Musik mixen mit Young Guru | Young Guru | Skillshare

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Einheiten dieses Kurses

7 Einheiten (53 Min.)
    • 1. Einführung

      1:15
    • 2. Mix organisieren

      6:43
    • 3. Levels bestimmen

      10:31
    • 4. Effekte hinzufügen: EQ

      13:15
    • 5. Effekte hinzufügen: Hall

      6:33
    • 6. Effekte hinzufügen: Kompression

      9:05
    • 7. Klangausgleich

      5:32
  • --
  • Anfänger-Niveau
  • Fortgeschrittenes Niveau
  • Fortgeschrittenes Niveau
  • Alle Niveaus

Von der Community generiert

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Teilnehmer:innen

150

Projekte

Über diesen Kurs

Lerne vom Besten: Mix organisieren, Hinzufügen von Effekten u. v. m. Young Guru, der legendäre Grammy-Nominee, Produzent und DJ, bringt dir die Grundlagen der Tontechnik bei, damit du den Sound produzieren kannst, den du in deiner Musik hören willst.

Einleitende Worte von Young Guru

Musik scheint für uns das persönlichste und lebenswichtigste Medium von allen zu sein. Musik wird immer wichtiger und hat immer mehr Einfluss darauf, wie Menschen miteinander interagieren, sich vernetzen und das Leben miteinander feiern. Daher wird es ebenfalls immer wichtiger, die Kunst der Tontechnik zu verstehen. Genau darum habe ich beschlossen, mich dem Unterricht zu widmen und diesen Kurs auf Skillshare zu geben.

Ich hatte das Vergnügen, im Laufe meiner Karriere mit Jay Z, Eminem, Beyonce und vielen anderen genialen Künstlern zu arbeiten. Ich entwickle meine Fähigkeiten zwar auch jetzt noch weiter, aber ich freue mich, das Wissen und einige Techniken, die ich im Laufe der Jahre erworben habe, mit euch allen zu teilen.

Dieser Onlinekurs auf Skillshare besteht aus vier Abschnitten, darunter exklusive Videos und Materialien, die auf die folgenden Einheiten aufgeteilt werden:

  • Mix organisieren: Du wirst mit den grundlegenden Komponenten eines DIY-Mix arbeiten (Digital Audio Workstation [DAW], Spuren und Steuerelemente) und lernen, wie du alle Audio-Informationen und Tools für die jeweilige Aufgabe optimal organisierst.
  • Levels bestimmen: Arrangieren von Levels in Übereinstimmung mit der Vision des Künstlers für den Song
  • Effekte hinzufügen: Arbeiten mit grundlegenden Effekten wie Phasers, Verstärker, Hall und Verzögerungen und Erzeugen von Negativraum oder Blend/Fade wo es passt
  • Klangausgleich: So erkennst du, wann du den perfekten Klangausgleich erreicht hast

Ich werde eine Raw-Audiodatei zum Herunterladen bereitstellen, damit alle während des gesamten Prozesses zusammen mixen können. Für das Kursprojekt kannst du jedoch deine eigene Musik aus deiner eigenen Kreation verwenden.

– Young Guru

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Triff deine:n Kursleiter:in

Teacher Profile Image

Young Guru

Grammy-Nominated, Legendary Audio Engineer

Kursleiter:in

Throughout his illustrious, decorated career, Gimel “Young Guru” Keaton has resoundingly earned his reputation as one of the most renowned recording and mixing engineers in music today , having worked with artists such as Jay-Z, Beyonce, Rick Ross, Drake, T.I., and Eminem.   Wisened after years of successful endeavors (multi-platinum albums, and multiple Grammy nods) Young Guru has recently been working tirelessly to elevate the discourse of audio engineering philosophy, science and technology, emerging onto the college lecture circuit as one of the subject’s most distinguished and dignified speakers, and further proving why he is one of audio’s most important minds and essential voices.  Traveling the country, Guru’s intellect and el... Vollständiges Profil ansehen

