Von Stills zum Bewegen Teil 1: DSLR-Video für Anfänger | David Miller | Skillshare

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Von Stills zum Bewegen Teil 1: DSLR-Video für Anfänger

teacher avatar David Miller, Multimedia Artist For Primordial Creative studio

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Einheiten dieses Kurses

7 Einheiten (24 Min.)
    • 1. Von Stills zum Thema Bewegung

      2:21
    • 2. Rahmen und Aspekt-Verhältnis

      2:37
    • 3. Bildfrequenz

      2:21
    • 4. Ton

      5:06
    • 5. Beleuchtung

      2:25
    • 6. Bearbeitung

      8:19
    • 7. Aufpacken + Projekt

      0:25
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430

Teilnehmer:innen

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Projekte

Über diesen Kurs

Als ich mein erstes DSLR bekam, das Video drehen könnte, hatte ich eine Reihe von Fragen, wie ich es effektiv anwenden kann, weil ich verstanden habe, dass das Video von Qualität ein skill ist, das von Fotografen gewünscht und oft erwartet wird. In einer multimedialen Welt ist es nicht genug, mit Standbildern nur zu arbeiten zu können.

Dieser Kurs wird alle Fragen adressieren, die ich während meines eigenen Lernprozesses stellte. Es gibt viel zu decken, also habe ich diesen Kurs in mehrere Abschnitte aufgeteilt. In Teil 1 decken wir Rahmenraten, Seitenverhältnis ab, manuelle Einstellungen ab, specialty für Klammern, Beleuchtung und vieles mehr ab!

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Teacher Profile Image

David Miller

Multimedia Artist For Primordial Creative studio

Kursleiter:in

I'm David, a multimedia artist in Phoenix, and my studio is Primordial Creative.  

 

I have always been interested in the visual arts from an early age- drawing, painting, and clay- but around my high school years I became interested in photography for the social aspect of involving other people, the adventure inherent in seeking out pictures, and the presentation of reality that wasn't limited by my drawing skills.

 

One thing in my work that has stayed consistent over the decades since then is I have an equal interest in the reality of the lens next to the fictions we can create in drawing, painting, animation, graphic design, and sound design.  As cameras have incorporated video and audio features, and as Adobe's Creative Cloud all... Vollständiges Profil ansehen

