Kunstschule Boot Camp: Erweitere deinen Stil mit Kunstgeschichte | Christine Nishiyama | Skillshare

Playback-Geschwindigkeit


  • 0.5x
  • 1x (normal)
  • 1.25x
  • 1.5x
  • 2x

Kunstschule Boot Camp: Erweitere deinen Stil mit Kunstgeschichte

teacher avatar Christine Nishiyama, Artist at Might Could Studios

Schau dir diesen Kurs und Tausende anderer Kurse an

Erhalte unbegrenzten Zugang zu jedem Kurs
Lerne von Branchenführern, Ikonen und erfahrenen Experten
Eine Vielzahl von Themen, wie Illustration, Design, Fotografie, Animation und mehr

Schau dir diesen Kurs und Tausende anderer Kurse an

Erhalte unbegrenzten Zugang zu jedem Kurs
Lerne von Branchenführern, Ikonen und erfahrenen Experten
Eine Vielzahl von Themen, wie Illustration, Design, Fotografie, Animation und mehr

Einheiten dieses Kurses

8 Einheiten (20 Min.)
    • 1. Warum über Kunstgeschichte lernen?

      1:32
    • 2. Impressionismus

      3:41
    • 3. Post-Impressionismus

      1:55
    • 4. Fauvismus

      1:53
    • 5. Kubismus

      3:24
    • 6. Expressionismus

      2:03
    • 7. Dadaismus

      2:55
    • 8. Surrealismus

      3:01
  • --
  • Anfänger-Niveau
  • Fortgeschrittenes Niveau
  • Fortgeschrittenes Niveau
  • Alle Niveaus

Von der Community generiert

Das Niveau wird anhand der mehrheitlichen Meinung der Teilnehmer:innen bestimmt, die diesen Kurs bewertet haben. Bis das Feedback von mindestens 5 Teilnehmer:innen eingegangen ist, wird die Empfehlung der Kursleiter:innen angezeigt.

3.893

Teilnehmer:innen

16

Projekte

Über diesen Kurs

Willkommen zur nächsten Sitzung des Art School Boot Camp! Ich bin Christine Fleming, Illustratorin bei Might Could Studios. In dieser Ausgabe des Bootcamps konzentrieren wir uns auf die Künstler, die vor uns kamen, und tauchen in die Kunstgeschichte ein.

06a5050a

Warte, noch nicht! Kunstgeschichte ist wichtig, und sie ist nicht langweilig – versprochen! Kunstgeschichte ist als Künstler superwichtig, weil man dadurch sehen und verstehen kann, was große Kunst ausmacht. Je mehr du über Kunstbewegungen, Kunstlegenden und ihre Stile und Techniken weißt, desto mehr kannst du deine eigene Arbeit analysieren und verbessern! Alle Künstler werden von anderen Künstlern beeinflusst, und das gilt auch für dich! Warum also nicht von den Meistern lernen?

Die Kunstgeschichte wird auch die Designprinzipien festigen, über die wir in dieser Reihe bereits gesprochen haben, einschließlich Komposition, Gestik und Farbe, und zeigt dir erfolgreiche Beispiele dafür, wie man die Regeln befolgt UND wie man sie bricht!

b2b0507f

Bei Kunstbewegungen geht es immer um Rebellion und das Brechen von Regeln, die vorher galten. Vom Impressionismus bis zum Surrealismus werden wir uns damit beschäftigen, WANN die Rebellion stattfand, WO sie stattfand, WER rebellierte, WESWEGEN man rebellierte und WIE sie rebellierten. Anschließend zeige ich dir, wie du JETZT mit spezifischen Techniken aus jeder Bewegung rebellieren kannst, die du auf dein eigenes Kunstwerk anwenden kannst!

Für unser Kursprojekt werden wir ein neues Kunstwerk schaffen, das von einer Kunstrichtung inspiriert ist und eine der im Kurs gezeigten Techniken verwendet. Am Ende des Kurses hast du ein besseres Verständnis der Kunstgeschichte, spezifische Techniken der Meister, die du in deiner eigenen Arbeit ausprobieren kannst, und einen Geistesblitz, der dich dazu anregt, neue Kunst zu schaffen! Machen wir uns also auf den Weg und brechen alle Regeln!

//

MÖCHTEN?

Sieh dir meine anderen Skillshare-Kurse hier an!

