Filmmaking Zielen Emotionen zur Verwirklichung des Publikums

1. Skillshare Einführung: Mein Name ist Scott Baker und ich bin seit 2009 in der Filmindustrie. Ich habe an großen TV-Shows und Filmen gearbeitet. Und nebenbei habe ich auch meine eigenen Kurzfilme, Musikvideos, Dokumentarfilme inszeniert. Und das Einzige, was ich in meiner Karriere bemerkt habe , ist , dass jeder sich auf die technischen Sachen konzentriert, weißt du, Kameras, Lichter, Bearbeitungssoftware. Aber die Sache, die selten diskutiert wird, ist, warum wir die Entscheidungen treffen, die wir tun. Die Psychologie hinter dem Filmemachen beim Anschauen von Filmen, wenn man bestimmte Emotionen spürt, ist das kein Zufall. Die Filmemacher haben bestimmte Techniken ausgewählt und ihre Aufnahmen in gewisser Weise gestaltet, damit Sie sich so fühlen. Die besten Filme sind diejenigen, die uns etwas fühlen lassen. Und die besten Filmemacher sind diejenigen, die wissen, wie man das macht. Deshalb lernen wir in diesem Kurs, wie Farbe, Konnosse, Set-Design , Kameraaufnahmen, Sound und Musik die Emotionen des Publikums beeinflussen. wissen, wie diese Elemente funktionieren, erhalten Sie die Grundlage, um sinnvollere Filme zu erstellen. Um diese Konzepte zu verstehen, werden Filmclips studieren und analysieren. Diskussionen werden gefördert, und ob Sie neu im Filmemachen sind oder bereits auf der technischen Seite erfahren haben, dieser Kurs ist für Sie, er ist für alle Könnerstufen geeignet. Wenn Sie neu sind, dann wird es das Verständnis dieser Konzepte nur einfacher, die technischen Aspekte des Filmemachens zu verstehen. Und wenn Sie bereits Erfahrung in diesem Kurs haben, nehmen wir die Fähigkeiten, die Sie bereits haben, und zeigen Ihnen, wie Sie sie nutzen , um Ihre Filme so viel besser und viel ansprechender zu machen. 2. Warum ist die Kamera-Position wichtig?: Die Hauptsache, sich an die Kameraposition zu erinnern, ist, dass je näher das Publikum dem Thema oder der Handlung ist, desto stärker verbunden und involviert fühlen wir uns. Und das Gegenteil ist wahr. Je weiter wir vom Subjekt oder von der Handlung entfernt sind, desto unverbundener fühlen wir uns. Wenn wir weiter weg sind, fühlen wir uns natürlich von der Aktion getrennt. Es ist, als ob wir draußen hineinschauen und das Gefühl wir nicht von dem betroffen sein können, was in der Szene passiert. Stellen Sie sich vor, ein Jurymitglied zu sein, das einen Prozess Der Scheitelpunkt bringt Sie nicht ins Gefängnis oder befreit Sie, aber Sie sind immer noch da, um es zu erleben. Lass uns näher kommen. Nun, alles wird ein bisschen intimer. Wir können die Emotionen der Menschen sehen und wir können uns fühlen, als wären wir direkt neben ihnen. Wir sind jetzt daran beteiligt, was passiert und zu erleben, was zusammen mit ihnen geschieht, in diesem Fall ist etwas anderes. Ich werde Sie wissen, dieser Ort rund um den Iran. Egal, wie nah oder fern wir unser Publikum zum Geschehen bringen, hängt von der Platzierung unserer Kamera und den Objektiven ab, die wir verwenden. Ein weit entfernter Kameraplatz mit einer geringen Brennweite, bekannt als ein breites Objektiv, wird das Publikum distanzieren. Aber wir können die Kamera einfach mit dem gleichen Objektiv bewegen , um unser Publikum näher an die Action zu bringen. Wenn wir eine hohe Brennweite verwenden, auch als schmales Objektiv bekannt ist, kann die Kamera in einem Abstand platziert werden, aber das Publikum fühlt sich immer noch nah an der Action. 3. Camera Hoch, niedrig oder Sideways?: Abgesehen von Filmen mit der Kamera perfekt Ebene, gibt es drei weitere Optionen, die wir wählen können. Es gibt einen hohen Winkel, niedrigen Winkel und einen niederländischen Knöchel. Hochwinkelaufnahme ist, wenn die Kamera hoch platziert ist und nach unten auf ein Motiv schaut, dies macht das Motiv kleiner erscheinen und gibt das Gefühl, dass sie minderwertig oder schwach sind. Ein niedriger Winkel Schuss und macht die gegenüberliegenden Winkel nach oben auf dem Motiv. Und indem sie die Kamera anwinkeln, lässt sie größer erscheinen und verleiht dem Gefühl ihr überlegen, stark oder einschüchternd. Verwendung von niedrigem Winkel Schuss ist auch eine große Technik auf Gebäuden. Es erlaubt Ihnen, zu zeigen, dass das Gebäude großartig oder bedrohlich sein kann. Persönlich finde ich nicht, dass ein Hochwinkelschuss den gegenteiligen Effekt auf Gebäude hat. Stattdessen funktioniert es sehr gut als Mastershot , um dem Publikum und Verständnis der Szene und ihrer Einstellung zu geben. Der dritte Winkel wird als niederländischer Winkel bezeichnet, und es wird getan, indem die Kamera leicht zur Seite gekippt wird. Dies ist ein weiterer effektiver Weg, um dem Publikum ein Gefühl der Orientierungslosigkeit zu geben. Es vermittelt die Botschaft, dass die Dinge unausgewogen sind und dass etwas nicht ganz richtig ist. Und der Schuss hat eigentlich nichts mit den Holländern zu tun. Stattdessen war es eine Technik, die wir im deutschen Filmemachen viel benutzt haben. Und es hieß der Deutsche Winkel. Doidge ist das deutsche Wort für Deutsch. Und dann im Laufe der Zeit haben Englischsprecher es irgendwie in den niederländischen Winkel verwandelt. 4. Kamerabewegung: Neben Kameraposition und Kamerawinkel ist auch die Kamerabewegung wichtig. Und wenn Ihre Kameras sich für die Aufnahme bewegen, müssen Sie entscheiden, ob es handheld oder wird es mit Dollies und stationären Lagern stabilisiert werden? Handheld mit ein wenig Kamerawackeln kann ein natürlicheres und organischeres Feld erzeugen. Das liegt daran, dass es näher an der Art ist, wie wir Dinge sehen, während wir in Bewegung sind. der Zwischenzeit kann jede Menge Kamerawackeln ein chaotisches und ängstliches Feld haben. Wenn wir Dollies und stationäre Lager und andere Arten von Stabilisatoren verwenden, kann es sich weniger organisch anfühlen, aber es ist viel glatter und es fühlt sich polierter an. Und weil Stabilisatoren viel mehr Möglichkeiten bieten, können wir kompliziertere und großflächige Aufnahmen erzielen, die einem Film oder einem Gesehenen ein epischeres Gefühl verleihen können. Ob