Der Workshop zur Vorproduktion von Animationen

1. Einführung: Hallo da draußen. Ich bin David Miller. Ich bin ein Multimedia-Künstler Pädagoge von Phoenix Arizona, und ich möchte Sie zu diesem Kurs über die Vorproduktion Ihres animierten Kurzfilms begrüßen. Jetzt nehme ich an, dass Sie ein unabhängiger Animator sind oder Sie nur ein paar Freunde sind , die versuchen, sich zusammenzufinden und Ihren eigenen Animationsfilm zu erstellen. Denn wenn Sie ein großes Studio sind, , haben Sie Ressourcen,die über das hinausgehen, worüber ich in diesem Kurs sprechen werde. Dies ist also für den einzelnen Animator oder die kleine Gruppe von Animatoren gedacht, die gerade erst angefangen haben. Wir gehen Teoh Cover, erstellen ein Drehbuch, das wir abdecken werden, um ein Storyboard zu erstellen, und wir werden die Aufnahme von Audio für Ihren Animationsfilm abdecken. Was wir in diesem Kurs nicht behandeln werden, ist die eigentliche Animation dieses Films. Ich habe andere Kurse in Bezug auf Adobe Character Animator, die eine Motion Capture-Animationssoftware ist. Es ist meine bevorzugte Art, Dinge zu tun. Ich habe auch ein wenig Fotoshop-Animation und After Effects Animation und andere Kurse. Und wenn Sie daran interessiert sind, senden Sie mir eine Nachricht und ich werde Ihnen Links zu diesen schicken. Aber ich fühlte mich, als wäre es wirklich wichtig. Teoh decken die Vorproduktion auf Animation ab, weil es eine Menge Dinge gibt, die ich gelernt habe, meine eigenen Animationen zu machen, die ich für hilfreich empfand. Und ich fühle mich, dass dies eine Sache ist, die ah, viele Künstler glänzen, denn wenn wir Schubladen und Illustratoren und Animatoren sind, sind wir sehr daran interessiert, die Dinge bewegen sich auf dem Bildschirm oder die Schaffung von Charakteren auf ein wenig weniger so daran interessiert, Skripte zu schreiben und mit Geschichten zu kommen. Aber wenn Sie diese Vorproduktionsschritte nicht ausführen, werden Ihre Animationen nie wirklich vom Boden kommen, oder sie werden nur begrenzt sein. Teoh 10 15 2. Gags auf Duh Es ist wichtig für uns, Schritte zu unternehmen, um Dinge zu schaffen, die nicht nur cool aussehen, sondern Zweck haben und eine Geschichte kommunizieren und andere Menschen erreichen und einen guten Klang und guten Dialog haben . Darauf konzentrieren wir uns also in dieser Klasse. Ich werde einige Skripte nennen, die Software schreiben, und ich werde Ihnen ein kostenloses Storyboard-Tool zeigen. Aber wenn Sie Ihre eigenen Methoden haben, die Sie interessieren oder Sie Zugriff auf etwas anderes haben , ist es wirklich egal, welche Software Sie verwenden, solange Sie das Ziel erreichen können, Skripte zu erstellen, Storyboards und Aufnahme von Audio 2. Warum du mit dem Skript beginnst: wenn Sie ein Künstler waren, haben Sie wahrscheinlich Skizzenbücher oder Ideen für Charaktere, die Sie erstellt haben. Ich habe das Gefühl, wenn Sie planen, eine Geschichte zu erzählen, ist das erste, was Sie tun sollten, einen Absatz zu schreiben. Was ist das für eine Geschichte? Ich muss mir nicht das Ende deiner Geschichte erzählen. Und sobald Sie diese einen Absatz Anleitung von dem haben, was Sie machen möchten, setzen Sie sich hin und erstellen Sie das Skript, das diesem einen Absatz entspricht. Und der Grund, warum wir mit der Zusammenfassung und dem Skript beginnen werden, ist, weil Sie am Ende viel Zeit verschwenden, wenn Sie Zeichnungen für Dinge erstellen , die nicht in einem Skript enthalten sind. Also werde ich Ihnen zwei Beispiele von Filmen erzählen, die sehr gut bekannt sind. Eine hatte kein finalisiertes Skript, aber die Dreharbeiten rollten, und die andere, sie hatten das Skript fertiggestellt. Sie hatten das Live-Action-Zeug in aufgenommen. Als es um die Animation ging, animierten sie nur das, was sie brauchten und konnten eine Menge Geld und Zeit sparen. Mein erstes Beispiel ist der dritte Hobbit-Film , der ein Krieg von fünf Armeen gibt einige ziemlich erstaunliche Aufnahmen auf YouTube, wo Sie sehen Peter Jackson sitzen verwirrt, ziellos gegen einen grünen Bildschirm, weil sie nicht über eine fertige Drehbuch, aber sie haben den Film gefilmt. Was am Ende passierte, war, dass er sich ein paar Monate frei nehmen musste, um an dem Drehbuch zu arbeiten. In der Zwischenzeit hatte er Andy Circus, den Schauspieler, der Kolumnenfilm spielt, eine Reihe von Kampfszenen, in denen die Leute einfach hin und her laufen, gehen und eine Art treffen. Aber es war für keinen Zweck, weil sie nicht wussten, was sie gefilmt haben. Und Sie können sich vorstellen, wie viel Geld für einen großen Budgetfilm wie diesen verschwendet wurde. Und natürlich, mit Druck, und die Tatsache, dass sie das Drehbuch bereits gefilmt haben, ist schwächer dafür. Und diese Filme Air erinnerte sich nicht sehr endlich an diese drei Hobbit-Filme gegen The Lord of the Rings Filme, die ein finalisieren-Drehbuch hatten und alles total eingesperrt war, und sie hatten einen Guide Post zu folgen. Warum waren die Lord of the Rings Skripte einfacher zu vervollständigen als das Hobbit-Skript? Weil das Hobbit-Buch war sehr kurz, und wenn Sie versuchen, eine Kurzgeschichte über drei Filme zu verbreiten. Man findet, dass man nicht genug Material hat, um diese Filme zu füllen, und man muss sich ein paar Sachen ausdenken, die am Ende sehr schwach sind. Im Gegensatz dazu wurde der erste Deadpool-Film von Special Effects Guy namens Tim Miller erstellt, und Tim Miller wusste, dass man viel Zeit und viel Geld sparen könnte, wenn man nur animiert, was man brauchte. Und so haben sie den ganzen Film gefilmt, und als es an der Zeit war, den Charakter des Koloss in ihn einzufügen, wusste er, dass er sie nur für ein paar begrenzte Szenen brauchte. Und so blieb dieser Film unter dem Budget und machte anschließend eine unglaubliche Menge an Geld im Vergleich zu dem, was sein Budget waas. Wenn sie eine ganze Menge Sachen für Koloss geschaffen hätten und gefunden hätten, dass sie es für diesen Film nicht brauchten , wären Millionen von Dollar im Müll gewesen, diese Luft großen Budget-Filmbeispiele. Aber mein Punkt ist, du weißt, was dein Drehbuch ist. Wissen Sie, was Sie brauchen, um zu animieren? Muss Ihr Skript sofort in einem 100% perfekt gesperrt werden? Ganz und gar nicht. Eine Anekdote von Patton Oswalt, die über Dankbarkeit spricht. Er erklärte, dass er drei Jahre lang an diesem Film gearbeitet hat. Er nahm seinen Dialog auf und musste dann einige