Einführung in das Storyboarding für Animation

1. KURSEINFÜHRUNG: Hallo allerseits. Mein Name ist Re Ginger, ich bin Collin. Ich bin ein Feature-Story-Künstler, der derzeit bei Netflix Animation Studios arbeitet. Dieser Einführungskurs zum Thema Storyboarding konzentriert sich auf die Grundlagen des Storyboardings als eine Form der visuellen Kommunikation und Animation. Der Kurs behandelt grundlegende Konzepte der Kamerabearbeitung, -zeichnung und wie sich alles auf Storyboarding bezieht. Dieser Kurs ist für diejenigen unter euch, die absolute Anfänger sind, das Storyboarding. Sie müssen sich also keine Sorgen machen, teure Software oder Hardware einfach ist. Stift und Papier werden völlig gut funktionieren. Aber wenn Sie Software und Hardware haben, ist das auch in Ordnung. Sie sollten an diesem Kurs teilnehmen, wenn Sie nicht viel Zeit haben, aber dennoch wirklich wichtige Informationen von jemandem erhalten möchten wirklich wichtige Informationen von , der in der Branche arbeitet. In diesem Kurs erhalten Sie kleine Aufgaben, die auf die grundlegenden Fähigkeiten abzielen , die Sie benötigen, um zur Advanced Study of Storyboarding überzugehen. Ich habe diesen Kurs mit der Hoffnung zusammengestellt, Ihnen so viele Informationen wie möglich zu geben. Und ich freue mich sehr darauf, dass du es erlebst. Also lasst uns anfangen. 2. 1 Einführung in das Storyboarding: Okay allerseits, willkommen wieder bei Einführung in das Storyboarding mit mir Ridge und Jerome Cohen. Und ich bin so froh, dass ihr an diesem Kurs teilnimmt. Und ich hoffe, dass Sie von dieser Klasse lernen und Ihr Storyboard und Ihre Fähigkeiten verbessern werden . Dies ist eine wirklich grundlegende Einführung in alles Storyboarding. Wenn Sie also fortgeschrittener sind, würde ich empfehlen , dass Sie diese Klasse überspringen und zu den anderen Klassen übergehen. Das bin nur ich gebe Ihnen eine schnelle Einführung in das Storyboarding. Also lasst uns sofort darauf eingehen. Wir werden über das, was, das Warum, das Wie, das Wo und das Wer des Storyboardings sprechen, oder? Was ist Storyboarding für diejenigen, die das wissen , mag eine kleine Vorstellung davon haben was es für diejenigen ist, die vielleicht nicht einmal wissen, was es ist, aber es ist nur neugierig auf Storyboarding. Grundsätzlich ist Storyboarding Teil des Produktionsprozesses und erstellt Fernsehsendungen, Filme, Spiele, Dinge, Storytelling, visuelle Geschichtenerzähler und Produktionen. Was es ist im Grunde genommen die Planung, die filmische Sprache zu verwenden, um ihre Geschichte zu erzählen und der Regisseurin oder den Geschichtenerzählern zu helfen , sich vorzustellen, wie der Film ihrer Meinung nach aussehen würde. Es ist auch eine Möglichkeit, Skripte zu visualisieren. Und so sehen die Künstler, Kinder und die Regisseure sehen, wie ihre Vision zustande kommt. Welche Änderungen könnten vorgenommen werden, um Zeit zu sparen und Geld im Produktionsprozess zu sparen. Wie erstelle ich Storyboards? Im Grunde genommen brauchen Sie für diesen Kurs nur, dass Sie entweder traditionell oder digital werden können. Es spielt keine Rolle. Du könntest einen Stift oder Bleistift und ein Stück Papier benutzen, so ziemlich es oder ein Skizzenbuch, oder? Wenn Sie digital arbeiten, benötigen Sie möglicherweise digitale Zeichensoftware. Wir hätten Photoshop oder European oder irgendeine dieser Software, oder? Sie können auch eine kostenlose Software namens Storyboard verwenden, die ich empfehle, weil es eine wirklich gute Entwicklungssoftware handelt, die absolut kostenlos ist und nur ich bin. Und für das Storyboarding ist das das Zeug, mit dem Sie Storyboards erstellen können . Warum also Storyboards erstellen? Und ich habe das irgendwie durchgegangen und das vorherige, wie unsere Storyboards, warum wir Storyboard erstellen, ist es, Zeit zu sparen, Geld zu sparen und die Vorschau Ihrer Geschichte zu helfen , ist so ziemlich Storyboards so eine Zeitersparnis und sie helfen bei der Produktion und sie füllen, damit Sie keine Zeit verschwenden. Man wird aber nicht zu sehr gestresst. Denn stell dir vor, du kreierst einen Film und weißt nicht, worum es in dem Film geht und du gehst einfach rein und fängst an, ihn zu machen. Und du bist fast fertig und dann entscheidest du, weißt du was, diese ganze Sache funktioniert nicht. Aber wenn Sie es und Storyboards getan hätten, hätten Sie die Probleme mit der Geschichte gesehen und Sie müssen sie beheben ohne so viel Zeit und so viel Geld für die Produktion aufzuwenden . Wer Storyboards erstellt , um Storyboards für spezielle Leute zu erstellen, erstellt Storyboards. Nun, ja, Leute, die Storyboards erstellen , werden Storyboard add genannt. Um ein Storyboard-Künstler zu sein, benötigen Sie eine bestimmte Reihe von Fähigkeiten. Und über diese Fähigkeiten, über die wir in den zukünftigen Klassen sprechen werden. Dies sind die Fähigkeiten, die Sie erlernen werden. Das wirst du sein, du musst eine gute Skizze sein. Sie müssen ein guter Geschichtenerzähler sein, müssen ein guter Schriftsteller, ein guter Leser, eine gute Analyse- und Analyseperson sein . Und du wirst, du wirst viele Fähigkeiten brauchen , um ein Storyboard-Künstler zu sein. Du musst auch Regisseur sein. Sprechen wir also über einen Storyboard-Künstler. Und ich zeige euch etwas von dem Storyboard-Künstler, zu dem ich nach Inspiration suche. Und sie arbeiten schon so lange in der Industrie und haben an erstaunlichen Produktionen gearbeitet. Wir beginnen mit Brenda Chapman, denn Brenda Chapman ist derzeit eine der führenden weiblichen Geschichtenerzählerinnen in der Branche. Und ich hatte das Glück, sie bei einer Präsentation zu treffen , die sie über die Arbeit dort in der Branche hielt. Und zu dieser Zeit wusste ich nicht wer sie war. Und als ich eine Präsentation darüber sah , wer Brief und Prinz von Ägypten besitzen kann, war ich so erstaunt über die Arbeit, die sie geleistet hat. Und ich war so fasziniert und musste wirklich mehr über sie erfahren. Und dann lese ich so viel mehr über sie und merke, dass sie in der Industrie gearbeitet hat. Wir sind seit langem zurück und der Löwenkönig Tage zurück in den Rettern stehen bei Disney nicht unter. Und ich würde dringend empfehlen, dass Sie sich ihre Arbeit ansehen, wenn Sie noch nichts von Brand und Chapman gehört haben. Eine andere Person, die Sie sich ansehen sollten , ist Chris Sanders. Sein berühmtestes Werk. Ich denke, dass es Leila ein Stich sein würde, aber er hat auch mit Disney und anderen Produktionen wie Moulin und The Lion King zusammengearbeitet . Und du siehst hier, sind einige seiner Storyboards. Er hat einen wirklich einzigartigen Skizzierstil und sein, sein ganzes Aussehen und wie er, wie er zeichnet, ist wirklich einzigartig und ich empfehle Ihnen absolut, ihn zu überprüfen. Ein weiterer Grid-Storyboard-Künstler ist Dean Day Bullet. Wahrscheinlich Mobber. Dieser Name, aber er ist erstaunlich. Ich habe ihn entdeckt, während ich einige Nachforschungen über Mailand und die Produktion außerhalb von Mailand anstellte. Und ich war so erstaunt über die Storyboards. Es war so gut verarbeitet, dass sie so gut Flüssigkeiten haben. Und und seine Art seiner Zeichnungskunst war so erstaunlich. Dies sind nur einige seiner Bretter, die ich für mein Buch abziehen konnte. Habe ich schon. Und wenn Sie noch nichts von Dean gehört haben, empfehle ich Ihnen dringend, sie zu überprüfen. Ich empfehle dir, dir all diese Typen anzuschauen und einige von euch zu beherrschen. Der einzige Weg, wie Sie wahrscheinlich nicht wissen, wie Sie mich als Zaki einstellen möchten, ist, wenn Sie wirklich, sehr jung sind und keine Ahnung von einer Abstimmung, einer Abstimmungsanimation oder so haben . Weil hoch muzak, Es ist auf der ganzen Welt als einer der größten Geschichtenerzähler bekannt , größten Regisseure erwägen sogar, viele Leute zu kaufen. Er hat morgens an Druckern gearbeitet, okay, Spirited Away. Und so viel mehr erstaunliche Filme. Er ist eigentlich einer meiner Lieblingsregisseure und einer meiner Lieblings-Storyboard-Künstler. Jetzt ist das Einzigartige an Jaime und Zackie Storyboards, dass er eigentlich nicht mit einem Drehbuch arbeitet. Er arbeitet organisch mit der Geschichte und er hat gerade gekauft und bearbeitet. Und er fühlt, dass die Geschichte wächst und sich verändert. Und er, im Gegensatz zu Disney, wo sie aus einem Drehbuch arbeiten und mehrere Künstler als Team zusammenarbeiten , das so effektiv ist. Miyazaki hat tatsächlich das Loch. Er stellt sich den ganzen Film und als meins vor und portiert dann den gesamten Film. Und manchmal beendet er das Storyboard nicht einmal und entfernt es, bevor die Produktion beginnt. Die Produktion beginnt und manchmal weiß er nicht einmal, wie der Film enden würde. Wenn Sie also aus irgendeinem seltsamen Grund keinen von Miyazaki-Filmen gesehen haben und das müssen Sie sich seine Filme ansehen. Sie müssen Audit-Storyboards überprüfen und einige Nachforschungen darüber durchführen. Das bringt mich also für euch zu den Ständen . Ich weiß das, dieser Einführungskurs ist wirklich, sehr kurz. Ich möchte nur, dass ihr tatsächlich etwas über diese Liste von Storyboard-Künstlern recherchiert , die ich hier dargelegt habe. Es gibt so viele großartige Storyboard-Künstler jetzt in der Branche arbeiten. Und jedes Mal, wenn ich sehe, dass sie arbeiten, werde ich immer dazu inspiriert, es besser zu versuchen, besser zu versuchen, ein besserer Storyboard-Künstler zu sein , der als besserer Geschichtenerzähler begraben ist . Ich empfehle immer, dass man sich viele Künstler anschaut, sind eine Vielzahl von Künstlern. Egal, egal ob Ihnen die Geschichten, die sie erzählen, nicht mögen, wenn Sie die Geschichten mögen, die sie erzählen, ihre Arbeit und antike Inspiration analysieren und von ihnen lernen. Schwule Leute, das war die erste Klasse von der Einführung bis zum Storyboard, Storyboarding mit mir. Und ich hoffe, dass du zur nächsten Klasse übergehst und dich auf die nächste Klasse freust. 3. 2 So zeichnet man Storyboards: Alles klar Leute, willkommen, um zwei Storyboarding mit mir zu unterrichten, Raj. In dieser Lektion werden wir darüber sprechen, wie man für Storyboards zeichnet, die Storyboarding sind. Und es gibt einen bestimmten Weg , wie Sie wissen müssen, wie eine bestimmte Denkweise zeichnen können , die Sie für eine Zeichnung haben müssen. Und wir werden meinen Akzent durchgehen und diese Techniken in dieser Lektion durchgehen. Also lasst uns gleich dran sein. Also hier haben wir, mal sehen, wir werden ein paar Storyboards für eine Live-Action machen oder animiert. Klar, wir haben diese drei Charaktere hier. Wenn Sie nun Storyboards zeichnen, müssen Sie in der Lage sein, sehr schnell zu zeichnen und Fristen einzuhalten. Und Sie müssen oft viele Änderungen vornehmen, weil das Direct die Sequenz nicht mag und er möchte, dass Sie es melden oder aus einem anderen Grund. Deshalb werden Sie, wenn Sie Storyboards machen, Ihre Illustrationen oder Skizzen nicht mit vielen Detaillierungen erstellen. Es gibt also eine Menge kurzes Handskizzieren, Storyboarding. Und ein Jahr, wenn Sie einen Charakter zeichnen oder versuchen, versuchen Sie , die geringste Anzahl von Linien zu erhalten , um diesen Charakter darzustellen. Und Sie müssen immer noch in der Lage sein, wenn jemand die Skizze sieht, immer noch wissen, welchen Charakter sie skizziert. Also mache ich hier ein paar schnelle grobe Skizzen dieser drei Leute. Und ich möchte dir zeigen, wie ich es angehe. Für das Mädchen ziehe ich nur die Proben und zeichne einen Strichmännchen, richtig, um sie darzustellen. Und dann füge ich einfach die Funktionen hinzu, von denen ich denke, dass wir uns davon abzeichnen , wer sie auf diesem Bild ist. Ich werde es einfach hier hinzufügen und das ist es so ziemlich für sie. So würde ich sie in ein Storyboard zeichnen. Für diesen Kerl hier drüben. Wenn ich sie zeichne, zeichne ich die gleiche schnelle Skizze, Strichmännchen. Und aber was ich tun werde, ist, dass ich eine Brille und seine schüsselgeschnittene Frisur hinzufüge, um seine schüsselgeschnittene Frisur zu zeigen, dass du weißt, dass er das ist. Für den letzten Kerl ist er viel älter. Also was ich tun werde und er ist heiß also werde ich sicherstellen, dass ich diese Elemente hinzufüge. Wenn ich also Boards mache oder wenn jemand das Board schaut, weiß er, dass dies eine Kurzschrift dieses Charakter-Storyboards ist und du nicht wirklich, wirklich schick zeichnen musst. Sie müssen kein wirklich detailliertes Zeug zeichnen, wie wenn Sie gerade anfangen und storyboard und dem ausgesetzt werden, es wird, es ist ein bisschen schwer, weil Sie wollen, dass Sie kaufen. Sieh also ein bisschen ziemlich unbeeindruckend aus. Wenn Sie immer mehr Erfahrung sammeln, stellen Sie fest, dass die Illustrationen nur klar und einfach sein müssen , um die Geschichte zu kommunizieren. Lassen Sie uns also zu einigen weiteren Beispielen übergehen. Jetzt. Lasst uns dieses Mädchen gleich hier haben. Sagen wir, sie war die Hauptfigur in deiner Geschichte, oder? Wenn wir uns jetzt ihr Kostüm ansehen, sehen wir viele Details. Ich weiß, dass es ein Kleid im indischen Stil ist. Wenn wir sie also ansehen, ich es mir an und versuchte zu sehen was die wichtigen Elemente für den Charakter sind und welche Dinge ich völlig unnötig auslassen kann und kommunizieren und Historikerin kommuniziert und ihr Charakter. Ich habe hier zwei Beispiele gemacht, um euch zu zeigen, wie einfach es sein kann. Und ich habe einen gemacht, der ein bisschen über Bord gegangen bin und die Details , die Ihnen zeigen würden, dass es ein bisschen unnötig ist , dieses Detail zu gehen. Das ist also derjenige, der