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Transkripte

1. Von Stills zum Thema Bewegung: Hey, hier ist David Miller. Ich bin ein Phoenix Arizona Multimedia-Künstler und mein Studio ist ursprünglich kreativ in Tempe, Arizona. Ich bin hier, um heute mit dir darüber zu reden, von der Stillfotografie zur Bewegung zu wechseln. Das ist richtig. Wir werden etwas über das Fotografieren lernen. Und das ist ein Prozess, den ich vor ein paar Jahren gelernt habe, weil ich für eine lange Zeit ein Stillfotograf war, als ich eine DSLR-Kamera bekam, die HD-Video aufgenommen hat und mir klar wurde, dass ich Filme machen konnte und ich meine Fähigkeiten um einiges erweitern konnte, indem ich fotografiere , ganz zu schweigen von der Gebühr extra. Für dieses Wissen gab es eine große Lernkurve. Es gibt viele Dinge, die Sie beachten müssen, wenn Sie Videos aufnehmen, die sich sehr von der Aufnahme von Standfotografie unterscheiden . Es gibt auch viele Dinge, die zwischen Dreharbeiten, Standfotografie und Video sehr ähnlich sind . Diese Klasse wird also die Lücke zwischen der Standfotografie und der Arbeit im Video überbrücken. Hoffentlich haben bereits einige Fähigkeiten über Schießen. Standfotografie, wie die Einstellung manueller Belichtung manueller Fokus. Aber wenn du es nicht tust, werde ich mein Bestes tun, um diese zu erklären, während wir 2016 in unserem Video auf sie stoßen. Dennoch ist Fotografie nicht so geschätzt wie einst waas, und dafür gibt es ein paar Gründe. Einer ist, dass jeder eine Kamera hat, also denkt jeder an sich selbst als Fotograf. Außerdem verbringen die Menschen nicht so viel Zeit mit einem Standbild wie früher. Dinge wie Instagram bedeuten Grasbild in der Welt. Du siehst es für eine Sekunde an, du triffst wie und scrolle rechts darüber hinaus. Sie halten dich nicht in den Spuren auf, wie sie es früher gemacht haben. Daher sind die Menschen nicht bereit, so viel Geld für die Stillfotografie für kommerzielle oder künstlerische Zwecke auszugeben , wie sie es früher getan haben. jedoch Ein gutes Video zu machen istjedocheine Fähigkeit, mit der viele Menschen kämpfen. Das bedeutet, dass Sie als freiberuflicher Fotograf mehr aufladen können, weil Sie ein Können haben, das nicht als gemeinsames Wissen gilt oder als viel wertvoller betrachtet wird , als ein Standbild zu fotografieren, das gut aussieht. Ihr Produkt für diese Klasse wird es sein, Videos zu schießen und ein paar der Spezialeffekte und Tipps und Tricks zu verwenden , die ich Ihnen zeigen werde, den Link zu dem auf einer Waage teilen Produktseite veröffentlichen , und Sie können Ihr Video als privates Video auf hosten YouTube oder Veranstaltungsort auf diese andere Weise. Lasst uns loslegen. 2. Rahmen und Aspekt-Verhältnis: also der erste Bereich, den ich abdecken möchte, ist Orientierung und Seitenverhältnis. Jetzt haben wir alle Web-Videos gesehen, in denen die Leute ihr Handy bekommen haben und es vertikal geschossen . Und für einige Dinge wie Snapchat und Instagram-Geschichten, das macht Sinn, weil Sie beabsichtigt, dieses Zeug auf einem Telefon zu sehen. Für die Mehrheit der Videoinhalte ist es für die Wiedergabe auf einem horizontalen Bildschirm vorgesehen. Daher würde ich empfehlen, immer mit Ihrer Kamera in horizontaler Position zu fotografieren. Ich habe das Gefühl, dass dies gesunder Menschenverstand ist, aber wie viele Web-Videos sehe ich, wo Leute dieser Regel trotzen und du landest mit zwei riesigen schwarzen Bereichen auf der Seite deines Videos, und wenn du expandierst, erweitert es nicht seine volle Reichweite. Also immer in der Landschaftsausrichtung schießen, es sei denn, Sie haben eine Art raffinierter Spezialeffekt im Auge. Und ich garantiere, dass 90% dieser Zeiten dieser Spezialeffekt jetzt nicht durchkommen werden. Seitenverhältnis ist die Beziehung von einer Seite des Rahmens zur anderen hat