Charakterdesign-Crashkurs: dynamisches Design in vier Schritten | Melissa Lee | Skillshare
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Charakterdesign-Crashkurs: dynamisches Design in vier Schritten

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Einheiten dieses Kurses

    • 1.

      Einführung

      0:59

    • 2.

      Die Grundlagen des Figurendesigns

      11:21

    • 3.

      Spaß beim Zeichnen

      3:50

    • 4.

      Inspiration und Vorlagen

      5:06

    • 5.

      Schritt 1: Geschichte

      7:47

    • 6.

      Schritt 2: Entwürfe

      4:16

    • 7.

      Schritt 3: Design

      14:48

    • 8.

      Schritt 4: Bereinigung und Farbe

      11:15

    • 9.

      Schlussgedanken

      2:00

  • --
  • Anfänger-Niveau
  • Fortgeschrittenes Niveau
  • Fortgeschrittenes Niveau
  • Jedes Niveau

Von der Community generiert

Das Niveau wird anhand der mehrheitlichen Meinung der Teilnehmer:innen bestimmt, die diesen Kurs bewertet haben. Bis das Feedback von mindestens 5 Teilnehmer:innen eingegangen ist, wird die Empfehlung der Kursleiter:innen angezeigt.

15.435

Teilnehmer:innen

72

Projekte

Über diesen Kurs

Willkommen beim Charakterdesign-Crashkurs, einer Reihe von Illustrationskursen für Anfänger und Fortgeschrittene, die ihre Kenntnisse auffrischen möchten.  In diesem Kurs führe ich dich durch meinen vierstufigen Arbeitsprozess für die Gestaltung eines dynamischen Charakters. Dazu gehören die Entwicklung einer Geschichte und eines Konzepts, das Erstellen grober Thumbnail-Skizzen, die Verfeinerung des Designs und die Ausarbeitung der Details sowie schließlich das Bereinigen und die Farbgebung. Ich spreche auch über die Grundlagen des Charakterdesigns und darüber, wie wichtig es ist, Referenzmaterial zu verwenden und von anderen Kunstschaffenden zu lernen. 

Was du lernen wirst

  • Inspiration finden und von anderen Kunstschaffenden lernen: Ich spreche darüber, wie man die Stile anderer Kunstschaffenden studiert, wie man dadurch seine Vielseitigkeit ausbaut und wie wichtig es ist, sich von mehr als einem Kunstschaffenden beeinflussen zu lassen.
  • Mit Referenzmaterial arbeiten: Ich spreche darüber, warum die Verwendung von Referenzmaterial der Schlüssel zur Verbesserung der eigenen Zeichenfähigkeiten ist, und zeige einige der besten Möglichkeiten auf, wie man dieses Material optimal für sich selbst nutzen kann.
  • Entwicklung deines Charakteres: von Geschichte und Konzept, über grobe Skizzen bis hin zu ausgefeilteren Designs
  • Bereinigung und Farbe: Ich gebe einige Bereinigungstipps für Lineart sowie einige verschiedene Färbungs-/Schattierungstechniken.

Was du machen wirst

Wenn du fertig bist, hast du einen vollständig kolorierten Charakter, den du deinem Portfolio hinzufügen kannst :D

Hinweis: Du kannst alles, was ich dir in diesem Kurs zeige, auf traditionelle Weise machen, aber wenn du digital arbeiten möchtest (ich verwende Photoshop und Procreate in diesem Kurs), sind wahrscheinlich einige Grundkenntnisse und Erfahrungen mit dem digitalen Zeichenprogramm deiner Wahl erforderlich. Wenn du fortgeschrittenere digitale Maltechniken erlernen möchtest, habe ich einige Kurse zu Adobe Photoshop in meinem Kanal.

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Teacher Profile Image

Melissa Lee

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Top Teacher

Hi! My name's Melissa Lee, and I'm an illustrator and surface pattern designer living in the hilly forests of Northern California. Alongside doing freelance and art licensing work (I am a proud Riley Blake Designs fabric designer), I've spent much of my time cultivating my love of sharing what I know and encouraging others to nourish their creative side through teaching online art courses here on Skillshare. I love making patterns, character art, and watercolor paintings. I'm endlessly inspired by animals and nature (whether living today or extinct), science fiction and fantasy, space and astrology, witchy things, and bees.

Always bees.

The classes that I teach on Skillshare focus primarily on surface pattern design, watercolor techniques, and character design. Vollständiges Profil ansehen