Jahre später wiederkommen, um neue Gespräche aufzunehmen , weil sich die Geschichte geändert hatte. Das ist einer der Luxus von Animation versus Live-Action ist, dass, wenn Sie neue Szenen erstellen müssen , Sie zeichnen, animieren diese neuen Szenen und Umkreisen im Vergleich zu einem Live-Action-Projekt, wo vielleicht das Set bereits zerrissen. Die Akteure sind zu anderen Projekten übergegangen. Sie schneiden ihre Haare, färbten ihre Haare so weiter und so weiter in einem Live-Action-Projekt. Wenn Sie vergessen haben, etwas zu filmen, haben wir Meteo Makesem Bindegewebe realisiert oder Sie entscheiden sich geändert Geschichte auf halbem Weg. Es ist viel schwieriger als ein animiertes Projekt, so etwas zu tun. 3. Drehbuch: Lassen Sie uns darüber reden, was in das Drehbuch geht. Dieses Skript wird den Dialog zwischen Ihren Charakteren haben. Es wird auch das Sehen von Änderungen beinhalten. Es wird einige beschreibende Angelegenheit, was die Szene ist enthalten. Es enthält keine Kamerawinkel, Kameraaufnahmen, so dass Sie nicht direkt aus der Nähe. Das ist nicht der Skript-Job, der Dialog, den Ihre Charaktere sagen, sollte die Geschichte informieren und nicht etwas erklären , das bereits auf dem Bildschirm gezeigt wird. Also das Skript enthält keine Zeilen wie ich meine Hände heben und sagen, die magischen Worte das Skript einfach, sagt Abacha Dobra. Und dann ist es die Aufgabe des Animators, das zu interpretieren, aber es passt am besten zur Szene. Wenn Sie der Drehbuchautor und der Animator sind, wird es sehr einfach für Sie zu interpretieren sein. Wenn Sie ein Drehbuchautor sind und an einen Animator weitergeben, dann müssen Sie einige Kontrolle loslassen und auf das Urteil eines professionellen Künstlers vertrauen . Wenn Sie ein Animator sind und kein Drehbuchautor sind, aber Sie ein Skript von jemand anderem in Auftrag geben, dann müssen Sie zu einem Kompromiss kommen. An einem bestimmten Punkt, wo das Skript etwas zeigt und Sie denken nicht, dass es funktioniert, ist eine Animation, oder Sie denken, es gibt einen besseren Weg, es visuell zu interpretieren. Letztendlich Film und Animation ein visuelles Storytelling Medium, und es muss einen Konsens zwischen Drehbuch und Visuals darüber geben, was der beste Weg ist, die Geschichte zu erzählen, kann das Schreiben eines Skripts sehr entmutigend sein, wenn Du hast es noch nie getan, also werde ich dir einen einfachen Weg von Anfängern zeigen, um das Schreiben zu bekommen. Und natürlich natürlich eine der entmutigendsten Dinge die völlig leere Seite. Es ist das gleiche für alle Künstler. Wenn Sie ein neues Skizzenbuch oder einen neuen Campus bekommen und es vor sich stellen, und Sie sind besorgt, dass Ihre erste Marke die falsche Marke ist. Es ist wichtig für uns zu erkennen, dass wir unsere eigenen schlimmsten Kritiker sind, und es gibt keine falsche Spur von der wichtigen Sache ist, etwas niederzulegen, weil Sie immer zurückkommen und es ändern können . Reparieren Sie es. Nichts ist dauerhaft, so dass diese spezielle Skript-Schreib-Software Slugline genannt wird, und es gibt viele, viele, viele Skript-Schreib-Software ist da draußen. Sie können von außergewöhnlich teuer zu etwas wirklich billigem oder etwas gehen, das Sie bereits in Ihren Computer integriert haben. Es gibt Leute, die Skripte schreiben, sagen wir, Microsoft Word, das mit Windows, Computern oder sogar die Notizen-App im Mac-Betriebssystem kommt . , Verwendung von Slugline,weil es einige Automatisierungs- und Formatierungsoptionen gibt, die leiden , macht es für mich sehr einfach, ein Skript zu verwenden. Wenn Sie gerade anfangen, aber ich ermutige Sie, etwas zu verwenden, das kostenlos ist, zu sehen, wie Sie darüber denken, und dann können Sie auf etwas upgraden, für das Sie tatsächlich bezahlen. 4. Drehbuchschreiben: Teil meines Skripts ist, wo die Einstellung ist, und es ist entweder ein Innen und Äußere. Ich fange normalerweise draußen an, denn selbst wenn Sie eine Animation machen, bei der es um das Innere eines Hauses geht , denken Sie an Dinge wie The Simpsons, wo sie die Kamera außerhalb des Hauses starten, damit Sie sehen können, zu welcher Tageszeit es ist. Und dann gehen sie ins Haus. Das ist genau das, was wir hier tun werden. Wir werden Text für außen eingeben, und Sie können sehen, dass diese Skript-Schreib-Software automatisch alte e x T Weil es bereits weiß, was außen bedeutet. Eine Vorstadt-Heim Morgenzeit. Und wir haben etwas auf der Seite, etwas, mit dem ich glücklich sein kann. Was am Morgen passiert. Ein Paperboy fährt durch und wirft Zeitung in den dritten Feeder. Andere Dinge, die Sie vielleicht als visuelle Hinweise für den frühen Morgen beteiligt haben möchten. Vielleicht Sprinkler-System. Wenn du irgendwo wohnst, der Gras hat, könntest du Recht haben. Die Sonne geht über den Horizont auf. Visuelle Hinweise sind in Ordnung. Wenn du mit jedem Detail wild gehst, nimmt es weg von dem, was du bist Animator, deinem Illustrator. Er wird auch davon ausgehen, dass wir hier alle Indie-Künstler sind. Sie wollen nicht übermäßig beschäftigt und zu detailliert mit Ihren Hintergründen sein, denn das wird Ihr Projekt sehr, sehr schwierig zu erreichen machen . Und wenn Sie eine Einrichtung haben, die ein übermäßig beschäftigtes, zu kompliziertes Szenenset hat , dann, wenn Sie diese geschäftige, komplizierte Ästhetik nicht durch den Rest Ihrer Animation tragen , wird es sich fehl am Platz fühlen. Wenn Sie mit einem Team von Menschen arbeiten und sie sind gut darin, ästhetisch Izzy und komplexe Hintergründe, Illustrationen, Animationeneinzurichten und komplexe Hintergründe, Illustrationen, Animationen , dann tragen Sie dies auf jeden Fall durch die gesamte kurze Film oder Film oder Zeichentrickfilm, was auch immer du machst. Aber die meisten von uns haben nicht die Zeit oder das Team, so etwas zu schaffen. Also denke ich, dass ein paar Vorstadthäuser in Folge den Horizont sehen, und der Paperboy, der eine Zeitung bewegt und wirft, wird ausreichend sein. Teoh, rüber, was wir hinüberkommen wollen, das ist es, was am Morgen vor diesem Haus passiert, die Haustür öffnet sich und ein Mann tritt in seinem Gewand raus, um es zu holen, schüttelt das Wasser ab 5. Drehbuch Reife: Jetzt werden wir unser erstes bisschen Dialog haben und wir werden Mann nennen. Ich werde den Mann einfach nach meinem Vater nennen, Paul. Und nachdem ich einen Großbuchstaben Namen schreiben, wenn ich traf, Geben Sie diesen