Die perfekte Szene strukturieren: Der Schlüssel zum Schreiben besserer Drehbücher

1. Kurs-Einführung: Hallo, alle zusammen. Mein Name ist Simone Ordanova und ich bin eine preisgekrönte Autorin und Regisseurin mit Qualifikationen von Ich würde Ihnen gerne alles über meine Reise erzählen, aber was ich wirklich tun möchte, ist Ihnen zu zeigen, wie Sie alles, was ich gelernt habe, in Ihre eigenen Drehbücher umsetzen können ich gelernt habe, in Ihre Ich habe bereits über Blake Sniders Strandtuch berichtet , was die Struktur eines Drehbuchs aufschlüsselt Und in diesem Kurs werden wir die Struktur jeder einzelnen Szene besprechen Struktur ist das Fundament Ihrer Geschichte, genauso wie jede einzelne Ihrer Ideen das Fundament der Branche ist. Und in diesem Kurs erfahren Sie nicht nur wie die Struktur jeder einzelnen Szene aussehen sollte, sondern wir werden auch über Techniken sprechen, die Sie heute auf Ihre Szenen anwenden können , um sie zu verbessern. Wir werden zusammenarbeiten, indem wir Szenen aus berühmten Kultfilmen aufschlüsseln und dir helfen, deine eigene Szene zu schreiben. Egal, ob Sie gerade erst anfangen oder Ihre Fähigkeiten verfeinern möchten, dieser Kurs soll Drehbuchschreiben leicht zugänglich machen und Spaß Sie haben nach Abschluss des Kurses ein solides Verständnis dafür, wie Sie Ihre Szenen strukturieren und wie Sie Ihre Ideen zum Leben erwecken können Wenn Sie bereit sind, Ihr Geschichtenerzählen auf die nächste Stufe zu heben, nehmen Sie an diesem Kurs teil, in dem wir die Szenenstruktur aufschlüsseln und Ihnen zeigen, wie Sie sie effektiv in Ihrem eigenen Schreiben einsetzen 2. PROJEKT: Das Projekt für diesen Kurs ist sehr einfach. Sie müssen dieses Dokument nur hier herunterladen und ausfüllen. Dies wird Ihnen helfen, Ihre Szene irgendwann zu erstellen. Was wir tun werden, ist, dass Sie Ihre Idee für eine Szene haben müssen Ihre Idee für eine Szene , die Sie bis zum Ende schreiben möchten. Eine Szene, die Teil einer größeren Geschichte ist. Sie müssen nicht alle Details Ihrer Geschichte haben, aber Sie müssen eine Vorstellung davon haben, worum es in Ihrer Geschichte gehen wird. Aber am Ende jeder Lektion werde ich dir einige Fragen stellen. Vielleicht analysieren wir effektive Filme oder effektive ikonische Szenen oder wir stellen Fragen zu den Szenen, an denen Sie gerade schreiben. Denken Sie über jede dieser Fragen und füllen Sie sie auf diesem Blatt aus. Ich werde Sie durch jeden Moment und jeden Schritt des Schreibens einer effektiven Szene führen. Idealerweise sollten Sie Ihre Szene während des gesamten Kurses schreiben . Sie können sich diese spezielle Lektion jederzeit ansehen. Sie können damit beginnen, Sie können Ihre Szene vollständig schreiben. wir dann etwas über das Schreiben von Szenen und Szenenstrukturen lernen , können Sie sie optimieren und bearbeiten und überarbeiten, um sie zu verbessern Oder Sie können sich den gesamten Kurs ansehen und dann zu diesem Projektvideo zurückkehren. Ich werde Ihnen zu diesem Projektvideo zurückkehren. Ich werde , wie Sie Ihre Szene schreiben Was auch immer für Sie am besten funktioniert, aber idealerweise sollten Sie am Ende drei bis fünf Minuten eine fertige Szene haben Denken Sie also an zwei bis fünf Seiten geschriebenen Textes. In diesem PDF haben Sie einige Fragen, die Sie beantworten müssen, denn diese Fragen werden Sie dabei unterstützen, Ihre Szene effektiv und aussagekräftig zu gestalten. Nachdem Sie diese Fragen beantwortet haben, können Sie mit dem Schreiben Ihrer Szenen beginnen. Alles, was Sie wirklich benötigen, ist entweder eine Software zum Schreiben von Drehbüchern. Es gibt Unmengen kostenloser Apps online, oder Sie können sie einfach auf ein Blatt Papier schreiben. Wofür auch immer du dich entscheidest, vergiss nicht, deine Arbeit hier auf Skillshare hochzuladen, damit ich dir Feedback geben kann und wir deine Szenen noch besser machen können 3. Was macht die Szenenstruktur wichtig?: Hallo, alle zusammen. Danke, dass du zu mir gekommen bist und willkommen zu diesem Kurs. Heute werden wir direkt loslegen und in die Welt der Szenenstruktur eintauchen. Wir werden mit den Grundlagen des Geschichtenerzählens beginnen, wie man eine überzeugende Szene strukturiert Wie wir wissen, ist Struktur kein Evangelium, aber sie existiert aus einem bestimmten Grund Aristoteles hat die Struktur für jede dramatische Schrift im Altgriechischen geschaffen , und seitdem bei jedem Kunstwerk, das Sie sich ansehen, können Sie bei jedem Kunstwerk, das Sie sich ansehen, die Struktur finden , die er vor so vielen Jahren skizziert hat In der Schrift, die du dir ansiehst. Offensichtlich gibt es etwas zu strukturieren und so wie jede Geschichte eine Struktur hat, hat jede Szene eine sehr grundlegende Struktur, der du folgen musst, wenn du willst, dass sie erfolgreich ist , und du denkst vielleicht : Oh Gott, jetzt gibt sie mir ein sehr festes Regelwerk, an ein sehr festes das ich mich halten muss , was auch immer ich tue Das ist nicht der Fall. Ich werde dir eine sehr einfache, sehr grundlegende Struktur geben. Wenn du darüber nachdenkst, wirst du feststellen, dass jede einzelne Szene, die du je in deinem Leben gesehen hast, perfekt zu dieser Struktur passt. Vorausgesetzt, es ist gut gemacht. Schauen wir uns ohne weitere Umschweife an , was diese grundlegende Szenenstruktur ist, damit wir lernen können, sie in unseren eigenen Texten zu verwenden. Jede Geschichte besteht aus einer Reihe von Szenen. Jede dieser Szenen ist eine eigene Mini-Erzählung und bringt die Handlung voran. Ich freue mich, dass du gekommen bist. Ich hoffe, ich kann alles klären. Aber was genau ist es , das eine Szene zum Funktionieren bringt? Es spielt keine Rolle, ob es sich um einen ruhigen Moment des Nachdenkens oder um eine Action-Sequenz handelt, bei der wirklich viel auf dem Spiel steht. Jede Szene besteht aus drei Hauptkomponenten. Wir beginnen mit dem Aufbau, dann gehen wir zum Konflikt über, und das führt uns letztendlich zur Lösung der Szene. Wenn man darüber nachdenkt, ist die Struktur einer einzelnen Szene der Grundstruktur einer Geschichte sehr ähnlich , weil eine Szene in Wirklichkeit eine Mini-Geschichte ist, ein Mini-Kosmos dessen, worum es in der Geschichte eigentlich geht Die Struktur der Szene und die Struktur der Geschichte. Sind einander eigentlich sehr ähnlich. Einer von ihnen hat natürlich das Gesamtbild, die größere Idee, die thematische Resonanz. Aber in einer Szene gibt es immer noch die Idee, etwas auf die Beine zu stellen , zum Hauptteil der Geschichte zu kommen, zum Kern der Geschichte, nämlich zum Konflikt, und dann zu einer Lösung. Sie haben vielleicht schon davon gehört, dass es sich bei der Auflösung der Geschichte um eine Auflösung handelt, um Knoten zu lösen Lassen Sie uns untersuchen, was jedes dieser Dinge mit sich bringt . Was macht eine Szene effektiv? Um das zu beantworten, fragen wir uns zunächst , was eine Szene überzeugend macht. Weil eine effektive Szene immer überzeugend ist. Sie zieht uns immer in ihren Bann, sie macht Lust auf mehr, und eine großartige Szene macht mehr aus, als nur Charaktere zu zeigen, die reden oder sich bewegen. Wie ich gerade sagte, es fesselt Ihr Publikum. Es dient deiner Gesamtgeschichte und enthüllt entweder etwas Neues über die Charaktere oder es bringt die Handlung voran Im Idealfall kannst du all diese Dinge in einer Szene erledigen. Schauen wir uns nun einige Beispiele an. Sie haben wahrscheinlich alles, wovon ich spreche, in Ihren Lieblingsfilmen gesehen . Nun, eine großartige Szene ist eine , die das Publikum mit Spannung, Neugier oder Emotionen Und ob dramatisch oder unbeschwert, jede Szene trägt zur Dynamik Ihrer Geschichte Ich sehe den Boden hart, ja. Glaubst du, es wird Anfang des Frühlings sein? Haben wir das nicht gestern gemacht? Ich weiß nicht, was du meinst. Leg dich nicht mit mir an, armer Kerl. Welcher Tag ist heute? Es ist der 2. Februar. Tag des Murmeltieres. Ja. Tut mir leid. Weißt du, ich dachte, es wäre gestern gewesen. Oh. Nun können die Grundlagen einer Szenenstruktur in die drei Teile unterteilt werden , die ich bereits erwähnt habe. Zuerst haben wir das Setup, in dem wir festlegen, wer, wo, wann, du weißt schon, die Welt eingerichtet hat. Du gibst mir den Rahmen, wo wir sind, wer spricht. Warum sollte es mich interessieren? Als Nächstes haben wir den Konflikt. Der Konflikt ist der Punkt, an dem die Spannung ins Spiel kommt. Das ist der Kern der Szene, genauso wie der Konflikt der Kern Ihrer gesamten Geschichte ist. Hier passiert etwas , das deine Charaktere herausfordert. Und schließlich kommen wir zur Lösung. Diese Szene zahlt sich aus, wenn Sie so wollen. Hier löst sich die unmittelbare Spannung, also die Spannung der Szene im Speziellen, nicht unbedingt die ganze übergreifende Geschichte, aber hier kannst du auch die Tür öffnen, was in deiner nächsten Szene kommen wird die Tür öffnen, was in deiner nächsten Szene kommen Du kannst es vorausahnen. Sie können mir einen Vorgeschmack auf etwas geben, das passieren wird , auf die Spannungen, die ich in der Zukunft erleben werde Stell es dir wie eine Mini-Geschichte vor. Im Setup werden Sie Ihr Publikum in Ihre Welt hineinziehen. Im Konfliktfall gibst du ihnen dann einen Grund, sich weiter zu engagieren, und mit der Lösung wirst du ihre Aufmerksamkeit belohnen. Dabei wirst du auch andeuten, was als Nächstes kommen wird, was von deiner Geschichte noch übrig ist. Was können wir noch erwarten? Etwas sehr Wichtiges , über das ich nicht sprechen kann. Deshalb ist die Szenenstruktur so wichtig. Stellen Sie sich einen Film vor, in dem jede Szene nur zufällige Ereignisse ohne klare Richtung ist . Dinge passieren einfach, wir vergessen sie, wir machen weiter, dann kommen wir zurück. Würde sich das für dich nicht unzusammenhängend anfühlen? Es wurde quasi nicht darüber nachgedacht, als hätte niemand gewusst, was sie getan haben, als sie das geschrieben haben Nun, eine gut strukturierte Szene existiert nicht nur für sich allein. Es ist wie ein Puzzleteil, das perfekt in das Gesamtbild Ihrer Geschichte passt. Es ist kein Minifilm. Es ist für sich genommen etwas, das der Botschaft, die Sie vermitteln möchten, einem größeren Zweck dient , und genau das müssen Sie tun. Ihre Szenen müssen miteinander verbunden sein, und der beste Weg, sie zu verbinden, besteht darin, die Storystruktur und die Szenenstruktur zu nutzen. Weil sich niemand für eine unzusammenhängende Geschichte interessiert. Niemand will einen Gehirnabfall sehen. Jeder möchte glauben, dass der Drehbuchautor ein Genie ist , das an jeden einzelnen Blickwinkel gedacht hat. Das ist dein Job. Nehmen Sie die Szenenstruktur, fügen Sie sie in Ihr Schreiben ein und das ist es, was Sie erstellen werden. Sie werden dem Publikum das Gefühl geben , dass Sie wissen, was Sie tun, weil Sie es wissen werden. Schauen wir uns jetzt zum Beispiel The Dark Knight an. Jede Szene baut auf der letzten auf, erhöht den Einsatz und enthüllt neue Ebenen der Charaktere und der Handlung Aus diesem Grund ist es entscheidend, die Szenenstruktur zu beherrschen. So halten Sie Ihr Publikum von Anfang bis Ende bei der Stange Lassen Sie uns hier darüber sprechen, was wir in Zukunft tun werden. Wir werden die Anatomie einer Szene aufschlüsseln. Wir werden jeden Teil der Szenen im Detail untersuchen , von der Art und Weise, wie Sie Charaktere einrichten, wie Sie Einsätze einrichten, wie Sie Spannungen aufbauen, wie Sie Konflikte verschärfen und schließlich, wie Sie die zufriedenstellende Auszahlung erzielen Wir werden durchgehen, wie man den Kontext und die Charaktere festlegt, wie man Spannung und Drama erzeugt wie man alles zusammenbringt Wir werden Techniken für den Übergang zwischen den Szenen besprechen für den Übergang zwischen den Szenen Wir werden über das Gleichgewicht zwischen Aktion und Dialog in Ihrer Szene Wir werden über häufige Fehler sprechen. Ich werde dir sagen, wie du sie vermeiden kannst, und am Ende dieses Kurses wirst du sogar die Möglichkeit haben, deine eigene Szene zu gestalten. Wenn wir mit diesem Kurs fertig sind, verfügen Sie über alle Tools, um mehr als nur effektive Szenen zu erstellen. Sie werden über die Tools verfügen, um Ihre Szenen absolut unvergesslich zu machen . Ich hoffe, du bist bereit, einzutauchen , denn wir fangen gerade an. 4. Einrichtung: Kontext erstellen: Nachdem wir uns mit den Grundlagen befasst haben, was Szenenstruktur ist und warum sie so wichtig ist, ist es an der Zeit, sich mit dem ersten Schlüsselelement, dem Aufbau, zu befassen. Das ist der Punkt, an dem deine Szene wirklich beginnt. Hier werden Sie den Grundstein für alles legen , was sich in der Szene entfalten Je nachdem, welche Szene du schreibst, legst du hier vielleicht den Grundstein für deinen Woran Sie sich von Anfang an erinnern müssen, diese wichtige Sache, die Sie für den Rest Ihrer Arbeit wissen müssen , ist , dass das Setup das Publikum fesselt Das ist es, was die Bühne für die Action bereitet, die bald kommen wird. Was ist ein Setup? Hier können Sie festlegen , wem wir in dieser speziellen Szene folgen, wo wir uns in Bezug auf die Umgebung, die Zeit und den Ort befinden . Wann passiert es? Ist es eine Rückblende? Passiert es jetzt? Ist es in der viktorianischen Zeit? Ist es in einer dystopischen Zukunft? Ist es in einer magischen Welt? Hier legen wir den Kontext der Szene fest. Hier geben Sie auch den Ton und die Stimmung an. Hier wirst du es uns sagen oder es uns besser zeigen. Wie müssen wir fühlen, worum es in der Atmosphäre der Szene geht Hier werden Sie den wesentlichen Kontext bereitstellen, den wir irgendwann für den Konflikt benötigen werden irgendwann für den Konflikt benötigen Wenn Ihr Konflikt zwischen einem Ehepaar besteht und der Ehemann denkt, dass seine Frau betrügt, ist das ein guter Ort, an dem wir das wissen können Er ist ihr gegenüber misstrauisch Denn wenn er auf Anhieb reinkommt und sagt, du betrügst mich, das ist