Comics zeichnen: Ein Leitfaden für Anfänger

1. Einführung: Ich liebe es, Comics zu lesen. Weißt du, was noch besser ist, als Comics zu lesen? Zeichnen von Comics. Mein Name ist [unhörbar] Markierungen. Immer wenn ich eine Geschichte habe, die ich erzählen möchte, wende ich mich immer an meine Lieblings-Kunstform zu. Deshalb habe ich Comics gezeichnet, seit ich ein kleines Kind war. Ich habe auf dem Weg viel gelernt. Jetzt möchte ich anderen Künstlern helfen, die neugierig sind, ihre eigenen Comics zu machen, um ihre Reise zu beginnen. Egal, ob Sie in traditioneller oder digitaler Art arbeiten, ich habe eine Klasse geschaffen, die mit dem Wesentlichen gefüllt ist, das jeder aufstrebende Künstler braucht, um loszulegen. Jedes Kapitel der Klasse konzentriert sich auf einen Teil dessen, was Comic-Kunst zu einer spannenden und einzigartigen Kunstform macht. Von der Anordnung von Charakteren, Einstellungen und Sprechblasen in einem Panel, die Auswahl der richtigen Zeichenwerkzeuge für Ihr Projekt, Erkundung des Stils und die Illustration von Geschichten jede Lektion ist voller professioneller Tipps und Ratschläge von mir, sowie Beispiele von erstaunlichen Künstlern, die meine Arbeit im Laufe der Jahre inspiriert haben. Nach dem Unterricht beginnen wir ein Klassenprojekt, das Sie Schritt für Schritt durch den kreativen Prozess der Planung, Skizzierung, eines Pinking Ihren ganz eigenen Comic führt. Wenn Sie ein Illustrator eines jeden Fähigkeitsniveaus sind, der neugierig ist, Comic-Kunst auszuprobieren, hoffe ich, dass diese Klasse eine lustige und nützliche Ressource sein wird , die Ihre Augen für die Möglichkeiten der Comic-Kunst öffnet. Wir wissen beide, dass das Lesen von Comics cool ist, aber es ist Zeit, die Bücher beiseite zu legen und einen Bleistift zu holen. Es ist Zeit, Comics zu zeichnen. 2. Übersicht: Hey, willkommen in der Klasse. Danke, dass du dich mir angeschlossen hast. Bevor wir anfangen, möchte ich nur einige grundlegende Fragen beantworten, die Sie vielleicht haben. Du hast vielleicht bemerkt, dass dieser Kurs zwei Stunden lang ist, also wollte ich dich wissen lassen, worauf du dich einlässt. Die erste Frage ist, was sind die Ziele dieser Klasse? Mein Ziel ist es, Ihnen beizubringen, die Grundelemente von Comic Arts zu verstehen und effektiv zu nutzen, um spannende Geschichten zu erstellen. Müssen Sie jetzt ein erstaunlicher Illustrator sein, um an dieser Klasse teilzunehmen? Nein. Ich werde Ihnen beibringen, Ihren aktuellen Illustrationsstil zu verwenden, vielleicht durch einige Phasen des Skizzierens und der Tinte zu entwickeln. Aber ich werde Ihnen auch helfen, vor allem, Vertrauen in Ihre Geschichtenerzählerfähigkeit zu haben. Sie können in jedem Stil zeichnen, solange Sie Vertrauen in Ihre Geschichten haben. Lassen Sie uns als nächstes darüber sprechen, welche Werkzeuge Sie benötigen, um an dieser Klasse teilnehmen zu können? Zumindest können Sie mit einem Stück Kopierpapier und Bleistift teilnehmen. Wenn Sie ein wenig schicker sein wollen, können Sie Ihr Zeichentablett herausbekommen oder Sie könnten ein paar Stifte und Tinte Zubehör im Kunstgeschäft kaufen. Das sind Themen, über die ich in der Klasse sprechen werde. Aber wirklich, wenn Sie Comics zeichnen möchten, werden Sie mit dem arbeiten, was Sie zur Verfügung haben. Es könnte der Sharpie Marker in deiner Küche sein, was auch immer du hast. Lassen Sie uns nun über die Struktur der Klasse als Ganzes sprechen. Es ist im Grunde in zwei Abschnitte unterteilt. Wir haben den Unterrichtsteil der Klasse, und dann haben wir das Klassenprojekt, das der Lektion folgt. Lassen Sie mich überprüfen, was Sie in jedem dieser beiden Abschnitte finden. Die Lektion ist die erste Reihe von Kapiteln, die Ihnen beibringen wird , wie Comics und Panels funktionieren. Die Lektion gliedert sich in drei Abschnitte. Panel-Komposition, die zum Zeichnen von Zeichen und Einstellungen innerhalb eines Panels dient. Panel-Übergänge, die einen Blick auf die Vielfalt der Art und Weise, wie Panels zusammenarbeiten , um eine Geschichte zu erzählen und Panel-Ink einen technischen Blick auf die Werkzeuge, digital und traditionell, die Künstler verwendet, um Comics zu erstellen. Nachdem wir den Unterrichtsabschnitt der Klasse beendet haben, bewegen wir uns in das Projekt. Ich habe uns ein einfaches Projekt zugewiesen, ein 2-Panel-Comic skizziert und gefärbt, inspiriert von dem Thema, Obsession. Im Projektabschnitt sehen Sie mir bei der Arbeit von Anfang bis zum Abschluss meines eigenen Comic-Projekts zu. Du wirst die Chance bekommen, genau zu sehen, wie ich den Job erledigen kann. Ich werde Sie durch alle meine kreativen Phasen der Planung einer Erzählung führen und einige der Fähigkeiten, die wir in den früheren Lektionen gelernt haben, herausrufen. Das ist die Struktur des Kurses. Wie Sie sehen können, liebe ich es, lustige Visuals zu erstellen, um Sie engagieren und helfen, diese Ideen in Ihrem Gehirn bleiben. Nun, das ist alles, was ich vorerst zu sagen habe. Lasst uns in die Klasse kommen. 3. Kurseinheit: Panels verstehen: Fangen wir mit einem kleinen wissenschaftlichen Experiment an. Wir werden ein gewöhnliches Comic-Panel sezieren. Wenn Sie nun ein Panel auseinander nehmen, betrachten Sie vier grundlegende Elemente: den Rahmen, die Sprechblase, die Zeichen und die Einstellung. Ein Comic-Künstler kann diese vier Elemente auf alle Arten arrangieren. Aber am Ende des Tages ist ein Comic-Panel ein narratives Werkzeug und Ihr Arrangement sollte im Dienste einer Geschichte verwendet werden. Bevor wir über die Elemente des Panels sprechen, erinnern wir uns an das Gesamtziel des Comic-Panels. Das heißt, den Leser zu engagieren. Wir wollen ein Panel verwenden, um den Leser in unsere Fantasie einzuladen und sie mit der Erfahrung eines Charakters zu verbinden. Ein Comic-Panel muss eine Balance aus zwei kreativen Agenden sein. Zunächst möchten Sie Ihr Panel so gestalten, dass es vom Leser klar und leicht verständlich ist. Auf der anderen Seite möchten Sie aber auch Ihre illustrierte Fackel und Autorenstimme repräsentieren. Du willst ihnen etwas Stil geben. Natürlich braucht es Übung, um dieses Gleichgewicht zu finden, aber es braucht auch ein Verständnis die Elemente des Panels und wie sie effektiv funktionieren. Nun, da wir Ziele für unser Comic-Panel haben, nehmen wir es auseinander und sprechen darüber, wie jedes dieser vier Elemente effektiv genutzt werden kann. Mit anderen Worten, wir sind hier, um uns die Do's anzusehen und nichts von einem guten Comic-Panel zu tun. Wir fangen mit dem Rahmen an. Der Rahmen ist die unsichtbare Kraft hinter allen Comics. Respektiere diese vier Zeilen und du wirst ein viel besserer Comic-Künstler sein. Stellen Sie sich Ihren Comic-Rahmen nicht als eine Box vor, in der Sie eine Zeichnung innerhalb von quetschen können. Ihr Rahmen sollte sich nicht wie ein zweidimensionaler Raum anfühlen. Die Unterseite Ihres Paneels ist kein Boden und die Oberseite ist keine Decke. Verwendung eines Panels auf diese Weise raubt Ihrer Phantasie kreative Möglichkeiten, und es wird Ihre Panels uninteressant machen. Denken Sie an Ihren Rahmen als Linse in die Welt Ihres Charakters. Wenn Sie es wie eine Linse behandeln, bringen Sie visuelle Tiefe Ihre Ideen und finden Sie Ihr Panel einen narrativen Standpunkt. Das sind alles sehr gute Dinge. Als nächstes ist die Sprechblase. Sprechblasen nehmen so viel Planung und Zeichnung wie die anderen Kunstwerke in Ihrem Panel. Geben Sie ihnen den Respekt, den sie verdienen. Zeichnen Sie nicht zuerst Ihre Sprechblase und hoffen Sie dann, dass Sie den Text hinein passen können. Es klappt nie. Enge Text macht einen Comic nicht Spaß zu lesen. Erlauben Sie nicht, dass Sprechblasen die Augenlinie eines Charakters unterbrechen. Sprechblasen sollten eine Szene niemals in irgendeiner Weise unterbrechen. Bringen Sie außerdem keine Sprechblasen an den Mund eines Charakters an. Platzieren Sie Ihren Text in das Bedienfeld, bevor Sie Ihre Sprechblase zeichnen. Es ist am besten, Text in das obere Drittel des Rahmens zu integrieren. Lassen Sie Ihre Sprechblase bei Bedarf vom Rahmen abgeschnitten werden, besonders wenn dies bedeutet, dass Ihr Text mehr Platz erhält. Gönnen Sie sich Zeit mit Ihrem Schriftzug. Machen Sie sie mutig und sauber. Manchmal hilft es, in allen Großbuchstaben zu schreiben. Es wird Ihre Schreibkunst verlangsamen. Da Comic-Panels oft klein sind, helfen Großbuchstaben Ihrer Linienarbeit dabei, ihre Klarheit zu behalten. Bitte überlegen Sie, wo Ihre Sprechblasen positioniert sind. Sie sollten sich vorstellen, dass sie über und direkt hinter dem Kopf eines Charakters schweben, und vor Hintergrundelementen in der Einstellung. Als nächstes haben wir die Charaktere. Charaktere werden einen Großteil Ihrer Panel-Komposition führen. Indem Sie wissen, wer sie sind, was sie wollen, was sie gerade in diesem Moment tun, können Sie klare und interessante kompositorische Entscheidungen treffen. Geben Sie Ihren Charakteren Ausdrücke und setzen ihre Körper und Posen. Wenn du mehr Einblicke in Cartoon-Gesichter und Körpersprache brauchst, schaue dir meinen Skillshare Kanal für Kurse zu genau diesem Thema an. Genau wie bei Sprechblasen, rahmen Sie Ihre Charaktere sorgfältig im Panel ein. Denken Sie daran, dass Ihr Rahmen ein Objektiv ist, also zoomen Sie bitte auf Action und Mimik, damit Ihr Leser nicht vermisst, was in der Geschichte passiert. Bitte halten Sie Ihre Charaktere in spannenden und spannenden Momenten fest. Zeichnen Sie Ihre Charaktere nicht in hölzernen und symmetrischen Posen, dies entwässert die Charaktere aus dem Leben. Bitte lehren Sie sich, Ihre Charaktere in natürlichen Posen zu zeichnen. Stellen Sie eine Verbindung zu den Augenlinien von Zeichen her, um Interaktionen zu erzwingen. Überdrängen Sie ein Panel nicht mit Zeichen. Der Leser wird keine Ahnung haben, worauf er sich konzentrieren soll. Auf der anderen Seite der Dinge, lassen Sie keine riesigen leeren Räume. Die Leser werden davon ausgehen, dass Sie es absichtlich tun, und sie interpretieren Ihre Komposition als etwas Sinnvolles. Zu guter Letzt haben wir die Einstellung. Die Einstellung vermittelt die Zeit und den Ort, in dem Ihre Charaktere leben. Einstellungen sind wichtig, sollten aber nicht von Charakteraktionen ablenken. Die Do Nots der Einstellung können in einem kleinen Satz zusammengefasst werden Erstellen Sie keine Tangenten in Ihrem Panel. Was sind Tangenten? Tangenten sind Schnittpunkte einer Linie , die eine Beziehung implizieren, die der Künstler nicht beabsichtigt. Eine Tangente tritt auf, wenn zwei Linien von völlig unterschiedlichen Objekten zufällig interagieren. Eine Hintergrundlinie erstellt eine ablenkende Ecke gegen ein Zeichen, oder die Kurve einer Figur springt in ein Hintergrundelement. Es ist leicht, Tangenten zu vermeiden, wenn Sie auf sie achten. Nun, hier sind ein paar einfache Dos, um Tangenten zu vermeiden. Sie vor dem Zeichnen einer Figur Stellen Sie vor dem Zeichnen einer Figureine Horizontlinie oder andere strukturelle Raumelemente ein, damit Sie wissen, wo Ihre Charaktere in diesen Raum passen. Vermeiden Sie Tangenten, indem Sie sich überlappen und einen deutlichen Abstand zwischen Objekten lassen. Um Ihre Einstellungen zu verbessern, lassen Sie Ihre Charaktere mit ihrer Umgebung interagieren , indem Sie sie innerhalb der Einstellung platzieren nicht nur davor. Wenn Sie nun alle vier Elemente auf eine gut geplante und sinnvolle Weise zusammen verwenden , erstellen Sie ein funktionelles Comic-Panel. So einfach ist es wirklich. Aber natürlich sind wir nicht wegen funktionaler Panels hier. Wir wollen fantastische künstlerische, kreative, erstaunliche Panels machen. Im nächsten Kapitel werde ich Sie diesem Ziel einen Schritt näher bringen. 4. Kurseinheit: Panels inszenieren: Inszenierung ist, wie der Comic-Künstler die vier Elemente nutzt, um ihr Panel zu planen. Inszenierung sollte klar und lesbar sein, angenehm für das Auge und zur Unterstützung der Geschichte, die Sie erzählen wollen. Ein Teil der Inszenierung ist das Lernen, mit dem negativen Raum des Panels zu arbeiten. Comic-Platten neigen dazu, wegen der Schwerkraft unten schwer zu sein und es kann leicht sein, ein Panel mit viel negativem Raum zu entwerfen. Um übermäßige Leerräume zu vermeiden, erstellen Sie Miniaturansichten Ihrer Panels mit Silhouetten von Zeichen in einfacher Geometrie. Sehen wir uns nun an, wie Einstellung, Charakter und Framing alle in der Inszenierung verwendet werden. Wenn es um Setting geht, ist ein Comic-Künstler wie ein Bühnenbildner. Sie können Vordergrund-, Mittelgrund- und Hintergrundelemente hinzufügen und entfernen, um die Aufmerksamkeit des Betrachters zu lenken. Beispielsweise kann das Hinzufügen von Vordergrundelementen die Aktion innerhalb eines Bedienfelds umrahmen. Das Entfernen von Hintergrunddetails kann mehr Aufmerksamkeit auf das Verhalten eines Charakters lenken. Wenn es um die Bühne in der Einstellung geht, ist dies nur ein paar Möglichkeiten, um die Aufmerksamkeit Ihres Lesers zu lenken. Versuchen Sie, Ihre Einstellungen und verschiedene Möglichkeiten zu ändern, um Ihre Inszenierung zu verbessern. Wenn es darum geht, eine Figur zu inszenieren, müssen Sie gleichzeitig wie ein Schauspieler und Regisseur denken. Fragen Sie sich, in welchem emotionalen Zustand ich diesen Charakter eingefangen habe und wie repräsentiere ich ihn? Diese Antwort kommt vielleicht nicht in einer Zeichnung. auf einem separaten Blatt Papier einige einfache Thumbnail Skizzen, Verwenden Sieauf einem separaten Blatt Papier einige einfache Thumbnail Skizzen,um Ideen über Charakter, Inszenierung und Posen zu erarbeiten. Daumennageln ist der beste Weg, um diese Fragen zu beantworten , bevor Sie etwas in Ihrem Panel zeichnen. Fragen Sie sich: „Welche Pose spiegelt den emotionalen Zustand des Charakters in diesem Moment wider?