Wissenschaftliche Illustration: Informationen mit Charme vermitteln | Christine Nishiyama | Skillshare

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Wissenschaftliche Illustration: Informationen mit Charme vermitteln

teacher avatar Christine Nishiyama, Artist at Might Could Studios

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Einheiten dieses Kurses

12 Einheiten (1 Std. 6 Min.)
    • 1. Trailer

      3:37
    • 2. Eine Einführung in Wunderliche wissenschaftliche Illustration

      4:06
    • 3. Wie ich meinen Stil gefunden und verstanden habe

      6:55
    • 4. Wie man die gefürchtete leere Seite überwindet

      2:43
    • 5. Wie man mit einer Skizze anfängt

      1:58
    • 6. Tipps zum Zeichnen, die man sich merken sollte

      6:26
    • 7. Dein Konzept und die Zeichnung abschließen

      5:14
    • 8. Mit Linie und Wert digital arbeiten

      4:52
    • 9. Die verwirrende Welt der Farbe

      12:30
    • 10. Digitale Farbtechniken

      9:20
    • 11. deine eigenen Texturen erstellen und anwenden

      4:51
    • 12. Handgezeichnete Typografie implementieren

      3:36
  • --
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  • Fortgeschrittenes Niveau
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Von der Community generiert

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3.447

Teilnehmer:innen

38

Projekte

Über diesen Kurs

In diesem Kurs lernst du, wie du eine wissenschaftliche Tatsache oder ein wissenschaftliches Konzept in eine aufregende Illustration verwandelst, die über die Realität hinausgeht, aber das Konzept dennoch genau vermittelt.

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du lernst die Schritte zum Erstellen einer Illustration kennen, darunter Recherche, Brainstorming, Skizzieren, Verfeinern einer Zeichnung und digitale Produktion in Photoshop. Ich werde dich ebenso durch einige Illustrationsgrundlagen führen, die oft missverstanden werden, einschließlich Linie, Wert und Farbe, um deine Arbeit so stark wie möglich zu machen.

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Außerdem werde ich die wichtigste Frage in Kunst/Illustration ansprechen: Wie finde ich meinen Stil? Ich kann dir zwar nicht sagen, was dein Stil ist – es ist immerhin dein eigener Fingerabdruck, aber ich werde dir erklären, wie ich meinen eigenen Stil verstanden habe und warum ich denke, dass er zu mir passt, und vielleicht hilft es dir, den richtigen Weg zu finden, um deinen eigenen kreativen Fingerabdruck zu entdecken!

Lerne beim machen

Wähle ein wissenschaftliches Konzept, das deine Neugier weckt. Recherchiere das Konzept, zeichne es, um es zu verstehen, und erstelle eine endgültige Illustration, die den Betrachter mit Persönlichkeit und Charme verführt, während es in der Realität verwurzelt ist und das Konzept erfolgreich erklärt.

Elf Videolektionen anschauen

  • Forschen und Denken: Erfahre mehr über skurrile wissenschaftliche Illustrationen + Stil.
  • Skizzieren zum Lernen: Erfahre, wie du die Leerseitenphobie überwinden und mit dem Skizzieren beginnen kannst.
  • Verfeinern der Zeichnung: Lerne Techniken zum Stärken und Vervollständigen einer Zeichnung.
  • Arbeiten mit Linie, Wert und Farbe: Erfahre mehr über Werte, Linienführung und Farbtheorie.
  • Farbe, Textur + handgezeichneter Typ: Lerne, digital mit Farbe, Textur + Typ zu arbeiten.

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Christine Nishiyama

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Hallo! I'm Christine Nishiyama, artist + founder of Might Could Studios.

I make books and comics, and I draw a whoooole lot. I teach aspiring and established artists, helping them explore their art, gain more confidence, and discover their unique artistic styles.

My core belief is that art is good and we should all make more of it. 

Instagram: Yeewhoo, I quit all social media! 

