weder zur Kammermusik noch zur Filmmusik. Oper ist im Opernhaus, Opernhaus, und es ist eine eigene Kategorie 0 Pariser Oper. Jetzt werden wir in Zukunft auf jeden Fall über die Führung sprechen. Wir werden uns mehrere Listen anhören, weil Blei, das Blei, die Hauptinspirationsquelle der deutschen Romantik ist . Es ist also etwas sehr Wichtiges. Fast jeder, würde ich sagen, jeder ohne den, fast jeder der großen romantischen Komponisten in Deutschland hat Leader geschrieben, was der Plural von Lead Leader Songs ist. Es ist ein sehr, sehr mächtiges Genre und kulturell sehr exquisit. Nun schnell, zum Abschluss dieses Vortrags, was passiert nach der Romantik? Nein, es gibt nicht wirklich eine ganze Reihe von Innovationen in der Neuzeit, diese romantische Intimität verblasst, verblasst. Die kammermusikalischen Stücke verlieren kulturell einen allgemeinen Fundus an Eigenheiten, sie bleiben lediglich die Grundlage für eine kleine Formation. Neu ist, dass die Komponisten anfangen zu experimentieren, weil Experimentalismus im neuen Jahrhundert das Alltäglichste und Wichtigste ist . Im 20. Wir werden mit seltsamen Formationen experimentieren. Formationen, die von Romantikern und klassischen Komponisten traditionell nicht gepflegt wurden traditionell nicht gepflegt . Wir werden öfter Mischungen von Streich- und Holzblasinstrumenten sehen . Wir werden nach Schlaginstrumenten suchen in die Kammermusik kommen, was wirklich seltsam ist, weil die Kammer nicht der normale Ort für Schlaginstrumente ist. Weil sie, sie nerven in einem kleineren, in einem kleinen Raum. Dies ist das Hauptmerkmal der Kammermusik des 20. Jahrhunderts. Die Kammerseite. Man muss wirklich mit allem rechnen, was sich mit modernen Kammermusikwerken beschäftigt. Nun, das ist es für Kammermusik. Wir sprechen weiter über die riesigen Formationen und die beiden Hauptgenres. 5. Sinfonie und Konzert: Wir lernen jetzt die gesamte Musik kennen, also den Pool an Genres, in denen große Formationen, viele Instrumente oder Stimmen vorkommen. In dieser Kategorie gibt es zwei Hauptgenres. Tatsächlich gibt es noch mehrere andere, aber sie sind nicht so wichtig und wir werden sie nacheinander in separaten Kursen sehen weil es natürlich wert ist, aber es ist jetzt nicht wert, sich viele Namen, viele Wörter zu merken , wir werden sie sehen. Die beiden wichtigsten sind also die Symphonie und das Konzert. Die Symphonie wurde in der klassischen Epoche geboren. Tatsächlich war in der Zeit von Barack There etwas in der Art versteckt , wie die Symphonie. Aber zuerst hieß es nicht Symphonie. Und das ist es auch nicht, es war kein Januar, reif genug war , um zu sagen, dass es ihn schon im Barock gab. Es wird mit einer Brille geboren. Es wurde im Übergang zwischen Barack und Klassizismus experimentiert . Und dann wieder unser üblicher Franz Joseph Haydn , er brachte es in die endgültige Form. Im Grunde. Diese endgültige Form ist ein ziemlich großes Stück für Orchester, das normalerweise in vier Sätze unterteilt ist. Die vier Sätze stehen am Anfang, so wie es von Haydn erfunden wurde. Wir haben schneller, langsam, an dritter Stelle eine Tanzbewegung und dann eine schnelle, temporeiche und aufregende Endear. Später wird die dritte Tanzbewegung durch eine andere Bewegungsart ersetzt . Wir werden es sehen, wenn es der Fall sein wird. Das ist also die Skala auf dem Rückgrat der Symphonie. Das wird für spätere Sätze grundsätzlich so bleiben , die Anzahl der Sätze in der Spätromantik wird etwas variieren. Aber immer noch sind vier Bewegungen der Standard. Diese Symphonie ist ein Stück, das mit Sicherheit eines der anspruchsvollsten ist. Einmalig. Ich verwende prätentiös, weil es keine sehr gute Wahl weil prätentiös eine schlechte Bedeutung hat und so weiter. Ich bin nicht bereit, mir die schlechte Bedeutung mitzuteilen. Stehlen. Die Symphonie ist ein General, der kurz nach seiner Geburt eine besondere Bedeutung erlangt. Komponisten schreiben Symphonien. Und das gilt für die letzten Symphonien, sowohl von Haydn und Mozart als auch insbesondere von Beethoven. Symphonie wird immer ein Stipendium und eine ziemlich große Komposition sein, sowohl was die Dauer angeht, als Beethoven strahlt, der Beinmotor, wir haben eine Lungeninferenz. Es soll aber auch eine Komposition sein die etwas Unvergessliches aussagt , die ein anspruchsvolles Stück zu hören ist. Essen kann man nicht, es ist nicht wirklich ein Stück zum Leasen. Eine Art Ruhe, um abgelenkt zuzuhören oder einfach nur zu entspannen, oder einfach zu zweit, um einige Zeit zu verbringen, ohne sich zu konzentrieren. Ihre Symphonie ist anspruchsvoll. Es ist ein Zeichen von uns diesem Januar und Beethoven hat den Kerl entlassen, der, wer , der das nach Beethoven sagt. Symphonie darf nichts Vergessenes sein. Es mag am Ende gelöst werden, aber in der Absicht des Komponisten liegt es nicht. Lassen Sie uns nun über das Konzert sprechen. Concerto ist ein Stück in drei Sätzen, normalerweise schnell, langsam, schneller, Standardformel für ein Instrument, ein Hauptinstrument und ein Orchester oder eine Kombination aus beiden. In dieser Art von Formel wurde es letztendlich festgelegt. Wie in der klassischen Zeit üblich. Ich muss sagen, dass das Konzert in der Barockzeit bereits existierte. Aber auch hier, in echter Barak-Manier, war es, und das war sehr erfolgreich, Erfolg der Erfindung des Komponisten. Die Regeln, die das Konzert definieren, waren nicht standardisiert und geteilt. In ganz Europa. Das bedeutet, dass die Anzahl der Feststoffe, Verizon, es kann eins sein, es kann wahr sein, normalerweise drei von bis zu vier. Und auch das Orchester, welche Instrumente sind im Orchester? Wie groß ist das Orchester? Es ist jedes, jedes Konzert ein anderes. Ja, die meisten von ihnen waren im Barock nur Streichorchester oder Zwischenfall, aber das ist keine Regel. Manchmal hatten wir ein paar Wiggins, manchmal zwei, manchmal drei, manchmal sechs. Es gab, es gab keine Regeln in dieser Volkszählung. Das ist der Grund, warum das moderne Konzept des Konzerts, würde ich sagen, in der das Solide reduziert wird, wieder der klassischen Zeit, in der das Solide reduziert wird, wieder eingeführt wird. Ich bin fast immer 21 ist rot. Und das Begleitorchester ist in der Regel ein Sinfonieorchester. Dieselbe Art von Orchester finden wir in Symphonien. Vielleicht ein bisschen kleiner aber nicht, darf nicht sein. Damit regeneriert sich die Kontraktionssymphonie am wichtigsten. Es hat wieder keinen Sinn, jetzt Zeit damit zu verschwenden, sich einige Beispiele anzuhören. Beispiele, weil wir sie überall finden und uns diese beiden Arten von Stücken anhören werden. Mehrmals, mehrmals. Wir haben uns tatsächlich schon ein Beispiel von beiden angehört. Bruckner-Sinfonie. Schuman war vorhin ein Konzert. Du kannst also zurückgehen und sie dir anhören, wenn du willst. Bevor wir nun zu unserem letzten Abschnitt dieses Kurses übergehen , möchte ich ein paar Treffen damit verbringen, Ihnen kurz etwas über einen anderen Genrepool zu erzählen , nämlich die geistliche Musik. 