“ Es ist hilfreich, verschiedene Variationen von Körpersprache und Gesichtsausdruck auszuprobieren , um herauszufinden, was am besten liest. Ich werde dir das sagen, in Cartooning und Comics ist Übertreibung immer besser. Üben Sie vorher, einen Gesichtsausdruck zu übertreiben. Wenn Sie es dann in Ihr Panel einfügen, verbessern Sie es weiter, indem Sie ein paar emotionale Linien hinzufügen. Leser lieben es zu wissen, wie Ihr Charakter auf ihre Situation reagiert. Zeichen sollten immer antworten. Lassen Sie sie einfach da stehen und in den Weltraum starren. Es ist durch den Charakter, den ein Leser mit Ihrem Geschichtenerzählen beschäftigt. Die Kunst der Comics geht weit zurück in die Geschichte. Es hat immer seinen eigenen visuellen Stil, aber da die moderne KI in visuellem Geschichtenerzählen durch die Ästhetik der Fotografie und des Films trainiert wird . Es macht nur Sinn, dass die Terminologie des Comic-Panel-Rahmens diese populären Medien als Bezugspunkte verwendet. Deshalb können Sie, wenn Sie über das Einrahmen eines Panels sprechen, Begriffe wie „Long Shot“, „ Medium Shot“ und „Close Up“ verwenden . Nun beziehen sich diese drei Namen auf die Position der Kamera relativ zum Schauspieler oder Charakter. Aber das Wichtigste zu verstehen ist, wie Framing sich auf Ihre Erzählung auswirkt. Wenn Sie sich für einen Rahmen mit einem Long-Shot entscheiden, sollten Sie wissen, dass ein Long Shot oft festlegt, wo eine Szene stattfindet. Es ist oft der Fall, dass ein langer Schuss keine der Hauptfiguren der Geschichte darin hat. Auf diese Weise hat der Leser die Möglichkeit, die Details der Welt zu betrachten, bevor die Geschichte offiziell beginnt. Ein langer Schuss erfordert die Inszenierung von Vordergrund-, Mittelgrund- und Hintergrundelementen und ein bisschen Perspektive. Eine mittlere Aufnahme zeigt Action oder Konversation zwischen Charakteren und ihrer Einstellung. Es ist der gebräuchlichste Framing-Stil, den Sie wahrscheinlich verwenden werden. Es hängt von Ihrem Stil und Ihrem Fokus des Panels ab, aber Sie können wahrscheinlich mit der Inszenierung Ihrer Charaktere nur inmitten von Elementen aus der Mitte des Bodens davonkommen . Eine Nahaufnahme unterstreicht den Seinszustand eines Charakters oder deren Dialog. Es ist oft am besten, Einstellungsdetails zu überlassen und nur visuelle Elemente einzuschließen, die die Nahaufnahme verbessern. Insgesamt inszeniert der Comic-Künstler den Leser, sich mit der Geschichte zu beschäftigen. Wenn Sie sich eine vollständige Comic-Seite ansehen, werden Sie sehen, wie der Comic-Künstler verschiedene Arten der Inszenierung in jedem Panel verwendet , um den Leser ständig engagiert zu halten. Je mehr Sie die Inszenierungstechniken verstehen, desto besser können Sie Ihre eigene Geschichte erstellen. Um ein besseres Verständnis zu erhalten, schauen wir uns Beispiele an, wie einige meiner Lieblings-Comic-Künstler ihre Panels inszenieren. 5. Kurseinheit: Beispiele von guten Panels: Sehen wir uns drei Beispiele an, wie Framing, Sprechblasen, Charaktere und Einstellungen verwendet werden können, um einen Leser zu ermutigen, sich mit einer Geschichte zu beschäftigen. Wir beginnen mit dem Panel aus Jason Lutes preisgekröntem Buch, Berlin. Seine Geschichte spielt zwischen 1928 und 1933 in Berlin. Sie bietet einem Leser einen intimen Einblick in das Leben deutscher Bürger während des Niedergangs ihrer langjährigen Republik. Dieses Bedienfeld erstreckt sich über die gesamte Breite einer Seite. Es nimmt Platz ein, der möglicherweise für ein oder zwei zusätzliche Panels genutzt werden könnte. Aber Mr. Lutes benutzt ein einziges Panel, weil er so viele Informationen aus diesem einen Moment bekommt . Seine Framing inszeniert die Szene voyeuristisch. Wir stehen vor einem Fenster, direkt vor einem Haus. Es ist ein Haus, das auf mehr als eine Art verwüstet wurde. Wir sehen, was wahrscheinlich eine politische Propaganda oder Hassrede sein wird , die an der Außenwand gekratzt wird. Mr. Lutes ist klug, die Worte zu verdecken, damit wir nicht verstehen, was sie sagen, und deshalb wird unsere Aufmerksamkeit von dem, was der Schwerpunkt des Panels ist, weggezogen. Jetzt schauen wir über den Fensterrahmen, die eigentliche Geschichte dieses Panels umrahmt. Wir zeigen die Folgen eines Angriffs, einen Ring aus zerbrochenem Glas , der einen engen Kreis um diese häusliche Umgebung schafft. Ein Mann und eine Frau stehen in starren Posen direkt hinter ihrem Esstisch, schockiert über das, was passiert ist. Die Bestürzung der Frau wird durch die Inszenierung des Türrahmens um sie herum noch unterstrichen. Beachten Sie, wie sie sich gegen das Schwarze silhouettiert, während der Mann fast im weißen Vorhang verschwindet. unserem nächsten Beispiel sehen wir uns eine Tafel aus Bryan Lee O'Malleys Buch Scott Pilgrim an. Es ist ein Comic über eine ziellose 20 etwas, das sich der Held seiner eigenen Geschichte findet , als er versucht, das Herz eines Mädchens namens Ramona Flowers zu gewinnen. Dies ist eine Szene von Scott und Ramona, die zum ersten Mal zusammen rumhängen. Mr. O'Malley rahmt seine Charaktere in einem langen Schuss auf der anderen Straßenseite ein. Es ist zu dunkel, um den Hintergrund zu sehen, aber es gibt viele Hinweise darauf, wo wir sind. Wir können sehen, dass wir in einer kalten verschneiten Stadt sind, Toronto , und der Boden ist kalt genug, dass die Straße mit Eis bedeckt ist. Schnee fällt und schafft ein beruhigendes Muster um die Charaktere. Sie werden feststellen, wie der Rand des Straßenlichtstrahls direkt auf die Charaktere zeigt, um unsere Aufmerksamkeit auf sie zu lenken. Scott und Ramona gehen nicht ganz nebeneinander. Ramona ist eindeutig Vorreiter und während Scotts Körpersprache es nicht zeigt, lassen seine Worte uns wissen, dass er in der Situation etwas unangenehm ist. Er zieht seine Formulierung aus, sooo, und dann folgt er dem mit der Frage. Das führt ihn direkt in eine andere Frage, ohne auf eine Antwort zu warten. Offensichtlich will er dieses Mädchen kennenlernen. In diesem dritten Beispiel betrachten wir ein Panel von einer der Meister der gruseligen Comics, Emily Carroll. Miss Carroll hat eine weniger konventionelle Herangehensweise an Panel-Design als Lutes und O'Malley. Zuerst stellen wir fest, dass ihr Panel nicht den üblichen schwarzen Linienrahmen hat. Sie verlässt sich auf die rauen Kanten ihrer Hintergrundfarbe, um ihren narrativen Inhalt einzurahmen. Die Szene wird in einer Weise inszeniert, die sich zeremoniell anfühlt, möglicherweise eine Hochzeit. Miss Carroll ist eine Geschichtenerzählerin, die weiß, wie sie ihre Geschichten angespannt halten kann. Diese Spannung kommt von verschiedenen Techniken. Erstens, ist das Tempo ihrer Text-Erzählung. Beachten Sie, wie die Erzählung auf der linken Seite des Panels beginnt und auf der rechten Seite aufgelöst wird, indem der Fluss mit den Zeichen unterbrochen wird, da der Leser natürlich gezeichnet wurde, um die Aussage langsamer zu lesen. Die Inszenierung der Charaktere sorgt auch für eine gewisse Spannung. Wenn du auf Horrorfiktion stehst, weißt du, dass eine der Regeln des Horrorgeschichtenerzählens darin besteht, die großen Enthüllungen zurückzuhalten, niemals das Monster zu zeigen. Sie macht das hier, was bedeutet, dass sie die Gesichter des Charakters versteckt hält, um ein bisschen mehr Aufmerksamkeit zu erregen. Dieses Panel führt uns in die drei namenlosen und gesichtslosen Charaktere ein. Da ist ein Mädchen, da ist ein Mann, und dann ist da der Vater des Mädchens, nur als glühendes rotes Kreuz in der Mitte der Szene schwebt. Miss Carroll verwendet auch ihre Schreibkunst, um den Ton der Geschichte zu bestimmen. Ihre großen, schmalen Buchstaben fühlen sich ernst und aus der Zeit, ein wenig altmodisch mag viktorianisch sein. Sie verwenden keine cartoonische Schrift, wie es viele Comics tun. Ihr Text schwebt wie Geister in einem Raum, und er ändert seine Stimme, indem er zu einem Kleinbuchstaben wechselt. Ich möchte, dass Sie bemerken, dass die erzählerische Stimme dieser Comics zum Teil aus den Geschichten stammt, die die Künstler erzählen. Lutes Comic ist ein historisches Stück und er verwendet klare Details der Einstellung, Kleidung und Artefakte im Raum, um uns mit dem zu beschäftigen, was sonst eine ungewohnte Umgebung wäre. Bryan Lee O'Malleys Geschichte ist in einer modernen Stadt. Es braucht nicht so viele Details, um uns mit der Zeit und dem Ort zu beschäftigen. Emily Carroll Geschichten sind zeitloser, es sind Geistergeschichten. Indem sie visuelle Details auslässt, zwingt sie uns, Ton aus den Texturen ihrer Hintergründe und dem Linienwerk ihrer Kunst abzuleiten . Wenn Sie das nächste Mal einen Comic lesen, nehmen Sie sich einen Moment Zeit, um sich auf ein einziges Panel zu konzentrieren. Schauen Sie sich an, wie der Comickünstler Rahmen und Sprechblasen und Text verwendet , und wie sie ihre Charaktere und Einstellung inszenieren, welche Dinge sie hinzufügen und welche Dinge sie auch auslassen. Man kann übrigens eine ganze Menge über einen Comic-Künstler lernen, sie engagieren sich mit nur einem einzigen Panel. Das heißt, als nächstes gehen wir direkt zu dieser Magie, die passiert, wenn Sie zwei Panels nebeneinander setzen. 6. Kurseinheit: Comics verstehen: Jetzt für mich wird ein Comic zum Comic, wenn du anfängst, Panels in eine Sequenz zu setzen. In der Tat wird die Kunst der Comics als sequentielle Kunst bezeichnet. Sequentielle Kunst hat eine eigene Reihe von Theorie und Praxis, genau wie Filmemachen, Fotografie , Malerei oder jede andere Kunstform. Dies ist das definitive Lehrbuch für den Comic Student, Understanding Comics von Scott McCloud. Als Lehrer habe ich so viele Exemplare dieses Buches verschenkt. Es ist kurz und es macht Spaß zu lesen, und es ist brillant in der Art und Weise, wie Scott McCloud diese schweren Konzepte auf eine umfassende und unvergessliche Weise ausgibt . Es stellt sich heraus, Comics sind ein großartiges Lehrmittel. Scott McClouds Unterrichtsstil, seine Konzepte und Philosophie durchlaufen meine Adern wirklich. Wenn Sie sich selbst genießen meine Klassen, tun Sie sich einen Gefallen, und springen Sie im Internet und kaufen Sie dieses Buch, aber für jetzt, Ich bin in einer Rezension, was ich fühle, ist das Kernkonzept von Comics verstehen. Mr. McCloud sagt, dass es fünf verschiedene Arenen der Wahl gibt , wenn Sie eine Sequenz von Comic-Panels planen und zeichnen. Die Qualität und Klarheit einer Comic-Erzählung hängt vom Bewusstsein der Geschichtenerzähler dieser fünf verschiedenen Arenen ab. Dies sind keine Schritte, die in einer bestimmten Reihenfolge durchgeführt werden können. Es ist nicht wie eine Workout-Routine. Es ist eher ein Geisteszustand. Es sind wirklich nur kleine kreative Prozesse, die ein Geschichtenerzähler bewusst oder unbewusst nutzen kann, um Ideen zwischen, bis sie zu einem Produkt kommen, das zu der Geschichte passt, die sie erzählen. Wenn Sie nicht bereits ein Künstler sind, der Comics zeichnet, können diese kreativen Entscheidungen ein wenig schwierig sein, zu verstehen. Also lassen Sie uns sie mit einem Charakter und einer Szene überprüfen. Ich nenne diese Geschichte Edith und die große Prüfung, wir beginnen mit der, die Leute am häufigsten vorbeigehen, und das ist die Wahl des Augenblicks. Bevor wir unseren Bleistift auf Papier legen, müssen wir uns fragen, welcher Augenblick in der Zeit die Erfahrung von Edith am besten repräsentiert. Nun, unerfahrene Karikaturist wird wahrscheinlich durch eine Reihe von Momenten Zyklus , bevor sie sich auf einem niederlassen. Ich fange immer damit an, mich in den Kopf des Charakters zu stellen, ich stelle Edith im Klassenzimmer fest an ihrem Schreibtisch vor. Ihr Bleistift klammerte sich in der Hand, das Prüfungspapier starrte sie unblinkend an. Nun hatte Edith am Abend zuvor studiert, oder wenigstens hatte sie ein Lehrbuch geöffnet, während sie ihr Telefon anstarrte. Jetzt, wo sie endlich in der Prüfung ist, beginnt sie zu zweifeln, ob sie wirklich darauf vorbereitet ist. Indem ich in den Kopf des Charakters kam, habe ich mich mit einem Szenario vertraut gemacht, das Edith in ist. Ich kann eine Reihe von verschiedenen Momenten sehen, von denen ich in diesem Panel arbeiten kann. Manchmal schreibe ich Notizen über meine Ideen oder mache kleine Skizzen, nur um sie außerhalb meines Kopfes zu bekommen. Edith hockte sich über ihren Schreibtisch, schwitzte, Edith starrte auf die Uhr, als ihr die Zeit abläuft, Edith saß still, ihre Augen drängten hin und her, um zu sehen, ob jemand sie retten kann. Um Ihre Geschichte in Bewegung zu halten, müssen Sie sich fragen, was diesen Moment ikonisch und unvergesslich machen wird? nächste Wahl von Scott McCloud ist die Wahl des Rahmens. Wenn Sie nun die Wahl des Rahmens sprechen, etwas, das wir im vorherigen Kapitel nicht besprochen haben, ist, dass die Auswahl eines Rahmens wirklich von der erzählerischen Stimme der Geschichte abhängt , um es mit dem Schreiben in Beziehung zu setzen. Wenn der Comic in Third-Person-Erzählung ist, wird der Moment höchstwahrscheinlich aus einer sicheren Entfernung eines allgegenwärtigen Erzählers, eines unsichtbaren Beobachters, gerahmt . Wenn der Comic First-Person ist, bewegen wir uns vielleicht direkt in den Charakterraum. Wir könnten sogar durch ihre Augen schauen. In Szenen wie diesen, in denen sich eine Figur in einem erhöhten emotionalen Zustand befindet, komme ich gerne näher, damit wir ihren Körper zittern und ihre Stirn schwitzen sehen können. Als nächstes lassen Sie uns über die Wahl des Bildes sprechen, bedeutet tatsächlich, den Bleistift auf Papier zu legen und etwas zu zeichnen. Während diese Auswahl von Moment und Rahmen durch unser Gehirn blitzen, entscheiden wir schnell, wie wir das Bild auf das Papier bringen wollen. Betrachten Sie den Zweck des Bedienfelds beim Zeichnen. Welchen Zweck hat diese Zeichnung in Ediths Geschichte? In diesem Fall möchte ich ihr Gefühl der Panik zeigen, wenn sich das Ende der Prüfungszeit nähert. Ich betrachte die Elemente, die ich zeichnen muss, den Schreibtisch, Edith, die Uhr, andere Teststudenten und ich muss entscheiden, was ich zeigen und was aus diesem Rahmen herausschneiden soll. Je mehr Panels Sie zeichnen, desto mehr passt sich Ihr Illustrationsstil an die Beschränkungen des Bedienfelds an. Schweres Detail kann die Klarheit eines Panels schlammig machen und Wiederholungen können zeitaufwendig sein. Comic-Kunst ist oft spärlicher als andere illustrative Formen. Wenn Sie Ihr Bild auswählen und es auf Papier legen, müssen Sie die nächste Arena des Panel-Designs im Auge behalten, und das ist die Wortwahl. Meine Faustregel im visuellen Storytelling ist nur zu sagen, was Sie nicht zeigen können. Das ist keine harte und schnelle Regel, das ist nur meine stilistische Entscheidung. Wenn du ein lauter Geschichtenerzähler bist, zeigst du vielleicht Edith, mit sich selbst zu reden. Vielleicht fügen Sie einen Text oder einen kleinen Soundeffekt ein. Wenn Sie eine ruhige und subtile Geschichtenerzählerin sind, können Sie Editths innere Aufruhr durch ihre Gesichts- und Körpersprache und ihre cartoonische Emoting zeigen . Für die letzte Wahl müssen wir ein wenig verkleinern und über die Wahl des Fließens sprechen. Bisher schauen wir uns das erste Panel in einer Reihe von Panels an, um eine Geschichte zu erzählen. Die Art und Weise, wie sich alle Ihre Panels zueinander beziehen, wirkt sich auf den Erzählfluss aus. Nun, da wir über die Entscheidungen eines Comic-Künstlers nachdenken, gehen wir zum nächsten Kapitel, um zu sehen wie sich der Panelfluss auf Ediths Geschichte auswirkt. 