Grundlagen der Videoerstellung: Mit Objektiven und Beleuchtung Emotionen vermitteln | Oren Soffer | Skillshare
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Grundlagen der Videoerstellung: Mit Objektiven und Beleuchtung Emotionen vermitteln

teacher avatar Oren Soffer, Director of Photography

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Einheiten dieses Kurses

    • 1.

      Einführung

      1:37

    • 2.

      Die Macht der Kameraführung

      4:35

    • 3.

      Dein Projekt planen

      4:29

    • 4.

      Grundlegende Ausrüstung

      2:15

    • 5.

      Deinen Drehort beurteilen

      4:02

    • 6.

      Den Raum gestalten

      3:16

    • 7.

      Deine Kamera platzieren

      5:10

    • 8.

      Framing deines Motivs

      2:45

    • 9.

      Erste Kameraeinstellungen

      5:05

    • 10.

      Das Führungslicht festlegen

      8:38

    • 11.

      Das Fülllicht hinzufügen

      6:01

    • 12.

      Mit dem Spitzlicht abschließen

      7:26

    • 13.

      Mit natürlichem Licht arbeiten

      5:47

    • 14.

      Letzte Gedanken

      1:17

  • --
  • Anfänger-Niveau
  • Fortgeschrittenes Niveau
  • Fortgeschrittenes Niveau
  • Jedes Niveau

Von der Community generiert

Das Niveau wird anhand der mehrheitlichen Meinung der Teilnehmer:innen bestimmt, die diesen Kurs bewertet haben. Bis das Feedback von mindestens 5 Teilnehmer:innen eingegangen ist, wird die Empfehlung der Kursleiter:innen angezeigt.

4.082

Teilnehmer:innen

2

Projekte

Über diesen Kurs

Was hat dein Lieblingsfilm mit dem YouTube-Vlog gemeinsam, den du am liebsten siehst? Beide setzen auf die Kameraführung, um deine Aufmerksamkeit zu fesseln. Lerne, wie du Inhalte erschaffen kannst, die dies ebenfalls erreichen, egal über welches Budget du verfügst!

Kameramann Oren Soffer bringt dir bei, wie du mit einfachen und praktisch umsetzbaren Techniken der Kameraführung in jedem Video ein visuelles Storytelling schaffen kannst. Die Kurseinheiten richten sich an alle, die überzeugende Inhalte erstellen wollen, und bauen aufeinander auf, sodass du mit einer bereits vorhandenen Ausrüstung professionelles Können und den Blick eines Profis entwickeln kannst.

Die wichtigsten Lektionen behandeln Folgendes:

  • Dein Zuhause oder Set für ein besseres Storytelling gestalten
  • Die richtige Kombination aus Objektiv und Kameraplatzierung wählen
  • Mit einfachen Beleuchtungsanpassungen Emotionen hervorrufen
  • Mit genau denselben Tools zwei unterschiedliche Looks erschaffen

Oren erzählt von seiner Lieblingsausrüstung, seinen bevorzugten Einstellungen und seinen besten Tipps zum Erstellen von Videos ohne großes Budget, basierend auf seiner langjährigen Erfahrung mit Arbeit für Werbe- und Musikvideos sowie Filme.

Egal ob du einen YouTube-Kanal auf die Beine stellen oder dich als Videograf:in mit Erfahrung weiterbilden möchtest: Dieser einstündige Kurs vermittelt dir neue Methoden der kreativen Kontrolle. Am Ende hast du das Wissen und die Zuversicht, die du brauchst, um deine Vision in jedem deiner Videos umzusetzen!

_________________________

Dieser Kurs richtet sich an Kursteilnehmer:innen, die bereits Inhalte irgendeiner Art produzieren. Um mitzumachen, brauchst du eine Kamera mit austauschbaren Objektiven und grundlegende Kenntnisse in Shooting und Beleuchtungstechnik – oder die Neugier, zu lernen!

Triff deine:n Kursleiter:in

Teacher Profile Image

Oren Soffer

Director of Photography

Kursleiter:in

Oren grew up between the United States and Israel, honing hobbies in painting and photography and watching Steven Spielberg movies. These activities laid the groundwork for what would eventually become a burning passion of all things film, and a particular focus on crafting bold, cinematic visual imagery.

In 2017, a short film that Oren shot, 'Opera of Cruelty,' won the Alternative category at the Student Academy Awards. Also that year, Oren shot two feature films that received theatrical releases. In 2018, a music video Oren co-shot for Avicii and Rita Ora, ‘Lonely Together,’ won the MTV VMA for Best Dance Video. During his studies at NYU’s Tisch School of the Arts, Oren was nominated for the ASC Gordon Willis Student Heritage Award, and was a finalist fo... Vollständiges Profil ansehen