Faras-Größen. Ein traditionelles Foto ist vier mal sechs. Ein traditionelles HD-Video ist 16 mal neun, also neun Zoll hoch, 16 Zoll breit. Es ist viel breiter als Ihre für meine sechs Rahmen, und oft muss es etwas bewegen sich über den Rahmen unterbringen. Sie können sich eine Person vorstellen, die durch den Raum geht oder ein Tier läuft, oder jemand, der Sport in Bewegung spielt. Also all diese Dinge müssen innerhalb des länglichen Rahmens passieren, den Sie haben, und Sie werden sich daran gewöhnen, auf diese Weise zu sehen, wenn Sie eine Menge Video drehen, oder wenn Sie mit einem der Dinge herumlaufen, die Regisseur verwendet hat, um wenig Umfang zu haben kann es ausdrucken. Du kannst es rausschneiden. Sie können es vor sich halten, bevor Sie Ihre Kamera einrichten, bevor Sie Ihre Aufnahmen machen. Ich habe das Gefühl, dass dies ein guter Weg ist, sich daran zu gewöhnen, in 16 mal neun zu sehen, wenn es so ist , wenn Sie ein Portfolio erstellen oder Kundenarbeit für andere Menschen tun, kann es immer Diskussionen über verschiedene Seitenverhältnisse, verschiedene Formate geben . Aber da die meisten Benutzererlebnisse auf dem 16 x 9 HD-Format basieren, fühle ich mich, dass es am besten für Sie ist, sich daran zu gewöhnen, auf diese Weise zu schießen und Ihre Ideen auf diese Weise zu erstellen , 3. Bildfrequenz: jetzt möchte ich über Frameraten und Frameraten sprechen, wie viele Frames pro Sekunde in Ihrem Video sind . 30 Bilder pro Sekunde oder 29,97 ist die Standard-HD-Bildrate. Traditionelle Filmfilme waren 24 Bilder pro Sekunde, und viele der modernen Action-Thriller-Filme werden mit einer höheren Bildrate gedreht, um seine Aktionen zu betonen, wie etwa 60 Bilder pro 2. 120 Bilder pro Sekunde und so weiter. Wenn Sie mit einer höheren Bildrate 60 Bilder pro Sekunde aufnehmen würden, könnten wir leicht sehen, wie wir dies auf 30 Bilder pro Sekunde verlangsamen und 1/2 Bewegungseffekt erzeugen können , wenn wir mit 120 Bildern pro Sekunde fotografieren, was meine Kameras nicht tun. Aber meine GoPro tut, Dann bin ich in der Lage, es zu verlangsamen vier Mal, um einen super Zeitlupeneffekt zu erhalten. Wenn Sie auf 29.97 24 Bilder pro 2. 30 Gesicht pro Sekunde schießen und Sie versuchen, eine Art Zeitlupeneffekt zu tun , wird es sehr abgehackt und PC und nicht so toll aussehen. Uh, in manchen Fällen. Dies ist in der Tat wollen Sie, aber ich fühle mich wie zu den meisten Menschen, es sieht amateurisch, so ist es zu vermeiden. Die Bildrate, mit der Sie filmen, ist in Ihrer Kamera eingerichtet, so dass es ein Menü gibt. Einige Kameras haben mehr Optionen als andere. Jede Bildrate hat eine entsprechende Verschlusszeit, die ideal zum Fotografieren ist. Wenn Sie mit 30 Bildern pro 2. 29,97 Bildern pro Sekunde schießen würden, verdoppeln Sie diese Zahl, erhalten Sie 1/60 Sekunden als Verschlusszeit, die Sie für die gesamte Dauer Ihres Shootings festlegen. Wenn ich mit 60 Bildern pro Sekunde fotografieren sollte, doppelt so, meine Bildrate beträgt ein 1/20 Sekunde für die Dauer des gesamten Shootings. Und der Grund dafür ist, dass dies ein natürliches Aussehen gibt. Zwei. Ihr Endprodukt, wenn Sie der Kamera erlauben, die Verschlusszeit für Sie zu wählen. Wenn Sie nicht auf Vollauto haben, erhalten Sie einige seltsame Momente, wie Autos, die im Hintergrund vorbeifahren, die total scharf sind, wenn sie verschwommen und Bewegung zeigensollten und Bewegung zeigen 4. Ton: Also als nächstes möchte ich über Sound sprechen. Und wenn wir uns ein Video ansehen, denken wir oft über die Grafik nach, und wir vergessen, dass der Ton eine wichtige Komponente ist. Sie bemerken es auf jeden Fall, wenn Sie schlechten Ton haben und schlechten Ton bedeuten könnte, dass es andere Dinge Blutungen in Ihr Video, die nicht dorthin gehören. Es könnte bedeuten, dass, wenn Sie Leute reden und es gibt Umgebungsgeräusche