Level: Beginner

Kursbewertung

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Transkripte

1. Einführung: Hallo und willkommen zum Character Design Crash Course, Dynamisches Design in vier Schritten. Mein Name ist Melissa und ich bin eine Designerin und Illustratorin in Nordkalifornien. Character Design Crash Kurs ist eine Reihe von Illustrationsklassen für beginnende Karikaturisten oder fortgeschrittene Charakterkünstler auf der Suche nach einer Auffrischung. In dieser Klasse führe ich Sie durch meinen vierstufigen Prozess für die Gestaltung eines dynamischen Charakters, der beinhaltet, eine Geschichte und ein Konzept zu entwickeln, grobe Thumbnail-Skizzen zu erstellen, meinen vierstufigen Prozess für die Gestaltung eines dynamischen Charakters,der beinhaltet, eine Geschichte und ein Konzept zu entwickeln,grobe Thumbnail-Skizzen zu erstellen,Ihr Design zu verfeinern und die Details, und schließlich, aufzuräumen und Farbe. Ich werde auch über die Grundlagen des Charakterdesigns und die Bedeutung der Verwendung von Referenz und Lernen von anderen Künstlern sprechen. Als Bonus, auch nur einige lustige und vorteilhafte Übung Zeichenübungen. Sobald Sie fertig sind, haben Sie einen farbigen Charakter, den Sie Ihrem Portfolio hinzufügen können. Also nimm deinen Bleistift und lass uns loslegen. 2. Die Grundlagen des Figurendesigns: Wenn du meinen vorherigen Charakterdesign Crashkurs absolviert hast, wird ein Teil davon eine Wiederholung sein. Aber ich empfehle, dass Sie es trotzdem ansehen, weil ich einige weitere Themen abdecken und ein bisschen mehr Details eingehen. Also, es sollte immer noch vorteilhaft für Sie sein. Die vier großen Dinge, die Sie in Betracht ziehen müssen, sind Form, Silhouette, Rhythmus und Konstruktion. Alles andere fällt in diese vier Kategorien. Es ist einfacher, Karikatur oder Zeichentrickfilm, wenn Sie die Konstruktion verstehen. Wahrscheinlich hörst du mich das mehrmals während der ganzen Klasse wiederholen , weil ich wirklich will, dass es einsinkt. Also, ich möchte über einige der grundlegenden Orientierungspunkte des durchschnittlichen menschlichen Körpers sprechen , die Ihnen helfen, die Konstruktion und den Anteil der Figur zu verstehen. Denn, wie ich schon sagte, wenn du diese Grundlagen gelernt hast und wenn sie wirklich eingetaucht sind, wirst du es leichter finden, Karikatur und Cartoon zu machen. Also, ohne weiteres, bei einem durchschnittlichen Menschen, ist die Schulterbreite etwa drei Köpfe quer, die Augenlinie ist der halbe Punkt des Schädels, und entlang des Körpers, biegt sich der Rippenkäfig an der halber Markierung des Oberarms, der Ellenbogen richtet sich mit dem Bauchnabel und die Hände fallen über die Knie etwa auf halber Höhe der Oberschenkel. Der Gesamthalbpunkt einer durchschnittlichen Zahl befindet sich am unteren Ende der Hüften. Mit der Figur auf Profil gibt es einige Winkel, die Sie beachten möchten, insbesondere die Neigung des Rippenkäfigs und der Hüften. Viele Leute neigen dazu, sie viel klarer zu zeichnen, als sie tatsächlich sind. Diese Proportionen dienen also als Leitfaden, um Ihnen zu helfen alles im Grunde an den richtigen Ort zu bringen. Beim Cartooning werden Sie viele dieser Regeln der Anatomie brechen. Aber es ist wichtig, immer die grundlegenden Proportionen im Auge zu behalten, die die meisten Menschen gemeinsam haben, denn wenn ein guter Charakterdesigner übertreibt, sind sie sich immer dessen bewusst, was funktioniert und was nicht. So viel Charakter Design ist Karikatur und Übertreibung. Aber wenn Sie keine starke Grundlinie haben, mit der Sie anfangen können, werden Sie nicht wissen, wie Sie erfolgreich übertreiben können. Zum Beispiel ist die erste blaue Figur eine durchschnittliche proportionale Figur, die in einfache Formen aufgeschlüsselt ist, was ich wirklich gerne mache. halte es so einfach wie möglich Ichhalte es so einfach wie möglich und behalte mich immer noch an die Regeln, über die ich gerade in der letzten Folie gesprochen habe, aber alle Formen sind super primitiv und einfach. Je mehr Sie es tun, es hilft Ihnen wirklich zu verstehen, wie die menschliche Figur funktioniert. Also, wie auch immer, die erste blaue Figur ist proportional, aber die grünen Figuren auf der rechten Seite, obwohl es nicht anatomisch korrekt, Ich bin immer noch bewusst, die Sehenswürdigkeiten des Körpers und es gibt bestimmte Dinge, die ich hier getan habe, die helfen, die Gesamtform und Design Arbeit. So fallen zum Beispiel die Arme immer noch über die Knie und die Ellbogen richten sich immer noch an der Spitze des Hüftknochens und des Nabels. Ich befolge immer noch einige der Regeln, die ich in der vorherigen Folie dargelegt habe. Gleichzeitig möchte ich aber nicht, dass du denkst, dass es nie okay ist, so etwas zu tun , wie zum Beispiel die Hände unter den Knien baumeln zu lassen, denn das könnte sehr gut funktionieren. Was ich wirklich versuche zu tun, ist, die Bedeutung des Lernens zu betonen, wie man anatomisch korrekte Körper zeichnet, denn je besser man dabei ist, desto leichter wird es für Sie sein, eine mutige Übertreibung Entscheidungen zu treffen. Sie werden in der Lage sein, fundierte Entscheidungen basierend auf Ihrem Wissen über eine verhältnismäßige menschliche Figur zu treffen. Um ehrlich zu sein, gibt es einige Zeichentrickfiguren, bei denen es wirklich schwer ist, genau zu bestimmen warum sie genauso gut funktionieren, wie sie es tun, nur weil sie so Cartoon sind. Aber vertrauen Sie mir, wenn ich sage, dass, egal wie wild übertrieben ein Charakter aussehen mag, der Designer hinter diesem Charakter verstanden hat, wie man eine verhältnismäßige Figur zeichnet. Dann sind die Pausen leider wird es wirklich profitieren, wenn Sie verstehen Bau. Eines der Dinge, die Sie wirklich vermeiden möchten, ist Tangenten. Tangenten sind das, was passiert, wenn zwei oder mehr Formen auf eine Weise berühren, die visuell lästig ist. Also das Beispiel, das ich rechts mit ihrem Knall habe, berührt das Gesicht auf unangenehme Weise. Es sieht so aus, als wäre es fast an Nase, Lippen und Kinn geklebt und es ist nicht klar, was genau in der Zeichnung passiert. Wenn der Knall weiter aus ihrem Gesicht gezogen würde, wäre es leichter zu lesen, als hinter ihrem Gesicht zu sein und nicht auf diese seltsame Weise an ihr festgeklebt zu werden. Also, das sind nur kleine Dinge, auf die Sie achten müssen und werden leichter, sie zu fangen, je mehr Sie üben. Wenn es um Silhouette geht, möchten Sie auf Ihren positiven und negativen Raum achten und verstehen, dass Klarheit der Schlüssel ist. Es geht darum, Posen auszuwählen, die die meisten Informationen darüber vermitteln , was Sie darstellen möchten. Wenn die Aktion allein in der Silhouette klar ist, wird die Pose automatisch stärker sein. Also, die Silhouette auf der rechten Seite ist unklar. Ihre Beine und Arme sind peinlich zusammengebündelt und es ist einfach nicht so attraktiv zu betrachten wie die Silhouette auf der linken Seite, die super klar ist. Es gibt eine Menge Atemraum für negativen Raum und du weißt genau, was sie tut. Eigentlich habe ich gerade auf der Silhouette auf der rechten Seite bemerkt , wo ihr Arm ihren unteren Rücken trifft, das schafft eine Tangente, so dass es so aussieht, als ob die Arme in den Oberschenkel führen. Es gibt also eine visuelle Spannung, die durch die Tangente erzeugt wird, die Sie vermeiden möchten. Silhouette und Tangenten gehen wirklich Hand in Hand. Es geht um Klarheit der Pose und halten Sie Ihre Posen offen und leicht zu lesen. Also, das ist definitiv etwas, das Sie versuchen möchten, im Auge zu behalten, wenn Sie entwerfen. Das goldene Verhältnis ist im Wesentlichen ein Anteil, der im Design verwendet wird, der als ästhetisch ansprechend betrachtet wird. Es wird nicht nur in der bildenden Kunst verwendet, sondern auch im Charakterdesign und in der Architektur und vielleicht, was am wichtigsten ist, ist es überall in der Natur zu finden. Wenn Sie das Verhältnis 1:1 ,618 in Ihren Designs verwenden, werden sie automatisch für das Auge angenehmer. Also, hier ist ein weiteres Beispiel. Die Griechen haben es definitiv benutzt, wenn sie den Parthenon entwarfen. Es kann auch überall auf der menschlichen Figur einschließlich Finger gefunden werden. Also, wie Sie hier sehen können, die Spitze meines Fingers bis zum ersten Knöchel und der erste Knöchel bis zum zweiten Knöchel etwa 1:1 .618 und so weiter. Hier ist ein kurzes Beispiel dafür, dass es in meinen eigenen Designs verwendet wird. Form und Variation der Form ist, wenn nicht die meisten, Es ist definitiv einer der wichtigsten Aspekte des Charakterdesigns. Sie möchten versuchen, die Leiter zu vermeiden, den Bowlingball zu vermeiden, versuchen, klein-mittel-groß zu integrieren und Gleichheit zu vermeiden. Dies sind einfache Beispiele dafür, wie eine Variation Ihrer Größe und Form mehr visuelles Interesse schaffen kann. Die Leiter ist im Grunde alles parallel und alles ist gleich weit entfernt und genau die gleiche Größe und es ist nur langweilig zu betrachten. Der