ein bisschen Aber wenn er auf sein Handy schaut und eine Nachricht von einem anderen Typen sieht, der sagt: Hey, ich schlafe mit deiner Frau, dann haben wir die Lösung. Wir wissen, dass er sie zur Rede stellen wird, wenn sie nach Hause kommt. Wenn sie dann nach Hause kommt, wissen wir, dass dies der Konflikt sein wird , den wir erwartet haben Das ist der wesentliche Teil, der Kontext, den wir brauchen, um zu verstehen, warum der Konflikt so wichtig ist. dem Aufbau geht es darum , herauszufinden, wen, wo und wann Sie gesehen haben? Es gibt dem Publikum einen wesentlichen Kontext. wo sich die Charaktere befinden, was passiert, warum es wichtig ist. Ohne diese Grundlage kann sich Ihre Szene verwirrend oder verwirrend anfühlen Aber es geht nicht nur darum, deinem Publikum Informationen zu geben. Dies ist Ihre Chance, Faszination zu erzeugen , um Ihr Publikum anzulocken und ihnen einen Grund zu geben , sich darüber Gedanken zu machen, was als Nächstes passieren Eine gute Möglichkeit , dies zu tun, besteht darin, Informationen wegzulassen , indem Sie uns nicht alles sagen , was wir wissen könnten Die besten Setups sind subtil, aber sie sind immer noch voller Details, die darauf hinweisen , was Was sind nun die wichtigsten Elemente eines Setups? Wir müssen wissen, wer in dieser Szene ist. Wo sind sie? Wann passiert das? Wie ist die Atmosphäre? Und was ist gefährdet? Auch wenn das, was gefährdet ist, nicht direkt vor uns liegt. Zuerst hast du deine Charaktere. Wer ist in dieser Szene? Dies ist Ihre Chance, Ihre Charaktere dem Publikum wieder vorzustellen, und zwar auf eine Weise, die sie daran erinnert, wer sie sind Oder wenn es das erste Mal ist, dass wir sie treffen, ist das deine Chance, die Identität dieses Charakters herauszufinden Selbst ein kurzes Detail kann mir ein Gefühl von Persönlichkeit oder Motivation geben. Wenn dein Charakter die Szene betritt indem er Stifte und Papier aneinander reiht, weiß ich, dass sie ein bisschen seltsam sind. Ich weiß, dass sie detailorientiert sind. Das sind Dinge an deinem Charakter, die ich allein aus diesem Detail sofort verstehe. in Raiders of the Lost Ark Wenn wir Indiana Jones in Raiders of the Lost Ark zum ersten Mal begegnen, bekommen wir durch seine Handlungen, sein Selbstvertrauen und die Gefahr, der er ausgesetzt ist, ein klares Bild von dem Charakter Bild von dem Wir wissen sofort, dass dieser Typ einfallsreich und mutig ist und es gewohnt ist, mit schwierigen Situationen umzugehen Als Nächstes haben wir den Standort. Wo sind deine Charaktere? Die Kulisse spielt eine große Rolle dabei, wie sich die Szene entfaltet. Befinden wir uns in einem engen Büro? Befinden wir uns auf einem offenen Schlachtfeld? Befinden wir uns in einem ruhigen Familienheim? Offensichtlich beeinflusst jede dieser Umgebungen die Stimmung, das Verhalten der Charaktere und unsere Erwartungen. Sag mir, wo wir sind. Überlegen Sie, welche Situation, welche Kulisse für die Szene, die Sie gestalten möchten, am besten geeignet ist. Was wird die meisten Intrigen hervorrufen? Schauen wir uns einen Blade Runner an. Die Kulisse hier ist genauso wichtig wie die Charaktere. Die dunkle, regennasse Stadt sorgt sofort für Stimmung und erzählt dem Publikum, dass sie sich in einer düsteren, futuristischen Welt befinden, in der das Überleben schwierig Mir ist auch klar, dass es sich bei diesen beiden Beispielen um Filme von Harrison Ford handelt, aber wir werden einfach meine offensichtliche Voreingenommenheit ihm gegenüber ignorieren und weitermachen meine offensichtliche Voreingenommenheit ihm gegenüber Es ist Zeit für das dritte Element. Wann passiert deine Szene? Ist es früh am Morgen? Ist es spät in der Nacht? Ist es etwas dazwischen? Die Tageszeit kann uns viel über die Stimmung und die Vorlieben der Charaktere erzählen. Denken Sie daran, wie sich eine ruhige Sonnenaufgangsszene im Vergleich zu einer angespannten Mitternachtskonfrontation anfühlt Diese wären sehr unterschiedlich , da die Stimmung, die Sie einstellen, sehr unterschiedlich ist und Sie die Stimmung mit der Tageszeit festlegen können die Stimmung mit der Tageszeit Ein Sonnenaufgang kann einen friedlichen, hoffnungsvollen Ton angeben, während sich eine nächtliche Szene gefährlicher oder spannender anfühlen kann Zeit ist nicht nur ein Hintergrund, sondern etwas, das aktiv zur Stimmung und zum Thema Ihrer Szene beiträgt Und wo wir gerade von Stimmung sprechen, Ton ist die letzte Zutat, über die Sie nachdenken müssen. sich auf eine dramatische, intensive Szene oder vielleicht auf etwas Leichteres und Entspannteres. Ihr Tonfall bestimmt die Erwartungen an Ihr Publikum, also müssen Sie ihn richtig machen. Denken Sie darüber nach , was Sie sagen möchten. Wie möchten Sie, dass sich Ihr Publikum fühlt? Das ist deine Hauptfrage. Willst du, dass sie sich Sorgen machen? Möchtest du, dass sie sich entspannt fühlen? Sollen sie sich wie zu Hause fühlen? Sollten sie sich wohl fühlen? Geben Sie Ihren Ton entsprechend dem an, was Sie erreichen möchten. Jetzt gibt das Grand Budapest Hotel von West Henderson sofort einen skurrilen, mit seinen lebendigen Farben und witzigen Dialogen sofort einen skurrilen, unbeschwerten Ton seinen lebendigen Farben und Das Publikum weiß von der ersten Einstellung an, dass es auf etwas Spielerisches und Lustiges zukommt Sie müssen mir also nicht sagen, was Ihr Ton ist. Du musst es mir zeigen. Benutze deine Dialoge, dein Setting, die Farben, die Charakterdynamik, um den Ton dieses Films und vor allem die Szene selbst zu zeigen . Brett in der Mütze Anathor. Das Vergnügen gehört mir, Heschn Das Strassbster. Die sind nicht akzeptabel. Ich stimme voll und ganz zu. Bildung. Ich habe Lesen und Rechtschreibung studiert. Ich habe meine Grundschule fast mit Bildung begonnen. Null. Jetzt ist es explodiert. Guten Morgen, Cicero. Ruf den gottverdammten Heute Nachmittag, Monsieur Site. Wird das scheitern, wenn ein ***. Jetzt nicht. Familie? Desi Und zum Schluss noch mein absoluter Lieblingsteil, die Einsätze. Selbst im Setup sollte ein Gefühl dafür vorhanden sein, was für die Charaktere auf dem Spiel steht. Es kann etwas absolut Großes wie Leben und Tod sein, oder es kann etwas Kleineres sein, aber dennoch bedeutungsvoll. Selbst subtile Einsätze können das Publikum fesseln. Aber was ich Ihnen versprechen kann, ist, dass kein Publikum davon abhängig sein wird, nichts auf dem Spiel zu haben Das Publikum kommt wegen des Dramas rein. Kein Einsatz bedeutet kein Drama. Ein guter Film, eine gute Szene bringen uns immer etwas auf die Probe. An einem ruhigen Ort stehen selbst die ruhigsten Momente Spiel, eine falsche Bewegung, ein Geräusch und das Leben der Charaktere ist in Gefahr Deshalb fühlt sich jede einzelne Szene so angespannt an. Deshalb ist das Publikum ständig nervös weil jede Sekunde alles schief gehen kann. wir nun die wichtigsten Elemente eines Setups aufgeschlüsselt haben, schauen wir uns einige Beispiele an, in denen diese Elemente zusammenkommen , um eine sehr starke Eröffnungsszene zu erzeugen. Beginn werden in der Eröffnungsszene sofort die Welt, die Charaktere und die Herausforderungen dargestellt. Sie verstehen die Komplexität des Traumüberfalls und die damit verbundene Gefahr Bist du hier, um mich zu bestehlen oder obwohl wir tatsächlich schlafen Wenn ich rauskomme, haben wir einen klaren Tonfall. Etwas fühlt sich seltsam an, auch wenn wir uns noch nicht ganz sicher sind, was es ist. **** ist, ich wollte gerade gehen, aber ich kann nicht. Nicht der Tag. Nicht ich. Du weißt doch, wie gern sie mich hier draußen verarschen, Mann. Zuhause. Kommt schon, Brüder. Jep. Yo yo. Rund. Also gib den Bauern Spaß Spaß und Spaß. In Jurassic Park legt die Eröffnungsszene sofort fest, was auf dem Spiel steht , und zwar mit einer erschreckenden Einführung in die Macht der Dinosaurier Um noch einmal zusammenzufassen, was wir gerade gesagt haben: Ein solides Setup ist die Grundlage deiner Szene und du musst deine Charaktere, den Ort, die Zeit, den Ton und die Einsätze festlegen , während du gleichzeitig dein Publikum anziehst und dafür sorgst, dass es sich für das , was noch kommt , interessiert So einfach, oder? Aber mach dir keine Sorgen. Ich möchte, dass du jetzt über die Eröffnungsszene eines Films nachdenkst , den du liebst, und sie aufschlüsselst. Wer sind die Charaktere? Was ist der Schauplatz? Welcher Ton hat sich durchgesetzt und was steht auf dem Spiel? Nur in der Eröffnungsszene. Diese Übung hilft Ihnen dabei , die Elemente zu identifizieren, die wir heute besprochen haben , und zu sehen, wie sie zusammenwirken , um ein überzeugendes Setup zu schaffen. Nächstes Mal werden wir uns dem zweiten Schlüsselelement einer großartigen Szene befassen, dem Konflikt. Bleiben Sie also dran. 5. Konflikt: Spannungen aufbauen: Wir haben bereits über das Setup gesprochen und darüber, wie Sie den Grundstein für Ihre unglaubliche Szene legen können. Lassen Sie uns nun auf eines der wichtigsten Elemente eingehen, das Ihr Publikum bei der Stange hält. Vergiss das. Das wichtigste Element, das Ihr Publikum bei der Stange hält, ist der Konflikt. Konflikt ist der Motor , der dich antreibt, gesehen. Es ist die Spannung zwischen zwei entgegengesetzten Kräften, ob es nun zwei Charaktere sind, der hitzige Streit, ein Charakter gegen seine Umgebung oder der interne Konflikt innerhalb des eigentlichen Charakters. Wichtig ist , dass ich Ihnen versprechen kann, dass die Szene ohne Konflikte ins Stocken gerät. In jeder großartigen Szene stehen Konflikte im Mittelpunkt. Das gibt dem Publikum einen Grund, weiter zuzuschauen. ob es sich um physische, emotionale oder psychologische Konflikte handelt, es ist das, was das Gefühl, real zu sein. Es gibt drei Hauptarten von Konflikten Charakter gegen einen anderen Charakter, Charakter gegen seine Umgebung und Charakter gegen sich selbst. Lassen Sie uns sie aufschlüsseln. Charakter gegen einen anderen Charakter ist die häufigste Art von Konflikt, insbesondere in Dramen oder Actionfilmen Dies ist ein Konflikt zwischen zwei Menschen, die grundsätzlich unterschiedliche Dinge wollen, oder sie wollen dasselbe, aber sie wollen es auf unterschiedliche Weise erreichen Dies kann so intensiv sein wie ein körperlicher Kampf oder es kann sich um eine sehr subtile Meinungsverschiedenheit beim Abendessen handeln. Das ist egal. Der Schlüssel ist , dass beide Charaktere aktiv entweder entgegengesetzte Ziele oder dasselbe Ziel auf unterschiedliche Weise verfolgen . In der dunklen Nacht, ein Beispiel, das ich sehr oft nenne, ist der Konflikt zwischen Batman und dem Joker mehr als nur physischer Er ist in seinem Kern ideologisch. Batman will Gotham beschützen, während der Joker es ins Chaos stürzen will Ihre Szenen sind mitreißend, weil jeder von ihnen entschlossen ist, den anderen zu stoppen Ihr habt nichts, was mir drohen könnte. Es hat nichts damit zu tun. Als nächstes haben wir den Charakter im Vergleich zu ihrer Umgebung. Dies ist die Art von Konflikt, bei der der Charakter gegen äußere Kräfte kämpft. Sehr oft liegt das in der Natur, aber es kann auch die Gesellschaft oder eine physische Umgebung sein , die ihr Überleben bedroht. Auf Szenenebene kann man das in jeder einzelnen Szene des Marsmenschen sehen in jeder einzelnen Szene des Marsmenschen Mark hat es hier nicht mit einem Bösewicht zu tun. Er kämpft gegen die feindliche Umgebung des Mars selbst Die karge Landschaft, die begrenzten Ressourcen und die Isolation sorgen für ständige Spannungen bei ihm In jeder Szene geht es also um sein Überleben. Jetzt haben wir endlich Charakter gegen Selbst. Das heißt Charakter gegen sich selbst. Das ist ein interner Konflikt. Es ist mein persönlicher Favorit und meiner bescheidenen Meinung nach die mit Abstand stärkste Art von Konflikt. Dies ist der Fall, wenn der Charakter mit seinen eigenen Gedanken, seinen eigenen Emotionen oder seinen eigenen Entscheidungen ringt seinen eigenen Emotionen oder seinen eigenen Entscheidungen Es ist oft subtiler, aber normalerweise genauso mächtig wie externe Konflikte In Black Swan ist Ninas Kampf intern. Sie ist hin- und hergerissen zwischen ihrem Wunsch nach Perfektion und der Angst, die Kontrolle zu verlieren Der Konflikt ist rein psychologischer Natur, aber er ist genauso ergreifend wie jeder externe Kampf Nun, ein Konflikt an sich ist gut, aber großartige Szenen erhöhen das Risiko, was bedeutet, dass die Folgen mit zunehmender Zunahme des Konflikts immer schwerwiegender werden Was passiert, wenn der Charakter den Streit, in dem er sich befindet, nicht gewinnt? Wenn sie dem brennenden Gebäude nicht entkommen. Was ist gefährdet? Was können sie verlieren? Ich betrachte Drehbuchautoren gerne als Menschen, die manchmal böse sein können Du musst dir das schlimmste Szenario für deinen Charakter ausdenken und wenn du kannst, ihn genau in dieses Szenario werfen Zeig ihnen, was sie verlieren können. Wenn Sie Ihren Konflikt aufbauen, müssen Sie auch die Spannung erhöhen. Achte darauf, dass im Verlauf der Szene immer mehr auf dem Spiel steht. Das hält Ihr Publikum auf Trab. Es verstärkt ihre emotionale Investition in das Ergebnis und macht Ihre Szene letztendlich viel besser In Mac MacFury Road erhöht jede Sekunde einer Verfolgungsjagd den Einsatz Die Charaktere rennen nicht mehr einfach weg. Sie kämpfen um ihr Leben. Es steht viel auf dem Spiel, und jedes Hindernis macht die Situation noch schlimmer Lassen Sie uns jetzt über den Dialog sprechen. Wir werden später in diesem Kurs über die Rolle des Dialogs und des Handelns sprechen . Aber in vielen Szenen spielen sich Konflikte in dem ab, was die Charaktere sagen, und was noch wichtiger ist , in dem, was sie nicht sagen. Ihren Dialog zu nutzen, um Ihren Konflikt zu verschärfen , ist der beste Weg. Ein Dialog kann durch Subtext, Missverständnisse oder direkte Konfrontation zu Spannungen führen Missverständnisse oder Für diejenigen unter Ihnen, die den Subtext nicht kennen, ist es das, was nicht festgelegt