Illustrieren von Aufträgen: der Prozess des Fachmanns

1. Einführung: Willkommen zu illustrieren und Provisionen. Ich bin Illustrator, ein Arpeggiator, Clint eindeutig, ich bin am besten für meine Arbeit bekannt, die ich für Fantasy-Spiele in den letzten zehn Jahren gemacht habe. Und nicht nur der Schöpfer und Gastgeber von Mustern, Kunstunterrichtsmaterialien und YouTube-Kanal. So habe ich im Laufe der Jahre viele verschiedene Hürden in meiner Kunstkarriere gesehen. Und einer der ersten, und ich hatte nicht wirklich erwartet, war, dass man von einem Umriss arbeiten muss. Das ist jemand anderes kam auf die Idee der Szene, aber dann musste ich diese Idee realisieren. Sehen Sie viele Künstler bis zu diesem Punkt, bevor sie Profis werden. Sie arbeiten einfach an dem, wofür sie interessiert sind. Es ist ihre Idee und sie entscheiden, was richtig oder falsch für diese Idee ist. Aber als professioneller Illustrator ist das nicht immer der Fall. Und ob Sie berufstätig sind und auf Baby, wir sprechen von einer Kunstherausforderung oder sogar von einem Kunstwettbewerb. Du musst immer noch die Regeln eines anderen befolgen. Wie bekommen Sie die Idee eines anderen, bekommen ihre Umrisse und verwandeln das in ein professionelles, qualitativ hochwertiges Bild. Nun, das ist es, was diese Klasse anspricht. Und wir gehen durch den gesamten Prozess von der ersten Lektüre der Umrisse, worauf Sie achten sollten, und erstellen Sie Ihren Spielplan darüber, wie Sie sich Ihrem großartigen Bild nähern. Und wir gehen durch die Skizzierungsphase und das Charakterdesign, machen wertvolle Studien und Farbstudien. Weil es um den Arbeitsablauf geht, der Ihnen das zuverlässige System gibt , um am Ende ein gutes Bild zu bekommen. Ich hoffe, dass Sie sich mir anschließen werden, um Aufträge zu illustrieren, und ich werde Ihnen zeigen, was ich in den letzten zehn Jahren der Ausbildung und beruflichen Arbeit gelernt habe . Ich seh dich dort. 2. Kommission und Workflow: Sie haben eine Bedingung, in der vorausgesetzt, dass Sie während dieser Zeit tun, dass Sie von etwas arbeiten, das einen Umriss hat, ob es eine bezahlte Provision oder jemand, um herauszufordern oder Wettbewerb. Es kann entmutigend sein, eine komplexe Illustration anzunehmen. Und dieses Material werden wir durch ein vollständiges Provisionsprojekt Beispiel gehen , was zu tun ist und nicht bei jedem Schritt zu tun. Und besprechen Sie diesen Denkprozess aus zwei Gesichtspunkten, vom Neuling und vom Pero. Und der Neuling ist ehrgeizig, aber er ist unerfahrene. Er würde damit beginnen, zu sagen, lasst uns den Umriss lesen war ziemlich guter Ansatz, aber der Profi, auf der anderen Seite, ist kreativ und Erfahrung, er weiß besser, als nur das Lesen dieser Zeile. Lassen Sie uns den Umriss und den Plan studieren. Also baust du einen Baum dafür als Kind ohne Blaupause. Aber als Erwachsener baust du kein Haus ohne ein Haus. Sie kritzeln ohne Plan, aber Sie illustrieren keine Provision ohne einen. Mit einem Spielplan, wie Sie gehen, um Ihr tolles Image zu erreichen sorgt für ein größeres Maß an eventuellen Erfolg. Wir erkennen also, dass IT-Profis planen und Neulinge es nicht tun, springen Sie nicht einfach rein, um alles auf einmal anzugehen, erstellen Sie einen Plan und folgen Sie ihm. Das ist künstlerisches und allgemeines menschliches Zeichen der Reife. Zu meinem Kunstlehrer lehrte mich zurück als High-Schooler. Diese Kunst ist wie Jonglieren. Du beginnst mit einem Ball und trainierst, bis du ihn ohne Füllung jonglieren kannst. Dann fügen Sie eine weitere hinzu, bis Sie sie ohne Fallen jonglieren können und wiederholen Sie diesen Vorgang. Für uns sind die Kugeln Aspekte des Bildes. Es ist das Design, Zusammensetzung, die Werte, das Futter, die Farben, jede Kugel, die einen anderen Aspekt darstellt. Wenn Sie jetzt ohne Planung reinspringen, ist es, als ob Sie einfach rüber gehen und acht Bälle aufnehmen und sofort anfangen, sie alle zu jonglieren. Viele Bälle werden auf den Boden treffen sie alle verlieren. Viele der Aspekte des Bildes für uns werden flach fallen, wenn wir uns ihm auf die gleiche Weise nähern. Deswegen haben wir einen Plan. Wir unterteilen den Prozess in einen Workflow. Dies ermöglicht es uns, einen Ball, der jeweils ein Aspekt des Bildes ist, in den Prozess hinzuzufügen . Also landen wir nicht mit einem Chaos von ihnen auf dem Boden. Dies ist das anfängliche Problem, das viele Neulinge machen. Sie lassen ihre ehrgeizige Kreativität ihren guten Sinn außer Kraft setzen. Sie springen mit beiden Füßen hinein und lassen am Ende eine Menge Bälle auf den Boden fallen. Vielleicht ist ein oder zwei Aspekte des Bildes in Ordnung. Aber die anderen fallen alle flach. Also wollen wir besser machen, wenn wir den Pros-Ansatz verwenden und ihn nacheinander nehmen, in jeder Hinsicht eine volle Absicht setzen, bevor wir weitermachen. Sobald direkt in das endgültige Gemälde eintauchen, werden wir einen Workflow folgen, der uns auf jeden Aspekt individuell möglich war, wir werden die Pegasus-Illustration als Beispiel für den Prozess verwenden. Und die Pegasus-Illustration war ein Bucheinband, mit dem ich beauftragt wurde. Und ich denke, es ist ein gutes Beispiel für jede Phase während des gesamten Prozesses, wird aber auch durch einige andere Illustrationen und Kommissionen ergänzt , die auch getan werden. Wenn ich das Gefühl habe, dass sie diesen bestimmten Punkt besser vorweisen können. Jetzt hat der Anfänger den allgemeinen Ansatz von, ich möchte nur den Prozess jedes Mal, wenn ich es herausfinden werde, wie ich gehe. Für den Profi, auf der anderen Seite, wird einen zuverlässigen logischen Workflow verwenden. Aber lassen Sie uns hier klar sein, nicht jeder Profi verwendet diesen speziellen Workflow. Und das ist in Ordnung. Dieser hier ist eigentlich ziemlich langsam, ich tue das, weil ich brauche, dass Sie in der Lage sein, die klare Phase dessen zu sehen, was bei jedem Schritt erreicht wird. Dies ist nicht die Zeit für einen neuen kreativen Ansatz. Hier geht es nicht um deine Freiheit als Künstler. Es geht darum, Ihrem Kunden ein qualitativ hochwertiges Bild für sein Projekt zu bringen. Wort des Tages, Iterationen, wir werden mehrere Male in diesem Projekt auf Iterationen treffen. Ich wollte dir das gerade jetzt in den Kopf bringen, dafür bezahlt werden, während wir vorankommen. 3. Konzeptplanung: Wir beginnen in der Konzeptphase. Hier begannen wir einen Blick auf den Umriss zu werfen. Jetzt werden wir auch hier recherchieren, Brainstormen und skizzieren, wie Sie Ihr Projekt angehen werden. Das ist deine Pflanze. Die gleiche Art und Weise, wie ein Koch wird sicherstellen, dass sie alle Zutaten, die sie brauchen, bevor sie tatsächlich beginnen, ein Gericht zu kochen. Nummer eins, beginnen Sie damit, sich mit der bereitgestellten Gliederung vertraut zu machen. Und wir gehen davon aus, dass Sie von einem arbeiten. Ein Großteil der Dinge, die wir übergehen werden, wird auch für ein persönliches Projekt anwendbar sein . Aber dies wurde speziell entwickelt, um eine anzusprechen, die Sie aus einem Umriss haben. Wenn Sie also tatsächlich näher dran kommen wollen, können Sie sich sogar einen Umriss für Ihr persönliches Stück schreiben und auf die gleiche Weise arbeiten. Nummer zwei, wenn etwas in der Gliederung unklar ist, fragen Sie danach. Wenn Sie von einer Kommission arbeiten, dann bedeutet das, dass Sie wahrscheinlich einen Art Director haben, Art Director ist in Ihrem Team. Ihre Aufgabe ist es, Sie buchstäblich zu lenken und Ihnen zu helfen, Ihr Ziel zu erreichen. Nummer drei, bestimmen Sie die Steckdose oder verwenden. Das heißt, wie sollte dieses Bild verwendet werden? Wird eine Werbung auf einem Flur oder einem Buchumschlag gedruckt? Was sind die Spezifikationen zu beachten? Wie viele Zentimeter, wie breit, so etwas, auf unbestimmte Zeit. Was sind die Fristen und setzen Sie sie in Ihren Kalender? Nummer vier, Notizen über angeforderte Szenen schreiben. Wissen Sie genau, wonach sie verlangen. Die Graduiertenreferenzen, die Sie benötigen, aber sammeln Sie sie noch nicht. Ich werde sagen, dass du sie noch nicht anklickst, weil du nicht zu beeinflusst sein willst , bis du deine groben Skizzen fertig hast. Dann klicken Sie auf Ihre Referenzen. Vergiss mich verrückt. 0s und 1s, die ich in jüngerer Zeit oder nach einigen Jahren Erfahrung angefangen habe. Verzeihen Sie mir, Knoten sind Dinge, die ich fühle, als würde ich wahrscheinlich im Bild vergessen. Vergessen Sie nicht, dass diese Person diesen bestimmten Gegenstand hat. Vergessen Sie nicht, dass diese Art von Gebäude im Hintergrund sein muss. Und notieren Sie sich, stellen Sie sicher, dass es ein zusätzliches Bild gibt , oder legen Sie es auf eine Haftnotiz und legen Sie es auf Ihren Monitor. Und fangen Sie auch an, eine Liste von Schlüsselwörtern zu erstellen. Wir werden das durchmachen und ich zeige dir, wie ich so etwas hier auf der rechten Seite machen würde. Shop mit 56 Nummer fünf, richtig? Eine Liste dieser angezeigten Konzepte, die Sie skizzieren möchten. Das Raster aus, was Ihre Ideen sind, die Sie zeichnen möchten, bevor Sie mit dem Zeichnen beginnen. Nummer sechs, Ideenreferenzen sammeln. Nun, das sind verschiedene Referenzen. Hier sind die tatsächlichen Elemente in der Szene. Du wirst eine Person zeichnen, du wirst eine Referenz für die Beiträge bekommen. Verstehen Sie das noch nicht. Wir brauchen jedoch Ideenreferenzen. Dies würde definitiv beinhalten, bereits existierende sind nicht für das geistige Eigentum des geistigen Eigentums erstellt. In diesem Fall. Die Pegasus Illustration war mit dem zweiten Buch in der Serie. Also musste ich sicherstellen, dass ich eine Kopie des ersten Buchumschlags gefunden habe, so dass ich helfen konnte das Aussehen der Charaktere und den Stil und ähnliche Genre-Bilder, aber keine Subjekt-Referenzen. Diese dienen als Ideenbrett. Die Sonde wird sagen, unterschätzen Sie nicht die Bedeutung der Konzeptphase. Denken Sie daran, die 80-20-Regel, 80% eines Ergebnisses werden oft durch die anfänglichen 20% des Prozesses festgelegt. Und wenn Sie eine wirklich gute Konzeptphase haben und sicherstellen, dass Sie Ihre Zeit in. Es wird sich lohnen, oder? Es wird sich zeitweise bezahlen. 4. Den Umriss lesen: Ok. Hier ist der Umriss für das Pegasus-Projekt, das mir gegeben wurde. Ich habe ein bisschen abgekürzt. Nun waren die Szenen dort ziemlich offen vor mehrere Ideen, was sehr schön ist. Es gibt mir etwas Raum, mit dem ich arbeiten kann. Es werden zwei Pegasus und ein Mädchen in jedem Konzept sein. Erwägen Sie, sie in einer üppigen Umgebung zu platzieren da einige der Geschichte dort stattfindet. Wir möchten auch, dass der jüngere Pegasus mit Energie aufzieht und das Mädchen hält oder stieg als Pterodactyl-Typ Raubtier, fliegt über, erschreckend. Erkunden Sie, was die Pegasus tun könnte, legen Sie sich hin, wenden Sie sich auf das Mädchen oder bemerken Sie eine Schlange in der Nähe oder bearbeiten Sie Drama oder Spannung. Ein anderer Ort, an dem man versuchen sollte, wäre ein Strand oder Ozean. Das Mädchen und Pegasus beobachtet ein Riese Wille I Kreatur bricht aus dem Wasser. Also, nachdem ich den Umriss gelesen hatte, wollte ich nicht anfangen, ein paar Notizen zu machen und in meinem Kopf zu trainieren, was ich tun werde , wenn es in bestimmte Punkte geht und herausfinden, wie ich mich dem nähern werde. Ich werde damit beginnen, eine Liste von Referenzen zu setzen, die ich brauche. Ich weiß, dass ich Kraft-Anatomie brauche. Ich ziehe nicht oft Pferde. Tun Sie ganz sicher nicht Pegasus. Ich würde das da reinlegen. Ich brauche Flügelreferenzen. Ich brauche eine Pose-Referenz für das Mädchen. Auch wahrscheinlich brauchen eine Dschungelreferenz und eine gut, denn nicht etwas, das ich sehr oft zeichne. Ich brauche möglicherweise auch eine Schlangenreferenz und ich benötige vorhandene IP-Images. Also, wie ich sagte, das vorherige Bild der Serie Keywords, das ist eine, die ich glaube nicht viele Anfänger tun, aber es ist eine, die ich immer tun möchte. Was ist, worum geht es in diesem Bild? Was ist die Emotion, was ist das Gefühl? Ist es oder nicht? Ich muss sicherstellen, dass das Bild, das ich ihnen gebe, dieses Gefühl hat. Ich glaube, das Größte hier ist Abenteuer. Dies ist ein Abenteuer MOOC. Arme Kinder, stimmt's? Und so muss es haben, dass es vielleicht ein Element des Geheimnisses geben könnte, vielleicht, des Mythos. Aber ein Venture wird mein Hauptschlüsselwort sein, Standorte. Also, wo müssen diese Bilder stattfinden? Ich werde nur in meinem Kopf klar, wenn im Grunde müssen wir einen Dschungel haben und dann haben wir wie einen Strand oder Ozean Lage. Also da gehen wir und dann die Konzeptliste. Aber hier ist, wo ich tatsächlich anfangen zu notieren was ich denke, die Szenen sind, die ich zeichnen könnte. Okay, nun, sie verlangen schon ein paar Dinge. Wir wollen das Trio im Dschungel sehen. Ok, das wird nur mein Klassiker sein. Drei Menschen im Dschungel auf einem Abenteuer sehen, als nächstes werden wir Pegasus verwundet, Mädchen bewacht. Als nächstes wollen wir einige vom Meer und Strand Lage haben. So Trio beobachten. Nun Kreatur werde ich gut setzen, ich weiß, es ist nicht gerade ein Brunnen, aber ja. Dann werden wir das Trio über den Ozean fliegen lassen. Es gibt also die Art von weiß, dass dies etwas ist, das wirklich gut ist. Denn wenn Sie das durchdenken können, können Sie sich viel Zeit sparen vorwärts gehen und dass Sie es nicht wirklich herausziehen müssen. Du kannst einfach irgendwie ausgespielt und deinen Kopf sehen, was du brauchst und dann hineingehen. Nun, das ist das gleiche, was unser Unternehmen oder tut. Er schaut sich an, was er machen muss. Es gibt ihm einen Gedanken. Und dann erschafft er einen Schnitt. Und das ist eine Liste von, Ich brauche 510 mal 12 in Bretter dieser Größe, ich brauche, und Sie machen einfach eine Liste von jedem Schnitt jedes Brettes, das Sie brauchen. Auf diese Weise müssen Sie es nicht herausfinden, wenn Sie tatsächlich zur Säge gekommen sind. Und genauso wie wir für Granta sind, genau das, was unsere Nahtlose tut, bevor wir zum Zeichnungsteil kommen. 5. Controlled Kreativität: Wir wollen in die Zeichnung springen, aber vorher werden wir ein kurzes Gespräch führen. Unkontrollierte Kreativität. Seit Künstlern sind wir kreative Menschen. Kunden Mieter kreativ zu sein und zum Leben zu erwecken und passen sie an Sitze. Jedoch, ein in anderen skizzierten Projekten in Auftrag gegeben, müssen wir Kontrolle, Kreativität und persönliche Stücke ausüben , die wir mit allem, was ich tun kann, ist unsere Phantasie nehmen, aber skizzieren Projekte haben Einschränkungen. Das bedeutet, dass wir die Parameter identifizieren müssen, in denen unsere Kreativität eingesetzt werden kann und wo sie nicht kann. Und diese Fälle, nur weil eine Idee cool sein mag, bedeutet das nicht, dass sie lebensfähig ist. Oft haben wir Kreativität in unserer Gestaltung, in der Rendering der Szene, aber nicht neu vorstellen, es sei denn, anders durch den Kunden in irgendeiner Art Hit ist der Fall. Meistens sind sie nicht auf der Suche nach Ihrer persönlichen neuen Einstellung auf ihrem Grundstück. Sie sind auf der Suche nach YouTube, getreu gemacht ihr Eigentum auf eine visuell kreative und ansprechende Art und Weise. Wenn Sie eine Idee, die Sie glauben, würde das Projekt zu verbessern, aber Sie sind unsicher, welche zu viel kreative Lizenz genommen, dann fragen Sie Ihren Art Director, Das wird Sie wissen lassen, wenn es sich einen Kunstwettbewerb oder eine Herausforderung und Es gibt keinen Art Director zur Verfügung, dann ist es am besten, in den klaren Umrissen zu bleiben. Zur Verfügung gestellt. Ein bisschen Ratschlag. Wenn Sie eine interessante Idee haben und es nicht für das Gliederungsprojekt verwendbar ist. Es bedeutet nicht, dass es eine schlechte Idee ist. Und es bedeutet wahrscheinlich, dass die Idee einfach nicht die richtige Passform für dieses bestimmte Projekt ist . Und das ist in Ordnung. So haben Sie gerade die Idee oder die Skizze gespeichert und suchen nach Möglichkeiten, dass sie für ein anderes Projekt übernommen werden kann und überlegen, es zu Ihrem persönlichen Projekt zu machen. Offensichtlich möchten Sie niemals irgendwelche geistigen Eigenschaften oder Charaktere verwenden. Aber es braucht normalerweise nicht viel Modifikation, um Leben aus einem etwas anderen Blickwinkel in sie zu bringen. Also hier haben wir wieder den Umriss. Und in diesem Fall gibt es gewisse Dinge, die wir ändern können, und bestimmte Dinge, die wir nicht können. Bernsteins, wir können wahrscheinlich die Farbe des Kleides des Mädchens ändern. Und wir könnten die Pose ändern, in der sich die Charaktere befinden. Wir haben keine Hinweise auf die Beleuchtung oder den Rahmenmittelwert der Szene. Es gibt also eine Menge Kreativität dort. Was wir nicht das Recht haben, oder die kreative Freiheit zu tun, ist zum Beispiel, das Genre zu ändern. Ich könnte hier sagen, geh wissen, was wirklich cool wäre. Sei wirklich cool, wenn einer der Pegasus kybernetisch war. Und so als wäre man organisch und er war der letzte organische Pegasus oder als der andere war wie dieser künstliche Pegasus, den das Mädchen erschaffen weil sie wie dieser Bastler ist und sie diesen anderen traf, den letzten Pegasus. Und sie dachte, nein, ich werde einen Freund für ihn finden, damit er nicht der Letzte sein wird, wenn sie diesen anderen Pegasus baut. Ja, das ist echt cool. Und dann teilt sich vielleicht wie dieser Arm, der auch kybernetisch ist. Sie hat es einen Unfall verloren, als würde sie den anderen Pegasus bauen. Ok. So alles cool. Aber das ist nicht das, was der Kunde darum bittet. Und das ist die Art von Sache, die sicher ist. Du kannst es notieren, wenn du diese Idee magst. Glaubst du, das würde Spaß machen? Aufnotiert, wegsortiert? Das will der Klient nicht. Sie brauchen dich nicht, um ihr Projekt neu zu interpretieren. Sie brauchen dich, damit es hübsch aussieht. In Ordnung. Sie haben bereits ihre Idee. Das Konzept ist bereits erstellt, das ist in diesem Fall nicht Ihr Job. Was Sie tun müssen, ist, ihr Ding zu bekommen und es gut aussehen zu lassen. Dies ist potenziell ein Problem für viele Neulinge, denn bis zu diesem Punkt war alles ihre eigene persönliche Arbeit. Sie sind einfach nicht daran gewöhnt, von einem Umriss aus zu arbeiten. Sie sind nicht daran gewöhnt, dass jemand anderes sagen kann, was richtig oder falsch an einem Projekt ist. Und als professioneller Illustrator, Es kann ein bisschen eine harte Veränderung sein, aber es ist eine, die wir lernen müssen, wo diese Grenzen sind, so dass wir das Beste liefern können, was wir für unsere Kunden können. 6. Figurendesign Teil: Jetzt gehen wir in die Konzeptphase, wo wir mit dem Charakterdesign beginnen werden. Jetzt liebe ich das Thema Charakterdesign. Ich denke, eine Menge Künstler tatsächlich tun, vor allem in der Konzeptkunst und illustrative gefüllt der Anfänger, werden wir sagen, wir werden nur die Charaktere Wand machen wir malen. Die Sonde weiß es. Das kann ich manchmal durchkommen. Aber du bist nicht zuerst MEIN Design. Kellner malen. Mini-Projekte erforderten neue Charaktere, die in einem C erscheinen also befassen Sie sich mit dem Charakterdesign, bevor Sie mit dem Malen beginnen. So können Sie Ihre volle Aufmerksamkeit in sie setzen, ohne abgelenkt zu werden, indem Sie alle anderen Aspekte jonglieren müssen. Wenn Zeichen, die Sie illustrieren, bereits zuvor illustriert wurden. Wie ich schon sagte, wir existieren IP, erhalten Kopien dieser Bilder für Konsistenz und entwerfen eine Referenz. Viele Kunden werden Ihnen das tatsächlich schicken. Wenn sie dir deine Provision schicken, kannst du an den Charakterentwürfen in kompositorischen Thumbnails arbeiten. Zur gleichen Zeit. Die Pegasus Illustration erforderte fast keine Sorgfalt oder Design, da eine Figur bereits vorgestaltet war und die anderen ziemlich einfach waren. Beide Pegasus sehen weiß aus, ähnlich. Es gab also nicht viel Veränderung dort. Und das Mädchen füge im Grunde einfach eine einfache Frisur und ein einfaches Kleid mit einem Schwert hinzu. Also musste ich nicht viel Zeit in die Fledermaus stecken und sie waren nicht sehr interessant. Also habe ich andere Beispiele verwendet, um Burger-Designer-Iteration zu präsentieren. Der Schlüssel zu guten Ideen und Designs sind Iterationen. Sie müssen sie erforschen, entwickeln und mehr davon produzieren. Nicht jede Szene, die du gesehen hast, produziert etwas. Das ist, warum Sie so mehr Samen als das Minimum. Wenn Sie einen Baum wollen, pflanzen Sie keine AC. Aber ein paar Sitze. Ideen sind auch so. Entwickeln Sie mehr Ideen als nur eine. Weil es dir gefällt, es könnte ein Blindgänger sein. der Iteration geht es um das Rendern einer Reihe von Ideen als die Auswahl der Wetten mit dem gewählten Bild zu einer Stapel von Variationen und wählen Sie das Beste und die Wiederholung. Jetzt ist dies ein alter Charakter, der S das wahrscheinlich vor zehn Jahren gemacht hat, aber es ist eine gute Illustration, wie Iteration aussieht. A hat eine grundlegende Pose. Und dann habe ich es einige Male kopiert. Und dann hat es nur viele Versionen des Charakters gemacht. Ich habe meine Lieblings-sechs und ich säuberte sie ein wenig, fügte ein bisschen mehr Details zu ihnen, machte einige Farbvariationen von denen, nahm meine Lieblings und arbeitete dann an, dass ging nach oben. Das endgültige Bild hier ist also die dritte Iteration. Die erste ist nur in der ganzen Charge. Der nächste ist, wo wir es gezeichnet und gefärbt haben. Und das dritte ist, wo wir das bekommen und es komplett gemalt haben. Und ich denke, es ist umso besser dafür. Und das ist der Ansatz, den wir im gesamten Charakterdesign verwenden werden. Es gibt so viel mehr im Charakterdesign als das. Aber ich versuche nur, Ihnen ein paar Highlights zu geben. Das reicht aus, damit Sie während Ihres Erstellungsprozesses durcharbeiten können. Nummer eins, notieren Sie die bereitgestellten Eigenschaften aus dem Umriss, damit Sie nichts vergessen. Ich habe es getan, andere Leute tun es. Es passiert. Schreiben Sie es auf, damit Sie es nicht vergessen. Und dieser Fall Umriss ist ein Fantasy-Schmied Krieger. Also zeichnen wir den Grundkörper und machen mindestens drei Kopien davon. Ich würde eigentlich sagen, viel mehr zu tun. Aber wenn Sie auf Zeit gedrückt werden, ist R0 wahrscheinlich Ihr Minimum. Wenn Sie diese erhalten und Variationen über die Kopien skizzieren, zielen Sie auf Variationen von Formen, Silhouette und Symmetrie. Aber wir sprechen von symmetrisch und asymmetrisch. Keine Details zu diesem Zeitpunkt. Das ist nicht, worum es geht, sondern nur Elemente mit Formen C darstellen. Nun, in diesem Stadium passiert eine Menge Sachen. Also werden wir zu drei EI gehen, die als die Charaktere Ort und Geschichte betrachtet wird , um herauszufinden, was sie wo und besitzen. Also dieser Charakter stammt aus einem kalten Klima. Sie müssen wohl warm bleiben. Sie brauchen Nahrung für ihre Reisen. Sie brauchen eine Kapuze für die, ob sie viel draußen sein werden. Dies alles informiert den Charakter, macht sie glaubwürdiger und hilft Ihnen, eine Vorstellung davon zu geben , wie der Charakter aussehen sollte. 