Bowlingball-Effekt gilt meist für das Gesicht und es passiert, wenn die Merkmale des Kopfes und des Gesichts genau die gleiche Größe und Form haben und es ist einfach nicht sehr interessant zu betrachten. Hier sind einige Beispiele für die Vermeidung der Bowlingkugel. Der erste Charakter hat kleine Augen und eine große Nase und die zweite hat das Gegenteil und der Bär, den ich gezeichnet habe, hat eine große Nase, mittelgroße Augen und mittelgroße Ohren, aber die Augen und Ohren sind verschiedene kontrastierende Formen. Also gibt es dort immer noch Anziehungskraft. Dies ist ein Beispiel dafür, was ich meine, indem ich die Leiter vermeide. Mit dem Mädchen auf der linken Seite ihre Konstruktion nicht unbedingt falsch und wirklich ist es keine schreckliche Zeichnung oder so, aber sie ist immer noch nicht ganz so dynamisch wie die auf der rechten Seite. Ich meine nicht, weil sie eine weniger kurvige Figur hat als das zweite Mädchen. Es ist mehr, dass ihre Schultern und Hüften parallel sind, was sie statisch aussehen lässt. Je mehr Winkel Sie in Ihre Entwürfe integrieren können, desto interessanter werden sie. Sie beobachten, wie sich die Schultern und Hüften im wirklichen Leben neigen , können Sie lernen, wie Sie die Figur in Aktion zeichnen. Also, immer bewusst sein, immer beobachten, beobachten Sie Pose, Bewegung, Verteilung des Gewichts, Winkel und Neigung, Falten der Kleidung und so weiter. Selbst Menschen, die etwas so Einfaches tun, wie zum Beispiel in der Schlange auf Kaffee zu warten , neigen ihre Hüften und Schultern auf eine bestimmte Weise. Selten sind Hüften und Schultern so parallel wie das erste Mädchen. Hier ist ein weiteres Beispiel. Ich habe das aus Fotoreferenz gezeichnet und wie Sie sehen können, sind die Hüften super geneigt, ebenso wie die Schultern. Rhythmus im Design ist im Wesentlichen das, was Ihr Auge über ein Bild bewegt. Rhythmus entsteht durch kontrastierende Winkel und durch unterschiedliche Geraden gegen Kurven, breit versus schmal, groß gegen klein, hell gegen dunkel und so weiter. Kontrastieren diese Dinge schaffen visuelles Interesse und Anziehungskraft. Also, unsere Körper haben tatsächlich eine Menge natürlichen Rhythmus und Sie wollen versuchen, das zu nutzen , indem Sie immer bewusst sein, Ihre gerade gegen Kurven und kontrastierende Winkel und so. Eine Sache, die Sie vermeiden möchten, ist das Zeichnen, was ich gerne den Wurstmann nenne, was passiert, wenn es zu viele Kurven gegen Kurven gibt. Es sieht einfach aus wie der Michelin-Mann, was in Ordnung ist, wenn es das ist, was Sie wollen, aber normalerweise, das ist nicht das, was Sie wollen. Geraden gegen Kurven ist, wie Sie das vermeiden. Dies ist eine Seite aus Stephen Silver Buch, The Silver Way: Techniques, Tipps und Tutorial for Effective Character Design, die ich denke, ist wahrscheinlich die beste Charakter-Design-Buch da draußen. Es ist einfach so unglaublich hilfsbereit und voller Design-Einblicke. Ehrlich gesagt, gut 50 Prozent zumindest von dem, was ich über Charakterdesign gelernt habe, wurde von Silver gelernt. Ich nahm ein paar dieser Klassen an Schulen und dot com sowie, die auch toll sind. Also, wie auch immer, ich habe mit seinem Buch unter der Registerkarte Ihr Projekt verknüpft, und ich habe das hier oben, weil das wirklich schöne klare Beispiele dafür sind , wovon ich spreche. Die Figur auf der linken Seite ist ein Beispiel für kontrastierende breit, schmal, breit, schmal und dann die Figur in der Mitte, kurz, hoch, kurz, hoch und rechts, dunkel, hell, dunkel, hell. Du verstehst die Idee. Hier ist mehr von Silvers Arbeit , die dies wirklich mit den breiten, schmalen, kleinen, mittleren, großen kontrastierenden Formen veranschaulicht . In meiner anderen Serie über Skillshare zum Zeichnen von Gesichtern spreche ich davon, grundlegende Formen und Objekte als Inspiration für die Schaffung von Abwechslung in Ihren Kopfformen zu verwenden , aber das gilt auch für Körper. Wie ich bereits sagte, beginnen Sie mit einfachen Formen und erstellen Sie die Details darüber. Außerdem möchten Sie nicht nur einen Körpertyp zeichnen. Im Wesentlichen sind all diese Ratschläge Informationen, die Sie im Laufe der Zeit verdauen möchten. Es mag zunächst ein wenig überwältigend erscheinen, aber geben Sie sich Zeit, alles in sich zu nehmen und sich dessen bewusst zu sein und je mehr Sie ein Verständnis dieser Dinge haben, desto mehr üben Sie Zeichnen mit diesen Dingen im Sinn und integrieren Sie sie in Ihre Arbeit und desto mehr wird es intuitiv. Irgendwann erreichen Sie einen Punkt, an dem Sie nicht jedes Mal, wenn Sie zeichnen, aktiv über dieses Zeug nachdenken müssen . Es wird nur zweite Natur für Sie, aber es wird immer noch Ihren Zeichnungsprozess informieren. In Ordnung. Zeit für das nächste Video. 3. Spaß beim Zeichnen: Bevor wir weitermachen, wollte ich ein paar Zeichenübungen teilen , die ich gerne zum Üben mache. Die erste davon ist die Blind Skizziermethode. Möglicherweise haben Sie in der beginnenden Zeichnungsklasse etwas Ähnliches getan. Grundsätzlich, was Sie tun, ist wählen Sie ein Foto als Referenz oder beobachten Sie aus dem Leben, dann halten Sie Ihre Augen auf Ihre Referenz, schauen Sie nicht auf, was Ihre Hand zeichnet und heben Sie nicht Ihre Hand. Dies sollte nicht länger als 15 bis 30 Sekunden dauern. Versuchen Sie, es mehrmals zu zeichnen, jedes Mal ausgehend von einem anderen Ort. Entwerfen Sie mit den seltsamen Formen, die Sie erstellt haben, einen Charakter. Haben Sie nicht das Gefühl, dass Sie jede Zeile genau übereinstimmen müssen, wenn Sie nicht wollen. Bleiben Sie einfach locker und haben Sie Spaß damit. Eine andere Möglichkeit, dies zu tun, besteht darin, Referenz zu finden und Ihre blinde Skizze zu machen. Führen Sie dann Ihre zweite blinde Skizze basierend auf Ihrem fertigen ersten Entwurf aus. Sie können versuchen, diesen Prozess immer wieder zu wiederholen um zu sehen, wie weit Sie Ihr Design vorantreiben können. Sie können auch versuchen, Ihre Formen zu kontrastieren und zu sehen, welche Designs Sie entwickeln. Also, fangen Sie einfach mit wirklich grundlegenden Formen an und verwenden Sie sie als Leitfaden. Dies ist eine ähnliche Technik, aber dieses Mal versuchen Sie, nur ein Design zu schieben. Ich begann damit, eine Idee basierend auf Referenz zu zeichnen, und dann mit kontrastierenden Formen, machte ich eine Reihe von verschiedenen Designs desselben Charakters. Ich ändere auch den Abstand der verschiedenen Abschnitte des Gesichts als auch, so wie Sie sehen können, habe ich Augen, Nase und Mund Linien an verschiedenen Stellen auf jedem Gesicht. Das ist nur eine wirklich einfache Möglichkeit, Variationen innerhalb Ihrer Designs zu beschleunigen. Die nächste Übung ist eine gute Baupraxis , die Ihnen helfen wird, Muskelgedächtnis aufzubauen und Ihre Figur Zeichnung Fähigkeiten. Also, was Sie tun ist, wählen Sie eine Fotoreferenz und legen Sie entweder ein Stück Transparentpapier darüber oder erstellen Sie eine separate Ebene in Photoshop, wenn Sie digital arbeiten, und verfolgen Sie es dann mit einfachen Formen. Zeichnen Sie dieselben einfachen Formen neu, die die Größe und die Winkel variieren. Zeichnen Sie ein lockeres Gestendesign, das auf dieser Konstruktion basiert, und verwenden Sie schließlich Ihre lose Zeichnung als Blaupause, um eine Figur zu entwerfen. Dann habe ich nur einige gute Übung Gestenübungen. Die erste besteht darin, ein Sportspiel im Fernsehen oder online zu sehen, anzuhalten und schnelle Action-Gestenzeichnungen zu machen. Wenn ich schnell sage, meine ich wie 10-Sekunden-Zeichnungen. Sie können die Zeit immer verlängern, während Sie weitergehen, aber Sie sollten sich zwingen , wirklich schnell zu sein auf den ersten. Die zweite Übung ist nur dieses Mal ähnlich, wenn Sie eine animierte Show oder einen Film pausieren, und Sie können immer Clips auf YouTube für diese. Wie auch immer, dann verfolgen Sie direkt über die Oberseite der Frames, was zufällig das Beispiel ist, das ich gezeigt habe. Konzentrieren Sie sich nicht so sehr auf die Details, sondern nur auf die Grundform. Mit dieser Übung lernen Sie von anderen Künstlern und bauen Muskelgedächtnis auf. Als nächstes gehen Sie zu einer Live-Figurenzeichnung Klasse oder Sitzung, und für Posen von fünf Minuten oder mehr, ziehen Sie die gleiche Pose aus verschiedenen Aussichtspunkten rund um das Klassenzimmer. Verwenden Sie schließlich Online-Ressourcen wie lineofaction.com, die eine super rad-Site ist, auf der Sie Ihre Parameter einrichten und einige zeitgesteuerte Übungszeichnungen ausführen können . Gestenzeichnung geht es nicht darum, Menschen genau zu erfassen, es geht darum, das Gefühl einer Person einzufangen und auch Figurenzeichnung zu üben. 4. Inspiration und Vorlagen: „ Wenn du lernen willst, wie man ein Instrument spielt, musst du lernen, das Lied eines anderen Musikers zu spielen. Wenn du lernen willst, wie man zeichnet, musst du ein anderes Künstlerbild zeichnen.