6. Geistliche Musik: Es lohnt sich wirklich, einige Zeit damit zu verbringen , über Kirchenmusik zu sprechen, denn in der europäischen Kunstgeschichte ist eine sakrale Kunst im Allgemeinen sehr wichtig. Es ist das älteste und in der gesamten Kunstgeschichte. Und das bedeutet, dass auch die Geschichte der Musik immer da ist. Diese Art von Musik ist also die ewigste in dem Sinne , dass sie am wenigsten Veränderungen unterliegt. Vom Barock bis zur Moderne. Moderne Ohren sind die beiden Hauptgenres der Kirchenmusik. Bleib im Grunde gleich. Sie sind der Meister, der wichtigste, und das Oratorium, das zweite. Lassen Sie mich sie also kurz beschreiben. Die Messe ist eine Komposition, die während der Sonntagsmesse gespielt werden soll. Also das Ritual, es ist in fünf Bewegungen gegliedert , fünf Teile. Sie haben einen Titel, der das erste Wort des Wortes des Textes ist , der jedes Mal dasselbe ist. Das Hauptmerkmal des Chaos ist, dass es lautstark ist. Enthält Sänger, normalerweise für solide Sänger, und einen Kern. Also ziemlich große Stimmformation und es ist immer am selben Text. Die Worte bleiben dieselben. Sie sind unantastbar. Natürlich. Dies für diese 555 Bewegungen, sie, wenn man schnell ihre Namen haben will , aber sie sind nicht wichtig, sich zu merken. Schlüsselbereich, Credo Gloria, Sanctus, und verwenden De Santos ist in zwei Bereiche unterteilt, Sanctus und Benedick. Sie lassen den Text in Layton, der offiziellen Sprache der Kirche, verfassen. Und sie haben keine festen Geschwindigkeiten, feste Eigenschaften. Die KompositorInnen haben die Freiheit, die Musik, die sie wollen, auf den fünf Hauptkörpern der Messe zu schreiben . Da sich die Musik jedoch auf Worte bezieht, gibt es einige übliche Entscheidungen, die viele Komponisten treffen. Ich denke, das reicht vorerst für das Chaos. Wir werden vielleicht in Zukunft einen Kurs über die Masse machen , weil er sehr interessant ist. So viele große Komponisten haben Messen geschrieben. Es gibt dort also großartige Musik. Das zweite große Genre der Kirchenmusik ist das Oratorium. Oratorium ist ein italienisches Wort. Es wurde wie viele andere Dinge der klassischen Musik in Italien geboren . Es gibt nicht wirklich ein englisches Originalwort dafür. Was ist im Auditorium? Es ist eine riesige geistliche Musikkomposition. Die Formation entspricht der Masse. Wir haben Orchester, beide Botenoratorien, solide Sänger. Einige von ihnen in dem Chaos, für das sie da sind. In den Oratorien. Die Zahl ist nicht fest und ein Kern, normalerweise ziemlich groß. Das Hauptmerkmal des Oratoriums ist, dass es eine Erzählung ist. Es ist eine historische Geschichte, die der Bibel entnommen ist, heilige Geschichten. Es ist im Grunde wie eine Oper. Sakrale Oper, das sind die Unterschiede zwischen dem Oratorium und der Oper. Opera, nicht so viele. Nur ein paar. Die erste ist, dass es im Oratorium keine Bühne gibt. Die Sänger spielen nicht. Vielleicht führen sie nur Vorschläge, aber nicht immer. Normalerweise ist es wie in einem Konzert, sie bleiben still und sie sinken. Das war's. Es ist nicht inszeniert. Deshalb ist es nicht so. Das Oratorium wird nicht im Oberhaus gespielt. Das ist nicht nötig. Es wird im Konzertsaal oder in der Kirche gespielt. Und der zweite wesentliche Unterschied ist , dass wir in der Regie immer einen Erzähler haben, eine Stimme, die normalerweise eine männliche Stimme ist, spielt keine Figur. Es gibt all die anderen Sänger oder verschiedene Charaktere , die in die Geschichte, in die Handlung eingreifen. Aber es gibt eine Stimme , die erzählt, was sich zwischen den Szenen befindet. Und ist im Grunde der Leser des Heiligen Buches. Es gibt natürlich kein Buch oder heiliges Buch, um die einzelnen Dinge auswendig zu lesen , aber er ist es, er ist der Klebstoff zwischen der Szene und den wichtigsten Werten der gesamten Komposition. So sehr eine Oper im Oratorium auch sehr lang sein kann. Es ist, es ist sehr herausfordernd. Eine Komposition, sehr anspruchsvoll, sehr umfangreich und kann stundenlang dauern wie eine Oper. Lesen. Dies sind die beiden Hauptarten der Kirchenmusik. Auch hier sind sie nicht, sie sind nicht die einzigen, sondern die wichtigsten. Hier schließen wir vorerst den Überblick über die Genres. Das sind die wichtigsten. Auch hier werden wir den entdecken, den ich heute in anderen Kursen nicht erwähnt habe. Jetzt fahren wir mit dem letzten Abschnitt für heute fort, da ich denke, dass dieser Kurs schon ziemlich lang ist. Und will nicht auf Grundlagen setzen. Zehnstündiger Kurs. Wir sprechen über eine der Hauptfiguren der klassischen Musik, das Orchester. Wie ist das Orchester, welche Instrumente sind es und so weiter. Dazu kommen wir. Und wir enden. Der heutige Kurs. 7. Einführung in Teil 4: Als letzten Schwerpunkt dieses Kurses werden wir das Orchester kennenlernen. Das Orchester ist mit Sicherheit eine der Hauptfiguren der klassischen Musik. Es ist eine der häufigsten Realitäten, mit denen wir in Kontakt kommen wenn wir Opern oder Konzerte in einem Konzertsaal, in einem großen Saal, hören Opern oder Konzerte in einem Konzertsaal, . Das Orchester ist immer da. Insgesamt ist es ein sehr gutes Instrument. Wegen der riesigen Menge an verschiedenen Arten von Klängen, dem Sturz der Orchesterautoren. Dies könnte aber auch als etwas schwierig empfunden werden als etwas schwierig da es so viele verschiedene Instrumente gibt , dass es nicht so einfach ist, die einzelnen Sounds kennenzulernen und sich mit ihnen vertraut zu machen. In den folgenden Vorlesungen werden wir uns also eins nach dem anderen mit den Hauptinstrumenten des Orchesters befassen. Im Grunde genommen sind es all die Instrumente, denen wir begegnen, und wir beginnen zu lernen und uns mit dem Holz vertraut zu machen, das sie haben. Timbre ist wieder das Fachwort, ist ein anderes dieser Wörter. Ich denke nicht, dass es notwendig ist, sich daran zu erinnern, weil es wörtlich Art von Geräusch bedeutet. Holz gibt an, wie ein bestimmtes Instrument klingt. Das war's. Das Orchester, wir sehen sehr schnell einen kleinen Teil seiner Geschichte, bevor wir uns der Musik und den verschiedenen Instrumenten befassen, ist in der Barockzeit geboren. Stahl ist, wie wir bereits im Barock gesehen haben, immer noch sehr anfällig für die Umstände. Und das Rad des Komponisten. Und das Wort Orchester in der Barockzeit kann sehr unterschiedliche Formationen bedeuten. Es wird Standard, so viele andere Dinge, wie wir sehen, erst ab dem Klassizismus, ich würde sagen, vom Fleisch, den Klassen und so weiter. Die aktuelle Bedeutung des Wortes Orchester ist eine größere Besetzung von Instrumenten. Mindestens 2020 ist das Minimum. 