7. Kurseinheit: Verschiedene Typen von Übergängen: Für mich wird ein Comic wirklich zum Comic, wenn man zwei Panels direkt nebeneinander legt. Indem Sie diese einfache Aufgabe ausführen, bitten Sie den Leser, eine Schließung zwischen Ihren zwei verschiedenen Momenten zu schaffen. Schließung ist die Sache, die unser Gehirn tut, wenn es die Lücken in einem Informationsfluss füllen muss . Manchmal ist es für unsere Gehirne leicht, einen Verschluss zu schaffen. Aber wenn es um Comics und andere Formen der bildenden Kunst geht, erfordert die Schließung etwas mehr aus unserer Phantasie. Versuchen Sie zum Beispiel, sich vorzustellen, was zwischen diesen beiden Panels passiert. All unsere Gehirne werden sich etwas anderes einfallen lassen. Es ist nicht die Aufgabe der Karikaturisten, alle Lücken in einer Geschichte zu füllen. Tatsächlich sind es die Lücken zwischen Informationen, die es dem Leser ermöglichen, seine Fantasie zu nutzen und dem Leser die Möglichkeit geben, sich mit dem Geschichtenerzählen zu beschäftigen. Die Comic-Künstlerin erzählt ihre Geschichte durch die Schließung die durch den Übergang von Panel zu Panel geschaffen wurde. Es gibt sieben verschiedene Arten von Übergängen. Wir definieren sie durch das Gefühl der Schließung, das sie dem Leser bieten. Nun lasst uns Edith und ihre große Prüfung benutzen, um zu sehen, wie diese sieben Arten von Übergängen auf das Geschichtenerzählen auswirken. Die gebräuchlichsten Arten von Comic-Übergängen basieren auf einem wirklich vertrauten Konzept, dem Lauf der Zeit. Der erste Übergang, den wir betrachten, wird als Moment-zu-Augen-Übergang bezeichnet. Ein Moment-zu-Augen-Übergang, ist ziemlich leicht zu erkennen. Sie haben oft sehr ähnliche Gestaltungsstile und nur leichte Abweichungen zwischen den beiden Paneelen. Sagen wir, wir wollen zeigen, dass Edith Angst hat, die falsche Antwort auf ihrem Test zu markieren. Wir können sie in zwei Tafeln mit nur leichten Abweichungen in der Hand und zunehmenden kleinen subtilen Dingen wie dem Stress in ihren Augen zeichnen . Die Uhr kann uns sagen, wie viel Zeit buchstäblich vergangen ist, aber die Bilder zeigen uns, wie sich Edith im Laufe der Zeit anfühlt. Ein Übergang zur Aktion ist wahrscheinlich die häufigste Art des Übergangs. Sie zeichnet sich dadurch aus, dass sie einen klaren Anfang und ein Ende einer Interaktion zwischen einem Charakter und etwas anderem darstellt . Edith setzt sich hin, um den Test in Panel eins zu machen, in Panel zwei sehen wir sie am Ende erschöpft. Ich mag es, an Aktion zu denken, ist ein kleiner Charakterbogen in einer viel größeren Geschichte zu vervollständigen. In diesem Übergang sehen wir Edith von der Absicht bis zum erschöpften gehen. Ein Subjekt zum Subjektübergang ist, wie ein Comic die Interaktion einer Figur mit einem anderen Subjekt in der Szene zeigt. Es ist am häufigsten, wenn wir sehen, wie ein Charakter interagiert oder auf etwas reagiert. Hier, Edith, die Antwort auf die Lehrererklärungen, dass die Zeit tatsächlich abgelaufen ist. Vielleicht haben Sie Schauspieler sagen hören, dass Schauspielerei wirklich reagiert. Persönlich denke ich an meine Comicfiguren als die Schauspieler in meiner Geschichte und ein Thema Thema Übergang ist eine großartige Gelegenheit, den Leser über den Charakter zu lehren. Ein Szene-zu-Szenen-Übergang, verbindet sich mit Positionen zueinander. Es ist zeitbasiert, obwohl das Verständnis der Länge der Zeit nicht entscheidend ist. Der Stil des Übergangs wird oft verwendet, um uns von einem Teil einer Charaktergeschichte zum nächsten zu bringen . In diesem Fall zeigen wir Edith, wie sie ihren Test durchbricht und dann springen wir zu ihr zu Hause zurück und essen Abendessen. Dieser Übergang zeigt uns, dass die Erfahrung des Tests die arme Edith dazu geführt hat, ihren Appetit zu verlieren. Es ist auch eine gute Möglichkeit, die Geschichte für neue Interaktionen mit anderen Charakteren zu öffnen. Ein Aspekt zum Aspekt Übergang, stellt nicht den Zeitablauf dar, wie die vorherigen drei Übergänge, die wir uns angesehen haben. Während wir mehrere Themen in diesen Panels sehen, nutzen wir diesen Übergang nicht, um die Geschichte voranzubringen, wir führen den Leser einfach einen Raum ein und geben ihnen das Gefühl, wie es sich anfühlt, dort zu sein. Aspect-zu-Aspect-Übergänge sind oft am effektivsten , wenn die Sichtweise eines Charakters reflektiert werden. Ich meine nicht unbedingt, direkt durch ihre Augen zu schauen. Dieser Übergang soll dem Leser ein Gefühl geben, wie Edith sich durch den Test gefangen fühlt und die Grenzen der Zeit darauf. Aspect to Aspect Übergang kann, ohne Worte wirklich den Ton für die kommende Geschichte setzen. Ein symbolischer Übergang ist noch abstrakter. Es verwendet ein Panel innerhalb eines Comics etablieren Welt und es mit einem Bild, das eine bestimmte Art von Assoziation suggeriert. Im Grunde ist dies, wie Comics Metapher machen. Zum Beispiel können wir zeigen, dass Edith eine Prüfung übergeben wird, und im nächsten Panel sehen wir ihren Kopf explodiert. Die Explosion soll nicht wörtlich sein, sie ist nur eine suggestive Möglichkeit, Ediths Erfahrung und Gefühl von Panel eins weiterzugeben . Dieser Übergang sagt im Grunde: „Als Edith sich die Prüfungsfragen anschaute, fühlte sich ihr Kopf an , als würde er explodieren.“ Ein symbolischer Übergang erfordert mehr Beteiligung des Lesers, weil er den Moment nehmen und die Bedeutung des zweiten Panels und seine Beziehung zum ersten interpretieren muss. Jetzt können Sie die Symbolik mit einem Übergang wie diesem noch weiter gehen. Panel 1 zeigt ein Bild von Edith, das ihren Test macht, Panel 2 zeigt eine Antilope, die von einem Löwen gejagt wird. Jetzt ist es das Ziel, Ediths Erfahrung mit der Erfahrung der Antilope zu vergleichen . Jetzt ist das Ding. Den Leser aus der Kulisse der Geschichte zu nehmen, ist ein ziemlich riskanter Schritt. Es kann wirklich einnehmend für jemanden sein, der schätzt und unkonventionelle Erzählung, aber auch entfremdet für jemanden, der nicht viel Erfahrung mit Comic-Kunst und Storytelling hat. Wann immer Sie einen Übergang planen, möchten Sie darüber nachdenken, wie er sich auf den Fluss der Geschichte auswirkt. Jeder Übergangsstil hat seine Stärken, aber kein einziger Typ kann eine komplette Geschichte erzählen. Das heißt, jeder Comic-Künstler nutzt seine eigene Mischung aus Übergangstypen, um ihre Erzählungen aufzubauen. Im nächsten Kapitel werden wir uns ein paar Beispiele ansehen. 8. Kurseinheit: Beispiele von Übergängen, Teil 1: Wir werden uns Beispiele für die Arten von Übergängen in der Reihenfolge ansehen , in der ich sie Ihnen vorgestellt habe. Wir beginnen mit einem Beispiel des Moment-zu-Moment-Übergangs. Dies ist ein Auszug aus Beautiful Darkness von Fabien Vehlmann und Karascoet. Es ist ein dunkles Märchen über winzige Feen. Ich habe diese Seite gewählt, weil sie zwei Beispiele für gute Moment-zu-Augen-Übergänge hat. Diese erste Reihe von Paneelen verwendet eine Reihe von Momenten, um einen ziemlich dunklen Knebel aufzubauen und auszuzahlen. Wir sehen eine dumme Tafel einer winzigen Feenperson, die unter einem Nest von Vögeln lebt. Der Mama Vogel geht, um ihr ungewöhnliches Kind zu füttern und es geht ekelhaft falsch. Das dritte Panel in der Sequenz verdoppelt sich als Reaktionsschlag in der Progression des Knebels. Aber es ist auch ein Weg, um die Grobheit der Realität dieser Welt zu verwöhnen. Die nächste Reihe von Panels verwendet Moment-zu-Augen-Übergänge in ähnlicher Weise, die Einrichtung eines Knebels, die Pause und die Punchline. In beiden Beispielen werden Sie feststellen, dass Moment-zu-Augen-Übergänge nicht wirklich in der Lage sind, die Handlung der Geschichte voranzutreiben. Es geht mehr darum, den Ton zu setzen, einen Moment der Leichtigkeit zu schaffen oder Charakter einzuführen. Als Beispiel für einen Action-to-Action-Übergang wählte ich zwei Panels aus einer Ausgabe des Fantastic Four Comics aus den 1970er Jahren. Die Kunst stammt von Jack Kirby, obwohl ich nicht sicher bin, wer der Schriftsteller ist. Ich entschied mich für diese beiden Panels, um zu zeigen, wie Superhelden-Comics so auf Action-to-Action-Übergänge angewiesen sind, etwas, das ich früher erwähnt habe. Sogar banale Momente wie dieser Diener Dr. Doom anstößt, werden wie eine Kampfszene behandelt. Wir haben die Aktion, den Schläger und das Schreien des Vorfalls und eine gezoomte Reaktion von Dr. Doom, und eine gezoomte Reaktion von Dr. Doom während er den armen Diener gegen den Rand des Rahmens wirft. Diese erhöhte aggressive Realität ist so viel von dem, was wir denken, wenn wir an Comics im amerikanischen Stil denken. Aber natürlich ist es nicht zu ernst zu nehmen. Es ist sehr cartoonisch und ziemlich lächerlich. Das Tempo der Action-to-Action-Übergänge macht im Stil des Comic-Geschichtenerzählens fast süchtig. Es ist ständig die Einrichtung von Momenten, nur um, kein Wortspiel beabsichtigt, sie niederzuschlagen. Nehmen wir uns zum Beispiel einen Moment Zeit und lesen Sie den Austausch in diesen beiden Panels. „ Tausend Begnadigung, Sire. Ich bin gegen deinen Mantel gestolpert.“ „ Tollpatschiger Dolt. Du wagst es, die sakrosanfte Person deines Herrn und Meisters Hand zu legen. Wertloser, unerträglicher Klumpen. Weißt du, was das bedeutet?“ „ Oh, nein, Sire. Nein, nicht die ultimative Strafe.“ - Ja. Wie auch immer, ja, wie konntest du die Seite nicht umblättern wollen, um herauszufinden, was als nächstes passiert? Bewegen Sie sich weiter. Diese beiden Panels von The Escapists stellen einen großen Subjekt-zu-Subjekt-Übergang dar. Das Buch wird von Brian K. Vaughan geschrieben und von Steve Rolston gezeichnet. Es ist die einfachste Verwendung von Subjekt-zu-Subjekt-Übergang ist wirklich zeichnen einen Austausch zwischen zwei Zeichen. In diesem Fall handelt es sich um einen Moment-zu-Moment-Übergang mit einem zusätzlichen Kamera-Drehpunkt. Als Leser müssen wir unser Gefühl der Schließung nutzen, um anzunehmen diese Charaktere in derselben Szene befinden, obwohl dass sich diese Charaktere in derselben Szene befinden, obwohlsie nicht in den Panels des anderen erscheinen. Dieser Übergangsstil zeigt wirklich den Einfluss des Films auf Comics. Diese Art von Bildgegenüberstellung wäre völlig verblüffend, wenn wir nicht aufgewachsen wären, diese Technik in Film, TV-Shows und Animation zu sehen . Es gibt nichts besonders künstlerisches in einem funktionalen Subjekt-zu-Subjekt-Übergang wie diesem, aber das ist cool. Manchmal müssen Szenen nur die Handlung entlang bewegen. Apropos Szenen, hier ist ein Szene-zu-Szene Übergang von einer Ausgabe von Donald Duck Comics von Carl Barks. Dieses Buch erschien in den 1940er Jahren. Wenn Sie Comics für Kinder machen, Kinder, die ein Publikum sind, dessen Gefühl der Schließung ist immer noch in einem wirklich frühen Stadium der Entwicklung, Sie als der Künstler müssen sehr spezifisch in den Arten von Elementen, die Sie wählen in jedes Paneel. Beachten Sie, wie die letzte Zeile im Panel lautet „Los geht's“, und das nächste Panel beginnt mit einer Erzählunterschrift „bald“, die jede Frage beantwortet , die ein Kind hat, wie viel Zeit vergangen ist. Im Falle eines Szene-zu-Sze-Übergangs hilft der dramatische Wandel dem Übergang tatsächlich deutlicher zu arbeiten. Eine komplette Änderung in der Umgebung von Stadt zu Wüste, die Aufnahme des Autos, die Inszenierung der Charaktere von mittlerem Schuss im Profil bis zu einem langen Schuss von hinten, all diese Dinge helfen einem jungen Leser zu verstehen, was in Ihrem Geschichte. Wenn Sie einen Comic für einen Erwachsenen oder einen erfahreneren Comic-Leser machen, können Sie sich mit einem Szene-zu-Szene-Übergang besser begnügen. Sehen Sie, wie David Mazzucchelli Szene-to-Szene in diesem Übergang aus seinem Buch Asterios Polyp verwendet . Es ist ein Buch klar für ein erwachsenes Publikum über erwachsene Charaktere und es wird eine Menge Informationen auslassen , um einzurichten und auszahlen einen sehr trockenen Witz über erwachsene Beziehungen. Um den Aspect-zu-Aspect-Übergangstyp besser zu verstehen, hilft es, mehr als nur zwei Panels zu betrachten. Hier ist ein ganzseitiger Auszug aus einem Buch namens Lucas des italienischen Comic-Künstlers Andrea Bojiolli. Wir sehen einen harten Schnitt von Schwarz bis zu einem Van, der eine Wohnstraße hinunter rennt. Der Van parkt zufällig vor einem verlassenen Haus und ein Charakter tritt aus. Wir werfen einen genaueren Blick auf die Verzweiflung des Grundstücks und das Zögern dieser Person zu betreten. Schließlich erhalten wir ein Panel, das den Charakter umrahmt, der in die Dunkelheit von einem Ort eingetreten ist , der mit seiner Vergangenheit verbunden ist. Aspect-zu-Aspect-Übergänge sind nicht so eng miteinander verknüpft wie die anderen Übergänge, die wir bisher diskutiert haben. Sie haben den Leser in gewisser Weise von der Erzählung befreit und sie geben Ihnen die Möglichkeit, die Welt zu erforschen, die nach Ihren eigenen Bedingungen aufbaut. Sie werden wahrscheinlich feststellen, dass Sie sich zwischen den Bildern in diesen Panels hin und her springen und langsam beginnen Sie, alle Details zu verbinden und machen Sinn wo wir sind und was dieser Charakter hier tun könnte. Der Künstler, Herr Bojiolli, hat das Tempo der Erzählung verlangsamt, um Ihnen Zeit zu geben , den Zustand der Dinge in der Welt dieses Charakters zu nehmen. Der Künstler nimmt viele Freiheiten, wie sie jedes dieser Panels umrahmen. Hinweis Panel 2 fühlt sich an, als wäre es aus der Sicht eines nosey-Nachbarn, und Panel 3 gibt uns mehr von der Vogelperspektive, Panel 4 ist eine zentrierte Mitte Schuss, und Panel 5 ist eine dramatische abgewinkelte Nahaufnahme. Dies ist einer der großen Unterschiede zwischen einem Comic-Strip und einem Comicbuch oder Graphic Roman. In einem kurzen Comic-Strip haben Sie nicht viel Nutzen für einen Aspect-zu-Aspect-Übergang, aber wenn Sie eine längere Formenerzählung erzählen, benötigen Sie Übergänge wie diese, um den Leser zu engagieren und Fragen zu stellen. 