Entmystifizierung der Food-Fotografie - Techniken, um in der Social-Media-Landschaft deinen Stil zu finden

1. EINFÜHRUNG: Hallo, mein Name ist Isabelle, und ich bin Autodidakt Food-Fotograf. Wie wir gesehen haben, dass Instagram in den letzten Jahren an Popularität gewinnt, ist die Welt der Lebensmittelfotografie wirklich explodiert. Was einst eine etwas schwer fassbare und geheimnisvolle Welt der redaktionellen Arbeit war, ist nun etwas demokratisiert, ebnete einen Weg für eine ganz neue Generation wirklich vielfältiger und talentierter Geschichtenerzähler. Während wir alle und ziemlich viel tun können, machen Sie ein schnelles Foto von unserem Essen auf unserem iPhone, man muss die Frage anflehen, was für ein gutes Foto macht und können diese Faktoren in eine klare und verdauliche Reihe von Lektionen aufgeschlüsselt werden ? In dieser Skillshare Klasse, die Food-Fotografie entmystifiziert, Tipps und Techniken, um Ihren Stil in einer sich wandelnden Social-Media-Landschaft zu finden, hoffe ich, Einzelpersonen zu befähigen, sich hinter der Kamera sicherer zu fühlen. Wir werden dies erreichen, indem wir Themen im Zusammenhang mit Kamera-Basics, Beleuchtung, Styling und Komposition behandeln. Während etwas Wissen oder Erfahrung mit Lebensmittelfotografie empfohlen wird, ist diese Klasse für alle Fähigkeitsstufen, alles, was Sie brauchen, ist eine Liebe zum Essen und eine Liebe zur Fotografie. Also lasst uns anfangen. 2. Abschlussprojekt: Für Ihr abschließendes Projekt fotografieren Sie ein Unterschriftengericht oder eine Mahlzeit fotografieren Sie ein Unterschriftengericht oder eine Mahlzeit Ihrer Wahl mit zwei bis drei Klassenkonzepten in Ihrem Foto. Der erste Schritt des Prozesses umfasst das Abschließen der Klasse und das Nachdenken über den Inhalt. Was Ihnen am meisten von dem, was beschrieben wurde, abhebt. Versuchen Sie, einige der Konzepte mit einfachen Objekten wie Obst oder Blumen zu üben. Testen Sie verschiedene Winkel, Beleuchtung, Kameraeinstellungen und Eingabeaufforderungen. Als nächstes wählen Sie eine Unterschrift von Lieblingsgericht, Mahlzeit oder Essen zu fotografieren. Dies könnte von Kuchen, Suppe, Pasta, Salate, Sandwiches, et cetera reichen . Sie keine Angst, Ihre Phantasie zu nutzen. Als nächstes entwickeln Sie ein Moodboard auf Pinterest oder Instagram Ihrer Inspiration. Neigt Ihr Stil zu hell und luftig oder launisch und dunkel? Haben Sie in Richtung einer Menge von Aufforderungen oder einem minimalistischeren Stil. Überlegen Sie, ob die stilistische Wahl mit Ihrem Gericht funktioniert oder nicht. Sobald Sie Ihr Moodboard erstellt haben, skizzieren Sie Ihre Szene grob. welchem Winkel möchten Sie fotografieren? Welche Eingabeaufforderungen möchten Sie verwenden? Fotografieren Sie Ihre Szene und bearbeiten Sie optional nach Ihren Wünschen in der Software Ihrer Wahl. Zwei Beispiele sind Adobe Photoshop oder Adobe Lightroom. Veröffentlichen Sie Ihre Arbeit in der Klassengalerie im Quer- oder Hochformat. Sobald Sie Ihr Projekt abgeschlossen haben, stellen Sie sicher, dass Sie mit anderen YouTubern arbeiten. Wenn du bereit bist, lass uns diese Klasse starten. 