3b, sollten Sie Elemente entwerfen, um einem visuellen Muster zu folgen. Will Methodik. Dadurch erhalten Sie Antworten auf Größe, Art und Position der zu verwendenden Formen. Methodologien können Elemente bei einem zusammenhängenden Aussehen miteinander verbinden. Es gibt viele Paradigmen, auf denen sie basieren können. Hier sind nur ein paar Beispiele. Also die Methodik ist, was setze ich, wo, wie groß ist es? Wie bekomme ich all diese verschiedenen Dinge und lasse sie zusammenarbeiten? In diesem Fall verwenden wir ein Zick-Zack-Muster auf dieser Version des Kerls ist, anstatt die kleine Krawatte von Seite zu Seite geht gerade über, wir setzen es in einem Winkel, würde dann lassen, dass Winkel bewegt, indem das Halsband darunter über die Brust. Geh, was der entgegengesetzte Winkel. Wir haben dann die nächste Zeile des Sturz-Tablet-Shirts zu gehen und entgegengesetzten Winkel zu, dass. der ganzen Sache haben wir also eine Reihe von Zackmustern, die das Auge in Bewegung halten. Und das ist die allgemeine Methodik für den Charakter. Hier unten haben wir drei Dryaden-Charaktere, jeweils ein sehr ähnliches Aussehen haben und viele der gleichen visuellen Elemente und Formen verwenden , aber sie auf völlig unterschiedliche Weise anordnen. Auch dies ist ein übertriebenes Zick-Zack-Muster. Aber sobald wir verstehen, dass dies das Muster ist, das wir für die Artikel verwenden und die Entscheidung treffen, wo wir setzen, was und wie groß es in einem welchen Winkel sein sollte, sollte es viel einfacher sein. Als nächstes haben wir ein X-Muster oder Kulturen. Und alles hier folgt diesem Muster. Größenvariation unter Verwendung der gleichen Formen in verschiedenen Größen, die durchgehend verstreut sind, aber alle nach demselben symmetrischen Layout. Dies wäre eigentlich eine gute Praxis, sich hinzusetzen und zu versuchen, verschiedene Arten von Methoden zu denken oder andere Charaktere zu studieren und zu sehen, was eine der Methoden ist, die sie verwenden. Die Art der Logik für die Platzierung der Größen der Formen und der Winkel auf dem Zeichen. Nummer vier, wählen Sie das beste Design. Da ist es, Iteration. Und tun Studien der realen Welt Themen, die das Design und die Elemente, die einbezogen werden können informieren könnte . Also für den Fantasy-Schmied Krieger, habe ich Studien über historische Wikinger Entwürfe gemacht. Ich habe auch einige Accessoires entworfen, die der Charakter tragen könnte. Dies hilft mir, ein geerdetes Gefühl zu haben, wie dieser Charakter aussieht. Dies ist ein Fehler, den viele Neulinge machen, ist, dass sie nicht genug Dinge auf der Realität basieren. Sie ziehen zu viel aus der Phantasie und ihrem Wissen, ihr angeborenes Wissen darüber, wie man Dinge realer und geerdeter aussehen lässt, ist einfach nicht da, sie haben nicht genug Erfahrung dafür. Stellen Sie also sicher, dass Sie Informationen aus Rio World Themen zeichnen und lassen Sie das Ihren Charakter informieren, damit sie glaubwürdiger sind. 7. Figurendesign Teil Teil 2: In Ordnung, Schritte fünf bis sieben verfeinern das gewählte Konzept mit einem Wissen der Studien, um die Konstruktionsgenauigkeit und Glaubwürdigkeit der Elemente zu verbessern . Gutes Design ist oft nur Realität mit einem Twist. Also bekomme etwas verwandtbares, wie zum Beispiel, dass ich nur studiere und gebe ihm einen Designschub in eine andere Richtung. Dies kann eine Veränderung in seinem Genre, seiner Technologie, Körperlichkeit oder sogar eine Zeitperiodenverschiebung sein. Dies ist also der Charakter wieder gezeichnet mit mehr Wissen aus den realen Studien aufgenommen, der Charakter kann immer noch generisch sein. Also wollen wir herausfinden, worum es im Kern dieser Person geht und es sagen. Es könnte mehrere Dinge geben, oder du könntest dich darauf konzentrieren. Wählen Sie also einen Aspekt aus, geben Sie ihm ein Megaphon und zeichnen Sie einen weiteren Satz von Iterationen. Eins, noch eins. Ja, noch einen. Erinnern Sie sich an generische, zu spezifisch oder gemeinsam für Uniq? Das fühlt sich an wie dein durchschnittlicher NBC. Es scheint nicht sehr zusammenhängend zu sein. Es ist eine Menge los. Optisch gibt es viel zu sehen. Aber er fühlt sich noch nicht wie ein einzigartiger Charakter. Es fühlt sich nicht an, als ob er eine Sache hat. ihm geht es um eine Menge verschiedener Dinge. Und jetzt versuchen wir, einen Aspekt von ihm über diesen Charakter zu bekommen, über seinen Blick, über seine Persönlichkeit und es klarer zu machen. Zuerst haben wir diese Version, die sich zum arktischen Krieger neigt. Wir wollen diesen kalten Aspekt von Helmand spielen, wo er ist und ihn wie ein Krieger und weniger wie ein Schmied fühlen. Wir geben ihm das schwerere Aussehen. Wir geben ihm für ein Futter auf eine Menge seiner Rüstungsstücke. Wir haben Schnee auf dem Boden seines Mantels verkrustet. Wir gaben mehr Krawatten und sein Haar oder machen ein bisschen robuster aussehen. Dies ist auch der gleiche Charakter, aber wir konzentrieren uns auf einen anderen Aspekt. Wir konzentrieren uns nicht auf den arktischen Krieger, wir konzentrieren uns auf den Schmied. Jetzt haben wir mehr Werkzeuge, die an seinem Gürtel hängen , die er während seines Handwerks benutzen könnte. Wir präsentierten einige seiner Handarbeiten mit der Rüstung, die ihm dort den Arm runterging. Wir zeigen, dass er vielleicht einen Unfall in seinem Laden hatte, arbeitete. So wie ein iPad, beide diese füllen mehr einzigartige Charaktere. Es gibt nicht nur den Hintergrund NPC, Maccabee, die Hauptfigur. Jetzt ist der Konzeptfilm spezifischer und einzigartiger als generische. Haben Kleidung ist wichtig. Dies wäre die Zeit, um das beste Konzept für neue Farben Studien zu wählen. Sie würden mindestens drei Variationen machen und das Beste auswählen. Dieser Charakter brauchte keine Farben, also ist er in diesem Stadium fertig. Aber auf die Szene skizzieren. Notieren Sie sich jedoch schnell, was es braucht. Wenn Sie Pro-Level-Ergebnisse wollen, müssen Sie in Pro-Level-Aufwand setzen. Sie können Videos sehen, in denen mühelos einen dynamischen Charakter erzeugen. Aber was Sie nicht sehen, sind die Tausenden von Stunden des Studiums über die Hunderte von Zeichnungen, die sie gemacht haben. So dass ihre durchschnittlichen Entwürfe auf diesem Niveau sein könnten. Hinter den Kulissen gibt es viele Arbeiten, die in große Illustrationen einfließen. Und die meisten Menschen sehen es nie wie einen Eisberg. Du siehst nur die Spitze davon. Wenn Sie fertig sind, sehen Sie das fertige Bild. Das meiste davon ist unsichtbar. Alle verworfenen Konzepte, die ganze Scheibe ein 100 Zeichen, alle Änderungskompositionen, alle Überarbeitungen. Du siehst das Zeug nicht. Nicht sehr oft. Wenn Sie tiefer in das Thema Charakterdesign eintauchen möchten, schnecke zurückweisen, wenn ich nicht empfehlen und beachten Sie , dass ich ein eBook namens Zeichen entwerfen und zeichnen habe. Sie können es einmal so viel wie art.com abholen. Das ist, wo all dies sind Beispiele genommen werden. Und ich gehe in viel mehr Details und ich habe einige weitere Illustrationen. Also zögern Sie nicht, da draußen zu gehen und sich das anzusehen. 8. Scene: Und die kompositorischen Thumbnails, der Neuling kann es durch Denken nähern, ich wollte einfach anfangen zu malen und hoffe, es wird gut. Der Ansatz sagt, ich skizziere viele Konzepte und positioniere absichtlich jedes Element, das ich das Beste auswähle. Du musst nicht hoffen. Sie können kompositorische Thumbnails mit Ihrer Liste von Szenen bewaffnet kennen, ist es Zeit, tatsächlich mit dem Skizzieren zu beginnen. In diesem Stadium dreht sich alles um Komposition. Es geht nicht um Details, Beleuchtung oder sogar um Werte. Nur das Zusammenstellen von Elementen im Rahmen. Um klar zu sein, gibt es viele Ansätze, um Neuheit zu bauen. Sehen Sie, wo Sie vielleicht Ihre Kompositionsstudien gleichzeitig machen, dass Sie in Ihren Wertestudien, viele Künstler arbeiten auf diese Weise, vielleicht sogar mit Farbe. Aber wir nehmen es zu einem Aspekt seiner Zeit, um den Prozess zu vereinfachen. Und wie Sie sich damit vertraut machen, können Sie damit beginnen, ein wenig mit dem Workflow zu spielen , ob Sie mehrere Dinge gleichzeitig ausführen können. Aber im Moment werden wir uns nur auf die Komposition selbst konzentrieren. Eine gute Komposition lenkt das Auge auf die Brennpunkte, lässt einen Komplex lesbarer erscheinen und hilft, die gewünschte Stimmung zu vermitteln. Komposition ist kein Ding an sich, sondern der Kontext des Themas. Wie sich alle Dinge zueinander beziehen. Es ist nicht das Bild auf den Puzzleteilen, es ist das Puzzle selbst. Viele Nicht-Profis unterschätzen, wie kritisch die Zusammensetzung ist. Sie fokussieren das ganze Öl und das eigentliche Bild, anstatt wie alles zusammenhängt. Und deshalb wollen wir der Bühne besondere Aufmerksamkeit schenken. Zusammensetzung beeinflusst die Stimmung am stärksten durch ein Gefühl des Gleichgewichts. Energie und Raum ist wichtig, um eine Vorstellung davon, was die gewünschte Stimmung oder einfach nur von den Bildern haben. So können Sie und kompositorische Arrangement verwenden , die das widerspiegelt und wir werden hier in einem Moment eingehen. Hier ist das Beispiel für die Raue, die ich für dieses Projekt erstellt habe. Jetzt andere Refs, die auch skizzieren, aber diese waren die vielversprechendsten, also gehe ich mit ihnen fort. Am Ende löschte ich tatsächlich diejenigen, die ich nicht brauchte. So sind sie hier nicht enthalten. Ich dachte, am besten geht es für die Arbeit. Also, das ist, was Sie gehen, um Fortschritte zu sehen, um in diesem Stadium besser zu werden, eine großartige Praxis, um Ihre Komposition und Werte Fähigkeiten zu verbessern , ist Studien aus dem Kino zu machen. Suchen Sie nach Filmen mit guter Kinematographie und verwenden Sie keine Details. Dies wurde dem Herrn der Ringe, der Gemeinschaft des Ringes, entnommen. Beachten Sie, dass es in diesen Szenen sehr wenig Details gibt, wenn überhaupt. Wenn ich darauf achte, ist, wo sie den Charakter im Rahmen ausrichten. Die Größe der Charaktere ist ein mittlerer Schuss von Weitschuss, Nahaufnahme. Und wie balancieren sie dann auch die Werte in der Szene aus? Gute Praxis, nicht wahr? Sie sind leicht zu machen. 9. Kompositionsmuster verwenden: Muster, über die wir mit einem kompositorischen Muster gesprochen haben. Lasst uns das durchmachen. Wirklich bemerken Szene kann verwirrend sein, indem sie ein Puzzle ohne ein Bild davon zusammenstellen , wie das Finale eigentlich aussehen soll. Sie können Ewigkeiten damit verbringen, Dinge einfach zu bewegen und Hoffnung, über ein Arrangement zu stolpern, das funktioniert. Oder Sie könnten diesen Prozess vereinfachen, indem Sie zuverlässige Muster und Leitfäden verwenden. Die ganze Idee ist, eine Sammlung von verschiedenen Themen und Formen zu erhalten und eine Ordnung daraus zu schaffen, die mit den Bildern gewünschten Stimmungspunkte zu erinnern ist, um den Rahmen mit dem Thema zu füllen übereinstimmt . Einer der besten Tipps, die man sich in diesem Stadium merken kann. Generell möchten Sie einfach einen Rahmen mit dem Thema erstellen. Das heißt, machen sie nehmen mehr von der visuellen Real Estate war jemand, um einfache Formen ohne Details zu halten. Sie können sich die Frage stellen, welches Element Sie aufmerksam machen möchten? Sintern macht den Charakter des Films stabiler. Die Studienkomposition, werden Sie feststellen, dass ein Zeichen in sie setzen, Aschenputtel, gehen vollständig vertikal an den Seiten der Leinwand gesprungen wird sie sich stabiler und zuverlässiger fühlen, vertrauenswürdiger. Der dreieckige Bogen macht die Charaktere und Einheit ein, Team C, Alle diese Jungs sind ausgerichtet, um ein einfaches Muster zu machen. Dies gibt ihm einen Zusammenhalt. Es gibt ihnen das Gefühl, dass sie Teil eines Teams sind. Wenn du das kaputt gemacht hast, indem du einen anderen Charakter hier hast, würde er füllen, als wäre er Teil des Teams. Und das können wir tun, um den Eindruck zu erwecken, dass das eine nicht Teil des anderen ist. Aber für diese Jungs sind sie, sie sind auf diese Weise ausgerichtet. Die fegenden Z-Winkel halten das Auge im gesamten Bild in Bewegung. Also hier denke ich daran, dass dieser Typ so aufwachsen wird. Das heißt, Flügel könnten Muster auf diese Weise erstellt werden. Ich will nicht geradeaus rüber gehen. Das ist Boyne. Da gibt es keine Bewegung. Das ist nicht sehr interessant. Also gingen wir, um sie auf diese Weise anzuwinkeln. Und was soll das heißen? Dass ich das nächste und gehe in einem Gegenwinkel zu, dass, und dann die nächste Insel und gehen Sie Bearbeiten Gegenwinkel dazu. Dies hält das Auge im gesamten Bild in Bewegung. Es ist ein tolles kompositorisches Muster. Die nächste, die Pegasus wickelt sich um das Mädchen herum und schleift unsere Aufmerksamkeit auf sie. Dies ist fast ein spiralförmiges oder Q-Design zu dem Muster, wo der Pegasus auf dem Boden liegt seinen Kopf um das Mädchen wickelt. Das Mädchen ist wieder zentriert, was sie zum Mittelpunkt macht. Diese Mustermischung, die Sie oder ich landet auf diesem Charakter. Das gesamte Design dieser Szene ist eine Szene in einer Pegasus-Silhouette, die sich dem Bild in einer grafischen Weise nähert , die sehr dramatisch sein kann. Also all das hier draußen, dieser negative Raum wäre völlig andere Szene oder eine andere Farbe. Alles, was in diesem Inneren existiert, wäre eine Dschungel-Szene, in der einer der Pegasus verwundet wurde. Dies ist nicht wirklich etwas, das dieses spezielle Projekt gefragt hat und eine grafische Art von Ansatz zu ihm bekommen. Aber es ist ein Design, das viele der Bücher in dem Genre verwendet. Deshalb wollte ich es hier reinlegen und ihnen die Möglichkeit geben. Aber die nächste sehen wir, dass dieses Wochenende Kurve vom Pegasus zum Brunnen hält es fließt durch das Bild. Und der zweite Pegasus sieht in einem Gegenstrom , der unsere Aufmerksamkeit auf das Mädchen lenkt. Und raus aus der Ecke. Wieder, Charakter zentriert, weil wir wollen, dass sie als Hauptfigur. Und das letzte Konzept sehen wir, dass der Charakter ist immer noch ein horizontales Band, so dass Raum für Text und lassen Zeichen vorgeschlagen. Und dem Winkel des Brunnens wird durch den Winkel der Neuropeptide entgegengewirkt. Und so, je näher Pegasus in einen Winkel gesetzt wird, warum? Es ist interessanter, es ist dynamischer, als sie direkt hinübergehen zu lassen. Also wollen wir das tun. Wir wollen auch nicht, dass es dann den Brunnen gehen in den gleichen Winkel. Wir wollen dem entgegenwirken. Das macht es also wirklich gut dynamisch. Nun wurde dies in einer Band gesetzt, weil in vielen Bildern auf Buchcover sie wollte das Thema vorschlagen oder das notwendigerweise sagen es. Oder sie wollen, dass der Titel und der Name des Autors das Buch im Grunde verkaufen, nicht so sehr das Bild, wieder, zeigt eine Vielfalt, nur wollen, um es an den Kunden geben und sehen, welche Art von Feedback ist über das, was sie suchen. 10. Auswahl eines kompositorischen Designs: Wählen Sie ein Design, ok, also sollten Sie ein visuelles Muster verwenden, aber wie entscheiden Sie, welches? Als Ausgangspunkt? Ich habe die Bilder, die Stimmung oder das Thema bestimmt. Wir interpretieren diese Stimmung dann in Bezug auf visuelle Energie. Da all die verschiedenen Metriken, Zusammensetzung, meisten Effekte, die Szenen, Energie, alle Arrangements, Muster fallen irgendwo auf die Fähigkeit der Niedrigenergie, die sehr stabile Dinge ist, und Hochenergie, die sehr in der Regel Aktive Dinge. Dies bedeutet, dass wir ein Muster wählen wollen, das unsere Szenen Energieniveaus entspricht. Nun, ein kleiner Zusammenbruch hier. Hochenergetische Stimmungen sind Themen, würde oft als Venture oder Action dynamische, epische, fröhliche oder magische Szenen betrachtet werden. Wo auf der anderen Seite, Niedrigenergie-Stimmungen und Themen friedliche Szenen wären, sind düstere Umgebungen. Vielleicht eine Szene, ein Rätsel oder ein ominöses Gefühl oder kein Krieg. Natürlich gibt es Ausnahmen von dieser Aufschlüsselung. Aber das sind allgemeine Regeln. Es gibt Ausnahmen für fast alles. Niedrigenergiebig oder statisch. Flache Linien sind statisch, pflaumenförmig und niedrig. Es gibt keine Bewegung zu ihnen. Sie waren völlig, auf der anderen Seite, hochenergetische oder aktive Szenen sollten wahrscheinlich mehr Winkellinien verwenden, die ein Gefühl haben aktiver oder Emotion zu sein oder höhere Energie und niedrige und statische Szenen zu haben, wenig zu nichts ist Film wäre wie ein Baum oder Gebäude mehr Charakter, ruhig irgendwo sitzen. Und diese können positive oder negative Emotionen hervorrufen. Schaut, um eine zentrierte symmetrische Anordnung und oder Lot Ausrichtung auf den Rahmen zu verwenden. Darüber hinaus kann das Platzieren eines Charakters in der Mitte von helfen, Stabilität, Kontrolle und wichtig zu vermitteln . Ebenso hohe Energie oder aktive Samen. Winkel in Diagonalen haben mehr Energie als Pflaume, Vertikale und Horizontale, da sie das Gefühl von Ungleichgewicht oder Bewegung bekommen. Geschwungene Designs haben auch ein Gefühl von Leben und Bewegung Gebrauch. Das waren Szenen mit hoher körperlicher oder emotionaler Energie. Nun sind diese Art von Mustern diejenigen, die Sie in Ihren kompositorischen Thumbnails verwenden möchten . Dies wäre ein Zielmuster, das der Spirale sehr ähnlich ist, aber nicht ganz so energisch. Und alles ist immer noch segmentiert und nicht kontinuierlich. Pflaume, Vertikale und Horizontale sowie ein statisches Dreieck. Und wir denken, das ist ausgewogen, aber es verwendet Diagonalen. Wenn irgendetwas. Dieser Kerl könnte eigentlich irgendwo hier in der Mitte sitzen, ist eine Kombination der ausgewogenen Symmetrie der Niedrigenergie mit Diagonalen der höheren Energie. Eine Go-to-Option in aktiven energetischen Szenen ist das Ausstrahlen von Linien. Nun, das kann oft aus dem Thema ausstrahlen. Es kann der Kopf des Subjekts sein, oder vielleicht, wo sie stehen, oder? Und Sie möchten, dass alles darauf hinweist, wo sich dieser Hauptschwerpunkt befindet, ob Sie einen Gegenstand oder einen Ort zeichnen möchten. Weiter, Blick auf die Muster und Designs und niedrige Energie, inaktiv in statischen Mustern, gibt es vielleicht kein besseres rundum kompositorisches Muster für Illustratoren. Und dann das Dreieck. Es funktioniert für die meisten vertikalen Bilder und horizontal. Und die meiste Zeit können Sie einen Charakter arrangieren, um dieses Muster oder einige klassische Bilder zu verwenden, die dieses starke dreieckige oder Pyramidenmuster verwenden. Erstelle auch Charaktere. Und andere einfache Formen wie Zahlen und Buchstaben können große kompositorische Muster als auch machen. Zeichen, die gut mit Mustern oder AC, GH, JL, OK funktionieren können . Jahw's Fernsehen, XYZ 12, 69. Diese alle haben eine gute Balance und Symmetrie oder einen Winkel zu ihnen. Sie können als kompositorisches Muster arbeiten. Jetzt das Gedicht vertikalen und horizontalen des Grabes, kombiniert mit der Mitte und Positionierung gibt einen stetigen, ruhigen Eindruck. Auch hier ist alles sehr statisch. Es bewegt sich nicht, es ist nicht diagonal. Und die hochenergetischen Aktiv- oder Bewegungsszenen sehen mehr Diagonalen, strahlende und konvergierende Winkel, Spiralen und posierende Charaktere außerhalb des Gleichgewichts oder in einer Drehbewegung aus. 11. Die Komposition vereinfachen: Wenn Sie kein bestimmtes vordefiniertes Muster wie eine strahlende Linie oder eine Spirale verwenden. Wie sonst können Sie sich ihm nähern? Was Sie nicht brauchen, um eine vorgefertigte Anleitung zu verwenden. Aber egal mit welchem Design Sie auch tun, stellen Sie sicher, dass es einfach ist. Denken Sie daran, bei der Komposition kann nicht mit nur ein paar einfachen Formen und Linien angezeigt werden . Es ist wahrscheinlich zu kompliziert und es sollte sein. Es ist am besten, herauszufinden, was die grundlegenden kompositorischen Muster in den frühen Skizzen sind , um die Mühe von Mini zu retten, Änderungen später. Wenn Sie bereits aggressiv Bild, wo Sie in Details setzen, und Sie haben mehrere Lichtquellen und Schattierungen und Charakterausdrücke und all das. Der neue hepta store überarbeitet die Komposition. Das ist keine ideale Situation. Sie werden eine Menge Stunden verschwenden, um dieses Zeug früh zu arbeiten , so dass Sie keine Zeit verschwenden müssen, um zurück zu gehen und Dinge zu bearbeiten. Und diese beiden Illustrationen, die ich gemacht habe, benutzten nicht ein einziges grundsätzliches kompositorisches Muster , das vorgemacht wurde wie der Buchstabe G zum Beispiel. Also ging ich mit grundsätzlich Bestrahlungsmuster kombinierte es mit einem Oval. Und diese, sie sind gekrümmte Linien, die bis in die Mitte gehen. Wieder ist der Schwerpunkt das Gesicht des Charakters. Also alles Kurven, um Sie auf diese Stelle aufmerksam zu machen. Und das gleiche mit ihrem Schwestercharakter hier, dass die Flügel absichtlich einer ovalen Form folgen, wobei alle Gegenstände in einem vorhersehbaren Muster ausstrahlen. Jetzt bemerken Sie das wahrscheinlich nicht, wenn Sie sich das Bild selbst ansehen. Aber es wurde absichtlich so gestaltet , weil es etwas bekommt, das sehr chaotisch sein kann. Mit Flügeln und Armen und Beinen, in Schwert und Stoffen, in technischen Dingen und winkenden Fehlern, die alles verrückt werden. Aber ich richte sie so aus, dass die meisten der großen einem vorhersehbaren Winkel folgen. Wir müssen nicht nur ein kompositorisches Muster zu verwenden sind entworfen. In der Tat ist Kombination eine wirklich gute Idee. Schichten und Kombinieren von Mustern können den visuellen Schlag erhöhen, die Zusammensetzung stärken und dazu beitragen, das Auge in den Brennpunkt zu lenken. Also, wenn diese Abbildung hier sehen wir mehrere kompositorische Muster verwendet werden. Erstens sehen wir das Muster der strahlenden Linien alle aus dem Kopf kommen, und sie war die Göttin des Sonnenaufgangs. Was Sinn macht, dass es einen Lichtstrahl gab, der aus ihrer Umgebung kam. Wir haben auch den Hintergrund und die anderen Elemente zwei konzentrische Ringe und ein Zielmuster ausrichten. Beide ziehen zusammen eine Menge Aufmerksamkeit auf sich und sichern ihr Schicksal. Lassen Sie uns nun unsere Aufmerksamkeit auf diese beiden anderen Bilder richten. Jetzt haben sie keine Linien auf sie gesetzt, um die Komposition anzuzeigen. Also werden wir das tun. Wir werden sie untersuchen und uns ansehen, was in der Komposition vor sich geht , die sie zum Laufen bringt. Zuerst ist diese Illustration von j, die ich getan habe. Und wir haben bemerkt, dass er zentriert ist. Dies macht ihn sofort zum Mittelpunkt des Stückes und es macht ihn zuverlässiger und stabiler fühlen. Dies liegt daran, dass sein Unterkörper ein sehr starkes dreieckiges Muster erzeugt, das ihn wieder füllen lässt. Stabil. Die Füße sind breit gepflanzt und dieser Winkel zeigt bis zu seinem Gesicht. Etwas anderes, das mit seinem Gesicht los ist, ist, dass all diese blauen kleinen magischen Modi seinen Kopf kreisen. Dies nutzt die gleiche Art von Muster aus diesem anderen Bild, das ist die konzentrische REMS, die unsere visuelle Aufmerksamkeit auf sich ziehen. Also, das geht dort vor sich. Der Hintergrund hat auch ein paar Dinge, die damit los sind. Und es verwendet eine Art Fächerform oder könnte abstrahlende Linien in Betracht ziehen. Grundsätzlich kommt alles von einem Punkt genau hier her, wo wir diesen Winkel haben und diese Seite, die mit dem gleichen Winkel auf der anderen Seite ausgeglichen ist . Nun, Sie wollen die Dinge nicht perfekt halten. Zum Beispiel möchte ich keine gerade Linie dort, aber Sie möchten Dinge so arrangieren, dass im Grunde diesem Muster gefolgt ist. Und dann, wenn wir weiter oben gehen, diese Linien vom Baum weiter nach dem Winkel der Art des strahlenden Fächermusters des In-Home-Seins direkt in der Mitte bringt