Du kannst auch mehr über mich und meine Arbeit auf meiner Website sehen: might-could.com.

Und du kannst dich für meine E-Mail-Liste anmelden!

Vielen Dank <3

 

Triff deine:n Kursleiter:in

Teacher Profile Image

Christine Nishiyama

Artist at Might Could Studios

Top Teacher

Hallo! I'm Christine Nishiyama, artist + founder of Might Could Studios.

I make books and comics, and I draw a whoooole lot. I teach aspiring and established artists, helping them explore their art, gain more confidence, and discover their unique artistic styles.

My core belief is that art is good and we should all make more of it. 

Instagram: Yeewhoo, I quit all social media! 

Subscribe to my Substack newsletter: Join over 10,000 artists and get my weekly essays on creativity and artmaking, weekly art prompts, and behind-the-scenes process work of my current picture book. Subscribe here!

Vollständiges Profil ansehen

Kursbewertungen

Erwartungen erfüllt?
    Voll und ganz!
  • 0%
  • Ja
  • 0%
  • Teils teils
  • 0%
  • Eher nicht
  • 0%
Bewertungsarchiv

Im Oktober 2018 haben wir unser Bewertungssystem aktualisiert, um das Verfahren unserer Feedback-Erhebung zu verbessern. Nachfolgend die Bewertungen, die vor diesem Update verfasst wurden.

Warum lohnt sich eine Mitgliedschaft bei Skillshare?

Nimm an prämierten Skillshare Original-Kursen teil

Jeder Kurs setzt sich aus kurzen Einheiten und praktischen Übungsprojekten zusammen

Mit deiner Mitgliedschaft unterstützt du die Kursleiter:innen bei Skillshare

Lerne von überall aus

Ob auf dem Weg zur Arbeit, zur Uni oder im Flieger - streame oder lade Kurse herunter mit der Skillshare-App und lerne, wo auch immer du möchtest.