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Transkripte

1. Einführung: Mein richtiger Name ist Jamil Keaton. Ich bin faktisch als junger Guru bekannt. Ich bin Musikingenieur, Produzent und auch DJ. Wir sind heute hier, weil ich einige Grundlagen geben möchte, wie man Datensätze mischt, wie man Ihre Platte zumindest auf ein professionelles Niveau klingen lässt, weil man mit $200 ausgehen kann, und kaufen Sie das neueste Dock, und denken, dass Sie ein Tontechniker sind, nachdem Sie einige Signale dort hineingeworfen haben, und das ist eines der größten Dinge über das Lernen ist, dass ich unter jemand anderem gelernt habe. Viele der Kinder haben heute keinen Zugang zu diesen Orten. Es ist eine Situation, wo die Orte, an denen Sie gehen, um diese Informationen zu bekommen, langsam sind, aber sicher aussterben. Einst war die Aufnahme eine schwarze Kunst, weil sie durch Mundpropaganda weitergegeben wurde. Ja, da ist Wissenschaft drin, aber die Dinge, die bestimmte Ingenieure besonders machen , waren Dinge, die an sie weitergegeben wurden. Das ist also der Grund, warum wir diese Informationen nehmen und der Öffentlichkeit zugänglich machen müssen , damit die Kunstform nicht stirbt. 2. Mix organisieren: Ok. Also, in unserer ersten Lektion werden wir anfangen, wo ich in der Sitzung beginne, die die Sitzung organisiert. Ich denke, viele Leute übersehen diese Tatsache. Organisieren für Ihre Sitzung ist eine der wichtigsten Dinge, die es Ihnen ermöglichen, einen großartigen Workflow zu haben. Wenn Sie Musik hochziehen, insbesondere Musik, die Sie nicht aufgenommen haben, ist es viel einfacher, wenn Sie anfangen, alles zu beschriften und Audiodateien so zu verschieben, dass die gemeinsamen Dinge zusammen sind. Ich glaube nicht, dass es übertrieben werden kann, wie wichtig es ist, Ihre DAW zu lernen. Moment arbeite ich innerhalb von Logic, aber Sie können dies auf jede DAW übertragen, die Sie wollen. Aber der wichtige Teil ist, dass Sie lernen sollten, wie Sie Ihre DAW arbeiten. Ich weiß, dass die Leute ihre DAW bekommen, und sie wollten einfach nur Musik machen. Aber einer dieser Sonntage wacht einfach auf, fängt an, das Handbuch zu lesen, es gibt viele Dinge online, die Sie gehen und beobachten können , wie Sie Ihre DAW tatsächlich bedienen können. Sie möchten nicht mittendrin sein, einen Mix zu machen und herauszufinden, wie Sie die DAW gleichzeitig betreiben. Es ist eines der wichtigsten Dinge, die einen Mixingenieur besser machen als ein anderer Ingenieur, dass er auf dem Laufenden bleibt, wie man die DAW bedient. Wie Sie sehen können, habe ich Superstition als Beispiel für den Song gewählt, weil ich bei etwas bleiben wollte , das viele klassische Elemente von dem hatte , was man einen Song hören würde. Außerdem wollte ich aus einem Live-Drum Tracks aufbauen , die man genau hören kann , was passiert, wenn man Mikrofone aufnimmt. Viele Male, wenn wir es mit elektronischer Musik zu tun haben, sind die Menschen so gewohnt, nur ein Solo den Kick oder eine Solo-Snare zu hören, aber das passiert normalerweise nicht in der Realität. Wenn Sie Mikrofone eingerichtet haben, werden Sie bluten und Sie werden andere Geräusche bekommen, die in diesem Sound beteiligt sind , egal wie gut Ihre Mikrofonplatzierung ist. So gibt es bestimmte Tipps und Techniken, die unterschiedlich sind, um mit der Blutung von Lauten umzugehen oder zu bestimmen, wie Sie diese Blutung verwenden möchten. Manchmal ist die Blutung gut im Hinblick auf die Fülle eines Liedes. Also, das ist ein weiterer Grund, warum wir uns hier auf dieses Material konzentrieren wollen. Also, als ich heute zum ersten Mal diese Sitzung hochgezogen habe , war das erste, was ich getan habe, eine Audio-Dateien zu ziehen. Wenn ich mir diese Audiodateien anschaue, werde ich sehen, dass sie so ziemlich die ganze Länge des Songs haben. Es gibt nicht viele Dinge hier wiederholt oder es gibt keine Reihe von Schleifen hier. Also fange ich an, sie anzuordnen und zu sehen, was ich habe. Aber ich denke, das allererste, was du tun solltest, ist all deine Fader hochzuziehen und dir dein Lied anzuhören. Dies ist wichtig, damit Sie anfangen können, ein Gefühl von dem zu bekommen , was Sie tun sollen. Wenn Sie eine Platte mischen, vergessen Sie nie, dass die Emotion der Platte und die Qualität dessen, was Sie zu bringen versuchen durch die Emotionen der Platte gemacht werden. Also, finden Sie heraus, was der Künstler zu sagen versucht, wohin die Platte zu gehen, und wenn Sie sich das anhören, fangen Sie an, einen Plan des Angriffs herauszufinden, wie Sie die Platte mischen werden. Also, das erste, was ich tun würde, wäre, die Fader hochzubringen und dann die Platte anzuhören. Während ich einen Song spiele, versuche ich, die Art und Weise zu bemerken , wie bestimmte Instrumente voneinander abspielen. Wie lautet das Arrangement des Liedes? Wie lange dauert es, um zu jedem Teil zu gelangen? Welche Frequenzspektren füllen sie? Also, das erste, was ich merke, ist, dass es ein Double an der Spitze gibt, und ich löse vielleicht Dinge, um herauszufinden, wie sie klingen. Offensichtlich ist dies unsere erste Spur und es gibt einen doppelten Hinweis zu als Hintergrund. Wie Sie sehen können, ging ich durch und beschriftet jede Spur hier auf, auch extrem wichtig. Wenn Sie sich mitten in einer Sitzung befinden, möchten Sie sich nicht Audio 1 und Audio 2 und Audio 3 ansehen. Das ist in Ordnung für die eigentliche Datei, bevor Sie Ihren Track benennen möchten, damit Sie wissen, was es ist. Als ich diesen Song durchgehe, bemerkte ich, dass es Gitarren gibt, da gibt es Klatsche, Hörner , Bass und dann noch Schlagzeug. Es ist so ziemlich ein klassischer Song mit klassischen Instrumenten. Die Art und Weise, die ich vermische, ist, dass ich gerne alle meine Trommeln nach links lege. Das spielt also keine Rolle, wenn man mit einem Live-Drum-Kit oder einem elektronischen Drum-Kit anfängt. Ich beginne gerne mit dem Kick, der Snare, dem hohen Hut, dann füge ich all das perkussive Zeug hinzu und schließe dann mit den Overheads. Dies ermöglicht es mir, visuell zu sehen, was innerhalb der Sitzung vor sich geht und alles organisiert zu halten. Ein weiterer guter Tipp für die Organisation Ihrer Session ist manchmal, dass Sie Tracks haben Teile in nur einem Teil des Songs haben und leer für einen großen Teil des restlichen Songs sein werden . Nehmen Sie zum Beispiel unseren Hintergrundgesang hier. Wir sehen, dass es in Teilen des Songs nicht wirklich im Song ist. Es ist manchmal eine gute Idee, die Audiodatei in diesem bestimmten Teil des Songs zu durchlaufen und zu entfernen. Auf diese Weise stellen Sie sicher, dass Sie keine fremden Klicks und Pops oder nur Fremdgeräusche in Ihrem Mix haben. Eines der Dinge, die am Arbeiten im digitalen Zeitalter großartig sind, ist, dass wir Dinge komplett entfernen können. Auf diese Weise müssen wir uns nicht so sehr darum kümmern, etwas in diesem bestimmten Bereich zu gating oder zu komprimieren. Wir können einfach die Audiodatei ganz löschen und ebenso visuell, es lässt uns wissen, dass in diesem Abschnitt nichts gespielt