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Transkripte

2. Eine Einführung in Wunderliche wissenschaftliche Illustration: Hey, Jungs. Das ist Christine Fleming, und das ist das erste Video in meiner Klasse, wissenschaftliche Illustration, das Informationen mit Charme vermittelt. Vielen Dank, dass Sie sich für diese Klasse angemeldet haben, und lasst uns loslegen. Dieses Video wird als Einführung in die skurrile wissenschaftliche Illustration bezeichnet. Was ist Illustration? In Andrew Loomis Buch Creative Illustration sagt er, dass die primäre Funktion der Illustration darin besteht, eine Idee grafisch zu interpretieren. Ich liebe diese Definition, weil sie das Wort Interpretation und nicht die Darstellung verwendet. Meine Aufgabe als Illustrator ist für mich nicht nur die Idee oder das Konzept darzustellen, das mir in einem Auftrag gegeben wird. Meine Aufgabe ist es, die Idee auf meine eigene Weise zu interpretieren und dann meine persönliche Interpretation zu veranschaulichen. auf diese Weise arbeiten, werden Ihre Illustrationen immer Mehrwert anstatt nur zu wiederholen, was der Text bereits angegeben hat. Aber wenn Sie in der wissenschaftlichen Gemeinschaft arbeiten, muss Ihre Interpretation gut informiert sein. Anders als in anderen Bereichen sollten Sie wahrscheinlich das Alpaka, das Sie zeichnen, nicht interpretieren, um leuchtend lila zu haben oder weit violett zu sein, großartig das auch sein mag. Als wissenschaftliche Illustratoren müssen wir zuerst unser Thema erforschen, alle Fakten sammeln, und dann können wir diese Fakten mit unserer Fantasie übertreiben und erweitern. Hier sehen Sie eine Illustration, die ich von einem Blauwal gemacht habe. Ich zeige das als Beispiel dafür, wie vorsichtig du sein musst, wenn du recherchierst. Ich dachte, ich hätte genug über den Blauwal recherchiert , um zu wissen, dass sie so aussehen. Aber es wurde mir darauf hingewiesen, dass das eigentlich eher wie ein Orcawal aussieht als ein Blauwal. Ich musste die Illustration überarbeiten, um deutlicher die Eigenschaften hervorzuheben, die einen Blauwal machen, einen Blauwal. Hier können Sie sehen, dass die Flossen kleiner sind und die Nase flacher ist. Denken Sie also daran, Ihr Thema gründlich zu recherchieren und sicherzustellen, dass Sie es genau darstellen. Ich denke, Zeichnen ist eines der besten Werkzeuge, die wir haben, um etwas zu verstehen. Selbst wenn Sie nicht denken, dass Sie gut im Zeichnen sind, lehrt nur der Akt des Versuchs, etwas zu zeichnen viel darüber, was das Ding wirklich ist und wie es wirklich aussieht. Johann Wolfgang von Goethe, ein deutscher Schriftsteller für Botanik, Anatomie und Farbe, sagte einmal: „Man sieht wirklich keine Pflanze, bis man sie zeichnet.“ Haben Sie schon einmal bemerkt, wie seltsam ein Alpaka aussieht? Wenn Sie zeichnen gehen und dann werden Sie es wirklich wissen. Ich mag es, Dinge zu zeichnen, die ich nicht verstehe, was eine Menge Dinge zum Zeichnen bedeutet. Weil ich am anderen Ende des Illustrationsprozesses mitetwas mehr Verständnis und einergrößeren Wertschätzung dafür herauskomme etwas mehr Verständnis und einer , wie seltsam die Welt ist. Wenn Sie etwas zeichnen, erkennen Sie, was notwendig ist , um die Idee dieses Dings zu kommunizieren. Was ist sein wichtigster Aspekt, und was erhält zurück in Unbedeutung. Lernen, durch Zeichnen zu sehen, wird Ihnen beibringen, auf eine ganz neue Art zu sehen. Sie werden beginnen, die Dinge in Ebenen von Bedeutung zu sehen. Was auffällt, was empfängt, was vereinfacht werden kann und was übertrieben werden kann. Oft kann eine Illustration den wahren Charakter von etwas mehr darstellen , als ein Foto kann, nur wegen dieser selektiven Aktion des Künstlers. Ein Foto zeichnet alles auf, ohne Prioritäten zu setzen. Der Künstler kann wählen, was er hervorhebt, was er ignoriert und was er jenseits der Realität verschönert. Manche Leute schlagen vor, dass Sie sich an das halten sollten, was Sie im Leben wissen. Zeichnen Sie, was Sie wissen, schreiben Sie, was Sie wissen. Aber ich zeichne gerne Dinge, von denen ich nichts weiß. Ich weiß nur eine sehr begrenzte Anzahl von Dingen. Also warum sollte ich dort anhalten? Ich bin mehr inspiriert von Dingen, die ich noch nicht kenne, und ich liebe es, den Akt des Zeichnens zu nutzen, um etwas über neue Dinge zu lernen. Lassen Sie uns also weiter und erfahren Sie mehr. 3. Wie ich meinen Stil gefunden und verstanden habe: Dieses Video heißt, wie ich kam, um meinen Stil zu finden und zu verstehen. Die Frage Nummer 1, die Illustratoren und wahrscheinlich alle Künstler gefragt werden, ist, wie finde ich meinen Stil? Die kurze Antwort ist, ich weiß es nicht. Aber um ein wenig tiefer zu graben, was ist ein Illustrator-Stil sowieso? Ich glaube, der Stil eines Künstlers ist wie ihre kreative Handschrift. Es ist etwas, mit dem Sie geboren werden und das ist wirklich einzigartig Sie. Aber es ist auch etwas, das sich im Laufe der Zeit entwickelt hat. Haben Sie schon einmal auf Ihre Handschrift oder Unterschrift geschaut , wenn Sie in der Mittelschule sind? Es sieht definitiv nicht wie deine Handschrift aus, hoffe ich, aber irgendwie sieht es immer noch so aus, hättest du deinen Bleistift in einer bestimmten Weise, siehst die Welt auf eine bestimmte Art und Weise und interpretiert die Welt auf deine eigene Art und Weise. All das zusammen addiert sich, um Ihren einzigartigen kreativen Stil zu produzieren. Es ist etwas, das von Natur aus Sie ist und sich ständig weiterentwickelt, genauso wie Sie als Person ständig weiterentwickeln. Also, wie finden Sie es? Ehrlich gesagt, der einzige Weg, es zu finden, besteht darin, weiter Dinge zu machen, weiter zu zeichnen, weiter zu malen, zu tun, was immer Sie tun, und schließlich werden sich die Dinge wiederholen. Sie werden Prozesse bemerken, die natürlich zu Ihnen zu kommen schienen. Sie werden feststellen, dass Sie beginnen, in die meditative Zone zu bekommen , die einige Leute einen Fluss nennen. Sie werden beginnen, bestimmte Aspekte Ihrer Arbeit zu sehen Pop-up und wiederholen sich unterbewusst. Mein einziger Rat ist, weiter zu zeichnen. Es ist kein neuer Rat und vielleicht ist es Klischee, aber es ist wirklich der einzige Weg, sich selbst zu finden. Ich brauchte fast zwei Jahre dauernde Zeichnung, ohne meine ganze Kindheit einzubeziehen, um mich so zu fühlen, als hätte ich etwas von einem zusammenhängenden Stil. Ich denke generell, dass der Stil eines Künstlers für andere offensichtlicher ist als für sich selbst. Aber um dir zu helfen, deinen eigenen Stil zu finden, werde ich versuchen, durch das zu gehen, was ich denke, mein Stil ist und wie er sich entwickelt hat. Ein Aspekt, der ich denke, ist von zentraler Bedeutung für meinen Stil, ist schön artikuliert von Scott McCloud in seinem Buch, Understanding Comics. Er hat ein Konzept namens Verstärkung durch Vereinfachung“, wo er sagt: „Indem er ein Bild auf seine wesentliche Bedeutung abnimmt, kann ein Künstler diese Bedeutung auf eine Weise verstärken, die realistische Kunst nicht kann“. Ich denke, das ist etwas, das ich seit meiner Jugend mache, zusammen mit wahrscheinlich jedem anderen Kind, aber nie hörte es so gut in Worte fassen. Meine Kunst ist nicht realistisch, ich zeichne die Dinge nicht perfekt, und ich ziehe sie nicht all so treu zum Leben. Aber ich denke, die Art und Weise, wie ich sie zeichne, ist meiner Interpretation treu. Durch die Beseitigung einiger Details und die Abschaffung anderer bin ich in der Lage, meine Illustration darauf zu konzentrieren, den wahren Charakter des Subjekts zu zeigen und meine persönliche Sichtweise zu injizieren. Durch die Vereinfachung zu verstärken, kann ich die Aufmerksamkeit des Betrachters fokussieren, damit er sehen kann, was ich sehe. Ein weiteres Konzept von McCloud, ist, wenn er Universalität beschreibt. Eine Art und Weise, wie er dieses Phänomen beschreibt, ist, je mehr Cartoonie ein Gesicht ist, desto mehr Menschen, die man sagen könnte, sie zu beschreiben. Er redet weiter darüber, dass wir uns nicht so sehen, wie andere Menschen uns sehen. Unser mentales Bild von anderen Menschen ist ziemlich klar und genau, aber unser mentales Bild von uns selbst ist