Grundlagen der Kinematographie: Mit kleinem Budget kinoreife Geschichten erzählen

1. Einführung: Filme, Kino, visuelles Geschichtenerzählen. Es ist eine Kunst. Aber wie kannst du deine eigenen Sachen so gut aussehen lassen? Was macht es filmisch? Hallo und herzlich willkommen. Zunächst möchte ich mich bei Ihnen für Ihr Interesse an diesem Kurs bedanken. Mein Name ist Fynn Badgley, und nicht nur ein kommerzieller Modeporträtfotograf, ich hatte auch das Vergnügen, an einigen der größten Produktionen aus Nordamerika zu arbeiten . Nun, während ich nicht in den höchsten Rollen tätig war, konnte ich immer noch aufnehmen und absorbieren, was es braucht, um ein Projekt dieser Größenordnung zu machen. Ich nehme diese Werkzeuge und Techniken und bringe sie Ihnen heute, damit Sie anfangen können Ihre Kinematographie zu verfeinern und einige erstaunliche Geschichten zu erschaffen. Dies ist die Art von Kurs, den ich wünschte, ich hätte den Zugang zu, wenn ich zur Filmschule ging, da es den Prozess erheblich beschleunigen würde und mir erlauben würde, alle Werkzeuge und Techniken zu nehmen , die da draußen sind und beginnen, einige erstaunliche filmische Geschichten zu erstellen, unabhängig vom Budget. Egal, ob Sie ein iPhone, eine Kinokamera, eine DSLR oder irgendetwas dazwischen verwenden, Sie können die Grundlagen dieses Kurses nutzen, um filmische und visuell überzeugende Geschichten zu erstellen. Für die Dauer dieses Kurses, um es einfach und zugänglich zu machen, werden wir auf einer spiegellosen Kamera fotografieren, und das ist nur so, dass es für eine breitere Palette von Zuschauern anwendbar sein kann und es ist weniger beschränkt auf, was Kamera, die Sie haben. Wir werden viele verschiedene Themen behandeln, einschließlich der Verwendung von Kamerabewegungen und Beleuchtungstechniken, um Ihren Rahmen wirklich zu gestalten und eine visuell überzeugende Geschichte zu erstellen. Ich werde Ihnen Techniken zeigen, die auf Branchen-Sets verwendet werden, sowie Budget-freundliche Optionen, die Alternativen sind, wenn Sie kein Multi-Millionen-Dollar-Budget haben. Es spielt keine Rolle, ob du für YouTube oder für den großen Bildschirm kreierst. Jetzt, mit allem, was gesagt hat, lasst uns ins Rollen gehen. 2. Projektbeschreibung: Nun, gleich von der Fledermaus, ich möchte aufschlüsseln, was Sie am Ende davon wegkommen werden, das wird nicht nur Techniken und Tipps lernen. Dies wird sie in die Praxis umsetzen, um Ihre eigenen sehen zu schaffen. Es gibt keine Grenzen für das, was Sie mit den Tools und Techniken erstellen können , die ich heute mit Ihnen teilen werde. Aber um alles vollständig zu demonstrieren, wird dies während der COVID-19-Pandemie aufgezeichnet. Mit diesem Geist werden wir einen von Covid inspirierten Kurzfilm filmen. Dies wird irgendwo die Grenzen zwischen Kurzfilm und Dokumentarfilm verwischen , so dass es mit dem, was heute vor sich geht, anwendbar sein kann. Aber es wird einige zusätzliche Dramatisierung geben und die Techniken, die wir sicher sein werden um es aufzupeppen und ihm mehr von einem narrativen Gefühl zu geben. Nun, das heißt, Sie müssen nicht das gleiche Thema für Ihren Film verwenden, den ich benutze. Sie können tun, was Ihr Herz begehrt, und gehen Sie mit Ihrem Bauch und schießen, was Sie fühlen sich aufgeregt. Es gibt keine Ahnung, zu klein oder zu groß. Eine gute Erinnerung ist manchmal einfach ist immer am besten. Nun, mit dem besagten, werden wir in den Rest des Kurses weitermachen. 3. Was ist Kinematographie: Sie sehen heutzutage viele Leute, die über bestimmte Dinge reden, die kinematisch aussehen. Aber was genau bedeutet das? Einfach erklärt, die Kinematographie verwendet Kamera- und Beleuchtungstechniken, um eine Geschichte visuell zu kommunizieren. Nun, etwas kinematisch aussehen zu lassen, hat heutzutage viele verschiedene Verwendungen, vor allem, wenn Sie sich die filmische B-Rolle auf YouTube im Vergleich zu einem Hollywood-Blockbuster-Film ansehen. Sicher, beide sehen vielleicht filmisch aus, aber was bedeutet das eigentlich? Im Wesentlichen nutzt es Kinematografie, Kamera und Beleuchtungstechniken, um den Betrachter auf das zu lenken, was passiert. Nun, dies kann langsame Aufnahmen von Kaffee sein, der hergestellt wird, oder es kann Film sein, sehr lebensecht in einer schnelllebigen, ruhigen Schnitt-Umgebung, und alles dazwischen. Die Möglichkeiten sind endlos und mit den Fähigkeiten, die Sie am Ende dieses Kurses erhalten werden, werden Sie in der Lage sein, fast alles filmisch aussehen zu lassen. 4. Regeln & Best Practices: Nun, wenn Sie ziemlich neu in Videofilmen und Kinematografie sind, wissen Sie vielleicht nicht alle Regeln und Einstellungen , die für Ihre Arbeit gelten, und deshalb werde ich diese jetzt brechen. Anders als bei der Fotografie, bei der Sie möchten, dass Ihre Verschlusszeit gleich ist, was auch immer Ihre Brennweite ist, sind Video und Kino etwas anders. Grundsätzlich ist die Faustregel, dass Sie Ihre Verschlusszeit oder Verschlusswinkel wollen , wenn Sie auf einer Kinokamera sind, im Grunde sind sie die gleiche Sache, nur eine ist ein Bruchteil und eine ist ein Winkel mit einer Gradzahl. Grundsätzlich möchten Sie, dass Ihre Verschlusszeit doppelt ist, was auch immer Ihre Bildrate ist. In Nordamerika werden die meisten Filme mit 24 Bildern pro Sekunde oder 23,98 Bildern pro Sekunde gedreht , einschließlich des Drop-Frames dort, wenn Sie spezifisch sein möchten. Das liegt daran, dass es natürlich sein soll für das, was unsere Augen sehen, und das kleine bisschen Unschärfe, das du da reinkommst, sieht sehr natürlich aus. Weil es so lange verwendet wurde, ist es der Goldstandard und ist das, was sehr filmisch aussieht. Wenn Sie jetzt in Großbritannien sind, das 25 Frames pro Sekunde. Jetzt mit der Verschlusszeitregel, dann würde Ihre Verschlusszeit in Nordamerika 148 einer Sekunde betragen, wenn Sie können. Wenn Sie auf einer Kamera sind, die das nicht zulässt, wird 150th gut funktionieren. Wenn Sie die standardmäßige Video- oder Broadcast-Framerate von 30 Bildern pro Sekunde durchführen, hätten Sie eine Verschlusszeit von 160., da dies die doppelte Bildrate entspricht. Dann, wenn Sie in höhere Bildraten gehen, wie 60p, 120, 240p usw. Sie müssen Ihre Verschlusszeit weiter erhöhen, um doppelt zu sein, was auch immer diese Bildrate ist. Je höher die Bildrate ist, desto mehr Licht benötigen Sie, weil zunehmend Ihre Verschlusszeit erhöht wird und somit weniger Licht in Ihren Sensor eingelassen wird. Jetzt für Sie Kinokamera-Nutzer, Sie möchten, dass Ihr Verschlusswinkel bei 180 Grad liegt, und das ist das gleiche, wie die doppelte Idee Ihrer Bildrate zu haben. Nun, obwohl dies der Goldstandard ist und die Art, alles so natürlich und organisch wie möglich aussehen zu lassen, gibt es Situationen, in denen Sie das aus verschiedenen Gründen anpassen möchten. Wenn Sie sich in einer Umgebung befinden, die Leuchtstoffröhren hat oder etwas weniger teure LED-Beleuchtung hat, können Sie einige Flackerprobleme haben, und hier möchten Sie Ihre Verschlusszeit so einstellen , dass Sie kann dieses Flimmern loswerden. Wenn Sie Ihren Verschlusswinkel anpassen, Sie vielleicht 144 Grad versuchen oder höher auf etwas wie 200 Grad, 196 Grad gehen , so etwas. Sie können Ihre Verschlusszeit oder den Verschlusswinkel einstellen, bis Sie das Flimmern loswerden. Sie können das überwachen, während Sie gehen, um sicherzustellen, dass es überhaupt nicht kommt. Ein weiterer Grund, warum Sie Ihre Verschlusszeit oder den Winkel ändern möchten ist eine stilistische Wahl, wenn Sie versuchen, es verträumter zu machen. Oder selbst wenn Sie versuchen, wie eine berauschte Atmosphäre zu filmen, würden Sie Ihre Verschlusszeit senken, um näher an Ihrer Bildrate zu sein , und dann würden Sie diesen wirklich verzerrten, wappy Effekt bekommen und alles wäre sehr verschwommen. Während dies in den meisten Fällen nicht das ist, was Sie wollen. Wenn Sie diesen berauschten Effekt verkaufen wollen, ist dies ein Weg, das zu tun. Umgekehrt werden sehr schnelle, schnell geschnittene Kampfszenen oft mit einem höheren Verschlusswinkel oder einer höheren Verschlusszeit gedreht. Dies ist zu haben, dass all das ein wenig schärfer und ein wenig steifer, so dass Sie wirklich spüren können, dass Aktion. Nun, das ist offensichtlich nicht das, was Sie für die meisten Filmemacher wollen , da es sich ein wenig jittery anfühlen kann. Aber wenn du eine rasante Kampfsequenz machst, ist das manchmal der Blick, den du dafür machst. Dann Blende, es ist ziemlich das Gleiche. Sie haben es mit Blendenstufen auf einem Fotoobjektiv und T-Stopps auf einem Kinoobjektiv zu tun. Grundsätzlich sind sie für alle Absichten und Zwecke das Gleiche. Sie sind nur die Menge an Licht, die über das Loch im Objektiv in die Kamera eingelassen wird. Jetzt ISO, ASA, EI , wie auch immer Sie es nennen, diese alle funktionieren in erster Linie auf die gleiche Weise. Einige Kinokameras haben jedoch eine native ISO oder eine duale native ISO, auf die es am besten zu schießen ist, so dass Sie weniger Getreide in Ihrem Endprodukt haben. Deshalb lohnt es sich immer, Ihre Kameras zu recherchieren, zu sehen, was die native ISO ist und zu versuchen, sich so gut wie möglich daran zu halten , denn es wird Ihnen normalerweise die besten Ergebnisse liefern. Eine weitere Regel, nach der man leben muss, ist die 180-Grad-Regel. Dies wird auch die Achse genannt. Im Grunde bedeutet das, wenn zwei Leute miteinander reden, sagen wir, dass ich hier mit dieser Kamera spreche, während diese Kamera auf meiner linken Seite ist, aber diese Kamera ist die andere Person, mit der ich spreche. Ich kann die Kamera überall zwischen mir haben und wo das platziert ist, außer handeln, als ob diese Kamera der Charakter ist, mit dem ich spreche. Diese Kamera hier kann überall von hier bis zu meiner Schulter hier platziert werden. Nun, wenn es auf dieser Seite geht, tut es, was wir nennen, um die Achse zu brechen. Grundsätzlich zeichnen Sie eine Linie zwischen Ihren Charakteren und Sie bleiben auf einer Seite davon. Dabei werden in erster Linie zwei Zeichen oder ein Zeichen und ein wichtiges Objekt verwendet. Aber wenn Sie dazu kommen, viele Charaktere in einer Szene zu verwenden, beginnt es, diese Dynamik ziemlich viel zu verringern. Es ist mehr für Eins-zu-Eins-Gespräche und so etwas. Du willst auf dieser Seite der Achse bleiben, denn wenn du es kaputt machst, wird plötzlich alles umgedreht, und wenn es bearbeitet wird, wenn ich hier rede und dann die Kamera auf der anderen Seite der Achse ist, plötzlich habe ich Ich werde so aussehen, als ob ich hier auf diese Weise rede, obwohl ich in die gleiche Richtung bin. Jetzt gibt es Zeiten, in denen Sie dies brechen können, aber tun Sie dies sparsam und tun Sie dies als eine stilistische Wahl, um etwas in Ihrer Geschichte zu vermitteln. Hier wollen wir sicherstellen, dass es von dem, was in der Geschichte passiert, motiviert wird. Möglichkeiten, dies zu tun, sind Sie tatsächlich die Crossover zeigen können, die ich in einigen meiner Projekte getan habe, die Sie in der Vergangenheit gesehen haben, und das ist, um eine Verschiebung in der Dynamik zu zeigen. Sagen Sie, wenn ein Chef mit einem ihrer Mitarbeiter spricht und plötzlich sein Mitarbeiter die Macht in dieser Situation hat, können Sie den Zugang überqueren, um diesen Machtwechsel zu veranschaulichen. Aber wenn Sie den Zug nicht zeigen, ist der einzige Weg, in dem Sie dies tun möchten, wenn Sie es für stilistische Wahl verwenden, wie sie es im Film Psycho getan haben. Dies ist ein Weg, um Wahnsinn zu zeigen, mit sich selbst und so etwas zu reden. Dies geschieht auch in Der Herr der Ringe, wenn du siehst, wie Gollum mit Smeagol spricht. Es ist wirklich nur er, der mit sich selbst redet, aber sie verhalten sich, als wäre diese Achse gebrochen, um das zu zeigen. Dies sind Möglichkeiten, wie Sie diesen Wahnsinn veranschaulichen können, wenn das etwas ist, das Sie wollen. Aber als eine gute Faustregel ist es immer ratsam, auf einer Seite der 180-Grad-Regel zu bleiben , da sie Ihr Publikum nicht verstopft, denn wenn diese Achse kaputt ist, Ihr Publikum es vielleicht nicht erkennen, aber etwas wird sich sehr abfühlen und sie werden aus der Geschichte genommen und dann werden sie sich alle fragen, was los ist , und dann werden sie einfach verwirrt und das ist nicht das, was wir wollen. Dies sind eine Menge der Regeln, an die Sie festhalten möchten, sowie einige Fälle, in denen Sie sie brechen können, aber tun Sie dies vorsichtig. 