25, 30 Instrumente sind schon ein richtiges Orchester. Darin sind Instrumente aus praktisch allen Familien, allen Instrumentalfamilien, also den Streicher, den Bläsern und dem Schlagzeug, zu finden. Mindestens ein Schlaginstrument. Normalerweise gibt es einen. Wir werden sie alle später sehen. Im Barock. Orchester kann bedeuten, dass nur Streicher nur Siege bedeuten können, kann nur Blechbläser bedeuten. Kann sehr klein sein, kann sehr groß sein. Es ist das Praktische. Die praktischen Umstände bestimmten also den Inhalt des Orchesters. Wenn keine Instrumente zur Verfügung stehen, werden diese Wörter für möglichst viele Informationen verwendet, z. B. passiert es in der Baracke. Ganz sicher. Der Weg des Orchesters ist ein Weg des Wachstums. Es fängt klein an. Die meiste Zeit. In der Bar oben ist das Orchester klein. Es ist normalerweise der Fall, wenn Gerichte nicht beteiligt sind, wenn das Orchester nicht eine Masse von Stimmen unterstützen muss . Also muss es natürlich groß sein, um zum Klang der Stimmen zu passen. Aber wenn es alleine ist, das Barockorchester normalerweise das beste Vorbild. Übergang zum Klassizismus und dann zu den Romantikern wird das Orchester immer größer. Warum? Weil wir, Komponisten, mit der Zeit weitermachen, mehr Arten von Klängen wollen. Was bedeutet, dass sich mehr Instrumente unterscheiden, oder anders. Apropos Qualität, nicht Quantität. Ich meine, unterschiedliche Qualität von Instrumenten ergibt eine größere Menge. Zwei werden von Komponisten zusammengebracht, vor allem die Familie der Gewinner, wird immer mehr zusammengeschmissen. Das erfordert natürlich auch eine größere Anzahl von Saiten, die immer da waren, um dem Klang der Holz- und Blechbläser zu entsprechen. Nun, wir werden diese Worte später im Detail sehen, Siege, Holzbläser, Blechbläser. Wir werden sie sehen. Der Mittelpunkt, wenn wir das, ich würde sagen, Standardorchester setzen , ist Beethoven. Das Orchester, das von Beethoven verwendet wird, ist in den meisten Sinfonien das mittelgroße Orchester mit ungefähr 40 Instrumenten, und die meisten Instrumente sind bereits vorhanden. eine ziemlich gute Balance zwischen Winden und Streichern und bietet das Tympani als Schlaginstrument. Später, im Übergang Romantik, insbesondere der Spätromantik, wird das Orchester riesig, riesig, größer und größer. Bis zum Ende der Romantik, dem Ende des 19. Jahrhunderts, mit Orchestern mit 100, sogar 150 Instrumenten, eine riesige Klangmasse. Ich würde sagen, es lohnt sich den verrückten Orchesterwissenschaftler zu erwähnen, den Komponisten, der nach Beethoven damit begann, mit neuen Instrumenten zu experimentieren, mit der Erweiterung des Orchesters, um durch verschiedene Arten von Klängen unterschiedliche Farben zu erzeugen. Dieser Komponist ist das große französische Genie Hector Berlioz. Er ist ein wirklich großartiger Komponist. Ich habe ihn nicht erwähnt , als wir allgemein über Romantik gesprochen haben. Es tut mir leid. Wir haben ihn erwähnt. Jetzt ist er, er ist, er ist wirklich großartig. Und er hat diesen Prozess gestartet. Dann folgte Wagner seinem Beispiel und wir haben die Erweiterung zu sehr großen Formationen. Jetzt. Wir ziehen zuerst in die Familien und dann in die einzelnen Instrumente. Wir werden eine Pizza verwenden, die als pädagogisches Stück dazu gebaut wurde, um dem tatsächlich beizubringen, wie das Orchester ist, welche Instrumente es sind. Es ist also perfekt für uns. In der nächsten Vorlesung wir es jetzt aufschlüsseln. 8. Instrumentenfamilien: Zu Beginn des 20. Jahrhunderts gewannen die Taktiken immer mehr an Bedeutung, da sie nie in gewannen die Taktiken immer mehr an Bedeutung, da der Lage waren, effektiv zu unterrichten, insbesondere wie man Kinder anspricht. Unterrichten. Das hat auch Musik ruiniert. Plötzlich wurden viele pädagogische didaktische Stücke geschrieben. Stücke, die etwas über Musik vermitteln wollten. Musik, die mit dem Übergang von Central immer komplexer und vielschichtiger wird. Das Gleiche gilt für das Orchester. Stücke, die zeigen, wie es dem Orchester geht. Es gibt insbesondere zwei Meisterwerke dieses Genres. Wenn wir es so nennen können. Das berühmteste ist sicherlich Peter und der Wolf von Sergei per Coffee. Wenn es sich um ein musikalisches Märchen handelt, also um eine Geschichte, die von einem Erzähler vertont und erzählt wird , wobei die Musik unterstützt wird und jeder Figur ein anderes Instrument zugeordnet ist, rief das junge Publikum die Lernenden dazu auf, auf spielerische Weise die Art des Klangs der einzelnen Instrumente zu erkennen spielerische Weise die Art des Klangs der einzelnen Instrumente und auch etwas über ihren Charakter zu erfahren, denn sie waren natürlich nachdenklich einer anderen Persönlichkeit zugeordnet. Der andere Teil, wir uns konzentrieren, weil er schematischer ist, ist für unsere Zwecke besser geeignet. Es trägt den Titel The Young Person's Guide to the Orchestra des großen englischen Komponisten Benjamin Britten. Nun, dieses Stück hat auch einen anderen Titel, was ein eher, ich würde sagen, offizieller Titel ist. Es entspricht sicherlich eher der Tradition der klassischen Musik. Weil dieses Stück so gut ist , dass es auch außerhalb seiner pädagogischen Rolle gespielt wird . Normalerweise haben wir einen Sprecher, der die Musik posiert und erklärt, was vor sich geht, was jetzt meine Rolle hier sein wird. Das Stück kann aber auch als Konzertstück gespielt werden, als normales Musikstück. Und in diesem Sinne hat es einen anderen Titel, nämlich Variationen und Essen über ein Thema von Henry Purcell. Ein sehr langer Titel, ja. Auch hier sagt uns der Titel, was das Stück ist. Passiert immer, passiert oft in der klassischen Musik. Lassen Sie uns also diesen Titel analysieren, Variationen und Nebel, Ornithin nach Haaren, haarig pro Zelle. Harry Potter Cell ist ein großartiger, ich