Ihr Handheld oder mit einem Stabilisator. Der Wechsel zwischen breiten Aufnahmen und Nahaufnahmen ist ein sehr effektiver Weg, um Emotion zu betonen. Und ändert sich. Herausziehen von einem engen Schuss zu einem breiten Schuss kann Publikum Dinge enthüllen, die der Charakter bereits bewusst war. Und es hilft, eine Veränderung hervorzuheben. Diese Veränderung kann ein Charakter sein, der die Kontrolle verliert, wenn sie klein und eine große Welt werden. Oder es kann ein Gefühl des freien Werdens darstellen. Umzug in die andere Richtung. Wenn Sie von einem breiteren Schuss auf einen strafferen Schuss hineinschieben können Sie die Emotionen eines Charakters hervorheben oder sogar die Emotionen enthüllen. Zunächst kann sich das Publikum entfernt fühlen und in einer sicheren Entfernung. Aber wenn die Kamera näher kommt, werden die Emotionen dieses Charakters auffälliger und intensiver, da sich der Charakter immer mehr vom Bildschirm anfühlt. Wenn das passiert, hat das Publikum nirgends mehr zu suchen. Daher sind sie gezwungen, die Emotionen des Charakters zu erkennen und einzufühlen. Zuletzt haben wir einen Dolly Zoom, und dies ist eine leistungsstarke Technik, um intensive Momente hervorzuheben. Es funktioniert gut, wenn ein Charakter eine wichtige Erkenntnis hat. Es kann auch funktionieren, um eine Welt zu zeigen, die sich um einen Charakter schließt ein Gefühl von Klaustrophobie erzeugt. sind also ein paar Techniken, die Sie verwenden können, um die Emotionen des Publikums zu beeinflussen. Aber der wirklich wichtige Teil dieser Lektion ist die Entscheidung, ob Sie Handheld gehen oder Stabilisatoren verwenden oder welche Kombination der beiden, die Sie verwenden möchten. Und das liegt daran, dass es eine stilistische Wahl ist, die das Gefühl Ihres gesamten Films beeinflussen kann. 5. Schilderungen für die Blicke: Es gibt ein paar Arten: Sichtweise aus erster Person. Es ist auch als Subjektive Kamera bekannt, oder einfach als POV-Aufnahme. Und was das bedeutet, ist, dass wir jetzt tatsächlich der Charakter sind und wir die Welt durch ihre Augen sehen. In Bezug auf die Kameraabstand. Das ist so nah, wie wir es nur bekommen können. Es taucht den Betrachter in den Film und die Figur auf eine sehr intime Weise ein. Indem man das Publikum in den Kopf des Charakters nimmt. Es hilft dem Publikum zu fühlen, was die Charaktere Felder und besser zu verstehen, die Welt, wie sie es sehen. Im Wesentlichen gibt es vier Arten von POV ist, dass wir ungewöhnliche POV verwenden können. Dies wird oft in Sci-Fi verwendet, um dem Publikum zu helfen , etwas zu verstehen, das nicht Teil unseres Alltags ist. Es ist etwas, das wir noch nie gesehen haben. Ein gemeinsames Beispiel, im Weltraum zu sein. Verzerrter POV, oft für veränderte Geisteszustände verwendet, sei es Drogen oder eine Art Trauma. POV verfolgen. Diese Art von POD schafft Spannung für das Publikum, weil wir als Filmemacher nicht zulassen, wer oder was folgt. Es ist sehr verbreitet in Horrorfilmen und kann das Publikum sehr unruhig fühlen , weil sie jetzt gezwungen sind, sich mit etwas oder jemandem zu identifizieren, den sie nicht wollen, wie ein Mörder oder ein Monster. Fliegen Sie an der Wand. Pov, Dreharbeiten aus der Perspektive von Dingen oder Menschen, die machtlos sind, etwas zu tun. Unter diesen Umständen. Die Kamera ist wie ein stiller Zeuge für Dinge, die Charaktere nicht tun würden, wenn sie wüssten, dass sie beobachtet werden. Genau wie Spione. Dieser POV lässt das Publikum auf Sekreten. Andere Zeichen sind sich nicht bewusst. Pov-Aufnahmen sind am effektivsten, wenn sie sich natürlich anfühlen und sie kaum bemerkt werden, wenn sie in Schlüsselmomenten oder mitten in Dialogszenen mit Charakter-Looks geschnitten werden. Das sind perfekte Beispiele. Ein Wort der Vorsicht, nur POV-Aufnahmen für einen ganzen Film zu verwenden, kann irritierend werden. Und in einigen Fällen sogar übel für das Publikum, indem es Reisekrankheit verursacht. 6. Was ist die 4. Weites Mauer?: Wenn Sie noch nicht von einer vierten Wand gehört haben, dann ist hier eine kurze Erklärung, bevor wir den Effekt des Brechens der vierten Wand diskutieren. Wenn wir uns ein Bühnenstück ansehen, haben wir 123 Wände. Und die vierte Wand ist eine unsichtbare, die die Charaktere und das Publikum trennt. Und das ist die Mauer, die das Publikum durchschaut. Aber die Charaktere sind sich dessen nicht bewusst und sie können es nicht durchsehen. Wenn Sie im Theater oder Fernsehen als der Bildschirm sind, ist diese vierte Wand. Die vierte Wand zu brechen passiert, wenn die Charaktere im Film sich des Publikums bewusst werden. Dies kann getan werden, indem der Charakter mit dem Publikum spricht oder etwas so subtiles wie Augenkontakt durch direkten Blick in die Linse. Diese Technik erregt dem Publikum Aufmerksamkeit, weil sie plötzlich in den Film involviert sind und mit ihnen von den Charakteren interagiert werden. Die Leute würden dir sagen, dass du eine nervöse Mutter bekommst. Liebe vierte Wand schafft eine sichere Barriere für das Publikum, um den Film anonym zu sehen. Wenn also diese Barriere kaputt ist, fängt sie das Publikum ab. Und es kann verblüffend sein, seitdem sie erkannt wurden. Und sie fühlen sich, als ob sie selbst beobachtet werden würden. Neben einer riesigen dampfenden Schüssel der Vorahnung. Wenn ein Charakter die Zielgruppe anspricht. Es ist wie ein geheimes Gespräch, in dem der Rest des Films nicht enthalten ist. Und was das tut, ist, dass es das Publikum tiefer in den Verstand dieses Charakters bringt. Lässt sie wissen, was sie denken, wie sie sich fühlen. Und was das tut, ist eine viel stärkere Bindung zwischen dem Publikum und diesem spezifischen Charakter zu schaffen . Du kannst nie in ein Feuer gehen, wenn ich kaputt werde. Es wird nicht von einer solchen Waffe sein. Und es muss nicht immer durch den Dialog sein. Wie ich bereits erwähnt habe, ist das eine andere Möglichkeit, die vierte Wand zu brechen, wenn ein Charakter direkt in die Kamera schaut . Lasst uns ein kleines Experiment machen. Ich will, dass du aufstehst und durch den Raum gehst. Und