5. Aufnahmearten und Kamerabewegung: Nun, während Sie Ihre Szene planen, werden Sie die verschiedenen Aufnahmen planen wollen, die Sie verwenden werden, da es Ihnen Zeit und viele Kopfschmerzen spart, wenn Sie tatsächlich auf dem Set Dreharbeiten sind. Damit werden wir zuerst aufschlüsseln, was die Arten von Aufnahmen sind, und dann von dort aus können wir tatsächlich eine Shot-Liste erstellen, so dass wir herausfinden können, was wir da drinnen wollen. In Bezug auf die Erklärung von Kamerabewegungen und Aufnahmetypen kann es in zwei Kategorien unterteilt werden, und das ist, was die eigentliche Framing ist, und dann, was die eigentliche Kamera tut. Soweit das, was die eigentliche Kamera macht, werden Sie oft über Schwenkaufnahmen hören, aber die Leute werden das manchmal für eine Vielzahl von Begriffen verwenden, und ärgern Sie sich nicht, wir werden jeden einzeln zusammenbrechen. Auf diese Weise wissen Sie, was jeder Schuss ist, und Sie können das beste Bild davon haben, dass es in Ihrem Shooting geht. Ein Schwenkschuss, sehr einfach erklärt, ist eine horizontale Rotation. Das ist, wenn Sie einfach schwenken und die Szene so zeigen, wie sie ist. Dies ist ein sehr einfacher, aber effektiver Schuss. Wenn Sie jemanden vorbeilaufen lassen, können Sie auf einem Stativ oder Stöcken sein, wie wir sie irgendwann nennen, sie bedeuten dasselbe, nur auf einem schönen flüssigen Kopf, der schwenkt, so dass Sie sie im Rahmen halten. Ich werde hier eine Grafik haben und ich werde es auch unten in den Kursmaterialien unten haben , so dass Sie alle das herunterladen können und es für Ihre Referenz haben. Ich habe diese nicht gemacht. Diese werden für Ihre Ausbildung zusammengestellt, und ich werde auch die Quellen auflisten, aus denen sie stammen. Mit dem besagten, wenn Sie horizontal malen, können Sie auch vertikal neigen, was die gleiche Bewegung ist, wo Sie abgesperrt sind und es ist nur eine Kamera, die um einen Mittelpunkt dreht, außer stattdessen, jetzt geht es nach oben und unten gegen Seite zu Seite. Von dort aus haben wir, was wir eine Dolly Bewegung nennen, und hier drängt die Kamera selbst ein oder zieht heraus. Wenn Sie in Richtung Szene gehen oder weg von ihr, würden wir das einen Dolly vorwärts oder Dolly zurück nennen. Dies kann verwirrend werden, wenn Sie auch einen Zoom in Betracht ziehen. Der Zoom bewegt sich immer noch vorwärts oder zurück, aber es ist das Objektiv selbst, das ein- oder verkleinert , das das Sichtfeld ändert, abhängig von der Brennweite, zwischen der Sie gehen. Während ein Dolly Shot, Sie sind auf einer festen Brennweite die ganze Zeit, und in den meisten Fällen, es sei denn, Sie integrieren auch einen Zoom in, was eine kompliziertere Bewegung ist, die Menschen tun, um diese Verzerrung oder plötzliche Erkenntnis, wenn Sie vorwärts Puppen und Zoomen gleichzeitig, gibt es einen Parallax-Effekt, ist das, was wir es nennen, so dass es gibt, dass es das Gefühl der Verzerrung und das echte schwere Gefühl, dass Sie fühlen können durch auf dem Bildschirm. Das ist eine kompliziertere Bewegung, da es ein paar verschiedene Typen gibt, und damit bleiben wir hauptsächlich daran, nur eine Kamerabewegung zu einem Zeitpunkt zu verwenden, zu dem wir können. Wir haben einen Dolly vorwärts und den Dolly zurück. Was ist, wenn wir uns von Seite zu Seite auf einem Dolly bewegen, oder auf einem Schieberegler oder so etwas, wo sich die Kamera bewegt, anstatt von vorne nach hinten, aber horizontal? Das könnte sein, wenn jemand rennt und du neben ihnen rennst, sagen wir auf einem Gimbal oder Steady Cam, der sie im Rahmen hält. Das ist, was wir einen Truckschuss nennen würden, da Sie ihnen horizontal folgen. Wenn sich die Kamera mit dem Motiv nach oben bewegt, dann nennen wir das einen Sockelschuss, während Sie nach oben gehen. Eine kompliziertere Version davon ist, wenn Sie sich nach oben und unten bewegen, aber auch eine Seite zu Seite Bewegung hinzufügen, und das ist, wo Sie in so etwas wie eine Jib-Bewegung oder eine Kranbewegung bekommen. Diese werden durch die eigentliche Ausrüstung geprägt, die Sie verwenden, um sie zu verwenden. Wenn Sie auf einem Jib Arm sind oder wenn Sie auf einem Kran sind, würden Sie diese große Schwungbewegung haben, und das ist, wo Sie diese Arten von Schüssen bekommen. Du brauchst keinen Jib oder einen Kran zu haben, um solche Bewegungen zu machen. Man kann damit tatsächlich auf so etwas wie einem Gimbal davonkommen, was ich persönlich für diesen Kurzfilm machen werde. Das ist also etwas, auf das Sie achten können, wenn ich aufschlüssele, wie ich das mache. Aber wenn wir voran gehen, werden wir jetzt über die eigentliche Rahmung und den Schusstyp sprechen. Wahrscheinlich hat jeder den Schuss gesehen, es ist der etablierende, es ist ein sehr breiter Schuss, der in die ganze Umgebung kommt und Ihnen Kontext gibt: Dies ist der Ort, das ist die Umgebung, dieses ist die Tageszeit, das ist die Einstellung und alles, was vor sich geht. Manchmal haben Sie einen Charakter, der in den Rahmen geht, aber nicht immer. Auch die Einspielung wird normalerweise als Eröffnungsaufnahme für einen Film oder eine Szene verwendet, muss aber nicht immer so sein. Sie können mit ihm kreativer werden, wenn Sie es so wählen. Jetzt reden wir über den Langschuss. Dies ist ein Ganzkörperschuss, Ihr Motiv vollständig umrahmt, während sie tun, was auch immer sie sind. Dies ist gut, um eine Szene aufzustellen, die vom Establisher kommt, so etwas wie das. Es ist auch gut für das, was wir einen Master Shot nennen. Ihr Mastershot ist im Grunde das, was Sie speichern, sollten Dateien beschädigt werden oder irgendetwas passiert. Wo bestimmte Aufnahmen unbrauchbar sind, werden Sie sich in erster Linie auf den Master verlassen, und obwohl es Ihnen nicht so viel gibt, mit dem Sie in der Bearbeitung schneiden können, ermöglicht es Ihnen immer noch, den Kontext der Geschichte darin zu haben, was immer der wichtigste Teil, ist es, die Geschichte zu zeigen. Wenn du das nicht hast, dann fällt alles andere auseinander. Die Geschichte steht immer an erster Stelle. Nachdem wir den langen Schuss haben, dann fangen wir an, für eine genauere Schüsse zu kommen. Das ist, wenn wir bekommen, was wir einen mittellangen Schuss nennen können , der mehr ein Dreiviertelkörper ist. Es gibt auch einen Begriff, der als Cowboy bekannt ist, und das ist, wo Sie gerade von der Taille nach oben gehen, und dann von dort aus gehen Sie in den mittleren Schuss , der ein wenig höher auf Ihrem Charakter ist. Das könnte fast als mittlerer Schuss eingestuft werden, was ich jetzt habe. Von dort aus kannst du in eine mittlere Nahaufnahme gehen, die ich ein wenig auf mich selbst und diesen Winkel einschlagen werde , um dir zu zeigen, wie das aussieht. Dann gehen wir von dort aus in eine regelmäßige Nahaufnahme, was ich auf meiner B-Kamera hier habe. Wenn ich hier rüber schaue, würden wir das „Nahaufnahme“ nennen. Ich kann ein wenig weiter gehen, wenn ich will, um das dramatischer zu machen, aber es ist überall von hier bis zum vollen Kopf im Rahmen. Von dort kommen wir noch weiter hinein, und das nennen wir die extreme Nahaufnahme. Dies ist, wenn ich nur die Kamera auf meinen Augen hatte, oder irgendetwas, das irgendwelche Funktionen hervorheben soll. Dies ist wirklich gut, um intensive Emotionen zu zeigen und Sie wirklich in das zu ziehen, was Ihre Charaktere fühlen. Von dort aus hängt es auch davon ab, wo Sie Ihre Kamera zeigen. Sie können über der Schulter eines Charakters sein und einen anderen Charakter betrachten, während sie ein Gespräch führen. Das nennen wir den Over-the-Schulter-Schuss oder OTS, wenn wir versuchen, es auf einem Anrufblatt oder so etwas zu zerlegen. Von dort aus haben Sie eine zwei Schuss , wo Sie zwei Zeichen im Rahmen haben, und dann haben Sie auch einen niedrigen Winkel und einen hohen Winkel, und diese beziehen sich im Grunde darauf, nach unten zu schauen oder von einem höheren oder niedrigere Perspektive, entweder um Ihrem Charakter mehr Macht zu geben oder etwas wegzunehmen. Wenn dein Charakter sich machtlos fühlt, würdest du von einem Abwärtsschuss gehen. Ein Abwärtsschuss ist, wo Sie höher nach unten schauen, und das ist, um sie zu verringern und visuell zu kommunizieren, dass sie sich klein fühlen. Es ist, als würden wir sie als Zuschauer betrachten. Ein Schuss, auf der anderen Seite, hier ist, wo Sie wirklich wollen, um dieses Gefühl der Macht zu kommunizieren, so dass Sie die Kamera niedriger und schauen Sie auf Ihr Thema, wirklich bekommen, dass Gefühl der Autorität. Von dort aus ist eine andere Art von Aufnahme der gute alte Sichtweise oder ein POV-Schuss, und das ist, wo der Charakter, dessen Sichtweise es tatsächlich ist, nicht im Rahmen selbst, und die Kamera fungiert als ihre Augen. Dies ist eine weitere Aufnahme, mit der wir in dem Film herumspielen werden , den ich erschaffen werde, also bleib auf jeden Fall dran. Dies sind also die verschiedenen Arten von Aufnahmen und Kamerabewegungen, die Sie zu Ihrem Vorteil nutzen können. Sie können einige von ihnen kombinieren oder Sie können vor allem mit den Grundlagen bleiben. Wie ich bereits erwähnt habe, ist einfach immer besser. 