wird. Also würde ich hier reingehen und ich würde im Grunde nur dieses kleine leere Stück Audio ausschneiden , um mich wissen zu lassen , dass nichts während dieser Rolle spielen wird. Wieder, es ist nur eine Organisation Sache für mich, es ist nicht völlig notwendig, aber es macht meine Sitzung viel einfacher für mich visuell zu arbeiten. Also, wieder, nur um alles zusammenzufassen, wenn wir zum ersten Mal unseren Mix bekommen, ist das Wichtigste, dass wir die Strecke organisieren. Also fangen wir an, jeden Kanal zu beschriften, damit wir wissen, was es ist. Wir fangen an, sie von links nach rechts zu organisieren. Ich fange gerne mit Trommeln an, du kannst mit allem anfangen, was du willst, es gibt absolut keine Regeln, was die Organisation ist, es ist wichtig und von größter Bedeutung. Dann gehen wir rein und versuchen, das Fremdgeräusch auszuschalten, das wir nicht brauchen. Manchmal gibt es einen Stuhl im Hintergrund, manchmal hat eine DAW zugeschlagen, alles kann passieren. Wir gehen durch und sorgen dafür, dass wir diese Geräusche herausnehmen, damit wir, wenn wir uns klanglich auf die Platte konzentrieren, die Platte nicht von Fremdgeräuschen aufräumen. 3. Levels bestimmen: Wenn wir also in unseren zweiten Teil einsteigen, wird dies wirklich zum Hauptteil des Mixes. Dies ist, wo wir das Gleichgewicht für jede der Tracks bekommen. Was wir versuchen zu tun, ist, dass wir auf jeden Track hören und wir gehen hinein und wir bekommen eine anfängliche Balance, nur um zu sehen, wie es an der richtigen Stelle klingt, dann gehen wir durch und versuchen, jeden dieser Sounds zu verbessern , um es dorthin zu bringen, wo wir es wollen. Normalerweise würde ich also mit den Trommeln anfangen. Der Grund dafür ist, dass die Trommeln den dynamischsten Bereich in einem Mix einnehmen. Du machst dir ständig Sorgen um deinen Stereo-Bus. Ihr Stereo-Bus ist, wo all diese Geräusche zusammengefasst werden, und wenn der Stereo-Bus zu laut ist, dann werden Sie anfangen, Verzerrungen zu bekommen. Da wir in einem digitalen Bereich arbeiten, ist unser Maximum Null. Der Fader wird Null lesen und wir werden anfangen, Clipping zu bekommen. Das ist es, was du nicht willst. Wir wollen uns von der roten Seite fernhalten, und wir wollen uns davon abhalten, Null zu schlagen. Also werde ich zuerst mit meinen lautesten Dingen anfangen, um sicherzustellen , dass sie die meisten Kontrolle haben, was normalerweise die Trommeln sind. Also fange ich an, den Kick hochzuschieben. Fangen Sie an, die Snare hinzuzufügen. Während ich mir das anhöre, versuche ich nur, eine allgemeine Ebene zu bekommen , wo ich alles in meinem Song platzieren werde. Das ist das Overhead-Mikrofon. Einer der besten Tipps, die ich geben kann, ist, dass ich das frei mache nicht vollständig auf den Stereobus zu einer bestimmten Zeit achte, gerade jetzt geht es um das Gefühl. Denn sobald ich das richtige Gefühl habe, wo diese Dinge sein sollten, kann ich sie immer gruppieren und sie in meinem Mix herunterziehen , so dass die Audiopegel nicht zuschneiden. Im Moment machen wir uns Sorgen um die Beziehung zwischen einem Instrument und dem nächsten Instrument im Mix. Also, ich werde meinen Song weiter unten hinzufügen in allem. Ich fange mit dieser Gitarre an, füge die nächste Gitarre hinzu, und ich finde auch das Schwenken heraus, während ich das mache. Ich finde heraus, wo sie in unserem Mix sitzen werden. Für diejenigen von uns, die das Schwenken nicht verstehen, ist es sehr einfach zu erklären. Sie haben ein linkes Ohr und ein rechtes Ohr, Ton kann den ganzen Weg von Ihrem linken Ohr zu Ihrem rechten Ohr gehen und überall darin platziert werden. Der einfachste Weg, daran zu denken, ist, an ein Orchester zu denken. Wenn Sie sich hinsetzen und ein Orchester beobachten, haben Sie Leute aus einem bestimmten Grund auf die Bühne gestellt. Sie haben die Bratschen den ganzen Weg hier nach rechts, bewegen sich in Hörner, bewegen sich in andere Saiten wie Geigen und dann ist das der Grund, warum wir all das Schlagzeug und Bass Zeug in der Mitte in der Grube haben all das Schlagzeug und Bass Zeug in der Mitte in , weil das sitzt direkt in der Mitte Ihres Mixes. Es ist also sehr einfach zu visualisieren, wo sich die Dinge in Ihrem Spektrum befinden, indem ich ein Orchester visualisiere, so mache ich es. Ich denke, wo würde ich diese Person auf die Bühne stellen. Einer der größten Tipps, die ich Ihnen geben kann und einer der größten Fehler, die ich in vielen Mixen sehe, ist, dass sie nur von links nach rechts denken, wenn sie über das Schwenken nachdenken. Das Schwenken ist nicht nur von links nach rechts, sondern auch darüber nachzudenken, wo die Person von vorne nach hinten auf der Bühne sitzt. Auch hier werden wir das Beispiel eines Orchesters verwenden. Wenn sich ein Orchester setzt, sitzt der beste Spieler vorne, das nennt man den ersten Stuhl. Das bedeutet, dass Sie das Publikum zuerst den besten Spieler hören , weil sie am nächsten zu Ihnen sitzen. Also fangen Sie an, Spieler hinter diesen Leuten zu platzieren und sie sind weiter entfernt. Also, sie sollten weiter in deinem Mix entfernt klingen und wir werden darauf eingehen, wie man Dinge von vorne nach hinten bewegt. Aber im Moment, lassen Sie uns einfach darüber sorgen, wo wir sie platzieren werden schwenken weise von links nach rechts, das sind Entscheidungen, die wir treffen, während wir die Anfangsstufe bekommen. Also, für diese Gitarre, würde ich diese Gitarre ein wenig nach rechts bewegen , als würde mein Gitarrenspieler ein wenig rechts von mir sitzen. Ein weiterer großer Trick ist es, eine Gitarre zu verdoppeln und sie auf die gegenüberliegende Seite von jeder anderen Gitarre zu setzen , die Sie da drin haben. Eines der Dinge, nach denen wir in einer Mischung suchen, ist Balance, wir wollen nicht, dass alles zur einen Seite neigt und wir wollen nicht , dass alles auf der einen oder anderen Seite frequenzschwer ist. Also, wir versuchen zu balancieren, wo wir verschiedene Instrumente setzen , um es für den Zuhörer interessant zu machen. Wie Sie sehen können, ist diese Gitarre mehr nach rechts, es gibt hellere Gitarren mehr auf der linken Seite. Also, wir haben jetzt das Stereo-Bild, das zwischen diesen beiden saß. Auch mit unseren Trommeln, wenn wir uns an einem Drum-Kit setzen, können wir genau visualisieren, wohin die Trommeln gehen sollen. Es gibt zwei Perspektiven beim Mischen eines Drum-Kits. Wollen Sie aus der Schlagzeugerperspektive mischen? Das bedeutet, dass alles so aussehen wird, wie es dem Schlagzeuger dort sitzt, oder wollen Sie aus Zuschauerperspektive machen? Die Art und Weise, wie es für das Publikum aussieht. Also, die meiste Zeit, wenn ein Schlagzeuger setzt sich seine Snare ist auf der linken Seite und die Snare sollte auf der linken Seite in Ihrem Mix bewegen, um den genauen Klang zu replizieren, den der Schlagzeuger hören würde. Ich werde diesen Song aus Drummerperspektive mischen. Also, das bedeutet, ich würde meine Snare ein wenig nach links bewegen und ich würde meinen hohen Hut ein wenig nach links bewegen, und ich würde den Kick in der Mitte halten weil