Level: All Levels

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Transkripte

1. Einführung: Tolle Kinematographie ist emotional und kann Ihr Publikum wirklich das Gefühl geben , was Sie wollen, dass sie über die Geschichte, die Sie erzählen, fühlen. Ob Rätsel oder Traurigkeit, Glück, alles geht. In dieser Klasse geht es darum, die Werkzeuge und Techniken der Kinematographie zu nehmen und sie auf Videoinhalte auf jeder Ebene anzuwenden. Hi, mein Name ist Oren. Bisher bin ich Kameramann und drehte überwiegend Werbespots, Musikvideos, Kurzfilme und einige Spielfilme. Kinematographie ist eine Sichtweise, sie fügt eine Ebene visueller Geschichten zu jedem Thema hinzu, das Sie gerade drehen. Ich habe diese Klasse strukturiert oder unter wirklich grundlegenden Baustein, der ein Interview aufbaut. Wir werden Licht und Rahmen dieses Interviews auf ein paar verschiedene Arten und dadurch zeigen, wie die verschiedenen Techniken, über die wir heute sprechen werden, wirklich die Natur des Bildes verändern und ein Bild durchdringen können mit einem emotionalen Kontext. Ob Sie ein beruflicher Profi sind oder Vlogs von sich selbst filmen, ich hoffe, diese Klasse ist hilfreich für jeden, der die Bilder, die sie erstellen, wirklich erhöhen möchte, und bringen sie auf die nächste Ebene. Wir werden professionelle Level-Ausrüstungen verwenden, aber Sie können diese Techniken mit jeder Ausrüstung anwenden, auf der Sie bereits schießen. Meine Lieblingssache an der Kinematographie ist nur der Ansturm, ein Bild zu machen, das in meinem Kopf ist und einige Geräte herumarbeiten, zu sehen, dass das Bild auf dem Monitor vor mir zum Leben erweckt wird. Ich liebe das. Ich bin so aufgeregt, dass du diesen Kurs nimmst. Lasst uns eintauchen. 2. Die Macht der Kameraführung: Kinematographie ist die Kunstform, visuelle Sprache und Ästhetik zu nehmen und sie auf jede Art von video-visuellen Inhalten anzuwenden. Weil es eine Kunstform ist, sollte der Akt des Kinematographie-Betrachters Emotionen hervorrufen, das ist das ultimative Ziel, das ist etwas, das ich immer angezogen habe seit ich ein Kind war, das ich malte und zeichnete im Alter von vier Jahren und schließlich entdeckte Fotografie und dann Videographie. So wurde die Kinematographie schließlich zum Höhepunkt meiner ästhetischen Interessen als Kind. Ich denke, es gibt eine Annahme, dass filmische Bilder etwas sind, das für Filme oder Fernsehsendungen reserviert ist etwas sind, das für Filme oder Fernsehsendungen reserviert ist und dass es eine ganze andere Schwad von Videoinhalten gibt, die von Natur aus nicht filmisch sind. ob du Corporate Talking Head-Interviews drehst, in Dokumentarfilm arbeitest, Hochzeiten drehst, jede Art von Videografie machst oder sogar einen Vlog oder YouTube-Kanal filmst, oder sogar etwas so Einfaches wie machen Videos für Snapchat oder TikTok. Ich denke, es gibt vielleicht eine Annahme da draußen, dass diese Art von Inhalt getrennt von der Welt der Filme, TV-Shows und Kino ist, aber ich stimme dieser Prämisse nicht zu und ich denke, dass jede Art von Videoinhalten das Potenzial hat verwenden filmische Techniken, um die visuelle Sprache, die in ihr verwendet wird, zu erhöhen, um ihre Geschichte zu erzählen. Ich habe mich entschieden, diese Klasse um Beleuchtung und Framing eines Interview-Setups zu strukturieren, und ich wähle dies aus, weil ich denke, dass dies eine gute Möglichkeit ist, alle Techniken, über die wir sprechen werden, auf eine Weise zu demonstrieren , die anwendbar ist zu all den verschiedenen Arten von Inhalten, die ich gerade durchgemacht habe. Meine Hoffnung ist es, Ihnen zeigen zu können, wie Sie etwas nehmen können, das neutral beginnt, filmische Techniken anwenden und sich in einen Ort erheben, der von Emotion und Kontext durchdrungen ist. In Interviews Setup hat auch relativ wenige Variablen, wir sprechen über ein statisches Thema, das an einem Ort sitzt , aufgenommen von einer festen Kameraposition. Dadurch sind wir in der Lage, uns wirklich auf Beleuchtungs- und Rahmentechniken zu konzentrieren und müssen sich nicht mit anderen Variablen verdrängen , die das erschweren könnten. Wir werden diese Klasse mit einem kleinen Überblick über einige theoretische Konzepte des visuellen Geschichtenerzählens beginnen und von dort aus gehen wir in die praktische Komponente der Ankunft am Ort, um es auszuweiten und zu entscheiden, wohin wir gehen , um unser Interview einzurichten. Der nächste Schritt ist das Einrahmen unseres Themas, und in diesem Stadium werden wir unsere Entscheidungen über Kameraplatzierung, Objektivwahl und die Beziehung zwischen all diesen, dem Motiv und dem Hintergrund treffen. Sobald wir unseren Rahmen bestimmt haben, wird die nächste Schicht Beleuchtung und Belichtung sein. Die beiden sind miteinander verbunden und wir werden darüber in dieser Klasse sprechen. Wir werden ein paar verschiedene Beleuchtungsstile durchlaufen und zeigen wie verschiedene Beleuchtungstechniken die Stimmung und emotionale Kontexte Ihres Bildes wirklich verändern können . Da wir an einem praktischen Ort fotografieren werden, konzentrieren wir uns auch einiges darauf, wie Sie natürliches Licht nutzen und nutzen können , um Ihre Bilder zu erstellen. Die beiden wichtigsten verschiedenen Looks, die wir kreieren werden, sind eines , das ein wenig neutraler und kommerzieller ist, und dann eines, das als filmischer oder launischer beschrieben würde und durch den Kontrast dieser beiden Stile wird in der Lage sein, all die verschiedenen Techniken zu demonstrieren , die wir in dieser Klasse durchlaufen werden. Diese Klasse richtet sich an Menschen, die bereits Inhalte in irgendeiner Funktion erstellen und ein grundlegendes Verständnis der Videoproduktion und ein Verständnis von grundlegenden Konzepten haben, werden wir professionelle Level-Ausrüstung verwenden, aber lassen Sie sich das nicht beeinflussen Sie überhaupt. Diese Techniken können auf jede Ausrüstung angewendet werden, auf die Sie bereits schießen. Grundsätzlich werden wir Sie bis zu dem Punkt bringen, an dem Sie Rekord drücken. Ehrlich gesagt, die meiste Arbeit eines Kameramanners wird an diesem Punkt erledigt. Wir werden nicht wirklich über Tonaufnahme in dieser Klasse sprechen, oder Bearbeitung oder irgendetwas, was wirklich passiert, nachdem das ursprüngliche Bild gerahmt, beleuchtet und geformt wurde. Meine Hoffnung ist, dass Sie am Ende dieser Klasse die von uns diskutierten Techniken nutzen und sie auf Ihre eigene Arbeit anwenden können und die Bilder, die Sie erstellen, auf ein Niveau heben können, auf das Sie zuversichtlich und stolz sind. Ich bin wirklich aufgeregt zu sehen, wie Sie alle diese Techniken auf Ihre eigene Arbeit anwenden. Wenn Sie also den Kurs entlang verfolgen oder ihn bereits absolviert haben und diese Techniken in Ihren Inhalt anwenden, zeigen Sie mir. Laden Sie Ihre Frames in die Projektgalerie hoch, damit wir alle diese Techniken in Aktion teilen und sehen können. Als nächstes werden wir mit einem kleinen Überblick über einige Elemente des visuellen Geschichtenerzählens beginnen . 3. Dein Projekt planen: Bevor ich den visuellen Stil bestimme, muss ich ein paar logistische Fragen stellen, um zu bestimmen, was wir es zu tun haben. Die erste Frage ist also, wer ist das Thema, das wir filmen? Worüber werden sie reden? Was ist der eigentliche Text der Inhalte, die wir erstellen werden? Die nächste Frage wird über den Standort sein. Wo filmen wir dieses Interview? Welche Elemente sind bereits vorhanden, die ich verbessern oder abarbeiten kann im Vergleich zu welchen Elementen muss ich einbringen, um das visuelle Aussehen zu schaffen, das ich will. Eine andere Frage, die ich stellen muss, ist, wie hoch ist das Budget? Worauf haben wir Zugang in Bezug auf die Ausrüstung? welche Art von Objektiven kann ich Zugriff haben? Welche Art von Lichtern? ich in der Lage sein, eine Abwechslung zu bekommen, oder muss ich bei etwas Minimaleres bleiben und das natürliche Licht formen , im Gegensatz dazu, dass Sie zusätzliche Beleuchtungseinheiten einbringen können , um wirklich einen Look zu kreieren? Mit einem niedrigen Budget schränkt die stilistischen Entscheidungen, die Sie treffen können, nicht wirklich ein. Es ist wirklich nur, um in der Lage zu sein, sich bewusst zu sein, auf welche spezifischen Geräte Sie zugreifen können. Alle Techniken, über die wir in dieser Klasse sprechen werden , sind auf jeder Budgetebene und mit jeder Art von Ausrüstung erreichbar . Nachdem ich diese grundlegenden Fragen durchgegangen bin, dann ist es die Aufgabe des Kameramann, wirklich die letzte Frage zu stellen, die lautet, was ist der Gesamtstil, den ich diesem Shooting durchsetzen möchte? Es gibt einen bestimmten Denkprozess, den ich durchmache, um zu bestimmen, was ich will, dass dieser Stil sein. Dieser Gedankenprozess ist etwas, das direkt aus den Inhalten stammt, die ich fotografiere, und welche emotionalen Einsätze ich entweder erhöhen oder hervorheben möchte , wenn ich die Bilder erschaffe, die das Subjekt begleiten. Zum Beispiel können Sie sehen, dass die Bilder aus diesem Dokumentarfilm, den ich gedreht habe, ziemlich neutral sind. In der Dokumentation geht es um ein sehr unkompliziertes Thema. Bei diesen Interviews handelt es sich um Experten oder Einzelpersonen, die unkompliziertere, sachliche Informationen zum Thema des Dokumentarfilms präsentieren . So können Sie sehen, dass der Stil der Beleuchtung in diesen Interviews ziemlich neutral ist, und das ist, was ich als das kommerziellere Aussehen bezeichnen würde. In diesem Projekt befragten wir andererseits ein Thema, das über das Streben nach Perfektion sprach, und wir wollten den visuellen Stil des Stückes mit einer ästhetischen Qualität erfüllen, die den Inhalt dessen widerspiegelte, was er war darüber reden. Deshalb haben wir uns für dieses Interview für diese Art von launischem oder kinematischem Look entschieden , weil wir dachten, dass der hohe Kontrast und die Präzision in den Bildern sowie die Verwendung von Schwarz-Weiß wirklich dazu beigetragen haben, die Themen zu demonstrieren dass er über das Erreichen im Interview sprach. Für dieses Projekt, in dem wir die Besetzung und die Crew des Films Glass interviewt haben, wollten wir den Bildern wirklich nur einen visuellen Stil verleihen , der auf den Film selbst zurückgreift. So wurden verschiedene filmische Techniken und ein stimmungsvoller und filmischer Look angewandt, um den visuellen Stil dieser Interviews mit dem des Films selbst zu verbinden . Sobald Sie eine Vorstellung davon haben welcher visuelle Stil Ihrer Meinung nach für ein Projekt in Ihrem Kopf geeignet ist, ist der nächste Schritt, diese Ideen wirklich mit dem Rest Ihres Teams zu kommunizieren. Egal, ob Sie mit einem Regisseur oder einem Kunden arbeiten, Sie möchten diese Ideen und Ziele teilen, damit jeder auf die gleiche Seite kommt, und Sie gehen in Ihr Projekt mit einer wirklich soliden Vorstellung davon, was Sie erstellen werden, wie es Schau, und warum du es so machst. Manchmal die Idee einer gewonnenen Person von launisch oder filmisch unterscheidet sich von der Idee einer anderen Person, und das Teilen von Referenzbildern aus bereits bestehenden Projekten ist eine gute Möglichkeit, einfach auf die gleiche Seite zu kommen, und stellen Sie sicher, dass Ihre Visionen, die ausgerichtet sind. Das sind also nur einige Beispiele dafür, wie und warum ich bestimmte Entscheidungen getroffen , welche visuellen Techniken und Ästhetik für verschiedene Projekte gelten sollen. Ich möchte nicht, dass jemand von dieser Klasse weggeht und denkt, dass es einen richtigen oder richtigen Weg gibt , um Licht und Interview auf die eine oder andere Weise, meine Hoffnung ist wirklich mehr, nur eine Vielzahl von Techniken zu demonstrieren, aber ich ermutige Sie, wirklich Geh da raus und experimentiere auf eigene Faust, mischen und zusammenpassen. Manchmal möchten Sie vielleicht absichtlich eine bestimmte Ästhetik verwenden um einen Kontrast zwischen Thema und visuellem Stil hervorzuheben. Manchmal möchten Sie vielleicht einfach Dinge vermischen und die Dinge etwas ändern. Es gibt wirklich keinen richtigen Weg, oder eine Möglichkeit, dies zu tun, ich denke, alles geht und die Schlüsselkomponente hören ist, einfach Spaß zu haben und kreativ zu sein. Als Nächstes werden wir über Ausrüstung reden. 