Namen geht in die Mitte der Seite, und dann kann ich meinen Charakter Dialog beginnen und ich habe kleine Rasa fressin Ursache gegeben , dass ähnliche Yosemite Sam dieses Murren Bit. Ich will nicht, dass der Schauspieler Murren sagt, also werde ich es in Klammern setzen. Und dann sollte der Sprecher beim Lesen dieses Dialogs in der Lage sein, beim Lesen dieses Dialogs in der Lage sein,etwas gleichwertiges Teoh Was ich habe und sie werden nicht sagen murren, laut murren. Da draußen gibt es einen amüsanten Namen von Anak Ter von Herkules , der nicht verstanden hat, dass dies wie eine Emotion oder ein Vorschlag für einen Sound in einem seiner Drehbücher war . Und er steht mitten in einem Wald und schreit, enttäuscht, als wäre das etwas, was er sagen sollte, anstatt eine Emotion, die er vermitteln sollte. Warten Sie eine Minute. Das ist nicht meine Welt. Unterstützen Sie Rasa France, und vielleicht ist das etwas genau. Ich möchte, dass der Schauspieler noch einmal sagt, es ähnlich ist, was Yosemite Sam traditionell getan hat. Aber für mich, willkürliche Murren zu finden, klingt wie Carol und dann versuchen, herauszufinden , wie man die hier aufschreibt. Es ist nur Zeitverschwendung, Murren, Murren, Arbeiten. Und jetzt können wir mit Interieur beginnen, und dann schaue ich es aber an, und das sei vorsichtig in der Sportabteilung, die wirklich keinen Sinn ergibt. Das macht ein bisschen mehr Sinn. Es wird immer ein Verb Ege geben, von dem du dir nie ganz sicher bist. Der beste Weg, um zu überprüfen und zu sehen, ob es Sinn macht oder ob Ihr Witz übersetzt, wenn Sie es schreiben , ist es buchstäblich laut vorzulesen. Und wenn Sie jemanden haben, der ein guter Zuhörer ist, eine gute Person springt Ideen ab, die Ihnen ehrliches Feedback geben wird, können Sie es laut vorlesen oder mit ihnen handeln, bevor Sie es an Ihre Stimme senden Schauspieler. Auf diese Weise, wenn Sie tatsächlich jemanden bezahlen, um diese Zeilen zu lesen, bekommen Sie es nicht zurück und finden heraus, dass es wenig bis keinen Sinn macht, oder es könnte besser gemachtwerden besser gemacht 6. Drehbuch Teil 4 Handlung: die Mehrheit der Geschichten folgen einer Drei-Akt-Struktur, wo unsere Charaktere und unser Dilemma eingeführt wurden . Wir versuchen, das Dilemma erfolglos zu lösen und dann eine Art Auflösung, bei der entweder das Dilemma gelöst wird oder andere Dinge passieren, die die Geschichte lösen. Aber die meisten Geschichten, weißt du, dein Protagonist gelingt und was auch immer sie versuchen zu tun, also tippe ich das einfach sehr schnell und du wirst sehen, dass es viele Details gibt, fehlen. Aber es ist die allgemeine Struktur der Geschichte, und es sagt mir im Grunde, welche Sets ich brauche, wer beteiligt ist. Es ist viel einfacher, oder? Dialoge, wenn du weißt, in welche Richtung du gehst. Es ist also ein schlechter Tag für Paul. Jede Kleinigkeit geht morgens schief. Sein Sohn wird von einem Rutsch verletzt. Das ist etwas, was wir bereits in unserem Drehbuch behandelt haben, und Paul muss ihn zu einer dringenden Sorge bringen, um ihn zu spät zur Arbeit zu bringen. Noch schlimmer, er lässt ihn versehentlich fallen, entsetzt Schmerztabletten in die Kaffeetasse seines Chefs, und am Ende des ersten Aktes wurde er von seinem Job gefeuert. Für diese und andere Verstöße. Was sind das für andere Verstöße? Ich habe es noch nicht herausgefunden, aber in meinem Kopf will ich, dass dieser Charakter Paul eine Art unschuldiger Zuschauer ist, als würde er nicht all diese Dinge tun, die ihn gefeuert haben. Es ist nur eine Menge Pech hintereinander. Also, das ist Akt 1 und Sie beenden Akt eins, wirklich festzustellen, was das Problem ist und wie lange Akt man in einem Animationsfilm oder Zeichentrickfilm sein wird . Es könnte fünf Minuten dauern. Es könnte weniger als fünf Minuten dauern. Wenn das nur sechs Minuten kurz ist, werde ich sie wahrscheinlich in etwa gleich kleine Generationen aufteilen. Die Art und Weise, wie ich dies visualisiere, ist eher im Sinne der Simpsons of the King of Hill Struktur. Also wahrscheinlich acht Minuten für jeden Akt. Dies begründet auch viele Leute, die wichtige Leute sind, für die sie Entwürfe brauchen, und Orte, die ich aktiv sein muss, deckt den Verlauf einer Woche ab und Pauls Versuch, die Tatsache abzudecken , dass er entlassen wurde, während er seinen Job wieder durchzubringen. hinterhältig, aber erfolglos bedeutet. So ist das oft, was sie Spaß und Spiele nennen. Und natürlich, natürlich, in einer Geschichte ist dies der Teil, in den wir am meisten investiert werden, weil wir gerne sehen, was unsere Charaktere als nächstes einfallen werden. Eine Episode der Roadrunner Coyote Cartoons ist im Grunde völlig Spaß und Spiele. Ich meine, sie haben die Einführung in Latein der Charaktere in den ersten 10 Sekunden dieser Shorts , aber im Allgemeinen ist es Coyote versucht, ein Ziel zu erreichen und scheitern jedes Mal. Das ist es, was aktiv abdeckt. Und dann bringt uns der dritte Akt den Kreis, wenn ehrlicher ist, es sei denn, hinterhältige Methoden gelang, Paul zu einem Job zu reifen, den er nicht wirklich will. Wie auch immer, arbeitslos zu sein, war viel erfolgreicher und lukrativer. Also habe ich mich nicht umrissen, viel weniger hier drin. Wie Paul seinen Job zurückbekommen wird. Eine Sache, die ich in meinen Geschichten immer gemocht habe, ist eine Moral. Ich mag keine Geschichten, in denen niemand etwas lernt. wurde kein Verhalten geändert. wurde keine Lektion gelernt. Ich habe das Gefühl, wenn die Charaktere nicht alles vom Anfang Ihrer Geschichte bis zum Ende Ihrer Geschichte ändern , auch wenn es sich um einen animierten Kurzfilm handelt, als es sei denn, das ist die absolute Struktur des Friedens , sagen wir im Fall von die Road Runner und Wile E. Coyote Cartoons. Dann ist es gescheitert. Die meisten Filme, die meisten TV-Shows. Sie müssen die Charaktere bis zum Ende der Show von Platz A auf Platz B verschieben. Der Film, das Programm. Das werde ich mit diesem Charakter machen, Paul. Er muss lernen, dass es ihm nicht hilft, hinterhältig oder grouchy so erfolgreich zu sein, wie nett und ehrlich zu sein. Und es klingt wie eine Sesamstraße, eine Art Lektion. Ich denke, es stimmt im wirklichen Leben, dass Menschen, die hinterhältig sind, letztendlich auf ihrem eigenen Petard heissen werden. Wie der Satz sagt, wenn du ehrlich bist, sagen wir, du wurdest wegen der Beschleunigung übergezogen. Er hat einen Polizisten angelogen. Es wird größere Konsequenzengeben , geben , wenn du ehrlich zu den Cops bist und deine Entschuldigung und aufrichtig über die Dinge bist. Ich wollte auch eine bittersüße Erkenntnis einschließen, dass wir oft wirklich hart für Dinge arbeiten , die uns egal sind oder nicht wollen. Wir bemühen uns, den Fahrer zu fahren, so wie wir das haben müssen. Wir können nicht ohne sie leben, und wir kriegen es und erkennen, dass du was weißt? Ich brauche das wahrscheinlich nicht. Es war eine Verschwendung meiner Zeit und Energie, in diese Richtung zu gehen, und so fühle ich mich, dass Paul wieder in seinen Job zurückkehrt. Er bekommt es endlich und er merkt, wie elend er in diesem Job ist. Und vielleicht hatte er mehr Spaß, seinen Job zurückzubekommen. Vielleicht hat er Dinge getan, während er seinen Job zurückbekommt, dass er mehr Geld verdient hat und das Leben besser war als wenn er es tatsächlich hatte. 