während du das tust, behalte ein Auge auf den Bildschirm, um zu sehen, wo ich hinsehe. Also beachte, wie egal, wo du in deinem Zimmer gelaufen bist, es schien, als ob meine Augen dir folgen würden und ich beobachtete, wohin du warst. Diese Technik, direkt in die Kamera zu schauen, wird oft verwendet, wenn es einen Erzähler in dieser Geschichte gibt. So kann das Brechen der vierten Wand viele Effekte haben, einschließlich das Publikum darauf aufmerksam zu machen, dass sie sich einen Film ansehen , kann das Publikum dazu bringen, sich unwohl zu fühlen, zwingt sie dazu, mehr Aufmerksamkeit zu schenken, schafft Empathie mit einem -Zeichen. Und das macht das Publikum das Gefühl, dass sie Teil des Films sind. Das ist also die vierte Wand und wie man sie bricht. Es ist eine brillante Storytelling Technik und eine, die ich Sie auf jeden Fall ermutige, mit einem Ihrer Filme zu versuchen. Wir sehen uns in der nächsten Lektion. 7. Fokus: Außer der Focus:: Natürlich werden unsere Augen auf jede Person oder ein Objekt in der Aufnahme fixiert werden. Wenn ein Objekt oder eine Person im Fokus ist, wir unbewusst denken, Achten Sie darauf. Es ist wichtig. Und wir folgen dem, bis sich der Fokus ändert und uns sagen, dass wir auf etwas anderes achten sollen. Aber was ist, wenn nichts im Fokus steht? Wenn alles verschwommen ist, wissen unsere Augen nicht wo wir schauen sollen, und wir wissen nicht wirklich, was vor sich geht, was ein Gefühl der Orientierung schaffen kann, ohne uns zu leiten. Unsere Gehirne suchen aktiv nach Hinweisen , um herauszufinden, was passiert oder was wichtig ist. Dies ist eine Technik, die für Träume verwendet werden kann. Flashbacks hatten Verletzungen, waren müde oder betrunken. Im Wesentlichen jeder veränderte Geisteszustand. Wenn alles im Fokus steht, ist es leicht zu sehen und zu erkennen, was vor sich geht. Wir können verstehen, was uns ein Gefühl der Klarheit gibt und es dem Publikum erlaubt, sich zu entspannen und einfach zu beobachten, was passiert, wenn eine neue Location eingeführt wird. Alles im Fokus zu haben, ist eine gute Möglichkeit, dem Publikum so viele Informationen wie möglich zu geben. So können sie schnell die neue Umgebung und das, was vor sich geht, verstehen. Deshalb steht im Sport fast alles im Fokus, denn wir wollen jederzeit sehen, was passiert. So kann sich die Fokussierung auf unser Publikum auswirken. Die andere Einstellung, die wir ändern können, und unsere Kamera ist die Verschlusszeit, über die wir in der nächsten Lektion sprechen werden. 8. Shutter Geschwindigkeit: Mehr als eine Belichtung: Die meisten Leute denken an die Verschlusszeit nur als eine Komponente der Belichtung und wie Bewegungsunschärfe gesteuert werden kann. Aber was sie nicht erkennen, ist, dass es auch eine andere sehr interessante Möglichkeit ist , zu beeinflussen, wie sich unser Publikum fühlt. Denken Sie daran, dass die Verschlusszeit auf die Verdoppelung unserer Bildrate eingestellt wird Filmmaterial erzeugt, das der Art und Weise ähnelt, wie wir unregelmäßige Bewegungen wahrnehmen. Nicht zu verwechseln mit der 180-Grad-Regel, die sich mit Kamera-Platzierung und Kontinuität befasst. Wenn wir die Verschlusszeit senken, führt dies zu mehr Bewegungsunschärfe. Und genau wie bei Filmen mit Soft Focus kann die Verwendung von mehr Bewegungsunschärfe auch ein Gefühl der Orientierung erzeugen, wie in Traumsequenzen, Rückblenden oder jenseitigen Szenarien. Wenn wir die Verschlusszeit erhöhen, gibt es weniger Bewegungsunschärfe, wodurch alles sehr knackig und glatt aussieht. Aber wenn wir die Verschlusszeit wirklich hoch drücken, kann das unser Filmmaterial mehr staccato aussehen lassen. Dies wird oft in Action-Szenen verwendet, in denen alles sehr schnell geschieht. Es steigert die Action und gibt sogar unser Filmmaterial oder mehr chaotisches Gefühl. Und das ist ein brillantes Beispiel für beide Techniken. Und der Übergang zwischen den beiden. Verschlusszeit ist auch eine Möglichkeit, das Gefühl unserer Aufnahmen zu beschleunigen oder zu verlangsamen , ohne die Geschwindigkeit erhöhen und bearbeiten oder in Zeitlupe schießen zu müssen. Und Zeitlupe ist das, worüber wir in der nächsten Lektion sprechen werden. 9. Zeitlupe: Zeitlupe ist eine Technik, die ich bin sicher, jeder hier hat mit einfach wegen wie Windpocken experimentiert. Aber abgesehen von dem ästhetischen Gefühl, es ist auch eine gute Möglichkeit, Ihrem Publikum zu sagen, Hey, achten Sie sehr genau darauf. Als Filmemacher ist die Verwendung von Slow Motion eine fantastische Technik, um etwas Wichtiges zu übertreiben und sicherzustellen, dass unser Publikum bestimmte Details aufgreift, die wir sehen möchten. Ein weiterer effektiver Nutzen besteht darin, dem Betrachter einen Moment zu geben, um aufzuholen und Vorfreude aufzubauen, kurz bevor er wieder in die rasante Action eintaucht. die gleiche Weise wird ein DJ einen Song verlangsamen und dann langsam die Vorfreude der Menge aufbauen , bevor er den ganzen Song zurückbringt und jeder wird verrückt. Nun, Slow Motion ist ein Weg für Filmemacher, das auf visuelle Weise zu tun. Schließlich kann es auch ein sehr hilfreiches Werkzeug sein, um die inneren Gedanken einer Person zu vermitteln. Gesegnet. Zweige werden Rührei, Prise Salz. Und natürlich sieht es filmisch gut aus, Beispiel Konzerte oder Sport. Aber wenn Sie es für Storytelling verwenden, verwenden Sie es selektiv und aus den richtigen Gründen. Denn je mehr Sie es verwenden, desto weniger Auswirkungen hat es jedes Mal. 10. Hartes und weiches Licht: Bei der Entscheidung, wie man eine Szene beleuchtet, arbeiten wir mit zwei Lichtspektren zusammen. Wir haben unser hartes Licht und sind weiches Licht. Und im Wesentlichen ist das die Manipulation von Schatten. Lassen Sie uns zuerst einen Blick auf harte Beleuchtung werfen. Harte Beleuchtung erzeugt scharfe Schatten mit deutlichen Linien und in der Regel mit großem Kontrast. Es schafft ein Gefühl von Opposition, Schwierigkeit und Spannung. Es wird oft für Schurken verwendet und es ist ein Grundnahrungsmittel im Film Noir Genre. Es schafft ein Gefühl von Macht. Es