vage und nur ein Gefühl der allgemeinen Platzierung unserer Merkmale, fast als wären wir eine einfache Illustration. McCloud sagt, dass, deshalb sind die Menschen von Cartoons angezogen und nicht so realistische Illustration. Wenn Sie ein Foto einer Person sehen, sehen Sie eine andere Person, wenn Sie eine Illustration einer anderen Person sehen, sehen Sie sich selbst. Ich denke, dass dieses Konzept auch im Mittelpunkt meines Stils steht. Ich wollte, dass meine Illustrationen visuelle Darstellungen von mir und meinen Denkprozessen sind, aber ich möchte auch, dass andere Menschen in der Lage sind, sich auf sie zu beziehen und sich in ihnen zu sehen. Zum Beispiel habe ich diese Illustration von mir gezeichnet, aber wenn du ein Mädchen mit braunen Haaren bist, was eine ziemlich häufige Beschreibung ist, siehst du es vielleicht auch selbst. Ich habe auch ein paar visuelle Aspekte und Techniken, die meiner Meinung nach dominant in meinem Stil sind. sind Dinge, die sich im Laufe der Zeit weiterentwickelt haben und sich wiederholten bis ich merkte, dass sie als Gruppe waren, die meinen Stil machte. Ich wurde als Grafikdesignerin ausgebildet, daher sind Komposition und Leerzeichen für mich sehr wichtig. Ich denke, Illustrationen brauchen viel Platz zum Atmen, und ich ziehe es oft vor, meine Motive auf einem weißen Hintergrund zu haben. Ich denke, es erlaubt dem Subjekt, sich grenzenloser und lebendiger zu fühlen , anstatt in einer Schachtel mit Farbe enthalten. Aber wie immer müssen manchmal Regeln gebrochen werden. Ich habe diese seltsame kleine Bleistift-Textur-Technik, die ich wirklich liebe zeichnen. Es kam natürlich zustande, und ich erinnere mich nicht einmal , als ich es in meinen Illustrationen anfing, aber jetzt geschieht es einfach unbewusst. Es ist wie das Zick-Zack-Muster, und ich mag es, es für Haare und andere detaillierte Texturen zu verbinden. Immer wenn ich diese Textur zeichne, bin ich fast sofort in diesen meditativen Strömungsstil des Geistes transportiert. Ich könnte es stundenlang tun und nicht erkennen, wie viel Zeit vergangen ist. Es ist etwas, worüber ich nicht bewusst nachdenken muss. Ich plane jetzt nicht und denke weiter darüber nach, wo diese Linie gehen wird oder in welchem Winkel diese Linie sein sollte, sie fließt einfach von der Spitze meines Stiftes und funktioniert irgendwie selbst. Wenn Sie das finden, das Ding, das Ihren Geist taub macht mit Zufriedenheit und Ihre Hände bewegen sich einfach auf die richtige Art und Weise, greifen Sie darauf und bleiben Sie dabei. Tun Sie dieses Ding weiter und es wird sich zu einer Signatur für Sie entwickeln. Ich habe im Laufe der Zeit gelernt, dass ich es vorziehe, mit begrenzten Paletten von nur zwei oder drei Farbtönen, hellen Farben und zarten Texturen zu arbeiten . Ich wusste das vor Jahren nicht, aber als ich weiter kreierte, erkannte ich, dass ich immer wieder auf ähnliche Farben und Texturen zuging. Halte dich nicht zurück, erforsche und experimentiere mit allem, sondern sei dir auch bewusst, wohin du zurückziehst und was natürlich erscheint. Diesen Dingen zu folgen, wird Sie zu Ihrem Stil führen. Zeichnen und erstellen Sie einfach weiter. Als Schlussnote sagte Nadia Boulanger, eine französische Komponistin einmal: „Sprich nicht mit mir von der Zeit, sprich mit mir der Begierde.“ 4. Wie man die gefürchtete leere Seite überwindet: Dieses Video heißt „Wie man die gefürchtete leere Seite überwinden“. Andrew Loomis in Creative Illustration sagte: „Die Kreativität ist in der Planung, rein und einfach. Der Rest ist eine gute Tischlerarbeit.“ Illustration geht es um Visualisierung, ein sichtbares Bild aus einer abstrakten Idee zu schaffen. Das bedeutet also, dass Sie eine Vision haben müssen, um zu beginnen. Aber ich werde dich auf ein kleines Geheimnis einlassen, niemand weiß den perfekten Weg, etwas zu visualisieren, wenn sie eine neue Illustration beginnen. Jemand sagte mir vor kurzem, dass er dachte, Künstler hätten von Anfang an ein Bild im Kopf, wenn sie zeichnen, und dass sie gut darin sind, eine Kunst zu machen, weil sie in der Lage sind, erfolgreich diese mentale Bild in den Kopf nach unten auf Papier perfekt. Vielleicht arbeiten manche Leute so. Aber für mich habe ich keine Ahnung, was ich mache, wenn ich mit dem Zeichnen beginne. Ich habe vielleicht eine vage Vorstellung davon, wie die Zeichnung aussehen soll, aber es stellt sich nie heraus, wie sie in meinem Kopf aussah, und das ist eine gute Sache, weil das Bild in meinem Kopf ohnehin schlecht war. Normalerweise habe ich, wenn ich mit dem Zeichnen beginne keine Ahnung in meinem Kopf. Ich fange gerade an zu zeichnen und die Linien beginnen, Gestalt anzunehmen und sich in interessante Dinge zu verwandeln. Sie müssen Ihren Geist befreien, und fangen Sie einfach an, Markierungen auf der Seite zu machen. Während Sie zeichnen, werden glückliche kleine Unfälle auftreten und Sie müssen auf diese Unfälle zu ergreifen. Beachten Sie, was funktioniert und was nicht, während Sie zeichnen, und schließlich werden sich die Bilder zu etwas entwickeln , das Sie sich am Anfang des Projekts nie vorstellen konnten. Meiner Meinung nach ist es diese Fähigkeit zu experimentieren, Fehler zu machen, wissen, jeden Fehler zu halten, dass jemand zu einem guten Künstler machen. Ich glaube, jeder kann zeichnen, man muss einfach nicht zu viel darüber nachdenken und in die Zeit setzen, um zu erfahren, wie sich der Bleistift in der Hand bewegt und wie man ständig alles um dich herum beobachtet und interpretiert. Diese Beobachtungen und Interpretationen werden in Ihre Arbeit eindringen und Ihre Zeichnungen persönlich machen. Walt Stanchfield in Drawn to Life sagte: „Zeichnen bedeutet nicht nur, Linien auf ein Papier zu legen. Ständige Beobachtung, Interpretation, Neugier, Beteiligung und Aufregung. Ein Auge für Ähnlichkeiten, Kontrast, Feinheiten entwickeln und alles oben in eins umsetzen zu können.“ 5. Wie man mit einer Skizze anfängt: Wie beginne ich mit dem Skizzieren. Im Allgemeinen werden die ersten paar Ideen, die Sie haben oder die ersten paar Dinge, die Sie zeichnen, wahrscheinlich langweilig und klischee sein. Wenn dir jemand gesagt hat, du sollst die Liebe visualisieren, denkst du wahrscheinlich an ein Herz, oder? So Klischee, so über getan, so langweilig, aber ziehen Sie es trotzdem. Diese Klischee ersten Gedanken auf Papier zu bekommen, wird sie von Ihrem Geist befreien und neue ursprüngliche Gedanken ersetzen lassen. Wenn Sie skizzieren, drehen Sie nichts nach unten, was in Ihren Kopf springt. Alles lohnt sich und lohnt sich, in dieser Phase zu zeichnen. Am Anfang gibt es keine schlechten Ideen. Man weiß nie, wohin dich etwas führen könnte. Mach dir keine Sorgen darüber, dass du jetzt perfekt zeichnest. Skizzieren ist die Zeit, alle Ideen aus dem Kopf zu holen. Sie sich keine Sorgen darüber, dass etwas schön aussieht und fühlen Sie sich nicht schlecht, wenn etwas schrecklich wird. Ich denke, der Schlüssel zum erfolgreichen Skizzieren ist es, einfach nicht zu kümmern. Stellen Sie sich dies als die lustige experimentelle Phase im Projekt vor, in der es keine Regeln gibt und wenn Sie wollen, wird niemand jemals sehen, was Sie zeichnen. Es gibt keinen Druck. Denken Sie an alle Möglichkeiten. Früher hatte ich ein schickes Moleskine-Skizzenbuch und es dauerte ewig, um es zu füllen, weil es einfach zu kostbar schien. Ich hatte nicht das Gefühl, dass ich Seiten verschwenden und Fehler in so einem teuren Skizzenbuch mit so einem schönen Cover und schönen Papier machen könnte. Skizzieren ist keine Zeit, um sich um die richtigen Werkzeuge zu kümmern. Ich mag es, in wirklich billigen Skizzenbüchern zu zeichnen, die nur ein paar $ kosten und oft in normalem Computerpapier zeichnen. Finden Sie, was für Sie funktioniert. Zeichnen Sie billiges Papier, zeichnen Sie mit einem billigen Bleistift, tun Sie, was Sie tun müssen, um sich wohl zu fühlen , denn das ist, wenn Sie loslassen und Ihr Bestes zeichnen. 