mitten in der Idee ist. Und der letzte zu weit, oder? Dies ist eine wirklich, wirklich, wirklich grobe, grobe, grobe Skizze dafür, wie ich ihr ein Storyboard zeichnen würde. Wenn ich jetzt an Bord bin, brauche ich nur noch zu wissen, wer diese Figur ist, und die beiden Brote und ihre Haare zu haben , reicht gerade aus, damit ich es wissen und mit meinem Regisseur oder meinem Direktor kommunizieren kann Storyboard-Team, dass dies der Charakter ist und das die Szene verletzen wird. Wenn sie also nach dem Charakter in der Szene suchen, suchten sie nur nach einem Mädchen mit zwei Zöpfen. Und sagen wir mal, Sie haben zwei Charaktere. In dieser Szene. Was Sie tun würden, ist, dass Sie der Schnellskizze ein weiteres Element hinzufügen würden, das die Zeichen unterscheiden würde. Der in der Mitte ist also ein Beispiel dafür was Sie nicht tun werden und versuchen, dieses Detail nicht zu gehen weil Sie viel Zeit verschwenden werden. Es sind also nicht nur Charaktere, die Sie Kurzschrift zeichnen und einfach kommunizieren müssen. Es sind auch Ihre Umgebungen und alles, was sich in diesem Storyboard befindet. Im Moment haben wir hier ein Beispiel für ein Schloss, oder? Sagen wir also in deiner Geschichte oder in deinem Drehbuch, es muss ein Schloss geben. Und das ist das Design des Autos , so dass das Designteam vielleicht weitergegeben wird, wissen Sie, Sie müssen es in Ihr Storyboard zeichnen. Jetzt habe ich hier an einem anderen Beispiel gemacht, das das Schloss zeigt, das ein bisschen zu detailliert ist, ein bisschen zu kompliziert für Storyboards. Es mag gut genug sein, um vielleicht aufzuräumen, aber nicht, wenn Sie anfänglich hart werden. Also werde ich ganz einfach gehen. Und so würde ich vielleicht einen ersten Durchgang auf einem Storyboard machen, einfach super klar machen, super einfach. Alles, was das Team wissen muss. Wie der Regisseur wissen muss , ist , dass dies das Schloss ist. Das ist wichtig im Schloss und in der Umgebung. Wenn es nur eine Einspielung ist, ist dies so ziemlich alles, was Sie zeigen müssen. Sehr, sehr einfach. Dieses Bild zeigt, dass, Hey, ist ein Schloss und es ist von Wasser umgeben, und hier werden die Ereignisse der Szene stattfinden. Mach weiter. Jetzt haben wir ein anderes Beispiel für ein paar Kätzchen hier. einmal ein Beispiel dafür, obwohl dies nur eine kurze Skizze ist, die ich aus diesen Kätzchen gemacht habe. Jetzt, im Zusammenhang mit Storyboarding, ist das ein bisschen immer noch zu sehr so, ja, ich weiß wie diese schnelle Skizze hier, ich habe es geschafft. Es gibt nur sehr wenige Details. Es ist immer noch ein bisschen zu viel Detail und du könntest es mehr vereinfachen. Und so einfach könnte man tatsächlich wie ein paar Kreise gehen und er hat einfach die Augen gezeigt. Du musst nicht einmal das ganze Essen und das Zeug zeichnen , das du auf der Katze siehst. Wenn jeder Schnitt nicht ein bestimmter Charakter in einem Film ist und Sie dem Charakter ein bestimmtes Lebensmittelmuster hinzufügen müssen dem Charakter ein bestimmtes Lebensmittelmuster um anzugeben, welcher Schnitt welcher Charakter ist, dann würden Sie das wahrscheinlich einzeichnen. Aber wenn, sagen wir mal, es hat einige zufällige Schnitte, muss alles wirklich so viele Details zeichnen. Okay, das nächste, was Sie beim Zeichnen für Storyboards beachten müssen , ist, Geste verstehen zu können. Und zu wissen, dass Geste wichtiger ist, als richtige Anatomie für einen Charakter zu zeichnen. Für diejenigen unter Ihnen, die vielleicht keine Geste kennen, zeichnet die Geste im Grunde die Essenz oder während der Handlung eines Charakters, bei dem sich alle auf einzelne Muskeln einer Figur konzentrieren . In diesem Beispiel haben wir hier eine Zeichnung der Anatomie eines Menschen. Und dann haben wir im Grunde die Geste der Proben desselben Mannes, der die Anatomieversion kennt, wir sehen, dass sie mit all den Feinheiten der Muskeln gezeichnet ist und wir zeichnen die Bauchmuskeln und das Schach und alles. Jetzt für Storyboards, wie wieder, weil Sie eine Frist haben und Ihre Ideen ziemlich schnell vermitteln müssen . Sie haben keine Zeit, jeden Muskel zu zeichnen oder alles anatomisch korrekt zu zeichnen. Was Sie also tun würden, ist sich nur auf die Geste des Charakters zu konzentrieren, weil seine Geste die Handlung des Charakters kommunizieren und klarer sein würde . Und Ihr Regiepublikum, das sich jemals diese Storyboards anschaut , wird verstehen können , was Sie sehen möchten. Und sie brauchen die Muskeln nicht, um da zu sein , damit die Idee rüberkommt. Sagen wir zum Beispiel disjoint, oder? Es ist eine ziemlich gute Zeichnung. Es zeichnet, es, es hat alle Muskeln sind gut proportioniert und alles und der Charakter dehnt sich aus. Wir haben die Vorstellung davon, was der Charakter macht. Aber mit Storyboards trennen Sie jetzt auch raffiniert und Storyboard. Sie haben keine Zeit, alles so gut zu zeichnen, alles so genau auf einem ersten Durchgang ist der zweite Bus. Und wir würden das Zeichnen gestikulieren, es ist normalerweise sehr, sehr schnell, wirklich locker. Du konzentrierst dich auf die Action. Man konzentriert sich nicht darauf, dass alles anatomisch korrekt ist. So wie in dieser Zeichnung sieht man, dass alles viel lockerer ist und immer noch dasselbe kommuniziert der Charakter bei jeder vorherigen Zeichnung. Nun schauen wir uns dieses Beispiel an. Jetzt. Eine andere Sache, die Sie über Anatomie wissen müssen , ist, dass manchmal wenn Sie Dinge, die wirklich lebendig wirklich steif und ein bisschen leblos herauskommt. Wenn es in Detroit neu erstellt wurde. Wenn Sie eine Geste machen, fügt die Geste mehr Leben hinzu und Sie sehen viel mehr Leben in der Zeichnung als die, die genauer im Leben ist , weil es normalerweise Gesten sind push, es ist normalerweise übertrieben. So kannst du die Idee noch weiter vorantreiben und ein wenig in Bezug auf den Realismus betrügen ein wenig in Bezug und trotzdem deine Idee den Regisseur mitteilen. Jetzt wollte ich euch ein Beispiel für einige Storyboards zeigen , die von einem Pixar Storyboard-Künstler gemacht wurden. Ich konnte seinen Kredit nicht finden, also weiß ich wer es ist. Ich würde gerne seinen Namen kennen weil ich diese Boards wirklich liebe. Dies sind einige Storyboards aus dem Film Coco. Und wenn man sie anschaut, könnte man sehen, wie locker und gestisch diese Zeichnungen sind, sie versuchen nicht, super, super lebensgenau zu sein . Denn wenn Sie diesen Film gesehen haben , von dem Sie wussten, dass diese Charaktere sind, sind es hauptsächlich Bindungen und die Skelettknochen. Aber dieser Künstler zeichnet nicht jeden Knochen und die Rippen. Er zeichnet nicht jeden Knochen. Hände, alles muss nicht korrekt sein. Du fügst einfach genug hinzu , dass du weißt, dass diese Charaktere Skelett sind. Und Sie müssen nicht wirklich jedes einzelne Detail hinzufügen. Die sind also wirklich, sehr nett gekauft. Diese Boote sind tatsächlich auf YouTube. Sie können tatsächlich nur Kakao-Storyboards und gelöschte Szenen eintippen , und Sie werden diese Boote und Action sehen. Sie sind wirklich, richtig gut. Du solltest sie dir ansehen. Das Letzte, was wir uns ansehen und Zeichnungen für Storyboard verstehen, ist eine klare Silhouette mit Ihren Zeichnungen zu haben. Viele von Ihnen sind darauf gestoßen und wir werden es einfach noch einmal durchgehen. Aber schauen wir uns ein Beispiel an, ein kurzes Beispiel, und wir werden es einfach wieder sehr schnell machen. Wir haben also zwei Zeichnungen derselben Frau und sie hält einen Speer. Jetzt ist derjenige auf der rechten Seite der bessere Weg , sie zu zeichnen. Denn wenn wir den Detroit blockieren und aussteigen, werden Sie immer noch wissen und sehen können , was die Frau klar macht. Jetzt mit der Zeichnung auf der rechten Seite, wenn wir sie die ganze Woche blockieren, verwirren Sie sich darüber, was wirklich passiert. Wir wissen nicht wirklich, wo dieser Raum platziert wird. Wir können nicht wirklich sagen, was wirklich los ist. Aber im Vergleich zu dem mit dem Rot konnten wir deutlich sehen , dass sie einen Speer nach links hält , ausgestreckt. Und wir wissen, was los ist. Mit Silhouette. Wir haben versucht, diese Silhouette wirklich klar zu halten. Hier sind ein paar weitere Beispiele. Wir können sagen, was diese Charaktere eindeutig machen. Das alles in ihren Haaren war kein Schwert hoch und hielt eine Waffe. Wir wissen, was diese Charaktere machen. Welche Storyboards haben wir versucht , alles klar zu halten. Was wir jetzt tun werden, ist, dass ich euch eine Übung zeige , die du für deinen Auftrag machen wirst, die dir beim Bauen hilft, oder haben sie die Gewohnheit , für Storyboards zu zeichnen? Es ist eigentlich eine Aufgabe, die ich sehe, als ich Storyboards lernte, sah ich, dass viele Storyboard-Künstler es getan haben, vielleicht als Aufwärmübung oder Übung , die sie früher Film studiert haben. Dieser Ausgang, der dir beim Bauen hilft, oder haben sie die Gewohnheit , für Storyboards zu zeichnen? Es ist eigentlich eine Aufgabe, die ich sehe, als ich Storyboards lernte , dass ich gesehen habe, dass der Storyboard-Künstler vielleicht als Aufwärmübung oder Übung gemacht hat , mit der sie Film studieren. Diese Übung, wie ich realisierte, hilft dir tatsächlich , Kurzschrift zu zeichnen. Was die Übung eigentlich ist, ist dass Sie einen Film oder eine Fernsehsendung oder irgendeine Art von visuellem Medium oder ein Problem oder irgendetwas machen würden. Und du würdest eine Szene machen. Und dann, während sich die Szene abspielt, versuchen Sie diese Szenen zu zeichnen, während sie mit einer alten Pause im Arm, im Film oder in der TV-Show abgespielt werden. Dies würde Sie also zwingen, die wichtigsten Elemente so schnell wie möglich zu zeichnen. In diesem Beispiel habe ich hier auf dem Bildschirm, habe ich mich tatsächlich dafür entschieden, das Unglaubliche zu machen , wo die Familie am Tisch saß. Und im Grunde mache ich hier ein paar Kisten für die Szenen herausgezogen. Ich habe das herausgezogen, bevor ich angefangen habe, also werde ich keine Zeit damit verschwenden , die Schachtel zu zeichnen, wie ich gesehen habe, dass es geht. Und dann spiele ich die Szene. Und ich würde versuchen, die Szene so schnell wie möglich zu zeichnen, und die wichtigsten Elemente der Komposition einzufangen, welche Charaktere auf der Bühne waren, die Charakterplatzierung und alles dergleichen. Und es wird dich zwingen zu sehen, was wichtig ist und die Details zu vergessen, all die ausgefallenen Schattierungen zu vergessen , Dinge zu vergessen, die nicht wirklich zur Geschichte beitragen oder sich anpassen Hintergrundelemente, die zu diesem Zeitpunkt nicht wichtig sind. Das wird also eine Ihrer Aufgaben sein. Was ich möchte, dass du eine Szene und vielleicht deinen Lieblingsfilm oder eine Lieblingsfernsehsendung findest vielleicht deinen Lieblingsfilm oder eine Lieblingsfernsehsendung , Lieblings-Zeichentricksendung. Und nimm eine Szene, ziehe die Storyboard-Boxen heraus, spiele die Szene. Und dann geht es wild gesehen. Zeichnen. Versuch und Zeichnen wird so schnell wie möglich gesehen, auch wenn es einfach wirklich grob ist, auch wenn Sie nur Ihre Skizzen verstehen, ist das okay. Der Punkt ist, dass Sie versuchen, eine neue, neue Denkweise zu bekommen , um eine schöne Kurzschrift für das Storyboard zu zeichnen. Es gibt also ein anderes Mal, eine andere Aufgabe, die dieser ähnlich ist, aber etwas entspannter, oder? Was Sie also tun würden ist dasselbe zu nehmen oder Sie können eine andere Szene machen. Aber was ich möchte, dass Sie das erste Bild jeder Szene pausieren und sich dann etwas Zeit nehmen und die wichtigen Elemente in der Szene zeichnen. Und dann spiele die Szene. Fügen Sie dann das Ende dieser Szene hinzu, pausieren Sie es und zeichnen Sie das Ende dieser Szene. Dies wird zeigen, dass Sie eigentlich eher eine Szenenstudie Art von Übung sind. Aber was ich Ihnen zeigen möchte, ist, dass Sie, wenn Sie mehr Zeit haben , eine Szene zu zeichnen, diesen Vergleich der vorherigen Aufgabe sehen und sehen, wie viele Details Sie hinzugefügt haben, während Sie mehr Zeit hatten und die Menge an Details, die er hatte, als er nicht mehr Zeit hatte. Und sehen Sie, vergleichen Sie die Elemente, die Sie in allen Elementen hinzugefügt haben , die Sie nicht einmal mit der ersten Zuweisung verglichen haben. Sehen Sie, was Sie angezogen haben, das wichtiger war, was im Vergleich zum ersten Durchgang nicht wichtig war, oder? Also Leute, stellen Sie sicher und erledigen Sie diese Aufgabe, denn es wird Ihnen wirklich mit Ihrer Geschwindigkeit in einer Skizze helfen und Ihnen helfen , die richtige Denkweise für das Storyboarding zu haben und Ihnen hilft, über die detailliert, aber um zu sehen, was für diese Geschichte wichtig ist, worauf Sie sich konzentrieren müssen. Also hoffe ich, dass du es machst und ich hoffe, du kommst für die nächste Klasse zurück. Also weil ich es kaum erwarten kann euch zu zeigen, was wir nicht gespeichert haben. Ich hoffe, dass Ihnen dieser Kurs gefallen hat und wir sehen uns im nächsten. 4. 