3. Kameragrundlagen: Willkommen zu Ihrer nächsten Lektion, in der wir über die Grundlagen der Kamera diskutieren werden. Wir werden Themen wie manueller oder automatischer Modus, manueller oder automatischer Fokus, Blende, Verschlussgeschwindigkeit und ISO diskutieren. Lassen Sie uns zuerst über den automatischen versus manuellen Modus sprechen. Auf einer DSLR-Kamera gibt es mehrere verschiedene Modi, die Sie aufnehmen können, von denen zwei automatisch und manuell sind. Der Automatikmodus entscheidet für Sie, wie Blende, Verschlusszeit, ISO und Weißabgleich sein werden, die Themen sind, die wir später ausführlich besprechen werden. Betrachten Sie es fast als die Trainingsräder auf einem Fahrrad. Wie in, es erledigt die meiste Arbeit für Sie. Obwohl dies praktisch sein kann, haben Sie letztendlich weniger Kontrolle über das Ergebnis Ihrer Bilder, was zu einem Mangel an Konsistenz führen kann. Während der manuelle Modus sicherlich mehr Arbeit ist, werden Sie letztendlich mehr kreative Kontrolle haben, es erfordert nur ein wenig zusätzliche Aufmerksamkeit auf die verschiedenen Komponenten Ihrer Kamera. Lassen Sie uns als nächstes über manuelles oder automatisches Fokussieren auf einer Kamera sprechen. Vorderseite der Kamera in der Nähe des Objektivssollte es einen Schalter geben ,der automatisch im Vergleich zum sollte es einen Schalter geben , manuellen Fokus anzeigt, der normalerweise von M im Vergleich zu AF notiert wird. automatische Fokus ist nur das Fokusobjektiv der Kamera für Sie, was für Action- oder Naturaufnahmen praktisch ist. Der Vorbehalt dieser Tatsache ist, dass es sich nicht unbedingt auf die Teile eines Bildes konzentrieren wird, die Sie es wünschen. manuellen Fokussierung hingegen Bei dermanuellen Fokussierung hingegenwird das Fokusobjektiv der Kamera gedreht bis verschiedene Bildpunkte in den Fokus rücken. Auch dies erfordert ein wenig mehr Aufwand, aber letztendlich gibt Ihnen mehr kreative Kontrolle. Die nächste Kamera-Komponente, über die wir sprechen werden, ist Blende. Blende ist die Lichtmenge, die eine Kamera physikalisch einlässt. Man kann es sich als die Pupille des Auges der Kamera vorstellen. Wird erweitert, wenn es helleren Einstellungen ausgesetzt ist, und es wird größer, wenn dunklere Einstellungen ausgesetzt sind. Die Blende wird in Blendenstufen von f-1.4 bis f-22 gemessen . Je höher die Anzahl der Blendenstufen ist, desto weniger Licht lässt die Kamera ein. Im Gegensatz dazu: Je niedriger die Blende ist, desto größer wird die Lichtmenge, die eine Kamera einlässt. Neben Licht wirkt sich die Blende auch auf die Schärfentiefe aus. Niedrigere Blendeneinstellung entsprechen einem flachen Fokusfeld, was bedeutet, dass weniger Bild klar ist. Zum Beispiel, wenn wir uns dieses Bild hier ansehen, gibt es nur einen kleinen Punkt, der klar ist. Im Gegensatz dazu führt eine höhere Blendeneinstellung zu einem tieferen Fokusfeld, was bedeutet, dass mehr ein Bild klar ist. Für vollständige Fotografiezwecke der Sweet Spot für Blende liegt der Sweet Spot für Blendeirgendwo zwischen f-4 und f-8, wobei höhere Bereiche für Overhead-Aufnahmen empfohlen werden. wird es einige Variationen geben, wie Sie die Blende anpassen Je nach Kameramodellwird es einige Variationen geben, wie Sie die Blende anpassen. Achten Sie also darauf, dass Sie sich das Handbuch für Ihre individuelle Kamera ansehen. Das nächste Thema, das wir behandeln werden, ist Shutterspeed. Shutterspeed entspricht, wie Blende, auch der Lichtmenge, die eine Kamera einlässt, sondern der Zeitraum, in dem der Verschluss geöffnet ist, bevor die Kamera ein Bild aufnimmt. Je nach Modell Ihrer Kamera kann die Shutterspeed von einer Achtelsekunde bis zu einer Fünfhundertstelsekunden reichen. Aber eine gute Reichweite für Lebensmittelfotografie, liegt irgendwo zwischen einer Sekunde und einer zweihundertstel Sekunde, je nachdem, wie