4. Grundlegende Ausrüstung: Diese Techniken können wirklich auf jedem Niveau von Prosumer oder professionelle Ausrüstung angewendet werden. Es gibt eine bestimmte Schwelle an Ausrüstung, auf die diese Techniken nicht anwendbar wären. Wir werden über die Verwendung verschiedener Brennweiten diskutieren. Um diese Techniken anwenden zu können, müssen Sie sicherstellen, dass Sie auf der Basisebene eine Kamera mit austauschbaren Objektiven haben, egal ob es sichum Sie auf der Basisebene eine Kamera mit austauschbaren Objektiven haben, egal ob es sich eine DSLR- oder eine spiegellose Kamera oder ein Video auf Prosumerebene handelt. -Kamera. So oder so, solange die Kamera über eine Objektivhalterung verfügt in der Objektive ein- und ausgetauscht werden können, sind Sie gut. Für die Zwecke dieser Klasse verwenden wir eine Sony FS7 mit einem Fuji 18-55 Millimeter Zoomobjektiv. Zoom-Objektive im Vergleich zu Prime-Objektiven sind hier eine wichtige Unterscheidung. Wir verwenden ein Zoomobjektiv für die Zwecke dieser Klasse, nur um schnell verschiedene Effekte von Brennweiten zu demonstrieren. Aber die eigentlichen Techniken, die wir diskutieren, können auf Primeobjektive oder Zoomobjektive angewendet werden . Auf der Beleuchtungsseite werden wir eine Vielzahl von LED-Leuchten verwenden , um die verschiedenen Looks zu erreichen. Um dies zu folgen, benötigen Sie Zugang zu mindestens drei verschiedenen Arten von Lichtern. Sie müssen nicht alle professionelle oder persönliche Niveaubeleuchtung sein. Einige Elemente können Lichter verwenden, die Sie vielleicht nur um Ihr Haus oder Standort liegen, wie Lampen, Glühbirnen, Laternen, Fenster, Arbeitsscheinwerfer, alles überhaupt. Wichtige Takeaways sind die Platzierung, Gestaltung und Steuerung des Lichts im Gegensatz zu den Beleuchtungseinheiten selbst. Ich werde ein grundlegendes Verständnis der Dreipunktbeleuchtung annehmen. Wenn Sie mit diesem Konzept nicht vertraut sind, wird es einen Link in den Klassenressourcen geben. Wir werden auch unser Demo-Interview mit der Verwendung eines Stativs drehen. Das ist nicht nötig. Diese Techniken können auf jede Art von Kamerabewegungen angewendet werden, ob Sie etwas schießen, das ein wenig mehr Handheld oder Laufpistole, oder ein formelles Set-Down-Interview. So oder so, lassen Sie sich nicht vom Stativ hochfahren. sind wirklich das Wesentliche, das Sie brauchen werden, um zu folgen. Wir werden einige andere Geräte verwenden, die vielleicht ein bisschen mehr auf der professionellen Seite sind. Sie brauchen keine von ihnen, um diese Techniken zu erstellen , aber ich werde sie trotzdem durchgehen, wenn wir sie erreichen, und es wird eine vollständige Liste der Ausrüstung in den Klassenressourcen geben. Wenn Sie also folgen, schnappen Sie sich die Ausrüstung, die Sie haben, und wir werden vor Ort zum nächsten Teil der Klasse springen. 5. Deinen Drehort beurteilen: Also sind wir hier an unserem Standort. Skillshare hat diesen Platz für uns gefunden. Es ist ein ziemlich typischer Standort vom Typ New York City. Ich war noch nicht hier, also werden wir es zum ersten Mal betreten und ich werde die Checkliste durchgehen, die ich durchmachen würde, wenn ich an einem Ort für ein Shooting ankomme. Wenn Sie die Chance haben, Ihren Standort vor Ihrem Shooting zu finden, ist dies etwas, das wirklich hilfreich sein kann. Grundsätzlich ermöglicht es Ihnen, den Prozess zu speichern, den ich gerade jetzt für eine Zeit vor Ihren Shootings durchlaufen werde, so dass, wenn Sie tatsächlich am Tag ankommen, Sie bereits eine Menge von der mentalen Checkliste durchlaufen haben , die ich gerade durchmachen werde. Wenn Sie nicht die Möglichkeit haben, Ihre Standorte vorher zu erkunden, wie ich noch nicht die Chance hatte, den Raum zu sehen, ist es gut zu versuchen, an Ihrem Standort zu kommen wahrscheinlich etwa 3-4 Stunden vor Ihrem geplanten Shooting, nur um sicherzustellen, dass Sie Zeit haben, alles durchzugehen, die Entscheidungen zu treffen, die Sie treffen müssen, richten Sie Ihre Ausrüstung ein und stellen Sie dann sicher, dass Sie bereit sind, für Ihr tatsächliches Shooting zu gehen. Das ist es hier, also lasst uns sehen, was wir haben. Also hier sind wir an unserem Standort und sehen wirklich schön aus. Viel natürliches Licht, das ich schon sehen kann. Das erste, was ich tun werde, ist nur versuchen, die Beleuchtung hier so weit wie möglich zu neutralisieren , um es auf das natürliche Licht zu bringen , das durch die Fenster hereinkommt. Das beginnt uns also in einer neutralen, natürlich beleuchteten Position, die uns nur das gibt, was der Raum selbst bietet. Es sieht also ziemlich gut aus. Viele große Fenster, natürliches Licht, das ist alles gute Sachen, die ins Spiel kommen werden, wenn wir versuchen herauszufinden, wo wir unsere eigentliche Interview-Setup einrichten. Das wird nun der nächste Schritt sein, ist es, den Raum zu erkunden und herauszufinden , wo Sie Ihren tatsächlichen Schuss und Frame einrichten möchten. Dies ist eine ziemlich große Entscheidung und etwas, das es wert ist, sich Zeit zu nehmen und zu erforschen. Um dies zu tun, werde ich eine Sucher App namens Artemis verwenden. Ich habe diese App mit den Kamera- und Objektiveinstellungen voreingestellt , die wir heute aufnehmen werden. Also, was ich tun kann, ist, einfach eine generische Brennweite auszuwählen, etwas ziemlich breit, nur damit ich den Raum wirklich sehen kann, und dann werde ich einfach anfangen, herumzulaufen und mir einige verschiedene Möglichkeiten anzusehen , wo wir unsere Rahmen. Das ist also die leere Wand, das sind die schlechten Winkel. Das wird also nicht wirklich für uns funktionieren. Ich meine, selbst wenn ich noch hier rüber spazieren will, ist das ein Potenzial, aber der Hintergrund wird immer noch ziemlich flach sein, mit dieser weißen Wand, die unseren Rahmen füllt. Stattdessen werde ich mich darauf konzentrieren, einen Winkel zu finden, der mit dieser Ecke des Raumes funktioniert, nur weil diese Fenster wirklich sein werden was dieser Aufnahme viel Tiefe und Hintergrund hinzufügt. Also dieses Fenster hier ist anständig, aber dieses Gebäude auf der anderen Seite ist nicht so angenehm. Ich denke, der letzte Winkel ist wahrscheinlich irgendwo hier. Nun wieder, es gibt wirklich keinen richtigen oder falschen Weg, dies zu tun, es geht wirklich mehr um Intuition und nur das Vertrauen Ihre eigenen ästhetischen Werte und Ihren Darm um zu finden, welcher Rahmen Sie denken, ist nur der ästhetisch ansprechendste. Für mich fange ich an, an einem Ort wie diesem zu landen wo ich im Grunde mit der Rückwand aufgereiht bin, aber ich bekomme einen kleinen Spitzen Fenster auf der rechten Seite des Rahmens gleich hier drüben, und ich denke, dass zu sehen, dass Ecke fügt viel Volumen und Tiefe in den Raum. Ich denke, dass wir am Ende unseren Rahmen so ziemlich hier aufstellen werden. Eine andere Sache, die wir betrachten müssen, ist Elektrizität und Verfügbarkeit von Strom im Raum, da wir Lichter einrichten werden, wir wollen sicherstellen, dass wir alles mit Strom versorgen können. Also eine Sache, die Sie tun möchten, ist einfach einen schnellen Ausrutschen des Raumes und suchen Sie nach den Steckdosen. Ich sehe, dass dieser Raum tatsächlich ziemlich viele hat. Hier unten gibt es einen, hier drüben gibt es einen, der im Rahmen sein wird, basierend auf dem Rahmen, den wir verstreut haben. Also werde ich das wahrscheinlich meiden. Hier unten gibt es noch eine Steckdose, also gibt es einige Möglichkeiten. Also dieser Raum ist ziemlich gut angetrieben. Wir werden auf keine Probleme stoßen, wenn es darum geht, Strom aus einem anderen Raum oder so hereinzulaufen . Nachdem wir also durch den Raum gegangen sind und unseren Rahmen gefunden haben, der nächste Schritt darin, ihn auf unserer Kamera einzurichten. 