kann eine Szene intensivieren. Und es kann sich auch auf einen bestimmten Charakter oder ein Objekt konzentrieren. Am anderen Ende des Spektrums haben wir sanfte Beleuchtung. Es wird am besten verwendet, um ein Gefühl von Glück und Ruhe zu vermitteln. Es wird oft für romantische Szenen und Happy Ends verwendet. Für dieses Musikvideo wollten wir zu den extremen Enden von hartem und weichem Licht gehen , um den inneren Konflikt und das Verlangen der Lieder Botschaft zu demonstrieren. Um das Harte Licht zu erschaffen, haben wir eine Garage verdunkelt und ein einziges Spotlight oben benutzt , damit der Künstler sich ein- und auszieht. Beachten Sie, wie hierdurch durchgezogene Linien zwischen Licht und Schatten erzeugt werden. Und in bestimmten Winkeln verschwinden Teile von ihm vollständig in der Dunkelheit. Dies hilft, die Angst und den Druck, den er fühlt, zu übertreiben. Hier. Der Schatten von seinem Kinn macht es so, dass wir nicht mal als Hals sehen können. Um seine Szenen nebeneinander zu stellen. Wir haben das Weibchen draußen mit Sonnenlicht gefilmt. Und wenn es irgendwelche harten Schatten gab, Ehre, erweichen wir diese mit Reflektoren. Beachten Sie, wie alle Schatten auf ihr sehr hell sind und sie ihre Features nicht verbergen. Dies ergänzt ihre entspannte und glückliche Haltung beim Spaziergang am Strand in einer traumhaften Art und Weise. Passend zu dem extremen harten Licht, das auf ihn verwendet wurde. Wir haben beschlossen, einige der weichen LET-Szenen auf ihr auszublasen. Und um die beiden Extreme zu mischen, verwenden wir Lichtlecks als eine Möglichkeit, zwischen den beiden zu wechseln. 11. Helligkeit: Die zweite Wahl, die wir haben, ist, wie hell oder dunkel, um unsere Szenen zu machen. Jetzt kann dies durch eine Reihe von Dingen beeinflusst werden, wie die Tageszeit, die Sie schießen, ob es in der Nacht, Mitte des Tages oder magische Stunde. Und es kann auch davon beeinflusst werden, ob Sie drinnen oder draußen fotografieren. Aber für diese Lektion konzentrieren wir uns nur darauf, wie die Helligkeit die Stimmung und das Gefühl unserer Filme beeinflussen kann. Wenn alles gut beleuchtet ist, ermöglicht es uns, alles zu sehen, was wiederum Klarheit und Verständnis für das gibt, was passiert. Daher das Sprichwort, klar wie Tag. Und wenn wir nicht verstehen, was passiert, gibt es uns natürlich ein Gefühl der Ruhe. Dies wiederum kann dem Publikum auch ein Gefühl der Sicherheit vermitteln. Hellere Konsknostion. Es fühlt sich auch positiver und erhebend, weshalb die meisten Komödien für die Mehrheit eines Films oder gut beleuchtet. Wenn wir uns dafür entscheiden, unsere Filme dunkler zu lassen, hat dies natürlich den gegenteiligen Effekt. Dunklere Beleuchtung kann auf Drama oder Gefahr hinweisen. Und weil wir im Dunkeln nicht sehen können, es auch das Unbekannte dar. Daher das Sprichwort, links im Dunkeln. Für den Menschen kann das Unbekannte beunruhigend sein, weil wir nicht mehr das Gefühl haben, dass wir die Situation beherrschen. Die besten Beispiele sind Horrorfilme. Wenn Sie sich einen Horrorfilm ansehen, bemerken Sie, wie die gruseligen Momente nachts oder an dunklen Orten sein werden , die uns angespannt werden. Mehr Alarmbereitschaft. Vielleicht steigt für einige von uns sogar unsere Herzfrequenz. Aber dann bemerken, wenn der gruselige Teil vorbei ist, gibt es einen schnellen Übergang zum Tag oder irgendwo hell beleuchtet. Plötzlich spüren wir ein Gefühl der Erleichterung. Und als Publikum bekommen wir eine kurze Pause von der Spannung, bevor der Regisseur wieder eintaucht und uns mit wem diese Achterbahn wieder mitnimmt. In der Eröffnungsszene dieses Kurzfilms haben wir nachts gedreht, um dieses Gefahrengefühl zu schaffen. Aber wir konnten immer noch hell und dunkel gegeneinander spielen, indem wir alle weiblichen Schüsse heller machten, um ihre Unschuld zu zeigen und Güte zu betreten. Während der schlechte Charakter, hielten wir Abschlagschüsse dunkler. Und am wichtigsten, wir hielten sein Gesicht im Schatten, um sie gefährlicher erscheinen zu lassen. Und im Gegensatz dazu im Licht und Dunkel der Charaktere, das hilft, mehr Spannung zu erzeugen, wenn sie immer näher und näher kommen , bis sie schließlich kreuzen. Licht gegen Dunkel ist etwas, das wir auf einer unterbewussten Ebene kennen, seit wir Kinder waren. Wir sind alle sehr vertraut mit Gut gegen Böse. Und wir haben wahrscheinlich das Sprichwort gehört, der Unterschied ist Nacht und Tag. Wenn es um das Filmemachen geht, kann das Spielen mit diesen beiden Gegensätzen viel Spaß und extrem kraftvoll sein. 12. Schwarz und Weiß: So ist Schwarz und Weiß hell und dunkel sehr ähnlich. Aber es hat einen sehr wichtigen Unterschied. Und das ist, dass bei Verwendung von Schwarz und Weiß, je nachdem, wie wir es verwenden, es auf beiden Seiten unserer Emotionen spielen kann. Schwarz ist oft mit dem Bösen und dem Tod verbunden. Denken Sie zum Beispiel an Beerdigungen und Hexen. Und deshalb sind schwarze und dunkle Bilder immer so weit verbreitet in Horrorfilmen. Denken Sie an die Assoziationen, die wir ihm im Laufe der Zeit gegeben haben. Es gibt Black Tuesday, die Pest des Schwarzen Todes, schwarze Katzen. Aber es steht auch für Macht, Sexiness und Mysterium. Betrachten Sie schwarzen Gürtel im Karate, ausgefallene schwarze Krawattenpartys oder den geheimnisvollen Schwarzmarkt. Nicht überraschend. Weiß hat viele der entgegengesetzten Bedeutungen von Schwarz, wie unschuldiges Stück und neue Anfänge. Es ist mit Engeln, Tauben und Hochzeiten verbunden. Aber es kann auch als leer, kalt, steril wahrgenommen werden. Denken Sie an Krankenhäuser, Winter. Und für Schriftsteller da draußen, die immer eine leere weiße Seite entmutigen. Bei Verwendung nur schwarz und weiß. Es hat die einzigartige Qualität, sich alt zu fühlen. Und das liegt an unserer Assoziation mit der Fotografie, bevor der Farbfilm erfunden wurde. Nun, da wir uns Schwarz und Weiß angesehen haben und wie das auf unseren Emotionen spielen kann. In den nächsten Lektionen werden wir dasselbe mit den anderen Farben machen. Ich seh dich dort. 13. Farbton/Sättigung: Farbe ist so weit verbreitet in unserem Alltag und in allem, was wir tun. Es ist sehr einfach, die Auswirkungen, die es auf die USA hat, zu übersehen oder zu unterschätzen. Studien haben gezeigt, dass die Farbe eines Raumes die Art und Weise beeinflussen kann, wie wir fühlen. Die Farbe unserer Nähe beeinflusst die Art und Weise, wie andere Menschen uns gegenüber fühlen. Es kann sogar die Art und Weise verändern, wie wir den Geschmack von Lebensmitteln interpretieren. Wenn Sie jemals das Sprichwort gehört haben, fühlen Sie sich blau oder grün vor Neid. Das liegt daran, dass alle Farben eine emotionale ehrliche Wirkung haben. Und es ist nicht anders, wenn man sich einen Film ansieht. Es gibt zwei Komponenten, die in Farbe gehen. Zuerst ist der Farbton, der die tatsächliche Farbe ist. Und zweitens ist die Sättigung, die ist, wie lebendig oder blass die Farbe ist. Je weniger gesättigt die Farben, desto verblasster sehen sie aus. Und das erweckt den Eindruck von Müdigkeit, abgenutzt oder alt zu sein. Und es wird oft für Rückblenden oder Möglichkeiten verwendet , uns an die Zeit zu erinnern, bevor wir Farbfotografie verwendet haben. Wenn die Farben stark gesättigt sind, führt es uns zu Orten der Phantasie und Lebendigkeit. Farbe kann zuerst in zwei Bereiche auf dem Farbrad unterteilt werden. Warm und kalt. Warme Farben sind rot, orange und gelb. Die kalten Farben sind blau, lila und grün. Warme Farben sind bekannt, dass sie stimulierend sind und nur eine kleine Menge kann eine Energie erzeugen. Aber wenn wir zu viel von warmen Farben sehen, können sie tatsächlich dazu neigen, ein bisschen irritierend und überwältigend zu fühlen. Auf der anderen Seite des Rades. Die kühlen Farben sind dafür bekannt, Stress zu lindern, weshalb sie beliebter sind, um eine ruhige und entspannende Umgebung im Haus zu schaffen . Denken Sie an den Ozean oder den Wald. In diesem Kurzfilm haben wir uns dafür entschieden, meist kühle Farben zu verwenden und diese dann zu entsättigen , um dem Film eine düstere und düstere Atmosphäre zu verleihen. Für diesen kurzen Dokumentarfilm war es das Gegenteil. Wir wollten optimistischeren Ton. Und so haben wir versucht, an Orten mit wärmeren Farben zu filmen. Und manchmal haben wir die Sättigung gesteigert , um dem Filmmaterial mehr Pop zu geben und sich glücklicher und positiver zu fühlen. Aber Farben werden als eine Bedeutung oder eine Emotion bezeichnet. in den folgenden Lektionen Lassen Sie unsin den folgenden Lektionenjede Farbe genauer betrachten. 14. Rotes: Fangen wir mit Rot an. Und das liegt daran, dass es die intensivsten alle Farben sind. Es ist also keine Überraschung, dass es auch die stärksten Emotionen in den USA hervorbringt. Rot steht für Liebe, Macht und Sexiness. Aber es kann auch Bash, Fülle, Wut und Gefahr darstellen. Es ist eine der 3-Primfarben von RGB. Also machen Sinn, dass es eine der vielseitigsten ist. In dieser Szene hilft Lesen, die Wut zu verstärken, die die Charaktere fühlen. In diesem Musikvideo haben wir ihm ein Kabaretthema gegeben und die Farbpalette in Rot und Schwarz gehalten, um die Sexiness der Barkeeper und ihre Macht über die Jungs in der Band zu betonen. Wir haben sie nicht nur in Rot und Schwarz gekleidet, sondern das kontrastiert, indem die Jungs Weiß tragen , um ihre Unschuld im Vergleich zu ihr weiter zu zeigen. 15. Blau: Blau ist die dritte der 3-Prime-Farben, und wohl ist es die zweitstärkste Farbe neben dem Lesen. Dies könnte auch erklären, warum wir immer sehen dass Blau und Rot von politischen Parteien in verschiedenen Ländern verwendet werden. Blau gilt als vertrauenswürdig, kahl, und es bietet ein Gefühl von Ruhe und Stabilität. Es ist kein Wunder, dass es die beliebteste Farbe Männer bei unserem ersten Date tragen. Obwohl ich sicher bin, dass die Entscheidungen immer noch unterbewusst sind. Wir sind ein blauer Himmel beschworen Frieden und Glück. Dunkelblau kann sich traurig fühlen und Depressionen darstellen. Und da es sich auf der kalten Seite des Farbrades befindet, bei bestimmter Verwendung kann es sich bei bestimmter Verwendungauch kalt und isolierend anfühlen. Das Thema hinter diesem Musikvideo war, dass der Künstler in Technologie eingesteckt und sich der Welt um ihn herum bewusst war, um dies zu erreichen. Wann immer wir ihn allein zeigten, gaben wir die Aufnahmen von blauer Tönung, damit es sich kalt anfühlt und als wäre er vom Rest der Welt isoliert. Und wenn wir anderen Menschen zeigen, hat dieses Material einen wärmeren, bernsteinfarbenen Ton, um ihn weiter von dieser Welt zu trennen. Der erwartete Wert. 16. Grün: Grün ist die zweite Farbe von RGB, und es fällt auf die kühle Seite des Farbrades. Es stellt Dinge wie Wachstum, Sperre, Fruchtbarkeit und in jüngerer Zeit Technologie dar. Auf der anderen Seite kann es auch auf Gier, Neid und Krankheit hinweisen. Wenn Grün in der Natur gesehen wird, fühlt es sich gesund an, aber in Krankenhäusern vermittelt es ein Gefühl von Krankheit. Dieser Kurzfilm, den ich bearbeitet habe, hatte eine sehr unangenehme Handlung in der Thematik. Der Regisseur wollte ein krankes Gefühl. Als es darum ging, den Film zu färben, gaben wir bestimmten Szenen ein blass entsättigtes Grün, um das zu erreichen. In dieser Eröffnungsszene Grün ein Beispiel für Natur und Gesundheit. Am Ende des Films kann man sehen, dass es neue Anfänge und Wachstum darstellt. Die Filme Fight Club und die Matrix. Weitere großartige Beispiele dafür, wie die Farbe Grün im Filmemachen verwendet werden kann. 17. Gelb: Es wird oft als warme, fröhliche und energische Worte angesehen, die Sie sehr leicht verwenden können, um die Sonne zu beschreiben. Intellekt ist ein weiteres Merkmal, das sowohl mit Gelb als auch mit Ideen verbunden ist . Und in einigen sehr seltenen Szenarien, kann es Feigheit und mit ein bisschen Manipulation wie Entsättigung darstellen, und vielleicht während es ein wenig. Es ist ähnlich wie Grün, in dem Sinne, dass es sich auch kränklich anfühlen kann. Der Film-Tierkreis verwendet auch Gelb als eine der Hauptfarben, aber nicht in der hellen und fröhlichen Art und Weise. Die Geschichte