6. Motivierte Kamera: Jetzt, da wir wissen, welche Shottypen es gibt und Kamerabewegungen wir verwenden können, werden wir darüber sprechen, wann und warum Sie bestimmte verwenden möchten , damit wir wissen, wie wir sie verwenden können. Dann werden wir von dort aus anfangen zu basteln und Shot-Liste zu erstellen, um unseren Film zu drehen. Nun, das ist eine, über die wir beginnen wollen, motivierte Kamerabewegung zu sprechen. Was genau bedeutet das? Grundsätzlich bedeutet es, dass Ihre Kamerabewegung motiviert ist, hängt mit dem, was auf dem Bildschirm vor sich geht. Wenn jemand vorbeikommt und du mit ihnen schwenkst, schwenkst du, um ihnen zu zeigen, dass sie vorbeigehen. Wenn du sie dann aus einem Rahmen gehen lässt, vermittelt das, dass sie woanders hin gehen. anderes gutes Beispiel dafür ist, wenn es eine sehr emotionale Szene ist und es viel mehr Spannung und Drama aufnimmt, während die Szene baut, Sie könnten einen langsamen Dolly in oder einen langsamen Schub haben, so dass es langsam mehr bringt Aufmerksamkeit auf Ihren Charakter betont daher Drama, die in einem motivierenden Faktor für die Kamerabewegung wäre. Ein weiteres gutes Beispiel dafür ist die Verwendung von so etwas wie eine Offenbarungsaufnahme. Hier hätten Sie die Kamera auf etwas fokussiert. Es könnte unscharf sein, oder es könnte sich auf etwas sehr Klares konzentrieren. Dann bewegt sich diese Kamerabewegung, um den Charakter zu enthüllen. Eigentlich hatten wir hier ein Beispiel für diesen On-Set, wo Sie für die Eröffnungsaufnahme meines Films sehen können, wollte ich die Figur offenbaren, die herauskommt. Ich beginne auf einem neutralen Hintergrund und das ist nur ein Teil eines Gebäudes. Diese Technik ist etwas, das ich auf einigen der größten Sets verwendet habe, an denen ich gearbeitet habe, und es funktioniert sehr gut, um einen Charakter eingeben zu lassen. Dafür haben wir einen Jib Shot benutzt und das wurde nur auf einem Gimbal gemacht. Wir fingen an und kamen langsam runter. Als ich runterkam, gab ich dem Schauspieler eine Schlange. Auf diese Weise dann wollen Sie wissen, kommen durch und betreten Sie die Szene im perfekten Moment. Dann ging die Szene von dort weiter, wo der Schuss dann zu einem, was wir als Tracking-Shot nennen , und dort folge ich ihnen auf dem Gimbal. Eine Zeit, in der das nicht so sehr funktionieren würde, als wären wir mitten in der Szene und sie gingen die Straße entlang und wir gingen, um sie zu enthüllen, aber wir wissen bereits, dass sie die Straße runter laufen. Dies führt sie ins Kommen ein. Es ist ein guter Faktor dafür, wenn es einen Standortwechsel gibt oder wenn es einen Umzug oder eine Veränderung im Tempo gibt, so etwas. Dies kann gut funktionieren, um das zu enthüllen. Ich habe diese Aufnahme ein paar Mal im Film verwendet, wie Sie sehen werden, aber ich habe mich entschieden, wann ich sie sehr vorsichtig verwenden sollte, da sich die Einstellung ändert und die Stimmung auch tut. Es gibt Ihnen die Pause, um das visuell zu kommunizieren. Nun ist dies etwas, auch im Auge zu behalten, ist, wie Sie drehen, werden Sie eine filmische Sprache zu entwickeln. Das sind die Arten von Aufnahmen und die Bewegungen, die der Film natürlich hat. Dafür wollte ich, dass es eine ziemlich hektische und sehr Angstzustände hat, die die Natur am Anfang hervorruft. Am Ende wollte ich, dass es ein weiches, sicheres und warmes Gefühl hat. Ich benutze meine Kamerabewegungen, um darauf anzudeuten. Als wir auf der Straße drehen, wo wir diese hektische Natur wollten, benutzte ich viele Gimbal- und Handheld-Bewegungen und hatte ein bisschen Kameraschütteln drin. Jetzt ist Kamerawackeln nicht immer etwas, was wir wollen. Aber wenn es von der Szene motiviert wird, wenn es verwendet wird, um diese hektische Natur zu entlocken, dann macht es Sinn. Nun, das heißt nicht, alles Handheld zu schießen. In der Tat würde ich davon abraten, es sei denn, es ist für einen stilistischen Zweck, diese Szene hinzuzufügen. In diesem Fall werden alle diese Bewegungen sehr berechnet und verwendet, um den Betrachter hineinzuziehen und wirklich dieses Gefühl von Angst und Not zu vermitteln. Nun, es gibt Zeiten, in denen das übertrieben werden kann. Wenn Sie die Kamera überall schütteln und Sie nicht sagen können, was im Rahmen los ist. Dann kann es für den Betrachter überwältigend werden und man fühlt sich fast ein wenig C6. Verwenden Sie definitiv eine Technik wie diese sehr sorgfältig und sparsam. Nun, das heißt, als ich mehr von diesem geerdeten Gefühl geben wollte , war ich auf einem Stativ oder auf einem Schieberegler für die meisten dieser Aufnahmen und das ist nur, um das stabile Gefühl zu geben , wie von der Geschichte motiviert. Unsere Geschichte in diesem Fall ist, dass unser Charakter auf der Straße ist und es wird sehr nervös und überwältigt wegen der Menge der Menschen, einige von ihnen nicht tragen Masken und diese Art von Sache, und immer zu in der Nähe und sie sind sehr davon überwältigt. Ich kenne viele Leute, die mit ähnlichen Themen zu kämpfen haben, so dass es etwas ist, das sehr verwandt ist und ich konnte es mit diesen hektischen, handheld- und gimbal-Techniken vermitteln . dieser Charakter Wenndieser Charaktervon außen nach Hause kommt, atmen sie tief durch und können sich entspannen. Das ist, wenn die Kamera stabiler wird, da sie visuell das stabilere Gefühl kommuniziert. Hätte ich dieselbe Handheld-Bewegung beibehalten, wenn unser Charakter ihr Zuhause betritt, würden wir nicht das Gefühl bekommen, dass es sich jetzt für diesen Charakter entspannt. Wir würden immer noch die gleiche Spannung bekommen und dann würde das Publikum keine Erleichterung haben, und dann würden sie alle diese Spannung am Ende des Films halten, ohne wohin zu gehen. Das ist nicht wirklich das, was ich mit dieser Aufnahme kommunizieren wollte, weshalb ich in der Lage war, meine Kameratechniken herzustellen , um die Spannung zu lösen, die ich vorher zu Beginn des Films aufgebaut habe. Nun, während ich viel Bewegung in meinen Filmen mag, ist das mein persönlicher Stil. Wenn Sie möchten, dass Dinge mehr abgesperrt auf einem Stativ und mehr statische Aufnahmen, das ist völlig in Ordnung. Kunst ist subjektiv und meine Art, Dinge zu tun, ist keineswegs Ihre Art, Dinge zu tun oder die einzige Möglichkeit, Dinge zu tun. Damit können Sie verschiedene Techniken verwenden, wie eine Menge von verschiedenen Winkeln und langsam kommen mehr auf den Charakter, um Drama zu erhöhen. Diese Zunahme des Dramas durch die Emotionen des Charakters motiviert diese Kamera näher zu bewegen. Darüber hinaus ist etwas, das Sie vermeiden möchten und es ist leicht, in eine Falle zu fallen, wenn Sie einen Gimbal verwenden , nur bewegt sich um Ihren Charakter ohne wirklichen Sinn für Richtung. Was Sie tun möchten, ist, dass Ihr Charakter die Bewegung Ihrer Kamera lenkt. Lassen Sie uns nicht verwirren, Sie haben immer noch die Kontrolle über die Kamera. Bewegungen dieses Charakters blockieren jedoch , wie wir es nennen, was sich durch die Szene bewegt. Lassen Sie das zu diktieren, wo Ihre Kamera zeigen wird. Sehr einfache, stetige Cam Moves folgen nur jemandem, wo sie in ihr Haus kommen, die Küche gehen und auf die Couch kommen. Diese Bewegungen sind sehr einfach. Aber weil sie einfach sind, sind sie sehr effektiv und bringen den Betrachter nicht aus der Erfahrung. Was wir tun wollen, ist, den Betrachter hereinzubringen und ihn die Bewegungen nicht so sehr bemerken zu lassen. Das ist etwas, das wir nur wollen, dass es natürlich fließt und sich organisch anfühlt. Ich weiß, dass Gimbals sehr spannend sein können, wenn Sie einen verwenden Ich möchte nur ein Wort der Vorsicht bieten, um sicherzustellen, dass Ihre Kamerabewegungen durch das, was in Ihrer Szene passiert, motiviert werden. jeden Fall, wenn es eine intensive Kampfszene ist, können Sie mit Ihren Bewegungen ein wenig verrückter werden. Auf diese Weise unterstreicht sie die Energie und das Drama, das in dieser Sequenz stattfindet. Aber wenn Sie nur eine entspanntere hatten, kommt jemand rein und es passiert Gespräch mit ihrem Freund, Sie müssen nicht um sie drehen oder bewegen sich ständig in und aus, wenn der Inhalt der Szene nicht dafür. Schau dir deine Geschichte an, sieh dir an, wie deine Charaktere sich bewegen werden, und baue dann deine Kamerabewegungen aus, damit sie sich natürlich, organisch anfühlt und innerhalb der Szene funktioniert. Wir können sehen, wie wir wirklich visuell kommunizieren können, wie sich die Geschichte bewegt, nur mit unseren Kamerabewegungen allein. Aber es gibt noch mehr Dinge, die Sie tun können, um diese Dinge in Ihrer Geschichte zu kommunizieren. Einer davon ist die Beleuchtung, auf die wir jetzt hinüberziehen werden. 7. Motivierte Beleuchtung: Wir haben über motivierte Kamerabewegungen gesprochen und jetzt werden wir über motivierte Beleuchtung sprechen. Ja, genau wie Kamerabewegungen durch das, was in Ihrer Szene passiert, motiviert werden können, ist Ihre Beleuchtung auch durch das, was vor sich geht, motiviert und muss auf die gleiche Weise Sinn ergeben. Nun, das ist nicht zu sagen, nicht kreativ mit Ihrer Beleuchtung zu werden, es gibt definitiv Möglichkeiten, damit zu spielen. Aber das gibt Ihnen einen guten Ausgangspunkt, um dann in jeder Szene, in der Sie sich befinden, aufzubauen. Ein Beispiel dafür ist, als wir am Anfang waren, um den Eintrittspunkt unseres Charakters zu schießen , der in ihre Wohnung kommt. Die Art, wie das Licht natürlich im Raum war, machte es keinen Sinn für sie, bereits ein Licht zu haben, da es Tageslicht draußen war , so dass sie die Wohnung betreten und es ist dunkel. Nun, das heißt, es gibt eine anständige Menge an Fensterlicht kommt rein, aber es ist nur Hintergrundbeleuchtung sie. Während ich persönlich gerne ein Thema hinterleuchtet, hinterlässt es das Gesicht ziemlich dunkel. Ein Weg, den wir verwendet haben, um dies zu beheben, war, eine kleine Lichtröhre direkt in die Ecke zu setzen,um der einen Seite des Gesichts unseres Charakters ein wenig Füllunghinzuzufügen um der einen Seite des Gesichts unseres Charakters ein wenig Füllung und auf diese Weise sind sie nicht vollständig im Schatten. Nun, das heißt, wir schießen immer noch in die Schattenseite ihres Gesichts, um das Drama zu erschaffen, das wir für die Szene wollen. Jetzt ist ihr Gesicht etwas mehr beleuchtet, aber es bricht immer noch nicht die Tatsache, dass sie von einem Fenster angezündet werden. Es sieht so aus, als würde es sich umwickeln. Wenn wir das Licht auf der Kameraseite hätten und wir diese Seite ihres Gesichts komplett beleuchten, dann würde es so aussehen, als wäre in der Wohnung ein weiteres Licht an. Dann bringt es den Betrachter ein wenig nach dem Denken heraus, okay, es gibt schon ein Licht an, ist jemand schon zu Hause? Wohnen sie mit jemandem? Wenn sie mit jemandem leben, dann könnte das eine gute Sache sein, aber in diesem Fall wir sie allein leben, und wir haben die Lichter aus, wenn sie reinkommen. Es würde also keinen Sinn machen, das sonst zu haben, denn es wird den Betrachter aus dieser Situation ziehen. Da wir hier ein ziemlich dramatisches und nicht das leichteste Thema sind, wollen wir ein bisschen