6. Den Raum gestalten: Nun, da wir entschieden haben, wo wir unseren Rahmen einrichten wollen, müssen wir es tatsächlich tun und unsere Kamera in dieser Position platzieren und anfangen, unsere Brennweite und Kameraposition zu bestimmen, um unseren Rahmen tatsächlich zu erhalten seine Füße. Diese Kamera ist in einer Weise platziert, die wir als gerade vom LKW gefallen beschreiben würden . Was das bedeutet, ist, dass es nur dort platziert ist, wo wir in unserer vorherigen Lektion den Bereich haben, aber ich habe keine Entscheidungen über die tatsächliche Brennweite, die Größe, die Höhe oder jede spezifische Platzierung der Kamera getroffen. Wir haben es einfach hier abgelegt, um einen Rahmen zu bekommen und zu sehen, was wir von dort aus tun müssen, um unser endgültiges Bild zu erhalten. Also das erste, was ich tun werde, ist beginnen, im Grunde ein wenig von der Platzierung von Möbeln und was als mise-en-Scene bezeichnet wird, die sich auf die Platzierung der Objekte vor der Linse bezieht, wie wir beginnen, unser Image aufzubauen. Unsere Hauptfrage ist also zuerst, wo wird unser Interviewthema sitzen? Sie werden einen Stuhl oder ein Objekt brauchen, auf dem sie sitzen können, um sich während des Interviews wohl zu fühlen. Die andere Sache, die ich tun werde, ist anfangen, Requisiten und Hintergrundobjekte zu betrachten, und versuchen Sie einfach, sie in einer Weise zu arrangieren, die sich ein wenig ästhetischer anfühlt . Es gibt ein paar rote Fahnen in diesem Bild, die mir schon auffallen, die ich ansprechen möchte. Ich mag nicht die Lautsprecher in der Ecke oder diese blauen Stühle, der Stock gegen die Wand, ich werde mich bewegen, und dann das andere Stück, das ich hier nicht mag , ist die Klimaanlage im Fenster. Da das also ein wenig schwieriger wird, sich zu bewegen, werden wir tatsächlich nur einige dieser Requisiten verwenden, um es zu verstecken, damit wir sicherstellen können, dass wir in unserem endgültigen Bild in der Lage sein werden, sich auf unser Thema zu konzentrieren , ohne abgelenkt durch irgendwelche hässlichen Objekte im Hintergrund. Also, bevor wir etwas anderes tun, werde ich einfach ein paar von diesem Zeug bewegen und unseren Rahmen in einen Ort setzen , der sich ein bisschen ästhetischer anfühlt. Also das erste, was ich tun werde, ist, einen dieser Stühle auszuwählen und ihn zu rauben, darüber, wo ich denke, dass das Interview enden wird, und dann Lucas, warum nimmst du nicht diese blauen Stühle und wir können sie einfach ausräumen, und dann haben wir schnappen Sie sich auch die Statue. Jetzt, da das leer war, werde ich nur ein bisschen etwas von diesem Zeug anpassen. Ich mag diese Möbel eigentlich ziemlich viel, also werden wir es als Hintergrund lassen, aber ich werde nur ein paar Sachen bewegen, da wir diesen Stuhl entfernt haben, fühlt sich nicht mehr relevant an, wahrscheinlich verschieben Sie diesen Tisch als Nun, und dann, so die Klimaanlage, werde ich sehen, ob nur das Verschieben das macht, was ich will. Also, während Sie diese Änderungen vornehmen, möchte ich nur zu Ihrer Kamera zurückkommen und überprüfen. Die rechte Seite des Rahmens fühlt sich für mich ein wenig leer an. Also, was ich denke, ich werde das ganze Wohnzimmer in diesen Bereich verschieben . Mir wurde klar, dass einige von euch alleine arbeiten, das ist völlig okay. Ich habe nur eine helfende Hand, um den Prozess ein wenig entlang zu bewegen und sicherzustellen, dass ich mich auf das Unterrichten der Lektion konzentrieren kann. Dieser Prozess ist überhaupt nicht wissenschaftlich, seine rein ästhetische, es gibt keinen richtigen oder falschen Weg, um einen Raum zu arrangieren. Buchstäblich, nur auf den Monitor zu schauen und nach Geschmack zu urteilen, was sich ausgewogen und gleichmäßig anfühlt, und dafür zu sorgen, dass nichts im Bild ist, das super ablenkend oder auffällt. Jetzt ist es an der Zeit, unser Interviewthema einzubringen und die Entscheidungen zu treffen, wo wir unsere Kamera tatsächlich platzieren können. 7. Deine Kamera platzieren: Die Entscheidungen, die wir jetzt durchmachen werden, bestimmen unsere Brennweite und unsere Kamerahöhe. Grundsätzlich zu entscheiden, was die Beziehung zur Kameraposition gegenüber dem Ort ist, wo das Subjekt sitzen wird. Das ist Denali. Danke, dass Sie sich uns heute angeschlossen haben. Denali wird als unser Interviewthema mitsitzen und modellieren. Also, warum setzen Sie sich nicht hier und ich werde anfangen, die Kamera zu bewegen und beginnen, unsere Rahmenentscheidungen zu treffen. Die Hauptentscheidung, die Sie treffen werden, wenn Sie so eine Aufnahme aufstellen, ist, was ist unsere Rahmengröße und wie werden wir eigentlich unsere Themen einrahmen? Werden wir in einem mittleren Schuss, einer Nahaufnahme oder etwas breiteres sein ? Normalerweise, für ein Sitz-Down-Interview wie dieses, werde ich Standard auf etwas Medium. Ich möchte nicht zu weit vom Thema entfernt sein, aber ich möchte auch nicht zu eng in einer Nahaufnahme sein, weil ich vielleicht eine Körpersprache oder so etwas verlieren könnte. Das heißt, es gibt viele Beispiele für Interviews, die aufgestellt wurden, die wie ein breites gerahmt sind, so wie wir es so eingerichtet haben. Es ist nur etwas etwas anderes und ein wenig kühner, was toll ist, wenn man das machen will, und es funktioniert für diesen Film. Aber wir werden etwas Neutraliseres für diesen hier suchen. Das erste, was ich in Bezug auf die Rahmengröße demonstrieren möchte, ist die Wahl unserer Brennweite. Das Einrahmen eines Subjekts mit einem Weitwinkelobjektiv im Vergleich zu einem neutralen Medium oder Teleobjektiv wird sich erheblich darauf auswirken, wie ihr Gesicht auf dem Bildschirm gerendert wird, und die Art und Weise, wie ihr Gesicht gerendert wird Bildschirm beeinflusst, wie wir das Publikum dieses Subjekt wahrnehmen. Also das erste, was ich tun werde, ist sicherzustellen, dass mein Objektiv auf die breiteste Brennweite eingestellt ist, die auf diesem Objektiv 18 Millimeter beträgt, und dann werde ich voran gehen und einen mittleren Schuss unseres Motivs mit dem 18 Millimeter. Also mal sehen, wie das aussieht. Großartig. Also habe ich die Kamera ein bisschen eingesperrt. Sie können sehen, wie das Aufstellen eines Mediums auf einem Weitwinkelobjektiv die Dynamik zwischen sich selbst und dem Interview-Thema ziemlich verändert . Die Kamera und ich, die [unhörbare], ganz nah an dem Thema. Sie können ziemlich viel von dem Hintergrund sehen. Die Kamera fühlt, dass es eine Nähe zum Thema hat wie, wir das Publikum sind wirklich im Raum mit ihr. Es gibt ein Gefühl der Intimität, das damit geschaffen wird. Eine Sache, die Sie beachten sollten, wenn Sie sich entscheiden, diese Nähe zu Rahmen ist, weil die Nähe zwischen der Kamera und Ihrem Motiv, müssen Sie sicherstellen, dass Ihr Interview Thema ist bequem mit der Kamera ist so nah. Wenn Sie Vlog oder Inhalte aufnehmen, die entweder sich selbst oder jemanden betreffen Sie wissen, dass es sich um Kameras und Geräte handelt, sollte dies kein Problem sein. Aber wenn Sie eine echte Person fotografieren, die vielleicht nicht daran gewöhnt ist, vor der Kamera zu sein, kann dies manchmal eine Person etwas unangenehm machen. Stellen Sie also sicher, dass Sie Ihre Ziele mit Ihrem Interview-Thema kommuniziert haben und dass alle auf der gleichen Seite wo alles in Beziehung zueinander steht. Das ist also ein mittlerer Weitwinkelschuss. Also, jetzt werde ich die Kamera zurück und wir werden die gleiche Rahmengröße einrahmen, aber auf einem engeren Objektiv, nur um die Unterschiede zwischen den beiden hervorzuheben. Das ist also die gleiche Rahmung, die wir vorher hatten, außer dieses Mal sind wir auf einem 55 Millimeter-Objektiv auf unserem Zoom. So ist die Rahmengröße die gleiche wie unsere 18 Millimeter, aber durch die Aufnahme mit dem 55 Millimeter, die wirklich eher neutral zu Teleobjektiv ist, können Sie sehen, wie sehr es die Dynamik zwischen dem Motiv verändert, die -Kamera und den Hintergrund. Dies ist etwas, das sich viel mehr anfühlt, vielleicht entfernt, ein wenig klinischer, etwas sauberer und sauberer und neutraler. Der Hintergrund ist mehr unscharf. Wir haben also eine geringere Schärfentiefe, da wir auf eine engere Brennweite schießen, und wir sehen auch weniger Hintergrund, da eine engere Brennweite den Blickwinkel verengt, den das Objektiv erfassen kann. Eine andere Sache, die engere Linsen tun werden, ist, sie das Gefühl der Tiefenwahrnehmung komprimieren. Wenn Sie also diesen Rahmen mit dem 18-Millimeter-Rahmen vergleichen, im 18-Millimeter-Rahmen könnten Sie im 18-Millimeter-Rahmeneinen viel größeren Abstand zwischen dem Motiv und dem Hintergrund spüren. Also, was das tut, ist tatsächlich ein übertriebenes Gefühl von Tiefezu schaffen ein übertriebenes Gefühl von Tiefe und Kontraste zwischen Vordergrund und Hintergrund mit Ihrer Framing. Fünfzig Millimeter und darüber, der Effekt, den Sie mit der Hintergrundwahrnehmung bekommen werden, ist der Abstand zwischen Ihrem Motiv und Ihrem Hintergrund wird sich komprimierter fühlen. Für die Zwecke dieser Demonstration werde ich eine Brennweite wählen, die ziemlich zwischen diesen beiden Extremen liegt. Also werde ich auf 35 Millimeter Brennweite landen. Ich möchte etwas breiteres als diese Brennweite, damit ich ein wenig mehr von dem Raum sehen kann. Aber ich will nicht unbedingt die volle Weitwinkel-Nähe, die wir mit 18 Millimeter bekommen haben. Von unserer 55 Millimeter-Position aus werde ich die Kamera ein wenig näher laufen, nur um meine Verschiebung und Brennweite zu kompensieren, und dann wird es von hier aus auf unser Objektiv hinauszoomen und auf etwa 35 Millimeter. Also, jetzt nivellieren Sie einfach den Stativkopf, stellen Sie unsere Pfanne ein und kippen Sie hier, bis ich den Rahmen gefunden habe, den wir wollen. 8. Framing deines Motivs: Eines der nächsten Dinge, die wir bestimmen müssen, ist was der Blickwinkel für unser Thema ist. Eine Möglichkeit besteht darin, Denali direkt in die Kamera schauen zu lassen. Wenn ich mein Motiv direkt auf die Kamera schaue, werde ich wahrscheinlich wählen, um es zentriert zu gestalten, nur um ihm ein Gefühl des Gleichgewichts zu geben. Nun, wenn ich einen Interviewer habe, der neben der Kamera sitzt, wird Denali's Augenlinie direkt zur Seite sein. Wenn das der Fall ist, was ich tun werde, ist die Aufnahme tatsächlich so einzurahmen. Dies neigt dazu, die Augenlinie zu öffnen und einfach ein Bild zu erstellen, das sich ein wenig offener und ausgeglichener anfühlt , wenn die Augenlinie Ihres Motivs zur Seite schaut. Diese Zusammensetzung basiert auf dem Prinzip der Drittelregel. Ich habe Denali auf unsere linke dritte Vertikale eingerahmt. Wenn Sie mit diesem Konzept nicht vertraut sind, haben wir einen Link zu einigen weiteren Informationen in den Klassenressourcen. Eine Sache, die ich in Interviews ziemlich viel sehe, ist ein bisschen zu viel Spielraum. Das kann sogar etwas ziemlich subtiles sein und daran ist nichts falsch. Es fühlt sich nur, für mich persönlich, ein wenig unausgewogen an. Eine andere Sache, die oft passiert, ist, dass Sie Ihr Thema mit nicht genügend Spielraum einrahmen können, was wiederum nicht falsch ist, aber es gibt nur etwas, das sich ein wenig unausgewogen fühlt wenn Sie das Gesicht Ihres Subjekts in der Nähe der Oberseite des Rahmens. Also werde ich einfach irgendwo in der Mitte landen, so dass die Oberseite meines Rahmens direkt über der Spitze ihres Haares liegt, ohne ihm zu viel Platz in der einen Richtung zum anderen zu geben. Ich bin ziemlich zufrieden mit diesem Rahmen, aber ich wollte nur eine andere Sache demonstrieren, die die Dynamik Ihres Bildes wirklich verändern könnte und das ist die Objektivhöhe. Also im Moment habe ich mein Objektiv grundsätzlich gleichmäßig mit Denali's Augenlinie eingestellt, aber nur um zu zeigen, wie dies das Bild beeinflussen kann, werde ich voran gehen und auf die Kamera kleben und Ihnen zeigen, wie es aus einem höheren Winkel aussieht. Konventionell wird dies im Kino verwendet, um eine Machtposition über etwas oder einen Charakter zu vermitteln , der sich schwach fühlt. Dies ist normalerweise nicht etwas, was wir in einem Interview-Setup tun möchten, aber nur damit Sie wissen, wie diese Technik im Kino verwendet wird, ist das eine Möglichkeit, dass sie implementiert wird. Also jetzt lasst uns eine Low-Winkel-Aufnahme auf den Charakter demonstrieren. Was ein Low-Winkel-Schuss dazu neigt, ein Gefühl der Macht oder Kontrolle in Ihrem Motiv zu schaffen, es macht Ihr Motiv groß und Rahmen, zuversichtlich, kraftvoll schafft einen Winkel, der ein wenig mehr von einer dynamischen Energie hat, im Gegensatz zu zu einem neutralen Kopf auf Winkel. Das ist nur, um zu demonstrieren, wie Sie verschiedene Winkel verwenden können. Wir werden in einen neutraleren Winkel zurückkehren, nur um dieser Demonstration willen. Also haben wir uns auf unseren neutralen Winkel geeinigt. Ich neige dazu, die Linse etwas oberhalb der Augenlinie des Motivs zu platzieren. Dies neigt dazu, Ihrem Motiv einen etwas schmeichelhafteren Winkel zu geben, während dennoch ein Gefühl der Neutralität für die Gesamtkomposition aufrechterhalten wird. Also bin ich ziemlich zufrieden mit diesem Rahmen und jetzt können wir auf die nächste Stufe gehen , die unsere Beleuchtung hinzufügt. 