genau das ist, wo der Schlagzeuger es hören würde. Jetzt habe ich einen Gitarreneffekt. Dieser Gitarreneffekt spiegelt unsere zweite Gitarre wider, also werde ich diese so bewegen , dass sie genau der Position dieser Gitarre entspricht. In diesem Song ist es offensichtlich, dass der clav wahrscheinlich das wichtigste Instrument im Song ist . Also, wir werden verschiedene Orte finden, um diesen clav zu setzen. Aber wie wir sehen können, hat unser Ingenieur fast fünf verschiedene Clavs aufgezeichnet. Also, wir können die clav an eine Reihe von verschiedenen Orten setzen, um es extrem voll klingen zu lassen. Dieser erste clav, den ich aufbringe, und ich werde ein wenig nach rechts gehen, und ich werde diesen nächsten clav das gleiche nachahmen lassen. Dann nehme ich diese anderen drei Clavs und bringe sie hoch und balanciere sie auf der anderen Seite, auch bedenke ich, dass ich bereits eine Gitarre auf diese Seite gesetzt habe, damit ich nicht will, dass sie genau an der gleichen Stelle wie die Gitarre ist. Ich möchte, dass es so aussieht, als würden verschiedene Leute an verschiedenen Orten innerhalb der Band sitzen , deshalb bringen wir sie in verschiedene Positionen. Nun, während dieses ganzen Prozesses werde ich auch berücksichtigen, wenn bestimmte Dinge im Song spielen. Es ist wichtig zu verstehen, dass die Balance abgeworfen werden kann , wenn sich ein Instrument in einem Abschnitt des Songs befindet. Also, Sie finden heraus, was Ihre wichtigsten Instrumente sind und das hilft Ihnen, zu entscheiden, wo Sie sie in unserer Spanne platzieren wollen , wo wir diese von links nach rechts schwenken. Sehr wichtig beim Platzieren der Basis, Sie möchten die Beziehung zwischen den Trommeln und dem Bass überprüfen. Dies ist wahrscheinlich die wichtigste Beziehung wenn es um die Gründung des Datensatzes geht. Also, um es jetzt viel einfacher für mich zu sehen, werde ich die Basis dahin bewegen, wo die Trommeln sind. Also, wenn ich nur den Kick und die Snare und die Basis solo, kann ich anfangen, diese Beziehung ein bisschen besser zu verstehen. Immer im Hinterkopf, dass wir den Bass spüren wollen und wir wollen der Bass uns trifft, was ich in der Brust nenne, aber wir wollen nicht, dass der Bass die Trommel überholt. Das ist ein weiterer großer Schlüssel Fehler, den ich bei Menschen sehe, ist, dass sie der Basis erlauben, die Trommeln zu überholen und dann beginnen sie , die Trommeln nach oben zu drücken, um einen stärkeren Angriff zu haben. Die ganze Zeit müssen Sie bedenken, dass Sie eine begrenzte Menge an Platz in Ihrem Stereo-Bus haben . Es geht also nicht immer darum, den Bass hochzuschieben, es geht darum, eine großartige Beziehung zwischen dem Bass, dem Kick und der Snare zu bekommen und dann alles andere daran zu platzieren, es ist sehr wichtig. Fangen Sie an, die Hörner hinzuzufügen. Nun, da ich eine Beziehung zur Musik habe, werde ich anfangen, mich auf den Gesang zu konzentrieren und sie wieder an den Anfang zu bringen. Ich mag es, den Song von Anfang an zu starten, damit ich ein Gefühl dafür bekommen kann , wohin ich im Song gehe. Also fange ich mit dem Lead-Vocal an. Ich warte darauf, dass das reinkommt. Aber während wir warten, erkennen wir immer noch welcher Ebene der Rest von allem anderen ist, so dass wir, wenn der Gesang kommt, ein besseres Verständnis davon haben, wo das sitzen muss. Wie Sie sehen können, ist der Gesang niedrig, und das bedeutet, dass wir einige Verarbeitung in Richtung des Gesangs machen müssen, aber zumindest weiß ich das jetzt. Diese anfängliche Prozesse nur für mich, um ein Gefühl des Liedes zu bekommen. Nachdem ich meine Führung eingegeben habe, werde ich in die Anzeigenlib setzen. Nun, ich habe so ziemlich die ganze Strecke drin. Wieder gehe ich runter und höre den Song von Anfang bis Ende, um sicherzustellen, dass das Gefühl immer noch da ist. Nun, ich habe eine allgemeine Vorstellung von dem Song und relativ, wo ich all meine Instrumente und die Levels dieser Instrumente platzieren möchte , und ich habe den Song genug gehört, um jetzt ein gutes Gefühl für den Song zu haben. wird uns erlauben, uns zu unserer nächsten Lektion zu führen, die darin besteht, Plugins und Effekte zu den Instrumenten hinzuzufügen. 4. Effekte hinzufügen: EQ: Jetzt haben wir eine allgemeine Balance für unsere Levels, was wir tun wollen, ist zu beginnen, durch zu gehen und Effekte in EQ hinzuzufügen. Das ist wirklich das Herz des Mischens. Also, was ich tun werde, um dies einfach für Sie zu machen , ist, dass ich eines meiner Lieblings-Plug-Ins nehme, das SSL-Plug-in, und ich werde es auf jedem dieser Spuren setzen. Also, was ich tue, ist, dass ich tatsächlich nehme, was der Channel-Strip dieses SSL wäre und es auf jeden Kanal in Plug-In-Form anwende. Also, ich werde hier reingehen, ich werde aus meiner Kategorie Wellen auswählen, und ich werde den ganzen Weg hier runter gehen, wo es SSLG steht. Was dies tut, ist, eine dieser SSLs auf jedem meiner Kanäle zu platzieren, so dass ich jetzt beginnen kann, jeden von ihnen separat zu EQ. Also, was ich tun werde, ist, ich werde wieder mit meinem Kick beginnen und ich werde anfangen, den Kick zu EQ , um näher an die klangliche Balance, die ich will, zu kommen. Manchmal, wenn du auswählst, wie der Kick klingen soll, musst du entscheiden, ob es ein wüchsiger Kick, ein druckvoller Kick oder ein subby Kick sein wird. Indem ich diese verschiedenen Dinge beschreibt, sagt es wirklich, auf welche Frequenz ich mich konzentrieren werde. Viele Male, wenn wir sagen, druckvoll, meinen wir rund um die 200 Hertz Kategorie. Wenn wir Subby sagen, meinen wir irgendwo in der Kategorie 50 oder 60 Hertz. Es sollte generell eine allgemeine Sprache geben, dass, wenn ein Künstler oder Produzent, der mit Ihnen spricht, diese Sprache in Frequenzen übersetzen kann. Also, wenn ich das spiele, jetzt, wie Sie bemerken können nimmt das Mikrofon ein wenig am unteren Ende dieser Snare auf. Also, eines der Dinge, die ich gerne mache, ist nur den Kick zu bekommen. Also, ich höre nur den Kick. Wenn ich gate, möchte ich sicherstellen, dass ich meine Schwelle hoch genug habe. Dass der Kicker immer noch durchkommt, aber nichts anderes kommt durch. Jetzt kommt nichts durch. Also, ich ziehe mich nur ein bisschen zurück, um sicherzustellen, dass mein Kick da ist. Also, mein Kick kommt durch, aber die Release-Zeit ist nicht genug, so dass ich den ganzen Kick bekomme. Indem ich die Veröffentlichungszeit steigere, erhöhe ich die Menge der Freisetzung des Kicks, den du hörst . Dann fange ich mit dem EQ an. Was ich gerne mache, ist, das Plus nach oben zu drehen und durch diese Frequenzen zu fegen. Auf diese Weise kann ich anfangen, den Sweet Spot zu hören, wo der Kick zu sein ist. Ich sage es genau, und dann werde ich ein bisschen zurückkehren, bis ich genau dort bin , wo ich will. Das hört sich gut an, genau da. Nun, irgendwann mit Live-Drums, werden Sie etwas zur Trommel hinzufügen wollen, so dass es der Musik entspricht, die Sie heute hören. Viele Male im Radio hören Sie Dinge, die durch Synthesizer gemacht werden, Sie hören Dinge, die durch Beat-Maschinen