9. Kurseinheit: Beispiele von Übergängen, Teil 2: Symbolische Übergänge sind in bestimmten Genres von Comics besser erkennbar. Geschichtenerzähler, die in den Bereichen der Science-Fiction arbeiten, vor allem jene Künstler mit einem surrealistischen astatic bekommen eine Menge Kilometer von symbolischen Übergängen, weil Arten von Panels, die in der Lage sind, in größeren thematischen Visuals sprechen. Moment schauen wir uns eine Seite von Charles Burns ist komisch, hauttief. Eine Geschichte über einen allamerikanischen Jungen, der das wörtliche Herz eines Hundes hat. Sein Name ist Hundejunge. Das erste Panel zeigt, dass Hund Junge einen schlechten Traum hat. Die folgenden Panels sollen die Visuals des Traums darstellen. Sehen Sie, wie die Ränder des Panels alle gewellt werden. Das ist ein Comic-Künstler visuelles Cue, dass die Geschichte aus ihrer eigenen Realität heraustritt , um auf Charakterentwicklung mit Gedächtnis zu erweitern, oder in diesem Fall, Traum. Panel zwei spielt mit der Perspektive dieses Arztes Charakter, um seine imposante und böse Natur und andere seltsame Charaktere zu zeigen und böse Natur und , wie Hund Junge erholt sich von seiner letzten Operation. Dann bekommen wir die große Enthüllung, dass sein Torso auf den Körper eines Hundes gepfropft wurde. Der Traum endet und wir sehen, wie die Paneelrahmen wieder in ihre senkrechte Realität übergehen. Alles ist wieder normal oder abnormal in der Welt des Hundes. Dann schließt die Seite mit einer typischen Aktion zur Aktion Übergang von Hund Jungen, immer bereit für die Arbeit. Könnte diese Geschichte ohne diesen Vier-Panel-Übergang in Charakter und Symbolik erzählt werden? Ja, aber Charles Burns Geschichten konzentrieren sich oft auf die Psychologie der Charaktere und symbolische Panels bieten mehr Einblick als jeder andere Übergangstyp. Kurz gesagt, seine Verwendung von Übergangsstilen macht ihn als Künstler abheben. Nun, um dieses Gespräch abzuschließen, während Sie lernen, Übergangsstile mit mehr Kontrolle zu analysieren, werden Sie feststellen, dass Sie automatisch bessere Entscheidungen in Ihrer eigenen Comic-Kunst treffen. Nun, da wir die Funktion und den Fluss von Comic-Panels besprochen haben, sprechen wir über die Linien, die wir verwenden, um sie zu machen. 10. Kurseinheit: Übersicht über Stifte und Pinsel: Comics kamen um die Wende des 20. Jahrhunderts in Popularität, da Zeitungen sie nutzten, um ein wenig Humor zu bieten , um aus den harten Realitäten der aktuellen Ereignisse zu entkommen. Die Beschränkungen der mechanischen Reproduktion in jenen frühen Tagen bedeuteten, dass die Kunst des Comics mußte mutig und sauber sein, und enge Zeitungstermine bedeutete, dass der Stil der Kunst einfach und schnell sein musste gerendert. Auch die Alphabetisierungsniveaus und die Aufmerksamkeitsspanne der Öffentlichkeit bedeuteten, dass Charaktere und Ideen übertrieben und dramatisiert werden mussten , um die Aufmerksamkeit aller Arten von Lesern zu erregen. Trotz aller Technologie der modernen Comic-Künstler zur Verfügung hat, die schwarze Tinte Schlüssellinie Kunst und einfachen Stil in mutiger Charakterisierung jener frühen Tage, immer noch das dominierende Aussehen der Comic Arts. Schwarze Linienkunst, wie wir es nennen, wird über der Oberseite erstellt, wird über der Oberseite erstellt, eine grobe Bleistiftskizze mit einem schwarzen Tintenstift, Kalligraphiefeder oder einem kleinen Pinsel, der in Tinte getaucht ist. Diese Werkzeuge haben alle ihren eigenen einzigartigen Charakter, spezielle Fähigkeiten und Schwierigkeitsgrad. Wie Sie in meinen Unterrichtsfolien sagen können, zeichne ich offensichtlich auf einem digitalen Tablet, und in diesen Tagen erledige ich den Großteil meiner beruflichen Arbeit. Aber ich habe etwa 15 Jahre damit verbracht, traditionelle Zeichenwerkzeuge zu verwenden. Ich werde auch einige Gedanken über diese auf dem Weg teilen. Um jeden Stift- und Pinseltyp zu unterscheiden, können wir über das einzigartige Aussehen ihrer Linie sprechen, die in die folgenden Aspekte unterteilt werden kann. Linierte Breite, Linienvariation, Liniengenauigkeit und Linienzeichen. Beginnen wir mit der einfachsten Art von Zeilenwerkzeug, dem Filzstift. Diese Stifte haben einen leichten, mit Tinte gefüllten Griff und eine feste Filzspitze , die nicht sehr unter Druck oder Richtungswechsel der Hand. Dies macht den Filzstift ziemlich einfach zu steuern. Zum Beispiel kann ich einen Kreis in einer einzigen Bewegung drucken. Filzstifte sind gut für Anfänger und professionelle Künstler , die schnelle Hände haben und viele Details und Text verwenden. Der Filzstift als technischer Zeichenstift, was bedeutet, dass er gut geeignet ist für das grafische Rendern, wie in, Sie könnten es entlang der Kante eines Lineals laufen und erhalten eine schöne saubere Linie. Es ist ein Werkzeug mit stabiler Linie, mit geringer Variation, hoher Präzision und minimalem Charakter. Wenn Sie auf dem Markt für einen traditionellen Filzstift sind, kaufen Sie ein Set mit einer sortierten Spitze Größen und wasserdichter Tinte. Das ist wichtig, besonders wenn du auf deine Comics malen willst. Sie können die Pigma Manga Comic Pro Zeichnung Kit für rund $15 zu bekommen. Es ist ein großartiges Starter-Kit, und ich habe es auch für viele professionelle Level-Projekte verwendet. Diese Stifte haben eine gute Gesamtleistung und funktionieren reibungslos auf allen Arten von Illustrationstafeln, Borsten und Pergament. Aber Sie werden in diesen Patenten gut bestückt bleiben wollen, weil Sie nicht möchten, dass Ihr letzter Stift mitten in einem Projekt austrocknet. Ihre Tintenbrunnen können nicht nachgefüllt werden. Das sind Einweg-Kugelschreiber. Als Nächstes schauen wir uns die Feder an. Es kommt in zwei Teilen, erstens der Griff. Er ist leicht und hat oft einen Korkgriff, sich zu einem kleinen Punkt am äußersten Rand des Stiftes verjüngt. Der Metallclip am Ende des Griffs ermöglicht es Ihnen, Stiftspitzen je nach Bedarf des Projekts zu wechseln. Federstifte erfordern Übung zur Kontrolle aufgrund des flexiblen Metalls der Feder selbst. Um die Arbeit mit einem Schreibfeder zu genießen, müssen Sie langsamer arbeiten als mit einem technischen Zeichenstift. Zum Beispiel, wenn ich einen Kreis mit der Tinte kreise, ändert sich meine Linienstärke Daher muss ich meine Hand und mein Papier drehen, um ein konsistentes Zeichen in meiner Linie zu behalten. Denn Handdruck wirkt sich auf das Aussehen der Linienart aus. Sie müssen Gesten entwickeln, die Ihnen den Effekt geben, den Sie suchen. Sobald Sie sich mit der Schreibfeder vertraut gemacht haben, werden Sie feststellen, dass es so viel Ausdruck zu Ihrem Farbstil bringen kann. Der Schreibfeder ist ein Werkzeug mit druckbasiertem Liniengewicht, mittlerer Variation, mittlerer Präzision und großem Charakter. Soweit es mich betrifft. Persönlich bin ich ein großer Fan der Schreibfedern. Ich habe das traditionelle Tool in allen Arten von Projekten verwendet, und als ich zu digitalen Tablets wechselte, fand ich Stifte, die diese ähnliche Art von Zeilenzeichen erstellt haben. Für traditionelle Federspitzen sind die beiden Haupttypen die G-Feder, eine kleinere, flexiblere Feder und die Löffelfeder, die eine festere Spitze hat. Ich bin ein Fan der Nikko Löffelfeder. Ich habe eine schwere Hand und wenig Geduld, so dass die feste Metallspitze des Nikko, und seine Fähigkeit, mehr Tinte zu halten, ist eine gute Passform für meinen Farbprozess. Ich werde im Voraus sein und Sie wissen lassen, ich habe die geringste Menge an Erfahrung mit traditionellen Pinselstiften. Die, die ich benutzt habe, sind wirklich Aquarellpinsel, was wahrscheinlich für viele Comic-Künstler der Fall ist. Ich arbeite mit der Marke Windsor und Newton, und ich benutze die kleinen runden Pinsel. Als digitales Werkzeug ist ein Pinselstift nicht wirklich anders als ein Schreibfeder. Der Hauptunterschied zwischen einem digitalen Pinselstift und einem Schreibstift hängt von der Druckempfindlichkeit ab. Mit einem Pinselstift wird die Druckempfindlichkeit normalerweise etwas höher eingestellt, und die Pinselgröße ist etwas größer, um mehr Variation in der Linienbreite zu ermöglichen, erhalten Sie einen lockeren Pinselstrich mit dem Pinselstift. Außerdem sehen Sie mehr Abwechslung und die Start- und Endpunkte Ihrer Linie. Einige Pinsel haben einen stumpfen Anfang und Ende, und einige geben Ihnen mehr einen Punkt. Üben Sie die Tinte mit dem digitalen Pinselstift mit Variationen in der Pinselgröße. Wenn Sie mehr Ausdruck in Ihrer Linie wünschen, skalieren Sie den Pinsel nach oben, um mehr Auswirkungen von Ihrem Handdruck zu sehen. Der Pinselstift eignet sich nicht für alle Arten von Linientypen. Möglicherweise verwenden Sie den Pinselstift für einige Aspekte der Komposition und wechseln Sie dann vielleicht zu einem technischen Zeichenstift, um bestimmte Ebenen winziger Details zu erreichen, wie z. B. Der Pinselstift spiegelt wirklich die volle Bewegung der Hand des Künstlers wider. Sie werden es aufnehmen, indem Sie die Pinselhaare auf verschiedene Weise über die Seite ziehen, um bestimmte Effekte zu erzielen. Es wird fast unmöglich sein, eine gerade Linie mit einem Pinselstift zu erreichen. Aber das ist nicht der Sinn, es zu benutzen. Mit einem Pinselstift geht es darum, fließende Kalligraphie wie Bilder zu erstellen. Wenn Sie ein Stickler für technische Präzision sind, der Pinselstift wahrscheinlich nicht für Sie, aber hey, geben Sie es einen Schuss. Vielleicht finden Sie neue Aspekte der Tinte und Cartooning, die Sie wirklich ansprechen. Lassen Sie uns schnell über Arten von Tinte sprechen. Wenn Sie ein digitaler Künstler sind, haben Sie hier nicht viele Möglichkeiten, Ihre Tinte ist das Pixel. Sie können jedoch Pinseltypen in Photoshop ändern oder fortschreiben oder das Zeichenwerkzeug, das Sie verwenden, um unterschiedliche Körnungen in Ihrem Freihandstil zu erhalten. Spielen Sie mit Ihren digitalen Zeichenwerkzeugen und finden Sie eine, die der Persönlichkeit Ihrer Arbeit entspricht. Aber wenn es um traditionelle Tinten geht, geht es mehr um die Konsistenz der Tinte, und der einzige Weg, um etwas zu finden, das Sie mögen, ist, Dinge auszuprobieren. Die meisten Freihandoptionen basieren wirklich auf der Art des verwendeten Werkzeugs. Ich habe mich schon immer von der Tinte Windsor und Newton angezogen. Es ist eine dicke, wasserdichte Tinte, so dass es wirklich an der Tintenfeder haftet, und wenn Sie es auf Ihrem Borstenbrett oder Aquarellpapier im Stich lassen, hinterlässt es einen wirklich glänzenden Globy Trail. Wenn Sie mehr Informationen zu traditionellen Farbwerkzeugen wünschen, empfehle ich Tintenzeichnungstechniken, Pinselspitze und Stiftstil von Yuko Shimizu. Du wirst ihre Klasse auf Skill-Anteil finden, sieh es dir an. Es ist großartig. Zurück zu Comics hier. Jetzt, da wir mit unseren schwarzen Linien und grundlegenden Werkzeugoptionen vertraut sind. Schauen wir uns an, wie Tinten ein Panel zum Leben erwecken kann. 11. Kurseinheit: Farbtechnik: Um eine gute Farbtechnik zu entwickeln, müssen Sie sich auf die folgenden Fähigkeiten konzentrieren, in dieser Reihenfolge: Haltung, Handbewegung, ein Gefühl der Linie, ein Gefühl der Form und ein Gefühl der Textur. Lassen Sie uns Haltung sprechen, wenn Sie nicht viel Zeit damit verbringen, zeichnen Sie Standardhaltung für Markierungen auf Papier zu setzen, während an einem Schreibtisch sitzt wahrscheinlich rund um das Schreiben entwickelt. Wenn wir schreiben, neigen wir dazu, herumzuschauen und sehr nah zu kommen weil Stil und Umfang unserer Linie arbeiten, wenn das Schreiben nicht wirklich wichtig ist. Es geht nur darum, Informationen auf Papier zu bekommen. Beim Freigeben dreht sich alles um Stil und Skalierung. Diese Schreibhaltung, die Sie entwickelt haben, setzt schwere Grenzen für Ihre Entwicklung als Tinker plus Tinte kann eine lange Zeit in Anspruch nehmen und bequem zu sein , wird Ihre Ausdauer für die längeren Farbsitzungen zu verlängern. Stellen Sie sicher, dass Sie beim Einfärben gerade sitzen und sich direkt vor Ihrem Papier positionieren. Ich versuche, es zumindest etwas von einem Winkel zu arbeiten. Ich weiß, dass einige Leute einen flachen Schreibtisch bevorzugen, aber wenn Sie Ihr Bild erhöhen können, dann verhindert das, dass Sie sich zu weit zurücklehnen. Ich versuche immer ungefähr 15 Zoll zwischen meinem Gesicht und der Seite zu lassen. Dieser Basisabstand hält Ihre Haltung entspannter und hilft Ihnen, bei längeren Farbsitzungen bequem zu sagen. Natürlich komme ich manchmal ganz nah, aber wenn ich mich auf diese Details konzentriere, sehe ich es immer als Ausnahme von der 15-Zoll-Standardposition. Mit dem 15-Zoll-Puffer zwischen Körper und Seite, geben Sie sich Platz, um Ihre Hand und Arm zu bewegen. Lassen Sie uns unsere Farbbewegungen üben. Um Farbspuren mit glatten, leichten Bewegungen zu erzeugen , müssen wir mehr vom Arm aus arbeiten als vom Handgelenk. Greifen Sie Ihren Stift fest in Ihrer dominanten Hand, nahe an der Spitze. Halten Sie die Spitze schräg zum Papier, nicht gerade nach oben oder gerade nach unten. Halten Sie Ihre Hände fest und lassen Sie sich von Ihrem Arm über Ihre Skizzenlinien führen. Versuchen Sie zu vermeiden, sich vom Handgelenk allein zu bewegen. Entspannen Sie Ihren Zeichnungsarm und Ihre Hand. Zu viel Spannung kann Ihre fertige Zeichnung starr und leblos aussehen lassen. Wenn Sie den Stift in der Nähe der Spitze, in der Nähe des Papiers selbst greifen , wird Ihre Hand stabiler halten, als sie höher nach oben zu halten. Es wird weniger Unvollkommenheiten in Ihrer Linie mit dieser Technik geben. Welche kleinen Unvollkommenheiten Sie haben, wird viel weniger ausgeprägt sein. Wenn Sie mit einer Stiftfeder oder einem Pinsel arbeiten, wird ein scharfer Winkel zwischen Stift und Papier dazu beitragen, die Tinte besser zu fließen und Ihnen eine glattere und flüssigere Linienarbeit zu geben. Üben Sie Ihre Handbewegungen, indem Sie schnelle Skizzen von einfachen strukturierten Objekten, einer Ananas, einer Blume oder einem kleinen Auto erstellen. bei dieser Übung zuerst über Ihre Handbewegungen nach, Denken Siebei dieser Übung zuerst über Ihre Handbewegungen nach,bevor Sie sich sogar die Mühe machen, die Sie auf dem Papier machen. Jetzt, da wir wissen, wie man sitzt und wie man sich bewegt, sprechen wir über die Reihenfolge des Farbprozesses. Wenn Sie Linienarbeit erstellen, möchten Sie mit den primären Linien beginnen und von einer Seite des Bildes zur anderen arbeiten. Die meisten Künstler erzielen die besten Ergebnisse, indem sie in Richtung ihrer dominanten Hand färben. Wenn Sie Rechtshänder sind, beginnen Sie auf der linken Seite der Seite und verlinken nach rechts und umgekehrt, wenn Sie Linkshänder Künstler sind. Wenn Sie mit traditioneller Tinte arbeiten, wird dieser Prozess verhindern, dass Sie den Rand Ihrer Hand über frische eingefärbte Linien laufen und wischige Markierungen machen. Ich denke, dass es wichtig ist, diese primären Linien zu beginnen , weil dadurch sichergestellt wird , dass diese wichtigen Elemente Ihrer Zeichnung richtig hervorgehoben werden. Nachdem Sie daran gearbeitet haben, bewegen Sie sich nach innen zu kleineren