wurde, die Charaktere nicht sagen, die Charaktere nicht sagen, sondern was sie tatsächlich bedeuten. Missverständnisse sind Dinge, die durch Verwirrung Spannungen erzeugen Immer wenn sich die Charaktere nicht auf derselben Wellenlänge befinden, weil sie missverstanden haben, was die andere Person ihnen sagen wollte, kann das leicht zu kann das leicht Das kann leicht den Einsatz für Sie erhöhen. Und Konfrontation entsteht, wenn direkt entgegengesetzte Ziele aufeinandertreffen. Das ist normalerweise der Fall, wenn Charaktere offen anderer Meinung sind. Sehr oft sind Konfrontationen Auseinandersetzungen, Menschen, die sich gegenseitig anschreien Aber meiner Meinung nach entsteht der beste Konflikt eher aus dem Subtext, dem, was impliziert wird, als aus dem, was direkt gesagt Natürlich kann es sein, dass es Missverständnisse gibt, bei denen Charaktere an unterschiedlichen Zielen arbeiten, ohne sich dessen bewusst zu sein. Aber ich persönlich bin ein großer Befürworter von Subtext. In Marats Geschichte bleibt ein Großteil des Konflikts zwischen Charlie und Nicole unausgesprochen. Es ist unausgesprochen. Selbst in Momenten der Stille ihre Körpersprache und ihr Gesichtsausdruck, sagen uns ihre Körpersprache und ihr Gesichtsausdruck, dass sie zutiefst uneins sind Es ist ein Meisterkurs darin Subtext benutzt, um Spannung aufzubauen, und ich möchten man Subtext benutzt, um Spannung aufzubauen, und ich kann nur empfehlen, sich diesen Film anzusehen, wenn Sie Subtext verwenden Zuallererst liebe ich meine Mutter . Sie war eine wundervolle Mutter. wiederholen, was du mir gesagt hast. Zweitens, wie kannst du es wagen, meine Mutterschaft mit meiner Mutter zu vergleichen Nun, wie nutzen wir den Kontext , um die Geschichte voranzutreiben? Denken Sie zunächst an dieses sehr wichtige Prinzip. Bei Konflikten geht es nicht nur um Spannungen in diesem Moment. Es geht hauptsächlich darum, die Geschichte voranzutreiben. Jede Szene sollte deine Charaktere also in irgendeiner Weise verändern. Selbst wenn sie den Konflikt nicht gewinnen, könnten sie etwas lernen. Sie könnten jemanden oder etwas verlieren. Vielleicht ändern sie ihre Weltanschauung. Das Wichtigste ist, dass dein Charakter nicht statisch sein sollte. Ihr Charakter sollte sich mit jeder Szene ändern. Sie sollten wachsen oder sie sollten sich spiralförmig nach unten bewegen. Aber dein Charakter muss weiterentwickelt werden. Am Ende der Szene sollte sich dein Charakter an einem ganz anderen Ort befinden als zu Beginn der Szene. Das kann emotional, mental oder sogar physisch an einem anderen Ort sein. Aber Konflikte sind der Katalysator für Veränderungen, also nutzen Sie bitte Ihren Konflikt, um eine Veränderung herbeizuführen. Schauen wir uns nun einige weitere Beispiele für konfliktorientierte Szenen an, um zu sehen, wie diese Elemente zusammenkommen. Im sozialen Netzwerk sehen wir intellektuelle Konflikte zwischen Mark Zuckerberg und seinen Rivalen. Ist dein einziger Freund In Gladiator geht es um Leben und Tod, um einen körperlichen Konflikt zwischen Maximus Ich werde meinen Venyar in diesem oder im nächsten Leben haben. In Whiplash ist es ein psychologischer Krieg zwischen einem Schüler und seinem In jedem Fall steigt der Einsatz und die Charaktere verändern sich durch diese Konfrontation für immer Kurz gesagt, der Konflikt ist die treibende Kraft hinter jeder einzelnen großartigen Szene ob es sich um einen Konflikt zwischen zwei Charakteren, einen externen Kampf mit ihrer Umgebung oder einen internen Kampf mit sich selbst handelt, Egal, ob es sich um einen Konflikt zwischen zwei Charakteren, um einen externen Kampf mit ihrer Umgebung oder um einen internen Kampf mit sich selbst handelt, Konflikte erhöhen den Einsatz und halten Ihr Publikum bei der Stange. Ich liebe es, von guten Vorbildern zu lernen Bitte suchen Sie sich einen Film oder eine Fernsehsendung, in der Ihnen der Konflikt in einer bestimmten Szene auffällt , und brechen Sie ihn dann auf Denkt darüber nach, was die Ursache dieses Konflikts ist, wie er eskaliert und wie sich die Charaktere am Ende der Szene verändern Denn wenn du verstehst, wie Profis das machen, kannst du es selbst besser machen Bisher haben wir den Aufbau, den Spannungsaufbau und den wichtigen Konflikt in einer Szene behandelt Spannungsaufbau und . Jetzt ist es an der Zeit, über die Lösung zu sprechen. Das ist der Moment, in dem sich alles auszahlt. Sehen Sie sich die nächste Lektion an und lassen Sie uns gemeinsam damit beginnen. 6. Lösung: Auszahlung und Zweck: Jetzt, wo wir über den Aufbau gesprochen haben, wie man Spannungen aufbaut und wie man einen guten Konflikt schreibt, ist es an der Zeit, über die Lösung, die Auszahlung und den Ausgang einer ganzen Geschichte zu sprechen , aber nur innerhalb der Grenzen einer einzigen Szene Worzu diese Szene geführt hat , darüber sprechen wir heute Was Sie wissen müssen, ist, dass jede einzelne Szene eine gewisse Auflösung benötigt. Die Lösung ist der Moment , in dem der Konflikt, der sich aufgebaut hat , entweder seinen Höhepunkt erreicht oder ein Ende findet. Siehst du, das ist sehr wichtig. Sie müssen uns nicht alle Antworten auf alle Fragen geben , die Sie in der Szene gestellt haben. Was Sie stattdessen tun können, ist uns einfach zu zeigen, dass wir diese Lösung bekommen werden, diese Klärung aller Antworten. Es spielt keine Rolle, ob dein Charakter gewinnt oder verliert. Was die Lösung auf jeden Fall bewirken muss, ist, dass sie sich wie die natürlichste Weiterentwicklung des Konflikts und des Aufbaus anfühlt . Es muss sich also organisch anfühlen , wenn man bedenkt, was bis zu diesem Zeitpunkt passiert ist. Es muss sich wie ein vernünftiger Weg anfühlen , dem, was Sie in dieser Szene aufgebaut haben, ein Ende zu setzen. Ohne eine solide Auflösung kann sich Ihre Szene absolut unvollständig anfühlen . Lassen Sie mich das anders formulieren Ohne eine solide Auflösung fühlt sich Ihre Szene unvollständig Die Auflösung ist es, was das Publikum zufrieden macht, oder in einigen Fällen ist es das, was das Publikum dazu bringt, mehr zu wollen. Das ist es, was sie dort hält. Das ist es, was ihre Aufmerksamkeit auf bis wir zur nächsten Szene kommen. Das passiert, weil sie jetzt das Ergebnis des Setups und des Konflikts gesehen haben . Sie haben gesehen, wozu diese beiden Dinge geführt haben. Jetzt wollen sie wissen, wie es ausgehen wird. Es gibt verschiedene Arten von Auflösungen. Sie können einen Sieg oder eine Niederlage erringen, Sie können einen Kompromiss oder eine Veränderung erzielen. Sie können auch einen Cliffhanger oder ein Mysterium erleben, und natürlich können Sie sich emotional auszahlen. Lassen Sie uns nun diese vier Typen aufschlüsseln. Der erste ist Sieg oder Niederlage. Dieser ist ziemlich einfach. Es ist, wenn ein Charakter gewinnt und der andere verliert. Dies ist ein sehr klassisches Ergebnis und kann sehr befriedigend sein , wenn Sie es richtig machen. Schauen wir uns eine Kombinationsszene von Rocky an. In diesem Fall ist dies nicht nur die Auflösung der Szene, sondern der gesamten Geschichte. Es kommt nach dem epischen Boxkampf. Was hier wichtig ist , ist, dass unser Hauptcharakter, Rocky, den Kampf nicht gewinnt, aber er gewinnt auf eine andere Art und Weise. Er beweist sich selbst, dass er es schaffen kann. Dies ist eine Resolution mit mehreren Siegen und Niederlagen. Das ist Rocky, der den Kampf verliert, aber er ändert sich. Du kannst eine Entwicklung des Charakters sehen. Er gewinnt also nicht physisch, sondern emotional und persönlich. Das ist eine sehr wirkungsvolle Methode, um deine Sieg- oder Niederlagenszene zu strukturieren deine Sieg- oder Niederlagenszene , weil du beides bekommst, und das macht Rocky einer emotional intelligenten Person. Als nächstes gibt es Kompromisse oder Veränderungen. In diesem Fall bekommt keine Seite genau das, was sie wollte, aber es gibt eine Form von gegenseitigem Verständnis oder ein Charakter entwickelt sich vielleicht als Reaktion auf den Konflikt Das ähnelt dem, was wir in der vorherigen Szene mit Rocky gesehen haben in der vorherigen Szene mit Rocky gesehen Aber jetzt schauen wir uns den Paten an. Michael Corleones Lösung beinhaltet oft Kompromisse Er bringt strategische Opfer, die ihn tiefer in die Welt der Mafia treiben, und jede Szene verwandelt ihn von einem widerwilligen Außenseiter in einen Welche Szene aus Der Pate Sie auch untersuchen, Sie werden feststellen, dass die meisten von ihnen genau diesen Kompromiss oder diese Änderung des Charakters als Lösung haben genau diesen Kompromiss . Mike, du kommst nicht nach Las Vegas und redest so mit einem Mann wie Moe Greene Fredo. Du bist mein älterer Bruder und ich liebe dich Aber ergreife nie wieder Partei für jemanden gegen die Familie. Niemals. Dann ist da noch der Cliffhanger oder die Art der Auflösung eines Mysteriums Bei dieser Art bleibt der Konflikt ungelöst. Es hält das Publikum in Atem für das, was als Nächstes kommen wird Meiner Meinung nach ist dies eine großartige Möglichkeit, Ihre Zuschauer für zukünftige Szenen oder Folgen Inception macht das ganz gut. Die letzte Aufnahme des sich drehenden Gipfels ist ein perfektes Beispiel für einen Cliffhanger Wir wissen nicht, ob Cobb immer noch träumt oder nicht, und diese Ungewissheit macht die Auflösung dieser Szene so Jetzt haben wir endlich die emotionale Belohnung. Das ist ein kathartischer Moment. Es fühlt sich großartig für das Publikum an, und dann geht es bei der Konfliktlösung nicht nur darum, zu gewinnen oder Es geht darum, dass der Charakter einen emotionalen Wendepunkt erreicht. In dieser Szene aus Goodwill Hunting besteht die Lösung darin, dass Will während seiner Therapiesitzung mit Sean endlich zusammenbricht während seiner Therapiesitzung mit Sean endlich zusammenbricht Dieser emotionale Gewinn ist immens, weil der Konflikt nicht äußerlich war Er hatte nicht mit einem körperlichen Problem zu kämpfen. In dem Konflikt ging es immer darum, dass Will seine eigenen Ängste vor Verletzlichkeit überwand Dieser Moment fühlt sich also besonders mächtig , um die Szene zu beenden. Verarsch dich nicht mit mir. Es ist nicht deine Schuld. Verarsch dich nicht mit mir, okay Verarsch dich nicht mit mir, John, nicht mit dir. Es ist nicht deine Schuld. Dein Handy. Okay. Nun, das Wichtigste an das Sie sich erinnern sollten , ist, dass die Auflösung immer Ihrer Gesamtgeschichte dienen muss. Sie können nicht einfach von Szene zu Szene arbeiten. Die Auflösung jeder Szene sollte den Charakter irgendwie zur Auflösung deiner Hauptgeschichte führen . Es geht nicht nur darum diese Szene zu beenden oder sie auf zufriedenstellende Weise zu beenden. Es geht darum, wie sich dieses Ende auf den Charakter auswirkt und Ihre Handlung voranbringt. Auch wenn deine Auflösung subtil ist, hätte sie es auf jeden Fall tun sollen. Nun, unabhängig davon, ob dein Charakter in der Szene erfolgreich ist oder nicht, die Auflösung sollte uns einen Eindruck davon geben , was als Nächstes kommen wird Wie wird also der Ausgang dieses Konflikts den nächsten Moment in deiner Geschichte prägen Am Ende von Empire Strikes Back die Auflösung von Lukes Duell mit Darth Vader absolut schockierend Luke verliert den Kampf, aber was noch wichtiger ist, er erfährt, dass Vada Wie funktioniert das für die gesamte Geschichte? Nun, diese Enthüllung treibt den Rest der Geschichte voran. Sie richtet alles ein , was folgt. Dies ist es, was Lukes Verständnis des Jedi-Ordens auslöst und alles verändert, was wir bis zu diesem Zeitpunkt gewusst haben oder zu wissen glaubten Plötzlich ändert sich die Perspektive, und wir müssen die gesamte Abfolge der bisherigen Ereignisse erneut überprüfen die gesamte Abfolge der bisherigen Ereignisse Diese Auflösung verändert Lukes Charakterprofil und lässt ihn weiter wachsen Nein. Ich bin dein Vater. Nein. Es ist nicht wahr. Das ist absetzbar. Irgendwelche Gefühle. Du weißt, was dazwischen liegt. Lass uns jetzt darüber sprechen, was du definitiv nicht willst. Was Sie um jeden Preis vermeiden sollten, ist der Antiklimax. Ein Antiklimax liegt vor, wenn Sie während Ihrer gesamten Szene Spannung aufgebaut haben , nur um dann die Auflösung völlig ins Stocken zu bringen oder sich völlig unverdient zu fühlen . Das kann passieren, wenn die Auszahlung dem Konflikt, der davor stattfand, nicht gerecht wird Wenn die Reise deines Charakters durch den Konflikt intensiv ist, sollte die Lösung das widerspiegeln Ein Antiklimax ist eine Lösung , die das Publikum unzufrieden macht, und das liegt oft daran, dass sie sich zu einfach anfühlt oder vielleicht nicht auf die Herausforderungen eingeht die du bis zu diesem Zeitpunkt aufgebaut hast In Indiana Jones und das Königreich des Kristallschädels bringt die Auflösung mit dem außerirdischen Raumschiff nicht ganz den Nutzen, den uns der Rest des Films versprochen hat versprochen Der Konflikt, obwohl er intensiv war, funktioniert nicht, und er funktioniert auch nicht ganz, weil sich viele Zuschauer dadurch völlig unverbunden fühlten, weil er nicht dem Anspruch entsprach, was in der Geschichte, die sie gerade sahen, auf dem Spiel gerade sahen, auf dem Spiel stand. ich Ihnen nun gesagt habe, was Sie vermeiden sollten, werde ich Ihnen noch ein paar Szenen mit einer schönen, zufriedenstellenden Auflösung zeigen mit einer schönen, In Shawshank Redemption ist die Szene, in der Andy entkommt, nicht nur eine perfekte Auflösung für die Szene selbst, sondern auch eine perfekte Lösung für einen Konflikt, der sich langsam aufbaut , eine perfekte Lösung für In Toy Story 3 die Auflösung der Reise von Woody und Buzz Danke, Leute. Und im Schweigen der Lämmer ist die Lösung zwischen Clarisse und Hannibal Lector erschreckend, aber so befriedigend, weil Claris gewinnt, aber Achten Sie jetzt darauf, mir dieselbe Höflichkeit zu erweisen. Weißt du, das kann ich nicht versprechen. Ich wünschte, wir könnten uns länger unterhalten, aber ich habe einen alten Freund zum