7. Drehbuchschreiben: Ich habe das signierte Plakat, Meine Geschichte, das einzige, was fehlt neben den Details, was diese Dinge sind, die ich normalerweise nur trinken viel Kaffee und sitzen herum und darüber nachdenken oder kommen mit, während ich gehe der Hund. Ähm, das einzige, was fehlt, ist, was das verdient, ein Cartoon zu sein. Denn so wie es geschrieben ist, fühlt es sich wirklich an, als könnte es die Live-Action sein. Man könnte das über eine Menge König des Hügels sagen, weil es keine Magie gibt. Es gibt keine Aliens oder Science-Fiction-Elemente. Aber was King of the Hill hat, ist eine einzigartige Perspektive von Mike Judge, dem Show-Schöpfer. Er schuf auch Beavis und Butthead. Er schuf Silicon Valley und Büroräume, und alles, was er tut, hat sie das Gefühl, dass Mike einzigartig ist. Und was King of the Hill besonders macht. Abgesehen davon, wie reich alle Charaktere sind, ist der Kunststil, der zu 100% von Mike Judge erzeugt wird. Wir sollten auch an Dinge denken, die Cartoons vermitteln, die entweder schwierig oder unglaublich teuer sind und Live-Action, zum Beispiel mit unglaublichen Standpunkten. Vielleicht haben Sie die Kamera in einem Mausloch. Vielleicht hast du die Kamera, kommst aus dem Weltraum und gehst direkt in das Haus von jemandem. Irgendwie Google Earth. Es gibt viele Dinge, die Sie in das Skript aufnehmen können, die es visuell machen und es lohnt sich als Cartoon anzusehen. Also denke ich, eine Menge dieser Spaß und Spiele werden gefährlich sein in der Art und Weise uh, Wiley, Coyote und wahrscheinlich als Referenz. Ich werde gehen und sehen ein paar Roadrunner Cartoons und haben einen Notizblock und notieren Dinge , die Wiley Coyote tut, dass ich denke, ich kann für diese besondere kurze anpassen. Also wird der Boss eine psychedelische Drogenreise machen, und er wird sich Paul als eine Art Dämon vorstellen. Vielleicht, wenn er Paul feuert, wird es ein völliger Missverständnis sein, wegen dem, was mit der Psyche der Chefs passiert. Vielleicht ist einer der Gründe, warum Paul seinen Job zurückbekommt, weil es eine Art von Drogentests gibt die auf dem Chef durchgeführt wird, und ich bin mir nicht sicher, aber diese Luft alle Ideen und Brainstorming. Und wenn man so etwas wie einen Charakter in einem Cartoon hat, der auf eine Art psychedelische Reise geht , gibt es viele Bezugspunkte, eine Animation, die ich mir sofort vorstellen kann. Eine wäre die Simpsons-Episode, wo Homer auf Wahnsinn isst. Chili-Pfeffer. Es gibt ein Yellow Submarine, natürlich, von 1968 gibt es klingelte Go, ein C G I Animationsfilm, der eine Art Vision Quest beinhaltet. Es gibt Bojack Horseman am Ende der ersten Staffel, als er riesige Mengen von Drogen konsumiert , um eine Autobiografie zu schreiben, und ich lache, denn das ist natürlich eine schreckliche Art, eine Autobiografie zu schreiben, aber sie haben ein paar wirklich erstaunliche Visuals aus dem. Also etwas, das Sie in einem Cartoon tun können, das sehr schwer in einem Film zu replizieren wäre, wäre das, was mit dem Chef passiert, wenn er diese Schmerztabletten einnimmt. Die gesamte Karikatur muss keine Art von Animation Freak aus sein, aber wir wollen einen Stil etablieren, der es einen Grund gibt, visuell zu sein und auch Dinge hervorheben , die Sie Onley innerhalb dieses Mediums mit Minus-Filmen tun können, die unglaublich aufgeblasen C g Ich Budgets arbeiteten mit so gut wie nichts, und wir sind immer noch in der Lage, wirklich coole Dinge zu machen, wenn wir Menschen von der Verisimilitude unserer Geschichten überzeugen können , Die Realität der Dinge, die kamen mit Und der einzige Weg, den Sie tun können, ist, wenn Sie eine gute Story-Struktur zu beginnen. 8. Drehbuch Pt 6 Rewrites und Punch: Wie viele Entwürfe Sie dio von diesem Skript ist irgendwie bis zu Ihnen. Ich fühle mich, als wäre es gut, mehrere Entwürfe zu machen. Ich weiß Dinge, die für große Budget-Filme gemacht werden. Oft gehen mal durch 30 plus Entwürfe des Drehbuchs, und sie stellen andere Leute ein, um hereinzukommen und es zu schlagen. Also erwähnte ich Patton Oswalt, die Stimme des Breitenraumes sehr berühmter Komiker. Er hat in seiner Zeit als Drehbuchautor gearbeitet, und viele Komiker tun das. Wenn Sie versuchen, eine Komödie zu schreiben und Sie selbst kein Komiker sind, Sie mit jemandem vor Ort befreundet oder suchen im Internet nach Leuten, die Schlagschreiber sind . Das werden sie gerne wieder tun. Es ist eine weitere Investition von Geld und Zeit, aber Sie wollen Ihr Projekt wirklich so gut wie möglich machen. Wenn Sie keine lustige Person sind, würde ich Sie nicht ermutigen, schreiben und Komödie zu suchen. Was auch immer Genre Sie haben die stärkste Zugehörigkeit zu irgendeiner Geschichte, die Sie denken, Sie können komplett sagen, dass ist wirklich, was Sie mit arbeiten sollten. Ich wäre schrecklich darin, Geheimnisse zu schreiben, weil ich nicht weiß, wie ich ein Geheimnis , das andere Leute in fünf Sekunden nicht herausfinden konnten 9. Warum wir Storyboard: An diesem Punkt werden wir über Story-Boarding sprechen, das ist der Prozess der Erstellung von Shots, die sich auf das beziehen, was in Ihrem Skript ist. Hier können Sie visuell mit den Wörtern, die auf der Seite gestellt werden, und viele Details, wie die Emotionen des Charakters oder die Positionierung der Charaktere, wie sie sich zueinander beziehen. Wie die Einstellung tatsächlich so aussieht, kann alles in der Story-Boarding Phase zusammenkommen . Ah, viele Storyboards sind notorisch nur