eine stimmungsvollere Ästhetik behalten , und das ist eine Möglichkeit, dass wir das getan haben. Wenn wir zum Beispiel so etwas wie eine Komödie drehen würden, wäre die gesamte Lichtstärke viel leichter und die Wohnung selbst wäre heller. Dies wäre etwas, wo wir die Szene sehr stark beleuchten würden , aber dieser spezielle Film forderte es nicht, deshalb haben wir das nicht getan. Dies ist wichtig, um zu wissen, was Ihr Genre ist und umgekehrt, was Sie wollen, dass das Publikum fühlen. Jetzt, wenn wir anfangen, die Wohnung zu betreten, werden all meine Lichter langsam wärmer und das ist, um dem Betrachter ein warmes und gemütliches Gefühl zu entlocken. Alles draußen, was wir geschossen haben, so wäre es ein wenig kühl in Bezug auf die Farbtemperatur, und das ist, eine kalte und unangenehme Empfindung in unserem Betrachter zu entlocken. Dann, wenn wir reinkommen, ist diese Wärme, um dem Betrachter zu ermöglichen, sich mehr wie zu Hause zu fühlen , so wie sich unser Charakter mehr wie zu Hause fühlt. Aber es muss immer noch Sinn machen, wie die Szene aufgenommen wird, so dass die Sonne mit unserem Wissen über Beleuchtung ungefähr 55.000 Kelvin auf der Farbtemperaturskala liegt. Damit sich die Dinge wärmer anfühlen, wenn ich diese Lichtröhre auf ihrem Gesicht bei so etwas wie 3.000 Kelvin hätte, wie eine Wolframbirne. Nun, das würde nicht wirklich das Gefühl geben, dass wir wollen, und wird den Betrachter daraus brechen, weil es dann nicht mehr das Fensterlicht imitiert. Es gibt nun diese seltsame Wolframfüllung auf ihrem Gesicht, die dann unseren Betrachter für einen Moment aus dem nehmen kann. Sie denken vielleicht, okay, der Betrachter wird das nicht aufgreifen und Sie könnten Recht haben, aber es wird sich abfühlen. Unsere Augen sind geschult, um zu wissen, was sich richtig anfühlt und wenn wir dieses Set haben, damit es mit der Szene keinen Sinn ergibt, wird unser Betrachter es als Gefühl interpretieren, und dann wird es nicht das Gefühl verkaufen, für das wir gehen. Dann kann es unseren Betrachter ein wenig unzufrieden und nicht wirklich sicher sein, was los war. Es sind diese kleinen subtilen Anpassungen, die Ihren Film wirklich machen oder brechen können und deshalb möchten Sie immer von dem Licht, das sich im Raum befindet, abarbeiten. Auf diese Weise können Sie einen Film herstellen, der sinnvoll und effektiv ist, vor allem für Ihren Betrachter. Nun, eine andere Technik, die wir benutzt haben, wenn sie die Wohnung betreten, haben wir sie eine Kerze anzünden. In der Beleuchtung der Kerze gibt es ein paar Möglichkeiten, dass wir das Licht auf sie kommen lassen , weil die Kerze selbst für unsere Szene angezündet ist, wird ihnen nicht genug Licht auf der Vorderseite von ihnen geben, das wir brauchen. Also haben wir für diesen Film tatsächlich dieselbe Lichtröhre in der Eintrittssequenz verwendet. Wir benutzten das direkt zur Seite, füllten ihr Gesicht schön mit einem praktischen Licht im Hintergrund. Eine praktische Leuchte ist jedes Licht, das sich am Set befindet, das sich in Ihrem Rahmen befindet. Es ist Teil des Set-Dressing, wenn Sie so wollen. Das ist eine Lampe. Wenn Sie ein paar Lichtröhren in einem Musikvideo hätten, würden diese Praktiken betrachtet werden, in denen Sie sehen, wie sie in verschiedenen Dingen leuchten, und ausschalten in der Aufnahme. Wenn es in der Aufnahme ist, gilt es als praktisches. Es sei denn, du fängst versehentlich ein Licht in der Aufnahme, in diesem Fall sollte das nicht da sein. Nun, das heißt, unsere Lichtröhre hat tatsächlich eine Einstellung darauf, um ein Kerzenflackern zu geben, was wir dort setzen. Nun, ich habe das den ganzen Weg runter auf ein Prozent gewählt. Als unsere Gesamtszene war es ziemlich dunkel und wir gehen aus dem Licht, das wir da drin hatten. Unsere Beleuchtungseinrichtung dafür war R1 praktisch, was ein bisschen Hintergrundbeleuchtung zu unserem Thema gab. Dann hatte ich eine Lichtplatte, die in die Ecke der Wand abprallte , und die Decke fungierte als das, was wir ein Co-Light nennen, fast wie ein großer Regenschirm, um nach außen zu springen. Nun, das war weder hell noch hart genug um so auszusehen, als würde das Licht tatsächlich von irgendwoher kommen. Es funktionierte nur, um das gesamte Ambiente zu erwecken , so dass nichts in völliger Dunkelheit fällt. So können wir ein Beleuchtungsschema erstellen, um einem Rahmen mehr Tiefe hinzuzufügen, worüber wir auch ein wenig später sprechen werden. Mit diesem Flackern, wenn wir es zu hell hätten, würde es unnatürlich aussehen für die Art, wie unsere Szene erleuchtet wird. Es würde nicht so aussehen, als wäre es eine Kerze, es würde aussehen, als wäre es ein brüllendes Feuer direkt vor ihrem Gesicht. Obwohl das sein könnte, was du willst, wenn du jemanden in ein Feuer starrst, das ist nur ein kleines Kerzenlicht, also hatten wir es mit einer niedrigeren Leistung. Nun, es gibt eine Möglichkeit, dass Sie tatsächlich dieses Flimmern neu erstellen können , ohne etwas wie diese Lichtröhre zu verwenden. Dies ist eine sehr kostengünstige und einfache Möglichkeit, dies mit einem Budget zu tun. Alles, was Sie tun müssen, ist einfach eine Haushaltslampe zu nehmen. Nun, ich würde etwas mit einem Wolfram Farbbalance empfehlen, so ist es wärmer wie Ihre durchschnittliche normale Haushalt Glühbirne. Nun, damit wollen Sie einen 5-in-1-Reflektor nehmen und ihn dann auf die goldene Seite setzen. Darüber hinaus könnten Sie etwas Goldfolienpapier bekommen, so etwas auch, würde gut funktionieren. Aber je größer die Oberfläche kann manchmal besser sein, besonders wenn Sie etwas mit mehr als einer Person fotografieren. Obwohl es eine kleine Lichtquelle ist, die wir imitieren, können wir es ein wenig schmeichelhafter machen, indem wir die Größe dieser Lichtquelle erhöhen. Solange wir es kontextuell damit positionieren, wo diese Kerze oder diese Flamme ist, wird es für diese Szene Sinn machen und den Betrachter überhaupt nicht herausbringen. Mit diesem Gesagten werden Sie Ihre Lampe in den Reflektor richten und dann würden Sie diesen Reflektor hin und her wackeln und dann das Licht auf Ihr Motiv erzeugen. Dies ist ein sehr guter DIY-Trick, den ich auf verschiedenen Sets verwendet habe, vor allem vor dem Alter dieser Leuchtröhren und dies ist eine sehr preisgünstige freundliche Art und Weise. Du kannst damit davonkommen. Alle Techniken, die ich hier mit Ihnen teilen, können Sie mit Ihren eigenen Haushaltslichtern verwenden. Die Lichtröhre, die ich in der Vorderseite von Abbys Gesicht füllte, wenn du nur ein weißes Stück Papier und eine Taschenlampe hättest, könntest du das durchleuchten und dort ein wenig Füllung geben. Jetzt sage ich weißes Stück Papier, weil Taschenlampen vielleicht ein wenig zu hell für die Szene, die wir erstellen, je nachdem, wie mächtig Ihre Taschenlampe ist. selbst, ich benutze gerne diejenigen, die ein wenig umph zu ihnen haben, so dass das Stück Papier das Licht genug schneiden und diese Quelle größer machen würde , wodurch es schmeichelhafter und das Licht, das wir auf ihr Gesicht setzen, weich machen würde. Eine andere Möglichkeit, dies zu tun, wenn das Stück Papier zu stark ist, ist, etwas wie einen Duschvorhang oder etwas Seidenpapier zu nehmen und das weiter weg von der Taschenlampe, Lampe, die Sie verwenden, und dann Erstellen Sie eine schöne weiche Lichtquelle aus diesem. So machen Sie so etwas wie einen DIY-Diffusor für Ihr Licht. Es gibt auch Diffusionsgel, das Sie bekommen können, aber dies ist eine billige und DIY-freundliche Art, dies zu tun. Denken Sie nicht, dass Sie teure Lichter brauchen, um ein motiviertes Beleuchtungsschema zu haben , das für Ihr Setup sinnvoll ist, verwenden Sie, was Sie haben und bekommen kreative DIY-Dinge, wenn Sie müssen. Sie können dies auf jeden Fall mit jedem Budget tun. Um Ihnen eine Vorstellung von dieser motivierten Beleuchtung zu geben und wie man es mit einem Budget macht. Ich war tatsächlich in der Lage, eine Nachtfahrszene anzuzünden, in der wir das Auto stationär hatten , aber es sah aus, als ob es nachts in Bewegung war. Das haben wir mit ein paar einfachen Werkzeugen gemacht. Wir hatten ein paar helle Lampen, einige, die wir von Quellen abprallten und andere, die wir als Straßenlaternen hatten. Dann hatten wir eine Taschenlampe an einem Drehgelenk, um als Auto vorbeifahren zu arbeiten , um diese Scheinwerfer zu imitieren. Dann haben wir für unser Schlüssellicht eine dieser Lampen gerade in eine reflektierende Oberfläche gesprungen. Dann von dort, nur um ein wenig Ambient zu schaffen, hatten wir ein kleines Licht im Auto selbst, nur um das allgemeine Ambiente dort zu geben. Für die vorbeigehenden Lichter nutzten wir dann einen Projektor, der durch einen Duschvorhang projiziert wurde, um den Effekt zu erzielen, den Sie hier auf dem Bildschirm sehen werden, um Ihnen zu zeigen, wie wir das gemacht haben. Wir hatten ein bisschen von unserer Crew dafür, da sie alle beweglichen Lichter einzeln waren , aber dieses Beispiel soll Ihnen zeigen , wie Sie wirklich ein motiviertes Beleuchtungsschema erstellen können, unabhängig von Ihrem Budget. 8. Deinem Einzelbild Tiefe verleihen: Jetzt werden wir darüber sprechen, Tiefe in Ihrem Rahmen hinzuzufügen und wann dies zu tun ist und wie dies zu tun ist. Es gibt mehrere Möglichkeiten, wie Sie einem Rahmen Tiefe hinzufügen können. Es gibt ein paar Fälle, in denen Sie möchten, wenn Sie in einer dunklen Umgebung fotografieren und eine schwarze Wand haben, könnte es nur als schwarzes Loch erscheinen, dass es dort keine Informationen gibt. Eine Möglichkeit, Tiefe hinzuzufügen, besteht darin, eine Reihe von Dressing dort hinzuzufügen. Wenn Sie eine Lampe hinzufügen oder wenn Sie einige Pflanzen oder so etwas hinzufügen. Eine andere Möglichkeit, dies zu tun, besteht darin, ein kleines Licht hinzuzufügen. Deshalb habe ich gerne diese kleinen kleinen Blendenlichtpaneele herum. Auf diese Weise kann ich sie an verschiedenen Stellen nehmen, um ein wenig visuelles Interesse hinzuzufügen. Wenn ich ein großes schwarzes Loch in meinem Rahmen habe, wird das aufbringen. Es ist also nicht nur ein großer Fleck des Nichts, was wir normalerweise nicht in einem Rahmen wollen. Nun, das heißt, es gibt etwas, das auf vielen großen Budget-Produktionen verwendet wird, die viel Tiefe und Stimmung zu Ihrem Schuss hinzufügt. Es erhöht das gesamte Ambiente und hilft nur, das allgemeine Gefühl und die Stimmung zu schaffen. Nun, das ist eigentlich ein Grundnahrungsmittel und in vielen verschiedenen Produktionen gemacht, vor allem in denen, an denen ich gearbeitet habe. Das ist die Verwendung von Dunst oder einer Rauchmaschine. Nun, es gibt verschiedene Möglichkeiten, wie Sie dies tun können. Wenn Sie es drinnen tun, ist es immer am besten, vorsichtig zu sein und etwas Belüftung zu haben , da es leicht zu übertreiben sein kann. Während wir sicheren Rauch und Dunst verwenden, kann es auch schädlich für die Lunge sein, wenn Sie zu viel darin haben, weil Sie