hell Ihre Lichtquelle ist. Für Action-Shots wird eine höhere Shutterspeed empfohlen, da Sie letztendlich ein klares und schärferes Bild erhalten. Wenn Sie eine niedrigere Shutterspeed verwenden möchten, würde ich empfehlen, ein Stativ zu verwenden, da es hilft, einige dieser Bewegungsunschärfe zu mildern, die Sie bekommen könnten, wenn Sie freie Hand schießen würden. Das letzte Thema, das wir diskutieren werden, das sich auf die Grundlagen der Kamera bezieht, ist ISO. ISO ist eine Kameraeinstellung, die anpasst, wie empfindlich eine Kamera gegenüber Licht ist. Mit anderen Worten, es kann ein Bild aufhellen oder verdunkeln. Je höher die ISO-Zahl ist, desto heller wird ein Bild. Hohe ISO-Bereiche können für Nachtbilder verwendet werden, zum Beispiel, wenn Sie ein Stadtbild oder so etwas fotografieren würden. Aber je höher die ISO ist, desto mehr Körnung wird ein Bild haben. Mit Fotografie sollte ISO irgendwo zwischen 160 und 400 liegen. Überprüfen Sie erneut Ihr individuelles Kamerahandbuch, um festzustellen, wie Ihre ISO angepasst werden soll. Lassen Sie uns kurz einige der Themen im Zusammenhang mit Kameragrundlagen besprechen. Wir sprachen zuerst über den manuellen oder automatischen Modus und wie der manuelle Modus für mehr kreative Flexibilität sorgt. Anschließend diskutierten wir den manuellen und automatischen Fokus und das Targeting der Teile des Bildes, auf die Sie fokussieren möchten. Als nächstes diskutierten wir Blende, und wie es Licht induktives Feld beeinflusst. Wir haben auch Shutterspeed diskutiert und wie es sich auch auf das Licht auswirkt, das eine Kamera aufnimmt. Schließlich diskutierten wir ISO und wie es sich auf die Lichteinstellungen einer Kamera auswirkt. 4. Beleuchtung: Willkommen zu Ihren nächsten Lektionen. Wir werden über die Beleuchtung diskutieren. Für die Zwecke dieser Klasse werden wir nur über natürliche Lichtquellen diskutieren. Wenn Sie momentan mit künstlichen Lichtquellen fotografieren oder nach einer entsprechenden Klasse suchen, daran, dass Sie vorwärts gehen. In den nächsten Lektionen wird erläutert, warum Sonnenlicht als primäre Lichtquelle in der Lebensmittelfotografie, direkt im Vergleich zu indirekten Lichtquellen, Seitenbeleuchtungseinrichtungen und Hintergrundbeleuchtung verwendet werden soll Sonnenlicht als primäre Lichtquelle in der Lebensmittelfotografie, direkt im Vergleich zu indirekten Lichtquellen, . Vielleicht fragen Sie sich, warum Sie Sonnenlicht als primäre Lichtquelle in der Lebensmittelfotografie im Vergleich zu regulären Deckenbeleuchtung in Ihrem Haus verwenden sollten. Ein Teil davon hat mit der relativen Intensität des Sonnenlichts im Vergleich zu einer herkömmlichen Haushaltsglühbirne zu tun . Während die Glühbirne etwa 800 Lumen Licht liefert, liefert die Sonne durchschnittlich 9.800 Lumen Licht pro Quadratmeter auf einer senkrechten Fläche. Daher liefert das Sonnenlicht viel größeres Licht, was letztlich zu einem besser beleuchteten Bild führt. Zusätzlich zu dieser Tatsache neigen die meisten Glühbirnen dazu, vor allem, wenn sie fotografiert werden, eine gelbe oder blaue Tönung abzugeben. Sonnenlicht wirkt eher neutraler und hat einen natürlicheren Weißabgleich. Unser nächstes Thema behandelt direkte versus indirekte Lichtquellen und deren Zweck in der Lebensmittelfotografie. Direkte Lichtquellen sind solche, die ihre Strahlen direkt auf die Szene oder das Objekt strahlen oder sich im direkten Pfad des Objekts oder der Szene befinden , das Sie fotografieren oder