Strichfiguren. Oft werden sie nicht von Menschen gemacht, die zeichnen, sondern Menschen, die in der Lage sind, die Dinge kinematisch zu sehen, damit sie wissen, wo die Kamera positioniert werden muss , und sie sind sich der relativen Skala der Charaktere zueinander innerhalb eines Schuss. Die Software, mit der ich arbeiten werde, ist bequem genug Geschichte Grenze genannt, und das ist eine Freeware. Sobald Sie Ihre Zeichnungen in der Story-Grenze gesetzt haben, können Sie diese ausdrucken, wenn Sie ein physisches Storyboard-Blatt benötigen, um die Aufnahmen zu verfolgen, die Sie gemacht haben, und Sie sind in der Lage, eine und eine Matic zu machen, die eine Art billige Demo ist Version deines Films und einer Matics haben nicht viel Bewegung , aber sie zeigen dir, was die Aufnahme ist, und sie können mit den Aufnahmen des Sprechschauspielers gekoppelt werden, was es für alle anderen, die an dem Film beteiligt sind, wirklich leicht macht zu sehen wie der Film sein soll, wie er sich anfühlt und daran arbeiten soll. In Filmen gibt es Regisseure, die immer ihre Sachen Storyboard, am bekanntesten, die Coen-Brüder. Und es gibt Filmemacher, die nichts berüchtigtes Storyboard machen, Werner Herzog. Es ist viel typischer und keine Animationsfilme, dass es einige Story-Boarding, einige Pre-Visualisierung, die stattfindet, weil wieder, wie das Skript, müssen wir wissen, was genau wir animieren. Wir können nicht nur erwarten, dass unsere Schauspieler auftauchen und eine Kamera in die Richtung zielen, die wir zeigen müssen , oder bauen ein Set virtuell in die Richtung, die wir wollen, dass die Kamera 10. Storyboarder Pt 1 Methoden + Software: Bevor wir mit dieser Geschichte beginnen. Border Software Ich möchte Sie wissen lassen, dass es viele Leute gibt, die ihre Storyboards freihändig machen und dies seit Jahrzehnten tun. Es gibt viele Storyboard-Vorlagenpapiere, die im Internet verfügbar sind. Manchmal zeichnen die Leute gerade in ihrem Skizzenbuch, so dass die Verwendung einer bestimmten Software für Ihre Storyboards keine absolute Voraussetzung ist. Es gibt auch viele APS da draußen, die irgendeine Form von Story-Boarding haben, die Sie auf Ihrem Tablet nutzen können . Ihr iPad. Ich habe Papier 53 in der Vergangenheit verwendet. Es ist eines meiner Lieblings-Tablet-Zeichnung Software. heißt, diese Software-Geschichte Border hat viele coole Funktionen, die es einfach machen, die Ana Matic aus unserem Skript und Dialog Geschichte zu erstellen . Border hat die Möglichkeit, direkt aus einem Skript zu zeichnen. Wenn Sie es in der richtigen Formatierung haben, gehen wir voran und tun das, und Sie können diese Geschichte sehen. Border bricht es auf, indem man das Äußere und das Innere sieht. Also habe ich eine äußere Vorstadt Haus gesehen und dann scheinen Innere Haus, so dass Sie Ihre Szenen auf der linken Seite des Bildschirms haben . Sie haben Ihre Rahmen auf der Unterseite. Sie können Frames ganz einfach hinzufügen, indem Sie das Plus-Symbol auf drücken. Natürlich können Sie zwischen diesen Frames hin und her springen, indem Sie auf jeden von ihnen tippen. Ich arbeite von einer großen Zeichnung auf inter, die an meinem Computer angeschlossen ist, also werde ich mit einem tatsächlichen Stift Stift Stift zeichnen, wenn Sie auf einem iPad arbeiten. Ich hatte Pro-Microsoft-Oberfläche. Natürlich können Sie direkt auf dem Bildschirm zeichnen. Derzeit, zum Zeitpunkt dieser Aufzeichnung Geschichte, Grenze ist keine eigenständige App. Wenn Sie also auf dem iPad oder iPad Pro arbeiten, könnten Sie nicht direkt in die Rahmen so zeichnen, wie ich es kann. benutze diese Zeichenwerkzeuge hier oben, mein Verständnis ist Geschichte. Border arbeitet an der Erstellung einer eigenständigen App für die iOS-Geräte. Ich glaube, Sie können direkt in diese Panels mit einem Microsoft Surface-Tablet zeichnen, so dass mein erster Frame wird fast immer ein Einstellrahmen sein, sehr wichtig, um Einstellung zu etablieren, so dass wir uns als Zuschauer außen Vorstadt orientieren können nach Hause. Ich werde das Bleistift-Werkzeug verwenden, weil es am einfachsten ist zu skizzieren und ich werde nur zu leicht skizzierten Vorstadt-Straße. Die Details sind nicht kritisch, und sicherlich sind sie nicht kritisch mit diesem Skizzierwerkzeug. Ich mache Grundformen nur mit dem Skizzierwerkzeug. Dieser Bleistift. Ich mache einen Fehler. Ich habe das Werkzeug hier oben nicht rückgängig gemacht. Und natürlich können Sie mit Ihrem klassischen Steuerelement jederzeit rückgängig machen. Z Command Z. Es liegt wirklich an dir, wie detailliert du sein musst oder mit deinen Storyboards sein willst. In einigen Indie-Animationen machen Sie vielleicht nur das Storyboard für sich selbst. Und so würde ich dieses Storyboard für mich selbst machen, um es anzuschauen. Ich muss mich nicht beeindrucken. Ich muss nur wissen, was der Schuss ist. Und wenn der Schuss buchstäblich Äußere von Häusern ist, könnte dies ein Detail sein, wie ich es brauchen muss. Wenn Sie versuchen, Geld von einem Kickstarter oder einem Investor zu sammeln, ich denke, Sie würden viel sauberer und klarer mit Ihrer Gesamtszene sein wollen. Wenn Sie die aufgelisteten Farben ändern müssen, halten Sie die Farbpalette gedrückt. Wählen Sie aus, was Sie wollen. Wenn Sie einen größeren Pinsel benötigen als hier vorgesehen, verwenden Sie die Klammern auf Ihrer Tastatur und Sie sehen, dass das Stiftwerkzeug größer und kleiner wird. Ich werde den kleinsten Paperboy zeichnen. Ich kann Frame duplizieren, indem ich D klicke. Ich muss meinen ersten Rahmen duplizieren, der den Paperboy nicht hat. Dann muss ich diesen Rahmen verschieben, weil ich den Paperboy zeichnen möchte, der die Straße entlang vorrückt . Um das zu tun, schiebe ich den Halt. Und wo das springende Dreieck Symbol jetzt ist, habe ich eine Sequenz 12 Paperboy bewegt sich geändert. Du hast immer ein kleines Geisterbild deiner vorherigen Aufnahme. Dies ist die Zwiebelhaut. Genau hier kann ich sehen, wo mein Paperboy waas, und das hilft mir zu veranschaulichen, wo er in der nächsten sein wird. Frank, ich mache keine vollständige Animation, also illustriere ich nicht jedes einzelne Stück Sequenz zwischen dem, was er vorhat. Ich bin dabei, Lee ihn mitzubringen, damit die Leute eine Vorstellung davon bekommen, was die Aufnahme sein soll 11. Storyboarder Pt 2 Handwerk der Animatic: Daher sind Ihre Frames standardmäßig zwei Sekunden lang. Wenn Sie möchten, dass es eine andere Geschwindigkeit ist, die Art und Weise, wie Sie ändern können, ist es, direkt auf Ihre Dauer zu gehen. 