mehr Aufmerksamkeit. Dieser Charakter. Dies ist ein subtiles, aber starkes kompositorisches Muster, das in der Szene verwendet wird. Jetzt, da all diese Linien zu den Rändern ablaufen, wollen wir das i nicht außerhalb des Bildes laufen. Also haben wir etwas dorthin gebracht, um Szene zu blockieren. Hier haben wir Wasser, das auf dieser Seite herabkommt, was eine Art visuelle Barriere schafft, die Sie zurück in die Szene treibt. Und auf die gleiche Weise kommen wir herum und wir schlagen all diese hängenden Blumen und kleine Vegetation, die in den nächsten Wasserfall fließt, und es bringt Sie zurück auf den Sitz. Wenn Sie eine Menge Dinge haben, die aus der Szene zeigen, schauen Sie, um etwas dort in der Ecke zu arrangieren , die irgendwie das Auge blockieren oder das Auge wieder umdrehen wird. Jetzt auf dieser anderen Szene haben wir ein Trio von Charakteren und eine sehr Fantasien. Ein lustiges Bild hier. Wirklich genossen, diesen hier zu machen. Und dieses verwendet auch einige sehr einfache kompositorische Muster. Wieder, er zentrierte sich. Wir wollen, dass dies ein Gleichgewicht ist. Sehen Sie, das ist eine Art klassischer zentrierter Rahmen. Und natürlich der Mond. Der Mond ist ein sehr starkes visuelles Kompositionswerkzeug , das uns im Mittelpunkt der Aufmerksamkeit hält. Wert weise, das ist auch fantastisch, weil es uns einen hellen Hintergrund gibt, all die dunkleren Elemente und die Charaktere zu zeigen, gegen. Und der helle Keller trägt dazu bei, der Szene einen guten Pop zu verleihen. Aber was ist sonst noch los? Wieder? Dreieck kann mit dem Dreieck kaum schief gehen. Und wenn man es sich anschaut, kann man es wahrscheinlich auch sehen. Alle diese Jungs sind so angeordnet, dass sie in ein Dreieck passen. Missouri passiert Chance, dass sie so angeordnet sind? Überhaupt nicht. Sie wurden absichtlich so angelegt, weil ich wusste, dass das am besten funktionieren würde. Und deshalb gibt es hier auch keinen weiteren zufälligen Rock , der zu nichts passt, was keinen Sinn ergeben würde. Da ist also keins. Es ist auch, warum der andere Charakter ist nicht zu hören, stattdessen mit seinem Bogen aus diesem Weg, das würde keinen Sinn ergeben. Es würde nicht dem Muster folgen. Alles ist also auf eine Weise ausgerichtet, die Sinn macht und die Absicht zurückzieht. Auf die gleiche Weise hatten wir diese Art von strahlendem Pulver und von den Bäumen im Hintergrund, wir haben es auch aus den Wolken in dieser eine, wo wir all diese Kurven in dieser Szene halten , um unsere Aufmerksamkeit auf die Charaktere zurück zu bekommen. Das ist, worüber Sie in diesem Stadium nachdenken müssen. Und Sie wollen sie sehr locker, aber sehr absichtlich skizzieren, um herauszufinden, was Ihre Muster sind. 12. Zusätzliche kompositorische Tipps: Nun, schauen wir uns einige zusätzliche kompositorische Tipps die Sie sich beim Skizzieren erinnern können. Zunächst einmal, eine Sichtlinie, die Platzierung von Elementen in der Szene kann den Betrachter hineinziehen oder blockieren. Es sei denn, Sie haben einen bestimmten Grund, um zu vermeiden, alle Ihre Motive auf einem flachen Ende Ziel die Aussichtsebene scheint Abenteuer und Epiglottis brauchen die Welt expansiv zu fühlen und ein Vitis in auf dem Abenteuer. Und wir tun dies, indem wir eine durchgehende Sichtlinie in die Ferne lassen. Lassen Sie uns zu diesem Thema beginnen, indem wir uns diese beiden Beispiele ansehen. Das hier, ich will, dass die Szene die Ausgaben auffüllt. Ich möchte, dass du das Gefühl fühlst, das er hat, während er auf dem ersten Bild über diese Aussicht schaut. Deshalb geht es weniger um den spezifischen Charakter und mehr um die Beziehung dieses Charakters mit dem Hintergrund. Deshalb ist er zur Seite geschoben und nicht ganz zentriert. Ich wollte ihn etwas überlegen, damit wir sehen können, was er sieht. A, das ist eine durchgehende Sichtlinie. Das heißt, unsere Vision blickt in die Ferne und es gibt nichts, was uns davon abhält, diese weit entfernte Entfernung zu sehen. Es gab hier in der Mitte keinen Berg, um unsere Sicht zu blockieren. So hilft dies der Welt Fillmore expansiv und laden Sie uns ein. Aber hier unten haben wir die gleiche Art von Sache, aber anders verwendet. Die Welt existiert. Wir tun SeaWorld draußen in diesem Charakter, in, in, Richtung der Ferne. Aber wir verwenden dieses Muster, um unsere Aufmerksamkeit auf den Charakter zu lenken. All diese strahlenden Linien aus der Perspektive lenken unsere Aufmerksamkeit hier. Aber das konzentriert sich alles auf den Charakter. Es geht nicht um die Charaktere und die Beziehung zur Umwelt, und es geht sicherlich nicht um die Umwelt. Sobald Sie also einen Charakter oder ein anderes Objekt in die Mitte der Sichtlinie setzen, wird die Teilung gestoppt. Man muss sich wirklich Zeit nehmen und sich bemühen, in den Hintergrund zu schauen und herauszufinden, was da hinten vor sich geht und was der Rest der Welt ist. Denn das blockiert dich, wenn du deine Szene zusammenstellst. Du willst nicht alles in eine Zeile setzen. Nehmen wir an, Sie haben Ihre Kamera hier und Sie werden aus dieser Richtung schauen als in Ihrer Szene. Sagen Sie, dass Sie Ihr Sichtflugzeug hier haben. Und in deiner Betrachtungsebene sind die Charaktere wieder hier. Sie wollen hier keinen Charakter haben und hier einen Charakter, und einen Charakter, und dann einen Baum auf genau derselben Ebene. Dann wollen Sie dieses Haus im selben Flugzeug haben. Weil es keine Tiefe gibt. Stattdessen, was Sie tun wollen, ist Ihre Kamera mit ihrem Betrachtungswinkel und seinem Betrachtungsbereich. Und dann wollen Sie wie ein Charakter hier und ein Zeichen dort haben, und ein Zeichen hier. Und dann willst du den Baum wieder hier haben. Und dann willst du das Haus da hinten haben. Auf diese Weise. Es hat eine Tiefe zu ihm. Aber das ist nur, wenn Sie möchten, dass diese Figur die Hauptfigur ist. Ansonsten möchten Sie tatsächlich den Charakter der Seite verschieben, weil wir eine Durchgangslinie in den Hintergrund haben wollen , in diesem Fall möchten Sie alle um das herum platzieren. Durch Linie und nicht im Weg, weil wir Sie in die Ferne ziehen wollen. Nächster Schritt sehen wir Split. Vermeiden Sie das Aufteilen eines Bildes in der direkten Mitte, entweder horizontal oder vertikal. Sie die Teilung sogar 10% einstellen , kann jede Richtung einen großen Unterschied machen. So sehen wir, dass wir eine Szene haben, die wir auf die Seite eines Gebäudes schauen. Und wir haben das Gebäude hier. Wir hätten das Gebäude so, und dann haben wir die Fenster. Und es ist schön, weil Sie wissen, dass die Fenster in der Perspektive sind und es macht es sich so anfühlen, als wäre es realer. Aber wir legen einfach die Kante des Gebäudes direkt in die Mitte des Rahmens. Das ist nicht sehr gut, weil wir ein Ungleichgewicht wollen, sogar ein wenig. Und im Allgemeinen muss das Unausgeglichene den Brennpunkt und die große Hälfte haben. Also, wenn wir es so sagen, und das Gebäude ist hier und du hast alle Fenster auf dieser Seite. Dies wird nun ein wenig übertrieben. Wir würden natürlich erwarten, ob wir uns dessen bewusst sind oder nicht, dass der Mittelpunkt der Szene hier drüben sein wird weil diese Seite größer ist als diese Seite. Und so wollen wir nur bewusst sein, wenn Sie es teilen, teilen Sie es nicht und setzen Sie dann Ihren Fokus auf diese Seite. Es sei denn, du arrangierst Dinge auf eine bestimmte Weise. Ok. Es gab Zeiten, um das zu tun, aber das ist nur eine Faustregel. Das Gleiche in Anführungszeichen geht horizontal. Sagen Sie, wir haben eine Szene von einem Strand und Sie haben die Strandkruste hier. Und dann hast du den Ozean. Der Ort, an dem Sie die Meereslinie nicht setzen wollen, ist genau da in der Mitte der Szene, richtig? Wir wollen es entweder nach oben oder unten bringen. Und horizontale Szenen, die sich auf Augenhöhe befinden, auch vertikale Szenen. Aber wenn du II Level imitierst, willst du es in der Regel auf etwa ein Drittel genau dort setzen. Das ist eine Art Konsens darüber, was sich am korrektesten anfühlt, um die Höhe des menschlichen Auges anzupassen. Nun Orientierung, passen Sie die Chemikalienausrichtung an die Bewegungsrichtung in der Szene. Und welchen Aspekt des Bildes möchten Sie situieren? Wenn wir also ein Raketenschiff starten, wie ist die Bewegungsrichtung? Beide nach oben, so ein Raketenschiff. Also wollen wir wahrscheinlich eine vertikale Leinwand haben. Okay, wir wollen, dass das Raketenschiff hier hochfährt. Legen Sie kleine Spoiler da drauf. Dann. Also jetzt haben wir ein besseres Gefühl, dass andere Raketen abheben und nicht richtig füllen würden, um eine horizontale Szene mit dem Raketenschiff hier zu haben. Könnte das, das, das alles endet als toter Raum da draußen. Und das brauchen wir nicht. Ebenso, wenn es eine Szene von vielleicht einem Zug ist, dann wollen wir, dass er Seite an Seite geht, oder? Der Zug wird in diese Richtung gehen. Also wollen wir eine Szene haben, die der Bewegung des Zuges folgt. Oh, bedenken Sie das, wenn Sie versuchen, es herauszufinden. Und das hilft auch, was zu tun? Füllen Sie den Rahmen mit dem Motiv. Das ist das Problem mit dem hier. Es füllt den Rahmen nicht mit dem Motiv. Es verwendet den größten Teil der Leinwand oder etwas, das nicht das Thema ist. 13. Thumbnail zur Komposition: Wir kommen jetzt zur Thumbnail-Demo. Jetzt werden wir nicht die Pegasus-Illustrationsskizze machen. Wieder, das habe ich schon getan. Also schrieb ich hier einen neuen Umriss, ein Tyrann und seine beiden jungen Schleppfreunde gehen auf die Suche nach dem letzten auf den Älteren Drachen, der allein in der Lage sein könnte, den erwachten Gorgon zu stoppen. Wie ich schon sagte, ich habe das gerade erfunden. Ich wollte etwas finden, das ein ähnliches Buch Cover-Stil Geschichte Umriss sein würde. Das wäre wie die Pegasus-Illustration, aber offensichtlich nicht das Gleiche. Fangen Sie an. Eines der ersten Dinge, die ich tun möchte, ist zu überlegen, was sind die Art von Zutaten oder ein Puzzleteile, mit denen ich arbeiten muss? Dies sind die wichtigsten, die aufgenommen werden müssten. Der Rest von diesen sind eine Art von einem nehmen es oder lassen Sie es je nachdem, was die Idee ist. Wenn ich nur historische Zeichnungen hinsetzen würde, werde ich wahrscheinlich in einen kleinen mentalen Block geraten. Also werde ich mir einige sortierte Richtlinien oder Kriterien geben, um zu versuchen, zu erfüllen, um die Skizzen, die ich machen werde, zu maximieren. Das bedeutet, zu meinem nahtlosen gehen, ich möchte nur ein paar Ideen notieren, die eine Art von Szenen haben, verschiedene Arten von Layout, um mir zu helfen, ein paar bessere Bilder in Gang zu bringen und meine Kreativität zu steigern. Jetzt mache ich dies, indem ich zu Pinterest auf zusammen über ein paar Minuten, Ich Board von einigen verschiedenen Ideen von Illustrationen und Buchumschläge. Ich schaue mir nur die an. Wie haben sie den Sitz arrangiert oder ist er in der Nähe? War bei weitem war es grafisch war illustrativ, haben sie eine symmetrische war asymmetrisch, diese Art von Sache. Also habe ich hier ein paar Ideen auf einem Stück Papier neben mir notiert, und wir werden diese durchmachen und die skizzieren. Und der erste, den ich tun werde, ist ein Junge, der zentriert ist und die Drachen oder eng um ihn herum beschnitten. Ich bin nicht wirklich besorgt mit der Genauigkeit der Anatomie oder irgendwas von dem Zeug. Und dann will ich, dass die Drachen um ihn kreisen. Und sein Hals kreist dort um den Drachen herum. Der andere, glaube ich, könnte so unter ihm herumkreisen. Und vielleicht hat er sogar den Mund offen, weil das eine schöne Silhouette machen würde. Vielleicht arrangieren Sie einen Flügel oder etwas, um wieder da drin zu sein , nur damit wir keinen negativen Raum haben. Und ich denke, das könnte ein ziemlich cooles Bild sein. In diesem Fall wollen wir die Gezeiten hier unten hinzufügen. Und ich denke das als Buchumschlag, also wollte ich es so auslegen, dass ich einen Platz für einen Titel hätte. Sie könnten einige Variationen durchlaufen, um herauszufinden, wie das funktionieren würde. Aber insgesamt, diese Idee, ich denke, überprüft und das ist irgendwie cool. Next up Silhouette Junge mit einem Drachen in der Szene. Okay, bei diesem hier ist es definitiv grafischer. Wir machen den Titel hier unten wieder. Ich denke, wir haben die Silhouette des Jungen, der das meiste davon aufnimmt. Und dann hättest du die Szene der Drachen hier drin. Und wir würden sie wahrscheinlich in einer interessanteren Pose wollen. Als würden sie herumfliegen, nicht nur da stehen, wie er es ist. Und nicht jedes Projekt braucht wirklich einen grafischen Ansatz wie diesen, aber es macht Spaß und es lohnt sich wahrscheinlich die Zeit, nur um es zu fotografieren und zu sehen, wie es funktioniert. Das nächste Konzept wäre ein Junge, der mit den Drachenschatten über Kopf geht. Ja, das hier ist irgendwie cool und es bringt eine andere Idee auf , die man nicht immer direkt zeigen und illustrieren möchte. Das heißt, ich muss nicht alle diese realistisch in der Show darstellen, obwohl dies die Hauptthemen sind. Und in diesem Fall haben wir das hier mit dieser Silhouette, dass wir zeigen die Jungs nur durch die Silhouette seiner Form würde das Bild innerhalb dieser Form. Aber wir sagen direkt, dass der Drache ist, indem wir sie illustrieren. Okay, ich würde später an all dieser Pose arbeiten, aber das gibt mir nur die Idee, also vergesse ich nicht. Und dann hier will ich den Titel hier unten, weil er nach unten geht. Und das bedeutet, dass R i in die Richtung geleitet wird, in die er geht. Also wollen wir den Titel da unten. Und hier ist, wo wir die Schatten der Drachen haben. Und so hier sehen wir eine sehr klare Silhouette des Drachen auf diesem Flügel würde vielleicht sogar über einen Teil von ihm fallen. Dies deutet auf einen Kurs hin, alle drei Themen ohne notwendigerweise die beiden Drachen zu zeigen. Wenn Sie sagen, wer dieser Charakter ist, über den wir gesprochen haben, schlagen Sie den Charakter dem Betrachter vor, oder Sie blieben in der Karibik? Dies wäre die Angabe des Charakters, weil er uns voll sichtbar ist und auf uns zugeht. Das Gegenteil könnte jedoch auch dort zutreffen, wo wir auf den Hinterkopf des Charakters schauen und er geht weg. Und dann haben wir die Schatten dahin. Und dann haben wir den Titel hier oben gesetzt. Und in diesem Fall geben wir alle drei Hauptfiguren an, ohne wirklich eine von ihnen zu zeigen. Und der Kunde mag das mögen, kennt viele Buchumschläge. Sie wollen nur Dinge vorschlagen. Okay, und sicherlich Junge im Irrtum, im Wesentlichen steht er hier auf einer Art Vorsprung, Sockel, alten Baumzweig. Ich meine, es spielt keine Rolle. Und dann wird er von seinem Drachenfreund in den Irrtum eingeschlossen. Ich suche nach dieser Art von Muster. Er könnte vorbeigehen und sein Geflügelter könnte da sein. Und ich möchte Überlappungen verwenden, um ein Gefühl der Tiefe aufzubauen. Also überlappt er das, und er überlappt den Kerl. Wenn Sie gesehen haben, was eine statische Charakter, dann können Sie eine Menge Bewegung um ihn setzen waren die anderen Charaktere. Und obwohl das die Jungs sind, die in Bewegung sind, weil er zentriert ist, wird er sich eher wie das Hauptthema fühlen. Und der nächste ist ähnlich, aber ein bisschen anders und es gibt eine andere Stimmung. Und das wäre das, was der Junge auch ausstrahlt. Aber er fällt. Ich würde auf jeden Fall einige Referenzen überprüfen oder Leute fallen. Und dann denke ich an die Drachen oder um ihn herum zu tauchen. Und wir wollen dieses Gefühl von Freefall, aber auch von viel Sinn für Tiefe in dieser Szene bekommen. Wir suchen nach Orten, die sich überlappen können. Du verwendest überlappend, dass Drache hierher kommt und ihn überlappt. Aber das wäre die Grundidee und nichts, was ziemlich cool sein kann. Aber wir wollen es ausruhen. Also müsste das Ganze wahrscheinlich nach unten verschoben werden und den Titel dort oben hinzufügen. Und Sie könnten sogar einige Elemente betrachten, besonders irgendeine Art in dem Fehler. Also, wenn dies eher eine Dämmerung war, wie in den Himmel hier gesehen, wurde dunkler getroffen, als wir wie Arbeitgeber in den Fehler von einem Feuer haben könnten. Als nächstes haben wir den Film-Plakat-Stil. Nun, diese ist eine gute Option, wenn der Kunde nach Art von allem in der Küchenspüle fragt. Also, wenn sie die Jungs und zwei Drachen sehen wollen, und den älteren Drachen und die Gorgon-Monster und einige der wichtigsten Orte. Und du gehst einfach wieder, wie arrangiere ich eine Szene, die buchstäblich alles drin hat? Nun, eine der besten Möglichkeiten, das zu tun, ist, was sie mit Filmplakaten tun, das ist Ansatz es Collage Stil. Und das heißt, du hast keine wörtliche Szene. Sie haben eine Maische von Größen in Kulturen. Es gab viele Möglichkeiten, dies zu tun. Eine klassische Art, ein großes Gesicht im Hintergrund zu haben. Vielleicht schaust du auf das Gesicht des Jungen , damit wir diese menschliche Verbindung mit dem Kochen hier oben haben. Wir haben vielleicht den älteren Drachen, okay? Die beiden Hauptdrachen, wir wollen sie in Verflechtung Pose von irgendeiner Art oder X-Muster. Dann ist dies, wo wir zurück hier zwischen den beiden Ebenen, wie Silhouetten von einigen der Schurken oder anderen sekundären Charakteren haben können . Und wir könnten vielleicht hier zurück sein, wie der Berg oder das Schloss, aus dem sie kommen. So kann diese Art von Ansatz sehr lange dauern. Sie müssen viele Variationen durchlaufen , um herauszufinden, wessen Kopf Sie verwenden? Sie verwenden es auf der linken Seite oder der rechten Seite sind zentriert und all diese Art von Sache. Und ich schlage vor, sich eine Sammlung von Filmplakaten anzusehen und zu sehen, wie sie angelegt sind. Kanten, große Silhouette von anderen ziehen. Das hier ist cool, wenn du es schaffst, richtig. Und das ist, dass Sie die Form einer Sache verwenden, die positive Form einer Sache, um die negative Form von etwas anderem zu schaffen. Silhouette des älteren Drachen. Kann ich eine Art positives Element wie den Jungen oder die anderen Drachen verwenden, um all diesen Bereich auszufüllen und diesen Raum zu verlassen. Damit das wie die Silhouette von etwas anderem aussieht. Wie, wenn du das Jahr des Jungen hättest, genau wie die Seite seines Gesichts und dann sein Mantel ausgebläht. Sie könnten sie bauen, war wie der Balg des Tuches, um die Form unter dem Drachen Kiefer und entlang seines Halses zu machen. Dann haben Sie vielleicht noch eine der Dragons Linie, der untere Teil des anderen Drachenlebens bildet diese Form. Diese sind irgendwie knifflig zu tun, aber sie können wirklich cool sein, wenn er sie abziehen kann. Nun, das sind all die Ideen, die ich gesehen hatte. Warum skizziert, um eines davon auszuprobieren, denke ich, hat genug Verdienst, um persönlich zu versuchen, wenn ich nur mit diesem weitermachen würde, welches denke ich, würde am meisten Spaß machen? Welcher könnte meiner Meinung nach am besten funktionieren? Ich gehe irgendwie für diesen, den ich mag, dass du eine wirklich enge Ernte von all dem bekommst. Ich bin kein großer Fan der Silhouette mit der Szene drinnen. Ich würde es unbedingt tun, wenn der Klient darum bittet, aber das wäre nicht mein erster Gedanke. Hoffentlich haben Sie diese Demo nützlich gefunden und geben Ihnen vielleicht einige Ideen, wie Sie den Prozess selbst angehen können. Aber wir müssen es dort einpacken und die Skizzen verfeinern. 14. Verfeinern der Skizze: Mit einem groben Skizzen gezeichnet wird, und es ist Zeit, diese Skizzen in klare Zeichnungen zu verfeinern. Das bedeutet, dass einfache Schattierung dann dem Client präsentiert wird. Jetzt ist Klarheit an dieser Stelle der Schlüssel. Wenn der Klient nicht versteht, was er sieht, ist es nicht gut. bedeutet nicht, dass es detailliert sein muss und keine Unschärfe, Filtereffekte oder mehrdeutige Formen bedeutet . Ziel dieser Phase ist es, unsere groben Konzepte in einigermaßen genaue Bildrichtungen zu verwandeln . Und wir wollen unsere Zeit in diesem Stadium gut verwalten, lockern. Dies ist ein Ort, an dem viele Leute viel Zeit verlieren. Es ist einfach, Stunden zu verlieren jagen die perfekte unsere Referenz und akribisch Rendering fremde Details war einfach über Rendering für diese bestimmte Phase wird auf einige häufige Fehler in einem Moment aussehen. Schauen wir uns zunächst ein Beispiel an, wie ich das angewendet habe und diesen Prozess mit Konzept eins durchgehe. Ich mochte das, dass es ein Verdienst für diese Komposition gab. Also musste ich dies in etwas verwandeln, das genauer, realistischer war , aber es auch so zeiteffektiv wie möglich machen. Nummer eins, die Skizze dient jetzt als Richtung, eine Annäherung an die Platzierung und Posen. Ich beginne damit, eine Liste der Referenzen zu erstellen, die ich brauche. Und R2 finde ich Platzhalterreferenzen, die schnell zu finden sind und gut genug oder vernünftige Genauigkeit sind. Jetzt sind die Bilder aufgrund des Urheberrechts unscharf. Aber das sind Bilder, die ich gerade von einer Bildsuche online hochgezogen habe. Und ich suchte nach etwas, das Mäntel war, mir genug Informationen gab, dass ich das in Kombination mit meinem Verständnis der Themen nutzen und etwas bekommen konnte , das zu meiner groben Skizze passt. Ich wollte nicht so viel Zeit mit der Referenz des Staates Wi verbringen weil ich nicht weiß, dass das gewählt wird und ich diese Stunden nicht verschwenden will. Nummer drei, ich kombiniere die relevanten Informationen aus den Fotos. Das heißt, ich habe sie nicht wortwörtlich kopiert. Ich habe das, was für meine Skizze relevant war, verwendet, um die Bildrichtung anzupassen und die Zeichnung zu verfeinern. Die Schattierung wird später eine Zahl für die verfeinerten Linien oder das Konzept sein, oder jetzt fertig. Ich kann die anfängliche Skizze lösen, um sicherzustellen, dass sich die Bildrichtung während des Renderings nicht verändert hat. Zu diesem Zweck ist es nicht perfekt. Es ist nicht einmal sehr detailliert. Ich habe nicht alle Bäume ausgearbeitet. Ich habe nicht herausgefunden, wo alle Federn sind, und das ganze Tuch und das Zeug ist. Ok. Es ist nicht perfekt, um öffentliche Überarbeitung es. Aber das ist in Ordnung. Es ist klar genug, dass der Kunde alles verstehen würde, was er ansieht. Vor allem, wenn wir eine kleine Schattierung da drauf haben. Und wir werden einfach durch diese anderen zwei durch vier Konzepte blättern. Und wissen, dass es viele Möglichkeiten gibt, um über die Zerstörung Bühne zu gehen, wie ich bereits sagte. So werden einige Künstler nur anfangen, mit voller Farbe zu malen und verfeinert, wie sie gehen. Aber das machen wir nicht. Wir gehen über lebensfähigen Weg für Nicht-Prosa, was bedeutet, die Zeichnung und die Schattierung und die Farbschritte voneinander zu trennen. Jonglieren und denken Sie daran, denken Sie daran, dass nicht alle Projekte mehrere Bilder benötigen eingereicht ich für, für diese. Das ist nicht immer der Fall. Oft ist nur ein Konzept erforderlich. So geklärt, dass die Erwartung mit einem Kunden, bevor Sie beginnen, Ihre Konzepte zu verfeinern. Und dieser Fall, auf den wir uns einig waren, würde ihnen eine Reihe von Konzepten schicken , die sich deutlich voneinander unterscheiden würden. Also mit Konzept zu, ich benutzte die Silhouette des Bildes in einem Bildansatz, aber das war einfach keine sehr gute Silhouette. Und so endete zu ändern, dass mit einer besseren Seitenansicht des Pegasus und setzen Sie das Bild in das statt. Konzept drei, wieder, Webcam Foto von mir selbst als sie. Ja, die Anatomie ist nicht perfekt. Die Kleidung ist nicht perfekt, aber es reicht für mich, sie in diesem Stadium sehr schnell einzusetzen. Und die letzte, die gleiche Art von Sache, einfach ein paar schnelle, um Fotos zu finden und die Informationen dort drin zu bekommen. 