Details und Elementen des Hintergrunds. Wenn Sie ein Gefühl für Ihre Linienarbeit entwickeln, sollten Sie es nicht als Nachverfolgung über Markierungen betrachten, die Sie bereits gemacht haben. Stellen Sie sich vor, Sie zeichnen das Ganze noch einmal, diesmal mit mehr Selbstvertrauen und Gefühl dafür, wo das fertige Bild enden wird. Sie werden feststellen, dass meine Tintenlinien nicht direkt auf meiner Skizze sitzen. Wenn Sie es schwierig finden, eine glatte Tintenlinie zu erhalten , obwohl Sie von Ihrem Arm aus arbeiten, kann es helfen, das Papier zu drehen, anstatt den Arm zu verdrehen, um zu versuchen, Tinte aus einer anderen Richtung. Versuchen Sie immer, das endgültige Bild im Auge zu behalten, wenn Sie die Freihandzeichnung verwenden. ein klares Ziel haben, werden Sie tatsächlich fokussierter und in der Lage sein, schneller und sicherer zu arbeiten, und das endgültige Bild fühlt sich einheitlicher an. Sobald Sie Ihre primären Linien und einige Ihrer Details und Hintergründe eingefärbt haben, ist es an der Zeit, ein Gefühl der Form in Ihrer Tinte zu erzeugen. Um in Form zu gelangen, suchen Sie zunächst nach Orten, an denen Ihre Linienarbeit möglicherweise bearbeitet werden muss. Also, besessen Sie nicht, eine Linie zu reparieren, die Hälfte der Zeit, die Sie am Ende nur noch schlimmer machen. Wenn Sie einige Schlüssellinien haben, die verdickt oder geglättet werden müssen , ist dies die Zeit, dies zu tun. Das Konzept der Form beim Freigeben offenbart sich durch Linien, die an Stellen eines Objekts dünn bleiben , die dem Licht zugewandt sind, und Linien, die dicker sind, und Orte, an denen ein Objekt in Schatten geworfen würde. Persönlich schränke ich die Formregeln auf die Hauptthemen eines Panels ein. Ich lasse meine Hintergründe oft ein wenig flach, so dass sie nicht zu sehr ins Auge ziehen. Sie möchten den Kontrast im Schatten während des Freihandens gut nutzen. Sie werden die Kanten um ein Objekt ausfüllen, um einen Kontrast zu erzielen. Der Kontrast in Ihrem Bild wird offenbart, während Sie Ihren Formsinn entwickeln. Es macht Spaß, mit der Art und Weise zu spielen, wie Licht in Ihrem Farbstil dargestellt wird. Wenn Sie nun tiefe dunkle Schatten erzeugen, vergessen Sie nicht, ein wenig Randlicht unter diesen tiefen Schatten zu lassen. So halten Sie Ihre Objekte davor, sich an dunklen Orten zu verlieren. Sobald Sie das Formular mit Ihrer Freihandlinie impliziert haben, können Sie sich auf das Hinzufügen von Texturen konzentrieren. Textur geht es darum, kleinere Details und Verzierungen zu bringen, die der Form mit dem Objekt Raum geben und der Umwelt ein Element des Realismus verleihen. Textur basiert auf einer Technik namens Schraffur, die wirklich nur eine Reihe von dünnen parallelen Linien nahe beieinander zieht. Kreuzschraffur ist eine Variation dieser Technik, bei der wir Schraffurlinien übereinander verwenden, um ein rasterähnliches Muster zu erstellen. Stippling ist eine weitere Variante der Schraffur, aber anstelle von Linien verwenden Sie eng gruppierte Punkte. Textur wird Ihrem Publikum Hinweise geben, wie sich die Welt, die Sie erschaffen haben, anfühlt. Eine kleine Textur geht entlang, zum Beispiel, man kann einfach eine Textur implizieren, sagen wir, ich schaffe eine Wüste, ich muss nicht die ganze Landschaft streicheln. Ich kann einfach Punkte auf der Oberfläche verteilen, um die Textur des Sandes zu implizieren. Sie wollen nicht zu verrückt werden, indem Sie Texturelemente zu Ihren Szenen hinzufügen. Wenn Sie es übertreiben, wird Ihre Tinte chaotisch aussehen und schlimmer als das, es wird unfokussiert sein und die visuelle Erzählung Ihrer Geschichte verwirren. Ein Gefühl für Ton ist der Höhepunkt all dieser verschiedenen Fähigkeiten, die zusammen arbeiten. Es ist die allgemeine Qualität Ihrer Tinte. Sie vermittelt Charakter und Haltung und wird zu einem der bemerkenswerteren Aspekte Ihrer Comickunst. Lassen Sie uns einen Stift in eine Diskussion des visuellen Stils setzen, bis wir mehr mit dem Prozess der Freihandeingabe im eigentlichen Panel vertraut sind. 12. Kurseinheit: So kolorierst du ein Panel: Der Vorgang der Freihandeingabe in einem Bedienfeld beginnt mit der Auswertung der Skizze. Hier bekommt der Künstler ein Gefühl dafür, was sein Panel erreichen muss. Die primäre Funktion des Freihandens ist die visuelle Klarheit. Ihr endgültiges Bild muss auf einen kurzen Blick sinnvoll sein. Wenn das aufgrund der Skizze unmöglich erscheint, ist es an der Zeit, zum Bleistift zurückzukehren. Sie sind noch nicht bereit, Tinte zu machen, aber wenn Sie eine klare Komposition in Ihrer Skizze haben, sind Sie bereit zu Tinten. Jetzt sind die Stufen der Tinte meine persönliche Präferenz. Sie können sie mischen und kombinieren, wie Sie möchten, aber das ist die Reihenfolge, die ich bevorzuge. Ich tusche immer zuerst meine Frames. Wenn Sie sich noch mit der Schreibfeder oder dem Rundpinsel vertraut machen müssen, möchten Sie Ihre Rahmen wie ein großes Mikron mit dem technischen Zeichenstift eintuschen. Ich bevorzuge die Größe 08, und vielleicht sogar versuchen Sie ein Lineal, wenn Sie keine stabile Hand haben. Einige Comic-Künstler benutzen kein Lineal. Der freie Hand-Ansatz gibt einen Rahmencharakter und kann ihn als integraler Bestandteil der Erzählung erscheinen lassen, aber die meisten Comic-Künstler wollen nicht auf den Rahmen aufmerksam machen. Ein Lineal- oder Diagonallinienwerkzeug, wenn Sie digital arbeiten, ist der richtige Weg. Die meisten Zeichenprogramme haben eine Verknüpfung, um eine gerade Linie zu zeichnen, wie Shift gedrückt halten. Google einfach, wie man eine gerade Linie und die Software zeichnet , die Sie verwenden, und Sie sollten einige gute Vorschläge bekommen. Sobald Sie Ihre Panelrahmen eingefärbt haben, möchten Sie die Umrisse der Hauptthemen des Panels erstellen. Dazu gehören die Hauptfiguren Ihrer Erzählung, möglicherweise einige Requisiten, mit denen sie sich beschäftigen, und möglicherweise Elemente der Einstellung, die sie umgeben. Während ich die Umrisse meiner Charaktere feststelle, arbeite ich mit einem breiteren Stiftstift Stil Digitalpinsel. Für einen Vergleich würde ich sagen, meine Linienbreite liegt zwischen 3,5 Viertel der Breite der Paneellinien. Ich finde es eine wirklich angenehme Herausforderung, die Umrisse meiner Charaktere zu definieren. Dadurch fühle ich mich sicherer in meinen Ideen. Tinte ist ein großer Teil der Persönlichkeit Ihrer Comics und Ihres Storytelling. Sie möchten also selbstbewusst sein, was Sie tun, damit sich Ihre Leser sicher fühlen. Ich versuche, diese erste Stufe der Tinte nicht zu übertreiben, und ich höre immer auf, wenn ich mich wie die Themen des Panel-Pop fühle. Von dort, skaliere ich nach unten, um mich mit den Details zu befassen. Ich beginne mit der Adressierung aller Details in den Charakteren Kleidung und Körper. Dies könnte Falten in den Stoffen, Textur im Haar sein. Dann gehe ich weiter zu Requisiten und die Elemente, die den Charakter umgeben, könnenden Möbeln und einigenanderen Elementen hinzufügen den Möbeln und einigen , die die Umgebung, in der sich dieser Charakter befindet. Um Form in meine Linienarbeit zu bringen, denke ich an Lichtquellen und wie sich der Winkel des Lichts auswirkt, die Themen meines Gesehenen. Wenn du meine Klassenillustration nach Design gesehen hättest, wüsstest du, dass ich sehr von der rauchigen und schlangenartigen Linienart der Jugendstilbewegung beeinflusst bin. Ich versuche immer zu arbeiten, die in die Schatten meiner Comics schauen. Es ist eine Technik, die ich benutze, um die Realität meiner Charaktere Welt zu nehmen und es ein wenig surreal zu machen. Als Geschichtenerzähler, der in Fantasy in Science-Fiction arbeitet, nutze ich diese Technik, um die Realität meiner Charakterwelten ein wenig surreal zu machen . Heutzutage mache ich nicht viel Schraffur mit meinen Comics, aber wenn du ein schwarz-weißes Panel kreierst, kann das Schraffieren dir wirklich helfen, bestimmte Aspekte des Geschichtenerzählens zu definieren. Lassen Sie uns die Einschränkung für uns selbst festlegen, dass wir jede Farbe in diesem Projekt verwenden können. Schlüpfen muss uns helfen, Dinge in der Landschaft hervorzurufen, zum Beispiel Gras, Sand oder Holzmaserung. Als Farben so emotional, müssen wir Schraffuren verwenden, um zu versuchen, die gleichen Arten von Emotionen hervorzurufen. Erstellen eines Motivs Linien um einen Charakter, um ihre Energieniveau zu zeigen. Sogar wie wir unsere Umgebungen eintauschen, kann dazu beitragen, das emotionale Gefühl der Geschichte zu etablieren. Wir können Schraffurtechniken verwenden, um ein strukturelles Gleichgewicht und die steigende Linie zu schaffen , um ein kühles kommendes Gefühl zu geben, und wir können dasselbe mit Baumaterialien wie dem Abstellgleis auf einer Struktur tun. Wenn es heutzutage um Schriftzüge geht, arbeite ich oft mit den Schriftarten, nur um Zeit zu sparen obwohl ich es oft lieber von Hand machen würde. Ich versuche, sehr spezifisch über die Schriftarten zu sein, die ich wähle und wie sie auf den Farbstil der Projekte reflektieren. Zum Beispiel, in diesem Sci-Fi-Comic der mittleren Klasse , der einen wirklich verspielten, glatten Farbstil hat , verwende ich die Schrift, die sequentielle Liste genannt wird. Aber bei einem älteren Projekt wie meinen Comic-Hexenknoten, das mit einer dreckigen Schreibfeder gemacht wurde, habe ich meine eigene Schrift erstellt, weil ich nicht wirklich etwas finden konnte, das dem Projekt passte. Sie können sehen, die Schriftarten haben einen grittigeren Stiftfeder Blick darauf. Ihre Herangehensweise an Comic Storytelling wird Ihnen helfen, zu entscheiden, ob Sie eine Schriftart verwenden oder von Hand Tinte verwenden möchten. Idealerweise würde ich den Schriftzug meines neuen Projekts gerne von Hand machen, aber es ist ein enormes Engagement vor allem für jemanden, der gerne bis zur letzten Minute seinen Dialog überarbeitet. Wenn Sie einen Brief oder einen Comic verwenden möchten, stellen Sie sicher, dass Ihr Schriftzug so klar ist wie Ihr visueller Text. Erstellen Sie zwei Richtlinien mit einer Basis und Höhe, die Ihren Buchstaben dazwischen passen. Einige Künstler bevorzugen einen kursiveren Comic-Stil, um ein Gefühl von Bewegung zu schaffen, aber andere Künstler bevorzugen einen nicht betroffenen Text, steifer und klarer auf der Seite sitzt. Wenn es um Schriftzüge geht, es die Entscheidungen, die nicht auffallen, die am besten für das Projekt geeignet sind. Um diese Lektion zum Freigeben abzuschließen, werde ich nur sagen, dass Tinten sehr wichtig ist. Es ist eines der Dinge, die unterscheidet, wie der Leser auf Ihr Geschichtenerzählen reagiert. Der beste Weg, um gut im Tinten zu werden, ist es, sich Zeit zu nehmen , sich auf jede der Phasen Ihrer Praxis zu konzentrieren. Nun, der zweitbeste Weg, um gut im Tinten zu werden, ist, zu schauen, wie andere Comic-Künstler es tun und versuchen, von ihrem Erfolg zu lernen. Im nächsten Kapitel werde ich einige meiner Lieblingsfarben mit Ihnen teilen. 13. Kurseinheit: Beispiele von Kolorierung, Teil 1: Für den zufälligen Beobachter ist die Technik fast unsichtbar. Wenn Sie zum Beispiel einen Comic lesen, denken Sie nicht immer über den Freihandstil nach. Das ist das Gleiche für den lässigen Kinobesucher. Wenn Sie da sind, um unterhalten zu werden, denken Sie nicht an das Objektiv, das der Regisseur in einem bestimmten Schuss verwendet. Ein Teil von dem, was Comic-Künstler macht, ist das Lernen, die ansonsten unsichtbaren Aspekte eines Comics und seiner Elemente zu sehen . Wir können dies tun, indem wir die Absicht sezieren und die Auswirkungen der Arbeit eines Comic-Künstlers analysieren. Die Art und Weise, wie ein Comickünstler seine Tinte verwendet, enthüllt für mich Aspekte von Realismus, Ikonographie und Abstraktion in ihrem Storytelling und es gibt unendliche Möglichkeiten, diese Ästhetik zu mischen und anzupassen. Um Ihnen eine Vorstellung davon zu geben, wovon ich hier rede, ist eine Illustration von David Muschalik. Er hat 16 Versionen eines Apfels verlinkt und indem er sie alle nebeneinander setzt, macht er es leicht, die Rolle zu sehen, die er in der Comic-Erzählung spielen kann. Auf technischer Ebene vermittelt der Künstler mit Tinte ein Gefühl von Licht Apfel reflektiert und absorbiert wird. Lichteffekte geben einen Objektkontext innerhalb der Welt und Umgebung der Geschichte und können auch verwendet werden, um Textur im Apfel zu vermitteln, die einen Ton für die Stimme der Erzählung geben kann. Es könnte einfach und charmant sein, es könnte grob und abrupt sein. Es könnte geheimnisvoll und holzig sein, saubere und glatte Tinten lesen klarer und einfacher. Sie eignen sich gut für leichteres Geschichtenerzählen. Rauhere Tinten und trockene Pinseleffekte erinnern an eine malerischere Herangehensweise und können in impressionistischeren oder emotionalen Storytelling verwendet werden . Werfen wir einen Blick auf diese Elemente des Tintenstils und die Arbeit einiger meiner Lieblings-Comic-Künstler. Wir fangen mit Calvin und Hobbes von Bill Watterson an. Dies ist mein aller Zeiten Lieblings-Comic-Strip und wenn Sie ein Fan von Comics sind, ist dieser wahrscheinlich genau da oben für Sie als auch. Jetzt habe ich mir jeden einzelnen Calvin und Hobbes Comic-Strip wohl eine Million Mal angesehen. Also natürlich, Mr. Watterson Farbtechniken sind die ersten, denen ich wirklich kritisiert wurde und ich meine nicht, dass ich über seinen Stil urteile, es bedeutet, dass ich nur aufmerksam auf seine Herangehensweise bin. In den 90er Jahren arbeitete Watterson mit einer Feder, einem Kalligraphie-Stift und schwarzer Tinte. Ziemlich unkompliziertes Zeug für Comic-Strips. Seine Linien sind sauber und einfach, aber man sieht ein wenig von der rauen Kante, wo die Feder in die Borstenplatte schneidet und die Tinte nur ein wenig blutet. Die Textur der Tinte, die sich mit Papier auseinandersetzt, ist ein großer Teil der Watterson-Technik. Es ist nur ein bisschen schlampig. Jetzt habe ich diesen ganzen Sunday Comic-Strip ausgewählt, um Ihnen zu zeigen , wie sein Farbstil Teil der Erzählung ist. Schau dir an, wie Calvins Realität flach und einfach ist. Der Stuhl hat sehr wenig Textur, ebenso wie die Haut und die Kleidung seines Vaters. Sogar die Lampe und der Hintergrund sehen einfach wie ein Trapez flach an der Wand aus. Simple Line Art ist eine ziemlich konventionelle Technik für Comic-Künstler, da sie in jeder Woche bis zu sieben Streifen machen mussten, spart Einfachheit Zeit. Aber einer der Gründe, warum Wattersons Tinte so einprägsam ist, ist die Art und Weise, wie er Calvins Phantasie arbeitet . Im Laufe dieser Geschichte