gemacht werden, und Sie wollen etwas haben, wenn Sie Live-Musik spielen, die dem entspricht , wenn es spielt gegen diese anderen Aufzeichnungen. Also, manchmal ist das unmöglich, nur von akustischen Instrumenten. Einer der Tricks, die ich gelernt habe, ist, den Kick durch das zu schicken, was wir eine Sinuswelle nennen würden. Also, als ich in meine Tür gehe. Ich geh und schicke diesen Kick in Bus eins. Nun, unsere Busse, erlauben uns, das Signal überall zu senden, wo wir wollen. Wir haben eine begrenzte Anzahl von Bussen pro abhängig von dem System, das Sie haben, aber innerhalb der meisten Dawes, Wir haben genug Busse, die wir zu allem, was wir wollen kaputt machen können. Also, wenn ich in meine Audio-Effekte gehe. Ich gehe hier runter, wo es Nützlichkeit steht, und ich habe einen Testoszillator. Alles, was ich tun werde, ist einen niederfrequenten Ton zu erzeugen. Livemusik abzuspielen, wenn sie nur von selbst gespielt wird. Nach unserem Oszillator, werde ich ein Tor platzieren und was ich tun werde, ist, dass ich den Kick als das, was wir die Schlüsseleingabe für das Tor nennen. Also, technisch gesehen, was macht das? Ein Tor, wie wir auf unserem Kick gesehen haben, ist etwas, das nur Ebenen oberhalb der Schwelle durchkommen lässt. Es bleibt geschlossen, wenn ein Signal die Schwelle trifft, die es öffnet das Tor. Damit wir dann das Geräusch hören und dann das Tor schließt. Deshalb nennen wir es ein Tor. Also, was ich eigentlich mache, ist, dass ich eine Unterfrequenz unterhalb dieses Gates lege. Ich benutze den Kick, um das Tor zu öffnen und zu schließen. So ermöglicht es uns, einen schwereren Boden zum Kick zu haben. Also, wie Sie hier sehen können, wenn ich nach unten scrolle, habe ich eine Hilfsspur erstellt, die genau das hat. Es hat einen Testoszillator und ein Rauschtor darunter. Ich ziehe das näher an meinen Kick und ich rufe das U-Boot an. Wieder versuchen wir, organisiert zu bleiben. Also, wenn ich die Stummschaltung aufhöre, klingt es gerade wie eine grundlegende Sinuswelle. Richtig? Sehr langweilig, ich kann durch die Frequenzen fegen und einfach jede Welle erzeugen, die ich will. Das ist eigentlich eine Sinuswelle, die ich quadratische Wellen erzeugen kann, was immer ich will. Aber wir wählen eine Sinuswelle, weil sie uns das beste U-Boot geben wird. Dann füge ich ein Rauschtor hinzu. Jetzt wirst du bemerken, dass das aus ist, dass du immer noch die Sinuswelle hörst. Aber wenn ich das hinzufüge und meine Schwelle hoch genug ist, höre ich diese Welle jetzt nicht. Also, die Idee ist, dass der Tritt reinkommt und dieses Tor öffnet, damit wir die Welle hören. Sie werden bemerken, wenn ich meine Schwelle unter minus acht herunterziehe , können wir die Welle hören. Wenn ich es hochschiebe, wird es abgeschnitten. Der Schlüssel dazu ist, den Kick als Seitenketteneingang zuzuweisen. Der seitliche Ketteneingang ist hier in diesem Bereich. Wenn ich runterkomme, und ich wähle Spur einen Kick. Nun, das wird meine Seitenkette. Was es tun wird, ist zulassen, dass sich die Tore jedes Mal öffnen, wenn der Kick trifft. Also, wenn ich zurückgehe und ich unseren ursprünglichen Kick spiele, wie Sie jetzt sehen können, auf unserer Unterspur, löst der Kick das Tor aus. Manchmal musst du die Schwelle anpassen, aber wenn ich das jetzt reinbringe, hörst du den Unterschied. Jetzt haben wir einen Bottom in für unseren Kick geschaffen, den wir mit dem Kick mischen können und uns mehr Kontrolle über den Sound und den Hit des Kicks geben können. Wieder müssen Sie vielleicht die Schwelle an Ihrem Tor anpassen, wenn Sie es den ganzen Weg nach unten bringen, wird es wie unsere normale Sinuswelle klingen. Wenn du diesen Ort finden willst, dann ist es genau dort, wo der Tritt und das U-Boot gleichzeitig treffen. Wir können eine schöne Balance für die beiden finden und sie als einen Klang behandeln, indem wir sie zusammenfassen. Jetzt, da wir das Gleichgewicht zwischen dem Kick und dem Sub haben, kann ich anfangen, den Rest meiner Sounds hinzuzufügen, aber jetzt mit der Verarbeitung auf ihnen. Also füge ich meine Snare hinzu. Meine Snare könnte ein bisschen mehr Hahn Ende gebrauchen. Ich fange an, die Basis hinzuzufügen, Raum möchte vielleicht nur ein wenig aufkommen und wieder wollen wir unsere Beziehung mit der Basis, dem Kick und der Snare überprüfen. Viele Male werden die Basis und der Kick im Inneren des Songs um Frequenzbereich kämpfen. Also, eines der Dinge, die ich gerne tun, ist, unter die Frequenz zu gehen, die für den Kick zeigt , und drehen Sie das in der Basis, um den Rest dieses Raumes zu füllen. Also werde ich zurückgehen und schauen und sagen: „Okay, nun, ich bin 177 Hertz im Kick aufgetaucht, also will ich unter 177 Hertz in meiner Basis gehen.“ Sagen wir mal, ich gehe um die 80. Ich werde anfangen, das in der Basis zu erhöhen. Ich werde auch auf unsere Mittelklasse gehen, nur um es ein bisschen mehr Punsch zu geben. Ich füge unsere Gemeinkosten für die Trommeln hinzu, und lassen Sie uns das in der Mitte behalten. Wie Sie sehen können, gibt uns dies viel mehr von den Symbolen und den hohen Adds des Drum-Kits. Ein weiterer großer Trick, den wir im Laufe des Jahres verwendet haben, ist es, die Gemeinkosten zu nehmen und sie durch das, was wir Squashing nennen, zu komprimieren. Das bedeutet nur eine starke Kompression. Also kann ich mein Kompressionsverhältnis auf etwa fünf einstellen. Haben Sie eine schöne Version von etwa 0,2. Ich werde hoch auf meiner Schwelle gehen oder sollte ich sagen, niedrig auf meiner Schwelle, ich bringe die Schwelle nach unten, so dass es alle Geräusche packt, und was das tut, ist, dass es den Overhead zusammen zusammendrückt , was mir eine bessere Gesamt Gefühl für die Trommeln. Es wird erlauben, meine Symbole hell zu sein und es wird auch ein wenig mehr von einem Kleben Faktoren auf den Kick und die Snare hinzufügen . Denn denken Sie daran, dass die Gemeinkosten ein oder zwei Mikrofone sind, die das gesamte Kit erfassen. Wieder fange ich an, meine Gitarren hinzuzufügen. Nun, eine wichtige Sache zu erinnern ist, dass eine Gitarre wahrscheinlich trocken sein wird, was unsere direkte Gitarre ist. Eine andere Gitarre wird wahrscheinlich die Aufnahme des Effekts oder des Kabinetts der Gitarre sein. Da wir in einer Tür arbeiten, können Sie diese Gitarre nehmen und sie durch jeden Schrank stellen, den Sie wollen. Nach meiner Gitarre möchte ich den Klatsch hinzufügen und an dieser Stelle ist es toll für mich, auf meinen Stereobus zu achten. Denn jetzt bekomme ich tatsächliche Balancepegel, die anfangen zu übertreiben, oder komme ein wenig nahe an das rote Innere meines Stereobusses. Also, ich gruppiere all diese zusammen und ziehe sie einfach runter. Wie Sie sehen können, speichert dies meinen Stereobus, aber es hält alle Instrumente in der gleichen relativen Perspektive wie eine Beziehung zueinander. Denken Sie daran, dass wir unseren Mix nicht ändern, was wir tun, ist uns selbst mehr Kopfraum zu geben. Also, dass wir unseren Mix nicht maximieren. Also, im Wesentlichen werden wir die gleiche Mischung mit besserem Headroom haben , was uns eine bessere Audioqualität geben wird. Auch hier ist das Überfahren Ihres Stereobusses der schnellste Weg, um zu digitalen Verzerrungen zu gelangen. Sobald Sie diese 0.0 getroffen haben, gibt es keine Korrektur, die jeder Ingenieur tun kann. Der Computer hat jetzt keine Nullen und Einsen, um diese Audiodatei darzustellen, also ersetzt er sie einfach durch Verzerrung. Sie möchten insgesamt sicherstellen, dass Sie aus dem Rot bleiben. Wenn wir wieder zu unserem Mix kommen, fangen wir an, die Hörner hinzuzufügen und nochmals auf unseren Stereo-Bus zu achten . guter Letzt fügen wir in allen Gesängen hinzu. Unser Gesang könnte ein wenig Lautstärke gebrauchen, dasselbe mit unserem [unhörbaren]. Wieder überprüfen wir immer, um sicherzustellen, dass wir aus dem Rot bleiben. 