6. Tipps zum Zeichnen, die man sich merken sollte: Zeichnen Tipps im Auge zu behalten. Es gibt ein wunderbares Buch zum Zeichnen namens Drawn to Life, 20 Golden Years of Disney Master Classes Band eins, die Walt Stanchfield Lectures. Stanchfield war Animator in den Walt Disney Studios und arbeitete an Filmen wie The Jungle Book und The Aristocrats. Er leitete eine Animator-Schulungsreihe in Disney Studios, wo er unseren aktuellen Animator Prominente wie Brad Bird und John Lasseter unterrichtete. Jahre nach dem Unterricht wurden seine Vorlesungsnotizen als Buch veröffentlicht und sie sind Goldmine von Zeichentipps und Inspiration. Ich werde einige meiner Lieblingstipps hier in diesem Video skizzieren , aber ich empfehle Ihnen, das Buch zu lesen, wenn Sie für einige Tipps zum Zeichnen mit Persönlichkeit und Originalität suchen , anstatt die üblichen Zeichentipps wie ein menschlicher Körper sollte sechs Köpfe hoch sein. Lasst uns eintauchen. Mein liebster und hilfreichster Tipp von Stanchfield ist etwas, was er immer und immer wieder in dem Buch sagt : „Geste zeichnen, nicht Anatomie.“ Er sagt dies auf vielfältige Weise: Zeichnen Sie die ganze Pose, keine Körperteile, zeichnen Sie Verben oder Handlungen, nicht Substantive, zeichnen Sie Ideen oder Geschichten, nicht Zeichnungen oder Dinge. Grundsätzlich, wenn Sie eine Aktion skizzieren, zum Beispiel ein Mann, der ein schweres Objekt anhebt, möchten Sie sich auf das Gesamtkonzept konzentrieren und sich nicht darauf konzentrieren, seine Finger oder Schuhe zu zeichnen. Sie möchten Ihre Zeichnung in diesem Stadium einfach halten und die gesamte Pose und Aktion runterholen , bevor Sie in alle feinen Details eintauchen. Wenn die Grundlage Ihrer Zeichnung nicht erfolgreich ist, all die erstaunlichen und einzigartigen Details der Welt nicht in der Lage sein, sie zu speichern. Fokussierung auf Geste und Aktion hilft, Vitalität und Leben in Ihre Zeichnung zu bringen. Betrachten Sie es so, Sie zeichnen ein Button-Down-Shirt, das von einem Mann getragen wird, der ein Brett hebt, Sie zeichnen ein Brett, das von einem Mann mit einem Button-Down-Shirt angehoben wird. in den Anfangsphasen des Zeichnens, Versuchen Siein den Anfangsphasen des Zeichnens,sich darauf zu konzentrieren, die Energie der Handlung zu zeichnen statt die einzelnen Körperteile, die am Körper befestigt sind. Ich fange gerne an, halb realistisch zu skizzieren. Ich zeichne nicht in einem fotorealistischen Stil. Aber wenn ich eine Spinne zeichne, werde ich anfangen, Fotoreferenzen anzuschauen und sie so zu zeichnen, wie ich sie sehe. In diesem Stadium des Projekts ist es in Ordnung, direkt aus dem Foto zu zeichnen. Diese Skizzen sind nur für Sie, um etwas über das Thema zu erfahren, wie es aussieht und wie es sich bewegt. Sie werden nicht das Endprodukt sein. Sobald Sie das Thema ein paar Mal gezeichnet haben und Sie das Gefühl haben, ein gutes Verständnis davon zu haben, können Sie dann beginnen, ein wenig weg von der Realität. Hier können Sie Ihre Persönlichkeit injizieren, indem was Sie über das Thema gelernt haben, interpretieren, indem Sie es zeichnen und beobachten. Sie sollten nun anfangen, Ihre Zeichnungen zu verschönern nicht direkt aus Ihren Fotoreferenzen zu zeichnen. Wie fängst du an, dich von der Realität zu entfernen? Probieren Sie einige dieser Techniken aus; vermeiden Sie Gleichmäßigkeit beim Zeichnen, Linien müssen nicht gerade sein und wiederholte Teile müssen nicht perfekt ausgerichtet sein. Dies ist ein Grund, warum ich immer mit Papier und Bleistift skizzieren werde , anstatt in Photoshop. Es ist einfach zu einfach, die Dinge perfekt ausgerichtet und gerade in Photoshop zu machen; Ich möchte alle Unvollkommenheiten. Es gibt einen Begriff namens Physiognomie; die Kunst, Temperament und Charakter von außen zu entdecken , daher inneren Charakter, wie nach außen offenbart. Das ist es, was wir gerade in unseren Skizzen erreichen wollen. Du verstehst das Thema, du hast es genau gezeichnet, jetzt musst du anfangen, seinen Charakter herauszuziehen und seine Persönlichkeit zu betonen , indem du die Zeichnung ein wenig verschönerst und dich von der Wirklichkeit abtrennst. Schieben Sie Ihre Skizze weiter als die Realität. Zeichnen Sie die Spinne größer als sie tatsächlich ist, machen Sie ihre Augen riesig, um etwas Menschlichkeit und Niedlichkeit hinzuzufügen. Sie können es sogar zum Lächeln bringen, wenn Sie wollen. Oder nehmen Sie es in die andere Richtung, geben Sie Ihrer Spinne winzige bedrohliche Augen, lange spindelige Beine und mattiertes Haar. Eine Sache, die Sie in diesem Stadium beachten sollten, ist immer noch Ihre Fotoreferenzen bewusst zu sein. Abhängig von Ihrem ursprünglichen Konzept oder Ihrer Zuordnung kann es wichtig sein , sich an einige Besonderheiten Ihres Themas zu halten. Zum Beispiel, vielleicht ist es wichtig, dass ich eine bestimmte Art von Spinne zeichne und die Länge der Beine ist wichtig, um diese Spezies zu identifizieren. Sie möchten Ihre Zeichnung über die Realität hinausschieben, aber dennoch haben Sie sie auf der Grundlage der Tatsache und immer noch kommunizieren Ihr Konzept genau. Schieben Sie Ihre Zeichnung so weit wie möglich, aber erkennen Sie, dass Sie sie möglicherweise wieder skalieren müssen , um eine erfolgreiche Kommunikation aufrechtzuerhalten. Ein weiterer guter Weg, sich von der Realität zu entfernen, ist, das Thema zu abstrahieren. Etwas zu abstrahieren bedeutet, es nur auf die wesentlichen Elemente zu reduzieren. Sie möchten eine Mehrheit der Details fallen lassen, so dass nur die notwendigen und unverzichtbarsten Teile. Wenn Sie es schwer haben, visuell zu denken, versuchen Sie, Ihr Konzept in Worten zu beschreiben und notieren Sie es auf. Zum Beispiel: „Ich werde eine Spinne zeichnen, die über den Boden läuft.“ Dann fügen Sie ein paar Adverbien zu Ihrem Satz hinzu: „Ich werde eine Spinne mutig über den Boden laufen zeichnen“. Jetzt haben Sie ein kleines Extra, um eine Persönlichkeit in Ihrer Zeichnung zu inspirieren. Zeichnen von Adverbien erzählt, wie die Handlung geschieht und beantwortet, warum es passiert. Das schafft eine Geschichte. Denken Sie daran, wir zeichnen Aktionen, nicht Substantive, und Geschichte, nicht Dinge. 7. Dein Konzept und die Zeichnung abschließen: Finalisieren Sie Ihr Konzept und Ihre Zeichnung. Dies ist die letzte Etappe in unserem Projekt, bevor wir uns in die digitale Welt bewegen. Jetzt ist es an der Zeit, Ihre Zeichnung so nah wie möglich an das Finale zu bringen, bevor wir digital werden. Sie können immer neu zeichnen und neu scannen oder direkt auf dem Computer zeichnen, aber es ist effizienter, das Gelenk direkt vor dem Umzug in den Computer zu bekommen. Sie sollten eine endgültige Skizze Ihres Konzepts haben. Lassen Sie uns nun die endgültige Skizze bis zur endgültigen Zeichnung bringen. Sie können Ihr Lieblingsmedium für Ihre endgültige Zeichnung, Bleistifte, Stifte, Marker wählen. Normalerweise beende ich meine Zeichnungen mit Bleistift, aber manchmal wähle Stift. Ich habe eine Lichtbox, die ich verwendet habe, um meine ursprüngliche Skizze leicht auf ein neues Blatt Papier zu verfolgen . Wenn Sie Ihre Skizze in ein Skizzenbuch gezeichnet haben, können Sie ein Foto der Skizze machen und sie ausdrucken, damit sie leichter verfolgt werden kann. Sie möchten Ihre Skizze einfach leicht verfolgen, um das Formular auf Papier zu bringen. Entfernen Sie dann die darunter liegende Skizze und zeichnen Sie neu über die Lichtlinien frei. Früher habe ich meine gesamte Skizze auf einmal mit Stift oder dunklem Bleistift verfolgt. Aber der Akt der Verfolgung spannte mich und meine endgültige Zeichnung war konsequent weniger natürlich und organisch als meine Skizze. Manchmal ist es schwer, die Spontaneität und die Lebendigkeit der Skizze in einer endgültigen Zeichnung festzuhalten . Aber ich fand, dass das leichte Nachzeichnen der Skizze und dann Freizeichnen dieses Verfahren viel erfolgreicher macht. Wenn Sie Freihandeingaben verwenden, können Sie entscheiden, dass Sie die gesamte Zeichnungslinie für Linie verfolgen möchten. Probieren Sie beide Techniken aus und sehen Sie, was Sie bevorzugen. Wenn Sie keine Lichtbox haben, können Sie einfach Ihr Fenster benutzen. Kleben Sie Ihre Skizze auf, kleben Sie ein weiteres Stück Papier darauf und verfolgen Sie dann. Auch bevor Sie weitermachen, ist jetzt ein guter Zeitpunkt, um sich wieder an Ihr Konzept zu