9. Erste Kameraeinstellungen: Zwei weitere Dinge, die wir auf unserer Kamera einstellen müssen, bevor wir anfangen, unsere Beleuchtung einzubringen , sind unsere Belichtung und unser Weißabgleich. Die Weißabgleich-Einstellung auf der Kamera lässt die Kamera im Grunde wissen, in welcher Farbtemperatur-Lichtumgebung sie aufnimmt. Weißabgleich, wie alles andere, ist eine kreative Wahl, die wir treffen können. Offensichtlich beeinflussen unterschiedliche Weißabgleichungen das Bild und die Stimmung, die es erzeugt, und die Emotionen, die es in Ihrem Publikum entlocken könnte. Moment habe ich die Kamera auf 3.200 Kelvin eingestellt, was ein Weißabgleich näher an der Farbtemperatur von Wolfram-Licht ist. Da dieser Ort derzeit vollständig mit natürlichem Tageslicht beleuchtet ist, das Tageslicht, das bei einer viel kühleren Farbtemperatur läuft, als sehr blau auf dem Monitor angezeigt. Dies schafft offensichtlich ein Bild, das sich viel melancholischer oder dunkler, launisch, düster, emotional, düster fühlt . Es gibt viele verschiedene Emotionen, die Sie dieser Art von Aussehen zuweisen können und dies könnte etwas, das Sie gehen für. Für die Zwecke dieses Shooting werde ich voran gehen und unseren Weißabgleich auf 5.500 Kelvin setzen. Dies ist ziemlich nah an dem Weißabgleich des natürlichen Tageslichts, das hier drin ist. So sieht das Bild auf unserem Monitor ziemlich neutral aus. Wir können sehen, ihre Hauttöne und Hintergrund neigen dazu, wie sie in der Realität aussehen, weil unsere Kameras eingestellt, um den Weißabgleich des Lichts, das im Raum ist jetzt schreiben entsprechen . Das nächste, was wir einstellen werden, ist die Blende auf unserem Objektiv. Dies wird einige Dinge betreffen, erster Linie die Exposition. Ich werde ein wenig mehr in die Belichtung in der Beleuchtungsdemonstration bekommen , aber im Moment konzentrieren wir uns auch auf das andere Element, das der Blendenstopp anpasst, nämlich die Schärfentiefe. Nur um zu demonstrieren, wie sich die Blendenstufen auf unsere Schärfentiefe auswirken , werde ich die ISO dieser Kamera erhöhen und dann das Objektiv auf etwa fünf, sechs anhalten. So im Moment können Sie sehen, dieses Bild ist ziemlich die gleiche Belichtung wie unser vorheriges Bild, ich habe die ISO erhöht, die ein wenig Körnung in das Bild fügt. Ich neige dazu, Interviews auf einer breiteren, offenen Blende zu drehen. Dies ist speziell, um dieses Szenario zu vermeiden, in dem der Hintergrund die Aufmerksamkeit aus dem Vordergrund nimmt. Also, was ich tun werde, ist, unsere ISO zu senken und dann unser Objektiv bis zu 2,9 zu öffnen. Was Sie sehen können, ist, unseren Hintergrund aus dem Fokus zu werfen und dafür zu sorgen, dass unsere Aufmerksamkeit auf unser Thema im Vordergrund steht. Eines der Werkzeuge, die Sie verwenden möchten, um Ihren Blendstopp zu steuern, sind ND-Filter. Diese Kamera verfügt über interne ND-Filter. Ich kann hier durch sie fahren und Sie können sehen, wie viel mehr Licht diese Kamera sieht im Vergleich zu dem, was ich tatsächlich aufnehme. Also gehen wir voran und fügen das wieder hinzu. Mit Kameras, die keine internen NDs haben, möchten Sie unsere Glasfilter-NDs verwenden , die Sie vor Ihrem Objektiv platzieren können. Bei Fotoobjektiven neigen diese dazu, auf die Vorderseite zu schrauben, und auf Kinoobjektiven wie die, die wir hier verwenden, gehen diese Glasfilter-NDs einfach direkt in die Mapbox. Ein Belichtungswerkzeug, das ich uns vorstellen möchte bevor wir in die Lichtdemonstration eintauchen, ist der wichtigste Weg, den ich die Belichtung beurteilen werde, während wir diese Klasse fortsetzen, und das wird das falsche Farbwerkzeug sein. Falsche Farbe ist ein internes Belichtungsüberwachungswerkzeug, das manchmal in bestimmte Kameramodelle oder bestimmte Monitore integriert werden kann . Was falsche Farbe tut, ist, dass es im Grunde eine Probe des gesamten Bildes nimmt und verschiedene Bereiche des Bildes auf die IRE Skala abbildet. Die IRE-Skala ist die Skala, die die Belichtung eines digitalen Bildes von Null ( also Vollschwarz) bis 100 beurteilt , was Vollweiß bedeutet. Die Werte, die wir hier in diesem Bild betrachten werden, sind, dass wir eine Menge Blau sehen können, was, wie wir auf der Belichtungsskala sehen können, im Grunde knapp über voller Unterbelichtung liegt. Eine andere Farbe, die wir hier viel sehen, ist grün. Green landet bei etwa 40 IRE, was im Grunde ist, wo wir wollen, dass genaue Werte landen. Also kommen wir darauf zurück, wenn wir unsere Beleuchtung reinbringen. Aber vorerst möchte ich nur die Dinge umschalten, dir zu zeigen, wie Überbelichtung aussieht. Also werde ich weitermachen und unsere ND-Filtration von der Kamera entfernen, oder du wirst sehen, wie das aussieht. So sieht unser Bild ohne ND-Filtration aus und wir können sehen, dass wir viele Bereiche dieses Rahmens haben, die heiß weiß sind. Das ist, was wir als ausgeblasen bezeichnet haben, was bedeutet, dass wir Informationen verlieren. Wenn wir auf die falsche Farbe umschalten, können wir das in Aktion sehen. Alle diese hellen weißen Bereiche des Rahmens lesen rot, was, wie die Skala uns zeigt, bedeutet, dass wir die Versiegelung der IRE-Level 100 treffen, was bedeutet, dass wir tatsächlich all diese Informationen verlieren und sie nicht aufzeichnen. Die Hauptsache, die ich anschaue, wenn ich falsche Farbe betrachte ist sicherzustellen, dass kein Rot in meinem Bild ist. gibt mir das Vertrauen zu wissen, dass die Kamera wirklich alle Informationen darin aufnimmt und dass ich die Flexibilität in der Postproduktion haben werde, um vielleicht einige Werte in der Farbklasse hier und da zu bewegen, wenn Ich muss es. Also gehe ich weiter und füge diese ND-Filter wieder und wir können anfangen zu sehen, dass Rot verschwinden. Großartig. Hier haben wir die Dinge ausgeschaltet wieder in die normale Ansicht gewechselt. Jetzt können wir mit dem nächsten Schritt fortfahren, unsere Beleuchtung hinzufügt, und diese Belichtungswerkzeuge werden wieder ins Spiel kommen , sobald unsere Lichter das Feld getroffen haben. 10. Das Führungslicht festlegen: Jetzt, da wir unseren Rahmen und die Einstellungen festgelegt haben, ist es an der Zeit, mit der Beleuchtung zu beginnen. Also werden wir beginnen, indem wir uns auf unser Schlüssellicht konzentrieren, das das Hauptlicht sein wird, das die Beleuchtung für unser Motiv liefert. Wir werden ein paar verschiedene Versionen einer Schlüsselleuchte demonstrieren , nur um ein paar verschiedene Looks zu zeigen, bis wir auf ein paar verschiedene landen, die ich beginnen werde , zu bleiben, während wir durch den Rest der Demo bewegen. Also zuerst, wir werden ein hartes Schlüssellicht einrichten. Um das zu tun, werden wir diese Blende 120D verwenden. Dies ist ein hartes LED-Licht. Stellen Sie nur sicher, dass das alles eingeflickt ist, wir richten es auf unseren Schauspieler, dann werde ich nur vorbeugend hier landen und dann gehen wir weiter und schlagen es an. Also, wenn wir Beleuchtung, das erste, was wir tun werden, ist sicherzustellen , dass mein Licht an seiner maximalen Leistung ist. Also habe ich dafür gesorgt, dass der Dimmer hier auf 100 Prozent eingestellt ist. Jetzt gehe ich zurück, um hier zu überwachen und zu sehen, was das getan hat. Was wir mit dieser Beleuchtung sehen können, ist, dass das harte Licht einige sehr harte Schatten erzeugt. Auch hier könnte dies eine kreative Wahl sein, die Sie treffen werden. In Bezug auf die Belichtung, sobald ich mein Licht eingestellt habe, werde ich einfach wieder zu unserer falschen Farbe streichen und sehen, wo ich lande. So kann ich sehen, dass mein Schlüssellicht hier beginnt, ein bisschen Grün zu lesen, was genau das ist, was ich will. Ich möchte, dass das Schlüssellicht bei etwa 40 IRE sitzt, und wieder, es gibt keine korrekte oder falsche Möglichkeit, dieses Bild zu enthüllen, ich benutze dies nur als Bezugspunkt auf mein persönliches Geschmacksniveau. Ich habe gerade im Laufe der Zeit festgestellt, dass ich dazu neige, dieses Verhältnis zu beleuchten, aber am Ende des Tages liegt die Wahl bei Ihnen. So wird ein hartes Licht aussehen. Eine Sache, die ich tun kann, um das harte Aussehen zu verbessern , ist, den Winkel des Lichts ein wenig zu erhöhen. Also lassen Sie uns weiter gehen und bleiben, und es wird nur den Winkel des Lichts machen, wenn es auf Denalis Gesicht kommt ein wenig schmeichelhafter. Ich kann tatsächlich auch das Licht in der Reflexion im Hintergrund sehen. Also werden wir weiter festhalten, bis das außer Rahmen ist. Perfekt. Also würde ich das vielleicht benutzen, wenn mein Thema etwas sehr Dramatisches oder Geheimnisvolles ist, wenn ich jemanden habe, der über ein Rätsel oder eine Untersuchung oder so etwas spricht . Ich denke, das ist ein Blick, den man in vielen wahren Kriminaldokumentationen und so etwas sieht. Sobald wir das gesehen haben, werde ich voran gehen und schalten Sie dieses Licht aus und wir zu unserem weichen Schlüssellicht wechseln, was etwas mehr im Bereich dessen sein wird was ich persönlich suche . Was ich getan habe, ist das Schlüssellicht gegen ein LiteMat 4 getauscht, das ein weiches LED-Licht ist. Grundsätzlich funktioniert es im Wesentlichen nur eine Reihe von LED-Dioden. Hier können Sie die einzelnen Lichter sehen. Wenn diese Lichter unter diesem Diffusionsmaterial zusammengebracht werden, schaffen sie am Ende diese schöne, sogar weiche Belichtung, die daraus entsteht. Sobald ich mein Schlüssellicht Setup habe, ist der nächste Schritt zu bestimmen, wo ich es platzieren möchte. Der Winkel des Lichts wird die Stimmung beeinflussen, die es der Szene zufügt, und die Art und Weise, wie wir unser Subjekt emotional wahrnehmen und mit ihm verbinden. Also jetzt bin ich in diesem 45-Grad-Winkel gelandet. Ich werde darauf zurückkommen, aber zuerst lassen Sie uns das Licht zur Seite bringen, damit es perfekt parallel zu Denali ist. Fahren Sie weiter, machen