nicht genug Sauerstoff einatmen, also seien Sie auf jeden Fall vorsichtig, wenn Sie es verwenden. Eine andere Option ist etwas, das Atmosphäre Aerosol genannt wird. Es ist nur eine kleine Dose von diesem Dunst, der sehr sicher zu bedienen ist und Sie sprühen es einfach in die Luft und es schafft diese schöne trübe Umgebung. Eigentlich, in diesem Film, wenn wir innen sind, wenn wir die inneren Bits machen, verwende ich dieses Atmosphären-Aerosol, um das Gesamtbild zu ergänzen. Dies sind nur einige Tipps, wie Sie Ihren Rahmen wirklich herstellen und bauen ihn auf, um das Beste zu sein, was möglich ist. 9. Eine Shotlist erstellen: Jetzt ist es an der Zeit, unsere Shotlist aufzubauen und planen, wie das Shooting läuft, wenn wir auf dem Set sind. Nun, es gibt zwei Möglichkeiten, diese in Bezug auf entweder chronologisch durch die Szene zu organisieren , oder dann können Sie es auch reorganisieren, wie in Übereinstimmung mit dem, was Sie gehen, um zu schießen, wenn. Wenn Sie mehrere Szenen haben, die am selben Ort stattfinden, ist es manchmal vorteilhaft, alles an diesem Ort zu schießen, bevor Sie an einen anderen Ort wechseln und etwas anderes bekommen müssen, anstatt hin und her zu gehen. Für den Film, den ich erschaffe, plane ich nur, dass etwa drei verschiedene Orte in 2-3 verschiedenen Szenen stattfinden, etwa drei verschiedene Orte in 2-3 verschiedenen Szenen stattfinden, und dafür werde ich planen, ihn chronologisch zu drehen, obwohl das oft, was wir nicht tun werden, vor allem, wenn es ein größeres Projekt ist. Wir schießen alle Szenen an einem Ort und bewegen uns dann zum nächsten Ort, schießen alles dort und so weiter und so weiter. Wenn ich auf großen Produktionen war, so machen wir es fast immer. Aber wieder, das ist nur in Bezug auf das Bauen in der Shotlist. Wenn Sie tatsächlich gehen, um es zu schießen, werden Sie tun, was für es Sinn macht. Nun, es gibt eine Reihe von Shotlist Vorlagen gibt, die Sie finden können, es gibt einige großartige Ressourcen, aber für die Zwecke dieser und ursprünglichen Inhalte und alles, habe ich meine eigene Tabelle gemacht und ich werde einschließlich dies in den Kursnotizen unten, so dass Sie, wenn Sie möchten, dies nach Bedarf durchgehen und ausfüllen können, und auf diese Weise sind Sie bereits damit vertraut. Das heißt, ich werde auch ein paar Links für verschiedene Shotlist Vorlagen anhängen , die Sie auch über diese anderen Quellen finden können. Ich habe viele zuvor benutzt und diese nur von dem, was ich für diesen Schuss benötigt habe, und basierend auf dem, was ich aus diesen Vorlagen in der Vergangenheit gelernt habe. Sie können hier sehen, abseits der Fledermaus, wir haben eine ziemlich einfache Shotlist Vorlage. Das ist nur etwas sehr Grundlegendes, das ich zusammenwerfen wollte , damit ich dir zeigen kann, wie ich eine Shotlist erstelle, und dann kannst du wissen, wonach ich suche wenn ich das baue und wofür ich plane. Wir wollen unser Darsteller da drin haben und die Figur für die Zwecke, sie haben keinen Namen, also werden wir sie einfach Sam nennen. Ich habe eine 1 neben Sam, denn das ist unser erster Darsteller. Wenn wir jemanden hätten, der ein Nebendarsteller war, würden wir sie als Nummer 2 niederlegen und im Grunde die Liste so runtergehen. Shotlistsing Call Sheets in der Regel Anzahl Cast je nachdem, wer die Hauptfigur ist, und dann, wer von der größten Bedeutung darüber hinaus. Ich habe gesehen, wie die Zahlen den ganzen Weg bis in die Hunderte gehen, vor allem, wenn Sie verschiedene Darsteller nur für ein oder zwei Tage nach dem anderen, und dann bringen Sie sie wieder ein paar Episoden später nur für ein oder zwei Tage. Nun, mit dem gesagt, wir haben nur unseren einzigen Charakter darin, es einfach zu halten. Das ist Sam, und wir können Nummer 1 für den Rest davon lassen. Wir haben unsere erste Szene hier und die verschiedenen Aufnahmen, die wir bekommen werden. Dann werden wir von hier aus eine grobe Beschreibung dessen auflisten, was wir erwarten. Unser erster Schuss, ich möchte, dass es ein Enthüllung Jib Shot ist. Die Aktion dafür ist unser Charakter, der in den Rahmen geht, also sagen wir, Sam geht in den Rahmen, Sam geht der von der Kamera offenbart wird. Framing, wir werden etwa einen mittellangen Schuss sein, also können wir ML dafür einsetzen. In der Regel, besonders bei diesen Dingen, werden Sie versuchen wollen, so viele Akronyme wie möglich zu verwenden. Hier kommt man in die ECU, wenn man eine extreme Nahaufnahme macht. Grundsätzlich nimmst du den ersten Buchstaben jedes einzelnen Shots, kombinierst sie zusammen, und du hast deine Abkürzung. Nun, die Bewegung, wir werden eine Jib-Bewegung dafür machen , also das ist alles, was wir zu sagen haben. Unser Winkel ist ziemlich Augenhöhe. Wir starten hoch, und dann fangen wir an, auf den Charakter ein wenig zu schauen. Ich werde ein Sight Down setzen. Du könntest einfach aufschreiben, aber ich schreibe das nur, damit ich es habe, wenn wir wirklich ausgehen und schießen. Dann wollen wir von dort aus, um in der sehr intensiven Emotion zu bleiben, im Grunde mit der Emotion des Charakters verbunden sein und nicht wirklich viel Platz haben, um von dort aus zu erweitern. Also werde ich eigentlich ziemlich eng bleiben für die Mehrheit dieser Chance. Dafür schreibe ich eigentlich auf, dass wir einen Ausleger in einen Tracking-Schuss machen, und das ist nur, um zu vermitteln, dass die Jib-Bewegung nicht endet. Der Schuss endet nicht, wenn der Charakter in den Rahmen geht, und die Jib-Bewegung endet. Von dort folgen wir dem Charakter, wie sie weiter die Straße hinunter laufen. Dann wird unser zweiter Schuss ein Tracking Samsein ein Tracking Sam der wegen Menschen betrübt ist. Das ist nur ein sehr einfacher Weg, um zu erklären, dass Sam wegen so vieler Menschen verdrängt ist, also wird dies ein Tracking-Schuss sein, der ihnen folgt, während sie herumlaufen, sich umschauen und das Ding. Dies, ich werde wollen, dass es eine Nahaufnahme ist, also werde ich das als CU markieren. Das wird ein Tracking-Schuss. Dies wird wahrscheinlich auf einem Gimbal sein, da wir dies auf spiegellose Kameras schießen , um Ihnen die beste Idee einer preisgünstigen Option zu geben. Sie brauchen keine teure Kinokamera, um einige filmische Bilder zu erstellen. Sie können dies auf Ihrem Telefon, DSLR ausführen, jede Kamera, die Sie haben, wird genau das Richtige tun, da die Grundlagen unabhängig von Ihrer Ausrüstung gleich sind. Daraus werden wir so ziemlich Augenhöhe sein, denke ich, und so können wir einfach mit dem Charakter bleiben und es wird nicht zu viel lustiges Geschäft vor sich gehen. Dann haben wir einen umgekehrten Tracking-Schuss. Nun, dafür wird Sam beunruhigt sein und über ihre Schulter schauen, und das wollen wir hier zeigen. Dafür werden wir eine Nahaufnahme haben, die auch über die Schulter ist. Was das bedeutet, ist, dass ich hinter ihnen auf dem Gimbal verfolgen werde, und dann sehen wir den Hinterkopf, eine über die Schulter Art der Sache. Hier ist die Kamera, hier ist ihr Kopf. Wir folgen zusammen, und dann werden sie immer wieder zurückblicken, und ich werde das in der Nahaufnahme erwischen. Dies ist nur etwas, um mehr Abwechslung zu haben und gibt uns mehr zu spielen, wenn wir in die Bearbeitung kommen, und auf diese Weise habe ich verschiedene Schnittpunkte und es wird sehr gut funktionieren. Dies wird auch eine Tracking-Bewegung sein. Auch hier werden wir so ziemlich auf Augenhöhe sein. Dann werden wir noch einen Schuss mit Sam hinzufügen. Dieses Mal werden wir sie nur für einen Moment anhalten lassen und sehr beunruhigt aussehen, und dann werden wir von ihnen sehen, zu sehen , ein paar Leute, die auf der anderen Straßenseite hängen, und dann zurück zu einer Nahaufnahme ihres Gesichts. Wir werden zwei Schüsse haben, um das alles abzudecken, wir fügen hier noch einen hinzu. Wir werden Sam Stopps haben, betrübt auf Menschenmassen zu schauen. Dann wird dies auch eine Nahaufnahme sein. Dafür werden wir einen leichten Dolly vorwärts haben, so dass wir das Drama dort erhöhen können. Jetzt ist dies nur die Art und Weise, wie ich das gerne mache, wieder, Sie müssen diese spezifischen Begriffe und alles, was ich benutze, nicht verwenden, wenn es für Sie funktioniert, es funktioniert für Sie, das ist nur ein guter Ausgangspunkt. Jetzt werden wir Sam auf die Massen schauen lassen, außer dass dieser Schuss ein langer Schuss auf die Massen sein wird, also machen wir einen langen Schuss über die Schulter und schauen aus der Perspektive dieses Charakters. Wir sehen über ihre Schulter auf die Menschenmassen, so dass es Kontext gibt, was sie betrachten. Dies wird zum größten Teil nur handgeführt werden, wir werden ein bisschen Wackeligkeit da drin bekommen , damit es diese hektische Bewegung am Laufen hält. Wieder, wir werden hier auf Augenhöhe sein. Dann will ich, dass ein Schuss von ihnen ihre Hände desinfiziert. Sam betritt Desinfektionen und geht weg. Dies wird mehr als ein mittlerer Schuss, vielleicht mittlerer Nahaufnahme, also werde ich MCU dorthin bringen. Wir nennen es einen Steadicam Schuss, während wir auf dem Gimbal sind. Sie können Gimbal Steadicam setzen, so etwas, wird es ziemlich gut erklären. Das wird ein wenig runter haben, während wir sehen, wie sie ihre Hände desinfiziert und weggehen. Nun, ein zusätzlicher Schuss, den ich in der Szene haben möchte, ist das, was wir „Einfügen von Leuten nennen werden , die vorbeigehen. Das ist etwas, das du B-Roll nennen könntest. B-roll ist mehr, wenn man einen Dokumentarstil macht und jemand über etwas spricht und dann das Filmmaterial abspielt. Dies ist eher ein Einsatz, bei dem wir das spezifische Ding hier reinbringen wollen, also fügen wir nur diesen Schuss ein. Oft sind dies extreme Nahaufnahmen, aber in diesem Fall sind es nur kleine Stücke, von denen man hin und her schneiden kann. Dafür wird es wahrscheinlich ein mittlerer Schuss sein. Dann wird alles von Hand gehalten werden, um diese Natur wirklich einzufangen. Ich werde nicht einmal das Gimbal dafür verwenden, ich möchte, dass es ein POV-Stil Schuss ist, von dem sie sich umsehen, während die Leute vorbeigehen, also möchte ich, dass es ein wenig wackeliger ist, der Winkel als POV. Es ist direkt aus ihrer Perspektive. Das wird diese Szene so ziemlich einschließen und wir werden mit dem Rest der Shortlist fortfahren , wo wir die Shot-Nummer fortsetzen, aber die Szenennummer wird gerade dort hochgestoßen. Die nächste Szene wird nur sein, dass sie wegkommen und beginnen, ihren Lebensraum zu betreten. Wir gehen einfach die Gasse runter. Die Gasse hinunter wird als ein langer Schuss beginnen und dann wird es zu einem mittleren Schuss dort zu bewegen. Wir werden darauf hinweisen, dass das ein einziger Schuss sein wird. Dieser Schuss wird ein Jib und ein Dolly rückwärts sein. Wir fangen an, dass sie um die Ecke kommen und dann ein bisschen mit ihnen zurücklegen. Damit wird dies mehr in einem Augenhöhe Winkel noch