Transkripte

1. Warum über Kunstgeschichte lernen?: Willkommen zur nächsten Sitzung der Art School Boot Camp. Ich bin Christine Fleming, Illustratorin in Might Cent Studios. In diesem Teil des Bootcamps konzentrieren wir uns auf alle Künstler, die vor uns kamen und in die Welt der Kunstgeschichte eintauchen. Kunstgeschichte ist als Künstler sehr wichtig denn sie lässt Sie sehen und verstehen, was große Kunst ausmacht. Je mehr Sie über Kunstbewegungen, Kunstlegenden und deren Stile und Techniken wissen , desto mehr können Sie Ihre eigenen Arbeiten analysieren und verbessern. Alle Künstler werden von anderen Künstlern beeinflusst und das schließt auch Sie ein. Warum also nicht von den Meistern lernen? Kunstgeschichte wird auch die Gestaltungsprinzipien festigen , die wir bereits in dieser Serie gelernt haben, einschließlich Komposition, Farbe und Geste. Vom Impressionismus bis zum Surrealismus decken wir das Wer, was, wann, wo, warum und wie von sieben modernen Kunstbewegungen ab. Ich zeige dir das jetzt mit spezifischen Techniken aus jeder Bewegung, die du ausprobieren und auf deine eigene Arbeit anwenden kannst. Für unser Klassenprojekt kreieren wir ein neues Kunstwerk, das von einer Kunstbewegung inspiriert ist und eine der in der Klasse gezeigten Techniken verwendet wird. Am Ende dieser Klasse haben Sie ein besseres Verständnis der Kunstgeschichte, spezifische Techniken, die Sie für Ihre eigenen Arbeiten anwenden können, und einen Haufen Inspiration, um sich über neue Kunst zu begeistern. Also lasst uns reinspringen und alle Regeln brechen. 2. Impressionismus: Impressionismus begann in Frankreich und reicht von den 1860er bis in die 1920er Jahre. Die wichtigsten Akteure des Impressionismus, wo Monet, Degas, Renoir und Sisley. Das Ziel des Impressionismus war es, flüchtige Momente und Licht in der Natur zu erfassen. Die Impressionisten rebellierten gegen den Realismus. Sie rebellierten auch gegen akademische Kunst, staatlich sanktionierte Kunst und das Niveau von Finish und Detail, das der Realismus zu dieser Zeit erfordert. Wie hat sich der Impressionist rebellieren? Zuerst rebellierten sie, indem sie verschiedene Themen wählten, um zu malen. Kunstakademien, damals die herrschende Macht und Kunst, erklärten, dass nur historische Kunst es wert sei, zu schaffen und zu schätzen. Die Impressionisten gingen dagegen und glaubten, dass Landschaften und zeitgenössisches Leben auch der Malerei würdig seien. Impressionisten nahmen diese Idee weiter, indem sich auf bestimmte Tageszeiten in ihrer Malerei konzentrierten und im Laufe der Zeit durch Details in der Natur, wie Wolken, die durch Wasser überschwemmt werden, oder Wellen zeigen . Das Ziel, einen Moment im zeitgenössischen Leben und die Flüchtigkeit dieses Augenblicks einzufangen. Der Impressionist änderte auch die Art und Weise, wie Farbe in Kunstwerken verwendet wurde. Sie drückten die Grenzen der Farbe und konzentrierten sich auf das Licht und die Farbe in der Natur. Die Impressionisten zählten zu den ersten, die Landschaften im Freien malen, Teil wegen der Erfindung von Farbtuben und konzentrierten sich auf die Malerei bestimmter Tageszeiten. Dies zwang sie, schnell zu arbeiten, um das Licht zu erfassen, bevor es verblasste und zu ihnen führen, Farbe und kleine farbige Striche aufzutragen, ohne sich Gedanken über Umrisse oder Details zu machen. Das bringt uns zu den kleinen Pinselstrichen, dem bekanntesten Aspekt des Impressionismus. Impressionist mit kleinen Pinselstrichen von reiner Farbe gemalt , die zusammen verschmolzen, als der Betrachter aus dem Gemälde zurücktrat. Anstatt die einzelnen Striche zu sehen, verschmelzen sich die Farben und Sie sehen die Gesamtkomposition. Dadurch wurden hellere Farben und ein weiches unvollendetes Aussehen geschaffen. Die schnell bemalten kleinen Pinselstriche in reiner Farbe kreierten einen Blick von Skizze oder Vorarbeiten, der von Kritikern zunächst als unvollendet und einem Museum oder einer Galerie nicht würdig angesehen wurde . Hier stammte der Name Impressionismus, als ob es sich um Eindrücke und nicht vollendete Kunstwerke handelte. Die letzte Art und Weise, wie der Impressionist rebellierte, war, die Regeln der Komposition