werden die Elemente in der Umgebung repräsentativ für Calvins Phantasie. Schauen Sie sich an, wie die Tinte detaillierter wird. Die Falten auf dem Körper des fremden Papas, das Gemälde an der Wand wird sehr spezifisch, Präparation Alien-Kopf mit allen Arten von Falten um seine Augen und Mund. In Panel 4 sehen wir Haartextur auf dem Mama Monster im Vordergrund und einige Schatten und dann bewegen wir uns nach unten zum Ende der Seite und öffnen sich in diese schöne Aussicht auf eine Landschaft mit allen felsigen Texturen, Vordergrund, Mittelgrund und Hintergrund. Sie können sehen, wie Wattersons sich im Farbstil ändert, ist eine ständige Erinnerung durch den Comic, dass wir Calvins Sicht sehen. Diese subtilen Veränderungen in Wattersons Farbstil sind nur eine wortlose Erinnerung daran, dass der Comic, den wir lesen, durch die Sicht eines jungen Jungen mit einer sehr lebendigen Phantasie ist . In der Tat, eine Phantasie, das ist realer als seine Realität. Ziemlich cool. 14. Kurseinheit: Beispiele von Kolorierung, Teil 2: Ein guter Weg, um herauszufinden, mit welchen Werkzeugen ein Inker arbeitet, ist, sich die Rahmen ihres Comics anzusehen. Das ist Walt Kellys Pogo. Sie können sehen, die fließenden Linien dieser Rahmen deuten darauf hin, dass Mr. Kelly mit einer dünnen Rundbürste gearbeitet hat. Eine Kalligraphiefeder, wie Wasser in gebrauchten, würde ein etwas steiferes Aussehen haben und ein technischer Zeichenstift würde nicht schwanken in der Linienstärke. Walt Kellys Pogo-Comics liefen von etwa 1949 bis 1975 in Zeitungen. Er hatte sicherlich einen Einfluss auf unzählige kommende Comic-Künstler, Illustratoren und Animatoren und es würde Sie wahrscheinlich nicht überraschen , dass er sogar in den Walt Disney Studios arbeiten musste. Trotz seiner jahrzehntelangen erstaunlichen Comic-Arbeit bei der Erstellung von Hunderten von entzückenden Charakteren ist Walt Kellys wichtigstes Erbe der Eindruck, den er auf einen jungen Karikaturisten namens Jeff Smith hinterlassen hat. Jeff Smith wuchs auf, um das Comicbuch „Bone“ zu kreieren. Wie Kelly verließ Jeff Smith die Animation, um seine Erzählung durch unabhängige Comics zu verfolgen, und er erfand eigenhändig das Genre der Fantasy-Graphic-Romane der mittleren Klasse. Wenn du Bone noch nicht gelesen hast, worauf wartest du dann? Es ist im Grunde der Herr der Ringe der Graphic Romane für Kinder. Aber hey, ich bin mit Bone aufgewachsen, also bin ich vielleicht etwas voreingenommen. Zurück zur Lektion. Es ist offensichtlich, dass die DNA von Walt Kellys Farbstil durch Jeff Smiths Kunst fließt. Wie Waterson benutzte Smith Tinte, um seine Erzählungen zu verbessern. Die Knochen Cousins in der Geschichte sind mit sauberen, langen Pinselstrichen im Animationsstil eingefärbt . Die Charaktere sehen aus, als wären sie aus einer Karikatur in die Welt der Geschichte gegangen. Demgegenüber fühlen sich die Umgebung der Graphic Novel Serie, die menschlichen Charaktere, die anderen Monster und die menschlichen Charaktere, die anderen Monster und die Hauptschurken alle realistischer in ihren Tuschtexturen. Es gibt mehr Körperlichkeit für sie. Mr. Smith verwendet seinen Farbstil, um die Einsätze der Geschichte zu zeigen. Die Todesdrohung, die Emotionalität der Erzählung, trifft die menschlichen Charaktere viel härter als die Knochen Cousins. Jetzt sind die Knocheneinsätze nicht ganz so hoch wie in einem Comic wie Akira. Der postapokalyptische Manga aus den 1980er Jahren geschrieben und illustriert von Katsuhiro Otomo. Otomos Farbstil hebt den Realismus auf ein reiferes Niveau. Auf den ersten Blick kann man sagen, dass dies nicht unbedingt ein Comic für Kinder ist. Wir können Texturen in der Tinte sehen, den Dreck der halb zerstörten Welt. Wir können Blut und Schweiß sehen. Der Farbstil in Akira und eine Menge Genre-Manga, der ihm folgte, ist sehr dynamisch, was eine breitere Palette von Werkzeugen erfordert. Sie haben die Wady, Fließfähigkeit des Pinsels in den organischeren Formen, wie die Charaktere Körper. Aber Manga-Künstler liebte es wirklich, in der Umgebung zu frönen. Es gibt viele technische Zeichenstifte im Einsatz, die ein perfektes Werkzeug für die Förderung von geraden Linien sind, die in Dingen wie diesem Gitter in der Decke montiert erscheinen. Auch das dynamische Gefühl von Manga wird durch viele Bewegungslinien wirklich dicht zusammengepackt vermittelt. Technische Stifte eignen sich perfekt für Action-Szenen wie diese. Tinte ist darauf angewiesen, alle Materialien und Texturen darzustellen. Textur zu vermitteln, ist eine entscheidende visuelle Storytelling-Technik für den Comic-Künstler. Denken Sie darüber nach, was diese Zeichnung uns über diese beiden Charaktere erzählt, nur nebenbei, die beiden Hände werden eingefärbt. Lynda Barrys Comics haben eine eigene Sensibilität. Seit den späten 1970er Jahren veröffentlicht sie Sammlungen von Offbeats Geschichten über Datierung, Erwachsenenalter, Künstlerin und Leben im Allgemeinen. Dieser Comic stammt aus einer Sammlung von Werken aus dem Jahr 1981. Ihre Arbeit wird vermutlich am besten als journalistische Untersuchungen menschlicher Verhaltensweisen beschrieben. Ohne jede Konsistenz von Charakter oder Geschichte. Barrys Comics spiegeln ihre Persönlichkeit und ihren Standpunkt auf einer sehr einfachen, energetischen Ebene wider. Ihre Tinten sind spielerisch, abstrakt und grafisch. Es scheint, als ob sie mit einem einzigen technischen Stift arbeitet und einfach über Linien zurückgeht, um sie dicker zu machen. Es ist beabsichtigt, dass sich die Energie unserer Tinte fast überstürzt anfühlt. Als hätte sie sich einfach auf eine Parkbank gesetzt und diesen Comic in ein paar Minuten ausgepeitscht. Sie sollen das Gefühl haben, dass die Ideen schnell fließen, so schnell sie sich vorstellen kann. Aber wenn man näher hinschaut, setzt sie immer noch eine erstaunliche Menge an Zeit und Mühe , um verschiedene Aspekte dieser Welt zu etablieren. Sehen Sie sich die Muster und Texturen auf jeder Oberfläche und jedem Objekt in ihrem Panel an. Der Farbstil bewegt sich schnell, aber Sie können auch verweilen und sich die Details ihres Weltgebäudes ansehen. Ich wuchs auf, um Frau Barrys Arbeit als Künstlerin und noch mehr als Lehrerin zu lieben und zu bewundern . Aber ich muss zugeben, als ich zum ersten Mal auf ihren Farbstil traf, als ich etwa 15 Jahre alt war, war es eine Abschaltung. Denken Sie daran, dass ich meine Jugend damit verbracht hatte Knochenkomicbücher anzusehen und sie obsessiv zu lesen und darauf zu warten, dass die nächste Ausgabe herauskam. In meinem Kopf erwartete ich, dass Comics sich sauber und professionell fühlen. Lynda Barrys Arbeit hatte überall Farbflecken und ihr Schriftzug war wild widersprüchlich. Es machte es sogar schwer zu lesen. Sie sollten sich fragen, ob sie wollte, dass Sie es überhaupt lesen. Das ist kein Urteil über ihren Stil oder Ansatz. Ich versuche hier nur darauf hinzuweisen, dass unsere Reaktion auf Tinte und Technik sehr emotional ist und wir erwarten bestimmte Dinge basierend auf unserer Erfahrung. Es gibt keinen richtigen oder falschen Weg, um einen Comic zu drucken. Aber ich denke, es ist wichtig zu verstehen, wer dein Stil anspricht. Unsere erste Reaktion darauf, einen Comic zu sehen, kommt von der Art, wie er aussieht. Das erste, was wir sehen, ist die Tinte. Stilistische Entscheidungen beeinflussen Ihr Storytelling auf mehr Weise, als Sie denken. Wenn Sie nun mehr über den Freihandstil erfahren möchten, speziell in der Buchillustration, habe ich eine ganze Klasse, die dem Thema gewidmet ist. Geh, sieh dir das später an. Aber im Moment werden wir weitermachen. An dieser Stelle haben wir den Fluss von Comic-Panels diskutiert und wie man sie eintönt. Als Nächstes werden wir über die Geschichten sprechen, die Comics erzählen können. 15. Kurseinheit: Genre verstehen, Teil 1: Manche Leute betrachten ein Comicbuch als ein ganzes Genre, aber das ist es nicht. Comics ist ein Medium zum Storytelling, genau wie beim Schreiben oder Filmen. Innerhalb des Mediums von Comics können wir alle Arten von Geschichten in allen Arten von Genres erzählen. Wenn wir einen wirklich breiten Überblick über Genre nehmen, können Sie Comics in zwei verschiedenen Kategorien setzen. Anfänger-Leser und erfahrene Leser. Anfänger-Comics bedeutet oft kinderfreundlich. Es sind Comics, die Elemente des Panels verwenden, um einem jungen oder naiven Protagonisten Standpunkt zu folgen . Sie erforschen vertraute Themen wie persönliche Identität, Freundschaft, enge Familie, Mut, Zerquetschen und wachsende Schmerzen. Anfänger-Comics verwenden einen actionbasierten Ansatz für Panel-Übergänge, halten die Charaktere in Gesprächen leicht zu folgen, den Lauf der Zeit klar in linearer und Charakterentwicklung extern. Erfahrene Leser brauchen mehr aus ihren Comics. In diesem Fall werden die Elemente des Panels verwendet, um reifen, oft älteren Protagonisten, Charakteren mit viel mehr Gepäck und komplexeren Identitätssinn zu folgen oft älteren Protagonisten, Charakteren mit . Themen könnten Macht und Korruption, Vorurteile, kulturelle Dynamik, Romantik und Technologie umfassen. Ein Buch, das für einen erfahrenen Leser entwickelt wurde, kann die Nuancen von symbolischen und Aspekt-zu-Aspect-Übergängen nutzen . Diese Dinge engagieren sich mit einem erfahrenen Leser auf einem tieferen und befriedigenderen Niveau als ein Anfänger Comic. Innerhalb von Unterscheidungen von Sichtweise und thematischen Inhalten, könnten wir Genre in eine Million weitere Kategorien aufteilen, aber gehen wir mit sieben für jetzt. Gag Comic, Manga-Comic, Comic-Adaption, Memoir-Comic, Superhelden-Comic, das historische Stück und dramatische Fiktion. Ich habe diese spezifischen Begriffe ausgewählt, um Erzählformen zu diskutieren, die aus den Werken der besten Comic-Künstler der Geschichte entstanden sind. Genres wie Gag Comic und Manga-Comics sind einzigartig in der Kunstform von Comics, aber andere Begriffe wie Memoiren in Periodenstück sind bereits durch literarische Traditionen etabliert, aber sie wurden durch die Einbeziehung von Comics in ihrem Genre. Der Kurzform Gag Comic ist Comic Arts inhärent. Wenn Sie in Amerika aufgewachsen sind, lesen Sie wahrscheinlich einige Garfield- oder Peanuts-Comics als Kind. Sie sind sehr beliebt und leicht zu folgen. Einer der legendären Gag Comics aus den 1930er Jahren, Nancy, kreiert von Ernie Bushmiller, wurde kürzlich von einer jungen Karikaturistin namens Olivia James übernommen. Nancy war schon immer ein formelloser, aber oft brillanter Comic-Strip über dumme Ironien und seltsame Begegnungen. Miss James hat die ewig achtjährige Nancy in ein Spiegelbild des modernen Daseins verwandelt. Der Knebelstreifen ist die kürzeste Form von Comic-Erzählungen, also lasst uns ihn mehr auf eine grafische neuartige Länge ausdehnen. Die Industrie der japanischen Manga ist riesig und vielfältig. Es erforscht alle möglichen Ecken und Winkel des Genres. Aus Gründen der Diskussion, lassen Sie uns das Genre auf die Art und Weise, wie viele Menschen, um es so lange Form Fantasy-Abenteuer Geschichten über junge Helden eingeführt , und einer der beliebtesten Mangas ist Dragon Ball, ein serialisierte Geschichte von Akira Toyama. Die Originalserie lief von 1984 bis 1985. Es verbindet übernatürliche Action mit Kampfkünsten und wir folgen einer Hauptfigur namens Son Goku. Son ist auf der Suche nach den sieben legendären und wünschensgebenden Drachenbällen. Das Franchise von Dragon Ball und Dragon Ballsy, das Follow-up, ist episch und es erstreckt sich über 40 Bände an dieser Stelle, mit allen Arten von Ablegern, um neue Generationen von Fans zu bringen. Die Manga-Industrie konzentriert sich auf junge Leser und gibt ihnen einen ersten tiefen Einstieg in Charakterkünste, die von einem reichen Weltaufbau angetrieben werden. Du kennst wahrscheinlich einen 12-Jährigen, der über Manga fanatisch war, und aus gutem Grund geht es um Kinder. Kinder leben unabhängig mit fantastischen unaufhaltsamen Kräften. Das Weltgebäude des Draging-Balls ist dicht und die Gefahr ist real. Zumindest real für eine Cartoon-Welt, und es ist sehr in Ihrem Gesicht, Emotionen laufen hoch und die Einsätze fühlen sich oft lebensbedrohlich. Manga kann manchmal cartoonisch und albern erscheinen, aber es deckt so viele Basisnarrative ab, mit denen wir uns als Kinder beschäftigen, und im Gegensatz zu einigen Formen der Kinderunterhaltung spricht Manga nicht bis zu seinem Publikum. Superhelden-Geschichten sind heutzutage eine ziemlich große Sache in allen Formen der Unterhaltung, und die dominierende Vision von dem, was eine Superhelden-Geschichte ist, und die Charaktere, die diese Welt besetzen, begann mit einem Comic-Künstler namens Jack Kirby, , die in der Mitte der 1930er Jahre begann zu arbeiten. Sein visueller Stil ist super ausgeprägt. Es kann an dem sauberen, gemeißelten Aussehen des männlichen Helden erkannt werden. Die einfachen, aber unterscheidbaren Designs der ikonischen Charakter Kostüme, und es gibt erstaunliche Verwendung von schwarzen Schatten, um das Auge um seine geschäftigen und energischen Platten zu führen . Mr. Kirbys Erzählstil ist rasant. Er macht viel Action zu Action-Übergängen mit Charakteren, die erstaunliche Fähigkeiten der Macht und Stärke zeigen, nicht anders als Manga und so viele Aspekte des Superhelden-Genres kommen aus Mr. Kirbys Arbeit. Er begann in den 30er Jahren, aber in den 60er und 70er Jahren expandierten seine Geschichten über die Grenzen von Orten wie Erde hinaus. Seine Geschichten nahmen episch in intergalaktischen Skalen und mit diesen Erzählungen kam das Bedürfnis nach neuen Aspekten des Farbstils in Comics. Außerirdische Umgebungen und exotische Energie-Bursts brauchten ihren eigenen visuellen Stil. Superhelden-Comics, bewegen Sie sich schnell. Sie decken große Lücken in Zeit und Raum, ohne ein Auge zu blinken, und dass Format und Tempo ist etwas, was Leser erwartet haben. Ihre Geschichten mit viel Charaktergeschichte und sie können es sich nicht leisten, Dinge zweideutig zu lassen, aus Angst, ihre Leserschaft zu verlieren. Ob es dir gefällt oder nicht, du erhältst viele klobige Gedankenblasen und Exposition, die die Erzählung verlangsamen, aber auch die Dinge sehr deutlich machen können . Betrachten wir nun literarische Anpassungen in Comics. Wenn es um Comics geht, die einen klassischen Roman anpassen, werden die besten immer aus Liebe zum Ausgangsmaterial gemacht und das ist definitiv der Fall mit Hoffnung Larsons Anpassung einer Falten in der Zeit von 2012. Ich persönlich war ein langjähriger Fan von Miss Larsons Arbeit. Ich kenne ihr Zeug von hinten, als sie ihre eigenen kleinen Independent-Comics gemacht hat. Sie behält immer das Gefühl der Ruhe in ihrer flüssigen, bürstigen Anfrage, und ich liebe ihre Verwendung von schweren dunklen Räumen. Es ist wirklich die perfekte Passform für den Ton und den Welt-Aufbau einer Falten in der Zeit. Dies ist eine Geschichte über Kinder, die durch Zeit und Raum reisen , um den Vater ihres Wissenschaftlers zu finden. Es ist eine Fantasy-Geschichte, aber es ist auch eine Geschichte, die von einigen kniffligen mathematischen Themen abhängt. Der klare grafische Stil von Miss Larsons Tinte bringt Klarheit zu einigen dieser verblüffenden Ideen wie zweidimensionalen Planeten. Es würde mich nicht überraschen, wenn die Mittelschulklassen anstelle des Originaltextes den Graphic Novel verwenden würden. Es ist ansprechender für Studenten auf allen Lesebenen, was zu mehr Diskussionen und wahrscheinlich eine Verfolgung des ursprünglichen Quellenmaterials bringt . Es ist ein Win-Win-Win-für alle. GoComics. Lasst uns für eine Sekunde atmen, bevor wir in das nächste Kapitel springen. 