Abendessen. Tschüss. Brief. Dekor-Buchstabe. Brief vom Doktor. Ich weiß, dass ich die Auflösung der Geschichte selbst erwähne , aber vergessen Sie nicht, dass die Auflösung der Geschichte immer noch in einer Szene enthalten ist. Lassen Sie uns nun kurz alles zusammenfassen, was ich bisher gesagt habe. Die Lösung ist der Lohn Ihres Szenenkonflikts. Es kann ein Sieg sein. Es kann ein Kompromiss sein. Es kann ein Cliffhanger oder es kann eine emotionale Belohnung sein. Was auch immer es ist, stellen Sie sicher, dass es verdient wurde und dass es Deine Entschlossenheit sollte sich auf deine Charaktere auswirken, sie verändern und deine Handlung voranbringen Denken Sie jetzt über die Szene nach, an der Sie bisher gearbeitet haben . Was ist der Konflikt? Wie zahlt sich die Lösung für die Spannungen aus? Fühlt es sich verdient an? Erfüllt deine Szene den größeren Zweck der Geschichte? Dient Ihre Auszahlung speziell dem größeren Zweck Ihrer gesamten Geschichte Wird es deinen Charakter dahin führen , wo er hin muss? Wenn du mit der Auszahlung, die du bis jetzt erzielt hast, nicht zufrieden bist, lass uns darüber nachdenken, wie du deine Einsätze erhöhen oder wie du die Lösung wirkungsvoller gestalten kannst Nehmen Sie sich Zeit und denken Sie daran, dass jede Auflösung einer Szene eine Gelegenheit ist , Ihre Charaktere und Ihre Geschichte voranzutreiben Ihre Charaktere und Ihre Geschichte 7. Übergänge zwischen Szenen: Wir haben bereits über die Auflösung und die Auszahlung gesprochen Theoretisch könnte deine Szene fertig sein Aber jetzt werden wir uns mit etwas befassen , das sehr oft übersehen wird oder über das nicht genug gesprochen Ich werde mit Ihnen über den Übergang von einer Szene zur anderen Übergänge sind der Globus, der die Szene zusammenhält. Eine gut strukturierte Szene mag für sich alleine stehen, aber ohne einen guten Übergang zwischen den Szenen kann man kein Gefühl der Kontinuität erzeugen. Übergänge sorgen dafür , dass Ihre Geschichte reibungslos verläuft und Ihr Publikum engagiert bleibt. Stellen Sie sich Übergänge wie Brücken vor. Sie bringen uns von einem Moment zum nächsten, ohne an Dynamik zu verlieren. Wenn die Übergänge erschütternd oder unklar sind, kann das Publikum verwirrt oder von Ihrer Geschichte abgekoppelt Aber wenn sie richtig gemacht werden, sorgen Übergänge für ein nahtloses Erlebnis Die Art und Weise, wie es funktioniert, besteht im Wesentlichen darin, dass Sie das Setup, dann den Konflikt und dann die Auszahlung einer Szene erhalten dann den Konflikt und dann die Auszahlung einer Szene und dann schnell zum Aufbau, zum Konflikt und zur Lösung einer anderen Szene übergehen Konflikt und zur Lösung Schauen wir uns nun einige verschiedene Arten von Übergängen an. Jeder von ihnen dient einem einzigartigen Zweck. Es gibt kein Patentrezept. Was zählt, ist, wie der Übergang Ihrer Geschichte dient. Zunächst haben wir den grundlegendsten Typ, den Hardcut. Dabei handelt es sich um scharfe Unterbrechungen zwischen Szenen, ohne dass sich Bild oder Ton überschneiden Sie sind unkompliziert, sie sind direkt. Sie sind perfekt, wenn Sie einen Kontrast zwischen zwei Szenen erzeugen oder den Ton sehr schnell ändern möchten. Pulp Fiction ist ein gutes Beispiel. Harte Schnitte werden verwendet, um abrupte Tonverschiebungen zu erzeugen. einem Moment befinden wir uns in einer ruhigen Dialogszene und im nächsten sind wir mitten in einer intensiven Schießerei Der scharfe Übergang verschiebt den Fokus des Publikums auf erschütternde Weise, was die Unvorhersehbarkeit des Films noch verstärkt Sehen Sie, in diesem Fall ist der Übergang erschütternd, ist der Übergang erschütternd, aber er funktioniert in Bezug auf den Gesamtzweck und den Ton der Geschichte aber er funktioniert in Bezug auf den Gesamtzweck und den Ton der Geschichte . Du kannst Übergänge definitiv auf unkonventionelle Weise verwenden , oder du kannst sie erschütternd gestalten, wenn das das Ziel ist Dann haben wir Match Cuts. Dies ist eine Verbindung zwischen zwei Szenen durch ähnliche Bilder, Geräusche oder Aktionen. Es kann ein Gefühl der Kontinuität erzeugen , selbst wenn sich die beiden Szenen völlig unterschiedlichen Orten oder sogar in unterschiedlichen Zeiträumen befinden . Eines der bekanntesten Beispiele für einen Match Cut stammt aus 2001 A Space Odyssey Ein Knochen wird in die Luft geworfen und geht nahtlos in ein Raumschiff Dieser Schnitt überbrückt Millionen von Jahren der Evolution in einem einzigen eleganten Übergang Dann können Sie mit dem Querschneiden beginnen. Dabei handelt es sich um eine Übergangstechnik, bei der Sie zwischen zwei Szenen wechseln, die gleichzeitig passieren und damit parallele Aktionen erzeugen. Diese Methode erzeugt Spannungen und verbindet Handlungsstränge , die irgendwann zusammenlaufen könnten Schauen wir uns den Paten noch einmal an. Querschnitt während der Taufsequenz zeigt, wie Michael an der Taufe seines Neffen teilnimmt während seine Feinde ermordet Die parallele Handlung hier schafft einen starken Kontrast zwischen Unschuld und Gewalt und unterstreicht Michaels Verwandlung Verwandlung Der Grund, warum es hier verwendet wird, ist die thematische Idee der Geschichte Sie können auch visuelle oder akustische Hinweise verwenden, was sehr effektive Übergänge sind Es kann sich um eine zuschlagende Tür handeln , die zu einem neuen Ort führt oder um ein Geräusch wie ein klingelndes Telefon , das in einer anderen Szene abgeholt wird Diese Hinweise stellen eine fließende und oft unbewusste In Requiem for Dream werden akustische Signale wie klingelnde Telefone verwendet, werden akustische Signale wie klingelnde Telefone um zwischen den Leben der Charaktere zu wechseln, und das verbindet ihre Geschichten auch wenn sie nicht am selben Ort sind Die Wiederholung dieser akustischen Hinweise erzeugt einen Rhythmus, der diese Endlich haben wir die Mtoklinks. Diese Übergänge hängen nicht von Bild oder Ton ab. Sie basieren ausschließlich auf der tieferen Bedeutung oder dem Faden, der sich durch deine Geschichte zieht Sie können eine Szene mit der Reflexion einer Figur über Liebe beenden und dann zu einer anderen Figur übergehen, die sich mit der Beziehung auseinandersetzt Der Link hier befindet sich im Shed-Thema. Im Grand Budapest Hotel verwendet Wes Anderson häufig solche thematischen Verknüpfungen , um zwischen verschiedenen Zeitlinien zu wechseln Eine Reflexion über Loyalität in einer Ära spiegelt sich in einer parallelen Handlung wider, obwohl die Szenen durch Jahrzehnte voneinander getrennt sind Die Übergänge fühlen sich völlig natürlich an, weil sie auf den Kernthemen des Films Falls Sie sich nicht sicher sind, wie Sie all diese Übergänge in Ihr Drehbuch schreiben sollen, zeige ich es Ihnen gleich Für harte Schnitte verwenden wir auch Cut. Das ist die allgemeinste Art von Szenenübergang, die Sie sehen werden, und manchmal brauchen Sie ihn nicht einmal einzuschreiben, weil der Editor davon ausgeht, dass Sie das tun. Wenn du Matchcuts schreibst, hast du es erraten, du schreibst einfach Match Für Querschnitte verwenden wir normalerweise Intercut. Visuelle oder akustische Hinweise können J-Cut oder Cut sein. Ein J-Cut liegt vor, wenn das Audio einer Szene am Ende der vorherigen beginnt , also wie hier Mmm. Und ein L-Schnitt ist , wenn das Audio von einer Szene in die nächste übergeht, so wie hier Wie. Sie würden nicht wirklich thematische Links in den Übergang schreiben . Das ist etwas , das in deiner Handlung und deinem Dialog passieren wird . Wann sollten Sie also diese Techniken anwenden , die wir behandelt haben? Der Schlüssel liegt darin, das Tempo und den emotionalen Ton Ihrer Geschichte zu berücksichtigen das Tempo und den emotionalen Ton Ihrer Geschichte zu Wenn Sie eine schnelle Dynamik beibehalten möchten, schnelle Übergänge wie harte Schnitte funktionieren schnelle Übergänge wie harte Schnitte oder Querschnitte sehr gut Aber wenn du die Dinge verlangsamst, um über die emotionale Reise oder Situation eines Charakters nachzudenken, bräuchtest du wahrscheinlich einen reibungsloseren Übergang Ihr könnt also mit einem Match Cut oder einem thematischen Link arbeiten. Sie könnten für diese Situation viel besser sein. Bei Übergängen geht es nicht nur darum von einer Szene zur nächsten zu wechseln. Es geht darum , das Tempo Ihrer Geschichte zu steuern und die Emotionen Ihres Publikums zu steuern. Wenn sich Ihr Übergang fehl am Platz anfühlt, kann er die Zuschauer aus der Geschichte herausziehen. Aber wenn du es gut machst, wird es Erlebnis des Geschichtenerzählens verbessern Wählen Sie also mit Bedacht. Schauen wir uns nun einige Filme an, die Übergänge sehr effektiv nutzen In Danker verwendet Christopher Nolan das Querschneiden, um drei Geschichten gleichzeitig auf unterschiedlichen Zeitlinien zu erzählen Dies ermöglicht es ihm, Spannungen aufzubauen und Ereignisse an Land, zu Wasser und in der Luft miteinander zu verknüpfen Ereignisse an Land, zu Wasser In Birdman scheint der gesamte Film in einer einzigen Einstellung gedreht worden zu sein. Die Übergänge werden durch geschickte Kameraführung und Bewegung verdeckt geschickte Kameraführung und Bewegung verdeckt In Mad Max Fury Road werden harte Schnitte verwendet, um die Intensität konstant hoch zu halten die Intensität konstant hoch die Action in einem unerbittlichen Tempo voranzutreiben Lassen Sie uns nun einige häufig auftretende Fallstricke bei Übergängen durchgehen bei Übergängen durchgehen Der mit Abstand größte Fehler, den Sie machen können, ist das Erstellen von Übergängen, die sich verwirrend oder nicht synchron anfühlen Mit dem Ton der Szene. Warum? Denn wenn du einen Übergang schaffst, der sich unnatürlich anfühlt, wenn ich nicht das Gefühl habe, dass wenn ich nicht das Gefühl du normalerweise zwischen zwei Szenen wechseln würdest, als Zuschauer, unterbrichst du meine Immersion Ich werde nicht mehr dabei sein, und das ist das Letzte, was du tun willst Ein weiterer Fehler besteht darin dieselbe Übergangstechnik zu verwenden. So kann es zum Beispiel verwirrend sein, ständig zwischen Handlungssträngen zu wechseln. Ja, Querschnitte können effektiv sein, aber wenn Sie sie viel zu oft verwenden, kann sie ihre Wirkung verlieren. Und schließlich sollten Sie es vermeiden, sich nur aus Stilgründen auf auffällige Übergänge zu verlassen Sie müssen deiner Geschichte dienen. Wenn du übergehst, zum Beispiel mit einem Match Cut zwischen zwei Szenen mit zwei verschiedenen Charakteren, wirst du im Kopf des Publikums unweigerlich eine Verbindung zwischen diesen beiden Charakteren herstellen Publikums unweigerlich eine Verbindung zwischen diesen beiden Charakteren Das kann funktionieren, wenn Sie möchten, dass sie irgendwann zusammen sind, oder wenn sie ähnliche Geschichten haben, sich aber nie getroffen haben Aber wenn du es nur benutzt, um gut auszusehen, überlege es dir bitte noch einmal. In Ordnung. Wir haben über Übergänge gesprochen, wir haben über verschiedene Arten von Übergängen gesprochen und darüber, wann sie verwendet werden sollten. Lassen Sie uns nun an die Szene denken, an der Sie gerade schreiben. Was ist die Szene , die folgen wird? Denken Sie über die Beziehung zwischen diesen beiden Szenen nach. Sind sie sehr unterschiedlich? Sind sie miteinander verbunden? Welcher Übergang funktioniert am besten? Vielleicht ist es ein thematischer Link, vielleicht ist es ein Match Cut, vielleicht ist es ein harter Schnitt, weil du über eine ganz andere Sache sprichst eine ganz andere Sache oder du einen Vergleich anstellst. 8. Szenendynamik: Aktion und Dialog: wir nun besprochen haben, wie man mithilfe von Szenenübergängen dynamische und ansprechende Übergänge zwischen Szenen erzeugt dynamische und ansprechende Übergänge zwischen und wie man reibungslos von einer Szene zur nächsten übergeht, ist es an der Zeit, über einen sehr wichtigen Teil jeder Szene zu sprechen, und das ist das Gleichgewicht zwischen Aktion und Dialog. Das ist es, was die Szene interessant und effektiv und wie Sie das Engagement Ihres Publikums aufrechterhalten können. Aktion und Dialog sind zwei der wichtigsten Werkzeuge in deinem Storytelling-Kit Das richtige Gleichgewicht zwischen ihnen zu finden, ist der Schlüssel, um Ihr Publikum bei der Stange zu halten , das Tempo Ihrer Geschichte beizubehalten und eine emotionale Wirkung zu erzielen Einfach ausgedrückt, zu viel Action kann anstrengend werden. Ihr Publikum braucht Zeit zum Atmen. Aber zu viel Dialog und deine Szene wird sich in die Länge ziehen. Es wird langweilig sein. Es wird auf eine ganz andere Art anstrengend sein. Du wirst dein Publikum verlieren. Sie werden auch die Spannung und Dynamik verlieren , die Sie aufgebaut haben. Um Ihren „Sweet Spot“ zu finden, brauchen Sie sowohl Maßnahmen als auch Dialog, um zusammenzuarbeiten. Das wird dir helfen, eine Szene zu kreieren, die sich dynamisch, zielgerichtet und lebendig anfühlt dynamisch, zielgerichtet und Lassen Sie uns zunächst über Action sprechen. Action bedeutet nicht nur Kampfszenen von Verfolgungsjagden. Das ist jede körperliche Bewegung oder jedes Ereignis, das die Geschichte vorantreibt oder etwas über die Charaktere verrät Wenn dein Charakter also läuft, ist das Action. Wenn der Charakter eine Zahnbürste in die Hand nimmt, ist das Action. Action treibt die Handlung voran und hält die Dinge in Bewegung Es zeigt uns, was die Charaktere tun, nicht nur, was sie sagen. Es kann etwas Subtiles sein. Wie ein Blick, der zwischen zwei Charakteren ausgetauscht wird. Es kann etwas absolut Großes und Explosives sein, wie eine Verfolgungsjagd durch die Straßen der Stadt. Aber Action ist der Treibstoff , der dich antreibt, siehst du. Bei John Wick geht es bei Action nicht nur um Spektakel. Es zeigt entscheidend , wer John ist. Jede Bewegung ist bewusst. Jeder Kampf erzählt uns von seinen Fähigkeiten, Beweggründen und seinem unerbittlichen Wir lernen seinen Charakter durch das, was er tut, nicht durch das, was er sagt, Lassen