3 Die Aufnahmen: Okay allerseits, willkommen zur dritten Lektion des Storyboardings mit mir, Garage. In Lektion drei sprechen wir über visuelles Vokabular. Und der Schuss schaltet das Gleiche aus. Für diejenigen unter Ihnen , die es vielleicht nicht wissen, beinhaltet Storyboarding das Verständnis der Kunst der filmischen Sprache. Jetzt gibt es eine bestimmte Sprache, die Sie kennen müssen. Visuelle Sprache wenn Sie Storyboards machen, können Sie einfach zeichnen und Szenen machen, glücklich, glücklich sein. Es gibt bestimmte Regeln. Du musst es wissen. Wenn Sie diese Regeln kennen , können Sie diese Regeln verletzen. Bevor wir jetzt in die Aufnahme kommen, wollte ich nur eine schnelle Erklärung des Seitenverhältnisses machen. Welches Seitenverhältnis ist im Grunde genommen, wie ich gezeigt habe, viele von Ihnen haben Filme gesehen und Sie haben gesehen, wenn Sie auf den Bildschirm schauen, manchmal haben Sie Filme mit den schwarzen Balken oben und unten gesehen manchmal haben Sie Filme mit den schwarzen Balken oben und unten gesehen. Und manchmal sieht man vielleicht einen Film, der den ganzen Bildschirm füllt. Und dann schaut man sich manchmal einen wirklich alten Film und er könnte in einer Boxform sein. Nun, das ist im Grunde ein Seitenverhältnis. Das Seitenverhältnis ist im Grunde das Verhältnis von Bildschirmbreite zu seiner Höhe. Hier ist also ein ziemlich grobes Diagramm einiger Seitenverhältnisse. Das glückliche Seitenverhältnis ist also im Grunde das wirklich alte Seitenverhältnis, das früher auf Fernsehgeräten stattgefunden hat, wo man einen Fernseher hätte , der wirklich nur ein Quadrat ist. Dies war das Seitenverhältnis, das Film für diese Fernseher gedreht wurde . Und im Laufe der Zeit wurde das Seitenverhältnis breiter, weil es immersiver war. Und dann haben wir im Film das Seitenverhältnis von 1,1, 0,8521 Seitenverhältnis, was ein breites Seitenverhältnis erfüllt ist , oder? Dann hat das Fernsehen das Kino eingeholt. Und jetzt haben wir heute Abend einen Weißbildfernseher im Verhältnis 16. Film und Video sind sie also mehr Seitenverhältnisse dazwischen Aufgrund der Entwicklung des Kinos und der Entwicklung von . Aber das sind die drei wichtigsten, die Sie im Grunde wissen sollten. Die Fälschung ist das ursprüngliche Box-Seitenverhältnis. Diese 16 mal neun ist normalerweise das, was Sie für eine Fernsehsendung storyboarden würden. Und der 1.8521 ist das, was Sie wahrscheinlich in Erfüllung verwenden würden. Der Grund, warum ich Ihnen das erzähle, liegt darin , dass Sie je nach Produktion, an der Sie arbeiten , die Taten haben werden, entweder historisch, Freude bewundern, eine Geschichte haben. Welches Seitenverhältnis wird die Show oder ein Film sein? Und weil es sehr wichtig ist, denn Es ist eines der ersten Dinge, die Sie tun müssen wenn Sie Ihr Storyboard und Ihre Software öffnen, egal was es ist, Sie müssten mit dem Seitenverhältnis des zeigen. Wenn Sie also mehr über das Seitenverhältnis erfahren möchten, gibt es eine ganze Reihe von Dingen im Internet, erleben die verschiedenen Seitenverhältnisse und die Geschichte mit Film und Video usw. Aber lass uns jetzt zu den Schüssen übergehen. Zuerst werden wir über den Wide Shot sprechen . Breiter Schuss. Viele von Ihnen haben Filme gesehen, wie die meisten Filme, die Eröffnungsszene ist weit gefasst. Breiter Schuss. Wide Shot legt normalerweise die Umgebung oder den Ort fest, an dem die Geschichte stattfinden wird. Sagen wir in dieser Aufnahme ich raus oder einfach nur ein zufälliges Gebäude. Und das ist der erste Schuss. Ich wollte, ich wollte meinem Publikum erzählen, dass hier die Szene oder die Geschichte dieser Szene stattfinden wird. Ich möchte ihnen sagen, ich möchte ihnen mitteilen, dass hier die Geschichte stattfinden wird. Jetzt, manchmal breite Aufnahmen und immer zum Öffnen einer Szene. Manchmal können sie benutzen, Wir haben die Szene beendet, um etwas zu zeigen, um etwas zu enthüllen, Spannung zu halten oder gerne eine Offenbarung für das Publikum zu sein. Manchmal wird es nicht immer als Einrichtung verwendet. Der zweite Schuss, über den wir sprechen werden, ist der volle Schuss. Das ist ein Schuss , der viel verbraucht wird. Und wofür diese Aufnahme verwendet wird, ist hauptsächlich, den ganzen Körper eines Charakters zu zeigen. So weiß das Publikum , wer dieser Charakter ist, dieses Kostüm, das sie einen vollständigen Blick auf sie werfen könnten. Hab eine Vorstellung davon, wer dieser Charakter ist. Diese Aufnahme wird auch verwendet, um zu zeigen. Charakter in der Umgebung. Sie wollten den Charakter, den vollen Charakter in der Umgebung und wie sie mit dieser Umgebung interagieren, schießen den vollen Charakter in der Umgebung . Dieser Schuss, über den wir jetzt sprechen werden, heißt Cowboy-Schuss. Und wie Sie sehen konnten, ist dieser Schuss etwas näher direkt über den Knien. Sie nennen es den Kobaltschuss, weil es normalerweise die Waffen des Kohlejungen sind, die wirklich hängen. Und ich glaube, ich glaube, dass ich mich irren könnte. Ich glaube , sie haben den Schuss oft in Western benutzt und so. Der Grund, warum Sie diese Aufnahme verwenden möchten , ist, dem Charakter etwas näher zu kommen, etwas intimer. Wir werden mit der mittleren Nahaufnahme etwas mehr über Intimität sprechen . Jetzt endet die mittlere Nahaufnahme normalerweise, oder? Nehmen wir an, du hast ein Hemd getragen und du merkst, dass es Eimer sollte, es endet normalerweise wie genau dort. Es wird vom Brustbereich bis zum Kopf abdecken. Jetzt wird der mittlere Schuss mehr verwendet, wenn Charaktere miteinander sprechen und sie sprechen und vielleicht nur ein kurzes Gespräch führen. Wahrscheinlich nicht zu ernst, wahrscheinlich nicht zu dramatisch, nur ein ungezwungenes Gespräch. Und jetzt müssen wir die Kamera sogar noch näher an den Charakter heranbringen. Dieser wird Halsband genannt. Es ist normalerweise bedeckt Kopf, genau dorthin, wo die Gelenke, der Körper. Das ist ein Schuss wie, okay, du willst ein bisschen intimer und ein bisschen emotionaler sein . Und ich denke für mich, wenn ich enge Nahaufnahmen verwende, neige ich dazu, sie immer mehr emotionale Momente zu benutzen, eher wenn ich die Emotionen im Gesicht des Schauspielers sehen will , sie wussten sie wirklich nuanciertes Aktin und das Gesicht des Schauspielers. Und wenn du näher kommst, bekommst du den großen Kopf Nahaufnahme manchmal willst du wirklich dramatisch sein. Es geht ganz aus nächster Nähe und man wird noch dramatischer, wenn man sogar in die extreme Nahaufnahme geht, oder? Dieser Schuss ist also, die extreme Nahaufnahme wird normalerweise viele der Charaktere abgeschnitten . Manchmal könnte man sogar so nah wie nur dem Auge gehen und nur einen Augenschuss machen und man sieht nicht, dass es weiß, dass man den anderen nicht sieht. Ich hab nur einen Augenschuss. Stimmt's? Und manchmal, wie ich bereits sagte, kann man manchmal keine Einspielung benutzen , um eine Szene zu eröffnen, oder? Und unter diesen anderen Umständen können Sie eine extreme Nahaufnahme verwenden, um eine Szene zu öffnen. Und wenn Sie weggehen und dem Publikum mehr Informationen übermitteln , können Sie auf diese Weise auch eine Szene eröffnen. Alles worüber wir jetzt reden werden ist der Überschulterschuss. Also hoffe ich, ich öffne mich für euch zu schnell zu bewegen , denn dies ist eine wirklich einfache, grundlegende Kinosprache. Es gibt eine Menge, viel Sprache des Kinos. Und das sind die wirklich, wirklich grundlegenden, die Sie verstehen müssen. Die Über-the-Schulter-Aufnahme ist eine Aufnahme, bei der wir sagen, Sie haben zwei Charaktere sprechen oder Sie möchten das haben, Sie möchten die Illusion zeichnen, dass die Kamera über der Schulter eines Charakters liegt Sie möchten die Illusion zeichnen, dass die Kamera oder ein anderes. Wie Sie sehen können, haben wir zwei Charaktere hier drin. Und man würde aus den verschiedenen Blickwinkeln sehen , wo sich die Kamera tatsächlich befindet. Es liegt immer hinter dem anderen, dem anderen Charakter , der nicht redet oder wir nicht wollen, dass das Publikum im Moment wirklich ansieht. Wir werden mehr über diesen Schuss sprechen, wenn wir über die 180-Grad-Regel sprechen. Aber im Moment ist dies eine schnelle Einführung in die Schulter. Jetzt werden wir über die beiden Schüsse sprechen. Ein Zwei-Schuss besteht im Grunde aus zwei Charakteren in einem Schuss. Wirklich, wirklich, ganz einfach. Also erstes Beispiel, zwei Charaktere, die nebeneinander stehen. Und du stellst einfach sicher, dass fette Charaktere in der Aufnahme sind. Denn wenn fette Charaktere, wenn ein Zeichen nicht in der Aufnahme ist und ein Charakter viel mehr Platz hat und sie schossen, würde es wahrscheinlich nicht als Zwei-Schuss angesehen werden. Dies ist also das erste Beispiel für einen Zwei-Schuss. Geh nach rechts. Zweites Beispiel, Charaktere in etwas perspektivischer. Wir haben also die Kamera eher auf der Seite eines Charakters als auf der nächsten. Und jetzt können wir ein anderes Beispiel für einen Zwei-Schuss haben. Was wir haben Charaktere beim Sprechen abgeschaltet. Sie möchten das Token für zwei Zeichen in derselben Aufnahme anzeigen . Dies ist ein Beispiel für einen Zwei-Schuss. Und sogar dieses letzte Beispiel hier drüben, wo wir die Charaktere haben, die eine Woche gegenübersehen, die sich etwas ansehen. Und ich habe nicht gezeichnet, was sie sehen, aber das wollte ich dir nur zeigen. Okay, mal sehen. Diese beiden Charaktere betrachten ein Raumschiff und wir haben den Rücken von beiden. Dies ist auch ein Zwei-Schuss, also muss es nicht unbedingt ihre Ängste, Ängste und die Kamera haben , damit sie geschlossen werden kann. Jetzt haben wir also über den Baum reden, der geschlossen ist, oder? Jetzt. Der Baumschuss ist, es ist normalerweise sehr einfach. Es ist, wenn Sie eine Aufnahme von Baumfiguren in derselben Aufnahme haben. Wir haben also vier Beispiele hier. Der erste sind einige Charaktere, die buchstäblich in einer Zeile nebeneinander stehen und wir sehen alle drei Charaktere. Dies ist eine Art von Baum Shot. Wenn wir nun auf die andere Seite rechts gehen, können wir hier etwas dynamischere Aufnahmen machen, wo wir Charaktere in verschiedenen Größen haben. In dieser Aufnahme haben wir den größten Schwerpunkt, und dann ist der zweitgrößte der zweite Fokus auf den Charakter, auf den wir hinten am wenigsten fokussiert sind. Dies ist auch ein Baumschuss und es ist ein bisschen dynamischer als der erste. Wenn wir also zurück nach links gehen, haben wir ein anderes Beispiel für eine Trisha. Dies ist nur eine dreieckige Anordnung von Charakteren, die sich unterhalten. Nun, dieser ist etwas komplizierter, weil es auch darum geht, dass es regiert und darüber spricht, Charaktere zu schießen , die sprechen und das Publikum nicht verwirren. In den späteren Lektionen werden wir genau darauf eingehen , wie ich bereits sagte. Das letzte Beispiel für einen kniffligen Schuss ist eine etwas perspektivischere Aufnahme bei der der Charakter in die Ferne schaut, aber wir haben die Charaktere, die Lebensmitteln am nächsten sind. Dies sind alles Beispiele für T-Shirts. Es gibt wahrscheinlich viel mehr Möglichkeiten, einen kniffligen Schuss zu organisieren, aber dies sind einige grundlegende Beispiele. Dies war eine schnelle Einführung in einige der filmischen Sprache , die Sie wissen müssten , wenn ich Storyboards zeichne und vielleicht ein Skript aufgliedere und visuelle Ideen im Kopf habe damit du die Geschichte in Storyboards erzählen kannst. Lassen Sie uns also der Aufgabe für diese Lektion übergehen, wird wirklich einfach und wirklich Spaß machen. Also lasst uns dazu kommen. Okay, für diesen Auftrag machen wir eine kleine Szenenanalyse. Ich möchte, dass ihr eine Szene aus einem Lieblingsfilm auswählt. Beobachten Sie die Szene und brechen die Schusstypen auf, die der Regisseur verwendet, beobachtete den Schnitt zwischen den Schüssen. Beachten Sie, wie der Regisseur den Weitschuss, die Nahaufnahme und alle anderen Schüsse verwendet . Sehen Sie, ob Sie herausfinden können, warum der Regisseur eine Nahaufnahme anstelle eines breiten Schusses und über die Schulter anstelle eines Zwei-Schusses verwendet anstelle eines breiten Schusses und hat. Genau wie zuvor möchte ich, dass du alle Aufnahmen für die Szene zeichnest und sie als Ganzes studierst. Dies ist Ihre Aufgabe für diese Klasse. Viel Glück. 5. 