Sie weiter. Perfekt, und dann einfach winkeln Sie es vom Fenster weg , damit ich immer noch die Spiegelung des Fensters sehen kann. Also werde ich es einfach wegschwenken, damit wir es nicht mehr sehen. Perfekt. Eigentlich teilen Sie den Unterschied dort, winkeln Sie ihn ein wenig zurück, nur so dass es mehr auf sie ist. Großartig. Gerade jetzt, da das Licht direkt von der Seite von Denali kommt und wir sehen, dass dies ein ziemlich dramatisches Aussehen schafft. Die Qualität des Lichts ist immer noch schön weich. Es gibt einen großen Abfall von der hellen Seite auf die dunkle Seite. Das ist also wirklich ein Unterschied zwischen dem weichen Licht und dem harten Licht, das wir vorher degradiert haben , ist der Übergang von hell zu dunkel viel angenehmer , viel weicher und viel sanfter für das Gesicht, was am Ende schafft etwas, das sich ein wenig neutraler, ein bisschen einladender anfühlt. Aber in Bezug auf die Platzierung ist unser Licht ein wenig abseits zur Seite. Was das tut, ist, macht die dunkle Seite des Gesichts ziemlich kontrastiert. Wir werden unser Schlüssellicht weiter bewegen und was ich jetzt suche , ist etwas namens Rembrandt-Dreieck. Dies ist also eine gute Leitlinie, um Ihnen zu helfen, eine Platzierung für Ihr Schlüssellicht zu finden, die wirklich neutral ist, aber auch sehr ästhetisch ansprechend ist und einen wirklich schönen Lichtabfall schafft, etwas, das ich ziemlich viel benutze, um eine spezifische Platzierung für mein Schlüssellicht. Wir werden also anfangen, dieses Licht herum zu bringen, und was ich suche, ist ein Dreieck aus Licht, das sich unter dem linken Auge bildet. Das ist es also genau da. Jetzt lass uns das einfach ein bisschen nur zur Belichtung laufen und dann ein wenig nach links herumlaufen. Also nochmal, was ich hier im Auge halte, ist dieses kleine Gebiet hier. Es ist das Dreieck unter dem linken Auge. Das sieht also wirklich gut aus für mich. Gehen wir weiter und schwingen wir die Lampe ein wenig nach rechts, nur damit sie ihr perfekt zugewandt ist. Ausgezeichnet, großartig. Wischen Sie einfach zu meiner falschen Farbe und sehen Sie, wo wir landen. Also, das liest ein wenig unter dem, wo ich will, dass es leben. Ich will hier ein bisschen mehr Grün sehen, also fangen wir an, das in ein bisschen zu laufen. Toll, das ist ziemlich gut. Nun, das könnte etwas sehr praktikables für einen traditionelleren Corporate oder kommerziellen Interview-Look sein, aber was ich jetzt demonstrieren möchte, ist etwas etwas natürlicheres und ein bisschen launischer, und die Art, wie wir 're gehen zu erreichen, das ist nur durch Erweichung des Lichts noch mehr. Weichheit des Lichts ist wirklich ein Faktor der Größe Ihrer Quelle relativ zu ihrer Entfernung zum Objekt. Grundsätzlich gilt: Je größer die Quelle und je näher es Ihrem Thema ist, desto weicher wird das Licht, das auf dem Gesicht Ihres Subjekts ist und desto glatter wird es abfallen. Was Sie denken möchten ist, wie groß von einer Lichtquelle kann ich mich umhüllen und um mein Motiv wickeln, um das weichste Licht zu erzeugen. Um das zu tun, werden wir ein Diffusionsmaterial verwenden. Es gibt so viele verschiedene Arten von Diffusion, aber am Set haben wir heute, was man Musselin nennt. Das ist mein Lieblingsstück der Diffusion. Es ist im Grunde ein dicker Stoff, der das Licht mit solch einer großartigen Qualität weich macht. Also, was ich jetzt tun werde, ist im Wesentlichen das vor unserem Schlüssellicht in einer Weise zu platzieren , dass es nicht in unseren Rahmen eindringt. Was das tun wird, ist im Grunde die Größe unserer Lichtquelle zu vergrößern und ein viel weicheres Licht auf unser Thema zu erzeugen. Also haben wir gerade unser Musselin aufgestellt. Wir haben unsere Diffusionsebene zwischen unserem Licht und unserem Subjekt hinzugefügt, Sie können sehen, was das getan wird, ist nur wirklich erweicht den Abfall hier zwischen der Lichtseite und der Schattenseite von Denali Gesicht. Die Schatten hier sind kaum, kaum vorhanden. Es gibt nur einen wirklich, wirklich allmählichen Übergang und einen Farbverlauf von hell zu dunkel. Im Wesentlichen, was hier passiert ist, ist, dass ich diese tatsächliche Lichtquelle viel, viel größer gemacht habe. Dieser Diffusionsrahmen ist nun die Lichtquelle. Das Licht, das hinter dem Rahmen steht, spielt also keine Rolle. Was zählt, ist die Größe der Quelle selbst in Bezug auf das Subjekt. Im Moment haben wir eine Quelle genommen, die etwa vier Meter breit ist, was die Breite des LiteMat ist, und wir haben sie in eine acht Fuß breite und acht Fuß hohe Lichtquelle verwandelt. Das ist für mich das, wonach ich normalerweise suche, wenn ich in Interviews so angezünde, das fühlt sich sehr naturalistisch und sehr real an, was Qualitäten sind, nach denen ich normalerweise bin, wenn ich ein Setup wie dieses anzünde. Der nächste Schritt von hier ist, dass ich diese Quelle platziert habe. Ich mag die Qualität davon, aber ich kann schon mit meinem Auge sagen, dass es mir nicht genug Ausgabe gibt und wenn ich zu unserer falschen Farbe streiche, können wir sehen, dass die Schlüsselseite hier nicht wirklich viel Belichtung bekommt wir bekommen hier Unterbelichtung auf Denali's Kleidung. Ich möchte hier ein bisschen mehr Textur sehen und ich möchte einen Weg finden, unseren Vordergrund und Hintergrund ein wenig auszugleichen , damit wir unsere Belichtungsniveaus und das Vergessene nach oben bringen können , um dem zu entsprechen, was wir im Hintergrund vor sich haben. Nun, da unser Schlüssellicht zu diesem großen Stück Diffusion geworden ist, kann ich im Grunde mehr Einheiten dahinter hinzufügen, um die Gesamtbeleuchtung zu erhöhen , die aus dem Diffusionsmaterial kommt und auf unserem Thema landet. Also, was wir jetzt tun werden, ist ein zusätzliches Licht hinzuzufügen. Wir gehen zurück zu unserer Blende 120 die wir zuvor verwendet haben, um das harte Licht zu demonstrieren, und fügen Sie es einfach neben unserem LiteMat hinzu, um die Belichtung unseres Schlüssellichts zu verdoppeln. Mal sehen, wie das läuft. Großartig. So kann ich anfangen zu sehen, dass, wo ich hier viel Blau in den Ärmeln bekam, ich eine Menge der Informationen, die mir dort fehlte, zurückgewinne. Also jetzt, wenn man sich dieses Bild hier anschaut, fühlt sich das für mein Auge sehr angenehm und sehr ausgewogen an. Ich denke, wir sind an einem guten Ort gelandet, wo wir eine große Balance zwischen Vordergrund und Hintergrund haben. Die Platzierung und Ausrichtung unserer Schlüsselleuchte ist weich, naturalistisch, ästhetisch ansprechend. Der Falloff und der Farbverlauf zwischen Licht und Dunkel fühlt sich wirklich schön und natürlich an und wir sind an einem guten Ort, um jetzt unsere zusätzliche Beleuchtung hinzuzufügen , um den Rest unseres Looks aufzubauen. 11. Das Fülllicht hinzufügen: Wir haben unser Schlüssellicht fertig gestellt und wir sind mit der Platzierung und Qualität und Helligkeit zufrieden. Jetzt ist es an der Zeit, sich den Rest der Elemente unseres Rahmens anzusehen und zu sehen, ob wir zusätzliche Beleuchtung hinzufügen müssen, um die Dynamik zu verändern. Also dieser Rahmen für mich ist ziemlich erfreulich, es ist natürlich, aber die Schattenseite von Denalis Gesicht fällt ziemlich scharf in die Dunkelheit ab. Sie können auf unserer falschen Farbe sehen, dass wir den Rand der Unterbelichtung in der Schattenseite ihres Gesichts Sockel. Um diesen dunklen Schatten entgegenzuwirken, müssen wir hinzufügen, was als Fülllicht oder Umgebungslicht bezeichnet wird. Der Grund, warum ich den Begriff Umgebungslicht bevorzuge, ist, dass ich denke manchmal gibt es ein Missverständnis mit dem Begriff Fill-Licht, dass dieses Licht eine Einheit ist, die Ihren Schauspieler auf dass dieses Licht eine Einheit ist, die Ihren Schauspieler aufdie gleiche Weise wie Ihr Schlüssellicht ist. In vielen Dreipunkt-Beleuchtungs-Setups, die Licht füllen, wird auf diese Weise eingerichtet. Aber ich finde, dass diese Anordnung manchmal auch ein bisschen zu sauer erscheint, und dass man die Richtbarkeit und Künstlichkeit dieses Fülllichts spüren kann. Die Art und Weise, die ich gerne vermeiden möchte, ist, das Fülllicht als eher ein Umgebungslicht-Niveau zu behandeln, das das Gesamtlicht im gesamten Raum anhebt, im Gegensatz zu etwas, das meinen Schauspieler besonders auffällt. Ein kurzer Trick, den ich gerne benutze, um das allgemeine Umgebungsniveau des Lichts in einem Raum zu erhöhen, besteht darin, ein Licht direkt in die Decke des Raumes zu leuchten, in dem wir uns befinden. Also werden wir in diesem one-by-one LED-Lichtpanel bringen und es direkt auf der linken Seite unseres Themas platzieren. Alles, was es tun wird, ist nur die gesamten Schattenstufen auf Denali anzuheben und das Umgebungspegel des Raumes als Ganzes zu erhöhen. Also lasst es uns ein bisschen näher bringen. Großartig. - Cool. Lasst uns einfach weitermachen, [unhörbar] davon abhauen. Großartig. Das ist also ohne das Fülllicht und man sieht jetzt, dass die Schatten hier ein bisschen härter, der Abfall etwas schärfer ist, und mit dem Licht an, können Sie sehen sich die Schatten füllen und der Abfall wird etwas weniger ausgesprochen wird, wird das Gesicht ein wenig voller. Fill-Licht ist etwas, das ich normalerweise in einer kommerziellen oder neutralen Beleuchtungseinrichtung verwenden würde. Also werde ich unser Schlüssellicht schnell wieder darauf umschalten, nur um den Gesamteffekt dieses Looks mit und ohne Fülllicht zu demonstrieren . Was wir dafür tun werden, ist einfach schnell die Diffusion aufzutauschen und dann lassen Sie uns den Rahmen wieder auf die leichte Matte legen. In unserem neutralen kommerziellen Setup wird das Fülllicht eine etwas größere Rolle spielen die Sauciness unseres Schlüssellichtes ausgleichen. Gehen wir voran und schalten Sie das Fülllicht von hier aus aus. Sie können sehen, dass unser Schlüssellicht hier eine sehr spezifische Richtungsbestimmung hat, und der Abfall zwischen Licht und Schatten ist ziemlich hart und schnell. Wenn wir das Fülllicht wieder hinzufügen, wie es ankommt, können Sie einfach sehen, dass sich diese Schatten allmählich ausfüllen und dass der Abfall etwas weniger ausgeprägt wird, wenn wir gehen. So würde ich etwas Fülllicht in einem neutralen oder kommerziellen Look platzieren. Was ich jetzt wirklich schnell machen möchte, ist einfach zu demonstrieren, wie das Fülllicht direkt auf das Motiv aussieht, nur um Ihnen den Unterschied zwischen den beiden zu zeigen. Lassen Sie uns das runter fallen und wir werden es auf Denali zielen. Sie können es um ein bisschen Grenze bringen, denn was wir damit tun, ist wirklich, die Schatten auszufüllen. Also wollen wir sicherstellen, dass es den ganzen Weg in die Seite ihrer Wange graben kann und sicherstellen, dass es alle von ihnen füllt. Jetzt, mit unserem Licht direkt auf unser Thema