würde sagen, der beste in England geborene Komponist , der in Barak Handle gelebt hat, lassen Sie mich Sie daran erinnern. Ist nicht in England geboren, ist in Deutschland geboren. Aber Paket ist wirklich Englisch und er war ein echtes Genie. Großbritannien fühlt sich ein bisschen wie das Haar einer Zelle. Übernahme der Rolle eines führenden englischen Komponisten der Neuzeit. Variations und Phuc. Also Thema. Was ist das mit Variation? Ein Thema ist eine Melodie. Sie sind Synonyme. Thema ist gleich Melodie. Wir haben ein Handbuch, das den Anfang zusammenfasst, was die Grundlage für Variationen ist. Was ist eine Variante? Wenn Variation ein kurzes Stück ist, das normalerweise mit anderen Variationen verknüpft ist, wie hier, das einem Originalthema ähnelt, ähnelt es genug, dass wir es erkennen können. Das ist also, ja, wir, wir nehmen eine Verbindung zwischen den beiden wahr, aber es ist auch anders genug , um Abwechslung zu bieten, etwas Neues einzuführen und uns mit einigen neuen Features zu erfreuen , die normalerweise rhythmisch oder melodisch sind. Jetzt können Sie verstehen, dass dies ein sehr guter Weg ist. Zeigen Sie verschiedene Instrumente , denn was wird Großbritannien tun? Wir schreiben eine Variation für jedes Instrument im Orchester. Und jedes Instrument wird die Hauptfigur einer Variation sein. Das nacheinander werden wir ein Bild erstellen. Dadurch entsteht ein Bild des gesamten Orchesters. Die einzelnen Instrumente werden wir ab der nächsten Vorlesung sehen . Jetzt sehen wir den Anfang des Stücks, dem es nicht um die einzelnen Instrumente geht, sondern um deren Familien. Die Instrumente sind aufgrund ihrer Ähnlichkeiten in Familien eingeteilt . Wir haben drei große Familien. Es sind Winde, Streicher, Perkussionen. Jetzt gehen wir zum Zuhören über. Was passiert überhaupt? Das Thema von per Set wird vom ganzen Orchester gespielt, sodass wir hören können wie das Ganze sehr mächtig, sehr stattlich klingt. Es klingt so. Nun, das war alles, wir hören jetzt dieselbe Melodie, die als nächstes kommt, aber nur gespielt von einer Familie, die die Wurzel ist, gewinnt. Blasinstrumente sind also die Instrumente , in die eingeblasen werden musste , um gespielt zu werden , um Klang zu erzeugen. Diese Familie ist in zwei Hauptkategorien unterteilt. Es sind die Holzbläser und die Blechbläser, der Unterschied ist ja, das Material, aus dem sie hergestellt wurden, oder zumindest wurden sie im Ursprung der einzelnen Instrumente hergestellt, wie die Flöte heutzutage nicht mehr aus Holz besteht, aber es war, es war so, also sind sie hergestellt wurden, oder zumindest wurden sie im Ursprung der einzelnen Instrumente hergestellt , wie die Flöte heutzutage nicht mehr aus Holz besteht, aber es war, es war so, die Holzbläser die erste Familie. Wir werden sie später nacheinander im Detail sehen. Lassen Sie uns also einfach zuhören, wie sie sich zusammengeschlossen und wir werden ihre Persönlichkeiten in der nächsten Vorlesung sehen. Die Holzbläser sind nicht sehr kraftvoll, aber sie haben eine sehr ausgeprägte individuelle Persönlichkeit. Sie sind echte Charaktere. Sie haben einen ganz eigenen Sound, jeder von ihnen. Die Familie, die jetzt dazukommt, hat zwar ähnliche Sounds, die Instrumente, die beteiligt sind, aber sie sind wirklich mächtig. Die Bräser sind groß. Sie klingen sehr mächtig. Sie haben diesen saftigen, fetten Sound , der die ganze Halle beflügelt. Insgesamt. Sie klingen so. Die Pinsel haben, das würde ich für sich alleine sagen, einen ziemlich feierlichen Ton, wenn sie reinkommen. Sie können nicht, sie, sie können Sets niemals schneller spielen. Sie haben also dieses großartige, mächtige, göttliche Gesicht. Nun widmen wir uns den Streichern, der Familie der Geige und den geigenähnlichen Instrumenten. Sie sind zahlreich, sie sind ein großer Teil des Orchesters. Und sie haben eine süße Stimme. Sie ähneln der menschlichen Stimme, insbesondere der viralen, aber sie sind alle, sie sind auf ähnliche Weise entwickelt. Der Byron ist eine willentliche Nachahmung der menschlichen Stimme. Es soll klingen, wie jemand , der singt. Die Geige klingt vielleicht so, als ob Sie die niedrigeren empfehlen könnten, flach und so weiter. Wie eine Hauptstimme. Insgesamt erzeugen sie dieses Geräusch, das wir jetzt hören. Die letzte Familie ist die Schlagzeugfamilie. Hier werden wir viele Perkussionen sehen. Großbritannien ist so kreativ , dass es in der Lage ist, etwas wirklich Seltsames, aber wirklich Beeindruckendes zu schaffen , nämlich etwas von etwas zu reproduzieren , das der Melodie ähnelt , indem nur die Perkussionen verwendet werden. Was ziemlich beeindruckend ist. Ja, das sieht man nicht oft. Ich würde sagen, und ich werde es wiederholen wenn sie nacheinander kommen, dass die Schlagzeuge im Orchester nicht wirklich da sind , zumindest nicht in den meisten Teilen der Musikgeschichte. Es gibt nur ein Schlaginstrument. Stetig im Orchester, was sehr wichtig ist, nämlich das Tympani, das einzige Orchesterinstrument. Wir werden ihn jetzt deutlich twittern hören , weil er derjenige ist, der den startet. Jetzt. Was wir uns jetzt anhören, das echte Knoten abspielen kann. Alle anderen Instrumente, oder zumindest die meisten von ihnen, können keine Noten spielen, sie produzieren nur das, weil Nice, hör dir an was, tu so, als ob er nur damit kreativ sein kann. Jetzt, wo wir die Instrumentengruppen gesehen haben , Orchester, Holzbläser, Blechbläser, Streicher, Schlagzeug, das ganze Orchester. Auch hier gehen wir zu den einzelnen über. Wir beginnen mit den Holzbläsern und fahren in der nächsten Vorlesung mit den Variationen fort. 9. Holzbläser: Lassen Sie uns jetzt unseren Weg durch die Entdeckung jedes einzelnen Instruments beginnen . Ich muss sagen, es war eine ziemlich schwierige Entscheidung, ob ich dir ein Video von den Leuten zeigen soll , die das Stück spielen oder nicht. Ich habe mich dagegen entschieden, weil ich denke, dass es vorteilhafter ist, wenn wir uns gewöhnen, uns nur auf das zu konzentrieren, was wir mit unseren Ohren wahrnehmen , und uns mehr auf deren Klang zu konzentrieren und nicht darauf, wie sie beim Spielen aussehen. Wir beginnen also mit den Holzbläsern, normalerweise in einer Reihenfolge im Standardorchester, also dem Orchester von Beethoven, des letzten Mozarts der ersten Hälfte der Romantik. Wir haben zwei davon. Jeweils zwei. Holzblasinstrumente. Jeder von ihnen spielt eine individuelle Rolle. Das bedeutet, dass wir für jeden einzelnen Spieler eine Zeile bis zur vollen Punktzahl