beobachten. Für die Fotografie führt dies zu scharfen Schatten und Glanzlichtern und leuchtenden Farben und einem guten Kontrastgefühl. Dies kann sicherlich eine schöne und effektive Wahl für Dinge wie Getränke sein, kann aber manchmal ein Bild überwältigen, nur in Bezug darauf, wie hart die Lichter und Schatten sein können. Im Gegensatz dazu beinhaltet diffuses Licht die Streuung von Licht, so dass eine Szene indirekt beleuchtet wird. Dies kann in der Natur geschehen, beispielsweise an einem bewölkten Tag oder durch den Einsatz eines Fotodiffusors an hellen und sonnigen Tagen. Für die Lebensmittelfotografie wird in der Regel ein gewisses Maß an Diffusion verwendet, da es dazu neigt, Objekte klar und sauber zu beleuchten. Aber denken Sie daran, beide Methoden der Beleuchtung können sicherlich verwendet werden , es hängt nur von der stilistischen Wirkung, die Sie gehen für. Unser nächstes Thema wird sich mit Seitenbeleuchtung und Hintergrundbeleuchtung befassen. Side Side beinhaltet die Einrichtung einer Fotoszene parallel zu einem Fenster, so dass das Licht in die Seite des Essens strömt, was ein dynamisches Gefühl von Glanzlichtern und Schatten erzeugt. Ein weiteres Beleuchtungs-Setup ist die Hintergrundbeleuchtung. Hintergrundbeleuchtung ist eher eine fortschrittliche Beleuchtungstechnik, beider Ihre Fotoszene vor Ihrem Fenster oder Lichtquelle platziert der Ihre Fotoszene vor Ihrem Fenster oder wird, was einen dramatischen und stimmungsvollen Effekt erzeugt. Hintergrundbeleuchtung wird oft für dramatische Drink Shots verwendet, aber auch hier, seien Sie vorsichtig, wenn Sie diese Technik verwenden, da sie manchmal die Szene überwältigen kann , nur in Bezug darauf, wie dunkel die Schatten erscheinen können. Bedingungen für die Bestimmung, welche Tageszeiten am besten zu fotografieren sind, würde ich empfehlen, ein einfaches Element wie einen Apfel zu verschiedenen Tageszeiten zu fotografieren und die Unterschiede zu beobachten. Lassen Sie uns überprüfen. Wir sprachen zuerst darüber, warum Sonnenlicht in der Lebensmittelfotografie verwendet werden sollte, wir sprachen über die Unterschiede zwischen direkten und indirekten Lichtquellen, und schließlich sprachen wir über zwei verschiedene Beleuchtungseinrichtungen, einschließlich Seiten- und Hintergrundbeleuchtung. 5. Komposition: Willkommen zu den nächsten Lektionen, die sich auf die Komposition oder das Gesamtlayout oder die Anordnung Ihrer Szene beziehen . Einige der Themen, die wir diskutieren werden, sind die verschiedenen Kamerawinkel, wie die Overhead-Aufnahme, die 45-Grad-Winkelaufnahme und die direkte Aufnahme, sowie einige Regeln der Komposition, wie die Regel von Dritteln, und das goldene Dreieck Regel. Lassen Sie uns zuerst den Überkopfschuss besprechen. Overhead-Aufnahmen beinhalten Aufnahmen direkt über Ihrer Szene. Dies kann durch freie Hand oder durch die Verwendung eines Stativ- oder Schlüsselständers erreicht werden. Wie bereits erwähnt, wird eine höhere Verschlusszeit und Blende generell empfohlen, bevor Sie einige Bewegungsunschärfe minimieren und die Details Ihrer Szene adäquat erfassen . Overhead-Aufnahmen arbeiten in der Regel für etwas flache Objekte. So etwas wie ein Salat, gegen Objekte mit Höhe wie ein Sandwich. Da Overhead-Aufnahmen manchmal flach lesen können, können Textur und Bewegung durch Layering-Prompts und Einführung von Kurven eingeführt werden, die einige der Themen sind, die wir ein wenig später diskutieren werden. Der nächste Kamerawinkel, über den