“ - Steven Silver. Dies ist eines meiner Lieblingszitate über Kunst. Es war wirklich so etwas wie ein Augenöffner für mich persönlich, als er es so formulierte. Ich sagte: „Oh, es war, als ob eine Glühbirne über meinem Kopf abging.“ Und ich sagte: „Oh, du weißt, dass du recht hast, das ist ein guter Punkt.“ Ok. Im Wesentlichen habe ich das Gefühl, dass Silver bedeutet, dass es wichtig ist, die Stile anderer Künstler zu studieren. Es ist genauso einfach wie das. Sie möchten studieren, wie sie biegen und brechen die Regeln der Konstruktion, analysieren, was ihren Stil konsistent macht, suchen Sie nach grundlegenden visuellen Konzepten, die Sie an Ihre eigene Arbeit anpassen können, wie sie Augen oder Haare oder Hände zeichnen und so weiter. Es ist wichtig, von mehr als einem Künstler beeinflusst zu werden, damit Sie vermeiden können, dass Ihre Arbeit vom Stil nur eines Künstlers beeinflusst wird. So können Sie Ihre Vielseitigkeit aufbauen. Beachten Sie jedoch, dass, wenn Sie in der Animation arbeiten möchten, Sie in der Lage sein müssen, verschiedene Stile zu imitieren. Also, das ist immer noch eine wirklich gute Fähigkeit zu haben. Grundsätzlich ist es in Ordnung, und sogar ermutigt anderen Künstlern nach Inspiration zu suchen, wann immer Sie brauchen. Referenz ist notwendig für das Wachstum als Künstler, und man hört nie auf, es zu benutzen. Es ist nur so, Sie können anfangen, es weniger und weniger für bestimmte Dinge zu brauchen. Wenn Sie diese Dinge immer und immer wieder zeichnen, aber Sie werden nie aufhören, es ganz zu benutzen. Also, wenn Sie jemand sind, der sich darüber Sorgen macht und ich weiß, dass ich früher war, denken Sie daran, dass die Verwendung von Referenz kein Betrug ist. Eines meiner Lieblingsbeispiele eines berühmten Künstlers, der Referenz verwendet, ist Norman Rockwell. Er benutzte die Referenz so brillant. Obwohl seine Arbeit keine Karikatur ist, und das bedeutet, ist es offensichtlich realistischer im Stil. Er hat seine Figuren immer noch auf wirklich interessante Art und Weise übertrieben. Wie zum Beispiel, hier machte er die Polizisten Schultern viel breiter als sie in der Fotoreferenz sind, was den Kontrast in der Größe zwischen ihm und dem Jungen noch größer und interessanter macht , denke ich. Also, im Grunde, hat er eine Menge bewusster Entscheidungen getroffen, wie er die Dinge von seiner Referenz ändern würde. Ich denke, seine letzten Stücke waren oft fast immer viel dynamischer als das reale Leben. Ja, deshalb ist er einer der Großen. Wenn Sie seine Arbeit vorher nicht zu schätzen wissen, ermutige ich Sie wirklich, seine Arbeit ein wenig näher zu studieren. Also, ich habe ein paar andere Künstler, die ich nur sehr kurz erwähnen möchte , weil sie alle Menschen sind, die studieren und schätzen, und sie sind alle Künstler, die meine eigene Arbeit beeinflusst haben und wirklich den anhaltenden Einfluss darauf haben. Ich werde so ziemlich einfach diese durchblättern und sie für sich selbst sprechen lassen. Denn wenn ich mit ihnen so viel reden würde, wie ich will, wären wir stundenlang hier. Also, jedenfalls, zuerst da Stephen Silver, natürlich, mit seinem fabelhaften Zeichentrickwerk. Viele meiner eigenen Cartoonings werden wirklich von ihm beeinflusst. Die nächste, Shaun Bryant, die ich vor kurzem entdeckt und ich denke, ist ein wunderbarer Charakterkünstler. Aaron Blaise, der wieder erstaunlich ist, arbeitete er für Disney für eine lange Zeit. Lois Van Baarle oder Loish, wie sie Online besser bekannt ist. Glen Keane natürlich, und seine Tochter Claire Keane, deren Arbeit ist brillant und offenbar läuft es in der Familie. Emily Carroll, eine weitere klassische Disney-Künstler, Milt Kahl. Ronald Searle. Don Blumen. Don Flowers ist wirklich gut, vor allem für, wie er eine ziemlich einfache Stil Arbeit wirklich gut und fühlen sich wirklich dynamisch zu studieren . Dann gibt es J.C Leyendecker, der einer meiner absoluten Lieblingskünstler überhaupt ist. Ich weiß, dass ich sagte, dass ich diese für sich sprechen lassen würde, aber nur sehr schnell. Die Sache an Leyendeckers Arbeit ist , dass es offensichtlich sehr sorgfältig gerendert und grafisch ist. Oft sehen Sie die klaren Pinselstriche und die kontrastierenden Geraden und Kurven. Aber zur gleichen Zeit hat es diese mühelose Qualität, als gäbe es ein so klares Verständnis von Form und wie man die Anatomie manipulieren kann, um sie so zu stilisieren, dass sie funktioniert. Es ist einfach wahnsinnig für mich und es lohnt sich, seine Sachen anzuschauen. Ok, weitermachen. Zu guter Letzt ist Charles Dana Gibson mit seinen berühmten Gibson Girls. Sein Werk ist ein weiteres Beispiel für Realismus, der stilisiert. Wenn man es zum ersten Mal ansieht, trifft es dich nicht sofort als Karikatur, aber es ist nur, dass die Entscheidungen, die er getroffen hat, subtiler waren. In Ordnung. Fahren Sie mit Schritt eins des Entwurfsprozesses fort. 5. Schritt 1: Geschichte: Also, ich entschuldige mich im Voraus, weil ich werde viel reden in diesem Video, aber ich verspreche, es ist alles interessant und relevant, also nehmen Sie einfach einen Schluck Kaffee oder was auch immer Ihr Getränk der Wahl vielleicht und lehnen Sie sich zurück und entspannen Sie sich für ein paar Minuten und ja. Ok. Der erste Schritt beim Entwerfen eines Charakters besteht also darin, die Geschichte Ihres Charakters zu kreieren. Also, wer sind sie? Was sind ihre Hintergründe? Was ist ihr Alter, ihre Persönlichkeit, ihre Einstellung? Was ist ihre Rolle oder Beruf? Wo und wann leben sie? Was sind einige physikalische Eigenschaften, die Sie integrieren möchten? Sie können sogar so weit gehen, um herauszufinden, was sie wollen, was sie antreibt, was sie mögen oder nicht mögen. Was können Sie persönlich über sie sprechen? Gibt es Menschen in deinem Leben, von denen du Inspiration schöpfen und in deinen Charakter setzen kannst , usw.? Je mehr du deinen Charakter verstehst und kennst, desto besser. Sie wollen nicht einfach direkt ins Zeichnen springen , es sei denn, Sie versuchen absichtlich los zu lassen und Spaß zu haben , dann sicher, aber wenn Sie einen Charakter für ein Projekt wie einen Comic oder eine Animation oder was auch immer bauen möchten, möchten Sie Ihre Recherche zuerst. Stellen Sie außerdem sicher, dass Sie den grundlegenden Gesamtstil Ihres Projekts festgelegt haben , bevor Sie Ihren Charakter entwerfen. Wird es super Cartoony oder realistischer sein? Für mich möchte ich, dass meine Charaktere näher am realistischen Ende des Spektrums sind, aber immer noch Cartoony und in einer lustigen Art und Weise geschoben werden. Sie wollen auch überlegen, für welches Medium es sein wird. Vielleicht möchten Sie nicht, dass Ihr Design super detailliert ist, wenn Sie es für, sagen wir, eine Animation oder sogar einen Comic zeichnen, weil Sie es immer und immer wieder zeichnen müssen und abhängig von der Druckgröße des Comics könnte das Detail verloren gehen oder fühlen Sie sich überladen. Also, Sie wollen diese Dinge in Betracht ziehen. Also werde ich nur direkt in meine Idee für diesen Charakter springen , den ich erstellen werde oder tatsächlich Charaktere. Ich möchte ein paar Cowboy-Charaktere kreieren. In Wirklichkeit sind Schwarze und Latino-Kulturen eigentlich das, was die Grenzkultur oder das, was wir als den Wilden Westen betrachten, im Wesentlichen geprägt haben. Spaßige Tatsache, das Wort „buckaroo“ ist eigentlich eine Korruption des spanischen Wortes „vaquero“, was Cowboy bedeutet. Also, ja, lernt eure Geschichte, Leute. Ich weiß nicht, wie es in anderen Ländern ist, aber die meisten US-Geschichtsklassen machen es viel weniger interessant und vielfältig, als es tatsächlich ist. Wie auch immer, der Punkt ist, dass viel wenn nicht die meisten echten Cowboys damals entweder schwarz oder Latino waren. Also wollte ich ein paar Charaktere in dieser Ader erschaffen. Ich bin keineswegs ein professioneller Charakterdesigner. Ich bin immer noch wirklich nur ein Anfänger und Hobbyist, aber ich habe eine Menge gelernt, die ich nicht auf diese Weise auf Skillshare präsentiert gesehen habe, also versuche ich, diese Leere im Wesentlichen zu füllen. Der Punkt von mir ist, dass ich noch nie wirklich an einem professionellen Projekt gearbeitethabe noch nie wirklich an einem professionellen Projekt gearbeitet in dem die Geschichte und die Charaktere bereits weitgehend für Sie herausgefunden sind. Was ich also gerne mache, ist meine Charaktere in irgendeiner Art fiktionalisiertes Projekt in meinem Kopf zu errichten. Also denke ich an diese Charaktere, die ich als die Stars eines Comicbuchs oder Web-Comics erstellen werde. Ich bin kein Schriftsteller, also wird dieser hypothetische Comic wahrscheinlich nie gemacht werden, es sei denn, ich arbeite mit jemandem zusammen, was super Spaß machen würde, aber egal,für mich, hilft es,meine Charaktere und eine Art zu erforschen was super Spaß machen würde, aber egal, für mich, hilft es, von Ideen wie diese. Also, jedenfalls, beginne ich damit, meine Recherche zu machen. Ich mache gerne Pinterest-Boards mit Bildern, die ich zur Inspiration verwenden werde. In