4 Perspektiven: In dieser Lektion werden wir über grundlegende Perspektive sprechen , mit der jeder vertraut ist. Aber beim Storyboarding scheint es viel zu sein und Sie müssen wissen, wie Sie mit der Perspektive umgehen müssen, um viele Ihrer Aufnahmen zu machen. Bevor wir nun auf die verschiedenen Arten von Perspektiven eingehen , möchte ich, dass ihr euch mit den verschiedenen Achsen in deiner Komposition vertraut seid. In diesem Diagramm haben wir also eine X-Achse, die die Horizontlinie ist. Die Z-Achse, die diagonal auf der Y-Achse verläuft, die vertikal kühl ist. Kenne die Ein-Punkt-Perspektive. Wir haben eine X-Achse und eine Z-Achse. Wir haben die Horizontlinie, die den Fluchtpunkt hat. Und dann haben wir die Linien, die konvergieren, die Z-Achse verwechselt Richtung des Punktes in der Entfernung. Jetzt ist die Ein-Punkt-Perspektive, wenn diese Linien in 1 konvergieren, viele von Ihnen sind damit vertraut, also werden wir nicht zu viel Zeit für diese Zwei-Punkte-Perspektive aufwenden. Wenn wir zwei Fluchtpunkte auf derselben Horizontlinie haben und die Linien konvergieren und zu beiden. Jetzt, in Zwei-Punkte-Perspektive, werden Sie die Aufnahme oft für viele Schwenkaufnahmen verwenden , wenn Sie zeichnen, versuchen, einen Schwenkschuss zu simulieren, Sie müssen wissen, wie es geht Zeichnen Sie Zwei-Punkt-Perspektivraster. Jetzt werden in Zwei-Punkte-Perspektive, wie es heißt, Baumpunkte verschwinden und haben im Grunde einen vertikal oben. Und dann haben Sie die beiden Linien an der Horizontlinie. Ich kenne diese Zwei-Punkte-Perspektive nicht. Du benutzt dies für wie gesagt, wenn du ein hohes Gebäude zeigen willst und dann hast du die Straßen GO und Verwirrung an beiden Enden. Hier haben Sie eine Menge Zwei-Punkte-Perspektive. Triple-Aim-Perspektive möchte nicht einfach nach oben gehen. Es könnte auch von Dunkelheit ausgehen, wenn Sie eine Overhead-Ansicht haben und auch eine Zwei-Punkte-Perspektive erhalten. In diesem Diagramm sehen Sie, als ob die Kamera vielleicht über den Gebäuden befindet. Und dann können wir die Horizontlinie mit den anderen beiden Perspektivpunkten sehen Horizontlinie mit . Vielleicht schießen Sie auf den Straßen, gehen Sie hinein und die Distanz und die Linien konvergieren in der Ferne zu diesen Punkten. Sprechen wir jetzt über KI-Level. Ich nivelliere ist etwas, das für Sie wirklich wichtig wenn Sie wie ein Raster zeichnen, abhängig davon, wie sich die Kamera genau dort befindet. Und das ist im Grunde das, was ich lebe. Es ist das Niveau, auf dem sich die Kamera befindet. Und das ist die Ebene, auf der dein Publikum diese Geschichte in jedem Diagramm hier erleben wird, du könntest sehen wie ein kleiner Kerl, er schaut in die Kamera. Und rechts sehen wir den Sucher, wo er ist, was er tatsächlich sagt. Nein, ich möchte, dass ihr euch die Z-Achsenlinien genau anschaut. Ich möchte, dass du merkst, wie viele es gibt und wie nah sie sind. Jetzt sind dies die relativ engen Rasterlinien Sie mit jemandem bekommen werden, der gerade vollständig aufsteht und in die Kamera schaut. Nun, wenn wir vorankommen und zu diesem Beispiel kommen , in dem wir das Thema haben, über das er sich irgendwie gebeugt hat, schauen Sie in die Kamera und er steht nicht aufrecht. Er hockt sich ein bisschen drüber. Jetzt, wenn das Subjekt abgesenkt wird, beginnen sich die Z-, D-Z-Achsenlinien auseinander zu breiten und werden weniger. Jetzt wird die Augenhöhe, die horizontale Horizontlinie, die horizontale Horizontlinie, leider am selben Ort bleiben. Es wird am selben Ort des Interviewfinders bleiben, genau in der Mitte dort. Wenn Sie nicht etwas Major bis Zehn mit der Kamera machen, wird es gleich bleiben , oder? Wenn Sie jetzt noch tiefer werden, haben Sie weniger Z-Achsenlinien. Jetzt mach mit, Mal sehen. Achsenlinien erzeugen die Illusion, dass Ihre Kamera immer tiefer und näher am Boden wird tiefer und näher am , wenn wir noch tiefer werden. Und sehen Sie, dies ist nicht unbedingt der tiefste Punkt. Du kannst eine Kamera tragen. Manchmal kann man sogar ein Ganzes reingehen. Aber dies ist die niedrigsten Streitigkeiten und könnten ohne tatsächlich ein Loch graben, unter den Meeresspiegel gehen. Man könnte sehen, dass die Z-Achsenlinie Linien hat , die nur zu zwei Linien geworden sind, die zu einem Punkt konvergieren. Und die vorherigen Abflüsse aufDestroy. Und man könnte feststellen, dass der Fluchtpunkt nicht direkt alle Linien auf der Faltung direkt zum Fluchtpunkt ist. Denn wenn die Kamera tiefer wird. Der Fluchtpunkt wird nicht so sichtbar sein, da die Floor-Ära viel größer wird und Sie nicht hoch genug sehen können , um den tatsächlichen Fluchtpunkt der Linien im Moment und die totale entgegengesetzte Richtung mit der Augenhöhe. Wenn dieses Motiv immer höher und höher wird, erhalten Sie immer mehr Z-Achsenlinien, da die Fläche, die Sie in die Entfernung sehen können , immer mehr wird. So erhalten Sie immer mehr die Achsenlinien. Das wird also tatsächlich die Illusion erzeugen. Während Sie Mod-Z-Achsenlinien zeichnen, die Sie höher sind, hoch oben in der Luft und Sie haben eine größere Schrift. Wahrscheinlich müssen Sie mehr Z-Achsenlinien zeichnen, wenn Sie es wie einen Kranschuss oder eine Vogelperspektive oder einen Überkopfschacht machen wie einen Kranschuss oder . So erhalten Sie eine kleine Vorstellung davon, wie Sie die Rasterlinien für die verschiedenen Ebenen der Kamera zeichnen können. Jetzt möchte ich mit dir ein wenig sprechen, ein wenig, eine kleine Abkürzung namens hängende Perspektive. Jetzt, ich bin die Perspektive wird Ihnen helfen, wenn Sie viele Leute in einer Szene zeichnen , die im Grunde die gleiche Höhe haben. Also haben wir das Thema hier, er steht hier auf dem Boden, Andy Horizontlinie, die Augenhöhe liegt nahe an seinen Füßen und schneidet sich die Füße ab. Wenn ich also mehr Leute in die Szene ziehen wollte und ich wollte, dass die Perspektive realistisch ist, um nicht gegen die Regeln oder irgendetwas zu brechen. Was ich tun würde, ist, dass ich das Einfachste und Richtigste zeichnen werde, aber ich würde sie so zeichnen, dass die horizontale Linie seine Beine an der gleichen Stelle abschneidet , an der sie die ersten Probanden abschneidet im Schuss. Deshalb müsste ich sie also etwas kleiner zeichnen, offensichtlich weil er weiter zurück ist, aber ich möchte, dass die horizontale Horizontlinie schneidet. Und Meter wo fast unter seinen Knien, dass ich den gleichen Ort wie die erste Person treffen möchte. Und selbst wenn Sie die Kamera ein wenig nach oben neigen und Sie mehr Blickaufnahme eines Wurms haben. Und du schaust dir den Charakter an, bei dem die horizontalen Linien, wie in diesem Beispiel, auf die Horizontlinie treffen, tut mir leid, auf den Knöchel des Charakters trifft. Und du willst mehr Charaktere in dieser Szene zeichnen. Alles, was wir tun müssen, ist mehr Charaktere in der Szene zu zeichnen, aber lassen Sie die Horizontlinie sie an ihren Knöcheln treffen, wie in dieser Aufnahme hier, es ist dasselbe mit Nahaufnahmen. Wenn Sie ein Subjekt haben und es eher eine mittlere Nahaufnahme ist, wie in diesem Beispiel. Die Horizontlinie schneidet sie am Hals und Sie möchten mehr Menschen in die Szene zeichnen. Sie zeichnen sie einfach etwas kleiner heraus, lassen aber die Horizontlinie das Thema im selben Bereich wie die Ego-Person schneiden . Wenn Sie also mehr Personen hinzufügen, schneiden Sie die Linie an derselben Stelle. Und das ist eine, das ist alles gute Abkürzung für Sie, um immer mehr Leute in den Laden zu ziehen , würde es in den Regeln der Perspektive behalten . Okay, ich möchte ein bisschen über das Zeichnen von Rasterlinien sprechen . Also werden wir hier ein anderes Beispiel machen, um Ihnen zu zeigen, wie ich das Zeichnen von Linien angegangen bin. Also haben wir hier ein Thema und wir werden leicht sagen, dass wir vielleicht über ihm stehen, aber mit allen Gitterlinien können wir es nicht wirklich mit Sicherheit sagen. In diesem Beispiel möchte ich Ihnen zeigen, dass die Bedeutung von Rasterlinien ist, die einem Betrachter zeigen welchem Winkel wir diesen Charakter betrachten, weil wir nicht wirklich genau sagen können, wo die Kamera ist mit diesem Charakter, weil wir kein wirkliches Gefühl für die Umwelt haben. Es gibt keine Raster, um zu zeigen , was dieser Charakter ist. Wo ist dieser Charakter und worauf er steht oder so ähnlich. Meine erste Herangehensweise an diese Karte ist also, Publikum weiß , dass dieser Charakter von oben betrachtet wird. Vielleicht sieht es aus wie Crane Shot, richtig, aber es ist tatsächlich geschlossen. Was ich tun würde, um mit dem Zeichnen des Rasters zu beginnen , ist , dass ich zwei Z-Achsenlinien zeichnen würde. Nun, die Linie der ersten Achse, die die rote Linie ist, zeichne ich diese Linie normalerweise in Einklang mit den Motiven, die parallel zur Motivschulter schultern die die rote Linie ist, zeichne ich diese Linie normalerweise in Einklang mit . Diese rote Linie ist also tatsächlich parallel zur gleichen Linie oder derselben Richtung. Seine Schultern wissen es nicht. Die grüne Linie, die Sie sehen, ist, dass diese Linie tatsächlich parallel zur Richtung seiner Füße liegt. Man sieht also, dass die grüne Linie in der Nähe seines linken Fußes tatsächlich parallel ist. Das wird mir helfen, mein Raster für die Szene zu zeichnen , oder? Wenn ich also das Raster vollständig zeichne, wird es so aussehen. Dieses Raster wird dem Betrachter helfen zu wissen, dass wir diesen Charakter von oben betrachten und Sie wissen müssen , wie Sie richtige Raster für Ihr Storyboard zeichnen können. Wenn Sie es also fotografieren, vielleicht ein Teamkollege oder ein Publikum, werden sie wissen, wo sich die Kamera befindet, und Sie müssen Ihre Raster in die richtige Perspektive zeichnen. Lassen Sie uns also zu einem anderen Beispiel übergehen, das wir hier haben. Wir haben einen anderen Charakter. Wir werden das Raster über seinen Kopf ziehen. Es wird also das gleiche Prinzip sein, die Gitter für die Blickaufnahme des Wurms zu zeichnen . Du wirst die Linien parallel zu seiner Schulter zeichnen, was die rote ist. Und dann zeichnen Sie eine weitere Rasterlinie, die parallel zur Richtung seiner Füße verläuft . Und sobald Sie diese ersten beiden Linien gezeichnet haben, können Sie das Raster parallel zu diesen Linien ausfüllen. Jetzt hätten Sie ein Raster, das die Decke oder die Overhead-Ansicht zeigt , in dem die Leute wissen, dass sich die Kamera unten befindet eine Wurmperspektive dieses Charakters macht. Okay, für diese Aufgabe werden Sie tun, dass Sie ein paar Screenshots von einigen Szenen aus jedem Film machen paar Screenshots von einigen Szenen werden, den Sie wollen. Und du wirst den Schuss aufschlüsseln und dir die Perspektive ansehen. Und du wirst die Rasterlinien für die Szenen zeichnen. Und wir werden Code halten den Kamerawinkel verwendet, um zu versuchen, die Perspektive zu verstehen. Hier sind ein paar Beispiele dafür, was ich möchte, dass ihr euch genau macht , also habt ihr es gesehen, also stammt dieses tatsächlich von Indiana Jones. Okay, du kannst diese Szene pausieren, was wird gesehen? Und dann sieh, wo die Horizontlinie ist. Und dann zeichne die Gitter ein und versuche alles in die Komposition zu stecken und versuche zu verstehen, wie die Gitter funktionieren und die Perspektive funktionieren und sehen Sie, wie der Regisseur seine Horizontlinie und wo er es hingelegt hat. Und wissen Sie, nehmen Sie diese Dinge zur Kenntnis. Tun Sie also so viele davon wie möglich, damit Sie die Perspektive und die Rasterlinien verstehen und wirklich Beobachtungen über deren Verwendung und die Winkel machen , in denen es gibt 6. 5 Die 180-Regel: Alles klar Leute, willkommen zur fünften Lektion von Storyboard. Und mit mir, Raj. In dieser Lektion werden wir über die 180-Grad-Regel sprechen . Ich bin sicher, dass viele von Ihnen wissen, wie diese Regel lautet. Viele von Ihnen haben wahrscheinlich eine Idee und sind wirklich gut darin. Ich werde wirklich ehrlich sein. ich das erste Mal mit dem Storyboarding angefangen habe, habe ich weiter gesprungen, sie wollen ET Line. Ich habe immer wieder gegen die Regel gebrochen. Ich, ich konnte es nicht wirklich verstehen, als ich das erste Mal einkaufte und meine Boards haben irgendwie fest darunter gelitten. Jedes Mal, wenn ich Kritik von meinen Storyboard-Mentoren bekam, sagte ich mir immer, dass ich die Linie springe und dann die Boards wiederholen muss, weil ich die gesamte Bildschirmrichtung für das Ganze durcheinander gebracht habe Storyboard. Und es war weniger wirklich, wirklich, wirklich, sehr frustriert. Ich denke also, dass die Ein-Grad-Regel eine Regel ist, dass Sie wirklich viel studieren und üben müssen und Ihre Vorstände. Also lasst uns direkt hineinspringen. Was ist also die eine ET-Regel? Wie auch immer? Warum benutzen wir es? Warum ist es also, die 180-Grad-Regel tatsächlich eine unsichtbare Linie zwischen, wie sie zwischen zwei Themen geschaffen wird eine unsichtbare Linie zwischen, , wenn sie es sind, wenn sie ein Gespräch führen. Oder sogar nicht nur zwischen zwei Themen, sondern zwischen unserem Subjekt und vielleicht einem Objekt im Raum oder im Set oder was auch immer. Und dieses Diagramm hier sieht man zwei Leute reden, oder? Sie haben also eine auf der rechten Seite, eine auf der linken Seite, und dann haben Sie die Kamera, die aufzeichnet, die ihre Konversation einrahmt und aufzeichnet. Jetzt habe ich unten eine kleine gepunktete Linie gezeichnet um zu zeigen, wo sich die 180-Grad-Linie befindet. Und dann habe ich einen Halbkreis gezeichnet. Jetzt ist dieser Halbkreis eigentlich eine Darstellung einer Bühne in Bezug auf das Theater. Nehmen wir an, die Kamera ist der Ort, an dem das Publikum in einem Theater sitzt, in dem sich die Plätze befinden, und sie betrachten diese beiden Schauspieler auf der Bühnenaufführung. Deshalb habe ich einen kleinen Bühnenhalbkreis gezeichnet um das darzustellen. Jetzt ist die 180-Grad-Regel eine Regel, damit Sie ein Publikum nicht verwirren wenn Sie einen Film oder ein Storyboard drehen. Die Regel lautet also im Grunde, dass sich die Kamera auf einer Seite befindet. Wie du siehst. Die Regel ist, dass du, wenn du anfängst, Konversation zu schießen einen Charakter an einem Ende, wie hier, und einen Charakter am anderen Ende hast . In diesem Beispiel sehen Sie hier, dass sich der erste Charakter auf der linken Seite befindet und der zweite Charakter rechts auf dem Bildschirm ist. Und damit dies gleich bleibt, muss die Kamera auf dieser Seite des ET bleiben , der direkt im obigen Diagramm liegt, Sie sehen die unsichtbare Linie. Du siehst, die Kamera ist auf einer Seite. Und wegen dieses Charakters ist man auf der linken Seite, richtig? Zwei sind auf der rechten Seite. Wenn wir diese Regel brechen, wenn wir die Charaktere im Gespräch aufnehmen oder diese Regel gebrochen haben , bekomme ich so etwas, wo wir die Kamera auf das andere Ende der Charaktere stellen . Wenn wir jetzt tatsächlich aufnehmen und durch den Sucher der Kamera schauen, werden wir sehen, dass sich der erste Charakter jetzt rechts befindet und der zweite Charakter jetzt links ist. Wenn Sie Ihre Szene bearbeiten oder Ihr Storyboard bearbeiten, setzen Sie diese beiden Szenen zusammen. Im Vergleich zu dieser Szene verwirren Sie Ihr Publikum, weil niemand auf der linken Seite ist und Ihr Publikum so sein wird, warte, wie ist er auf der linken Seite gekommen, über die er gegangen ist? Ist er magisch auf der linken Seite erschienen, der Tag wechselte Tunika, bin ich verwirrt. Und das kann das Publikum wirklich