handelt von einem Serienmörder und findet in den späten sechziger und frühen siebziger Jahren statt. Durch die Verwendung verblasster und schmutziger Gelbtöne hilft es, dem Film und älteren Aussehen und ein leicht krankes Gefühl zu geben , um den Zeitraum und das Thema anzupassen. Ein interessanter Kontrast ist, dass der Protagonist, gespielt von Jake John Hall, meist von der Farbe Blau begleitet wird. In dieser Büroszene ist er von Gelb und Braun umgeben und zeichnet sich durch strahlendes Blau aus. Und selbst in dieser Barszene trinkt er einen hellblauen Cocktail. Das sind keineswegs Unfälle. subtile Weise beeinflussen Regisseure und Produktionsdesigner die Art und Weise das Publikum fühlt und wie sie Dinge verbinden, wenn sie Filme anschauen. In diesem kurzen Dokumentarfilm spielt die Fülle von Gelb seine Stärken und hilft ein glückliches und erhebendes Feld für den Film zu schaffen. Gelb wurde auch verwendet, um die Aufmerksamkeit der Menschen zu erregen. Und deshalb wird es auf vielen Verkehrsschildern verwendet, die vor Vorsicht warnen. Wenn Sie also jemals jemanden wirklich Aufmerksamkeit erregen oder etwas hervorheben wollen, sollten Sie es gelb machen, besonders in einer dunkleren Umgebung. 18. Purpur: Obwohl Lila eine beliebte Farbe ist, ist es nicht eine, von der wir viel in unserem täglichen Leben sehen, wenn wir es sehen, es sticht wirklich heraus. Und es ist Knappheit geht Jahrhunderte zurück, vor langer Zeit. Es war so ein teurer und schwieriger Prozess, die Farbe zu produzieren, dass sich nur die Reichsten es leisten konnten. Deshalb verbinden wir heute noch die violette Farbe mit Reichtum, Macht und Luxus. Es wird auch nicht in der Natur so viel wie die anderen Farben gesehen, und daher wird es als exotisch und sinnlich gesehen. Purple ist eine Kombination aus Rot und Blau. Es ist also nicht verwunderlich, dass es einige der gleichen Eigenschaften hat, wie Kühnheit und Macht. Willy Wonka ist ein Film voller leuchtender Farben. Aber seltsamerweise ist in der Mehrheit des Films das einzige Zeichen von Lila seine Jacke, was ihn definitiv in dieser exotischen Süßigkeitenwelt hervorhebt, die er kreiert hat. Das einzige andere Mal lila ist in Hülle und Fülle zu sehen, ist dies hier zu sehen, wo das reiche Mädchen ist der Fokus? Vielleicht ist es ein Zufall. Aber ich bezweifle, dass eine so bedeutende Szene zufällig auf diese Weise gestaltet wurde. 19. Orange: Ähnlich wie Gelb wird Orange verwendet, um die Aufmerksamkeit der Menschen zu erregen. Und es wird auch als die energischste der Farben angesehen. Es ist sehr anregend, weshalb es mit Dingen wie Kreativität und Begeisterung verbunden ist, sowie Freude und sogar Fairness. Aber wie bereits erwähnt, zu viel von einer warmen Farbe wie Orange, kann sich von stimulierenden, zu ablenkenden und unter bestimmten Umständen sogar irritierend drehen . In dem Film, ein Uhrwerk Orange. Es ist keine Überraschung, dass wir Orange oft sehen, obwohl es fröhlich erscheint wegen der Filme beunruhigend Thema, die Verwendung von Orange fühlt sich oft warnender, irritierender. Auf der anderen Seite haben wir in diesem Musikvideo Orange verwendet, um das energetische Feld des Songs und des Videos zu ergänzen. 20. Drehort: Die Wahl des richtigen Standorts ist ein wichtiger erster Schritt, um sicherzustellen , dass Ihr Film oder die Szenen innerhalb des Films über das Rakefile verfügen. Und wenn Sie die ArrayLocation wählen, alles danach, es ein bisschen einfacher. Ganz zu schweigen von billiger, vor allem, wenn es um Setdekoration geht. Was fühlst du, wenn du verlassene Häuser und Hintergassen siehst? Persönlich bekomme ich den Eindruck von Gefahr. Inzwischen fühlt sich das Sitzen zu Hause auf der Couch sehr sicher an. Klassenzimmer sind langweilig, während Spielplätze Spaß machen. Die Gefängnisse sind geordnet und die Inhalte sind chaotisch. Schlafzimmer oder persönliche Büros oder formale. Strände und Wälder sind friedlich und langsam. Zwischenzeit fühlen sich Städte beschäftigt und eilte. Wenn unsere Geschichte ein Gefühl von Freiheit und Abenteuer haben soll, dann macht es nicht wirklich Sinn, drinnen oder in winzigen Räumen zu filmen. Wir wollen draußen filmen, damit wir die ganze Welt sehen können. Wenn wir einen Gefangenenfluchtfilm drehen, dann wollen wir drinnen und in winzigen Räumen filmen, weil wir das Gefühl haben, gefangen zu sein und Klaustrophobie. Für diesen Kurzfilm wollten wir, dass er ein schmutziges und unangenehmes und leicht gefährliches Gefühl hat. Damit die Standorte dazu passen, wählten wir leere Parkplätze, hintere Gassen mit Graffiti und andere vernachlässigte Ecken der Stadt. Sogar das Auto war eine Art Ort. So wählten wir alle schlagen Auto mit Flecken und dicht und Kratzer. Und für dieses Musikvideo wollten wir, dass es eine geschäftige Energie hat. Um das zu bekommen, haben wir am Abend auf belebten Straßen und Kreuzungen der Stadt geschossen , als wir wussten, dass es viel Verkehr und Menschen gibt. Wenn Sie nicht den richtigen Standort bekommen, müssen Sie vielleicht das Projekt ändern, damit es passt. Oder vielleicht finden Sie einen Ort, den Sie absolut lieben und bauen ein Konzept um diesen Standort herum. Für dieses Musikvideo brainstormierten wir viele Ideen. Und am Ende haben wir beschlossen, dass die Band vor der Menge spielen sollte. Und dass die Bandmitglieder versuchen sollten, ein Mädchen zu beeindrucken. Als wir einen Veranstaltungsort fanden, der uns filmen ließ, stellte sich heraus, dass es sich um eine Bar im Kabarett-Stil handelt und es sah toll aus. Statt zu versuchen, es zu ändern und es mehr Rock and Roll aussehen zu lassen, haben wir unsere Idee angepasst, um die Bar zu passen und es bereits zu nutzen. Brillantes Aussehen. Im Wesentlichen war es das freie Produktionsdesign. Um sich an den Standort anzupassen. Wir haben alle Outfits gewechselt, und anstatt dass das Mädchen ein Fan ist, machten wir sie zur Barkeeper. Und wir ändern auch die Farbe und das Lichtdesign von schwarz und weiß zu meist rot, aber mit schwarzen und weißen Akzenten. Am Ende gab die Location ein Video von viel mehr einzigartigen Look und eine Atmosphäre , die den Song viel besser in unsere ursprüngliche Idee passen. Oft, was passieren wird, ist, dass Sie eine gute Lage bekommen, aber es ist nicht ganz perfekt. Und das ist, wenn Setdekoration ins Spiel kommt. Und das werden wir uns in der nächsten Lektion ansehen. 