sein. Dann von dort haben wir einen Einsatz von ihnen, der die Tür entsperrt. Das wird nur ungefähr ein Medium Nahaufnahme dort sein. Das wird auf einem Steadicam sein und das wird auch ein Abschuss sein. Sie werden eine Menge davon bis jetzt bemerken, es war entweder Augenhöhe oder nach unten schauen. Das heißt, wie wir mit motivierter Kamerabewegung gesprochen haben, ist dies, um sie kleiner aussehen zu lassen und sich kleiner zu fühlen , da es derzeit so ist, wie sich dieser Charakter fühlt. Dies ist eine Möglichkeit, die Sie verwenden können, um dies zu veranschaulichen. Dann gehen wir weiter zu unserer letzten Szene hier, Szene Nummer 3. Ich denke, wir werden hier ein paar verschiedene Schüsse haben, ich schätze, um fünf. Wir fügen die hinzu. Unsere erste Aufnahme dieser Szene wird sie in die Wohnung betreten und ihre Maske abnehmen lassen. Dass wir auf einem Schieberegler sein werden und einen Dolly zurück vorwärts haben. Wir fangen bei mittlerer Nahaufnahme an und bewegen uns zu einem mittellangen Schuss. Das wird ein Dolly zurück sein. Der Grund, warum wir zurücklegen, ist, die Spannung zu verringern. Jetzt atmen sie tief durch und lassen es raus, damit wir zurückziehen, um die Spannung zu verringern, die aufgebaut wurde. Damit wird sich unser Kamerawinkel nun ein wenig ändern, wo wir tatsächlich einen leichten Auftakt haben, der sie ansieht. Jetzt haben sie mehr Kontrolle und sie haben ein wenig mehr Macht, während sie sich vorher ein wenig machtlos fühlten. Von dort aus werden sie den Wohnraum betreten, Mantel fallen lassen und Kerze aufheben. Damit werden wir mit etwa einem langen Schuss beginnen, wir werden sehen, wie ihr ganzer Körper reingeht. Dann, wenn sie sich hinsetzen, ziehen wir uns zurück und enden um eine mittlere Nahaufnahme. Das wird ein, ein weiterer Dolly rückwärts sein. Wieder, wir lindern hier eine Menge Spannungen. Wir werden noch einen leichten Aufwärtswinkel haben, nur damit sie hier wieder die Energiequelle sind. Jetzt hat sich die Macht von dem Gefühl, machtlos zu ihnen mit mehr Kontrolle verlagert. Unser nächster Schuss wird ein Einsatz von ihnen sein, der ihre Jacke runterlegt. Jacke auf Stuhl setzen. Damit würde ich sagen, um eine Nahaufnahme hier, und das wird tatsächlich ein Truckschuss sein, der ihnen seitwärts folgt, während sie hereinkommen, und das wird ziemlich Augenhöhe sein, wo es tatsächlich abgelegt wird. Jetzt haben wir einen Einsatz von ihnen, von Sam zündet die Kerze an. Das wird eine weitere Nahaufnahme sein, und das wird auch ein LKW-Schuss sein, wir werden uns umziehen, wenn sie dorthin bewegen. Vielleicht haben wir ein bisschen Anpassungen zu folgen, aber ich denke, es sollte ziemlich gut sein. Auch hier wird das so ziemlich Augenhöhe sein. Unser letzter Schuss hier wird Sam ausatmen und sich erleichtert fühlen. Dies wird bei einer mittleren Nahaufnahme beginnen und direkt in eine Nahaufnahme gehen, das ist ein Dolly nach vorne. Was wir hier wirklich tun wollen, ist zu schieben und langsam beginnen, die Bedeutung des Charakters zu erhöhen, wir fangen an, für sie eine Menge zu fühlen und dass Emotion baut und dann nehmen sie nur ein großes Ausatmen, und , die unseren Film abschließen wird. Ich werde noch einen kleinen Aufstieg haben, und dann sind wir gut zu gehen, das ist unsere Shortlist hier. Ich werde diese Vorlage in die Kursnotizen einfügen , so dass Sie Zugriff darauf haben. Ich werde auch zeigen, was ich dafür geschrieben habe, so dass Sie auf diese Weise zurückgreifen können. Kurz werden wir über Storyboarding sprechen und wie Sie das tun können, und dann werden wir von dort aus tatsächlich zum Aufbau der Szene selbst gehen. 10. Storyboarding: Jetzt werden wir über Storyboarding reden. Die Art und Weise, wie ich das Storyboard gehe, ist nur in Procreate hier auf meinem iPad und ich habe eine Storyboard-Vorlage aus Storyboard, die wieder, diese verschiedenen Ressourcen werde ich unten in den Kursnotizen unten auflisten. Dafür werde ich Ihnen auch die verschiedenen Möglichkeiten zeigen , wie Sie erkennen können, was die Kamerabewegung ist. Nun, ich bin vielleicht kein professioneller Illustrator, und Sie müssen auch nicht sein, Sie müssen nur in der Lage sein, zu kommunizieren, wie die Aufnahme aussehen wird. Gleich neben der Fledermaus werden wir ein paar Symbole für Sie zeichnen, damit Sie sehen können, wie Sie sagen können, was verschiedene Schüsse sind. Wenn wir nach oben kippen wollen, haben wir einen Pfeil mit einem kleinen verrückten Kerl, der davon rauskommt. Wenn wir nach unten neigen wollen, machen wir das gleiche mit einem Pfeil dort und Sie werden diese an jeder anderen Stelle in Ihrem Rahmen setzen. Auch hier werde ich tatsächlich alle diese verschiedenen Symbole einschließen nur so dass Sie das als Referenz haben, während Sie Storyboarding sind, wenn Sie dies tun. Wir hatten ein paar Dolly Vorwärts- und Dolly Backs in unserem Schuss. Mit dem. Wir werden einen großen Pfeil haben, der die Perspektive dort zeigt, und wenn wir zurückkommen würden, würden wir einen großen Pfeil haben, der so zurückkommt. Dann, wenn wir hineinzoomen , dann sehen Sie diese kleinen Pfeile an den Ecken hier, und so wissen Sie, dass Sie hineinzoomen werden. Wenn Sie eine Verkleinerung durchführen, zeigen die Pfeile in die andere Richtung. Dies ist eine gute Möglichkeit, zwischen einem Dolly vorwärts, Dolly zurück und Vergrößern und Verkleinern zu unterscheiden , wenn man auf den Pfeil nach vorne zeigt und die anderen die Ecken sind, die hinein gehen. In dem Bemühen, das prägnant zu halten, werde ich nur eine Szene zeichnen, um Ihnen eine Idee zu geben. Dafür werden wir diejenige tun, wenn unser Charakter hier die Wohnung betritt. Basierend darauf, wo das ist, wissen wir bereits, wie es aussieht. So gibt es uns einen guten Punkt, um es zu ziehen. Wir werden in eine kleine Ecke schießen, also behalten wir das im Hinterkopf, während wir zeichnen. Wir werden alles nur in einem kleinen Winkel haben, denn das ist nur etwas Wichtiges, das Sie beachten müssen, wenn Sie Ihren Rahmen hier bauen. Wir werden hier ein paar Mäntel auf einem Kleiderständer aufhängen lassen. Das ist, was der Typ da ist und dann hier, wir haben unser Fenster und dann haben wir all diese Schlitze aus dem Fenster da und es gibt etwas Licht hinein. Nun, wir werden unsere Hauptfigur haben, Sam , die eine Gesichtsmaske tragen wird. Wir zeichnen das auf und dann zeichnen wir das einfach um ihr Gesicht. Ich glaube, sie tragen einen Hut für diese Szene, also ziehen wir den Hut da drauf. Lassen Sie ihre Augen hinausschauen und dann sind sie hier, die tief durchatmen. Auch hier können Sie sehen, dass Sie nicht der beste Künstler sein müssen, um dies zu tun, Sie müssen nur eine Vorstellung davon haben, was in Ihrem Rahmen vor sich geht. Dann von hier aus werden wir unseren Pfeil nach hinten zeigen, so dass wir zeigen können, dass es ein Dolly Back Shot dort ist. Nun, das heißt, ich bin keine riesige Storyboard-Person, aber wenn dieses Tool für Sie funktioniert, dann verwenden Sie es auf jeden Fall zu den besten Ihrer Fähigkeiten und ich werde diese Ressourcen unten in den Kursnotizen unten lassen und ich hoffe, Sie finden sie sehr nützlich. Nun, mit dem besagten, gehen wir eigentlich raus und schießen unsere Szene. 11. Am Set: Im Freien: Jetzt, wo wir die Grundlagen, die Regeln, wann wir sie brechen, und wir haben unser Shooting vorbereitet, jetzt ist es an der Zeit zu gehen und es zu tun. Als wir die äußeren Bits fotografierten, werden Sie sehen, weil dies eher eine laufende Pistole Setup war, wollte ich mich nicht um die Einrichtung mehrerer Kameras kümmern , da es hauptsächlich ich und der Schauspieler war, also habe ich eine GoPro hat mich hier geschnallt, so dass ihr Jungs den Prozess sehen könnt, wie das alles läuft. Was ich tun werde, ist, dass ich Avi, den Schauspieler dafür durch das Setup, durch die Szene sprechen werde den Schauspieler dafür durch das Setup, , und dann werden wir es ein paar verschiedene Male drehen, vielleicht mit einigen Anpassungen, während wir gehen. Auf diese Weise haben wir ein paar verschiedene Optionen für die Bearbeitung. Sie werden sehen, basierend auf der Shortlist, die ich erstellt habe, haben wir ein paar verschiedene Gibb-Shots an ein paar verschiedenen Orten ausprobiert. Es scheint, dass dieser am besten funktioniert hat. Wir hatten ein paar Leute, die vorbeigingen, was gut für den Gesamtschuss funktionierte, den wir wollten. Sie können sehen, indem Sie Avi Regie, sie waren in der Lage, wirklich zu veranschaulichen , dass Panik und überwältigt Gefühl sehr gut und es übersetzt sehr gut vor der Kamera. Dann sind es diese Techniken, die wir übergegangen sind, die es mir erlauben, es noch besser zu übersetzen, wenn wir hier in die Nahaufnahmen gehen, diese Aufnahmen verfolgten und wie sie über ihre Schulter schauen, und wie das sehr gut übersetzt wird. Jetzt wirst du vielleicht merken, dass es nicht viele Leute gibt und das ist okay, wir können etwas namens Betrug machen. Cheaten ist im Grunde, wenn Sie verwenden, was Setup ist und Sie es ein wenig ändern, so dass es Sinn macht und es funktioniert für die Geschichte, und es funktioniert besser, wie es tatsächlich auf dem Bildschirm präsentieren wird. Von hier aus hatte ich einen Haufen Handheld-Aufnahmen, die durch die Straße gingen. Das bedeutet nur, dass Leute vorbeikommen. Auf diese Weise sieht es sehr hektisch aus, wenn sie sich drehen, ich werde jemanden einschneiden, der vorbeigeht. Auf diese Weise fügt es zu diesem allgemeinen chaotischen Gefühl von allem hinzu. Nun, für die Über-Schulter-Aufnahmen, die Tracking-Aufnahmen, die Jib-Schüsse, etc, wird das auf einem Gimbal gemacht und das ist, ein bisschen glatte Bewegung zu haben, aber ich bewege es ein bisschen mehr, als ich es regelmäßig tun würde, nur um ein bisschen von dieser hektischen Natur und dem Handheld-Stil dort zu geben. Denn wenn ich in ihre POVs schneide, wo ich diese Handheld-Arbeit mache, wird es Sinn damit machen, wie es immer noch ziemlich wackelig ist. Das ist wirklich, wenn wir in ihren Kopf kommen und das ist eine, die wir sehen , dass sie Menschen betrachten, die vorbeigehen. Dann schneiden wir ihnen vorbei und es ist ein wenig stabiler, aber das ist okay, weil ihre Sicht durch ihre Augen, alles ist sehr wackelig und sehr überwältigend. Das Schneiden zwischen all dem wird eine sehr schöne Sequenz schaffen , die wirklich veranschaulicht, worum es bei dieser Szene geht. Dann haben wir die Nahaufnahmen, in denen sie nur wegschauen, und du siehst dass ich ein bisschen ein- und ausziehe und sie mir verschiedene Emotionen geben. Wenn man sich umsieht, funktioniert es sehr gut. Dann komme ich zu den Überschulter-Aufnahmen von ihnen, wo Sie sehen können , dass wir uns auf die Menschen auf der anderen Straßenseite konzentrieren, und dann können wir zwischen dem und den Nahaufnahmen schneiden. Auf diese Weise bekommst du diese Emotion da raus. Dann haben wir hier