zu brechen. Damals wurde den Künstlern angewiesen, alle Gestaltungsprinzipien zu verwenden, um zu einem Schwerpunkt des Kunstwerks zu führen , das fast immer in der Mitte des Stückes stand. Impressionisten warfen dies aus dem Fenster und schieben die Grenzen der Komposition, schneiden ihre Arbeit asymmetrisch ab und konzentrierten sich oft auf Themen an den Rändern des Kunstwerks. Wie können wir einige der Techniken des Impressionismus in unserer eigenen Arbeit einsetzen? Der erste Weg besteht darin, die Art und Weise, wie Sie Farbe verwenden, zu verschieben. Die herkömmliche Art, Schatten zu malen, ist schwarz oder braun zu verwenden , aber die impressionistische Art, Schatten zu malen, ist die Verwendung von ergänzenden Farben. Zum Beispiel ist der Schatten dieses gelben Heuhaufens lila anstelle von braun gemalt. Sie können auch die Art und Weise ändern, wie Sie Pinselstriche in Ihrem Bildmaterial verwenden. Der konventionelle Weg war, Striche nicht sichtbar zu lassen und Farben glatt auf der Leinwand zu mischen. Der impressionistische Weg ist es, mit individuellen kleinen Strichen reiner Farbe zu malen. Wenn du es wolltest, könntest du sogar versuchen, draußen zu malen, genau wie ein Impressionist. 3. Post-Impressionismus: Post-Impressionismus begann in Frankreich. Es ereignete sich zwischen den 1880er und den 1900er Jahren. Die wichtigsten Akteure des Post-Impressionismus, wo Rousseau, Van Gogh, Cézanne und Gauguin. Post-Impressionismus nahm die Prinzipien des Impressionismus und schub sie weiter und fügte mehr Subjektivität hinzu. Sie rebellierten gegen den Impressionismus und insbesondere die Aufmerksamkeit von Licht und Farbe in der Natur. Sie wollten einige der Prinzipien des Impressionismus noch weiter vorantreiben. Also, wie haben sie sich aufgeregt? Zuerst haben sie geometrische Formen zu ihrem Kunstwerk hinzugefügt. Sie behielten die skizzenhafte Qualität des Impressionismus, experimentierten aber mit verschiedenen Formen und ihren Pinselstrichen. Sie fügten auch mehr Verzerrungen in ihrem Kunstwerk hinzu und versuchten nicht , die Dinge direkt so darzustellen, wie sie in der Natur waren. Sie wollten ein bisschen mehr Ausdruckskraft zeigen und wie sie die Welt darstellten. Die Post-Impressionisten auch, wir haben keine Angst, unnatürliche Farbe zu verwenden. Sie lehnten das Ziel des Impressionisten ab, Farbe genau so zu erfassen, wie es in der Natur war. Stattdessen verwendeten sie die Farben, die sie richtig gehalten hatten, um das Gefühl des Kunstwerks zu vermitteln. Schließlich wollen sie ihren Sinn für Geist mit ihrer Kunst vermitteln. Sie wollten nicht nur die Natur vermitteln, wie es der Impressionist getan hat, sondern ihr eigenes Verstand und ihre Interpretation der Welt vermitteln. Wie können wir also die Techniken des Post-Impressionismus nutzen? Zuerst können Sie versuchen, hellere Farben in Ihrer Kunst zu verwenden. Die konventionelle Art und Weise ist, Farben zu malen, wie sie in der Realität oder in der Natur sehen. Der post-impressionistische Weg ist es, Farben zu übertreiben , um helle und vielleicht unnatürliche Farbe zu enthalten. Sie können sich auch auf Ihren Sinn für Geist konzentrieren. Die konventionelle Art und Weise ist es, die Welt so zu malen, wie sie ist, und der postimpressionistische Weg ist, die Welt zu malen, wie Sie sie sehen und fühlen. 4. Fauvismus: Fauvismus begann auch in Frankreich. Es ereignete sich zwischen 1900 und 1910. Im Moment werden wir den Expressionismus überspringen und zum Fauvismus springen. Expressionismus entwickelte sich über einen längeren Zeitraum. Wir werden in ein paar Jahrzehnten darauf zurückkommen. Die Hauptakteure des Fauvismus waren Derain und Matisse, die Künstler, die Fauvismus bildeten, oder oft Les Fauves genannt, was das wilde Tier bedeutet. Gemeinsam haben sie die Grenzen der Farbe geschoben, Form zu definieren und Stimmungen zu erzeugen. Der Fauvist rebellierte gegen den Impressionismus. Der Fauvist rebellierte gegen den Impressionismus, insbesondere den wissenschaftlichen Fokus auf das Erscheinungsbild der Natur und den zurückhaltenden Gebrauch von Farbe. Wie haben sich die Fauvisten rebelliert? Zuallererst verwendeten sie Farbe