21. Set: Diese Sets in unseren Filmen sollten mit genauso viel Sorgfalt und Detail dekoriert werden wie jeder andere kreative Aspekt im Film. Ein tolles Set macht Ihren Film nicht nur glaubwürdiger, aber wenn es gut gemacht wird, kann auch als stille Art von Charakter fungieren. Jetzt, obwohl Green Screen und CGI immer beliebter und immer weiter fortgeschritten wird. Einige der besten Filmemacher bevorzugen immer noch die bauen ihre Sets und haben sie im wirklichen Leben. Weil es ein Gefühl der Authentizität bietet, mit dem CGI immer noch nicht ganz übereinstimmen kann. Wie sind eingestellt, um zu dekorieren. Es kann dem Publikum schnell den Zeitraum mitteilen. Wenn die Geschichte in einer Stadt oder draußen auf dem Land auf Ackerland stattfindet. Es erzählt auch viel über den Charakter oder die Reichen oder Armen. Sie sind ein Student oder ein Profi. Sind sie organisiert oder sind sie schlampig? Oder Plattensammlung wird zeigen, dass es Musikliebhaber, ausgefallene Elektronik und Autos, Michelle Reichtum und Sport-Erinnerungsstücke gibt. Nun, sie sind offensichtlich ein Sportfan. Stellen wir uns vor, wir drehen ein Interview in einer Studie mit einem schönen großen Eichenschreibtisch und Hunderten von Büchern. Will dieser Raum könnte sehr leicht für einen Professor oder einen Schriftsteller arbeiten. Aber je nachdem, wer dieser Charakter oder wer diese Person ist, wird die Art und Weise ändern, wie wir dieses Set kleiden. Wenn es für einen Professor ist, können wir uns vorstellen, dass der Raum ordentlich organisiert wäre. Der Schreibtisch wäre meist klar, bis auf einen Stapel Papier, vielleicht eine Lampe und vielleicht ein oder zwei Bücher. Aber der Schriftsteller wird, sie würden wahrscheinlich eine lose Seiten und Notizen überall verstreut haben. Mehrere Kaffeetassen oder halb gegessenes Sandwich und ein Dutzend Bücher offen legen. Wenn die Sets überfüllt sind, kann es ein klaustrophobisches Gefühl oder vielleicht eine Gemütlichkeit geben, während ein leerer Raum sich ordentlich anfühlen kann. Aber auch isoliert. Ich habe meinen Freund identifiziert. Also wirklich möchten Sie sagen, eine gute Übung ist es, sich um Ihr Schlafzimmer oder Ihr Haus zu schauen. Sehen Sie, was es sagt darüber, wer Sie als Person sind. Ihre Kollektionen, Ihre Dekorationen, Ihre Bilder, Ihre Möbel. Dieselbe Übung kann gemacht werden, wenn Sie ein Set dekorieren. Denn alles in diesem Set sagt etwas über den Charakter, den Ort und die Zeit. Und alle drei von ihnen können in die Schaffung der Rate fühlen eine Atmosphäre für Ihre Filme gehen. 22. Sound: Bisher haben wir uns in diesem Kurs alles auf Visuals konzentriert, was Sinn macht, weil es das einfachste ist, mit dem wir uns identifizieren können. Wenn wir uns einen Film ansehen und jemandem davon erzählen, erzählen wir ihnen, was wir in dem Film gesehen haben, der alles visuell ist. Aber wir übersehen oft das Audio. Und das Audio ist der wahre Puppenmeister, der unsere Emotionen kontrolliert. Sehen Sie sich einen Film an, der keine Musik hat. Und dann sehen Sie, wie schnell Sie langweilig werden oder sich vom Film trennen. Deshalb können wir das als Filmemacher nicht übersehen, und wir müssen es genauso viel Aufmerksamkeit bekommen wie wir. Die Visuals. 23. Sorge für Stimmung: Zu Beginn eines Films kann Musik die Stimmung innerhalb von Sekunden einstellen, und es ist viel einfacher, es mit Musik und Grafik zu tun. Also, welche Art von Informationen werden wir mit diesen beiden Clips gegeben? Nun, in der ersten, alles, was wir wirklich wissen, ist, dass wir unter Wasser sind. Und in der zweiten gibt es eine Art Bohnen, die verarbeitet werden. Wirklich. Wir haben keine Ahnung, welche Art von Film wir uns ansehen werden. Wir kennen bereits den Modus des Films. Im ersten Beispiel ist es entmutigend, bedrohlich, und im zweiten Beispiel ist es fröhlich und aufregend. Musik wurde schon immer verwendet, um Gut gegen Böse auszudrücken, oder glücklich und traurig, oder legt das Tempo fest, ob es schnell oder langsam ist. Dies sind nur einige Beispiele für die verschiedenen Arten von Emotionen und Atmosphären, die Musik für Ihren Film schaffen kann. Also, was auch immer Sie wollen, Ihr Film haben, Sie müssen die Musik finden, die dazu passt, das Publikum zu engagieren. 24. Der Kuleshov: Um weiter zu beweisen, wie Musik eine Szene beeinflussen und sogar völlig verändern kann. Wir müssen uns zuerst auf die kühle Artefakt-Ebene beziehen. Coolish Gesetz war unser russischer Filmemacher. Und 19-21 gründete er ein Experiment, in dem er einen Mann mit einem neutralen Ausdruck gefilmt hat. Dann arbeitete er die gleiche Aufnahme zusammen mit Mädchen in einem Sarg, einer Schüssel Suppe und einer Frau auf einer Couch. Als diese Bearbeitungen einem Publikum gezeigt wurden, applaudierte das Publikum seine schauspielerischen Fähigkeiten, dachte, er tat einen großartigen Job, verschiedene Emotionen, Traurigkeit, Hunger und Lust zu zeigen . Was das Publikum nicht wusste, war, dass es in jeder Bearbeitung die gleiche Aufnahme war. Das Experiment hat bewiesen, dass ein einzelner Schuss uns eigentlich sehr wenig sagt. Aber wenn zwei Schüsse zusammengesetzt werden, ist das der Schlüssel, um Emotionen zu erzeugen. Oder diese Tränen der Freude oder Traurigkeit. Nun, es kommt darauf an. Wenn sie auf einer Hochzeit sind, ist es Freude. Wenn sie auf einer Beerdigung sind und es Traurigkeit ist. Aber wenn wir einfach auf eine Person schauen, die weint, wissen wir nicht, was es ist. Erst wenn wir ihre Umgebung oder einen zweiten Schuss sehen , verstehen wir die Bedeutung ihrer Tränen. Wir können das kühle Artefakt auch auf Musik anwenden , indem wir verschiedene Musik zu derselben Aufnahme oder derselben Szene hinzufügen. Eine weitere mächtige Technik, die Sie verwenden können, ist, die Musik der Szene gegenüberzustellen. Zum Beispiel, fröhliche Musik während eines Kampfes, dasselbe habend. Und was das tut, ist ein unbehagliches Gefühl für das Publikum zu schaffen , weil Sie sie gegenüber entgegengesetzten Emotionen fühlen. Der Punkt, den ich betonen möchte, ist, dass man nie unterschätzen kann , wie wichtig Ihre musikalischen Entscheidungen sind. Mit der richtigen Musikauswahl können Sie Ihren Film auf die nächste Stufe bringen. Und die falsche Wahl kann Ihr Publikum in die völlig falsche Richtung bringen. 