auch die Desinfektionsaufnahme. Was wir dafür getan haben, ist, dass sie aufhören, um eine Pause zu machen, ein Handdesinfektionsmittel anzulegen, es wieder in die Tasche zu legen, Fuß zu gehen, ihre Hände zu reiben. Dann, wie bereits erwähnt, haben wir eine weitere Enthüllung, die schneidet wenn sie beginnen, aus dieser überwältigenden Umgebung zu kommen. Dies ist, wie sie beginnen, den Übergang in ihre Heimat zu machen. Aus diesem Grund wurde diese Rezension verwendet. Andernfalls, wenn dies nur eine Fortsetzung desselben wäre, würde es keinen Sinn haben, einen solchen Enthüllungsschuss zu verwenden, aber das zeigt sie, dass sie von dieser Umgebung weg gehen, was meiner Meinung nach sehr effektiv ist. Sie können in der Art und Weise sehen, dass sie in der Körpersprache gerichtet sind, die sie haben, sie beginnen, ein wenig ruhiger zu werden, wenn sie durch den Schuss dort verlassen. Das ist etwas, das ich immer gerne habe, dass sie vollständig ein- und aussteigen. Auf diese Weise habe ich diese Schnittpunkte, die ich auf die Aktion schneiden und dann auf mein nächstes Stück schneiden kann . Von dort aus hatten wir unsere Abwärtsaufnahme sie angeschaut die Tür entriegelt, was ein sehr einfacher Einsatz war. Wieder, ich bin nur auf dem Gimbal oben auf der Treppe. Es gibt ein paar Treppen, die nur außerhalb des Rahmens liegen. Sie gehen in den Rahmen, entriegeln die Tür, und es funktioniert sehr gut. Jetzt etwas zu beachten für all diese äußeren Bits, ich verwende einen neutralen Dichtefilter. Da wir auf einer spiegellosen Kamera mit einigen Fotoobjektiven sind, verwende ich einen Thread auf variablem ND-Filter, so dass ich diesen doppelten Rahmen direkt dort behalten und immer noch eine ziemlich flache Schärfentiefe haben kann . Wenn ich zu viel im Fokus hätte, würde nicht genug von dem Fokus nur auf unseren Charakter hier liegen, was dieses isolierte Gefühl brechen würde. Denn alles andere ist sehr unscharf, so bekommt man immer noch den Charakter isoliert und allein und überwältigt. Deswegen habe ich das hier angezogen. Auf diese Weise könnte ich meine Einstellungen dort haben, wo ich sie brauche und das Bild wäre dunkler. Wenn Sie nicht mit dem, was ein neutraler Dichtefilter ist, ist es im Grunde wie Sonnenbrille, aber für Ihre Kamera. Sie setzen das auf und es dunkelt das Bild um eine Menge von Stopps. Auf diese Weise können Sie Ihre Blende öffnen, Sie können Ihre Verschlusszeiten so fixieren, dass sie mit der gleichen Geschwindigkeit ist, wie Sie sie benötigen. Sonst wäre meine Blende ziemlich niedrig gewesen oder ich hätte meine Bruchgeschwindigkeit erhöhen müssen, was keiner von denen für diese Szene funktioniert hätte. Deshalb habe ich dieses Werkzeug zu meinem Vorteil verwendet. 12. Am Set: Im Innenbereich: Hier sind wir im inneren Abschnitt davon. Im Grunde, was wir tun, ist die Fortsetzung von ihren Reisen nach draußen , während sie hier durch und es wird eher ein ruhiges Gefühl. Sie werden auch bemerken, wenn wir uns durch die Szene bewegen, wenn wir hier reinkommen, werden wir immer wärmer, um zu zeigen, dass sie bequemer auch ein wenig abwickeln. Nun, Sie werden in dieser Szene bemerken, dass wir eine Menge Licht haben , das hier hinten kommt, und hier wird eine Hauptlichtquelle herkommen. Nun, da sie gerade in dieser Szene nach Hause kommen, um dieses Licht zu motivieren, wollen wir nicht wirklich ein großes Licht haben, das die Mehrheit ihres Gesichts füllt, da das nicht wirklich mit der Stimmung funktioniert, die wir wollen. So ziemlich werden wir in die Schattenseite ihres Gesichts schießen, also fügen Sie vielleicht ein wenig Licht nur auf der Kamera rechts oder auf der linken Seite ihres Gesichts. Damit haben wir nur ein kleines Röhrenlicht hier drin versteckt. Diese Dinge sind sehr einfach, einfach in eine Ecke stecken und fügen Sie ein wenig Licht. Wir sind nicht mehr auf einem Gimbal, wir machen keine Handbewegungen mehr, da der Charakter geerdet und stabiler wird, deshalb wollen wir, dass unser Kamera-Setup das widerspiegelt. Für die Mehrheit von allem, was wir hier drehen werden, werden wir entweder auf einem Stativ oder auf einem Schieberegler abgesperrt. Abby, was ich dich dazu bringen werde, ist wahrscheinlich draußen anzufangen und dann einfach deinen Weg rein zu machen, und wir schießen das ein paar Mal und sehen, wie wir den Rahmen anpassen können. Ich werde diesen Kerl einschalten, nur um das kleine bisschen Füllung hinzuzufügen: so Funken. Dies sind einige der Dinge, die Sie im Auge behalten müssen , wenn Sie vor Ort schießen. Wenn das eine große Budget-Produktion wäre, hätten wir tatsächlich einen Regieassistenten bei mir und dann einen Regisseur draußen, der ihnen sagt, wann eine Aktion angerufen wird , und auf diese Weise können sie ihrer Warteschlange folgen und reinkommen. Aber da wir hier nur ein sehr kleines Setup machen, werde ich nur Aktion für Abby aufrufen, sie werden mich durch das Fenster hören und dann kommen sie rein. Bei größeren Budget-Sets werden wir normalerweise die Schauspieler während der Blockierung markieren, aber hier, da wir ein ziemlich einfaches Setup machen, werde ich Abby einfach markieren, bevor wir schießen, und so wissen sie, wo sie sind werden und ich kann auch für ihr Gesicht einrahmen, so dass wir es jedes Mal treffen können. Ich werde wahrscheinlich sogar auf den manuellen Fokus wechseln, nur um das einzusperren, und auf diese Weise wird es keinen Schluckauf geben, wenn wir schießen. Die Art und Weise, wie wir den Schauspieler markieren, ist nur mit einem kleinen T-Mark dort ziemlich viel bedeckt beide Füße, so dass sie genau wissen, wo sie stehen. Nun, etwas, das ich in diesem Rahmen bemerkte, dass ich vielleicht etwas ändern möchte : Es gibt eine anständige Menge an Tiefe, aber ich denke, wir können es ein bisschen besser herstellen, und das ist, wenn man so etwas wie eine Rauchmaschine herbringt, Dunst, oder in diesem Fall so etwas. Dies wird als atmosphärisches Aerosol bezeichnet und dies ist nur eine Dosenversion einer Rauchmaschine oder so etwas. Es ist eine sehr sichere Art, ein wenig Atmosphäre in Ihrem Rahmen zu haben und dann können Sie einige Lichtstrahlen bekommen, und insgesamt, es bringt das Ambiente ein wenig und lässt die Dinge ein wenig stimmungsvoller und dramatisch aussehen. Dies ist derzeit ohne den Dunst, und dann werde ich einfach tun [unhörbar]. Sie können den unmittelbaren Unterschied sehen, den das gemacht hat. Ich drehte mich irgendwie um, als ich reinkam, um die Tür zu verriegeln. War das in Ordnung? Ja, das hat mir wirklich gefallen, es hat gut geklappt. Ich werde dich das jetzt noch einmal machen lassen. Ich wollte das nur nochmals überprüfen. Vielen Dank. Es ist immer gut, eine offene Kommunikationslinie zu klären und zu behalten, damit jeder weiß, was vor sich geht und wie die Aufnahme geplant wird und wie sie funktionieren wird. Ich bin eingerahmt, in Ordnung, und Action. Fantastisch, lassen Sie den Schnitt dort. Manchmal biete ich dem Schauspieler immer gerne die Möglichkeit, die Wiedergabe zu überprüfen, nur für den Fall, dass er sehen will, wie es ihnen geht. Mir geht's gut. Wir kriegen diese netten kleinen Lichtstrahlen. Ich glaube nicht, dass es zu viel ist, und ich denke, es funktioniert dafür. Manchmal möchten Sie einfach nur einen Blick auf Ihren Hintergrund behalten, um zu sehen, wie er dort aussieht. Ich kann tatsächlich, nur um der Sache willen, einen Mantel hier drüben, nur so dass es alles einheitlich macht und sich ein wenig vermischen. Dann denke ich, dass wir das noch ein Mal nehmen, und ich denke, das wird es sein. Dies ist nur etwas, das Sie im Auge behalten möchten, vor allem, wenn Sie Ihren Rahmen basteln. Wir wollen sicherstellen, dass nichts zu ablenkend im Hintergrund ist, und wenn dort etwas los ist, dass es für die Aufnahme funktioniert und dass es Sinn macht, und dann können Sie es anpassen, um das zu funktionieren, was Sie suchen. Aktion. Mit der Kamerabewegung dort können Sie sehen, wie es die Spannung verringert und ermöglicht es, zurückziehen, vor allem, wenn sie gehen, um aus dem Rahmen zu gehen. Ich beginne wirklich nah auf ihrem Gesicht, wie es ist, dass intensive emotionale Reaktion. Sie nehmen einen tiefen Seufzer und dann reflektiere ich das, indem ich mit der Kamera zurückziehe. Jetzt werden wir die Szene in den Hauptbereich fortsetzen, und dann zeigen wir Ihnen die Techniken von dort aus. Was wir hier tun werden, werden sie reingehen, ihre Jacke fallen lassen, und dann werden sie eine Kerze anzünden und das Buch abholen. Nun, zu Beginn dieser Szene, wird es ziemlich dunkel sein. Die Idee hier ist, dass sie allein leben, also betreten sie eine Wohnung und natürlich wird es ziemlich dunkel sein, wenn sie betreten. Wir zeigen, dass mit ihnen die Wohnung betreten, wenn es noch ziemlich dunkel war, so dass wir auf diese Weise auch für außen und innen aussetzen konnten. Aber es funktioniert, dass wir es ein wenig dunkler haben und dann betreten sie, sie werden bequem, und alles hebt sich ein wenig, es wird eine warme und einladende Umgebung. Wir werden es ein wenig heller mit einem insgesamt größeren Ambiente haben. Dann wird es ein schönes, warmes, abschließendes Buch und der Szene sein. Wenn sie eintreten, lassen wir sie hier eine kleine Lampe für zwei Dinge anschalten. Erstens, nur um ihnen zu zeigen, dass sie den Raum ein wenig erhellen, aber auch, es erhellt unsere Szene, so dass wir sehen können, was sie tun. Ich denke so weit wie die motivierte Kamerabewegung, dass wir diese Ausziehbewegung beibehalten werden , wenn die Spannung kontinuierlich abnimmt. Das ist, was wir hier zu tun versuchen, ist der Anfang des Films ist sehr angespannt und sehr wackelig, aber jetzt ist es stabiler. Die Spannung nimmt ab, und das wollen wir innerhalb unserer Kamerabewegung zeigen. Nun, wir haben so ziemlich unseren Rahmen hier herausgefunden, für die Gesamtumgebung, als es nur die Lampe war, die eingeschaltet wurde, dachte ich, es wäre nur ein wenig dunkel, also haben wir eine Lichtplatte, die in die Decke springt, Erstellen ein wenig von einem schönen weichen Bounce kommen, und ich habe das abgewandt ziemlich viel von, wenn wir tatsächlich schießen und das ist nur, um eine schöne weiche Füllung zu geben. Es wäre die gleiche Art von Sache, wenn Sie ein wenig Licht von außen kommen würde und es ist nur, um ein wenig von der Lichtstärke hinzuzufügen. Es schaffen ein wenig Gesamtambiance und fügen Sie ein wenig mehr Tiefe in den Rahmen, und dann, wenn das praktische eingeschaltet ist, wird es als eine schöne Hintergrundbeleuchtung fungieren. Dann kommen sie hier runter an den Tisch, setzen sich hin und zünden eine Kerze an, bevor sie ihr Buch lesen. Nun, hier habe ich eine kleine Lichtröhre, die wir ihr Gesicht mit etwas Füllung versehen haben, als wir die Türöffnungsszene gedreht haben. Dies wird als unsere motivierte Beleuchtung für die Kerze hier fungieren. In der motivierten Beleuchtung mit