5. Effekte hinzufügen: Hall: Was ist Reverb? Nun, wenn man Musik aufnimmt, man sie im Studio auf, aber alle Orte haben, was wir einen akustischen Raum nennen. Das bedeutet, dass der Klang durch die Art und Weise beeinflusst wird, wie der Raum gestaltet ist. All Ihre Wände in einem Studio beeinflussen den Klang. Egal, ob Sie in einem Millionen-Dollar-Studio sind oder in Ihrem Schlafzimmer sind, die Art und Weise, wie der Klang beeinflusst wird, wird durch den Aufbau Ihres Raumes bestimmt. Das Schlimmste, in dem man sein kann, in dem sich die meisten Menschen befinden, wenn sie in ihrem Schlafzimmer sind, ist eine quadratische Box. - Warum? Denn das schafft, was wir Stehende Wellen nennen. Stehende Wellen sind, wenn ein Ton von der Wand springt und es trifft den gleichen Klang kommen mit der gleichen Geschwindigkeit und hebt sich gegenseitig ab. Das passiert normalerweise nicht in der realen Welt. Was normalerweise passiert, ist, dass diese Sounds sich gegenseitig treffen und sie sich nicht vollständig abbrechen, aber sie beginnen, auf eine Weise hinzuzufügen und zu subtrahieren, die Ihren Mix beeinflussen wird. bedeutet, dass Sie im Raum sitzen und der Raum selbst dazu führen wird, dass Sie mehr Bass zu einem Sound hinzufügen. Also, wenn Sie Ihren Mix aus diesem Raum nehmen und versuchen, es in einer anderen Umgebung zu spielen, wie einem Club oder im Radio, gibt es zu viel Bass im Song oder, das Gegenteil kann passieren. Der Raum kann Bass zu Ihrem Song hinzufügen, so dass Sie sich wohl fühlen, wo es Geräusche des Sitzens gibt, und wenn Sie sie dann irgendwo anders spielen, fühlt es sich an, als ob Sie nicht genug Bass in Ihrem Song haben. Also, was wir versuchen zu tun, wenn wir einen Hall haben, ist zu versuchen, die Größe der Räume zu imitieren. Alles, was Reverb tut, ist etwas weiter weg von dir oder näher an dich zu legen. Je mehr Hall Sie haben, desto größer die Hallzeit, desto weiter weg scheint der Klang. Das führt uns zurück zu unserer Orchesterdemonstration. Wenn jemand auf dem ersten Stuhl Geige spielt, scheinen sie dir näher zu sein, gegen jemanden, der fünften Stuhl spielt, der weiter weg scheint. Wir erreichen das mit Reverb. Also, im Moment werde ich ein wenig Hall zum Lead-Vocal hinzufügen, um ihm das Aussehen zu geben, dass es in einem Raum aufgenommen wurde. Der Grund, warum wir trocken aufzeichnen, ist, dass wir später unseren Reverb auswählen können. Es gibt tolle Zimmer in Studios, die Leute zahlen eine Menge Geld, um in diesen Räumen aufzunehmen, streng weil sie den Hall dieses Zimmers lieben. Also, das ist, was wir tun werden, wir fügen diesem Gesang einen Hall hinzu, um ihm etwas Platz zu geben. Jetzt ist eine der besten Möglichkeiten, Reverb einzurichten, ein Zerschlagungssystem zu verwenden. Dies ist ein häufiger Fehler, den ich in vielen Mischungen sehe. Die Leute werden einen Hall-Stecker in nehmen und es tatsächlich auf diesem Lead-Vocal setzen, was technisch gesehen nicht falsch ist. Aber wenn Sie in einem Laptop arbeiten oder an einer Tür auf einem Computersystem arbeiten, möchten Sie auch bedenken, dass es eine Grenze Menge der Dinge, die Sie in Bezug auf die Verarbeitung tun können, gibt. Also, mit unserem Busting System, was uns das ermöglicht, ist es, einen Hall auf einen Basskanal zu setzen und unsere Bässe zu verwenden, um so viele Kanäle wie möglich zu diesem Hall zu senden. bedeutet, dass wir nicht jeden einzelnen Kanal jeder Stimme und jedes Instrument, das wir auf unserer Strecke haben, mit einem Reverb versehen müssen. Das wird unser System schneller ausbauen als alles andere. Reverb ist unser eines der hochgradig prozessorschweren Plugins. Indem wir das auf einen dedizierten Basskanal platzieren und dann den Kanal aufbrechen , den wir an diesen Bus senden möchten, müssen wir nur einen Reverb für alle Instrumente verwenden. Hoffentlich verstehst du den Unterschied. Also, wie Sie sehen können, habe ich einen Bus erstellt und was ich tun werde, ist auf dem Lead-Vocal, ich werde hierher kommen und ich werde zum Bass eins gehen, und ich werde ein bisschen von diesem Gesang an Bass senden. Also, wenn ich jetzt einen Kanal zu meinem Bass gehe, kann ich hier gehen und einen Reverb hochziehen. Sie werden sehen, dass wir so viele verschiedene Standardwerte haben werden, die uns Ambiente zeigen, wir können einen großen Raum haben, wir können einen hellen langen Hall haben, wir können eine Kirche haben, wir können einen Live-Club haben. All diese Dinge sollen Sie in einen allgemeinen Bereich dessen bringen , was der Hall zu repräsentieren versucht, angesichts der Tatsache, dass Sie nach Herzenslust anpassen können, sobald Sie es darauf setzen. Also fange ich mit der Kirche an. Also, wenn ich jetzt auf Play drücke, denke ich, es wäre toll, wenn wir das alles sehen würden, dass ihr Jungs genau hören könnt, was ich tue . Jetzt kannst du es hören. 13 Monate altes Baby. Das ist Reverb. das Aussehen in Glas gebrochen. Das ist Notiz Reverb. Sieben Jahre Pech. Wir wollen eine Balance finden, die es unserem Gesang ermöglicht, herauszutragen, was nicht allzu ausgewaschen klingt. Abhängig von der Art der Musik, die Sie tun, hängt davon ab, wie viel Hall Sie auf den Gesang platzieren möchten. Ich mag es, gerade genug hinzuzufügen, damit ich es kaum in der Mischung hören kann, aber ich weiß, dass es da ist. Verbessern Sie einfach den Gesang und geben Sie ihm etwas Platz. Also, wenn ich das zurücknehme, damit Sie vom Anfang des Verses hören können, möchte ich gerade genug hinzufügen, damit ich es hören kann, aber es wäscht es nicht aus. Was ich normalerweise mache, ist zu weit zu gehen und mich dann zu stützen. Das ist zu weit. Toll, jetzt haben wir unserem Leadgesang ein wenig Platz hinzugefügt. Ich möchte vielleicht genau das Gleiche mit unseren Ad-lib-Gesängen machen, damit sie klingen, als wären sie im selben Raum aufgenommen worden. Ich werde das Niveau desselben überprüfen, weil das minus sechs ist, und ich werde die Add-Lib auf minus sechs nehmen. Großartig, jetzt können Sie dies mit jedem Instrument tun, das Sie wollen, um es so aussehen zu lassen, als wäre es in jedem Raum, den Sie wollen, und es gibt viele kreative Reverbs, die in anderen Lektionen gelangen. 