16. Kurseinheit: Genre verstehen, Teil 2: Weiter zum nächsten Genre. Schauen wir uns das Periodenstück an. Es ist ein ziemlich beiläufiger Begriff, aber ich meine wirklich nur Sachbücher oder Biografie, die an einer bestimmten Zeit und einem bestimmten Ort festgelegt und normalerweise einer Art historischer Note in unserer Kultur folgt. Das 2015 Vincent by Barbara Stok befindet sich in Südfrankreich in den späten 1800er Jahren. Offensichtlich folgt es der Geschichte von Vincent van Gogh, mit einer angenehmen Einfachheit in seinem Farbstil. Es teilt den Kampf eines weit weg von berühmten Vincent, weiterhin die Möglichkeiten von Farbe und Licht durch seine Malerei zu erkunden, während leiden Nervenzusammenbrüche und Krampfanfälle und eine Welt von Menschen, die nicht verstehen, seine Mission, um das Alltägliche in etwas Lebendiges zu verwandeln. Der illustrative Aspekt des Comic-Mediums ist perfekt für diese Art von Geschichten geeignet. Die Einfachheit von Stoks Tinte lässt diese Geschichten zeigen, anstatt zu erzählen. Dieser Farbstil erinnert wahrscheinlich an das Aussehen des Gag-Comics, der wirklich gut für die Barrierefreiheit funktioniert. Denn die Stimmung wird sofort aufgehellt, nur durch die Tinte und Charakterdesign. Junge Menschen können sich mit dieser interessanten Geschichte von einem Moment in der Geschichte beschäftigen, für den sie sonst keinen Bezugspunkt hätten. Als Nächstes schauen wir uns grafische Memoiren an. Es ist ein sehr beliebtes Breakout-Genre in diesen Tagen. Memoir war einst die Domäne des erfahrenen Schriftstellers, aber grafische Memoiren öffnen dieses Genre einer viel vielfältigeren Palette von Geschichtenerzählern. Im Kern vermittelt grafische Memoiren persönliche Erzählungen durch stilistische Tropen der Comickunst. Es gibt grafische Memoiren über das Erwachsenenalter wie RX 2018 von Rachel Lindsay. Miss Lindsays Kunststil basiert auf der dünnen, wackeligen Linienkunst von Zeitungscomics. In der Tat macht sie zum Zeitpunkt der Aufnahme einen wöchentlichen Comic-Strip für ihre lokale alternative Zeitung in Vermont, USA. Das macht ihre Charaktere zugänglich und einfühlsam direkt von der Fledermaus. Aber RX geht tiefer als ihre üblichen wöchentlichen Comic-Strips. Es ist sehr persönlich. Lindsay nutzt ihren cartoonischen Humor, um ihre Kämpfe zu teilen, um Stabilität mit bipolaren Erkrankungen zu erhalten. Alles während einer Corporate Job als Grafiker für ein Pharmaunternehmen. Es gibt grafische Memoiren darüber, ein Kind zu sein. Eines der beliebtesten ist das 2010 Smile by Raina Telgemeier. In Smile teilt Miss Telgemeier ihre Erfahrungen mit einem Mittelschultrauma, nachdem sie ihre beiden Frontzähne schwer verletzt hat. Der Comic nimmt dich mit auf eine Reise durch Selbstbewusstsein und Verlegenheit, denn die kleine Raina geht von der Operation über die Zahnspange zum Kopfrad und endet sogar mit falschen Zähnen. Die soziale Dynamik, die in dem Buch behandelt wird, ist sehr verwandt mit einem Mittelschulkind. Ich sehe viele Kinder so aufgeregt, über dieses Buch und seine Themen zu sprechen. Sie fühlen sich mit der Autorin und ihrer Geschichte verbunden. Die Zugänglichkeit in Comics und ihre Leichtigkeit und stilistische Energie ermöglicht Geschichtenerzählern, persönlich und real zu werden, ohne Downers zu werden. Sie können sofort mit einem Panel vermitteln, wie es war, in ihren Schuhen zu sein. Grafik-Memoiren ist für mich das wichtigste Genre, das gerade in Comics stattfindet. Es verbindet Leser aller Altersgruppen mit Geschichten von Repräsentation, Kampf und vor allem Hoffnung. Dramatische Fiktion ist wahrscheinlich das längste Genre, das wir im Comic-Verlag gesehen haben, das nur unter den Oberbegriff des Graphic Novel passt. Wenn Sie über Graphic Novel sprechen wollen, müssen Sie über Will Eisner reden, den Großvater des Graphic Novel. In der Tat erfand er die Phrase. Es war seine kleine Strategie, derVereinigung der Öffentlichkeit von sequentiellen Kunst-Panels, Sprechblasen,cartoonischen Illustrationen mit Zeitungsgag Comics zu entkommen Vereinigung der Öffentlichkeit von sequentiellen Kunst-Panels, Sprechblasen, . Er tat sein eigenes Ding und wollte ernst genommen werden. Nichts für ungut Ernie Bushmiller, aber Zeitungscomic-Strips waren nicht wirklich daran interessiert , literarische Themen wie Eisner zu schieben. Er war ein großer Geschichtenerzähler und verstand mehr als jeder seiner Zeit das wahre Potenzial der Comickunst. In den späten 1930er Jahren begann er Comics zu machen, mitten in der Großen Depression. Sein Weltbau ist nicht anders als das von Batmans Gotham City, aber seine Charaktere sind verbundener und weniger übertrieben. Sie kämpfen durch ihren armen innerstädtischen Umgang mit Fragen wie Geld, Respekt, Beschäftigung, Wirtschaft, Gerechtigkeit und Religion. Mr. Eisner war nicht über Superhelden-Tropen. In der Tat, sein Breakout-Charakter war der Geist, ein maskierter Kriminalkämpfer, der in einer Welt der Noir-Stil Verbrechen operierte, mit Aspekten von Geheimnis, Horror, Liebe und Komödie, andere Nische pulpy Genres. Weil Eisners Werk so in den harten Realitäten dieser Zeit verwurzelt ist, fühlen sich seine Geschichten heute einfach nicht wirklich relevant an, was schade ist, weil es aus seiner Beherrschung des Comic-Mediums viel zu lernen gibt. Zum Glück für Sie und ich, Mr. Eisner hat eine Reihe von Lehrbüchern veröffentlicht. Sein Stil, Comics zu unterrichten, und die Dinge, über die er spricht, stimmen wirklich mit mir überein. Ich denke, seine Bücher sind erstaunlich. Nach dem Verständnis von Comics, ist es wahrscheinlich der am meisten angesehene Text über Comics und visuelle Erzählung. Holen Sie es ab, wenn Sie eine Chance bekommen, oder holen Sie es aus Ihrer lokalen Bibliothek. Genres sind nützlich als Access Points für neue Leser. Es hilft ihnen zu wissen, welche Art von Charakteren, Umgebungen und Geschichten sie wahrscheinlich begegnen werden, wenn sie das Buch abholen. Sie könnten fragen, ob es für mich möglich ist, eine kindfreundliche Memoiren zu machen , die Elemente des dunklen und grimy Crime Noir Drama hat. Natürlich, solange du deinen Charakteren treu bleibst, ihren Überzeugungen und Bestrebungen, ihren Schwächen und Misserfolgen. Wenn Sie es schaffen, sich auf diese Dinge zu konzentrieren, werden Sie Leser finden, die mit Ihrer Arbeit in Verbindung stehen. 17. Kurseinheit: Stile erkunden: Nach einem Gespräch über Inspiration denke ich, dass es gut ist, über Stil nachzudenken. Stil der Kunst und Storytelling ist ein fortwährendes Streben nach dem Künstler. Kein Comic-Künstler hat jemals aufgehört, Stil zu jagen. Ihre Arbeit wird sich durch die Praxis entwickeln, aber dieses Potenzial ist nicht unendlich für sich allein. Es ist durch Erfahrung begrenzt. Das bedeutet, dass Sie sich Zeit nehmen, um aus dem zu gehen, was Sie denken, über Comic-Kunst und Geschichte zu wissen. Arbeiten Sie härter, um mehr zu lesen und Genres aus der ganzen Welt zu erkunden. Je mehr die Vielfalt des Geschichtenerzählens Sie erkunden, desto mehr öffnen sich die Richtungen dahin, wohin Ihr Stil Sie führt. Das ist alles, was ich vorerst sagen muss, um gute Comics zu machen. Lassen Sie uns das Zeichnen mit dem Klassenprojekt bekommen. 18. Projekt: Eine Geschichte finden: Für unser Klassenprojekt werden wir skizzieren und drucken. Eine zwei Panels Geschichte basiert auf dem Thema der Besessenheit. Ich habe viele Themen in den Unterrichtsabschnitten dieser Klasse behandelt. Um Ihnen zu helfen, sich an einige dieser Konzepte und Techniken zu erinnern, werde ich eine Liste der Lektionen erstellen, die Sie sich erinnern müssen , während Sie sogar einen kurzen Comic-Strip mit zwei Panels entwerfen. Dies wird dazu beitragen, unseren kreativen Prozess zu rationalisieren, während wir das Klassenprojekt durchlaufen. Wir müssen sicherstellen, dass wir viel Zeit mit den Elementen des Panels, narrativer Klarheit, Inszenierung des Panels, Übergang von einem Panel zum anderen verbringen, an unserem Stil arbeiten und als Bonusidee unter Berücksichtigung des Genres oder des Publikums, für das Ihr Comic geeignet ist. Vielleicht sitzen Sie dort mit Ihrem Bleistift in der Hand, bereit, Ihren Comic zu skizzieren und zu tuschen, und seien Sie in 20 Minuten fertig. - Das ist in Ordnung. Du könntest dir etwas Erstaunliches einfallen lassen. Aber jeder findet kreative Inspiration durch verschiedene Schritte eines Prozesses. Wenn es um Comics geht, eine Mischung aus Erzähltext und narrativen visuellen. Manche Leute fangen gerne mit dem Schreiben an. Ich werde einige der Schreibschritte durchlaufen , die ich benutze, wenn ich eine Geschichte entwickle. Ich möchte damit beginnen, etwas tiefer mit dem Thema des Projekts einzugraben. In diesem Fall ist es Besessenheit, die bestimmte Bilder in den Sinn bringt, vielleicht eine Definition, aber ich werde das Zeug tatsächlich auf Papier bringen. Ich denke immer, es ist wichtig, die Ideen aus dem Kopf zu holen, um Platz für neue zu schaffen. Wenn ich den Begriff aufschaue, komme ich mit dieser Definition, ein Gedanke, der ständig den Geist einer Person beschäftigt, wie in, sie war im Griff einer Besessenheit . Sie war machtlos, sich zu widersetzen. Ich mag das Drama dieser Phrase. Schauen wir uns einige Synonyme der Besessenheit an. Diese könnten die Handlung oder die Stimmung oder Persönlichkeit der Geschichte vorantreiben. Synonyme sind Leidenschaft, Manie, Sucht, Begeisterung. Wie in der Idee wuchs in ihrem Kopf wie eine Besessenheit. Es ist nicht immer notwendig, aber die Fokussierung auf ein Thema auf dieser Ebene kann Ihnen wirklich helfen das Potenzial Ihres Themas zu verstehen. Nicht jeder Comic, vor allem ein Zwei-Panel-Comic, erfordert diese Tiefe des Verständnisses, aber ich habe den Prozess genossen. Vielleicht wirst du das auch. Nun nehme ich mein grundlegendes Verständnis des Themas und expandiere es in Charakter und Einstellung. Ich werde mein Thema zu wiederholen, und ich notiere hier, und den Griff einer Idee der Konzentration auf eine Leidenschaft. Vielleicht muss ich die Opposition der Leidenschaft einbeziehen. Wir werden es sehen. Geschichten sind besser, wenn es Konflikte gibt. Mal sehen, ob wir einen Charakter aus diesem Thema extrahieren können. Wenn du einen Charakter aufbaust, je spezifischer du erhältst, desto besser wirst du deinen Charakter verstehen. Ich gebe diesem Charakter einen Namen. Lass uns mit Linda gehen. Das wurde mir einfach in den Kopf gestoßen. Sie war eine Freundin der Familie, die erwachsen wurde. Sagen Sie, Linda ist mittleres Alter. Sie hat drei Kinder, also hat sie eine Menge auf dem Teller. Sie hat auch drei Abschlüsse in Ingenieurwissenschaften. Bei der Gestaltung eines Charakters auf einer konzeptionellen Ebene hilft es, ihre Wünsche und Bedürfnisse zu verstehen. Ich werde sagen, dass Linda, eine Mutter mittleren Alters von drei Jahren, wirklich ihre Fähigkeiten im Ingenieurwesen nutzen will. Um dies zu tun, muss sie Zeit allein finden. Wir haben einen Charakter, der jemand ist, den wir verstehen können, und vielleicht sogar einen Bezug zu haben. Ein ziemlich geerdetes Konzept. Nun, die erhöhten Elemente beginnen, sich zu offenbaren, wenn wir diese Geschichte entwickeln. Schauen wir uns die Einstellung an. Lass es uns in Lindas Haus stellen. Vielleicht hat sie ein Labor in ihrer Garage. Wenn ich an Garagenlaboratorien denke, denke ich immer an Start-up-Unternehmen in den 1980er Jahren wie Apple, immer in der Garage mit Regalen voller alter Technik und Drähte über den Boden laufen. Das scheint so zu sein, als könnte Linda eine Weile davonkommen und an einem Experiment denken. Jetzt werde ich anfangen, meine Kurzgeschichte ein wenig zu schreiben. Lassen Sie uns ein aktuelles Jahr auswählen. Da wir uns die 80er anschauen, sagen wir mal, 1987. Wir sind in einer Garage in den Vororten. Geniale Erfinderin, Linda Berry kann keinen Moment für sich selbst finden. Geschichten funktionieren gut, wenn Sie eine Frage an das Publikum stellen. Wird Lindas neue Erfindung ihr helfen, eine Pause einzufangen? Nun, mit all dem Gerede von Zeit allein und Erfindungen, kann ich nicht umhin, daran zu denken, dass eine Zeitmaschine etwas ist, das Linda erschaffen möchte, weil sie ihre beiden Probleme löst, den Wunsch, ihren Ingenieurabschluss zu nutzen, und die Notwendigkeit, etwas Zeit allein zu finden. Als ich anfange, dieses Panel in meinem Kopf zu zerbrechen, kann ich nicht anders als denken, dass es eher zu einem Gag-Comic neigt als vielleicht eine dramatische Geschichte. Lassen Sie uns diese Geschichte leicht und einfach halten. 