1000 Millisekunden ist ein 2. 2 Sekunden ist 2000 Millisekunden. Lassen Sie uns etwas wirklich Kleines versuchen, wie eine halbe Sekunde jeden Frame. Stellen Sie das für jeden ein. Wenn ich eine Gruppe von diesen hervorheben und die Dauer auf einmal ändern möchte, wählen Sie einfach die 1. 1 Alte Schicht gepackt aus. Der Rest geht auf die Dauer. Eine halbe Sekunde wäre 500 Millisekunden, und jetzt sind sie alle verändert. Lassen Sie uns eine Vorschau anzeigen, was wir gezeichnet haben, indem Sie den Play-Button drücken. Weitere Features und Story-Rahmen umfassen das Hinzufügen einer Audiodatei. Wenn Sie also bereits einige Soundeffekte haben oder eine Voiceover-Aufnahme haben, die Sie zu Ihrer Automatik hinzufügen möchten , können Sie dies tun, indem Sie die Audiodatei hier auswählen und sie Ihrem Frame hinzufügen. Wenn Sie Ihren eigenen Dialog aufzeichnen möchten, um die Aktion in Ihrem Storyboard anzupassen , wir an, Sie haben keinen Schauspieler und möchten versuchen, die Aufnahmedauer auf den Dialog zu setzen , wie er geschrieben ist. Sie können diese Aufnahmetaste direkt neben Audiophilen auswählen, und Sie werden direkt in Ihren Computer über das Computermikrofon aufnehmen, wenn Sie Ihre Boards für alle Ihre Szenen gezeichnet haben, und ich habe zufällig nur zwei Szenen Hier können Sie automatisch exportieren, indem Sie Datei gehen, und dann haben Sie viele Möglichkeiten, wie Sie exportieren möchten. Sie können ein Storyboard oder ein Arbeitsblatt drucken, wenn Sie einfach nur eine gedruckte Version von dem, was Sie digital gezeichnet haben möchten . Sie haben also animiertes GIF als Option oder eine Szene exportiert, die Sie entweder in final cut pro oder W Premiere verwenden können . Sie können Arbeitsblätter oder Bilder auch importieren, wenn Sie eher ein Papier- und Stift-Illustrator sind, der vom Computer entfernt ist und keinen Zeichnungsmonitor hat, aber dennochStory-Rahmen und ein Matic-Werkzeugverwenden möchte Story-Rahmen und ein Matic-Werkzeug 12. Storyboarding Teil 3: An dieser Stelle sollten wir darüber sprechen, was tatsächlich in den Frames geht, und wenn Sie jemals einen Kommentar illustriert haben oder ein Comic-Leser gewesen sind, setzen sie nicht jedes einzelne Detail in den Rahmen eines Comics. Sie setzen den wichtigsten Moment oder die Emotion oder Information in den Rahmen. Das ist der ganze Raum, den sie haben, wenn Comic illustriert wird. Also habe ich diese Informationen in ein paar verschiedene Sorten aufgeschlüsselt. Einer ist der entscheidende Moment, ein Begriff, der vom Fotografen Henri Cartier Bresson geprägt wurde. In seiner Fotografie wollte er den Höhepunkt einer Szene in dieser Szene festhalten, ein Mann, der in eine Wasserpfütze sprang. Aber kurz bevor er trifft, Also hat er diese Energie, die in der Vergangenheit und in die Zukunft weitergeht. Aber es ist in diesem speziellen Rahmen, der am aufregendsten ist. Wenn er tatsächlich ins Wasser gesprungen wäre und die Explosion hätte, ja, das wäre klimaktisch. jedoch Es istjedochdie Vorfreude, die uns als Zuschauer am meisten begeistert. Dies ist der entscheidende Moment. Dies ist der K.O.-Schlag Ursache und Effekt bezieht sich auf eine Abfolge von Ereignissen, bei denen eine Sache passiert, was zu einer anderen Sache führt, und wenn Ihr Story-Boarding und Sie zeigen wollen, dass jemand durch einen Schuss getötet wird, Sie müssen dem Mörder wirklich zeigen, wie er sich auf diesen Schuss vorbereitet. Entweder nehmen sie die Waffe raus, Sie zeigen ihnen, sie zu feuern. Aber mit einem Rahmen, in dem Person beide schießt die Waffe und die Person sagt argumentiert, getötet mich und stirbt nicht ganz über die Energie einer Szene, die wir brauchen. Wir müssen die Ursache sehen, den Schuss, und wir müssen den Effekt sehen, die Person, die erschossen wird, damit wir zu Beginn jeder Szene unseren Geist in die Szene investieren , müssen wir die Einstellung etablieren. Wenn wir das Setting nicht etablieren, haben wir Probleme sowohl mit der Glaubwürdigkeit dessen, was auf dem Bildschirm passiert, als auch mit der Kontinuität mit vorherigen Szenen. Sobald Sie eine Einstellung eingerichtet haben, müssen Sie diese Einstellung nicht immer hinter Ihrer Person präsentieren. Ein Übergang zu einer neuen Umgebung ist eine Möglichkeit, den Geist des Betrachters zu erfrischen. Wir sind weitergezogen. Wir haben diese Geschichte in die eine oder andere Richtung in Comics weiterentwickelt. Traditionell werden sie eine Einstellung einrichten, und dann werden sie einige Setdetails hinter den Charakteren besprühen. Aber sie könnten Panels verlassen, die im Wesentlichen die Hauptfigur Emoting vor einem leeren Hintergrund sind. Eine Sache, die neben dem Faktor Zeit, Bewegung und Animation Comics von Animation trennt , ist, dass Sie keinen Platz für Wortballons lassen müssen, wie sie es in Comics tun. Wenn Sie also einen konsistenten Hintergrund behalten möchten, ist das großartig. Stellen Sie nur sicher, dass es nicht überwältigt, was die Luft Ihres Charakters auf dem Bildschirm tut. Das letzte, was wir brauchen, um uns in der Geschichte zu beschäftigen. Boarding ist Sichtweise, und was der Schuss tatsächlich ist. So Blickwinkel bezieht sich auf eine Nahaufnahme einer Vogelperspektive, die nach unten einen Würmer Blickwinkel schaut , der nahe am Boden ist und nach oben blickt. Aber Kameraaufnahmen beziehen sich auf die Bewegung der tatsächlichen Kamera, die auf eine Figur zoomen könnte, in der Ihre Figuren oder Ihr Hintergrund größer wird. Mit fortschreitender Zeit könnte es sein, dass man dort verkleinert, wo man nahe an etwas anfängt, und im Laufe der Zeit wird es kleiner, wenn es in den Hintergrund zurücktritt. Es könnte eine Pfanne oder eine Süßigkeit sein, bei der sich die Kamera tatsächlich von Seite zu Seite bewegt oder sich um eine Figur oder ein Objekt dreht. Dies sind Dinge, die Sie im Laden Boarding etablieren können. Also, wenn es Zeit für die Animation kommt, haben Sie bereits Entscheidungen für Sie getroffen. Es wird immer eine bestimmte Zeichnung oder Aufnahme geben, die am besten der Geschichte dient, die am besten die Emotion davon verkauft , was Charaktere fühlen sollen, was sie denken sollen, das gibt dem Publikum alle wichtigen Informationen es braucht, während sichergestellt wird, dass alles, was Sie auf den Bildschirm