6. Effekte hinzufügen: Kompression: Nun, da wir etwas Raum für unseren Gesang geschaffen haben , ist eine gemeinsame Sache, die wir tun, um zu versuchen, den Gesang zu kontrollieren, das Gesang zu komprimieren. Dies ist wahrscheinlich die am meisten missverstandene Technik in der modernen Aufnahme. Was ist ein Kompressor? Ein Kompressor drückt tatsächlich Ihren Gesang. Was meine ich mit Squeeze deinen Gesang? Jeder Sound hat einen Dynamikbereich. Ihr Dynamikbereich ist der Unterschied zwischen dem lautesten und dem weichsten Klang, den dieser Sound erzeugen wird. Die menschliche Stimme kann sehr weich und flüsterig sein oder es kann sehr laut und schreien. Oftmals wird der gesamte Bereich innerhalb einer Strecke demonstriert. Wenn wir unsere Levels für das höchste Niveau unseres Tracks einstellen, sagen wir den Gesang, dann wird es während der ruhigen Teile nicht laut genug sein. Wenn wir unsere Levels für die ruhigen Teile einstellen, dann kann es sich verzerren und in den lauten Teilen zu laut gehen. Also, was wir tun, ist, dass wir einen Kompressor setzen, so dass er unseren Gesang zusammendrückt und unseren Gesang kontrolliert. Es gibt alle verschiedenen Arten von Aromen von Kompressoren. Alle von ihnen machen im Grunde die gleiche Arbeit, aber auf unterschiedliche Weise, aber es gibt einige sehr häufige Dinge, die auf allen Kompressoren sind. Nummer eins und das größte Konzept, das Sie verstehen müssen, ist die Schwelle. Die Schwelle sagt tatsächlich dem Kompressor, wann er handeln soll. Wenn wir also eine Audiowelle haben, die sich bei einem bestimmten Höhepunkt nach oben und unten bewegt, werden wir unseren Schwellenwert festlegen und sagen, sobald die Audiowelle über diesen Schwellenwert liegt, werden wir anfangen, an dieser Audiodatei zu arbeiten, und was Bedeutet das? Nun, da kommt der zweite ins Spiel. Unser Verhältnis, unser Verdichtungsverhältnis ist wahrscheinlich die zweitgrößte Sache. Das sagt dem Kompressor tatsächlich, wie schwer zu arbeiten ist. Also, wenn Sie sich Ihre Kompressoren ansehen, sagen sie eins zu eins, zwei zu eins, drei zu eins. Was bedeutet das? Das Verdichtungsverhältnis ist nur, dass es ein Verhältnis ist. Es ist das Verhältnis zwischen zwei Zahlen. Es sagt im Grunde, dass für alle drei Dezibel, dass dieses Signal über die Schwelle geht, wir werden es nur erlauben, über eins zu gehen. Es ist ein Steuerfaktor, er sagt Ihnen, wie hart der Kompressor arbeitet. Also, offensichtlich ist ein Verhältnis von drei zu eins leichter als ein Verhältnis von 10 zu eins. Sie werden also Ihr Verhältnis je nach Audio herausfinden, das eingeht. Je höher Ihr Verhältnis ist, desto mehr zerquetscht Ihr Signal. diesem Grund ist dies die am häufigsten missbräuchliche Sache in Audio, weil es sehr einfach für Sie ist, die Leistung vollständig zu zerquetschen und leblos zu machen, was Sie nicht tun möchten. Sie wollen es kontrollieren, Sie wollen die Leistung nicht leblos machen. Also, seien Sie sehr vorsichtig mit Ihrem Schwellenwert. Sie wollen nicht zu viel Kompression, denn dann berauben Sie dem Künstler ihre großartige Leistung. Also, was meine ich damit? Wenn wir uns unseren Lead Vocal Track ansehen und ich ziehe meinen Stecker wieder hoch. Genau hier, in unserem dynamischen Bereich, haben wir alle unsere Kontrollen. Dieses erste ist das Verhältnis, von dem ich gerade gesprochen habe. Das ist eins zu eins, zwei zu eins, drei zu eins. Das ist unsere Schwelle. Dies sagt uns, wann das Signal vom Kompressor beeinflusst wird. Dieser letzte ist auch die Veröffentlichung. Die Veröffentlichung sagt uns, wie lange es dauert, bis wir wieder auf unser natürliches Niveau des Kompressors zurückkommen. Je länger die Freigabe, desto länger wird der Schwanz sein. Was meine ich mit einem Schwanz? Nun, wenn Sie ein schnelles perkussives Instrument haben, gibt es wirklich keinen Schwanz, aber wenn Sie es mit etwas zu tun haben, sagen wir, wie ein Bass, der einen ersten Angriff hat, und dann einen Schwanz, das wird Ihnen sagen, wie viel von diesem Schwanz komprimiert werden wird. Das ist alles, was es dir sagt. Wenn Sie einen Gesang haben, bei dem jemand singt, ist der erste Angriff eine Sache, und wenn diese Stimme ausgeführt wird, wird Ihnen die Freigabe sagen, wie lange die Kompressoren bleiben werden. Also, wenn ich das nochmal spiele, können Sie hier an dieser Orange sehen. Dies sagt uns, wie viel Kompression wir in der Strecke haben. Also, im Moment, wo unsere Schwelle hier festgelegt ist, bekommen wir ein Minus drei, minus fünf Dezibel. Wenn ich diese Schwelle wende, lassen Sie mich diese Solo, damit Sie sie hören können. Wenn ich diese Schwelle ganz nach oben drehe, zerquetscht das. Das ist es, was wir nicht tun wollen. Das bedeutet, dass alles innerhalb des Gesangs komprimiert wird, und das ist nicht das, was wir tun wollen. Also, ziehen wir das zurück. Das war gut, genau hier. Was das tut, ist, uns die Kontrolle über die Frequenzen zu geben, die über den Durchschnitt gehen, wo der normale Signalpegel ist, und es gibt einen weiteren großen Punkt, den wir in Bezug auf die Kompression herbeiführen müssen. Ist, dass die Kompression nicht nur das obere Ende steuert, es bringt auch den Boden. Wenn wir Squash sagen, oder wir sagen Boden, es macht den niedrigsten Ton kommen, und es lässt den höchsten Klang sinken. Also, was bedeutet das in der Praxis? Das bedeutet, dass, wenn Sie viel Bodengeräusche haben, wenn Sie eine Menge Hintergrundgeräusche haben, wenn Sie sich in einem Raum befinden, in dem eine Klimaanlage spielt und die Klimaanlage zufällig zu Ihrer Aufnahme gelangt, alle von diesem weichen Geräusch heraufgebracht werden. Also, es ist sehr wichtig für Sie zu hören, was Sie komprimieren, und stellen sicher, dass Sie genau das Signal erhalten, das Sie für dieses bestimmte Instrument wollen, sei es eine Gitarre, Gesang oder Drum Track. Nun, da ich das komprimiert habe, kann ich es wieder in meinen Mix werfen und es wird einfacher für mich sein zu kontrollieren und es wird besser in der Mischung sitzen. Wieder möchte ich von Anfang an anfangen, nur um das Gefühl des Songs zu bekommen. Vergiss nicht, dass es bei Musik um Gefühl und Groove geht. Es geht nicht immer nur um technische Dinge, man sollte sich so fühlen, wie man es tut. Ok. Unsere Adlib sind ein bisschen zu laut. Lassen Sie mich das nur ein bisschen runterbringen. Eine andere Sache, die mich fragen, ist, woher kennst du das richtige Niveau für einen Lead-Vocal? Die meiste Zeit liegt das an Ihnen, aber Sie wollen sicherstellen, dass der Künstler hörbar ist, dass sie klar sind, dass sie gehört werden können, und meistens versuche ich, sie irgendwo zu finden, wo die Snare ist im Song, und wenn es keine Snare gibt, bekommen Sie irgendwie ein Gefühl dafür, wo der Rest der Instrumente ist, und Sie wollen, dass es nur ein wenig über den Rest der Instrumente sitzen , abhängig von der Art der Musik. Auch hier tun Sie etwas, bei dem der Gesang nicht wirklich der Hauptaugenmerk ist, sollten Sie sicherstellen, dass der Hauptfokus der Platte ist, was prominent ist. Also, für diesen Song ist natürlich der Gesang wichtig, so dass wir ihn nur ein wenig über den Rest der Instrumente setzen. Woher weißt du, ob es zu laut