diesem Fall brauchte ich besonders Bekleidungsreferenz, also habe ich eine Menge davon hier. Aber ich war auch auf der Suche nach Bildern mit viel Persönlichkeit und Einstellung, weil ich möchte, dass meine Charaktere viel Persönlichkeit und Haltung haben. Selbst wenn Sie denken, Sie wissen alles über einen bestimmten Zeitraum oder Beruf oder was auch immer Sie zeichnen, ich ermutige Sie immer noch, diesen Teil nicht zu überspringen. Wir haben heutzutage so viel Glück mit dem Internet, dass es schade scheint, es nicht zu nutzen. Eine Art von Beispiel, das ich gerne zur Unterstützung der Verwendung von Referenz zu bringen ist Sie wissen, wie in einer Menge von älteren Gemälden Babys oft wirklich seltsam aussehen? Fast so, als wären sie nur winzige nackte, haarlose Erwachsene. Nun, meine Theorie ist, dass das liegt daran, dass die Maler nicht viel Gelegenheit hatten, echte Babys zu studieren, also wussten sie einfach nicht, wie sie zeichnen sollen. Zitieren Sie mich nicht, aber ich frage mich darüber. Wie auch immer, was ich als nächstes mache, ist, einige einfache Attribute entweder direkt auf das Dokument, an dem ich arbeite, oder einfach nur auf einem Papier, das neben mir ist, so dass ich darauf verweisen kann. Wenn ich mehr als einen Charakter für die gleiche Geschichte entwerfe, wie wenn sie das gleiche Universum in meinem Kopf bewohnen, versuche ich gerne, nicht nur kontrastierende Persönlichkeiten zu finden, sondern auch kontrastierende Erscheinungen, da dies eine visuelle mittel. Also, von meinen zwei Charakteren, sind ihre vorläufigen Namen an dieser Stelle Tobias oder Toby Greenwood und Manuel Castillo, denn das ist genau das, was zu mir kam und ich mag sie. Der einzige Grund, warum ich vorsichtige Namen sage ist, dass, wenn ich das tatsächlich zu einer Geschichte machen würde, ich möchte einige gründlichere Recherchen machen und sicherstellen, dass Tobias Greenwood ein Name ist, den jemand damals tatsächlich haben würde. Ich verstehe nicht, warum es nicht sein würde, aber ich weiß es nicht. Was weiß ich denn? Ich bin kein Historiker. Also, ja, wenn ich das tatsächlich zu einer voll ausgearbeiteten Geschichte machen würde, möchte ich auf solche Dinge vergewissern. Aber da ich das nicht mache, ziehe ich nur diese Typen und versuche, ein Gefühl dafür zu bekommen, wer sie sind. Ich fühle nicht wirklich das Bedürfnis, an dieser Stelle in diese Tiefe der Forschung einzugehen. Das einzige, was ich weiß, dass ich wirklich genau werden möchte , sind das Aussehen und die Kleidung und diese Art von Sache, was die Forschung ist, die ich bereits gemacht habe, die visuelle Forschung. Also... ich weiß nicht, dass sich ihre Namen ändern können. Ich werde wahrscheinlich irgendwann völlig recherchieren und sicherstellen, dass diese Namen legitim sind, nur weil ich diese Art von Kompletist bin und ich gerne sicherstellen möchte, dass alles genau ist, wie es sein kann, wenn ich entwerfe Zeichen, vor allem, wenn sie in einem echten historischen Zeitraum basieren. Namen haben eine Menge Macht in einer Geschichte. Sie geben einem Charakter ein gewisses Gefühl, also habe ich zumindest gerne eine gute Vorstellung davon, was sie sein werden. Harry Potter ist ein perfektes Beispiel dafür. JK Rowling trifft sehr bewusste Entscheidungen, wenn es um die Namen ihrer Charaktere oder zumindest ihrer Hauptfiguren geht. Zum Beispiel, das erste, das in den Sinn kommt, ist Draco Malfoy. Sein Name gibt Ihnen wirklich eine gute Vorstellung davon, wer er als Charakter ist, und Luna Lovegood ist ein weiteres gutes Beispiel. Du bekommst ein Gefühl dafür, wie sie sein wird, sobald du ihren Namen hörst. Also, ja, und ich denke nur, dass Namen wirklich lustig sind. Also, ich erhalte automatisch eine Art Vorliebe für die Charaktere, die ich erstelle, sobald ich sie benenne, so dass ich nie überspringe. Ok. Also, jedenfalls, ich bin auf eine Tangente gegangen und es tut mir leid. Worüber habe ich geredet? Oh, ich habe über kontrastierende Erscheinungen gesprochen. Toby wird groß, dünn und drahtig sein, während Manuel kürzer und stämmiger und breitschultriger sein wird. Der Kontrast zwischen den beiden Charakteren wird sie automatisch visuell ansprechender machen. Dann mag ich immer die Freundschaftsdynamik des sarkastischen Charmertyps und den verärgerten, aber liebenswerteren, ernsteren Typ. Das werden sie also sein. Ich notiere alle Qualitäten, die ich weiß, dass ich sie besitzen will. Vor kurzem habe ich festgestellt, dass ich wirklich gerne paarweise entwerfen, weil etwas, das mich wirklich aufgeregt über das, was ich tue, ist die Charakterbeziehung oder Dynamik. Um dieser Klasse willen werde ich Sie jedoch durch den eigentlichen Prozess der Gestaltung nur eines davon führen. In Ordnung. Jetzt, wo ich dir das Ohr abgesprochen habe, gehen wir zu Schritt zwei. 6. Schritt 2: Entwürfe: Also, sobald ich herausgefunden habe, wer mein Charakter ist, beginne ich damit, wirklich grobe Skizzen zu zeichnen. Also, zunächst versuche ich, die Körperform herauszufinden, denke an Kopf, denke an Kopf, Oberkörper und Gliedmaßen als drei miteinander verbundene Einheiten, und halte die Formen so einfach wie möglich. Grundsätzlich möchte ich nicht in zu vielen Teilen an den Körper denken, wenn das Sinn ergibt. Je einfacher du darüber nachdenkst, desto besser. Erinnern Sie sich dabei an Ihre kontrastierenden Formen. Dies gilt für so ziemlich alle Stile aus der Super-Cartoony und geschoben auf die realistischere. So ziemlich jede Illustration, die Sie tun, wird zumindest eine gewisse Menge an Karikatur und Übertreibung beinhalten. Aber nur zum Spaß, wenn ich etwas in einem Cartoony-Stil entwerfen würde, könnte ich Körperformen wie diese erkunden, die viel mehr übertrieben sind. Ich weiß, ich möchte, dass meine Charaktere größtenteils proportioniert sind, also gibt es keine Tonne Differenzierung zwischen den Körperformen, die ich erforsche, aber ich finde immer noch den Schritt wirklich hilfreich und es dauerte nur ein paar Minuten, um diese zu skizzieren. Also, ich sehe sie irgendwie als Notizen, die ich für meine Hand nehme. Diese letzten paar Figuren, die ich gezeichnet habe, sind Ideen für meinen zweiten Charakter und das würde ich gerne tun, wenn ich paarweise oder mehr als einen Charakter auf einmal entwerfe. Ich zeichne gerne verschiedene Körperformideen für beide Charaktere gleichzeitig. Nur weil es Spaß macht zu sehen, wie die Charaktere miteinander kontrastieren, und es gibt mir auch mehr Ideen, wie man sie dazu bringen kann, voneinander zu unterscheiden, wenn ich sie direkt nebeneinander sehe. Also wie auch immer, in diesem Stadium, Sie wollen zu erkunden und das zu tun, müssen Sie sich nicht um Details kümmern. Früher sprang ich direkt in die Zeichnung der Details und was passieren würde, ist, dass ich wirklich wertvoll über meine ersten Zeichnungen wurde und es schwer fällt, Dinge zu erforschen und zu ändern. Ich machte auch Baufehler, die ich nicht bemerkt habe, und dann arbeitete ich am Detail und erkannte , dass ich es neu zeichnen musste und ich die ganze Zeit verschwendet habe. Sie möchten Ihr Design nicht sofort festhalten, denn Sie möchten nicht nur sicherstellen, dass Ihre Konstruktion gut ist, bevor Sie zum Detail weitergehen, sondern Sie möchten auch nicht die Gelegenheit verpassen, wirklich zu erkunden und mit die Feature-Platzierung und sehen Sie einfach, was funktioniert und was nicht funktioniert. Sie wollen wirklich versuchen, nicht zu kostbar mit Ihren Zeichnungen zu sein. Es kann wirklich sehr restriktiv sein und wenn Sie es rau und locker und lustig halten und nicht stressig zu beginnen, können Sie wirklich einige interessante Ideen finden. Betrachten Sie sie an dieser Stelle eher als Scribblings. Also, dass Sie sich wohler fühlen, wirklich versuchen, eine Reihe von verschiedenen Dingen. Die nächste Stufe, die Entwurfsphase ist, wenn Sie wirklich anfangen zu zeichnen. Sobald ich eine ziemlich gute Vorstellung von der Gesamtform meines Charakters habe, probiere ich gerne ein paar verschiedene Gesichter und Kopfformen aus. Ich zeichne immer noch ziemlich grob aus den gleichen Gründen, die ich vorher getan habe. Ich finde immer noch die Dinge raus. Also, ich möchte wirklich sicherstellen, dass ich mit meinem Design zufrieden bin , bevor ich anfange, es mehr zu fixieren. Ich habe eine ziemlich gute Vorstellung davon, wie ich will, dass Toby aussieht. Ich weiß, ich will, dass er so aussieht, als wäre er irgendwo in seinen späten 20er frühen 30er Jahren. Also, ich habe versucht, das hier zu klären weil einige meiner ersten Skizzen etwas zu jung aussahen, als ob der Typ rechts aussieht, als wäre er ein Teenager. Also, ich halte ihn ein bisschen mehr aus und gab ihm ein bisschen mehr Winkel, um zu versuchen, ihn ein bisschen zu altern. Auch dieser Hut ist nicht großartig, er muss repariert werden. Ich muss mir später eine Referenz dafür ansehen, aber ich mache mir jetzt keine Sorgen. Das ist, wofür dieser Teil des Prozesses ist, für mich, nur solche Sachen herauszufinden und verschiedene Dinge auszuprobieren, um zu sehen was ich erreichen kann, damit Charaktere näher an dem aussehen , was ich versuche, sie aussehen zu lassen. Also, das hat mir eine ziemlich gute Vorstellung von der Richtung gegeben, die ich mit ihm gehen will. Also, ich denke, ich bin bereit, zu Schritt drei zu gehen. 