15. Häufige Fehler Teil 1: Was kommen die Leute normalerweise in dieser Konzeptphase aus wenn sie das skizzieren und verfeinern, werde ich nur einen Blick werfen. Nummer eins verweist auf die Novizen. Hey, ich habe ein Video über Anatomie gesehen. Ich bin gut ohne Bezug auf diesen Prozess. Ich unterrichtete ein Video über Anatomie und ich verwies immer noch auf Bürokratie. Einer der entscheidenden Unterschiede und der Malprozess zwischen Anfänger und Profis ist die Verwendung von Referenzen. Wenn Sie das Thema nicht kennen und wenn Sie nicht buchstäblich ein Experte zu diesem Thema sind, dann finden Sie eine Referenz. Hör auf. Ratet mal. Gesehen. Die Implementierung der Referenznutzung ist wahrscheinlich der einfachste und effektivste Weg, um eine Nicht-Bros-Kunst zu verbessern. Wenn ich damit anfange, meine Kunststudenten müssen Bezug nehmen. Sie müssen eine gegensätzliche Referenz, eine Phasenreferenz, eine Beleuchtungsreferenz haben. Ratet mal was? Ihre Arbeit verbessert sich. - Warum? Weil sie an dieser Stelle nicht genug wissen, um zu versuchen, ohne zu gehen. Und ein Profi erkennt sogar oft, dass es sich nicht einmal lohnt, diese Ecke zu schneiden. Und es ist am besten, nur etwas zu sehen. Es muss nicht perfekt sein. Als ob wir uns das hier unten ansehen. Das war ein Foto von mir, dass ich einen Freund Aufnahme im rechten Winkel hatte und nein, ich trage kein J's Outfit und es ist nicht perfekt. Und ich sehe nicht genau aus wie Jake. Aber es gibt genug gute Informationen, dass es mich in den Prozess bringen kann. Dasselbe mit dem kleinen Mann und der Waffe hier unten. Die visuelle Welt ist also eine komplexe Sache, und niemand konnte sich daran erinnern, wie alles aussieht. Tu also, was die anderen nicht wollen. Referenz. Text und Grafiken. Müssen Sie Platz für Text und andere Grafiken lassen? Die meisten Illustrationen, die für Marketing wie Buchumschläge, Poster, Verpackungen, Kunst verwendet werden, haben alle Bereiche von Texten, die Sie berücksichtigen müssen. Diese Bereiche müssen immer noch gestrichen werden. Aber Sie können nichts Kritisches darin setzen, da es wahrscheinlich abgedeckt wird. Halten Sie also Richtlinien überschreiben, die diese sicheren Bereiche kennzeichnen , und kümmern Sie sich darum, all diese zentralen Informationen dort drin zu bekommen. Ich habe Ihnen das bisher nicht gezeigt, aber ja, ich hatte Richtlinien und Boxen so eingerichtet, dass ich mich erinnern würde, wo sich der Text befindet und zum Beispiel keine ihrer Gesichter in einen dieser Blöcke setzen würde. Eine MTG-Karte wie diese mit J's nur die Bereiche im Fenster oder vollständig sichtbar auf der Ebene Walker Karte. Die Komposition muss in Rahmen und Vollszene arbeiten. Also müssen wir alles sehen, was wir über J's brauchen, um zu verstehen, wer er ist, was mit ihm los ist und der Ort, an dem er gerade mit diesem Rahmen ist. Aber wenn Sie das Kunstwerk ohne den Rahmen sehen, muss es auch in voller Figur arbeiten. 16. Häufige Fehler Teil 2: Als nächstes, Framing häufige Fehler mit Framing, ist es wichtig, ihre Themen zu bringen, um die Bedürfnisse Ihres Bildes entsprechen. Weil jede Art von Schuss als Saiten und Schwächen. Zum Beispiel sollte der Charakter den größten Teil der visuellen Immobilien in der Charakterillustration einnehmen . Wenn es klein ist, ändert es den Kontext. Einige Beispiele oben, es sei denn, Sie haben einen guten Grund, sonst werden sie Live Frame mit dem Thema. Und das erleichtert auch das Lesen des Bildes in einem kleineren Format. Wenn wir also oben sehen, sehen wir eine Reihe von Framing wie nah die Kamera in das Motiv zugeschnitten ist. Und mit einem kleinen Charakter hier als Thema. Bei einer extremen Nahaufnahme dreht sich alles um die Charaktere. Emotion. Es hat keine Rücksicht auf den Hintergrund ist im Grunde nur auf die Augen zugeschnitten. Und die Nahaufnahme geht es um die Emotion oder um einen Gedanken an den Charakter. Kleiner Hintergrund ist sichtbar, in der Regel zugeschnitten auf das Gesicht. Das Medium beginnt sich zu ändern, dass wir jetzt viel mehr Hintergrund bekommen. Es geht immer noch um den Ausdruck, aber es gibt ein untergeordnetes Element des Hintergrunds. Wir sind uns sehr bewusst, wo sie sind. Prompt zu Kopf und Schultern. Und die Mitte Schuss, es geht um die Handlungen des Charakters. Was machen sie denn? Und es ist nicht ihre Emotion, und es sind nicht ihre Gedanken. Es ist, was ihr körperliches Handeln ist. Nehmen sie ein Buch auf, oder die Einstellung so etwas? Der Hintergrund hat viel vorherrschender und hat jetzt über diese Person, die an diesem Ort ist. Requisite von der Taille nach oben. Und der Wide Shot befindet sich in einem Einführungsschuss, der normalerweise verwendet wird, um den Ort festzulegen, an dem sich dieser Charakter befindet, dann würden Sie zu einem mittleren Schuss oder einem strafferen Schuss bewegen. Wenn dies im Kino war, ist dies zwischen Charakter und Hintergrund aufgeteilt. Wieder, ist die Gründung der WHO in der wo, nicht über den Hintergrund und nicht über den Charakter des Seins über die Beziehung der beiden von ihnen, die in der Regel Ernte zum vollen Körper ist. Sie sind sehr breit Schuss ist umgebungszentriert. Wir haben uns von dem Charakter entfernt, der das Subjekt ist. Jetzt ist die Figur das Hauptthema hier. Und teilen im Grunde zwischen dem Charakter in der Umgebung, die Sie auf den weiten Schuss bekommen. Aber sobald Sie zu den sehr weiten Schuss bekommen, ist es mehr über die Umgebung ist der Charakter. Und dann ein extremer Wide-Shot, die Umgebung bleibt ein Thema und der Charakter wurde im Grunde ein kleiner Pero herabgestuft. Wir wollen die Einrahmung und das Zuschneiden verwenden. Das ist richtig. Bo Störungsszene, die Sie erstellen. Geht es um den Charakter? Okay, dass wir keinen wirklich großen Schuss verwenden wollen. Geht es um die Umwelt, wir wollen keine mittlere Nahaufnahme verwenden. Also, was auch immer die Szene ist, erstelle einen Rahmen mit diesem Thema. Erste, dritte Person. Ein weiterer Frame, den Sie in den Fall fallen, ist die Platzierung der Kamera außerhalb der Aktion in der Szene. Normalerweise ist es am besten, in der Aktion zu sein. Der Vater der Kamera ist von den Ereignissen. Je abstrakter sie werden. Sagen wir, eine breitere Ansicht gibt einen größeren Kontext für das, was in der Szene vor sich geht. Aber auf Kosten der Entfernung persönlicher Verbindung und Dynamik, indem wir die Kamera auf der Ebene der Charaktere platzieren, werden wir zu einem unsichtbaren Teilnehmer. Bedenken Sie dies für Kampfszenen, in denen Third-Person-Ansicht eine Advent-Ansicht geben, aber eine First-Person, die Sie machen es besser sichtbar. Also haben wir dieses vielleicht hitzige Gespräch zwischen diesen beiden Charakteren. Aber in der dritten Person sehen wir oben sind die Charaktere wurden eine Menge von der Umgebung gesehen. Wir sind nicht wirklich in das investiert, was vor sich geht, ist mehr nur eine Art von wo sie sind und was auf eine allgemeine Weise vor sich geht. Aber hier unten auf der First-Person-Ansicht geht es mehr um den emotionalen Austausch und die Dynamik dessen, was zwischen diesen beiden Charakteren vor sich geht. Oft wollen Sie dies, wenn Sie mehr Energie in Ihrer Szene wollen. Manchmal wollen Sie dies, wenn Sie nur einen Standort präsentieren. Aber wenn es um die Charaktere geht, setzen Sie die Kamera mit den Charakteren auf die niedrige Augenhöhe der Zeichen oder irgendwo in der Nähe. 17. Häufige Fehler Teil 3: Orthogonale Pose, orthogonale Mittel von oder mit rechtwinkligen Winkeln. Wenn die Charaktere orthogonal zum Betrachtungswinkel gestellt haben und einige Phil flach oder Gedichte machen. Sie sehen, dass, wenn entgegensetzen ist völlig flach, um Sie, der Arm ist völlig gerade in das Gesicht ist völlig direkt zu Ihnen. Betrachtet ein wenig Neigung und wenden Sie sich an den Körper und die Gliedmaßen, um ein größeres Gefühl der Tiefe hinzuzufügen und die Pose natürlicher zu füllen. Und das Beispiel hier haben wir eine orthogonale Pose kann für Charakterdesign bestraft werden, weil es die Aufgabe vereinfacht. Aber auch in der letzten Pose ist gerade auf ein wenig Neigung und drehen Sie sich an den Körper. Foto-Film mehr 3D Also, indem du den Oberkörper so etwas verdrehst. Indem man den Kopf ein wenig nach unten kippt. Er macht den Körper gefüllter natürlicher und es hat ein wenig besseres Gefühl für Volumen. Nun, wahrscheinlich sogar noch weiter als das gehen wollen. Aber auch das ist eine große Verbesserung. Seien Sie also wachsam, um zu vermeiden, dass Sie die Pose vollständig Gesicht auf oder Seitenansicht einrasten. Unsere Gehirne wollen natürlich alle Gliedmaßen schnappen, die fast orthogonal bis orthogonal sind. Dies ist oft der Fall und setzen Beine aus irgendeinem Grund, Beine sind besonders anfällig für perfekt seitlich gestellt , wenn eine ansonsten Dreiviertel-Pose. Jetzt ist auch der orthogonale Standpunkt ein Thema. Das ist, wo Sie Dinge arrangieren und orthogonal und 90 Grad flach zur Kamera. Denken Sie daran, dass die Szene die Bühne ist, und Sie sind der Regisseur. Sie können die Kamera überall hin bewegen, wo Sie sie haben wollen. Es liegt an Ihnen zu bestimmen, wo die Kameras sein sollen. Um am effektivsten zu sein. Gerade Augenhöhe und flache Seitenansichten sind möglicherweise die beste Option, wenn die Lesbarkeit der Szene von größter Bedeutung ist. Nun kann dies Szenen enthalten, die wirklich komplex sind und eine Menge beschäftigter Themen. Viele Dinge in Bewegung oder Aktion oder die Bilder werden in einer sehr kleinen Größe zu sehen sein. Wenn einer dieser Punkte jedoch nicht zutrifft, sollten Sie einen dynamischeren Kamerawinkel verwenden. Testen Sie nun die Kamera an verschiedenen Positionen in Ihren Skizzen oder in der Szene. Könnte hoch werden. Legen Sie es niedrig, bis die Kamera ein wenig näher an das Motiv, Kugel weiter weg vom Motiv. Sie müssen darüber nachdenken, denn dies ist etwas, das vom Neuling selten berücksichtigt wird. Und Neuling wählt nur die geradlinigste erste Gedankenplatzierung für die Kamera, und dann betrachten sie es nie wieder. Und Sie möchten es in Betracht ziehen, denn nur das Bewegen der Kamera kann einen großen Unterschied in der Szene ausmachen. Oft ist es nicht das Charakterdesign, das sich ändern muss. Es ist nicht einmal die Farben sind die Werte. Die Kamera war nicht in der optimalen Position auf Ihrer kleinen Bühne. Jetzt denke ich oft darüber nach. Ich denke an diese Szene, die ich als kleines Diorama illustriere oder als wäre es nur ein Theaterstück, das auf einer Bühne stattfindet. Und dass ich erkannt habe, dass alles, was da draußen ist, nur eine kleine Requisite ist. Und ich denke nur, okay, ich bin der Regisseur. Ich kann meine Kamera bewegen, wo immer ich will. Vielleicht sollte ich hier unten sein, um diesen Charakter zu suchen. Oder vielleicht sollte ich hier drüben sein und es von der Seite betrachten. Also mache ich ein paar Skizzen, um herauszufinden, wo die Kamera über einen Zug prahlen sollte. Also sind wir eine gute Idee. Klar, wir müssen trainieren und verständlich. Und wenn du jemanden bittest, Zug zu ziehen, könnte er sich dem so nähern. Und die meisten Leute würden es verstehen. Aber ist es wirklich der optimale Ort, um die Kamera für diese Szene zu setzen? Ich meine, könnten wir es nicht besser machen? Und was, wenn wir es verlegen? Was ist, wenn wir stattdessen versuchen, es ein wenig interessanter zu machen? Kleines Zimmer da. Was ist, wenn die Augenhöhe etwa gleich geblieben ist? Stattdessen schlaufte der Zug in Richtung Kamera. Jetzt scheint das interessanter zu sein, oder? Oder Sie könnten es sogar in Vertikal ändern, wenn wir den Kamerawinkel senken. Du hast diese Art von Fisch, von dem ich denke, dass ich damit weitermache. Nun, da dies auch mehr interessiert ist, aber all das ist interessanter als nur eine flache Seitenansicht. Das heißt, das ist in Ordnung. Wenn Sie nur etwas herausfinden, was in der Szene sein muss, dann finden Sie das Zeug einfach heraus. Aber es ist wirklich, wirklich langweilig. Suchen Sie nach anderen Möglichkeiten, die Sie die Kamera näher platzieren können, sind höher oder niedriger, um die ganze Szene zu lesen hat ein bisschen interessanter und ansprechender. 18. Häufige Fehler Teil: Positionieren Sie Ihre Untertanen nicht. Also hat das einen visuellen Puffer zwischen ihnen und es flacht das Bild ab und macht es stattdessen unnatürlich füllen, verwenden Sie Überlappungen, um Tiefe hinzuzufügen und die Objekte in die Umgebung passen zu lassen. Wird hier eine kleine Skizze machen, aber lassen Sie mich den Rest lesen. Und in den meisten Fällen möchten Sie einen Vordergrund, einen mittleren Boden und Hintergrund erstellen , als Elemente aus jeder Ebene mit der dahinter liegenden Ebene überlappen. Wenn Sie alle Motive auf derselben Ebene stapeln, füllt sich die Szene flach, ähnlich wie die Objekte orthogonal zum Betrachtungswinkel. Also nehmen Sie Takeaways oder verwenden Sie Überlappungen, um ein besseres Gefühl von Tiefe zu schaffen und einen Vordergrund, Mittelgrund und Hintergrund zu erstellen. Okay, sagen wir, wir haben nur eine kleine Szene. Hier sind ein paar einfache Themen. Spannung, um dort eine Horizontlinie zu haben. Wir haben unseren Charakter hier in der Mitte, weil sie im Hauptsub o und dann haben wir einen Baum. Und der Baum ist hier drüben. Und dann kommt Baum in ihren Zweigen hierher, kommt so und da oben ist wie Laub und Zeug. Ich werde sagen, dass es ein Haus im Hintergrund gibt. Und Häuser hier drüben kommen so hoch. Dann sitzt dort ein Stuhl neben ihnen und sie haben nur Setup, der alle Themen darin hat. Aber das ist es, wovon ich rede, Pufferung. Es gibt einen Pufferbereich, keiner überlappt sich. Sonst noch etwas? Jedes Ding hat Platz daneben, also gibt es keine Überlappungen, flacht diese Szene aus. Auch wenn Sie diese völlig langweilige Szene eines Charakters in einem Baum haben, in einem Stuhl und nur überlappt einige davon. Es wäre ein bisschen besser. Und jetzt fühlt es sich an, als ob sie im selben Universum existieren. Jetzt hier haben wir eine Menge Überlappungen vor sich. Wo Sie das Vordergrundelement haben, das ist dieses Schaltflächengebäude. Und sie, das mittlere Bodenelement, das im Grunde diese Reihe von Gebäuden und diesen Gebäuden ist. Und dann stürmt der weit hintere Boden. Und jeder von ihnen darf sich überlappen. Der andere, Prinz, ich will nicht, dass dieses Gebäude hier gleich zwei hoch geht und aufhört. Nein, ich wollte hinter ihr weitermachen. Auch die Verwendung von Dingen wie Wolken, um zu helfen, wirkt in der Mitte der Tauben. Um dies zu tun, versuchen Sie, einen Vordergrund, Mittelgrund und Hintergrund zu erstellen . Stellen Sie die Dinge in einem leichten Winkel. Diese Gebäude sind absichtlich abgewinkelt, was Sie in die Szene zu ziehen. Sie sind nicht ganz flach zum Kamerawinkel gezeichnet. Und das Letzte, was wir uns ansehen werden, ist über das Rendern. Vermeiden Sie also, zu viel Detail in die Konzept-Titch zu setzen , die nicht für die Fertigstellung genehmigt wurde. Die Szene ist nicht gewählt, Sie verlieren wertvolle Stunden Arbeitszeit. Elemente wie Fertigkeiten, Kettenglieder und Tattoos sind also sekundäre Teile, die in einer Skizze mit sehr wenig Zeit impliziert werden können. Aber das bedeutet nicht unbedingt schlampig sein müssen. Wie Sie oben sehen können, ist das Bild klar, die Proportionen sind gut und alle Elemente werden dafür berücksichtigt, es ist einfach nicht wirklich detailliert. Alles ist da, wo es sein sollte. Alles folgt der richtigen Perspektive. Alles hat die richtige Größe. Ich habe einfach nicht alle perspektivischen Linien für alles durchlaufen. Ich habe nicht all die kleinen Ausrüstungsstücke und die Nuancen reingesteckt. Also habe ich das dem Kunden gegeben und gesagt, hey, hat das das richtige GIS, ist dieses Gefühl richtig für Sie? Und sie sagten, ja, wir würden das mögen, gehen Sie weiter und gehen Sie mit. Und erst nachdem das genehmigt wurde, ging ich über und verbrachte die Zeit, um es auf die endgültige Zeichnung zu verfeinern. Also wickeln wir es auf die üblichen Fehler ein und gehen zu Wertestudien. 19. Value: Wenn wir in die nächste Stufe gehen, werden wir etwas Schattierung einhängen. Und denken Sie daran, dass die Zeichnung das Thema festlegt, die Beleuchtung bestimmt die Stimmung. Und wir wollen die Beleuchtung verwenden, ist eine gewisse Stimmung eingestellt, sondern auch nur aus Gründen der Klarheit willen. Bei diesem Projekt werden Schattierungspässe gebündelt, die Konzepte werden dem Art Director vorgelegt. Was Sie hier sehen, sind das Finale, das ich sündigen will, aber was Sie nicht sehen, sind die Variationen von jedem, mit denen experimentiert, bevor Sie zu diesen kommen. Leider habe ich diese Variationen gelöscht da ich nicht wusste, dass ich sie für dieses Video benötigen würde, aber wir werden einen Blick auf die Demo des Prozesses etwas später werfen. Das Ziel dieser Phase ist es, ein Beleuchtungsschema zu etablieren, das die reflektiert, den Wunsch und die Stimmung und hält das Bild verständlich. Wenn Sie kein gutes Verständnis von Werten haben. Schauen Sie sich meine Kunst-Grundlagen, Werte Folge auf youtube.com Schrägfelder. Jetzt kann der Kunde mehr Variationen der bestimmten gewählten Konstante sehen wollen, aber für jetzt ist eine von jedem ausreichend Wert Studien. Der Neuling könnte denken, ich fange normalerweise einfach an zu schattieren und zu sehen, wie es geht. Ich bin ein modischer, sagt, dass ich Wert-Studien zu erarbeiten, um das Wert-Schema. Also weiß ich, wohin es gehen wird. Tun Sie, was mindestens drei Wertstudien jedes Konzepts. Jede Studie sollte einen anderen Wert und Beleuchtungsanordnung verwenden, nicht nur kleine Variationen desselben. Es gibt zwei Faktoren, mit denen man experimentieren kann. Gute Abwechslung. A ist die Lichtquellen-Position und sein das helle und dunkle Muster mit einer hellen Position. Versuchen Sie, die Lichtquelle in der Szene zu bewegen. Vorne, linke Seite, rechte Seite, oben unten. Und kombiniert mit hoch oder niedrig zu sein. Ideen, die die Kamera durch die Szene bewegen. Um eine dynamischere Szene zu erhalten, möchten wir erwägen, die Lichtquelle zu bewegen, damit sie die richtige Stimmung für das Bild hat und ein dynamisches Licht- und Dunkelmuster erzeugt. Für helle und dunkle Muster, konzentrieren Sie sich auf die Platzierung von hellen Dingen gegen die Dunkelheit und umgekehrt. Ich denke in Bezug auf große Einheiten oder Bereiche wie ein ganzer Charakter oder Obamacare. Und machen Sie eine Einheit hervorzuheben, weil sie durchschnittlich heller oder dunkler ist als der Hintergrund. Treten Sie durch. Beginnen Sie mit der Erstellung von Karten der verschiedenen Hauptbereiche des Bildes. Dies ist in der Regel die Ebenen, aber vielleicht große Einheiten wie Charaktere. Es dauert einen Moment statt Masse. Aber wenn Sie mehrere Variationen machen, als es auf lange Sicht schneller ist. Und in diesem Fall ist es in Vordergrund, Mittelgrundzeichen und Hintergrund unterteilt . Je nach Szene können Sie einen der Bereiche, wie z. B. die Zeicheneinheit, in einzelne Karten unterteilen . Das ist so spezifisch, wie Sie es an dieser Stelle nehmen wollen. Unterteilen Sie sich nicht in Elemente von Kleidung und Haut und die verschiedenen Pflanzen im Hintergrund. Ich bin zur Kenntnis genommen, Werte Schemakonzepte sind mehr über das Ändern des Licht- und Schattenmusters in der Szene als das Ändern der Werte der Objekte in dieser Szene. Wir experimentieren nicht damit, dass die Pegasus einen helleren oder dunkleren Mantel haben. Aber ob wir den Pegasus in Licht oder Schatten stellen, das ist ein wichtiger Unterschied und einer, der Neulinge oft falsch machen. 20. Wertstudie: Wert Natrium nähert sich. Okay, also musst du ein paar Wertestudien machen. Aber wo lagern Sie es überhaupt? Wie kann man sich dem überhaupt nähern? Was, was ist der Leitfaden für eine anständige Wertestudie? Denn worum es geht, wollen wir einfache Wertschemata mit begrenzten Werten erstellen. Jetzt zwei Ansätze, um mit unseren drei Wertebenen und umgekehrten Verläufen zu beginnen. sind nur diejenigen, die ich für mich selbst genannt habe, die ich manchmal benutze, die ich denke, haben einige Verdienste so weit, dass sie sehr einfach von jemand anderem abholen können. Auf der linken Seite haben wir hier nur eine kleine Aufschlüsselung, dass es viele Möglichkeiten gibt, einfache Werttöne und Farbverläufe zu verwenden , um klare und ansprechende Wertschemata ohne Details zu erstellen . Alle diese haben ein anderes Beleuchtungsschema dort auf dem Zusammenbruch. Und jeder taucht gut auf. Aber sie zeigen aus verschiedenen Gründen. Ist es Licht gegen Medium, oder ist es Licht gegen Dunkel oder Medium gegen dunkler, dunkler gegen Medium? Ein Dunkel gegen Licht. Bleibt es konsistenter Ton? Geht es von dunkel zu hell, wie es geht nach oben oder unten nach oben oder Seite zu Seite. Diese Art von Variationen sind das, was wir im Staat suchen. Nun sind die drei Wertebenen sehr, sehr einfache Möglichkeit, die Wertestudien zu nähern. Aber lassen Sie uns darüber gehen, weil es hier das grundlegendste Konzept hat. Weisen Sie jede Ebene oder Boden, Mittelgrund und Hintergrund zu. Einer der drei Werte von Licht, Medium oder nicht. Wenn Sie nicht mit Wertschemata beginnen möchten, die Sie bewegen können. Einige werden in Ordnung von denen nicht aussehen. Und das ist gut. Dadurch erhalten Sie eine Richtung, in die Sie sich bewegen oder sich nicht bewegen können. Jetzt Beispiel hier drüben hat Verdienst mit einem dork zu Licht Schema, das zurückgeht. Dies ist sehr konsequent und sehr zugänglich als Zuschauer. Es hält auch die Hauptfiguren im mittleren Wertebereich, dem Sie die meisten Farbsättigung haben werden. Nummer drei ist gut mit einem Lichtstrahl auf dem Brennpunkt. Es ist also der hellste hier, dass der Hintergrund dunkel ist. Dieser schöne Kontrast zwischen hell und dunkel dort. Nummer zwei kann verworfen werden, weil mit den Charakteren und den dunklen Schatten nur den falschen Ton gesetzt und macht sie fast so, als gäbe es die Schurken der Geschichte und das ist nicht, wonach wir suchen. Nummer vier ist auf dem Vordergrund Felsen gesäumt, was nur ablenkt und macht es das Gefühl, dass die Charaktere lauern in den Schatten. So verwerfen wir auch eine von drei wäre die beste Vater Variation Zone versuchen. Und wie ich schon sagte, Iterationen. Aber die umgekehrten Verläufe, wir verwendeten das Verlaufswerkzeug, um die Werte und die Auskleidung zu blockieren. Und es heißt umgekehrte Farbverläufe, weil wir die Lichthälfte eines Gradienten gegen die dükere Hälfte des nächsten positionieren wollen . Dies stellt sicher, dass alle Motive sich voneinander abheben und die Paarungen von dunklem, dunklem oder hellem Licht vermeiden . Und das ist es, woran ich immer denke, wenn ich die auslege. Es ist die Paarung. Und es gibt nur vier mögliche Paarungen. Wenn du nur mit der Idee von Licht und Schatten arbeiten würdest. Und das ist Licht und Licht. Hell bei Dunkelheit, dunkel auf hell oder dunkel gegen Dunkelheit. Und wenn Sie Mitteltöne haben und dann wissen Sie, gibt es mehr Spiel. Aber das ist der einfachste Weg, darüber nachzudenken. Lassen Sie uns also Schritt durch, wie diese aussehen. Der gesamte Farbverlaufsbereich muss nicht verwendet werden. Beispiel Nummer eins. Nun, wenn man sich diese Vordergrundfäule anschaut, weil das ein Elementzeichen oder ein Elementhintergrund als Element war. So wird das hier unten nicht richtig hell. Es gibt nur das dunkle Ende des Farbverlaufs, aber nicht das Licht in, weil ich nicht wirklich Licht auf diesem Felsen brauche. Nummer zwei, verwenden Sie einen geraden Farbverlauf oder kreisförmigen Farbverlauf kann besser sein. Wechseln Sie zwischen diesen, basierend auf Ihrer Szene und Ihren Bedürfnissen. Und Dehnungsverlauf wird die Dinge einfach heller oder dunkler in einer geraden Linie über den kreisförmigen Farbverlauf machen. Sie können hier ein Beispiel von drei sehen, das ist der leichteste Teil, ist genau dort in der Mitte, und es strahlt in einem Kreismuster aus. Also, welcher hat Recht? Ich benutze wahrscheinlich einen Kreis mehr als ich gerade mache. Aber das eine ist nicht unbedingt immer besser als das andere. Experimentieren Sie mit Licht, das in verschiedene Richtungen kommt. Wie abgebildet, von oben nach unten, oben links, diagonal und zentriert. Dieser hat also das Licht, das auf diese Weise herabkommt. Dieser hat es gelassen, da kommen. Dieser hat sich zentriert, in alle Richtungen zu gehen. Wieder betrachten wir Vielfalt in diesem Stadium, die versucht, ein Spektrum von Optionen abzudecken , um zu sehen, was funktioniert und was nicht. Und es gibt ein Beispiel für umgekehrte Verläufe. Und wir können sehen, dass mit dem Licht in der Farbverlauf auf die Zeichen oben links platziert wird. Die Dunkelheit an seinem Platz unten rechts. Aber die Umkehrung ist mit dem Hintergrund gemacht. Also, wenn der Hintergrund, ist das Licht hier unten. So haben wir Kontrast von Dunkelheit gegen ein Licht. Und dann haben wir am anderen Ende die Dunkelheit gegen ein Licht hier oben. Dies ist die Macht des umgekehrten Gradientenansatzes. Nun ist dies ein Beispiel für eine schlecht getan, die eine dunkle verwendet, dunkel und hell, helle Eltern waren das Licht in der Gradienten wird auf der Oberseite dieser Zeichen mit einem Basismittel und Schatten verwendet. ist nichts falsch. Genau das Gleiche, wie wir hier drüben haben. Wir imitieren jedoch genau das Gleiche im Hintergrund. Mit dem Hintergrund ist auch hell bis dunkel mit der gleichen Richtung. Und das bedeutet, dass die Charaktere überhaupt nicht auffallen. Und das Ding, das eigentlich am meisten heraussticht, ist dieser Stein da im Vordergrund. 