verwirren. Und die Hauptsache, die es tut, ist, dass es das Publikum aus der immersiven Geschichte herauszieht das Publikum aus der immersiven Geschichte herauszieht , die Sie erzählen möchten. Denn wenn Sie ein Geschichtenerzähler sind, möchten Sie, dass Ihr Publikum aufnimmt und lagert. Du willst nicht, dass sie von irgendwelchen technischen Vorstellungen des Filmemachens abgelenkt werden . Sie möchten nicht, dass sich Ihr Publikum um diese Dinge kümmert, und sie so zu verwirren , kann es herausziehen. Also zurück zum ersten. Was möchten Sie tun, ist die Kamera während der Aufnahme auf einer Seite zu halten . Jetzt können deine Charaktere die Seiten wechseln, aber du musst ihnen zeigen, dass sie die Seiten wechseln. Sie können sie dazu bringen, die Seiten in einem Schnitt zu wechseln. Was du also tun würdest, ist, dass du es hättest, sagen wir, du wolltest, dass der erste Charakter nach rechts kommt. Du würdest Charakter eins tatsächlich nach rechts gehen lassen, nach rechts gehen, Charakter in einem Schuss an alle weitergeben, Charakter in einem Schuss an alle weitergeben um tatsächlich jedem Publikum zu zeigen, dass hey, dieser Charakter tatsächlich ist Verschieben des Zeichens auf eine Entität rechts auf dem Bildschirm. Wie hier zu sehen. Du würdest nie wirklich einfach schneiden und einen Charakter haben wollen , wenn du die Seiten wechselst und das Publikum verwirrst. Jetzt. Sie müssen diese Regel tatsächlich in einer Szene beibehalten und sie ankreuzen, ankreuzen und beibehalten, um die Regel beizubehalten damit Sie das Publikum nicht verwirren. Und wie ich bereits sagte, wenn du willst, dass sich ein Charakter bewegt und wechselt, musst du es tatsächlich zeigen. Sagen wir, du hast die Regel gebrochen. Und dann brechen Sie für den Rest der Episode immer wieder die Regel. Sie müssen die ganze Szene melden, um diese Regel und das Guthaben zurückzubekommen. Und so wirst du das Publikum nicht verwirren. Jetzt gibt es bestimmte Zeiten, in denen Sie die Regel brechen können, und es ist nur das einzige Mal, dass Sie die Regel brechen können , wenn Sie die Dinge weniger verwirrend machen möchten. Nehmen wir an, Sie folgen der Wunsch-Abschlussregel und Sie werden feststellen, dass, hey, das verwirrend erscheint oder ich kann etwas deutlich zeigen, als Sie verbrennen, Sie wollen es bis zum Abschluss der Regel. Und es kann bestimmte Fälle in denen Sie die Regel brechen müssen, aber nur brechen müssen, damit Sie klarer oder weniger verwirrend sein können. Jetzt wollten sie sich neu gruppieren. graue Regel ist ziemlich einfach , wenn es um zwei Charaktere geht. Aber wenn es um drei oder mehr Charaktere geht, wie im Beispiel hier, bekommst du nicht nur eine Zeile, oder? Du wirst in diesem Fall drei unsichtbare Leben mit drei Charakteren bekommen , oder? Und hier wird die Dinge etwas technischer und ein bisschen verwirrender. Aber wir müssen sie gleich hier aufschlüsseln, sofort. Also Charakter, eins, Charakter zu Charakter, all diese drei Typen, die sich unterhalten und wir haben die Kamera direkt draußen, die unsichtbare Zahl drei Zeilen. also im Sucher sehen werden, Was wir also im Sucher sehen werden, ist unten hier, das Diagramm unten, die Kamera ist dem ersten Zeichen am nächsten und dann vielleicht Charakter drei. Und Charakter zwei ist wahrscheinlich das erste Zeichen pro Woche. Wenn Sie jetzt Gespräche zwischen drei Charakteren aufnehmen, ist es am besten, zwei der Charaktere zu gruppieren und einen der Charaktere auf der anderen Seite des bildschirm. In diesem Beispiel haben wir den Charakter eins und den zweiten Charakter auf der linken Seite und Charakter drei auf der rechten Seite. Wir lassen den Bildschirm immer noch in zwei Teile teilen. Sagen wir also, dass Charakter eins und der zweite Charakter tatsächlich nur in der Position eines anderen Charakters sind. Aber was wir getan haben, ist, dass wir sie gruppiert haben , damit es sich so anfühlt. In diesem Rahmen würden wir also das Gefühl haben, eins und den zweiten Charakter auf derselben Seite der Konversation zu charakteren. Und beide sind gegen Charakter drei, der eine eigene Meinung hat. Nehmen wir an, wir wollten schneiden und einen anderen Blickwinkel bekommen. Und im obigen Diagramm haben wir die Kamera heute auf mehr verschoben, oder? Aber wie Sie sehen können, sind wir immer noch nicht über die unsichtbare 180, Linie drei, gesprungen , oder? Wir sind immer noch dahinter. Und das ist der Blickwinkel, den du kriegen wirst. Wie Sie sehen, haben wir die Zeichen immer noch gruppiert. Die drei sind immer noch allein und Charakter 12 sind auf der linken Seite gruppiert, also behalten wir die Bildschirmrichtung bei. Im Grunde genommen hat die Bildschirmrichtung im Grunde Charakter. Nehmen wir an, ein Zeichen erscheint auf der rechten Seite des Bildschirms. Wir können ihn auf der rechten Seite halten. Und wenn ein Charakter auf der linken Seite ist, wird er auf der linken Seite bleiben , damit wir das Publikum nicht verwirren. Leute, die 180-Grad-Regel ist anfangs wirklich, sehr komplex und es kann eine Weile dauern, bis du dich daran gewöhnt hast. Sobald Sie weiter üben, sobald Sie das Storyboard behalten und es wird irgendwann kommen, Bildschirmrichtung und all diese komplizierten, komplizierten Dinge. Und du musst dir nicht einmal Sorgen machen, tatsächlich über diese Dinge nachdenkst. Sie werden dir einfach so selbstverständlich wenn du es tust, wenn du deine Boards machst , und du kannst dich auf deine Geschichte und komplexere Dinge konzentrieren . Also werden wir mit der Aufgabe für diese Lektion fortfahren . Und es wird dir beim Üben helfen. Sie wollten die Regel abschließen. Lasst uns damit fortfahren. Nein. Okay. Und jetzt habe ich eine Szene, die ich gerade mit zwei Charakteren erfunden habe. Und ich baue hier irgendwie skizzenhaft. Und was ich möchte, dass ihr diese Szene benutzt. Ich möchte, dass Sie im 180-Grad-Bereich so viele verschiedene Aufnahmen wie möglich erstellen . Wie Sie gesehen haben, habe ich nur drei Kameras hineingelegt und das sind nur Beispiele dafür , wo Sie die Kamera platzieren können, um eine Aufnahme zu machen, oder? Was ich möchte, dass du genau machst ist wie dieses Beispiel hier. Was ich getan habe, war, dass ich die Kamera auch hinter den Charakter gelegt habe . Und ich habe diese breite Aufnahme der beiden Charaktere etwas über die Schulter des Charakters geschaffen der beiden Charaktere etwas . Dies ist nur ein Schuss, den Sie innerhalb der 180-Grad-Regel erstellen könnten . Jetzt möchte ich, dass ihr so viele verschiedene Aufnahmen wie möglich erstellt . Es kann eine Nahaufnahme sein, es könnte breit sein, es könnte mittel sein. Es kann ein Zwei-Schuss sein. Ich möchte nur, dass ihr so viele Aufnahmen wie möglich innerhalb der Wunch-to-Grad-Regel erstellt innerhalb der Wunch-to-Grad-Regel indem Sie diese Beispielszene von Charakteren verwenden. Ich hoffe, euch gefällt diese Übung und wir sehen uns in der nächsten Klasse. 7. 6 Kompositionen: Okay, in dieser Lektion werden wir über Schockzusammensetzung sprechen. Jetzt. Wir werden nur über ein paar Regeln sprechen , die Ihnen beim Erstellen Ihrer Aufnahmen helfen und begleiten werden, oder? Und die erste Reihe, die wir hier vorstellen werden, ist die Drittelregel. Jetzt ist diese Regel eine sehr grundlegende Regel in der Fotografie und Kinematografie. Und viele von Ihnen mögen damit vertraut sein, aber ich werde es nur für diejenigen durchgehen , die vielleicht nicht vertraut sind. Die Drittelregel besteht im Grunde aus vier Linien, um horizontal zu laufen und vertikal zu laufen, wodurch ein Raster aus neun Rechtecken oder Quadraten entsteht, das von der Komposition abhängig ist. Und was diese Linien tun, ist, dass sie volle Punkte in der Komposition schaffen. Dass diese vier Punkte Bereiche in Ihrer Komposition Themen oder Objekte spielen , die für ein Publikum erfreulich erscheinen werden , oder? Im Moment haben wir hier ein Beispiel mit einer mittleren Nahaufnahme, Nahaufnahme von jemandem, oder? Und der Grund, warum diese Komposition für das Auge angenehm ist , ist, dass das Gesicht der Person an diesem Punkt befindet. Und wir möchten, dass das Publikum auf das Gesicht dieser Person schaut. Stimmt's? Jetzt steht diese Person nach rechts. Der beste Ort, an dem wir das Gesicht dieser Person hätten setzen können, ist auf der linken Seite des Bildschirms und an diesem Punkt rechts. Wenn du es willst, wenn die Person nach links gerichtet wäre, wäre es besser gewesen, es auf die rechte Seite zu stellen , oder? In diesem Punkt richtig. Jetzt haben wir einen breiteren Schuss mit dem ganzen Körper des Charakters. Wie Sie sehen können, wird das Gesicht der Person direkt auf diesen Punkt gelegt. Und es ist ein netter Schwerpunkt für das Publikum , sich das anzusehen. Wirklich, sehr erfreulich. Und es ist nicht erschütternd, es ist nicht aus dem Weg. Es ist in keiner Weise Positionen, oder? Wenn man sich die ganze Szene anschaut, könnte man sehen, dass der Charakter vielleicht in der Ecke rockt. Und man konnte den Punkt sehen, der unteren Hälfte der Szene entsteht. Der Felsen ist an diesem Punkt, oder? Du hast wie die beiden Themen in diesen Punkten, oder? Jetzt. Sie sind nicht ganz eingeschränkt, wenn Sie die Zweierregel verwenden . Das stimmt. Du magst es nicht ganz, du musst alles direkt auf diese Punkte legen . Sie sind viel mehr ein Leitfaden für Sie, wenn Sie Ihre Szenen komponieren und es Ihnen leichter machen Objekte in dieser Szene zu platzieren, oder? Das waren die Punkte zur Drittelregel. Jetzt schauen wir uns die beiden horizontalen Linien der Drittelregel an, oder? Jetzt. Diese beiden, diese beiden horizontalen Linien dienen als zwei Bereiche, in denen Sie Ihre Horizontlinie platzieren können. In diesem ersten Beispiel haben wir die Horizontlinie b und d, die untere horizontale Linie im Raster. Stimmt's? Wenn Sie Ihre Horizontlinie hier platzieren, möchten Sie normalerweise mehr vom oberen Bereich der Szene hervorheben. In dieser Szene wollen wir den Himmel und vielleicht die blauen Wolken über dem Haus in dieser Szene betonen den Himmel und vielleicht die blauen Wolken über dem , oder? Also würden wir die Horizontlinie unten dort platzieren , richtig? Jetzt in einer anderen Szene , in der wir die untere Hälfte der Szene betonen möchten . Wir möchten vielleicht mehr von dem Gras betonen, mehr von dem , was auf der Grundebene passiert, oder? Wir können die Horizontlinie horizontal in die obere Hälfte des Rasters platzieren . In dieser Szene möchten wir also mehr von dem Haus und dem Auto betonen , das auf das Haus zugeht. Wenn du mehr davon betonen willst, würden wir nicht mehr vom Himmel zeigen, oder? Es würde mehr von der Linie zeigen. Deshalb tragen wir in diesem Fall die Horizontlinie mehr auf die obere Hälfte. In Ordnung? Und selbst in dieser Szene können wir sehen, dass wir die beiden Objekte rechts platziert haben. Wir haben das Auto an einem der Rasterpunkte, und dann haben wir das Haus und die Rasterpunkte, weil es zwei Schwerpunkte der Szene gibt , oder? Das Auto und das Haus. Jetzt werden wir zu einem anderen Kompositionswerkzeug übergehen, oder es ist eine andere Art zu komponieren ist eine zentrierte Komposition, oder? Dinge. Direkt mitten in einer Szene. Wenn sich jemand einen Film anschaut ein Objekt wie ein Totzentrum in der Komposition platziert wird , zieht es normalerweise den größten Fokus. Was auch immer Objekte um dieses Thema herum sind , wird immer kommen, vielleicht an zweiter Stelle für das Publikum. So platzieren Sie Objekte in die Daten und wie Sie sehen können, was eine weitere gute Möglichkeit ist Aufmerksamkeit Ihres Publikums zu lenken, darin etwas in den Mittelpunkt zu stellen. Wie in diesem Beispiel haben wir ein Nahaufnahmemedium, eine mittlere Nahaufnahme seines Charakters und sein Gesicht ist tot in der Szene. Stimmt's? Jetzt. Wir müssen nicht immer Gesicht der Person in die Tote stellen. Sie können etwas Spielraum haben , wenn Sie ein Objekt platzieren. In diesem Beispiel haben wir oben die, die mittlere Aufnahme einer Person ausgestreckte Hand dort. Aber wie Sie sehen konnten, ihr Gesicht nicht ganz im Totzentrum, es ist etwas darüber. Und du könntest Objekte etwas über und immer noch unabstieg platzieren etwas über und immer noch unabstieg , hat nicht den Punkt, muss nicht ständig zwischen ihren Augen sein. Dad hat das Gleiche unten gesagt , dass wir das Thema haben. Er befindet sich in der Mitte des Bildschirms, aber er ist kein Totzentrum. Dies ist, das ist immer noch in Ordnung , um Ihr Thema zu platzieren. Er muss nicht immer, immer sein, dass man zwischen den Bereichen um dieses Zentrum etwas Spielraum hat. Im Moment sogar selbst, wenn Sie breite, breitere Aufnahmen machen und mehr Szenen mit Gebäuden und draußen haben . Sie können es auch verwenden, das eine Komposition gesendet hat. In diesem haben wir also ein Haus in der Mitte des Feldes und wir möchten, dass unser Publikum direkt auf das Haus schaut. Wir wollen nicht, dass das Publikum von irgendetwas anderem von dieser Quelle abgelenkt wird, weil wir wissen, dass die Geschichte in diesem Haus stattfindet und wir möchten, dass sie sich auf dieses Haus konzentrieren. Es ist das Gleiche mit einem Thema, das in einer Online-Umgebung platziert wird , oder? Es gibt so viel Komplexität in der Umgebung, und vielleicht könnte das Thema sehr klein sein. Eines der Subjekte muss klein sein. Wir könnten also die Umwelt zeigen. Was wir tun würden, ist das Subjekt in die Tote Mitte zu stellen, oder? Das ist, wenn wir möchten, dass sich das Publikum auf unser Thema konzentriert, obwohl er so klein in der Szene ist. Die Verwendung von