gerichtet, können wir sehen, dass, wenn wir anfangen, Füllung hinzuzufügen, es sehr schnell in eine Reihe von ziemlich auffällig zu sein. Sie können sogar die Reflexion davon auf der Oberseite ihrer Stirn und Nase sehen, Sie können sehen, dass es einen zusätzlichen Schatten auf der anderen Seite ihrer Nase, die das Schlüssellicht entgegenwirkt erzeugt . Dies ist ein Blick, den ich wirklich versuchen, zu vermeiden. Es fühlt sich sehr unnatürlich und sehr sauer an. Deshalb neige ich dazu, unser Fülllicht als Gesamtumgebung zu halten , im Gegensatz zu etwas, das direkt auf unser Thema ausgerichtet ist. Selbst wenn ich die Levels ein wenig herunterbringe, können wir in einem Verhältnis enden, das sich ein bisschen natürlicher anfühlt, aber ich kann immer noch einen zusätzlichen Schatten auf der Seite ihrer Nase sehen , den ich nicht besonders erfreulich finde. Für einen stimmungsvolleren Look neige ich eigentlich dazu, überhaupt kein Fülllicht zu verwenden. In einigen Fällen, in denen ich natürlich viel Umgebungslicht in einem Raum habe, verwende ich das, was als negative Füllung bezeichnet wird, um tatsächlich Umgebungslichtpegel zu senken , die auf einigen der anderen Oberflächen herumspringen könnten in den Raum. Also werde ich voran gehen und so schnell Demo, nur um Ihnen zu zeigen, was das tut. Also, lassen Sie uns einfach wieder zu unserem großen Soft-Source-Schlüssellicht zurückkehren und wir werden unser Fülllicht töten und die negative Füllung einbringen, um es auszugleichen. Die Umgebungspegel hier sind ziemlich niedrig, so dass das Hinzufügen dieses Gerätes unser Image nicht zu sehr verändern wird. Aber ich möchte nur zeigen, wie man negative Füllung verwendet , nur um die Verwendungen davon zu zeigen , und ich denke, dass es das Bild ein wenig beeinflussen könnte. Also lasst uns gehen und das rausziehen. Wir bringen diesen C-Stand rein. Was wir jetzt hinzufügen werden, ist ein viermal vierfach Floppy-Flag. Auch dies ist etwas, das Sie mit jedem festen Material tun können, es ist nur ein dunkelschwarzer Stoff. Was diese negative Füllung tut, ist, sie im Grunde jedes Umgebungslicht abnimmt, das entweder von der Decke oder der Wand auf der linken Seite unseres Subjekts abprallt. Durch die Erstellung in diesem Winkel und stellen Sie sicher, dass sie nicht von zu viel Umgebungslicht von oben getroffen wird, und die Disketten-Teil nimmt jedes Umgebungslicht, das durch die Seite kommen könnte. In diesem speziellen Raum und weil es ein bewölkter Tag ist, sind unsere Ambiente-Level schon ziemlich niedrig. Aber wenn es ein viel heller, sonniger Tag wäre, könnten wir viel mehr Licht haben, das hier drüben um den Raum hüpft, das wir vielleicht abnehmen wollen , um ein wenig mehr Kontrast in ihrem Bild zu schaffen. Ich neige dazu, dass sich das ein bisschen naturalistischer anfühlt, ein bisschen filmischer, und sicherlich ein bisschen launischer, da Sie wirklich die Schattenniveaus Ihres Bildes in diesem dunkleren, schattigen Bereich, wo Sie wirklich Informationen verlieren, und das ist in Ordnung. Für einen stimmungsvollen oder filmischen Blick auf meine falsche Farbesehe ich tatsächlich gerne viel Blau, sehe ich tatsächlich gerne viel Blau denn das sagt mir, dass mein Bild viel Kontrast darin hat, dass meine Schattenbereiche wirklich dunkel sind und an diesen Schwarzen reich sind. Das letzte Element der Beleuchtung, die wir berühren werden, ist Hintergrundbeleuchtung oder Kantenlicht. 12. Mit dem Spitzlicht abschließen: Jetzt werden wir das letzte Element unserer Beleuchtung hinzufügen, und das wird eine Hintergrundbeleuchtung sein. Für einen kommerziellen oder Corporate Look oder ein dokumentarisches Interview, Hintergrundbeleuchtung oder Haarlicht kann eine wirklich gute Möglichkeit Ihr Motiv einfach aus dem Hintergrund Ihrer Aufnahme zu springen, schaffen Trennung zwischen Vordergrund und Hintergrund, Aufmerksamkeit auf Ihr Motiv, um sicherzustellen, dass Ihr Publikum sich wirklich auf sie konzentriert, und fügen Sie einfach eine Schicht des ästhetischen Schienbeins zu Ihrem Bild , die es nur erhebt und es ein wenig stilisieren. Also sind wir im Moment in unserem kommerziellen neutralen Corporate Look. Wir werden nur unsere Hintergrundbeleuchtung dazu hinzufügen, nur um ihm diese zusätzliche Schicht von Pop zu geben. Dafür verwenden wir eine Isolatröhre, die eine kleine LED-Röhre ist, die batteriebetrieben wird. Eine Sache, die ich erwähnen möchte, ist, dass Sie wirklich jede Art von Einheit für eine Hintergrundbeleuchtung verwenden können. Ich mag dieses für seine kleine Größe und sein niedriges Profil. Aber Sie können jede Art von Einheit verwenden, solange Sie es so montieren können, dass Sie es hinter Ihrem Motiv platzieren können, so dass der Ständer, auf dem es montiert ist, nicht in Ihren Rahmen eingreift. Also gehen wir weiter und schlagen es an, und wir drehen es auf 100 Prozent. Wieder wollen wir unser Licht immer auf seiner hellsten Ebene beginnen, nur damit wir es von dort aus einstellen können. So können wir bei 100 Prozent Helligkeit sehen, was das Haarlicht bereits zu unserem Rahmen beiträgt. Es ist nur eine schöne Trennung zwischen unserem Thema und Hintergrund zu schaffen. Ich werde es tatsächlich ein bisschen optimieren, ich denke, es könnte sogar noch heller sein. Also gehen wir weiter und gehen Sie es einfach näher an unser Thema, und dann senken Sie es auch in Rahmen, nur so dass es direkt aus dem Rahmen ist, und geben Sie uns einfach unser maximales Haarlicht. Geht weiter runter, ihr seid immer noch draußen, und genau da ist gut. Also lasst uns einfach voran gehen und anfangen, das Ganze nach rechts zu laufen. So wird es nicht genau hinter ihr platziert werden, sondern ein wenig weg zur Seite, nur so dass es beginnt, die Schulter zu fangen. Also, was dies tut, ist ein schönes Gegengewicht zwischen der Tastenbeleuchtung und der Hintergrundbeleuchtung zu schaffen . Die Hintergrundbeleuchtung ist nicht genau hinter ihrem Kopf platziert, sondern ein wenig weg nach links, nur so dass sie den Rand der Schulter hier und auch die Haare fängt und so schönes Gefühl von Tiefe und Trennung schafft. Nur um zu demonstrieren, wie das ohne aussieht, lassen Sie einfach voran und schalten Sie es aus. Also das ist ohne, und dann schalten wir es wieder ein, nur damit wir sehen können, was es hinzufügt. Perfekt. So können Sie sehen, wie das die Schulter fängt , das Haar hell, und nimmt ein wenig von dem Stuhl, auf dem sie sitzt auch. Das ist im Grunde, wo ich es als erledigt bezeichnen würde. Alle unsere Einheiten sind platziert, unsere Levels sind festgelegt. Wir mögen unsere Gesamtkomposition und Belichtung, und ich wäre bereit, von hier aus zu schießen. Das erste, was wir tun werden, um wieder zu unserem stimmungsvolleren Look zurückzukehren , ist, die Hintergrundbeleuchtung auszuschalten. Wir werden eine andere Position dafür finden, und lassen Sie uns einfach den Rest unserer Beleuchtung zurücksetzen , nur um zurück zu dem Ort zu kommen, an dem wir vorher waren, und dann können wir von dort aus gehen. Also für einen stimmungsvolleren oder filmischen Look neige ich dazu, Haarlichter wie die Art und Weise zu finden, wie wir es für den kommerziellen Look eingerichtet haben , um ein wenig künstlich und läuft antithetisch den gesamten naturalistischen Stil der mehr kinematischer Look. Das heißt, es gibt eine Möglichkeit, dass ich gerne ein Kantenlicht spielen, das demSchuss ein wenig mehr Volumen und Tiefe hinzufügt Schuss ein wenig mehr Volumen und Tiefe hinzufügt ohne Kompromisse bei der gesamten Ästhetik. Was wir also tun werden, ist unser Haarlicht zur Seite zu bewegen, unseren C-Ständer vertikal aufzustellen und dann unsere Lichter so zu drehen, dass es unserem Motiv zugewandt ist. Dann wollen wir es mir vielleicht ein bisschen näher bringen. Es kann ein wenig vor dem Diffusionsmaterial sein. Also, was wir hier getan haben, ist im Grunde genommen genommen die Einheit, die als unser Haarlicht spielte, und sie neben unserem Schlüssellicht als eine hellere, kleinere und härtere Quelle platziert . Was es tut, ist es tatsächlich ein bisschen eine Erweiterung des Schlüssellichts um dieandere Seite des Gesichts zu schaffen ein bisschen eine Erweiterung des Schlüssellichts um die und irgendwie den Kontrast zwischen der Schattenseite des Gesichts und der hellen Seite des Gesichts zu erhöhen . Es ist eine subtile Ergänzung, aber was es tut, ist nur ein wenig zusätzliches Volumen hinzuzufügen, und ein wenig Fang von Haarlicht und Kantenlicht, das dem ganzen Bild nur eine winzige kleine zusätzliche Kante verleiht , die es nicht hätte wenn wir nur mit unserem großen Schlüssellicht beleuchten würden. Also eine Sache, die ich versuchen wollte, in diesen launischen oder filmischen Look hinzuzufügen , ist zu sehen, ob ich ein Haar Licht oder Hintergrundbeleuchtung spielen kann, das fühlt sich ein bisschen natürlicher und organischer, und passend zu dieser Gesamt-Ästhetik. Also, was wir tun werden, ist unsere zweite Blende 120D, die unser hartes LED-Licht ist, und legen Sie es in den Eckhintergrund außerhalb des Bildschirms, als ob es von einem Fenster im Hintergrund motiviert abgespielt wird, das direkt aus der Kamera ist. Also, was wir tun werden, ist, das Licht nach unten zu drehen und es ein wenig nach oben zu kleben. Ich möchte, dass es auch einige der Möbel im Hintergrund zu fangen. Die Idee hier ist, dass wir dieses Licht spielen als ob es von einem der Fenster kommt, die hier außerhalb des Bildschirms sind. Im Ethos des naturalistischen oder filmischen Looks möchte ich das ganze Licht so motiviert fühlen, dass sich nichts künstlich anfühlt, was die Illusion dieser naturalistischeren Ästhetik bricht. Jetzt, da wir unser Licht eingeschlagen haben, kann ich anfangen zu sehen, welche Elemente funktionieren und welche Elemente noch Anpassungen benötigen. Ich mag es, wie es auf Denali's rechter Schulter spielt, und ich mag, wie es den Tisch hinter ihr beleuchtet, den Boden und einfach alles ein bisschen mehr Textur gibt. Es gibt ein paar Dinge, die mir nicht so sehr gefallen. Also werden wir einige der Werkzeuge verwenden, die wir haben um einige der Dinge zu kontrollieren, die nicht so gut funktionieren. Die erste Sache ist, das Licht, das wir hinzugefügt haben, ist, diese Couch ein bisschen mehr zu füllen, als ich es gerne hätte. Also, was wir dort tun werden, ist einfach die Scheunentüren zu benutzen, um sicherzustellen , dass das Licht nicht wirklich die linke Seite ihres Rahmens füllt, das ist perfekt. Eine andere Sache, die gerade in diesem Rahmen mit dem Element, das wir hinzugefügt haben, nicht ganz funktioniert , ist, dass das Licht ein wenig zu niedrig im Annäherungswinkel ist. Das ist eine Art von Flackern unser Bild, das Sie oben links sehen können. Das erste, was wir tun werden, um dem entgegenzuwirken