21. Reverse: Ich habe jede dieser Ebenen auf einer anderen Ebene innerhalb einer Clipping-Maske, wie wir es bereits vom Hintergrund gesehen haben. Ich werde hier rüber gehen. Ich werde das Farbverlaufswerkzeug hochziehen. Und dann werde ich mit dem Hintergrund beginnen. Und ich denke, lasst uns vielleicht mit etwas Anderem experimentieren. Lasst uns das Licht hochgehen. Auf diese Weise. Es ist irgendwie interessant. Dann auf den Mittelgrundfiguren, vielleicht kommt das Licht in die entgegengesetzte Richtung. Es kann so runterkommen. Setzt hier mehr Wert auf diese Kraft. Aber wir bekommen hier hervorragende Kanten und wir bekommen dort eine hervorragende Silhouette. Und dieser Fall möchte ich sicherstellen, dass dieses Pferdebein besser ist. Wir wollen das wahrscheinlich erhöhen, damit es als Silhouette ein wenig besser gesehen werden kann, da das nicht genug Licht hat. Jetzt auf den Felsen und sehen, was wollen wir da machen? Wir wollen Licht auf das oder nicht, muss es auf einen geraden Farbverlauf umschalten. Und wir könnten es so machen, sagen wir, okay, die Spitze des Felsens fängt einige. Aber ich brauche hier nicht wirklich Licht, das uns abzieht. Und auch wir verlieren es dort, was ein Licht gegen das Licht Peering ist. Vielleicht könnte es alles dunkel sein oder vielleicht unter beleuchtet sein, was irgendwie interessant ist, aber wir wollen nicht, dass es so hell ist wie der Rest. Also, das ist irgendwie cool. Insgesamt mag ich die Art und Weise, wie die Werte dort schlicht gegeneinander sind. Es wäre dann die Aufgabe des Künstlers, das zu verkaufen. Warum ist es so ist, dass hier etwas leuchtendes Substantiv ist. Könnte das Licht sein, das aus einem Pool reflektiert wird? Könnten Sie eine breite Palette von Effektmittelwert auf die Zeichen in diesem Zustand gegossen haben. Außerdem verlieren wir ein bisschen da auf dem Bein. Dies könnte also ein Fall sein, in dem Sie tatsächlich ein sekundäres Kantenlicht erstellen wollten , nur um einige davon auszublenden, oder wir könnten damit herumspielen. Lasst uns für einen Moment mit einigen anderen Optionen herumspielen. Was wäre, wenn zum Beispiel, dass die Charaktere unter beleuchtet waren? Auf diese Weise haben wir keine Variation. Also, wenn das so kam, irgendwie interessant, jetzt stehen sie immer noch ziemlich gut aus dem Hintergrund auf, nicht viel benötigte Veränderbarkeit. Ändern Sie es und sehen Sie, was wir bekommen. Okay, nun, das ist wirklich intensiv, aber ich mag es, wie es sie in so viel Schatten bringt , sind Gesichter jetzt einfach übermäßig bedrohlich. Und das ist irgendwie interessant. Das gefällt mir irgendwie. Damit dieser Typ ein helles Licht hereinkommt, das nur seine Ränder dort trifft. Und er wird im Grunde im Schatten sein, aber diese Jungs werden diesen Grund fangen, vielleicht sogar ein bisschen mehr hochziehen und mehr über Wein auspacken. Und dann müssen wir auf diesem Felsen etwas ändern, etwas Licht auf die Oberseite dieser Ernte bringen, weil es dort eine dunkle, dunkle Paarung vor dem Hintergrund haben wird . Also werden wir diesen Vordergrund bekommen. Und das wird diesen Werfen ein wenig Licht darauf bekommen. Nicht ganz so hell wie der Charakter, aber was wäre wie jemand, der Licht verschütten würde, wird auch reflektiertes Licht. Dies ist ein Ansatz, den ich immer verwende. Ich mache nicht immer einen bestimmten Ansatz, aber es ist eine, die ich definitiv verwende und es ist eine, die ich empfehle, weil Sie sehr schnell viele Informationen bekommen können. Und es baut sofort ein starkes Werteschema auf. Und wenn Sie es richtig machen, unterschätzen Sie auch das Publikum nicht. Viele Neulinge machen viele flache Töne, dass der Charakter gleichmäßig beleuchtet ist. Generell sind Steigungen interessanter. Sie bewegen sich von hell zu dunkel. Es gibt einen Übergang zu den Charakteren und den Untertanen. Und das ist eine bessere Option. 22. 3 Value: Die Studien sind sehr einfach, wie vor allem die drei Wertebenen. Und Sie müssen sie ein wenig aufgespritzt bekommen, bevor sie für die Einreichung an Ihren Kunden bereit sind, wird Variante 1 der drei Wert-Plain-Studien als unser Beispiel verwenden, obwohl der Prozess immer noch auf den umgekehrten Farbverläufen verwendet werden kann. Ich denke tatsächlich, dass die umgekehrten Gradientenversionen interessanter sind, aber ich wollte nicht zeigen, wie es auch auf die einfachste Version angewendet werden kann. Also habe ich das hier geschnappt. Das Ziel ist es, ein Licht- und Schattenmuster in unseren Werten zu etablieren. Dies ist wichtig, ohne das Werteschema zu beeinträchtigen. Hier machen die Leute den Fehler. Sie erstellen ein Werteschema. Dann fangen sie an, hineinzugehen und Licht im Schatten auf all die verschiedenen Themen hinzuzufügen. Und sie ignorieren das Werteschema völlig und untergräbt es. Das wollen wir nicht tun. Das bedeutet, dass wir nicht zu weit von den bereits festgelegten Basiswerten abweichen können. Der Linien-Layer befindet sich oben und ist so eingestellt, dass er multipliziert wird. Also werden wir immer dunkler sein als die Dinge darunter. Eine flache Töne oder unter den Linien zwischen ihnen wird ein neuer normaler Fehler gemacht, und es ist etwa 33% Deckkraft eingestellt. Das ist ein Drittel, das wichtig ist. Dies ist wichtig, denn wenn wir zulassen, dass es mehr als ein Drittel bewegt wird, dann erlauben wir dem Licht Übergänge zu den Medien und zu den Medien in die Dunkelheit. Und das würde das gesamte Wertesystem untergraben. Wir konnten den Unterschied hier sehen. Das ist unser Grundwert, das ist unser Licht, das ist unser Medium, und das ist unsere Dunkelheit. Und darin wollen wir in der Lage sein, ein Licht, Medium und Dunkel von jedem von ihnen zu haben . Aber Sie werden wissen, dass keiner von ihnen den vollen Wertebereich haben darf. Im Wesentlichen kommt das Dunkle nur zu diesem. Und das Dunkle davon kommt bis zum Ende dieses hier. Niemand hier kann dazu kommen, oder? Und das hält die Dinge kohärenter. Aber ich kann mit Schwarz und Weiß malen. Ich kann einfach den Buchstaben D auf meiner Tastatur für Standard drücken, die vorne schwarz ist, weiß und hinten, ich kann die X-Taste drücken, um diese zu tauschen. Sie tauschen immer Vorder- und Hintergründe aus. Wenn du das tust, werde ich mir hier nur einen runden, quadratischen Pinsel schnappen. Skalieren Sie das ein bisschen nach oben. Und ich kann in meinem Licht und Schatten bezahlen, ohne Sorgen zu machen, ob sie in den nächsten Wert übersteigen werden. Weil diese Schicht eingestellt ist, wie ich schon sagte, dreiunddreißig Prozent. Ich werde einen kleinen Ton in die Hintergrundbäume geben. Ich will nur, dass ein paar von denen Silhouetten sind. Wenn Sie sich eine Menge professioneller Arbeit ansehen, werden Sie sehen, dass dies ein wichtiges Merkmal ist, das sie in ihrer Arbeit verwenden, das ist der Grenzwert in Dingen auf einen bestimmten Wertebereich, vor allem für Dinge, die in die Ferne zurücktreten. Nun, wenn diese Jungs, sagen wir einfach, dass das Licht irgendwie reinkommt, um aus der Draufsicht zu sehen. Wir können dort einen kleinen Schatten bekommen, weil er unten ist und das wirklich krank ist. Das ist im Grunde ein ORM darunter. Und so lasse ich das etwas dunkler werden. Und dann wird das gut funktionieren, denn warum ich immer noch an helle, dunkle Muster denke, obwohl ich nicht den vollen Wertebereich erreichen kann, bedeutet das nicht, dass ich nicht an die hellen und dunklen Muster denke. Also will ich, dass das Licht sie dorthin bringt. Das Netz stellt es gegen den Schatten des hier gegossenen Flügels. Jetzt werde ich sagen, dass dieser andere Pegasus vielleicht außerhalb des Schattens dieses Flügels ist . Und so werde ich es leicht werden lassen. Ich möchte das Formular angeben. Das ist etwas, das Sie in diesem Stadium tun möchten, ist es, nur ein wenig Licht hinzuzufügen , um zu helfen, herauszubringen, was die Formen sind, die aussehen werden. Und da gehen wir, das wäre ein schneller Wert und Licht geht über diese. Irgendwie finde ich heraus, was die Dynamik ist. Und Sie könnten dies ausschalten und Sie könnten eine andere Variante machen , bei der Sie das Licht aus einer anderen Richtung setzen. Wenn ich hier runterkomme und das nach oben schiebe, dann ist das volle Deckkraft. Und das Werteschema ist gerade aus dem Fenster gegangen. Machen Sie diese Art von Fehler nicht. Er setzte stark, indem er tatsächlich ein wenig Kontrolle hatte. Nun, wenn Sie diese Gesamtszene gut wollen und eine Anpassung gegeben, absolut, können Sie das tun und kopieren und einfügen. Und dann kann ich einfach einen Wert machen. Sagen Sie, OK, ich werde die Gesamtwerte dort anpassen. Wenn Sie das Gefühl haben, dass es vielleicht zu hell oder zu dunkel wird, können Sie diese Änderung vornehmen. 23. Richtung & Diskussion: Nach der Zeit, um die Konzepte zu überprüfen und der Kunde setzt sich auf Konzept für eingereicht wurde. Jetzt ist dies ziemlich üblich für den Client, einen auszuwählen, aber auch wenn sich einige Änderungen gleichzeitig ändern. Und dieser Fall mochte sie diese Szene, aber sie wollen näher an den Charakteren mit der Kamera sein, wobei sie mehr vom Rahmen füllen. Es würde gerne sehen, dass hintere Schweine auf der linken und unterhalb der vorderen Pegasus platziert wird , um den Raum der neuen Komposition besser zu nutzen. Nun ist dies ein guter Anruf, wenn Sie wollen näher an den Charakter sein, ist diese Platzierung der Pegasus über auf der anderen Seite macht eine bessere Nutzung des gesamten Raumes. Nun wollen einige Buchumschläge vorschlagen dass die Hauptfigur sie mit ihrem Rücken kleiner hält oder sie im Schatten hält. Und so können sich die Vorstellungskraft des Lesers und der Charakter noch entwickeln, machen uns, dass sie nicht speziell in der Kunst dargestellt werden. Abwechselnd, einige Kleins gingen, um klar darzustellen welche Charaktere genau so einstellen, wie sie aussehen. Jetzt werden die Änderungen, die sie angefordert haben, das Konzept von dem vorgeschlagenen Ansatz auf den spezifischen Ansatz verlagern . Es ist eine sinnvolle Anfrage, die sofort umgesetzt wird. Wir werden auf die Charaktere fallen, den Pegasus überziehen. Und wenn die Änderungen beantragt oder aus irgendeinem Grund von Ihrem Art Director oder Ihrem Kunden, dann bittet es um Klärung. Fangen Sie nicht einfach gut an, raten Sie, was sie wollen und nehmen Sie alle Änderungen vor und sehen Sie dann, ob das richtig ist. Jetzt korrigieren Sie es zuerst mit ihnen. Dann gehen Sie, implementieren Sie die Änderungen. So eine schnelle Ernte und Neupositionierung später, wird die neue Zusammensetzung etabliert. Bevor Sie weiter fortfahren, wird dies an den Kunden gesendet, um zu bestätigen, dass dies die Ergebnisse sind, die sie wollten. Ok. Die sprechende Farbe und der mitgelieferte Umriss haben also keine bestimmte Tageszeit oder ein Farbschema festgelegt. Also jetzt müssen wir Farb- und Beleuchtungsvariationen machen. Und vielleicht, dass der Client und einmal eine Reihe von Optionen zur Auswahl, wie es in diesem Fall war. Aber selbst wenn sie keine Optionen benötigen, sollten Sie immer noch ein Minimum von drei Variationen tun , nur um sicherzustellen, dass Sie Ihre Basen abdecken. Iterationen, verbessern Sie das Bild, und sie wollen einige Optionen sehen. Ich sagte ihnen, wähle deine Lieblingsfigur aus den vier Stapel. Ich habe schon, ich werde ein paar Farbvariationen machen. schicke ich dir. Lassen Sie mich wissen, welche Ihnen am meisten gefällt. Und das ist es, woran ich jetzt arbeiten werde. Nun, nun, die Richtung des Werteschemas wurde festgelegt. Es gab noch viel Spielraum, wie Licht und Farben gehandhabt werden können. Im Wesentlichen muss ich diese Faktoren behalten , dass die Charaktere heller als der Hintergrund bleiben. Der Hintergrund ist hauptsächlich dunkel und direktes Licht trifft die Charaktere. Darin gibt es immer noch eine Menge Spiel, aus welcher Richtung das Licht kommt und welche Farben alles ist, denn es würde Studien entwerten. Es geht nicht darum, den Ton der einzelnen Elemente in der Szene zu ändern, sondern das Farbschema und die Farbpalette zu ändern. Also verstehst du das irgendwo anders. Und vor dem Studium, lasst uns über Farbe plaudern. Eine wichtige erniedrigende Stimmung im Bild ist die Begrenzung der Farbpalette. Jetzt hat der Neuling eine Tendenz zu denken, dass mehr Farben besser. Aber der Profi erkennt, dass, um gute Laune zu schaffen, oft das Gegenteil wahr ist. Die Begrenzung der Farbpalette macht die Dinge harmonischer, bindet die Dinge zusammen und schafft eine bestimmte kontrollierte Stimmung. Lernen Sie, erfolgreiche Farbschemata zu erkennen und zu einem späteren Zeitpunkt als Referenz zu speichern. Fühlen Sie sich jetzt nicht schuldig für die Verwendung eines Schemas, das anderen Bildern ähnlich ist. Weil alle Schemata bereits verwendet wurden. Jede Kombination von Farbe von hell und dunkel, jede Art von Farbpalette wurde schon irgendwann von jemandem benutzt. Und das ist in Ordnung. Offensichtlich wollen wir das Kunstwerk einer anderen Person nicht kopieren. Aber wenn Sie ein völlig anderes Thema in einem völlig anderen Genre haben, sogar und Sie die gleichen Farben verwenden möchten, dann tun Sie es. Es ist nicht so, als ob sie die erste Person waren, die dieses Farbschema benutzt hat. Wir arbeiten alle aus dem gleichen Farbpool. Niemand hat das Eigentum an irgendeinem von ihnen. Und auch wollen wir lernen, was funktioniert. wollen wir rausfinden. Farben selbst sind selten so wichtig wie die Beziehung der Farben. Sobald Sie die Beziehung der Farben aus Ihren Referenzen definiert haben, sie zu nutzbaren Informationen. Sie können die verwendeten Farben verschieben, aber solange Sie die gleiche relationale Entfernung und Lebendigkeit Variationen beibehalten, und dann sind Sie angepasst Farbschema funktioniert. Nun hat das damit zu tun, dass Farben subjektiv sind. Und solange Sie den gleichen Abstand zwischen Ihren wärmt und kühlt halten, können Sie verschieben eine wärmt und kühlt um über die Palette und dann bleiben die gleiche Entfernung und sie haben die gleiche Beziehung voneinander, wird mehr in das. Der Unterschied zwischen einem Farbschema und einer Farbpalette besteht darin, dass ein Schema auf die Anordnung in Bezug auf sich selbst auf dem Farbrad bezieht. Während Farbpalette ist ein bestimmter Satz von Farben auf dem Willen. Zum Beispiel ist ein analoges Farbschema eine beliebige Reihe von benachbarten Farben, sagen Sie genau diese hier, die von überall auf dem Willen sein könnten. Während ein warmes Farbschema ist auch analog, das ist eine ähnliche Familie, aber es ist speziell auf der warmen Seite des Farbrades. Das Farbschema hat also mit der Gruppe von Farben zu tun , die von überall auf dem Farbrad sitzen kann. Analog könnte analog im Grünton oder analog im Rotton sein. Und Farbpalette ist immer ein bestimmter Satz von Farben und man kann sie nicht bewegen, das ist Ihr Gaumen. Es ist, als würde ich sagen, ich habe umber und schwarz-weiß verbrannt. Das ist eine bestimmte Palette. Es ist kein Schema. 24. Farbschemata: Schauen wir uns nun einige Farbschemata an. Diese basieren alle auf der gleichen Farbe. Werden wir hier unten monochromatisch, das ist eine Farbe und unterschiedliche Grade von Licht und Dunkelheit und unterschiedliche Grade der Sättigung. Und Sie können ein ganzes Bild mit einem Ton wie diesem machen. Analoge Farbschemata sind alle wie Farben. Es kann etwa ein Drittel des Farbrades in Anspruch nehmen. Und Sie bemerken, dass das nicht ungefähr das gleiche wäre , wie wenn Sie über ein Drittel der Farbe hinausgehen, werden wir dann wirklich Dinge bekommen, die am Ende Gegensätze sind. Also, wenn wir das bis hierher erweitert haben, haben Sie jetzt tatsächlich ergänzende Farben innerhalb derselben Sache. Und das wird nicht funktionieren. Es ist nicht mehr analoge Ansichten haben Sie zwei Gegensätze. So müssen Sie es innerhalb von 30% der Farbe halten. Dies hat einen verwandten oder wie gesinnten Ton, und dies ist ein sehr zusammenhängendes Farbschema und es kann für positive scheint verwendet werden, kann es für negative Emotionen verwendet werden scheint. Aber es spielt sehr schön zusammen. Komplementäre Farbschemata erzeugen eine Menge Spannung oder Opposition oder tun gut, um diejenigen zu Beispiel, weil es auf entgegengesetzte Farben basiert. In diesem Fall hier oben ist es rot und grün. Als nächstes haben wir diese geteilten komplementären tragen. Dieser ist eigentlich einer meiner Favoriten, weil es Ihnen die Spannung gibt , im Grunde entgegengesetzte Töne zu haben. Aber es ist ein wenig mehr Balance. Du verwendest also nicht nur komplette Gegensätze. Sie bemerken hier, dass Sie auf dem geteilten Kompliment Mary nicht das direkte Gegenteil benutzen. Sie benutzen den Nachbarn zu beiden Seiten des direkten Gegenüberliegenden. Dies ist eigentlich das Farbschema, das hier unten auf diesem kleinen Yana Stück verwendet wird, so dass Sie den violetten Ton haben. Aber dann, anstatt das direkte ein Gelb als das Gegenteil zu haben, haben wir das gelbe Grün und das gelbe Orange. Und das funktioniert ganz gut zusammen. Nein, was haben wir eine sehr bunte Bilder gemacht. Und die Triadin ist ziemlich knifflig. Es ist sehr bunt, weil du ein Dreieck über die ganze Sache hast. Keiner von ihnen nutzt seine direkten Gegensätze. Aber im Wesentlichen alle Primärfarben verwenden, sind alle sekundären Farben. Und es ist ziemlich gut ausbalanciert. Aber man schafft nicht wirklich eine Menge Stimmung daraus, weil es nur den ganzen Willen abdeckt. Und das ist auch eine, die in Comicbüchern viel beliebter war , weil sie in den alten Tagen nur ein paar Farben hatten, mit denen sie zu arbeiten. Und deshalb haben Sie die Hauptfiguren in Comics mit hellen Rot-, Blau- und Gelbtönen, da viele der Hauptfarben die alten Schulfiguren waren. Umzug rüber. Wir haben die Quadratwurzel dieses ist sehr bunt, aber es ist schwierig zu verwenden, weil wieder, es sind zwei Sätze von Gegensätzen. Es sind zwei komplementäre Farbschemata, die zur gleichen Zeit verwendet werden. Und hier geht es mehr darum, nur Farbe zu haben. Sie werden nicht viel Stimmung sehr leicht schaffen. Das Schema. Wenn Sie mehr Stimmung schaffen wollen, wollen Sie mit einem dieser Jungs hier unten gehen weil Sie die Farben ein wenig besser kontrollieren können. Das Rechteck ist sehr ähnlich, wieder sehr bunt. Dies sind auch zwei Sätze von Komplementären, und es zu runden ist diskordant, was alles ist im Grunde innerhalb des Graubereichs oder ein sehr großer ähnlicher Kaldor. Und Sie haben eine Akzentfarbe, wie wir hier oben haben. Jetzt ist der Grauton eigentlich etwas bräunlich, aber dann ist es im Wesentlichen nur noch rot. Und das kann ein sehr starkes Bild sein. Es kann eine große Bedeutung für diesen einen bestimmten Farbton haben. Was bedeutet das für Sie? Was bedeutet das für mich? Es bedeutet, dass ich mir bewusst sein muss, dass jeder von ihnen in manchen Dingen besser ist und andere in anderen Dingen besser sind. Und ich möchte eine wählen, die der Art von Stimmung und Richtung folgt , die ich für mein Bild will. Also, wenn ich etwas will, das einfach wirklich bunt werde ich nicht analog wählen, weil analog mir nicht genug Farbpalette geben wird. Ich möchte wahrscheinlich einen von diesen drei auswählen. Was ist, wenn ich etwas will, das ein sehr friedliches Gefühl hat, sehr harmonisches Gefühl? Ich werde es nicht versuchen, Triadisch, weil das überall ist. Ich will einen von diesen Typen probieren. Und wenn ich etwas will, das eine dynamischere hat , als einen Konflikt zwischen zwei verschiedenen gegensätzlichen Seiten. Ich will das nicht, weil es nicht genug Farbkontrast in den Farben gibt. Stattdessen möchte ich etwas, das Kontrast der Farben der einen Seite gegen die andere Seite hat. Also bekommen wir diese Information über die Stimmung im Bild, und wir übersetzen das durch die Komposition, wie wir es früher getan haben. Und jetzt übersetzen wir das auch durch die Farbpalette. 25. 