haben. Das erste Instrument, das Großbritannien uns zeigt, ist die Flüssigkeit. Das Fluid ist ein hohes Instrument und wie Sie gleich sehen werden, hat es eine sehr zwittrige Vogelstimme. Kein Wunder, dass Kaffee in Peter und der Wolf den kleinen Vogel ausgewählt hat , der durch die Flüssigkeit dargestellt werden soll. Bevor wir zuhören. Es gibt ein weiteres flötenähnliches Instrument das mit den beiden Hauptflüssigkeiten spielt. Es ist das Instrument namens Piccolo. Was ist der Piccolo? Piccolo ist im Grunde genommen ein Liter Flüssigkeit , der halb so lang ist wie ein normaler. Es klingt sehr, sehr hoch, denn in der Musik gilt immer, je größer das Instrument , desto niedriger der Klang und umgekehrt. Die Piccolos klingen furchtbar hoch, sehr, sehr hoch. Der Name Piccolo ist ein italienisches Wort, da Erbsenfarbe auf Italienisch tödlich bedeutet. Der vollständige Name des offiziellen Namens auf Italienisch lautet also Blütenerbsenfarbe. Es bedeutet literarische Literflüssigkeit. Also nahm England die einzig aktive Schnabelfarbe an, um diesem Instrument seinen Namen zu geben. Hören wir uns die Fluidvariationen an. Jetzt gehen wir schon in ein neues über. Sie sehen, dass die Variante ziemlich schnell nacheinander abläuft. Das nächste Instrument ist die Oboe. Wir haben dieses Instrument bereits mit dem Schumann gesehen. Es spielt die Melodie des Beginns des Klavierkonzerts. Es ist, wir haben bereits darüber gesprochen, mit einem Instrument, das eine lange Paste hat, weint, nett oder klingt. Ich denke also, es hat keinen Sinn, mehr Worte darüber zu verlieren. Wir schauen uns an, wie Großbritannien natürlich auf ziemlich ähnliche Weise schreibt Schumann, um die Eigenschaften dieser Instrumente zu zeigen. Melodie, die ja vom Parser abgeleitet ist , aber als Charakter von etwas Linearem, langsamem Tempo und ziemlich traurig ist . Jetzt wird sich der Charakter plötzlich ändern. Willkommen, die Klarinette. In Peter und der Wolf entschied sich Procopius dafür, das Ganze dem Dukkha zuzuordnen. Der Ellbogen ist die Stimme der Dunkelheit. Und Sie sehen, wie, wie gut die Shizhen die Klarinette ist, das ist das Instrument, das spielt. Jetzt siehst du, dass es sehr ähnlich aussieht, oh Mann, nur die beiden Extremitäten des Instruments sind unterschiedlich. Dennoch ist die Art des Sounds völlig anders. Die Klarheit ist sehr agil, der Klang ist sehr weich, kann aber auch schlangenförmig sein. Ebenfalls. Wenn der, oh Mann ein Tanz ist, ist der Sound sehr dicht, konzentriert, ist, es ist wie ein bisschen Sandy. Die Klarinette klingt so rein wie ein glasähnlicher Klang. Ich meine, der Versuch, den Sound mit Worten zu beschreiben, funktioniert nicht wirklich. Hör es dir einfach an. Zum Kaffee. Wenn ich die Katze für die Klarinetten wählen würde. Jetzt sind wir schon am Ende der Woodwinds angelangt. Es gibt nur noch ein Instrument, und es ist das Rechtsinstrument in dieser Familie. Das Fagott. Das Fagott ist ziemlich ähnlich denn wie es klingt, wenn das Übergewicht ist, ist alles sehr, sehr viel niedriger. Es ist ein ziemlich cool aussehendes Instrument. Es unterscheidet sich sehr von allen anderen. Kaffee, wenn man das Fagott mit dem mürrischen Großvater in Verbindung bringen wollte. Der Großvater von Peter, sich immer beschwert, immer rezensiert, König, nie glücklich, immer mürrisch. Sie werden jetzt sehen, wie auch hier, angemessen ist diese Wahl? Das waren die Holzbläser. Sicherlich merkt man, dass das Fagott, obwohl es diesen mürrischen und unglücklichen und blubbernden Klang hat , wo, vor allem, wenn es dafür in die hohe Lage gestellt ist , was nicht so hoch heißt, aber trotzdem. Es kann auch sehr melodisch sein. Manchmal erleben wir großartige Momente der Orchestermusik, wenn das Fagott zum Vorschein kommt. Und niemand erwartet es, denn wie jedes tiefe, tiefe Instrument erregt es nicht so viel Aufmerksamkeit. Sie werden nicht oft Fagotte hören. Immer noch, wenn er hier einen wichtigen Satz hat, sorgt das für tolle Momente. Sie haben wahrscheinlich schon bemerkt, dass Sie, wenn Sie es nicht getan haben, zurückgehen und sich das noch einmal anhören können. Es ist nicht so, dass je länger jedes Instrument, jedes, jedes, jedes dieser vier Instrumente zu zweit gespielt wird , mit Ausnahme der Flüssigkeiten, die auch das Piccolo haben. Es waren also drei, aber alle anderen. Wo sie enden sollten, spielten sie verschiedene Knoten. So sieht das Orchesterwerk für Holzblasinstrumente aus. Jetzt machen wir mit der nächsten Vorlesung weiter. Jetzt schauen wir uns die Saiten an, die als nächstes kommen. 10. Saiteninstrumente: Wir hören jetzt die Streichinstrumente. Streichinstrumente sind das Rückgrat des Orchesters. Der Beginn des Orchesterlebens ist die eines Streichorchesters. So kamen später nach und nach die Holz - und Blechbläser hinzu, während das Orchester auf die Streifen nicht verzichten kann. Sie sind ziemlich berühmt, besonders dieser, der berühmteste, der höchste von ihnen auf der Geige. Es macht keinen Sinn, Bilder von den anderen zu zeigen , weil sie alle wie eine Geige aussehen, nur größer. Der größte von allen , der niedrigste, ist der Kontrabass , der von hier aus so hoch ist, ich weiß nicht, ob Sie die Hand zum Boden so groß sehen , wie sie ist. Der Name der Streichinstrumente. Wir werden sie nacheinander wiedersehen, uns von Großbritannien vorgeschlagen wurden. Wir haben die Violine, die höchste, die Viola, untere, das Cello, noch tiefer, und den Kontrabass, den niedrigsten von allen. Jetzt gehen wir rein, in die Musik. Die Variante zeigt sie nacheinander. Noch ein paar sehr wichtige Dinge, die Streichinstrumente spielen nicht wirklich. Was bedeutet das? Das bedeutet, dass sie in Gruppen spielen müssen. Sie werden Abschnitte genannt, die Zeichenkettenabschnitte. Weil man den Klang einer Geige nicht mit dem Klang einer einzigen vergleichen kann . Oh Mann, oder Klima. Wenn sie nur 1.1 zusammen spielen, klingen sie vielleicht ziemlich ausgewogen. Aber wenn man nimmt, für Holzbläser nochmal gegen vier Saiten, funktioniert das nicht wirklich. diesem Grund haben wir im Orchester Gruppen von mindestens 868, haben wir im Orchester Gruppen von was normalerweise die Mindestanzahl jeder Saite ist . Je höher sie sind, desto zahlreicher sind sie. Auch für die Geige haben wir zwei Gruppen. Die Variante ist sehr wichtig und es ist ein sehr vielseitiges Instrument. Es kann sehr hoch spielen, aber auch bei Fleisch, Fleisch, der mittleren Textur. Die erste Geige spielt also normalerweise sehr hoch. Die