stellen, visuell interessant ist. Wenn nichts anderes, wenn das Story-Boarding dem gewidmet blieb, was die Geschichte am besten erzählt, und Sie wahrscheinlich sehr erfolgreich in Ihrer Arbeit sind, okay, wenn Sie das tun, sollten Ihre Story-Boards klar sein, jedermann, ob sie vollständig gerendert sind oder grundlegende Strichfiguren, ob sie eine ganze Menge Action für sie haben oder ob sie nur die einfachsten, entscheidenden Momente Ihrer Szenen sind. 13. Voice Über. Teil 1 mit einer Sprachausstattung: Sobald Sie das Skript haben und Ihr Story-Board haben, ist dies ein guter Zeitpunkt, um Ihre Schauspieler Stimmen aufzunehmen. Ein Fehler, den viele Animatoren machen, ist, einfach die Stimmen zu verwenden, die ihnen sofort zur Verfügung stehen, einschließlich ihrer eigenen Stimme. So können Sie ein großer Storyboard-Künstler sein, aber es ist unwahrscheinlich, dass Sie in der Lage sind, alle Charaktere Stimmen jung, alt, männlich, weiblich aus jedem Bereich des Lebens zu tun alt, männlich, männlich, . Und Leute, die Ihren Film anschauen, werden definitiv feststellen, ob es genau dieselbe Person ist, die jede Stimme anmacht . Sie werden feststellen, ob es schlecht handeln ist, und sie werden feststellen, ob es schlecht aufgezeichnet wird. Deshalb ermutige ich Sie zu suchen, eine professionelle Schauspieler, Stimmenkünstler. Und ich rede nicht von Leuten, die an den Simpsons oder Futurama arbeiten. Aber es gibt viele Möglichkeiten, Stimme über Talent, Stimme über Schauspieler zu finden . So haben Sie Websites wie Voices dot com, die Stimme Reich, viele andere. Eines der großartigen Dinge an diesen Websites ist, dass Sie Leute für bestimmte Stimmen vorsprechen können. Sie können sicher sein, dass sie liefern, weil sie Bewertungen und Bewertungen haben, und Sie können auch sicher sein, dass sie gute Aufzeichnungsszenarien haben. Sie haben ein Home-Studio oder sie gehen in ein Studio. Sie haben Zugang zu einem guten Aufnahmestudio, und sie werden etwas liefern, das nicht voller Lärm ist , das nicht gereinigt werden muss , , nicht viel Eco oder Fluss hat und keine PLO Siebe auf dem Mikrofon hat, das ist, wo Sie in das Mikrofon sprechen und P verwenden, und es schiebt dorthin. Es macht es sehr schwierig, irgendeinen dieser Art von Fehler zu bereinigen. Wir werden in ein paar Minuten gute Audio-Aufnahmetechniken bekommen, aber ich möchte Sie durch ein paar dieser Seiten führen und Ihnen zeigen, wie Sie nach Talenten für Ihr Projekt suchen können . Also hier haben wir drei Seiten, wo Sie üblicherweise nach Stimme schauspielenden Talenten suchen können, Stimmen dot com, die Stimme Häschen und die Stimme Reich. Ist es also wirklich einfach, speziell nach Animation zu suchen? Wir können direkt zu Cartoonstimmen als Schlüsselwort gehen. Es ist ein gemeinsames Schlüsselwort in all diesen, so werde ich voran gehen und durchsuchen Stimme Schauspieler Rechnung Bunny, und Sie haben die Wahl, welche Art von Sprache, einschließlich Variationen von Englisch. Sie haben welche Art von Geschlecht und Altersgruppe. So haben wir junge, erwachsene, weibliche, weiße und große Zahl, die jungen erwachsenen Männer , 7000 Stimmen, Männer mittleren Alters, 11.000 Stimmen auf der Stimme Häschen allein. Sie haben den Zweck und man sagt Charaktere in Videospielen Gehen Sie voran und klicken Sie darauf. Und dann hast du die Sprachproben, die, wie du nein durchsehen kannst, denkst du, dass du mich zerstören kannst? Auf keinen Fall. Also auf jeder dieser Seiten, Sie in der Lage, Schauspieler zu retten. Zwei Favoriten Wenn Sie ihren Stil mögen oder Sie denken, dass sie für Ihr bestimmtes Projekt geeignet sein werden , hat jeder Schauspieler eine andere Rate, so ist es sehr schwierig zu sagen, wie viel Sie für die Stimme handeln sollten. Meine Erfahrung ist jedoch, jedoch, dass immer genau das, was Sie wollen, gehen. Wenn Sie einen Weg finden müssen, um Ihr Budget zu erhöhen, müssen Sie einen Weg finden, um mehr Geld für Ihr animiertes Projekt zu sammeln, als das, was Sie tun müssen. Aber wenn Sie sich für die billigsten Schauspieler entscheiden, dann sitzen Sie wirklich Ihr Projekt für Scheitern. Das ist Toby Ricketts. Ich muss mit deinem Namen drauf stechen, damit du etwas magst. Also, wie Sie hier auf Voice Bunny sehen können, ist die Startrate für 150 Wörter eine Minute Audio $69. Das fängt an, richtig? Nicht alle Akteure haben diesen bestimmten Preis und könnten einige sein, die viel höher sind, weil sie mehr gefragt sind. Fünf Minuten Aufnahme Du beginnst bei 1 43 Ich erinnere mich an die Preisgestaltung eines Produkts vor einer Weile mit Schauspielerin, die ich für fünf Minuten wollte, und ich hatte sogar einen Gutschein auf. Es war etwas, die Nachbarschaft von 304 $100 es klingt teuer, aber Sie bekommen Dinge innerhalb. A. Sie erhalten eine professionelle Aufzeichnung innerhalb weniger Tage von einem Fachmann, der weiß, was er tut, und oft können Sie sie über Skype während des Aufzeichnungsprozesses weiterleiten. Wenn sie also Dinge ein wenig anders machen, als Sie möchten, dass sie für Ihr animiertes Projekt gemacht werden, können Sie Vorschläge machen und sie werden es durchlaufen. 14. Voice von Pt 2 Recording: Wenn Sie also wissen, wer die Stimmen für Ihre Animation macht, müssen wir darüber sprechen, wie man sie aufnimmt, besonders wenn Sie derjenige sind, der die Aufnahme macht. Schritt eins ist, dass Sie eine konsistente Einrichtung benötigen. Wenn Sie also Schauspieler Stimmen nebeneinander in Ihrer Animation haben, klingt eine nicht so, als wären sie im Schrank aufgenommen worden, und die andere klingt so, als wären sie in einem offenen Feld aufgenommen worden. Wenn Sie derjenige sind, der eine Aufnahme macht, können Sie entweder Studiozeit mieten und sie entweder ganz oder einzeln reinkommen lassen. Oder Sie können eine Art von mobilen Aufnahmeeinrichtung erstellen. Ich habe eine davon, und ich habe herumtransportiert und die Schauspieler selbst aufgenommen. Meine mobile Aufzeichnung eingerichtet tatsächlich beinhaltet die Dinge, die ich gerade dieses Tutorial aufzeichnen , Also habe ich ein iPad mit GarageBand läuft. Ich habe ein blaues Himbeer-Mikrofon Häufig, Wenn ich Schauspieler aufnehmen würde, würde ich einen Pop-Filter haben, was etwas, das vor einem Mikrofon sitzt und stoppt den Ort des Sturms kommt durch, und ich hätte einen schallabsorbierenden Schaum um das Mikrofon herum. Ich habe gesehen, wie Leute das Zeug selbst