erinnern. du immer noch auf dem richtigen Weg? Kommuniziert Ihre Zeichnung immer noch genau und schnell das Originalkonzept? Manchmal ist es einfach, auf einen Umweg zu gehen und es nicht zu erkennen. Machen Sie einfach eine kleine schnelle Überprüfung, bevor Sie weitermachen. der Fertigstellung der Zeichnung sollten Sie einige grundlegende Zeichnungstechniken im Auge behalten. Hier sind einige Dinge, über die Sie beim Zeichnen nachdenken müssen. Vereinfachen Sie Ihre Skizze, wo möglich, das ist ziemlich selbsterklärend. Zeichnen Sie keine Details ohne Grund. Vermeiden Sie Tangentiallinien. Tangentiallinien sind dann, wenn zwei Linien zusammenkommen, um eine unbeabsichtigte Beziehung zu bilden. In diesem Beispiel unten, von einem Kuchen sitzt auf einem Tisch, können Sie einen Umweg auf der Theke hinter dem Tisch sehen, läuft in die Linie der Rückseite des Tisches. Tangenten wie diese sind peinlich, weil sie die Tiefe zerstört haben. Dieses Problem könnte behoben werden, indem der Tisch nur ein wenig nach oben bewegt wird, so dass die beiden Zeilen nicht übereinstimmen. Ihr Geradlinigen gegen Kurven. Kontrastierende geraden Linien gegen gekrümmte Linien helfen, Tiefe zu schaffen. Die T-Regel wird verwendet, wenn eine Sache vor dem anderen liegt, meistens, wenn der Hals einer Person in ihre Brust läuft. Sehen Sie, wie in dieser Abbildung der Hals und die Brust macht eine T. Mit dieser Reihe schafft Tiefe. Vermeiden Sie Startwiederholungen, Dinge genau zu wiederholen ist langweilig. Stellen Sie sicher, dass Sie Formen, Größen und Richtungen variieren , um Ihre Arbeit interessanter zu gestalten. Vermeiden Sie Parallelen, parallele Linien fehlen Interesse. Diese Zeichnung wäre viel interessanter, wenn der Tisch im Marvin-Winkel war , so dass die Linien in Teppich und Tisch nicht parallel zueinander waren. Denken Sie über die Zusammensetzung Ihrer Zeichnung nach. Ist es ausgewogen? Fließt Ihr Auge leicht durch? Haben Sie einen Schwerpunkt? Es ist in der Regel eine schlechte Idee, den Brennpunkt genau in der Mitte Ihres Bildbereichs zu platzieren . Es ist normalerweise auch eine schlechte Idee, Diagonalen zu haben , die durch die Ecken Ihrer Komposition gehen. Es neigt dazu, unnatürlich und ablenkend zu wirken. In dieser Abbildung sehen Sie, dass keine diagonalen Linien durch die Ecken verlaufen. Sie können die Stärke Ihrer Komposition testen, indem Sie sie und Silhouette betrachten. Füllen Sie alle Bereiche zu massivem Schwarz und sehen Sie, ob die abstrakte Komposition, die dies schafft, angenehm aussieht. Sie können dies einfach tun, indem Sie Bild in der Menüleiste und Photoshop auswählen, dann Anpassungen, dann Ebenen, und dann einfach den Pfeil auf der Grafik ganz nach rechts ziehen. Dies wird alles mit Schwarz füllen. Dies ist eine gute Möglichkeit, sich zu zwingen, die Formen zu sehen und nicht Ihre Zeichnung, fast so, als ob Sie es mit einem frischen Augenpaar sehen würden. 8. Mit Linie und Wert digital arbeiten: Digitales Arbeiten mit Linie und Wert. Also, was ist der Zweck einer Linie? Linien können ästhetische Anziehungskraft hinzufügen, einen Bereich teilen, eine definierte Form definieren und die Aufmerksamkeit lenken. Linie ist der Umriss oder die Kontur, während Ton die Form oder den Raum ist. Aufgrund dieses Unterschieds können Linien manchmal Bildmaterial abflachen. Jeder Künstler hat seinen eigenen Stil und wie sie sich der Linienarbeit nähern. Einige haben starke Fettlinien-Arbeit, einige haben Zeilenarbeit, die kommt und geht, einige verwenden überhaupt keine Linien. Wie Sie sich entscheiden, mit Linien zu arbeiten, ist völlig von Ihnen überlassen. Es ist eine persönliche Entscheidung und eine, die sich wahrscheinlich im Laufe der Zeit entwickeln wird. Andrew Loomis sagt kreative Illustration. Seiner Meinung nach kann „die Kontur nicht kontinuierlich um alle Einheiten und ein Gefühl von Raum definiert werden. Wenn die Kante rundum hart gehalten wird, kann es nicht umhin , sich an der Bildebene zu kleben das Raumgefühl zu verlieren.“ Loomis sagt dies, als wäre es Tatsache, obwohl ich sicher bin, dass es viele Künstler gibt, die ihn darüber diskutieren würden. Es gibt Töne von Künstlern und Illustratoren, die Linien rund um ihre Arbeit sehr erfolgreich verwenden . Kaum, jede Rolle in der Kunst ist immer richtig, und jede Meinung ist es wert, zu diskutieren. Aber ich stimme Loomis in diesem Punkt in Bezug auf meine eigene Arbeit zu. In meinen Illustrationen habe ich in der Regel starke Linienarbeit, aber ich verwende auch die Technik des Verschwindens und Wiedererscheinens von Linien. Etwas Loomis ruft verloren und gefunden. Mit anderen Worten, ich halte nicht alle Linien von meiner endgültigen Zeichnung in meiner letzten Illustration. Ich behalte einige, und lösche einige, und ich denke, das verleiht meiner ansonsten unrealistischen Illustration ein Gefühl von Realismus und erlaubt es mir, etwas von der Freiheit und Lockerheit der ursprünglichen Skizze festzuhalten. Loomis argumentiert, dass Linien in der Natur erscheinen, aber dass sie verloren sind und eine in anderen Bereichen in der Natur verflochten gefunden oder gewebt. Das ist es, was ich in meiner Arbeit erreichen möchte, indem ich die Linien verzahle und sie in die Bereiche meines Stückes webe. Ich werde Ihnen zeigen, wie Sie dies in Photoshop im digitalen Farbtechniken Video erreichen können. Also, was ist Wert? Wert ist der Grad der Intensität und eine Farbe. Stellen Sie sich eine Schwarz-Weiß-Skala vor, die auf eine Farbskala wie diesen Vergleich angewendet wird. Die intensivste Farbe befindet sich in der Mitte der Werteskala. Die Farbe wird aufgehellt, wenn der Wert auf der Skala zunimmt, und verdunkelt sich, wenn sie ihren Wert verringert. Wenn Sie nicht erfolgreich mit Werten arbeiten können, wird Farbe noch mehr ein Kampf sein. Es ist oft eine gute Idee, Wertestudien in Graustufen durchzuführen, bevor Sie mit der Planung Ihrer Farbe beginnen. Dies gibt Ihnen eine gute Grundlage für die Auswahl von Farben unter Verwendung Ihrer Farbwertskala. Farben nahe am Wert, unabhängig vom Farbton, neigen dazu, zusammenzuführen. Um Kontraste zu erzielen, müssen Sie zusätzlich zum Farbton Wert berücksichtigen. Gelb, Orangen und Hellgrün sind im Allgemeinen hohe Werte, aber die Violett-, Rot-, Braun- und Dunkelblau sind im Allgemeinen niedrige Werte. Schauen wir uns ein Beispiel für guten und schlechten Nutzen an. Dies ist eine Illustration, die ich vor einer Weile gemacht habe. Ich habe versucht, den Sonnenuntergang in der Abenddämmerung zu machen, wenn die Sonne untergeht, und ich liebte meine Farbpalette, hatte aber wirklich mit den Werten zu kämpfen. Sie können meine Wertestudie unten links sehen und wie die Werte nicht zu viel Kontrast haben und zusammen blind sind, was dann auch in der abschließenden Abbildung auf der rechten Seite geschieht. Die Farben, die ich verwendet habe, sind hell, aber die Werte machten sie schlammig. Sehen Sie sich nun den Wert steady in der unteren linken Seite und hat einen viel stärkeren Kontrast. Der Kontrast änderte sich auch ein bisschen, aber die Wahl stärkerer und kontrastreicher Werte macht jeden Wert wirklich von sich aus, wodurch das Gesamtstück viel stärker wird. Hier sind die beiden Wertestudien nebeneinander. So können Sie die Unterschiede sehen. In der erfolgreicheren Wertanwendung auf der rechten Seite sehen Sie, dass die Dunkelheit dunkler geschoben und die Lichter heller geschoben wurden. Dies sorgt für mehr Kontrast und sorgt für stärkere Werte und damit für eine stärkere Farbe. Im nächsten Video werden wir mehr über die Verwendung von Wert sprechen. 