Sie uns jetzt über den Dialog sprechen. Im Dialog erstrahlen die Persönlichkeiten deines Charakters. So lernen wir etwas über ihre Gedanken, Motivationen und Beziehungen, aber genau wie Handeln muss der Dialog jedes Mal einem Zweck dienen Es sollte etwas über den Charakter verraten. Ich sollte Spannungen aufbauen, oder es sollte die emotionale Situation vertiefen. Wenn dein Dialog keinen Zweck hat, muss er verschwinden. Ein guter Dialog ist scharf und präzise. Und es ist vielschichtig. Bitte lass deine Charaktere nicht um des Redens willen sprechen. Jedes Mal, wenn sie etwas sagen, sollten sie einen Grund angeben, um die Geschichte voranzutreiben. Vielleicht enthüllen sie Geheimnisse. Vielleicht bauen sie Beziehungen auf. Vielleicht schaffen sie Konflikte. Aber jede Zeile sollte wichtig sein. In Inlorious Bastards nutzt Quentin Tarantino meisterhaft den Dialog, Quentin Tarantino um Spannungen zu erzeugen. In der Eröffnungsszene verbirgt Colonel Landos ruhiges und freundliches Colonel Landos ruhiges und freundliches Auftreten die tödlichen Gefahren unter der Oberfläche. Jedes Wort strotzt vor Bedrohung in der Spannung, die sich allein durch den Dialog aufbaut Du beschützt Staatsfeinde , Diana. Die wahre Magie entsteht , wenn man die richtige Balance zwischen Aktion und Dialog Handlung kann eine dialoglastige Szene unterstreichen oder hervorheben, und ein Dialog kann Ihrer Handlung andererseits Kontext und Bedeutung verleihen Sie arbeiten am besten zusammen, um deine Geschichte voranzubringen und dein Publikum bei der Stange zu halten Indem Sie Action in dialoglastige Szenen integrieren , behalten Sie die Dynamik bei, und indem Sie den Dialog in Ihre Actionszenen einfließen lassen, verleihen Sie Sinn und emotionale Tiefe Der Schlüssel liegt darin, zu wissen, wann man sich in das eine und wann in das andere lehnt Außerdem müssen Sie verstehen, wie Sie sie nahtlos miteinander verbinden können. Schauen wir uns die dunkle Nacht an, die Szene, in der Batman Joker verhört Dies ist ein perfektes Beispiel für ein Gleichgewicht zwischen Aktion Der Dialog ist scharf und intensiv. Es ist voller psychologischer Kriegsführung. Warum willst du mich dann töten? Ich will dich nicht töten. Was würde ich ohne dich tun? Willst du wieder Mafia-Dealer abzocken? Nein, nein Nein. Nein, du. Du bist vollständig. Ich. Du bist Müll. Du tötest für Geld. Rede nicht wie einer von ihnen. Bist du nicht. Auch wenn du gerne bei ihnen sein würdest, bist du nur ein Freak. So wie ich. Sie brauchen dich jetzt. Und wenn sie es nicht tun, werden sie dich rauswerfen. Wie ein Aussätziger. Siehst du, es sind Moralvorstellungen, wir sind Code. Das ist ein schlechter Witz Wir sind beim ersten Anzeichen von Problemen umgefallen. Sie sind nur so gut, wie es die Welt ihnen erlaubt. Ich werde Ihnen zeigen, dass diese zivilisierten Menschen sich gegenseitig auffressen werden, wenn die Chips runter sind diese zivilisierten Menschen sich gegenseitig auffressen werden Siehst du, ich bin kein Monster. Ich bin der Zeit nur einen Schritt voraus. Dann unterstreichen die Momente körperlicher Action, wie wenn Batman Joker gegen die Wand knallt, die wie wenn Batman Joker gegen die Wand knallt, die rohe Kraft der Szene Sie können sehen, wie sich diese beiden Elemente hier gegenseitig beeinflussen und im Verlauf der Szene den Einsatz erhöhen Es wäre nicht so mächtig gewesen , wenn sie nur geredet hätten, und es wäre definitiv nicht so mächtig gewesen , wenn sie nur gekämpft hätten Das Gleichgewicht zwischen den beiden macht die Szene so unvergesslich. Nun, hier ist ein kurzer Tipp für Sie. Wenn Sie eine dialoglastige Szene schreiben, denken Sie darüber nach, die Momente des Dialogs mit etwas Action zu unterbrechen . Es kann etwas ganz Kleines sein, wie ein Charakter, der nervös auf seinem Platz herumrutscht oder vielleicht einen Drink einschenkt Das kann den Rhythmus einfach durchbrechen und der Szene ein dynamischeres Gefühl verleihen Diese kleinen Aktionen können widerspiegeln , was in der Figur passiert. Eine nervöse Geste kann Angst offenbaren, eine bestimmte Bewegung kann eine Veränderung der Machtdynamik signalisieren. Aber wenn Sie diese Aktionsmomente hinzufügen, werden Sie visuelles Interesse wecken und das Tempo abwechslungsreich halten Im sozialen Netzwerk Aaron Sorkins rasanter Dialog durch Momente voller Action unterbrochen Die Charaktere bewegen sich, gestikulieren oder reagieren physisch In diesem Film sorgt die Bewegung dafür, dass die Energie auch bei langen Dialogen hoch bleibt, und die Handlung trägt dazu bei, die Intensität der Szene aufrechtzuerhalten Es gibt natürlich Zeiten, in denen Sie möchten, dass Ihr Dialog im Mittelpunkt steht. Wenn Sie eine Szene schreiben, in der Sie einen emotional aufgeladenen Moment oder ein Gespräch haben einen emotional aufgeladenen Moment , das etwas Entscheidendes über diese Geschichte enthüllt. Bitte scheuen Sie sich nicht, sich auf Ihren Dialog einzulassen und den Worten der Charaktere die Stimme zu geben. Manchmal entsteht die Spannung einer Szene allein aus dem , was gesagt wird. In diesen Momenten brauchst du keine großen Action-Sequenzen. Sie brauchen die richtigen Worte zur perfekten Zeit. Solche Szenen sind mächtig, weil sie auf emotionaler Intensität und Dialog beruhen . Vor Sonnenuntergang dreht sich der gesamte Film um den Dialog. Die Gespräche zwischen den beiden Charakteren enthüllen ihre Vergangenheit, ihr Bedauern und ihre Hoffnungen Es gibt kaum Action, aber das emotionale Gewicht der Worte hält das Publikum bei der Stange. Hier ist der Dialog die treibende Kraft. Du warst sowieso nicht da. Warte. Warum warst du nicht da? Ich wäre dort gewesen, wenn ich gekonnt hätte. Ich habe Pläne gemacht und du solltest besser einen guten Grund haben. Was? Oh nein. Nein, du warst dort, nicht wahr? Oh nein. Oh, das ist furchtbar. Also, wie setzt man das in die Praxis um? Wenn Sie Ihre Szene entwerfen, bevor Sie mit dem Schreiben beginnen, setzen Sie sich einfach hin und überlegen Sie, was meine Szene erreichen muss Brauchst du mehr Action , um die Handlung voranzutreiben? Ist das der Moment, in dem sich die Charaktere durch Dialoge verbinden müssen? dich einfach immer wieder, was ist hier die richtige Balance? Es gibt einen Grund dafür , dass etwas richtig und etwas falsch eines davon besser zu einer bestimmten Art von Szene passt als eine andere. Denken Sie also einfach weiter darüber nach , was am besten funktioniert und warum. Wenn du den Zweck deiner Szene verstehst, kannst du besser entscheiden, wie du Action und Dialog in Einklang bringen kannst. Wenn Ihr Drehbuch sehr dialoglastig ist, suchen Sie nach Orten, an denen die Handlung die emotionale oder erzählerische Spannung auf subtile Weise verstärken kann die emotionale oder erzählerische Spannung auf subtile Weise verstärken Wenn die Szene handlungsorientiert ist, überlege dir, wie kurze, scharfe Dialoge den Kontext oder das emotionale Gewicht erhöhen können Kontext oder das emotionale Gewicht ohne dein Tempo zu verlangsamen Schauen wir uns Casablanca an. Dies ist einer meiner Lieblingsfilme und die Balance zwischen Action und Dialog ist hier meisterhaft Rigels Dialog ist voller unausgesprochener Spannungen, aber es sind die Handlungen zwischen ihren Worten, ihren Blicken, ihren kleinen Pausen, Das ist es, was zusätzliche Bedeutungsebenen verleiht. Die Action und der Dialog hier wirken zusammen, um eine emotional aufgeladene Szene zu schaffen eine emotional aufgeladene Szene , die das Publikum auf Trab hält. Wenn das Flugzeug den Boden verlässt und du nicht bei ihm bist, wirst du es bereuen. Vielleicht nicht heute, vielleicht nicht morgen, aber bald und für den Rest deines Lebens. Aber was ist mit uns? Wir werden immer Paris haben. Wir hatten nicht. Wir haben es verloren, bis du nach Casablanca kamst Wir haben es letzte Nacht zurückbekommen. Als ich sagte, ich würde dich niemals verlassen. Und das wirst du auch nie tun. Aber ich habe auch einen Job zu erledigen. Wo ich hingehe, kannst du mir nicht folgen. Was ich tun muss, daran kannst du nicht teilhaben. Hills Ich bin nicht gut darin, edel zu sein, aber es braucht nicht viel, um zu erkennen, dass die Probleme dreier kleiner Leute in dieser verrückten Welt kein Zuckerschlecken sind. Eines Tages wirst du das verstehen. Er sieht dich an, Junge. Nun, da Sie wissen, wie man Aktion und Dialog in Einklang bringt, wollen wir einige häufige Fallstricke besprechen , die Sie auf jeden Fall vermeiden müssen Einer der größten Fehler, die Autoren machen, besteht darin, den Dialog zu statisch werden zu lassen Wenn der Charakter also zu lange nur sitzt und spricht, ohne sich zu bewegen oder zu handeln, kann ich dir versprechen, dass sich die Szene flach anfühlt. Ein weiterer Fehler besteht darin, die Handlung nur um der Sache willen zu verwenden. Also schaukelst du in die andere Richtung. Wenn die Handlung der Geschichte nicht dienlich ist oder wenn du etwas Neues an deinen Charakteren hast, wird es sich sinnlos anfühlen In ähnlicher Weise kann eine zu starke Erklärung durch Dialoge deine Szene ins Stocken bringen. Denken Sie also daran, Show don't tell. Ihrem Publikum muss nicht alles erzählt werden. Geben Sie ihnen nicht jede einzelne Information. Zeig es uns, wenn du kannst. Halten Sie Ihre Dialoge im Wesentlichen scharf auf den Punkt und lassen Sie die Handlung des Charakters einen Teil der Arbeit erledigen Schau dir deine Szene an. Schau dir an, wie viel Dialog du hast, schau dir an, wie viel Action du hast. Versuche es auszugleichen. Wenn du drei Seiten mit reinem Dialog hast, dazwischen Handlungsstränge aufschreibst, sie aufteilst , mir etwas gibst, ich mir das vorstellen kann , bevor ich den Film gesehen habe. Lass mich den Film sehen, bevor wir ihn gedreht haben. Der Schlüssel ist, sich immer wieder zu fragen, wie sich Handlung und Dialog ergänzen können , damit Ihre Geschichte weitergeht. Das ist alles was es ist. Nächstes Mal helfe ich Ihnen, das Gelernte in die Praxis umzusetzen, also bleiben Sie dran. 9. Häufige Fallstricke und Fehlerbehebung: wir nun über die Grundlagen einer Szenenstruktur gesprochen haben , wollen wir über einige häufige Fehler sprechen, die selbst die am besten geschriebene Szene zum Scheitern bringen Ich werde mich auf einige häufige Fehler konzentrieren , die Autoren oft über lassen, und ich werde dir helfen, deine Geschichte fesselnd, fokussiert und voranzubringen Eine der häufigsten Fallstricke beim Schreiben von Szenen ist die sogenannte Ziellosigkeit Jede Szene sollte einen Existenzgrund haben. Wenn deine Szene die Handlung nicht voranbringt, wenn sie deine Charaktere nicht vertieft oder keine Spannung aufbaut, kann ich dir versprechen, dass es nur Zeitverschwendung ist und du sie schneiden musst Szenen, die sich schlängeln oder nicht wirklich zur Geschichte beitragen, fühlen sich oft wie voll Um das zu vermeiden, möchte ich, dass du dich vor dem Schreiben jeder Szene fragst, was ist der Sinn dieser Szene Was lernt das Publikum hier oder wie entwickelt sich die Geschichte? Wenn Sie diese Fragen nicht beantworten können, ist es an der Zeit, die Szene entweder komplett zu überarbeiten oder sie ganz aus dem Drehbuch zu streichen Beachten Sie, dass in dieser Szene nichts Neues enthüllt wird. Die Charaktere wachsen nicht, die Handlung geht nicht voran. Es fühlt sich einfach so stagnierend an. Das ist genau das, was du vermeiden willst. Eine weitere große Falle für Autoren ist die Verwendung übermäßig expositorischer Dies passiert, wenn Charaktere dem Publikum Dinge erklären, die sie bereits wissen sollten , oder noch schlimmer, wenn sie Dinge buchstabieren , die visuell oder durch Subtext gezeigt werden könnten Manche Leute nennen das, wie du weißt, Bob-Situation. Wenn sich ein Charakter an einen anderen Charakter wendet , der offensichtlich mit der Situation vertraut ist , aber um es dem Publikum zu erleichtern , beschließt er, die Situation trotzdem zu erklären. Das ist so nervig und fühlt sich so unnatürlich an. Finde einen kreativeren Weg für die Charaktere , es zu erklären Finde einen Charakter, der keine Ahnung hat, was passiert, und erkläre es ihm. Lass das Publikum durch diesen Charakter lernen. Ein anderes Mal sehe ich expositorische Dialoge , wenn deine Charaktere alles erklären Was Sie hier tun, ist, dass Sie eine Gelegenheit verpassen , durch Subtext Tiefe zu erzeugen Anstatt die Charaktere sagen zu lassen, ich habe Angst, zeig sie bitte zitternd oder zögernd, bevor sie handeln Vertrauen Sie einfach darauf, dass Ihr Publikum visuelle und emotionale Hinweise aufnimmt visuelle und emotionale Hinweise aufnimmt In dieser Szene erklärt der Charakter dem Publikum direkt, was er fühlt Ich mag keinen Sand. Er ist grob und rau und irritierend, und er kommt überall hin. Nicht wie hier. Hier ist alles weich und glatt. Ist es klar? Absolut klar, aber es ist auch sehr erzwungen. Nun, vergleiche das mit meinem nächsten Beispiel. Hier muss uns der Charakter nicht sagen , dass er Angst hat. Ihre Körpersprache und ihr Handeln sprechen alles. Und es ist viel ansprechender. Was habe ich verpasst? Mm. Oh, ein ganzer Haufen von nichts. Apropos Sport? Hallo. Ja. Ja, das ist die Sache Jujitsu, dass Stärke keine Rolle spielt, oder? Es geht nur darum. Es ist ein strategisches Spiel wie Trash. Es geht darum, zwei, drei, vier Schritte voraus zu sein. Es ist cool. Steh auf, steh auf. Jeremy? Äh, kein Karate im, nicht wahr? Er ist kein Karate, ähm. Ja, ich muss herrschen Nein, nein, kein Spiel, aber finde ihn betrunken. Ich bin einfach Jeremy. Ich wollte ihm nicht wehtun. Lassen Sie uns jetzt über Ton und Stil sprechen. Eine Szene, die nicht zum Gesamtton des Films passt , kann das Publikum abschrecken. Zum Beispiel kann sich eine komödiantische Szene inmitten eines angespannten Thrillers inmitten eines angespannten Thrillers so fehl am Platz anfühlen, es sei denn , Sie tun sie mit einer bestimmten Absicht Jede Szene muss