3 Paradigms: Alle diese Farbschemata, die wir gerade betrachtet haben, zielen darauf ab, eines von drei Zielen zu erreichen, entweder Harmonie, Kontrast oder Farbfülle. In der Harmonie. Es umfasst die achromatischen, monochromatischen und analogen Farbschemata. Und sie zielen darauf ab, visuelle Kraft durch Ähnlichkeit der Farbe zu erreichen. Dies kann harmonisch friedliche oder harmonisch erschreckende Szenen schaffen. Seine Macht kommt aus der Tatsache, dass alle Farben sehr ähnlich sind. Es zieht Dinge zusammen, und es hat eine bestimmte Sache, die es sagt, und es sagt es sehr deutlich. Harmonie der Farben ist, was viele klassische Gemälde verwendet wurden, um eine visuelle Wirkung zu erzeugen. So viele Ihrer klassischen Bilder und Ihre Meistergemälde, Jedoch verwenden Kontrastfarbschemata völlig unterschiedliche Dynamik. Jetzt würden diese Jungs kostenlos, geteilt, kostenlos, Rechteck und weggeworfen enthalten . Und sie wollen visuelle Wirkung durch einen Zusammenstoß von Farben erzeugen , die den emotionalen, psychischen oder physischen Konflikt in der Szene widerspiegeln . Wenn Sie also eine Szene haben, die sich mit einem dieser Themen befasst, und Sie wahrscheinlich eines dieser Farbschemas verwenden möchten. Dies ist vor allem, was Sie in Anzeigen sehen. Wenn sie versuchen, etwas zu verkaufen, wenn sie versuchen, ein Poster aufzustellen und Ihre Aufmerksamkeit zu erregen, werden sie dazu Kontrast verwenden. Helle gegensätzliche Farben, die sich voneinander abheben. Und das letzte ist bunt, das Triadische in quadratischen Farbschemata enthält, die am häufigsten bei Themen sind, die auf Kinder ausgerichtet sind. Kinder reagieren auf die meisten zweifarbig, anstatt Harmonie der Farbe oder ausgefallene Kontraste der Farbe. Sie reagieren nur auf Lebendigkeit. Seien Sie sich bewusst, dass je bunter Sie mit Ihrem Bild gehen werden. Das heißt, je breiter die Farbpalette ist, desto schwieriger kann es sein. Tolle, satte farbbasierte Emotion in der Szene. Oft, wenn ich Schmerzen für Studenten mache, eines der ersten Dinge, die ich tue, ist, dass ich die Farbpalette begrenzen , weil sie oft zu breit mit den Farben gehen. Sie haben volle Orangen für Gelbe, volle Grüns, Schüssel Blues, und hat einfach keine zusammenhängende Emotion, dann kann das wirklich einfach nicht funktionieren, weil nicht alle Farben unter allen Lichtern existieren. Indem wir es einschränken, haben wir oft ein besseres, professionelleres Image. Lassen Sie uns über Farbharmonie sprechen. Hier gibt es ein paar Möglichkeiten. Es ist wichtig zu erkennen, dass es mehrere Möglichkeiten gibt, Farben zu harmonisieren. Und Farbschemata tun dies, indem nur benachbarte Farben verwendet werden. Monochromatisches und analoges Beispiel, dass hier mit der Farbe es nur auf einen Abschnitt beschränkt, wie der analoge Bereich dort um das Gelb herum. Diese werden natürlich harmonisiert, weil sie benachbarte Farben sind. Eine andere Möglichkeit besteht darin, zu entsättigen. Kleinkinder Pellet alle harmonieren, wie sie entsättigt, gedämpfte Paletten tun dies in achromatischen Schemata, schwarz und weiß natürlich, alle Farben D sättigen bis grau in der Mitte. Das bedeutet, dass sie mich alle hier. Wenn also Dinge D sättigen, werden sie stärker ausgerichtet. So können wir tatsächlich Farben harmonisieren, indem wir num mehr entsättigt drücken. Wenn Sie eine Szene haben, die viele Farben haben muss, aber Sie wollen nicht über Bord gehen, damit es so bunt ist. Dies ist wahrscheinlich eine wirklich gute Wahl, um nur die Sättigung zu bringen, die Lebendigkeit der Farbe ist ein wenig nach unten, und ich werde sie zusammen spielen viel besser. Schließlich können Sie eine verbindende oder Schlüsselfarbe zu den anderen Farben verwenden. Orangen-Sonnenuntergang, tun Sie dies natürlich. Wie wir gesagt haben. Nicht alle Farben können in allen Situationen vorhanden sein, da die Farbe vom Licht abhängig ist. Und wenn das Licht stark gepflegt wird, wie es von einem Sonnenuntergang sein kann, dann wird das eine nur Zinn alles besuchen , was es trifft, und es lässt alle verschiedenen Farben zusammen spielen. Und was jetzt? Das sind eine Menge Informationen, die wir gerade durchgestürzt haben. Also lassen Sie es uns in einen Kontext stellen. Zuerst wollen wir die Bilder Stimmung definieren, bestimmen, ob diese Stimmung harmonischer, kontrastierender oder einfach nur auf Kinder ausgerichtet ist , was wir nehmen würden, dass wir mehr bunt. Suchen Sie dann nach Farbschemata, die zu der ausgewählten Kategorie passen, und experimentieren Sie mit diesen. Und es ist kein perfektes System, aber es ist ein solider Weg, um in eine Richtung zu beginnen. Lassen Sie uns jetzt zu Farbstudien übergehen. 26. Farbstudien: Jetzt, da die Geschichte von Pegasus abenteuerlustig ist, kann ich das übersetzen, um ein Grundfarbschema zu kontrastieren. Dies bedeutet, dass ich mich auf die Verwendung von kostenlosen Split-, Komplementär-, Rechteck- und verworfenen Farbschemata konzentrieren möchte. Ich werde damit beginnen, Referenzen beider Kunst in Fotografien zu sammeln , die diese Kombination von Farben verwenden. Lasst uns die Notizen durchgehen. Wert-Differenz. So wird jeder auf seiner eigenen Schicht gehalten, um das Zuschneiden einfach anzupassen. Es ist eine gute Idee, eine Beschnittschicht über alles zu halten, um gelegentlich zu überprüfen, ob genügend Platz entlang der Kante oder laut an der Kante hinzugefügt wird. Für den Druckprozess können Sie im Allgemeinen einen Viertelzoll um die Kante zulassen. Dies gilt vor allem für alles, was in einem Marketing-Stück sein wird, das physisch gedruckt werden wird. Sie brauchen ein wenig mehr Bild als das eigentliche Bild, weil einige davon abgeschnitten werden. Und es wird auch ein wenig Zulage geben. Das Papier kann ein wenig in die eine oder andere Richtung gezogen werden. Sie brauchen also mehr Bild, dann haben Sie tatsächlich sichtbar. Schließlich, werfen Sie einen Blick auf diese Bilder hier auf der rechten Seite. Während das Bild abenteuerlich zentriert ist, die, wie ich sagte, Ich gleichsetze zu einer kontrastierenden Farben. Ich möchte ein, ein analoges Farbschema, nur um das Wasser mit dem Kunden zu testen. Jetzt entscheiden sie sich nicht, aber ich dachte, es wäre gut, ihnen diese Option zu geben. Die anderen Variationen oder eine Kombination aus einer warmen, kühlen Dynamik. Und weil wir für eine vernünftige Villen auf jeder Farbvariante Ziel wurde auf einem Foto oder Kunstwerk basiert, nicht nur mir, Polen Farben aus der Luft. Beachten Sie, dass jede Variante auch eine andere Beleuchtungsrichtung verwendet. Wir haben eine von der rechten Seite, wir haben eine von oben. Wir haben eine von der linken Seite, und wir haben im Grunde nicht von hinten reinkommen gewonnen. Während ich also mit den Farbpaletten experimentiere, werde ich mit der Lichtrichtung experimentieren und jedes von ihnen erzeugt ein anderes Lichtschattenmuster. Und der Kunde mag das Muster des einen wirklich mögen, aber die Farben des anderen. Und das ist in Ordnung. Ich kann diese Änderung leicht vornehmen. Ich wollte Ihnen den Prozess der Erstellung einiger Farbvariationen zeigen und hielt, dass es mehrere Möglichkeiten gab, das zu schaffen. Also werden wir uns drei verschiedene Optionen ansehen. Erstens werden wir uns mit einigen Farben beschäftigen und sich von Farben aus Kinosaaten inspirieren lassen. Und dann werden wir tun, dass einfach die Farbe ist auch eine weitere Variante, wo wir eine Pseudo-Palette basierend auf Nase erstellen. Und in der letzten Woche werden wir einen Blick auf den Farbwunsch werfen und einige Farbpaletten erstellen , die auf einer Masse davon basieren. Lassen Sie uns also beginnen, indem wir uns diese Bilder ansehen. Dies sind nur Screenshots aus drei verschiedenen Filmen. Hobbit, Gladiator und Das Leben des Pi. Ich will nicht darüber nachdenken, wie ich eigentlich ein paar dieser Farben an meinen Sitz anpassen werde . Ich schaue mir auch das Werteschema an. Nun für diese Variationen werde ich nicht die Werteschemata befolgen, die wir früher eingerichtet haben. Ich bin, ich werde mich mehr von dem leiten lassen, was meine Inspiration in meinen Farbführungen sind hier. Also für diesen hat es einen dunklen bis hellen Rücktritt. Das heißt, das Vordergrundobjekt befindet sich im dunkelsten Schatten, und dann wird es ein wenig heller als der Hintergrund sehr hell ist. Nun könnten wir das hier sicher verfolgen. Ich ging, um den durchschnittlichen Ton zu probieren , der irgendwo in der Mitte ist. Ich will das Weiß nicht greifen und ich will nicht den dunkelsten Teil des Hintergrunds greifen. Ich werde etwas dazwischen schnappen, genau da drüben. Also geh voran und fülle alles darauf aus. Und dann in einem Moment und schnappen Sie sich eine Auswahl, die ich gerade aus dem Brunnen vorgemacht habe. Und der Brunnen wird so etwas sein, richtig? Er wird irgendwie ein Stand-In für die Welt sein. Ton da hinten. Nimm das zurück Pegasus. Wirklich warm da drüben. Vielleicht muss es etwas dunkler sein. Und dann greife ich wieder diesen Vordergrundcharakter. Auswahlen haben sie bereits gespeichert, nur um Zeit zu sparen. Und dann wird das so etwas wie sein weißer Bartsatz sein. So konnte ich sehen, dass das irgendwie interessant ist. Ich war auf diesem Vordergrundcharakter. Jetzt ist das kein Wasserkurs-Client genehmigt. Ich mache das nur zum Beispiel, die Nettozwecke. Okay, dass du sie im Schatten haben könntest, aber jetzt etwas von diesem echten Licht haben, um das nachzuahmen und nicht immer und immer wieder bedrohlich zu probieren, zu einem Linear Dodge zu wechseln, war irgendwie ein brauner Ton. Und komm her und sieh einfach mal, wie das wäre, wenn ich Kante des Lichtes durchqueren würde und vielleicht sein Haupt etwas Licht einfangen kann. Ich werde ein wenig meine pastöse Anhörung ablehnen einige davon in, so dass Sie sehen können , wo ich die Inspiration und die Farben davon verwende. Aber nicht unbedingt nur jede einzelne Farbe abtasten und versuchen, sie wörtlich zu kopieren. Ich will nicht darauf beschränkt werden. Ich wollte mich davon leiten lassen. Das ist also irgendwie cool. Und dann siehst du auch, dass es eine Menge kühles Licht gibt, das hier füllt. Also werde ich einen viel kühleren Ton nehmen, ein bläulicher vielleicht etwas auf der wärmeren Seite dort. Lassen Sie sich meine Deckkraft etwa 30% setzen. Ich bin nur neugierig, vielleicht ein wenig Fülllicht zu setzen, das auf der coolen Seite ist. Hier, wie das Auge diese Arbeit sehen könnte, die scheint, als hätte es eine interessante Richtung dort. Das wird also als unsere Gerichtsvariante eins dienen. Ich würde das wahrscheinlich ein bisschen mehr durchgehen, wenn ich es nur für mich selbst mache. Aber wir müssen uns noch ein paar Ideen durchsetzen. Aber der nächste, den man ansieht, dieser mit Gladiator. Und dieser hat einen sehr hohen Kontrast zwischen den beleuchteten im Schatten der Schatten fallen sehr schnell auf schwarz. Und es gibt mehrere Möglichkeiten, auf die wir das bringen könnten. Wir wollen hier das direkte Licht nutzen. Wollen wir eigentlich nur behandeln, es hat ein analoges Farbschema. Wir könnten das tun, etwas in diesem blauen Ton. Fangen wir einfach damit an und wir gehen, und dann wird der Brunnen mehr dem entsprechen, was wir mit dem hinteren Baum haben. Ich denke nur, dass gut sehr silhouettiert ist. Und etwas von der Verschüttung, der hellere Ton aus dem Nebel da hinten. Ich will etwas davon, aber ich will nicht ganz einheitlich sein. Und was soll ich mit diesem Pegasus machen? Ich kann entweder versuchen, ihn viel heller oder viel dunkler zu behandeln. Und wenn wir irgendwie wie der Schnee hier unten behandelt haben, so dass die, die meisten der Szene ist nur die gleiche Art von Farben. Es ist sehr analog. Und das könnte eine Nachtszene sein. Siehst du, dass funktioniert. Weißt du, wenn sie wirklich dunkel wären, wäre das irgendwie interessant. Also verwenden wir den gleichen Kontrast wie wir auf Ringen Krähen Charakter hier haben. Wenn wir das tun, wenn er wirklich helle Lichter, so könnte es haben, dann wäre dies wie wirklich gut beleuchtet in welchem Bereich das Licht über einen Berg kriecht oder es schleicht über und um die Bienen, was immer es ist. Dies wäre nicht ein wenig schwierig zu tun, weil wir eine sagen eine Menge Informationen mit nur ein wenig Seite log oder Kante Licht bauen müssten . Und das könnte wirklich, wirklich knifflig sein. Und wir müssten ein bisschen mehr Ton am Himmel herausholen , damit diese dunkle Form auftaucht. Und gehen wir zurück zu dem anderen Kerl. Und das ist ein Balanceakt. Wir setzen sie nur ein. Wir setzen das Puzzle zusammen und finden heraus, was das Puzzle gleichzeitig ist. Nicht mein Liebling, aber es ist ein Spaß, auszuprobieren. Normalerweise würde ich nicht denken, einen wirklich dunklen Schatten mit einem hohen Kontrast auf die Hauptfigur zu verwenden . Aber es ist irgendwie interessant. Ich weiß nicht, wie Sie das tatsächlich nehmen könnten, ist, hier nach oben zu gehen und diese Ebene zu greifen, die die Screenshots hat. Ich möchte nach oben gehen, um zu filtern, Galerie zu filtern, Gläser zu verdrängen. Der letzte, den ich benutze, also kam es automatisch auf. Sie können jedoch die Zellengröße ändern, je nachdem, wie genau Sie erhalten möchten. Du willst schöne große Zellen und kleine Zellen. In diesem Fall. Ich möchte gerade genug, dass ich dem folgen kann. Da gehen wir. Dann könnten wir das einfach abprobieren, wenn wir es wollten. Und ich könnte einfach den Hintergrund füllen und sagen, hey, wir werden das mehr als ein analoges Farbschema machen. Also werde ich es einfach so im Hintergrund tun, gut wird diese Farbe sein. Und ich werde diesen Ton für den Hauptmann verwenden. Und ich sehe, dass ich ein paar helle Lichter wie diese vier gebrauchen könnte. Und so wird dies im Wesentlichen nur eine Palette zum Probieren von. Und weil es im wirklichen Leben mit der normalen realen Dynamik von Licht und Farbe gedreht wurde. Es gibt eine gewisse Harmonie, die einfach automatisch funktioniert. Sie werden das ausschalten. Schauen wir uns das andere Substantiv hier unten an. Ich schaue mir an, wie man dieses Bild verwendet, um einige Farben daraus zu bekommen, oder wie ich einige der Farben in diesem zu meiner Szene passen kann. Zum Beispiel, wenn ich will, dass sie wirklich hell in meiner Szene, ein Samen, dass dies soll ein weißer Pegasus sein und das ist ein weißes Boot war mehrere weiße Dinge wie seine Hose. Und so konnte ich die Farben hier drüben beinahe abbilden. Und die Rückseite könnte einfach im Schatten sein oder ähnlich sein, was wir in den Wolken und dem Brunnen haben, die Kurse der bläulichen Ton, so dass ich das Wasser benutzen könnte. Es sind also mehrere Marker in diesem Bild, die ich verwenden könnte, um ein Pellet zu erzeugen. Und das ist einer der Gründe, die ich gewählt habe. Und das ist eine Art coole, sehr weiche Töne da im Hintergrund. Aber du bekommst ein gutes Gefühl für dieses Licht. Ich werde die Deckkraft hier senken. Und ich bin nur darauf hinweist, dass auf den Flügeln. Ich glaube, dass dies eigentlich sehr ähnlich ist, wie würde ich es ursprünglich blockieren , nur die niedrigere Deckkraft verwenden, 40% oder so mit einem Linear Dodge, um dieses Licht durch die Flügel zu bekommen. Also wähle ich das Testament aus und dann kriegen wir ihn etwas dunkler. Es hat nicht genug von diesem Werteunterschied. Oder das Blau für den Rücken Pegasus und die Beine des ersten, um hervorzuheben. Also musst du mit diesen verbieten herumspielen und sehen, was funktioniert. Aber das wäre auch ein interessanter Ansatz. Lassen Sie uns also einen Blick auf die Farbpalette werfen, wie Sie einige Farben generieren oder einige Ideen aus einer Farbpalette wie dieser bekommen könnten. Wir wollen die Farben begrenzen. Denken Sie daran, ich möchte nicht einfach eine Farbe in der Palette abprobieren, indem ich sie einschränke, ich kann normalerweise ein besseres Gefühl von Stimmung und kohärenten Farben bekommen. Was ich also erstellt habe, ist eine Serie und im Grunde Masse um das Farbschema auf eine Standardfarbanordnung zu beschränken. Und das basiert auf einigen Sachen, die ich von James Gurney, Farbe und Licht Buch gelernt habe . Er zeigt, wo er eine physische Farbpalette hat, dass er ein Stück Plastik schafft und ein Loch darin schneidet und über sein Farbrad geht , so dass er sehen kann, welche Farben er sich in seinem Bild verwenden lassen will. Das wäre also dein Split-Komplementär. Also kann ich diese Ebene bekommen und einfach eine Transformation darauf ausführen und sie drehen und sagen, okay, na ja, welches Farbschema ich will, und das wird ein geteiltes komplementäres Farbschema sein. Oder ich könnte hierher kommen und sagen, ob ich ein analoges Farbschema machen werde, und das wird mir 30% des Farbrades geben. Ich kann das einfach drehen und sehen, welche ich mag. Jetzt können Sie mit den Standard-gehen, die wir bereits angesehen haben. Oder Sie könnten Ihre eigenen erstellen, wie den Boomer-Regen. Und das würde Ihnen, wieder wie primäre Satz von Farben. Aber es sind nicht die Vollversionen aller Farben. Sagen Sie, dass wir mit diesem gehen und nur eine Idee beispielhaft machen. Sagen Sie, dass wir jetzt unsere neue Farbpalette darauf erstellen möchten. Das ist also unsere neuen Kühlerfarben. Also, das ist hier unten in der gelben Sache, die wir haben, ist eigentlich das, was nicht wirklich Gelb ist. Und das heißeste, was wir haben, ist diese rote Schere, die offensichtlich nicht rein rot ist. Aber das ist unsere neue Palette. Und wenn ich will, dass sie mehr zusammen spielen, kann ich einfach in die Mitte gehen, weil je mehr entsättigt sie alle bekommen, desto ähnlicher werden sie, und desto harmonischer werden sie zu was Sie damit tun können, dann ist nur Probe von diesem und dies dient als Ihre Farbpalette und sollte mit Ihrem vollständigen Mustermenü direkt dort haben . Okay, nun, wir werden keinen weiteren erschaffen. Ich glaube, wir treten das mit dir durch. Hoffentlich haben Sie vielleicht einige Ideen über diese oder verschiedene Möglichkeiten, um ein Farbschema zu erstellen. Aber wir werden es dort einpacken und wir gehen weiter und gehen in die Richtung. Münzen haben polare Variation eins gewählt, aber die helle Seite Lloyd und die warme, leichte, kühle Schattendynamik. Der nächste Schritt besteht darin, die Zeichnungsbürokratie zu verfeinern, was bedeutet, dass eine bessere Charge spezifischer Referenzen auf Sie gesammelt werden müssen besser als die schnellen Platzhalter, die ich ursprünglich ergriffen habe. Nur für zusätzlichen Kredit, hier sind einige Konzepte aus einem anderen Projekt. Wiederum, nur zu versuchen, dass jeder ein anderes Farbschema hat, visuell irgendwie dynamisch geht. Und das ist nur die Client-Optionen gegeben, um ihnen zu helfen , mir zu sagen, welche Richtung sie mögen. 27. Die Zeichnung verfeinern: Um die Zeichnung zu verfeinern. Bis zu diesem Punkt basiert Detroit auf Platzhalterreferenzen und meinen allgemeinen Kenntnissen des Themas. Nun, das ist nicht mehr ausreichend, um beitreten jetzt muss verfeinert werden und spezifischere Referenzen und zusätzliche Studien sind erforderlich, um dies zu tun. Neuling kann sagen, ich mag es nicht, Geld für eine Ressourcen auszugeben, um das Image zu verbessern. Frei ist der Weg zu gehen. Der Prozess. Ich von Modellen und Fotopackungen, ein Build Märkte und mieten Modelle, um das Bild zu verbessern. Ein Koch, der Thunfischkonserven und frischem Thunfisch kauft, ist letztendlich selbstbesiegend. Frisch kostet ein bisschen mehr und erfordert mehr Aufwand zu erhalten, aber das Ergebnis wird besser Geschmack, Ansichten, bessere Zutaten sein. Es wird bessere Ergebnisse haben. Auf die gleiche Weise mit uns wie Kunst. Haben wir von besseren Bildern gearbeitet, haben bessere Ressourcen, aus denen wir bauen können. Wir werden ein besseres Ergebnis haben. Also, wenn Sie nur mit den einfach zu finden freien Optionen gehen, dann arbeiten Sie wahrscheinlich mit minderwertigen Zutaten als proportional. Ich gehe dorthin und kaufe den Markt. Ich werde ein kleines Diorama bauen, was immer ich tun musste, um die Ressourcen zu bekommen, um die Szene in dem Grad zu bauen, das ich will. Werfen wir einen Blick auf die Reaktion, die hier vor sich geht. Es ist Zeit, die Grundformen in unterteilen sie in komplexere, eine genaue Formularsammlung zu nehmen. Alles ist also eine Sammlung von kleinen Formen zusammen gebaut werden, um größere, komplexere Formen zu erstellen. Dies ist also eher so, als würde man ein 3D-Modell von einer niedrigen Polygonanzahl in eine höhere Polygonanzahl ändern . Wir werden sehen, dass mit den Beinen dieses Krieges hier ist. Ein hatte im Grunde nur einen kleinen Zylinder für das obere Bein dort. Aber dann gehe ich rein und unterteile das in drei verschiedene kleinere Formen. Wir bekommen das nur und sind präziser mit der IT. Sicherlich auf dem Gesicht dort, auf dem Kopf. Und diese grundlegende Art von zweideutiger Form von yeah zu bekommen, ist es im Allgemeinen pferdeartig. Jetzt ermitteln wir genau, wo sich die Winkel befinden, wo sich die Features befinden und welche Volumina in diesen Features vorhanden sind. Besonderes Augenmerk wird auf das Verständnis und die Festlegung der Ebenen einer Form gelegt. Dies ist wichtig, denn wenn wir die Realität oder zumindest eine illustrierte Version davon reproduzieren wollen , müssen wir die Variablen berechnen, die die Realität so aussehen lassen, wie sie es tut. Das bedeutet, die Foren zu verstehen und wie Licht über sie fallen wird. Und so arbeiten wir als Rendering-Programm, indem das Licht auf unsere Wireframe-Form abbilden. Ich spreche bis zu einem gewissen Grad darüber. Er meine Videokunstberatung, die Sie Jahre auf dem Kunstkanal dort auf YouTube sparen wird. Jetzt ist hier ein Beispiel für die Referenzen, die ich zusammengestellt habe, um mir zu helfen, ein umfassenderes Verständnis dafür zu haben, wie ich dies veranschaulichen kann. Ich ging raus und ich kaufte zwei Modelle von Gürtel BAD, dieses Handheld kleine Kraft Modell, das nicht perfekt war. Es war eigentlich alles Brown möchte Goldtöne drauf. Und ich habe es bekommen und ich sprühe auf dieses flache Grau gemalt , so dass ich Schatten und Töne viel einfacher sehen kann. Und ich benutzte ein Fenster für ein Licht und stellte es so auf, wie ich es brauchte. Und weil es Schatten von den Flügeln werfen würde, bekam ich ein Stück Pappe und legte es darauf, um den Schatten von den Flügeln nachzuahmen. Und das half mir eine Menge Informationen zu geben, besonders über den Körper. Jetzt konnte ich es nicht so positionieren, wie ich es brauchte. Es gab eine Einschränkung, dass Joins. Aber ich kann einen Abschnitt davon so darstellen , wie ich dann den anderen Abschnitt so darstellen wollte, wie ich es wollte. Und indem ich zivilen von ihnen zusammenkombiniere, kann ich die Informationen bekommen, die ich brauche. Jetzt war der Kopf etwas klein und ich konnte keine wirklich guten Fotos davon bekommen. Also kaufte ich ein zweites Modell, das eigentlich ein Wohnaccessoire war. Und das war der Kopf ziemlich groß. Es ist ungefähr die Größe meines eigenen Kopfes. Und ich sprühe es auch gemalt. Es war nicht der richtige Ton. Und ich habe es sowohl mit einem Fensterlicht als auch mit einem Fülllicht von einer Lampe eingerichtet um etwas Sprunglicht zu bekommen und die Umgebung zu steuern , um bessere Informationen daraus zu bekommen. Dann kontaktierte ich ein paar Freunde, um vielleicht einen von ihnen für den Stand in meinem Model zu fotografieren. Und sie sieht nicht genau so aus, wie ich brauche, aber es geht hauptsächlich um nur die Gesamtform unter dieser Perspektive. Im Sinne der Schwerkraft und der normalen menschlichen Bewegung, die ich bekommen will. Könnte ich noch ein 3D-Modell verwenden? Aber sie sind begrenzt. Okay, wenn Sie ein 3D-Modell eines Menschen verwenden, berechnet es nicht für die Schwerkraft, es berechnet nicht für Bewegung und es berechnet nicht für Balance. So weiß es nicht, dass, wenn ich die Hüfte auf einer Seite fallen, ich brauche ein Gleichgewicht es mit den Armen. In Ordnung, wir machen das natürlich. Ein Modell wird dies oder bis zu diesem Punkt nicht natürlich tun, sie sind nicht dazu gemacht. Ich bin nicht wirklich mit den Phasen beschäftigt. Dies sind zusätzliche Gesichter von anderen Dingen, die ich nur verwenden, um eine Vorstellung von dem richtigen Alter und Richtung zu geben , um mit dem Charakter zu gehen. Ich besitze die nicht, also sind die verschwommen. Ich muss dir nicht wirklich zeigen, wer sie ist. Also habe ich sie auch verschwommen. Wenn wir das Fortschreiten des Gesichts auf der linken Seite erhalten, sehen wir den Grundblock in nur ich wusste über die Größe des Ortes, dass der Kopf sollte Knie ging, aber das in und dann zeichne ich die Funktionen basierend auf meinem Foto. Aber das möchte ich nicht eingeschränkt werden, weil dieser Charakter ein bisschen anders aussehen muss als betrogen. Dann verfeinern wir es und ich ändere die Funktionen, machen sie ein wenig illustrativer und ein wenig weniger wörtlich. 