9. Die verwirrende Welt der Farbe: Die verwirrende Welt der Farbe. Farbe ist ein kniffliges Thema. Es ist höchst subjektiv, und die Möglichkeiten vor allem beim digitalen Arbeiten sind grenzenlos, was manchmal entmutigender als frei ist. Lassen Sie uns zunächst verstehen, dass Farben sehr relativ sind. Damit meine ich, eine Farbe sieht aus, wie sie nur wegen ihrer Beziehung zu den anderen Farben um sie herum aussieht . Die Relativität der Farbe kann auch als Einfluss beschrieben werden. Eine Farbe kann ihren Nachbarn beeinflussen, um diese Farbe anders erscheinen zu lassen. Schauen Sie sich beispielsweise diese orangefarbenen Quadrate an. Die Farbe des kleinen Quadrats im ersten Paar erscheint dunkler als die Farbe des kleinen Quadrats und des zweiten Paares. Aber sie sind tatsächlich die gleiche Farbe, die Hintergrundfarbe in jedem Paar beeinflusste die Farbe des kleinen Quadrats, um es erscheinen heller oder dunkler in der Schaffung einer Art optischer Täuschung. Wenn es darum geht, Farbe und Wechselwirkung von Farbe zu studieren, sagt Josef Albers: „Unser Anliegen ist das Zusammenspiel von Farbe; das ist zu sehen, was zwischen Farbe geschieht.“ Wir können also nicht einfach selbst Farben studieren, weil Farben nie allein gesehen werden. Wir müssen das Zusammenspiel der Farben untersuchen und wie sie sich gegenseitig beeinflussen. Fangen wir mit den Grundlagen an. Es gibt drei Grundfarben: Rot, Gelb und Blau. Durch das Mischen von Primär- und Paaren haben wir nun die sekundären Farben: grün, violett und orange. Dann, indem wir jedes mit seinem Nachbarn mischen, erhalten wir sechs weitere Farben, die Tertiärfarben genannt werden. Rot-Orange, gelb-orange, gelb-grün, blau-grün, blau-violett und rot-violett. Dies gibt uns die 12. Farben von maximaler Intensität oder Brillanz, was so ein wunderbares Wort ist. Wenn wir Schwarz-Weiß hinzufügen, haben wir jetzt unsere volle Farb- und Farbwertskala. Die maximale Intensität vom ursprünglichen Farbrad befindet sich in der Mitte des Rades. Ein Farbton ist, wenn die Farbe mit Weiß gemischt wird, wodurch die Verspätung oder der Wert erhöht wird. Die Farbtöne sind in Richtung der Innenseite unseres Farbrades zu sehen, da die Farben sich weiß nähern. Ein Farbton ist, wenn eine Farbe mit Schwarz gemischt wird, wodurch ihre Leichtigkeit oder Wert reduziert wird. Die Formen können auf der Außenseite unseres Farbrades gesehen werden , wenn die Farben sich schwarz nähern. Hier ist das Vollfarbrad wieder mit der maximalen Intensität, Tönungen und Schattierungen. Aus unserer Sicht wird ein Farbton Wert erhöht und ein Farbton wird verminderter Wert. Der Ton ist, wenn eine Farbmischung von Grau, die erhöhen oder verringern kann seine Leichtigkeit abhängig von der Farbe. Es ist, als ob Sie eine Grauskala auf Ihre ursprüngliche Farbskala anwenden. Hier ist ein Beispiel für einen Farbton auf der rechten Seite. Die Menschen entscheiden oft, dass sie wollen, dass ihre Illustration wirklich hell und bunt ist. Um das zu erreichen, verwenden sie viele verschiedene Farben in den hellsten Intensitäten, die sie können. Nun, wenn sich so viele helle Farben vermischen, wird es wirklich schlammig mit den Farben, die sich gegenseitig neutralisieren. Um Helligkeit in Ihrer Illustration zu geben, müssen Sie Wert, Harmonie und Kontrast berücksichtigen. Lassen Sie uns jedes dieser Konzepte einzeln durchgehen. Es ist schwierig, ein Bild bunt zu machen und Helligkeit zu erreichen, indem alle reinen Farben verwendet werden, was bedeutet, dass alle maximale Intensität, primäre und sekundäre Farbe. Wir brauchen Größe und Weichheit als Kontrast zu den brillanten Bereichen. Oft liegt die Schönheit der Farbe in warmen und kühlen Variationen, in der Qualität und gedämpften Farbe, zusammen mit dem Reinen und Brillanten. Sie also keine Angst, Ihre Farben zu straffen oder zu sortieren. Helligkeit wie bei Farbe ist auch relativ. Eine Farbe hat mehr Helligkeit neben einer grauen Farbe als sie neben einer hellen Farbe war. In dieser Abbildung scheint hier von einem Bakterien, beide Farben waren groß ein bisschen und werden nicht in ihrer maximalen Intensität verwendet. Tönung der roten Farbe erhöhen den Wert, und Tönung der blauen Farbe, verringern Sie den Wert. Wenn Sie sich die Schwarz-Weiß-Version des Bildes ansehen, können Sie sehen, dass die Werte aufgrund ihres Tones gut kontrastieren. Es gibt auch einen guten Kontrast von warmen bis kühlen Farben. In kreativer Illustration möchte ich sagen, dass er glaubt „Bilder sowohl auf ein paar Grundwerte, ein Licht, ein oder zwei Mittelwerte und eine Dunkelheit werden selten tot sein.“ Wenn Sie also mit Werten arbeiten, müssen Sie nicht verrückt werden oder sich überwältigt fühlen, fangen Sie einfach mit ein paar Grundwerten an und arbeiten Sie von dort aus. Es wird Wunder für Ihre Farbe tun. Primärfarben in ihrer höchsten Intensität werden sich immer gegenseitig bekämpfen. Dies liegt daran, dass sie keine Zutaten und Kommentare haben und daher keine Harmonie haben. Zum Beispiel hat Rot kein Grün und Grün hat kein Rot darin. Wenn sie nebeneinander platziert werden, konkurrieren sie und vibrieren. Wir schaffen Harmonie, indem wir etwas von einer Farbe in die andere Farbe einfügen. Hier habe ich das Rot ein bisschen Grün verdoppelt, und schon sieht es viel besser aus. Maler schaffen oft Harmonie in unserer Farbpalette, indem sie sie zu einem Unterton gemalt werden. In Photoshop können wir eine ähnliche Technik verwenden, wenn wir Probleme mit unseren Farben haben, nicht harmonisieren. Werfen wir einen Blick. Hier ist eine Illustration einer Gruppe von Ameisen, die versuchen, eine Flut zu vermeiden. Sagen wir, ich bin unglücklich mit den Farben. Die Blues harmonieren nicht wirklich gut zusammen, und vielleicht ist das Rot ein wenig zu kontrastierend. Eine Möglichkeit, Ihrer Farbpalette schnell Harmonie hinzuzufügen, besteht darin eine Ebene mit einer Ihrer Farben über der gesamten Illustration zu überlagern. Um das zu tun, werde ich hier hineinzoomen, und ein hochintensives Blau aus diesem Zick-Zack-Muster. Sie können mit verschiedenen Farben in Ihrem Tempo spielen, um zu sehen, welche am besten funktioniert. Ich wähle mein Pipettenwerkzeug, das hier zu sehen ist, und auch durch Drücken des Tastendrucks „I“, und ich werde diese Farbe direkt hier nehmen. Dann erstelle ich eine neue Ebene entweder, indem ich hier klicke oder den Tastenanschlag Befehl Shift eintrage, und benenne sie dann als blaue Überlagerung. Dann mit dem rosa Eimer , der Tastenanschlag G ist, auch auf unserer neuen Ebene mit der blauen Farbe, die ich gerade gesammelt habe. diese Ebene unter Mischmodi ausgewählt ist, die hier zu sehen ist, wähle ich Überlagerung. Ein wenig von einer Farbe auf Ihre Illustration zu überlagern, beeinflusst alle anderen Farben und schafft Beziehung und Harmonie, indem sie alle Farben der gemeinsamen Zutat geben. Sobald Sie das Overlay angewendet haben, müssen Sie lediglich mit der Kapazitätsstufe experimentieren und auswählen, wie viel Blau Sie überlagern möchten. Es ist ein bisschen viel zu 100 Prozent. Hier ist, wo Sie mit der Deckkraft spielen können. Ich denke, etwa 45 Prozent sehen hier gut aus. Sehen Sie, wie Sie immer noch Vielfalt und Kontraste haben, aber alle Farben scheinen Muster zu harmonisieren, auch hier auf dieser Ameise gezoomt, können Sie sehen, dass die blau überlagert und Schatten, die mehr Beziehung zu den anderen gibt Blues. Das Erstellen einer Überlagerung auf Ihrer Illustration ist ein guter Weg und ein gutes Werkzeug, um Harmonie zu finden. Aber ich rate nicht, es als Fix off zu verwenden oder gehe mit Farbe zu arbeiten. Es kann schwierig sein, mit der Illustration fortzufahren oder die Farben zu ändern, nachdem Sie eine Überlagerung angewendet haben, da Ihre einzelnen Layer jetzt nicht die angezeigte Farbe darstellen. Dies ist eher eine Möglichkeit, Farbe früh im Prozess oder früh in Ihren Illustrationstagen herauszufinden , wenn Sie immer noch herausfinden, wie Sie Harmonie schaffen. Weiter zur Erzielung von Größe durch Kontrast. Kostenlose Farben bieten die meisten Farbkontraste. Die primäre Ergänzung einer Farbe ist die Farbe, die am weitesten von ihr entfernt ist, auf dem Farbrad, das viele der anderen Farben enthält. Zum Beispiel ist die Ergänzung von Rot grün und Grün besteht aus Gelb und Blau, so dass es keine Sorte enthält. Dann folgt, dass gelbes Komplement violett ist, und Blues Ergänzung ist orange. Die sekundären Ergänzungen sind Farben, die am weitesten vom Spektrum entfernt sind, aber die gleiche Zutat enthalten. Die sekundären Komplimente haben weniger Farbkontrast als die primären Komplimente, aber die weniger extreme ist manchmal eine bessere Wahl. Gelbe Grüns Ergänzung ist rot violett, und