wir sprechen werden, ist der 45-Grad-Winkel. So werden 45-Grad-Winkelaufnahmen in einem Winkel zwischen Overhead und gerade auf Schüssen aufgenommen. Infolgedessen ermöglichen sie eine größere Dimension in einem Bild. So werden 45-Grad-Winkelaufnahmen häufig zum Fotografieren von Getränken verwendet, wie Sie sehen können, sowohl das Profil als auch die Oberfläche des Objekts, was für einen schönen visuellen Kontrast ermöglicht. Der nächste Kamerawinkel, über den wir sprechen werden, ist die direkte Aufnahme. Bei der Straight-On-Aufnahme werden in einem 90-Grad-Winkel oder parallel zum Profil des Objekts fotografiert. Dies funktioniert am besten für größere Objekte wie Sandwiches oder Burger, da es wirklich die vertikale Höhe von Lebensmitteln zeigen kann. Dies könnte auch für Dinge wie Brownies oder Poffies funktionieren. Nachdem wir nun über Kamerawinkel gesprochen haben, besprechen wir schnell zwei wichtige Regeln der Komposition, die Regel der Drittel und die goldene Dreiecksregel. Die Drittelregel ist eine klassische kompositorische Richtlinie, die die Visualisierung von zwei horizontalen und zwei vertikalen Linien beinhaltet, die ein Gitter bilden, die ein Bild in Drittel zerbrechen, mit der Idee, dass die Punkte von Interessen für ein Bild, sollte an den Schnittpunkten der Linie auftreten. Die nächste kompositorische Regel, über die wir sprechen werden, ist die goldene Dreiecksregel. Die goldene Dreiecksregel funktioniert von der gleichen Idee wie die Drittelregel. Grundsätzlich, dass die Punkte von Interesse eines Bildes, sollte an den Schnittpunkten der Linien auftreten. Anstelle eines Rasters umfasst die Regel jedoch vier Dreiecke, die auf einer Diagonale festgelegt sind. Während beide Regeln hilfreich sind, um ein kompositorisch ausgewogenes Bild zu erstellen, müssen Sie keineswegs jedes Mal ein Raster ausdrucken, wenn Sie ein Foto machen möchten. Sie sind jedoch hilfreich bei der Visualisierung eines Themas, vor allem, wenn Sie Ihre Ideen zum ersten Mal skizzieren. Lassen Sie uns schnell einige der Themen, über die wir im Zusammenhang mit der Komposition gesprochen haben, überprüfen. Wir sprachen zuerst über einige der verschiedenen Kamerawinkel, und einige allgemeine Faustregeln für die Verwendung, dann diskutierten wir die Regel der Drittel und wie es funktioniert, um ein gut zusammengesetztes Bild zu erstellen, und schließlich diskutierten wir die goldene Dreiecksregel, und einige der Ähnlichkeiten mit der Regel der Drittel. Wir sehen uns in der nächsten... 6. Styling: Willkommen zu Ihrer nächsten Lektion, in der wir das Styling besprechen werden. Einige der Themen, die wir behandeln werden, sind S-Kurven, C-Kurven, Schichtung von Requisiten und schließlich, Beschichtungsspitzen und -techniken. Lassen Sie uns zuerst die S-Kurve besprechen. Erstellen von Kurven in der Fotografie, ist eine Möglichkeit, dass Sie ein nahtlos aussehendes Bild erstellen können. Ein Beispiel dafür schließt die S-Kurve ein. Diese Styling-Technik beinhaltet das Anordnen von Requisiten oder Objekten in die raue Form einer S. S-Kurven ziehen wirklich das Auge in ein Bild erzeugen ein Gefühl von Bewegung und Definition. Dies kann wirklich gut in Overhead-Aufnahmen funktionieren, indem sie wieder dieses Gefühl von Bewegung erzeugen, aber es kann auch wirklich gut in geraden oder 45-Grad-Aufnahmen funktionieren, in Bezug auf das Spielen mit Ihren Vordergrund- und Hintergrundelementen. Die nächste Kurve, die wir diskutieren, ist die C-Kurve. Auch hier