28. Längen, die wir gehen und Detailstufe: Nicht jedes Bild erfordert, dass Sie Dioramen und Marktfiguren oder eine Reihe von Foto-Shooting mit einem Modell, mit einem Kostüm zu bauen . Aber manchmal tut es das. Und du musst bereit sein, das zu tun. Es kann wirklich Spaß machen Teil des Erstellungsprozesses. Und Sie können feststellen, dass Sie verwirrte Herstellung in der Fotografie oder Kostümherstellung lieben. An dieser Stelle priorisieren Sie die Qualität gegenüber der Geschwindigkeit. In einer Welt voller Schnelligkeit und digitaler Auslöser. Ein Student der Kunst, um die Idee zu bekommen, dass alle Bilder können und sollten in der Lage sein, schnell erstellt werden. Und es ist einfach nicht so komplexe Bedingungen oft viel Zeit brauchen, um zu illustrieren. Konzentrieren Sie sich zuerst darauf, die Qualität dort zu erreichen, die Sie wollen. Unabhängig von der Zeit damit, es sei denn, Sie sind keine Frist, die ehrlich gesagt müssen Sie diese Frist einhalten. Beeinträchtigen Sie keine Qualität für die Geschwindigkeit, denn Sie können nie schnell genug fallen, um Ungenauigkeit zu kompensieren. Geschwindigkeit wird immer mit Erfahrung kommen. Mach dir keine Sorgen darüber. Je mehr du es machst, desto schneller wirst du. Aber man kann nicht so schnell gehen, um die Tatsache auszugleichen, dass es falsch ist. Faustregel für Nicht-Prosa. Wie lange Sie denken, es sollte dauern, um das Bild zu erstellen, verdreifachen Sie es. Das ist kein Witz. Es gibt nur wenige Probleme, die nicht behoben werden können, indem man mehr Stunden darauf wirft. Dies ist etwas, das ziemlich oft auf der 101-Konsole auftaucht , die ich mit Studenten habe. Und das ist, dass sie deutlich unterschätzen, wie lange es dauert, einige größere Illustrationen zu erstellen. Sie haben ihre Zeit in sie gesteckt. Und es erreicht nicht das Niveau der Professionalität, das sie wollten oder erwarten, dass es könnte. Und sie fragten mich, was muss ich anders machen? Ich sage: „Nun, wie lange haben Sie daran gearbeitet? Nun, ich habe fünf Stunden daran gearbeitet. Äh, wirklich? Weißt du, wie lange ich an einigen von mir arbeite? Nein. Und sie denken, ich will sagen, wie acht Stunden, 30 Stunden oder 40 Stunden. Und ihre Augen gehen weit, ja. Das ist echte Arbeit. Es braucht viel Zeit. Egal, wie viel Zeit du hineinbringst. Es spielt keine Rolle. Und Sie bekommen nicht das Ergebnis, das Sie wollen, es ist nicht genug. So setzen Sie immer mehr Zeit, bis es erreicht, wo Sie hingehen müssen. Ich kenne eines meiner früheren Stücke, Ich habe ein Bild von einigen NIH fügt in einem Wasser. Ich habe etwa 20-30 Stunden hinein, was ungefähr am meisten ist, dass ich es bis zu diesem Punkt in ein Bild gebracht habe. Und es sah nicht richtig aus. Also habe ich es auf einige Kunstformen herausgebracht. Und ich fing an, ein Feedback von Leuten zu bekommen und mir klar, wie ich das Stück verbessern kann. Also habe ich immer mehr Stunden hinzugefügt und mehr und mehr zu werfen, um es zu verbessern und weiter zu verbessern und es weiter zu verbessern und es weiter zu verbessern. Und ich habe noch nie so hart auf ein Stück gestoßen. Noch nie ein Stück so lange geschoben. Und schließlich wurde es zu einem meiner Lieblingsstücke, in dem ich so viel gelernt habe , indem ich das so weit wie möglich nahm. Und ich bin weit über 100 Stunden auf dem Bild eingeloggt. Aber das war es, was nötig war, um mich über das Plateau zu bringen. Eins zum nächsten Level. Werfen wir einen Blick auf einige Beispiele hier. James Gurney, großer Fan seiner Arbeit und seiner Lehre. James Gartenarbeit baut Dioramen, Märkte und Kostüme, um seine Arbeit glaubwürdig zu machen. Pickup als Bücher, wo er seinen Prozess erklärt. Jetzt ist er der Schöpfer der DynaTAC Olbia Eigenschaften. Die Bücher. Er übergeht diesen Prozess in seinen fantasievollen Realismus Büchern. Also, wenn Sie daran interessiert sind, holen Sie das Buch ab. Wenn Sie mehr über die Art und Weise, wie er Farbe und Licht nähert und sein Verständnis dieser Themen als Künstler verstehen wollen. Und dann nehmen Sie sein anderes Buch, Farbe und Linie. Hier sehen wir einige Arbeiten von Gil L1 in Norman Rockwell. Beide mieteten routinemäßig Modelle und machten Kostüme für ihre Fotoshootings. Wenn Sie ihre Ergebnisse wollen, dann müssen Sie dasselbe tun. Geh und mach das Gleiche. Lassen Sie uns über Detaillierungsgrad sprechen. Wir wollen die Zeichnung nicht verfeinern, nur um sie zu verfeinern. Und wir verfeinern es, um die Mehrdeutigkeit der Formen zu klären und helfen uns, die Formen dem Maße zu verstehen, die notwendig sind, um die OEM und realistische Art und Weise zu machen. Es gab also einen Zweck dafür. Und es ist für Sie, die Künstler, die Bände in den Themen zu verstehen und die Genauigkeit in Ihre Themen einzubauen. Wir wollen alles klären, was ein wenig zweideutig war. Ein wenig, OK, ich habe nur eine Form dort gemacht, um dieses Ding zu repräsentieren. Wir müssen von hier aus gehen. Es stellt auch das Ding dar. Genau so sieht das Ding jetzt aus, deshalb benötigt jedes Bild eine andere Detailgenauigkeit für die Neufindzeichnung. Einige Elemente werden einfach zu verstehen sein und was wir eine viel Verfeinerung benötigen, damit Sie genau wissen, wie Sie es rendern. Andere Elemente wie die Pegasus-Anatomie hier, verlangten mich, viel Zeit über die Formen und Anatomie geprägt zu verbringen. In diesem Fall habe ich die Unkraut nicht neu gefunden, weil ich schon mehrmals studiert habe und Schmerzen und Flügel hatte und zuversichtlich war, dass ich sie während des Malprozesses etablieren konnte. Ein kleiner Bonus hier, hier sind einige andere Beispiele, die das Niveau und die Art des Details zeigten , wie es sich von Stück zu Stück ändert. Aber die Schattierung hier ist wirklich erforderlich. Also wurde jedes von ihnen auf das Niveau gebracht, das für mich notwendig ist, um richtig zu verstehen, wo alle Details sind und worauf alle Themen sind, was die Formen für jedes der Bilder sind. 29. Block-In malen malen: Es ist Zeit, mit dem eigentlichen Malblock für das endgültige Bild zu beginnen. Es gibt viele Möglichkeiten, wie Sie über diese Phase gehen können, aber lassen Sie uns klar sein. Sie könnten mit Graustufen beginnen und sich in Farbe bewegen. Du könntest Fotos benutzen und sie einmassieren und diese übermalen. Du könntest einfach sagen, hey, ich werde frisch von einer weißen Leinwand neu starten und einfach meine anderen Sachen als Ressourcen und Richtung benutzen. Sie könnten von der Farbstudie fortfahren, et cetera, richtig. Diese anderen Optionen gibt es auch. Ich habe nicht die Zeit in diesem Material, um all diese Ansätze zu durchlaufen. Es würde die Größe dieses Materials verdreifachen. Stattdessen habe ich vor, das in einem zukünftigen Inhalt tatsächlich abzudecken. Der Code ist Natrium wurde bereits genehmigt. Also fing ich an, nur in das zu malen. Nun, das ist nicht immer die richtige Wahl. Es ist nicht einmal das, was ich die meiste Zeit mache, aber es war die richtige Entscheidung in diesem Fall. Nehmen Sie sich einen Moment Zeit und entscheiden Sie, was die besten Ansätze für Ihr Image. Es kann Ihnen auf lange Sicht Stunden sparen. Also denke nicht nur, dass ich mich treffen werde, wenigstens fangen Sie an, es aus der Farbstudie zu malen. Es könnte einen besseren Weg geben. Sie könnten feststellen, dass, wenn Sie ein paar Schritte zurück in, Sie überarbeiten es von Anfang an, dass Sie gehen, um ein besseres Ergebnis zu erhalten. Ich sage nicht, dass das die Antwort ist, aber du musst darüber nachdenken. Nur für einen Moment Pause. Gib ihm fünf Minuten. Denken Sie darüber nach, was der effektivste Weg wäre, sich diesem zu nähern und dann mit ihm zu gehen. Auch eines der Dinge, die ich hier jetzt, wo ich beginne , tatsächlich in den Malprozess zu bekommen, beginnt mit der Verringerung der Deckkraft der Linien. Ich will mich nicht übermäßig auf die Leitung verlassen. Denken Sie daran, dass wir uns das früher angesehen haben. Und wenn wir gute Werte haben und wir ein gutes Licht gegen dunkle Muster mit den Werten haben, dann muss ich mich nicht auf die Klarheit der Linien verlassen. Und ich habe sie schließlich den ganzen Weg nach unten gedreht, weil ich genug Informationen mit den Farben und Werten habe, die ich sie nicht mehr als Leitfaden brauche. Oder Sie können einfach oben auf der Linie malen. Und ich finde, dass Sie nicht wussten, ob ich anfange, das zu tun, ich habe eine Tendenz, einige von ihnen bleiben zu lassen. Das ist also nicht meine erste Option, ist es, mein Image auf dem richtigen Weg zu halten. Ich behalte eine Sammlung von Bildern neben meinem Gemälde. Und dies kann gehören, dass Farbstudie, Ausrichtung Refs, Anatomie auferlegte Refs, Stil mündliche Illustration Refs und bereits existierende sind nicht von der Eigenschaft. Wenn das also meine Leinwand ist und ich hier auf diesem Bereich malte, dann mache ich oft einen zusätzlichen Raum auf dieser Seite des Bildes. Ich vergrößere die Leinwandgröße. Und dann hier drüben habe ich alle meine Referenzbilder, die ich brauche, um schnell zu betrachten. Und ich lasse sie einfach da drin und ich würde einfach hier drüben auf diesem Gebiet malen. Und das klappt ziemlich gut für mich. Es gibt auch andere Möglichkeiten. Aber wenn Sie normalerweise Ihre Stadtführer nicht geöffnet haben , so dass Sie einfach zwischen den beiden suchen können. Ich schlage vor, ein bisschen so zu arbeiten. Und es erspart Ihnen, Ebenen ständig ein- und ausschalten zu müssen. Ich werde besonderes Augenmerk darauf gelegt, die Form durch die Farbe und Beleuchtung zu etablieren. Wechseln Sie über die Ebenen. Flugzeuge, die direktes Licht fangen, sind warm , in diesem Fall nehmen Ebenen im Schatten die blaue Farbe des Himmels an. So sehen Sie hier mit den Informationen, die ich von meinen Fotos habe, ich habe eine ziemlich gute Vorstellung von den Foren und der Anatomie des Gesichts. Und ich möchte wirklich den Sinn für Formen spielen. Und das ist etwas, das Neulinge zu übersehen neigen. Sie fangen an, Farben einzubringen, aber sie passen nicht zu dieser Farbe auf eine Weise, dass es uns hilft, die Formen zu positionieren. Ich möchte die Flugzeuge auf dem Gesicht anzeigen. Denn wenn Sie Dinge in Bezug auf Flugzeuge arbeiten können, haben Sie viel besseres Verständnis für das Volumen des Subjekts. Nun, es geht wirklich um Foto-Mokassins. Wir sind momentan. Nicht jeder macht das, aber ich finde es eine nützliche Sache. Gelegentlich. Es ist, manchmal kann es hilfreich sein, in ein Fotoelement fallen zu lassen, nur um zu sehen, wie die Farbe und das Muster auf dem Bild aussehen. Jetzt landet keines der Fotos im Bild. Aber es kann den Entscheidungsprozess beschleunigen, um eine Stand-in zu haben, um es zu beurteilen. Lassen Sie uns klar sein, es ist nichts falsch mit Fotobashing. Wenn Sie das Foto besitzen. Und das ist der Stil, mit dem der Kunde zufrieden ist. Jetzt wird Foto-Bashing sicherlich sehr oft in dem Konzept verwendet werden, sind nicht gefüllt. Wo geht es nur um die Idee der Sache, die am wichtigsten ist. Sie interessieren sich nicht wirklich, wie Sie mit dem Bild kommen , solange das Bild vermittelt, was es braucht. Also in diesem Fall will ich alles handbemalt und wir wollen diesen handbemalten Look. Wir wollen nicht ein Foto Bashing Look, aber das bedeutet nicht, dass ich nicht einen Blick auf ein Foto MOG beginnen zu sehen, wie das Muster würde in meiner Szene aussehen, wenn ich dieser Richtung folgen. Also, das habe ich hier getan. Ich habe den Farbblock in. Und dann habe ich hier Fotos von einigen Flügeln, die ziemlich enge Farben und Werte hatten, die ich brauchte. Und ich habe sie nur getan, um näher an mein Bild zu passen. Und dann habe ich sie da reingesteckt. Und dann kann ich mir das ansehen und sagen, okay , wenn ich das befolge, wird mein Ergebnis dem sehr ähnlich aussehen. Ok? Was mag ich daran? Und warum mag ich das nicht? Was möchte ich während des Prozesses ändern? Während ich sehe, dass das hier wirklich weggeblasen wurde, richtig? Ich weiß nicht, dass ich ein großer Fan davon bin. Aber ich mag diese coole zu warme Art von Übergang gibt es, das ist irgendwie cool. Auch hier sieht dieses Muster ein wenig fleckig aus, also könnte ich versuchen, das ein wenig auszugleichen. Und das ist es, wovon ich rede. Ich benutze das, um mir zu helfen, Entscheidungen zu treffen, bevor ich tatsächlich anfangen muss zu malen. So dienen sie als Führer, nicht in der Regel. Jetzt gibt es Flügel in deinem Bild. Dies ist nur zum Thema Flügel sind acht, Studie Flügel Anatomie. Nehmen Sie sich die Zeit, um sich ein Tutorial zum Zeichnen und Malen anzusehen. Winx ist, ist etwas, das ich sehe kommen ziemlich oft in nicht-professioneller Arbeit. Wo sie dieses grundlegende Verständnis davon hatten, wie Windmuster funktionierten und wie eine Flügel falten. Aber sie verstehen es nicht wirklich. Und so blockieren sie es in, in allen Federn sind symmetrisch. Dort ist Uniform daran einfach wirklich nicht der Fall. Die Mechanik dessen, was dort vor sich geht, bedeutet, dass es verschiedene Größen geben muss, es braucht verschiedene Winkel. Und dann können Sie mehrere überlappende Elemente haben, Flügel arbeiten alle zusammen. Also, wenn Sie so etwas wissen müssen, ob es Flügel sind oder wie Falten funktionieren oder wie Wasser aussieht, wenn es spritzt. Gone zu einem Wort wie Pinterest und nur ein Kunst-Tutorial, Malerei und Zeichnung Flügel. Jemand hat ein wirklich schönes, prägnantes einseitiges Tutorial zusammengestellt , das Ihnen die Highlight-Informationen darüber gibt , wie Flügel funktionieren und wie die Federdynamik funktioniert. Also sieh dir das an. Viele Profis werden sich die Zeit nehmen, das zu tun. Viele Novizen werden es nicht tun. 30. Notizen malen: Was Sie darüber denken, worauf Sie sich konzentrieren, die Art von Fragen, die Sie sich stellen. Diese sind während des Lackierprozesses sehr wichtig. Also lasst uns hier ein paar Notizen durchgehen. Beginnend am Brennpunkt, wenn ein machen jedes Element verständlich für den Betrachter, alles sollte klar sein. heißt nicht detailliert, aber es sollte klar sein , dass der Betrachter das Bild betrachten und unterscheiden kann, okay, das Ding ist eine Person, das ist ein Stein, das ist ein Baum. Dies ist ein Stück Stoff, et cetera. Fangen Sie einfach am Brennpunkt an, denn dort ist es am wichtigsten. Und dann arbeiten Sie Ihren Weg raus, nur einen Pass für alles gegeben, verfeinert es und macht deutlich, was sie sehen. Denken Sie daran, leichte Konsistenz. Sie sollten sicherstellen, dass die Richtung des Lichts, die Intensität des Lichts und die Farbe des Lichts über alle Dinge, die beleuchtet werden, konsistent bleiben. Das ist etwas, das Neulinge anfangen auszusteigen. Sie erlauben es, zu viel Varianz im Licht zu geben. Dom, vielleicht wie der Arm mit Lichtrichtung kommt hier runter, aber dann kein Licht, der Kopf, als ob das Licht direkt von vorne kommt. Also wollen wir das nicht tun. Wir wollen sicherstellen, dass es überall in der Szene konsistent ist. Geben Sie allen Bereichen des Bildes einen Malpass. Verzerrung unseres Schwerpunkts ist, sich um das Ganze zu kümmern, Ränder aufzuräumen und zu klären, was auch immer das Thema ist. Also, was verständlich. Sie wollen auch große Schiffe zu kleineren unterteilen, interessante zu singt mittleren Ansatz würde, wie wir mit der Verfeinerung der Zeichnung von geben die Grundformen des Subjekts und Unterteilung, im Wesentlichen immer , dass ein höheres Polygon aus dem Drahtmodell-Subjekt zählt. Und wir machen das Gleiche jetzt mit Farben in Flugzeugen. Malen Sie die Linien oder senken Sie die Deckkraft der Linienschicht. Wir werden uns ständig von der Abhängigkeit von diesen Linien entfernen. Das ist also eine gute Etappe, um das zu tun. Wenn beginnen alle Elemente der Authentizität von Referenzen. Das könnte Stoff und Falten sein. Ausdruck, Materialien, Sprunglicht, et cetera. Wenn Sie sich reale Beispiele für diese Dinge ansehen und diese Genauigkeit erhalten und diese Genauigkeit Ihrer Szene hinzufügen können. Und sich selbst als authentischer und glaubwürdiger in die Hilfe zu gehen. Jetzt hätte dieser wirklich früher hinzugefügt werden können, aber hier habe ich es nur in eine andere und Option gesetzt. Erwägen Sie, dass Sie beginnen, indem Sie die Grundfarben so ablegen, als wären sie unter Schatten, und fügen Sie dann die Beleuchtung in tiefen Schatten hinzu. Dies ist ein Ansatz, den ich häufig verwende. Ich habe meine Linien, ich werde in die Grundfarben und meine Motive setzen, aber ich habe sie in, als ob sie alle bewölkt sind. Alles ist in dieser Art von weichem Schatten. Dann füge ich meine Lichtquellen hinzu. Ich habe es wirklich gern so gearbeitet. Es macht viel Sinn für mich. Und so mache ich es ziemlich häufig und ich empfehle anderen Menschen geben es einen Versuch, weil Sie vielleicht auch feststellen, dass es klickt Nun, die Art und Weise, die Sie denken. Für realistische Szenen ist es an der Zeit, sich zu verschieben. Alles von dem, was Sie denken, es würde aussehen, bis zu dem, wie es tatsächlich aussehen würde. Das ist ein großer Unterschied. Siehe relativ in der Regel hat mehr differenziert in harmonischen Farben, die unsere Phantasie zuerst betrachtet. Aber wir müssen kämpfen, ist die Art von mentaler Programmierung, die wir als Kinder mit unserer OCR-Kreidebox gemacht haben , richtig? - Wo? Gräser grün. Ja, aber es ist normalerweise nicht diese Art von Grün. Wenn Sie auf Gras schauen, ist Gras in der Regel etwas mehr wie dieses. Es ist etwas langweiliger. Es ist viel wärmer. Und so sind es diese Art von Dingen, von denen Sie sich wegbewegen wollen. Du willst sagen, ja, in meinem Kopf denke ich, Gras, grün. Aber ich muss als aufmerksamer Künstler erkennen, dass es nicht so grün ist. Das ist nuancierter als das. Und das ist, was wir hier in diesem Bild sehen, dass ja, sie hat grüne Kleidung. Aber unter diesem Futterzustand wirst du sie einfach nicht so warm bekommen. Sie sind also nuancierter als das. Und das Gleiche mit den Clowns. Ich könnte in Cloud blockieren, sagen, es gibt nur diese großen weißen geschwollenen Formen. Ja, manchmal, aber das ist die Art von grundlegender Ansatz. In der Tat sieht es wahrscheinlich besser aus und moralistisch, wenn es deutlich wärmer als der Himmel hinter ihnen. Deshalb müssen wir einen Blick auf Referenzen werfen. Es bewegt uns weg von unserem einfachen ganzheitlichen Verständnis oder Gedanken darüber, wie es aussieht, zu imitieren, wie es tatsächlich aussieht. Jetzt hier drin werden die Blätter einmal überreicht. Durch Hinzufügen von werfen Schatten in direktem Licht. Es geht darum, eine Form in ein Subjekt zu verwandeln. 31. Kopieren und Prinzipien: Kopie und Grundsätze. Wenn Sie Ihre Referenzen verwenden. Kopiere sie nicht einfach, bitte. Ich möchte, dass Sie versuchen, die Prinzipien zu verstehen was die Dinge so aussehen lässt, wie sie es tun. Es ist wie das alte Sprichwort, einem Mann das Fischen beizubringen, und du kopierst es einfach. Es ist ein einmaliger Gebrauch. Wenn Sie jedoch die Prinzipien des Subjekts dessen lernen, was visuell in y vor sich geht, dann können Sie dieses Wissen für immer wiederverwenden. Wenn Sie die Prinzipien lernen, befreit es Sie auch von der Referenz. Das ist sehr wichtig. Sie müssen nicht mehr genau folgen, weil Sie das Design ändern und extrapolieren können , wie das Prinzip für das neue Design gelten würde. So möchten Sie im Laufe Ihrer Malerei Dinge von generisch zu einzigartig bewegen. Wenn Sie etwas für die Phantasie auswählen, ist es normalerweise generisch. Es ist unspezifisch ist die Idee einer Sache. Wir haben uns das nur im anderen Bild angesehen, oder? Das blaue Licht, blaue Wolken, das ist die generische Wolke. Das ist nur mein erster erster erster Gedanke, wie die Cloud aussehen sollte. Aber es ist nicht einzigartig. Es ist nicht spezifisch, und es ist nicht genau. Also durch Ändern der Wolken, es durch die Beobachtung, dass es oft wärmer in dieser Situation, dass es macht sie einzigartig und genauer. Wir wollen darüber hinausgehen. Dies kommt nur durch Beobachtung und Erlernen von Prinzipien und beispielhaft. Sie wollen, dass sich Ihre Charaktere wie eine bestimmte Person fühlen, nicht nur ein blinder Mann. Lassen Sie uns nochmal einen Blick werfen. Was wir hier drüben haben. Gut referenziert in erneuertem Tuch ist ein Zeichen eines Bruders. Du willst ein Profi werden. Das ist etwas, worauf du achten willst. Die frühe linke Abneigung füllt generische in uninteressant. Während die richtige Version, Brinkley zu Phil real. Also das Tuch hier ist das, was ich gerade skizziert habe. Und ich habe das gefärbt und ich denke, es sind im Grunde richtige Farben. Es ist im Grunde der richtige Wert. Es hat die allgemeine Vorstellung davon, was die Klausel tun sollte. Innerhalb von was. Ich ging und ich fand eine Fotoreferenz. Ich habe hier eine Fotoreferenz von dieser Gegend gefunden. Jetzt war es nicht genau so. Es hatte einige dieser Elemente. Ich kann mich erinnern, wie nah es daran war. Aber es hatte etwas von diesem Element, das genau hier los war. Und ich habe diese Information bekommen, und ich folgte ihr. Dann habe ich extrapoliert, die gleiche Art von Muster in Form gehalten und ein Fluss könnte auf den Rest des Tuches angewendet werden. Das baut so auf, wie das Tuch tatsächlich so glaubwürdig machen würde. Und wenn es nicht so viel Mühe brauchte. Aber es sieht so viel professioneller aus. Hier drüben, zusätzliche Referenz in der Studie nimmt den Charakter von nur ein Charakter zu füllen wie eine bestimmte Person. Das fühlt sich an wie ein Typ in jemandem Gemälde von einem Typen. Und für mich war das fast wie eine Person, wie eine individuelle Person, nicht nur jemand, der eine Person zeichnet, die realer, glaubwürdiger erscheint. Und es gibt nur eine Menge kleiner subtiler Änderungen an diesem, den ich mit einer Art Platzhalterreferenz gemalt hatte. Ich dachte, ich wüsste genug über das Zeichnen des Gesichts, dass ich diese Referenzen in Kombination mit dem, was ich weiß, verwenden könnte , um auf das Niveau zu gelangen, das ich will. Und ich habe das gesagt, der Art Director sagte, es ist ziemlich gut, aber ich denke, wir könnten es einfach besser machen. Kannst du ihm noch einen Pass geben? Also habe ich es getan. Ich ging und ich nahm noch mehr Referenzen, genauere Referenzen, Referenzen, die die Beleuchtungsrichtung mehr nachahmen. Und ich habe herausgefunden, was das zu hell war. Es wäre besser für einen Ton, der nach unten. Und es gibt subtile Veränderungen wie die Seite des Gesichts hier und wie das Haar zu weit kam für diesen bestimmten Winkel. Und dann die subtilen Hauttonvariationen, wo die Kieferlinie kühler oder dort ist, aber dann die Wärme des Lichts, das durch die Nasenlöcher mit einer unterirgigen Streuung kommt . All diese winzigen Variationen addieren sich, damit er sich mehr wie eine echte Person fühlt. Beispiele 567, das Lernen der Prinzipien der hinterleuchteten Federn ermöglicht es mir die Referenzen durch Klärung überbelichteter Bereiche und Anpassung des Designs zu verbessern. Dies ist, wo wir über die Referenz hinausgehen wollen. Merken Sie sich an die Referenzen, den Führer. Es ist nicht die Regel, es ist nicht der Container. Eine Farbstudie hier war das. Und ich denke, dass viele der Töne ziemlich gut funktionierten. Jetzt basierte die Blockade stark auf der Fotoreferenz. Aber ich dachte, ich könnte es besser machen. Ich kann es dynamischer machen, wo ich es besser für mein Bild mache. Was bedeutet, dass ich diesen Ausschlag nicht wirklich so stark entlang der Ränder will. Und ich mag dieses Musterdesign des hellen dunklen Musters. Also werde ich das fortsetzen. So lernte ich genug darüber, wie das funktioniert, wie sich die Federn überlagern und wie das Licht durch Schatten kommt, eine Feder gegen die Feder dahinter. Und ich ändere das Designsystem. Das hatte einen großen Block auf diese Weise. Es war sehr abgerundet dort und ich wollte lassen, dass ein wenig gekrümmter, ein verlängertes Netz aus, um einen glatteren Übergang zu sein. Indem ich die Prinzipien hier verstehe, bin ich in der Lage, es zu modifizieren und tatsächlich aus der Skizze zu klären, weil das Foto ein bisschen unscharf war. Also kann ich tatsächlich mehr Details bekommen und interessanter sein als die Sache, auf der es tatsächlich basiert. Indem man extrapoliert, wie es in einem etwas anderen Design aussehen würde. 