wie Taschen knittern oder Hunde bellen in der Ferne oder Verkehr, der Ihren Dialog verdeckt, das ist definitiv spürbar, weil dann das Video überhaupt nicht kommuniziert. Und es gibt nur schlechtes Geräusch, wo die Dinge nicht übereinstimmen. Vielleicht ist etwas wirklich scharf und beunruhigend, und eine andere Sache ist irgendwie weich und gedämpft oder dort in einer Umgebung, und Sie hören die Leute reden. Sie hören überhaupt keine Umgebungsgeräusche, auch wenn es sich um Raumgeräusche, Menschengeräusche und so weiter handeln soll . Lassen Sie uns also über ein paar Strategien sprechen und wie wir besseren Sound in unseren Videos bekommen können. Nummer eins ist, jede Art von Mikrofon zu verwenden, außer das, das in Ihrer Kamera enthalten ist. Dafür gibt es ein paar Gründe. Die Nummer eins besteht darin, ein Mikrofon zu verwenden, das an Ihre Kamera oder ein externes Gerät angeschlossen ist, anstatt nur das integrierte Mikrofon Ihrer Kamera zu verwenden. Der Grund dafür ist zweifach. Eins. Diese zusätzlichen Mikrofone sind in der Regel besser als das Mikrofon, das auf Ihrer Kamera ist , und zwei, weil Sie Ihre Kamera bewegen, machen Sie kleine Reibungsgeräusche. Das Zeug landet in deinem Video. Und selbst wenn ich das hier einfach manipulieren würde, wenn ich dieses Mikrofon in einem Knopf-Down-Hemd hätte, war mein Hemd irgendwie knurrend. Das hört sich an. Es ist sehr auffällig im Video, auch wenn es nicht im wirklichen Leben ist, und es macht ein unangenehmes Ansehen für Ihren Betrachter. Nummer zwei ist, wenn Sie ein Gespräch zwischen Menschen haben, würden Sie wollen, um den Ton boom, was bedeutet, dass Sie Ihr Mikrofon über Kopf platziert haben, um nach unten auf eine Person gerichtet. Das ist besser, als das Mikrofon direkt auf die Person zu zielen, denn was passiert, wenn ich ein Schrotflintenmikrofon auf meiner Kamera habe, das das aufnimmt und auf mich abzielt. Es fängt auch Reflexionen von der Wand ein, und das Echo Bounce taucht total auf. Das scheint im wirklichen Leben nicht wieder so zu sein. Aber im letzten Video wirst du es bemerken. Wenn Sie das Mikrofon boomten und seinen Overhead und das Ziel nach unten haben, dann fangen Sie nur den Klang der Menschen, die reden und nicht Reflexionen von irgendetwas hinter sich. Ein weiterer Tipp mit Ton ist, dass es mit dem Video synchronisiert werden muss. Also, wenn meine Lippen sich bewegen, aber die Geräusche aus meinem Mund kommen etwas vorher, dann ist das nicht gut. Eine einfache Strategie, natürlich, um Ihren Ton und Ihr Video zusammen zu halten, ist, dass Ihr Mikrofon in Ihre Kamera läuft , so dass ihre Aufnahme zur gleichen Zeit, wenn Sie mehr als eine Kamera oder Sie Ihre Audiodaten auf einem separaten Gerät wie einem Computer oder einem externen Audiorecorder aufgezeichnet haben, als das, was Sie wahrscheinlich benötigen, ist eines davon . Diese Schindel erzeugt einen lauten Klang, und es lässt mich wissen, wo ich anfange, Sound zu rollen, wo ich beginne, das Video zu rollen und ich kann diese beiden synchronisieren. Wenn ich in meinen Computerbearbeitungsprogrammen schaue, sehen Sie die laute Spitze, die von diesem Ton erstellt wurde, neben der Aktion von mir, die es tut. Eine Sache, die in einem Film sehr häufig ist, ist, dass sie ein Gespräch an einem sehr lauten Ort stattfinden , wie eine Bar oder Sportveranstaltungen oder eine Rad-Rallye oder so etwas. Und im Film können sie vortäuschen, dass dies eine Bar ist, indem sie später Umgebungsbargeräusche fallen lassen, wenn Sie im wirklichen Leben unter Sportfans, Motorrädern so weiter filmen . Wichtiger als Realismus ist, dass wir verstehen, was Ihre Charaktere oder die Leute, die Sie interviewen, tatsächlich sagen. Sie müssen also entweder einen Weg finden, um den Umgebungssound, die Fahrräder, die Sportarten usw. zu senken die Fahrräder, die Sportarten . Oder Sie