der Röhre hier, was wir tun werden, ist es, als ob es das Kerzenlicht selbst ist. Sie können sehen, wenn Sie es auf Funken schalten, dass es hat das schöne Flackern dort. Was wir jetzt tun können, da wir die Position auf diese Weise angepasst haben, brauchen wir eigentlich nicht das Licht hier. Es wäre besser, auf der anderen Seite aus zu sein, so dass wir ein schönes Licht auf der Vorderseite von Abbys Gesicht bekommen, und dann auf diese Weise, es fungiert nicht als dieses Frontlicht, das wir derzeit haben. Ich werde hier die Position wechseln und dir zeigen, wie das aussieht. Sie können sehen, basierend darauf, wo das Licht positioniert ist, es funktioniert tatsächlich viel besser. Wir haben es immer noch geschafft, ein wenig in die Schattenseite von Abbys Gesicht zu schießen, was das Drama immer intensiver aussehen lässt und zu der Aufnahme noch einiges beiträgt. Wir haben das Licht ähnlich in der Position, wo diese Kerze ist, also haben wir für einen eine Position, so dass Sie die Kerze selbst nicht vollständig beleuchten. Wir bekommen immer noch das Licht daraus, aber wir sind immer noch an der Beleuchtung von Abby nur ein wenig , da das die Position ist, an der die Kerze tatsächlich ist, weshalb es sinnvoll ist, sich auf diese Weise zu bewerben. Normalerweise wollen wir niemanden anwenden, weil es die Dinge etwas gruselig und unnatürlich aussehen lässt. Aber dafür macht es Sinn. Aber auch das ist eine ausreichend große Lichtquelle, dass es sie nicht vollständig aufleuchtet, so dass es uns nicht den unruhigen Sinn gibt, wir sonst hätten. Auf diese Weise ist es ein schönes, schmeichelhaftes Licht. Wir haben das praktische im Hintergrund und wir bekommen gerade genug Ambiente von unserem Lichtpanel ihre, um einen schönen Schuss zu erstellen. Nun, ich denke, was wir hier tun werden, ist ein wenig Dunst hinzuzufügen, nur damit alles etwas angenehmer aussieht, und dann werden wir gut sein, die Chance zu bekommen. Da ich den Schuss manuell fokussiere, etwas, das Fokusabzieher tun, mit dem ich gearbeitet habe, ist, dass sie die Entfernung davon markieren, wo das sein wird. Nun, wir ziehen nicht drahtlos den Fokus. Ich mache es nur direkt auf dem Objektiv, also werde ich ein paar Markierungen setzen, um sicherzustellen, dass ich in der Lage bin, sie im Fokus zu halten. Nun haben wir auch unser Objektiv gewechselt, da es hier im Vergleich zu außen ziemlich dunkler ist , so dass dieses Objektiv einen niedrigeren Blendenanschlag hat, so dass wir es ganz nach oben öffnen können. Dann sind wir in der Lage, die schöne Atmosphäre, die wir in der Szene hier gemacht haben, einzufangen . Wir fangen mit diesem Licht an, und die Kamera dreht sich und Action. , und das gibt uns nur einen schönen kleinen Schnittpunkt dort, ändern Sie die Aktion ein wenig, und die Kamerabewegung wird von ihnen motiviert, wenn sie herunterkommen und sich hinsetzen, also ist es nicht so, dass ich keine unnötige Kamerabewegung mache was es sehr einfach wäre zu tun. Ich werde eigentlich mit der Kerze selbst anfangen. Wir bekommen ein schönes kleines Licht, das wieder aus unserem praktischen Licht kommt, also gibt es ein bisschen Ambiente los und dann, wenn sie die Kerze anzünden, schalte ich unser Licht hier und dann an, wird es gut sein, zu gehen . Ich mag diesen Kerl vielleicht ein wenig aufziehen und ihn herum drehen, nur damit das abprallt und ihr ganz schön ins Gesicht kommt. Auch wenn wir nicht wirklich ihr Gesicht in den Schuss bekommen, wird es einfach ganz gut auf ihren Körper stoßen. Ich werde meinen Rahmen ein wenig anpassen, also tun eine Bewegung wie diese, um ihrer Hand zu folgen, wie sie die Kerze dort greifen. Die Kamera dreht sich und Action. Sie werden bemerken, dass ich tatsächlich meine Kamerabewegung starte, kurz bevor ich ihnen Action erzähle, also ist es keine Aktion und es gibt einen Sprung. Es ist schön beginnen Aktion zu bewegen und dann fließt alles gut, anstatt das kleine bisschen Jumpiness da drin zu haben. Aktion. Perfekt, und das ist es, Schnitt. Wir haben es geschafft. Damit schließt das unsere Dreharbeiten der Szene ab, also werden wir sie jetzt zusammenstellen. Wir werden die ganze Sache bearbeiten, und dann werde ich Sie darüber sprechen, wie die Bearbeitung zusammenkam und die verschiedenen Dinge, über die wir gesprochen haben und wie sie auf dem Bildschirm übersetzt wird. Danke, dass Sie bis zu diesem Punkt aufpassen. Wir sehen uns auf der anderen Seite. 13. Auf unseren Film ansehen: Hier haben wir unsere endgültigen bearbeiteten Szenenstücke insgesamt. Wenn Sie sehen möchten, wie man so etwas editiert, kann ich definitiv auch einen vollständigen Editierkurs machen. Aber um das auf die Kinematographie fokussieren zu können, möchte ich Ihnen nur das Endprodukt zeigen und wie wir dort damit gearbeitet haben. Eine neue Studie des CDC wirft Alarm auf die Coronavirus-Varianten, die sich im ganzen Land ausbreiten. Sie können nicht mithalten. Es gibt einen großen Rückstand an Fällen, so dass die Leute... Super verbreitende Ereignisse und epidemische Überbrüche. Dieses Virus hat das Potenzial, viele von uns an Fieber, Husten oder sogar zum Tod zu erkranken . Es entwickelt sich jetzt so, dass bestehende Impfstoffe weniger Wirkung haben könnten. KWISCH-19. Ich weiß - Sie können auf der Audio-Seite sehen, Ich habe in einigen verschiedenen Nachrichtenberichten über das Virus und diese Art von Sache, nur um zu dieser allgemeinen chaotischen Natur hinzuzufügen. Sie können sehen, dass ich hier ziemlich schnell hin und her schneide, so dass es dieses chaotische Gefühl am Laufen hält diese wirklich chaotische Stimmung bekommt. Sie können sehen, ich habe in ein paar Aufnahmen wie Menschen, die durch Husten gehen, etc. hinzufügen, nur um zu diesem allgemeinen chaotischen Gefühl von allem hinzuzufügen. Sie können sehen, wie diese POV-Aufnahmen und diese Nahaufnahmen zusammengeschnitten wirklich gut funktionieren, wenn Sie zwischen den beiden gehen. Sie tragen wirklich zu dieser hektischen Natur bei. Dann haben wir sie hier aufhören, ihre Hände desinfizieren. Dann schneiden wir zu ihnen und schauen weg. Das ist in Ordnung, denn es geht nur um das Gefühl, das sie haben. Manchmal würdest du den ganzen Schatten spielen wollen. Aber hier schneiden wir zurück darauf. Dann, da gehst du. Es könnte sogar etwas sein, wo sie wegschauen, während sie es tun, aber es bekommt das Bild. Dann ist hier dieser Aufschlußschuss, bei dem Sie sehen können, wie sich die Kamera bewegt und sie beginnen hereinzukommen. Dies ist diese Art von Sache, wo ich beginne zu bewegen und dann rufe ich Aktion zu ihnen, so dass die Bewegung bereits läuft und dann wenn sie in den Rahmen kommen, habe ich mich bereits bewegt, aber ich habe nicht zu viel von einem leeren Rahmen gefangen bevor sie hereinkamen, und so funktioniert ein netter Enthüllungsschuss. Dann können Sie sehen, dass sie näher an die Kamera kommen und vollständig aus dem Rahmen gehen. Dort habe ich auf die Aktion geschnitten, so dass sie aus dem Rahmen gehen und dann gehen sie direkt zur Tür. Hier haben wir diesen netten Abschuss. Dann wieder, Schneiden auf die Aktion und wir haben diesen schönen Schuss hier basierend auf dieser motivierten Beleuchtung. Ohne diese Lichtschlauch hätten wir diese Seite des Gesichts komplett in der Dunkelheit, aber mit nur diesem kleinen Extra gibt es ein schönes Fang Licht in den Augen, was sehr schön ist. Du siehst das Leben in den Augen eines Menschen. Wenn du das nicht hast, sieht manchmal eine Person tot oder leblos aus, und das ist nicht das, was wir hier wollen. Das funktioniert einfach, es sieht fast nur aus wie die Fensterleuchte selbst, die genau das ist, was wir hier wollen. Sie können sehen, wie es schön übersetzt von dem, was wir Storyboarder gemacht haben, um die eigentliche Aufnahme hier. Sie können sehen, wie sie ausatmen, sie gehen aus einem Rahmen, sie gehen aus einem Rahmen, dann lassen wir sie das praktische Licht einschalten, um die Szene dort zu beleuchten. Wir haben ein bisschen von diesem Gesamtambiance von dieser Lichtplatte, die da drin auf unseren Lkw geschossen hat. Dann halten wir den Schuss in Bewegung und halten rückwärts ab. Dann, als sie die Kerze anzünden, schalte ich diese Lichtröhre ein und wir bekommen das schöne, schöne Flackern dort und es funktioniert brillant. Hier kommt unser letzter Schuss rein. Sie atmen ein, schauen hoch, atmen aus, und da gehen wir. Es ist eine wunderschön buchhaltige Aufnahme. Sie können sehen, wie sie nur eine Ladung abnehmen. Sie gehen einfach in ihr Buch, genießen ihre Kerze und versuchen, den Stress des Tages zu vergessen. Da haben wir es. 14. Schlussbemerkung: Wenn Sie bis zum Ende dieses Kurses weiterverfolgt haben, haben Sie jetzt die Grundlagen, wie Sie einen schönen Kinofilm erstellen können. Ob es sich um einen Dokumentarfilm, einen Hochzeitsfilm oder sogar um einen Spielfilm handelt, egal ob Sie ihn auf einem iPhone, einer spiegellosen Kamera oder 100.000 US-Dollar Kinokamera-Setup drehen , diese Grundlagen funktionieren überall, egal ob Ihr Budget, egal, ob Ihre Kamera. Mit dem gesagt, vielen Dank, dass Sie sich diesen Kurs angesehen haben. Ich hoffe, Sie haben viel Wert daraus gewonnen. Wenn Sie das getan haben, sollten Sie auf Skillshare folgen da ich mehr Kurse in Bezug auf Fotografie, Videografie, Kinematografie und alles Kreative hochladen werde . Außerdem habe ich auch einen YouTube-Kanal, in dem ich verschiedene Projekte hochladen werde, an denen ich gearbeitet habe, verschiedene Tutorials und alles Ähnliche. Das ist ein wenig mehr Bissgröße und leichter zu konsumieren. Mit diesem, vielen Dank für das Aufsehen bis zum Ende dieses Kurses und ich freue mich darauf, die Filme zu sehen, die Sie unten erstellen. 15. Der fertige Film: Eine neue Studie des CDC wirft Alarm auf die Coronavirus-Varianten, die sich im ganzen Land ausbreiten. Sie können nicht mithalten. Es gibt einen großen Rückstand an Fällen. Super verbreitende Ereignisse und epidemische Überspannungen. Dieses Virus hat das Potenzial, viele von uns an Fieber, Husten oder sogar zum Tod zu erkranken . Es entwickelt sich jetzt so, dass bestehende Impfstoffe weniger wirksam werden können. KLIND-19. Ich hatte noch nie einen Patienten, der in meiner Karriere so nah am Tod war. Waschen Sie Ihre Hände häufig für mindestens 20 Sekunden. Laut CDC COVID-19 Case Tracker gibt es jetzt mehr als eine Million bestätigte Fälle des Virus in diesem Land. Weil es mehrere Tage dauert, um Symptome zu zeigen , und die meisten Menschen werden noch nicht einmal wissen, dass sie es haben. Es gibt höherwertige Masken, die besser filtern können. Wir müssen testen, wir müssen verfolgen, wir müssen isolieren; die Grundlagen der epidemischen Kontrolle. Wachsende Angst heute Morgen über den COVID-19-Trend. Konzentrieren Sie sich darauf, die Menschen zu schützen, die krank werden. Die schnell ausbreitende COVID-19 Variante. Auch die Zahl der Fälle pro Kopf erfordert Besorgnis.