als Form. Sie vereinfachten Formen und verwendeten kräftige flache Farben. Sie benutzten auch Farbe als Stimmung. Sie verwendeten lebendige Farben, um Emotionen zu verstärken und zielten darauf ab, eine Stimmung mit ihrer Farbe zu projizieren, nicht nur reflektieren, was in der Natur gesehen wurde. Fauvismus ist auch an seiner mutigen Pinselarbeit erkennbar. Sie hielten die Sichtbarkeit der Bürste vor dem Impressionismus, aber sie verwendeten kühnere und größere Pinselstriche. Sie fügten auch noch individueller Ausdruck hinzu. Sie legen mehr Wert auf subjektiven Ausdruck als auf andere Prinzipien wie korrekte Proportionen oder Perspektive. Wie können wir die Techniken des Fauvismus in unserer Arbeit einsetzen? Zuerst können wir die Farbe aufpumpen. Der konventionelle Weg war, Farbe natürlich zu malen. Der Fauvisten Weg ist, Farbe zu malen, um die Stimmung zu setzen. Wir können auch kräftige Pinselstriche verwenden. Die konventionelle Art und Weise war es, Details mit kleinen, glatten Pinselstrichen zu malen. Der fauvistische Weg besteht darin, Formen mit großen gebeugten Pinselstrichen zu malen. 5. Kubismus: Kubismus begann in Frankreich und Spanien von 1906 bis 1919. Die wichtigsten Künstler im Kubismus waren Picasso und Braque. Kubismus war eine philosophische Art, tief über die Vision nachzudenken und wie sie dargestellt wird. Die Kubisten rebellierten gegen Impressionismus, Fauvismus und Renaissance. Sie lehnten die Idee der linearen Zeit aus der Renaissance, die Fokussierung auf bestimmte Momente des Impressionismus und die Farbpalette des Fauvismus ab. Dieses Gemälde von Picasso wird argumentiert, dass das erste Stück, das Kubismus begann, nach einigen Historikern. Zu dieser Zeit war es die Geburt einer völlig neuen Art, Kunst zu visualisieren und zu erschaffen, und soll etablierte Konventionen heftig aufgehoben haben. Es gibt viele Aspekte dieses Gemäldes, die Ablehnungen aller Kunstwerke waren , die vor ihm kamen. Zunächst einmal ist die Kulisse innen, geschlossen und überladen, was das Gegenteil von Impressionismus und Fauvismus ist. Das Stück hat auch scharfe gezackte Foren, im Gegensatz zu den zentralen anmutig fließenden Linien und Formen von Impressionismus und Fauvismus. Die Stimmung oder Emotion des Stückes ist ziemlich besorgnant und unsicher, während die Stimmung und Emotion der meisten impressionistischen und fauvistischen Stücke angenehm waren. Die Figur/Boden-Beziehung in diesem Stück ist ebenfalls aufgelöst und schwer zu sehen. Picasso zeigte zwei verschiedene Momente in der Zeit, was eine völlig revolutionäre Idee war. Schauen wir uns einige spezifische Wege an, die der Kubismus entwickelt hat. Erstens hielten sie die Ebenheit vom Fauvismus ab. Sie wollten die Leinwand nicht maskieren, sondern ließen den Betrachter sie für das erkennen, was sie ist, und versuchten nicht, eine Illusion der Tiefe im Kunstwerk zu erzeugen. Sie lehnten die klaren, hellen Pigmente des Fauvismus und verwendeten stattdessen tiefere, schlammige Töne, eher urbane mit dunklen Farben, Schwarzen und Grauen. Sie zerteilten die Oberflächen ihrer Malerei in kleine gezackte Bereiche der Farbe und facettierten die Behandlung von Festkörpern und Raum. Kubismus ist auch für Gleichzeitigkeit bekannt. Dies geschieht, wenn sich alle Oberflächen von Objekten in einer einzigen Ebene befinden, als wären alle Flächen gleichzeitig sichtbar. Das war zu dieser Zeit auch völlig revolutionär. Aber die Kubisten taten das nicht nur, um seltsam zu sein, sie taten es, um über ein Gefühl des flüssigen Bewusstseins zu denken und zu kommunizieren, das Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft verwischt. Sie waren herausfordernd und rebellierten gegen die akzeptierte Renaissance-Art, die Zeit linear zu betrachten, was so ziemlich ist, wie wir heute noch über die Zeit denken. Sie zeigten das Thema nicht nur aus einem bestimmten Moment wie die Impressionisten, sondern zeigten das Thema aus verschiedenen Blickwinkeln zu verschiedenen Zeiten, als ob wir alle mehrere Dimensionen sehen würden. Wie können wir die Techniken des Kubismus in unseren eigenen Kunstwerken einsetzen? Zuerst können wir Formen in Facetten zerlegen. Der konventionelle Weg besteht darin, Formen so zu malen, wie sie sind. Der Kubisten Weg besteht darin, die Form zu brechen, um die Figur/Bodenbeziehung aufzulösen. Wir können auch verschiedene Standpunkte in unserem Kunstwerk zeigen. Der konventionelle Weg ist es, aus einer Sicht zu malen. Der Weg der Kubisten ist, von allen Gesichtspunkten auf einmal zu malen. 