7. Schritt 3: Design: Schritt drei ist, wenn ich wirklich anfange, die Details anzugehen. Normalerweise beginne ich damit, weiter an den Gesichtszügen zu arbeiten und zu versuchen, sie wirklich festzusetzen. Manchmal beginne ich mit einem ziemlich neutralen Ausdruck und sobald ich das herausgefunden habe, zeichne ich ihn wieder mit etwas mehr Persönlichkeit und Einstellung. Tobi ist sarkastisch und ein Charmeur. Also denke ich darüber nach, während ich seine Ausdrücke erstelle. Apropos Ausdrücke, ich plane den zukünftigen Crashkurs Ausdrücken zu widmen, so dass dieser irgendwann in diesem Jahr gehostet wird. Ich bin mir nicht sicher, was mein Planungsplan genau dafür ist , aber es wird irgendwann in diesem Jahr sein. Ich könnte ihn am Ende ein wenig mehr Cartoony in den endgültigen Entwürfen machen. Aber egal, ich weiß, dass ich sein Design nicht super übertrieben und super Cartoony machen will . Ich habe jetzt ein gutes Verständnis für seine Eigenschaften. Also, jetzt werde ich gehen, um ihn zu posieren und seine Kleidung und all das gute Zeug herauszufinden. Für mich ist das der schwierige Teil. Ich liebe es, Gesichter zu zeichnen, also zeichne ich sie die ganze Zeit, aber ich übe nicht, Figuren genug zu zeichnen, also kämpfe ich immer mit posieren. Ich muss mehr Figurenzeichnung üben. Ich würde gerne zu einem Punkt kommen, wo ich einfach ganze Körper zeichnen kann , wie ich Gesichter zeichnen kann, aber ich bin noch nicht da. Ich bin auch nicht gut darin, Kleidung zu zeichnen, also verwende ich immer Referenz dafür. Zum Beispiel werden Sie sehen, dass ich eine Menge Inspiration von diesem Bild nehmen werde, vor allem das Outfit dieses Kerls. Ich dachte nur, es war wirklich cool und hat eine Menge Charakter. Ich mag auch wirklich, wie dieser Kerl in der Mitte, diesem Bild, wie sein Hut auf seinem Kopf sitzt. Also spiele ich mit diesen Ideen in meinem Design herum. Nur damit du es weißt, ich habe Referenz auf meinem Laptop-Bildschirm, während ich auf meinem iPad Pro arbeite. Einer meiner Schüler aus meiner letzten Klasse zum Zeichnen Tierfiguren sagte mir, dass ich es einfach aussehen ließ, aber es war nicht einfach. Ich habe gekämpft. Ich bin nicht sofort auf meine Entwürfe gestoßen. Es gab Arbeit. Ich musste arbeiten, um zu meinen endgültigen Entwürfen zu kommen. Also, es war interessant zu hören, dass ich es anscheinend einfach aussehen ließ , weil es nicht einfach war. Immer wenn ich etwas mache, auf das ich stolz bin, ist es fast immer ein Kampf, um dorthin zu kommen besonders mit Charakterdesign, weil ich es nicht die ganze Zeit mache. Also, ja, es ist interessant, dass sie sagten, ich habe es einfach aussehen lassen, weil es wirklich nicht war. Also, obwohl ich Ihnen den gesamten Prozess zeige und ich Ihnen die endgültigen Designs zeige, zeige ich es Ihnen nicht in Echtzeit und es dauerte viel länger, als es in diesen Videos scheinen mag. Wenn Sie andere Leute beobachten, wenn Sie andere Künstler arbeiten sehen oder andere Künstler arbeiten sehen, müssen Sie sich daran erinnern, dass Sie den Prozess nicht sehen, Sie sehen nicht den vollständigen Prozess, Sie sind nicht sehen die ganze Zeit, die es brauchte, um zu diesem Punkt zu kommen. Ich meine nicht nur die ganze Zeit, die Stunden, die Sie für dieses eine Design verbracht haben, ich meine all die Praxis und die Hingabe, die jeder Künstler in sein Handwerk bringt. Sie sehen das nicht, aber jeder einzelne Künstler zeichnet und praktiziert oder jeder einzelne gute Künstler, der zu einem Punkt gekommen ist, den Sie bewundern, sie setzen Arbeit ein. Sie haben so viel Arbeit eingesteckt und Sie sehen es einfach nicht. Du bist nicht für all das da. Also müssen Sie versuchen, sich daran zu erinnern, dass Sie sich nicht mit jemandem vergleichen können wahrscheinlich viel mehr praktiziert hat als Sie und der wahrscheinlich viel mehr Zeit gewidmet hat als Sie. Dann gibt es auch die Tatsache, dass sich die Leute gerade nach oben mit unterschiedlichen Geschwindigkeiten verbessern und man sich Zeit lassen muss. Schneiden Sie sich etwas schlaff, weil Sie sich definitiv verbessern. Nur weil du dich nicht mit der Geschwindigkeit besserst, die jemand anderes ist, heißt das nicht, dass du dich nicht verbesserst. Also, wenn das etwas ist, das Sie gerne tun, lassen Sie sich nicht von den Talenten anderer Leute entmutigen. Achten Sie einfach auf das, was Sie tun, und versuchen Sie, die Verbesserung zu schätzen, die Sie gemacht haben. Ich weiß, es ist wirklich schwer, sich nicht mit anderen Künstlern zu vergleichen. Das weiß ich so, so gut. Ich mache es immer noch die ganze Zeit. Also, ich verstehe, es ist nicht so einfach, als nur deine Finger zu schnappen und es so zu machen. Aber Sie müssen versuchen, eine Perspektive zu haben und versuchen , sich daran zu erinnern, dass Sie nicht den gesamten Prozess von jemandem sehen werden. Lois H. Die Lois Van Barle, die ich in der Inspiration und Referenzfolie erwähnt habe, hat dieses Experiment gemacht, bei dem sie einmal im Jahr für fünf bis zehn Jahre oder so etwas die gleiche Grundzeichnung zeichnete . Und sie wollte im Grunde sehen, was ihre Verbesserung auf genau der gleichen Zeichnung war. Sie zeichnet jeden Tag, so ziemlich jeden Tag, sie zeichnet so viel die ganze Zeit. Sie ist nur, sie hat sich ihm verschrieben, sich wirklich dem gewidmet. Und es zeigt sich, weil ihre Arbeit unglaublich ist. Es war wirklich wunderbar zu sehen, dass es nicht toll war, um ihre frühe Arbeit zu sehen, um ehrlich zu sein. War es wirklich nicht. Es war ein beginnender Künstler. Es war sehr beginnender Künstler. Und nicht zu sehen, dass die enorme Menge an Verbesserungen, die sie in dieser Zeit gemacht hat, wirklich ermutigend war. Mir wurde klar, dass es so ein Augenöffner für mich war, weil mir klar wurde : „Oh, hier sind die physischen Beweise. Hier ist der Beweis, dass diese erstaunliche Künstler, die ich so sehr bewundere... Sie war nicht immer so gut und sie kam dorthin, weil sie wirklich hart gearbeitet hat.“ Sie kam an den Punkt, wo sie ist, weil sie so viel Zeit und Hingabe hineingesteckt hat. Es war ermutigend für mich persönlich, weil es so war : „Oh, mein Fähigkeitsniveau liegt bei etwa vier Jahren.“ Was auch immer. Aber es war so: „Wow, sieh dir das an. Ich muss nur arbeiten. Ich muss mich ihm widmen.“ Ich werde nicht nur ein besserer Künstler sein, wenn ich die Arbeit nicht reinstelle. Es gibt keinen Grund, warum ich nicht besser werden sollte, wenn ich die Arbeit reinstelle. Sie hat es getan und sie ist unglaublich und sie ist eine erstaunliche Künstlerin. Es war einfach so schön zu sehen. Also, ich will nur, dass du versuchst, dich daran zu erinnern. Versuchen Sie, sich daran zu erinnern, dass Sie nicht sehen, die Stunden, die Menschen in die Welt setzen, um bessere Künstler zu werden. Es kann so frustrierend sein, weil man einfach gut sein will. Ich verstehe, dass du einfach besser sein willst, als du sofort bist. Sie wollen die sofortige Befriedigung davon , aber Sie werden es nicht bekommen, werden Sie einfach nicht, es sei denn, Sie sind ein Wunderkind, und Sie sind wahrscheinlich nicht. Also, sei einfach zu dir selbst. Lassen Sie sich üben. Lassen Sie sich in Ihrem eigenen Tempo und in Ihrem eigenen Tempo besser werden und versuchen nicht, sich mit anderen Menschen zu vergleichen , die wahrscheinlich im Jahr zehn sind, wenn Sie im ersten Jahr sind. Etwas, das für mich funktioniert, ist eine Unterzeichnung zu tun, dann senken Sie die Deckkraft, fügen Sie eine Ebene hinzu und machen Sie eine andere grobe Zeichnung über die Spitze, aber dieses Mal versuchen die Stilisierung des Charakters ein wenig mehr oder Sie kann einfach Ihr gedrücktes Design zur Seite ziehen, wie ich es hier getan habe. Ich mache das so oft wie nötig, bis ich einen Punkt erreicht habe, mit dem ich zufrieden bin. Ihr Design zu schieben bedeutet im Grunde nur, es immer mehr zu übertreiben. Ich habe eine schlechte Angewohnheit, meine Zeichnungen manchmal zu überarbeiten , bevor ich wirklich die Konstruktion festnagle, was mit der ersten Version passiert ist, die ich von ihm gezeichnet habe. Ich wusste, dass ich mit dem Design unzufrieden war, als ich es zeichnete, also hätte ich wirklich nicht so viel an den Details arbeiten und etwas Zeit verschwenden sollen. Aber ich wähle es als Lernerfahrung zu betrachten. Ich denke, die endgültige Version, auf der ich gelandet bin, entspricht der ursprünglichen Körperformidee, die ich für ihn viel besser hatte. Also kam ich schließlich dorthin. Ich habe die Positionierung seines Armes sehr durcheinander gebracht, denn zuerst fühlte ich mich, als ob er ein wenig zu weit nach links geschoben wurde, also drückte ich ihn ein wenig nach rechts zurück, so