ist? Wenn wir uns unseren Stereo-Bus ansehen, fährt die Musik unseren Stereo-Bus. heißt, das ist, was dazu führt, dass alles nach oben und unten geht. Wenn ich das solo, werden wir genau das Niveau unseres Lead Vocal sehen. Wenn ich den Lead Vocal ganz nach oben drehe, fängt es an, unseren Mix zu treiben, wenn du verstehst, was ich meine. Das ist es, was wir nicht wollen. Wir wollen, dass die Musik den Mix antreibt. Wir haben ein Gesamtniveau für unseren Gesang festgelegt, aber Menschen singen nicht auf einer konsistenten Ebene, oder? Also gingen wir durch unser Lied, und wir hörten es, und wir würden tun, was wir Vokalstäbe nennen. Dies ist, wo unsere Automatisierung ins Spiel kommt und wir würden tatsächlich durch den Song gehen, hören und im Wesentlichen den Gesang nach oben und unten drehen , je nachdem, wie laut oder weich es in einer bestimmten Sitzung ist. In Ordnung. Also, wir würden, weil das Reiten mit deinem Gesang erlaubt es dir, deinen Gesang nicht zu komprimieren und sicherzustellen, dass alles sogar in deinen Songs ist, oder es kann eine Art von kreativen Dingen geben, die du tun willst, wo du willst Vocal, um je nach Musik weicher oder lauter zu werden. Jetzt, wo ich mein Gesangsset und den Rest meines Instrumentensets habe, höre ich noch einmal auf, um alles in den Sinn zu bringen bevor ich mit den endgültigen Entscheidungen für unseren letzten Teil des Mixes beginne. 7. Klangausgleich: Jetzt, da wir unsere Gesamtbilanz erhalten haben und Effekte hinzugefügt haben und einige unserer Dinge ausgeschöpft haben, ist es Zeit für uns, über unsere endgültige Mischung nachzudenken, und eines der größten Dinge, die Leute mich fragen, ist, wenn sie den endgültigen Mix komprimieren. Das bedeutet, dass Sie einen Masterbus haben oder sollten wir einen Master-Fader sagen. Sollen Sie einen Kompressor oder einen EQ auf den Gesamtbus setzen? Das liegt ganz bei Ihnen. Hier wird man kreativ. Hier fangen Sie an, Entscheidungen zu treffen, wie Sie wollen, dass die letzte Sache klingen. Seit Jahren habe ich nie einen Kompressor auf den Masterbus gesetzt. Ich denke, es gibt vielleicht eine Mischung in meinem Leben, mit der ich das gemacht habe. - Warum? Weil ich meinem Mastering Engineer vertraue und ich möchte die volle Dynamik meines Songs haben wenn ich es jemandem gebe, der auch in EQ komprimiert wird. Gilt das immer? Vielleicht bist du in einer Situation, in der du diesen Song auslegen wirst und du eine Master-Kompression haben willst , bevor es ins Internet geht oder bevor es auf dein Mix-Band geht oder was auch immer du tust. Das ist subjektiv. Es liegt an Ihnen, aber die gleichen Regeln gelten hier, die wir früher zur Kompression übergegangen sind. Das Größte ist, deinen Mix nicht zu zerquetschen. Sie möchten den Dynamikbereich nicht mit Ihrem Kompressor aus Ihrer Mischung rauben. Seien Sie also sehr vorsichtig, wenn Sie einen Kompressor über den Meister Ihrer Mischung legen. Es ist sehr einfach für dich, deinen Mix ohne den Master zu drucken und dann später zu tun, wenn du alle deine Songs zusammen kompilierst. Auf diese Weise können Sie bestimmte Entscheidungen treffen. Wenn Sie absolut sicher sind und die Art und Weise lieben der Kompressor klingt und der EQ auf Ihrem Masterbus klingt, dann fahren Sie mit allen Mitteln fort und setzen Sie ihn dort auf. Ich gebe Ihnen meine persönliche Erfahrung mit dem, was ich gerne tue, um sicherzustellen, dass ich sicher bin. Normalerweise drucke ich meine Mixe ohne sie aus und kann sie später in einer anderen Phase hinzufügen. Eines der letzten Dinge, die ich gerne tun, um meinen Mix zu überprüfen, ist tatsächlich einen EQ über den Master zu legen, nur um die Tonbalance zu überprüfen, und was meine ich damit? Nun, wenn Sie hier rüber gehen und gehen und ich einen EQ hochziehe, wird mir das tatsächlich ein Diagramm geben, um mir zu zeigen, wo alle meine Frequenzen sind, und wie Sie sehen können, möchte ich vielleicht nur ein bisschen in diesem 10K-Rang aufstoßen und vielleicht ein wenig Bit in diesem 2K ein. Sie können hören, wie das Gesamtniveau meines Mix heller wird und Sie können auch sehen, dass unsere Darstellung unseres Graphen lauter und lauter wird, was uns zeigt, dass wir eine gleichmäßigere Mischung haben. Wir möchten sicherstellen, dass alle unsere Frequenzen klanglich innerhalb unseres Mixes dargestellt werden und dies wird sicherstellen, dass unser Mix mit anderen Mixen vergleichbar ist, da draußen sind, besonders wenn Sie etwas auf der -Radio. Also, am Ende dieses Mixes, das einzige, was ich jetzt tun müsste, wäre wahrscheinlich, ein Fade am Ende hinzuzufügen oder zu entscheiden, ob der Song abgeschnitten wird. Das ist die meiste Zeit nicht die Entscheidung des Ingenieurs, es ist nur etwas, das Sie den Produzenten fragen würden, und Sie würden es tatsächlich tun. Viele der Dinge, die Sie brauchen, um die Freigabe vom Produzenten zu erhalten. Es gibt ein großartiges Konzept, das Sie verstehen und sich daran erinnern müssen. Als Ingenieur bist du im Dienstleistungsgeschäft, du wartest jemand anderen. Es ist wie ein Friseur zu sein. Wenn sich jemand hinsetzt und du der Friseur bist, sagt er dir, wie er seinen Haarschnitt schneiden will. Der Grund, warum sie zu Ihnen kommen, ist, dass Sie der Experte sind, um das zu tun. Sie werden Vorschläge fragen, aber am Ende des Tages, vergessen Sie nie, dass es die Produzenten sind. Also, Sie sind hier, um die Art zu erleichtern, wie diese Person will, dass die Platte klingen. Wenn es Ihre Platte ist, dann sind Sie der Produzent und der Ingenieur und es gibt kein Problem. Hoffentlich können die meisten dieser Tipps und Tricks Ihnen helfen, Ihre eigene Musik zu erstellen und Sie können die Dinge, die ich im Laufe der Jahre gelernt habe, als Anfänger verwenden , um Ihnen zu helfen, für Ihren Mix zu organisieren und mit besseren Mixen zu kommen zu verwenden. Also, hier ist, was wir tun werden. Das wird interaktiv sein. Es wird nicht nur ich hier sitzen und unterrichten. Das wird interaktiv sein, bis wir wollen, dass ihr all diese Dinge auf eure Mixe anwendet. Also werden wir einen Wettbewerb veranstalten. Wir lassen Sie Ihre eigene Musik einreichen. Was wir hören müssen, ist Ihr Original und was Sie in der Mischung getan haben. Also, um es klar zu sein, gibt es zwei Dateien, die abspringen werden, die ursprüngliche Aufnahme und die Mischung, die Sie getan haben. Ich werde zehn Leute aussuchen, und diese Leute werden sofort ein Paar meiner Kopfhörer gewinnen. Daraus wählen wir den Gewinner Nummer eins aus, der mich dazu bringt, ihre eigentliche Platte zu mischen. Es ist nicht nur für mich, es ist auch für den Rest der Gemeinschaft. Wir versuchen, hier auf der Website eine Community aufzubauen, damit ihr miteinander reden und einander Tipps, Tricks und kreative Kritik geben könnt. Es ist immer am besten, Musik mit einer Gruppe von Menschen zu machen. Ich habe meine Mixe für andere Ingenieure gespielt, die ich liebe. Wir versuchen, die gleiche Umgebung hier für Sie zu schaffen. Also, lasst uns an die Arbeit gehen. Lasst uns mischen und lasst uns diese Vermischungen aufbringen.