Dead Center-Komposition wird es dem Publikum viel einfacher machen , sich auf dieses Thema zu konzentrieren. Jetzt werden wir mit unserer nächsten Art, Ihre Szenen zu komponieren, übergehen . Und es versteht die Objektgröße in deiner Szene, oder? Die Grundidee hier ist also, dass jedes Objekt, das in Ihrer Szene wirklich groß ist , die meiste Aufmerksamkeit auf sich ziehen wird. Und es wird Ihrem Publikum sagen, schauen Sie sich dieses Objekt wegen seiner Größe an, es wird sich darauf beziehen, dass es wichtig ist. Die Größe ist also relativ zu wichtig. In dieser Szene haben wir einen Typen, der viel näher an der Kamera ist. Und man konnte im Hintergrund sehen, wir haben Leute vielleicht in einer Menschenmenge, die nach rechts schauen. Nun, das Wichtigste in dieser Szene offensichtlich aufgrund seiner Größe dieser Charakter vorne, ist offensichtlich aufgrund seiner Größe dieser Charakter vorne, der bereit zu sein scheint , irgendeine Art Kampf zu führen, oder? Er ist also das wichtigste Objekt in der Szene. Jetzt haben wir unser nächstes Beispiel hier, wobei ein Typ eine Waffe auf was richtet, jemand oder so, richtig? Das Wichtigste in dieser Szene ist die Waffe. Weil die Waffe fast so groß ist wie die Person in der Szene, oder? Das zweitwichtigste in dieser Szene ist der eigentliche Typ. Aber das Wichtigste ist die Waffe. Es ist der entscheidende Faktor in der Szene. Und wie wir das tun, wenn wir die Größe der Waffe im Rahmen erhöhen. So schaffen wir ein Gefühl von enormer Bedeutung ist das Gleiche mit diesen Gebäuden hier. Sie könnten die Größe für Zeichen verwenden, Sie könnten Größenobjekte verwenden, Sie könnten Größenumgebungen verwenden. In dieser Szene haben wir hier und da ein Gefühl von massiven, massiven Strukturen. So riesig im Vergleich zu der Person, die sich in der unteren Ecke befindet, in der unteren linken Ecke. Er ist nicht so wichtig wie diese massiven Strukturen und wird gesehen, wenn wir uns diese Szene ansehen, wir wissen, dass die Strukturen die wichtigsten Dinge in dieser Szene sind. Diese Szene könnte als Eröffnungsszene oder als Wide Shot verwendet werden , um zu zeigen wo die Geschichte stattfinden wird. Und wir zeigen die Bedeutung dieser Strukturen in dieser Szene. In Ordnung. Also werden wir wieder zu einem anderen übergehen. Wir haben Ihre Szene komponiert und es ist cool. Rahmen innerhalb eines Rahmens oder? Im Grunde genommen werden wir bei diesem Shot-Typ Elemente in der Szene selbst verwenden, oder? Das schafft Frames, die ein Objekt von Bedeutung umrahmen würden , oder? Im Grunde haben wir die Kamera, wenn Sie sie gerade im Kamerasucher finden. In diesem Beispiel haben wir einen Charakter, der sich hinter einigen Bäumen befindet. Wenn Sie sich die Äste der Bäume ansehen, werden Sie sehen, dass sie einen Rahmen schaffen, der nicht wirklich ein Quadrat ist, aber das Motiv in einem Raum umrahmt, oder? Und dieser Freeman ermöglicht es dem Publikum, sich noch mehr auf dieses Thema zu konzentrieren, oder? Es erstellt einen Rahmen von, es entfernt alle anderen Ablenkungen von der Szene und ermöglicht es dem Publikum, sich auf diesen Rahmen zu konzentrieren. Schauen wir uns hier ein anderes Beispiel an. Jetzt ist dies ein Beispiel. Lassen Sie uns viele Filme verwenden die den Türrahmen als Szene verwenden, naja, wie jeder Rahmen der Tür als Rahmen im Rahmen dieser Szene, oder? diese Weise können Sie sich wirklich auf den Charakter in diesem Raum konzentrieren. Jetzt ist das Publikum außerhalb des Raumes, aber der Rahmen ermöglicht es uns, uns von nichts außerhalb des Türrahmens ablenken zu lassen. Das ist also ein wirklich, wirklich schöner Rahmen innerhalb einer Frameszene, oder? sind also Regeln , die Sie verwenden könnten, um Ihnen beim Komponieren dieser Szenen zu helfen, oder? Wir werden jetzt mit Ihrem Auftrag für diesen Kurs fortfahren . Okay Leute, für den Auftrag möchte ich, dass du eine Szene aus deinem Lieblingsfilm oder einem Film auswählst . In Ordnung? Dann mach Screenshots von jeder Aufnahme in dieser Szene. Ich möchte, dass Sie das Raster der Drittelregel auf jeden Brunnen zeichnen , seinen Rahmen. Und wenn du das Raster zeichnest, möchte ich, dass du analysierst, wie die Senioren komponieren. Fällt eines dieser Themen auf einen der Punkte der Drittelregel, oder? Und dann möchte ich, dass du es totes Mittelraster in derselben Szene zeichnest . Analysieren Sie die Szene und prüfen Sie, ob der Regisseur dies als Leitfaden verwendet, um die Szene zu komponieren. Hier sind ein paar Beispiele dafür, was ich von dir möchte. Ich habe ein paar Screenshots von Szenen aus der letzten Szene gemacht, und David Fincher hat sieben. Und was ich getan habe, war, dass ich gerade die Richtlinien der Drittelregel auf die Szene gezogen habe, auf die Komposition. Und ich habe das im Grunde nur getan um zu sehen, wo der Regisseur das Thema platziert, wenn man sie auf einen der Punkte legt, um zu sehen, wie er diesen Schuss im Vergleich zur Drittelregel komponiert hat, ob er die Drittelregel oder er benutzte nicht die Drittelregel. Dies ist nur eine grundlegende Übung für Sie, um Ihnen zu helfen, Szenen zu analysieren und aufzuschlüsseln, damit Sie schließlich Samen verwenden können , die Sie in Ihrem Geschäft sehen. 8. 7 Kamerabewegungen: Sprechen wir jetzt über Kamerabewegung als Storyboard-Künstler, um Ihre Arbeit dynamischer zu gestalten, fügen Sie einfach hinzu, dass zusätzliche Bewegung der Kamera für die Szene so wichtig sein könnte. Für die Psychologie einer Szene, eine Art von Emotionen, die Sie ausdrücken möchten , und Sie möchten, dass das Publikum diese Szene ausfüllt. die verschiedenen Kamerabewegungen kennen, wird Ihrem Storyboard wirklich diese zusätzliche Länge verleihen. Die erste Kamerabewegung über die wir reden werden, ist die Pan. Der Pan stimmt Ihre Kamera im Grunde von links nach rechts, von rechts nach links, rechts. Jetzt hat er durchstochen, dass du nicht wirklich den gesamten Körper der Kamera bewegst. Man hebt es nicht auf und stimmt es ab. Sie drehen es einfach auf seine Achse, so dass es dem Motiv folgt. In diesem Beispiel sehen Sie, dass ein Charakter vor der Kamera steht. Es zeigt also, wie sich die Kamera auf ihrer Achse darauf anpasst , die verschiedenen Gelenke zeigen Ihnen, dass die Kamera hier abstimmt. Nun, wie würde das in einem Sucher aussehen? Sehen Sie, wir haben den Charakter, den Ausgangspunkt des Charakters. Er ist mitten im Sucher. Wir wollen die Kamera nach links drehen. Wenn wir die Kamera drehen, zeichnen Sie den Charakter, der sich immer mehr nach rechts vom Bildschirm bewegt , weil wir die Kamera links drehen und die Kamera nach rechts drehen. In diesem Diagramm wird das Zeichen sehen, dass es immer mehr nach links von der Zersetzung bewegt wird. So würden Sie sich wahrscheinlich dem Zeichnen nähern, während Sie die Bewegung der Kamera zeichnen. Das Thema wird sich in die entgegengesetzte Richtung des Handels bewegen . Es würde also die Illusion eines Pan-Shots erzeugen. Denken Sie daran, dass wir eigentlich keine Live-Action verwenden, also werden wir kein R2-Komma verwenden, aber wir müssen die Bewegung der Kamera in den Pons Shot simulieren . Nun, was ist, wenn wir, mal sehen, ich bewege das Thema und wir wollen schwenken, ohne das Thema zu bewegen , wird ungefähr so aussehen. Nehmen wir an, wir haben einen Charakter läuft und ich sehe dich auf die Kamera zulaufen. Und dann willst du der Aktion des Charakters folgen , während er an der Kamera vorbeiläuft und weitermacht. Nein, so würdest du im Grunde zeichnen. Um dies zu simulieren, wenn Sie beim Zeichnen sind, zeichnen Sie den Charakter nicht wirklich so im Rahmen. Um das zu simulieren, habe ich einfach alle Phasen des Charakters gezeichnet , der in dieser Szene läuft. Also würdest du sehen, oh, ich nähere mich dem. Jetzt in dieser Aufnahme hast du eine 2-Perspektive, hast du eine 2-Perspektive weil du den Charakter aus einer Richtung kommst. Und wenn Sie die Kamera schwenken, wird ein weiterer Punkt auf der Horizontlinie erzeugt, aber es wird eine Sekunde Perspektive auf der Horizontlinie geben. Es schafft also zwei Punkte, oder? Also würdest du den Charakter zeichnen, der auf dich zuläuft. Der nächste Punkt des Charakters, es in Richtung Kamera. Es wäre eher wie eine Seitenansicht. Und wenn dann ein Charakter davonläuft, siehst du die Kiste. Wenn Sie dies also tragen und in das Bearbeitungsprogramm tragen und tatsächlich einreichen, führen, erscheint die Bewegung der Kamera in jedem Frame des Charakters. Während die Kamera schwenkt, simulieren Sie eine Schwenkaufnahme des Charakters, der durch die Szene läuft. Also zeige ich dir ein Beispiel dafür, wie ich das jetzt mache, es ist im Grunde genau so. Das ist also ein Storyboard , das ich gemacht habe, das diese Art von Simulation eines Punch Up integriert hat. Wir haben zwei Charaktere, die Rolltreppe in einem Bahnhof hochkommen . Und sie werden an der Kamera vorbeigehen. Und wie Sie es sehen können, simuliere ich diese Aufnahme, indem ich jede Sequenz so zeichne, wie sie sind. Und am Anfang sieht man , dass es hier eine Perspektive gibt. Und während die Kamera abstimmt, haben Sie einen anderen Perspektivpunkt , in dem sie weggehen. Dies ist also ein Beispiel dafür. Simulieren Sie eine scheinbare Aufnahme von bewegten Charakteren. Jetzt sprechen wir über das Kippen der Kamera. Im Grunde genommen ist das Kippen die vertikale Bewegung der Kamera nach oben oder unten. Wir bewegen den Körper der Kamera immer noch nicht wirklich von einem Ort zum nächsten, aber wenn wir ihn auf der Achse neigen, um die Y-Achse genau zu sein, neigen wir sie nach oben oder kippen nach unten. In diesem Diagramm hier können Sie sehen, dass die Kamera dem Charakter gegenübersteht und wir zeigen gerade den Bereich der Neigung der Kamera, schauen wir uns das im Sucher an. Wenn wir es also neigen, müssen Sie eine gewisse Verzerrung in der Neigung zeichnen , um die Bewegung der Kamera zu simulieren. Da das Sucherkind nur einen bestimmten Bereich sieht und wenn wir ihn zeichnen, wollen wir simulieren, wie die Kamera Dinge sieht. Also müsstest du zeichnen, was ich dir gesagt habe. Sie müssen die Einstiegspunkt-Perspektive mit leichter Verzerrung zeichnen und diese Verzerrung zeichnen. Wenn Sie es also in Ihre Ebenenbearbeitungssoftware einfügen und tatsächlich die Neigung machen. Bewegung und die Software, es wird nicht schauen, wo sie für das wirkliche Leben genauer aussehen wird , denn die Verzerrung ist, wie wir die Kamera halten würde sie tatsächlich sehen. Und es wird tatsächlich normal aussehen, weil es sich um sehr unterschiedliche Perspektivpunkte handelt , die sich auf und dann zum Charakter bewegen. Sie müssen diese Perspektivpunkte also in einem Gelenk simulieren . Sie werden also Baumpunkte der Perspektive haben. Schauen wir uns ein anderes Beispiel mit diesem Baum an, oder? Nehmen wir an, wir wollten eine Simulation eines Tilt-Shots zeichnen. Wir müssen es genauso zeichnen wie mit dem vorherigen Charakter. Wir müssen es mit 2 Perspektiven mit der Verzerrung verschiedener Perspektivpunkte zeichnen . Denn wenn wir die Kamera bewegen, werden wir verändert und perspektivisch. Und wir wollen nichts mit nur einer Ein-Punkt-Perspektive zeichnen . Und wenn wir schwenken, bekommen wir nicht den Effekt, den wir wollen. Wir wollen den Effekt erzeugen , dass die Kamera hier ist, aber sie kippt, sie bewegt sich nicht. Dies ist die Tatsache, dass wir wollen, dass es gekippt wird. Und wir müssen zeichnen, die Themen wie diese zeichnen, damit dein Storyboard diesen Effekt erzeugt. Hier ist also ein kleines Beispiel für den Tilt Shot in Aktion. Dies ist also ein Schloss, das ich mit den Verzerrungselementen mit einer 2-Perspektive gezeichnet habe . Wie du dich sehen könntest, während die Kamera von der Spitze des Schlosses nach unten zum Ende des Schlosses kippt von der Spitze des Schlosses . Man merkt die Verzerrung in der Zeichnung nicht wirklich , denn wenn man sie findet, kann man nur so viel sehen. Wenn Sie nun die Zeichnung, die vollständige Zeichnung, sehen, werden Sie feststellen, dass die Verzerrung, und es scheint unrealistisch. Aber weil die Kamera kippt, ist dies eine gute Möglichkeit, diese Tilton-Kamera zu simulieren. Jetzt ist der Dolly Shot, auch als Pushing oder Push Out bekannt, auch als Pushing oder Push Out bekannt, eine Aufnahme, bei der Sie die Kamera physisch näher oder weiter von Ihrem Motiv entfernt bewegen . Der Dolly Shot ist also eine Möglichkeit, zwei Schüsse zu kombinieren , ohne zwischen den Schüssen schneiden zu müssen. Zum Beispiel könnte ein Dolly Shot als Weitschuss beginnen und dann mit einer mittleren Nahaufnahme enden. Bei der Zoomaufnahme besteht der Unterschied zwischen dieser und der Dolly-Aufnahme darin, dass Sie die Kamera nicht physisch bewegen, ist Zoom eine optische Änderung, die Brennweite. Und was das heißt, anderen Worten, ist im Grunde die Vergrößerung. Mit einer Zoomaufnahme wird das Motiv im Frame größer und Ihr Hintergrund wird komprimiert. Zoomaufnahmen entfernen das Tiefengefühl in Ihrem Frame. Okay Leute, denn der Auftrag für diesen Kurs wird ein bisschen anders sein. Es wird eine kleine Live-Action-Art von Aufgabe sein. Was ich möchte , dass Sie also ein Kamerahandy oder eine Digitalkamera haben . Ich möchte, dass Sie einfach raus gehen und mit diesen Kamerabewegungen fotografieren mit diesen Kamerabewegungen denen wir gerade gelernt haben. Ich möchte, dass du den Pfundshard benutzt, bis du den Zoom und den Dolly erschossen hast. Und schieß einfach auf verschiedene Dinge. Sei einfach kreativ und gewöhne dich einfach an die verschiedenen Arten von Kamerabewegungen und lass sie Teil deines Vokabulars werden und Geschichten erzählen. Also viel Spaß mit dieser Aufgabe und sei einfach kreativ. Wir sehen uns in der nächsten Klasse, Leute. Danke vielmals. 