dass zwischen Rücken und Arm ein schöner Raum war . dieses Dreieck des Raumes ist ein schöner offener negativer Raum. Dann erkannte ich, dass seine Hand eine Tangente mit seinem Bein und seiner Hüfte und so erschaffte, und ich mochte nicht, wie die aufgereiht waren also machte ich seinen Unterarm etwas länger, so dass und ich mochte nicht, wie die aufgereiht waren, also machte ich seinen Unterarm etwas länger, so dass die Hand ein wenig mehr vor seine Hüfte. Das hat das Problem größtenteils weggenommen, aber dann wurde mir klar, dass seine Hand ein wenig zu klein war. Seine beiden Hände scheinen ein wenig klein zu sein, also habe ich das auch überarbeitet. Sie haben vielleicht bemerkt, dass ich die Leinwand, an der ich arbeite, ständig horizontal blättere. Ich mache das, weil es Fehler wirklich hervorhebt. Wenn ich die Zeichnung in beide Richtungen gut aussehe, wird es eine viel stärkere Zeichnung sein. Es ist seltsam, wie Dinge, die Sie nicht bemerkt haben, wirklich auffallen, wenn sie in die entgegengesetzte Richtung gedreht wurden. Ich benutze Procreate auf dem iPad Pro hier, und um das zu tun, stellen Sie einfach sicher, dass Sie auf der rechten Ebene sind und dann den kleinen Auswahlpfeil oben links in der Menüleiste drücken , dann tippen Sie einfach auf dieses kleine Symbol nach unten hier, und das kippt es horizontal. Aber in Photoshop drücken Sie Befehl oder Control T auf Ihrer Tastatur, um zu transformieren, und dann auf der Leiste oben, gibt es ein W für Breite. Wenn Sie nur ein Minuszeichen vor die 100 Prozent setzen, wird es umkehren, was Sie ausgewählt haben, und Sie fügen einfach ein Minuszeichen wieder auf der Rückseite hinzu. Wenn Sie Ihren Charakter konstruieren, stellen Sie sicher, dass Sie nach Ihren Formen zeichnen, damit alles richtig ausgerichtet ist. Es kann Ihnen ein Gefühl von Fluss geben und alles fühlt sich an, als wäre es verbunden. Sie möchten, dass sich die Anatomie richtig anfühlt und sich verbunden fühlt, und das Zeichnen durch Ihre Formen hilft wirklich dabei. Sie können die Zeilen, die Sie später nicht benötigen, immer löschen. Also, zum Beispiel, mit Tobias Hut, wusste ich, dass er einen Hut haben würde, aber ich zog seinen Kopf, obwohl ich wusste, dass ich ihm einen Hut anziehen würde. Weil ich sicherstellen wollte, dass der Hut richtig auf seinem Kopf ruht. Also, da habe ich den Kreis gezeichnet, um den Schädel anzuzeigen, also sitzt der Hut richtig. Ich tat das nur in seinem ganzen Körper, um zu versuchen, die Dinge in Verbindung zu bringen. Ich verband seine Schultern, sorgte dafür, dass sie aufgereiht sind, und das alles so. Ich finde immer noch meinen Zeichentrickstil heraus, wenn du so willst. Ich habe so viele Einflüsse und es gibt so viele verschiedene Stile, die ich wirklich bewundere, und ich kann keinen auswählen, den ich mehr nachahmen möchte. Ich möchte nicht nur einen Stil emulieren, weil ich nicht dazu neigen möchte, jemanden zu sehr zu kopieren, aber ich war immer noch nicht in der Lage, etwas zu verfeinern, das ich erkunden möchte. Also versuche ich immer wieder ein paar verschiedene Dinge. Dieses Mal habe ich definitiv mit einer Art Disney-Look gegangen. Ich meine, sein Körper ist etwas übertrieben, aber das Gesicht und das hat irgendwie ein klassisches Disney-Gefühl. Ich wollte das nicht unbedingt tun, aber so ist es gelandet, was in Ordnung ist. Ich liebe alle Stile und so. Ich sage das nur, weil ich immer noch wirklich ein Anfänger und ein mittlerer Charakterdesigner bin. Ich arbeite immer noch wirklich daran, meinen Stil zu verfeinern und herauszufinden, wer ich als Charakterkünstler bin. Ich sage Ihnen das, weil ich möchte, dass Sie sich ermutigt fühlen durch die Tatsache, dass Sie sich das vielleicht ansehen und denken, dass ich wirklich geschickt bin, oder ich weiß es nicht, vielleicht nicht, aber je nachdem, wo Sie auf Ihrer Kunstreise sind, wenn Sie können Sie sich das ansehen und denken, dass ich viel Geschick habe und dass ich Ihnen weit voraus bin oder was auch immer. Aber ich möchte nur, dass du weißt, dass ich immer noch sehr hart daran arbeite herauszufinden, wer ich als Künstler bin, speziell als Charakterkünstler, um herauszufinden, wohin ich genau meinen Stil will. Ich experimentiere immer noch. Ich möchte wirklich einen Punkt erreichen, dem jemand vielleicht erkennen kann, dass es meine Arbeit ist, oder dass es zumindest die Arbeit einer Person ist, der gleichen Person. Moment habe ich das Gefühl, dass meine Zeichnungen überall sind und es ist wie, oh, wow, du hast das gezeichnet, und du hast das gemalt? Aber das ist nur, weil ich immer noch verschiedene Stile erforsche und was ich mag und nicht mag. Das ist in Ordnung. Es sei denn, du fällst wirklich einfach in einen Stil, den du sofort magst . Das ist auch okay. Wenn es etwas gibt, auf das man sich hingezogen hat und es von Anfang an für Sie funktioniert, ist das cool. Aber das passiert nicht für jedermann. Also, ich wollte nur ein bisschen darüber reden. Wenn Sie für so etwas wie einen Comic oder eine Animation entwerfen, in der Sie die Formensprache Ihres Charakters wirklich verstehen müssen , damit Sie sie immer und immer wieder neu zeichnen können, indem Sie eine Modellkonstruktion aufschlüsseln, als Model Sheet bekannt, ist eine wirklich gute Idee. Sie möchten, dass die Konstruktion und Form Ihres Charakters tief verwurzelt werden. Je nach Projekt kann dieses Modellblatt einen vollständigen Turnaround enthalten. Eine Wende besteht aus einer Vorderansicht, vorderen Dreiviertelseite, hinten drei Viertel und einer geraden Rückansicht des Charakters. Ich plane, einen ganzen Crashkurs Turnarounds und all den Tricks zu widmen , die ich für die Erstellung aufgegriffen habe, also werde ich es hier nicht demonstrieren. Aber ich wollte nur erwähnen, dass, wenn Sie in der Animationsindustrie arbeiten wollen , das ist ein Skill Set, müssen Sie lernen. Es gibt eine Menge großartiger, Tutorials bereits da draußen wenn es etwas ist, das Sie versuchen wollen, abholen jetzt. Also, hier ist mein endgültiges Design mit aufgeräumter Linienarbeit, und ich werde im nächsten Video mehr über Linienarbeit sprechen. 8. Schritt 4: Bereinigung und Farbe: Ich werde nicht auf eine Menge Details darüber eingehen, wie ich diese Zeichnung gemacht habe, wie ich es mit meinen Tierfiguren in meinem vorherigen Crashkurs getan habe, weil ich nicht repetitiv sein möchte. Ich habe eine andere Klasse, die sich ganz auf das digitale Malen von Porträts konzentriert. Ich habe viele der gleichen Techniken in dieser Zeichnung verwendet, die ich in beiden Klassen verwendet habe, so dass Sie diese überprüfen können, wenn Sie interessiert sind. Stattdessen werde ich eine schnelle, einfache flache Farb-Demodemonstrieren einfache flache Farb-Demo und einige Tipps für Liner Cleanup teilen. Ich verstehe, dass Charakterdesigner, die in der Branche arbeiten, oft nicht erwartet werden, ihre Arbeit zu färben, weil Unternehmen in der Regel Menschen haben, die auf Färbung spezialisiert sind. Natürlich ist es immer noch eine große Fähigkeit zu haben, aber wenn Sie sich auf Charakterdesign spezialisiert haben wollen, müssen Sie nicht unbedingt ein Meister in Farbe sein. Vor diesem Hintergrund wollte ich eine schnelle, einfache und effektive Farb- und Schattierungstechnik teilen . Sie können diesen Schritt traditionell mit einem Lichtbrett machen, wenn Sie möchten. Aber der Leichtigkeit halber werde ich es digital demonstrieren. Wenn ich die Bereinigungsphase erreicht habe, arbeite ich normalerweise weiter an jedem Programm, das ich verwende, normalerweise Photoshop oder Procreate. Ich senke die Deckkraft meiner groben Skizze, erstelle eine neue Ebene und zeichne über die Oberseite. Natürlich hängt alles von Ihrem Stil ab und wie sauber Sie Ihre Arbeit mögen oder wie sehr Sie die Textur des Pinsels zeigen möchten. Möchten Sie eine durchgezogene Linie, konische Linie, skizzierte Linie? Für meine Zeichnung von Toby wollte ich die Bleistiftqualität des Pinsels, den ich benutzte, um in der Linienmarke zu zeigen. Ich wollte nicht, dass es super sauber oder scharf ist, weil, naja, zuallererst, ich mag diesen handgezeichneten, traditionell aussehenden Stil. Zweitens wusste ich, dass ich wollte, dass die Farbe eine malerische Qualität hat und ich wollte, dass die Linienmarke dazu passt. Wenn ich eine Linienmarkierung mache, besonders wenn es eine super saubere, fett gezeichnete Linie wie diese ist, zeichne ich gerne jede Linie schnell und ich mache mir keine Sorgen darüber, wo die grobe Skizze endet. Ich finde, dass ich Linien viel sauberer und weniger wackelig machen kann , wenn ich so schnelle Striche mache. Ich mache mir keine Sorgen über die perfekte Verfolgung, weil ich die Bits, die später Crossover übergehen, immer löschen kann. Natürlich funktioniert das wirklich nur mit digitaler Kunst. Man muss ein bisschen vorsichtiger mit traditionellem sein. Aber ich finde es auch einfacher, meine Linien genau zu kontrollieren, wenn ich traditionell zeichne. Wie auch immer, ich versuche nicht