müssen einen Weg finden, um zu einem späteren Zeitpunkt in den Dialog zu fallen. Und das ist sehr häufig. Es nennt sich D R. 80. Sind ist, wo der Dialog in einem Studio aufgenommen wird, und dann ist es in der Regel Lippensynchronisierung zu dem, was die Schauspieler Luft sagen. Und manchmal ist es in einem Film sehr auffällig, wenn sich die Art und Weise, wie jemand Stimme klingt so radikal ändert, wo es vor ein paar Sekunden war. Aber was am wichtigsten ist, wenn Menschen, die Sie hören können, was Sie sagen, und wenn sie nicht verstehen, was Sie sagen, es ist frustrierend wieder führt zu unangenehmer Seherfahrung 5. Beleuchtung: Lassen Sie uns also über Beleuchtung und Beleuchtung sprechen, die Sie verwenden werden, wenn Sie schießen. Videos werden Dauerlicht sein, was bedeutet, dass Ihre Blitze ziemlich wertlos sind, wenn Sie Videos aufnehmen. In den alten Tagen benutzten sie heiße Lichter und sie sind super Brian. Was? Sie sind super heiß und die Schauspieler Make-up würde schmelzen, weil sie schwitzen würden und es würde sie verschleißen. Heutzutage verwenden wir LED ist das, was Sie kalt sind und in der Regel bis Tageslicht bewertet. Es kann auch wärmende Filter auf sie setzen, so dass Sie Ihren Weißabgleich an diesem Tageslicht haben , was ist, wie ich dieses Video, das Sie gerade sehen, wenn Sie Tonnen von Aufnahmen haben und Sie es am Ende zusammenstellen. Eines der Probleme, die Menschen haben, ist, dass die Farbverschiebung so dramatisch, weil entweder Szenen wurden an verschiedenen Tagen zu verschiedenen Tageszeiten gedreht ist sehr häufig, wenn Menschen Filme drehen, die sie ihn aus der Reihenfolge schießen. Ein Film, der nicht aus der Reihenfolge gedreht wird und ausschließlich Tageslicht verwendet, ist der Widergänger Leonardo DiCaprio. Und weil sie sich dafür entschieden haben, diese Route zu gehen, die nur ein oder zwei Stunden am Tag schießen könnte , was eine sehr strafende Möglichkeit ist, ein Video zu drehen, das auf die Zehenbeleuchtung zurückgeht, obwohl die Beleuchtung nicht zwischen Ihren Szenen übereinstimmt, was Menschen allgemein neu nennt man Farbkorrektur. Und hier änderst du die Farbe deines gesamten Films. So ist es sehr, sehr ähnlich im Ton. Es gibt ein cooles YouTube-Video über Jurassic World. Du solltest es dir ansehen. Es vergleicht es mit dem ursprünglichen Jurassic Park von jemandem, der das ursprüngliche Kleid zum Teil wirklich mag und sich nicht um eine drastische Welt kümmerte. Aber eines der Dinge, die ich fühle, dass sie falsch gelaufen sind, ist, zu sagen, dass die Färbung und Jurassic World irgendwie gefälscht und seltsam aussehend ist gegen , die Lebendigkeit des Films,den Steven Spielberg Anfang der neunziger Jahre gemacht hat. Farbkorrektur geht auf die Theorie, dass die Farben, die wir in unseren Bildern präsentieren, noch sein könnten , Fotografie könnte Video sein. Sie sind da, um eine Stimmung zu wecken und zu helfen, die Geschichte zu erzählen. Und ich denke, das ist eine gute Sache. Ich denke, wir sollten uns nicht nur darauf verlassen, dass alles ist, was uns die Natur gegeben hat, als wir das Bild gedreht haben , oder was die LED-Lichter uns gaben. Wir sollten unsere Farbe etwas künstlerischen Sinn bringen, und darum geht es bei der Farbkorrektur. 6. Bearbeitung: Lassen Sie uns also über Editing-Software sprechen, die primäre Software, die Menschen verwenden unsere Adobe Premiere. Wenn Sie tief in das Adobe-System verwurzelt waren und nur für die kreative Cloud bezahlen , haben Sie Zugriff auf Premiere und After Effects, das ist eine feinere Abstimmung, Spezialeffekte Grafikprogramm. Es gibt Final Cut Pro, was wirklich bei Mac-Nutzern üblich ist, und viele Filme wurden geschnitten. Dieses professionelle Hollywood-Editing-System wäre begeistert, nur ein wenig mehr über das, was die meisten Anfänger und Videobearbeitung würden