9. 8 Zeichnen aus Skript: Storyboards werden fast immer mit Hilfe eines Skripts erledigt. Während der Produktionspipeline eines unbegrenzten Zeichentrickfilms, den ich schreibe, würde ich das Skript an den Laden weitergeben. Welches Team, das dann das Skript benutzt , schreibt diese Storyboards ab. In einigen Fällen muslimische Spielfilmproduktion als würde die muslimische Spielfilmproduktion als speicherbares Team anfangen, Geschichten, Skizzen ohne Drehbuch zu erstellen . Aber für dieses Beispiel werden wir ein Skript verwenden. Sobald Sie Ihr fertiges Skript haben oder sequenziert sagen, sollten Sie als Erstes tun, bevor Sie überhaupt an das Zeichnen denken , Ihr Skript mehrmals zu lesen. Ich würde sagen, Radius Scrub so viel Zeit wie möglich angesichts der zugewiesenen Frist. Das Lesen Ihres Skripts mindestens fünfmal sollte gut genug sein, damit Sie die Gesamtidee dieses Geschäfts verstehen können, der Ihnen präsentiert wird. Es ist wichtig für einen Story-Künstler und kennt die Geschichte oder Sequenz von Anfang bis Ende. Oder Sie erstellen eine grobe Miniaturansichten eine großartige Möglichkeit sind, diese ersten, ersten Ideen aus dem Kopf zu holen . Man kann sie also auf dem Papier sehen. Viele Storyboard-Künstler verwenden sehr grobe Thumbnails, um ihre Ideen schnell zu verstehen. Manchmal sind diese Miniaturansichten so grob, dass nur sie sie verstehen können. Der Grund, warum Miniaturansichten so effektiv sind, liegt darin, dass Sie wenig Zeit und Mühe verwenden , um Ihre Ideen auf den pH-Wert zu bringen. Zu diesem Zeitpunkt ist es nicht sehr wichtig , dass Sie sich nicht in Ihre Ideen verlieben. Man muss vorbei sehen, was wirklich cool aussieht und sich auf heilige Szenen konzentrieren, die Geschichte suppen. Sie während eines harten Passes Denken Sie während eines harten Passes über Ihre Geschichte nach. Denken Sie an die Emotionen, die das Publikum empfinden soll , wenn es sich diese Sequenz ansieht. Denk über die Schüsse nach. Du denkst, sie würden die Motion-Show noch mehr machen. Ich finde das, wenn ich an einer Sequenz arbeite und als etwas fehlt oder verbessert werden kann. Und ich fühle es in meinem Bauch, meine Marke wird vielleicht faul und sage mir, dass die Sequenz so funktionieren kann, wie sie ist, aber mein Gott weiß immer, wo ich mich verbessern muss. Hör immer auf deinen Bauch, wenn es dir sagt, dass du etwas verbessern sollst. Werden Sie nie faul, wenn Sie berichten, denn irgendwann müssen Sie es Ihrem Direktor zeigen. Und manchmal, naja, meistens, wird dieses Bauchgefühl, dass ich etwas ändern musste manchmal immer von jemand anderem hingewiesen , der es sieht. Hören Sie also immer auf Ihren Bauch und Belohnung, wenn Sie sich melden möchten. Viele von Ihnen haben vielleicht den Satz gehört, Geschichte ist König ist ein Einfrieren. Jeder Story-Künstler sollte nach leben, nicht, egal an welcher Art von Geschichte arbeitet. Wie löst man diese Geschichte? Das Konzept der Geschichten König im Hinterkopf zu behalten , wird die Aufnahmen und die Inszenierung beeinflussen. Sie verwenden ein Storyboarding einer Sequenz. Nehmen wir zum Beispiel an, Sie haben eine Sequenz mit einem heroischen Charakter im Storyboard gespielt. Die Aufnahmen, mit denen Sie verwenden würden, beinhalten wahrscheinlich Aufnahmen wie einen Low-Winkel-Shot, Aufnahmen wie einen Low-Winkel-Shot, der den Effekt eines starken, mächtigen Charakters wie diesem erzeugen würde . Oder vielleicht sind Sie lagerfähig und unsere Geheimnisse mit jemandem, der sich allein fühlt Wir werden wahrscheinlich eher einen breiten Schuss verwenden, damit sich der Charakter in dieser Umgebung klein und unbedeutend anfühlt. Sie würden niemals Aufnahmen für Sequenzen wählen , nur weil Sie diese Aufnahmen gerne verwenden. Zwei Aufnahmen, die die Geschichte Ihrer Szene oder Sequenz verbessern . Jetzt für die Aufgabe werde ich Ihnen ein Teilskript geben, das weitergeht. Für den ersten Teil des Auftrags. Ich möchte, dass du das Drehbuch mindestens fünfmal liest. Dann möchte ich, dass Sie für den zweiten Teil einen groben Miniaturansichtspfad des Skripts erstellen. Dies ist also ein von Brian McDonald geschriebenes Drehbuch namens Freeman. Ich möchte, dass ihr es fünfmal liest und dann einen groben Pass macht. Dies ist die Eröffnungsszene des Drehbuchs und es ist nicht zu kompliziert. Für den dritten Teil möchte ich, dass du deine Thumbnails nimmst und sie in einem Storyboard zusammenstellst. Dann möchte ich, dass du dieselbe Sequenz auf zwei verschiedene Arten belohnst . Dies wird Ihnen helfen , sich nicht in Ihre ersten Ideen zu verlieben und Ihnen dabei zu helfen, die Fähigkeiten zu entwickeln , eine Geschichte zu erzählen. Dies bedeutet nicht, dass Ihre ersten Ideen falsch sind. Manchmal mag der Regisseur Ihre erste Idee lieben, aber um Ihre Vielseitigkeit zu verbessern, Erstellen verschiedener Storyboards hilft Ihnen das Erstellen verschiedener Storyboards in derselben Sequenz, sich zu verbessern. Das ist also dein Auftrag für diese Woche, Leute. Viel Glück. 10. 9 Bereinigung: Sprechen wir also darüber, dass das Aufräumen von Storyboards ist. Mein erstes professionelles Auditing als Storyboard-Künstler war in seinem Studio und Salt Korea namens Funny Flux Animation. Als ich anfing, dort als Praktikant zu arbeiten, wurde ich beauftragt, als Cleanup-Künstler der wichtigste Storyboard-Künstler im Team zu arbeiten. Dieser Job besteht darin, das fertige Storyboard von diesen Story-Künstlern zu nehmen und ihre Boards zu reinigen , um sie klarer zu machen. Normalerweise wäre ein Storyboard-Künstlerwerk sehr lückenhaft. Die Cleanup-Künstler verfolgten normalerweise die Bretter und machten sie dazu, Clara macht die Charaktere mehr und modelliert und fügte hinzu, dass extra detaillierte Storyboard-Künstler keine Zeit hatte, daran zu arbeiten. Der Zweck des Aufräumens von Storyboards besteht darin, dass es bei der Weitergabe an das Animationsteam keine Verwirrung oder Missverständnisse gibt , wenn sie sich die Storyboards ansehen. Einige Fans, sehr raue Boards können schwer zu verstehen sein. In dieser Lektion werden wir uns ansehen, einige grobe Storyboards zu bereinigen und wie viele Details Sie den Boards hinzufügen müssen, um sie vorzeigbar zu machen , ohne zu viel Zeit zu verschwenden. Werfen wir einen Blick auf das grobe Storyboard, das ich für diese Sequenz gemacht habe , und den Prozess der Erstellung dieser Storyboards. Ich habe eine Kurzschrift erstellt, die so locker war , dass die Charaktere hübsch aussahen ähnlich wie Stickman. Es kann sehr schwierig sein, die Charaktere auseinander zu halten. Wenn Sie nicht die Person sind, die die Storyboards erstellt hat , hätten Sie in einigen Fällen Charakterdesigns, hätten Sie in einigen Fällen Charakterdesigns mit denen Sie arbeiten können, um die Storyboards zu bereinigen. Manchmal haben Sie möglicherweise noch nicht die endgültigen Entwürfe von der Designabteilung. Mithilfe der Charakterdesign-Referenz sollten Sie versuchen, wichtige Charakterdetails hinzuzufügen , damit das Publikum weiß, wer wer ist. Jetzt werde ich also eine Demonstration machen, um Storyboards aufzuräumen , damit Sie sehen können, wie ich damit umgehen kann. Und dann erzähle ich euch von deinem Auftrag. Okay? Dies ist also der Bildschirmgriff aus dem vorherigen groben Storyboard , den wir aufräumen können. Jetzt habe ich mich für diesen entschieden, weil es ziemlich genug Charaktere und genug Hintergrund hat , um euch alles zu zeigen , was in das Aufräumen eines Storyboards steckt. Bevor wir das Storyboard bereinigen, möchte ich Ihnen das Zeichenblatt zeigen wir für dieses Storyboard verwenden werden. Jetzt sind dies ein bisschen grobe Charakterdesigns der Charaktere. Lassen Sie uns also sehen, dass Ihr Designteam Ihnen diese groben, aber nicht endgültigen Charakterdesigns sendet diese groben, aber nicht endgültigen Charakterdesigns , damit Sie das Storyboard bereinigen können. Sie werden sich also diese Charakterdesigns ansehen und Ihre Storyboards mit dieser Referenz bereinigen . Fangen wir also mit dem Aufräumen an. Normalerweise würde ich, wenn ich Storyboards bereinige , die Charakterdesigns auf einem separaten Monitor öffnen lassen. Und dann würde ich es einfach referenzieren, wenn ich aufräume. In dieser Aufnahme hat es, wie wir bereits sagten, alle Charaktere. Also fangen wir jetzt an, aufzuräumen, das erste, was ich mache , ist, dass ich zuerst den Hintergrund zeichnen würde. Wenn das also das Stöhnen ist oder wenn es wie ein paar Wände und ein paar Bäume im Hintergrund ist, zeichne ich das zuerst. In diesem Beispiel haben wir einfach den Boden. Also werde ich einfach das Raster einziehen. Und wenn ich das Raster oder den Hintergrund einzeichne, lege ich das auf eine separate Ebene. Also zeichne ich einfach das Raster und lege die Charaktere dann auf eine separate Ebene. Sobald Sie also Ihr Raster eingerichtet haben, werden Sie sitzen buchen Ihre Charaktere, die sich auf einer separaten Ebene befinden. Normalerweise lege ich alle Charaktere auf eine Ebene auf weniger, als bräuchte ich etwas, das sich speziell anders als die Charakterebenen bewegt. Also beginne ich mit dem Charakter und seinem Zentrum, nämlich Jordan, der dieser Charakter in der Szene ist. Und ich werde einfach anfangen , die Storyboards aufzuräumen , die im Hinterkopf genommen würden. Jetzt muss es keine schlechte Darstellung des Charakters aus den Charakterentwürfen sein schlechte Darstellung des . Es muss nur eine aufgeräumte, gut konstruierte Funktion des Charakters sein. Und wenn du dir das ansiehst, wirst du sehen, dass es nicht ganz genau wie die Charakterdesigns ist. Es ist, aber es bezieht sich genauer auf das Charakterdesign im Vergleich zu den groben Pfaden der Füße, die im Grunde nur ein Stockmann waren. Normalerweise würde ich, während ich weitermache, den Vorgang für alle anderen Charaktere wiederholen und die Charaktere aufräumen während wir weitermachen. Also lasst uns die Charaktere fertigstellen . Sobald ich die Charaktere fertig gemacht habe, wäre das nächste, was ich bei Bedarf für diese Art von Produktion tun würde, einige Grautöne hinzuzufügen. Nun, der Grund, warum Sie dem Storyboard Grautöne hinzufügen möchten , sind zwei. Zum einen, machen Sie die Dinge klar, um auf bestimmte Elemente in der Szene aufmerksam zu bestimmte Elemente in der Szene , die wichtiger sind, oder? Also die beiden Dinge, die das Wichtigste in der Szene haben, oder die Charaktere, die auf etwas schauen. Wir möchten also, dass sich das Publikum auf sie konzentriert. Wenn wir also das Raster-Tool hinzufügen, wird es einfach dadurch geschehen, dass der Kontrast zu den Charakteren zunimmt. Wir fügen einfach eine Rastermelodie zum Hintergrund hinzu, und dann fügen wir den Zeichen ein Weiß hinzu. Wissen Sie, wenn Sie dies hinzufügen, würde einen wirklich großen Kontrast zu den Charakteren erzeugen . Und es würde das Auge des Publikums auf die Charaktere lenken . Und deshalb fügen wir Storyboards Grautöne hinzu. Und so würde ein aufgeräumtes Storyboard am Ende aussehen. Wenn du jetzt zwischen den beiden hin und her blätterst, könntest du sehen, wie unterschiedlich es ist. Es ist nicht super, super komplett. Es ist wahrscheinlich nicht das Endprodukt der Produktion, aber es wäre viel klarer und verständlicher wenn Sie diese Storyboards an das nächste Team weitergeben, höchstwahrscheinlich im Animationsteam wer könnte dann Ihre Storyboards interpretieren und die Szenen ohne Verwirrung entsprechend animieren. Für Ihre Aufgabe für diese Klasse möchte ich, dass Sie die groben Miniaturansichten, die Sie für Ihr vorheriges Storyboard gemacht haben, für das Freeman-Skript verwenden. Und ich möchte, dass du aufräumst. Und ich möchte, dass du deinem Storyboard ein paar Grautöne hinzufügst. Ich möchte, dass Sie die Grautöne verwenden, um mehr Klarheit zu schaffen, die Sie für Ihr Publikum sehen können. Das ist Ihre Aufgabe für diesen Kurs. Viel Glück und wir sehen uns. 11. 