32. Licht und dunkles Muster: Helles und dunkles Muster. Wir haben die Elemente gewonnen und sind deutlich voneinander zu unterscheiden, vor allem der Charakter, der sich vom Hintergrund abhebt. Festhalten an Ihren Wertstudien sollte dabei helfen. Aber Sie wollen auch nach Möglichkeiten suchen, um große helle, dunkle Wertkontraste in der gesamten Szene. Dies ist etwas, das sehr schnell großen Unterschied geben kann. Ok? Diese kleinen Wert-Urteile erscheinen in allen Fachleuten arbeiten. Aber sie sind wirklich bemerkt. Ihre Platzierung geschieht manchmal zufällig, aber oft durch Absicht. Im Zuge dieser Hell-Dunkel-Anpassungen können Sie feststellen, dass Sie Objekte und Formen ohne so viele Details vorschlagen können. Außerdem ist dies ein guter Weg, um die Zeilen zu treffen. Definieren Sie Kanten in realistischer Arbeit mit richtigen Wertekontrasten zwischen Elementen, die visuellen Unterstützungslinien sind einfach nicht notwendig. Beachten Sie hier, dass Farbkontraste für die Trennung gut sind, aber der Wertekontrast effektiver und wichtiger ist. Notizen. Und wir werden hier eine kleine Demo haben. Suchen Sie nach Orten, an denen zwei Objekte, Kanten oder Ebenen eine dunkle, dunkle oder helle Dynamik erzeugen. Wir werden uns das in den Wertestudien ansehen, oder? gleiche Art von Sache. Aber wir wollen dieses Thema jetzt noch einmal aufgreifen, da wir im Malprozess sind und wir auch in Farbe verwenden. Es sei denn, es gibt einen Grund, es so zu halten. Sie werden es in ein helles, dunkles ODER dunkles Licht umwandeln wollen . Nein, was ich damit meine ist, dass du manchmal tun willst , was James Gurney Formschweißen nennen würde. Was ist, dass Sie einige Schatten und Lichter vereinfachen möchten, um eine größere Einheit zu erstellen. Sie wollen nicht unbedingt jedes einzelne Element herausbringen. Zum Beispiel, die Blätter hier unten. Ich will nicht auf jedem Blatt ein helles, dunkles Muster machen , also hebt jedes Blatt hervor. Ich brauche nur solche Kontraste dort nicht. Ich brauche keine Aufmerksamkeit dort bekannt. Also lasse ich einige dieser Schatten ineinander bluten. Ich schweiße sie zusammen, damit sie diese Sammlung von Informationen vereinfachen. Aber in der Regel auf einem Charakter singen so, Sie wollen sicherstellen, dass es reichlich von dem hellen, dunklen Muster, damit der Charakter aus dem Hintergrund herausspringt. Also, wenn Sie einen Gegenstand haben, der hell ist und wenn Gegenstand, der dunkel ist, aber dann brauchen Sie dieses Dunkel, um tatsächlich die helle Sache hier unten zu sein , die es erlaubt, dass dies jetzt das Lichtobjekt gegen das nächste dunkle Objekt sein. Durch die Verwendung von Farbverläufen können wir es wechseln. Wir können Flip-Flop mit einer Möglichkeit, dass dieses Muster im gesamten Bild funktioniert. Dies ist eine Go-to Praxis, die ich in Schmerzen umsetze , die schnell einen großen Unterschied machen können. Wenn Sie jemals gehen einige meiner gemalt über ist, dass ich für die Kunst Herausforderungen und eigenen Strom tun. Sie werden sehen, dass dies eines der Dinge ist, die ich tue, um Dinge zu klären und in einer Szene hervorzuheben. Lassen Sie uns eine kurze Demo hier über diesen Charakter von Liliana machen. Und dann werden wir untersuchen, wie das Gleiche einige dieser anderen Bilder hier unten gilt. Ich benutze meinen abgerundeten Pinsel und lass uns einen Blick darauf werfen. Wir suchen nach der dunklen, dunklen und hellen Fäule Dynamik nicht gut, schreiben Sie sie aus, versus wir hier sehen können, haben wir dunkle Haare vor einem dunklen Hintergrund. Das ist nicht gut. Irgendwas im Grunde den ganzen Weg hier unten. Dunkle Seite des Charakters vor einem dunklen Hintergrund. Das ist kein guter dunkler Charakter, dunkler Hintergrund. Es gäbe einige große dort. Wir werden sagen, das ist ziemlich dunkel. Es ist fast wie ein Medium gegen eine Dunkelheit. So konnte ich sehen, dass auch korrigiert wurde. Fangen wir mit denen an und wir werden sehen, ob wir noch mehr finden können. Ich werde hierher kommen und es auf diese Seite anwenden. Ich werde sagen, wir müssen diesen Vorteil wirklich aufgreifen , weil wir nur einen dunklen Hintergrund und Gibson dunkle Kante haben. Jetzt will ich das nicht einfach machen. Dies ist ein Fehler, den viele Anfänger machen und es ist die billigste Lösung für dieses Problem. Was ein Neuling tatsächlich erkennen wird, was ich will, dass dieser Rand hervorhebt. Also das billigste, was du tun kannst, ist zu sagen, oh, ich werde einfach ein Licht hinzufügen, das den Rand von all dem geht. Ich werde dieses Randlicht haben. Es klärt die Kante. Aber Leute, bitte tun Sie es nicht. Wenn Sie eine leichte, schwere, um eine richtige Lichtquelle zu sein, wo es die Form entwickeln wird und nicht nur ein kleines Randlicht. Sie wollen es verwenden, so dass es tatsächlich über einen ehemaligen geht hilft zeigen die Volumen von allem und es muss alles beeinflussen, was das Licht trifft. Aber im Allgemeinen ist eine bessere Option, nach einer allgemeinen Wertänderung zu suchen, die Sie vornehmen können. In diesem Fall haben wir bereits einige Elemente am Himmel, die ein wenig leichter sind. Da hat jemand den helleren Ton geschnappt. Und ich lasse es ein paar leichtere Wolken geben, die bis in die Ecke gehen. Und dann finde ich das heraus. Und das ist genug, um das herauszubringen und hier eine Art Ding zu sein. Vielleicht ist jemand dieser hellere Ton. Und vielleicht kommt ein Licht in den Himmel, ein pyramidenförmiges Licht da hinten. Und wir können gerade genug Licht hinzufügen. Das Haar und der dunkle Arm stehen hier heraus. Und wir können das Gleiche auch hier machen. Wir könnten hinzufügen, einfach ein Licht dort drehen. Wir könnten es dunkel werden lassen, damit der weiße Stoff etwas hat, gegen das er stehen kann. Aber wenn wir hier unten etwas heller haben, dann kann dieser dunkle Teil des Abfalls auffallen. Was wäre, wenn es etwas Licht gäbe, dieses Licht hier, das auf diese Seite trifft, die Stufen würden tatsächlich auf diese Seite überlaufen. Okay, dann könnten wir die Spitzen einiger dieser Schritte hier rüber kommen und ein bisschen Sand auf dieser Seite schlagen, damit diese dunklen Schafe auffallen. Wieder sehen wir uns jetzt ein dunkles gegen Licht Muster an. Wir könnten umgekehrt tun, das Ding hier drüben, dass wir ein Licht haben, ein Lichtmuster, wir könnten etwas dunkleren Ton da greifen. Nun, lassen einige dieser Schatten tatsächlich hierher kommen. Und es kann in den Schatten geraten, wenn es sich nach oben bewegt. Dies ist also ein besseres Licht in dunklem Muster, das wir helfen, dass Charakter ein wenig mehr herauskommen. Aber die meisten Zuschauer werden diese Art von Sache nie bemerkt. Das wird einfach denken, nun, es ist wirklich schön, dass dieser Himmel heller ist, so dass der Kopf des Charakters auffällt. Das ist kein Zufall, das wurde absichtlich dort platziert. Also andere Dinge, die hier unten vor sich gehen. Und wir können uns diese Kerle ansehen. Und wenn Sie auch versuchen, dies zu lernen und dies von anderen Kunstwerken zu beobachten. Ja, Sie können auf Schwarz-Weiß-Einstellungsebene werfen und nur die Werte betrachten, wenn Sie sich die Werte ansehen möchten. Aber Sie können auch lernen, wie man es macht, ohne dass der Schwarz-Weiß-Filter dazu benötigt wird. Hier haben wir dunkle, aber zumindest schattige Version, richtig? Und das Gleiche hier. Das ist dunkel und die kürzere Version davon. Also würde dieser Bereich verloren gehen, wenn er tatsächlich dieselbe Farbe hätte, oder? Wir hätten dunkel gegen Dunkelheit, und dann würden wir alle Formen von dem verlieren, was dort vor sich geht, und das ist nicht gut. So wird Licht hinzugefügt. Ich fügte speziell Licht dort im hinteren Teil dieser Federn , so dass die Pose dieses Beines und der Rand dieses Pferdegeldes unterscheidbar wären. Tragen Sie den gleichen Gedanken bis zum, hier sind der Reiher ist Ihr Licht, offensichtlich fangen direktes Licht hier drüben war im Schatten. Jetzt könnte der Schatten dieser Dinkel sein, und das haben wir schon hier festgestellt. Aber dann haben wir eine dunkle gegen eine dunkle und es gibt zwei schließende Ton, obwohl sie verschiedene Farben haben. Also lasse ich das immer leichter werden, aber ich lasse es im kühleren Bereich bleiben. Also jetzt haben wir ein Licht warm gegen ein Licht cool, weil es nicht wirklich so viel dunkler wird. Also dieser Übergang des Farbtons, kombiniert mit einem Übergang Halb-Hadronen, die eigentlich keinen Wert haben sollten, gleicht er aus, so dass dies das Licht gegen Dunkelheit bleibt. Also im nächsten Bild der J, Wir haben viele kleine hellte dunkle Muster los für Dinge, die sich gegeneinander abheben. Wir haben das dunkle Bein und den hellen Teil des Beines. Nun ist das hier problematisch, weil dieser Hintergrund natürlich ungefähr den gleichen Wert hat wie der helle Teil dieses Beines. Das würde also nicht auffallen und ich brauchte einen Teil des Beines, um das Licht zu fangen. Also, was soll ich tun? Ich muss entweder extra dunkel mit dem Hintergrund in diesem Bereich oder ich muss extra hell gehen. Das ist, was ich bereits festgestellt habe, dass diese Fächerpflanzen im Hintergrund, es gibt einige hier auf dem anderen Teil des Bildes. Also zog ich einen hierher, damit wir ein Licht gegen einen Dork haben können. Und dann kann das auch als Licht gegen eine Dunkelheit dienen. Aber wenn Sie mit einem breiteren Wertebereich arbeiten, kann das Medium tatsächlich als Licht oder Dunkel des anderen dienen, ist nicht extrem. Das Medium dient also als Licht gegen diese Dunkelheit, aber es dient als Dunkelheit gegen dieses Licht. Wirklich interessant. Das ist etwa so weit, wie man es wirklich so weit schieben kann, wie ein Medium das eine oder andere sein kann. Und dann haben wir die dunkle Form hier gegen das helle Blatt, richtig? Aber ist eigentlich heller als je dunkler hier drüben. Das ist also dunkel, wird hell. Wieder, die mittlere Reichweite Ebene hier drüben zu treffen. Und wir haben eine ähnliche Art von Umständen, in denen wir dieses Rampenlicht hatten, das Rampenlicht, das diesen Bereich hier trifft, trifft auch hier auf diesen Bereich. Also hier haben wir eine Dunkelheit im Schatten gegen das Licht. Und wir haben das Licht gegen die Dunkelheit, auf dieser Dunkelheit gegen ein Licht und das Licht gegen einen Dork. Und so funktioniert dieses Muster so, dass alles sich voneinander abhebt. Und wir wollen absichtlich nicht sehr gut beleuchtet, denn wir wollen, dass die Absicht des Gesichts und des Lichtes im Gesicht wirklich herauskommt. Und es würde nicht funktionieren, wenn das alles dieselbe Helligkeit hätte. Also, wenn wir das absichtlich tun, genauso wie wir das Licht hier haben, das hilft zu unterscheiden, was mit diesem Bein und der Seite des Pferdes los ist. Licht wurde hinzugefügt, um durch den Boden des Umhangs dort zu filtern , so dass wir den Rand des Charakters und den Arm sehen können. Natürlich würden Sie denken, das wäre wahrscheinlich das dunkelste Gebiet. Aber wenn du das tust, steckt sie nur in so viel Schatten und wir haben nicht genug Farbe. Also möchte ich sicherstellen, dass diese Farbe herauskommt. Und ich muss den Wert etwas erhöhen, damit das passiert. 33. Nachbewertung: Bevor wir uns mit den endgültigen Details befassen, was der nächste Schritt ist, werden wir anhalten und Ihren Fortschritt überprüfen, bevor wir fortfahren. Dies ist die Zeit, um sicherzustellen, dass das Bild ein noch auf der Strecke ist. Dies sind die Dinge, die Sie an dieser Stelle berücksichtigen möchten. Lesen Sie den Umriss erneut und fragen Sie sich, wie die gerade geändert. Das passiert uns, okay? Wir bekommen eine Idee. Wir beginnen mit einer Idee zu rennen. Und wir sind wirklich zu weit weg von dem, was der Umriss darum verlangte. Ich habe das schon mal gemacht. Ich habe schon mal gesehen, wie Studenten das tun. Jeder Künstler macht das irgendwann. Aber versuchen Sie, sich selbst zu überprüfen. Gehen Sie zurück, lesen Sie den Umriss erneut und sagen Sie, scheint dies das zu sein, was der Kunde oder der Wettbewerb oder die Herausforderung verlangt. Auch, Haben Sie etwas aus dem Umriss vergessen? Ich war schon da, das habe ich getan. Elemente, die speziell gefragt werden, werden vergessen und nicht enthalten. Überprüfen Sie es noch einmal. Überprüfen Sie auch die Frist ist das Datum, an dem Sie denken, es ist. Haben das Datum, dass es tatsächlich wieder tun, Fehler, den ich gemacht habe, deshalb ist Gewohnheit in meiner Checkliste oder die Farben noch auf der Spur mit einer Farbstudie? Hey, das passiert, du fängst an, eine Farbe gegen die andere zu balancieren. Je mehr Sie damit arbeiten, neigen Farben, Schemata und Farbpaletten dazu, zu driften. Also sieh dir an, wo du bist. Sieht es so aus, als wolltest du anfangs hin? Ist es in der Nähe? Ok, cool. Und wenn es ein wenig verschoben wird, ist das wahrscheinlich in Ordnung. Aber wir wollen nicht zu weit gehen. Überprüfen Sie, ob die Farben TO DO oder übersättigt sind. Auch dies sind Dinge, die im Laufe der Zeit von Stunden und Stunden der Arbeit an einem Bild, Sie können sie auf Sie ein wenig verschieben, und Sie bemerken nicht, dass ihre Gesamt zu DOE zu bekommen oder übersättigt. Dies ist auch ein Ort, an dem Sie es zu etwas Feedback werfen könnten. Wenn Sie nicht unter NDA und Geheimhaltungsvereinbarung stehen, überprüfen Sie es mit einem anderen Künstler oder überprüfen Sie es mit einem Kunstlehrer. Drehen Sie das Bild horizontal und suchen Sie nach Problemen. So erhalten Sie Ihr Bild blip horizontal. Dies ist eine der besten Möglichkeiten, um zu überprüfen, ob etwas mit der Zeichnung, den Formen, der Perspektive, dieser Art von Sache nicht stimmt . Es macht Sie das Bild der frischen Wirkung zu sehen. Wenn Sie noch nicht gewesen sind, ist es Zeit, das Bild horizontal zu spiegeln und zu überprüfen, ob etwas Ihre Aufmerksamkeit erregt, dann die Arbeit am Bild für eine Weile. Ich mache das die ganze Zeit. Ich werde auf das Bild und unsere in eine Richtung arbeiten. Und dann drehe ich sie um. Und dann arbeite ich für eine Stunde in diese Richtung, und ich drehe sie zurück, mache eine Schwarz-Weiß-Einstellungsebene und überprüfe, ob das Werteschema immer noch stark ist. Es gibt ein Szenenwerk in Schwarzweiß. Driften die Werte im Kontrast zu niedrig oder hoch? Driften sie insgesamt zu dunkel oder hell? Auch hat sich von der Referenz oder der poststudie verschoben abgesetzt. Hier sehen wir ein Beispiel dafür. Wenn sich der Pfosten während des Malens verschoben hat, platzieren Sie Ihre Postskizze über dem aktuellen Charakter und überprüfen Sie, ob sie noch richtig in ihre Kleidung passen oder dass ihre Kleidung richtig auf sie passt. Also, wenn ein Charakter wie dieser, wo Sie große sperrige Rüstung und alle Arten von Schichten von Materialien haben , ist auf den Charakter. Es kann sein, dass Sie anfangen, die Formen dieser Jungs zu ändern und nicht zu bemerken, dass die menschliche Figur tatsächlich nicht mehr in diese Pose passen würde. Also wollen Sie das nochmals überprüfen und sicherstellen, dass Sie Ihren Charakter nicht nur in eine unnatürliche Position verzerrt haben. Und haben Sie Feedback von Kunstpiers oder einem professionellen Ausbilder gesucht? Dies ist möglicherweise nicht immer die Option, wenn Sie unter einer NDA sind, aber es ist etwas, das eine gute Option ist, wenn Sie nicht so gut sind, einige Rückmeldungen sehen aus frischen Augen, aus der Sicht eines anderen. Okay, jetzt gehen wir zu den letzten Details. Wir sind fast bis zum Ende. 34. Schlussbemerkung und Schlussbemerkung: Details erstellen kein Bild, sondern verwenden korrekt. Sie können es sich realer anfühlen und visuell interessanter sein. Beginnen Sie also mit der Detaillierung in den Focal Points und Sie werden wahrscheinlich feststellen, dass nicht so viel Details wie anderswo benötigt. Jetzt sind Schwerpunkte, wo die Menschen am meisten betrachten wollen , und dort muss das meiste Detail sein. In der Tat, zu viel im Detail und nicht-fokale Bereiche können tatsächlich ablenken InImage, alles erhält eine Signalmenge an Details. Es sagt im Grunde, dass alles gleich wichtig ist. Und das wollen wir nicht. Wir möchten, dass die meiste Aufmerksamkeit und das meiste Detail in diesen Schwerpunkten stehen. In Ordnung, Details, die auf Fokuspunkte und vor allem Charaktergesichter achten , überspringen nicht die Phasen. Material-Rendering. Füllt sich das Tuch wie ein Tuch? Ist das mit Wasser gefüllte nass? Fühlt sich das Metall härten, glänzend an? Überprüfen Sie das Rendering von Material, lassen Sie uns versuchen, es von der gleichen Art von plasticky Ton fernzuhalten . Überprüfen Sie Ihre Kantenarbeit. Beseitigen Sie die harten Auswahlkanten mit einem Mittelton, um zu erweichen. Wenn Sie eine Menge Masse oder Auswahlkanten während Ihres Malprozesses verwenden, werden Sie wahrscheinlich diese wirklich schwer auf digitale scharfe Kante haben. Und manchmal brauchst du das. Aber die meiste Zeit noch nicht. Die meiste Zeit wird es besser sein, wenn man es nur ein wenig weicher macht. Und manchmal ist das Richtige, einen kleinen Mittelton zu bekommen, einen reinen Mittelton. Und dass Sie direkt entlang der Kante laufen können, um zu helfen, zwischen den beiden Tönen zu erweichen. Also, wann ist das Bild fertig? Nun, es kann als fertig betrachtet werden. Und wenn du keine Zeit hast, ja, das ist wirklich grundlegend. Aber wenn du deine Deadline einhältst, ist es erledigt, Mann. Also, wo immer es ist, es ist fertig. Man muss es auf andere Weise drehen, indem man mehr Holzüberlastung hinzufügt und seine Energie senkt. Das willst du nicht tun. Sie wollen nicht so lange daran arbeiten, dass die Gesamtenergie, die Lebensfreude und die Frische des Bildes verschwindet. Denken Sie auch daran, dass, wenn es alles sagt, was es sagen muss , es wahrscheinlich getan wird, deshalb muss alles nicht detailliert sein. Wenn es darum geht, eine bestimmte Emotion zu vermitteln, dann geht es um Bequemlichkeit, bestimmte Idee, Bunker Venus oder eine Aktion. Und jetzt macht das Bild das schon und es kann einfach gemacht werden. Also mach dir keine Sorgen darüber. Schließlich wäre mehr überflüssig und weniger unzureichend. Machen Sie sich Sorgen, lernte das hier, aber ich mochte es wirklich. Also werde ich es an euch weitergeben. Wenn Sie zu diesem Zeitpunkt mehr zur Szene hinzugefügt haben und Sie das Gefühl haben, dass es überflüssig wäre, dann fügen Sie nicht mehr hinzu. Aber wenn Sie etwas wegnehmen und die Szene mehr von hier zu vereinfachen und es würde sich unzureichender fühlen. Ich meine, Sie haben wahrscheinlich die richtige Balance. Mehr wäre Sperma Oculus. Weniger wäre adäquat. Klingt, als wären die Bilder wahrscheinlich fertig. Was versuchst du in dieser Detailstufe zu etablieren? Wird Töne, tun Sie eine der großen tonalen Bereiche müssen angepasst werden, so dass das Bild von liest besser, wenn klein. Das ist nicht wirklich eine detaillierte Sache. Es ist mehr wie eine endgültige Anpassung und es ist sicherlich etwas, das Sie in diesem Stadium berücksichtigen sollten. Nun war dies der Fall, wenn der Pegasus aufgehellt werden musste. Hier hatte ich am Pegasus gearbeitet und er sah alle ziemlich gut für sich aus. Aber insgesamt war er nur ein bisschen zu viel in die Mitteltöne bekommen, ein wenig zu dunkel, und immer zu ähnlich und Ton auf der Rückseite. Werde ich es gegen mein ursprüngliches Werteschema überprüfen? Und erkennen, dass diese Jungs insgesamt einen anständigen Schritt leichter als der Hintergrund sein müssen. Also habe ich ihn gerade aufgehellt. Ich vereinte auch seine Farben, so dass er insgesamt ein wenig wärmer als der Hintergrund war. Und er benutzt nicht so viel Blues, wie der Hintergrund Gesichter ist. Besondere Aufmerksamkeit sollte Gesichtern geschenkt werden. Sogar nicht-menschliche. Klären Sie alle unpräzisen Formen in Schatten, helfen Sie, die richtige Servicetextur zu vermitteln. Und überprüfen Sie den Ausdruck. Zweite Lesung. Dies ist die Zeit, um es in einem zweiten Lesen Details wie Nähen, Text ausrichten Papiere, Schilder, Etiketten, Kratzer, Verwitterung, et cetera. Diese Details werden das Bild nicht machen, aber es macht es ein wenig realer fühlen. Und es macht es ein bisschen taktiler. Und die zweite Lesung heißt es, denn auf den ersten Blick des Bildes merkt man diese Nähte nicht wirklich. Sie bemerken nicht die Skizzen oder die Linien auf dem Papier. Sie haben die Gesamtszene bemerkt, Sie bekommen eine Vorstellung davon, was in der Szene im Allgemeinen vor sich geht. Aber in der zweiten Lesung drehen Sie mehr Zeit, Ihre Augen wandern herum und Sie nehmen kleine Details in der Szene auf. Generisch. Alles, was immer noch zu generisch ist, sollte überarbeitet werden, um einzigartiger und interessanter zu sein. Das war der Fall von dieser Schwerter-Wache hier. Das basiert auf einem Foto, das ich gesehen habe. Aber es ist ehrlich gesagt einfach nicht so interessant. Und es ist nicht wirklich so einzigartig. Unsere überarbeitete es so, dass es viel interessanter wäre, einen Film wie die persönliche Klinge von jemandem zu betrachten und dass er vielleicht nach Maß gemacht wurde. Dies wäre also ein gutes Beispiel dafür, etwas von generischem zu einzigartigem zu nehmen. Der Illustrationsprozess ist jetzt abgeschlossen. Also möchte ich Ihnen danken, dass Sie sich mir durch dieses Material angeschlossen haben. Ich hoffe wirklich, Sie fanden es hilfreich. Und wenn Sie sich mehr verloben und dieses Zeug in die Praxis umsetzen wollen, hasse. Ich führe jeden Monat Kunstherausforderungen. Sie können diese auf meinem YouTube-Kanal überprüfen, youtube.com Schrägfelder. Probieren Sie das aus, in Ordnung, finden Sie einen Überblick, finden Sie einen Wettbewerb, nehmen Sie einen Job auf und folgen Sie dem Material. Ich denke, Sie werden es nützlich finden. Und bis ich dich das nächste Mal sehe, bleib gezogen.