in das größere Rätsel deiner Story-Welt passen das größere Rätsel deiner Story-Welt Wenn es sich bei Ihrem Film um ein ernstes Drama handelt, sollten Sie wissen, dass ein Slapstick-Comedy-Moment möglicherweise nicht sehr gut zusammenpasst Achte nur darauf, dass deine Szenen dem Ton und Stil entsprechen , den du in deinem Drehbuch festgelegt hast Beachten Sie, wie sich dieser komödiantische Teil so fehl am Platz anfühlt, ansonsten eine ernste Szene Es entsteht eine tonale Dissonanz , die das Publikum aus der Geschichte herauszieht Bitte sei eine geheime Tür, bitte sei eine geheime Tür, bitte sei ein Geheimnis. Ja. Jetzt kann ein flacher oder passiver Charakter dafür sorgen, dass sich selbst die dynamischste Szene flach anfühlt. Wenn deine Charaktere ihre Ziele nicht aktiv verfolgen oder auf Konflikte reagieren, kann ich dir versprechen, dass das Publikum überhaupt nicht engagiert fühlen wird Um dies zu vermeiden, stelle einfach sicher, dass deine Charaktere in jeder einzelnen Szene klare Beweggründe haben in jeder einzelnen Szene klare Beweggründe Auch wenn sie nicht die Hauptfigur sind, sollten sie dennoch etwas haben, das sie wollen oder brauchen, und das gibt dir Leben und Sinn in der Szene Wie alt bist du? 17. Wie lange bist du schon 17? Während. Ja. Ich weiß, was du bist. Sieh es dir an. Laut. Sag es. Vampir. Beachten Sie also, wie der Charakter einfach auf Dinge reagiert, die um ihn herum passieren Sie haben kein Spielziel und das Ergebnis ist, dass die Szene einfach passiv und absolut uninteressant ist einfach passiv und absolut uninteressant Wie vermeiden wir also all diese Fallstricke? Seien Sie zunächst immer bewusst. Bevor Sie eine Szene schreiben, fragen Sie sich, was der Zweck der Szene ist Das habe ich den ganzen Kurs über gesagt. Wie bringt deine Szene die Handlung voran? Wie entwickelt deine Szene Charakter? Wie baut deine Szene Spannung auf? Wie trägt deine Szene zur Gesamtgeschichte bei? Vermeiden Sie als Nächstes, zu viele Informationen in Ihrem Dialog zu veröffentlichen. Vertrauen Sie darauf, dass Ihr Publikum den Subtext und die visuellen Hinweise versteht Halten Sie Ihren Ton einheitlich es sei denn, Sie treffen eine bewusste stilistische Entscheidung Und stellen Sie abschließend sicher, dass jeder Charakter in Ihrer Szene einen Grund hat, dort zu sein Gib ihnen ein Ziel, gib ihnen eine Motivation und gib ihnen bitte Entscheidungsfreiheit. Nehmen Sie nun die Szene, die Sie bisher geschrieben haben , und analysieren Sie sie. Suchen Sie nach all diesen häufigen Fallstricken , die ich gerade erwähnt habe, finden Sie sie und beheben Sie sie. Erfüllt Ihre Szene einen Zweck? Gibt es vielleicht zu viel Ausstellung? Wie treiben deine Charaktere die Szene voran? Nehmen Sie alle Anpassungen vor, verbessern Sie es und Sie werden es noch viel mehr lieben. Bleiben Sie dran, denn es ist Zeit für Fallstudien. 10. Effektive Szenen analysieren: Nachdem wir uns mit ihrer Struktur und den häufigsten Fallstricken befasst haben und wissen, wie sie vermieden werden können, ist es an der Zeit, von den Besten zu lernen Wir werden einige Szenen aus ikonischen Filmen aufschlüsseln und verstehen, warum sie so gut funktionieren Am Ende wirst du in der Lage sein, diese Techniken auf deine eigenen Filme anzuwenden . Fangen wir mit der Eröffnungsszene aus der dunklen Nacht an. Dieser Banküberfall eröffnet nicht nur die Action, sondern führt auch den sondern führt auch Joker ein, ohne zu viel zu verraten. Das ist entscheidend. Die Szene dient mehreren Zwecken und ist somit ein hervorragendes Beispiel für eine effektive Szene. Ich glaube, alles , was dich nicht umbringt macht dich einfach Fremder. In den ersten Sekunden versetzt uns der Film also direkt in die Action. Dies heißt In Media's Res. Der Film beginnt mit dem Überfall, der bereits im Gange Wir wissen nicht genau , wer diese Räuber sind, aber das Gefühl von Dringlichkeit und Wir lernen Maskenräuber kennen, die als Team arbeiten, aber es herrscht ein Gefühl von Misstrauen und Geheimnisvollem Jetzt, wo der Überfall weitergeht, nimmt auch die Spannung Beachten Sie, wie der Konflikt innerhalb der Gruppe eskaliert. Jeder Räuber wird auf Anweisung des Jokers systematisch von den anderen eliminiert , was seine Manipulation nur unterstreicht Der Plan der Joker, die Räuber sich gegenseitig töten zu lassen, zeigt nicht nur seinen verdrehten Verstand, sondern hält uns auch auf Trab, da sich die Machtdynamik innerhalb der Machtdynamik Als sich der Joker dann am Ende der Szene offenbart , macht er seinen Charakter zum Hauptgegner des Films. Das ist Der Joker entlarvt sich selbst, gibt dem Publikum einen Einblick in den Bösewicht des Films und macht uns gleichzeitig Lust auf mehr. Der High ist erfolgreich, aber mit einem Hund und einer chaotischen Wendung. Die Szene schafft ein meisterhaftes Gleichgewicht zwischen Action, Spannung und der Enthüllung der Charaktere Schauen wir uns als Nächstes eine der bekanntesten spannungsbildenden Szenen der Filmgeschichte an: Der weiße Hai. Diese Szene am Strand, in der der Hai einen Schwimmer angreift , ist eine perfekte Studie in Bezug auf Spannung Der Strand ist voller glücklicher Urlauber, die einen sonnigen Tag genießen Spielberg bietet hier einen perfekten Kontrast. Der heiteren, unbeschwerten Atmosphäre der Strandbesucher steht die lauernde Gefahr des Hais gegenüber. Die Kamera schneidet häufig zu den Unterwasseraufnahmen, was auf die unsichtbare Gefahr hindeutet hindeutet Dies erzeugt beim Publikum ein erhöhtes Gefühl der Angst. Die Spannung nimmt zu, wenn sich der Hai seiner Gischt nähert. Hier liegt der Konflikt in der Annäherung des Hais. Die Spannung wächst nicht aufgrund des rasanten Geschehens, sondern aufgrund dessen, was bald passieren wird Das Publikum weiß etwas , was der Charakter nicht weiß, und dadurch fühlt sich jede Aufnahme bedrohlicher Das Publikum ist den Charakteren voraus, und das ist es, was für eine starke dramatische Ironie sorgt Jetzt sorgen die Haiangriffe für Chaos am Strand und enthüllen die Gefahr Der Angriff löst nicht nur die unmittelbare Spannung, was sich für uns auszahlt, sondern treibt auch Es ist ein Wendepunkt für den Protagonisten Brodie, der jetzt weiß , dass die Bedrohung real ist Brodie muss sich nun also der Realität des Hais stellen, und für den Rest des Films steht mehr auf dem Spiel. A. Okay. Alex. Eins. Lassen Sie uns nun zu einem völlig anderen Genre und darüber sprechen, wann Harry Sally getroffen hat Die ikonische Feinkost-Szene zeigt, wie wichtig es ist Action und Dialog zu kombinieren , um unvergessliche Momente zu schaffen Harry und Sally diskutieren über ein beiläufiges Thema, wie Männer und Frauen Beziehungen unterschiedlich sehen Die Szene beginnt harmlos mit einem Gespräch zwischen zwei Personen, aber das Setup bereitet uns auf das vor , was passieren Sie sitzen in einem überfüllten Feinkostladen, was der Situation eine gewisse Normalität verleiht Die normale Umgebung steht im Kontrast zu dem außergewöhnlichen Ereignis, das darauf dem außergewöhnlichen Ereignis, das Als das Gespräch eskaliert, beschließt Sally, ihren Standpunkt zu beweisen, indem sie mitten im Feinkostladen einen Orgasmus vortäuscht Dieser Konflikt wird ausschließlich von Dialogen und Charakterinteraktionen bestimmt bestimmt Die Steaks hier sind gesellig, nicht physisch, aber sie sind genauso effektiv Die Spannung rührt von der sozialen Unbeholfenheit und von Harrys Reaktion her. Das Publikum wird von der Chemie der Figur und der Tatsache, dass diese Situation so unberechenbar ist, angezogen dass diese Situation so unberechenbar ist dass diese Situation so unberechenbar Oh. Die Szene endet mit einer berühmten Pointe, eine ältere Frau sagt, ich nehme, was sie hat. Die Belohnung hier ist jedoch nicht nur der Humor. Es hinterlässt einen bleibenden Eindruck und fördert gleichzeitig die Dynamik des Charakters, und die Szene vertieft unser Verständnis für beide Es zementiert auch einen der denkwürdigsten Momente des Films. Schauen wir uns zum Schluss eine Szene an, die für ihre Beherrschung des Subtextes und der Charaktereinführung bekannt ist, die Eröffnung von The Godfather Diese Szene ist voller Bedeutung, da sie Don Corlone mit der subtilen Machtdynamik vertraut macht, die im Spiel Der Film beginnt mit einer Nahaufnahme eines Mannes, der um Gerechtigkeit bittet Bei der Einrichtung dreht sich alles um den Subtext. Wir ziehen uns langsam zurück, um zu enthüllen , dass er mit Don Clone spricht und die Machtdynamik von Anfang an Der Mann bittet um Hilfe, aber wir können die Spannung spüren, als er gezwungen ist, den Mafia-Boss um einen Gefallen zu bitten Dies sagt uns alles, was wir über die Welt der Geschichte wissen müssen , ohne dass es eine ausdrückliche Erklärung Die Bitte dieses Mannes bringt ihn in eine verwundbare Lage, und Don Clones ruhige, maßvolle Reaktion verstärkt nur die Spannung Seine Antwort zeigt seine Macht ohne dass er seine Stimme erheben oder jemanden bedrohen muss Es ist ein sehr subtiles Machtspiel, da Corleone deutlich macht, dass Gefälligkeiten an Bedingungen geknüpft sind Der Konflikt hier ist rein psychologischer und Es dreht sich alles um die unausgesprochenen Regeln ihrer Welt. Die Szene endet damit, dass Clone sich bereit erklärt, zu helfen, aber zu seinen Bedingungen, und gibt damit den Ton für den Rest des Films an Die Auflösung fasst die Dinge nicht sauber zusammen. Stattdessen vermittelt sie uns ein klares Verständnis dafür, was auf dieser Welt auf dem Spiel steht Der Gefallen wurde gewährt, aber zu einem Preis. Diese Szene etabliert Colone als Autoritätsperson und verstärkt das Thema Loyalität und Denken Sie an die Szene, die Sie geschrieben haben. Wie haben Sie den Aufbau, den Konflikt und die Lösung eingeführt , und wie können Sie Subtext in all das einfließen lassen? Ich würde empfehlen, sich, bevor Sie zu Ihrer Szene zurückkehren und sie erneut bearbeiten, so viele effektive ikonische Szenen wie möglich anzusehen und aufzuschlüsseln, wie sie funktionieren und warum sie 11. Szenenvariationen: Anpassung an Genres: Nachdem wir in einigen Fallstudien erfolgreiche Beispiele behandelt haben , ist es an der Zeit, sich mit verschiedenen Variationen von Szenen zu befassen und zu erfahren, wie sie in verschiedenen Genres verwendet werden. Die Grundlagen für den Aufbau einer Szene bleiben zwar dieselben, in der ich in jeder einzelnen Lektion nach Hause gegangen bin, Konfliktlösungen eingerichtet habe , verschiedene Genres haben unterschiedliche Erwartungen wie sie genau ausgeführt werden sollen gibt es neue Antworten darauf, wie Sie Je nach Genre Ihrer Wahl gibt es neue Antworten darauf, wie Sie Ihre Szenen gestalten, von rasanten Action-Szenen bis zu subtilen emotionalen Beats und Dramen. In dieser Lektion erfahren Sie, wie Sie Ihren Ansatz für verschiedene Genres optimieren Fangen wir mit Action und Thriller an. Bei dieser Art von Filmen ist das Tempo entscheidend und die Szenen sind in der Regel energiereicher, sie haben schnelle Schnitte und die Spannung steigt ständig Hier steht oft physischer Natur auf dem Spiel, also denkst du, Überleben, Flucht, Konflikt, und deine Szenen müssen die Dringlichkeit widerspiegeln , die sowohl dem Action- als auch dem Thriller-Genre innewohnt sowohl dem Action- als auch dem Thriller-Genre Was Sie für diese Genres also benötigen, ist eine schnelle Einrichtung. Also geben Sie mir eine minimale Exposition, kommen Sie direkt zu dem Punkt, den Sie ansprechen wollen Wir brauchen schnelle Konflikte, also muss die Spannung normalerweise äußerlich sein, aber vor allem muss sie sofort auftreten Die Lösung muss hier dynamisch bleiben. Sehr oft sieht man Klippenhänger oder etwas, das sich im nächsten Moment und in der nächsten Szene abspielen wird im nächsten Moment und , weil alles schnell gehen muss Man denke an die Chase-Szene , in der Mad Max Fury geschrieben hat. Hier dreht sich alles um Bewegung. Der Konflikt ist in jeden einzelnen Frame eingebettet. die Auflösung werden die Dinge nicht so sauber zusammengefügt, wie Sie es normalerweise erwarten würden, aber sie sorgt dafür, dass für den nächsten Moment in der nächsten Szene viel auf dem Wenn Sie also in einem dieser Genres arbeiten, müssen Sie sicherstellen, dass sich Ihr Tempo und Ihre Intensität in Ihrem Sichtbaren widerspiegeln Jetzt, wo wir das genaue Gegenteil des Spektrums sehen, haben wir Geschichten, die von Dramen und Charakteren geprägt sind. In solchen Geschichten drehen sich die Szenen oft um emotionale Spannungen Im Gegensatz zu Actionfilmen , bei denen es normalerweise um physische Einsätze geht und um etwas, das man sehen kann Hier ist es wahrscheinlicher, dass es sich um persönliche Einsätze handelt. Sie stehen also emotional auf dem Spiel. Sie haben Beziehungen. Sie haben persönliches Wachstum. Das ist ein großer Sake, und das ist besonders häufig in charakterorientierten Geschichten und Dramen der Fall Es ist auch ein persönlicher Favorit von mir. Ich liebe persönliches Wachstum als Steak, und es ist dazu da, Ihnen eine subtilere, aber oft auch aussagekräftigere Geschichte als Ganzes zu vermitteln. Die Art und Weise, wie Sie Ihren Einrichtungskonflikt und Ihre Lösung hier anpassen würden , ist, dass Sie mir ein detailliertes Setup geben würden. Konzentrieren Sie sich also darauf, diesen emotionalen Kontext oder diesen situativen Kontext zu schaffen diesen emotionalen Kontext oder diesen situativen Kontext zu Im Grunde benötigst du ein sehr gründlich angelegtes Fundament , auf dem du aufbauen kannst, weil du nicht über die physische Manifestation der Dinge verfügst Es geht nur um Gefühle und Dialog und Emotionen. Dann würde der Konflikt langsam aufflammen. Die Spannung, weil sie oft innerlich ist, wird im Laufe der Zeit zunehmen. Du wirst niemanden dazu bringen, einfach reinzuspringen und jemanden zu schlagen Nein, Sie werden ein Gespräch führen , das sich langsam zu einem Streit zusammenbraut Dann ist die