verwenden. Und dann gibt es ein paar kostenlose Optionen. Es gibt Windows Movie Maker, was ich eigentlich angefangen habe, als ich Window Systems und Apple II Film hatte. Wahrscheinlich gibt es Vor- und Nachteile von allem. Alles, was ich wirklich über Windows Movie Maker und Apple I Film sagen kann, ist, dass sie beide kostenlos sind . Sie arbeiten mit einer einzigen Spur, was bedeutet, dass Sie keine Ebenen von Videos haben, die Sie schneiden können. Wenn Sie Kamerawinkel haben. Es ist sehr schwierig, sie auszurichten und zwischen den beiden Kamerawinkeln zu wechseln. Wenn Sie keine Software haben, für die Sie bezahlen. Wenn Sie eine kostenlose Option verwenden, würde ich nicht entmutigen, weil jeder so beginnt. Sie müssen die Grundlagen durcharbeiten, bevor sie mit dem großen Zeug beginnen. Adobe Premiere Pro ist die, mit der ich am meisten vertraut bin, und es ist die, die mir am meisten gefallen hat. Selbstverständlich bin ich voll in die Adobe-Systeme integriert. Sie zahlen für mein kreatives Cloud-Abonnement, und wenn Sie jedes Programm für Sie da sehr symbiotisch zur Verfügung haben, sprechen sie miteinander. Also, wenn ich einige Spezialeffekte oder in Motion Graphics in einem Stück Filmmaterial machen muss, kann ich es auf After Effects. Öffnen Sie es, machen Sie meine Geschäfte dort, schicken Sie es zurück an Premier, und niemand ist der klügere. Wenn Sie Videomaterial bearbeiten, arbeiten Sie auf einer Timeline, sodass Sequenzen in Sequenzen verschachtelt sind und sie einem linearen Pfad folgen , der Ihre Timeline ist. Sie haben Sound, der mit Ihrem Video verknüpft ist, den Sie aufheben können, wenn Sie es löschen oder ersetzen müssen . Aber das ist außerordentlich nützlich, weil Sie das Video unabhängig von der Sonne bearbeiten können. Sie können den Ton unabhängig von dem Video bearbeiten, können Sie nicht ganz sicher, was auch darüber sagen wollen . Wenn Sie also Videos bearbeiten, haben Sie eine Timeline vom Anfang Ihres Videos bis zum vermuteten Ende. Und was üblich ist, ist, dass Sie einen ganzen Haufen Filmmaterial haben. Nehmen wir an, die letzte Interviewsitzung, die ich gemacht habe, war über eine Stunde lang. Ich brauchte nur ein Video, das etwa drei Minuten bis sieben Minuten lang war. Also habe ich einen riesigen Haufen Sachen, die in diese kleine kompakte Box passen müssen. Und der logischste Weg, dort fortzufahren, ist, die einzelnen Sequenzen auf ihr kleinstes Paket zu reduzieren . Fügen Sie sie der Timeline hinzu, und dann, wenn ich diese kleinen Sequenzen habe, bearbeiten Sie sie zusammen, um die letzte Sequenz zu sein, die mein 3 bis 7 Minuten langes Interviewvideo ist, das auswählt, was zu bearbeiten ist. Es ist sehr, sehr schwierig. Oft schauen wir uns einen Film an und Sie finden heraus, nachdem es einige wichtige Informationen gab , Äh, Äh, die gedreht und in den Film gebracht wurden, und dann haben sie ihn für die Zeit rausgeworfen. So einige aktuelle Beispiele sind Suicide Trupp, Batman V Superman. Diese Filme hatten Stücke, die auf dem Schneideraum, Boden oder DVD-Extras übrig waren . Und viele Fans waren wie Warum war das nicht in dem Film, der diese Geschichte so deutlich deutlich gemacht hätte? Ich kann immer damit sprechen, warum Leute Dinge aus Filmen schneiden, aber als Redakteur meiner eigenen Projekte muss man sehr, sehr rücksichtslos sein, um einen außergewöhnlich langen Film, ein außergewöhnlich langes Video zu haben , etwas, das 15 Minuten lang Interviews wert ist. Niemand wird es beobachten. Und wenn niemand es im Video ansieht, ist wertlos. Was auch immer diese Geschichte am effektivsten erzählt, plus was auch immer wichtige Informationen sind, das ist, was den letzten Schnitt Ihres Videos macht. Und ich würde Menschen ermutigen, die Anfänger sind, ein YouTube-Videos zu sehen und zu sehen, was Ihre eigene Schwelle für Toleranz ist. Wie lange