zweiten Violinen spielen, spielen ein mittleres Register, das niedriger ist als die erste. In einem Standard für D-Elements-Orchester hätten wir also etwa zehn erste Violinen, zehn oder acht zweite Violinen, sechs bis acht Bratschen, sechs Flachviolinen und 34 Kontrabässe. Dies sind die Proportionen der Zahlen, die Sie in einem Sinfonie- oder Opernorchester sehen würden einem Sinfonie- oder Opernorchester soweit die Streicher betrachtet werden. Und was bedeutet Abschnitt? Das bedeutet, dass innerhalb eines Abschnitts normalerweise alle Instrumente oder die Spieler nur einen Pi h von ihnen spielen. Die zehn ersten Violinen spielen z. B. die gleichen Noten. Es kann bei bestimmten Musikrichtungen, bei bestimmten Autoren vorkommen , dass sie aufgeteilt sind, aber in diesem Abschnitt in zwei oder 34 Stimmen, aber normalerweise spielen sie zusammen dieselbe Rolle. Gehen wir nun los und hören uns zum Schluss die Streichvariationen an. Erstens haben wir, wir gehen vom höchsten zum niedrigsten. Zuerst haben wir die Violinen mit ihrem, lebhaften, funkelnden, funkelnden Hoch natürlich lebhaften, funkelnden, funkelnden Hoch. Bar für oder ja. Du wirst, du wirst sehen, was ich meine. Funkelnd. Funkelnde, funkelnde und pflegende Kindstimme. Lass uns darauf eingehen. Jetzt haben Sie gesehen, wie vielfältig die Verwendung der Geige ist. Erstens, die Tatsache, dass Sie vielleicht zwei Stimmen gesehen haben, zwei Gruppen von Geigenspielern, liegt daran, dass Großbritannien die erste und zweite Geige zusammen spielen ließ. Also waren sie, sie waren zwei Gruppen. Und auch die Geige. Wirklich, wirklich, wirklich. Ja. Stimmt es? Und vielseitig. Wenn du zurückgehst und noch einmal zuhörst, siehst du, wie nervös sie sein können, sie können funkeln, aber sie können auch sehr lyrisch sein, sehr singend, wie sehr zart. Sie können, sie können perkussiv sein. Man kann sie an den Zähnen ablesen, aber sie können weich sein. Deshalb sind Violinen bei Komponisten sehr beliebt und auch deshalb spielen Violinen eine wichtige Rolle beim melodischen Versinken. sind, es sind oft melodische Teile, besonders der erste Virus. Jetzt gehen wir zu anderen Streichinstrumenten über. Wir gehen einen Schritt tiefer. Wir hören uns die Bratschen an. Die Bratschen sind die warme Stimme der Streicher. Die Stringfamilie im Allgemeinen ist nicht so agil wie die Varianz. Das größte ist natürlich ein Instrument, das IJ auflistet. Es ist von Natur aus, von Natur aus. Und sie, Bratschen, werden nicht in einer solchen Hauptfigur eingesetzt nicht in einer solchen Hauptfigur eingesetzt wie die Gewalt von Komponisten. Sie sind, sie sind oft hinter dem Vorhang und machen Drecksarbeit, den Drecksjob des inneren Teils. Um den Klang des Orchesters im Allgemeinen zu bereichern, aber keine Aufmerksamkeit zu erregen, schenken Stealer, insbesondere romantische Komponisten, ihnen manchmal viel Liebe, wenn sie erkennen, dass es sich wirklich lohnt. Denn wenn sie einen melodischen Teil haben, klingen sie wirklich wunderbar. Sehr warm, sehr schlecht. Voller Akku, ja, die warme Butter, wenn sie nicht sehr gesund ist, aber wenn man ein volles Byte warme Butter gibt, fühlen sie sich irgendwie an. In Ordnung? Du hast gesehen, was für eine tolle Intensität und dazu sind die Bratschen wirklich in der Lage. Jetzt gehen wir noch tiefer in die Untiefen. Das sind Untiefen. Ich würde sagen, nach den Violinen, den vielseitigsten und beliebtesten Streichern, sind sie wie der Bruder der Hauptverursacher der Gewalt. Die Gewalt hat eine weibliche Stimme. Sie sind sehr hoch. Sie ähneln dem Voice-Over-Sopran einer hohen Frauenstimme, während die flache Stimme eine ziemlich tiefe Männerstimme ist, was bedeutet, dass sie einen doppelten Charakter hat. Oft spielt das Cello einfach die schmutzige Rolle, nur um die Grundlage für die Harmonie eines ganzen Stücks zu hohe Stimmen zu hinterlassen. Die Rolle des melodischen Teils. In diesem Sinne könnten sie sich unbemerkt schleichen. Aber vor allem wieder bei Komponisten. Von Beethoven an. Komponisten wollen eine saftige, saftige, melodische Stimme mit einem großen Jungen. Sie werden sich für die Kanäle entscheiden, Kanäle, auf denen uns Romantiker oft fehlen , auch als Melodieinstrumente. Sie sind gegangen und sie haben auch eine größere Klangpalette. Das können sie, sie können im Bauch, im, im, im tiefen Register sehen , wie sie eine Melodie kreieren, weshalb die Mächtigen am Ende auch so spielen können wie hier, wie ihr hier im hohen Register hören werdet. Ihre Stimme ähnelt ziemlich stark den Bratschen. Stimme. Sehr intensiv. Sehr, sie halten die Linie sehr gut und halten die Klangspannung aufrecht. Sie sind nicht so hoch wie die Bratschen, aber sie sind kräftiger, was die Lautstärke angeht. Lasst uns auf die Untiefen hören. Sie haben gesehen, was für ein wunderbares Schattenmittel das Cello hat, ein sehr, sehr beliebtes Instrument ist , und dafür gibt es viele Gründe . Nun hatten wir zwei Variationen , die sehr melodisch und nicht sehr lyrisch waren. Wir gehen, wir haben einen neuen Vitalitätsschub. Die Kontrabässe haben die größte Größe und sind den Klang der Streicherfamilie zu tief. Normalerweise muss ich sagen, dass sie überhaupt nicht auffallen. Sie werden sehr selten für melodische Zwecke verwendet , weil sie dafür wirklich nicht, nicht geeignet sind . Sie sind zu niedrig. Sie funktionieren wieder, die Basen funktionieren. Sie sorgen für die riesigen Schultern. Das Orchester spielt auf Stahl. Manchmal stehen sie auf und haben engagierte Momente. Oft werden sie für komische Zwecke und zu Finanzierungszwecken verwendet , weil sie überhaupt nicht agil sind. Und das führt dazu, dass, wenn sie ziemlich schnell spielen, du wirst sehen, dass sie, sie, sie, sie, sie, sie, sie, sie, ziemlich lustig klingen. Sie klingen sehr nach einem dicken Mann, der versucht zu rennen, vielleicht irgendwie zurechtkommt. Aber es ist kein sehr lustiges Spektrum. Ist es. Denn wenn ein Mann nicht besonders gut laufen soll, und Großbritannien zeigt es ihm, denn alleine ist das so ziemlich die einzige Möglichkeit, die Kontrabassstimme zu zeigen. Lass uns gehen und uns die Variante anhören. Jetzt sind wir nicht mehr in der String-Familie. Ich würde jetzt gerne andere Variante eines Instruments spielen, das es wirklich in keiner Familie gibt. Es ist die Harfe. Die Harper ist ein Instrument, das normalerweise im Orchester nicht zu sehen ist. Es trat in das Sinfonieorchester ein. Das bedeutet, dass das Orchester, das dafür bestimmt ist, reine