sind C-Kurven eine weitere Styling-Technik und ähneln S-Kurven in Bezug auf Bewegung. C-Kurven rahmen jedoch eher ein Bild oder Motiv und können ein Gefühl der Schließung erzeugen. Beispiel: Die Objekte, die in einem C angeordnet sind, rahmen die Ecken eines Bildes ein und stellen auch einen schönen Kontrast zum negativen Raum auf der rechten Seite dar. Gehen wir zu unserem nächsten Thema, Requisiten und Layering. Requisiten, auch bekannt als Teller, Schalen, Servietten, etc., können an die Set-Stücke gedacht werden, die wirklich helfen, ein Bild zum Leben zu erwecken. Denken Sie jedoch daran, dass Sie wirklich keine Million teure Stücke brauchen, um ein schönes Bild zu machen. Vielmehr kann nur eine durchdacht platzierte Schüssel oder Platte einen enormen Aufprall erzeugen. In Bezug auf die Requisiten zu verwenden, denke ich, ein guter Ausgangspunkt wäre ein Teller, eine Schüssel, ein Satz Besteck, eine Serviette und optional ein Glas. Um ein Gefühl von Kontinuität, Bewegung und Textur zu schaffen , kann Schichtung in Ihre Requisiten eingeführt werden. Dies kann geschehen, indem Sie eine Schüssel auf einen Teller stapeln, eine Serviette um Ihre Schüssel wickeln oder verschiedene Zutaten oder Elemente überlappen. Was die Kulissen angeht, ist der Himmel wirklich die Grenze. Einige der Kulissen in meinem Arsenal sind eine endgültige gedruckte Kulisse, ein paar DIY Putz-Kulissen, eine DIY Holz-Kulisse und sogar eine Leinentischdecke. Andere Kulissen gibt es auf dem Markt, von mehr Vinyl gedruckte Option, Holz im Hintergrund, und sie kommen auch in einer Vielzahl von Preispunkten als auch. Unser letztes Styling-Thema bezieht sich auf Beschichtungstipps und -techniken. Beachten Sie, dass die Verwendung von Kurven auch auf Beschichtungstechniken angewendet werden kann, wie in diesem Bild hier zu sehen. Aber eine andere Beschichtungstechnik ist das Auffächern von Gemüse oder Zutaten auf Ihrem Teller oder Schüssel, wie zum Beispiel mit Artikeln wie Äpfeln, Birnen, Avocados, Radieschen, etc.. Dazu gehört, dass Sie Ihr Obst oder Gemüse fein schneiden und die Oberfläche sanft nach unten drücken, um ein fächerähnliches Muster zu erstellen. Das Auge wird natürlich von Mustern und Geometrie angezogen, was nur einer der Gründe dafür ist, warum dies eine wirklich effektive Plattierungstechnik ist. Eine andere Sache, die Sie beim Plattieren beachten sollten, ist einen weißen Raum in der Platte oder Schüssel zu ermöglichen, anstatt das Gefäß bis zum Rand zu füllen. Dies ermöglicht einen gewissen visuellen Kontrast, gibt aber auch ein natürlicheres Gefühl des Gleichgewichts und auch der Skalierung. Mit diesem Thema Geometrie und Muster sind Swoops und Wirbel eine weitere Beschichtungstechnik für Dinge wie Saucen oder Frostings. Dies beinhaltet das Hinzufügen eines Dollop des Gegenstands auf Ihre Platte, und ziehen Sie diesen Spin sanft durch ihn, um eine subtile C-Form zu erzeugen. Lassen Sie uns einige der Themen im Zusammenhang mit Styling überprüfen. Wir sprachen zuerst über einige der verschiedenen Kurven und wie sie zu einem Gefühl der Bewegung in einer Szene beitragen, dann diskutierten wir, wie man eine Requisitensammlung aufbaut und warum Layering-Elemente zu einem wunderschön gestalteten Bild beiträgt, und wir diskutierten schließlich einige Beschichtungstechniken und wie sie zu einem erfolgreichen Foto beitragen. Wir sehen uns im nächsten Video. 