beide enthalten die Farbe blau. Blue Greens Ergänzung ist rot orange, und blau violett Ergänzung ist gelb orange. Sie können die ergänzenden Farben in Ihrer Palette verwenden, um den Kontrast zu erhöhen und damit die Helligkeit in Ihren Illustrationen zu erhöhen. Wie ich bereits erwähnt habe, ist die Farbwahl sehr subjektiv und eine Frage des persönlichen Stils. Viele Male sind die farbenprächtigsten und brillantesten Illustrationen diejenigen mit weniger Farbe als solche mit einer großen Farbpalette. In meiner Arbeit neige ich dazu, mit ziemlich begrenzten Paletten zu arbeiten , die nur zwei oder drei Farbtöne und manchmal nur eine verwenden. Ich finde, das gibt meiner Arbeit einen Keks so Gefühl, und die Farben sind heller, macht mehr Eindruck, als sie könnten, wenn sie Gesellschaft hatten. Hier sind einige Tipps zur Verbesserung feiner Farbpaletten. Versuchen Sie, alle, aber eine Ihrer Farben zu grauen, wodurch diese Farbe intensiver erscheint. Erstellen Sie Wertestudien und versuchen Sie, so wenige Werte wie möglich zu verwenden. Nachdem Sie Ihre Wertestudien durchgeführt haben, experimentieren Sie mit Farbauswahl, indem Sie in Photoshop kurze Farbstudien durchführen, wie das hier abgebildete Beispiel. Malen Sie in Photoshop einfach Farbschichten Ihrer Farbe über Ihre Bleistiftzeichnung , um zu sehen, wie schnell die Farben interagieren. Mach dir keine Sorgen darüber, ordentlich zu sein, du siehst nur an, wie die Farben sich gegenseitig beeinflussen und kontrastieren. Versuchen Sie, Ihren Gaumen auf nur zwei oder drei Farbtöne zu reduzieren. Sie können immer noch verschiedene Tönungen, Schattierungen und Töne dieser Farbtöne verwenden. Versuchen Sie nicht, Primärwerte mit ihrer vollen Intensität zu verwenden , da sie dazu neigen, alle anderen Farben zu überwältigen. Versuchen Sie, Grau, Schwarz oder Weiß als eine der von Ihnen gewählten Farben hinzuzufügen. Zu guter Letzt, seien Sie vorsichtig mit Schwarz in Ihrer Farbpalette. Es kann gut verwendet werden, aber ich kann auch die Farben um sie herum stumpf machen. Wenn Sie denken, dass Sie schwarz Ihre Farben stumpfen, versuchen Sie mit einem sehr dunkelblau oder braun statt schwarz. 10. Digitale Farbtechniken: Digitale Farbtechniken. Färben Ihrer Illustration in Photoshop ist ziemlich einfach, sobald Sie Ihre Farbpalette herausgefunden haben. Jeder hat seine eigene Art zu färben, egal ob er in Photoshop, Illustrator oder traditionell malte, die Optionen sind grenzenlos. Aber für diesen Kurs werde ich Sie durch meinen Prozess der Färbung einer Illustration in Photoshop führen. Dies ist keineswegs der beste oder einzige Weg, um zu arbeiten. Es ist genau das, was für mich funktioniert. Fühlen Sie sich frei zu experimentieren und finden Sie Ihren eigenen Weg. Hier ist meine Tinte von diesem kleinen wackeligen Waschbär. Ich zeige Ihnen etwas Einfaches, damit ich Sie durch alle Schritte in Echtzeit nehmen kann, und nur ein wenig vorwärts durch die Färbung. Ich habe meine Farbfelder hier oben, für die ich mich schon entschieden habe. Sie können organisieren und löschen, z. B. hier, indem Sie auf den „Preset Manager“ klicken. Ich werde eine neue Ebene für jede Farbe in meinem Gaumen erstellen, und dann werde ich sie entsprechend beschriften. Es ist wirklich wichtig, Ihre Ebenen immer zu beschriften. Es macht alles wirklich einfach und wenn Sie mit komplizierteren Illustrationen fortfahren, können Sie viele Ebenen erhalten, und Sie müssen wissen, auf welche Sie klicken müssen. Ich habe auch meine Liniengrafik hier so eingestellt, dass sie sich multiplizieren. Das bedeutet, dass, wenn ich Farbe in einer Ebene unterhalb der Liniengrafik habe, diese transparent ist. Wenn ich dieses Set nicht multiplizieren kann, dann ist ein weißer Hintergrund über oben und ich kann die Farbe, die ich gerade gemalt habe, nicht sehen. Jetzt wähle ich einfach die richtige Ebene und die richtige Farbe aus, zoomen Sie dann hinein und beginnen Sie, die Farbe zu schichten. Sie können Ihren Pinsel auswählen, indem Sie den Tastendruck „B“ drücken oder sie hier oben sehen. Normalerweise bleibe ich entweder bei der Standard-harten oder weichen Bürste, denn gerade jetzt versuche ich nur, Farbe zu legen. Ich konzentriere mich nicht auf Pinselstriche oder Textur oder so etwas. Ich will nur flach gefärbt. Jetzt werde ich einfach durchgehen und färben. Jetzt schnell vorwärts nur ein bisschen. Jetzt habe ich meine ganze Farbe angewendet. Ein Grund, warum ich für jede Farbe eine andere Ebene habe, ist, wenn ich später entscheide, dass ich eine Farbe ändern möchte, es macht es sehr einfach. Ich kann einfach wählen, sagen wir, dieses Mittelblau, und deshalb möchte ich, dass es etwas dunkler wird. Ich habe schon alles gemalt und will es nicht nochmal malen müssen. Ich kann einfach in diesen Ebenenstil gehen, indem ich auf die Ebene doppelklicke und dann auf „Farbüberlagerung“ klicke. Dann können Sie sehen, dass überall es dunkel war nur Farbe ändern. Sie können diese kleine Box drücken, und jetzt wählen Sie die Farbe, die Sie auf diesen Bereich anwenden möchten. Siehst du Das ist es mit dem Färben. Es gibt Millionen von verschiedenen Photoshop-Pinseln , die Sie herunterladen und spielen können. Einige sind wirklich interessant, und ich habe viele verschiedene ausprobiert, aber ich bevorzuge es im Allgemeinen, die einfachen, harten runden und weichen Rundpinsel IN Photoshop am meistenzu verwenden und weichen Rundpinsel IN Photoshop am meisten und meine Textur in der Malerei zu scannen Texturen. Aber viele andere Künstler verwenden eine breite Palette von digitalen Pinseln, und ich benutze sie gelegentlich. Wenn Sie daran interessiert sind, verschiedene Pinsel auszuprobieren, würde ich empfehlen, Kyle T Websters Pinselpackungen zu überprüfen. Er bietet viele erstaunliche Pinsel, die er viel Zeit und Energie reflektiert hat. Sein glücklicher HB, ein Bleistiftpinsel und ein paar seiner Aquarellpinsel sind meine Favoriten, und sie sind überhaupt nicht so teuer. Wie ich in der Linie und Wert Video erwähnt, verwende ich eine Technik des Verschwindens und Wiedererscheinen Linien, etwas Andrew Lewis nennt Lost and Found. Mit anderen Worten, ich halte nicht alle Linien von meiner endgültigen Zeichnung und meiner letzten Illustration. Ich lösche einige und behalte einige, verzahle sie zusammen mit Farbbereichen. Gehen wir zurück zu unserem kleinen Waschbär. Sobald ich die Gesamtfarbe festgelegt habe, fange ich an, mit den Linien herumzuspielen. Welche Linien können gelöscht werden? Welche Linien sind für die Flächendifferenzierung notwendig? Ich wähle einfach meine Liniengrafik aus. Stellen Sie sicher, dass Sie eine Kopie von Sofort zurück zu speichern, Sie haben immer noch Ihre Zeilen. Dann gehe ich rein, und wahrscheinlich lösche ich normalerweise die Linien, die sich auf der Außenseite der Illustration befinden. Ich habe hier die Enden der Farbe, also brauche ich sie nicht wirklich, um den Raum zu definieren. Sie können damit spielen, wie Sie möchten, dass Ihre Linien mit Ihrer Farbe verbinden. Manchmal verjünge ich sie an den Enden. Normalerweise bin ich mir nicht wirklich sicher bis zum Ende. Sie brauchen wahrscheinlich nicht wirklich die Linien um diese Nase, es ist eine andere Farbe, und ich brauche diese hier nicht wirklich. Ich sehe nur, welche ich brauche und welche nicht. Ich will keine unnötigen Zeilen haben. Ich denke, diese werden wichtig sein, um die Augen wirklich hervorzuheben. Diese Linie hier wird wichtig sein, weil sie seinen Kopf von seinem Körper trennt, also denke ich, dass ich das behalten werde. Auch hier ist diese Linie auf der Außenseite, und diese Linie hat eine ziemlich tiefe Farbunterschiede. Ich glaube, ich brauche nichts von diesen. Manchmal müssen Sie vielleicht die Leitungen ein wenig aufräumen. Ich finde, das sieht ziemlich gut aus. Jetzt können Sie sehen, dass es hier einige Diskrepanzen gibt , wo ich unter der Linie malte und sie nicht sehen konnten. Du kannst zurückgehen und einfach alles ein bisschen aufräumen. Wenn Sie Ihre Linien färben möchten, können Sie eine Clipping-Maske auf Ihre liegende Ebene anwenden. Sie können dies tun, indem Sie einfach eine neue Ebene erstellen und Ihre „Option“ -Taste gedrückt halten und rechts zwischen den beiden Ebenen schweben, wird dieses kleine Symbol angezeigt. Klicken Sie rechts dort, und jetzt haben wir Clipping-Maske, wo diese Ebene nur auf diese Ebene angewendet wird. Nichts, was Sie hier tun, wird auf eine der anderen Ebenen angewendet. Jetzt können wir eine Farbe wählen. Ich denke, ich wähle etwas dunkler als dieses Blau, und setze diese Ebene auf Bildschirm. Dann können wir direkt auf unsere Linien malen, und Sie können sehen, dass die Farbe auf die Linie angewendet wird. Du kannst entscheiden, ob du vielleicht etwas dunkleres willst. Sie können verschiedene Linienfarben in verschiedenen Bereichen machen, nur dass alle dunkler sein müssen. Spielen Sie einfach herum. Ich denke, das ist es für Linien. 