Instrumentalmusik ist. Nur sehr späte, späte, späte Romantik. Der größte Teil der Musikgeschichte war also nicht da. Aber in der Oper wird es häufig verwendet, im Opernorchester schon seit der Frühromantik. Gibt es die italienische Oper und Franzosen, auch Italiener und insbesondere Franzosen, ich würde sagen, dass französische Komponisten das Herz lieben , weil es einen wirklich magischen Gipfel hat, Trümmer in der Atmosphäre produziert ist eine sehr poetische Atmosphäre. Es ist das Instrument, das wir in vielen Liebesszenen sehen, wenn wir, wenn wir ein bisschen aus der täglichen Atmosphäre herauskommen , uns zuhören lassen. Großbritannien schafft ein wunderbares Umfeld, musikalisches Umfeld für die Variation der Kunst. Ich würde sagen, dass Großbritannien hier ein bisschen am ärmsten ist, auch was die Periodizität angeht. Die Periodizitätstaste drückt die Peritektiktaste weil dies eine wirklich übertriebene Verwendung ihrer Harper auf die typische Opernart ist. Du schaffst die verträumte Atmosphäre übertrieben, sogar ein bisschen. Nun, das waren die Streicherfamilie plus die Harper. Wir gehen jetzt in die Blechbläserfamilie, die nächste Vorlesung und sehen uns die Kanons des Orchesters an. 11. Blechbläser: Wir werfen jetzt einen Blick auf Blechblasinstrumente. Sie sind eine Familie, die bis zu einem bestimmten Zeitpunkt nicht wirklich genutzt wurde . Der erste, der anfängt, sie konsequent zu verwenden , ist Beethoven. Dennoch müssen wir mit der Spätromantik zumindest bis zum mittleren Teil der Romantik warten zumindest bis zum mittleren Teil der , bis sie wirklich häufig verwendet wurden. Sie sind wichtige Instrumente und sie sind es auch, sie haben unterschiedliche Persönlichkeiten. Das erste und wichtigste von allen ist das Horn. Das Horn, eine Abkürzung für Waldhorn, was der vollständige offizielle Name ist, ist die Kette zwischen den Holzbläsern und den Blechbläsern. Sie spielen normalerweise mehr mit den Holzbläsern mit den anderen Pinseln. Sie haben einen ganz besonders weichen Klang. Sie können sehr laut sein. Natürlich sind es Pinsel, aber sie haben das Herz der romantischen Komponisten erobert. Wir werden viel über die Hörner in der Romantik sprechen, wir werden viel über Hörner finden, besonders bei bestimmten romantischen Komponisten, besonders in der anhaltenden Romantik der Deutschen. Das Horn nimmt die Rolle der Stimme der Natur ein. Denn zuerst ist es das Instrument der Hand. Zweitens, weil es so ist, was am wichtigsten ist, es hat eine Art von Geräusch das von weit her zu kommen scheint dieses Gefühl von Tempo in weiten Räumen vermittelt. Deshalb wurde es mit Wald, mit unberührter Natur in Verbindung gebracht . Die Natur. Lassen Sie uns zuhören und sehen, welche Atmosphäre das Horn erzeugt. Du hast gesehen, was für Geräusche die Hupe gefährlich ist, ist als Instrument sehr reizvoll. Das Horn gehörte mit Sicherheit zu den Blechbläsern, das, das ins Orchester drang, zu den Bereichen. Es wird bereits konsequent eingesetzt. Von den Anfängen des Klassizismus an. Es war das Instrument, mächtige Instrumente des Orchesters für eine ziemlich lange Zeit. Bis der Trump konsequent die Szene betreten hatte. Die Trompete hat im Vergleich zum Horn eine völlig andere Rolle und Bedeutung. Die Trompete ist das militärische Instrument. Es ist dieses Instrument , das uns, wann immer es erklingt, aufs Schlachtfeld bringt, die Action, den Kampf. Hören wir uns die Trompetenvariationen an. Natürlich wird Großbritannien dieses Merkmal der Trompete vorantreiben . Mo, eine Menge. Dazu die militärische Trommel. Jetzt gehen wir schon voran. Wir haben einen nahen Verwandten der Trompete, nämlich die Posaune. Posaune. Obwohl die, der Name der Trompete ähnelt unterscheidet sie sich dennoch stark von ihr. Sie sind sich auch in ihrer Bauweise sehr ähnlich, aber ihre Bedeutung ist immer noch eine völlig andere. Wenn die Trompete militärisch ist, hat die Posaune eine religiöse Bedeutung. Das mag überraschend klingen. Der Klang der Posaune kommt dem Horn näher. Dann zum Kofferraum aber selbst. Es ist nicht so quietschend, nicht so hoch und mächtig. Es ist breiter und niedriger. Es ist an die Glaubenskriege gebunden, aber auch an die Welt der Kirchenmusik, weil es oft benutzt wurde. Auch Variationszeiten zur Unterstützung des Kurses, der Religion, des Kurses in den großen Kathedralen wie Sand, Sandmark in Venedig, z.B. aber viele andere. Es war eine sehr kraftvolle Stimme, und deshalb wird sie auch heute noch damit in Verbindung gebracht, mit dieser Art von Musik ausdrucksstark mit den ***** und, sorry, mit den Posaunen breit ist. Jetzt spielt ein anderes Instrument. In Ethernet. Das finden wir nicht mehr so oft wieder, nur in sehr, sehr großen Orchestern der Spätromantik. Wir haben die Bar. Die Werkzeugleiste ist das größte der Blechblasinstrumente und es wird das niedrigste wiedergegeben. Es benutzt. Das Gegenstück zum Kontrabass in den Streichern, aber nicht so häufig verwendet. Es ist sehr, genau diese Art von Insulin macht den schlimmsten Schock. Es spielt extrem leise, ist aber unglaublich leistungsstark. Es wurde von einigen Komponisten wie Wagner oder Ricard Strauss geliebt . Großbritannien setzt es der Kürze halber auf die Posaunen und auch, weil der blaue Balken im Grunde nie alleine spielt. Lassen Sie uns nun diese Variante anhören. Ihr werdet sehen, dass die Atmosphäre des Chan, der Begriff muss ihn schaffen, wirklich kirchliches Leben war der Begriff muss ihn schaffen, . Jetzt sind wir schon am Ende der Messing-Sektion angelangt. Lassen Sie uns sprechen, bevor wir über Zahlen fortfahren. Wir haben gesehen, dass wir bei den Holzbläsern normalerweise jeweils die richtige für die Blechbläser verwenden, so einfach ist das nicht. Ja, wahr ist immer noch eine wiederkehrende Zahl. Die Trompeten sind normalerweise wieder wahr, außer wenn das Orchester wirklich, sehr groß ist. Wenn das Orchester aus 8.000 Instrumenten besteht, schwanken die Zahlen in Abhängigkeit vom ausgeglichenen Willen des Komponisten. Normalerweise haben wir zwei Trompeten, drei Posaunen. Die Hölzer sind immer drei. Von Nachbar zu Nachbar für. Die Hörner sind, wenn das Orchester normal ist. Mittlere Größe. Normalerweise sind sie wahr. Aber schon jetzt haben wir aus der Zeit Beethovens und der Frühromantik Komponisten, welche, um einen besonders dunklen Klang zu haben einen besonders dunklen Klang die Anzahl der Pferde auf vier erhöhen wird. Das passiert ziemlich früh, es ist eine der ersten Erweiterungen des Orchesters. Eine der frühesten im romantischen Jahrhundert. 