Auflösung für Dramen und charakterorientierte Geschichten normalerweise viel subtiler Die Auflösung wird sich eher darauf stützen, thematisch oder emotional zu sein , als sozusagen auf einen klaren Gewinner oder Verlust Schauen wir uns als Beispiel Manchester by the Sea an. Die Spannung rührt in diesem Fall von unklaren Worten und der zugrunde liegenden Trauer und dem ungelösten Was unbestimmt geblieben ist, was sich unter der Oberfläche befindet, ist es, was hier die eigentliche Spannung verursacht Und als Nächstes wollen wir über Comedy sprechen. Komödien finde ich besonders schwer zu meistern. Aber was ihre Struktur angeht, sind sie wahrscheinlich die einfachsten und die , mit denen Sie wahrscheinlich am besten vertraut sind Sie haben bestimmt schon einmal einen Witz und eine Pointe gehört , auf die sich jeder Witz und jede komödiantische Szene stützt Hier ist das Setup das Fundament der Pointen, und der Konflikt entsteht häufig durch ein Missverständnis oder übertriebene Umstände oder sogar durch kollidierende Persönlichkeiten und der Konflikt entsteht häufig durch ein Missverständnis oder übertriebene Umstände oder sogar durch kollidierende Persönlichkeiten. Der richtige Zeitpunkt für Komödien ist entscheidend, da jeder Dann entspricht die Pointe Ihrer Auflösung hier Die Szene endet mit einem Lachen oder Sie könnten auch eine unerwartete Wendung nutzen. Es gibt eine ikonische Szene aus der 40-jährigen Jungfrau in der Andys Freunde versuchten, ihm Ratschläge zum Thema Dating zu geben Nun, der Humor hier rührt von Missverständnissen und der Unbeholfenheit des Charakters Jeder Ratschlag erhöht die komödiantische Spannung. Die Lösung in diesem Fall, dem alles schief geht, ist es, was die Liebe hervorbringt Vor allem in Komödien müssen deine Szenen sehr eng und druckvoll sein, müssen deine Szenen sehr eng und druckvoll sein denn jede einzelne Zeile sollte sich in Richtung des komödiantischen Effekts bewegen, der komödiantischen Belohnung, der Pointe sollte sich in Richtung des komödiantischen Effekts bewegen, der komödiantischen Belohnung, der Pointe Nun, in Horrorszenen geht es vor allem darum, Angst und Spannung aufzubauen. Sie müssen mit den Erwartungen des Publikums Sie müssen Ich bin nicht der größte Fan von Horror, aber wenn du lernen willst, Spannung zu schreiben, ist das genau das Genre, mit dem du dich befassen solltest Auch beim Horror ist der Konflikt in der Regel äußerer Natur, er ist also eine lauernde Gefahr unabhängig davon, ob er übernatürlicher oder psychologischer Natur ist Die Auflösung ist dann oft so konzipiert, dass sie den Betrachter verunsichert Aber ich möchte auf etwas Wichtiges hinweisen. Unzufrieden heißt nicht unzufrieden. Das Horror-Publikum möchte sich verunsichert fühlen. Wenn Sie es also schaffen , sie zu verunsichern, das Nun, wie können Sie diese grundlegende Szenenstruktur an Ihren Horrorfilm anpassen diese grundlegende Szenenstruktur an Ihren Horrorfilm Sie benötigen im Wesentlichen ein atmosphärisches Setup. Sie müssen diese beunruhigende Atmosphäre von Anfang an schaffen , von Anfang an in Ihrer Szene Konflikte werden sich in diesem Fall in Spannung und Spannung niederschlagen Es muss langsam aufgebaut werden, um das Publikum ständig auf Trab zu halten. Idealerweise wünschen Sie sich eine sehr schockierende Auflösung. Es sollte für einen Sprung-Sketch oder einen Hit sorgen, es ist etwas noch Schlimmeres , das gleich kommen In The Conjuring, einem Film, vor dem ich absolut Angst habe und den ich mir nicht ansehen kann, ist absolut Angst habe und den ich mir nicht ansehen kann, die Szene mit der besessenen Puppe ein perfektes Beispiel für Horror-Tempo ein perfektes Die Einrichtung ist sehr einfach. Du hast einen dunklen Raum und eine gruselige Puppe. Aber dann baut sich die Spannung oder der Konflikt in diesem Fall langsam auf, und wenn Sie glauben, dass sich die Szene auflösen wird, gibt es einen letzten Schrecken, und das Wenn Sie Horror schreiben, sollten Sie das Tempo langsam halten, bis sich der große Gewinn auszahlt langsam halten, bis sich der große das Drehbuch noch einmal umdrehen, gehen wir zur Romanze über und Romcoms ist natürlich eine Kombination aus Romanze und Komödie, also können Sie diese beiden natürlich eine Kombination aus Romanze und Komödie, also können Sie Aber Romcos orientieren sich normalerweise mehr an der Romanze als an der Einrichtung und Struktur der Komödie Jetzt konzentrieren sich Liebesszenen auf die Chemie zwischen den Charakteren und auf emotionale Aspekte. Daher dreht sich der Konflikt oft um Missverständnisse, Verwundbarkeit oder einen langsamen Aufbau Diese Szenen hängen stark von den Interaktionen der Charaktere und dem Subtext ab, dieser magischen Sache, die jede einzelne Szene besser macht Du brauchst ein emotionales Setup. Sie müssen die Voraussetzungen für Chemie und emotionale Spannung schaffen, das ist die Stimmung, für die Sie sich entscheiden müssen Jetzt ist der Konflikt in der Regel subtiler. Die Spannung ist oft innerlich, sie steckt also in den Köpfen der Charaktere und ist auf Missverständnisse und unausgesprochene Gefühle zurückzuführen Dann muss die Auflösung hier zart sein. Es kann etwas sehr Kleines sein, wie ein Augenkontakt oder eine leichte Berührung, aber es geht um etwas Tieferes. Wenn ihr in jeder Szene ähnliche Vorsätze und Auszahlungen vornehmt , wird sich der Verlauf der Beziehung so natürlich und nett anfühlen, und am Ende eurer Geschichte, wenn die Charaktere unweigerlich zusammenkommen, wird es sich anfühlen, als ob das von eurer Geschichte, wenn die Charaktere unweigerlich zusammenkommen, wird es sich anfühlen, Anfang an so war, es wird sich für die beiden als die natürlichste Entwicklung anfühlen , ein Paar zu werden In Stolz und Vorurteil, einem absoluten Klassiker, ist die Szene, in der Mr. Darcy Elizabeth zum ersten Mal seine Liebe gesteht , voller unausgesprochener Spannungen, einer Reihe von Hinweisen auf ihre widersprüchlichen Gefühle, und der Konflikt ist einer Reihe von Hinweisen auf ihre widersprüchlichen Gefühle, auf ihre Missverständnisse zurückzuführen. Die Lösung hier ist zwar nicht romantisch im traditionellen Sinne, schafft aber die Voraussetzungen für ihre spätere Versöhnung Nun, alle Genres, die ich beschrieben habe, sind sehr verbreitet. Im Grunde kann jede Geschichte, die du dir schnappst , irgendwie in eine von ihnen passen, und das ist der allgemeine Aufbau wie du deine Szene für jede einzelne von ihnen erstellst. Aber es gibt zwei spezifische Arten von Szenen, die ich oft sehe. In vielen dieser Genres, wenn nicht in allen. Ich persönlich denke, dass sie der Regel unwirksam sind. Natürlich hat jede Regel Ausnahmen, aber ich denke, damit diese Szenen funktionieren, müssen sie mit äußerster Vorsicht und mit so viel Verständnis dafür behandelt werden äußerster Vorsicht und mit so , wie man sie richtig macht, dass ich nur raten würde, sie überhaupt nicht zu schreiben. Es gibt so viele weitere kreative und interessante Möglichkeiten , mit dem umzugehen, worauf diese Szenen abzielen. Dass ich einfach nicht glaube, dass es sich lohnt, diese einzubauen. Aber ich werde sie trotzdem beschreiben und für Sie aufschlüsseln , damit Sie sehen können, warum ich denke, dass sie nicht der richtige Weg sind. Ich spreche speziell von Wochenschauausstellungen und Wenn Sie mir generell zugehört haben, wenn Sie an einem meiner Kurse teilgenommen haben, wissen Sie genau , dass ich Warum scheitern Wochenschauausstellungen dann oft? Nun, weil es sich passiv anfühlt, fehlt es an charaktergetriebener Handlung, und ehrlich gesagt, das ist aufschlussreich und nicht aufschlussreich Nun, sagen, nicht zeigen ist ein Prinzip, über das viele Leute sprechen Praktisch jeder in der Autorengemeinschaft hat von Show Don't Tell gehört und die Leute haben unterschiedliche Meinungen darüber, wie gut das ist. Ich persönlich denke, dass es eine Zeit zum Erzählen und eine Zeit zum Zeigen gibt. Aber es ist nie gut. Wenn du mir etwas zeigen kannst, um es stattdessen einfach zu erzählen , weil es so einfallslos und uninspiriert Ich glaube nicht, dass es einen Zuschauer gibt , der jemals sagen wird: Weißt du, was mir an diesem Film am besten gefallen hat , die Wochenschau-Szene Weil das langweilig ist und das haben alle gemacht, und es ist einfach so erschöpft und es gibt coolere Möglichkeiten , dasselbe zu tun Auch hier kannst du mir diese Informationen im Dialog mitteilen. Du musst es mir nicht unbedingt zeigen. Aber wenn zwei Charaktere miteinander reden und sich gegenseitig über die aktuelle politische Situation informieren, fühlt sich das natürlicher und interessanter an, als wenn eine Figur es gerade in den Nachrichten gehört hätte gegenseitig über die aktuelle politische Situation informieren, fühlt sich das natürlicher und interessanter an, als wenn . Lassen Sie uns nun über Traumsequenzen sprechen. Warum sie oft scheitern , liegt daran, dass sie sich von der Geschichte abgekoppelt fühlen, nicht immer, aber sehr oft tut es das Es kann wie ein Polizist rüberkommen. Sie hätten mir diese Geschichte auf interessante und fesselnde Weise erzählen können, aber Sie haben sich dafür entschieden, dass ich sie mir stattdessen einfach ansehe. Ich habe oft das Gefühl, dass es der einfachere Weg war , anstatt mir einen kreativen Weg auszudenken einen kreativen Weg auszudenken je nachdem, was deine Traumszene ist. Manchmal kann es sich auch so anfühlen, als ob es für die Handlung völlig relevant ist, und als Zuschauer kann ich da sitzen und denken, warum schaue ich mir das an? Was hat das mit irgendwas zu tun? Ich habe schon einmal darüber gesprochen, aber in Twilight Breaking Dawn, Teil zwei, untergräbt die erweiterte Traumsequenz den emotionalen Aspekt völlig , weil sie enthüllt, dass sie nicht real war, sodass sich das Publikum getäuscht fühlt Wir dachten, dass diese Charaktere gestorben sind, und dann stellt sich heraus: Oh nein, mach dir darüber keine Sorgen Es ist in Ordnung. Es war nur ein Traum. Aber du hast mich dazu gebracht, in diesen Traum und in diese Charaktere und in ihren Tod zu investieren , in diesen Traum und in diese Charaktere . Plötzlich war ich ohne ersichtlichen Grund emotional. Traumsequenzen können funktionieren, wenn sie eng mit der Handlung des Charakters verknüpft sind. Aber in Twilight Breaking Dawn P Two lässt diese lange Kampfsequenz, die sich als Traum entpuppt, meiner Meinung diese lange Kampfsequenz, die sich als Traum entpuppt nach den gesamten Höhepunkt der Szene aus und das Publikum fühlt sich um eine sinnvolle Auflösung betrogen aus Jedes Genre hat seine eigenen Anforderungen und die Art und Weise, wie Sie Ihre Szenen strukturieren , sollte den Anforderungen und Erwartungen des Genres entsprechen, für das Ganz gleich, ob Sie eine Action-Sequenz erstellen wie eine Verfolgungsjagd oder ob Sie , oder ob Sie dieses dramatische Liebesgeständnis in einer Romanze haben oder ob Sie unterschwellige Spannungen und Charaktergespräche führen Ob du für ein Drama schreibst oder vielleicht einen Moment, in dem du laut lachen willst, ist wirklich egal, aber wenn du die Erwartungen verstehst, die mit dem Genre verbunden sind, für das du schreibst wird dir helfen, deine Szenen besser zu gestalten und sie werden beim Publikum ankommen Mehr. Ich gehe davon aus, dass Sie das Genre, für das Sie schreiben, bereits erkannt haben dass Sie das Genre, für das Sie schreiben, bereits erkannt Machen Sie sich Notizen zu diesem Genre und überprüfen Sie es noch einmal. Entspricht meine Szene den Erwartungen für dieses spezielle Genre? Passen Sie es entsprechend an und konzentrieren Sie sich vor allem darauf, wie sich das Tempo , der Ton und die Einsätze je nach den Konventionen Ihres Genres ändern und ob Sie das gut gemacht haben Beachten Sie auch, dass das Experimentieren mit Genre-Konventionen Ihre Geschichte wirklich aufwerten kann Und ich freue mich darauf zu sehen, wie Sie Ihre Struktur an die Welt anpassen, in der Sie aufhören Nächstes Mal werden wir uns eingehender mit fortgeschritteneren Techniken des Szenenschreibens befassen, also bleiben Sie dran. 12. Fortgeschrittene Techniken: Nichtlineare Szenen: Okay, wir haben so viele verschiedene Arten von Szenen für verschiedene Genres behandelt , aber jetzt möchte ich über zwei fortgeschrittenere Techniken sprechen über zwei fortgeschrittenere Techniken die du vielleicht in Betracht ziehen solltest oder die du bereits in deinem eigenen Drehbuch geschrieben hast , und ich möchte dir helfen, sie noch besser zu machen sprechen wir speziell über nichtlineare Strukturen dieser Lektion sprechen wir speziell über nichtlineare Strukturen und experimentelle Szenenstrukturen Schauen wir uns einen kurzen Vergleich zwischen einer linearen und einer nichtlinearen Struktur an, damit Sie besser verstehen wovon ich gerade spreche. In einer linearen Version werden wir den emotionalen Zusammenbruch des Charakters von Anfang bis Ende verfolgen. In der nichtlinearen Version mischen wir Rückblenden und schneiden zu verschiedenen Zeitpunkten oder verwenden Symbolik, damit der Zusammenbruch surrealer und vielschichtiger anfühlt Das ist etwas, was Regisseure wie Nolan wirklich Warum ist das eine experimentelle oder fortgeschrittene Technik? Nun, das liegt daran, dass es, wie Sie sehen können , nicht so einfach ist wie die lineare Version, aber es fühlt sich emotional komplexer an. Eine nichtlineare Struktur zwingt Ihr Publikum dazu, sich zu engagieren. Es gibt uns auch ein tieferes, vielschichtiges Verständnis der Emotionen des Charakters und der Themen, um die es hier geht. Wann sollten wir nun diese experimentellen Strukturen und nichtlinearen Erzählungen verwenden diese experimentellen Strukturen und nichtlinearen Erzählungen Nun, sie sind in einigen Fällen besonders wirksam. Zuallererst funktionieren sie sehr gut in Psychothrillern Wenn man sich mit Themen wie Erinnerung, Wahrnehmung oder Identität beschäftigt, funktioniert