10 Pitching: Okay, jeder weiß, dass du deine Storyboards bereit hast. In dieser Lektion werden wir über das Pitchen deiner Storyboards sprechen . Pitching steht im Grunde vor Ihrem Regisseur auf. Ich präsentiere deine Storyboards einer Sequenz. Das Hauptziel ist es, den Regisseur die Verständnissequenz klar zu gestalten . Was ich also tun werde , ist, einige Vorschläge zu teilen , die Ihnen helfen könnten, Ihre Boards effektiver zu platzieren. Also zuerst das Wichtigste, stellen Sie sicher und bereiten Sie sich vor. Übe das Pitching oder Boards zu einem anderen Künstler vor Hauptpräsentation oder den Brettern und dem Dialog wie deinem Handrücken. Die meiste Zeit müssen Sie möglicherweise den Voice-Over für die Charaktere in Ihrer Sequenz durchführen . Wenn du es dir wohlfühlst die Charakterstimmen zu machen, mach weiter. Aber wenn du nicht deine eigene Stimme machst, ist es gut genug. Sprechen Sie klar. Versuchen Sie sehr, nicht durch Ihre Sequenz zu murmeln, projizieren Sie stimmlich an Ihr Publikum, präsentieren Sie mit Zuversicht, sicher, dass Sie sich in der Reihenfolge wirklich sicher sind. Wenn Sie nicht sicher sind, kann dies die Gesamtauswirkung einer Geschichte auf Ihr Publikum beeinflussen . Der nächste Vorschlag ist sicher zu stellen und eine schöne, durchdringende, faire Präsentation zu haben. Versuchen Sie, alles reibungslos und effektiv fließen zu lassen. Hören Sie nicht auf, technische Dinge wie die Bildschirmrichtung zu viel zu erklären . Und hören Sie nicht auf, Ihre Aufnahmen mit anderen Filmen zu vergleichen. Sei nicht zu schrecklich gegenüber Rashtriya-Sequenz auf Kosten der Klarheit. Kurze Energie beim Präsentieren, aber nicht zu gut und lenken Sie die Aufmerksamkeit von Ihren Boards weg. Vor Menschen zu sprechen ist eine Nummer eins scheitern einige Monate. Eine Möglichkeit, Ihre Angst loszuwerden besteht darin, sich auf die Boards zu konzentrieren, die Sie präsentieren. auf Ihr Storyboard konzentrieren , fühlen Sie sich weniger selbstbewusst. Denken Sie immer daran, Sie selbst zu sein und es wird Ihnen während Ihrer Präsentation gut gehen. Jetzt mache ich einen Sample-Pitch. Es wird eine Kurzgeschichte sein, die ich geschrieben habe, und die Storyboards für. Also lasst es uns machen. Seit er mit diesen wirklich cool aussehenden Spielzeugstädten , ist ein Kind wie all dieses Spielzeug so großartig. Er stößt auf diese. Mama zieht ihre Zeit, Mama, Mama, Mama, komm und schau dir dieses Spielzeug an. Es ist so großartig. Zieh es quer durch den Raum, sieh es dir an. Es ist so ordentlich. Sieh mal, Mama. Sie schaut rüber und schaut auf den Preis herab, der zu teuer ist. Könntest du jetzt ein bisschen auf mich hören? Gerade jetzt? Weißt du, ich kann mir etwas so Teures nicht leisten. Aber ich will es. Reibt sich die Hand. Es schaut auf die andere Seite des Ladens und sieht ein billigeres T-Shirt. Sie sagt: Komm schon, lass mich dir etwas Kühleres zeigen . Geht durch den Spielwarenladen. Er blickt zurück und bemerkte, dass die Spielzeuge sich immer weiter von ihm entfernen, traurig werden. Es ist wie sieh dir das an, sieh dir dieses T-Shirt an. Es ist echt genial. Es hat Ultra Man drauf. Das ist nicht cool. Das will ich nicht. Nun, ich schätze, du kriegst nicht die Kohleveränderungskräfte , die mit diesem T-Shirt einhergehen. Ja, nur besondere Leute bekommen die Kräfte und ziehen dieses T-Shirt an. Wirklich, ich will die Ultra Wing Powers. Aber man muss wirklich würdig sein, um die Kräfte zu bekommen. Ich nehme es an, ich bin würdig wie hier, dann zieh es an und hol dir deine Altro-Ermächtigung. Ja. Er zieht es an und stellt sich vor, dass er sich in einen verändernden saftbasierten Überschallschall verwandelt . Fliegen auf fast Lichtgeschwindigkeit. Stoppt und sieht, wie sich diese außerirdische Kreatur dir öffnet. Du wirst das Universum niemals zerstören. Ich höre auf. Du. Liebe Monster, wirft das an. Fliegt hoch. Sie macht es voran hört aber plötzlich auf, weil sie etwas ablenkt. Es sieht vorbei, Mamluks rüber auf die andere Seite des Ladens, dass du das Spielzeug für mich besorgen könntest? Wow, es ist so großartig. Danke, Dad. Bücher über das Kind , das das Spielzeug bekommt. Oh, ich will das nicht mehr. Okay, Leute. Im Grunde war das also der Pitch. Was ich im Grunde getan habe, ist, dass ich in einem Dialog nur eine grobe Beschreibung dessen hinzufüge , was in der Szene vor sich geht. Diese schnelle Tonhöhe könnte definitiv verbessert werden. Aber du bekommst die grundlegende Vorstellung davon, was du tun musst. Ich habe nicht aufgehört zu beschreiben, wie Aufnahmen und Schwenkaufnahmen und Sandy, die Kamera geht zu Pontiac, die hier hineinzoomen. Diese Dinge sind unnötig, oder müssen Sie nur mehr Effekte hinzufügen, mehr Drehmoment. Und weil das Antibiotikum ihnen bereits Dinge zeigt und was Sie tun müssen, ist das Automatik hinzuzufügen und ihm Soundeffekte zu geben. Versuchen Sie es so nah wie möglich an den endgültigen Film zu bringen. Jetzt, da Sie ein Beispiel gesehen haben, gehen wir mit der Aufgabe fort. Für Ihre Aufgabe möchte ich, dass Sie also die vorherigen Story-Boards nehmen , die Sie erstellt haben, und ich möchte, dass Sie üben, die Boards selbst zu stellen, den Dialog. Alle Mängel in der Szene. Ich übe es zu tun. Und dann möchte ich, dass du es vielleicht einem Freund vorstellst, Bridget macht vielleicht einen Bruder oder eine Schwester und übe einfach, es so vielen Menschen wie möglich vorzustellen, bis du dich an die Kunstform des Pitchings gewöhnt hast deine Storyboards. Das ist deine Aufgabe für diesen Kurs und bis zum nächsten Mal. 12. 11 Portfolio: Bevor wir also darüber sprechen, was Sie in Ihrem Storyboard-Portfolio haben sollten, möchte ich über die Formate sprechen, in denen Sie Ihr Portfolio präsentieren können. Zuallererst gibt es eine physische Kopie Ihres Portfolios. Im Grunde organisierst du all diese Storyboards zusammen und druckst sie aus. Und dann kannst du das erstellen, ein Buch erstellen, es zusammenbinden, oder? Nur so können Sie Ihre Vorstände in der Vergangenheit zeigen. Es war effektiv, wenn Sie an einer Convention oder einem Workshop teilnehmen und dem Arbeitgeber leicht präsentieren oder ein Senior Storyboard mögen wollten Künstler für Kritik. Der Nachteil dieses Formats ist, dass Sie Ihr Portfolio möglicherweise nicht immer bei sich haben , wenn Sie ausgehen und nie wissen, auf wen Sie stoßen könnten. Als ob eine physische Kopie Ihrer Boards restriktiv sein könnte , wenn es darum geht, für Möglichkeiten bereit zu sein. Das nächste an dem Format für ein physisches Portfolio für Storyboard ist das Format der eigentlichen Storyboards, da physische Kopien zusammengestellt werden können und Antibiotika, physische Kopien eines Storyboards Portfolio könnte nur das traditionelle Spalten- oder Zeilenformat haben. Jetzt gibt es einige Rezensenten, die gerne pHs eines Panels im PDF-Format durchblättern . Und das ist eine andere Sache die die physische Kopie tun kann, ist einen pH-Wert des Panels zu haben , mit dem sie sehr schnell durchblättern können, und ein PDF-Format Sie können es mit einem Panel drucken Bu pH, aber dann hätten Sie es getan dieses wirklich dicke Portfolio und das ist keine gute Idee. Jetzt das zweite Format, in dem Sie Ihr Portfolio haben können und ist ein digitales Format, und es bildet eine Website nur Ihrem Storyboard gewidmet ist. Es gibt viele kostenlose Websites , auf denen Sie Ihr Portfolio aufbauen können. Blogspot sind Wings oder Tumblr. Und wenn Sie es sich leisten können, können Sie sich für einen der Perioden wie Squarespace usw. entscheiden. Jetzt ist der große Vorteil eines Online-Portfolios eines physischen Portfolios, dass Sie einfachen Zugriff haben. Es wird immer auf Ihrem Telefon, Ihrem Laptop oder Ihrem Computer verbunden sein. Sobald es mit dem Internet verbunden ist, können Sie es jemandem zeigen. Sie können es auch per Link per E-Mail an jeden senden, WhatsApp, alles ist sehr praktisch. Der zweite Vorteil besteht darin, dass Sie Antibiotika erstellen und auf Ihre Website hochladen können. Physische Portfolios können eine andere Matrix haben , wie wir bereits sagten. Jetzt Antiemetika, klar, offensichtlichere filmische Fähigkeiten, oder? Weil Antibiotika Editieren, Stimme, Aktin, Tempo und so weiter beinhalten . Antibiotika sind also eine großartige Sache , die Sie in Ihrem Portfolio haben können. So wie ich gesprochen habe, würde es darauf hindeuten, dass Sie nur ein digitales Portfolio haben sollten , ein digitales Storyboard-Portfolio. Was ich eigentlich vorschlagen würde, ist, dass Sie beides haben. Denn am Ende des Tages weiß man nie, was passieren könnte. Vielleicht der Storyboard-Künstler, zu dem du aufschaust, oder dieser Storyboard-Künstler , der deine Arbeit durchschaut. Vielleicht lieben sie einfach physische Kopien von Storyboard-Portfolios und vielleicht ist das genau ihr Ding. Und sie könnten dich einstellen, weil du ein physisches Portfolio hast und vielleicht jemand anderen, ich bevorzuge PDF oder vielleicht könnte jemand anderes Leute haben, die Antibiotika beobachten. Der Hauptgrund dabei ist es also, sie alle bereit zu haben. Ich würde nur allen Pavlov physischen Kopien einer Website vorschlagen , Instagram, Facebook, was auch immer, einfach bereit für alle von ihnen zu sein. Ich erzähle Ihnen nur alle Möglichkeiten, wie Sie jetzt bereit sein können , da wir das aus dem Weg haben. Sprechen wir darüber, was Sie in Ihr Storyboard-Portfolio einfügen sollten . Das erste, was Sie wissen sollten, ist, dass Ihr Storyboard-Portfolio auf die Branche ausgerichtet sein sollte , in die Sie einsteigen möchten. Nehmen wir zum Beispiel an, Sie möchten Storyboards für Disney oder DreamWorks Animation erstellen. Ihr Portfolio sollte keine Storyboards für Live-Actionfilme oder Werbebücher haben. Ihr Storyboard sollte im Sinne von Animationsfilmen sein. Jetzt suchen Studios, die Animationsfilme machen im Vergleich zu Live-Action-Studios nach verschiedenen Dingen. Zum Beispiel sucht Disney nach Storyboards, die viel Gesten, Zeichnen, Nuancen, Handeln mit den Charakteren und eine Vielzahl emotionaler und aktionsorientierter Szenen haben Nuancen, Handeln mit den Charakteren . Außerdem sollte Ihr Stil der Arbeit des Studios ähneln , für das Sie sich bewerben. Disneyworld stellt wahrscheinlich schneller jemanden ein, der sich schneller an seinen Stil anpassen kann , gegenüber jemandem , der wirklich seinen Stil zeichnen muss. Dies ist ein ziemlich offensichtlicher Vorschlag, aber halten Sie Ihre beste Arbeit immer an der Spitze oder am Anfang Ihres Portfolios. Man bekommt keine zweite Chance , einen guten ersten Eindruck zu hinterlassen. Versuchen Sie, Sie alle zu überlassen, es sei denn starke Arbeit an der Rückseite Ihres Portfolios. Oder du könntest deine schwächere Arbeit zwischen deine stärkeren Stücke stecken. Der nächste Vorschlag wäre, eine Vielzahl von Geschichten zu erzählen. Ich versuche, keine Storyboards zu haben , die nur in einem Genre enthalten sind. Wenn Sie fünf Storyboards in Ihr Portfolio legen möchten. Mein Vorschlag wäre, eine Liebesgeschichte und Actiongeschichte, eine Horrorgeschichte, eine traurige Geschichte und vielleicht sogar ein Musical zu haben eine Liebesgeschichte und Actiongeschichte, eine Horrorgeschichte, eine traurige Geschichte . Dies zeigt Ihrem Arbeitgeber , dass Sie mit einer Vielzahl von Geschichten umgehen können und Ihr Angebot sehr groß ist. Der letzte Schritt, den ich mit euch teilen möchte , ist etwas anderes. Es ist etwas, worauf Sie achten sollten, wenn Sie Ihr Portfolio einem Senior Artist oder einem potenziellen Arbeitgeber zeigen Ihr Portfolio einem Senior Artist . Tipp ist, still zu sein und zuzuhören. Wenn Sie Feedback erhalten, hören Sie sich die Kritik an, in der Sie ein Ticket erhalten. Versuchen Sie, den Standpunkt des Kunstkritikers in Ihrer Arbeit zu verstehen . Unterbreche sie nicht, um Ausreden zu finden und zu wandern. Halte dein Ego in Schach. Sie fühlen sich vielleicht ein bisschen kaputt, wenn der Kritiker hart ist , aber als P und für lernt, und es ist die Gruppe wert. Also hör einfach zu und nimm alles auf. Also Leute, das waren ein paar Tipps und Vorschläge zur Zusammenstellung deines Portfolios. Ich hoffe, es hilft dir, wenn du diese Dinge nicht wusstest. Ich habe mir diese Punkte ausgedacht, im Grunde genommen aus Versuch und Irrtum, die sich auf verschiedene Studios bewerben. Und sie haben mir Feedback zu meinem Portfolio gegeben und ich wollte es nur mit euch teilen. Hoffentlich hilft das und viel Glück würde Ihr Storyboard-Portfolio zusammenfügen. 13. 12 Übersicht: Alles klar alle, wir sind endlich zu Ende der Einführung in das Storyboard gekommen. In diesem Video möchte ich nur einen kleinen Überblick über den Kurs geben und dir einen letzten Ratschlag geben. Für diejenigen unter Ihnen, die vorher noch nie etwas über Storyboarding gewusst haben, hätte es hier viele Informationen gegeben , die Sie aufnehmen könnten. Aber das Tolle ist, dass Sie diese Videos so oft wie möglich erneut ansehen können , da sie kostenlos sind. Nur für den Fall, dass du etwas nicht verstanden hast. Diejenigen von Ihnen, die vor diesem Kurs mit Storyboarding vertraut sind , wurden möglicherweise in neue Informationen eingeführt oder auch nicht . Aber wenn du es getan hast und immer noch alle Videos gesehen hast, zeigt das, dass du hungrig bist, neue Dinge zu lernen und nur ständig zu lernen, was wirklich gut ist. Nun behandelten diese Videos das Grundwissen , das Sie bei der Arbeit am Storyboard kennen müssten . Die größte Herausforderung beim Erstellen von Storyboards besteht jedoch darin, die Regeln des Storyboardings nicht zu kennen, sondern tatsächlich das Erzählen Ihrer Geschichten zu erstellen. Der einzige Weg, wie Sie beim Storyboarding besser werden , besteht darin, so viele Storyboards zu erstellen und so viele Geschichten wie möglich zu erzählen. Übe es, Boards von Skripten Oder wenn Sie Ihre eigene Story und Ihr eigenes Storyboard schreiben möchten, der größte Teil Ihrer Verbesserung nicht durch das Ansehen von Videos von Klassen, sondern durch das Erstellen Ihrer Geschichten und Ihrer Storyboards entstehen . Es wird Dinge geben, die Sie lernen werden, die nur durch das Erstellen dieser Storyboards entstehen könnten . Und lernen aus dem eigentlichen Prozess des Erstellens von Storyboards. Arbeite so hart und klug wie möglich. Erzähle die Geschichten, die du erzählen möchtest. Erstelle keine Geschichten, von denen du denkst, dass sie beliebt wären. Erstelle Geschichten, die du gerne kreieren würdest. Du wirst tatsächlich bessere Geschichten erstellen , wenn du sie gerne kreierst. Jeder hat eine einzigartige Geschichte , die er mit der Welt teilen kann. Also vergewissern Sie sich und sagen Sie es Ihrem. Bevor ich mich endgültig verabschiede, möchte ich nur ein letztes bisschen einen schamlosen Stecker machen. Diese Kurse werden immer kostenlos hier sein , und ich werde so viel wie möglich neue Kurse hinzufügen. Und sie werden kostenlos verfügbar sein. Aber danke fürs Zuschauen. Ich weiß es sehr zu schätzen, dass Sie sich die Zeit nehmen , sich diese Kurse anzusehen. Viel Glück mit allem und wir sehen uns das nächste Mal.