zu kostbar zu sein, wie perfekt meine Linien sind, weil man die Unvollkommenheiten später oft nicht bemerken wird. Aber ich muss manchmal immer noch Linien über und über eine Tonne von Malen zeichnen , bevor ich es richtig mache. Es gibt keine wirkliche Technik, es braucht nur Übung. Je mehr Sie es tun, desto leichter wird es. Jetzt lösche ich alle nicht benötigten Bits. Sie möchten sicherstellen, dass die Stärke Ihrer Linien konsistent ist. Selbst bei einer Verjüngungslinie sollten die dicksten Punkte der Linien übereinstimmen und sie sollten sich alle ähnlich verjüngen. Hier bemerkte ich, dass die Linie ein wenig dünn war, also verdickte ich sie. Denken Sie bei der Auswahl der Farben über die Geschichte, Stimmung und die Einstellung nach, die Sie darstellen möchten. Für diesen Charakter habe ich einige raffinierte und trendige Pastelleausgewählt einige raffinierte und trendige Pastelle und sie mit ein paar helleren lustigen Grüns kontrastiert, weil sie wie eine lustige, anspruchsvolle Dame scheint. Für meine Zeichnung von Toby und Manuel wählte ich eine gedämpftere Farbpalette mit vielen Braun- und Orangetönen, weil ich an den Alten Westen dachte und ich wollte, dass die Farben, die ich gewählt habe, das widerspiegeln. Es gibt nichts Lustiges an meinem Färbejob hier. Ich habe im Grunde nur einen Texturpinsel ausgewählt und einige flache Farben gelegt. Eine Kultur, die ich aufgenommen habe, um schnell rosige Wangen zu erstellen, ist, eine neue Ebene zu erstellen, Dreiecke über die Wangen zu zeichnen und sie dann zu verwischen. In Procreate, klicken Sie auf das kleine magische ein Symbol in der oberen linken Menüleiste, und klicken Sie dann auf „Gaußsche Weichzeichnung“ und ziehen Sie Ihre Stylistin nach rechts und links, um den Prozentsatz der Unschärfe anzupassen. In Photoshop gehen Sie zu Filter, Weichzeichnen, Gaußsche Weichzeichnung, passen Sie den Prozentsatz mit dem Schieberegler an und drücken Sie „Enter“. Sie können auch versuchen, einen Kreis über die Nase zusammen mit den Dreiecken zu zeichnen und alle drei von ihnen zu verwischen. Aber ich dachte nicht, dass diese Zeichnung sie wirklich brauchte, also habe ich mich nicht gestört. Ich denke nur, das ist eine wirklich coole Art, eine wirklich schöne, schöne rosige Wange zu bekommen , ohne sich Gedanken darüber zu machen, einen weichen Texturpinsel auszuwählen und ihn zu perfektionieren. Es hat jedes Mal für mich funktioniert und ich denke, es ist wirklich cool. Es gibt eine Million und eine Möglichkeit, Ihre Farbe zu schattieren. Eine schnelle und einfache Möglichkeit, dies zu tun, besteht darin, Ihre Farbebene zu duplizieren und dann die Farbtonsättigung zu verwenden, um diese duplizierte Farbebene anzupassen. Es gibt ein paar verschiedene Möglichkeiten, die Farbtonsättigung anwenden können. Zuerst können Sie zu Bildanpassungen, Farbtonsättigung gehen oder Sie können nach oben oder rechts über das Ebenenfenster gehen und Farbtonsättigung finden und anwenden. Oder mein bevorzugter Weg ist, sicherzustellen, dass Sie auf der Ebene auswählen, die Sie bewirken möchten, und gehen Sie zu diesem kleinen Kreis auf dem gleichen Panel, in dem sich die neue Ebenenschaltfläche befindet, und wählen Sie Farbtonsättigung. Es erstellt eine Farbtonsättigungsmaskenebene oberhalb der Ebene, die Sie bewirken möchten. Wenn Sie es nur auf die darunter liegende Ebene anwenden möchten, müssen Sie lediglich den Cursor zwischen diesen beiden Ebenen bewegen und die Alt- oder Wahltaste gedrückt halten, und ein kleiner Pfeil erscheint, und klicken Sie darauf. Dann gilt es nur für die darunter liegende Schicht. In den Eigenschaften passe ich den Farbton normalerweise auf eine violettere oder blaue Farbe an. Die Leichtigkeit, ich bringe es ziemlich weit runter und mache es ziemlich dunkel. Dann nehme ich die gesamte Deckkraft auf irgendwo in den 20er oder 30er Jahren Prozent und das schafft einfach eine wirklich schöne schattierte Version auf Ihrer leichten Version. Die Farbtöne sind ein bisschen blau und ein bisschen lila, was sie etwas weniger schlammig aussehen lässt. Wenn du nur versucht hast, mit ein paar Schwarzen, ein paar Grautöne reinzugehen , würde das nicht sehr gut aussehen. Dies ist nur ein schöner schneller Weg, um einige coole Farben zu finden, die funktionieren, um Ihre Zeichnung zu schattieren und es tut es einfach automatisch für alle verschiedenen Farben für Sie. Dann können Sie auf die Maske klicken und mit Ihrem Pinselwerkzeug wird das Schwarz im Wesentlichen gelöscht, die dunkle Schattierung, während die weißen Farben verdunkelt sind. Sie können es einfach anpassen, indem Sie zwischen Weiß und Schwarz hin und her wechseln. Zum Beispiel habe ich hier meine Pinselfarbe auf Weiß umgestellt und die Schattierung wieder eingefärbt. Meistens verwende ich nur Schwarz, um die Schattierungsebene zu löschen, so dass die ursprüngliche hellere Ebene durchscheinen könnte. Hier ist ein weiteres Beispiel für mich, die diese Technik verwendet, aber ich habe viel mehr Schattierung darin behalten. Das ist eine einfache Möglichkeit, einige tolle Schattierungsfarben zu finden und Ihre Illustration so viel ansprechender zu machen. Eine weitere schnelle und einfache Möglichkeit, Ihrer Zeichnung Attraktivität hinzuzufügen, besteht darin, einen Farbverlauf zu Ihren flachen Farben hinzuzufügen. Ich habe bereits einen Farbverlauf über das Grau der Hose hinzugefügt. Wie Sie sehen können, ist es ein flaches Grau und dann habe ich ein wirklich subtiles dunkelviolett über die Oberseite hinzugefügt. Um Ihnen zu zeigen, wie ich das gemacht habe, habe ich zunächst alle meine Farben auf verschiedenen Ebenen. Ich habe die Hosenfarbe auf einer Schicht und die Hemdfarbe auf einer anderen. Stellen Sie sicher, dass Sie sich auf der richtigen Ebene befinden, greifen Sie dann das magische Werkzeug ein und wählen Sie das Teil aus, das Sie färben möchten. In meinem Fall, das Hemd. Ich habe das getan, damit der Farbverlauf, den ich anwenden werde nur das Hemd und nicht den Rest der Leinwand bedeckt. Erstellen Sie eine neue Ebene oben. Wechseln Sie zum Malereimer Werkzeug, klicken Sie und halten Sie sie gedrückt, damit das Flyout-Menü angezeigt wird, und wählen Sie dann das Verlaufswerkzeug aus. Ich habe keinen Farbverlauf für einen transparenten Farbverlauf ausgewählt, so dass er von einer Farbe zu keiner Farbe anstatt einer Farbe zu einer anderen wechselt. Wie auch immer, ich habe bereits ein schönes Lila ausgewählt, also werde ich das einfach behalten. Dann alles, was Sie tun, ist einfach klicken und nach oben ziehen. Ich finde, das sieht ziemlich schön aus. Heben Sie die Auswahl auf, indem Sie „Befehl D“ drücken und die Deckkraft etwas senken. Hier ist es ohne die Steigungen, und hier ist es mit ihnen. 9. Schlussgedanken: Ihr Projekt ist es, natürlich einen Charakter Ihrer Wahl zu entwerfen. Aber alles, was ich gerne sehen würde, ist Ihr Konzept. Als ersten Niederdruckschritt, posten Sie einfach die Geschichte und Persönlichkeit des Charakters, den Sie erstellen möchten, also Schritt 1, im Wesentlichen. Dann können Sie von dort aus Ihr Projekt aktualisieren, während Sie fortfahren. Ich nenne diese Serie Character Design Crash Course, weil diese Klassen wirklich nur die Oberfläche dessen kratzen was Sie lernen können, wenn es um Charakterdesign geht. Daher, Crash-Kurs. Wenn Sie mehr erfahren möchten, empfehle ich Ihnen, die Charakterdesign-Klassen von Schoolism.com zu besuchen. Persönlich nahm ich Daniel Arriagas Klasse, Charaktere für Animationsfilm und Stephen Silbers Klassen, Grundlagen des Charakterdesigns und Advanced Character Design, und fand alle drei von ihnen als unschätzbar wertvoll Quellen des Lernens. Ich habe vor kurzem auch die Kunst von Aaron Blaise entdeckt , der eine Reihe von wirklich großartigen Tutorials und Klassen Charakterdesign, Zeichnen und Animation hat. Ich habe auf der Registerkarte „Ihr Projekt“ eine Verknüpfung zu all diesen Themen erstellt. abgesehen werde ich weiterhin Charakterdesign Crashkurse hier auf Skillshareproduzieren Charakterdesign Crashkurse hier auf Skillshare , die eine breite Palette spezifizierter Themen abdecken werden, alle im Zusammenhang mit Charakterdesign. Wenn Sie diese Klasse genossen haben und auf dem Laufenden bleiben möchten, was ich poste, achten Sie darauf, den Folgen-Button zu drücken und Sie werden der Erste sein , der weiß, wann jeder neue Crashkurs gestartet wird. Sie können mir auch auf Instagram @melissaleedesign folgen, um meine neuesten Arbeiten zu sehen. Wenn Sie fest sind, denken Sie daran, dass Übung und Beharrlichkeit der Schlüssel zur Verbesserung sind. Aber denken Sie auch daran, sanft zu sich selbst zu sein. Sie werden wahrscheinlich keine Verbesserung sofort sehen, und das ist okay. Lernen Sie, Ihre schlechten Zeichnungen anzunehmen, weil sie Sie in Zukunft nur zu besseren Zeichnungen führen. diesem Sinne wünsche ich Ihnen viel Glück und wie immer kann ich es kaum erwarten zu sehen, welche Charaktere Sie kreieren. Passen Sie auf und sehen Sie das nächste Mal.