das offensichtlich aufgrund der Themen hier sehr gut Ich habe am Anfang erwähnt, dass Nolan ein großer Fan davon ist , und natürlich kann ich nicht über nichtlineare Strukturen und Gedächtnis- und Psychothriller sprechen Gedächtnis- und Psychothriller ohne Ein weiteres unglaubliches Beispiel für einen Psychothriller , der diese experimentelle Technik nutzt, ist Shutter Island. Nun, das kann auch beim Charakterstudium sehr gut funktionieren. Wenn du im Laufe der Zeit komplexe Emotionen oder psychologische Schichten zum Vorschein bringst, ein gutes Beispiel dafür ist der ewige Sonnenschein des makellosen Verstandes Mondlicht ist auch toll anzusehen Nun, es ist sehr üblich, diese in Kunstfilmen oder experimentellen Erzählungen zu sehen , aber das ist in diesem Fall im Namen, weil das Ziel hier darin besteht, ein Gefühl oder ein Thema hervorzurufen, anstatt unbedingt traditionellen Handlungsverläufen zu Thema hervorzurufen, anstatt unbedingt folgen Sie können sich zum Beispiel Mulhollan Dry ansehen, was ist falsch Ich weiß nicht wer ich bin. Ein weiteres großartiges Produkt, das ich empfehlen kann, ist Tree of Life. Nun, Krimis oder Krimis funktionieren sehr gut mit nichtlinearen Erzählungen, denn wenn Sie diese wichtige Information bis zum perfekten Moment zurückhalten , wird das die Spannung und Faszination, die für das Genre so wichtig sind, noch verstärken . Schauen Sie sich die üblichen Verdächtigen an, bei denen Sie sich ein Bild davon machen können , warum es wichtig ist , uns nicht von Anfang an alles zu geben Sie können sich auch das Prestige als gutes Beispiel dafür ansehen , wie man dies in ein Krimi oder einen Krimi einbauen kann. sehr wichtiger Vorbehalt dabei ist jedoch, niemals eine Technik zu verwenden , weil sie cool oder auffällig oder interessant oder experimentell Sie sollten immer alles, was Sie lernen, und jede Technik, die Sie anwenden können , mit einem bestimmten Zweck und einer bestimmten Wann solltest du sie einsetzen , wenn sie an die emotionale Reise des Charakters, seinen Charakterbogen oder an die Themen deiner Geschichte gebunden sind die emotionale Reise des Charakters ? Wann solltest du sie nicht verwenden? Einfach ausgedrückt, wenn sie in deinem Drehbuch nur so der Sache zuliebe oder weil sie cool sind? Natürlich gibt es bei der Verwendung dieser Strukturen einige Herausforderungen zu beachten. Schauen wir uns einige häufig auftretende Fallstricke , die ich vermeiden sollte Zuallererst können nichtlineare Strukturen verwirrend sein, wenn Sie nicht gut mit ihnen umgehen Wenn du zu häufig Zeitsprünge hast, oder wenn nicht wirklich klar ist, wann und was passiert, kann ich versprechen, dass sich das Publikum verirrt und infolgedessen nicht mehr in deine Geschichte investiert Wenn Sie nichtlineare Erzählungen verwenden, müssen Sie sich darüber im Klaren sein, wo wir uns befinden, was passiert und vor allem, warum wir es verwenden Verwenden Sie es auch sparsam. Jetzt ist ein weiteres großes Problem der Mangel an emotionaler Investition Das passiert, wenn die Szene zu fragmentiert oder abstrakt wird Das Ergebnis ist, dass das Publikum möglicherweise die Verbindung zum Charakter oder zu Ihrer Geschichte ganz verliert die Verbindung zum Charakter oder zu Ihrer Geschichte ganz Aus offensichtlichen Gründen solltest du das vermeiden , und um diesen Fallstrick zu vermeiden, ist es eine gute Methode , sicherzustellen, dass immer ein emotionaler Zusammenhang zu dem Grund besteht , warum wir diese Erzählstruktur verwenden Wie ich bereits erwähnt habe, können all diese Aspekte überbeansprucht werden Ständige Zeitsprünge oder experimentelle Techniken können anstrengend werden und ihre Wirkung verlieren wenn sie nicht Nichtlineare und experimentelle Strukturen bieten dir große kreative Freiheit und die Fähigkeit, mit der Zeit, der Wahrnehmung und sogar den Erwartungen der Zuschauer zu spielen Wahrnehmung und sogar den Erwartungen der Zuschauer der Sie erfordern jedoch eine sorgfältige Planung , um erfolgreich umgesetzt zu werden. Wenn du sie mit Bedacht einsetzt, werden diese Techniken deine Geschichte wirklich aufwerten und dein Publikum motivieren, mehr Interesse an deinen Charakteren wecken und dir helfen, eine spannende Absicht zu entwickeln Sie können sie verwenden, um Ihrem Geschichtenerzählen mehr Tiefe zu verleihen , aber sie hinterlassen keinen bleibenden Eindruck bei Ihrem Publikum übermäßig einsetzen oder wenn Sie sie falsch einsetzen Jetzt ist es an der Zeit zu experimentieren. Versuchen Sie, Ihre Szenenstruktur zu planen, und finden Sie heraus, wie nichtlineare Techniken Ihrer Geschichte Komplexität verleihen können. Ich kann es kaum erwarten, zu sehen, wie Sie die Grenzen des Geschichtenerzählens und wir sehen uns beim nächsten Mal 13. Eigene Szenen erstellen: die ganze Zeit damit verbracht die Vor- und Nachteile von Szenenstrukturen zu lernen Jetzt ist es endlich an der Zeit , alles, was wir wissen, in die Praxis umzusetzen. Wir haben die Theorie hinter dem Aufbau effektiver Szenen kennengelernt, also lassen Sie uns dieses Wissen sinnvoll einsetzen. Ich werde Sie von Anfang bis Ende durch den Prozess des Schreibens von Szenen führen , und am Ende haben Sie Ihre eigene, ausgefeilte Szene. Lass uns mit dem wichtigsten Schritt beginnen, der Vorbereitung der Bühne für deine Szene. Der Schlüssel hier ist der Kontext. Wer sind die Charaktere? Wo sind sie? Was ist los? Um Ihnen den Einstieg zu erleichtern, möchte ich, dass Sie über diese Kernelemente nachdenken. Wo findet die Szene statt? Das ist dein Schauplatz? Ist es ein intimer oder ein großer Moment? Dann denke über deine Charaktere nach. Wer sind die Hauptakteure in dieser speziellen Szene und vor allem, was wollen sie? Denn in jeder Szene geht darum, dass eine Figur etwas will, sie versucht es zu bekommen und sie bekommen es oder nicht Was Sie von Anfang an festgelegt haben müssen, bevor Sie den Stift zu Papier bringen , ist, was Ihr Charakter will? Und zum Schluss, denke über deinen Konflikt nach. Was ist die zentrale Spannungsquelle in diesem Moment? Unterbrechen Sie das Video, nehmen Sie sich ein paar Minuten Zeit und notieren Sie sich die Antworten auf diese Fragen, damit Sie die Bausteine haben, um mit dem Schreiben zu beginnen. Es muss kein vollständiger Überblick sein, aber geben Sie sich selbst eine klare Vorstellung davon, was passiert. Hast du es? Großartig. Perfekt. Wir können weitermachen. Auch wenn es hart ist, das Wichtigste ist, dass es ein Anfang ist. Das Setup dient dazu, die Grundlage für das zu schaffen , was bald folgen wird. Und was bald folgen wird, ist , dass es jetzt, da wir die Grundlagen geschaffen haben, an der Zeit ist, mit dem Schreiben zu beginnen Lassen Sie uns Ihre drei Schlüsselmomente durchgehen , um den Konflikt zu lösen, die Auszahlung, über die wir die ganze Zeit gesprochen haben Wir müssen schnell den Kontext ermitteln. Wo sind deine Charaktere? Wie ist deine Stimmung und deutest an, was noch kommen wird, indem du die Einsätze oder Spannungen festlegst. Das ist es, worum es bei deinem Setup geht. Es muss nicht lang sein, gerade genug, um deinem Publikum ein klares Bild von der Welt und dem Ausgangspunkt des Charakters zu vermitteln ein klares Bild von der Welt und dem . Lassen Sie uns nun zum Kern der Szene übergehen, Ihrem Konflikt. Was steht für die Charaktere auf dem Spiel und welche Hindernisse stehen ihnen im Weg? Das ist dein Wendepunkt. Sie können hier Spannungen aufbauen, indem Sie deutlich machen , was ihren Zielen im Weg steht. Jede Szene braucht Konflikte. Es muss nicht immer ein körperlicher Kampf sein, wie ich schon unzählige Male gesagt habe. Es kann eine emotionale Konfrontation, eine Meinungsverschiedenheit oder ein innerer Stellen Sie sicher, dass Ihre Spannung im Vordergrund steht. Lassen Sie uns abschließend mit der Auflösung abschließen. Denken Sie darüber nach, was als direkte Folge Ihres Konflikts passieren wird . Ist Ihr Konflikt gelöst oder werden wir jetzt zu mehr Spannungen geführt? Du brauchst einen Zweck für deine Szene. Denke darüber nach, was dieser Moment für deine gesamte Geschichte bedeutet? Ihre Entschlossenheit ist entscheidend. Hier wird die Bedeutung der Szene deutlich. Es muss kein ordentlicher Abschluss sein, aber es sollte dem Schwung der gesamten Geschichte dienen. Tolle Arbeit. Jetzt hast du zugegebenermaßen eine sehr harte Szene, aber es ist immer noch eine Jede großartige Szene durchläuft mehrere Entwürfe, und das ist Ihre Gelegenheit, Ihre Arbeit zu verfeinern Ich möchte, dass Sie nach einigen spezifischen Dingen suchen, die Sie überarbeiten können. Lassen Sie uns zunächst über Klarheit nachdenken. Ist Ihr Konflikt klar? Ist die Motivation deiner Charaktere stark und verständlich? Könntest du diese verbessern? Dann denk über dein Tempo nach. Fühlt sich die Szene zu langsam oder zu stark an? Gibt es Bereiche, in denen du den Dialog oder die Handlung straffen kannst den Dialog oder die Handlung straffen Denken Sie abschließend über Ihr Ziel nach. Bringt diese Szene die Geschichte voran und welche neuen Informationen oder Veränderungen bringt sie uns? Nehmen Sie sich etwas Zeit, um das Geschriebene durchzugehen und zu prüfen, ob Sie Ihre Szene unter Berücksichtigung dieser Punkte schärfen können Bei Überarbeitungen passiert die Magie wirklich. Sie können so oft an Ihrer Szene arbeiten , wie Sie möchten, bis Sie das Gefühl haben , dass sie scharf und zielgerichtet ist und genau das ist, was Sie möchten Eine der besten Möglichkeiten, dein Schreiben zu verbessern, ist das Feedback von Ich empfehle dringend, jemanden, der Ihrer Arbeit nicht so nahe steht wie Sie, dazu zu bringen , jemanden, der Ihrer Arbeit nicht so nahe steht wie Sie , Ihre Szene zu lesen und Ihnen Feedback zu geben , ohne zu wissen , was Sie tun oder was Sie erreichen wollten, denn nur so können Sie sehen , ob Sie es tatsächlich geschafft haben Der Grund dafür ist, dass du, weil du deiner Szene so nahe bist und sie so sehr liebst und all diese Dinge über deine Charaktere weißt, du sie nicht wirklich objektiv betrachten kannst, weil du denkst, du hast gezeigt, dass dein Charakter bestimmte Eigenschaften hat, aber du weißt bereits, dass dein Charakter diese Eigenschaften hat. Wenn Sie es also effektiv bewiesen haben , können Sie das nicht wirklich sehen, oder da jemand anderes feststellen kann, dass nichts davon verstanden hat, kommt hier Feedback ins Spiel. oder Denken Sie daran, konstruktive Kritik zu äußern, wenn Sie Feedback geben Bitte konzentrieren Sie sich darauf, was funktioniert, was nicht funktioniert, was verbessert werden kann, geben Sie Lösungen und weisen Sie nicht nur auf Probleme hin. Sei immer, immer wirklich offen für Kritik. Weil du das Feedback nicht persönlich nehmen solltest , wenn dir jemand sagt , dass etwas nicht funktioniert, ist das kein Angriff auf dich, auch wenn es sich definitiv so anfühlen kann Es geht nur darum, deine Arbeit zu stärken. Wir alle wollen helfen, und genau das tun wir. Nutze dein Feedback, schreibe es um, mache einen neuen Entwurf, aber vertraue trotzdem deinem Instinkt, denn das ist deine Geschichte, die du erzählen willst, also erzähle sie so, wie sie dir am Ende des Tages Sinn macht dir am Ende des Tages Sinn Fühlen Sie sich nicht gezwungen, alles zu ändern. Vielleicht hat die Person nicht verstanden, was Sie tun wollten, aber wenn 17 Personen der Meinung sind, dass der Charakter langweilig ist, dann ist der Charakter vielleicht einfach langweilig Verwende, was dir gefällt und was zu deiner eigenen Vision passt Bei der Überarbeitung geht es am Ende des Tages um Ausgewogenheit. Sie müssen Ihre Stimme behalten gleichzeitig die Klarheit und Wirkung verbessern. , dass Sie bei der Weiterentwicklung Ihrer Szenen Ich möchte, dass Sie bei der Weiterentwicklung Ihrer Szenen einige Tipps beachten. Schreiben Sie zunächst immer mehr als einen Entwurf. Scheuen Sie sich nicht, Ihre Szene mehrmals neu zu schreiben , denn jeder Entwurf bringt Sie dem Kern dessen, was Sie sagen wollten, näher Ein toller Tipp, den ich kürzlich erhalten habe, ist , laut vorzulesen und vor allem andere Leute, die mit deiner Geschichte nicht vertraut sind, dazu zu bringen andere Leute, die mit deiner Geschichte nicht vertraut sind, , dein Drehbuch zu lesen und dass du es dir einfach anhörst Denn wenn Sie Ihre Szene hören, können Tempoprobleme oder unangenehme Dialoge hervorgehoben werden , die Sie auf der Seite nicht lokalisieren können, und erst als Sie sie hören, wurde Ihnen klar: Oh mein Gott, das Oh mein Gott Dann etwas, das sich so offensichtlich anfühlt, aber einfach so wichtig ist ist, dass Sie Ihrer Geschichte immer treu bleiben Jede Szene sollte deiner Gesamterzählung dienen. Füge keine Szenen hinzu, die die Geschichte nicht vorantreiben. Schreiben von Szenen ist ein Prozess, Das Schreiben von Szenen ist ein Prozess, und je mehr du übst, desto besser wirst du darin werden, desto natürlicher wird es sich anfühlen, ein Setup, einen Konflikt und eine Lösung zu schaffen Konflikt und eine Lösung die gut und effektiv zusammenarbeiten. Jetzt hast du wahrscheinlich eine komplette Szene geschrieben und überarbeitet und das Konzept vom Aufbau bis zur Auszahlung übernommen und hoffentlich hast das Konzept vom Aufbau bis zur Auszahlung du es im Laufe der Zeit gelernt. Aber das ist erst der Anfang. Das Schreiben ist ein fortlaufender Prozess und jede Szene, die Sie schreiben, baut auf den Lektionen aus der vorherigen auf. Finalisiere deine Szenen auf der Grundlage von allem, was du hier gelernt hast, teile deine Szene mit der Klasse und überarbeite sie auf der Grundlage des Feedbacks, das ich dir geben werde und das dir vielleicht auch von anderen gegeben wird Denken Sie daran, dass der beste Weg, um besser beim Schreiben von Szenen zu werden, darin besteht, einfach mehr Szenen zu schreiben und die Szenen, die Sie bereits geschrieben haben, zu überarbeiten . Ich kann es kaum erwarten, zu sehen, was