25. Ist die Musik in der Drinnen?: Dies ist ein interessantes Konzept, das wir alle die Filme gesehen haben, aber nicht unbedingt zur Kenntnis genommen haben. Ich brauchte Jahre, um sich dessen bewusst zu sein und die Bedeutung davon zu verstehen. Im Wesentlichen, wenn Musik innerhalb des Films ist, bedeutet das, dass die Charaktere sie hören und wiederum mit ihm interagieren können. Wenn Musik sich außerhalb des Films befindet, z. B. eine Partitur. Das bedeutet, dass nur das Publikum in der Lage, es zu hören. Im Wesentlichen ist die Partitur für das Publikum und Musik im Inneren des Films ist für das Publikum und den Charakter. Und wenn es richtig gemacht wird, eine große Technik darin, von einem zum anderen zu wechseln. Wenn Sie also Musik zu Ihrem Film hinzufügen, wählen Sie nicht einfach einen zufälligen Song aus und werfen ihn mit dem Video hinein und denken, dass das gut genug ist. Sie müssen überlegen, wie soll diese Musik in den Film aufgenommen werden? Und noch wichtiger, Sie möchten darüber nachdenken, wie wird diese Musik die Charaktere und Ihr Publikum beeinflusst. 26. Animieren von Animieren und Cues: Die Kombination von Sound und Musik ist der Schlüssel, um Vorfreude aufzubauen und Ihrem Publikum Hinweise zu geben. Und gerade aus dieser Eröffnungsszene erzählen uns die Musik und die Soundeffekte bereits, dass dieser Film ein aufregender Adrenalinansturm sein wird. Ein weiteres brillantes Beispiel ist der Film Jaws. Jedes Mal, wenn wir diese Partitur hören, wird das Publikum in Erwartung des nächsten Haifangriffs auf Spannung und Angst gesetzt. Und im nächsten Beispiel, oder die Musik hat den gegenteiligen Effekt. Plötzlicher Stopp der Musik kann auch verwendet werden, um die Spannung der Zuschauer zu erhöhen. Aber in diesem speziellen Beispiel, mit dem fröhlichen Gesang zusammen mit dem Verblassen von dunkel zu hell. Es bedeutet ein Ende der Gefahr. Die Verwendung von Soundeffekten kann auch dem Publikum sagen, was außerhalb des Bildschirms passiert. Denken Sie an einen knarrenden Boden. Und das Publikum hört, dass sie wissen, dass jemand entweder im Nebenraum ist oder auf dem Boden darüber spaziert. Und da diese Bäche lauter und lauter werden, weiß das Publikum, dass diese Person immer näher kommt. Bei visuellen Entscheidungen, als Filmemacher konzentrierten sich auf das, was auf der Leinwand ist. Aber wenn wir kreative Entscheidungen für Musik und Sound treffen, müssen wir unser Denken auf das ausweiten, was außerhalb des Bildschirms ist. Als Filmemacher versetzen Sie sich in diese Welt. Was für Dinge würdest du hier sein, was für Dinge würdest du fühlen? 27. Musik oder keine Musik?: Es ist immer eine Überlegung wert, ob eine Szene tatsächlich Musik braucht oder nicht. Wie wir gesehen haben, kann Musik dem Publikum helfen den Ton und die Atmosphäre des Films zu verstehen. Aber dann gibt es Szenen, in denen wir die Musik nicht brauchen, weil sie ablenken kann. So scheint nur eine Konversation, dass wir wollen, dass das Publikum auf den Dialog achtet. So können sie die nächsten Schritte in der Handlung verstehen und wichtige Informationen für das Institut abholen . Kratzer. Also, was ich von Ihnen brauchen werde, ist, diese Fotos für mich anzusehen. Wir kamen und sie müssen wissen, ob einer dieser Männer in die Beschreibung der Menüseite des Parks passt. Und dann gibt es jene Szenen, in denen Musik funktionieren kann, aber auch nur Soundeffekte können arbeiten, um die Emotionen zu schaffen, die wir für das Publikum wollen. Die besten Beispiele dafür sind eine Action-Szenen. Also, wenn Sie feststellen, dass eine Szene funktioniert gut mit Musik oder mit nur Down-Defekten, oder vielleicht eine Kombination aus beidem. Dann ist es eine kreative Wahl, die Sie als Filmemacher entscheiden müssen. Was soll das Publikum fühlen und wie sollen sie das erleben? 28. Die Kraft der Meditation: Unterschätzen Sie niemals die Kraft des Schweigens. Zu oft fühlen neue Filmemacher immer das Bedürfnis, Dialog oder Musik oder irgendeine Art von Audio zu haben . Aber wenn es richtig verwendet wird, ist leise eines der mächtigsten Werkzeuge, die wir zur Verfügung haben. Je nach Kontext kann es Desorientierung oder extremen Fokus und Charakter vermitteln und wichtige Momente hervorheben. Stille zwischen den Charakteren kann Spannung und erhöhte Emotion erzeugen. Wohin bringen Sie mich? Und es mit lauten Szenen oder Musik zu schneiden, kann auch helfen, die Stille und die Wichtigkeit zu betonen. Sie sehen, Silage ist eine großartige Möglichkeit, die Aufmerksamkeit des Publikums zu erregen. Denn was du als Filmemacher getan hast, ist, einen der beiden Hauptsinne wegzunehmen , die das Publikum beim Anschauen eines Films benutzt. Daher haben Sie sie nun gezwungen, sich zu konzentrieren und auf alle visuellen Details zu achten , um zu versuchen, zusammenzufassen, was vor sich geht. Danke, dass Sie zugesehen haben. Ich werde alle in der nächsten Lektion sehen. 29. Schlussbemerkung: Herzlichen Glückwunsch allen. Sie haben das Ende des Kurses erreicht. Und wie Sie sehen können, gibt es so viel mehr, was ins Filmemachen geht , außer nur etwas Ausrüstung einzurichten, Action zu rufen und ein bisschen Schnitt zu machen. Ich hoffe, Sie nehmen die Konzepte, die Sie in diesem Kurs gelernt haben , und nutzen sie, um Ihre Zielgruppe besser anzusprechen. Denken Sie daran, nehmen Sie sich die Zeit, Ihre Filme richtig zu planen und nutzen Sie diese Konzepte, um Ihre Filme auf ein neues Level zu bringen. Nochmals vielen Dank für den Kurs und das glückliche Filmemachen.