6. Expressionismus: Expressionismus begann in Deutschland und reichte von den 1890er bis in die 1930er Jahre. Die wichtigsten Expressionisten waren in Munch, Kandinsky und Klee. Die Expressionisten wollten die Welt als innere, emotionale und spirituelle Erfahrung darstellen . Sie rebellierten gegen das impressionistische Ziel, die Natur und die äußere Welt darzustellen, wie sie gesehen wird, und auch gegen die fauvistische Fröhlichkeit. Wie haben sich die Expressionisten rebelliert? Erstens konzentrierten sie sich auf die Selbstdarstellung. Sie sahen die individuelle Stimme als das wichtigste Stück des Kunstwerks. Dabei erkundeten sie die Seele und nicht nur die Außenwelt. Sie waren intern und nicht nur extern. Sie glaubten an völlige Meinungsfreiheit, frei von Konventionen oder Regeln. Sie injizierten auch viel Emotion in ihre Arbeit. Während die Fauvisten auch Farbe, Pinselarbeit und Formen verwendeten , um Emotionen auszudrücken, der Expressionismus durch die Intensität ihrer Emotionen und den Unterschied der Emotionen hervor , die sie zum Ausdruck brachten. Einige der Emotionen, die sie erforschten, umfassten Unsicherheit , Feindseligkeit, Angst und Entfremdung. Sie unterschieden sich auch darin, welche Farben sie in ihren Kunstwerken verwenden wollten. Sie übertrieben Farbe, um Emotionen auszudrücken und Stimmung zu schaffen. Sie benutzten auch kühne Pinselarbeit, wie die Fauvisten taten, um Emotionen auszudrücken. Sie fügten auch in Verzerrung und Übertreibung hinzu, um die individuelle Stimme zu erhöhen. Wie können wir die Techniken des Expressionismus nutzen? Zuerst können wir unsere emotionale Seite angreifen. Der konventionelle Weg war, die äußere Welt zu malen. Der expressionistische Weg ist, deine innere Welt zu malen. Wir können auch Farbe und Pinselarbeit verwenden, um Emotionen zu erzeugen. Der konventionelle Weg war, weiche Farben und Pinselstriche zu verwenden. Der expressionistische Weg besteht darin, tiefe Farben und kräftige Pinselstriche zu verwenden. 7. Dadaismus: Dada begann in der Schweiz und zog dann nach Berlin, Köln und New York. Es reichte von 1916-1922. Die großen Künstler in Dada waren Duchamp, Ernst und Ray. Dada war Kunst im Namen von Idealen gemacht protestierte gegen die aktuellen politischen und kulturellen Normen. Die Dada-Künstler rebellierten gegen Krieg, etablierte Werte und Expressionismus. Word War I entzündete Dada, als deutsche Künstler in die Schweiz flohen. Sie glaubten nicht, dass die Expressionisten gewagt genug waren, oder erkannten, was damals in der Welt vor sich ging. Sie lehnten alles ab, was in der Kunstwelt etabliert oder akzeptiert wurde. Ein Aspekt von Dada, der einzigartig ist, waren die Manifeste. Die Künstler trafen sich zusammen und schrieben Manifeste und Zeitschriften, um zu protestieren, was in der Welt vor sich ging. Dada ist auch für seine Fotomontagen bekannt. Es handelt sich um Collagen aus Fotos und Texten aus Zeitungen, die aktuelle Ereignisse nutzen , um ihre Kunstwerke in den gegenwärtigen Moment zu bringen und gegen den Krieg zu protestieren. Sie nutzten die Konzepte der flachen Perspektive und Fragmentierung aus dem Kubismus. Sie nennen diese Fotomontagen oft visuelle Poesie. Dada brachte auch das Konzept der temporären Installationen mit. Oft hielten sie Ausstellungen mit Live-Auftritten ab. Bei einem Exponat 1920 in Deutschland betrat das Publikum die Ausstellung durch das Männerbadezimmer, wo eine Frau vor einer Reihe von Urinalen rohe gesprochene Poesie aufführte, dann erhielten sie eine Frau vor einer Reihe von Urinalen rohe gesprochene Poesie aufführte, Hämmer und ermutigten, die Exponat. Ein weiteres neues Konzept von Dada war der Einsatz von Zufall im Kunstschaffen. Künstler überließen Teile der Schöpfung dem Zufall. Dies wurde auch Automatismus genannt, der bewusste Absicht in der Schöpfung vermeidet. In