11. deine eigenen Texturen erstellen und anwenden: Erstellen und Anwenden eigener Texturen. Warum handgefertigte Texturen verwenden? Ich denke, dass manchmal vollständig digitale Arbeit unmenschlich, verklemmt oder langweilig erscheinen kann , um eine Menschlichkeit zu injizieren und unsere Hand durchzukommen zu lassen. Wir haben schließlich alles von Hand gezeichnet. Ich mag es, meine eigenen gemalten Texturen in meiner Arbeit zu kreieren und zu verwenden. Ich werde Ihnen zeigen, wie Sie Ihre eigenen Maltexturen machen können. Selbst wenn Sie dies tun, sollten Sie viele verschiedene Texturen erstellen. Sie können immer zurückgehen und mehr machen, wenn Sie etwas Bestimmtes brauchen. Aber es ist schön, eine kleine Bibliothek mit eigenen Texturen zu haben, die Sie erstellt haben, um sofort mit zukünftigen Projekten zu arbeiten. Ich habe auch festgestellt, dass die Verwendung derselben Texturbibliothek in verschiedenen Teilen helfen kann, Ihre ganze Arbeit zusammenhängender zu sein. Ich werde Sie durch die ersten Schritte führen die Textur hier auf den Folien zu scannen. Dann werde ich einen Screencast durchlaufen, wie man mit den Dateien in Photoshop arbeitet. Der erste Schritt besteht darin, Ihre Textur mit Ihrem bevorzugten Medium zu malen. Ich mag es, meine auf 8,5 mal 11 Papier zu malen, so dass ich ein großes Dateimedium habe, aber die Größe liegt bei Ihnen. Es ist gut, verschiedene Arten von Papier auszuprobieren , da das Papier auch auf die Textur kommt. Normalerweise bevorzuge ich Aquarellpapier, wegen der groben Textur, die Sie unter der Farbe bekommen. Sie können sogar nicht-Papiermaterialien wie das Malen auf Holz ausprobieren. Malen Sie lose in breiten Strichen und decken Sie große Bereiche des Papiers ab. Breite Anwendungen von Farben sind perfekt für die Anwendung auf Illustrationen. Sie können mit verschiedenen Farben, Strichen, Farben, Pinselgrößen experimentieren , alles ausprobieren. Normalerweise verwende ich Waschfarbe, weil ich die Flexibilität bevorzuge. Ich mag auch jede Textur in einer Farbe zu malen, was bedeutet, nicht mehrere Farben auf einem Blatt, weil ich in der Lage sein möchte, die Farbe leicht zu manipulieren, wenn ich sie in Photoshop verwende. Sobald Sie Ihre Texturen gemalt und getrocknet haben, scannen Sie sie als JPEG mit 600 dpi in Ihren Computer. Dadurch erhalten Sie eine große Datei, die Sie immer nach unten skalieren können , wenn Sie für verschiedene Illustrationen benötigen. Hier ist wieder unser Symbol. Alles, was Sie tun müssen, ist zu „Datei“ und „Platzieren“ zu gehen, dann wählen Sie Ihre Textur, skalieren und drehen, wie Sie möchten. Ich werde das hier in einen Winkel stellen. Sie können es jederzeit später bearbeiten. Dann werden wir die Textur rasterisieren und sie benennen. Bringen Sie sie dann direkt über die Farbebene, auf die Sie sie anwenden möchten , und duplizieren Sie diese Farbebene. Bringen Sie das Duplikat über die Textur und schichten Sie es „Farbton“. Jetzt können Sie diesen Layer für den Moment ausschalten. Wir gehen zurück zu unserer Textur und wenden Clipping-Maske auf unsere Farbebene. Jetzt können Sie sehen, dass die Textur auf diese Ebene angewendet wurde, aber unsere Farbe ist verschwunden. Dort kommt diese Schicht ins Spiel. Sie schalten es wieder ein und setzen diese Ebene auf den Füllmodus „Farbton“ oder „Farbe“. Diese beide tun im Allgemeinen dasselbe, aber abhängig von der Farbe, auf die Sie es anwenden, kann eine besser funktionieren als die andere. Hier ist, wie „Hue“ aussieht und hier ist Farbe. Für diesen hier bevorzuge ich Farbe. Es ist ein bisschen mehr Klasse. Dann gehen wir zurück zu unserer Textur und wir können anfangen, mit Mischmodi herumzuspielen. Sie könnten es einfach so lassen, es sieht ziemlich schön aus, oder Sie können auch versuchen, jede dieser wirklich zu multiplizieren, „Overlay“, „Soft Light“, „Hard Light“ und „Pin Light“. Das sind einige meiner Favoriten. Ich werde „Pin Light“ für diesen verwenden. Sie können auch mit der Deckkraft herumspielen , wenn Sie nicht wollen, dass sie so stark und subtiler ist. Aber ich mag die gleiche Art von Stark, vielleicht 95, und das war's. Sie können verschiedene Texturen auf verschiedene Farben anwenden, es ist schön, verschiedene in verschiedene Richtungen zu haben und dem Stück etwas Abwechslung und Interesse hinzuzufügen. 12. Handgezeichnete Typografie implementieren: Umsetzung von handgezeichneter Typografie. Ich zeichne oft jeden Text in meinen Illustrationen von Hand. Wie bei den Texturen, denke ich, dass es Menschlichkeit und Charme hinzufügt. Sie helfen dabei, meine Persönlichkeit in das Stück zu injizieren und sich von einer rein digital aussehenden Illustration zu entfernen. Hier ist ein kleines Geheimnis über handgezeichnete Typografie. Sie können vorhandene Schriftarten helfen, insbesondere wenn Sie einfachen Text zeichnen und keine Schriftarten verwenden, die einen Anzeigetyp aufweisen. Zuerst tippe ich den gewünschten Text aus und belasse ihn als Text, während ich am Rest der Illustration arbeite. Ich zeichne den Typ zuletzt, weil er sich bewegt und sich während des gesamten Prozesses stark verändert und am effizientesten ist, ihn nur einmal zu zeichnen. Sobald Sie die endgültige Abbildung haben, entfernen Sie alles außer dem Typ und ordnen Sie sie so an, dass sie eng zusammenpassen. Dann drucken Sie sie aus, legen Sie sie auf eine Lichtbox und verfolgen Sie sie. Wenn Sie keine Lightbox haben, können Sie ein Fenster verwenden. Hier ist meine kleine kleine Lightbox auf der linken Seite, als ich einige meiner ausgedruckten Bleistiftzeichnungen einmalte und dann auf der rechten Seite ist mein Fenster Tracing Setup, das ich benutzt hatte, bevor ich meine Lightbox bekam. Sie möchten den Typ ziemlich klein zeichnen, damit der Typ nicht so nah an der tatsächlichen Schriftart aussieht. Hier geht es nicht darum, das Design der Schrift zu kopieren, sondern um den richtigen Abstand und die richtige Ausrichtung in Ihren Wörtern und Buchstaben zu erhalten. Perfekter Abstand und Ausrichtung sind in Ihrer Zeichnung nicht so wichtig, aber in der Typografie ist dies der Fall. Sie möchten, dass alle Ihre Texte gut lesbar und klar sind, daher ist der Abstand der Schlüssel. Nachdem Sie die Wörter gezeichnet haben, wie Sie möchten, die wahrscheinlich ein paar andere Chance eingehen, scannen Sie sie in Ihren Computer als Graustufen, 600 dpi JPG. Lassen Sie uns den letzten Screencast unserer Klasse machen. Hier ist unsere Rechnung. Alles, was wir tun müssen, ist zu Datei, Ort zu gehen, wählen Sie unser Typbild, das wir gescannt haben, und skalieren Sie es so, wie Sie möchten. Dann rasterisieren wir unsere Ebene und benennen sie. Ich würde Sie gerne ganz oben bringen und sich vermehren, nur für den Fall, dass Sie etwas dahinter tun wollen, wird dieser weiße Hintergrund nicht mehr da sein. Sie können dem Typ auch Farbe hinzufügen, wie wir es bei unseren Linien hier getan haben, und eine neue Ebene erstellen, eine Ausschneidemaske und auf Bildschirm einstellen. Wählen Sie dann eine Farbe und bürsten Sie über den Bereich, den Sie färben möchten. Das könnte ein wenig Licht sein. Das war's. Ich hoffe, du hast ein paar neue Dinge aus dieser Klasse gelernt und nochmals vielen Dank, dass du sie genommen hast. Hoffentlich haben Sie den Prozess auf dem Weg gepostet und ich kann es kaum erwarten zu sehen, was ihr alle einfällt.