19. Projekt: Vorschaubilder: Als nächstes werde ich meine kleine kurze Erzählung nehmen und beginnen einige mögliche Panel-Designs Thumbnail heraus. Hier konzentriere ich mich ziemlich streng auf die vier Elemente des Panels, jongliere sie und sehe, was am besten funktionieren wird. Ich mag es, kleine Thumbnail, denn wenn eine Komposition gut aussieht, klein, wenn es klar ist, sogar in einem kleinen Maßstab, sind die Chancen, dass es wirklich gut funktionieren wird, wenn Sie es in die Luft sprengen. Für meine erste Idee habe ich Linda über einen Schreibtisch gebeugt, ihre Kinder schreien sie im Hintergrund an und im nächsten Panel werden wir zum Abschluss des Projekts übergehen , möglicherweise ist es eine Zeitmaschine. Vielleicht ist sie schon durch die Zeit gesprungen. Aber wir beschäftigen uns damit, ich möchte, dass sie Erleichterung empfindet. Es gibt einen schönen Kontrast zwischen den beiden emotionalen Zuständen in jedem Panel. Gehen wir zu einer zweiten Variante über. Lassen Sie uns mehr aus der Sicht der Kinder tun. Sie sind außerhalb der Garage und schreien zu ihrer Mutter, die drinnen ist, und jetzt schneiden wir hinein und wir können jemals sagen, nur eine Minute, was eine nette Art von Linie ist, um in eine Zeitreise-Geschichte zu arbeiten. Sie könnte dabei sein, die Macht ihrer Zeitmaschine zu verbinden dann durch die Zeit zu reisen. Das ist ziemlich gut, aber für einen Zwei-Panel-Comic bin ich mir nicht sicher, ob es genug Informationen gibt, damit der Leser wirklich wissen kann, was los ist. Denn wir beginnen mit der Gründung Schuss, die uns wenig Detail außerhalb der Tatsache, dass es eine Garage und eine Gruppe von lauten rambunktiösen Kindern gibt. In der nächsten zoomen wir super nah heran, so dass wir vielleicht nicht genug Verständnis davon bekommen , was dieses Experiment ist, an dem Linda arbeitet. Lassen Sie uns versuchen, ein glückliches Medium in dieser dritten Idee zu finden. Ich werde Linda mehr in den Vordergrund stellen. Lassen Sie uns die Idee dieses Zeitreisegerätes verfeinern. Wenn Sie sich erinnern, H. G. Wells' Geschichte und die Visualisierung der Zeitmaschine, ist es im Grunde fauler Junge Liege mit einem Haufen Technik, die darauf glommt. Lasst uns mit dieser Ästhetik gehen. Linda sitzt in ihrem Stuhl, um zu aktivieren oder Zeitmaschine, die Kinder kommen von hinten und schreien zu ihr. Jetzt schneiden wir voran. Wir übergehen zu einem anderen Moment, der sich an einem anderen Punkt in der Geschichte befindet. Ihr Zuhause ist nicht mehr da, die Kinder sind weg und sie findet einen Moment, um sich zu entspannen. Was einfach zufällig ziemlich gut funktioniert , weil sie bereits in einem entspannenden Stuhl sitzt. Vielleicht können wir die Idee der H. G. Wells Zeitmaschine ausspielen und etwas damit machen. Nehmen wir die Thumbnails, die wirklich locker sind, und bewegen uns in einige Skizzen der endgültigen Kunst. 20. Projekt: Skizzieren: Hier werden wir uns auf die Inszenierung konzentrieren. Ich werde damit beginnen, die Platzierung von Linda in der Panel-Komposition zu etablieren. Panel eins, ich werde sie in den Vordergrund stellen, damit wir beide ihr Gesicht, ihre Körpersprache und den Zeitreisesessel sehen können , in dem sie für Panel zwei sitzt, da wir diese Dinge bereits etabliert haben, werde ich verkleinern. Wir wollen dieses Gefühl der Ruhe vermitteln, das sie nach der Zeitreise gefunden hat. Ich werde unser Profil drehen und sie mehr in der Mitte des Panels setzen, Es sieht aus wie ein ruhiger, entspannender Ort für sie. Jetzt kann ich anfangen, in einigen dieser Details der Szene zu arbeiten. Ich werde Sie über die Entscheidungen sprechen, die ich von links nach rechts getroffen habe. Ganz links habe ich Lindas drei Kinder eingesteckt, sie lehnen sich alle mit erhobenen Armen ein. Sie sind nur generisch aussehende Kinder und ihre Sprechblasen überlappen sich alle. Es ist nicht so wichtig, was sie sagen, nur die Tatsache, dass sie eine Menge Dinge sehr laut sagen und es ist sehr ablenkend. Lindas Sprechblase, die auf ihrem Dialog sitzen wird, während sie mit ihrer Aussage nur eine Minute den Lärm durchschneidet, als sie ihre Zeitmaschine aktiviert. Im Vordergrund und im Hintergrund habe ich einige Elemente ihres Garagenplatzes, wo sie arbeitet. Es gibt ein Regal im Hintergrund, wie eine Werkbank, es gibt einige Geräte auf einem Regal, und dann im Vordergrund habe ich einen kleinen Tisch mit einem Schaltplan, der tatsächlich Zeitmaschine spart. Das könnte dir auch im Gesicht liegen. Wir werden sehen, wenn ich das behalte, ich bin nicht so, um Text auf Objekte in den Vordergrund zu setzen, es kann sehr ablenkend sein. Zieht den Blick weg von den Charakteren, Ausdrücken und Dialogen. Aber es ist in Ordnung für die Skizze jetzt. Im zweiten Panel kommt das noch deutlicher zusammen. Ich möchte den Raum verbreiten, sagen wir, Linda ist zurück in die Kreidezeit gereist. Wir haben Dinosaurier, Triceratops und den Vordergrund, einige Pflanzenfresser Lungenhals, Dinosaurier im Hintergrund und ein paar andere tropische Pflanzen, die sie umgeben. Ich will Linda nicht drängen. Ich möchte ihr viel Platz geben. Für unseren ersten Entwurf des Panel-Designs funktioniert das ziemlich gut. Aber wie Sie vielleicht in einigen meiner anderen Klassen begegnet sind. Wenn ich skizziere, möchte ich diesen dreistufigen Skizzierprozess im Hinterkopf behalten. Das ist nur eine allgemeine Faustregel. Meine erste Skizze ist normalerweise nicht diejenige, auf der ich mit der Tinte lande, meine dritte Skizze bringt mich normalerweise in einen klaren Zustand, in dem ich mit meiner Tinte zuversichtlich bin. Aber mit diesem Comic kam ich zu einer endgültigen Skizze. Beim zweiten Versuch. Wir müssen dieses Projekt nicht überdenken, bevor wir hier zur Kunst kommen, springen wir einfach für eine Sekunde zurück und schauen uns die Hauptenergie an , die ich in diesen beiden Panels etabliert habe. Ich ziehe es hier in Rot, also weißt du, es ist wichtig. Panel eins, die emotionale Energie hier ist ein Gefühl des Chaos. Die Charaktere lehnen sich und ihre Eingriffe in Lindas Raum, sie ist in die untere Ecke gedrückt, das hat eine echte chaotische, überfüllte Energie. Im zweiten Panel dreht sich alles um Ruhe. Ihr Charakter ist zentriert, Es hat eine Sprechblase, die gerade mit einigen weichen umgebenden Elementen kommen wird . Wenn ich nur diese Formen präsentieren würde, würden Sie hoffentlich ein Gefühl für diese emotionalen Zustände des Panels bekommen , ohne Details oder Charaktere oder Einstellungen. Wenn es um Storytelling geht, so ist Kontrast, sowohl visuell als auch erzählerisch so wichtig. Ich wollte nur einen Moment darauf hinweisen, bevor wir hier in die letzte Skizzierungsphase gehen . Sie sehen, ich habe noch ein paar Details des Stuhls herausgebracht. Hier ist das Referenzbild, von dem ich gearbeitet habe, es ist eine 3D-Modellierung der Requisite aus der ursprünglichen HG Wells Zeitmaschinen-Geschichte. Ich halte den Schaltplan im Vordergrund, und ich hatte diese kleine clevere Idee, wo, wenn sie in der Zeit zurückreist, sehen wir, dass der Zeitmaschinenstuhl auch ein liegender Lazy Boy ist. Es ist ein Gag Comics, also denke ich, dass extra offenbaren macht es nur ein wenig lustiger. Lassen Sie uns nun an einigen der Set-Elemente arbeiten und diesen Vorder- und Mittelgrund entwickeln. Nun gehen wir und machen eine zweite Entwurfsskizze einiger dieser anderen Elemente. Ich werde die Kinder etwas mehr nach vorne neigen und die Platzierung ihrer chaotischen Sprechblasen nur ein bisschen deutlicher ausarbeiten . Panel zwei, wir sind in der Kreidezeit. Ich habe dieses Referenzbild verwendet, nur um mir ein Gefühl für die Arten von Vegetation zu geben, die damals war. Ohne mehr zu planen, werde ich direkt in die Tinte kommen. 21. Projekt: Kolorieren: Wie ich in der Lektion besprochen habe, beginne ich mit den Frames. Weise weiß ich, dass die Grenzen meines Comics, ich bin mit einem Feder Stil Digitalstift. Es sieht fast so aus, als könnte ich mit einer Filzspitze arbeiten, aber ich möchte ein wenig mehr Geschmack in meiner Linienart. Während ich mein Design tinte, denke ich darüber nach, was die wichtigen visuellen Elemente des Designs sind. In erster Linie ist der Ausdruck auf Lindas Gesicht. Sie blickt auf die Kinder zurück. Sie ist in einem Zustand der Vorfreude, und sie wird zum ersten Mal durch die Zeit springen. Ihre Hand ist auf dem Hebel. Ich habe ein wenig Starburst um das herum gelegt, nur damit es dir das Auge zieht. Sie packt den Stuhl mit ihrer anderen Hand. Im Vordergrund habe ich den Text aus dem Schaltplan abgenommen. Jetzt sieht es nur ein paar technische Papierkram aus. Ich habe dem Stuhl eine ganze Reihe von Schaltungen und elektronischen Elementen hinzugefügt, nur um ihm ein wenig mehr visuelles Flair zu geben. Ich denke, in diesem Fall funktioniert das überbeschäftigte Design ziemlich gut. Der Hintergrund, ihre Kinder sind nur gummiartige Lebkuchenmann. Es ist nicht wirklich wichtig, wer sie sind. Sie repräsentieren nur eine Ablenkung und einen Grund für sie, zu entkommen. Auf der rechten Seite haben wir den Stuhl wieder im Profil und Linda mit einem großen fetten Lächeln auf ihrem Gesicht. Da ich zeichnen so klein sind, funktioniert das Profil wirklich gut, um das Lächeln zu erfassen. Ich fange an, etwas mehr Textur im Kontrast in die anderen Elemente der Szene zu bringen. guter Letzt werde ich den Text für die Kinder hinzufügen. Es sind die chaotisch aussehenden Sprechblasen. Ich werde den Schriftzug in ihnen machen, mit nur einem Umriss, damit sie das Auge nicht so sehr ziehen. Sie sollten nur Hintergrundgeräusche sein. Wie wäre es mit einer kleinen Ellipse am Ende ihrer Phrase, um uns durch den Übergang zu erleichtern. Das zweite Panel, ich habe viel Platz für den Seufzer in den Himmel. Beachten Sie, dass ich die Buchstaben sogar ein bisschen mehr Leerzeichen habe, als sie ein wenig vertikaler sind. Meine Tinte und beide Paneele drängen die Ideen von Chaos und Ruhe. In Panel 1 meine Tinte, Energie ist sehr explosiv. Es gibt eine Menge gezackter Linien und ich benutze einige der Schraffuren, um dein Auge in die Mitte des Panels zu ziehen, du hast bemerkt, dass die kleinen Linien oben und ein paar unten die Seite wirklich auf die Mitte des Panels zeigen, wie in einer Ein-Punkt-Perspektive. Das ist eine explosive Energie aus dem Panel. Panel 2, hat eine ganz andere Art von Energie Gefühl für seine Tinte. Es ist sehr horizontal, was ein beruhigendes Feld ist. Natürlich haben wir eine Horizontlinie, aber ich gehe noch weiter, indem ich den Charakter in die Nähe von Wasser setze. Auf diese Weise kann ich die Wellen aus dem Weiteren nutzen, um diese Idee der Ruhe zu fördern. Es gibt nicht viel Bewegung in diesem Panel. Sogar die Triceratops sehen aus, als würde er ein kleines Nickerchen machen. Die einzige Energie ist ein bisschen Staub, der nach der Ankunft des Stuhls, dem Zeitportal oder was auch immer aufgetaucht wurde . Man könnte dies einen Moment zu Augenblick Übergang nennen, aber die Momente sind sehr spezifisch, wir haben den Moment gleich vorher, sie reisen, und den Moment gleich danach. Ich möchte nur meine Charaktere ein wenig besser knallen lassen, also werde ich den Hintergrund um Linda und ihre Kinder füllen und ein wenig mehr Schatten und Kontrast zum zweiten Panel hinzufügen. Da haben wir es. Eine zwei Panels Geschichte, die vielleicht oder nicht, das ist umstritten, konzentrieren sich auf das Thema der Obsession. Bei jeder Art von Aufgabe wie dieser denke ich, dass der Rahmen der Aufgabe nur ein Sprung aus Punkt ist, um die Fähigkeiten zu erkunden und zu üben, die benötigt werden, um einen Comic zu erstellen. Die wichtigsten Takeaway hier ist nicht immer angeben wenn ein 100 Prozent treu dem Rahmen des Themas, aber durch die Stufen zu arbeiten, Denken Sie über alle Ihre Elemente. Rahmen-Zeichen-Einstellung, Sprechblase. Denken Sie an die narrativen Klarheit, während Sie Ihre Szene inszenieren und Ihren Thumbnailing-Prozess durcharbeiten. Denken Sie an die subtilen Veränderungen im Übergang oder vielleicht an die breiten Veränderungen im Übergang, die Sie verwenden könnten, um diese Geschichte zu erzählen. Versuchen Sie, einzigartig und originell und ansprechend zu sein . Die Welt ist voller Comics. Die Leute haben sie seit Hunderten von Jahren hergestellt. Was ist dein interessanter Blick auf den Lauf der Zeit in einer Geschichte? Farbstil kann zurückhaltend oder experimentell sein, solange Ihre Geschichten Ihnen klar sind, werden Sie wahrscheinlich in der Lage sein, einen experimentelleren Farbstil abzuziehen. Aber wenn Sie eher ein konventioneller Erzählkünstler sind, möchten Sie vielleicht mit Ihrem Farbstil zurückhaltend bleiben. Denk daran, wer deinen Comic liest. Versuchen Sie, zu unterhalten, zu erleuchten, provozieren, was Sie versuchen, mit Ihrer Geschichte zu tun , die Ihnen helfen, die Momente, die Charaktere, die Einstellung, alle Aspekte des Comics zu entscheiden die Charaktere, die Einstellung, , und wie der Leser wird sich mit ihnen auseinandersetzen. An dieser Stelle haben wir so ziemlich das Ende der Klasse erreicht. Lasst es uns einpacken. 22. Mach Schluss.: Alles klar, danke, dass du bis zum Ende bei mir bleibst. Ich hoffe, ihr lernt einiges und seid inspiriert, eure eigenen Comics jetzt zu zeichnen. Ich liebe es, so sehr zu unterrichten, wie ich es liebe, meine eigene Arbeit zu machen. Es bedeutet wirklich, wirklich viel, dass du meine Klassen beobachtest und mir eine Chance gibst, dies zu tun und es Teil meiner Karriere zu machen. Nun, wenn Sie zusätzliche 60 Sekunden haben, hinterlassen Sie bitte eine Rezension der Klasse, die Skill-Anteil und anderen Schülern sagt , dass Ihnen gefällt, was ich tue. Es hilft, meinen Kanal zu steigern und anderen Schülern die Möglichkeit zu geben, meine Arbeit zu finden und zu entdecken. Jetzt, wenn Sie Ihren ersten Comic beenden, teilen Sie ihn bitte in der Klasse Projekte Abschnitt. Ich liebe es, Student arbeiten zu sehen. Es hilft mir wirklich zu verstehen, dass meine Klasse wirklich einnehmend und interessant für euch war . Ich überprüfe studentische Projekte regelmäßig, daher bin ich immer da, um Ratschläge und Feedback zu teilen und Sie einfach bei allem zu unterstützen, was Sie mit Ihrer Arbeit tun. Andere Studenten lieben es auch. Es macht es wirklich wie ein spaßiger, energischer Raum zum Lernen. Nun, wenn Sie mehr mit mir lernen und erhöhen Sie Ihre Fähigkeiten als Comic-Künstler, Ich bin in einem empfehlen Auschecken zu bestimmten Klassen von mir. Sie basieren beide auf Cartooning. Der eine konzentriert sich auf Körper und Posen, der andere konzentriert sich auf Gesichter und Ausdrücke. Nun, wenn Sie mehr auf Fantasy-Charaktere und Welt-Building-Aspekte der Herstellung von Comics sind, sollten Sie sich meine Klasse, Welt der Farbe, die eine ziemlich einzigartige Herangehensweise ist, um eine Cartoon-Figur zu entwerfen und sinnvolle Farbpaletten in Ihren Entwürfen. Besuche meinen gesamten Skillshare Kanal für diese Klassen und eine Reihe anderer, die sich auf Illustration und Erzählkunst konzentrieren. Wenn du meine Arbeit verfolgen willst, schau dir die Links auf meiner Kanalseite an. Sie können sich für meinen Newsletter anmelden, um monatlich Neuigkeiten zu erhalten. Wenn Sie wirklich zu schätzen wissen, was ich tue, können Sie mich für einen Dollar im Monat als Schirmherr unterstützen. Du bekommst einen kleinen Blick auf das, woran ich arbeite. Ich mache Prozessbeiträge, die einen Einblick in meinen eigenen kreativen Prozess geben. Natürlich kannst du mir auf allen unseren Social-Media-Overlords folgen. 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