diesem Beispiel von Jean Arp zerriss er Papierstücke und ließ sie fallen, als sie zufällig auf die Leinwand gingen. Das ist zumindest das, was Jean Arp sagt, aber ich habe das Gefühl, dass er später ein paar davon arrangiert hat. Die Dada's forderten auch die Definition von Kunst in Frage. Sie glaubten, dass jeder Künstler sein könnte und alles Kunst sein könnte. In diesem Beispiel nahm Duchamp ein Urinal aus einer Fabrik, signierte es und erklärte es für Kunst. Wie können wir die Techniken von Dada in unserer eigenen Arbeit einsetzen? Eine Möglichkeit ist, dass wir Fotomontagen erstellen können. Die konventionelle Art und Weise war, eigene Bilder zu malen. Der Dada-Weg bestand darin, Bilder aus Zeitungen neu zu verwenden. Wir können Kunst auch als Protest und Kommunikationsform nutzen. Die konventionelle Art und Weise war Kunst zu schaffen, um die Welt zu beschreiben. Der Dada-Weg war es, Kunst zu erschaffen, um deine Überzeugungen zu verkünden. 8. Surrealismus: Der Surrealismus begann in Frankreich und zog dann nach London und New York. Es ist verboten von den 19zwanziger bis zu den 1960er Jahren. Der große Surrealisist, wo Ernst, Miro, Dali und Magritte. Der Surrealisist zielte darauf ab, Kunst aus dem Unterbewusstsein zu machen und die Phantasie des Unbewussten zu erforschen. Da über gegen Dada und alle rationalen Gedanken. Insbesondere rebellierten sie gegen die Negativität von Dada und das Konzept, dass rationales Denken die einzige Denkweise sei. Also, wie haben sie sich rebelliert? Zuerst entwickelten sie die Technik, die psychische Automatismus genannt wird. Dies ist eine Möglichkeit, das Unterbewusstsein übernehmen zu lassen und bewusste Kontrolle zu leugnen. Ein gewisses Konzept ist die freie Assoziation, aus Ihren eigenen Gedanken und nicht aus anderen Anregungen arbeitet. Der psychische Automatismus entleert euren Geist des bewussten Denkens, verbunden spontan. Was auch immer in den Sinn kommt, ist der Ausdruck eures unbewussten Geistes. Dies bilden die Idee der Skizze. Dann würde der Surrealisist es verfeinern. Die Kombination von Traum und Realität, um Surrealität zu erschaffen. Die Interpretation von Träumen war ein weiterer Aspekt des Surrealismus. Sigmund Freuds Erforschung von Träumen wurde zur Grundlage des Surrealismus. Sie glaubten, du könntest das Unbewusste durch Analyse von Träumen freischalten. Diese Szenen von unsinnigen Bildern wurden in einem realistischen Stil gemalt , der darauf abzielte, den Betrachter dem Irrationalen zu öffnen. Ein weiterer Aspekt des Surrealismus war die Gegenüberstellung. Gegenüberstellung ist die Gruppierung von nicht verwandten Objekten. Die Surrealisten glaubten, dass das Malen unverwandter Bilder zusammen unbewusste Denken ermutigte und Ihr Gehirn ermutigte, neue Verbindungen zu knüpfen. Wie können wir also die Techniken des Surrealismus in unserer eigenen Arbeit einsetzen? Erstens können wir am Automatismus teilnehmen. Die konventionelle Art und Weise ist es, Ihr Kunstwerk gründlich zu planen. Der surrealistische Weg ist, alles zu zeichnen, was dir in den Sinn kommt, und dann gehst du zurück und verfeinert es. Wir können auch die Interpretation unserer Träume und unserer Kunstwerke nutzen. Der konventionelle Gedanke ist, dass Träume unwichtig sind, aber ein Surrealisist wird Sie darauf herausfordern. Das schließt unsere Zeitachse für Kunstgeschichte ein. Vielen Dank, dass Sie diese Klasse besucht haben. Ich hoffe, Sie fühlen sich von all diesen grenzüberschreitenden Kunstbewegungen inspiriert. Ich hoffe wirklich, dass Sie Ihr eigenes Kunstwerk mit einer dieser Techniken erstellen. Ich würde gerne sehen, was du dir einfällt. Sie können Ihr Kunstwerk in die Projektgalerie hochladen, indem Sie auf der Community-Seite auf die Schaltfläche „Projekt starten“ klicken. Sie können auch überprüfen Sie Ihre Kommilitonen arbeiten und sehen, was sind die Box-Artwork, die sie erstellt haben. Ich schaue mir jedes Projekt an, das in all meinen Klassen gepostet wurde und ich liebe es, deine Arbeit zu sehen. Viel Spaß beim Brechen aller Regeln. Ich kann es kaum erwarten, Ihre Kunstgeschichte inspirierenden Projekte zu sehen. Wir sehen uns in der nächsten Kunsthochschule.