machen. Aber man kann diese Art von schallabsorbierenden Boxen sehr billig kaufen, und ich hätte wahrscheinlich zusätzliche Schallabsorption unter dem Mikrofon. Wie derzeit habe ich ein Handtuch unter diesem Mikrofon, so dass es keinen Nachhall von einer harten Holzoberfläche fängt. ich dies aufnehme, werden sie angezeigt, wenn es Audio-Fehler in Ihrem Aufnahmeprozess gibt, und sie werden Ihren Cartoon sehr schwer zu sehen machen. Es gibt sehr wenig, was Sie tun können, um Sounds zu korrigieren, wenn Sie massiven Echo-Hall haben, IDs auf ihnen schließen. Sie können auf Google oder YouTube nachschlagen, wie Sie diese Dinge beheben können, und Sie können eine Menge Geld ausgeben, indem Sie Plug-Ins kaufen. Aber letztendlich funktionieren die meisten dieser Dinge nicht, und Sie sind viel besser dran, gute Audiodaten aufzunehmen. Das Beste, was Sie können und konsequent zwischen all Ihren Schauspielern, nehmen Sie sich immer Zeit, Ihre Sachen richtig einzurichten, damit Sie keine Probleme haben, die Sie in der Postproduktion nicht beheben können . Nun, wenn Sie Ihre Schauspieler zusammen aufnehmen, ist es sehr schwierig, eine gute Aufnahme zwischen zwei Personen auf einem Mikrofon zu bekommen, also brauchen Sie mehrere Mikrofone dafür in den meisten Animationsfilmen und Voiceover Arbeit. Die Leute nehmen nicht zusammen auf, wenn Sie sich in einem Szenario befinden, in dem Sie mit Ihrem Sprecher sitzen und sie ihre Zeilen lesen. Aber es ist ein Dialog, also muss es einen anderen Schauspieler geben, der auf sie reagiert als Regisseur, Autor Produzent. Welche Rolle auch immer Sie haben, ich möchte Sie ermutigen, den Dialog der Person zu lesen, mit der sie sich unterhalten . Wenn ich also gehandelt habe, indem ich ihre Linien sagte, würde ich Schauspieler B spielen und meine Zeilen sagen. Auch wenn ich kein guter Schauspieler bin, muss ich nur den Raum auffüllen und Tempo haben. Dieser Schauspieler weiß also, wie schnell er reagieren kann. Und wenn Sie Ihre Audiodateien in Ihren Sound-Editor nehmen, können Sie einfach ausschneiden Schauspieler B. Sie können Ihre schlechte Schauspielerei ausschneiden. Du gibst deinem Schauspieler etwas, auf das du reagieren kannst, wenn du eine Aufnahmesitzung mit jemandem hast und er seine Zeilen aufnimmt. Am besten serviert, um mehrere Takes einer Zeile lesen zu erhalten. Regisseur Stanley Kubrick war berühmt dafür, dass seine Schauspieler Szenen über 100 Mal wiederholen. Ich fühle mich, dass das nicht nur unnötig ist, aber es ist sehr ärgerlich für deine Stimme, Schauspieler partikeln früh. Wenn sie jemand sind, der sich fühlt, dass sie genau wissen, was sie tun, wissen sie, wie man handelt. Eine gute Anzahl von Takes könnte 3 bis 5 Takes sein. Und wenn jemand eine Zeile liest, lesen sie diese Zeile auf drei verschiedene Arten. Sie sind als Regisseur dafür verantwortlich, die Akteure in die Richtungen zu führen, dass sie diese Takes lesen sollten . Wenn jemand sagt: Pass auf radioaktive Männer auf, dann könnte man sagen, OK, mach eins mit Mawr Theory. Pass auf, Radioaktiver Mann. Okay, jetzt mach eins mit mehr Angst und schneller, was du schon aufgestellt hast, Mann. Und jetzt haben Sie Ihre drei Takes und Sie können nach der Tatsache wählen, welche besser für Ihr Skript passt , Ihre Animation. Aber Sie haben drei Möglichkeiten, und sie sind sehr verschieden. Natürlich gibt es manchmal einen Dialog, in dem es eine verwirrende Sprache gibt. Vielleicht, und das könnte ein Punkt sein, an dem Sie tatsächlich das Skript im laufenden Betrieb ändern müssen. Denn oft, wenn Schriftsteller Dinge aufschreiben, denken sie nicht daran, wie sie laut ausgesprochen werden und wie schwierig es für die Schauspieler ist , zu sagen Gehen Sie voran und schauen Sie nach oben. Die sehr berühmte Orson Welles Frozen Erbsen Werbespot, um ein gutes Beispiel dafür zu bekommen, wie ein großer Schauspieler kann durch schlecht geschriebenen Dialog gestolpert werden. Aber wie alles andere in dieser Vorproduktionsklasse, wenn Sie sich die Zeit genommen haben, Teoh, schreiben Sie das Skript und stellen Sie sicher, dass es wichtige Informationen liefert, um die Geschichte vorwärts zu bewegen , und die Worte waren nicht voll von verwirrenden Silben und Klängen. 15. Endgültige Gedanken für die Produktion von Animation: ein letzter Ratschlag, als du deine Stimme über Schauspieler aufgenommen hast, bevor du die Session heruntergefahren und nach Hause gehst. Gehen Sie immer zurück und stellen Sie sicher, dass Sie die Aufnahme haben, die Sie brauchen, weil es Instanzen sind , die ich hatte, wo meine Software durcheinander gebracht hat und tatsächlich Abschnitte des Dialogs ausgeschnitten. Dieses Mikrofon hat eine Audio-Nam, und vielleicht wurde es den ganzen Weg nach unten gedreht, und das war mir nicht bewusst, als wir die Aufnahme gemacht haben, also war der Ton zu weich, um ihn zu verwenden und ich konnte ihn nicht steigern. Es gibt Zeiten, in denen es nur ein seltsames Summen gibt, weil vielleicht ein Kabel kaputt war. Es gibt Dinge, die in Ihrer endgültigen Aufnahme erscheinen werden, und wenn Sie bereits ein Ende der Sitzung anrufen und Sie nach Hause gegangen sind oder Ihre Stimme über Schauspieler nach Hause gegangen ist, dann müssen Sie das Ganze noch einmal tun und alles, was es hätte genommen waas ein paar Minuten für Sie durch zu schrubben und stellen Sie sicher, dass Sie bekommen, was Sie brauchten. Mehr als alles andere, ich hoffe, du bist aus dieser Klasse raus. Diese Vorbereitung ist von entscheidender Bedeutung, um die Sache zu schaffen, die Sie machen wollen, und wir als Schöpfer, Animatoren Illustratoren neigen dazu, sofort zufrieden zu sein. Wir wollen etwas machen. Wir wollen sehen, wie es sich bewegt. Wenn wir die Schritte überspringen, in denen wir die Geschichte niedernageln, bekommen wir gutes Audio. Wir finden heraus, was unsere Schüsse sind. Wenn wir diese Schritte übersprungen haben, als unser Produkt so viel schlimmer dafür sein wird, vergessen Sie nie, was passiert ist. Peter Jackson. Denken Sie daran, meine anderen Kurse über Animation zu überprüfen, vor allem die Motion-Comic-Charakter-Animator, Illustrator After Effects Photoshopped Mawr Wenn Sie einige Beispiele für Dinge, die Sie als Ergebnis dieser Klasse gemacht haben , Ich würde ihn gerne sehen. So können Sie mir per E-Mail an info bei primordial creative dot com senden und Ihre Kreationen mit mir teilen . Sprich nächstes Mal mit dir.