7. SCHLUSSBEMERKUNG: Wir haben es bis zum Ende unserer Lektionen geschafft. Herzlichen Glückwunsch, ich hoffe, Sie haben viel gelernt. Aber bevor wir uns trennen, lassen Sie uns schnell einige der Themen besprechen, wir gingen in dieser Klasse über. Wir sprachen zuerst über die Grundlagen der Kamera und berührten den manuellen oder automatischen Modus auf einer DSLR-Kamera. Wir sprachen auch über manuelles und automatisches Fokussieren, und wir berührten Blende, Verschlusszeit und ISO. Machen Sie sich mit den verschiedenen Kamera-Komponenten vertraut macht wirklich einen großen Unterschied in der Gesamtqualität, der Bilder, die Sie auswählen werden. Achten Sie darauf, Ihre individuelle Kamerahandbuch zu überprüfen , um zu verstehen, wie Sie diese Anpassungen vornehmen können. Als nächstes sprachen wir über Beleuchtung, insbesondere, warum Sonnenlicht als primäre Lichtquelle verwendet werden soll. Wir sprachen auch über direkte versus indirekte Lichtquellen, was der Unterschied zwischen diesen beiden ist. Schließlich diskutierten wir zwei verschiedene Beleuchtungseinrichtungen, Seitenbeleuchtung und Hintergrundbeleuchtung. Wieder haben wir Ihnen einige Beispiele dafür gegeben, wie das aussieht, einige der Unterschiede und einige Rollen von ihnen. Wir diskutierten dann die Komposition, insbesondere die verschiedenen Kamerawinkel, einschließlich der Overhead-Aufnahme, der Straight-on-Aufnahme und der 45-Grad-Winkelaufnahme. Wir sprachen auch über zwei verschiedene kompositorische Regeln, einschließlich der Drittelregel und der goldenen Dreiecksregel. Indem Sie diese grundlegenden kompositorischen Theorien verstehen, Sie wirklich in der Lage sein, einige der Gastarbeiten zu reduzieren, die bei der Anordnung Ihrer Szenen beteiligt sind, was wirklich dazu beitragen wird, Ihren Fotografieprozess zu rationalisieren. Schließlich diskutierten wir über Styling. Wir sprachen über einige verschiedene Tipps und Techniken, Bezug auf die Verwendung von Kurven, insbesondere die S-Kurve und die C-Kurve, und wie sie wirklich helfen, Bewegung und Geometrie zu schaffen, in Ihren Bildern, etwas, das wirklich optisch ansprechend für das menschliche Auge. Wir sprachen auch über Beschichtungstipps und -techniken, Requisitenauswahl und Requisitenschichten. Styling hilft wirklich, die Geschichte des Gerichts, des Objekts oder sogar des Porträts, das Sie fotografieren möchten, zuerzählen oder sogar des Porträts, das Sie fotografieren möchten, zu Daher ist es wirklich hilfreich, einige dieser Techniken in Ihrem Werkzeuggürtel vorwärts zu haben. Nächste Schritte, stellen Sie sicher, dass Sie Ihr Projekt in der Klassengalerie teilen, und lassen Sie jedes Feedback, das Sie für mich haben. Ich freue mich wirklich darauf, von Ihnen zu hören. Wenn Sie mehr von meiner Arbeit sehen möchten, finden Sie mich @the_balancedapron auf Instagram, oder Sie finden mich auf der ausgewogenen Schürze auf Pinterest, und schließlich, Sie finden meine Website unter www.thebalancedapron.com. Dort teile ich Rezepte, Sie können einige meiner Blog-Beiträge sehen, sowie mein Portfolio an Arbeit. Abschließend hoffe ich wirklich, dass diese Klasse Sie befähigt hat, sich hinter der Kamera wohler zu fühlen, zu verstehen, was in ein schönes Essen Bild geht, und auch inspiriert werden, Ihren einzigartigen Stil zu finden. Jedes Mal, wenn Sie fotografieren, ist es eine Gelegenheit, etwas Neues zu lernen, zu sehen, was gut gelaufen ist, zu sehen, was vielleicht nicht gut gelaufen ist, und wenden Sie das auf Ihre Arbeit voran. Wirklich gut gemacht, und ich freue mich darauf, jedes Projekt zu sehen.