ist, das Licht nach oben zu heben und seinen Winkel zu ändern. Also lasst uns tatsächlich ein bisschen nach unten kippen, und dann werden wir uns noch einiges daran festhalten. Großartig. Das ist also schon einiges getan. Ich bekomme immer noch ein bisschen Flare-Action. Also die andere Sache, die ich tun werde, ist dieses kleine Stück Ausrüstung hier zu benutzen, die nur eine Erweiterung meiner matten Box ist. Das macht also nur eine Flagge, die das Licht abschneidet, das direkt auf das Objektiv trifft. Jetzt gibt es alle möglichen Möglichkeiten, dies zu tun, wenn Sie keinen Zugriff auf eine matte Box haben. Was einige Leute tun werden, ist eigentlich nur ein Stück Gaff Band vor dem Objektiv ausgestreckt, und verwenden Sie das auf die gleiche Weise wie dies tut, nur um das Licht abzuschneiden, das direkt auf das Objektiv trifft. Das letzte Element hier ist also nur, das Niveau des Lichts an einem Ort zu setzen , der uns ästhetisch ansprechend anfühlt. Im Moment fühlt es sich immer noch ein bisschen hell und künstlich für mich an. Also, nur damit es sich ein bisschen naturalistischer anfühlt, werden wir nur anfangen, es zu verdunkeln, sagen wir etwa 50 Prozent. Nur um diese Schärfe hier auf etwas zu reduzieren , das sich ein wenig mehr im Einklang mit dem Gesamtlicht anfühlt. Perfekt. Das war's also. Das ist eine Möglichkeit, ein zusätzliches Licht abzuspielen, um Ihrem Bild ein wenig mehr Volumen und Textur zu verleihen. Ich möchte nur wiederholen, dass wir zwei hypothetische Looks als Bankpunkte verwendet haben , um all diese verschiedenen Beleuchtungstechniken und Lichtplatzierungen zu demonstrieren . Am Ende des Tages können alle diese verschiedenen Elemente austauschbar verwendet werden je nachdem, welche allgemeine Stimmung Sie für Ihr Bild suchen. Es kann etwas sein, das irgendwo zwischen diesen Looks passt. Es kann etwas künstlicher aussehen, ein bisschen mehr inszeniert, oder sogar naturalistischer und weicher. Es hängt wirklich nur davon ab, welche Art von Stimmung und Emotion Sie mit Ihrem Bild erstellen möchten. Als nächstes werden wir uns nur ein weiteres häufiges Beleuchtungsszenarioansehen ein weiteres häufiges Beleuchtungsszenario mit dem ich denke, dass viele von uns zu tun haben werden. 13. Mit natürlichem Licht arbeiten: Das letzte, was ich ansprechen wollte, war, was zu tun ist, wenn Sie keines der Werkzeuge haben, die wir in dieser Demo bis zu diesem Zeitpunkt verwendet haben. Wenn Sie keinen Zugang zu künstlichen Lichtern haben oder so etwas, alles, was Sie haben, ist Sie, eine Kamera und einen Raum, wie wenden wir die gleichen Prinzipien an, über die wir gerade gesprochen haben, indem wir nutzen, was der eigentliche Ort, Wir schießen in liefert uns? Im Moment ist unsere Kamera und alles genau so aufgebaut, wie wir sie gerade verlassen haben. Wir haben gerade alle unsere künstliche Beleuchtung weggezogen. Wir können sehen, dass die Qualität des Lichts für sich nicht allzu schlecht ist. Dieser Raum, in dem wir gerade sind, hat zufällig eine Menge sehr gutes natürliches Licht und große Fenster, die viel davon reinlassen. Es ist auch derzeit bewölkt, was immer eine schöne Sache für Aufnahmen mit natürlichem Licht ist. Es stellt nur sicher, dass Sie Konsistenz den ganzen Tag haben und Sie werden nicht sehen eine Menge großer Verschiebungen zwischen der Belichtung, wie die Sonne bewegt sich durch den Himmel. Das heißt, eine Sache, die Sie beachten sollten, wenn Sie mit natürlichem Licht beleuchten, ist, dass die Sonne wirklich Ihre Lichtquelle ist. Sie werden also wirklich wissen wollen, wo es zu einem bestimmten Zeitpunkt ist um zu verstehen, wie Sie es am besten für Ihre Zwecke nutzen können. Also verwende ich eine App namens Sun Seeker, um den Sonnenweg durch den Himmel zu verfolgen. Was Sie sehen können, ist, dass es Ihnen tatsächlich ein Overlay über Ihrem tatsächlichen Raum gibt. So verfolgt die App je nach bestimmten Daten ein paar verschiedene Sonnenwege. Ich denke, dieser hier hat die Sonnenwende im Moment, und dann ist die Mitte der aktuelle Sonnenweg, wie er jetzt ist. Also, was ich jetzt damit machen würde, ist einfach durch die Fenster zu gehen und einen Blick darauf zu werfen, wo die Sonne in Bezug auf den Raum landet. Ich kann sehen, dass diese Fenster nach Norden ausgerichtet sind, also bekommen sie im Moment überhaupt keine direkte Sonne. Die Sonne ist auf dieser Seite des Gebäudes vorbei. Also werde ich einfach hier rüber gehen und überprüfen, ob es irgendeinen Punkt gibt, an dem ich durch dieses Fenster direktes Sonnenlicht bekommen werde, oder wird es immer hinter Gebäuden versteckt werden, oder nicht wirklich unsere Szene direkt beeinflussen? In diesem Fall sind wir völlig klar, dass die Sonne bereits hinter diesem Gebäude untergeht, wie ich bereits erwähnt habe, da es heute bewölkt ist, wie auch immer, da es heute bewölkt ist, wie auch immer, wir werden nicht wirklich jede direkte Sonne in dieser Szene bekommen , um wirklich unsere Ebenen zu beeinflussen überhaupt. Was ich hier suche, ist, einen Weg zu finden, natürliches Licht zu verwenden, um das Verhältnis zwischen Vordergrund und Hintergrund neu zu erstellen , das wir mit unserer künstlichen Beleuchtung und der Kontrolle hatten , die uns das gegeben hat. Betrachtet man dieses Bild jetzt, sieht die Qualität des Lichts auf Denali gut aus, aber wir können sehen, dass es eine kleine Trennung zwischen der Helligkeit und Belichtung ihres Hintergrunds und Vordergrunds gibt. Also geht mein Auge jetzt auf die Couch und die Fenster im Hintergrund. Aber ich verliere den Fokus auf unser Thema. Um natürliches Licht zu nutzen, ist die Hauptsache, was wir tun werden, versuchen, eine Position in unserem Raum zu finden , wo das natürliche Fensterlicht bei seiner maximalen Helligkeit auf unserem Thema ist , ohne Kompromisse bei unseren allgemeine Ästhetik in Bezug auf seine Beziehung zum Hintergrund. Der wichtigste Weg, den wir tun werden, ist im Grunde, indem unser Thema näher an ein Fenster bewegen. Also Denali, ich werde dich aufspringen lassen und wir werden diesen Stuhl nur vorbeugend zurückziehen, kurz nach hier und ein bisschen näher an das Fenster, um sicherzustellen, dass das Fenster Licht um Denalis Gesicht wickelt und erzeugt dieses Seitenlicht nicht, wie wir uns in der vorherigen Lektion angesehen haben, wenn wir über die Platzierung unseres Schlüssels sprechen. Also habe ich das nur durch Raten aufgeschraubt. Denali, ich möchte, dass du dich hinsetzst, und ich werde zurück zur Kamera springen und einfach unsere Aufnahme neu gestalten, um zu sehen, wie das aussieht. Also zog ich Denali näher an das Fenster und bewegte die Kamera, um den gleichen Rahmen zu entsprechen, den wir vorher hatten. Die Lichtstufen sind ziemlich gut. Wir bekommen eine sehr ähnliche Qualität, wie wir vorher hatten. Der Abfall ist wirklich schön, sehr weich, sehr naturalistisch, aber es gibt immer noch genug von einem Belichtungsunterschied zwischen Hintergrund und Vordergrund, um sicherzustellen, dass Denali wirklich knallt. Durch das Verschieben des Winkels haben wir diesen Stecker des Klimageräts enthüllt. Gehen wir einfach weiter und bewegen Sie den Farn, unsere Klimaanlage blockierte, nach links. Eine andere Sache, die tun wird, ist, diesen weißen Streifen über den Weg zu nehmen , nur um die Aufmerksamkeit auf Denalis Gesicht zu lenken. Also geht weiter ein bisschen mehr, genau da, zurück nach rechts ein bisschen. Wir blockieren es einfach perfekt, genau da. Ausgezeichnet. Dann drehen wir es ein wenig, nur so dass die Farne die weiße Wand ein wenig mehr bedecken, genau da. Ähnlich wie bei künstlichem Licht können Sie auch ohne künstliche Lichtquellen immer noch Modifikatoren verwenden, um die natürliche Beleuchtung an Ihre Bedürfnisse anzupassen . Zum Beispiel, wenn wir hartes Licht durch dieses Fenster bekommen, kann ich immer noch ein Stück Diffusion, Bettlaken oder Duschvorhang werfen , nur um die Helligkeit des Fensters zu verringern und sicherzustellen, dass das Licht, das mein Thema zu treffen, ist die Qualität, die ich will, dass es sein. Im Grunde ist es ein bisschen mehr ein abscheulicher Ansatz und eine , die erfordert, dass Sie die natürlichen Elemente nutzen, in denen Sie sich befinden. Aber auch hier gelten die gleichen Prinzipien und Techniken. Das ist also so ziemlich es. Viele Male auf Triebe, müssen Sie nur Dinge an einem gut genug Ort akzeptieren, oder einen Ort, den Sie zufrieden genug mit dem Bild fühlen , um später mit ihm leben zu können, um die Straße zu kommen. Viele Male sind Sie auch durch Planungsbeschränkungen begrenzt. Sie haben nur eine bestimmte Anzahl von Stunden am Tag des Tageslichts oder Verfügbarkeit eines Subjekts. All diese Dinge neigen dazu, ins Spiel zu kommen und berücksichtigt zu werden. Aber am Ende des Tages, solange Sie sich mit Ihrem Image und Ihren Levels insgesamt zufrieden fühlen , sollten Sie bereit sein zu gehen. Das war's also für unsere Standortarbeit. Gehen wir jetzt zurück ins Studio, nur für ein paar letzte Gedanken. 14. Letzte Gedanken: Herzlichen Glückwunsch dafür, dass es bis zum Ende der Klasse geschafft hat. Ich hoffe, dass dies nur als Überblick über ein paar verschiedene Ideen und Konzepte dienen kann, die Sie dann in Ihre eigene Arbeit aufnehmen und von dort aus aufbauen können. Wir haben ein paar verschiedene Interview-Licht-Setups erstellt , um diese verschiedenen Techniken zu demonstrieren und die Unterschiede zwischen ihnen zu zeigen und wie unterschiedliche Entscheidungen Sie mit Beleuchtung, Rahmen und Brennweite treffen können Wahl kann die Stimmung und emotionalen Kontext Ihres Bildes beeinflussen. Ein paar Dinge, die wir in dieser Klasse nicht angesprochen haben, sind die Aufnahme von Multi-Kameras, Kamerabewegungen , sei es mit einem Schieberegler oder einem Dolly, oder sogar einfach nur Handheld, und die Verwendung von Produktionsdesign und Garderobe, um weitere Elemente des Kontrastes und des visuellen Geschichtenerzählens in Ihre Bilder. Es gibt viele verschiedene Orte, an denen Sie über diese verschiedenen Konzepte lernen können, also werde ich zu einigen meiner Favoriten in den Klassenressourcen verlinken. Ich hoffe, Sie können diese Konzepte, über die wir gesprochen haben, auf Ihre eigene Arbeit anwenden, und Wege finden, auf ihnen aufzubauen, zu experimentieren, mischen und anzupassen, Dinge zu ändern, Dinge auf Ihre eigene Art auszuprobieren. Als Erinnerung würde ich gerne die Arbeit sehen, die Sie alle mit den Lektionen aus dieser Klasse erstellen. Bitte laden Sie Ihre Bilder oder Videos in die Projektgalerie hoch, damit wir alle diese Techniken in Aktion setzen sehen können. Nochmals vielen Dank, dass Sie diese Klasse besucht haben. Ich bin so aufgeregt zu sehen, was Sie mit diesen Techniken erstellen werden. Also geh da raus und erschaffe ein paar filmische Bilder.