12. Percussions: Jetzt fahren wir fort, wir gehen zu den Perkussionen über. In diesem Stück gibt es einen ziemlich großen Abschnitt, den wir durchhören werden , ohne beim Schlagzeug anzuhalten. Warum wir, das ist mir eigentlich egal. Warum? Weil das wichtige Schlaginstrument dem Orchester zuliebe im Grunde nur eines ist, oder zumindest das, das spielt, ist das Tympani das erste, das es spielt. Das Tympani ist das Schlagzeug des Orchesters aus sehr, sehr alten Zeiten. Es wird neben dem Orchester und bis in die späte , bis in die Spätromantik und insbesondere in die Neuzeit eingesetzt. Es ist der einzige. In der Neuzeit im 20. Jahrhundert, beginnen Komponisten, viele andere Schlaginstrumente hinzuzufügen andere Schlaginstrumente um besondere Effekte zu erzielen. Auch in der Oper. Andere Perkussionen könnten da sein , um einige Bühneneffekte hinzuzufügen. Etwas, das in der Handlung auf der Bühne passiert , soll durch Musik dargestellt werden. Aber sie sind nicht wichtig. Wir haben erwähnt, nur die Tympani umzubenennen. Das Tympani ist sehr wichtig. Das Tympani ist auch das einzige Instrument. Unter den Schlagzeugern, die mehrere Knoten spielen können. Sie benötigen mehrere Teile, aber jedes von ihnen spielt einen Knoten. Die kleinste Zahl, die wir haben können, gilt normalerweise für einen Spieler, aber wir können auch mehr haben. Der Komponist kann, kann entscheiden, ob er oder mehr fragen möchte. Hören wir uns die Schlagzeugvariationen an. Und dann sind wir schon beim finalen Ground End, das wird wirklich grandios. Und wir zeigen die Instrumente wieder superschnell vom ersten bis zum letzten. Nun fragen Sie sich vielleicht, warum Großbritannien so viel Zeit mit Perkussion verbringt? So viele verschiedene, so viele Variationen. Zuerst die Teamparty, naja , natürlich ist sie die wichtigste, aber dann so viele andere, die wir fast nie sehen. Die Antwort ist einfach, denn dies ist eine Ansprache an Kinder. Und Kinder lieben Schlaginstrumente. Das ist es einfach, obwohl sie im Orchester keine so wichtige Rolle spielen. Nun gehen wir zum letzten Teil über, dessen überwältigende Kraft es uns ermöglicht, sie uns alle anzuhören. Noch einmal, in ein paar Minuten. 13. Epilog: Die Variationen sind jetzt vorbei. Und wir mussten zum letzten Abschnitt dieser Komposition gehen, was wird passieren? Wir haben einen Puma. Wenn Sie sich erinnern, lautet der vollständige Titel dieser Komposition Variations and Fog on Ethene von Henry Purcell. Was ist eine Gabel? Eine Gabel ist eine Art Formular. Wir haben in diesem Kurs nicht über Form gesprochen. Warum? Auch wenn Form eines der wichtigsten Themen in der klassischen Musik ist, wie es in jeder Kunst der Fall ist, würde ich sagen. Ich nicht, ich glaube nicht, dass es zu den Grundlagen gehört. Deshalb habe ich es nicht in diesen Kurs aufgenommen, in diesem Kurs, den Sie sich gerade ansehen, wir werden in Zukunft viel darüber sprechen, keine Sorge. Also beiläufig erklärt, was ist ein Frosch? Was, was wird passieren? Der Folk beginnt im Grunde immer mit nur einem Instrument , das den Magneten spielt. In diesem Fall wird die Melodie des Frosches vom Hauptthema des Stücks abgeleitet, der einen bipolaren Zelle, die wir am Anfang gehört haben. Danach. Ein anderes Instrument kommt rein. Und dann kommen alle Instrumente, die wir gesehen haben , in derselben Reihenfolge herein und spielen nacheinander dieselbe kurze Melodie . Während die Instrumente , die bereits gespielt haben , immer noch Nebenlinien spielen. Dies führt zu einer Tonstapelung. Viele, viele Insulin kommen und spielen, was zu einem Höhepunkt führt. Und die Hauptmelodie, das Hauptthema, wird von einem Instrument zum anderen weitergegeben, wodurch der für die Gabel typische Verfolgereffekt entsteht. Das wird Großbritannien die Möglichkeit geben, wieder einmal alle Instrumente auf sehr schnelle Weise zu zeigen , denn dieser Nebel ist, ist unglaublich aufregend, aber er ist auch sehr kurz, nur 2 Minuten und wir sind über die Interessen der Instrumente hinweg. Unser Ziel war rasant. Ich werde alle Instrumente, die wir gesehen haben, beim Eintreten benennen . Also helfe ich dir auch dabei, dem Tempo des Fußes zu folgen , weil das Essen sehr komplex ist. Und genauso haben wir es besprochen, als wir den kurzen Ausschnitt von Bach erwähnt und gehört haben als wir den kurzen Ausschnitt von Bach erwähnt und gehört , Johann Sebastian Bach im Barackenkapitel. Wir sollen nicht alles verfolgen und verfolgen. Es ist zu viel los. Wir folgen einfach den Eingängen. Also lass uns von hier aus zuhören. Wenn wir das bis zum Ende des Stücks beenden. Das erste Instrument, das gespielt wird, ist die Pick-Spalte. Kunden Die Kunden sind älter. Wir gehen auf die Straße. Kontrabässe, sehr tief, kaum zu hören. Herz. Jetzt machen wir uns auf den Weg zur Blechbläserabteilung. Der Klimathrombus, oder die Professoren, um alle Grashalme oder Regionalstaaten in den Griff zu bekommen Griff bekommen , den Feststoff. Warum ist es so und warum? Das war ein sehr aufregendes Ende. Dieses Essen ist wirklich meisterhaft geschrieben. Ihr habt gesehen, dass so viel vor sich geht, aber es bleibt etwas, es bleibt, es bleibt unterhaltsam und man kann es immer noch ziemlich leicht verfolgen, obwohl es tödlich komplex ist. Jetzt sind wir am Ende unserer Orchesterkurse angelangt. Auch hier wollen wir jedes Mal im Orchester all diese Instrumente finden im Orchester all diese , trotzdem entscheidet sich Großbritannien natürlich für ein großes Orchester um sie alle zeigen zu können. Fast alle, ich würde sagen, wir werden manchmal ein paar seltsamere finden. Jetzt sind wir am Ende dieses Kurses angelangt. Ich hoffe, dass alles klar ist. Wenn nicht, können Sie mich jederzeit kontaktieren, mir Fragen stellen und mir Feedback geben. Es ist jedes Mal, wenn Sie dazu eingeladen sind, es wird immer geschätzt. Ich weiß auch, dass ich das heute schon oft gesagt habe , und es tut mir leid, es noch einmal zu wiederholen. Sie sind es wahrscheinlich leid, das zu hören. Aber ich weiß, in diesem Kurs sind wir kometenhaft, ziemlich informativ. Ich habe so viel geredet. Es gab nicht so viel Musik und darüber bin ich, ich bin nicht sehr glücklich. Aber es war wichtig, diese Information zu geben. Wir werden es in Zukunft verwenden, mehr Musik-Ikonen versprochen ist unser Ziel, ist immer die Musik. Worüber wir ja viel gesprochen haben, es zielt auf mehr Musik ab. Also bleib dran. Danke fürs Zuschauen und bis bald für mehr tolle Musik.