können Sie sich ein Video ansehen, bevor Sie ausschalten? Beschleunigt? Überprüfen Sie die Zeit. Wie lange kannst du eigentlich verlobt bleiben? Und ich glaube für den durchschnittlichen Benutzer, es ist etwas ungefähr 1 bis 2 Minuten, Leute werden durch Video auf mich sitzen wie OK, ich habe Zeit dafür. Aber alles, was länger ist, wiegen sie wirklich, wie wichtig das für ihr Leben ist. Wenn dies eine wertvolle Nutzung ihrer Zeit sein wird, und wenn dies nicht der Fall ist, schalten sie es aus und sie vergessen es. Und vielleicht sind sie nicht einmal an den Punkt gekommen, an den du in deinem Video versuchst. Wenn du ein Thema oder eine Lektion hattest, oder du versuchst, ein kommerzielles Produkt zu machen, das er wollte, dass jemand am Ende deines Videos tatsächlich einkauft. Wenn es zu lang ist und zu langweilig ist, schneidet man nicht genug, um die Energie in Bewegung zu halten. Sie werden es jetzt nicht sehen. Schneiden zwischen den Szenen. Äh, das ist natürlich individueller Geschmack, aber so können wir visuelles Interesse an unseren Videos aufrechterhalten. Ich fühle mich wie moderne Videobeobachter erwarten einen Schnitt alle 5 bis 10 Sekunden, und wenn ein Stück Filmmaterial läuft 20 Sekunden lang 30 Sekunden lang, werden sie das Interesse verlieren Superfast. Dies ist einer der Gründe, warum jüngere Menschen es schwer haben, in der alten TV-Show zu sehen, wo die Kamera nur an einem Ort sitzt. Sie hatten eine einzige Kamera, äh, und vielleicht sogar ein paar ältere Filme, weil ich glaube, es tut, er nez von ich liebe. Lucy startete das Dual-Kamerasystem, aber viele ältere Shows in vielen älteren Filmen. Sie hatten eine einzige Kamera. Sie ließen es laufen und direkt an der Person und es gab keine anderen visuellen Informationen. Es gab keine Kamerabewegungen. Es gab nichts, um dich zu halten, äh, in das investiert, was du gerade siehst. Du siehst nur den Kopf und die Schultern derselben Person an. Du siehst das Gesicht derselben Person immer und immer wieder aus, und es ist sehr langweilig. Wir wissen aus der Psychologie, dass in der realen Welt der Großteil der Kommunikation durch nonverbale Gestikulationen erfolgt. Die Art und Weise, wie wir sagten, unsere Augen sind, ist nicht so sehr, was wir sagen. Und in der Videowelt ist es noch mehr. Also, wenn dieses ganze Video nur ich auf dem Stuhl saß und du mich anschaust, könnte es das Gefühl haben, dass wir ein Gespräch führen, und in einem Sinne könnte sich das natürlich anfühlen. Aber in einem anderen Sinne wäre es sehr, sehr langweilig zu beobachten. Wenn Sie also Ihre Videos bearbeiten, stellen Sie sicher, dass es Cutaways zu anderen Dingen gibt. Wenn jemand einen Monolog gibt, wenn das eine Art Schauspielvideo ist, etwas tun. Lassen Sie sie nicht einfach an einem Tisch sitzen und direkt angeschossen haben. Vielleicht zeigen Sie, was sie mit ihren Händen machen, wenn sie dort ein Kreuzworträtsel machen aus, ah, einer Tasse Kaffee trinken ah, . So etwas ist ein cooles visuelles Cue. Wenn es auf der ganzen Welt etwas anderes passiert, wenn wir außerhalb des Hauses schneiden können, wenn es durch das Fenster schießen kann, sind dies verschiedene Möglichkeiten, um Ihre Aufnahmen interessant zu machen und Ihnen auch mehr Dinge zu bearbeiten zu. 7. Aufpacken + Projekt: , damit Teil eins unseres Tauchgangs in DSLR Video einschließt. Teil zwei wird in Kürze auf dem Skill-Share-Kanal erscheinen. In der Zwischenzeit würde ich gerne sehen, wie Ihre vorläufigen Videos aussehen. Schießen Sie etwas Filmmaterial und bearbeiten Sie es in einen 32. Beispielclip. Posten Sie Ergebnisse auf unserer Skill-Share-Projektseite als privater YouTube- oder Videolink, schauen Sie sich meinen Skill-Share-Kanal für weitere Adobe Premiere-Klassen an, wenn Sie noch mehr Ideen für die Videobearbeitung wünschen und sprechen Sie beim nächsten Mal mit Ihnen.